El diseñador inglés Tom Dixon, doctor de la University of the Arts de Londres, analiza en esta entrevista algunas de sus lámparas emblemáticas, ahondando en los motivos que las inspiraron y su relación con el proceso productivo y con los diversos materiales utilizados. Señala que intenta quitar de sus proyectos todo elemento de moda o decoración sin dejar de tener expresividad. También destaca los riesgos del uso del color en piezas comerciales, exalta las ventajas de crear productos y, a la vez, desarrollar proyectos de interiorismo. Según indica, una característica importante de su trabajo es que el espacio informa al producto. English designer Tom Dixon, PhD University of the Arts London, analyses in this interview some of his emblematic lamps, delving into the motives that inspired them and their relation with the production process and the different materials used. He points out his intentions of stripping his projects of any element of fashion or decoration without compromising expressiveness. He also highlights the risks of using colour in commercial pieces, praises the advantages of creating products and developing interior design projects. As he points out, an important feature of his work is that the space informs the product.
Entrevista con Tom Dixon INTERVIEW WITH TOM DIXON
Mercedes Rico Diseñadora de la Pontificia Universidad Católica de Chile _ Profesora Escuela de Diseño UC. Designer, Pontificia Universidad Católica de Chile _ Professor, UC School of Design.
Ximena Ulibarri Directora Revista DISEÑA _ Diseñadora de la Pontificia Universidad Católica de Chile _ Profesora Escuela de Diseño UC. Director, Diseña Magazine _ Designer, Pontificia Universidad Católica de Chile _ Professor, UC School of Design. Transcripción y traducción / Transcription and translation: José Ignacio Molina Fotografía: Omar Faúndez
Iluminación _ escultura _ color _ espacio _ ambientes _ negocio _ filtros. Lighting _ sculpture _ colour _ space _ environments _ business _ filters
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Etch.
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—Para comenzar, nos gustaría poder hablar sobre las formas, en particular en el trabajo que realizas con las lámparas. Es posible percibir estas como algo escultórico o una obra de arte. ¿Puedes contarnos cómo surgen estas formas y qué las inspira?
En una gira de diez días apoyada por UK Trade & Investment y Great Britain, el diseñador británico Tom Dixon visitó seis ciudades latinoamericanas para presentar su nueva colección, contexto que le permitió estar dos días en Chile. Su estadía fue posible gracias a la coordinación de Sebastián Núñez, director de Interdesign, espacio dedicado al diseño, mobiliario e iluminación en Chile desde 1980. El primer día, Dixon dio una charla abierta a todo público en el Museo de Arte Contemporáneo —en el marco del concurso “Piensa en Cobre 2015”— organizada por la Minera Los Pelambres, la Corporación Amigos MAC, la Universidad del Desarrollo e Interdesign. En su segundo día, visitó la mina El Teniente (mina de cobre subterránea más grande del mundo) y presentó su nueva colección “Club” en un evento privado en Interdesign. Una ambientación dedicada especialmente a los productos de Tom Dixon en el piso menos uno de Interdesign puso en evidencia la relevancia de este reconocido diseñador nacido en Túnez. Sus principales muebles y luminarias de cobre, bronce y acero resaltan su sello industrial único. En este mismo espacio, un par de horas antes de que comenzara el evento, se tuvo la oportunidad de entrevistarlo, con el fin de indagar en las fuentes de inspiración que dan forma a su imaginario en productos con materiales,
Beat stout brass.
formas y colores muy característicos. Desde sus primeras palabras, Dixon manifiesta dos caras de la moneda que él mismo representa: por un lado, el delicado trabajo de la forma y los materiales; y por otro, el mercado y los negocios. Esta visión dual de lo que se convirtió en su profesión configura un aspecto muy importante de su trabajo, pues Tom no se ve a sí mismo como un artista, sino como un articulador entre los materiales, las técnicas, los procesos de manufactura y la gestión, los cuatro elementos que conforman la fuente de “inspiración” de sus productos. Sus creaciones no son fruto de una “iluminación”, sino que cada una está pensada desde la estructura, el peso, las matemáticas y las características de las materias
Beat tall brass.
