DJ Mag ES #161

Nos adentramos en un caluroso mes de julio que llega pisando fuerte. Estamos en el ecuador de la temporada de verano y los mejores festivales, fiestas y eventos ya han tomado el control de nuestro calendario. Para celebrarlo, nuestra portada de este mes la protagoniza la artista sudafricana afincada en Ámsterdam Lee Ann Roberts, que se ha convertido en una fuerza destacada de la escena techno mundial gracias a su férrea determinación y su toque creativo vibrante y potente.

Con una agenda a ritmo vertiginoso de hard techno y repleta de eventos, Lee Ann Roberts concede a DJ Mag ES una entrevista donde nos cuenta más acerca de su proceso creativo y de este nuevo lanzamiento que estará disponible a partir del 19 de julio.

En clave nacional, este mes invitamos a nuestras páginas al DJ y productor C.I.S.C.O. Original de República Dominicana, vino a Barcelona hace 5 años y desde entonces ha encontrado el lugar idóneo en el que desarrollar su carrera artística. Residente de SIGHT en la ciudad condal y propietario de su propio sello discográfico, Vengo Records, aprovechamos el lanzamiento de la tercera edición de su propio sample pack para hablar con él en DJ Mag ES.

En clave internacional, este mes tenemos el placer de hablar con DJ Paulette. La artista ha publicado este año su primer libro, “Welcome To The Club: The life and lessons of a black woman DJ”, que presentó en el IMS y se ha convertido en uno de los principales motivos para sentarnos con ella a hablar acerca de la escena actual de la electrónica, y de cómo podemos seguir luchando para hacer de esta gran comunidad un espacio de colaboración equitativo y justo para todo el mundo.

En cuanto a crónicas, el pasado mes de junio tuvimos el honor de cubrir varios eventos de OFFSónar en el Poble Espanyol, cuyas entrevistas podéis encontrarlas en nuestra web, en nuestro canal de YouTube y en nuestras redes sociales. Pero además, hemos querido plasmar en nuestras páginas cómo vivimos en primera persona el evento FUSE, que se encargó de traer un despliegue de audiovisuales y un line-up cuidadosamente curado que incluía desde nuevos talentos emergentes hasta leyendas de la escena electrónica mundial.

En nuestra nueva entrega de tendencias, este mes ponemos el foco una nueva instalación audiovisual recién inaugurada que podrás ver hasta finales de julio en el Centro de Experiencias Artísticas Pozu Santa Bárbara de Mieres. Se trata de Onírica (), que explora la dimensión de los sueños, interpretando mediante lenguajes sintéticos la capacidad creativa de la mente humana mientras duerme. Y como siempre, os traemos las mejores secciones y críticas musicales.

Gracias, lectores, por seguir confiando en nosotros mes a mes.

Patricia Pareja Directora

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EDICIÓN

Revista DJ Mag España SL Carrer Llull 63 2º 6ª

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Críticas

Crónicas

Breves

Autor: REDACCIÓN

FRED AGAIN.. HIZO UN SET SORPRESA DE AMBIENT EN EL FESTIVAL GLASTONBURY

Fred again.. sorprendió a los asistentes de Glastonbury Festival de Reino Unido con una actuación de 30 minutos de música ambient en el escenario Strummerville, uno de los escenarios más chill de todo el evento. La actuación, que tuvo lugar un soleado viernes por la tarde, incluyó músicainéditajuntoatemasdesuálbum'SecretLife'conBrianEno,publicadoporTextRecords de Four Tet en mayo de 2023. En consecuencia, la actuación, no anunciada, creó una atmósfera reflexivaeíntima,quecontrastafuertementeconlaenergíahabitualdelfestival.EsteinesperadoconciertosupusouncambioradicalconrespectoalrecienteconciertodeFredenelMemorial ColiseumdeLosÁngeles.

+info: Instagram @fredagainagainagainagainagain

NOW HERE ESTRENA TERCERA TEMPORADA EN CLUB ROOM DE HÏ IBIZA

Bajo la dirección artística de Paco Osuna, NOW HERE se ha consolidado como uno de los eventos más apreciados por los seguidores del techno y house underground. Su filosofía de ofrecer experiencias musicales reales ha sido parte fundamental para permanecer en la cima de la agenda de la isla blanca. Siguiendo esa misma línea, Paco Osuna y NOW HERE aterrizaron de nuevo en Hï Ibiza el pasado martes 18 de junio para realizar un especial opening 2024. NOW HERE es el sistema creativo de Paco Osuna y también un ser vivo en sí mismo. Desde hace tres años bebe de las más fervientes corrientes musicales y se nutre de la interacción con su público. Y este año, deseoso de volver a Ibiza, NOW HERE está listo para garantizar una apasionante temporada cada martes de verano.

+info & tickets: https://www.hiibiza.com/es

LOS CUERPOS POLICIALES INVESTIGAN A DIPLO POR UNA FIESTA ILEGAL EN ES VEDRÀ

Una fiesta "ilegal" organizada por Diplo en la isla de Ibiza ha dado lugar a una investigación por parte de la policía española, informa IB3. Diplo actuó para sus fans a orillas de la impresionante Cala D'Hort, una reserva natural protegida en Sant Josep de Sa Talaia. Tras su actuación junto al pequeño islote rocoso de Es Vedrà, cuyos vídeos se compartieron en las redes sociales, el Ayuntamiento y la Policía Local de Sant Josep anunciaron una investigación sobre el evento. La Asociación de Ocio de Ibiza emitió un comunicado en el que condenaba la fiesta en la cala ibicenca, una "zona muy sensible de la isla" que forma parte de la red de espacios protegidos de la Agencia Europea de Medio Ambiente, Natura 2000. +info: www.lavozdeibiza.com

BILBAO BBK LIVE 2024 TENDRÁ LUGAR LOS PRÓXIMOS 11, 12 Y 13 DE JULIO

Ya falta menos para el inicio de la nueva edición de uno de los festivales más conocidos y concurridos del país: el Bilbao BBK Live, que se celebrará del 11 al 13 de julio en Kobetamendi. El festival ha cerrado su cartel para 2024 y ha presentado los horarios y la programación de Bereziak. Entre los nuevos artistas que se unen al festival están Shygirl presenta Club Shy, Lewis OfMan, Alcalá Norte, Gabrielle Kwarteng, Stivijoes y Alba Morena. Sin embargo, las actuaciones de JPEGMAFIA, Zoe Gotusso y Bored Lord se cancelan. Bilbao BBK Live también ha anunciado iniciativas para disminuir el impacto medioambiental del evento en colaboración con la Fundación BBK. Entre las acciones se encuentran la reducción del consumo de agua en un 40%, el reciclaje del 65% de los residuos, y donaciones a los Bancos de Alimentos. Además, se mejorarán las plataformas de acceso para personas con movilidad reducida y se colaborará con la Fundación Síndrome de Down. +info & tickets: https://bilbaobbklive.com

Este año tocaste en ADE, uno de los eventos de música electrónica más importantes. ¿Qué nos puedes contar sobre esta experiencia?

ADE es un evento incomparable con cualquier otro. La gente está extremadamente educada y madura con su sonido y, con la gran cantidad de eventos durante esa semana, es realmente especial saber que el público para el que actúas está allí porque eligió ese evento sobre cualquier otro. No hay nada más emocionante que estar rodeado de tanto talento en una ciudad durante la semana. Se siente como Hollywood para la industria musical.

¿Cómo definirías tu sonido? ¿Qué te gusta expresar al público en tus sets?

Me gusta moverme un poco a lo largo del espectro de la música house, me gusta incluir mucho groove en mis sets, algunos ganchos vocales atrevidos que no son "cursis" ni "excesivamente reconocibles" pero inclusivos para un público más amplio. Creo que es muy importante usar las primeras 3-4 canciones para conocer con quién estás bailando y hacer que el set sea divertido. Podría describir mi sonido como profundo, groovy con elementos tech y mientras la gente esté moviéndose, estoy feliz. Una lección importante que he aprendido es que tener 'bajones' en un set no es algo malo y tener la confianza para cambiar de dirección puede dar buenos resultados si estás lo suficientemente conectado con la gente.

DJ TOÚSHAY

Hola DJ Toúshay, es un placer saludarte. Para aquellos que no te conozcan, ¿cómo te describirías?

Gracias por tenerme aquí. Mis amigos me describirían como alguien que siempre está dispuesto a charlar y bailar. Si no estoy detrás de cabina, me encontrarás en la pista de baile desde el principio hasta el final de la noche. No hay nada que me guste más que un amanecer en la pista y conocer gente nueva.

Eres de Brisbane, Australia. ¿Cómo ves la escena electrónica en tu país? ¿Qué destacarías de ella?

Australia tiene una cultura de música electrónica de baile muy única. Con leyes y licencias de clubes más estrictas que en Europa, muchos promotores han llevado sus fiestas fuera de las ciudades capitales, donde podemos ver una cultura en evolución de amantes de la música electrónica que disfrutan de la escena de festivales en la vasta tierra australiana. Cuando el gobierno dificulta tener una cultura de música dance floreciente, es bastante especial ver cómo la pasión por una pista de baile al amanecer encuentra la manera de adaptarse.

¿Quiénes son tus principales influencias? ¿Cómo empezaste en el mundo del DJing?

Comencé a pinchar con amigos que tenían equipos o residencias locales, donde me unía para mezclar en un ambiente social. Creo que es increíblemente importante que haya tenido esos momentos, aprendiendo a tocar música de fondo en bares más pequeños para construir la confianza que tengo hoy en día al tocar ante un público más grande. Chris Stussy siempre ha sido una gran influencia para mí, me encanta la energía que trae en sus sets y me inspira el viaje que hace experimentar al público. ¡Tuve la suerte de tocar junto a otra gran influencia (Kolter) en febrero! También he estado siguiendo muy de cerca al productor del Reino Unido DXNBY este año.

¿Cuántas horas al día sueles dedicar a la música? ¿Qué es lo que más disfrutas hacer?

¡Esta es una gran pregunta! Cuando la gente te ve actuar es solo la punta del iceberg y muchos se sorprenden al saber cuántas horas se invierten detrás de escena cuando no tienes un manager. Siempre reservo el lunes o el martes como un día de descanso, o cuando pueda, siempre y cuando tenga un día a la semana. Trato de mantener mi laptop fuera de la vista, incluyendo las redes sociales. No creo que haya un momento además de ese en el que no esté enfocado en la música de una forma u otra. Incluso en el gimnasio estoy escuchando nueva música que la gente ha enviado o preparando facturas. Es un estilo de vida y no un trabajo. Encontrar y conectar con otros a través de nueva música o conseguir un groove en Ableton con amigos es lo que realmente me emociona.

¿Qué podemos esperar de DJ Toúshay para el resto de 2024 y 2025?

Estoy muy emocionado de anunciar que saldrá música a finales de 2024 y de trabajar junto a otros artistas en Australia en algunos proyectos. Es realmente emocionante comenzar a anunciar más actuaciones en mi país de origen mientras exploro más ciudades de este lado del mundo después de haber residido en Barcelona durante 2 años. También estoy súper emocionado por algunas próximas fechas por aquí, y definitivamente está en marcha volver a Europa en 2025, estoy deseándolo.

Finalmente, Shayla, les pedimos a los invitados de 60 segundos que hagan una pregunta al próximo invitado. La última fue de Tommy Phillips: ¿Cuál fue el momento decisivo que te hizo comenzar tu carrera en la música? Y a cambio, debes dejar una pregunta para el próximo invitado.

El momento decisivo para mí no fue la capacidad de mantenerme con los shows, sino cuando la emoción y el impulso de esforzarme más superaron con creces la seguridad que sentía al tener un trabajo 'normal' de 9h a 17h. Sabía que me llenaba más el corazón lanzarme a lo desconocido con emoción, que jugar a lo seguro con arrepentimiento. Ahora llevo cuatro años a tiempo completo en la música.

En los últimos 12 meses, la economía europea ha visto un aumento muy pronunciado de la inflación. ¿Cómo crees que afecta esto a nuestra vida nocturna/ventas de entradas y cómo crees que los promotores se adaptarán a estos cambios?

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ENRICO CARUSO

¿Cuándo fue tu última mentira y por qué?

Hace un par de domingos por la mañana, haciendo el checkout del hotel.

El recepcionista me preguntó: ¿consumiste algo del minibar?. Hubo un silencio, y le dije: no, está lleno. Pensé por dentro: ah, qué mentiroso. Me fui rápido… ¡un clásico!

Aquello que siempre has querido que te preguntaran y nadie te ha preguntado… ¿Vas a tocar en el after?

¿Qué es lo primero que te gusta hacer cuando llegas a un club/festival?

Normalmente llego al club media hora antes de empezar a tocar. Voy directo a la cabina, observo el público y tomo algo de beber… Tequila, ¡por favor! Mantengo una pequeña charla con los amigos y estamos listos.

¿Cuál es la mejor comida para pasar la resaca?

Pizza, hamburguesa y papas fritas.

En la cama, obvio.

¿Qué track no puede faltar en tu set y por qué?

Pregunta complicada. Hay varios que no pueden faltar y sin duda, uno de esos es ´Final Credits´ de Midland. Hay una gran historia detrás (risas).

Fue en mi primera gira por Sudamérica, en Chile. Estaba tocando en una villa privada; en el after del after del after. Después de más o menos 10 horas deciden terminar el maratón. Tenía ya en mente el último track... Lo busqué unos minutos pero nada, desapareció por completo. Necesitaba otro. Uhm y ahora, ¿qué pongo?. Cansado (y un poquito borracho), me gustó el título de un track que, sinceramente, ni siquiera recordaba haber tenido y pensé: ´seguro que es para el cierre´ (risas).

¡Fue una locura!

A partir de ese momento, siempre lo tengo presente.

¿Cuál ha sido el mejor momento de tu carrera hasta la fecha?

En los últimos años he tenido muchos momentos increíbles, pero diría que uno de los mejores fue tocar en Ecuador en Lost Beach Club, el #31 TOP100 DJMAG.

¡Madre mía! Qué gran experiencia.

El momento más embarazoso de tu vida… Tengo un montón. Uno que todavía me hace reír mucho fue cuando un amigo me presentó a una persona y no entendí quién era. Me trae una bebida, hablamos y empieza a acribillarme a preguntas. En mi cabeza pensé: ´uff, ¿qué quiere?

Qué aburrido´. Después de 30 minutos de charla me dice: ok, hablaré con el dueño a ver si podemos ponerte de último minuto en line-up (cerebro en Error 404). Él era el promotor y yo super tonto (risas).

FOCUS ON DUAL BOOKING

Autor: Sergio Parrado

Este mes en Focus On nos vamos al norte de España, a ese lugar mágico donde las meigas (brujas) son parte de la cultura popular, se come el mejor pulpo del mundo y su vino blanco te quita el hipo. Es seguramente uno de los lugares más místicos de nuestro país y un lugar donde la música electrónica siempre ha tenido un gran impacto en su cultura y sociedad.

Desde allí, en su capital, La Coruña, Borja Pikallo dirige con tesón y firmeza Dual Booking, una agencia y sello discográfico que es hogar de varios de los artistas old school que dieron forma al techno más puro, además de contar con algunos de los talentos emergentes más notables del momento.

Dual Booking podría definirse sin tapujos como la esencia misma del techno más puro, visceral y underground. Todavía conservan la esencia de hace casi tres décadas, pero siempre mirando al presente.

Desde sus inicios en los estudios de grabación Paz&Records junto al mítico rockero Jacobo Paz, hasta nuestros días, Dual Booking ha pasado por muchas etapas hasta llegar a donde está hoy. Pero, ¿quién mejor que el propio Borja para contarnos más acerca de este proyecto?

