A través de su propia experiencia Karen Barbé analiza el escenario actual del diseño hecho a mano, una tendencia que se difunde por el mundo a través de internet y sus comunidades en línea. Nuevos valores impregnan este diseño: democrático, sustentable, autogestionado, nacido a partir de los principios de la artesanía, donde el autor, el proceso y los materiales son tan importantes como el producto final. Tal como el Arts and Crafts surgió como reacción al industrialismo de la Inglaterra de la segunda mitad del siglo XIX, el diseño hecho a mano lo hace en oposición a la masificación, sobreconsumo y pérdida de significado de los objetos. Hoy este nuevo diseño imita al movimiento inglés pero apoyado en las herramientas que le brinda el mundo virtual para construir, comercializar y difundir sus productos.
Diseño hecho a mano
Through her own experience, Karen Barbé analyzes the current scenario of handmade design, a trend that has widespread around the world through the internet and its online communities. New values impregnate this design: it is democratic, sustainable, self-manageable, born from the beginnings of craftwork where the designer, the process and the materials are as important as the final product. Similar to the arousal of the Arts and Crafts as a reaction to industrialism in the second half of the XIX England, handmade design emerges in opposition to mass production, overconsumption and the loss of meaning of objects. Nowadays, this new design imitates the English movement, but it is supported by the tools that the virtual world provides them to build, commercialize and promote their products.
Handmade Design
Textiles _ internet _ responsabilidad _ hecho a mano _ artesano. Textiles _ internet _ responsibility _ handmade _ craftsman.
Karen Barbé
Diseñadora de la Pontificia Universidad Católica de Chile _ Tecnología Textil en CSDMM, Universidad Politécnica de Madrid. Designer, Pontificia Universidad Católica de Chile _ Textile Technology in CSDMM, Universidad Politécnica de Madrid.
Hay un nuevo diseño. Un diseño basado en la tradición artesanal, más democrático, que convoca a profesionales y aficionados, autogestionado, sustentable y hecho en cantidades limitadas, que a través de pequeñas marcas salta al mundo de la mano de herramientas digitales que ayudan a la producción y difusión de sus artículos. Es el diseño hecho a mano, una rama que defiende el rol del diseñador no sólo como creador, sino también como hacedor de los productos que diseña. Diseñador y artesano a la vez. La tendencia surge como reacción a la masificación, sobreconsumo y pérdida de significado de los productos. De pronto los millones de artículos disponibles en el mercado, a pesar de tener un bajo precio, dejan de ser atractivos para el consumidor informado. Éste ya no quiere ser la figura final en la cadena de producción y venta, sino que quiere participar de ella e impregnar de nuevo significado a los productos que consume. El consumidor está interesado en conocer el origen de lo que compra e involucrarse con él.
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La idea no es nueva. Ya en la segunda mitad del siglo XIX, el Arts and Crafts irrumpe en Inglaterra proponiendo la asociación entre arte e industria. El movimiento abogaba por un nuevo industrialismo en el cual los intereses de las partes productoras y consumidoras estuvieran igualmente resguardados, unos exigiendo la oportunidad de expresión individual y los otros la satisfacción de sus mayores demandas. El pensador John Ruskin creía que el industrialismo —entendido como la producción de cantidad, la división de las etapas del trabajo (dividido según las
capacidades de cada máquina y no del operario) y la competencia desmedida— no sólo dañaba socialmente al productor, sino que también al consumidor. Al productor (o quien construye cada producto) porque lo degrada a un mero mecanismo ignorando sus otras facultades y lo disocia del producto terminado. Al consumidor porque la producción en grandes cantidades tiende a disminuir la calidad y la verdadera utilidad de lo que consume. Hoy varios diseñadores están conscientes de esto y han redireccionado su profesión y salido de las tradicionales líneas de
producción, para adoptar el diseño hecho a mano. Un diseño en que el diseñador está presente en la inversión, estrategia, creación, producción, difusión y venta de los productos. ¿Garantiza esto un producto más noble y real, un producto necesario? Soy una de estos diseñadores que trabajan por encontrar y entender el significado y trascendencia de los objetos, intentando desarrollar el verdadero rol del diseñador y la responsabilidad que conlleva ser creador de productos en el mundo de hoy. Sin embargo, cuando empecé a trabajar como diseñadora, no
