DJ Mag ES #107 by DJ Mag España

C O N T E N I D O S D J M AG 10 6 / n ov i e m b re 2 019

Secciones 006 008 010 0 12 0 14 016 018 020 022 024 026

BREVES 60 SEGS CON - JOSÉ DE LAS HERAS OFF THE RECORD - TINI GESSLER FOCUS ON - RNGDS MUSIC 5 TRACKS - D’JULZ COCINAMOS CON - ALEX ARNOUT ELECTRONICA & ROLL - ENERGÍA HAAI TENDENCIAS – BERSHKA X TIDAL LUCKY 7 – FLUG EL ARTE DE VIAJAR – ADRIATIQUE BURN PRESENTS

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Artículos 028 038 042 048 052 056 058

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KEINEMUSIK LONDON ELEKTRICITY GRAZZE CLUBBING EN NEPAL EL RESURGIR DEL VINILO ELECTRÓNICA Y MEDIO AMBIENTE RUSH HOUR

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AAA 062

HALLOWANTS @ LA CUBIERTA DE LEGANÉS

Críticas 064 066

ÁLBUMES SINGLES

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Te ch 072 074

TECH REPORTAJE- SHANGHAI RESTORATION PROJECT PLASTIC

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E D I T O R I A L

En un abrir y cerrar de ojos, diciembre ha llegado. Y con el fin de año, toca, como siempre, hacer balance y también mirar hacia el futuro. Ha sido un año lleno de novedades, polémicas y, sobre todo, buena música, que el equipo de DJ Mag ES está orgullosísimo de haber reportado para vosotros, queridos lectores. Un año que empezaba con nuestro artista con mayor proyección internacional – Andres Campo –, que curiosamente ha conseguido entrar en el Top 100 DJs alternativo – el que muchos de nosotros tomamos con más respeto que el “normal” –, posicionándose en el nº91 y confirmando el gran año que ha vivido el oscense. Y al igual que Andres daba el pistoletazo de salida, en este mes de diciembre nos vamos hasta Alemania para cruzar la línea de meta, metiéndonos de lleno en una de las plataformas más exitosas del panorama electrónico actual. Uno de los sellos/fiestas/grupos más respetados del espectro melódico de la electrónica y que ha ido cosechando cada vez más adeptos a lo largo de sus 10 años de existencia. Hablamos, como no podría ser de otra manera, de KEINEMUSIK. La amalgama que agrupa a Rampa, &ME, Reznik, Adam Port y Monja Gentschow y que está dedicada sólo a su música ha conseguido elevarse y situarse como uno de los grandes nuevos clásicos de nuestros tiempos. Nos sentamos con todos ellos para descubrir cómo este grupo de amigos decidió elegir el oficio que aman, para no tener que trabajar nunca más… De Alemania viajamos a Inglaterra, en clave drum & bass, para traeros LA entrevista. El protagonista no es otro que London Elektricity – alias Tony Colman – amo y señor de la plataforma Hospital Records, uno de los sellos más influyentes del drum & bass desde siempre. Nos sentamos con él para ver en qué anda metido y cuál es el futuro de sus plataformas…

Y para acabar la ronda de entrevistas este mes, nos sentamos con uno de los productores y DJs españoles más interesantes de ese sonido deep tech que tanto lo peta. Aunque rehúye de etiquetas, GRAZZE llega a DJ Mag ES para presentarse ante el público como uno de los artistas más activos del momento,

MARKETING MARKETING Y BUSINESS MANAGER: Sara González | sara@djmag.es

con recientes lanzamientos en Einmusika, Anjunadeep o Beatfreak.

MARKETING INTERNACIONAL: Jack Howell | jhowell@protonmail.com / jh@djmag.es

En clave de reportajes, este mes analizamos tres realidades bien diferentes.

DIRECCION COMERCIAL: Jassi González | jassi@djmag.es

Por una parte, viajamos hasta Katmandú (sí, así de lejos) para descubrir qué se cuece en la escena nepalí. Por otra, ponemos en la mesa el vinilo para intentar dilucidar en qué momento se encuentra el formato y cuál es su futuro. Y para terminar, nos sentamos a reflexionar sobre el impacto de nuestra escena sobre el cambio climático y exploramos formas de reducir la huella que deja el irse de fiesta en el siglo XXI. Ha sido un año completito y desde DJ Mag ES queremos agradeceros, queridos lectores, por seguir con nosotros. 2020 promete ser impresionante – contando también con nuestro 10mo aniversario en España – y nosotros estaremos ahí para contároslo. Comienza una nueva cuenta atrás… De momento, ¡felices fiestas a todos por parte del equipo de DJ Mag ES! ¡Stay safe y bailadlo todo!

COLABORADORES Ángel Manrique, BigTopo, Borja Manzano, Bruno Garca, Cristina León, Charlie Braun, Eduardo Carbonell, Ekai, Esteban Martínez, Fernando Blanco, Gerardo Cartón, Guillermo Delmas, Gustavo Navedo, Helena Bricio, Julia Lozano, Jonathan Prada, Carlos Flavio Bustos, Mugni, Oliver Florez, Rohan G. Finger, Sandra Vian, Sergio Bifeis, Sergio Parrado, Willy Alcocer, Manuel Sánchez-Cid y Miguel Ángel Alvira.

EDICIÓN REVISTA DJ MAG SL Avenida 8 de agosto, 11 – 10 bajo 07800 – Ibiza (España) B 16523805

¡Hasta dentro de un mes – y el año que viene –, amigos! DJ Mag España no se hace responsable de las opiniones expresadas por sus colaboradores, entrevistados o autores. Prohibida la reproduccion total o parcial de los contenidos publicados sin autorizacion expresa de Dj Mag España.

EDUARDO PÉREZ WAASDORP Director

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B R E V E S Autor: REDACCIÓN

ORO VIEJO BY DJ NANO ULTIMA SUS DETALLES Tras el anuncio de la fecha para el clásico navideño Oro Viejo by DJ Nano en diciembre, las redes ardían y las entradas se agotaban en cuestión de minutos. Ante esta acogida, DJ Nano confirmó una segunda fecha, el 21 de diciembre, para su ‘Cuento de Navidad’. Ahora, acaba de anunciar quienes serán sus escuderos durante ambas citas. Un elenco compuesto por grandes amigos de Nano y favoritos del público, como DJ Marta, David

Oleart, DJ Edgar DS, DJ Oliver, Frank Trax, Java y Javi Muñoz (14 de diciembre) o Brian Cross, Ángel Sánchez, Christian Millán, DJ Neil, F. Ballesteros, Javi Crecente y Miguel Serna (21 de diciembre), además de Yvan Corrochano – miembro de esta casa –, el único invitado que repite en ambas convocatorias. https://www.facebook.com/oroviejobydjnano/

ARMIN VAN BUUREN, PRIMER CABEZA DE CARTEL DE A SUMMER STORY 2020 A Summer Story arranca sus confirmaciones con un plato fuerte y más de 13.000 abonos vendidos. Así, su primera confirmación es la de un artista con una relación muy especial con el festival desde su primera edición: Armin Van Buuren. Tres han sido las actuaciones del holandés en el festival madrileño y cada una de ellas ha sido un espectáculo inolvidable para todos los asistentes. A Summer Story no ha parado de crecer exponen-

cialmente en sus primeras cinco ediciones, con 100.000 asistentes en su última cita en 2019. Durante los días 19 y 20 de junio de 2020, Disorder Events y Fluge Entertainment volverán a convertir Madrid en capital mundial de la escena electrónica, este año bajo el lema: “No más grande, sino mejor”.

http://www.asummerstory.com/

WAN FESTIVAL VUELVE EL DÍA DE AÑO NUEVO A MADRID WAN Festival, la propuesta más electrónica del día de año nuevo en la capital, vuelve este 1 de enero de 2020 con una de sus ediciones más ambiciosas. Los protagonistas principales del próximo 1 de enero serán Loco Dice, Marco Carola y Paco Osuna. El festival WAN ha conseguido reunir a estas tres figuras emblemáticas para esta edición, que se celebrará otra vez en La

Cubierta. Además, también se une PanPot, Anna Tur, Fer BR, Manu González, Gonçalo (que rematará la celebración de su 20º aniversario en las cabinas), Raúl Pacheco y Sinisa Tamamovic.

http://www.wanfestival.com/

LXM FESTIVAL CONSOLIDA SU PROPUESTA EN LISBOA El colectivo techno LX Music ha anunciado el line-up final de su evento más grande del año, el LXM Festival, en el Parque das Nações de Lisboa, del 13 al 15 de diciembre. Entre los confirmados finales, destacan Paul Kalkbrenner (live), Marcel Dettmann, Art Department, Recondite (live), RØDHÅD y Wehbba se unen a los Ben Klock, Dax J, Paula Temple y Answer Code Request. El colectivo lisboeta, activo

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desde 2004, ha estado dando forma a este festival tan especial, que sigue la estela de las legendarias fiestas de la capital portuguesa, organizadas por LX Music. En un espectacular recinto ubicado a las orillas del Tajo, el LXM Festival busca reafirmar la expresión artística de la música electrónica dentro de la oferta cultural de Lisboa. https://lxmfestival.com

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S E G U N D O S Autor: REDACCIÓN

José De Las Heras ( N E G R I T A

¡Hola, José! ¡Un placer saludarte! Para quien no te conozca, ¿cómo te describirías? ¡Muy buenas! Soy un joven DJ amante de la música Latina y urbana, al que siempre le ha gustado mostrar este genero de cara al público, sin avergonzarme en ningún momento de ello.

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latinos y estadounidenses. Todo ello gracias al streaming y las redes sociales, que ahora hacen que la tendencia en música urbana llegue a todos los rincones del mundo. Dentro del género urbano hay que englobar todo lo que viene de la calle: reggaetón, dembow, dancehall, trap, afrobeat... La música urbana tiene infinidad de variantes.

Vives en Madrid. ¿Cómo ves la escena de electrónica en España en la actualidad, y la de Madrid en particular? ¡Sí, madrileño de toda la vida! Creo que la música electrónica siempre ha tenido y tendrá potencia en todo el país. Ahora mismo hay clubs y DJs en Madrid – y en toda España – que están innovando y dando una vuelta potente a la escena.

En tu faceta de DJ, ¿Cómo confeccionas tu selección musical? ¿Cuáles son tus principales fuentes? Para mí, lo más importante de un DJ siempre será la selección musical, da igual el género que toque. Siempre intento incluir en mis sets los temas urbanos más actuales con toques de clásicos del reggaetón, que nunca pasan de moda.

Eres el primer DJ de género urbano en pasar por esta sección. ¿Cómo percibes la escena urbana en nuestro país en la actualidad? ¿Qué géneros dirías se engloban dentro de esta etiqueta? Hace años era impensable que el reggaetón se posicionase en listas y ahora se ha convertido en el nuevo mainstream. En España, siempre hemos captado muy rápido la influencia de Latinoamérica, y eso se ha visto en las colaboraciones de artistas españoles con artistas

Eres el nuevo y flamante embajador del certamen Negrita Sound Talent, organizado por Ron Negrita. ¿Cómo surgió tu colaboración con NTS? Sí, es un gran honor ser Embajador de un gran certamen como Negrita Sound Talent. La colaboración surgió en una actuación donde coincidimos con los encargados de Ron Negrita, donde me propusieron formar parte de este proyecto. Me llamó tanto la atención que me uní sin pensarlo.

T A L E N T )

¿Qué opinas de Negrita Sound Talent? ¿Lo seguías en el pasado? Lo seguía, sí, pero no tan de cerca como ahora, porque era para otros géneros. NTS me encanta. Creo que es una iniciativa súper positiva para los nuevos talentos que quieren mostrar sus habilidades y que igual nunca han tenido una oportunidad. ¿Qué opinas de que el certamen se abra al género urbano el año que viene? Creo que ha sido todo un acierto, ya que el género urbano, como decía, está pasando por su mejor momento y está aquí para quedarse. ¡Creo que esta edición va a gustar mucho!

¡El 2020 será un año espectacular! Tengo muchas ganas de empezarlo ya. Actuaremos en nuevos países, vienen nuevas canciones con colaboraciones y también estaremos en los principales clubs y festivales. ¿Algo que quieras añadir? Quiero daros las gracias por la entrevista, por dejarme mostrar un poco mi esencia… Pero, sobre todo, por mostrar la música urbana en una revista tan importante como es DJ Mag ES. Agradecer también, como no, a Ron Negrita, a mi equipo de trabajo y a todos los lectores.

Finalmente, José, pedimos al invitado de 60 Segundos que plantee una pregunta al siguiente. El último fue Squire, que preguntaba: “¿Cuál es la canción que marcó un antes y un después en tu vida?”. Y a cambio, nos tienes que dejar una pregunta para el siguiente… Es complicado quedarme con una sola canción… Para mí, diría que marco un antes y después ‘La Gasolina’, de Daddy Yankee. La pregunta que dejo para el próximo invitado es: ¿Crees que la fusión de géneros de la música electrónica y urbana está en su mejor momento? ¿Que ¿Qué proyectos tienes entre ma- colaboración propones? nos de cara a 2020? ¿Qué tan importante crees que es que se visibilice el género urbano dentro de la amalgama de música electrónica? Yo siempre he respetado mucho a la electrónica. Creo que hay mercado para todos y lo que más me gusta son estas fusiones de música urbana y EDM que estamos viendo en la actualidad. Por ejemplo, Dimitri Vegas & Like Mike colaborando con Daddy Yankee o J Balvin con varios referentes como DJ Snake, Major Lazer; o Nicky Jam junto a Steve Aoki.

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IV JORNADAS

SOBRE LA INDUSTRIA AUDIOVISUAL Y EL ENTRETENIMIENTO

ยกnos vemos en la prรณxima ediciรณn! FLUGE AUDIOVISUALES Tlf. (+34) 91 823 10 50 - info@fluge.es - www.fluge.es

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O F F

T H E

R E C O R D

Hacemos 5 preguntas a Tini Gessler que poco nada tienen que ver con la electrónica…

*Podéis ver a Tini Gessler en España, en diciembre, en el Sioux City Festival (Gran Canaria, 6 de diciembre), y el día de año nuevo (1 de enero) en elrow Barcelona. Su tour por Sudámerica pasará por Rio de Janeiro (19 diciembre) y Sao Paulo (20 diciembre) en Brasil y por San José de Costa Rica (21 diciembre).

Tini Gessler ( E L R O W )

El momento más embarazoso de tu vida fue… ¡Uff! De estos tengo muchos… soy bastante “Mr Bean”. Pero, si tengo que escoger, fue en uno de mis primeros bolos. Estaba muy nerviosa e intenté arsegurarme de que no iba a olvidar nada: cogí mi mochila, me aseguré de que los cascos y el USB estuvieran dentro, y salí corriendo. Fui en coche y al llegar al club me di cuenta de que había salido Eso que siempre has querido con las zapatillas de estar por que te preguntaran y jamás te casa: ¡tenían forma de cabeza de león, eran enormes y amarihan preguntado... ¿Qué otros estilos de música te llas! Cuando me di cuenta ya no me dio tiempo de volver a casa interesan? ¿Cuál fue tu última mentira y por qué? La verdad que no suelo decir mentiras, siempre digo lo que pienso… Pero es verdad que alguna pequeña mentira se puede escapa… Por ejemplo, hace poco tenía bolo y venían unos amigos. Yo no quería beber, me inventé que estaba tomando antibióticos, que no podía beber, y que debía irme en cuanto acabase mi set…

los cascos de pinchar. No suelen hacer muchas preguntas, directamente creen que eres el DJ de la fiesta y te ayudan a pasar hasta a la cabina. Eso sí: si sale mal, puedes llegar a pasar mu¿Cuál ces la mejor manera de cha vergüenza (risas). colarse en un festival? Si soy sincera, debo contar que ¿Con qué DJ te irías de farra? ya he intentado colarme de va- La verdad es que estoy rodeada rias maneras en algunos festiva- de buenos compañeros para ir les, algunas veces ha salido bien de fiesta. Si tuviera que escoger y otras no… La que no falla es entre todos, diría Toni Varga, llegar a la puerta de entrada con Bastian Bux y Technasia. Cuanla pulsera del ultimo festival que do veo a alguno de ellos en el estuviste, pero debe ser pareci- mismo cartel ya sé que la noche da. Otra que utilizado alguna no va a ser aburrida. vez es la de llevar mochila con y no iba a llegar tarde a uno de mis primeros shows… Y el show lo tuvieron, ¡sobre todo los que me vieron entrar por la puerta principal (risas)!

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F O C U S

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Autor: SERGIO PARRADO

RNGDS Music Que la unión hace la fuerza es algo que sabemos todos. Esto mismo debieron pensar los protagonistas de nuestro FOCUS ON este mes… En 2017, los mexicanos Tacko, Jay Blakk, Teddy Wong, Marvin Moody y Chaty formaron

¿Cuál es el concepto y por qué nace RNGDS? Bueno como todas las cosas buenas de la vida, nace de la convivencia entre amigos. Estábamos reunidos Jay y yo un día en mi estudio, mientras esperábamos a Tacko (Edwin), y estuvimos hablando de que el proceso para lanzar material es lento y muchas veces no se recibía la atención necesaria por parte del sello. Invertías tiempo de calidad en hacer tu single o EP, y el label solo lo lanzaba sin más, sin una campaña de PR y publicidad, sin un DJ pool,

RNGDS MUSIC, un combo perfecto en donde cada uno tiene una parte fundamental dentro del sello y de esta manera expande su música al resto del mundo. La fórmula funciona y el sello se ha convertido en muy

sin invertir en masterización y portada: se mandaba tu track al gran mar de tiendas de música digital a la aventura. Por eso decidimos montar el sello. Con el paso de los meses, al proyecto se une Marvin como inversor y llegó Teddy a apoyarnos en el trabajo de PR, surgiendo un excelente equipo donde cada quien desarrolla un rol muy específico y la suma da como resultado RNGDS Music. Contad a nuestros lectores. ¿De donde viene el nombre?

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poco tiempo en uno de los más fuertes dentro de la industria del país Azteca. Recientemente hablamos con Chaty, que nos cuenta desde su apacible estudio de AO Mastering, los entresijos de RNGDS MUSIC…

RNGDS es la abreviación sin sílabas de Renegados: nos sentimos una generación de artistas, músicos y productores que estábamos un poco cansados del trato que se le da a la música en general y al menosprecio del producto, por lo que nuestra manera de protesta es hacer las cosas bien, siendo unos Renegados. RNGDS lo forman varios artistas mexicanos y como decías, cada uno tiene una función en sello. ¿Nos lo explicáis un poco más? ¡Claro! RNGDS está formado por Jay

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Blakk, que era parte del duo Climbers; ahora, Jay es el vínculo entre artistas y RNGDS. Tacko viene de su proyecto Escena Local, donde buscaba incluir talento de la Ciudad de México en eventos donde participaban artistas extranjeros, buscando una participación multicultural. Marvin llegó por medio de Tacko, como soporte financiero y de conocimiento en negocios. Él nos ayuda a operar como empresa, sin perder el enfoque libre y creativo. Teddy Wong, aunque es mexicano, no reside en el país y nos aporta mucho apoyo con la logística de medios, PR y campañas de promo pool. Y por último su amigo, Chaty, que soy yo. Mi labor es de control de calidad: hago la revisión de las mezclas que envían los artistas, antes de la masterización, y me encargo de hacerla dentro de mi estudio AO Mastering. Pregunta obligada , ¿vamos a ver el sello en vinilo? Como todo sello, lo pensamos y deseamos, pero sentimos que es un mercado muy cerrado y al final nosotros queremos que nuestra música llegue a todos. Muchas veces, algunas personas nos piden que les compartamos los lanzamientos, porque no los pueden pagar o están en países donde el pago online es difícil. En esos casos, optamos por regalar los lanzamientos en un link privado. Nos encanta el vinilo como formato,

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pero no esta en nuestra hoja de ruta en este momento. ¿Cuáles son los planes a corto-medio plazo de RNGDS? Poder ofrecer acceso a un sistema integral para los artistas: no solo lanzar su música, sino también apoyarlos en el desarrollo técnico de su sonido. Jay está trabajando en una plataforma 360 para poder promocionar a artistas entre promotores, para conseguir fechas. También queremos empezar a desarrollar un sistema de fidelización DJs, para ofrecerle a quién pinche nuestros temas, nuestra música de forma gratuita, como apoyo. Al final, lo que nos importa es distribuir lo máximo posible nuestra música en la escena, más allá de aparecer en un chart (cosa que agradecemos igualmente, claro). Nuestro mayor fin es que todo mundo tenga acceso a nuestra música. ¿Qué destacarías de la escena actual? Artistas o sellos a los que creéis que deberíamos seguir de cerca… Creo que la escena actual es tan cambiante, que lo que consideras que está a punto de explotar, muchas veces no lo hace. En México, creo que esta existiendo un acercamiento más técnico a la etapa de mezcla y producción que no se observaba años atrás, lo que permite que la música que se genera aquí compi-

MINI

ta bastante bien en el mercado. Otra situación que genera un problema de confianza en el productor es que el mercado sigue intentado ponerle etiquetas de género a la música. Eso hace que sea cada vez más complicado publicar cosas nuevas, porque muchos productores sienten desconfianza de lanzar música por ser etiquetados de una manera que no convenza al público. Es esa mezcla entre elementos de diferentes géneros la que está dando las innovaciones. Siento que tecnologías como el blockchain y la conexión a datos móviles de forma global sin roaming (como plantea la tecnología 5G), en un futuro muy cercano, nos permitirá tener métricas muy precisas sobre qué tanto alcance de mercado ha tenido un track. Así podremos olvidar los obsoletos charts basados en compras, porque el mercado va más allá de esos charts. En el momento que eso pase, será una revolución en la que el público pondrá en su lugar a sus preferidos y no un sistema de compra/ pago que es muy fácil de trucar. Sobre artistas a observar, Oostil, W.O.L.F, Fec… Pero me es imposible poner una lista de tanta gente que está haciendo las cosas de la forma correcta y que aporta algo interesante a la escena.

TEST

¿Un club?

¿Un artista?

¿Un plato de comida?

Bar Americas

Oostil.

Carnitas.

¿Una ciudad?

¿Un libro?

¿RNGDS?

Tijuana

Todos somos vendedores, de José Manuel Vega.

Locos.

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T R A C K S

Preguntamos a D’Julz por los 5 Tracks que mejor definen los 10 años de Bass Culture

D’Julz

Anónimo

‘Da Madness’ [Bass Culture]

‘Lov is Easy’ [Bass Culture] Hasta el día de hoy, una de las primeras firmas en el sello sigue siendo uno de mis EP favoritos. Todavía hoy sacaría estas 3 especiales pistas de este misterioso artista de Detroit.

Debido a que la prioridad de BC siempre ha sido poner música de otros artistas, solo he publicado 4 discos míos en el sello. ‘Da Madness’ fue la que más destacó y luego fue remezclada por DJ Rolando y los Martínez Bros.

