A Domenico Theotocopoulos (Creta 1541-Toledo 1614)

The nobleman with the hand on the chest

I began in 2013 my series Homage to El Greco: “The nobleman with the hand on the chest”, a painting in grey shades, painting in pure form. This portrait will be one of the great works of El Greco. It is a trial of a single portrait, truly deriving from Titian and Tintoretto, but developed by him with a very personal style. Technically, each portrait is a world and Venice will be essential in the life of the painter.

When he arrives to Venice, El Greco is a painter of icons, when he leaves Venise is an extraordinary painter with the brilliant colors of the “Scuola Veneziana”, the oil technique and the innate sense of color. Working in a venetian bottega, he will know thoroughly the thecnic of the great venetian masters. There is before and after Venice.

For an artist of the Renaissance, the important was not drafting materially the painting. The important was the “Idea”, and idea and intellectual creation are fundamentals in El Greco.

My idea was to take up again the character of the “The nobleman with the hand on the chest” and make noblemen and noblewomen of other time, ours. In this cavalcade appear Rilke, Albert Einstein, Yehudi Menuhin, Maria Callas, Luchino Visconti, Steven Spielberg, Frida Kahlo-Salma Hayek, Robert de Niro, Penélope Cruz, Javier Bardem… till 54 characters… for the moment being.

El Greco had a great influence on modern painting, from Cezanne to Modigliani, Pollock, Matta, Giacometti…we must be thankful to Venice and its Scuola for giving us this extraordinary painter.

El caballero de la mano en el pecho

Comencé en 2013 mi serie Homenaje a El Greco: “EL caballero de la mano en el pecho”, un cuadro de tonos grises, pintura en estado puro. Este retrato será una de las grandes obras del Greco. Es un ensayo de retrato individual, en verdad derivado de Tiziano y Tintoretto, pero que él desarrollará con un carácter muy personal. Técnicamente cada retrato es un mundo y Venezia será fundamental en la vida del pintor.

Cuando llega a Venezia, El Greco es un pintor de iconos, cuando deja Venezia es un pintor extraordinario con los brillantes colores de la “scuola veneziana”, la técnica del óleo y un innato sentido del color. Trabajando in una bottega di Venezia conocerá a fondo la técnica de los grandes maestros venecianos. Hay un antes y un después de Venezia.

Para un artista del Renacimiento, lo importante no era la ejecución material del cuadro, lo importante era “la Idea”, e idea y creación intelectual son fundamentales en El Greco.

Mi idea fue retomar el personaje del “El caballero de la mano en el pecho “y hacer caballeros y caballeras de otra época, la nuestra”. En esta cabalgada surgen Rilke, Albert Einstein, Yehudi Menuhin, Maria Callas, Luchino Visconti, Steven Spielberg, Frida Kahlo-Salma Hajek, Robert de Niro, Penélope Cruz, Javier Bardem… así hasta 54 personajes… de momento.

El Greco ha tenido una gran influencia sobre la pintura moderna, de Cèzanne a Modigliani, Pollock, Matta, Giacometti… debemos agradecer a Venezia y a su scuola por habernos dado este extraordinario pintor.

“Peace flows like a river and brings passion and serenity into balance. When a long-suffering soul brimming with compassion is joined with a temperament which bellows out its rejection of the intolerable, when the creative impulse is combined with the power and precision of a great artist, we have both genius and masterpiece, and dare I say it, a being filled with grace and mystery.”

Yehudi Menuhin

“La paz es un flujo que enlaza a la vez pasión y serenidad, pero en equilibrio. Cuando un alma sensible y llena de compasión se alia con un temperamento que grita el rechazo a lo intolerable, cuando el impulso creador se alía con la maestría y la precisión de un gran arte, teneís a la vez genio y obra maestra y, si puedo decirlo, un ser lleno de gracia y misterio.”

Yehudi Menuhin was an American-born humanist, violinist and conductor. He was a British Lord (Baron Menuhin OM, KBE) and European by choice. He received the Prize Príncipe de Asturias, Wolf Prize, and the Ernst von Siemens Music Prize, among many others.