DJ MAG MINI TEST

¿Una ciudad? A Coruña

¿Un país? Alemania

¿Una serie? El príncipe de Bel Air

¿Un plato de comida? Centollos

¿House o Techno? Techno

¿Un lugar para perderse? Santo Domingo

¿Rok Tha House Traxx? Larga vida

ACuéntanos un poco cómo nace Dual Booking, sus inicios y cómo llega a establecerse dentro de escena más Techno a día de hoy

Realmente Dual Booking se monta a raíz de trabajar en el estudio de grabación y producción Paz&records, que encabeza y capitanea el legendario rockero gallego Jacobo Paz. Convivíamos en el día a día con todo tipo de artistas y proyectos muy dispares. Era muy común entrar por la puerta y ver a Jacobo en su despacho tocar la guitarra con esos aires de viejo rockero melancólico y, al mismo tiempo, en una de las otras salas, estar grabando los artistas de urbano de “La Utopía del Norte” liderada por mi gran amigo y compañero Tata. Incluso colaborando en videoclips donde participaba la que en el futuro sería la madre de mi hija y actual pareja, la bailarina y fotógrafa Sandri Boom. Es una etapa que guardo con especial cariño por todo lo que significó y los grandes artistas que salieron del estudio. Confluíamos músicos de verdad, se respiraba arte y se colaboraba de una manera desinteresada. En los inicios de Dual Booking tuvimos la oportunidad de grabar con Tim Baker o JL Magoya un DJ set y también pasaron grupos como O Funkillo o M-Clan. Ahí fueron los inicios de la agencia junto a mi compañero Borja Pardo y el productor gallego Rarek, que también dio paso al asociado label “Paz&rec”. A partir de ahí fue todo pico y pala, trabajando duro en España y cruzando el charco para buscar nuevas experiencias, ¡incluso coincidiendo contigo en alguna aventura, Sergio! Recuerdo con gran añoranza una actuación que tuvimos en Santo Domingo Tim Baker, tú y un servidor...

B¿Cómo suele ser tu día a día gestionando todo lo que haces?… ¡Que no es poco!

Mi día a día más o menos siempre sigue el mismo orden, sino estaría muy perdido. Hay que ser consciente de que el trabajo de manager es 24/7, hay que tener o desarrollar una serie de cualidades para sobrevivir y progresar en este sector y algo muy importante es socializar y afianzar a tus promotores o contactos. Me levanto a primera hora de la mañana y con el primer café del día miro de reojo el email y los WhatsApp que me pudieron entrar hasta ese momento. Llevo a mi hija Luna a la guardería y en esos 30 minutos voy haciéndome una idea mental de cómo armar el día y las prioridades de la mañana. Intento siempre solucionar lo que más urge o me preocupa, y luego dejo transcurrir la jornada según lo que tenga pendiente, reuniones con promotores, artistas o prensa. Intento fluir con las horas y disfrutar de mi trabajo, realmente me encanta lo que hago porque me siento muy orgulloso de “mis chicos”. Luego hay días para todo, pero hay ciertas habilidades que intento agudizar y perfeccionar. Estrategia, negociación y empatía son cualidades fundamentales para poder avanzar en esta profesión.

C¿Cómo ves la escena Techno actualmente en el país y el mundo en general y qué crees que aporta marcas como la vuestra?

Veo que hoy por hoy, no hay escena, algo cultural y con criterio. La pandemia hizo mucha mella en la juventud de hoy en día y estamos en tiempo de rebeldía y de que todo vale, dejemos que la juventud fluya a una electrónica más de culto, que sucederá sin duda alguna. Los grandes artistas siguen ahí esperando a repartir cátedra y eso sucederá y será cuando realmente el techno estará donde se merece.... ¡Lo bueno aún está por llegar!

DCon los años habéis ido mutando hasta convertiros en una marca 100% Techno. ¿Qué te motivó a ello? Y por otro lado, ¿qué artistas forman parte de Dual? Me gustaría que me contases también ese lado romántico que tienes para traer de vuelta a la escena nombres clave del techno, sin los cuales no sería lo que es.

Creo que debería empezar por el comienzo a mi afición por la electrónica y cómo he llegado hasta aquí... La primera fiesta a la que fui fue a finales de los 90 a ver a un tal Jeff Mills, en esa mágica noche me di cuenta de que realmente iba a vivir de alguna manera de todo esto, era realmente lo que quería en mi vida. Después de disfrutar en cabina y realizar mis propios eventos, todo derivó en montar la agencia en esos estudios de Paz&Records. Empezamos quizá sin mucha estrategia. No teníamos los suficientes conocimientos del campo de management y eran tiempos muy diferentes a los de ahora, pero pasión y ganas no nos faltaban y contactos tampoco, porque realmente había trabajado muchos años compartiendo cabina o realizando contrataciones para artistas como Dave Clarke, Ben Sims o Octave One entre otros. Los artistas que realmente empezaron en Dual Booking fueron con quienes tenía una cierta amistad de antes, Tim Baker nuestro padrino, Dejan Milicevic, Mark Williams e incluso tú fuisteis parte importante de esta familia. Más adelante decidí que nos tendríamos que dar a conocer por una sola idea, sólida y común a todos los artistas, y decidí trabajar con la música que más me llegaba a mis raíces y principios, y ese era el techno, con lo que empecé danzando en mi primera fiesta y viendo al gran Jeff, y hasta ahora manteniendo vivos nombres de la importancia de Jay Denham o Dylan Drazen. Hubo un momento muy importante y clave en mi carrera, que fue lo que realmente marcó un antes y un después en el planteamiento y desarrollo de Dual Booking. Fue cuando viví la experiencia de ver a unos de mis artistas tocar en el mismísimo Berghain de Berlín, a Jay Denham. Ahí supe que lo único que quería hacer exclusivamente era techno. A día de hoy, Dual Booking lo conforman los que tranquilamente podían ser partícipes de un all stars en baloncesto, o modestamente, eso es lo que me parece a mí. Y no es porque sea mi equipo, pienso que tan solo mencionar artistas como Dj Pepo, David Meiser, Du´art, Candy Cox, Mauro Picotto, Dylan Drazen o Filterheadz dicen mucho de la identidad del grupo, sin olvidarnos a la gente de la casa como Jesús de Minguela o Marha Dizzys que aún les queda mucho que decir. No quiero olvidarme de mencionar a Goncalo M, Eric Fetcher, Joanna Coelho, Kuroi, Max Durante, Ayako Mori, Bijohng o la última incorporación Lander B. Todos conforman esta gran familia.

EEntre todo lo que haces, también sois sello con Paz&Rec y gestionas otros tantos más como es el caso de SYNTHESIS, de nuestro querido DJ Pepo. Cuéntanos como lo gestionáis todo, qué artistas destacas y qué es lo próximo que está por venir

Ahora mismo Paz&rec lo tenemos parado y centrándonos en el label de Pepo Synthesis Records, donde han sacado referencias artistas de la talla de Ben Sims o Goncalo M, entre otros. Ahora mismo estamos centrados en elaborar el label de Dual, el cual estamos preparando para su próximo lanzamiento después del verano.

FPor último, sé que tu vida es una locura. ¿Puedes compartirnos alguna afición o pasión personal fuera del ámbito musical que te ayude a mantener el equilibrio en tu vida diaria?

La verdad es que estos dos últimos años han habido muchos cambios. Ahora mismo también estoy volviendo a realizar mis propias sesiones de DJ set, que las había dejado apartadas un tiempo. Mi hija, sin lugar alguna, es la balanza perfecta. También lo es disfrutar de la música desde un siguiente nivel, donde ves y escuchas todo desde otro prisma diferente con tu familia.

WHEATS TRACKS 5

UNKNOWN ARTIST ‘A1 - Untitled #TELUM007’ [TELUM]

Esta canción ha estado sonando por ahí desde hace algunos años, definitivamente tiene más energía de after party que de un momento culminante... sin embargo, es una gran herramienta para mí para calmar mis sets y al mismo tiempo mantener una buena energía.

THE SYSTEM ‘You’re In My System (Kerri Chandler’s Atmospheric mix)’ [Ibadan]

No es una canción básica en mis sets, pero definitivamente es una que disfruto tocar de vez en cuando. Un disco atemporal producido por uno de mis héroes, Kerri Chandler.

WHEATS ‘SOUL CONTROL! feat. Luna Ash’ [BOX RED]

Mi último lanzamiento en mi propio llevo Box Red. ‘Soul Control’ lo produje junto a Luna Ash a principios de año y nunca falta en mis sets. He recibido mucho apoyo con este track de artistas como Marco Carola y Joseph Capriati.

JOHN TEJADA & JUSTIN MAXWELL ‘Mind Bend’ [Palette Recordings]

‘Mind Bend’ hace exactamente lo que dice en el título. Un track que me ha inspirado a crear el sonido por el que soy conocido. Un ritmo trippy, psicodélico, perfecto para la terraza del DC-10.

BASEMENT JAXX ‘Fly Life Xtra’ [Atlantic Jaxx]

Nunca aprecié del todo este disco hasta que lo escuché en Miami hace un par de años. Pinché en Solid Grooves en Space Miami y me quedé varias horas después de mi set. Luciano lo tocó y me voló la cabeza, sabía lo bueno que era el disco, pero tal vez no había tenido la oportunidad de escucharlo en condiciones hasta ese momento.

ELECTRÓNICA & ROLL

Autor: SERGIO BIFEIS

Desde un lugar de la Mancha cuyo nombre podemos recordar perfectamente, encontramos a David López. Un artista que lleva más de dos décadas de trabajo incansable por y para la música electrónica. Bajo el alias Lopezhouse comenzó a pinchar por su tierra intentando hacerse un hueco primero en la escena local, como hemos hecho todos, para luego dar un salto a un nivel más nacional. La producción siempre ha estado en su punto de mira desarrollando un sonido en el que, quizás, sería muy atrevido definirlo como house en el estilo más canónico posible, porque su gusto personal fue más por terrenos melódicos con influencias de los 80 y 90.

Hace una década se unió al proyecto Carlos Cruz y, buscando nuevas paletas sonoras, hizo que su suerte comenzara a cambiar con publicaciones en sellos como Dirtybird, Exploited, Suara o Sincopat. Entonces John Digweed llamó a la puerta para editar en Bedrock. Sí, desde Valdepeñas al sello del icono de Hastings, el rey del progressive-house junto a Sasha. Un giro de guión de las mejores películas para posicionarse como un creador a tener en cuenta en el ámbito internacional. Su manera de entender la música más melódica había encontrado un espacio propio.

El mismo Digweed les propuso hace un par de años estrenarse en Bedrock con un trabajo de larga duración titulado Apollo donde dieron una sorprendente campanada implementando el krautrock en un disco ideado más para escuchar y relajarse. Una capacidad innata para profundizar más allá del baile y explorar otros territorios dejando prendada a la prensa especializada de nuestro país.

CONQUISTADOR

Ahora López vuela en solitario de nuevo, pero con su historia de amor inalterable en el popular sello británico que más ha apostado por su música. Ha publicado su séptimo trabajo, Oscillations EP, en la exigente casa de Digweed para posicionarle como una de las figuras más importantes de los sonidos proggry o melodic techno. Producciones que son pinchadas por Solomun, Guy Mantzur, Hernan Cattaneo, Sasha Carassi, Khen y Monika Kruse entre otros.

Hablamos de tres cortes en los que permanece fiel a su esencia pistera, porque hace música tanto para bailar como para sentir, pero abierto a nuevos terrenos con el kraut de lo 70, el synth-pop de lo

80 y hasta el big beat de los 90 incorporándose a su espectro sonoro. A eso se le une que como DJ quiere ofrecer algo más generando un espectáculo híbrido entre el DJ set y el formato live. No renuncia a tener cacharros en la cabina.

Un trabajo que ve recompensado este mismo mes de julio iniciando su propia gira por Argentina y Chile, el lugar donde más fervientemente se disfruta del progressive-house y el melodic techno. Bueno Aires, San Luis, Mar de Plata, Santiago o Viedma acogerán a este conquistador melódico que ha construido una trayectoria en la que ha permanecido fiel a sí mismo más allá de modas. Al final, el trabajo siempre paga con todo el verano por delante.

MELANIE RIBBE

Autora: PATRICIA PAREJA CASALÍ

¿Qué track te recuerda a tu infancia? Como crecí principalmente en Jamaica, en mi infancia hubo mucha música reggae, como por ejemplo Bob Marley. Pero sí me viene a la mente una canción en concreto: Fine Young Cannibals - She Drives Me Crazy.

¿El primer disco que compraste? Loco Dice - Phat Dope Shit.

ESCANEA EL QR Y DESCUBRE LAS PRÓXIMAS FECHAS DE MELANIE RIBBE

¿Qué canción hubieras deseado producir? Reboot - Caminando.

¿Qué canción te pone sentimental? Andhim - Hausch.

¿Algún disco que estés escuchando? Todos los álbumes de Drake.

¿A qué disco de tu colección le guardas más aprecio?

Armin Van Helden - I Want Your Soul.

¿Cuál es tu canción favorita de todos los tiempos?

Laurent Garnier - Crispy Bacon.

Mi Ciudad - Londres

Henri Bergmann

Fotografía: Studio Siebrecht Photography Zürich

Este lugar tiene algo especial. Solía ir allí cuando era adolescente y ver actuar a bandas de rock independiente. Es un antiguo teatro con opulentas plateas escalonadas de color rojo oscuro a los lados desde donde se pueden ver las actuaciones. Fue remodelado hace un par de años y desde entonces la programación de música electrónica ha sido impecable.

Solía vivir en Los Ángeles, donde sueles quedar para hacer senderismo o surfear, mientras que en Londres todo gira en torno a ir al pub. The Cow es básicamente mi local elegante donde sirven su famoso guiso de pescado y ostras.

Estoy obsesionada con la comida asiática, especialmente los mochis, el matcha y el dim sum. TSUJIRI en Chinatown tiene este café que sirve helado de matcha suave con pasta de frijoles rojos y bolas de mochi. Es otro nivel. Y está a la vuelta de la esquina de las tiendas de sintetizadores de Denmark Street y de las tiendas de discos del Soho.

Puedes coger botes a pedales a lo largo del lago en las raras ocasiones en que hace buen tiempo, también es fantástico simplemente caminar por el parque y hay un museo en medio de Serpentine. Acabo de ir a ver la exposición de Judy Chicago allí.

China Town

The Serpentine

Koko

The Cow

TENDE

ONÍRICA ()

Autora:

Helena Bricio

Como ya te contamos en Tendencias de ediciones pasadas de DJ Mag ES, el Centro de Experiencias Artísticas Pozu Santa Bárbara de Mieres se está posicionando como un espacio donde los medios electrónicos y audiovisuales convergen en el norte de España. En esta entrega de Tendencias te traemos una nueva instalación audiovisual recién inaugurada que podrás ver hasta finales de julio.

El Pozu Santa Bárbara (PZSB) es el primer pozo minero declarado con la máxima categoría de protección patrimonial en España, siendo catalogado desde el año 2008 como Bien de Interés Cultural, BIC. Está ubicado en La Rebaldana, Turón, en el concejo de Mieres y fue en 2021 cuando comenzó su transformación para convertirse en un centro de referencia de intervenciones artísticas contemporáneas. Este año ha acogido a artistas locales e internacionales como Anthony McCall, Herminio, Regine Schumann y, recientemente a Andy Thomas y su proyecto Visual Bird Sounds.

El Centro de Experiencias Artísticas Pozu Santa Bárbara de Mieres en Asturias exhibe ahora una instalación audiovisual creada por el estudio de arte italiano fuse* bajo el título Onírica (). En esta muestra impulsada por la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Mieres, se materializa en imágenes en movimiento los sueños de miles de personas mediante el uso de inteligencia artificial. Tal y como sucedió con el proyecto Visual Bird Sounds de Andy Thomas, el comisariado de Onírica () también corre a manos de L.E.V. (Laboratorio de Electrónica Visual), y la dirección artística del estudio de arte italiano fuse*: Onírico (). fuse* es un estudio de arte multidisciplinar que investiga las posibilidades expresivas de las tecnologías emergentes, con el objetivo de interpretar la complejidad de los fenómenos humanos, sociales y

naturales. Desde sus orígenes, la investigación del estudio ha tenido como objetivo principal la creación de instalaciones multimedia y performances, producidas con el objetivo de explorar los límites entre diferentes disciplinas en busca de nuevas conexiones entre luz, espacio, sonido y movimiento.