D’Julz 4.

M r. G

Leo Pol

Franco Cineli

‘Transient’ (PQM’s deephead pass)’ [Bass Culture]

‘Dark Outside EP’ [Bass Culture]

‘BC’ [Bass Culture]

Un lanzamiento más reciente, pero ya uno de los EP favoritos en Bass Culture. Me encanta la diversidad de este lanzamiento, muestra todo el talento de esta futura estrella francesa.

Otro artista increíble y el mejor DJ de Argentina. Él ha sido parte de la familia desde muy temprano y me dio la canción perfecta para celebrar los 10 años del cumpleaños de Bass Culture.

Estoy agradecido de tener a Colin Mc Bean en el sello desde el primer día. Él es el productor que ha tenido más lanzamientos en el sello. Esta pista es sin duda uno de sus más grandes y ya es un clásico underground.

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C O C I N A M O S

C O N

Alex Arnout ( D O G M A T I K

R E C O R D S )

INGREDIENTES

Podéis ver a Alex Arnout este mes de diciembre en la fiesta Sankeys London Christmas Special, el sábado 7 de diciembre.

2 tomates grandes de racimo 2 puñados de espinacas 100g de langostinos crudos 1 cucharada de semillas de comino 1 ajo 1 pimiento Bonney (opcional) 3 cucharadas de aceite de oliva 1 o 2 limones 1 condimento (a elegir) 1 trozo de pan crujiente

LANGOSTINOS DE TÁNGER (20-30 Minutos) Cubre los tomates en agua hirviendo durante 30-45 segundos. Cuando haya pasado el tiempo, retíralos y pela la piel. Corta los tomates en trozos pequeños quitando las semillas. Calienta la sartén a fuego medio y añade 1 cucharadita de semillas de comino. Después, continúa

nal), condimenta y cocínalo todo revolviéndolo de vez en cuando durante 5-7 minutos hasta que el exceso de líquido se haya ido, pero manteniendo siempre la sartén un poco húmeda. Vacía la sartén en un tazón y Añade el ajo, el jugo de añade una cucharada a la limón y el chile (opcio- sartén, añade las gambas calentando la sartén hasta que puedas oler la fragancia de las semillas. Añade dos cucharadas de aceite de oliva y mezcla las hojas de espinaca revolviéndolas hasta que queden marchitas y cubiertas de aceite.

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y fríelas durante 2-3 minutos hasta que queden opacas. Añade la mezcla de espinacas y tomate a la sartén y cocínalo todo hasta que quede caliente. Sírvelo con el cuscús, el hummus y el pan crujiente. Si quieres, añade un poco de ensalada y… ¡a disfrutar!

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E L E C T R O N I C A

R O L L

Autor: SERGIO BIFEIS

Energía HAAi En apenas dos años la australiana Teneil Throssell conocida como HAAi parece estar en todos los lados. Una semidesconocida para el público español que sin embargo no ha dejado de pinchar, solo en 2019, en clubs como Mondo Disko en Madrid o Nitsa en Barcelona o en festivales de la enjundia de Sónar, Mad Cool, Brunch In The City y Fort Festival. Para el mundo anglosajón, y británico en particular, es una figura que ya ha dejado de ser una revelación de cara al futuro. Esta DJ y productora ya es presente. Sus fiestas Coconut Beats en el barrio londinense de Dalston le valieron para tener su propio espacio en Rinse FM y Worlwide FM, además de ganarse una residencia durante dos años en el club Phonox de la capital inglesa donde reside desde hace tiempo. Al acabar su tiempo en esta residencia llegó el boom cuando su Essential Mix para BBC Radio 1 fue considerado el mejor de

(Be Good EP, 2017) como en el techno y broken beat más exuberante (Motorik Voodoo Bush Doof Musik, 2018). Este último es el camino con el que más se le puede identificar cuando se pone a manejar una mesa de mezclas y es lo que le ha valido fichar por un sello legendario como Mute Records para entregar Systems Up, Windows En el caso de HAAi fue su pri- Down su nuevo EP que se puso mer vez en Berghain lo que le ayer a la venta. espoleó a iniciarse en el mundo del DJing. Para ello desa- Este trabajo, al que podríamos rrolló su lado más digger en considerar un mini-LP porque una búsqueda de material pre- se compone de seis tracks dominantemente psicodélico originales, se configura como sin importar procedencias y una evolución más madura velocidades. Eso le ha hace ser del sonido que desarrolló en toda una esponja que absorbe su anterior EP y una forma de estilos y géneros para escupir- agradecer el buen momento los con sorprendente efectivi- profesional por el que pasa dad y personalidad a una pista pensando en todo el público de baile. Como productora clubber y festivalero con el ya demostró en tan solo dos que ha disfrutado alrededor referencias en su propio sello del mundo. Porque si hay algo Coconut Beats que lo mismo se que queda bien claro es que puede desenvolver en el house este lanzamiento va directo cálido de esencia downtempo al corazón de la pista de bai2018. Palabras mayores que le han abierto todas las puertas habidas y por haber. En 2019 esta recogiendo los frutos de toda esta dinámica ascendente de otro caso de amor por la electrónica encontrado de la forma en la que lo solemos encontrar casi todos. Con una visita a un club.

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le contando con dos hits para soltarse la melena y evadirse a base de movimiento, sudor y felicidad. Los ingredientes sonoros de la aussie son efectivos y directos. Recurre a líneas de bajo grasientas y gordas, uso de ritmos rotos y percusiones afiladas y un montón de recursos, desde vocales tribales a imaginativas grabaciones de campo (como la del motor del Mustang del 66 de su padrastro,). Todo para sorprender al público y al oyente, experimentando y perfilando cada vez mejor sus procesos de producción. En definitiva estamos ante una propuesta para dejar en éxtasis a todos los que se entreguen a la energía de HAAi. Ese es el atributo que mejor la define. Sí antes de leer estas líneas no la conocían no podemos dejar de recomendar que escuchen, disfruten y desmelénense con esta artista.

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T E N D E N C I A S Autor: REDACCIÓN

Bershka X Tidal M Ú S I C A

El pasado mes de noviembre se presentó en Madrid la colaboración Tidal x Bershka con un evento que congregó a diferentes personalidades del mundo de la moda, música y prensa. DJ Mag ES o quiso perderse el evento y la actuación de la artis-

M O D A ,

M Á S

U N I D O S

ta Tommy Genesis, encargada de poner la nota musical de la noche. Los materiales brillantes, reflectantes y holográficos inundan esta colección, que incluye plumones, joggers, un mini vestido inspirado en

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Q U E

N U N C A

los años 2000 y un vestido mirror ball tipo blazer con hombreras afiladas. Los colores no son lo que parecen, y pasan del violeta, el gris o el azul brillante a una hipnótica paleta de colores del arcoiris bajo las luces estroboscópicas. El estilismo combina a la

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perfección notas de masculinidad y sex appeal, usando prendas femeninas que contrastan con grandes cadenas y maxi accesorios. En cuanto a la música, Tommy Genesis aportó su particular sonido

y vitalidad sobre el escenario, donde la pudimos ver vestida de la colección de la que es imagen. Las piezas de esta colección están especialmente diseñadas para transformarse bajo las luces y convertirse en outfits ideales para noches

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de discoteca y festivales. Además de Tommy Genesis, pudimos ver sobre el escenario a ALIZZZ y Chica Gang, que hicieron bailar a todos los asistentes. +info: www.bershka.com

L U C K Y

Autor: REDACCIÓN

“Flug publica su álbum, ‘The Collection’, en el sello Quartz Rec, el próximo 16 de diciembre. Disponible en 2x vinilo y digital.”

Flug ( C R L / S L E A Z E )

¿Qué canción te recuerda a tu infancia? Mi infancia estuvo cargada de música, ya que mi padre era dueño de una tienda musical y mi hermano era ya DJ cuando yo nací. Así que nombrar una sola canción es complicado, pero... voy a arriesgar con ‘Close To Me’ de The Cure. ¿El primer disco que te compraste? Era difícil comprar discos teniendo una tienda de discos, pero quizás el disco que elegí y tuve por

años en mi Discman fue ‘Orbital 2’, de Orbital. ¿El disco más cursi de tu colección? Mmm… diría ‘But Seriously’ de Phil Collins. ¿Qué canción garantiza hacerte llorar? Cualquiera de Radiohead. Hay tanta profundidad en cada una de las canciones, que hace que sea mi banda preferida de todos los tiempos.

¿Algún disco que estés escuchando? Hace poco descubrí el sello Rhythm & Sound. Hay un disco maravilloso que se titula ‘With The Artist’, que llevo escuchando sin parar desde hace un año. Un detalle: este dúo está formado por Moritz Von Oswald y Marc Ernestus, más conocidos como Basic Channel. 10/10 ¿A qué disco de tu colección le guardas más aprecio? Si hablamos de aprecio, sin dudas

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mi largo ‘In Safe Hiding’. Me llevó más de 5 años terminarlo y es uno de los trabajos a los que he dedicado más amor en toda mi carrera. ¿Cuál es tu canción favorita de todos los tiempos? Para un melómano como yo esta es una pregunta trampa. Decidirme por uno solo sería imposible literalmente, así que voy a nombrar tres de mis favoritas: ‘Idiotique’ de Radiohead; ‘IZ-US’ de Aphex Twin; y ‘Climax V’ de Emmanuel Top.

Puedes encontrar la versión impresa de DJ Mag ES gratuitamente en:

MADRID •

PALMA 39 Calle de la Palma, 39. 28004

•

RIVERETTE C/PUEBLA 9, 28004

•

EL ALMACEN C/Minas 13, 28004

GIRONA •

GRANADA

BARCELONA •

DISCOS PARADISO C/Ferlandina 39. 08001

•

PLASTIC C/Calabria 95. 08015

•

PACHA BARCELONA C/Ramón Trias Fargas. 08005

THE BASS VALLEY Carretera de Pruvia de Abajo 215. 33192, Llanera.

BILBAO •

POWER RECORDS C/Villarías 5, Bajo. 48001

•

ESCUELA BAFFLE DJS Travesia Tivoli 3, 48007

•

DABADABA Camino de Mundai, 8, 20012

•

ACADEMIA FONICA Calle Azorín, 10, 18004

•

USHUAÏA IBIZA BEACH HOTEL Playa d’En Bossa 10, 07817

•

CAFÉ MAMBO Carrer Vara de Rey, 40

•

METRICA STUDIO Carrer de la Murtra, 5, 07817

•

PLAYGROUND STORE C/San Roman 10, Bajo. 36002

SEVILLA •

TOTEMTANZ C/Amor de Dios 66. 41002

VALENC IA

ENIGMA RECORD C/Prim 10, Bajo. 12003

DONOSTI

DISCOS BORA BORA Plaza de la universidad 11. 18001

PONTEVEDRA

CASTELLÓN •

•

IBIZA

ASTURIAS •

EUMES Carrer de Baix, 2, Espai Marfà, 17006

•

FOR THE LADIES C/ Gasco Oliag 6 , bajo izq 46010

•

STRAP V. Blasco Ibañez, 33. 46010

ZARAGOZA •

XPRÉSATE/LAS ARMAS Plaza Mariano de Cavia, 2

Si quieres formar parte de nuestros puntos de distr ibución, escríbenos a: info@djmag.es, con el asunto distribución

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E L

A R T E

D E

V I A J A R

JOSÉ IGNACIO, URUGUAY

THE GÄRTEN BEIRUT

Esta fue tomada durante nuestro tiempo libre en el tour de Sudamérica. Pasamos unos días geniales, gran parte de ellos descubriendo las surrealistas formas rocosas de José Ignacio, cerca de Punta del Este.

Lágrimas de alegría, un precioso amanecer con la impresionante vista de primera hora de la mañana. Fue una noche realmente muy especial.

Adriatique

MUZIEKGEBOUW, AMSTERDAM

DIYNAMIC OUTDOOR EN OFF WEEK, BARCELONA

ADE 2019 fue muy importante para nosotros. Nos asociamos con Audio Obscura y no podríamos haberlo imaginado mejor. La “X” representa el décimo aniversario de Adriatique.

Como tocamos tantos conciertos al año, no todas las actuaciones pueden ser perfectas, pero casi lo logramos. Fue uno de esos extraños momentos en los que ambos nos miramos después del set y estábamos 100% satisfechos con lo que hicimos.

WARUNG CLUB Hemos estado yendo a Warung desde 2013. Cada vez que regresamos, sentimos que la gente lo vive aún más fuerte que antes.

CONSEJOS PARA VIAJAR COMO UN DJ 1. BEBE AGUA : Evita el café y la gaseosa. La cafeína y el azúcar provocarán un colapso que te dejará más cansado y seco que antes. 2. ESCUCHA UN MIX DE MÚSICA QUE TE RELAJE Busca una lista de reproduc-

ción o películas antes de subir al avión y asegúrate de que puedas acceder a ella aunque no tengas conexión. Tenemos nuestras propias listas de reproducción en Spotify para tener un vuelo relajado. (¡No olvides cargar los dispositivos!)

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3. USA ROPA CÓMODA Si todavía no usas pantalones de chándal y sudadera con capucha, llévatelos para cambiarte. La calidad del aire es mala, por eso esta ropa es buena para proteger el cuerpo tanto como sea posible.

B U R N

E N E R G Y

P R E S E N T S

Autor: BURN

Un repaso a 2019 NOS DESPEDIMOS DE BURN RESIDENCY POR TODO LO ALTO

DESCUBRIMOS EL OTRO LADO DE DJ NANO Y PACO OSUNA

Tras casi 10 años, empezamos el año poniendo fin a nuestro icónico programa BURN Residency. Toca apuntar a otras miras y descubrir otros caminos. ¡En este último año, nuestra participante española, Anabel Sigel, ¡se proclamó ganadora internacional!

En marzo lanzamos ORIGEN, un proyecto consistente en 6 episodios que recorrían el lado más humano de DJ Nano y Paco Osuna. Recorrimos su pasado, presente y futuro, focalizándonos en los aspectos que les hacen únicos, y más importante, en todo lo que les une.

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CREAMOS UN TEMA CONJUNTO DE ZARCORT CON DJ NANO

MONTAMOS UN FIESTÓN EN IBIZA, Y VAMOS A MONTAR OTRO EN RÍO

¡No paramos! En junio visitamos Vodafone Yu junto con Zarcort y DJ Nano para presentar el tema inédito combinando Hip Hop y Dubstep, que grabaron en nuestros estudios en el proyecto “BURN Sounds”: Pásame ese trago.

En verano llevamos a un grupo de fiesteros de todo el mundo de fiesta por Ibiza, y aquí no acaba la cosa… En febrero de 2020 llevaremos a los más afortunados de fiesta a los carnavales de Río de Janeiro. ¡Estás a tiempo de participar! Entra en promosburn.com y participa gratis con el código D JMAGXBURN.

Si quieres conocer más acerca de cada proyecto, síguenos en • • •

Facebook: https://www.facebook.com/BURNEnergy.es/ Twitter: https://twitter.com/burn_es Instagram: https://www.instagram.com/burn_energy/ FELIZ FINAL DE AÑO 2019

Autor: PATRICIA PAREJA C ASALÍ Foto: CONRAD BAUER

MUSIK

Dedícate a lo que amas y nunca trabajarás... 028

Keinemusik (cuyo significado es, curiosamente, “no música” en alemán) es el nombre que recibe el sello del momento. Vigente desde 2009, Keinemusik está compuesto por cuatro grandes artistas; Rampa, Adam Port, &ME y Reznik quienes, junto a su peculiar diseñadora Monja, han revolucionado las pistas de baile en los últimos tiempos. La historia de origen de Keinemusik se remonta a 2004 cuando &ME y Rampa se conocieron. Ya muy interesados en la música, los chicos pronto unieron fuerzas varias veces por semana para trabajar en diferentes melodías en un estudio en Kreuzberg. Fue entonces cuando Rampa, el eje central del grupo, tuvo la idea de crear un colectivo contando también con sus ya grandes amigos Adam Port y Reznik, quienes compartían las mismas inclinaciones musicales de la escena berlinesa. Keinemusik logró convertirse en sello unos años más tarde, en 2009. Pronto el grupo acordó que necesitaban una identidad visual fuerte, momento en el que apareció Monja quien, con su particular toque, le dio un aspecto artístico y abstracto a cada nuevo release de los chicos que ha perdurado en la historia del sello hasta hoy en día. Desde entonces, el grupo no ha hecho más que avanzar en la dirección correcta y recientemente han celebrado el décimo aniversario de Keinemusik por todo lo alto. Los cinco DJs, productores, artistas, diseñadores, lo que sea, se están haciendo con el control de las cabinas de los mejores clubes y festivales del mundo gracias a su carisma, su peculiar sonido -tan apetecible en cualquier momento a cualquier hora del día, bailable, alegre, divertido, ¡latino incluso!-, y su afable puesta en escena en la que siempre podemos encontrarles con una sonrisa de oreja a oreja, divirtiéndose y despreocupados, comiendo pizzas o cualquier otra cosa que les apetezca en cabina. Tras un ajetreado año y una intensa temporada hemos tenido el privilegio de sentarnos a charlar con estos grandes chicos para conocerles más en profundidad, para que nos cuenten qué ronda por esas cabecitas para crear ese sonido que arrasa allá donde van, para que nos transmitan sus sensaciones, para saber el secreto que hay detrás de tanta buena vibra… y para saber qué podemos esperar de ellos próximamente. ¡Muy afortunados de cerrar este maravilloso año con Keinemusik al mando de nuestra portada! Esperamos que disfrutéis leyendo esta entrevista tanto como hemos disfrutado nosotros haciéndola…

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¡Hola chicos! Es un auténtico lujazo teneros a los 4 aquí sentados. ¡No se nos ocurría mejor manera de cerrar el año que con una entrevista a los chicos de Keinemusik! Sois uno de los sellos del momento, habéis encabezado el cartel del cierre de Solomun siendo el único “Solomun +3” de la historia en lugar de “Solomun +1”, os hicisteis con el control de Amsterdam Tower en ADE… en definitiva, habéis tenido un año y, en concreto, un verano muy ajetreado. ¿Qué sensaciones tenéis ahora mismo? ADAM PORT: ¡Agotados! (risas). Todo se está calmando un poco ahora, seguimos con fiestas igual pero no tenemos una agenda tan apretada como en el verano. Todo va un poco más lento ahora, llegan las fiestas navideñas… &ME: Es difícil encontrar las palabras correctas ya que 2019 ha sido una locura y, a veces, tengo que pellizcarme o preguntarles a los demás si esto es real. Creo que este año las estrellas se alinearon de manera perfecta para nuestro equipo. RAMPA: El closing de Solomun fue muy divertido. Solomun es un anfitrión muy bueno, nos sentimos muy a gusto con él en la cabina, todo lo hace muy fácil, es divertido pinchar así. Fue largo, muy largo, pinchamos como dos días pero nos hizo sentir como si solo hubiera sido un día y medio (risas). ADAM PORT: En cuanto a la Amsterdam Tower, también estuvo bien, aunque la gente hace tantas fotos desde allí que podrían llamarle “Instagram Tower” (risas). La fiesta fue muy buena, aunque también lo fue la que hicimos en el Chicago Social Club, aunque las fotos de ese no luzcan tanto, la fiesta fue brutal. También es verdad que la fiesta en la Ámsterdam Tower era de día y por eso también se veía mejor. Nos encantaron ambas, todos los años vamos al Chicago Social Club y en la Tower fue nuestra primera vez. Para esos días nos quedamos todos en un Air BnB, relajándonos juntos antes de actuar. ¡Fue una gran experiencia! A simple vista, para mí, sois la viva imagen del dicho “trabaja de aquello que amas, y nunca trabajarás”. Al menos, eso transmitís. Parece que os lo pasáis genial entre vosotros, vuestras caras en cabina siempre son serenas y de felicidad… ¿Os sentís realmente así? ¿Cuál es el secreto? RAMPA: ¿El secreto? ¡No hay secreto! Quiero decir… simplemente nos encanta pinchar música. ¡Estamos de fiesta! ADAM PORT: Es que realmente no lo sentimos como un trabajo, lo sentimos más como un hobby. Un hobby muy bueno. No nos sentimos como que “tenemos que hacerlo”, nos sentimos más como “podemos hacerlo”, y, como pinchamos todos juntos, tenemos suficiente tiempo para pinchar y suficiente tiempo para disfrutar de la fiesta, porque cada uno pone un número de temas y los demás podemos disfrutar o unirnos y pinchar b2b. Así todo el rato. Así que tenemos tiempo suficiente para estar por la fiesta, estar en el ambiente, disfrutarlo, beber, bailar,… Quizá por eso se ve así. RAMPA: No planeamos nada, nos conocemos muy bien entre nosotros desde hace mucho tiempo y todo surge muy fácil. Si uno de nosotros quiere ir a descansar un rato, ir al baño, comer o hablar con quien sea…, simplemente lo hace. Todo es muy natural, no hay nada

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planeado. Al principio sí que lo planeábamos más, nos preguntábamos ¿cómo deberíamos hacerlo?, ¿mejor así, o de esta otra manera…? , ¿deberíamos hacer dos veces b2b o deberíamos pinchar uno detrás de otro…?. Pero después de tantos años hoy en día todo nos viene súper natural. A veces Adam empieza a pinchar el primer track, o empiezo yo, de repente otro entra… Depende de la fiesta, del ánimo de cada uno. Es todo muy fácil. Sois cuatro personas totalmente diferentes, cada uno con su pasado, sus inicios en este mundo, sus gustos musicales, sus aficiones… ¿Cómo habéis conseguido compenetraros y poneros de acuerdo para crear la misma música? ADAM PORT: Todos tenemos gustos diferentes, pero todos nos compaginamos bien y vamos en la misma dirección. Tenemos claro que nuestro estilo gira en torno a la música house moderna, con aire positivo, y cada uno aporta su toque con su propio gusto musical, lo que sabemos. No es que uno pinche hardcore o dubtechno y el otro pinche reggaeton, en ese caso tendríamos que coordinarnos mejor (risas). ¡No queremos asustar! (Risas). Simplemente tenemos muy claro cual es el sentimiento que queremos transmitir y cada uno pincha a su manera.