Beat wide brass.
—Siguiendo en esa misma línea, hemos notado también que trabajas mucho con la ambientación, el espacio como un lugar de performance con la luz. Es decir no solo piensas en un producto, sino en el set de productos y decoraciones casi teatrales de los espacios. ¿Puedes contarnos algo más de eso, del acto de iluminar, donde el brillo, las sombras y los reflejos parecen ser aspectos clave?
primas. Además, busca crear productos de los cuales elimina tendencias, moda o aspectos decorativos. Esta neutralidad es una de las cosas que más lo apasionan, pues el significado del producto no lo asigna él, sino que espera que cada usuario le conceda el carácter que más le hace sentido. Para ello no pretende aferrarse ni hacerse experto en un solo producto o material, sino que le gusta cambiar de obsesiones y aprender lo que más pueda de cada una de ellas. Este riesgo está siempre resguardado por su capacidad gestora y su visión del mercado. Las decisiones no son tomadas al azar o solo por la estética como resultado final, sino que los sistemas productivos, la globalización y la producción en serie son factores que considera decisivos a la hora de dar forma a sus diseños. Desde esta perspectiva, incluso el trabajo con el color no es solo analizado desde su valor simbólico, visual o experimental, sino desde el riesgo que significa su producción para el negocio.
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—Cada objeto tiene una historia diferente. Frecuentemente surgen a partir de una técnica de manufactura. Comencé a diseñar objetos no diseñando, sino solo haciendo cosas, primero por placer y luego como un negocio, haciendo cosas para tiendas, para estilistas, fotógrafos o para el teatro, y así aprendí a hacer objetos. Muchas de las formas se inspiraron en procesos de manufactura y en cómo se hacen las cosas, es decir, en el trabajo en el torno, el martillar y hacer las uniones. Todo este aspecto estructural es muy potente para mí. Pienso que cada vez más con el diseño por computadora se ha ido perdiendo ese unir de cosas, el hacerlas físicamente, estando de pie. Muchas formas vienen de allí. Otras surgen de viajes o de las matemáticas y la geometría. Lo que estoy tratando de hacer, de algún modo, es quitar todo elemento de moda, todo elemento de decoración y aun tener una expresividad, y eso es algo bastante difícil. Algunas veces funciona y otras no, pero me agrada cuando puedo lograr ese nivel de neutralidad en un objeto, y entonces algunas personas deciden que es estilo “era espacial”, o “victoriano”, o lo que sea. Eso me resulta interesante. Me surge una idea y puedo pensar en cómo hacer un producto perfecto, y entonces la gente comienzaa decirme “¡oh! eso es muy años setenta” o “eso es muy Art Decó”. Me encanta que se refleje más la imaginación del usuario que la mía, ellos aportan más dimensiones de las que yo inicialmente habría concebido.
Beat fat brass
—Se invierte mucho tiempo en el diseño solo pensando el objeto, en su función. Pero la iluminación es algo mágico y misterioso que parece realmente no existir como entidad, y la gente es bastante inexperta en ella, de modo que he ido trabajando cada vez más en iluminación y me he ido interesando cada vez más en los reflejos, en aplicar filtros. Pero también porque tengo un estudio de diseño de interiores, lo que
es interesante porque me permite alejarme de estar solamente concentrado en el producto y me hace pensar en ese producto en un interior, y probar qué funciona y qué no. El ser un diseñador de productos con una oficina de diseño de interiores es un muy buen equilibrio porque le aporta al producto. Haces un hotel, un bar o un restaurant, es decir, proyectos que normalmente como diseñador de productos no tendrías la oportunidad de ejecutar. El espacio informa al producto. Puedo poner productos en un interior, pero a veces no encuentro nada que instalar y me veo en la necesidad de diseñarlo, de modo que es bueno tener estas dos facetas de mi empresa. —Actualmente estás trabajando mucho con metales, pero también has trabajado con otros materiales. ¿Cuál es la importancia que les das a los materiales? ¿Cómo los seleccionas?