Yehudi Menuhin, fue un humanista, violinista y director de orquesta nacido en los Estados Unidos. Fue Lord Británico (Baron Menuhin OM, KBE) y ciudadano europeo de opción. Recibió los premios Príncipe de Asturias, Wolf, y Ernst von Siemens, entre muchos otros. #2 El Caballero Tony Servillo Óleo sobre lienzo / 100 x 81 cm. / 2013

For tolerance

In its own way, the exhibition of Sofia Gandarias contributes to the battle that each one of us must wage on behalf of tolerance. Some people contribute orally, others in writing. Sofia has chosen painting. First of all, we seek to be tolerant ourselves, setting an example for others; we try meanwhile to function so that together individuals and nations become aware of the fundamental aspect of this collecrive and personal responsibility that nowadays, unfortunately, is being put to a challenging test.

Through her portraits, thanks to the connections they forge between themselves and events, Sofia Gandarias reminds us that despite the drama of the moment, one must never despair at being human. Sarajevo, martyred city, city the new barbarians want to destroy in order to destroy with it the symbols of tolerance it represents, city which resi ts, to hope. The paintings of this artist are at once a cry of desperation and a cry of hope.

Desperation in the face of murderous madness and ethnic cleansing, desperation owing to the schism imposed on a people who would live in harmony, desperation before the tombs of small children.

Hope that demonstrates that a dialogue, a living in harmony among minorities, and the coexistence of religions can exist, and serves that on which depends the fate of mankind, and the future of our children.I hope that this message will be heard by everyone, because each one of us is responsible for the tolerance that cries out for solidarity and offers us peace.

Simone Veil was a french lawyer and politician, and a survivor of the Holocaust. She was a Government Minister, first President of the European Parliament directly elected, and member of the French Constitutional Council. She was receipient of the Prince of Asturias Award.

Simone Veil

Por la tolerancia

A su manera, la exposición de Sofía Gandarias contribuye a la lucha que cada uno de nosotros debe llevaren favor de la tolerancia. Algunos contribuyen con la palabra, otros con sus escritos. Sofía Gandarias ha elegido la pintura. Tratemos ante todo ser nosotros mismos tolerantes. Lo cual exige un despertar hacia el otro: intentemos también actuar para que los grupos humanos y los Estados tengan conciencia del carácter primordial de este compromiso colectivo y personal que desgraciadamente está sometido a difícil prueba.

Por sus retratos, por los lazos que establece entre ello y los acontecimientos, Sofía Gandarias nos recuerda, a pesar de la dramática actualidad, que no hay que desesperar nunca del ser humano. Sarajevo, ciudad mártir, ciudad que los nuevos bárbaros quieren destruir por el símbolo de tolerancia que representa, ciudad que resiste, ciudad que mantiene su esperanza a pesar de todo. Las pinturas de la artista sobre la ciudad son a la vez un grito de desesperanza y de esperanza.

Desesperanza frente a la locura asesina y la purificación étnica, desesperanza debida a la fractura impuesta a pueblos que vivían en armonía, desesperanza ante las tumbas de criaturas.

Esperanza para demostrar que el dialogo, la convivencia entre minorías y la coexistencia entre religiones pueden existir y que de ello depende la suerte de la humanidad, el futuro de nuestros hijos. Deseo que este mensaje sea escuchado por todos porque todos y cada uno somos responsables de la tolerancia que apela a la solidaridad y nos ofrece la paz.

Simone Veil fue una abogada y política francesa, superviviente del Holocausto. Fue Ministra de Gobierno, primera Presidenta del Parlamento Europeo elegido por sufragio directo, y miembro del Consejo Constitucional de Francia, entre otros cargos. Recibió el Premio Príncipe de Asturias.