sabía que orientaría mi carrera en esta dirección. Mis comienzos estuvieron en dos grandes empresas de marcas de consumo masivo de cobertura mundial, con producciones gigantes y distribuidas a través de estudiadas estrategias de ventas. Comencé mi etapa laboral trabajando como Product Manager Jr. de ropa y accesorios para una marca deportiva. Luego de haber operado en Chile como una licencia, la compañía estaba deseosa por reencontrarse con el mercado local. La esencia del trabajo era (aprender a) extraer los códigos de consumo de su público
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objetivo —colores prohibidos o infaltables, calces populares— y conectarlos con la identidad de la marca a través de una colección consistente y atractiva. El objetivo de ésta no sólo era enganchar con el consumidor final, sino también con los clientes mayoristas (cadenas de retail y tiendas especializadas), quienes muchas veces tienen una visión particular del mercado. Posteriormente me desempeñé como diseñadora de marketing internacional en una viña chilena. En este caso, el propósito igualmente era atraer al consumidor final y mayorista a través de material de venta específico para cada país y marca de vino. La diferencia fundamental con el trabajo anterior era que la viña contaba con un portafolio estable de vinos, por lo que el desafío radicaba en reinventar y reintroducir cada cierto período las mismas marcas, haciéndolas ver frescas y renovadas a ojos del cliente. Después de haber seleccionado cientos de prendas deportivas, coordinado la producción de varias de ellas con Oriente y haber creado un surtido de material de ventas para millones de botellas de vino, sentí la necesidad de reencontrarme con mi pasión original —los textiles— y orientar mi carrera de manera opuesta a como la venía desa-
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rrollando: quería pensar en un diseño que tomara en cuenta los valores del trabajo manual. Más tarde tuve la oportunidad de viajar a Estocolmo y residir allí por un par de meses. Conocer de cerca marcas como Marimekko, Svensk Tenn, Tiogruppen —que a través de sus diseños redefinen lo que es el diseño de superficies— contribuyó a estimularme creativamente y a alentarme a tomar mi propio rumbo como diseñadora independiente. Al mismo tiempo me introduje en el mundo de los blogs de diseño y decoración: había tanto por descubrir y ver, pero más que eso, por compartir dentro de una comunidad de artistas, diseñadores y aficionados al tema. Creé mi propio blog y una de las decisiones más acertadas fue la de comenzar a bloguear en inglés. La gran mayoría de los blogs que visitaba estaban escritos en inglés, por lo que me pareció natural hablar en el mismo idioma para poder conectarme con ellos, lo que me abrió a un mundo (y eventualmente a un mercado) al cual no podría haber tenido acceso si lo hubiera hecho en español (más tarde escribiría en inglés y español simultáneamente, para así captar al público de España, Chile y América Latina). Por esos días ya me había reencontrado con el mundo textil
Nuevos valores impregnan este diseño: democrático, sustentable, autogestionado, nacido a partir de los principios de la artesanía, donde el autor, el proceso y los materiales son tan importantes como el producto final. y estaba experimentando con diversas técnicas y materiales, como fieltro de lana, bordado, tejido a telar y estampado con moldes y serigrafía. Todas mis pruebas textiles eran publicadas en el blog, el que se transformó en una suerte de vitrina y lugar de testeo. Mis lectores reaccionaban con mayor o menor entusiasmo ante las diferentes técnicas, combinaciones de color o fotografías. Además de permitirme medir la popularidad que tenían los distintos productos que presentaba, el blog se transformó en un instrumento fundamental para definir mi identidad y filosofía como diseñadora. Cada nuevo posteo en él era una manifestación de mis propias experiencias e intenciones. Al comienzo era difícil distinguir mi propia voz en un
mundo virtual atiborrado de ideas y nuevos objetos, pero más tarde, y viendo mi trabajo retrospectivamente, pude conectarme con los valores que quería impregnar a mi diseño: quería una labor totalmente en manos del diseñador, un encuentro íntimo con los materiales y conversaciones cercanas con las técnicas manuales. Desde un punto de vista estético, me inspiraban la artesanía tradicional, lo doméstico, la nostalgia, el alma modesta de Chile y la persistencia en el tiempo de los objetos (en contraposición a las modas). El lanzamiento de mi tienda online coincidió con este momento de reconocerse y encontrar los fundamentos que guiarían mi diseño. Las distintas herramientas disponibles en internet hacían mucho más simple y asequible el