—Trabajo en realidad más como un escultor, tengo mis obsesiones, solo decido que estoy aburrido y quiero hacer quizás algo de cerámica. Me gusta el peso, el tacto, el potencial de los materiales en general. He llegado a un punto donde puedo elegir trabajar en plástico, vidrio u otra cosa. Creo que ahora voy a trabajar más con textiles, porque siento que las cosas están un poco duras y quiero ir hacia algo más blando; es así de simple. La mayoría de los diseñadores pueden convertirse en expertos en alguna cosa u otra, o tener un buen cliente o alguna compañía. En mi caso, hago construcciones únicas, puedo elegir. Es riesgoso, porque no soy un experto en nada, pero es más apasionante. —¿Hay algo especial en estos materiales que estás eligiendo ahora que te atraiga más, tal vez más que el plástico o la madera?
—Lo que me parece especial de los textiles es que los puedo abordar desde una perspectiva distinta de lo que lo haría un experto en textiles o un diseñador de modas. De manera que comienzo a descubrir en mí un interés constante en aspectos de ellos que no sabía, y uso una máquina de coser para así poder descubrir cómo unir textiles, investigo nuevas tipologías, hago proyectos y de pronto un día me veo con un diseño nuevo. Es como si fuese un niño pequeño al que le interesa experimentar e investigar. De cierto modo, algunas de estas cosas permanecen en el fondo de mi mente por largo tiempo, otras se desarrollan porque veo oportunidades comerciales, otras son solo experimentos que nunca se concretan. En verdad funciona un poco como la escultura en términos de proceso, pero en otros términos funciona como un negocio.
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Una ambientación dedicada especialmente a los productos de Tom Dixon en el piso menos uno de Interdesign puso en evidencia —Hablaste sobre diseños particulares que estás realizando a través de maquinaria que te permite fabricar en Europa, Estados Unidos y Brasil al mismo tiempo. ¿Esto tiene que ver con los materiales que te permiten utilizar esas máquinas o con una mirada estratégica del negocio?
la relevancia de este reconocido diseñador nacido en Túnez.
Beat tall black.
Light Tripod Stand.
—Tengo una asociación con una firma que fabrica máquinas, ellos las venden a personas en todo el mundo. El punto es diseñar objetos que pueden desarrollarse a través de una máquina específica, en vez de pensar en crear una forma y ver si alguien puede hacerla. La idea es que mientras más entiendes del proceso de manufactura y del potencial específico de una máquina que se vende en tres o cuatro continentes, puedes diseñar para esa máquina y casi todo el mundo puede fabricar lo que creas. Así no dependes de conseguir mano de obra barata en Asia o de encontrar un fabricante. Tienes que definir el objeto de acuerdo con la técnica de manufactura, es solo una manera distinta de pensar en lo que vas a diseñar. Yo siempre estoy buscando quién pueda hacer mis ideas, lo que es muy diferente de otros diseñadores que reciben encargos de crear algo para algún fabricante. —Vemos que trabajas bastante con el color, sobre todo con el dorado en tu última colección. ¿Qué significa el color para ti? ¿Cómo los eliges? ¿Hay algo especial para ti en ellos?
—Hay muchas razones distintas, y de nuevo, creo que cada color tiene su propia historia. Me gusta mantener el color simple, no creo ser un gran colorista como puede serlo un diseñador textil, pero me gusta la manera como puedes cambiar todo simplemente pintando un muro. Además, desde el punto de vista empresarial, estamos muy limitados porque cada color diferente que fabricamos debe ser luego producido, es decir, hay que pagar por él y almacenarlo, y tenemos que convencer a alguien de que lo compre. De manera que el color para nosotros es bastante riesgoso. Por ejemplo, si hago una silla en tres colores, de pronto estoy teniendo que fabricar tres veces más de ellas y convencer al intermediario de recibir tres veces más. Por lo tanto debemos ser muy cuidadosos con el color. Aunque el color es complicado y riesgoso, puede ser entretenido también. —Y por ejemplo, en la línea de lámparas Beat, ¿por qué utilizas el dorado por dentro? ¿Qué te inspiró para ello?
—Para su forma y colores me inspiré en las bombas de agua antiguas que utilizan en India. Estas se ennegrecen por fuera por el exceso de uso y la gente las limpia mucho por dentro. Me gustó la combinación de negro en el exterior y dorado en el interior.