El ojo visionario de Sofía Gandarias

What is the significance of the art of the portrait –and od painting itself– for Sofia Gandarias? As she herself has said in relation lo the revolution brought about in modern painting by her master, Velazquez, the secret may lie in turning all painting into portraiture. This principle suggests that the presence of the human figure at the centre of her art does nor merely represent a preference for a certain kind of subject-matter; rather, it is the focal point of her vision of the world, life and society. Her art is thus the expression of -to put it in her own terms- a vital awareness of the world and the time that she lives in, in the spirit of a commitment which is both moral and aesthetic.This attitude implies a choice based on experience, as the very essence of her vocation. Her task is of great difficulty and complexity; it could be redefined. if we invert Velazquez's principie, as turning all portraiture into painting: that is, turning portraiture into the 'central idea' of painting.

If we adopt this totalizing concept, then, by a kind of pictorial metonymy, the part or particular form -the portrait- comes to embody the whole painting- in all its varied manifestations. This idea arises at a rime when -as the artist herself recognizes- figurative forms, and especially portraiture, are in decline. Nevertheless, these forms are rooted in the beginnings of human history, and lie at the base of all the world's art. From Plato's cave to the caves of Altamira and the milieux of contemporary painting, shadow and profile have been synonymous with image –with the imago– which has been endlessly created and destroyed over history and prehistory.

Augusto Roa Bastos was a Paraguayan writer, journalist and script author. He holds the Cervantes Prize, the Latin American Memorial Prize for Letters, andthe British Council Prize, among many others.

Augusto Roa Bastos

El ojo visionario de Sofía Gandarias

¿Qué es el retrato, y, en definitiva, qué es la pintura para Sofía Gandarias? Acaso, como ella misma lo seña-a propósito de la revolución instaurada en la pintura moderna por su maestro Velázquez, consista en hacer que la pintura toda sea retrato. Principio que nos llevaría a entender que la figura humana en cuya estética se basa principalmente no es una simple preferencia temática, sino el centro focal de una visión del mundo, la vida, de la sociedad. Su estética se convierte así en expresión de lo que la artista llama conciencia vital de la realidad y del tiempo que le toca vivir. Actitud que ella asume como un compromiso a la vez ético y estético. Tal actitud define una elección experimentada como el sentido mismo de su vocación. La más difícil y compleja, la que podría redefinirse, invirtiendo el principio de Velázquez: hacer que el retrato todo sea pintura; o sea, hacer que el retrato se constituya en la «idea central» del hecho pictórico.

Esta idea globalizadora concibe que por una suerte de metonimia pictórica una parte, una forma, el retrato, encarne la totalidad de la pintura en sus múltiples manifestaciones. Y todo esto en una época en que, como la propia artista lo reconoce, se asiste a la declinación de las formas figurativas, en particular la del retrato. Formas que sin embargo ahondan sus raíces en los comienzos de la historia humana y forman los orígenes sedimentarios de la historia universal del arte. Desde las cavernas de Platón a las cuevas de Altamira y los centros de pintura con-temporánea, sombra y figura son sinónimo de imagen (de la imago) que se integra y desintegra sin cesar en historia y prehistoria.

Augusto Roa Bastos fue un escritor, periodista y guionista paraguayo. Recibió el Premio Cervantes, el Premio de las Letras Memorial de América Latina, y el British Council Prize, entre muchos otros.

In full awareness of this situation, Sofia Gandarias has made her choice, not out of a melancholy clinging to a lost cause, bur from an exemplary commitment to self-discipline. She is thus able to contribute, within her capacities and limits, with new symbols in visual language, to the enrichment and renewal of an art in constant flux. It is her task to find –in the terms of Kafka's marvellously brief parable– that ray of light which has always been here yet exists (or appears) only when discovered by the visionary eye.

This possibility of the unknown is to be found above all in the most familiar places. Authentically new creation arises not in the actual product, but in the way of producing that timeless thing, reborn with each new day, which is art. The unknown reveals itself in the meeting of artist, artwork and public. For change does not happen only in the creative art which embodies the private world of the creator; there is also constant change and evolution in the gaze of the person who appropriates the artwork and is possessed by it, in what may be called the art of contemplation.