Luca Camellini y Mattia Carretti son los actores detrás de la fundación de fuse*, y el estudio ha ido evolucionado a lo largo de los años. En este momento se encuentra abordando la creación de nuevos proyectos con un enfoque cada vez más holístico, basándose en un modus operandi que valora la experimentación pura y la creatividad colectiva. Su intención es crear obras capaces de inspirar, poner en suspensión lo ordinario y estimular el pensamiento, la sensibilidad y la imaginación. fuse* ha presentado sus obras y producciones internacionalmente a lo largo de los años en instituciones de arte y festivales como Mutek, TodaysArt, Sónar, Artechouse, Museo Nacional de China, Bienal de STRP, RomaEuropa, Kikk, Scopitone, INOTA Festival, Hong Kong Design Institute, CUBO o el Palazzo Cipolla. Además, son coproductores desde 2016 del festival de música electrónica y artes digitales NODE, que desde 2008, el festival se ha presentado como un acontecimiento cultural caracterizado por la alta calidad de su programación artística, y siempre ha sido una fecha indispensable y esperada de reflexión sobre las prácticas contemporáneas en el arte digital, así como un lugar de encuentro e intercambio para un público de entusiastas en constante crecimiento.

A pesar de ello, NODE siempre se ha concebido como un festival inclusivo, extendido y destinado a todos los ciudadanos, con una dimensión nacional e internacional, pero también extremadamente

NCIAS

arraigado en la ciudad. Una característica significativa del festival, especialmente en las últimas ediciones, ha sido el deseo de utilizar lugares poco conocidos de Módena como sedes del festival, o lugares devueltos a la ciudad tras largos procesos de regeneración urbana. Una elección derivada precisamente del deseo de aprovechar el potencial agregativo y de resonancia mediática de NODE para valorizar y dar nueva vida o nuevos usos a edificios a veces descuidados u olvidados de la ciudad.

Onírica () explora la dimensión de los sueños, interpretando mediante lenguajes sintéticos la capacidad creativa de la mente humana mientras duerme. Mediante el uso de algoritmos capaces de traducir textos en imágenes, la instalación lleva al terreno de lo visible nuestros relatos nocturnos, planteando nuevas reflexiones en torno a la relación entre el ser humano y la máquina, entre la herramienta y el creador. Esta obra de arte transforma los sueños de los voluntarios que participaron en diferentes sesiones de investigación en una experiencia colectiva conducida por la Universidad de Bolonia y la Universidad de California Santa Cruz. A partir de una selección de 28.748 sueños, las tramas de esta obra se fusionan como una serie de cortometrajes, rastreando la cadencia real de los sueños que ocurren durante la noche en sus distintas fases REM y NREM.

Las secuencias visuales son generadas artificialmente por un sistema de aprendizaje automático que transforma las descripciones de los sueños en alucinaciones visuales posteriores que dan vida distintos personajes, objetos y paisajes que se van mostrando. Los humanos y la inteligencia artificial colaboran estrechamente en esta obra para crear un flujo continuo de conciencia sintética, sin que la máquina tenga control sobre las historias o las decisiones: aunque la máquina propone infinitas traducciones posibles de las historias en imágenes y voces, no posee ningún tipo de capacidad de decisión.

La instalación audiovisual acentúa la tensión creada por la interpretación y traducción de una experiencia puramente humana, el

sueño, a través de los ojos de las nuevas tecnologías. Situándose dentro de un debate ético cada vez más relevante, la obra pretende abordar desde un punto de vista inédito y exploratorio la relación entre la sensibilidad estrictamente humana y la capacidad creativa de los sistemas de inteligencia artificial, buscando descubrir sus potencialidades y limitaciones, y generar en el espectador un pensamiento crítico y consciente sobre el posible impacto de estas tecnologías en la sociedad y en la percepción de nosotros mismos.

La muestra abarcará todo el espacio de la antigua Sala de Compresores del Pozu Santa Bárbara e incluirá, además de la instalación inmersiva, elementos exclusivos nunca expuestos junto al proyecto. En concreto, una serie de grabados sobre plexiglás y una pantalla interactiva en la que se podrán explorar los bancos de sueños en los que se basa la obra. Se podrá visitar hasta el 28 de julio en horario de 16:00 a 21:00 de martes a viernes y sábados, domingos y festivos de 10:00 a 14:00 h. y de 16:30 a 21:00 h. La entrada es gratuita.

Fotografía: UC studio

CÓMO PRODUZCO

VITO >2024

VITO

Cuando emprendí mi camino como VITO (UK), quería un nombre que encarnara la vibrante energía y vida que la música aporta a una fiesta. Esta conexión personal ha guiado mi proceso creativo y ha moldeado mi sonido distintivo.

En la escena musical actual, tener un sonido reconocible es crucial. En el momento en que alguien escucha una pista y piensa inmediatamente: "esa es una pista de VITO (UK)", sabes que has creado un nicho. Esta singularidad es esencial para diferenciarse y dejar una huella duradera en el público.

Desde que empecé a dedicarme a tiempo completo a la música, he perfeccionado mi arte y mi sonido. El próximo mes de noviembre hará cinco años desde que me comprometí plenamente con la marca VITO (UK). Antes de eso, experimenté con varios géneros, ampliando mi conocimiento musical. Para los recién llegados, mi consejo es divertirse y explorar diferentes estilos: esto enriquecerá vuestra comprensión y creatividad.

Para mi último lanzamiento, ‘Sin Miedo’ en Whippin Records, preparé un track con una energía veraniega que resonara con la base de fans latinos. Mi proceso de producción comienza cargando mi DAW y utilizando una plantilla personalizada, lo que ahorra tiempo y mantiene mi flujo de trabajo eficiente. Empiezo con el bombo, seguido de la programación de los tambores para crear la energía. Una vez que los tambores están en su lugar, añado un hook pegadizo con una vocal latina. Al hacer coincidir los tambores con la clave vocal, creo una línea de bajo profunda y rítmica usando Vacuum Pro, uno de mis plugins favoritos.

A partir de ahí, construyo las melodías: sintetizadores, acordes, pads e instrumentos. Un sintetizador a contratiempo añade swing, mejorando el groove. Una muestra de guitarra genial solidifica la vibra veraniega. Una vez que el arreglo está delineado, me sumerjo en el proceso: EQ, compresión, delays, reverbs y compresión dinámica, perfeccionando la mezcla para ese sonido ideal de club. Este proceso meticuloso es mi plan para cada pista, aunque lo adapto para ediciones específicas o piezas lideradas por vocales.

Producir música es mi pasión y una forma de escape mental. Me permite canalizar mis emociones en pistas significativas, muchas de las cuales son profundamente personales. Mi rango de tempo preferido es de 127-131 BPM, influenciado por mi amor por el UK garage. Los ritmos enérgicos de este género son una característica distintiva de mi estilo.

En los últimos cinco años he lanzado numerosas pistas, pero un momento destacado fue mi primer lanzamiento en Boogeyman con el EP Je Suis el 15 de marzo de 2024. Este fue un hito por el que trabajé durante dos años, y lograrlo en mis inicios fue increíblemente gratificante. Este éxito allanó el camino para otro lanzamiento próximo en Boogeyman

Para los que aspiran a ser productores, mi consejo es ser paciente y dedicado. Explora diferentes géneros, establece metas anuales y encuentra un sonido único que te diferencie. Abraza tu marca con una imagen distintiva y, lo más importante, haz la música que más te guste.

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CÓMO PRODUZCO

KUNGS >2024

KUNGS

Diría que el 90% de mi proceso creativo implica explorar pistas de todo tipo, estilos y épocas. Paso días enteros escuchando música, sumergiéndome en el vasto océano de sonidos que abarcan décadas y géneros. Esta exploración es esencial para mi trabajo, ya que me permite absorber diversas influencias y descubrir joyas ocultas que encienden la inspiración. Desde house hasta disco, y desde soul hasta funk, cada género ofrece un sabor único que enriquece mi paleta creativa. Este método de exponerme constantemente a diferentes estilos musicales me ayuda a innovar y a empujar los límites de mi propio sonido.

Para mi pista ‘Please Be Mine’, este proceso no fue diferente. Un día, mientras revisaba viejos discos, me encontré con ‘Be My Babe’ del grupo Slave. Esta pista, que es de 1983, captó inmediatamente mi atención. Su ritmo y melodía tenían una calidad atemporal, y sentí una conexión instantánea con su vibra. Sabía que tenía que incorporarla a mi trabajo de alguna manera. El desafío, sin embargo, era transformarla en algo fresco y contemporáneo. Decidí cortar la muestra y hacerla más bailable y fragmentada. Este enfoque me permitió retener la esencia del original mientras le infundía una nueva energía que resonaría con los oyentes de hoy.

En enero, mi viaje creativo tomó un giro emocionante cuando viajé a Londres. Durante mi estancia, tuve la oportunidad de conocer a DJ Seinfeld, un artista cuyo trabajo admiro profundamente. Nuestro encuentro fue serendipioso, y rápidamente descubrimos que compartíamos una pasión mutua por el muestreo y la exploración de viejos discos. Decidimos pasar dos días en el estudio juntos, una decisión que resultó ser increíblemente fructífera.

El primer día, le puse la demo que había empezado con la muestra de 'Be My Babe'. Su reacción fue inmediata y entusiasta. DJ Seinfeld, conocido por su sonido único que mezcla profundidad emocional con ritmos vibrantes, vio potencial en la pista y estaba ansioso por hacer su aportación. Añadió su toque, incorporando sus característicos tambores e infundiendo su energía distintiva a la pieza. La colaboración fue fluida; nuestras ideas fluían naturalmente y construimos sobre la creatividad del otro.

Trabajar con DJ Seinfeld fue un sueño hecho realidad para mí. Siempre he admirado su habilidad para crear pistas que evocan emociones profundas mientras siguen siendo increíblemente bailables. Su aporte fue invaluable y aportó una perspectiva fresca que elevó la pista a un nuevo nivel. La sinergia entre nosotros era palpable y fue emocionante ver cómo nuestros esfuerzos combinados transformaron la demo inicial en algo realmente especial.

Nuestras sesiones de estudio fueron intensas pero estimulantes. Experimentamos con diferentes sonidos, superpusimos varios elementos y ajustamos constantemente la mezcla hasta lograr el resultado deseado. El proceso fue una mezcla de atención meticulosa al detalle y ráfagas espontáneas de creatividad. Nos motivaba una visión compartida de crear una pista que resonara con los oyentes tanto a nivel emocional como físico.

La experiencia de colaborar con DJ Seinfeld no solo enriqueció la pista, sino que también profundizó mi aprecio por el proceso colaborativo en la música. Reforzó la idea de que la música es una forma de arte comunitaria y que trabajar con otros artistas puede llevar a resultados inesperados y bonitos. La fusión de nuestros estilos creó una pista que fue más grande que la suma de sus partes, reflejando las fortalezas e influencias de ambos.

En última instancia, 'Please Be Mine' es un testimonio del poder de la colaboración y de la importancia de estar abierto a nuevas influencias e ideas. Es una pista nacida de un profundo respeto por la historia musical y el deseo de avanzar hacia nuevos territorios creativos. Mi viaje a través de diferentes épocas y géneros, combinado con las invaluables contribuciones de DJ Seinfeld, resultó en una pieza de música de la cual me siento inmensamente orgulloso. Es un recordatorio de que la inspiración puede surgir de cualquier lugar y las mejores creaciones a menudo emergen cuando abrazamos lo inesperado y permitimos que nuestras influencias nos guíen hacia nuevos horizontes.

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EUPHORIC HARMONIES

PROFESSIONAL 4-CHANNEL ROTARY MIXER

Digital Clarity meets Analog Warmth

Euphoric sound with the clarity of digital and the richness of analog that’s never been heard from a DJ mixer before

Rupert Neve Designs transformer

Co-designed transformer adds harmonics to the music and creates a glossy and energetic sound

Specially developed rotary fader

Comfortable grip, perfect size, elastomer on the outer circumference, and innovative optimum weighting

Energy Visualizer

Needle meters show levels for all channels, and Spectrum Analyzer shows Master Output balance

Next-gen 3 Band Master Isolator

Perfectly balanced torque load, natural cut-off and slope, and new Boost features

Built-in Send FX

Built-in spatial effects: Delay, Tape Echo, Echo Verb, Reverb, Shimmer, and HPF. There’s also a Send/Return section

(GAMEBOYZ, LUIS V PR, COMO LAS GRECAS)

¡VERANO

DE ESCÁNDALO!

Estoy muy contento de anunciar que en breves se publicará un disco muy importante y personal para mi, pero por ahora, solo te quiero avisar de que este mes de julio tenemos a dos grandes figuras de la electrónica internacional en clave techno, Clif Jack y Rosbeh. Así como el último disco de Leonor publicado en Melómana Records, Time EP. Venga, sin más, ¡vamos a por ello!

LEONOR – TIME

Reconstruyendo el indie dance desde México Melómana Records

Oscar es uno de los DJs y productores más actuales de la escena mexicana, aunque reside en París, no para de trabajar con otros paisanos y lanzar interesantes discos como el que os traigo hoy aquí. Time es su nuevo EP de cinco canciones, entre las que se encuentran las remezclas del mexicano Diskontrol y Gameboyz. Si el indie dance trata de sintetizadores y guitarras, aquí tienes un claro ejemplo de ello.

TRACKLIST

01. TIME (ORIGINAL MIX)

02. TIME (GAMEBOYZ REMIX)

03. EDUCATE (ORIGINAL MIX)

04. EDUCATE (DISKONTROL REMIX)

05. THE PRINCE OF WATSU (ORIGINAL MIX)

CLIF JACK – SILENZIO FOLLIA

El techno italiano que te falta por descubrir

MJA

El DJ y productor italiano Clif Jack acaba de publicar su nuevo disco en MJA the Vision, la etiqueta que maneja desde el 2023 y donde publican un interesante abanico de jóvenes productores de techno. Hablamos con él para profundizar un poco más en su carrera y que nos cuente alguna novedad.

Hola Clif Jack, un placer tenerte en el Rincón. Acabas de publicar Silenzio Follia, conformado por 2 originales de techno muy sólidos. ¿Qué puedes contarnos sobre la inspiración detrás de tu último EP Silenzio Follia, y cómo surgió la pista principal?

Silenzio Follia nació de mi deseo de crear breaks y drops para que hicieran explotar la pista de baile. Mientras trabajaba en la canción, estaba hablando con mi ingeniero de sonido sobre la mezcla. Por accidente, dejamos un canal abierto y grabamos mi voz diciendo: 'quiero un momento de completo silencio' y luego un reinicio que haga enloquecer a la multitud. Repetía, 'Silenzio e follia, silenzio e follia', y nos dimos cuenta de que había un canal abierto grabando todo esto. Eso me dio la idea de añadir algunas palabras y combinarlas con algunos sonidos para crear la pista, que naturalmente se convirtió en 'Silenzio Follia'. El resultado fue perfecto.

Eres DJ y además produces música pero, ¿podrías describir tu proceso de producción y cómo abordas tu creaciones?

Mi enfoque para la producción musical no está confinado a un estilo específico; prefiero explorar ideas que me inspiren y quizás difieran de las pistas que he creado antes. Tengo una fuerte afinidad por los sonidos oscuros e industriales, siempre son un elemento básico en mi trabajo. Sin embargo, el objetivo final de mi música es siempre evocar una sensación de euforia en la pista de baile.

¿Qué proyectos o lanzamientos próximos pueden esperar tus fans en 2024, tanto de tu sello MJA the Vision como de otras etiquetas con las que estás trabajando?

2024 se perfila como un gran año para mí. Estoy trabajando en tres colaboraciones para MJA the Vision: una con Luca Morris, otra con Vikthor y una con Shay De Castro, que definitivamente presentaré este invierno. En julio lanzaré el próximo EP en MJA the Vision, que es de Nico Cabeza. Este junio, junto con el lanzamiento de Silenzio Follia, también lanzaré un EP de techno llamado Perfect Collusion en el sello de Simina Grigoriu, Kuukou, que saldrá el 28 de junio. Después del verano, lanzaré un proyecto en colaboración con una cantante de Londres llamada Silke, que saldrá en el sello discográfico de Balthazar & JackRock, Renesanz Records.

Recientemente lanzaste tu propio sello discográfico, MJA the Vision. ¿Qué te motivó a iniciar este sello y cuál es tu visión para su futuro?