Vuestros sets tienen pequeñas pinceladas de música latina. ¿De dónde os viene esta inspiración musical? ADAM PORT: ¡SIEMPRE! La inspiración viene de las promos (risas). ¿Tiráis mucho de promos? ADAM PORT: Sí, en efecto, estoy atento a todas las promos y, de hecho, gran parte de la música que pincho ahora la saco de las mismas promos. Nunca planeé pinchar música latina, simplemente la escuché de casualidad, me gustó, y la añadí. RAMPA: Yo pincho mucha música propia y de algunos de mis amigos, la que más me gusta. Así que, más o menos, pincho un 50% de mis propios producciones y de la crew, y de vez en cuando sí que compro música. Bueno, en definitiva diría que… pincho 30% de mi propia música, un 30% de promos y un 30% de la música que compro o busco. Adam Port: ¿Y el último 10%? RAMPA: (Risas) ¡Ups! Ehm… No lo sé, es freestyle (risas). Como sello, que lleva vigente desde 2009, tenéis una imagen muy cuidada y está muy marcado por pinturas, obras de arte abstractas y siempre con mucho color. Esto viene de la mano de vuestra diseñadora gráfica, Monja Gentschow, a quien

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conocisteis en un club llamado Picknick. ¿Cómo fue ese primer contacto? ¿Qué os hizo pensar que Monja era la diseñadora perfecta para vosotros? RAMPA: Salimos mucho de fiesta juntos con ella, nos hicimos muy buenos amigos y eso fue lo primero que nos ocurrió. Cuando vimos sus dibujos y sus pinturas nos encantaron, no fue algo que decidiéramos simplemente surgió de manera natural. Ya me entiendes, salíamos mucho, ella era buena amiga, nos gustaban sus diseños, nosotros hacíamos música, así que finalmente nos compenetramos en esto. ¿Tenéis algunas preferencias para que Monja diseñe las portadas o simplemente la dejáis a su libre inspiración? ADAM PORT: Sí, sí, normalmente así es. Ella hace unos cuantos dibujos, unas cuantas opciones, y entonces espera nuestro feedback “¿cuál os gusta más?, ¿cuál os parece mejor?”. Y así decidimos entre todos o le marcamos algún detalle a cambiar. Monja, ¿en qué te inspiras para diseñar cada portada? Me inspiro en la música y en el ambiente. Antes de decidir la portada hablamos de qué colores pueden adaptarse a la música del álbum, si es feliz o más bien oscuro, en qué estación se ajusta, si es más tierno o pesa-

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do,… La técnica siempre depende de mi equipo favorito actual, no hay ningún sistema detrás de él, pero cambiamos la técnica cada dos o tres años; desde acuarela a crayón, luego los acrílicos, los collage y actualmente estoy con técnica mixta. ¿Le preguntas algo a los chicos? ¿Tienes en cuenta alguna preferencia de ellos en particular? Depende de cómo de seguros están de lo que quieren. A veces soy totalmente libre a la hora de empezar, en otras ocasiones tienen una idea determinada, o me enseñan alguna pieza de inspiración para tener una idea de en qué dirección quieren que vaya la portada. Normalmente comienzo con una ronda bastante grande de 10-30 borradores de entre los cuales eligen sus favoritos, y la segunda ronda la mayoría de las veces tiene la pincelada final con la que todos estamos contentos. En lo que se refiere a vuestros inicios, sabemos que Rampa fue el principal responsable de la creación de Keinemusik. Cuéntanos Rampa, ¿cómo te hace sentir esto ahora que puedes ver la buena evolución del grupo con más perspectiva? RAMPA: Oh no, no… (risas). No soy el líder del grupo. Sí que es verdad que lo empecé y les transmití un poco la energía para hacer o crear algo en conjunto, pero finalmente fue cosa de todos y es algo que creamos entre todos. Por

tanto, no me siento como el “líder”… (risas). Respondiendo a tu pregunta, debo decir que ahora mismo me siento muy relajado, mucho más relajado que al principio. Quiero decir, ahora todo rueda solo… funciona bien, fluye. Todo es muy fácil ahora mismo, nos compenetramos y nos llevamos genial, somos amigos, hay buena energía, no hay estrés ni egos. Al principio recuerdo que nos preocupábamos mucho más por cómo íbamos a poder vivir de esto, de cómo hacer las cosas para que salieran bien. Y ahora, con perspectiva, la verdad es que me siento muy tranquilo y relajado. ¡Es una sensación maravillosa! Todo parece flotar, las tareas están repartidas y todo está en calma… ya no nos preguntamos más el “oh, ¿cómo hacemos esto ahora?”. ¿Recuerdas el momento en que empezaste a notar que todo empezaba a fluir, que todo empezaba a rodar solo? RAMPA: Mmm… no, realmente no recuerdo un “punto” o un momento exacto. Todo fueron altibajos. No llegó un día en el que dije “ahora estoy relajado”. Pero si me preguntas cómo estoy en este mismo momento, te puedo decir que estoy relajado. También puede ser porque estoy tomándome un té de lavanda ahora mismo (risas). ¿Cómo trabajáis entre vosotros de cara al sello? RAMPA: Básicamente, lo dividimos todo en proyectos. Algunas veces, si colaboramos con

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alguna marca o entidad, como con M I S B H V, entonces Adam coordina todo y habla con ellos. Cuando hicimos la fiesta con Circoloco, eso lo hice yo, hablé con los dueños, decidimos el line-up… Ahora por ejemplo estamos buscando un nuevo estudio y de eso se encarga &ME. Él habla con el dueño del local, hace los contratos y esas cosas… ADAM PORT: Reznik, por ejemplo, se está encargando de cuidar que todo lo de la tienda vaya bien. Lo hablamos y decidimos todos juntos, pero luego uno de nosotros se encarga de todo y lleva cada proyecto hasta el final. ¿Y cuán importante ha sido tener ese tipo de negocio alrededor del sello para poder financiarlo? Porque todo sabemos que vender música no es algo que vaya a hacerte ganar mucho dinero… ¿Cómo lo estáis haciendo ahora mismo? ADAM PORT: Creo que es medianamente importante, pero no lo es todo. Porque todo lo que genera el sello lo reinvertimos en el propio sello. El dinero no nos queda a nosotros. Normalmente, la mitad del dinero va para el sello y la mitad para el artista. En nuestro caso todo el dinero va al sello y con eso podemos pagar a ciertas personas que trabajan con nosotros exclusivamente para el sello. Pero aún así te puedo decir que el dinero de nuestras actividades paralelas es menos que el que genera la venta de música.

Dedícate a lo que amas y nunca trabajarás...

REZNIK: La música, es ahora mismo, nuestra principal fuente de ingresos, especialmente gracias a Spotify y las plataformas de streaming. Y dado que tenemos nuestra propia editorial, por lo que eso reduce nuestros gastos. Nosotros vivimos de pinchar, de los royalties por hacer remixes y esas cosas. Pero todo lo que genera Keinemusik, ya que solo publicamos música nuestra, se queda en el sello para su crecimiento… ¡y para tener una buena cena de navidad (risas)! ADAM PORT: Si no hiciésemos eso, sería muy difícil mantener el sello con vida. Nos veríamos obligados a hacer más releases cada año, ahora solo hacemos entre 4 y 5. REZNIK: Eso hace que podamos darnos el lujo de publicar solo nosotros, no tenemos la presión de publicar música de otros para que den las cuentas, o de publicar algo que igual no nos guste tanto. Nosotros queremos tener la comodidad de solo publicar lo que queremos y nos gusta, que es nuestra propia música. “Keinemusik “ significa “no es música” en Alemán. Es un nombre muy curioso para un grupo de berlineses trabajando en cosas relacionadas con la música. ¿Por qué este nombre? RAMPA: Cuando yo era pequeño y pinchaba música en casa, mi madre siempre decía “ahhh… eso no es música!”…, en comparación con lo que ella entendía como música. Para sus oídos

aquello con fuertes graves no era música. Así que… ¡de ahí viene Keinemusik! Ella seguro que tenía razón, es una mujer adulta (risas)… ¿Qué nos podéis contar de Stattbad? Entendemos que fue un local en Berlín en el que pudisteis empezar a crear vuestra música. ¿Creéis que habríais llegado donde estáis si no hubierais podido contar con aquél lugar? RAMPA: En realidad Stattbad no fue el primer local de todos, no fue de los primeros, pero sí fue el más importante. Fue el primer lugar en el que todos nos empezamos a sentir como en casa, cómodos, disfrutamos mucho el tiempo que pasábamos allí, las fiestas que hacíamos… Había muy buena energía en el edificio, la gente era divertida, estaba incluso la gente de Boiler Room, el café… Por eso mismo Stattbad sí fue un paso muy importante para nosotros y fueron tiempos muy buenos que recordamos con cariño. Mi abuela solía nadar en la piscina cubierta – Stadttbad es un complejo que tiene todo tipo de actividades – antes de la guerra y, años después, nosotros por nuestra cuenta montábamos nuestra fiesta en la misma piscina (risas). REZNIK: El edificio original fue derruido en la guerra y luego hubo cierta voluntad de convertirlo en un centro cultural, que fue cuando nosotros estuvimos. Ahora está todo reformado y han hecho pisos de lujo. La gentrificación

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llega a todos lados y hace difícil la existencia de centros culturales como este… El primer lanzamiento de Keinemusik fue digital, KM001: David Mayer. El segundo lanzamiento fue el primer vinilo, que recibió mucha atención y os otorgó reconocimiento en la escena. Desde entonces, habéis publicado muchos grandes lanzamientos. ¿Cómo veis la evolución del sello estos últimos 10 años? ADAM PORT: ¡Uf! Es una pregunta difícil para contestar en cuanto a la evolución de la música. Debo decir que al principio todo era muy técnico, pero con el tiempo hemos ido creciendo y el sello ha empezado a sonar cada vez mejor. También hay que tener en cuenta que conforme avanza el tiempo, la música cambia también. Creo que sería más fácil que otro hablase de nuestra música. Y, ¿cómo habéis visto la evolución de la música durante estos años? ADAM PORT: Esto depende de en qué lugares o países del mundo te fijes. En Alemania, por ejemplo, ha ido a peor, pero en otros países ha mejorado. RAMPA: Esto también depende de cada uno, quiero decir, para nosotros ha empeorado pero quizá a otras personas el sonido en Alemania les gusta más ahora. Es un poco complicado de contestar, hay muchas opiniones al respecto,

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cada uno tiene la suya, cada uno tiene un sentimiento muy individual. Me refiero a que yo tengo unos gustos diferentes a los vuestros seguramente, porque es un sentimiento y una opinión muy subjetiva. La pregunta, en verdad, es un poco incontestable (risas). Para mí, todo está bien. Quiero decir…, sigo pinchando en buenas fiestas en Alemania, como las que organizan en Robert Jonhson o en Colonia, con buena gente y buena vibra. Me divierto y me lo paso bien, aunque todo haya cambiado… mis amigos de antes son demasiado mayores para salir ahora de fiesta (risas). Prefieren un par de copas de vino e irse a ver una película o a dormir. Hace poco habéis celebrado vuestro tour 10x10 celebrando 10 años de Keinemusik y con vuestro nuevo EP “Hand in Hand”. Habéis realizado 10 fechas en las que habéis viajado a lugares maravillosos como Nueva York, Londres, París, Berlín, Tel Aviv, Estambul, Florencia, Ibiza y Ámsterdam. ¿Qué tal la experiencia? ¿Qué sensaciones os ha dejado? ADAM PORT: Fue maravilloso, una experiencia muy buena. Para mí, todo fue mejor de lo que esperaba, me sorprendí mucho porque en todos los shows hubo SOLD OUT. Fue una responsabilidad muy bonita, nos cuidaron mucho, los stages fueron fantásticos, la gente estaba muy entregada.

&ME: La gira fue más allá de lo que esperábamos. Cada parada fue fantástica y recibimos mucha energía positiva para nuestros futuros proyectos. Es imposible decidirme por una actuación en concreto, todos han sido igual de especiales. Es bueno que seáis un grupo y que os mováis todos juntos. Esto ayuda mucho en los momentos de hotel, las comidas, el momento en que acabáis el show en cabina y os volvéis al bnb. Son momentos clave en los que estar acompañado de amigos es de gran importancia… ADAM PORT: Ah, sí, fuimos los cuatro juntos a los 10 shows y fue algo divertido, ya lo habíamos hecho antes en ADE o fiestas así, y teníamos que estar más concentrados pero es genial. Viajar todos juntos siempre es mejor, claro. Siempre es bueno estar acompañado y nosotros nos llevamos muy bien. Nos combinamos mucho para pinchar, pinchamos un 60% juntos y el 40% restante solos. RAMPA: Yo pincho 80% o 90% juntos, no me gusta estar ni pinchar solo (risas). ADAM PORT: Rampa solo pincha el 40% (risas). RAMPA: Si vuelves a decirme algo así de borde otra vez, no volverás a pinchar conmigo (risas). Pincharé solo con Andreas (risas).

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¿Cuál ha sido vuestra actuación favorita en este tour? ADAM PORT: ¡TODAS! (risas), no hay una favorita, todas han sido increíbles. En lo que me preparaba esta entrevista, encontré por internet que la ética que os define es "No es necesario ser demasiado serio para que te tomen en serio”. ¿Es esto así? ¿Nos la podéis explicar? ADAM PORT: ¡Esto lo dijo Andreas! REZNIK: Sí, yo lo escribí (risas). Creo que solo intentaba resumir la dinámica general del grupo. El humor es gran parte de nuestra dinámica y de nuestra manera de trabajar, espero que los demás compartan y estén de acuerdo en esto conmigo. Quiero decir… nos burlamos mucho los unos de los otros, cuando estamos juntos y creo que eso es lo que intenta comunicar esa frase. Solo espero que la gente de verdad se tome nuestra música “en serio”, porque creo que es realmente buena. En cabina se os ve muy compenetrados, parece que tenéis muy buen feeling entre los cuatro y además sois muy cercanos al público. Y detrás de cabina también, ¡nos hemos echado buenas risas con vosotros en redes sociales! Contadnos algo acerca de las pizzas y toda la comida que sacáis en cabina. Sois de los pocos DJs que ha-

céis esto (risas). ¿Cómo surgió? Tenéis que saber que, bueno, como yo diría “no sois la imagen normal de un DJ”. Vuestra manera de hacer está totalmente fuera de la norma. Pero es algo que nos encanta de vosotros. REZNIK: ¿Puedo contarte un secreto? Estamos pensando en abrir una franquicia de reparto de pizzas en el futuro, solo en caso de que el sello no funcione más. ¡Nunca sabes qué puede pasar! (Risas). ADAM PORT: ¡Keinepizza! (Risas). Lo de las pizzas fue algo que simplemente ocurrió de manera natural, durante los tours de repente nos veíamos pinchando 8 o 9 horas juntos así que, después de tantas horas, si no tomas drogas, ¡tienes hambre! (risas). Llega un momento en el que te mueres de hambre, así que ¿qué comida puedes conseguir fácil en un club a las tantas de la noche si tienes hambre? Pizza. Le decíamos al promotor que se pidiese unas y no quedaba otra que comerla en cabina. Esto lo hacemos solo algunas veces, no es que siempre estemos comiendo pizzas (risas). ¡Estamos muy orgullosos de nuestros hábitos alimenticios! REZNIK: ¡Esa pizza! ¡Es brutal! Yo tengo una teoría, sobre el significado psicológico que tiene esto. Creo que los chicos echan de menos pinchar con vinilo, por lo que piden para comer cosas que se parecen al vinilo (risas). Sois muy activos en redes sociales, podemos encontraros constantemente haciéndoos “putadillas” entre vosotros… Puedo recordar aquél IG story en el que Adam Port puso un montón de frutos secos alrededor tuyo, Reznik. Espero que como mínimo te gustaran los frutos secos. REZNIK: Ah, ya…¡afortunadamente sí! (risas). O, Adam,… ¿deberíamos hablar de tus dotes para planchar? (risas). ADAM PORT: (Risas), ¡sí, necesitaba planchar mi camiseta! Como era algo inusual, lo puse en IG Stories. Somos muy espontáneos en ese sentido… ¿En qué artistas o sellos os habéis inspirado para crear vuestra música? &ME: Desde Kollektiv Turmstrasse hasta Johnny D y desde Barnt hasta ese sonido del centro de la ciudad de principios de los 80 en Nueva York. RAMPA: Creo que en general, la inspiración – o al menos para mí –, viene de fuera de la escena musical electrónica, como del hip-hop, el pop, el punk, videos de skate,… cosas así. Me inspiro más en eso que en otros tipos de techno, house afro house, etc. ¿Qué escucháis ahora mismo? REZNIK: Ahora mismo te escucho a ti (Risas).

ADAM PORT: Yo ahora mismo, en Spotify estoy escuchando Bad Bunny. Vosotros que sois de España seguramente lo odiaréis bastante (risas), pero me parece muy interesante lo que hace. No sé qué narices dicen las letras, pero me gusta el desarrollo del reggaeton en general y cómo se ha convertido en música pop global. Escuchamos toneladas de música ya sea latinoamericana, sudafricana, asiática… simplemente la escuchas y te empieza a gustar, especialmente cuando suena con energía buena y positiva. Describid el sonido del Keinemusik en 3 palabras ADAM PORT: Música house moderna. Publicáis las sesiones de vuestro show de radio con mucha frecuencia, especialmente en Soundcloud. ¿Creéis que esto os ha ayudado a ser más conocidos en la industria de la música? ¿Cómo de importante ha sido Soundcloud, como herramienta, para vosotros como artistas? ADAM PORT: Al principio, Soundcloud era muy bueno y ayudaba mucho, pero hoy en día no estoy tan seguro de que nuestros fans escuchen los “radio shows” ahí. Creo que ahora mismo lo escucha más bien un público random que navega por Soundcloud y que hacen repost de nuestras sesiones. Volviendo a Soundcloud, con el tiempo se ha vuelto una herramienta menos importante, pero sigue siendo fundamental para los artistas emergentes. En realidad, gracias al show de radio y a Soundcloud podemos hacer lo que no hacemos con el sello, que es publicar y darle espacio a la música de otras personas. Vamos a hacer un pequeño juego en el que os voy a ir nombrando y cada uno me dirá algo del otro. ¡Esto va a ser divertido! Reznik, ¿qué es lo que más te gusta de Adam Port? Sus dotes para bailar. Rampa, ¿qué es lo que más envidias de Reznik? Que nunca habla demasiado. Adam Port, ¿qué es lo que más admiras de &ME? ¡Difícilmente se pone enfermo! &ME, ¿qué es lo que más te gusta de Reznik? Su enfoque minimalista sobre la vida. Reznik, ¿qué es lo que más envidias de Rampa? Sus dotes para bailar también (risas). Rampa, ¿qué es lo que más te molesta de Adam Port? Que no tenga tiempo para ir conmigo a darse un masaje más a menudo.

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Si tuvierais que dar algún consejo a alguien que se está iniciando en el mundo de la música y quiere convertirse en DJ, ¿cuál sería? RAMPA: Haz algo de provecho (risas). Adam Port: ¡Búscate un trabajo de verdad! (Risas) RAMPA: Ahora de verdad, no hagas caso del resto, no escuches a los demás y haz lo que más te apetezca. &ME: Encuentra tu propio ritmo, busca la música que realmente sientes, trabaja en tu oficio y sé paciente porque lleva un tiempo descubrir todo eso. REZNIK: No hagas caso de ningún consejo. Ese es mi consejo. Finalmente, chicos ¿Qué podemos esperar de Keinemusik en los próximos meses? ¡Contadnos! ADAM PORT: ¡Vacaciones! (Risas). RAMPA: ¡Algo grande! ¡Estad atentos! REZNIK: Este año ya publicamos todo lo que teníamos planeado, así que estaremos preparando el primer release de 2020. ¡Gracias por vuestro tiempo, chicos! TODOS: ¡A vosotros!

Autor: ROHAN G. FINGER

Drum & Bass para un Mundo mejor

El capo de Hospital Records, vuelve con un nuevo trabajo de larga duración, el sexto ya en su extensa carrera, en la que desde mediados de los 90 ha marcado un estilo muy personal dentro del drum & bass, y es por ello por lo que es considerado uno los padres y principales embajadores del sonido liquid funk. Es un honor haber podido conversar sobre su nuevo álbum, con el señor Tony Colman, más conocido como London Elektricity.

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Hola Tony, antes de empezar con la entrevista he de confesarte que eres uno de mis héroes absolutos del drum & bass. Tu primer LP 'Pull The Plug', me cambió la vida por completo... Es genial escuchar esto, ¡muchas gracias!

chos nuevos sonidos e incluso los grabo de cualquier parte con mi móvil o grabadora portátil, creo que haciendo un paralelismo al título del lp, siempre intento 'construir una mejor librería' (risas). Una vez tengo el banco de sonidos listo, dejo que la inspiración fluya disfrutando de

El pasado 25 de octubre vió la luz tu nuevo LP 'Building Better Worlds'. El título en si es toda una declaración de intenciones pero, ¿cual fue tu inspiración para componerlo? Los últimos años he estado tratando de racionalizar qué es lo que hace que la música sea tan importante para nosotros, y empecé visualizar una imagen de grandes álbumes, artistas y canciones flotando como ecosistemas, planetas o mundos. Cuando necesitas escapar de la rutina puedes viajar a estos lugares y sumergirte en otras esferas, así que pensé que ese debía ser mi objetivo, construir mundos mejores con mi música para que la gente pueda evadirse de vez en cuando. ¿Qué diferencias creativas tiene este álbum repecto los anteriores?. ¿Qué nos puedes contar sobre el proceso de composición de 'Bulding Vetter Worlds?, ¿cuánto tiempo te ha costado componerlo? Suelo trabajar bastante despacio ya que creo en la preparación minuciosa, así que siempre que afronto un nuevo álbum, rehago mis librerías de drums, diseño mu-

cada una de las partes del proceso creativo. Esto implica el colaborar con bastantes vocalistas, músicos, o incluso otros productores para que las producciones estén al nivel deseado. Todo esto me suele llevar sobre 24 meses.