From the meeting in the artwork of two subjectivities –those of the artist and the person who contemplales– there arises the revelatory power of the work itself, as a third subjectivity which expresses and links the first two, in keeping with the cultural and social density of their world.

If painting is a representation or language of the visible, the portrait form (this term is more appropriate than "genre") obviously implies an individualized object and an immediately realized background. This individualized representation of living models, which our period sees as lifedenying and anti-human, is one of the most attractive aspects Sofía Gandarias

Consciente de esta situación, Sofía Gandarias asume su elección no como un melancólico desafío ante una causa perdida sino como una ejemplarizadora voluntad de ascesis. Ello le permite contribuir, dentro de sus posibilidades y sus límites, con nuevos signos en el lenguaje de lo visible, al enriquecimiento y renovación de un arte en continua metamorfosis. Encontrar, según la brevísima parábola de Kafka, ese rayo de luz que siempre estuvo ahí pero que no existe (que no aparece) más que cuando el ojo visionario lo descubre.

Esta posibilidad de lo inédito se encuentra en los caminos más trillados y precisamente en ellos. Lo inédito se produce no en lo que se hace sino en cómo se hace esa cosa sin tiempo que es el arte pero que a cada mañana renace. Lo inédito se revela en la confluencia del espectador, el artista y la obra. Porque lo que cambia no es solamente el arte creativo en el que está presente el mundo íntimo del creador: cambia también y evoluciona constantemente la mirada del espectador que hace suya la obra y se deja poseer por ella, en lo que podría llamarse el arte de la contemplación.

El encuentro en el cuadro de las dos subjetividades –la del artista y la del observador– permite así el surgimiento de los valores de revelación de la obra como otra subjetividad que comunica y correlaciona las dos anteriores según el espesor cultural y social en que estas subjetividades se hallan inmersas.

En este espectáculo o lenguaje de lo visible que es el arte pictórico, la forma retrato –para no hablar más de género, impropiamente– comporta, como es obvio, individualización del objeto e instantaneidad de la escena. Y se me ocurre pensar que esta representación individualizada de modelos vi

#4 El Caballero Yehudi Menuhin Óleo sobre lienzo / 100 x 81 cm. / 2013

vientes, en nuestra época negadora de la vida y de lo humano, es uno de los alicientes mayores en la elección temperamental y estética de nuestra artista.

Tal individualización e instantaneidad supondrían sin embargo, en un primer momento, el aislamiento del objeto en sí en un espacio que sólo a él corresponde: espacio que por ello mismo quedaría abolido o en suspenso. El tiempo incluso quedaría abolido o en suspenso en esa instantaneidad que se volvería pura permanencia. Duración inmóvil de la escena en torno al objeto (el modelo) convertido en sujeto: es decir, en una presencia inmutable. Y esta presencia es la de un personaje identificable, la de un individuo representativo, que el retrato en cierto modo no puede no exaltar y celebrar.

Por otra parte, esta situación de individualización e instantaneidad de la escena, metamorfoseada en visualidad pura –o si se quiere, en pura inmanencia– parecería contradecir el anhelo de unión y comunión de la artista con su sociedad. Parecería negar su deseo explícito de acogerse a la realidad, de dar forma a las realidades de su época; de hacer que su estilo y su lenguaje sean expresión de una temporalidad y de una visión abierta y en movimiento. Lo cierto es que el arte de Sofía Gandarias logra hacer real en sus cuadros el principio de que el retrato todo sea pintura y que este hecho estético constituya un símbolo de unión entre el individuo y la sociedad. Hay en su arte una óptica o una lógica de la visión que rechaza el concepto «realista» que quiere hacer del cuadro el solo reflejo de lo real. Pero también rehúsa el concepto «idealista» que sólo busca la proyección de una subjetividad aislada en sí misma. of the temperamental and artistic choice of our painter.