Durante muchos años he querido iniciar mi propio proyecto asociado a la música. El nombre 'MJA the Vision' tiene un significado significativo para mí. Proviene del adjetivo posesivo italiano 'Mio' (que significa

the Vision

'mi') combinado con la 'J' de mi nombre, Jack, y 'The Vision', resultando como 'La Visión de Jack'. Con este proyecto, busco lanzar música de artistas con los que me conecto y crear eventos que permitan a artistas de diversos campos –música, artes visuales, gráficos, video y diseño de luces– expresarse. Mi visión para el futuro es expandir gradualmente este proyecto a nivel mundial y colaborar con artistas que compartan mi energía y visión para el mundo del techno. Por ejemplo, estoy muy feliz de anunciar una colaboración con el club E1 en Londres (Reino Unido), que tendrá lugar el 24 de agosto.

Has lanzado música en varios sellos prestigiosos, incluyendo Filth on Acid de Reinier Zonneveld y TREGAMBE de Juliet Fox. ¿Cuál ha sido tu lanzamiento más gratificante hasta la fecha y por qué?

La pista 'Somewhere' en Filth on Acid fue particularmente gratificante para mí, ya que recibió el apoyo de muchos artistas en festivales importantes, como Adam Beyer en Awakenings y Juliet Fox en Ultra. Es una pista que siempre toco en mis sets, porque siempre resuena muy bien tanto conmigo como con el público.

Tus series de eventos, como Spirit, han ganado una gran popularidad. ¿Cómo curas estos eventos y qué los hace únicos?

Me siento muy involucrado en estos eventos porque se realizan en mi ciudad natal y porque colaboro con muchas personas profesionales para siempre lograr el mejor resultado. Me importan algunos aspectos significativos de cada fiesta musical en la que estoy involucrado. Fiestas como el formato 'Spirit' han crecido mucho, y este verano, nuestra albergará eventos fantásticos con artistas como Adam Beyer, Mathame, Ilario Alicante, Massano, Loco Dice, Anna Tur, Armonica y yo mismo.

Tu sonido es reconocido por su vibra de techno oscuro y profundamente underground. ¿Cómo desarrollaste este estilo distintivo?

A lo largo de los años mi sonido ha evolucionado, pero siempre mantengo la esencia distintiva de mis tonos oscuros e industriales, caracterizados por sonidos minimal y sintetizadores profundos. Comencé a refinar mi estilo de DJ en 2005 durante la era de la música minimalista, y desde entonces, he pasado por deep house, tech house, techno melódico y techno. A pesar de estas evoluciones de género y BPM, mantengo un hilo oscuro que une todo, representando mi identidad y trasfondo musical.

Has sido DJ residente en clubes prominentes como Il Muretto y has actuado junto a leyendas como Derrick May y Amelie Lens. ¿Cómo han influido estas experiencias en tu carrera?

Ha pasado un tiempo desde esa fecha, pero significó un paso muy importante en mi carrera, porque fue la primera vez que toqué en un gran escenario. A través del evento, tuve la oportunidad de tocar con personas que van desde Derrick May hasta Amelie Lens. Esto me dio la motivación adecuada para continuar mi carrera y querer más de mí mismo, ya que la música es mi vida, y amo compartir mi sonido con los demás.

ROSBEH

Cuando la música toca tu vida Good Company Records

El pianista, compositor y artista electrónico Rosbeh nos deleita con un interesante álbum de doce preciosas canciones, Fortunate Day, publicado en la etiqueta londinense Good Company Records. El galardonado pianista medio iraní-alemán con base en Ibiza nos habla de las cálidas y melódicas notas de Fortunate Day.

¡Muchas felicidades por tu álbum debut, Rosbeh! Acabas de lanzar Fortunate en Good Company. ¿Puedes hablarnos sobre el viaje desde tu primer EP Journey In My Head en 2017 hasta este álbum?

¡Muchas Gracias Kali! Recuerdo cuando tenía 20 años y estaba en la universidad, tratando de descubrir cómo convertirme en un "artista", ya que nunca había lanzado música. Así que auto-edité mi primer EP y con los años, he estado aprendiendo constantemente, sobre todo, y lo más importante, sobre mí mismo: quién quiero ser y qué mensaje quiero difundir. Aprendí que puedes aprender de todo y que es posible alcanzar cualquier meta si tienes la pasión detrás. Esto no significa que todo sea siempre fácil; la lucha interna permanece. Pero a largo plazo, te agradecerás a ti mismo haber seguido tu pasión. He estado en Ibiza durante los últimos dos años, y mi álbum refleja mis emociones ligadas a eventos y situaciones específicas. Ahora entiendo que siempre fui un artista, y que ningún éxito específico puede hacerme más o menos valioso como músico y ser humano.

Como productor iraní-alemán y pianista con formación clásica radicado en Ibiza, ¿cómo integras estas diversas influencias culturales y musicales en tu paisaje sonoro electrónico?

Siempre intento expresarme de nuevas formas, explorando diferentes sonidos que me inspiran. A lo largo de mi vida, nunca he sabido cómo hago las cosas, pero confío en lo que me gusta, y ha funcionado hasta ahora. Hacer música y crear arte es un proceso intuitivo de juntar cosas hasta que el artista esté satisfecho con el resultado. Al combinar lo que sé y amo, creo mi música. Amo la música electrónica, amo la música para piano, y, por supuesto, todo en la vida me afecta de una manera que moldea mi percepción del mundo, influyendo en cómo hago música. Pero honestamente, no tengo idea de cómo hago algo, simplemente lo hago.

Con más de 30 millones de reproducciones en Spotify y sabiendo la importancia de esto para los artistas de hoy en día, ¿cómo ha sido tu experiencia al pasar de autoeditar y autopromocionar a trabajar con un sello discográfico tan potente?

No podría haber sido una experiencia más hermosa. Me sentía cansado después de hacer todo por mi cuenta durante los últimos siete años: hacer música, planificar lanzamientos, crear contenido, editar todo yo mismo, todo sin presupuesto. Después de conocer a todo el equipo detrás de Good Company Records, me sentí cómodo y amado. Sobre todo, me sentí agradecido. Hay todo un equipo confiando en mí y trabajando arduamente para que todo esto suceda. Un gran agradecimiento a este hermoso equipo y familia.

Tu música abarca diferentes géneros musicales como son la música clásica o el techno, pero también el ambient y los breaks, con elementos de tu herencia persa en todo. ¿Puedes compartir más sobre tu proceso creativo y cómo incorporas estos diversos estilos en tus composiciones?

Como mencioné antes, no tengo una idea clara de cómo hago las cosas, pero no me gusta encasillarme, y estoy seguro de que no soy el único artista que se siente así. No sería feliz si me obligara a hacer música en un solo género. Más importante aún, los estilos y géneros que tenemos se nombran después de que la gente hizo el arte. Entonces, en primer lugar, es el artista haciendo música, y después lo llamamos un cierto género. Es lo mismo conmigo: la única premisa que tengo para mí es estar feliz y satisfecho con lo que creo. A veces estoy satisfecho creando canciones ambient, a veces es música clásica, a veces es Drum and Bass. No me enfoco en el género que hago; sigo lo que complace a mis oídos. Y esto variará hasta el final de mi vida. Tengo curiosidad por saber qué tipo de música estaré haciendo en 5 o 10 años.

Comenzaste a tocar el piano a los 6 años y a componer a los 14. ¿Cómo han moldeado estas primeras experiencias musicales tu enfoque para producir música electrónica, y qué esperas que los oyentes se lleven de Fortunate Day?

Ha moldeado mi enfoque para producir música electrónica de una manera tan fundamental que a veces desearía poder abordarlo de manera diferente. Al venir de un trasfondo de aprender piano, mi mente está constantemente pensando en términos de armonías, melodías y progresiones de acordes. Es asombroso, no me malinterpretes, pero siento que una vez que seguimos un patrón o creemos que "sabemos" cosas, tendemos a ser menos creativos y menos inclinados a pensar fuera de la caja. Me encantaría experimentar más y liberarme de lo que he aprendido. Espero acercar a cada oyente a lo que ama de sí mismo. Con el viaje que he recorrido, quiero inspirar a otros y mostrar que no hay límite para tus metas. Experimentaremos dolor, felicidad y todas estas emociones a lo largo de nuestras vidas, tenemos que aceptar lo inevitable. Al amarnos a nosotros mismos y ser nuestros verdaderos, auténticos yo, podemos ser una luz para los demás. Solo deseo que todos tengan un Fortunate Day, y realmente espero que todos conquisten sus batallas internas para ayudar a hacer de este mundo un lugar mejor.

Por último, ¿puedes compartir alguna noticia emocionante o proyectos próximos para 2024 que tus fans deban esperar?

Nada está escrito en piedra todavía, pero más de todo lo que hago. Más música, más shows; estoy trabajando en crear un set en vivo. Quiero presentar mi música en el escenario con vocalistas, mis sintetizadores y más elementos musicales.

LA VOZ DE LA INDUSTRIA ANDRES MATU

DOS

DÉCADAS DISEÑANDO PARA LA INDUSTRIA MUSICAL

Autora: Caterina Günther

En la música electrónica, la identidad visual de los eventos y las marcas es casi tan crucial como la propia música y los line ups. Andres Matu, distinguido diseñador gráfico de Barcelona, tiene una gran experiencia en la creación de estos icónicos elementos visuales, habiéndose forjado una gran reputación por sus diseños innovadores que definen el aspecto y la energía de grandes eventos y discotecas locales.

Nacido el 8 de noviembre de 1983 en Colombia, Andres Guacheta Bermúdez, conocido profesionalmente como Matu, descubrió muy pronto su pasión por las artes gráficas, la publicidad y la música electrónica. A los 20 años se trasladó a España para estudiar en el IED, Instituto Europeo di Design. Su talento fue rápidamente reconocido cuando su tesis fue seleccionada para la campaña LA MERCÈ 2006 del Ayuntamiento de Barcelona, marcando un hito importante en su carrera. El interés de Matu por el diseño para eventos y DJs siempre ha sido uno de los ejes centrales de su trabajo. Al principio de su carrera, coleccionaba flyers de eventos, que eran una parte importante de la cultura nocturna de la época. Su primera oportunidad importante le llegó mientras trabajaba de relaciones públicas en Catwalk, un club de Barcelona. Su diseño para ‘Defected in the House’ tuvo tan buena acogida que fue contratado inmediatamente como diseñador permanente.

A lo largo de casi dos décadas, Matu ha trabajado para un amplio abanico de prestigiosos clubes y festivales, como Catwalk, Pacha Barcelona, Ushuaïa Ibiza, Space Ibiza, Fitz Madrid y muchos otros. Además, su amplia cartera también incluye colaboraciones con artistas de renombre como Richie Hawtin, Marco Carola, Paul Kalkbrenner, Fatboy Slim y Charlotte de Witte.

En la actualidad es director creativo de grandes salas como Pacha Barcelona, y es conocido por su capacidad para innovar y marcar tendencias en el sector. Sus diseños no solo satisfacen las demandas comerciales, sino que también amplían los límites de la expresión artística.

En esta entrevista exploramos la carrera de Matu, sus principales influencias y su proceso creativo, así como las herramientas que utiliza y las tendencias en diseño gráfico en la escena electrónica.

Matu, es un placer tenerte con nosotros. Seguro que puedes contarnos muchas cosas sobre estos dos mundos que tanto se necesitan el uno al otro. Primero de todo, ¿puedes hablarnos un poco de tu trayectoria?

Empecé en este mundo tan mágico con 21 años, justo después de terminar la universidad. El ambiente que se vivía en Barcelona era único, muchos la consideramos la etapa dorada donde se crearon muchas cosas que hoy en día disfrutamos. Todos éramos amigos, y una fiesta se componía de muchas partes: uno era el DJ, otro controlaba las luces, otro diseñaba, otro controlaba el sonido, y así sucesivamente. Era una gran fiesta y una gran comunidad artística donde había mucha pasión y camaradería, sin competencia y sin hablar de dinero. Todo se basaba en ser parte de algún colectivo o fiesta de la ciudad.

Empecé en Catwalk, trabajando como RRPP. Era algo así como el “promotor” de hoy en día, y coleccionaba flyers como parte de la cultura clubber de esos tiempos. Siempre pensaba que algún día haría uno yo mismo. Ese momento llegó con Defected in the House, y casi 20 años después, sigo dedicándome a lo mismo con la misma pasión, pero con más experiencia y madurez.

¿Qué te hizo inclinarte específicamente por la escena electrónica?

Me encantaba la fiesta (risas). Salía mucho y en la ciudad se respiraba música electrónica. Conocía a muchos DJs y sabía lo que querían. Estaba dentro de la onda, era como pertenecer al clan, y yo quería estar ahí.

¿Quién o qué ha influido más en tus diseños? ¿Quién es tu diseñador favorito de todos los tiempos?

Los diseñadores siempre buscamos las mejores referencias para nutrirnos y crear algo nuevo. Cuando empecé no existían las redes sociales, así que las ideas venían de los flyers que coleccionaba de otras ciudades y fiestas, revistas de música electrónica, y los covers de CDs o discos. Siempre he mantenido el ojo puesto en Ibiza para ver lo atrevido o no atrevido que puede gustar a nivel global. Mis diseñadores favoritos son Milton Glaser, con su famoso “I LOVE NY”, y David Carson, cuyo uso de collages y tipografías es impresionante.

¿Cuál es tu flyer favorito de todos los que has hecho?

¡Difícil pregunta! Hay muchos especiales y depende mucho de las circunstancias, el momento en que se hizo y para quién se hizo. Podría hacer un top 5.

Siempre me resulta especial diseñar para Richie Hawtin, quizás porque siempre he sido fan de él en todo y es un artista en toda regla. Otro en la lista podría ser la última vez que Erick Morillo visitó Barcelona; te quedas con el pensamiento de que no habrá más flyers de él en la ciudad.

También está el primer flyer que hice para Ushuaïa Ibiza, para 2manydjs. Fue una sensación similar a si yo hubiera sido futbolista y hubiera ido al mejor equipo, y me hubieran dicho "ahora sal a jugar".

Sales con ganas de meter un gol, y con ese flyer hice un gol de los buenos. ¡Gustó tanto que decidieron publicarlo en paradas de autobuses y vallas publicitarias en Ibiza!

Otro especial fue para Marco Carola. Hicimos 14 versiones y al final se decidió por la primera. Ese es muy especial. En definitiva, siempre será especial el primero, con el que empiezas todo, el que puede marcar un antes y un después.

Describe con 3 palabras tu estilo creativo (y a ti).

Artista, comunicador, polifacético.

¿Qué importancia tiene crear un estilo propio como diseñador? ¿Cómo lo compaginas con las necesidades de cada cliente o proyecto?

Es fundamental tener un estilo propio, pero también es esencial ser polifacético y adaptarse a los tiempos y a los clientes, siempre añadiendo tu toque personal. Me considero muy bueno en la composición, buscando siempre un equilibrio en cada pieza para impactar y comunicar de manera efectiva.

¿Escuchas música mientras diseñas? En caso afirmativo, ¿qué estilo de música escuchas mientras trabajas? ¿Cambia en función del proyecto en el que estés trabajando?

Sí, escuchar música es muy importante para mí. Depende del estado de ánimo y la intensidad del proyecto. Cuando necesito concentrarme, escucho Richie Hawtin – ‘DE9 | Transitions’. Generalmente, escucho a muchos artistas y a veces me distraigo viendo sus videos o covers. Puedo estar haciendo un artwork de techno y escuchar hip hop de los 90’s, es una locura, pero me funciona.

¿Qué programas y herramientas utilizas con más frecuencia en tu proceso de creación?

Realmente utilizo todos los programas según lo que necesite en cada proyecto. Sin embargo, el rey indiscutible para todos los diseñadores sigue siendo Photoshop. Hoy en día, Photoshop ofrece una amplia gama de herramientas que simplifican mucho el trabajo y te permiten crear de manera más rápida y efectiva.

En cuanto a Illustrator, ha evolucionado significativamente y se ha convertido en una excelente herramienta no solo para trabajos en 2D, sino también para efectos en 3D y manipulación avanzada de tipografías. Antes era necesario estudiar diversos efectos para crear cosas diferentes; ahora, saber ejecutar Illustrator es fundamental cuando se requiere su uso.

¿Qué tipo de encargo o proyecto te gusta más? ¿Cover arts para sellos discográficos, flyers para discotecas, logotipos para marcas,…?