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¿Y técnicamente?, ¿has usado en este álbum algo de software o hardware que nunca hayas usado anteriormente?. ¿Qué aparatos conservas de tus principios que aun uses en tu estudio? En cuanto a lo nuevo, me encanta la nueva generación de plugins de Izotope, en particular el Ozone y el RX7, así como los reverbs Valhalla, el instant flanger y el phaser de Eventide, y los emuladores del sinte analógico de Arturia. En cuanto a las cosas que siempre he usado, tengo el Suzuki Omniochords, el Roland Space Echo, el Wurlitzer EP200, y el Fender Rhodes Mk1, mi guitarra Fender Strat, y el piano de cola Steinway D2 de mi abuelo. Además mis viejos micrófonos que parece que suenan cada vez mejor según pasan los años. Tu sonido siempre ha tenido un sabor cinemático y sinfónico muy característico estando siempre repleto de instrumentos acústicos. ¿Has tocado y grabado alguno de los instrumentos que podemos escuchar en el álbum?. ¿Ha colaborado algún músico contigo? Sí, en efecto, he tocado todas las guitarras (excepto las de 'I Wish You Could See It Too' que las ha tocado Urbandawn), los bajos y los teclados, y también alguna percusión. Como colaboración he contado con la de Andrew Natus, el cual tiene un tema en el LP 'New Blood 018' de Med School, y es un talentoso violinista que ha tocado las cuerdas en varias de las

partes sinfónicas del álbum para darle más realismo. Hablando de colaboraciones, en 'Building Better Worlds', podemos encontrar la de MCs y vocalistas como Inja, Bulgarian Godess o Elsa Esmeralda entre muchos otros, pero hay una en especial que creemos que le confiere al título del disco todo su sentido. ¿Qué nos puedes contar sobre The Secretary General y su colaboración? ¡Oh si! Es mi hijo pequeño. Descubrí su talento como MC un día que le llevaba en el coche a sus clases de natación e íbamos escuchando el disco 'Blank Pages' de Inja. Iba rapeando y cantando perfectamente todos los temas, así que le grabé un video y se lo envié a Inja, el cual me dijo que le encantaría escribir unos versos para él, así que lo hizo y nos metimos en el estudio. Nos costó sólo un par de horas, de hecho nos quedamos con la segunda toma que grabamos. Mi hijo es un niño muy sensible y despierto que tiene un flow muy especial, y algo que ni yo se hacer ni puedo enseñar, él sí lo sabe hacer con sólo 10 años. Volviendo al tema de los músicos, no puedo dejar escapar la oportunidad de preguntarte por tu proyecto de London Elektricity como banda. ¿Tienes planeado retomar el proyecto con motivo del lanzamiento del álbum? He estado muy tentado de formar una nueva banda en vivo, de hecho tenia a todos listos para arrancar, pero he acabado psicológicamente muy agotado con la creación del álbum así que no me ha quedado energía para ello. De momento no hay prisa, puede que más adelante, ¿quien sabe…? Sabemos que ya estas en plena gira de presentación del disco. ¿Qué países vas a visitar? ¿Te podremos ver en España? Estaré girando por supuesto por todo el Mundo, tengo previsto actuar en China,

Japón y bastantes países de Europa, pero de momento no me ha salido ninguna fecha en España. Y hablando de España, ¿qué sabes de la escena española?. Estas en contacto con algún productor español. Desgraciadamente no conocemos a ningún productor español, pero nos encantaría escuchar a gente de vuestro país. Cambiando de tercio, hay otro tema que tampoco puedo dejar pasar, y ese el hecho del comunicado que distéis el pasado mes de septiembre sobre cese

del subsello de Hospital, Med School, después de trece años de trayectoria. ¿Por que habéis decidido finalizar el proyecto? ¿Es definitivo? ¿Vais a usar, a partir de ahora, Hospital para lanzar a los nuevos talentos como hacíais con Med School? Med School estaba ya listo para graduarse, así que dejamos que ocurriera en 2019. Es un sí definitivo. Sobre donde ubicar a los nuevos talentos, es algo en lo que aún estamos meditando mucho... ¿Qué planes tenéis para Hospital records en los próximos años?. ¿Estáis preparando algo especial para vuestro 25 aniversario en 2021?

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No tengo la menor duda de que prepararemos algo gordo para nuestros 25 años, nos encantan los aniversarios y sería absurdo no hacer algo especial en una fecha tan señalada. Y encuanto a vuestra faceta de promotores, ¿qué planes tenéis para las fiestas Hospitality que hacéis por todo el Mundo?, ¿algún destino nuevo para 2020 a parte de los que ya tenéis?.¿Habéis pensado alguna vez en España u otros países para organizar un festival como el Hospitality On The Beach (Crocacia) o el Hospitality In The Park (UK)? Constantemente estamos buscando nuevas ubicaciones y expandir nuestra marca a lo ancho y largo del planeta, pero no puedo hacer un spoiler de las novedades para el año que viene. No quiero arruinar la sorpresa a nuestros fans. Para finalizar, me gustaría que habláramos sobre la situación mundial a nivel político y social y su influencia sobre la música. Como británico, ¿qué consecuencias a nivel mundial crees que puede tener el Brexit sobre el drum & bass? No hay espacio suficiente para poder plasmar mi opinión sobre esto adecuadamente, pero resumiendo, es una auténtica locura que lo único que va a provocar es ponernos las cosas más difíciles a todos los que trabajamos dentro de Reino Unido. Algún día la historia mirará atrás y nos dará la razón admitiendo que fue algo ilegal y anticonstitucional, pero el hecho es que en estos momentos está sucediendo, así que lo único que nos queda es hacer música aún mejor para poder combatirle. Tony, ¡ha sido un inmenso placer poder entrevistarte! Esperamos verte pronto repartiendo musicón por nuestras tierras. ¿Algo que añadir? ¡Un gran abrazo a todos los amantes de la música en España!

Autor: EDUARDO P. WAASDORP

GRAZZE

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EL SONIDO DEL FUTURO La escena deep está en un momento impresionante. La vuelta de los sonidos y texturas más profundas a la primera línea de la electrónica mundial no es casualidad, ya que ha conseguido traspasar géneros e, incluso, ayudado a dar forma a tantos otros… Nuestro país no ha sido ajeno a esta tendencia sonora, ya que desde hace años ha habido toda una serie de artistas que han prodigado el sonido deep con gran soltura, cosechando grandes éxitos (especialmente fuera de España). Es el caso de GRAZZE, alias Javier García, un madrileño que se encuentra prodigando su sonido profundo, atmosférico y mental en etiquetas de la talla de Einmusika, Anjunadeep o el sello español más importante del género: Beatfreak, de D Formation. 2019 ha sido un año de confirmación para GRAZZE y 2020 tiene pintas de no aflojar para Javier, que acaba de estrenar programa – Sounds of GRAZZE – en Ibiza Global Radio. Charlamos con el artista madrileño para hacer balance sobre el año que nos deja y ver qué le depara el futuro. ¡Música, maestro!

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¡Muy buenas, Javi! Un placer tenerte en la revista… ¿Cómo ha ido tu 2019? Muy buenas! Antes de nada quiero daros las gracias por esta entrevista y sobre todo por apoyar prácticamente el 100% de mis lanzamientos musicales durante todo este año que ha estado lleno de mucha música y DJ Mag ES ha estado siempre presente, muchísimas gracias de verdad. 2019 esta siendo un año muy productivo y estoy muy satisfecho por los objetivos conseguidos y el trabajo realizado. En octubre tuviste un hat-trick de releases de gran nivel, en sellos como Anjunadeep, Einmusika o Beatfreak… ¿Cómo describirías tu sonido actual? Nunca me ha gustado hablar mucho de etiquetas porque me he movido por muchos estilos pero la armonía y melodía siempre ha sido uno de mis patrones comunes. Sí que le he dado un puntito de energía a mis producciones y estoy enfocado en temas más pisteros, más que antes que hacía temas más deep. Voy a seguir por esta línea de temas más enérgicos pero también voy a lanzar alguna referencia más tranquila centrada en líneas deep para disfrutar solo escuchando. Tu inclinación por ese sonido deeptech (si se puede llamar así) en esta ultima etapa es clara, con toques exóticos, tribales y étnicos. ¿Cómo llegó esa inspiración? Ahora mismo me etiquetan los tracks más bien en estilos como progressive house y melodic tech sobre todo, pero ya os digo que personalmente no creo mucho en este tipo de etiquetas. Llevaba tiempo haciendo una línea muy deep y quería darle un puntito más de energía a mi música por lo que probé varias referencias que tuvieron muy buena aceptación tanto por sellos de gran referencia como artistas muy bien posicionados y con las que me sentía cómodo produciendo por lo que mantuve esta línea que es todo lo que estáis escuchando en mis últimos lanzamientos.

Vayamos atrás, ¿cómo surge tu amor por la electrónica? Siempre estuve enamorado de la música en general y de diferentes estilos. Entre los 12 / 14 años, finales de los 90's, escuchaba algunos sets de electrónica que funcionaban muy bien por las salas de España y Europa, líneas muy progressive o trance y empecé a interesarme y a hacer mis primeros pinitos como Dj aprendiendo. Ahí puedo decir que me atrapó el interés por la electrónica porque según iba aprendiendo mas me iba interesando e incluso a veces obsesionando (Risas). Vienes de un pasado musical más clásico: como tenemos entendido, empezaste a estudiar piano y teoría musical a los 14… ¿Seguiste desarrollando tu carrera más “académica”? ¿Qué vino después? Realmente empecé con piano y solfeo a los 6 años, muy pequeñito, de lo cual se me habrá olvidado más de la mitad de las cosas (Risas) pero sin duda eso forjó mi pasión por la música y a los 14 ya empecé a formarme como Dj y empecé a tener contacto con otras parcelas musicales como percusión o guitarra. Ya con mayoría de edad estudié y me especialicé en sonido y producción musical. Nunca he parado de escuchar y tocar música y seguimos en ello. Además de piano, te hemos visto tocar la batería… ¿dominas algún otro instrumento? No me considero un súper experto de nada pero sí que la guitarra y batería son los instrumentos con los que mejor me defiendo. El piano sobre todo lo utilizo más para la composición musical. Aunque está claro que tener esta formación no es imprescindible para ser un buen productor musical, cuéntanos: ¿Cómo te ha a ayudado a ti a la hora de componer o de desarrollar tu proceso en un estudio? La verdad es que no soy una persona que piense demasiado en técnica o teoría

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musical a la hora de componer. Prefiero centrarme más en el sentimiento y la sensación que me inspira cada uno de los sonidos. Pero no dudo lo más mínimo de que todo lo que escuché, aprendí y experimenté desde niño lo llevo ahora impreso en mi marca incluso de alguna forma subconsciente en muchos de los casos. Hablando de eso, ¿cómo es tu estudio? ¿Cómo es tu configuración básica? La verdad que la palabra básica le viene al pelo (risas). Hace tiempo me obsesionaba con la idea de si tendría o no un estudio adecuado, suficiente hardware... Pero realmente me he dado cuenta que para hacer buena música tampoco es algo imprescindible. Si tienes la suerte de tener mil instrumentos, procesadores físicos y sintes es genial pero también creo que no es lo habitual y aún así se hace muy buena música por la cantidad de opciones que nos ofrece el campo digital. En cuanto a mi equipo tengo un teclado MIDI para acceder a sintes digitales, mi batería Roland, 4 guitarras (acústica, clásica y 2 eléctricas) y un set de estudio con mis monitores, tarjeta de sonido, ordenador, cascos de mezcla, alguna caja de ritmos y un micro de grabación entre otros elementos. Creo que con esto se puede hacer música más que de sobra, además de mezclar y masterizar a un buen nivel. Cambiando de tema, ¿cómo ves la escena musical española en la actualidad? Tanto a nivel general, como enfocado en la escena electrónica… Siempre ha habido y sigue habiendo artistas excelentes en todos los géneros a nivel nacional. Sí que echo de menos artistas que estén más centrados en estilos melódicos como melodic tech o progressive house. Los hay y muy buenos pero quizá hay bastantes más en otros estilos como techno o EDM. La verdad que España no es el país que más opciones presenta para artistas de mi estilo a día de hoy porque al final tenemos que enfocarnos casi siempre en sellos, artistas y público de otros países como USA, UK,

Autor: EDUARDO P. WAASDORP

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Holanda o Alemania donde si que hay más acogida para la escena melódica, aunque bueno esto como todo son ciclos y puede que en un tiempo tengamos una acogida social más fuerte en este estilo también aquí en España.

Eres un habitual de uno de los sellos con más solera de la escena: Beatfreak, de D-Formation. ¿Cómo surge tu relación con el sello? ¿Y con Dimas Carbajo (D-Formation)? Todo partió de un lanzamiento que hicimos a finales de 2018 con Armada Music donde Dimas hizo una remezcla de mi canción 'Cat & Mouse'. A raíz de ahí empezamos a tener muy buena relación, intercambiamos música, impresiones y vimos interesante seguir haciendo cosas juntos. Toda la escena nacional conocéis a Dimas y sabéis no sólo la talla de profesional que es sino personalmente como se involucra al 200% en todo lo que hace. La verdad es que yo no puedo hacer más que agradecerle su interés, esfuerzo, ayuda y sobre todo sus consejos, no solo los profesionales que son diamantes, sino también los personales que muchas veces son incluso más importantes. Para mí está siendo como un 'padre musical' que nunca había encontrado en todos estos años de carrera y por supuesto durante los próximos meses seguiremos publicando nuevas referencias juntos, también mi primer EP con Beatfreak y además estamos dando forma a nuevos proyectos muy interesantes para 2020 que os iremos contando. También vemos que has recibido un tremendo apoyo desde sellos foráneos como Anjunadeep, Einmusika, Glasgow Underground, Armada… ¿Qué tan difícil fue para ti llegar a esas plataformas? Fue muy difícil llegar la verdad. Mucho trabajo, música y muchos intentos fallidos hasta que das en el clavo. Ahora la verdad estoy muy satisfecho de poder trabajar con sellos de este nivel y haber alcanzado equipos tan profesionales

con los que trabajar mano a mano en la promoción de mi música. Tu carrera también ha estado ligada a las ondas radiofónicas durante bastante tiempo, pasando por Kiss FM, Hit, Loca o Unika. ¿Cómo ha sido esta experiencia? Aprendí mucho en cuanto a locución, imagen radiofónica y producción sonora como técnico de radio. Fue un área que abandoné para centrarme en mi proyecto artístico pero me quedaron muy buenos amigos y un excelente proceso de aprendizaje y desarrollo dentro del campo del sonido y la música. ¿Qué le falta a la radio musical de electrónica en nuestro país para conseguir el nivel de otras radios referentes internacionales? Bueno, es simplemente mi opinión personal y puede que esté equivocado, pero creo que lo que marca el poder adquirir un alto nivel y cierto prestigio con una radio centrada en un género musical concreto y minoritario como puede ser la electrónica, depende mucho de su audiencia y en general la cultura y sociedad del país donde se encuentre. Es cierto que en España actualmente hay otros géneros musicales que son más aceptados socialmente por grupos más numerosos que la propia música electrónica y eso condiciona mucho a que una radio pueda o no desarrollarse más o menos en este país y dentro de este estilo. Evidentemente hay excepciones, como el éxito de proyectos como el de Ibiza Global Radio o, a un nivel más underground, Radio Relativa y otras iniciativas… Tú este año has empezado tu propio programa en Ibiza Global, Sounds of GRAZZE… ¿Por dónde va a ir este proyecto? Si, la verdad es que tengo la suerte de poder formar parte de la radio con mayor proyección internacional de España a nivel electrónico y les agradezco desde el primer momento su interés y aceptación hacia mi programa. Sounds Of GRAZZE, lo emitimos cada semana y voy a

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continuar con la misma línea que he llevado estos últimos meses donde a parte de exponer todas mis producciones y las canciones de artistas afines a mi línea musical en formato sesión & top7, también presentaré como he hecho hasta ahora, sets completos de artistas invitados nacionales e internacionales de muy alto nivel. ¿Crees que la radio debería volver a tomar un papel más protagonista, como medio de comunicación, en la música electrónica? Creo que la radio sigue siendo un medio de comunicación protagonista dentro de la música electrónica en muchos países, quizá en España es verdad que ha perdido mucho fuelle en términos generales pero en otros países como por ejemplo UK seguimos teniendo radios muy potentes como BBC Radio 1, aunque sinceramente creo que el streaming y plataformas como Spotify están cogiendo muchísima fuerza y comiendo bastante terreno a las radios. Es muy probable que estas plataformas lideren el sector durante los próximos años. Finalmente, Javier, ¿Qué proyectos tienes entre manos de cara al año que viene? Muchos la verdad. Se acerca un año muy ilusionante para mí en 2020. Ya tengo lanzamientos cerrados con sellos como Anjunadeep, Einmusika, Zerothree o Beatfreak por ejemplo para los próximos meses. Muchas colaboraciones con artistas como Rauschaus, Nuage, D-Formation o George Bloom entre otros. Además quiero darle otra vuelta de tuerca a mi música para ir más allá y también estoy empezando a trabajar en un nuevo concepto de directo más orientado a LIVE donde experimentar la inclusión de instrumentos como sintes, batería o guitarras durante los sets que vendrá con sorpresas y espero poder presentaros muy pronto. ¡Gracias por tu tiempo! ¡Muchísimas gracias a vosotros, ha sido un placer!

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Nepal no es conocido por su escena de música electrónica, pero un grupo de artistas jóvenes en Katmandú están tratando de cambiarlo… Texto: DHRUVA BALRAM Fotos: PRAJWAL BHATTARAI, PRASIIT STHAPIT

epal siempre ha cautivado la imaginación. Ubicado entre dos superpotencias en India y China, en la cima del Himalaya -la cordillera más alta del mundo-, el país tiene más de 2.000 años de historia y cultura. Nepal en sí mismo se ha convertido en un destino para aquellos que buscan una experiencia cultural única. Como tal, la ciudad capital de Katmandú -el punto de acceso para el país-, destaca por su gran paisaje musical: una incubadora vibrante no solo de DJs y productores, sino también de un grupo acogedor de personas, ansiosos por formar una comunidad. "He visto mucho interés de India y Pakistán aquí, probablemente porque somos un país pacífico", nos cuenta por teléfono el productor nepalés phatcowlee. Con mucha tensión en otras partes del sur de Asia, especialmente entre Pakistán e India, Nepal se ha convertido en un gran lugar para que los artistas se congreguen. "Puedo invitar a un paquistaní [y] a un indio aquí y todos pueden actuar", afirma Rishi Jha, cofundador de la agencia cultural We All should Play. “Si un indio quiere ir a Pakistán, eso es imposible. Si un paquistaní quiere ir a la India, también es imposible. Aquí, celebramos ser del sur de Asia”. "La versión más reciente [de la escena] comienza en el advenimiento del milenio", dice Ranzen Jha, el padrino no oficial de la escena de música electrónica nepalí. “Los rituales semanales de los martes en el Club Galaxy [donde] aparecieron DJs como Ankytrixx, Kranti y Nishan, fueron los primeros bailes en Katmandú. Más tarde, Funky Buddha comenzó como un lugar de referencia para la música psy-trance.”

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KATMANDU Zero Mile (Chandresha y Ranzen Jha)

Pronto, la escena se renovó. Party Nepal, una empresa de eventos, proporcionó el primer sitio web para los próximos eventos. La música electrónica llegó a la televisión y, conducida por algunos medios de música en Katmandú -principalmente en la zona turística de Thamel-, se desarrolló un nuevo tipo de estilo de vida. Las generaciones más jóvenes comenzaron a interesarse y dejarse llevar por la música house, techno y bass, y se convirtió en una cultura DIY (“Do It Yourself”, es decir, “hazlo tú mismo”) distinta, donde festivales como Shanti Jantra, Universal Religion, Moodelila, Dark Sun, Ambient Valley y Dancemandu se llevaron a cabo entre 2007 y 2014. “Poco a poco ha habido un aumento en la escena del club, así como en la [escena] de la música electrónica independiente", dice Rohit Shakya, cantante, compositor y productor de Katmandú. "No hemos tenido ningún artista que haya llegado a ser mainstream aquí en Nepal tan solo componiendo música electrónica, por lo que es algo más clandestino". DESASTRE Cuando la comunidad de música electrónica en Katmandú parecía estar cogiendo forma, estableciendo la estructura para crear andamios sobre los que pudieran construir, un terremoto de magnitud 7.8 golpeó el lugar matando a casi 9.000 personas e hiriendo a alrededor de 22.000. Dejó a cientos de miles de nepaleses sin hogar, afectando distritos enteros y destruyendo más de 600.000 estructuras. El daño al país fue de aproximadamente 10 mil millones de dólares. "Todos estaban preparados para un festival llamado Mountain Madness cuando ocurrió el terremoto", recuerda Ranzen. "Es algo que solía suceder anualmente. Desde entonces, este festival ya no existe”. Con réplicas frecuentes durante dos o tres meses, nadie parecía estar trabajando. La gente se quedaba en tiendas de campaña temerosos de lo que estaba por venir. Ranzen y Rishi, hermanos, dormían fuera en un jardín junto a docenas de personas. No había escasez de comida o bebida, pero la vida estaba estancada. Cientos de miles de nepaleses vivían en tiendas de campaña en Katmandú y también en las regiones circundantes. Las aldeas habían sido aplastadas, y había una gran sensación de desesperación que yacía dentro de la mentalidad de las personas. Muchos edificios con siglos de antigüedad fueron destruidos. Con todo, y a pesar de las condiciones, la gente quería mantener la sensación de normalidad y el deseo de divertirse era la corriente subyacente por la que querían recuperar el control. “La primera actuación [después del terremoto] fue al lado de la casa de mi hermano", dice Rishi. “Organizamos una fiesta con Ranzen y bailamos después de mucho tiempo. Aquello fue muy divertido“. “Afectó al estado de ánimo de la ciudad en general", Marta, la cofundadora de We All Should Play, confiesa: “Cuando fui por primera vez [a Katmandú] antes del terremoto [en 2014], hubo un viento de cambio. Todos querían sentir algo y crecer. El terremoto ralentizó mucho las cosas". El terremoto junto con el bloqueo del comercio, a saber, la gasolina -desde la India hasta Nepal-, provocó un estancamiento durante este tiempo. La ciudad estuvo en un periodo de relativa calma ya que se reagrupó, se

encontró entre los escombros y comenzó de nuevo a partir de los fragmentos que se habían astillado a través de la capital. "Creo que, más que nada, unió a la gente", dice YNZN P, uno de los DJ y productores más solicitados y buscados en Katmandú. "La gente estuvo estresada durante meses", explica Ranzen. “Y luego comenzaron a salir lentamente. Katmandú solo tenía un puñado de clubes que tocaban música electrónica, pero ahora está creciendo rápidamente“. CRECIMIENTO Al principio había una gran escasez de clubes que tocaran música electrónica después de la medianoche. Ahora, en Thamel, hay una docena de lugares donde lo hacen. Marta, que se mudó a Katmandú después del terremoto y creó los primeros Sofar Sounds del país -una serie de conciertos íntimos que se dan en lugares no tradicionales-, fue testigo de primera mano del cambio en el país. “Cuando llegué a Nepal por primera vez en 2014, todo era muy diferente de como es ahora. Cada dos meses [ahora], sucede algo nuevo, alguien nuevo empieza una serie de conciertos, una serie de podcasts… Hay una generación joven que encuentra un camino en la escena y cambia las cosas, acelerándolas”. Con una inversión en pequeños cafés, bares y lugares para avanzar en la cultura, Katmandú reconstruyó su escena desde cero. Teniendo aquella paleta vacía, los miembros de la escena despegaron en diferentes direcciones, dándoles la libertad de influenciar en la cultura como quisieran. Phatcowlee, el apodo de la música electrónica de Rajan Shrestha, surgió de esta liberación. En 2017, lanzó un EP de cuatro pistas titulado "Cinema" en el sello indio Consolidate. Fue elogiado en todo el sur de Asia,

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KATMANDU Alien Panda Jury y phatcowlee

Autonomotor

considerado como un trabajo influyente de un productor nepalés. Y el propio Shrestha se sorprendió de la aparición de su primer concierto en vivo como phatcowlee, debido al territorio relativamente desconocido de su música. “No tenía idea de que yo tenía audiencia porque todavía no había salido nada. No sabía lo que esperaban de mí", admite. La calidad -relativamente desconocida- de los músicos nepaleses es también lo que llevó a la creación del Festival de Música de Sine Valley. Alien Panda Jury, un artista paquistaní, voló a Nepal como parte de una asignación de Coke Studio en 2012 y quedó impresionado por el talento. M. Manal, también conocido como Autonomotor, un artista con sede en Maldivas, sintió lo mismo. Ambos se conocieron en Karachi en 2015 y, cuando se volvieron a encontrar en Berlín al año siguiente en un concierto de Karachi Files, decidieron dar vida a la idea de un festival y residencia. "Fue agradable, era algo fresco y nuevo", revela phatcowlee. Desde las dos ediciones iniciales, la financiación para conciertos y residencias nepalíes se ha agotado. Para Rishi y Marta, el dúo de marido y mujer que dirige We All should Play, esto ha resultado inmensamente difícil en la creación de su residencia Seashells On The Mountains. "El mayor obstáculo es invertir en cultura", revela Rishi. "No hay soporte para el lado comercial". Justo al lado de un país como India, lugar en el que las corporaciones como Boiler Room continúan invirtiendo fuertemente en la cultura, los artistas nepaleses están frustrados por su futuro. “En Nepal no hay muchas ciudades que puedas recorrer", describe YNZN P. "Los artistas no van a otras ciudades porque no hay mercado, y esto se reduce a la audiencia también. Tal vez por lo receptivos que son”.