This individualization and immediacy, however, necessitate in the initial stage the isolation of the object in itself, in a space of its own; that space itselfs consequently abolished or suspended. Even time is abolished or suspended in this immediacy which has become pure permanence. Against an immobile background, the object (or model) has become a subject, an immutable presence - the presence of an identifiable character, a representative individuality, which the portrait, in a certain sense, cannot but affirm and celebrate.

Yet this individualized and immediate scene, transformed into a pure visual phenomenon ¬–or into pure immanence– might seem to contradict the artist's yearning for union and communion with society. It might seem to negate her explicit desire to remain attached to reality, to give form to the circumstances of her day, to employ her style and language to express a time and a vision that are open and in movement. In the work of Sofía Gandarias, the principle of turning all portraiture into painting, so as to create a symbol of union between individual and society, is successfully realized. Her art embodies a perspective on vision which rejects the notion of "realism", which would reduce painting to the mere reflection of reality; at the same time, it also repudiates the "idealist" position which is concerned only with the projection of a self-absorbed subjectivity.

The goal has been realized in a moment prior to the reception of the work; in the artist's own words, "between the rapid conception of the artwork and its conclusion there lies its flesh and blood - the aesthetic emotion". Between those two moments, however- between the conception and execution of the portrait- comes the slow, arduous labour of investigation, the search for models in life and art: the penetration of those intimate worlds, replete with quintessentially human grandeur and suffering. This is evident even in those of her portraits which seem to be direct or "taken from nature"; her models are perceived with pilgrims' eyes, eyes which retrace and forget the road even as they travel it. Beyond the appearance or present semblance of the model, the visionary eye, looking to the past or the future, captures the multiple faces of the human personality: the sparkle of ephemeral youth, the deceptive softness and serenity which conceal secret obsessions, true generosity- but also the ravages of time, impressed inexorably on a countenance and spirit still turned, as if in aspiration, towards the light.

To paint a face is also to interpret a fact of nature. To reproduce a body, exposed like all natural bodies to its own finiteness and final disappearance, is not to copy it, but to transform it into an object that will bear witness to a life, a history, a destiny. This can only be achieved at the price of an agonized struggle (in Unamuno's sense) between the artist and her own tensions and obsessions.

Impelled by a thirst for knowledge through form, the artist contemplates her models with love but not indulgence, with irony but not bitterness, combining keen sensory awareness with firmness of vision. Sofia does not illustrate her models; she unearths them. She does not decorate them with Hay un momento, previo a la mirada del espectador, en que este hecho se ha producido. «Entre la concepción rápida y la conclusión de la obra –reflexiona la propia pintora– se sitúa la carne y la sangre de la obra de arte: la emoción estética». Pero entre esos dos momentos, la concepción y la ejecución del retrato hay el arduo y lento trabajo de indagación, de prospección en la vida y la obra de sus modelos: de penetración en esos mundos íntimos poblados de grandezas y miserias como todo lo humano. Se nota esto incluso en sus retratos directos o del «natural». Sus modelos son vistos con miradas de ojos en peregrinación que invierten y olvidan el camino al par que lo recorren. Más allá del parecido o de la apariencia actual del retratado, el ojo visionario capta, hacia el pasado o hacia el futuro, los múltiples rostros de la persona humana; los destellos de una desvanecida juventud, la mansedumbre y la serenidad simuladas que encubren secretas obsesiones, la auténtica generosidad desde luego, pero también las devastaciones del tiempo, que se anuncian inexorables sobre ese rostro, sobre ese espíritu, vueltos todavía hacia la luz como si suspiraran.

Pintar un rostro es también interpretar un hecho de naturaleza. Reproducir un cuerpo, expuesto como todos los cuerpos de la naturaleza a su finitud y desaparición, no es intentar su copia sino transformarlo en el objeto testimonial de una vida, de una historia, de un destino. Y ello sólo al precio de una lucha agónica, en el sentido unamuniano, por parte de la artista, enfrentada a sus propias tensiones y obsesiones.

Poseída por la pasión del conocimiento a través de las formas, la artista contempla a sus modelos con amor, pero sin complacencias, con ironía pero sin acritud, con ávida sensualidad, pero también