Realmente disfruto todo tipo de proyectos, pero en este momento me inclino más hacia los covers para artistas. Estos proyectos permiten un diseño más reflexivo y meticuloso, creando piezas únicas con una estética menos comercial. Me recuerdan a los antiguos flyers, donde la parte gráfica tiene un valor central y marca un impacto significativo en la comunicación visual.

¿Cuáles son los ingredientes esenciales de un buen flyer para un evento?

Con mi experiencia en la industria, considero que lo más crucial es comprender a fondo las necesidades y expectativas del cliente, ya que cada uno es único en sus requerimientos. En términos generales, un buen flyer debe incluir una tipografía efectiva, texturas adecuadas, material gráfico innovador y una organización del espacio que sea clara y limpia, evitando la simplicidad excesiva pero asegurando que tenga un impacto inmediato.

En un mercado tan saturado de eventos, ¿qué estrategias utilizas para que tus diseños destaquen sobre los demás?

En realidad, creo que es beneficioso explorar lo que otros no hacen. Vivimos en un mundo de constantes tendencias y acceso rápido a través de las redes sociales. A menudo, pensamos que somos los primeros en inventar algo nuevo, y a veces sucede. En mi experiencia, sigo encontrando eficaz el enfoque tradicional, manteniendo la esencia de un flyer atractivo con el uso de tipografías sofisticadas y evitando saturar la composición con demasiados efectos. Hoy en día, la comercialización es crucial ya que los promotores y clubs invierten considerablemente en sus eventos. Esto nos obliga a adaptarnos, pero siempre manteniendo la coherencia con las necesidades del cliente y el mensaje que se quiere transmitir. La clave está en saber comunicar efectivamente, entendiendo claramente el público objetivo y aportando ese toque artístico distintivo que nos caracteriza.

¿De qué proyecto de tu portfolio estás más orgulloso y por qué?

Tengo muchos momentos especiales. A lo largo de los años, hay varios que destacan. Uno de ellos podría ser mi tesis en el IED. Ver mi proyecto final en las calles de Barcelona durante una gran fiesta cultural fue revelador y confirmó que este era mi camino. En el ámbito profesional, destacaría especialmente mis temporadas en Ushuaïa Ibiza. Es como la Fórmula 1 de la música electrónica, compitiendo y diseñando para los mejores artistas del mundo cuyos artworks se publican globalmente. Es una experiencia surrealista bajar del avión en Ibiza y ver a la gente haciéndose fotos con mis campañas de diseño.

¿Cuáles son tus principales responsabilidades como director creativo de Pacha Barcelona?

Dirigir a nivel gráfico una marca tan emblemática como Pacha Barcelona implica una responsabilidad significativa dentro de la industria. Al ser una marca reconocida, es crucial innovar constantemente, considerando todas sus fiestas y líneas musicales. Preservar la esencia de una marca pionera en la industria de las fiestas requiere una creatividad continua y una estrecha colaboración con los responsables comerciales y propietarios. Es fundamental mantener la atracción del público sin perder de vista el legado que representa, siendo conscientes de nuestra influencia como referencia incluso para nuestra “madre” en Ibiza.

Háblanos de los últimos flyers que has hecho para Pacha Barcelona y la marca de electrónica que se celebra cada domingo en el club, Sight. ¿Cada cuánto renuevas su imagen?

Sight es realmente nuestro orgullo en Pacha Barcelona, considerado la joya de la corona por todo el equipo comercial. Es una fiesta que ha surgido completamente de nuestra creatividad. Desde su nombre hasta su logo y línea gráfica, he estado involucrado en cada aspecto creativo. Recuerdo con cariño cómo definimos la esencia de Sight: debía ser algo artístico y limpio. Para la campaña de verano, nos inspiramos en el expresionismo abstracto, utilizando formas y colores que buscan captar un impacto visual único, al mismo tiempo que anuncian la presencia de grandes DJs de manera armoniosa tanto gráfica como comunicativamente.

En cuanto a la renovación de la imagen, jugamos con las estaciones y a veces nos encontramos con que las gráficas pasadas de Sight nos gustan más ahora que cuando las creamos, ¡es divertido ver esa evolución! Siempre evaluamos si funciona y si gusta, extendiendo las ideas que resuenen con la esencia y la filosofía de la marca para lograr los mejores resultados posibles. Evitamos repetirnos y buscamos constantemente nuevas ideas que mantengan fresca la identidad de Sight.

¿Tienes algún club o promotor europeo referente a nivel de diseño?

Lo cierto es que sí, hay muchos ejemplos que me inspiran. En ciertos momentos, me encantaba la estética de Fabric London; sus flyers y el ambiente del club eran realmente impresionantes. Cocoon también me fascinaba cuando tenía su residencia en Amnesia Ibiza; lograban capturar una atmósfera única. En Berlín hay varios clubs con gráficas increíbles, aunque algunas veces siento que solo funcionarían allí; aquí me tildarían de loco si intentara algo similar (risas).

Hï Ibiza y Ushuaïa Ibiza son siempre un gran referente; conozco al equipo creativo y cuando veo algo suyo, puedo identificar de quién vino la idea. En Barcelona, Checkpoint también me gusta mucho; conservan la esencia de la composición que crearon hace tiempo, pero se adaptan brillantemente a los tiempos actuales. Cuidan meticulosamente su estética y están innovando constantemente.

¿Qué es lo que más te gusta de hacer flyers?

¡Cobrar! (Risas). Bromas aparte, es increíble saber que tu trabajo tiene un impacto tan grande en la comunicación de un club o de artistas reconocidos. Mucha gente va a ver y compartir lo que diseñamos. Ser la cara visible de estos grandes artistas y fiestas es realmente gratificante. La imagen que creamos marca el concepto y la expectación de quienes conocen o descubren la fiesta o al artista. También es muy divertido encontrar el gusto y estilo personal de cada uno de ellos. Con la experiencia, aprendes a anticipar lo que les puede gustar y sorprender, y es genial recibir respuestas como "¡Grande, Matu!" o escuchar que les encanta el diseño.

Cada subgénero de la música electrónica tiene su propio estilo gráfico. ¿Cómo enfocas el diseño para distintos subgéneros como el techno, el house melódico, el tech house y el electro? ¿Por qué crees que existen estas diferencias en el diseño?

La música electrónica es un movimiento vasto y significativo. Cuando hablo de ARTISTAS en mayúsculas, lo hago en el contexto artístico más amplio, similar a como se habla del arte en general. Este ámbito abarca una diversidad enorme de movimientos, todos únicos y a la vez distintos entre sí. Cada movimiento musical dentro de la electrónica busca diferenciarse tanto a nivel musical como estético.

Su público y target son exigentes; quieren sentirse identificados y encontrar lo que buscan en cada expresión artística. Las formas de comunicación también varían ampliamente: algunos géneros están diseñados para las masas, mientras que otros apuntan a audiencias más específicas. Sin embargo, todos comparten una característica fundamental: la capacidad de comunicar.

¿Alguna tendencia en el diseño gráfico de flyers? ¿Hacia dónde crees que va?

Ahora hay una gran diversidad de tendencias gráficas en el mundo de la música electrónica. Estamos observando un retorno a los estilos de los años 2000, con una paleta más amplia de colores, formas más psicodélicas y el uso de efectos metálicos y líquidos. Esta evolución también está influenciada por la moda: así como los pantalones pasaron de ser pitillos a anchos, el diseño gráfico ha transitado de lo minimalista y monocromático a estas nuevas formas vibrantes y variadas.

Una ventaja significativa en la actualidad es la abundancia de referencias y contenido gráfico de alta calidad disponible para inspirarse y utilizarlo. Esto facilita la creación de diseños más dinámicos y atractivos. Creo que esta tendencia seguirá vigente durante algunos años más, impulsada por una nueva generación de clubbers que están definiendo estas estéticas de manera trascendental.

Sin embargo, como ocurre en todos los géneros creativos, existe el riesgo de que una vez que una tendencia se popularice demasiado, pierda su atractivo distintivo. Por eso, siempre habrá una búsqueda constante por diferenciarse y ofrecer algo único en un mercado tan dinámico y competitivo.

¿Cómo te mantienes al día de las últimas tendencias de diseño?

En la actualidad, las redes sociales son una herramienta invaluable. Gracias a los algoritmos, puedes descubrir rápidamente contenido interesante, guardarlo y, en algunos casos, acceder a tutoriales útiles. Es genial cómo facilitan el acceso a inspiración y conocimiento. Sin embargo, mi principal fuente de información para las tendencias proviene del mundo de la moda, un ámbito que me apasiona profundamente. Si no me hubiera dedicado al diseño gráfico, es probable que hubiera explorado oportunidades en la moda.

¿Crees que los diseñadores gráficos están bien valorados en la industria musical?

Es una pregunta interesante, ¡la verdad! Personalmente, creo que no (risas). Algunos colegas podrían estar en desacuerdo conmigo y me van a matar por decirlo así, pero considerando el nivel de responsabilidad y la exigencia que implica, además de formar parte de una industria que mueve mucho dinero, en ocasiones la compensación no es del todo equitativa. Este tema lo discutimos mucho entre nosotros. Creo

que, como en todas las profesiones, si alguien se destaca realmente debería recibir una remuneración y reconocimiento acorde.

A menudo parece que estamos reviviendo tiempos antiguos donde el trabajo puede sentirse más como un favor (risas). También he notado que hay casos en los que alguien en un área VIP de un club puede ganar el triple de lo que gana alguien con la responsabilidad gráfica y de comunicación del mismo club. Y esto no solo ocurre en los clubes, también he visto situaciones similares en el ámbito de los DJs con quienes he trabajado, donde el reconocimiento y la compensación no siempre están alineados con la carga de trabajo y la creatividad requerida.

Quería hablar de la diferencia entre diseñar ahora y antes de la aparición de los ordenadores y tablets. ¿Qué opinas de esa transición?

En mi opinión, la gran diferencia hoy en día son las herramientas, el material gráfico es más fácil de conseguir. Antes todo era muy artesanal: si necesitabas una imagen, tenías que crearla; si requerías una fotografía, tenías que tomarla; y si necesitabas una ilustración, tenías que hacerla tú mismo. Pero el factor más importante siempre será la idea o la creatividad, eso es algo que ninguna herramienta, ni siquiera la inteligencia artificial, puede hacer por ti. Hay herramientas muy buenas que son de gran ayuda y te ahorran mucho tiempo, lo cual es muy importante. Antes, para hacer un flyer podías tardar una semana, haciendo pruebas y ajustes. Ahora, en una semana tienes que diseñar todas las fiestas del mes para un club. Esas son las cosas que más me asombran: la velocidad de trabajo y la competencia por comunicar más rápido y mejor que los demás.

¿Cuál es tu consejo más importante para los creativos emergentes?

¡Buscad otro trabajo! (Risas). Es broma. Realmente, se trata de tener buen gusto, una sólida base de conocimiento sobre los artistas, una amplia cultura visual, habilidades sólidas de comunicación, capacidad para defender tus ideas, y estar dispuesto a arriesgarte y a hacer cosas diferentes. Es genial poder diseñar un día un gran flyer de techno y al siguiente de house. También es importante ser perseverante cuando se cree tener la razón, y lo mejor que puedo aportar es siempre diseñar con alta calidad a 300 dpi y hacerlo con dedicación, no solo como un trabajo, sino como una profesión. Al final, también somos artistas.

Fotografía: JORDYBRADA

LEE ANN ROBERTS

EL TALENTO DE LA PRODUCTORA SUDAFRICANA LLEGA A DJ MAG ES A MÁS DE 150 BPMS

Autora: Helena Bricio

Nuestra portada de este mes la protagoniza la artista sudafricana afincada en Ámsterdam Lee Ann Roberts, que se ha convertido en una fuerza destacada de la escena techno mundial gracias a su férrea determinación y su toque creativo vibrante y potente.

Hace un tiempo fundó su propio sello NowNow, una plataforma autogestionada que hace un guiño a una expresión sudafricana que significa "pronto" y que conforma al propio sello como una llamada a rendirse al momento y seguir la música hasta donde te lleve.

La vitalidad del sonido de Roberts procede sin duda de su amplitud de miras, inspirada tanto aquellas figuras artísticas inadaptadas del rock como Jimmy Hendrix o por el talento pionero de la música electrónica. Su atracción por las cualidades inusuales y distintivas de la música que hace y toca la convierten en una de las fuerzas más excitantes del techno contemporáneo, una presencia imponente que exige toda tu atención.

El mes de julio Lee Ann Roberts muestra una vez más su talento explosivo en su sello con un feroz EP de cuatro pistas, listo para ser escuchado y pinchado también en vinilo. El tema que da título al EP es ‘Always in Flux’, que hace alarde del sonido característico de la productora, a él le siguen los simples entrecortados y las líneas de bajo enérgicas de ‘Old School’; y a continuación recupera dos singles de su EP ‘Come With Me’, publicado el pasado noviembre: ‘Come With Me’ y ‘1961’.

Con una agenda a ritmo vertiginoso de hard techno y repleta de eventos, Lee Ann Roberts concede a DJ Mag ES una entrevista donde nos cuenta más acerca de su proceso creativo y de este nuevo lanzamiento que estará disponible a partir del 19 de julio.

Hola Lee Ann, es un placer para nosotros tenerte en DJ Mag España. Para los que todavía no te conocen muy bien, cuéntanos, ¿cómo apareció la música electrónica en tu vida? ¿Qué papel juega la música en tu día a día?

Muchas gracias por invitarme chicos, me alegro mucho de estar aquí. La música electrónica apareció en mi vida desde muy pronto. Recuerdo que estaba en la fiesta de un amigo cuando pusieron el tema 'Homework' de Daft Punk. El ambiente, la energía y los sonidos innovadores me dejaron boquiabierta. Aquella noche cambió todo para mí y suscitó en mí una curiosidad que no ha hecho más que crecer desde entonces. Poco después, mi novio de aquel entonces organizaba los mejores eventos underground de mi ciudad y del país, lo que me permitió conocer mejor la industria. Llevaba años coleccionando discos y, después de estar un tiempo en la escena de los clubes, decidí ponerme yo misma a los platos. Así que aprendí lo básico en Soul Candi y luego me pasé los 4 años siguientes pinchando en mi habitación y en cualquier sitio que me dejaran, ¡ja! Siempre me gustó mucho la música electrónica. A raíz de esto, empecé a hacer un programa de radio en MuthaFM, en Ciudad del Cabo, y creo que fue entonces cuando me di cuenta de que tenía una carrera por delante. Con los años, mi amor por la música electrónica no ha hecho más que crecer. Empecé a explorar una gran variedad de artistas y subgéneros, desde los primeros pioneros como Sacha y John Digweed hasta artistas contemporáneos como Depeche Mode y The Chemical Brothers. Las actuaciones en directo y los festivales también han jugado un papel muy importante. Hay algo mágico en el ambiente de estos eventos, las luces, el público, el bajo vibrando por tu cuerpo... Es una experiencia sin igual.

La música, especialmente la electrónica, es una parte importante de mi vida diaria. Tanto si estoy trabajan -

do, haciendo ejercicio o simplemente relajándome, siempre hay música sonando. La música electrónica me ayuda a mantenerme concentrada y con energía, y me pone en el flujo productivo, especialmente cuando estoy en el estudio, mientras que, para desconectar, meditar o relajarme me encanta escuchar música ambient o a uno de mis artistas favoritos de todos los tiempos, Jimi Hendrix. La música es una gran parte de lo que soy, es una fuente constante de inspiración y creatividad, y realmente influye en mi estado de ánimo y mi mentalidad. Cuando me siento estancada o estresada, poner una de mis canciones favoritas puede cambiar completamente mi perspectiva. Es una parte esencial de mi vida que me ayuda a mantenerme conectada con mi creatividad.

Y como clubber... ¿Recuerdas tu primera experiencia en la pista de baile?

Por supuesto, recuerdo esas noches vívidamente. Mi primera vez en la pista de baile sentí una sensación de libertad total. Siempre era la más salvaje de la pista, bailaba como si nadie me viera y hacía todo tipo de travesuras, pero siempre me lo pasaba en grande. Me encantaba conocer gente nueva y nunca me quedaba mucho tiempo en el mismo sitio. Cualquiera que me conozca te dirá que era bastante inquieta, pero de la mejor y más divertida manera posible :)

Hemos visto tus sets en los que mezclas diferentes estilos, ¿en qué géneros musicales está arraigada tu música? ¿Qué discos o temas han supuesto un antes y un después o te han ayudado en tu carrera como DJ?