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EL FUTURO A pesar de haber enfrentado una miríada de obstáculos para llegar donde están ahora, los artistas nepaleses miran hacia el futuro con una mezcla de esperanza e incertidumbre. "Es un entorno en crecimiento, está cambiando mucho", admite Marta. "No es fácil para los artistas nepalíes solicitar visas e irse sin más. Por lo tanto, hay un largo camino por recorrer, pero en los últimos años ha sido positivo". Rohit se hace eco de Marta, diciendo: “Creo que la escena es muy pequeña aquí. Es importante que los nuevos oyentes sepan lo que está sucediendo aquí en Nepal. Y también creo que es importante que esta música también salga de Katmandú". En un año marcado por la ocupación de Cachemira por parte de la India, que tensó aún más la ya tensa relación con Pakistán, se reveló la importancia de Katmandú como centro para artistas. YNZN P. acaba de tocar en un espectáculo de Boxout In Transit, un escaparate presentado por la estación de radio comunitaria en línea india boxout.fm, donde exhiben sonidos de una nueva ciudad con cada edición. Al pensar en el programa, dice: "Como personas, somos acogedores y tenemos hambre de aprender y tener esa interacción, y tener ese intercambio con personas de diferentes países. Además, no es tan estricto. Katmandú ha sido un poco indulgente, y las artes realmente han florecido en ese sentido". "Katmandú es un centro de actividad", afirma Rishi Jha. "La mezcla de toda esta energía joven, especialmente en la música electrónica, creo que ese es el punto fuerte de Katmandú ".

El Vinilo Es La Respuesta A. the

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El vinilo goza de la mayor popularidad que se recuerda en años y los sellos solo-vinilo son percibidos como los mejores de la electrónica. Pero, ¿es buena nuestra obsesión con los acetatos o es un club cada vez más exclusivo? Hablamos con DJs y dueños de sellos para descubrir más… ow o

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Autor: CHANDLER SHORTLIDGE Traducción: YACCELIL JIMÉNEZ DE LA PEÑA

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eguimos inmersos en el resurgimiento de la cultura del vinilo. Sus ventas continúan aumentando año tras año, un 12% más en 2018 y los sets vinyl-only, en puntos como Ibiza, siguen siendo una gran atracción. Incluso Tomorrowland ha presentado escenarios solo de vinilo en los últimos años, liderados por un amante del formato: Sven Väth. En los círculos más underground, el vinilo ha sido fundamental para festivales más selectos y la cultura que ha surgido a su alrededor, dando al medio y a quienes lo tocan un aura de genialidad, pocas veces vista en la música de baile. Los sellos vinyl-only también continúan prosperando. Y dependiendo de a quién le preguntes, podría decirse sin duda alguna que son algunos de los mejores sellos que existen. Pensad en Sex Tags Mania, Beste Modus o Tusk Wax: todos ellos sellos innovadores, que hicieron música de alta calidad para sus devotos. Pero cuando te encuentras fuera del movimiento dominante, sin que sea culpa tuya, el hype que se crea a su alrededor puede ser abrumador. Al no poder participar debido a razones financieras o de otro tipo, quienes no tienen acceso pueden sentirse excluidos e incluso despreciados. “El alto coste de hacer cualquier cosa que tenga que ver con vinilos, ya sea pinchar o simplemente coleccionar, hace que sea realmente difícil para las personas en situaciones económicas más difíciles”, dice Arnav Luthra, de 22 años. “Para mí, esto es molesto, porque lo que realmente me encanta de esta escena es la inclusión, especialmente para las personas queer y de color”. Trabajando como ingeniero de software durante día, este neoyorquino aspirante a DJ, que comenzó en el techno cuando tenía 19 años y pronto comenzó a pinchar para su emisora de radio universitaria. Al vivir en Pittsburgh en ese momento, se sumergió en la escena, yendo regularmente al Hot Mass, un club con una capacidad para 200 personas. Un lugar al que Luthra considera “realmente especial”. Ahora vive en la ciudad de Nueva York, está aprendiendo a producir y su punto de vista sobre el vinilo llamó la atención de artistas como Red Rack’em, Ciel y Noncompliant, que respondieron a Luthra cuando tuiteó: “¿Por qué alguien haría un súper-lanzamiento limitado de vinilos y sin digital? Los únicos que van a pinchar tus tracks son DJs con más dinero que sentido y que se autodenominan ‘selectores’”. Al explicar el tweet por Skype, Luthra dice: “Ser demasiado friki del vinilo crea una cierta actitud de “portero de discoteca”, que no deja que todo el mundo entre”.

WAX ONLY

Hace veinte años, el término “vinyl-only” habría generado miradas de extrañeza dentro de la comunidad de DJs. Pinchar se hacía casi siempre con vinilo y tener giradiscos, especialmente el estándar de la industria, los Technics, era requisito previo para convertirse en DJ. Por supuesto,

muchos artistas se conformaron con cosas más baratas al principio de sus carreras, porque tenían que hacerlo. No deja de ser algo hermosamente bohemio… Pero como señala Luthra, hoy el equipo digital ha cambiado la escena para mejor. “Lo que es realmente maravilloso es que el coste para entrar en el mundo de la música ahora es mucho más bajo, especialmente alrededor del equipo de DJ, y eso ha abierto el campo a grupos con menos poder adquisitivo”, comenta. “Digamos que vienes de una clase media-alta. Entonces, tal vez, podrías trabajar algunos veranos y que tus padres te apoyasen para poder comprar unos giradiscos. Pero creo que esa no es la realidad que vive mucha gente”, concluye. La tecnología no es lo único que ha cambiado estos 20 años. La generación de Luthra ha vivido una constante amenaza de inestabilidad económica y la realidad del mundo en el que creció ha “impactado” su visión sobre lo que supone entrar en el mundo de la música, comenta. En este momento, un trabajador que gana el salario mínimo en EEUU necesitaría x2.5 trabajos a tiempo completo para pagar un piso de una habitación. Y los problemas de vivienda son tan graves en Reino Unido y Europa que, de media, los inquilinos gastan más de la mitad de su sueldo neto para poder alquilar. En Londres, la cifra se dispara a un 89%. Eso se debe, en parte, a la subida de los alquileres – que se dispararon un 9%, de media, desde abril de 2013 – y a que los ingresos no han mantenido el ritmo de los aumentos en el alquiler. Esto deja a futuras generaciones de DJs con menos dinero para gastar en música que las anteriores, lo que significa que habrá más piratería o se tendrá que renunciar al vinilo completamente debido al precio.

PRICE POINT

Incluso si uno no es coleccionista, el vinilo es un pasatiempo caro. Un EP nuevo cuesta alrededor de 12€ en Juno. Eso es dos o tres veces el precio de una descarga digital y algo menos si pagas lo que quieres en Bandcamp. Y una vez que se agotan las tiradas limitadas de vinilo, a menudo, los usuarios de Discogs aumentan el precio de reventa cuatro o más veces sobre el valor original, como demostró una reciente investigación de DJ Mag, haciendo la compra del acetato todavía más imposible para artistas de bajos ingresos. Y eso hablando solo de vinilos. Por el mismo precio que un plato Technics nuevo, puedes comprar una controladora nueva todo-en-uno digital, de primera marca, con todas las virguerías tecnológicas actuales. Sí, para un audiófilo el vinilo suena mejor. Pero esto no es un debate de vinilo vs. digital. La gente ha sentido el recorte en su presupuesto, teniendo que mudarse a barrios más humildes y viviendo con menos dinero. Los alquileres han subido y las crecientes tarifas de los DJs también han hecho que los precios de entrada a los clubes suban. Esto acaba significando que solo un cierto grupo demográfico puede darse el lujo de irse de fiesta.

“¿Por qué alguien haría un lanzamiento de vinilo súper limitado sin digital, las únicas personas que van a tocar sus pistas son DJs con más dinero que sentido que se autodenominan “selectores”.” ARNAV LUTHRA

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EL VINILO ES LA RESPUESTA Josh Doherty (Posthuman)

“Siempre he pensado que los niños ricos son la muerte de la cultura. Incluso cuando hacen cosas buenas con su dinero, incluso si la motivación detrás de ellos es altruista, la riqueza hace que el campo de juego sea desigual. Aumenta las tarifas y los costos en todos los ámbitos, y expulsa a los independientes.” JOSH DOHERTY

Y como señalaban Secretsundaze, en su columna sobre la cultura de los selectores para XLR8R, es ese mismo tramo demográfico el que puede: “permitirse comprar, con mayor facilidad, ese disco de edición limitada que se escucha en tal o cual sesión”, llevando a un extremo todavía mayor esa exclusividad que se vive la música electrónica moderna. “Siempre he pensado que los niños ricos son la muerte de la cultura”, dice Josh Doherty de Posthuman quien, con su socio de producción, Rich Bevan, lleva el sello vinyl-only I Love Acid, desde 2014. “Incluso cuando hacen cosas buenas con su dinero y la motivación es altruista, la riqueza hace que el tablero se desequilibre. Creo que hay muchos promotores, cuya riqueza les ha llegado por herencias, que han dejado que esta influya en su forma de hacer las cosas y eso ha alimentado estas locas tarifas. Eso, a su vez, ha atraído la atención corporativa, que es la antítesis de los orígenes de esta escena”. Para ayudar a combatir lo que él llama “problemas de riqueza y clase en la música de baile”, Doherty dice que siempre ha tratado de mantener baratos sus releases y eventos, evitando los bookings movidos por el “hype”. Y mientras que podría ganar más dinero a través de su sello, ofreciendo ventas digitales o re-ediciones – cada lanzamiento está limitado a 303 copias –, Doherty se ha mantenido firme. “La falta de digital significa que ese flujo de ingresos no existe, incluso si una pista lo peta y de repente hay mucha gente que la quiere. Pero tomé la decisión consciente de publicar solo en vinilo hace mucho tiempo y no soy de los que se vende solo porque algo sea inesperadamente popular”. También dice que, a pesar de la percepción popular, el vinilo no protege mejor la propiedad intelectual

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del artista que el formato digital: si alguien quiere rippear tu música, lo hará, sin importar el formato. “Definitivamente sucede. Y seguramente el no encontrarlo tan fácilmente es molesto para alguien que quiere pinchar un track que no puede conseguir”, dice. Entonces, mientras que el vinilo no necesariamente protege contra la piratería o ayuda a artistas y sellos con la supuesta subida en las ventas… ¿cuáles son las ventajas de tener un sello vinyl-only? Bueno, para algunos sellos, es una necesidad. En la música de baile, el pirateo es bastante común. Pero es más común en el escena disco, donde los artistas regularmente samplean temas antiguos, le agregan un kick potente y hacen una tirada limitada solo de vinilos, como forma de saltarse los controles digitales de las grandes discográficas, que seguro querrían cobrar por autorizar el uso de esos samples. Sin embargo, estos sellos no están tan dispuestos a hablar sobre esta práctica – DJ Mag encontró difícil conseguir a alguien dispuesto a reconocer su participación activa en la practica de esquivar los controles de samples, planchando solo en vinilo –. Pero más allá de estas prácticas cuestionables, Doherty dice que la principal ventaja es simple: lealtad a la marca. “Mis discos ahora se agotan muy rápido”, dice Doherty. Y los comentarios sobre I Love Acid en Discogs están cargados de elogios. “La motivación no siempre puede ser financiera”, dice. “A veces es simplemente porque quieres hacer algo genial. Además, se trata de construir un marca y una reputación. Mis sellos, en general, hacen muy poco dinero directamente, pero contribuyen a un todo mayor, que genera más cosas, como bolos o gente que viene a mis fiestas”.

TANGIBLE

Ese hecho sorprendió a Luthra, quien admite que pensaba que tener un sello vinyl-only venía justamente motivado por la economía. También

EL VINILO ES LA RESPUESTA dice que entiende cuanto han cambiado las cosas para los productores en la era digital. Tristemente, mientras es casi imposible para los productores vivir solo de lanzar música, la motivación para planchar en vinilo viene del deseo de recuperar parte de su valor perdido, incluso si ese valor es solo intrínseco. “Hay algo especial sobre lo físico, sobre la tangibilidad del lanzamiento, que le da un valor inherente a la música que creas”. Luthra también percibe el vinilo como algo generacional, pero que viene con sus propios problemas. “He notado que muchos de los DJs más mayores menosprecian a los más jóvenes, que están aprendiendo a través de sistemas digitales como Traktor”, cuenta. “Así es como yo comencé”. Luthra siente que esta actitud no es más que otra forma de expresar ese sentimiento de “exclusividad” que rodea el vinilo. Pero también aprecia los formatos digitales de una forma que quizás solo su generación lo entienda. “Habiendo crecido con internet, tiendo a apreciar mucho los formatos digitales”, dice. “Creo que hay algo realmente hermoso sobre poder compartir música tan fácilmente, sin fronteras. Y creo que la escena techno realmente no lo quiere admitir. Hay un alto apego a este formato y entiendo y respeto a los DJ que crecieron y siguen fieles al vinilo. Pero mi sentimiento es que se subestima lo digital y hay un apego a un formato que no creo que esté haciendo todo lo que podría por la escena”, concluye.

“Cuando la música se vuelve para todos, también es para nadie en particular ... Nadie va a pagarla y nadie la va a valorar, y luego la próxima semana se habrá ido”.” TUSK no durar para siempre y que la mayoría de las personas que compran discos son “tipos mayores con algo de dinero”.

seguir el ejemplo de Lobster Theremin, que ofrece ventas digitales a través de Bandcamp una vez que la edición en vinilo se ha agotado.

Por supuesto, eso no significa que no haya alternativa al status quo. El equipo digital probablemente será más asequible y mejor diseñado, no irá a peor. Y entiendo por qué algunos artistas pueden querer o necesitan usar ese equipo, que es vital para fomentar la diversidad y juventud en la escena. Los sellos vinyl-only pueden

Y aunque no sea una opción para todos los sellos, en la época menos rentable de la producción musical, ciertamente es algo para tener en cuenta. Pero lo más importante a recordar es, dice Tusk, que estamos juntos en esto. “Si estamos haciendo música de baile underground, conectada con DJ y clubes, es que todos estamos en el mismo bando”.

Mientras Tusk, de Tusk Wax, entiende el sentir de Luthra, él no cree que la accesibilidad sea algo necesariamente positivo y retoma el argumento del valor inherente. “Cuando la música se dirige a todos, también es para nadie en particular. Eso de: ‘bueno, has creado algo y todos deberían poder experimentarlo’… Bueno, sí. Pero joder, no nadie va a pagar por ello, nadie le dará valor y en una semana todos se habrán olvidado”. Cuando Tusk vende un disco, sabe que ese alguien le va a tener aprecio al disco. También hay un toque personal en el proceso, que no puede existir con cosas intangibles y digitales. La gente cuelga discos en sus paredes, se los regala a amigos, o a veces escriben notas en las fundas para agradecer a tal o cual artista. “Todas estas cosas diferentes pueden suceder con este producto físico, que entusiasma a las personas y las lleva a cuando eran un poco más jóvenes. A momentos de alegría, que van mucho más allá de un simple: “estoy haciendo esto porque seré guay”. Pero Tusk reconoce que estamos en un buen momento . “Está de moda y claramente es mucho más significativo socialmente [de lo que era]”, dice. Aunque esa apariencia esconde una realidad más fría. “Que sea guay no te compra una casa y te ayuda a establecer una familia”, continúa. “He visto personas que se han comprometido 100% a hacer vinilos, vivir de ellos y de hacer de ellos su todo. Y, ahora miran atrás después de 20 años y dicen, ‘Joder, debería haber pasado más tiempo en la universidad, debería haber conseguido un mejor trabajo, debería haberme casado con esa chica que me dijo que dejara de comprar discos’. Es por eso que hay que tener cuidado de pensar que esto es la panacea”. Ciertos DJs se han subido al carro de las modas, algunas veces consiguiendo éxito en el camino. “Eso está bien”, dice Tusk. “No me importa que haya gente en la industria que quiera ser gua”. Pero, nuevamente, le recuerda a DJ Mag que es importante tratar de ver más allá. A pesar del ciclo en el que estamos, él entiende que el vinilo puede

Arnav Luthra

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AMBIENTE El estado del medio ambiente nunca ha estado tan mal. Eso nos lleva a preguntarnos, ¿podría estar la música de baile contribuyendo al problema? El periodista Martin Guttridge-Hewitt, regular de DJ Mag, examinará en el siguiente artículo si la cultura de festivales, los interminables tours de DJs y la conducta irresponsable de los ravers está, lentamente, contaminando nuestro planeta sin remedio… Texto: MARTIN GUTTRIDGE-HEWITT Traducción: REDACCIÓN

el sudeste asiático al oeste de EEUU, del norte del planeta hasta el sur de África… la popularidad de la música de baile parece no tener fronteras. Los ritmos electrónicos son el sonido oficial del mundo y no podría hacernos más felices. Según el último reporte anual del IMS, la industria musical electrónica tiene un valor de 7.3 mil millones de dólares. En 2021 se espera que esté cerca de los 9 mil millones. A medida que las ventas de música en formato físico y digital caen, y los servicios de streaming no consiguen llenar ese vacío, los eventos en directo están tomando un rol importantísimo, como fuentes de ingresos para todos los involucrados. Cifras de la consultora PriceWaterhouseCoopers muestran que el 43% de los ingresos musicales en EEUU ya provienen de la venta de entradas y los festivales son los principales catalizadores de este crecimiento continuado. Festicket, una empresa británica especializada en viajes, alojamiento y paquetes para eventos en más de 50 países, estima que el sector del “turismo de festivales” valdrá 4.1 mil millones de euros para 2020. No es difícil ver porqué este relativamente nuevo mercado está en expansión. Al viajar a un fetival, podemos explorar nuevos destinos, lugares potenciales que no habríamos visitado de otra forma. Estos eventos, de forma regular, atraen a un público mixto, internacional, que nos expone a diferentes perspectivas, actitudes y estilos de vida. y para poder atraer a este público, los promotores van a lo grande con los bookings. Si tienes la combinación ubicaciónexperiencia-line-up, pocos podrán hacerte frente. Pero, mientras que a nivel mundial esta bonanza festivalera parece ser generalizada, los viajes en sí crecen sin control. A día de hoy, hay muchísima más gente que está dispuesta a tomar un avión, en nombre de experimentar nuevas cotas de fresco hedonismo raver, que nunca. Mientras tanto, el impacto que esos miles de raves tienen en las zonas, mientras están allí, también puede ser enorme. Todo esto está ocurriendo a la vez que el Grupo Intergubernamental de Expertos sobre el Cambio Climático de las Naciones Unidas nos ha dado 12 años para detener la subida de las temperaturas a nivel global. Si estas sobrepasasen el límite del 1.5ºC por encima de los niveles pre-industriales establecido, sería catastrófico para el planeta. Para evitar eso necesitamos no solo bajar nuestras emisiones y desechos, y la protección de hábitats naturales… También requiere la rehabilitación activa de ecosistemas y la eliminación de los contaminantes

y desperdicios que ya tenemos ahí. Echando un vistazo solo a las emisiones, solo la aviación supone un 2% de todo el dióxido de carbono de emisión humana que hay en la atmosfera. Y ese es la emisión más demonizada de todas, pero no la única por la que hay que preocuparse. En general, los expertos de la Universidad Técnica de Delft (Holanda) creen que la contribución total de los viajes por avión al cambio climático suponen en realidad un 5%, si se toma en cuenta todo su impacto. EQUILIBRANDO Pero culpar solo a los festivales por el incremento de los nómadas del techno sería injusto, por supuesto. Los clubes llevan tiempo confiando en los invitados de alto perfil, antes que en el talento local, como reclamo principal. Esos invitados a menudo vienen de otros países y, particularmente en Europa (donde las tarifas aéreas son más baratas y los vuelos son más cortos), el público también se ha sumado a esta tendencia. Es bastante poco probable que veamos una bajada en la demanda en un futuro cercano. La fiesta no es solo una cosa inherente al ser humano como especie, sino que la civilización mejora cuando baila junta. Así que, ¿puede esta nueva cultura global de fiesta continuar su desarrollo, sin contribuir al problema más grave que el mundo haya enfrentado? “No es tan sencillo como evitar que la gente coja vuelos”, dice el DJ y productor neoyorquino Sammy Bananas, fundador de DJs For Climate Action, un colectivo que tiene embajadores como A-Trak, Claude VonStroke, Dillon Francis, Jamie Jones, Louisahhh y Thugfucker. “Hice una entrevista hace dos semanas y el periodista me preguntaba si la tecnología de realidad aumentada (AR) y realidad virtual (VR), podría acabar con la necesidad de los DJs de viajar tanto. La verdad es que no lo sé. Si funcionase sería genial, pero es que hay tantas maneras en las que podría fallar… tan solo por la naturaleza del porqué la gente va a los clubes y quiera estar ahí, para ver al artista que admiran”. “Creo que la idea de equilibrar tus emisiones de carbono es un buen punto de partida”, añade Sammy, explicando cómo el colectivo lleva haciendo esto durante años. “Nos asociamos a una empresa que se llama CO2logic, que financia iniciativas en países en vías de desarrollo, principalmente. Uno de los proyectos en los que trabajamos fue en dotar de estufas limpias a la gente de Uganda”. Intentar equilibrar la huella de carbono no es algo nuevo, pero las palabras de Sammy ponen sobre la mesa un asunto fundamental: todo está conectado

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Sammy Bananas Pic: ZACHARY HILTY

Earth Night – una versión nocturna del conocido Earth Day, que busca recaudar fondos para la concienciación y tomar acciones sobre problemas ambientales – es otro gran aspecto del programa de DJs For Climate Action. La última edición tuvo lugar el 20 de abril de este año y tanto los clubbers como los promotores, artistas y locales del mundo son bienvenidos de formar parte. El colectivo también tiene una nueva iniciativa en desarrollo: promocionar riders sostenibles para los artistas, ayudando a cada individuo a desarrollar su propio ecosistema circular. “La idea de Earth Night facilitar a los DJs el tener un impacto positivo. Igual con la iniciativa del rider”, dice Eli Goldstein, de Soul Clap, uno de los primeros nombres en unirse a DJs For Climate Action. “La gente va en tantas direcciones diferentes… Si les das una forma fácil de hacer algo, eso puede hacer la diferencia. De esa forma, abres la inciativa para que la gente participe. Ni una de las personas a las que contactamos para Earth Night este año ha dicho que no. Todos estaban encantados de poner su nombre, su granito de arena y su dinero”. CERO DESPERDICIOS Más pruebas del apetito que hay por el cambio se han podido ver durante el encuentro más importante de la industria: el Amsterdam Dance Event. Todos los paneles sobre cambio climático han tenido una gran acogida. Uno de ellos, titulado El Elefante En La Habitación: El Transporte, que tuvo lugar en 2018, fue uno de los más importantes y los festivales fueron el orden principal del día. Entre el 50 y el 85% de sus emisiones de CO2 vinieron de los viajes, transporte de equipo y suministros, la audiencia, artistas y equipo humano. El concepto “circular” también fue un gran punto de debate, especialmente conseguir los objetivos de cero-desperdicios en los viajes y una producción neutra de carbono.