presentar mis productos textiles a un mercado global. Desde entonces el blog funcionaría como una suerte de escenario donde se mostraría cómo un objeto o producto nace, desde la fuente de inspiración hasta su manufactura. Este es un proceso fundamental en la estructura del diseño hecho a mano, ya que a través de las distintas etapas que son presentadas en el blog, los lectores y potenciales clientes se involucran en el desarrollo de un producto. A través de sus comentarios, observaciones y reacción en general, se puede evaluar el grado de popularidad de un artículo y eventualmente tomarlos en consideración para ser aplicados en su diseño y/o elaboración. El mostrar textiles a través de medios virtuales supone una li-
mitante a sus cualidades táctiles, olfativas y visuales. Muchas de éstas se pueden ver distorsionadas o simplemente perdidas al ser vistas a través de una pantalla de computador. Una importante decisión al respecto fue acerca de los materiales que utilizaría. Sólo consideraría fibras de origen natural, como lana, algodón o lino, ya que tienen una vida más noble y un mejor envejecimiento que las de origen sintético. El valor de un objeto no sólo está en sus formas, sino también en la calidad de sus componentes y la mano que le otorgan. El uso de materiales naturales de excelencia garantiza la calidad de los productos y da confianza a los consumidores online. Uno de mis primeros productos fue una colección de estam-
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Desde un punto de vista estético, me inspiraban la artesanía tradicional, lo doméstico, la nostalgia, el alma modesta de Chile y la persistencia en el tiempo de los objetos pados inspirados en azulejos antiguos. Su creación resultó de las mismas restricciones de tamaño de los bastidores de serigrafía. Mi intención era hacer cubrecamas y cubreplumones, pero tenía la dificultad del ancho de tela para camas de dos plazas (el ancho máximo de estampado es de 160 cm con repetición continua a lo largo de la tela). Se me ocurrió entonces estampar módulos cuadrados de 17 x 17 cm, cada uno con un motivo diferente de azulejo, los cuales cortaría y cosería formando superficies de cualquier dimensión. Lo interesante no sólo era poder superar el límite de las medidas de los bastidores, sino que formar textiles cuyo estampado fuera variando constantemente de acuerdo a la ubicación de los distintos diseños de azulejos. El proyecto tuvo una gran acogida del público y en breve comenzó a ser comentado en varios medios de internet y prensa escrita. Atendiendo los comentarios de los lectores, pronto surgió la idea de vender
los “azulejos” (como luego se empezaron a llamar los cuadrados estampados) como packs sin coser para que cada cliente hiciera sus propias combinaciones, incluso mezclándolos con otros tejidos. Desde un comienzo mis productos estuvieron enfocados al hogar, al núcleo de la vida cotidiana, al refugio personal. Me gusta crear textiles que vistan las actividades que se realizan dentro de la casa y que hagan más acogedores los espacios dentro de ella. Cuando más tarde introduje una línea de accesorios, como bufandas y bolsos, la intención seguía siendo la misma: sentirse, más que verse bien, llevar consigo esa sensación íntima y envolvente del hogar. Hoy, tras casi cuatro años con un blog y dos con una tienda virtual, he aprendido mucho sobre mis lectores y clientes: la gran mayoría de ellos provienen del mundo del diseño, arquitectura y arte; otros tantos son estudiantes y profesores de las mismas áreas, mientras que un
pequeño grupo pertenece a los más variados sectores. Todos disfrutan de las manualidades y ven en mi sitio un lugar de gran inspiración por mi utilización de técnicas manuales tradicionales en clave contemporánea. Como diseñadora que busca impulsar el desarrollo del diseño hecho a mano, mi rol no sólo radica en practicarlo, sino también en influenciar a mis pares con el uso de técnicas manuales, redescubriendo nuevos estilos
artesanales, mostrando escenas de una vida más calmada y sustentable; en fin, tratando de instalar el placer del hombre en el trabajo, para que así puedan ir permeando gradualmente hacia las líneas más industrializadas. Volviendo al Arts and Crafts, William Morris —padre del movimiento— se preguntaba «¿cómo podemos tolerar el uso, cómo podemos disfrutar algo que ha sido dolor y sufrimiento para quien lo ha hecho?». dna
Bibliografía: Lovell Triggs, Oscar (1902). Chapters in the History of the Arts and Crafts Movement. Chicago, The Bohemia Guild of the Industrial Art League. Sennett, Richard (2008). The Craftsman. New Haven & London, Yale University Press.
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