Mi música tiene sus raíces en una mezcla de hard techno y psy-trance, con una pizca de schranz, trance y acid. Me encanta mezclar estos estilos para crear una experiencia única y dinámica en la pista de baile y mantener la energía alta. 'Decks, EFX & 909' de Richie Hawtin, este álbum es una clase magistral de traspasar los límites, es absolutamente increíble, este álbum hizo que mi amor por el techno se profundizara y 'When I'm Gown Up' de Neelix, que me introdujo en el hipnotizante mundo del psy trance. Este fue mi álbum de cabecera casi a diario en 2010, entre los enormes festivales psy a los que fui cada fin de semana ininterrumpidamente durante muchos años. Jimi Hendrix - 'Are You experienced' es una obra maestra. La influencia de Jimi Hendrix en mi carrera como DJ de techno radica en su espíritu de innovación y experimentación. Su uso de los efectos y sus increíbles técnicas con la guitarra eléctrica me inspiraron para ampliar los límites de lo que es posible en la música techno. Al adoptar su enfoque intrépido hacia la creatividad, he aprendido a experimentar con nuevos sonidos, mezclar estilos y crear sets únicos y dinámicos.

Fotografía: JORDYBRADA

La influencia de Jimi Hendrix en mi carrera como DJ de techno radica en su espíritu de innovación y experimentación. Su uso de los efectos y sus increíbles técnicas con la guitarra eléctrica me inspiraron para ampliar los límites de lo que es posible en la música techno.

Pero no solo eres DJ, también has publicado varios discos, ¿qué puedes contarnos sobre tu proceso creativo? ¿Dónde encuentras la inspiración para producir?

Mi proceso creativo es una mezcla de planificación y dejarse llevar. A la hora de crear música, suelo empezar con un momento de inspiración. Puede ser cualquier cosa: un sonido interesante que escucho en mi vida cotidiana, una conversación interesante o incluso un estado de ánimo concreto. Una vez que tengo esa chispa, me lanzo a explorar diferentes sonidos e instrumentos. Me encanta jugar con nuevos sintetizadores y efectos para encontrar tonos únicos que capten realmente el ambiente que busco. A partir de ahí, empiezo a juntar los elementos básicos de la canción, como la melodía, la línea de bajo y la batería. Es como montar un puzzle, averiguar cómo encaja cada parte y cómo contribuye a la sensación general de la canción. Después paso mucho tiempo afinando todo. Además, me inspiro mucho en otras formas de arte, como el cine, los libros y las artes visuales. Me evocan emociones e historias que intento plasmar en mi música. Y, por supuesto, escuchar a otros artistas de distintos géneros me mantiene inspirado y me empuja a experimentar con nuevas ideas. Cada canción que publico es una instantánea de en qué punto me encuentro creativamente en ese momento, y siempre es emocionante compartir ese viaje con mis oyentes.

En tus lanzamientos en NowNow hemos visto que poco a poco has ido subiendo los BPM, ¿qué podemos esperar rítmicamente de tu próximo lanzamiento 'Always in Flux'?

¡Pero no mucho! (risas). En 'Always in Flux' me aseguré de que el ritmo fuera suave, incluso con un BPM más alto. Las melodías se crearon para evocar una amplia gama de emociones, creando una mezcla dinámica que te mantiene en movimiento a la vez que te hace sentir profundamente conectado a la música. Hay ritmos inesperados y cambios de tempo que mantienen el suspense. He mezclado diferentes estilos para que cada tema sea único y emocionante. Se trata de mantenerte alerta y de ofrecerte una experiencia auditiva dinámica que fluya a la perfección.

En 'Always in Flux' me aseguré de que el ritmo fuera suave, incluso con un BPM más alto. Las melodías se crearon para evocar una amplia gama de emociones, creando una mezcla dinámica que te mantiene en movimiento a la vez que te hace sentir profundamente conectado a la música.

¿Cómo ha sido tu experiencia creativa con 'Always in Flux'?

Mi experiencia creativa con el EP 'Always in Flux' ha sido muy gratificante y transformadora. Me inspiró profundamente la idea del cambio constante y de cómo determina nuestras vidas, especialmente en estos tiempos. Este concepto se convirtió en la columna vertebral del EP, y me propuse explorarlo a través de diversos estilos musicales. El proceso creativo tuvo sus altibajos. Me encontré probando nuevas técnicas de producción y explorando sonidos que no había utilizado antes. En general, trabajar en 'Always in Flux' me ha recordado la razón por la que me gusta hacer música y la importancia de ser fiel a la propia visión artística.

Además, eres fundadora del sello NowNow, ¿cómo decidiste fundar tu propio sello, ¿cuál es su trayectoria y qué tipo de artistas podemos encontrar en su catálogo?

Quería crear algo propio para tener un control artístico total, y tener mi propio sello de vinilos es algo muy especial para mí. Mi objetivo es construir algo único, no sólo con mi música, sino también fichando a artistas nuevos, diversos y sorprendentes, dándoles la libertad de explorar y superar sus propios límites. El nombre 'NowNow' procede de una frase sudafricana que utilizamos como indicación de tiempo y que significa 'voy a llegar pronto', lo que refleja nuestro compromiso de ofrecer sonidos frescos con frecuencia. NowNow Records es más que un sello, es un movimiento que te transporta a través de la música, que te permite viajar sin tener que desplazarte: te transporta a través de la música y te lleva a cualquier parte.

Si me inspira el artista, su sonido y sus vibraciones, suele ser alguien con quien me gustaría alinearme y trabajar. En nuestro catálogo encontrarás una amplia gama de artistas que apuestan por la creatividad, la originalidad y la diversidad. Cada artista aporta algo único, y estamos muy orgullosos de apoyar y compartir su increíble trabajo.

Quería crear algo propio para tener un control artístico total, y tener mi propio sello de vinilos es algo muy especial para mí.

Estuviste en Madrid el fin de semana pasado, ¿cómo te trata España cuando vienes a pinchar?

Para mí, España es mi hogar; no hay nada que se le parezca. Cada vez que vengo aquí a pinchar, me tratan con una calidez y una generosidad increíbles. Los fans siempre me hacen sentir especial, trayéndome regalos, creando pancartas preciosas y mostrando una profunda conexión personal. La energía del público es absolutamente increíble. España tiene una escena musical tan vibrante que cada vez que vengo es una experiencia especial, y siempre estoy deseando volver. Sinceramente, actuar en España es como volver a casa, la positividad y la energía desbordante de los fans hacen que cada actuación sea inolvidable. Es realmente uno de mis lugares favoritos para tocar. I love you Forever!

Si echamos un vistazo a tu agenda en Resident Advisor podemos ver que te espera un verano agitado y súper ocupado, ¡incluso vas a estar en un camión de la Love Parade de Rave The Planet! ¿Hay algún evento que te haga especial ilusión o algún lugar concreto de tu gira en el que tengas muchas ganas de pinchar o que suponga un gran paso en tu carrera?

Desde luego, va a ser un verano increíblemente emocionante. Sí, y estoy deseando que llegue la Love Parade de Rave The Planet, es un acontecimiento increíble y el heredero de la Love Parade original de Berlín. Estoy muy contenta de formar parte de él y de todo lo que representa. . Estoy muy emocionada por tocar en Awakenings. Iba a tocar el verano pasado, pero el domingo se canceló y para mí supone un gran reto; ha sido un sueño durante mucho tiempo y marca un hito en mi carrera. Hace poco toqué en Timewarp, que era mi mayor sueño y objetivo. Formar parte de la edición del 30 aniversario fue un gran hito para mí y un gran paso en mi carrera, por lo que siempre estaré agradecida. El último Fury fue una auténtica locura. Además, actuaré varias veces en Ibiza, entre ellas en Amnesia, que siempre ha estado en mi lista. Sinceramente, cada parada de esta gira de verano tiene algo especial, y estoy deseando ver y conectar con todo el mundo y compartir mi música en todos estos increíbles lugares y festivales en los que actuaré.

Durante este año DJ Mag ha estado investigando sobre el impacto de la salud en la escena de la música electrónica y cómo cuidarse, ¿cómo gestionas tus giras y cómo encuentras tiempo para dormir, relajarte y recargar las pilas?

Equilibrar las giras con el cuidado personal es sin duda un reto, pero es esencial para mantener la salud física y mental. Doy máxima prioridad a dormir lo suficiente reservando días de descanso, que suelen ser los lunes, y manteniendo un horario de sueño lo más constante posible durante la semana, ya que los fines de semana no duermo nada. No he sido constante con el ejercicio, pero me he prometido empezar esta semana, ya que realmente ayuda con la energía y el estado de ánimo y obviamente también ayuda. Me encanta el yoga y la natación, que también me ayudan a mantener los pies en

la tierra. Comer sano y mantenerse hidratado también son cruciales, pero admito que los fines de semana esto es casi imposible, así que al menos durante las semanas intento mantener una dieta equilibrada y beber mucha agua. También me tomo tiempo para desconectar de las redes sociales, normalmente los domingos y los lunes, lo que me ayuda mucho con la ansiedad y la energía. Contar con una buena red de amigos y familiares también me ayuda a mantenerme centrada y motivada. En general, se trata de encontrar un equilibrio que funcione y ser consciente de mi bienestar en medio de la apretada agenda, que no siempre es fácil, pero estoy encontrando mi flujo perfecto día a día.

En tu carrera artística vemos que has colaborado con diferentes artistas, ¿tienes alguna próxima colaboración en el horizonte o algún proyecto en marcha del que nos puedas hablar?

Colaborar con otros artistas ha sido una parte muy gratificante de mi trayectoria. Aporta una perspectiva y una energía nuevas que me encantan. Tengo algunas colaboraciones interesantes entre manos, pero no podré compartir nada todavía, estas colaboraciones me están impulsando creativamente por nuevos caminos y estoy deseando compartirlas con todos vosotros pronto.

Has participado en la recopilación 'WOMEN LIFE FREEDOM'. Aunque cada vez hay más mujeres en la escena de la música electrónica, todavía existe una brecha en cuanto a sueldos, medios, facilidades... Aunque cada vez hay más figuras femeninas en la cabina como tú, ¿qué les dirías a todas esas mujeres y chicas que quieren dedicarse a la música electrónica pero aún no saben cómo?

A todas las mujeres y chicas apasionadas por la música electrónica les diría que vayan a por ello con todo su corazón y que se mantengan siempre fieles a sí mismas y a su arte. Es cierto que sigue habiendo retos y disparidades en la industria, y aunque siempre ha sido así, esperamos que mejore. Contar con más mujeres en la industria podría ayudar a salvar esta brecha y dar por fin a la mujer la oportunidad que se merece.

Rodéate de una comunidad que te apoye, busca mentores si es necesario y nunca dejes de aprender. Aprovecha cualquier oportunidad para perfeccionar tu arte y encontrar tu voz única. Cree en tu talento y sé perseverante, incluso cuando las cosas se pongan difíciles. Recuerda que el mundo de la música necesita tu perspectiva y tu creatividad. Si persigues tu pasión, no sólo cumplirás tus sueños, sino que ayudarás a allanar el camino a las futuras generaciones de mujeres en la música electrónica. Sigue superando los límites e inspirando a las demás. Tienes el poder de marcar la diferencia.

¡Muchas gracias por tu tiempo!

Muchas gracias a vosotros por recibirme, ha sido un placer.

Fotografía: JORDYBRADA

C.I.S.C.O

C.I.S.C.O PRESENTA SU SAMPLE PACK [VOL. 3]

Autor: Borja Comino

C.I.S.C.O, original de República Dominicana, vino a Barcelona hace 5 años y desde entonces ha encontrado el lugar idóneo en el que desarrollar su carrera artística. Se nota que es un chico de mundo y probablemente le daría lo mismo llevar su movida a, por ejemplo, Múnich. Se desenvolvería igual de bien. Es fácil inferir que, para él, lo importante son las ganas de compartir su pasión e ir reuniendo amigos a lo largo del camino.

Residente de SIGHT en la ciudad condal y propietario de su propio sello discográfico, Vengo Records, aprovechamos el lanzamiento de la tercera edición de su propio sample pack para hablar con él en DJ Mag ES. En una entrevista que tuvimos con él no hace mucho, nos comentó que su intención era comprometerse a su delivery anual de contenido propio de alta calidad y, a la vista está, está cumpliendo con su palabra. En este pack de samples de 2024 ha utilizado una compilación de sintetizadores analógicos y máquinas de ritmo de categoría como el Modx 88 de Yamaha, el Prophet 6 de Dave Smith, la TR-8s de Roland y el Electribe MX de Korg, entre otros. Sample Pack by C.I.S.C.O [Vol. 3] contiene 6GB de loops de batería, líneas de bajo, pads, sintes, efectos y vocales para que añadas directamente a tu librería de tu DAW favorito y se encienda la chispa de la inspiración.

A continuación, el DJ y productor nos comenta más ampliamente qué ha estado haciendo durante los últimos meses, y qué más cosas tiene preparadas.

¿Cómo definirías tu estilo para alguien que no haya escuchado ni un solo segundo de tu música aún?

Soy un productor y DJ dominicano enfocado en el género electrónica. Me gusta poner a la gente a bailar y contar historias a lo largo de un set. El género house y los ritmos con percusiones siempre están presentes en mis temas. Definiría mi música como una montaña rusa de emociones.

¿Cómo fueron tus inicios en la música electrónica y qué o quién te inspiró para comenzar tu carrera?

Uff.. Bueno. Primero fui baterista de la banda de mi colegio en República Dominicana (me encantaba hacer drum cover de bandas), luego a los 15 años fui a un evento de electrónica en Santo Domingo, lugar donde nací, y esa noche marcó el inicio de mi carrera. Miraba al DJ y pensaba: “algún día estaré ahí arriba poniendo a la gente a bailar”, todo emotivo mientras lloraba de la euforia que me hacía sentir la música.

Pasaron los días y empecé a curiosear viendo videos en YouTube de los clásicos de Ibiza como Sónica Radio y DJSoundsShow para aprender las técnicas de los pioneros como James Zabiela, Carl Cox, Roger Sanchez, Erick Morillo. Y el resto es historia, aquí estamos 14 años más tarde.

¿Qué prefieres: estudio o cabina?

Pregunta muy difícil. Ambas.

¿Cómo compaginas todos tus quehaceres como pinchar en sitios, producir música, el sello, el montón de horas necesarias para el sample pack...?

La verdad es que todo fluye cuando hay disciplina y consistencia. El sample pack claramente es un resultado de esto que digo. Me gusta poder retarme y cumplir mi palabra. Sobre todo me encanta compartir todos los sonidos que voy creando en mi estudio para aquellos productores que necesitan un poco de inspiración (como a veces me suele pasar a mi) o simplemente quieran explorar y divertirse con mis librerías. De momento no tengo tantos eventos… Por lo que eso no es un problema. Mi mayor tiempo lo invierto en el estudio y en educarme para seguir aprendiendo nuevas técnicas de producción.

Estás yendo a sample pack por año, ¿piensas seguir haciéndolo forever?

Recuerdo que en una entrevista para Headquarters hablando con Patricia Pareja dije que lo haré cada año. Así que de momento mantengo la palabra :). Cada año nace una nueva versión de lo que siento y quiero expresar a través de mi sonido, y el estudio me sirve como herramienta para seguir creando.

¿En qué consiste el proceso para samplear todos los sonidos de tus sample packs?

Para mí, las referencias lo son todo a la hora de empezar un sample pack. Empiezo definiendo las escalas que utilizaré y luego voy creando grupos y sub grupos con todos los sonidos en Ableton, todo muy organizado, ya sea de líneas de bajo, pads, chords, arpegios, stabs… Con el fin de crear patrones, secuencias y una historia con cada escala. Luego me permito explorar lo máximo posible en cada sintetizador grabando secuencias, ya sea de mi Yamaha Modx, Prophet 6, Minilogue XD, Electribe MX. O directo del sampler de Ableton con single hits y mis cadenas de efectos. Me encanta dejar que fluya cada librería que voy creando. Luego voy filtrando los sonidos que considero que mejor encajan para la edición que voy trabajando. Este último sample pack me ha tomado unos dos meses terminarlo y cuenta con grabaciones de ambiente que he grabado en toda la ciudad de Barcelona para crear texturas de fondo.