Eli Goldstein

cuando se trata del clima. Pero también puede ser útil para segmentar. Solo porque un aspecto de lo que hacemos sea dañino, no significa que pueda haber otros pasos que actúen como contrapeso. Y no solo se trata de ayudar, físicamente, a la gente a reducir sus residuos. “Los DJs ya viajan por todo el mundo, por lo que podríamos tener a un montón de diplomáticos del cambio climático. Dales un mensaje que puedan difundir y podremos llegar muy lejos”, dice Sammy, explicando el segundo punto de la campaña. “No pienses que estamos intentando evitar que la gente vuele. Lo que queremos es aprovechar el hecho de que estén volando para hacer la diferencia”.

“Nuestro objetivo es conseguir generar cero desperdicios, reciclándolo todo”, dice Loïc Le Joliff, de Brunch -In, que organiza eventos diurnos en ciudades como Barcelona, Lisboa o Madrid. “Hemos comprado una máquina que destruye el cristal y lo reconvierte en arena, que puede devolverse a las playas de Barcelona. Otro problema son las colillas de los cigarrillos, que recogemos y reciclamos. El año que viene queremos imprimir todo nuestro merchandising en textiles hechos de esos residuos”. La serie Brunch -In, como vimos en el reportaje extenso que le dedicó esta casa hace algunos números, tiene una rica historia de actuar con responsabilidad. Fue el primer festival en toda España en adoptar el sistema de vasos reutilizables, también para el agua, y en eliminar las pajitas de plástico, además de dar pases gratis a aquellos que participen en las limpiezas – la más grande, consiguió recoger 2 mil kilos de basura de Montjuïc en Barcelona, consiguiendo cubrir un 70% de la montaña. Los trabajos suelen dárselo a población en riesgo de exclusión laboral. Los puestos de

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comida tienen una política “0 Kilómetros”, usando solo productos producidos localmente. “Ahora mismo es muy difícil evitar usar aviones, pero siempre que podemos, intentamos traer a los artistas en tren”, dice Loïc cuando le preguntamos por si el impacto inevitable de los viajes podría reducirse. “Es algo en lo que insistimos mucho con las agencias. También intentamos agrupar a DJs, para usar menos conductores, no por ahorrar dinero, sino por alquilar menos coches y contaminar menos. Estamos pensando en usar solo coches eléctricos para llevar a los artistas, pero el problema son las infraestructuras”. Es importante que todos sigamos algunos de estos pequeños pases, sea nuestro destino la cabina o la pista de baile. Como colectivo, si todos hiciésemos algo, tendría un efecto significativo en muchas cosas que forman parte del problema general. La llamada de atención sobre el clima ha estado haciéndose cada vez más grande y ruidosa con el paso de los años y ahora está a un nivel casi estridente. Así que ha llegado el momento de dejar de decir que nuestro papel es insignificante y que es un problema demasiado grande para reducirlo con la acción individual. Hay un largo camino que recorrer antes de que las ideas de sostenibilidad se conviertan en la norma, pero la vida se mueve muy rápido. Todavía más si continuamos teniendo conversaciones francas, abiertas y pragmáticas sobre lo que de verdad está pasando. Estamos, por primera vez, reconociendo nuestro papel en la destrucción del planeta y ante la oportunidad de revertirlo antes de que sea tarde. Cambiar el rumbo no tiene que significar apagar la música, sino mantener nuestros oídos abiertos a las alternativas y no romper nuestros lazos globales. Después de todo, estos son los mismos vínculos que hacen que el mundo sea más pequeño y accesible. Esto nos debería inspirar a pensar en que nuestras responsabilidades van más allá de nuestro patio trasero… Loïc Le Joliff, de Brunch In The Park

EN BUSCA DEL ARCA PERDIDA Dedicada tanto a la búsqueda y descubrimiento de joyas musicales perdidas, como a apoyar a los nuevos talentos, la tienda de discos Rush Hour se ha convertido en una parte fundamental de la cultura musical electrónica. Y no solo en su ciudad, Ámsterdam, sino en todo el mundo, alimentando una escena moderna que se come los límites establecidos por géneros o generaciones. DJ Mag vuelve a encontrarse con su co-fundador, Antal Heitlager, en la propia tienda, para hablar sobre la historia del sello y la filosofía abierta e inquisitiva que les ha llevado al éxito… Texto: ROB McCALLUM Foto: GEMMA PARKER Traducción: REDACCIÓN

Antal

stamos a mediados de los 90 y un Antal Heitlager todavía adolescente se encuentra en un autobús nocturno con dirección Londres. Cuando llega a la capital de Reino Unido, se organiza para pasar el día comprando discos en tiendas como Fat Cat, Atlas y Reckless Records antes de – ya que no podía costearse alojamiento en la ciudad – regresar a Ámsterdam, esa misma noche, cargado de vinilos. “Casi todo lo tienes a tu disposición hoy en día”, le cuenta Antal – su alias artístico – a este reportero de

DJ Mag más de 20 años después. “Algunas veces es demasiado fácil. Hace 15 años era una aventura. Casi una razón para vivir”. Para cuando empezó la universidad, Antal era ya un ávido coleccionista y vendedor privado. Siendo estudiante, conocería a Christiaan Macdonald y ambos compraron conjuntamente una colección de vinilos de house de la tienda de discos Coco Records, en Zaandam, antes de lanzar su tienda – que basaba su negocio en las ventas por correo – desde su residencia estudiantil (mucho, mucho antes

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MIJKE HURKX Mijke ha sido descrita por Antal como la “Primera Dama” de Rush Hour y es responsable de la producción de su revista, House Of Music… ¿Qué dirías que aporta Antal a Rush Hour? “Antal es el Jefe de Rush Hour. El maneja la empresa y sus diferentes activos. Le da al equipo libertad, dándonos dirección y discutiendo nuestros objetivos individuales. A pesar de la fuerte visión de Antal, la empresa no tiene una jerarquía. Sabe como inspirar a los demás, tanto al equipo como al resto de artistas con los que trabaja Rush Hour.”

de la llegada de Discogs), dando a luz a la ahora legendaria tienda de discos y sello, Rush Hour. “Estaba interesado en conseguir más discos y después de visitar tiendas como Fat Cat y Atlas, sentí que tenía que montar mi propia tienda”, cuenta un Antal entusiasmado, sobre los primeros años de Rush Hour. “Nunca hubo un plan de negocios. Lo máximo que llegamos a planear fue una pequeña lista de necesidades para la apertura. Después de eso todo fue disfrutar, viviendo y administrando una tienda de discos a diario”. Creada por amor al house y el techno que salían de Chicago y Detroit, respectivamente, la primera tienda física de Rush Hour tuvo su sede en el sótano de una peluquería, en 1997, antes de mudarse a su penúltima ubicación, en la conocida Spuistraat de Ámsterdam, y dándose a conocer por importar discos raros de todo el mundo, además de apoyar al talento criado en Holanda.

SOICHI TERADA Después de publicar ‘Sounds From The Far East’, hecha casi enteramente con los temas que Soichi Terada hizo durante los 90, el artista japonés se ha convertido en pieza clave de la familia Rush Hour, además de viajar con su inconfundible directo por el mundo… ¿Cómo te sentiste cuando Rush Hour publicó tu música después de tantos años? “Me siento muy agradecido y afortunado. El tiempo que estuve sin tocar hizo que mi vuelta a los lives fuera más feliz y emocionante.”

“Lo más esencial siempre ha sido la selección musical. Cuando empezamos, las zonas musicales estaban muy segregadas en Ámsterdam. O bien estabas metido en el house, en el hip-hop o trip-hop, o funk, o drum & bass. Había gente que disfrutaba de todo, pero en los clubes no se mezclaba. Hoy en día es más accesible y aceptado”, explica Antal. “Como Rush Hour siempre hemos intentado cubrirlo todo. No se puede encasillar. Cuando abrimos la tienda, intentamos hacer combinaciones con diferentes tipos de sonido. Recuerdo que nos rompíamos la cabeza para darle un nombre, porque en ese momento todavía estábamos descubriéndonos nosotros. Uno de mis amigos una vez dijo algo así como: ‘Cualquier persona puede encontrar alguna cosilla en Rush Hour que le guste’. Es, básicamente, lo que se cruce en nuestro camino, pero tenemos que estar muy atentos a todo”.

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DJ Mag ya había hablado con Antal con anterioridad, el año pasado durante la fiesta que celebró Rush Hour en su actual ubicación, en un espacio más grande de la misma Spuistraat, en donde se encuenta desde 2016. En ese momento, pinchaban Lost Souls Of Saturn – el dúo compuesto por Seth Troxler y Phil Moffa –. Abarrotada en el momento del set, la tienda que administra Antal es un espacio simple pero impecablemente diseñado, con suelo y estanterías de madera de arce, paredes blancas y una decoración minimalista – sin contar los vinilos que vende. Un espacio único entre todas las tiendas de discos modernas, tiene más espacio dedicado a áreas abiertas donde los diggers pueden quedar y pasar tiempo en lo que se ha convertido en un centro creativo para la música. Es algo típico de Rush Hour, que no solo consiguió sobrevivir a la bajada de ventas de vinilo de los 2000, sino que consiguió prosperar adoptando una perspectiva 360º, que es fundamental para el éxito de un negocio independiente en la música electrónica actual. A lo largo de los años, Rush Hour se ha diversificado de ser solo una tienda de discos a ser un distribuidor internacional para una cantidad increíble de sellos, incluyendo Music From Memory, Soundway Records y Jheri Tracks, un sello central con su propio nombre y numerosos sub-sellos que han ido generándose con los años. Además de esto, están los eventos que han visto a Rush Hour organizar fiestas en Ámsterdam, París, Berlín – Antal tiene una longeva afinidad con Panorama Bar –, Barcelona, Londres y muchas otras ciudades del mundo. La empresa también produce, anualmente, su propia revista, House Of Music, que se distribuye gracias a una red internacional de tiendas de discos, mientras que el espacio detrás de la tienda funciona como centro de operaciones de la marca. “Hemos adoptado esta forma de trabajar desde 1998. Así fue como empezamos. Hemos sobrevivido a casi todas las tiendas de discos de Ámsterdam.

MASALO Siendo la ultima adición a la familia de artistas de Rush Hour, Masalo publica su debut en la serie Rush Hour Store Jams, con ‘New Dance’, un banger de Italo impresionante… ¿Qué impacto ha tenido Rush Hour en ti y tu carrera? “Ha sido una luz de guía. La tienda, las fiestas y la gente que trabaja allí ha tenido un gran impacto a muchos niveles. Desde compartir nuevos discos o descubrimientos, hasta sudar con Ron Trent en las fiestas Somewhere In Amsterdam. También me ha expuesto a muchos sonidos con los que no estaba familiarizado, pero empecé a apreciar una vez los entendí. Ha sido un viaje multidimensional.” Siempre hemos trabajado en esos extras, dentro de nuestra empresa, que ha hecho que trabajar con nosotros sea interesante para sellos y artistas, distanciándonos de la tienda de discos de importación tradicional. Aunque todo sin un plan de negocios”, dice Antal con una sonrisa en la cara. “Tan solo nos dimos cuenta, por el camino, que es algo que tenemos que hacer y, paso a paso, creció de una caja llena de discos a la empresa que somos hoy. Quizá, hoy en día tenemos una mentalidad más enfocada al negocio, pero es algo inevitable ya que ahora somos una empresa con unas 20 personas en plantilla”. Aunque la longevidad de Rush Hour, a nivel musical, se debe en gran parte a su negativa a ser encasillada en un solo sonido o género. La música que venden es totalmente indefinible y que ha crecido a partir del amor por el house de Chicago y el techno de Detroit, hasta aglutinar una cuidada selección de electro, jazz, sonidos afrocéntricos, funk, soul, techno europeo y mucho más. A lo largo de los años, la marca no solo se ha convertido en sinónimo de gusto impecable, sino también el hogar de los discos y lanzamientos que pasaron inadvertidos para el público internacional. Habiendo dividido su sello principal en dos recientemente, Rush Hour y New Dawn, la marca es conocida tanto por reeditar discos difíciles de conseguir y descubrir tracks oscuros del pasado y convertirlos en hits de la pista de baile, como por publicar nueva música. También han publicado música de héroes locales y artistas icónicos por igual, provenientes de un sinfín de escenas musicales de todo el mundo, como las historias de Les Choc Stars Du Zaire, Senyaka, Ryiuichi Sakamoto, Sumy, Ron Trent y James Mason. Uno de sus lanzamientos más aclamados de los últimos años es su compilación

‘Sounds From The Far East’, que jugó un papel fundamental en lanzar el renacimiento de la carrera de Soichi Terada. “Los proyectos más difíciles son interesantes porque muestran que, como compañía, podemos hacer algo que otros no se han atrevido a hacer”, explica Antal. “El de Soichi fue divertido y gratificante, porque supuso un gran éxito para el artista. Esa es la mayor recompensa”. Pero Antal también destaca que a lo largo de los 20 años de historia de Rush Hour, nunca nada se ha hecho por el reconocimiento o la atención, sino por el amor por la música que rodea su polifacética perspectiva. Es esto lo que ha creado una familia muy unida de artistas que ahora rodean al sello y que han conseguido convertirse en algunos de los artistas más demandados a nivel internacional. Hablamos de gente como Hunee, Young Marco, Interestellar Funk y muchos otros… Por no hablar de San Proper y su conexión con Rush Hour – tan fuerte, que incluso lleva tatuado el logo de la tienda en su brazo izquierdo –. El co-fundador de la tienda, Macdonald, dejó el negocio en 2013 y ahora lleva la agencia de representación de artistas Society Fools, que llevan a artistas holandeses como Young Marco, Tom Trago y Gaussian Curve. El lanzamiento más esperado de Rush Hour este año fue un repress del clásico del Italo disco de los 80, de Klein y MBO, ‘The MBO Theme’, que llegó este febrero con una versión súper rara de Sudáfrica en su cara B – grababa en una época en que la cultura extranjera estaba prohibida – y que Antal encontró en un viaje de compra de discos en Sudáfrica. Y, de paso, mandó a cientos de diggers como nosotros a buscarlo, después de reventar la pista de Dekmantel para Boiler Room, en 2016.

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DJ OK A P I Colaborando con Rush Hour para recopilar el trabajo ‘Pantsula! – The Rise Of Electronic Dance Music In South Africa, 1988-90’ (2017), DJ Okapi es una de las cabezas del la música pop sudafricana, además del dueño del sello, tienda y blog Afrosynth… La música africana ha tenido un gran impacto en Rush Hour. ¿Cuánto crees que ha sido el impacto de Rush Hour en la música africana? “Rush Hour ha ayudado a dar a conocer la música sudafricana al mundo. No solo ayudando a Afrosynth, sino también distribuyendo a otros sellos independientes como Mushroom Hour Half Hour y Sharp-Flat, además de sellos internacionales que reeditan música sudafricana, como La Casa Tropical, Awesome Tapes From Africa y Soundway.”

El co-fundador de Rush Hour también disfruta de una ocupada carrera como DJ, además de su trabajo para la marca y de ser padre de familia con dos hijas. “Sigo descubriendo y ajustando cosas todo el tiempo para hacer que funcione”, dice de su equilibrio entre trabajo/vida personal. “A menudo significa pocas horas de sueño, pero por ahora vamos bien”.

INTERSTELLAR FUNK De nombre Olf Van Elden, Interestellar Funk empezó como becario en la rama de distribución de Rush Hour. Ahora, continúa en su trabajo como parte de Rush Hour, además de hacer carrera como DJ/productor y fundador del excelente sello Aritificial Dance… ¿Qué impacto dirías ha tenido Rush Hour en la escena de Ámsterdam estos 20 años? “Para la escena local, ha sido muy importante la existencia de instituciones como Rush Hour. Ayuda a la escena local y sus DJs. Sin tiendas de discos y buenos clubes, es difícil tener una escena sana. Es importante que la gente que esté interesada en la música pueda ir a un lugar como Rush Hour para descubrir cosas y desarrollar su gusto. Ha dado forma a muchos DJs locales que ahora son estrellas internacionales, o han empezado sus sellos o fiestas, como Dekmantel.”

Antal lleva su forma de hacer las cosas en Rush Hour a sus sets, gracias a la capacidad de la marca de tener música de todos los rincones del mundo, de una forma coherente, y formando la espina dorsal de sus sets. De hecho, intentar separar al hombre de la marca es tarea difícil. “No podría hacer una cosa sin la otra. Primero fui DJ, luego empecé Rush Hour porque quería más discos. Ahora mi estilo como DJ es interesante por la historia de Rush Hour. Traigo ideas de la pista de baile a la empresa y todos los días que trabajo en Rush Hour, termino con más temas para pinchar. Intentar encontrar música que me gusta y adoro ha sido la base de todo. Personalmente, por ejemplo, puedo estar metido en la música brasileña durante un rato, pero lo siguiente es synth-pop o techno. A menudo, describo la música geográficamente. Pero, ¿debería describirla? Es buena música y nada más, supongo”. En ese sentido, Rush Hour se ha convertido en el sonido de moda en la última parte de la década, ya que todo el mundo ha intentado replicar su capacidad para unir sonidos que nadie pensó pudieran casar, de forma coherente. “No es solo una cosa. Lo veo más como que un montón de gente joven consiguió grandes cantidades de la mejor música. La gente cambia de canción muy rápido. Ahora lo llaman selector y quizá eso lo explica un poco. Pero es un término muy viejo

ARP FRIQUE Liderada por Niels Nieuborg, el debut de Arp Frique llegó el año pasado a Rush Hour. La nota de prensa lo describía como “finalmente presentado su verdadero gusto musical”… ¿Cómo ha influido Rush Hour en ti? “Llevo décadas produciendo para otros artistas. Mientras me divertía haciendo cosas aquí y allá, encontré mi verdadero yo en la música. Grabé unos cuantos snippets de 20 segundos en mi teléfono, directo del altavoz y se lo mandé a Antal y KC The Funkaholic, y ambos me dieron respuesta inmediata. No tenía ninguna intención de publicarlo, y ni siquiera me imaginaba tocarlo en directo. ¡Pero me convencieron!”

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en la cultura del DJ. En ese sentido, no es nada nuevo para los grandes amantes de la música, pero es genial que la plataforma creciera tanto”, concluye. Rush Hour también llegó en un momento muy diferente para la electrónica en Ámsterdam. Ahora, la marca es parte de una floreciente red de apoyo que incluye clubes, colectivos, sellos, artistas y promotores, incluyendo nombres internacionales como Dekmantel, De School, Red Light Radio y ADE. A lo largo y ancho del mundo, las pistas de baile también se estás abriendo a la combinación de música que usualmente no se escuchaba en grandes salas, gracias – en parte, al menos, a Rush Hour. “Esto pasa porque cada vez más entidades empezaron a empujar en esa dirección. Recuerdo vaciar pistas de baile con estos sonidos que están de moda ahora (risas)”. Pero incluso con la cantidad de tiendas de discos que hay en Ámsterdam ahora, Rush Hour destaca. Y como una de las historias de éxito más grandes de la música electrónica independiente, Antal dice que espera que la marca sirva de inspiración para la escena DIY. “Estoy orgulloso del hecho de que nunca hemos pedido un préstamo, o un familiar rico o una empresa externa que inyectase gran cantidad de capital”, concluye. “Nuestra empresa creció a partir de nuestra energía y pasión. Cada vez, hemos vuelto a invertir nuestro dinero. Y todavía hoy todas las inversiones se hacen desde dentro. Así que tenemos que dar un tremendo agradecimiento a todos los clientes habituales, que compran discos regularmente en nuestra tienda”. Y como dijo Young Marco: “Toda ciudad necesita su Rush Hour…”.

Autor: ESTEBAN MARTÍNEZ

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A r e a s

HALLOWANTS @ LA NUEVA CUBIERTA DE LEGANÉS, MADRID UNA NOCHE DE HALLOWEEN CON SABOR A IBIZA

Este año volvimos a La Cubierta en la noche de Halloween. Después del éxito total de esta primera aventura, en la que WAN y la conocida marca ibicenca ANTS se unieron para un primer desembarco en la capital como HallowANTS. Una propuesta que ha vuelto a demostrar su solidez con una masiva respuesta del público, llenando el espacio de La Cubierta hasta los topes. Sold Out claro desde medianoche, con la grada completa de gente bailando hasta el cierre. Un éxito en el que ambas marcas han ido de la mano de nuevo y allí estuvimos para contarlo. El espacio de La Cubierta presentaba esta vez un stage con una pantalla gigante, dominando completamente la grada y con un montaje lleno de hormigas por todos lados… estaba claro que eso no iba a faltar (risas). Para otras veces que hemos estado en WAN, ya que no era la primera, el escenario estaba montado en un lugar algo diferente, con una estructura más grande que en la edición anterior. Muchos disfraces a la vista, muestra clara de que cada año el Halloween americaniza más el territorio nacional… nos guste más o menos (aún no lo hemos decidido [risas]).

Esta vez, el cartel apostó por nombres habituales de ANTS, como Andrea Oliva o Joris Voorn, y también por varias actuaciones en tándem o B2B como la de Gonçalo y Francisco Allendes o la de Matthias Tanzmann y wAFF, que además iban inmediatas en la sucesión de sets. Karretero fue el encargado de inaugurar el flamante escenario con un warmup a la altura de una noche de altos vuelos en La Cubierta.

Arrebatador el paso del inglés por HallowANTS, poseedor de un ritmo con sabor a house y mucha electricidad, en una actuación que cumplió con todas nuestras expectativas.