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Copper Shade. Lámpara.
—Trabajas también mucho con los reflejos y los materiales como espejo, sobre todo en la lámpara Mirror.
—Bueno, tenía esta idea de que podía hacer una lámpara completamente invisible al convertirla en un espejo de todo lo que la rodeaba; así que traté de encontrar la forma más neutra, algo sin forma. La forma más eficiente es la esfera y pensé que sería bueno usar el metal con esa forma tanto como camuflaje como para enfocar la luz. Tenía montones de ideas al respecto y terminó por no responder a ninguna de ellas en realidad, porque no desaparece en absoluto. Así que esta se supone que iba a ser la lámpara invisible. No lo es para nada, ¿no es verdad? —Finalmente, en la lámpara Etch utilizas una técnica, un proceso constructivo y un acabado muy distinto al de las otras. ¿Por qué lo haces? ¿Cuál es la razón detrás de estas decisiones?
—La lámpara Etch surgió de algo así como tres ideas distintas que de alguna forma se combinaron. Había visto una fábrica que hacía filtros para cafeteras, máquinas para espresso, de las que tienen esos pequeños agujeros. Esa es la fábrica que hace estas lámparas. Pensé que sería genial filtrar la luz en vez de filtrar el café. Esa fue una de las ideas. También en el teatro usan la misma técnica para hacer nubes a través de un filtro metálico, proyectando luz a través de ellos. Cuando vas al teatro y ves agua, reflejos o nubes, usualmente están hechos con un filtro de metal. Y se me ocurrió que podía usar la luz filtrada. Finalmente, porque quise intentar hacer un producto que solo se vendiera en internet, un producto en paneles plegables que pudiera ser enviado por correo directamente a los clientes para que ellos la armaran en casa. Por eso todos los componentes tienen el tamaño de un sobre postal. Pero nadie quería armarla, querían comprarla completa, así es que solo se vendió en forma plana el primer año; luego la gente insistió en que se la armasen. —¿Piensas que tu negocio va en esta dirección?
—Creo que aún estoy muy interesado en cómo puedes usar el mundo virtual para hacer objetos físicos. Estoy experimentando con ese modelo, pero no he tenido éxito en una escala mayor. Pensé “esto es genial, puedo hacer esta lámpara por la mitad del precio al hacerla plana y enviarla a la gente. Todos la van a comprar”, pero la gente la prefiere armada. Aún estoy tratando de encontrar una idea que funcione, quisiera ser como un empresario virtual, por lo que sigo en la búsqueda de un hit en internet.
Reseña de Tom Dixon: 1959: nace en Túnez. 1963: se muda a Inglaterra. 1987: diseña la icónica S Chair, producida por la firma italiana Marco Capellini. 1991: crea Space, empresa en que vende sus productos junto a otros diseñadores jóvenes. 1994: crea Eurolounge, empresa dedicada a fabricar su reconocida Jack Light. 1998- 2008: trabaja en Habitat, primero como jefe de diseño y luego como director creativo. 2002: lanza Tom Dixon, marca propia de diseño de productos (comenzó a trabajar con productos de plástico extruido y luego con mobiliario y luminarias). Hoy en día la empresa vende sus productos en más de 63 países. 2007: junto a la empresa inversionista Preventus, lanza el Design Research, proyecto dedicado al diseño interior y proyectos de arquitectura. 2012: incorpora a su marca una línea dedicada al desarrollo de accesorios. Publicaciones: The Interior World of Tom Dixon (2008, Octopus Publishing Group). Dixonary (2013, Violette Editions). Algunos de sus reconocimientos: O.B.E por sus servicios al British Design (2001). Best Lighting Design, ICFF Show Nueva York (2007). Best Retail Design por Conde Nast Traveller Innovation and Design Awards (2007). Designer of the Year, Architektur & Wohnen Magazine (2008). Diseñador del Año por Maison & Objet (2014). Sus productos se encuentran exhibidos en museos como: Victoria and Albert Museum, Inglaterra. Museum of Modern Art, Nueva York. Centre Georges Pompidou, París.
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