¿Sabes ya si a la gente le ha gustado?

La verdad que me siento muy agradecido del apoyo recibido con Vengo Records. Este último volumen a tenido el apoyo de productores como De La Swing, Nacho Bolognani, Giorgio Maulini, David Gtronic, Saenz, BizZa, Kid Moss, Andrew Azara y muchos más. También me gustaría agradecer a los más de 3000 seguidores fieles en Bandcamp que me han apoyado a lo largo de estos 4 años con donaciones y descargas infinitas de casi todos los países presentes en la escena electrónica.

¿Cómo has ido coleccionando tus piezas de hardware?

La verdad es que esto ha sido a lo largo del tiempo. Mi primer sintetizador, el Little Phatty de Moog, lo pillé hace 11 años en Nueva York, cuando vivía en Boston para mis estudios de inglés intensivo. Recuerdo que cuando llegué a Barcelona en el 2020, la mitad de mi equipaje que traje de la isla fue mi estudio completo. La ropa era lo que menos me importaba (risas).

¿Qué estás escuchando que sea diferente a lo que sueles producir?

Jazz clásico, yendo a las bases de Miles Davis, Thelonious Monk, John Coltrane, Oscar Peterson y últimamente vengo escuchando muchísimo el género ambient.

¿Cómo está yendo todo con Vengo Records y los showcases?

Vamos firmes, sobre todo en crear momentos y eventos de calidad. Más que cantidad. Iniciando este 2024 realicé un Vengo Showcase en República Dominicana en una de las playas más hermosas del norte de la isla, Playa El Valle. Hice esta colaboración con mis amigos de Offline y fue un éxito total. Este año volvemos en agosto en colaboración con Cosmic Vision a Punta Cana para celebrar los 4 años del sello en Soles Bar con Nacho Bolognani desde Argentina, quien desde el principio ha apoyado el sello y lo considero un gran referente en nuestro concepto.

Tu instrucción y conocimiento de diversas culturas desempeña un papel importante en tu profesión. ¿Cómo influye la sangre dominicana en tu identidad artística?

El sazón dominicano lo llevo dentro desde que me fui de la isla buscando crecer en lo cultural y profesional. Nunca olvidaré que la base de todo lo que hoy tengo y soy ha nacido en Santo Domingo. Cuando llegué a Barcelona me di cuenta que me faltaba mucho por conocer y reconocer. Este lugar me abrió el espectro creativo y estoy muy agradecido de estar aquí.

¿Dirías que estás exactamente en el lugar que quieres estar?

Más allá de estar exactamente donde quiero estar, estoy agradecido por la cantidad de personas y culturas que he conocido a lo largo de estos 5 años viviendo en esta hermosa ciudad.

De cara al futuro, ¿cuáles son tus objetivos y aspiraciones?

Seguir creando música para Vengo Records. Salir de mi zona de confort y empezar a enviar demos a sellos que considero poder llegar. Otro de mis objetivos es conseguir poner mi música en más ciudades de Europa y América Latina para conseguir más fechas fuera de Barcelona. Por último y no menos importante, seguir la tradición de un sample pack cada año y hacer Vengo Showcases en diferentes partes del mundo.

Hay algo que te apetezca hacer saber a los lectores? ¿Alguna frase para la posteridad?

La disciplina es el motor de mi pasión, sin esta hoy no estaría donde estoy. Hay un libro que me lo recuerda siempre: “disciplina es igual a libertad” del autor Jocko Willink. También, siempre tengo en mente una buena frase : “la felicidad es una disciplina eterna”, sacada del menú de uno de mis restaurantes favoritos en Barcelona, Bar Cañete.

DJ PAULETTE

TRES FRENÉTICAS DÉCADAS DETRÁS DE LOS PLATOS Y UNA BIBLIOTECA MUSICAL MENTAL QUE SUENA A RITMO DE CAMBIOS SOCIALES

Autora: Helena Bricio

El trabajo de DJ Paulette dentro y fuera de las cabinas de Reino Unido y Europa tiene una trayectoria de 30 años. Nacida y criada en Manchester DJ Paulette ha escalado las cimas de la fama y el hedonismo de la música electrónica pinchando disco, house y techno para salas abarrotadas y clubes clandestinos.

DJ Paulette siempre fue una fuerza importante en el circuito de la electrónica británica, siendo una de las dos mujeres que ha tenido una residencia mensual en The Haçienda, consolidando la primera sesión queer del norte de Inglaterra (FLESH) y formando parte de la programación habitual en Heaven y Ministry of Sound, antes de pasar con éxito por ciudades como París e Ibiza, y por distintas posiciones laborales de la industria de la música.

La radio siempre ha sido una segunda casa para DJ Paulette, con sus programas de radio mensuales en Reform Radio, Worldwide FM de Gilles Peterson y el programa Global Residency producido en colaboración con The Radio Department que se puede encontrar en Apple Music, además de ser la presentadora habitual de AFRODEUTSCHE y Craig Charles en BBC 6 Music.

Es complicado resumir 30 años de carrera frenética e imparable, sobre todo al tratarse de una artista con un gran talento para reinventarse y reproducir la excelencia. Intentando compactar sus vivencias desde un enfoque global que va más allá del relato autobiográfico, DJ Paulette ha publicado este año su primer libro, “Welcome To The Club: The life and lessons of a black woman DJ”, que presentó en el IMS y el motivo por el cual DJ Mag ES tiene la oportunidad de sentarse con ella a hablar acerca de la escena actual de la electrónica y de cómo podemos seguir luchando para hacer de esta gran comunidad un espacio de colaboración equitativo y justo para todo el mundo.

La videollamada comienza con los agradecimientos mutuos por el tiempo libre para realizar esta entrevista, porque estos meses ya sabemos que estamos con la temporada de festivales a toda máquina, así que poder hablar con DJ Paulette es todo un honor. Desde el primer momento se puede ver que DJ Paulette no solo es una enciclopedia musical, sino que tiene una energía desbordante, cualquiera diría que a penas dos días antes estaba cerrando junto a Stacey Hotwaxx Hale el Sónar Día de este año en formato back-to-back.

En este momento está todo un poco patas arriba, he de admitirlo. La semana que viene tengo Glastonbury y, como vamos en caravana, tenemos que llegar al sitio bien, normalmente sólo lo dicen un par de días antes, pero esta vez tenemos que estar allí el domingo. Eso significa que todo lo que hay que hacer esta semana, la próxima y la siguiente, así que me estoy tirando un poco de los pelos porque hay mucho que hacer. Me estoy intentando mantener zen pero después del Sónar todo ha sido una locura. ¿Viste el cierre? (asiento con la cabeza)

El resultado fue irreal. Hablé con Stacey esta mañana, y los dos nos preguntábamos ¿qué hicimos? ¿por qué? Parece que hicimos algún tipo de cirugía para el alma. Todo el mundo parece realmente haber apreciado lo que hicimos y fue una sesión divertida, aunque ella empezó al ritmo de ‘Insomnia’ de Faithless y yo me limité a seguirla. Después de unos 4 o 5 discos me preguntó ¿estamos yendo por este sonido? Y le dije ¡tú has empezado así. ¡Tú has establecido el tono del b2b! Me dice "pensaba que íbamos a pinchar Soulful House”. Pero empezando con Faithless… (risas) Fue muy divertido, no había reglas, podías llevarlo [el set] a donde quisieras. Así que tenía su parte vocal, dulce y conmovedora, porque lo mío siempre ha sido tribal, percusivo y realmente housey, incluso un poco sórdido y oscuro. Fue un intercambio de ideas y estilos en el que hubo un momento precioso en el que captaron en las pantallas cómo yo pinchaba un disco y Stacey estaba poniendo los efectos en él, y después las dos estábamos poniendo efectos en él, y se podía ver nuestras manos en una especie de cruce encima de la mesa de mezclas. Fue un puro back to back. Además no ensayamos nada, no nos habíamos visto antes, la primera vez que nos vimos en la vida real fue el sábado por la tarde y habíamos tenido una llamada unas semanas antes, pero no hablamos de música. Sólo hablamos de nosotras y nos fuimos conociendo. Era la primera vez que estábamos juntas en un escenario y fue muy interesante. Podías ver la interacción entre nosotras y el respeto que nos tenemos, realmente inmenso. Fue un verdadero placer y un honor compartir el escenario. Ella es un genio total, cuando estábamos en el taxi me estaba mostrando esta foto de ella con Jeff Mills en la que debían de tener unos veinte años. Ya sabes, de esas personas que admiras y dices… qué leyendas.

Sí, te entiendo totalmente, a mí me pasó igual cuando os vi a vosotras dos encima del escenario, soy una generación más joven y para mí fue como ver a dos leyendas en el cierre de Sónar Día. Este año el cartel creo que tenía muchísima diversidad y había muchísimas mujeres cerrando el festival, lo que creo que definitivamente es un paso adelante para nosotras, aunque todavía hay mucho trabajo por hacer…

Vi los clips de Charlotte de Witte que fue increíble, y había nombres como Miss Kittin que estaba antes que nosotras, Stacey que juega en otra liga… Yo también siento que el cartel este año ha sido muy diverso y realmente se podía sentir y ver el tipo de esfuerzos que se han hecho para mostrar en todos los ámbitos el talento y la mezcla de talento disponible. No paraba de recibir mensajes de amigos que estaban flipando en el set de Laurent Garnier o de Danny Tenaglia… O otros nombres como Kerri Chandler. Se podía sentir a la perfección que este año el cartel era blanco, pero también negro, era europeo, era americano, era local, era francés… Había de todo, un crisol súper amplio de la electrónica.

¡Totalmente! Yo disfruté muchísimo con la actuación de TAYHANA, que presentaba Club Latinx con Simona, Slim Soledad y Mare Advertencia. En mi caso, he crecido con la música latina porque vengo de las afueras de Madrid y la segunda generación de inmigrantes latinoamericanos me pilla muy cerca, y para mí es súper interesante ver cómo los géneros que siempre escuchamos en otras capas de la sociedad como el reggaetón, el dembow o la guaracha, permea dentro de este tipo de festivales. Es muy curioso ver cómo el foco ya no se pone solamente en lo que suena en Centroeuropa sino también lo que sucede aquí.

¡Ahora entiendo una cosa que me pasó! Puse el disco de Baianá y flipé con la respuesta que tuvo, pero claro, ahora que mencionas las influencias de la cultura Latinoamericana lo entiendo super bien. El escenario estalló cuando pinché ese tema, fue una locura. Todas las regiones están influenciadas y afectadas en España y viceversa, así que es interesante ver a la comunidad como un global con sus particularidades específicas y ver que España existe en todo el mundo y que otros países existen también dentro de España. Igual que sucede en otras regiones de Europa.

La entrevista se interrumpe porque a DJ Paulette le llega un ticket para poder aparcar su caravana en Glastonbury, lo que me induce a preguntarle acerca del equilibrio personal y profesional dentro de este sector que empezó a gestarse durante la pandemia de 2020. Cómo se encuentra ella ahora y cómo ha sido para ella ese viaje emocional a la hora de escribir su libro.

Me alegro de que digas que ese fue el año de referencia aquí, porque es verdad. Si lo piensas así, he estado pinchando más de 30 años y he tenido varias crisis dentro de esos 30 años, he tenido cosas que me han sucedido mientras he estado pinchando, que realmente han tenido un grave peaje en mi salud mental, y nunca fui capaz de abordarlo públicamente o incluso en privado hasta 2020 que es cuando realmente nos dijimos, ¡espera un minuto! ¡Tenemos que hablar de esto! Ahí es donde hubo una respuesta masiva acerca de lo que nos estaba pasando a todas. No sé si tuviste la oportunidad de ver el post de Instagram que colgó CC:DISCO! la semana pasada, habló de la seguridad en los traslados a los eventos y coincidí totalmente con ella. Creo que hubo una respuesta masiva de 6.000 DJs contando experiencias acerca de lo que les había pasado. Para mí también fue el caso. Todos estamos

en esta vida haciendo nuestro trabajo aceptando lo que sea, cualquier acuerdo contractual del tipo "Te contratamos para hacer esto, pero nuestro deber de cuidado va sólo hasta este punto", y luego está ese punto en el que, si eres una mujer, te sientes como si estuvieras siendo una diva simplemente por estar pidiendo cosas sencillas como que alguien te acompañe a casa desde el escenario o que te acompañen a tu coche o pedir que tu conductor esté sobrio. Todas esas cosas también pueden afectar a tu salud mental.

A continuación, DJ Paulette me cuenta acerca de un problema que tuvo en un festival donde le avisaron que el driver no le llevaría hasta la puerta de su hotel, sino que la dejó a medio camino, teniendo que atravesar una carretera inhóspita en la que le siguieron hasta el hotel y tuvo que correr cargada con sus maletas y su equipo para pinchar.

Cuando llegué al hotel llamé a mi agente y estaba flipando porque me acababan de seguir y había tenido que correr a casa. Llegamos a la conclusión de que había que hablar con la organización y decirles que no volviesen a hacer eso, porque es una cruz siempre y parece que sólo les preocupa lo que ocurre hasta que terminas de hacer aquello para lo que te contrataron. La realidad es que ninguno de nosotros quiere ver a ninguno de esos [artistas] que aparecen en la portada de DJ Mag o de Resident Advisor, que aparecieran por una razón horrible, del tipo "tal cuerpo ha sido atacado" o “ha sido encontrado en una cuneta.” CC:DISCO! planteó en ese post un punto muy válido acerca de los “safety riders”. Si tiene que haber un camino hacia adelante en el que realmente cuidemos de nuestra comunidad, ya sabes, seamos hombres, mujeres, negros, de color, binarios no binarios, queer, lo que sea, estamos todos juntos en esto. Todo se reduce a formar parte de una comunidad de nuevo, en fin, esa es mi visión de la vida.

Te entiendo perfectamente. Tal y como comentaste en la presentación de tu libro en IMS, el hecho de presentar 30 años de carrera resumida en unas páginas es complicado, me gustaría saber cómo ha sido para ti el proceso de resumir todo aquello que le ha sucedido a una mujer negra dentro de la industria y cómo lo has abordado a la hora de escribirlo.

Bueno, la historia es que yo soy escritora y he estado escribiendo cosas y pensando en escribir un libro durante mucho tiempo, pero cada vez que he intentado presentarlo a la gente, a nadie le ha interesado, así que siempre ha estado como en marcha, pero archivado. Durante la pandemia se me acercó un editor que me invitó a una reunión, en la que no se habló del libro en ningún momento, yo simplemente iba a hablar con ellos de lo que fuera. En esa la primera reunión hablamos de cosas que te acabo de contar, mi pasado y mi historia, y ahí fue donde me preguntaron si había pensado alguna vez en escribir un libro. Les dije que sí, pero que nadie se había interesado antes, así que dijeron “bueno, pues nosotros sí estamos interesados. ¿Qué escribirías si te pidiéramos que escribieras un libro?” Y así comenzó todo, tuve que ponerme

a planificar cómo contar esta historia, es curioso porque cuando echo la vista atrás y veo el primer borrador y veo cómo acabó la historia, son animales súper diferentes. Cada palabra del libro la he escrito yo, así que todo ha salido de mi cabeza a mi portátil y de ahí al libro. Al todo empezó tipo “primero hice esto, luego aquello” como si fuese una autobiografía directa y luego me dije “no, esto no está funcionando, no quiero contar la historia así."