Pasadas las cuatro de la mañana, era el turno del relevo para Joris Voorn. El holandés hizo gala de su particular estilo inundando la plaza de techno lleno de melodías, justo antes de estrenar su último largo, ‘////’. Un set Francisco Allendes hacía esta vez efectista, que supo mantener al equipo con Gonçalo. Sobre la ca- respetable sin perderse ni un mibina se vio un espectáculo con- nuto de su show. junto en el que se dejaba ver la complicidad entre ambos, antici- El final de HallowANTS estuvo repando al público que empezaba servado para el alma de la marca: a abarrotar HallowANTS, prepa- Andrea Oliva. Un hecho que tiene rados para una noche muy lar- perfecta explicación, ya que el ga. Continuaron la locura inau- suizo es una vorágine que conogurada por Gonçalo y Allendes, ce como nadie ANTS y su público. el otro equipo B2B de la noche: Oliva tomó los mandos volviendo Matthias Tanzmann b2b wAFF. loco al respetable, con su sonido Un dueto que destila Ibiza por hipnótico, perfecto para el cierre todos sus costados y que supo de una noche en Ibiza, pero sin trasladar a todos los asistentes a salir de Madrid. la mismísima Isla Blanca, en un La dupla de ANTS y WAN continúa magnífico mano a mano. asentándose como una de las soA partir de este set, ya pasamos ciedades más efectivas de la esa actuaciones en solitario, que cena electrónica, consiguiendo fueron definiendo toda la noche, que cada una de sus citas sea un empezando por Hot Since 82. éxito rotuno. ¡Ya estamos espeSin duda, una de las actuacio- rando al año que viene! nes que no nos íbamos a perder.

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Fotos: JONATAN FERRER

063

C R Í T I C A S

Á L B U M E S

Autor: BRUNO GARCA / bruno@djmag.es

BJARKI

9.5

Psychotic_Window

!K7 Saltó la sorpresa hace pocas semanas. Pocos se esperaban nuevo álbum del islandés antes de acabar el año. Bjarki, quien hace unos meses publicó ‘Happy Earthday’ cerrará 2019 con otro disco de estudio, el titulado ‘Psychotic_Window’. El nombre del trabajo ya nos advierte entresijos fundamentales a la hora de confeccionar los 14 cortes que lo componen. Comienzos complicados y deprimentes que lo tenían abocado a componer y crear música sin parar. Trastornos en forma de texturas sintéticas y electrónica conceptual. Apasionadamente gélido pero bondadoso como se desprende en ‘<I)’ cuyo tempo es auténtica seducción. Psíquico y extraño (‘Kitchen Forklore’); purista con el electro-ambient bien abotonado (‘Psykixk TV’); cortante y clásico (‘Track 19’) o sencillamente astral y contemplativo (‘Dark Side’). Divinos problemas.

8.5

8.2

SEBASTIAN MULLAERT A Place Called Inkonst

SPACE DIMENSION CONTROLLER Love Beyond the Intersect

Kontra-Musik

R&S

El sueco Sebastian Mullaert acaba de sacudirse un poquito de polvo de encima atreviéndose con un nuevo disco no menos interesante que aquellas producciones de 2011/2012, junto a Eitan Reiter o Koss (Kuniyuki Takahashi). ‘A Place Called - Inkonst’ se titula su debut largo en solitario. Un álbum que engendra maravillas como ‘Embrace Space’ o ‘Attio’ tras encerrarse durante semanas en una fábrica de chocolate abandonada de Malmö – ahora centro cultural – para dar a luz composiciones que a mí me recuerdan figuras geométricas flotando en un espacio cerrado. Una cámara hermética por ejemplo. En ‘Sonder at Mountain Street’ o ‘Elegy to the Void’ resulta incluso cíclico, urbanita y electroide.

Tras su paseo hace tres años por Ninja Tune firmando ‘Orange Melamine’, el británico Jack Hamill aka Space Dimension Controller regresa a la no menos desdeñable discográfica R&S. Lo hace tras aquel LP de 2013 ‘Welcome To Mikrosector-50’ y vendiéndonos una nueva película de ciencia ficción y funk-galáctico titulada ‘Love Beyond the Intersect’. El de Belfast nos vuelve a colonizar con ese espectro disco, sintético y groovy que pocos saben domar, y atreviéndose con diferentes tempos a la vez. Así ‘PVLN’ o ‘Sundown on Memory Point’ nos pondrán en una órbita tórrida y animada, por el contrario la robótica y los motores se ralentizaran hasta niveles fríos en ‘Love Beyond the Intersect’ o ‘Alone In An Unknown Sector’. Desorientados hacia un planeta llamado placer.

8.2

8.0

CONFORCE Dawn Chorus

SPOWECK _Humans

Delsin

Sofa Tunesc

Sí, sí, sí. Prolífico, resultón e hiperactivo como él, pocos van quedando. Conforce (Boris Bunnik aka Hexagon o Versalife) regresa a Delsin para darles lo que será su quinto álbum con este sello. La autonomía del neerlandés nos continúa atizando en el mejor estéreo posible. Con su pasión por la electrónica inteligente, mecánica pero no por eso poco (experi) mental. Sus texturas en ‘Dawn Chorus’ o ‘Solstice’ son etéreas pero con alma de martillo. Un entusiasmo robusto que queda también patente en ‘iO’ o ‘Aphelion’. Mucho más emocional – que así lo prefiere un servidor – en cortes donde los pads cuentan como ‘Axis Perpendicular’ o ‘Umbra’. Éste último, el que curiosamente abrocha el nuevo disco, toda una delicatesen sonora plagada de detalles bastante bien definidos.

Humanos, los hay, pero devorados por los beats y las máquinas. Rabia, atmósferas y tramas aparentemente complejas en este lanzamiento que nos propone Sofa Tunes con todo un veterano como Spoweck (nada menos que 25 años dando batalla). Porque será al versado productor e ingeniero de sonido Pedro Viñuela a quien encontremos detrás de este enrevesado pero sugerente proyecto fundado en 2003. Por sus venas, y por lo tanto por las tuberías de este ‘_Humans’, mucho techno/electro narcótico, artilugios pornográficos de illbient y ritmos a cascoporro, herencia del hip hop lo-fi y la IDM con la que se cerró el siglo pasado. Temas que me gustaría destacar de este LP: ‘God Will Hate Us’, ‘Warning’ y ‘The Running’.

064

C R Í T I C A S

Á L B U M E S

Autor: BRUNO GARCA /bruno@djmag.es

8.0

DJ SHADOW Our Pathetic Age

FLUG The Collection

Mass Appeal

Quartz Rec

Siempre exijo más a los artistas que admiro. Así sucede y sucederá siempre con el profeta DJ Shadow, autor de uno de los testamentos más impresionantes que ocupan mi estantería: ‘Endtroducing.....’. Mucho ha llovido... Aquellos puzles tan versados y acertados ya no se repiten. Dicho esto, ¿tan flojo pinta su sexto álbum? No forzosamente. De hecho, se agradece que incluya una ‘suite’ solo con instrumentales y otra con temas cantados (por Nas, Pharoahe Monch, Ghostface Killah, De la Soul o Run the Jewels ¡qué barbaridad!). Es en este segundo séquito de canciones donde ‘Our Pathetic Age’ gana poderío: ‘Rain on Snow’, ‘Rocket Fuel’, etc. Ahí y en vibrantes piezas silenciadas por el beat roto y el fantaseo abstracto como ‘My Lonely Room’.

El bonaerense Sebastián López aka Flug no para de sumar apoyos dentro del techno. Su crecimiento ha sido exponencial. Varios actos han sido claves, ya que ha publicado profusamente en sellos como Sleaze, Odd Even o Suara, donde destacó con el EP ‘The Hedonist’. El final de este 2019 será una nueva e importante muesca en su carrera musical. Publica ‘The Collection’. Este nuevo LP recoge el relevo de aquel debut de hace tres años ‘In Safe Hiding’. El argentino continúa decantándose por el beat recio y enérgico del techno de vísceras analógicas. Mecánico e implacable donde tampoco faltan los detalles ácidos y ‘raver’. 11 pistas de las que podríamos destacar por ejemplo ‘Working Out’, ‘Mars’ o ‘Sequences From The Black Basement’.

8.0

7.8

PAJI Paji

AUDIOHELL Music Is Everywhere

Katermukke

JBX

Desde que publicase su primer EP en 2013, este músico y productor de origen kurdo, basado Alemania apuesta abiertamente por introducirnos en su globalización musical. Electrónica de baile actual pero con raíces tradicionales y clásicas. En este, su 1er largo, de título homónimo, Paji se maneja holgadamente en esa simbiosis, donde compases de techno o house se entrecruzan sin hacerse heridas entre violines (de hecho los toca él), percusiones terrenales y algún que otro vocal. Siguiendo este último camino destaca ‘Overtime’, con Wonderful Bones. Aunque sus virtudes al violín no son pocas, sinceramente me atrae mucho más cuando se debate entre BPM techno, arpegios y notas sintéticas: ‘Razor Sharp Line’ sin duda.

Es siempre interesante afrontar el trabajo ‘planchado’ de un fanático de lo analógico y un apasionado de los directos. Con ganas se zampa uno la nueva música propuesta por un veterano de la escena club más cacharrera: el italiano AudioHell. Su nuevo, ‘Music Is Everywhere’, es todo un alegato a la conciliación electrónica. Sonidos eclécticos – siempre atractivos de descubrir –, si bien no siempre atina del mismo modo. No resultará igual de gratificante enfrentarse al urban-pop y dance de ‘I’m Leaving’ (con Az) o ‘Come On Stars’, que al house-disco de tono más sensato de ‘Whisper’. O al techno uniforme y bien plantado de ‘Heart to Heart’. Lo borda en los últimos casos, sin embargo se pierde con la elección de los vocales (y sus entornos).

BLACK JAZZ CONSORTIUM

9.0

Evolution of Light

Perpetual Sound La magia aterriza de nuevo en nuestros oídos. Lo hace además con la maestría y calidez que un artífice como el norteamericano Fred Peterkin con su alías Black Jazz Consortium solo es capaz de hacer. Negritud, espiritualidad, jazz, soul y electrónica con surcos que están llenos de magnetita. Fantástico y sobrado como siempre cuando encara las bondades del jazz renovado con beats entrecortados (‘A Century of Love’). Superfino cuando es el deep funk quien sostiene la batuta (‘Brisbane’, ‘Soul People for Life’) y realmente sugerente cuando rezuma raíces brasileiras a lo Azymuth en cortes como ‘Sacred Sun’. En este nuevo lanzamiento nos toparemos con joyas como las tituladas ‘Focus’ o ‘Paradise Essential’. Esta última fresca y sobresaliente. Bien dentro de todos nosotros.

065

C R Í T I C A S

B R E A K S

Autor: EDUARDO CARBONELL / evilsound@djmag.es

PETER PAUL

9.5

Earth

N-Mitysound Records El veterano DJ y productor sevillano Peter Paul lanza su nuevo álbum ‘Earth’. El álbum marca un paso adelante en el sonido del artista, ya que incorpora estilos de música electrónica que anteriormente solo lanzaba bajo diferentes seudónimos. Este álbum también incorpora colaboraciones con Andreas Lutz de O’Funkillo, Miah Lora y MC Kyla. Una de las pistas más destacadas del álbum es ‘Fight Music’, una canción que fue producida en el Reino Unido en 2009 y que ha estado guardada hasta hoy. De hecho, según el artista, todo el álbum tiene un pasado oculto, con una historia que contar sobre un viaje muy personal. El lanzamiento fusiona el funk y el rock con la electrónica, pasando también por los sonidos del indie pop y el drum and bass.

9.0

9.0 STROMLINIE & DRKWTR FEAT. NIKOLA K I Do (Remixes)

DIGITAL BASE & ANDY VIBES Yo Retro Elektroshok Records

Diesel Recordings

El artista Andy Vibes aka Digital Base, es un DJ y productor con sede en la ciudad de Sevilla. Al estar involucrado en la producción musical desde finales de los 90, ha estado siguiendo su propio camino hacia el éxito día tras día, esquivando modas y siguiendo una línea muy personal. Andy se inició en la escena de los ritmos rotos internacionales a través de los sellos de JMekka, exmiembro de Sigma7, y comenzó a lanzar sus primeras producciones bajo Vive Music y Sold Out Breaks, llegando a convertirse en uno de los grandes artistas del proyecto breakbeat del Reino Unido llamado iBreaks.co.uk. En esta ocasión el sello Elektroshok Records es el encargado de lanzar su single ‘Yo Retro’, una producción alegre y contundente al mismo tiempo.

El sello inglés Diesel Recordings rescata uno de los tracks incluidos en su recopilatorio ‘Diesel Compilation’ publicado en abril de este año. Una excelente pieza de progressive breaks compuesta por el productor canadiense Mitchell Oates, más conocido como DRKWTR, y el alemán Nicky Stromlinie, junto a la colaboración vocal de la también alemana Nikola K. Para esta ocasión llega en tres versiones diferentes, con remezclas a cargo del dúo ruso Better Kicks, del estadounidense Mariion Christiian y del inglés Perpetual Present. Un trabajo variado con breakbeat para todos los gustos, donde nos decantamos por el remix de los rusos Better Kicks por ser el más pistero y bailable.

9.0

9.5

FREQ NASTY Geeks & Mutilations

SELLRUDE Funk It

Between The Silence

Beat By Brain

JM WEINX

(BANGER RECORDS)

Originalmente publicado por el sello londinense Botchit & Scarper, el álbum debut de FreQ Nasty ‘Geeks & Mutilations’ está de vuelta en formato digital a través del sello Between The Silence. El álbum, lanzado en la floreciente escena del nu skool break, fusionaba el sonido rave de los 90 con el peso del drum and bass, el bailable garage, las vibraciones del hip-hop, e incluso jazz, electro alemán de los 70 y palabras habladas. En tareas vocales, se le unieron el legendario MC de dnb Skibadee, el MC de hip-hop Phoebe One, la cantante francesa de neo-soul Amaziree y la modelo francesa Akure Wall. Un impresionante álbum debut que representó un importante paso adelante para la música electrónica en 1999 y que todavía hoy suena genial 20 años después.

El sello nacional dirigido por DJ Fen, Beat By Brain, nos trae el nuevo trabajo del productor jienense Selu Rodríguez, más conocido como SellRude. El single en cuestión, titulado ‘Funk It’, es una buena producción de breakbeat con esencia funk muy bailable y pistera. Desde nuestras páginas también queremos destacar dos singles publicados por SellRude bajo otro de los sellos de DJ Fen, Spektra Recordings, titulados ‘Kobe’ y ‘Nightmare’, y el single ‘Al-Papal’ publicado por el sello Space Pizza Records dirigido por Shade K, artista por el que parece estar influenciado su sonido y estilo de producción. Cuatro producciones del jienense, cada una más cañera que la anterior, que no pueden faltar en tu recamara para levantar la pista. Estaremos atentos a sus próximos lanzamientos.

01. Beber & Tamra ‘You Wonder (Starecase Vocal Remix)’ [Mob Records] 02. BT ‘Love In The Time Of Thieves’ [Black Hole Recordings] 03. Plump DJs ‘The Push’ [Finger Lickin’ Records] 04. JM Weinx ‘Robots & Computers’ [CD Baby] 05. Adam Freeland ‘Heel & Toe (Freeland ‘O5 Mix)’ [Marine Parade] 06. Soul Of Man ‘Outback’ [Finger Lickin’ Records] 07. Moby ‘Alice (General Midi Remix)’ [Mute] 08. The Crystal Method ‘You Know It’s Hard (Koma & Bones Remix)’ [Outpost Recordings] 09. JM Weinx ‘Tenebrous Spirit’ [CD Baby] 10. Sasha & Mike Koglin ‘Enjoy The Gravy (Totally Turntabled Mix)’ [Noys]

066

C R Í T I C A S

D R U M

B A S S

Autor: ROHAN G. FINGER / finger@djmag.es

RADIAX

9.3

The Bejing Banger

Unchained China cada vez esta mas presente en la escena D&B mundial, gracias a la familia de Unchained. En la próxima entrega de su sello, que verá la luz el 13 de diciembre, han contado como protagonista con Radiax, productor originario de la remota ciudad china de Jilin. ‘The Bejing Banger’ contiene en su edición en vinilo cuatro cortes, dos remixes del británico Black Barrel y del italiano Was A Be, más dos temas originales adicionales en la version digital. El tema de aires techy/neuro que da título al EP ya ha reventado pistas tanto asiáticas como europeas en formato promo, siendo mencionado por Danny Byrd en la BBC 1 Xtra como temazo del mes. Esta es la primera vez que el sello edita en formato físico.

9.1

8.9

UNDERSOUND FT. REUBEN JACKSON Quantum Entanglement

ISAAC MAYA Fallout

Nexgen Music

LowFreq

No hay duda de que dentro del drum & bass hay grandes productores por todo el mundo, pero cuando alguien a parte de ser buen productor también es buen músico, se nota y mucho. Este es el caso del galés Undersound que, en su nuevo trabajo que ve la luz en Nexgen Music, encontramos cuatro deliciosos cortes de liquid funk con una cuidada instrumentación, repleta de minuciosos arreglos. Undersound nos guía en un viaje desde los sonidos inteligentes, cósmicos y etéreos del tema que da título al EP y el que le precede; hacia la calidez jazzy de los dos temas que cierran el trabajo, materializada en contrabajos y riffs de piano, que nos trasladan a la trastienda de un bar clandestino de los años 20.

Nos ha sorprendido muy gratamente el inminente nuevo álbum de Isaac Maya. Desde un tiempo a aquí, como hemos comentado en otras ocasiones, el king of jungle mexicano ha ido evolucionando el sonido de su sello hacia tesituras más sobrias y menos hedonistas, desafiando en esta ocasión sus propios cánones y explorando nuevas texturas crujientes y robustas. En ‘Fallout’ encontramos un sonido contundente y explícito perfectamente ponderado con su representativa influencia jamaiquina, dando como resultado siete auténticos bombazos revienta-pistas que integran un variado pero sólido paisaje sonoro. El 2020 vuelve de gira por Europa, así que seguro que podemos disfrutar de su música y sus mezclas por varias ciudades dentro de nuestro territorio.

8.7

8.9

TAELIMB The Junglist

DAVID SYNTH & VANDERMOU Depolarization

Eidolon

Histeria

LONDON ELEKTRICITY

Desde el sur londinense nos llega un release que nos ha gustado especialmente por su calidad sonora. Se trata del nuevo EP de Taelimb, productor británico al que, hemos de confesar, no seguíamos… a pesar de tener música editada a través de Flexout, Demand y Med School. Aunque el título del trabajo sea ‘The Junglist’ y, en efecto, el tema principal de mismo tenga como protagonista el amen break, no hay que encasillarlo. El EP está compuesto por cinco cortes con un sonido muy actual, repleto de oscuridad y sobriedad, en el que encontramos densas y sintéticas líneas de bajo que arañan, combinadas con afiladas y compactas baterías, fusionando perfectamente el jungle más serio con el drum & bass más tecnológico.

Se presenta un cierre de año muy movido para la familia insular de Histeria y es que este mes verán la luz un LP colectivo y un EP de los sevillanos Wake Bake. Pero no queremos dejar pasar el lanzamiento del pasado 25 de noviembre de manos de los también sevillanos David Synth y Vandermou. El EP contiene tres temas, entre los cuales ‘Depolarization’ – que da título al trabajo – ha sido coproducido por ambos artistas con una perfecta simbiosis de personalidades, pariendo un temazo de neuro comedido, serio y oscuro, repleto de intriga sonora. Los otros dos temas que integran el EP, en la misma línea estilística, son producciones en solitario de ambos, donde cada uno de ellos pone su personal enfoque del neurofunk.

01. Calibre ‘Even If’ [Signature] 02. Logistics ‘Together’ [Hospital] 03. Mac ‘Be Like water’ 04. Spacer ‘Contrazoom’ [Pussyfoot] 05. Bop ‘Song About My Dog’ [Med School] 06. Xploding Plastics ‘Treat Me Mean I Need The Reputation’ [Beatservice] 07. D-kay ‘Serenade’ [Brigand] 08. Urbandawn ‘Words to Say’ [Bad Taste] 09. Etherwood ‘Weightless’ [Med School] 10. DJ Die ‘Jitterbug’ [Full Cycle]

067

C R Í T I C A S

T E C H N O

Autor: MUGNI / mugni@djmag.es

HEARTLESS

8.9

Johari Window

6 Dimensions 6 Dimensions es un sello que poco a poco se esta haciendo un buen sitio dentro de la escena del techno de buenos quilates. Para comenzar, este mes Heartless llega dando estopa y bofetadas como dios manda. Este señor publicó un largo en Rekids hace unos meses que es de obligada escucha y vuelve ahora con cuatro temas que van a hacer las delicias de DJs y público por igual. Te puedes encontrar desde temas flotantes a temas aplastantes. Si te preguntas quién está detrás de 6 Dimensions, la respuesta es clara: Steve Bicknell. Por eso es razonable pensar que cualquier release de este sello va a ser bien visto y valorado por aquí. Quien tuvo, retuvo. En esta ocasión la frase viene al pelo.

8.2

7.0

MATRIXXMAN Planet X EP

VVAA Consortium Vol.1

TPlanet X

Motech

El bueno de Charles vuelve a la carga y esta vez lo hace en el nuevo sello del frío Exos, Planet X. Y la verdad es que vuelve fresco, con algunos enfoques nuevos, dentro de su propio estilo. Parece ser que abandona por un rato su ya típico caos musical y sintetiza en elementos y mensaje, lo que es de agradecer. Muchos de sus temas comenzaban bien, pero al rato se convertían [no se sabe por qué] en una amalgama rara y un poco caótica. Efectiva, sí, pero devastadora para algunos oídos. Esta vez se centra y bien, con sonidos muy raw, percusiones contenidas pero poderosas y todo muy colocado, ordenado y pulcro. Este sello está comenzando fuerte y esperemos siga la línea.

Motech es un sello de Detroit propiedad de DJ3000, que este mes nos ofrece un recopilatorio lleno del sonido más clásico de la ciudad del motor, realizado por artistas actuales. Entre ellos tenemos a Víctor Santana, Najel Monteiro, P-Ben, Yasha, Nicolson, Michael Mereborg, Jeran Portis, artf y Petit Beure, o lo que es lo mismo: artistas de todo el globo a quienes les une la nostalgia por este sonido tan característico. El recopilatorio está bastante bien, se deja escuchar de principio a fin. Pero no ofrece nada nuevo, ni ninguna sorpresa puntual. Al fin y al cabo, el techno de Detroit es lo que es e intentar algo nuevo dentro de un estilo monolítico es difícil, por no decir imposible.

6.0

5.6

FLUG The Collection

SWARM INTELLIGENCE Ultrawarea

Quartz Rec

Voitax

[TECHMARINE BOTTOM FEEDERS]

PARIS THE BLACK FU

No será la primera vez ni la última que digamos que un álbum es una cosa seria. En este trabajo, llamado ‘The Collection’, Flug nos presenta otro larga duración en su repertorio. Desde nuestro punto de vista, este trabajo está algo falto de conexión y nos da la impresión que es una sucesión de temas. El trabajo no está para nada mal producido, pero después de escucharlo, da cierta impresión de ser algo plano.

Este mes parece ser que viene oscurete y para confirmarlo tenemos aquí el nuevo trabajo de Swarm Intelligence. Una mezcla de techno, electro y jungle… o al menos eso dicen desde el sello, pero que ciertamente no deja de ser una aproximación bastante average al IDM. A ver, no me entendéis mal, el disco no está mal, pero le falta definir. Ya no estamos en los noventa y discos con cortes de varios estilos no suelen funcionar muy bien, sobre todo porque la audiencia no tiene el interés de antes y va a tiro fijo. Luego, también se pierde mucha intención en el disco y resulta ser una suerte de macedonia sin sabor definido. La intención es buena, pero se queda ahí.

01. Drexciya ‘Dr. Blowfins Black Storm Stabilizing Spheres’ [Tresor] 02. Dopplereffekt ‘Superior Race’ [International Deejay Gigolo] 03. The Advent ‘True Combo’ [Kombination Research] 04. Karenn ‘Strawbs’ [VOAM] 05. Techmarine Bottom Feeders ‘We Cannot Help You [The Exaltics Remix]’ [EPMmusic] 06. Korsakow ‘Mission: Elevator’ [Forms & Figures] 07. Negroni Nails ‘White Matter’ [Klakson] 08. Techmarine Bottom Feeders ‘A Quagmire of Confusion [Aux 88 Remix]’ [EPMmusic] 09. The Exaltics and Paris the Black FU ‘The Troublemaker’ [Solaronemusic] 10. Chris Davis ‘Traveling Light’ [Electronic Emergencies]

068

069

C R Í T I C A S

T E C H - D E E P

H O U S E

Autor: EKAI / ekai@djmag.es

LUUK VAN DIJK

8.5

Suavo EP

Dark Side Of The Sun Este mes he querido destacar el estreno de un nuevo sello llamado Dark Side Of The Sun. Detrás de este label se encuentra el DJ y productor holandés Luuk van Dijk. Nada más mirar quienes forman parte de este trabajo, vemos que lo que tenemos entre manos es algo serio. Para el primer EP, de nombre ‘Suavo’, el holandés se ha aliado con nada más y nada menos que Sidney Charles para el remix. De los originales se encarga él mismo y nos adelanta que uno de los factores de crear su propia etiqueta es la de darse más libertad a la hora de lanzar su propia música. Además de publicar lanzamientos, Dark Side Of The Sun también hará las funciones de promotora ofreciendo eventos en clubes.

7.5

CARLO LIO, ANDRE SALMON, CRISTHIAN BALCAZAR Nothing About It

ZAMORAS Bee Ass

Sagmen

Roush Label

Para la vigésimo primera referencia de Sagmen, Carlo Lio se asocia con Andre Salmon y Cristhian Balcazar para firmar este ‘Nothing About It’. Un single que además de un potente track original, contiene unos remixes muy efectivos a cargo de grandes productores como Franky Rizardo, Proudly People, Tobus y Aiuko. Empezando por el ‘Nothing About It’ original, nos encontramos con una solida construcción de carácter tech-house donde además de una compacta batería debemos destacar los efectos sci-fi y el tratamiento al que han sometido a la vocal. En cuanto a los remixes brilla el trabajo del artista de Defected, Franky Rizardo. El holandés mantiene la intensidad del remix ofreciendo un edición un tanto más salvaje, debido a los refills y las voces que se repiten.

Los hermanos Zamoras son la apuesta en firme de Roush para seguir construyendo un catálogo donde están consiguiendo integrar a los productores más interesantes del tech-house actual. Con una carrera corta pero intensa, Zamoras está ganando el apoyo de DJs de primer nivel como Joseph Capriati, Marco Carola o Martinez Brothers. En cuanto a lo que nos encontramos, ‘Bee Ass’ es el ejemplo perfecto de la clase de tracks que nos pueden ayudar a definir el sonido actual del sello. Por otro lado, ‘International’ es un b-side de marcado carácter house y donde es llamativo su groove, proporcionado por un break de batería. A este break se le agrega un pad que sirve para darle un toque old school y cerrar el EP brillantemente.

7.5

MATHIAS KADEN Square

CASSY A Place For Us

Pets Recordings

Kwench Records

THE DEALS

El prolífico productor Mathias Kaden es de ese tipo de artistas que no se encasilla, si no que da muestras de su imaginación, atrevimiento y buen gusto a través de los trabajos que publica en labels como Avotre o Rekids. Su talento es demandado por los mejores sellos y el hecho de que hayan tenido que pasar tres años para que vuelva a Pets Recording es buena prueba de ello. ‘Square’ es un EP compuesto por dos tracks originales, además de un remix de los responsables detrás de la etiqueta polaca, Catz’n Dogz. En este EP, el alemán nos ofrece una contraposición de sentimientos al armar unas pistas de baterías casi cercanas al techno frente a unos pads y melodías más livianos, teniendo como resultado una mezcla explosiva.

Cassy vuelve a editar por su Kwench Records, un EP donde (según sus palabras) decide plasmar toda la inspiración recibida tras un verano organizando sus fiestas Play House en Pacha Ibiza. Estas fiestas se han desarrollado siguiendo una temática hedonista, ambientada en el Nueva York de los años 90. Es por ello que en este disco llamado ‘A Place For Us’, Cassy se escapa de los sonidos techno y trippy a los que nos tenía acostumbrados y pone su voz al servicio del house para crear dos tracks que siguen la línea que marcaron Naked Music, Todd Edwards o Masters At Work. Además de las versiones con vocal, Cassy añade dos versiones dub pensadas para esos momentos en que necesitas mantener la pista caliente sin elevar demasiado la temperatura.

01. Cuartero ‘Balaba’ [Hottrax] 02. Guti, David Gtronic, Fosky ‘Mi Tumbao’ [Personality Disorder] 03. Per Hammar ‘Document Save’ [Infuse] 04. Traumer ‘Bassomatic’ [Gettraum] 05. East End Dubs ‘Rhythm 494’ [Hottrax] 06. Reelow ‘All I Want From You’ [Too Many Rules] 07. Andre Buljat & Christian Burkhardt ‘Sunday (Cuartero Remix)’ [Sanity] 08. Seb Zito ‘10AM Fuse’ [Fuse] 09. SIS ‘Nesrib (Archie Hamilton’s Nose Rub)’ [Cecille] 10. Mahony, Floog ‘Nu Mai (The Martinez Brothers Remix)’ [VL Recordings]

070

C R Í T I C A S

E L E C T R Ó N I C A

Autor: CARLOS FLAVIO BUSTOS / carlos@djmag.es

ARTFICIERO

9.5

Disco Tantra

Discos Atónitos Artificiero firma su segundo trabajo para Discos Atónitos, sello que dirige la española Alienata. ‘Disco Tantra’ está enfocado a la cara mas psicodélica, esotérica y experimental de la música electrónica. Artificiero – alias del también español Alfonso Alfonso, que ya pasó por el sello en 2017 con su disco ’Masa Negra’ – saca músculo y presenta cinco temas originales en los que vuelca su alma profunda, oscura y ambient. Pero, como bien dice el track, ‘Mi Lado Oscuro Es El Que Más Brilla’. Alfonso nos regala un discazo con todas las de la ley, que se completa con un remix impecable de Esplendor Geométrico. Absolutamente esencial.

9.0

8.7

ADRIAN MARTH Marthians World

VVAA Rotten Citizens Vol.3 – Remixes

Italo Moderni

Rotten City Records

Tenemos nuevo jugador a la vista y no es otro que Adrian Marth, con sede en Barcelona.Adrian presenta su nuevo EP debut, ‘Marthians World’, en su propio sello ‘Italo Moderni’. Su música nos evoca unas pistas frenéticas, de corte electro, que rezuman una vitalidad y frescura inusual. Bajos asesinos, sintetizadores espaciales y un sinfín de sonidos retrofuturistas, que hacen las delicias de los fanáticos del ítalo disco. Adrian consigue traer de vuelta lo mejor de los 80 en sus potentes ‘Circle of Fifths’ y ‘Testarrosa Girl’, más tres remixes de los grandes Baldo, Antoni Maiovvi y Mufti.

Rotten City Records, sello del capo Alvaro Cabana, cierra 2019 de un modo muy brillante sacando este lanzamiento de su serie digital. Diez remixes, de los diez temas que aparecieron en el tercer volumen de sus recopilatorios Rotten Citizens, que se publicó en junio de 2018. Esta VVAA, que sale a la venta el próximo 6 de diciembre, es un lanzamiento de la marca Rotten City: EBM, Darky o kraut del bueno. Y es que teniendo a artistas como Curses, Theus Mago & Moisees, Cabaret Nocturne, WLDV, Sutja Gutierrez, The Two Mamarrachos, Duncan Gray, Russian Girls y Aristidez, son mas que garantías de exquisitez musical.

8.5

8.0 ZERO CALL Fears & Dreams of Living Machines Remix EP

MODERNA Y THEUS MAGO Pesos Not Besos Side UP Works

Italo Italians Records

ROLIVA

La churrería de trallazos parece interminable. Moderna y Theus Mago parece la mejor alianza jamás ideada en este 2019. La norteamericana y el mexicano convierten en oro cada cosa que tocan y si a esto le sumamos remixes de artistas como Ewan Pearson, Justin Robertson, Cabaret Nocturne, Odd Oswald, Martin Noise o Sara Zinger, tenemos un disco atómico de verdad. ‘Pesos Not Besos’, publicado en Side UP Works, es una nueva declaración de intenciones del sello de moda que release a release va rayando la escena electrónica a cotas muy altas por su propuesta y calidad musical.

‘Fears and Dreams of Living Machines’ es una colección de remezclas del disco presentado por Zero Call en 2018. Para este nuevo trabajo, rodeándose de sus grandes amigos productores, desmenuza el synthwave original, consiguiendo crear tracks más bailables y cercanos a la pista. Juanjo Obon, en su revisión de ‘Astrarium’, y Daniel Gregori, en ‘Faster’, trazan secuencias de minimal-disco oscuro entre toques ácid y vocoders profundos. Attendances se luce con su vertiginoso remix de ‘Faster’ y Vicky Montefusco cierra esta brillante serie con su visión de ‘Markens Grode’. Zero Call nos regala, como bonus track, una versión y autoremix de ‘Mind Indstruction’, tomada del Living Machines Tour de 2019.

01. Marcus Meinharot ‘Dschungelcamp (JOBE Remix)’ [Einmusika Recordings] 02. Rigopolar ‘Espiral’ [DURO] 03. Kike am Radar ‘In Vain’ [Dogs & Vultures Records] 04. Vox Low ‘Now We’re Ready to Spend (Holographic Planes Remix)’ [Rotten City Records] 05. Tulioxi ‘To End Up In Dark Mali’ [Heimlich Musik] 06. Andrew Claristidge & Workerpoor ‘Slow Uppercut (The Soviet Union Remix)’ [Night Noise] 07. Dog.ma ‘Warriors’ [Ombra International] 08. Perel ‘Karlsson’ [Uncanny Valley] 09. Casino Times ‘Rush’ [Mireia Records] 10. OhmFat ‘The Edge’ [La Volta Ros]

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R E P O R TA J E Autor: REDACCIÓN

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Shanghai Restoration Project En esta entrega de En El Estudio Con…, DJ Mag ES viaja hasta ese hervidero de músicos y creatividad que es Brooklyn, en Nueva York, para descubrir el entorno ‘multicolor’ de la pareja Shanghai Restoration Project. Una dupla artística que según les apetece y aterriza la inspiración se deciden por un sonido u otro, pero siempre asociados a la electrónica (house, disco, synthpop). Acaban de presentar el álbum ‘Flashbacks in a Crystal Ball’ (Undercover Culture Music) el cual es un buen ejemplo de lo que es viajar por todas las posibilidades y continentes que un estudio único puede tener: teclados, grabadoras, etc. De hecho nos lo desgranan al centímetro. A continuación juventud, creatividad y la curiosidad de dos melómanos. Hardware e inspiración desde La Gran Manzana. Hola Dave / Yunfan! ¡Gracias por recibirnos! Comencemos de cero... ¿qué les hizo decidiros por la producción de música electrónica, y dentro de esta, en su más amplia gama? DAVE: Comencé a aprender piano cuando estaba en la escuela primaria y tenía un maestro maravilloso que siempre me animaba a improvisar. Yo escribía música pero no tenía forma de grabar nada. La producción de música electrónica me resultó atractiva porque podía crear música

en un entorno relativamente económico y sin demasiada inversión. YUNFAN: Mi experiencia es mayor en artes visuales, pero siempre he sido melómana. Dave me introdujo en las técnicas y habilidades con las que producir música electrónica. Pronto descubrí que era completamente posible y divertido para alguien como yo, una persona que no estaba capacitada como profesional de la música, a expresarse en este medio de manera libre y creativa. ¿Quiénes fueron los primeros artistas que inspiraron vuestro trabajo? Y además, ¿qué instrumentos / máquinas (hardware) os sedujeron más a la hora de producir? Y: Algunos de nuestros artistas electrónicos favoritos incluyen a Susumu Yokota, Brian Eno, Steve Reich, Ulrich Schnauss, Lim Giong y el dúo ruso SCSI-9. Pero también estamos influenciados por artistas no electrónicos como Gil Gilberto, Orchestra Baobab, Mahmoud Ahmed y Nina Simone. D: En lo referente al hardware, en la escuela secundaria tenía acceso a un Korg 01 / WFD (teclado) y a una Tascam Porta 02 (grabadora de audio de 4 canales). El Korg

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tenía un secuenciador digital incorporado para poder usar el teclado para tocar casi cualquier tipo de instrumento (tambores, bajo, sintetizador, etc.). Luego grababa la producción de Korg en la Tascam, donde agregaba voces y guitarras. ¿Recordáis cuál fue la primera máquina o “juguete” que compraron? ¿Y el último? Si son tan amables de hablarnos sobre alguno de ellos, por favor. D: El primer “juguete” que me regalaron mis padres fue un Yamaha PSR-48 (teclado). Luego, la primera máquina que compré con mi propio dinero fue un módulo Roland SC-880. Tenía sonidos terribles, pero fue una buena introducción al trabajo con módulos de sonido. Y: El primer aparato que tuve fue un teclado Analog Keys. Trasteé con el secuenciador incorporado para crear algunas ideas que terminaron en canciones de nuestro álbum “R.U.R.”. El último equipo que adquirimos fue el Tascam 414 MK1, el cual hemos estado combinando con un pedal Strymon Big Sky Reverb mientras experimentamos con bucles de cinta. ¿Y cómo soléis grabar sonidos de la calle? SRP: Tenemos un Sony PCM-D100 el cual

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nos encanta usar para grabar muestras en todos sitios. Pero a menudo, cuando nos topamos con un sonido inesperado, ¡solo usamos nuestros teléfonos móviles! una grabación de baja calidad es siempre mejor que nada. :) Vamos a sumergirnos ahora en vuestro estudio... ¿Podéis guiarnos a través de vuestra configuración? Si pegamos un vistazo de izquierda a derecha, por ejemplo. SRP: Teclados: Nord Stage, Elektron Analog Keys, Novation K-Station, Korg Volca fm, Teenage Engineering OP-1 & PO KO-33, Arturia Analog Lab (virtual) | Monitores: Focal Solo6 Be, Adam A-7 | Caja de ritmos: Roland HPD20 | Guitarras: Eléctricas (Ibanez), Acústico (Seagull), Nylon Acústico (hecho a mano en México) | Micrófonos: Mojave MA-200. Blue “Blueberry” | Configuración de bucle de cinta: Tascam 414 MK1 con pedal Strymon Big Sky Reverb | Interfaz de audio: RME Babyface Pro, Focusrite Clarett 4Pre | Software: Pro Tools 12, Ableton Live (audio en vivo), Resolume (video en vivo). ¿Cómo suele ser el proceso de creación de SRP? O mejor aún, cómo fue durante la creación de vuestro nuevo álbum ‘Flashbacks in a Crystal Ball’…

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SRP: ‘Flashbacks in a Crystal Ball’ fue un álbum interesante de producir porque atraviesa muchos géneros diferentes. Así que tuvimos que usar múltiples tipos de técnicas durante este proceso. Para las canciones de corte más clásico como ‘Beeswax Chamber’ y ‘Sudden Rush of Memories’ escribimos partes específicas para violonchelo que posteriormente grabamos en un estudio por separado. Para ‘Tactile Sonic Glide’, gran parte de la producción fue dentro de Pro Tools, donde Yunfan creó el patrón armónico y el solo de calimba. Además, Dave improvisó líneas de bajo y percusión, que Yunfan editó y arregló. En ‘Dance School at Dusk’ comenzamos con un ritmo básico que añadimos una melodía de violonchelo. Después de agregar una armonía arpegiada, compusimos una contra-melodía grabada con la guitarra. A continuación espolvoreamos sobre todo ello nuevas pinceladas de calimba. La producción de cada canción fue única, lo cual fue una experiencia nueva para nosotros. Vuestra lista de producciones en el estudio es muy amplia ¿cuáles han sido las más gratificantes y por qué? (puede incluir aquí desde películas hasta anuncios de televisión...)

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SRP: El año pasado tuvimos la oportunidad de grabar la música original para una película desde cero y fue una experiencia realmente gratificante. En lugar de darnos escenas reales para componer, el director solo mencionó a ocho pintores y nos pidió que escribiéramos canciones basadas en nuestra interpretación del trabajo de esos pintores. Más tarde nos dieron un guión para mayor orientación. Todo el proceso nos permitió componer desde la perspectiva de otro personaje versus la propia, lo cual fue una experiencia realmente liberadora. ¿Cuáles son vuestros próximos proyectos artísticos para el resto de 2019? ¿Y 2020? SRP: El año que viene planeamos grabar en directo una banda sonora para una película muda que fue redescubierta hace unos años, y que será una experiencia nueva para nosotros. También tenemos prevista para la primavera una gira por China. Finalmente, ¿pueden darnos algún consejo que sirva tanto para los productores más expertos como para los más noveles? SRP: No intentéis producir lo que creáis que otros quieren escuchar. Contad vuestra propia historia y usad sonidos únicos extraídos de la vida cotidiana.

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Autor: KANEDO

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¡Se confirman los rumores! Este pasado noviembre Pioneer DJ presentaba al mercado su último sistema de trabajo XDJ-XZ, combinando funcionalidades all-in-one, como controladora y mezcladora de gama alta. Ante la pregunta que todos nos hemos hecho la respuesta es que no, como all-in-one no podemos manejar 4 decks desde nuestro USB… Teniendo claro lo que no es, veamos lo que es y el porqué de su furor en las tiendas especializadas:

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• El XDJ-XZ tiene un precio muy atractivo y competitivo para lo que ofrece, teniendo un espacio en el mercado actual ya que ofrece prestaciones idénticas a gamas muy altas de la marca nipona, el estándar profesional, costando la tercera parte de las mismas. Combinando funciones como all-in-one y como controladora de rekordbox DJ y Serato DJ… ¿En qué equipos se inspira el XDJ-XZ? •

XDJ-RX2, heredando del popular sistema all-in-one el trabajo con dos unidades USB, pudiendo grabar directamente el set en una de ellas, y el display modo “NXS2” permitiendo realizar funciones como “Track Filter”, búsqueda vía teclado QWERTY o seleccionar preferencias importantes (como el cambio de deck en rekordbox DJ), desde el ShortCut. También heredados de la XDJ-RX2, disponemos de 8 pads por canal donde podemos ejecutar Hot Cues, Beat Loops, Slip Loops y Beat Jump.

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DDJ-1000/SRT, controlando rekordbox DJ de forma óptima, explotando el potencial de los 4 canales, los jogs con displays incorporados (que también funcionan en el modo all-in-one) y los pads, siendo estos asignables a funciones de rekordbox DJ como Pad FX, modo Keyboard o Slicer, entre muchos otros. DJM-900NXS2, encontrándonos ante un mezclador con 6 Sound Color FX + control de Parameter, 14 Beat FX con FX Frequency y el X-Pad táctil para variar el tempo de dichos FX (o su frecuencia, como en la Reverb). Los canales 1 y 2 sirven para trabajar como all-in-one o controladora, mientras que el 3 y 4 sirven como controladora o para conectar entradas externas. Además, incorpora una entrada auxiliar que la DJM-900NXS2 no incluye.

Características exclusivas de la XDJ-XZ, a diferencia de los equipos mencionados anteriormente: •

HUB RJ45 incorporado, pudiendo conectar via ProDJ Link equipos periféricos a los canales 3 y 4 y compartir música desde un único dispositivo USB accediendo a funciones como el Sync o el Quantize en dichos decks. También se puede de esta forma conectar el

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ordenador para coger nuestra música desde rekordbox modo Export, gratuito. •

Dos entradas de microfonía con EQ independiente de tres bandas y entradas combo. Incorporan la tecnología “Feedback Reducer” para poder utilizar la microfonía cerca de los monitores sin ningún ruido ni interferencia.

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Primer all-in-one de Pioneer DJ con jogs idénticos a los CDJ-2000NXS2, incorporando además un display con información sobre forma de onda, BPM, tiempo restante, loops…

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EQ en el Master/Booth, pudiendo ajustar el sonido saliente del XDJ XZ con tres bandas de ecualización. Los controles de Master y Booth están situados en la parte superior derecha del mezclador, manteniéndose así lejos de la zona de trabajo habitual en sesión evitando errores y movimientos no intencionados.

En resumen, si nos quitamos la expectativa que estaba en el ambiente sobre un all-in-one de 4 canales de Pioneer DJ, nos encontramos ante un verdadero equipo profesional y versátil, siendo lo más parecido a la gama alta estándar del sector por una tercera parte del precio. ¡Muy fans del XDJ-XZ!

Promoción vigente del 1 de septiembre de 2019 al 31 de diciembre de 2019, para mayores de 18 años residentes en España. Premio disponible (1 unidad disponible): 1 viaje doble a Río de Janeiro (Brasil) para asistir al Carnaval de Río de Janeiro, que tendrá lugar del 21 al 25 de febrero de 2020. El viaje incluye: traslados desde Madrid o Barcelona (a determinar por la Organización) a Río de Janeiro y viceversa, 4 noches de estancia, en hotel de al menos 3 estrellas en régimen de alojamiento y desayuno, determinadas comidas y bebidas durante la estancia (a determinar por la Organización) y 2 entradas de acceso al sambódromo de Rio de Janeiro que dan derecho a acceso durante el día 24 de Febrero de 2020. Límite 18 participaciones al día. Bases depositadas ante Notario y Sorteo ante Notario el 08/01/2020. Más información sobre el premio, anillas promocionales, bases y cómo participar en WWW.PROMOSBURN.COM . Teléfono de Atención al Consumidor: 900909034