No creo que una autobiografía directa consiga nada. No cambia nada. Sólo cuenta una historia. No consigue necesariamente meterse en la piel de los problemas, sólo cuenta lo que pasó. Entonces se me ocurrió algo que al director le encantó, que era hablar con la gente con la que había trabajado, con la que había colaborado, con la que había estado al mismo tiempo, y recabar sus opiniones. Así que ese fue el punto de partida ahí y se eliminaron muchos de los detalles que sólo los DJ entenderían. Quité un montón de cosas que se relacionaban solamente con los DJs y di paso a todo aquello que sería interesante no solamente para los DJs. Así que en mi libro hablo de las mujeres de esta escena en el lugar de trabajo, sobre la salud mental en la pandemia… Intenté abrirlo y hacerlo mucho más interesante para mucha gente en lugar de que sólo fuera interesante para los DJs. Y para ello tuve que analizar mi experiencia con la pandemia y la salud mental. Y hablé con la gente que había estado trabajando conmigo, no sólo con la gente que había estado trabajando conmigo y haciendo grandes cosas, sino con la gente que también había experimentado los problemas de la pandemia. Hice un verdadero esfuerzo por contar una historia más amplia. Y también hubo ciertas cosas que no puse en el libro porque lo que aprendes cuando estás escribiendo un libro es que hay cosas que puedes escribir y hay cosas que no puedes debido a litigios y derechos de autor y todo eso. Cuando hablo en mi día a día siempre estoy tirando de referencias de canciones como letras y poemas y cosas por el estilo, es la forma en que mi mente se expresa, y cuando el libro llegó a la lectura legal, le empezaron a poner tachones rojos porque no podíamos citar ciertas cosas, como letras de Madonna y salieron muchas otras letras, porque es sólo una pequeña editorial, y no tienen tanto dinero para pagar por los derechos de autor.

Por otro lado, también tuve algunas de las experiencias personales más profundas y oscuras de la lectura personal del libro y tuve que sentarme con mi editor y repasar ciertas historias y discutir si estaba preparada para publicarlas y que fueran de dominio público. ¿Estaría preparada para responder a continuas preguntas sobre este tema? ¿Y estaría dispuesta a que tal tema eclipsara el libro? Así que había ciertas cosas que tenía que quitar porque todavía no las he procesado adecuadamente. Mi editor me dijo que no podíamos poner eso en un libro porque eso me pondría en una posición vulnerable en la que sabes que cuando la gente se haga con ello online el libro se reducirá a tales cosas y yo tendría que responder preguntas continuamente sobre algo con lo que ni siquiera estoy bien todavía. Ahora tengo todo el respeto por cualquiera que escribe un libro, porque ahora que he experimentado el proceso real de escribirlo, con muchí -

simas relecturas, reescrituras y borradores. Si es ficción y es una historia inventada pues bueno, pero cuando se trata de un mundo personal… Ciertas partes hay que quitarlas, además de la limitación de caracteres. Es un libro limitado a 70.000 palabras, así que el espacio para hablar de ciertos temas era reducido y algunos los tuve que quitar por una cuestión práctica. Así que ahora también entiendo por qué se ocultan ciertas partes de cualquier historia, porque hay un punto en el que tienes que tomar una decisión, a quién incluir y a quién no, y a veces ni siquiera es malintencionado. Ha sido un verdadero viaje psicológico, mental y físico, escribir el libro, y al final, cuando entregué el manuscrito final, me dije: "Sí, está terminado, lo he hecho muy bien y lo entregué a tiempo". Y fue fantástico. ¡Pero no había acabado todavía! Después vinieron los manuscritos finales, las autorizaciones y las fotos, y esto y aquello, esto y aquello, pero se puede decir por la sonrisa en mi cara que disfruté cada segundo de ese proceso, incluidos los desafíos. Para mí ha sido como estar en la curva de aprendizaje más grande de mi vida, siempre quise escribir un libro y para mi ha sido un magnífico. ¡Y quiero hacerlo de nuevo! Puedes ver detrás de mí una pizarra con un montón de ideas para el siguiente.

¡Qué guay! ¡Ha debido de ser todo un viaje! Me enteré de que habías estado viviendo en Ibiza unos años y quería saber también cuál es tu punto de vista, porque en España hemos trabajado para crear distintas políticas contra el acoso sexual y el racismo, pero todavía queda mucho trabajo por hacer. Me preguntaba cómo podemos educar a las futuras generaciones desde la fiesta y desde lugares como Ibiza que reciben miles de turistas y de personas de distintas nacionalidades cada año.

Creo que todo empieza realmente con la diversidad que se ve en los line-ups. Si los promotores y los organizadores muestran una programación multicultural, polifacética y con múltiples géneros, el público lo aceptará. El público se vuelve más equilibrado. Se trata siempre de tener un equilibrio y si hay muchos blancos o muchos hombres, lo ves enseguida. Replantearse qué ofrecemos o qué estamos diciendo de nuestra organización, con un mensaje frontal que se expresa en tu propio line-up. Lo que dices en tu line-up es básicamente lo que quieres que sea tu declaración de principios para cualquiera que entre por la puerta.

Así que eso es lo que hay que mirar en primer lugar, y creo que están haciendo muchos más esfuerzos en Ibiza, tenemos a TSHA con su propia residencia en HÏ y no es una simple invitada, sino que es su residencia, lo que te hace pensar que las cosas se van moviendo, aunque todavía tengamos que llegar más lejos. Pero necesitamos ver más, muchos más lugares, aunque está empezando y creo que eso es positivo y saludable. ¿Qué otras cosas podemos hacer? Pues mirar a tu alrededor, a tu gente, a la gente que estás contratando, a tu personal, de nuevo, ya sabes, si ofreces un cartel diverso, pero después cuando ese DJ llega a tu organización y todo el mundo son hombres blancos, pues en realidad no estás diciendo nada en absoluto. Así que tiene que filtrarse, ya sabes, y no solamente como un goteo hacia abajo, sino también hacia arriba: necesitamos ver mujeres en la organización, ver a gente negra y racializada en la organización que esté ahí para dar la bienvenida a los artistas cuando aparecen. Que se ocupen del sonido, de las luces, de la fotografía y de todo. Pero tenemos que verlo en todas partes, no solo en una parte. Ese mensaje tiene que filtrarse a todas las operaciones de la organización, no sólo en el cartel.

Totalmente, porque claro, a veces sucede que cuando solo nos centramos en los line-ups nos quedamos en un nivel superficial y visible, a veces como mujer siento que algunas entidades o festivales llegan a hacer una capitalización del género, de la negritud, de lo queer… Entonces bueno, sí, el cartel es una pasada, pero al final yo no me siento segura en tu espacio… Fuiste una de las primeras promotoras de fiestas queer en The Haçienda en Manchester. ¿Cómo ves que la escena haya cambiado con el tiempo?

Exacto. Justo a eso me refiero, que se filtre por todas partes, ¿quiénes son tus Artist Liasons o tu gerente de producción? Tú sabes lo que está pasando ahí. No puede ocurrir sólo con la parte que el público puede ver, porque eso es lo que se llama performativo… Es como poner una escayola de Disney en una lesión, que queda bonito porque es de Disney, pero cuando le quitas la escayola sigue siendo una herida, así que arréglalo… Nosotros cuando empezamos veníamos de la sección 28 y la crisis del SIDA, así que, cuando hablamos de ser la primera fiesta queer en el club más grande de Manchester, hablamos de algo muy importante. Nos enfrentábamos a la política, a la sociedad que no aceptaba nada gay. Fue un gran escándalo cuando sucedió en los años noventa y lo que conseguimos fue abrir las compuertas, simplemente en lo que a la concesión de licencias se refiere. FLESH fue el primer club en el norte de Inglaterra en obtener una licencia para abrir hasta tarde y eso hizo que otros clubes pudieran obtenerla también, pero fuimos los primeros en hacerlo. Nos soltamos la melena y nuestra política fue atraer a todo lo queer al norte y así nos dimos a conocer. Hacíamos una noche de juegos para bolleras y sus amigas y actuábamos discriminando a todo aquello que no fuese queer, convirtiéndonos en lo que habíamos estado experimentando hasta ese momento. Sólo dábamos la bienvenida a otras personas si conocían a gente queer y lo convertimos en un espacio seguro, en cierto modo hacíamos un gesto de desprecio hacia la política y la sociedad y decíamos: "Bueno, no os queremos". Y curiosamente, cuando dijimos que no os queríamos, todo el mundo quería entrar y la gente fingía ser homosexual en la puerta, sólo para entrar en la fiesta, así que, a nuestra manera, estábamos haciendo que lo queer fuera aceptable en la sociedad y pusimos de moda lo queer, cuando antes se percibía como ser un paria o un enfermo.

Hemos conseguido que lo queer no sea algo a lo que temer, ni siquiera para nosotros mismos. Es como si pudiéramos salir del armario y poder estar orgullosos, ser abiertos, y estar seguros, y ser amados y aceptados y además es a nuestra manera. Eso ayudó a los queer a empezar a integrarse en la comunidad en general. Después de 30 años pues somos capaces de caminar con nuestra pareja de la mano y no tener un miedo masivo a que nos prendan fuego y nos pateen la cabeza. A ver, son cosas que siguen pasando, no me malinterpretes, pero no de la forma en que ocurría hace 30 años. Ahora yo puedo hablar abiertamente de mi homosexualidad, sea cual sea mi trayectoria, y todos mis amigos podemos sentarnos a la mesa en el bar que queramos y ser tan homosexuales como queramos. No tenemos que limitarnos a esos pequeños lugares donde es seguro ser queer. Podemos serlo en voz alta.

Paulette me cuenta que el co-fundador de Little Gay Brother, Clayton Wright, escribió en redes sociales que el año pasado mandaron, como de costumbre, a un elenco de performers a actuar y llegaron a una fiesta en la que el público no entendió el concepto, pero porque ni siquiera la organización lo entendía. no entendieron el concepto.

La organización tiene que entender la cultura, y no sólo la organización, sino también la gente que acude a la fiesta, porque si no, ambas cosas no pueden existir juntas. No es un freak show, somos seres humanos. Todos somos personas con corazones, emociones, mentes, lo que sea, y todos deberíamos ser comprendidos, cuidados y nutridos exactamente de la misma manera. Así que, aunque sea más fácil ahora, no lo es en todos los países, mira Rusia o Sudáfrica o incluso Estados Unidos con las leyes anti-drags… Hemos avanzado, pero hay un retroceso, y he visto muchos cambios, pero aún queda mucho trabajo por hacer.

Lo vemos incluso en la política actual europea, vemos como las generaciones más jóvenes dan por hecho el trabajo que se ha venido haciendo, no votan, no se sienten representados y bueno, solamente hay que ver los resultados de las elecciones. Da miedo.

Si, bueno, mejor que crean porque la política les afecta. No están votando, es verdad. La política nos afecta a nosotros que somos mayores, pero les va a afectar más a ellos y a sus hijos, así que es mejor que empiecen a entender la repercusión que tiene. Estas conversaciones las estoy teniendo con jóvenes de entre 18 y 35 años todos los días, no les digo cómo votar, pero les digo que su voto es crucial y que si no lo usan, lo perderán. Pero también les entiendo porque también es cierto que para ellos es complicado escuchar a partidos políticos que no escuchan sus necesidades. Tienen razón. Pero es como una pescadilla que se muerde la cola porque no se les escucha porque no hablan y no votan para expresarse, necesitan formar parte de esto.

Otra de las temáticas que quería hablar con DJ Paulette es el paso del tiempo sobre las mujeres, porque es algo que menciona en su libro, cómo se sentía respecto a su experiencia física, porque ella nunca ha cambiado su estilo o su forma de vestir detrás de los platos, se ha mantenido firme. Así que le pregunté cómo podemos empoderarnos para ser fiel a nosotras mismas y cómo los promotores y organizadores de eventos también han de abrir el espectro de los cánones de belleza y empezar a contratar a mujeres más allá de la edad que tengan.

Son las DJs más mayores quienes se están dando cuenta de que tienen que ser ellas mismas. Puedes disfrazarte, puedes ser quien quieras ser, pero no dejes que ese sea tu mensaje. No dejes que la ropa sea tu mensaje, deja que hable la música, y luego la ropa es secundaria. Si el aspecto es lo que impulsa tu carrera, llegará un momento en que tengas entre 35 y 40 años y tu cuerpo cambie y tu cara cambie, vas a tener que empezar a perseguir quirúrgicamente la belleza, lo cual está bien, pero nunca vas a volver a ser joven. Es biológicamente imposible, nunca vas a recuperar esa juventud. Es mucho, mucho mejor aceptar quién eres y dejar que la música y que tus principios hablen, que sea tu auténtico yo quien hable en lugar del maquillaje. Esto demuestra que, sea cual sea el maquillaje, tu talento va por delante y todo eso puede existir junto, pero no dejes que sea el conductor,

porque cuando dejas que sea el conductor, puede terminarse muy pronto. Y además hay que asumir que siempre va a haber alguien más joven que de repente se vuelve más popular que tú. No voy a mentir. No es fácil de aceptar, ya sabes. Habla conmigo, habla con Stacey, con Heidi, con Annie Mac… Todas podemos darte esa respuesta, la de una mujer madurando en la industria de la música y los retos a los que nos enfrentamos, porque lo superficial de repente se convierte en un signo de interrogación sobre cuáles son tus habilidades y talentos reales y sobre lo que es superar ese bache en el camino. No tienes que empezar de repente a hacerte un montón de cirugías faciales y contratar a un estilista para superar ese bache.

Y esa es la otra cosa que le diría a la gente, que no se rinda. Lo que pasa es que cuando las mujeres se encuentran con ese bache en el camino es como “me tengo que retirar porque soy demasiado vieja” No, tienes 30, 35 o 40. No eres demasiado vieja. A los chicos nunca se les hace esta pregunta. Nunca tienen que preguntarse si se ven bien o no y vemos artistas como Calvin Harris o David Guetta que envejecen sin juicio. Pero para una mujer sí sucede, y hace que las mujeres abandonen la carrera que tienen, porque sienten que no pueden hacer más. ¡Lo mío ha sido demostrar a la gente que no es así! Os voy a demostrar a todos que, como mujer, como Dj negra, queer, con canas, que tiene más de 40 años, puedes clavar este puto trabajo todos los días de la semana. y puedo tocar en back-to-back con quien quieras en el escenario que os dé la gana. Puedo hacer este trabajo a mi edad, y mi aspecto no tiene nada que ver.

Ese es mi mensaje y eso es lo que espero estar mostrando a la gente, que no se rindan porque pueden hacerlo si son buenas DJs, si conocen su música, si conocen a su público y si saben cómo entretener a la gente. No hay nada que te detenga si conoces esto bien. Sin reglas, sin normas, sin límite de edad. Si eres muy joven y sabes cómo hacerlo, ¡hazlo! si tienes mi edad, y sabes cómo hacerlo, ¡hazlo! No hay reglas, quienes te dicen lo que puedes y lo que no puedes hacer son probablemente y por lo general, hombres blancos de más de 45 años, a quien nadie les dice si pueden o no pueden tomar esas decisiones. Así que digo, jódete, voy a hacerlo y me vas a contratar porque soy muy buena en lo que hago. No hay que perderse tampoco en lo que piensan los demás, ten fe en ti misma y trata de no distraerte con el ruido exterior porque no tenemos una bola de cristal y no podemos saber lo que piensan los demás, así que no te distraigas ni te vuelvas loca dándole vueltas. Sólo tienes que saber lo que quieres hacer e ir a por ello.

Más allá de todas las cuestiones sociales que hemos estado hablando y que has vivido durante tu carreta, estaba también pensando todo lo relacionado con los cambios tecnológicos, desde los medios de comunicación al propio equipo para pinchar. ¿Cómo has conseguido adaptarte? ¿Cómo ha sido para ti este meteorito caótico de progreso y cómo ha afectado a la parte más técnica de alguien que trabaja en la industria de la música? Ya sabes… Cada año nuevos equipos, nuevas formas de consumo musical…

¡Ya te digo! ¿Por qué seguimos llamando CDJs a los CDJs cuando ya no cogen CDs? Dejaron de reproducir CDs hace como cinco años y el nombre sigue siendo el mismo. Hay cosas increíbles con la tecnología y la ingeniería, es

increíble cómo algunos archivos de audio de los sesenta suenan como si estuvieran masterizados en 2024. Hay compresores que son una pasada. Y luego todo lo que está sucediendo en torno a la IA… Tengo amigos en la radio que han visto cómo una IA puede modular su voz y hacer un programa entero sin que ellos hayan dicho una sola palabra. La tecnología avanza a pasos agigantados, pero lo único que no puede reemplazar es el sentimiento y el espíritu y el conocimiento y la forma en la que nosotros, como seres humanos, pensamos y nos relacionamos con otros seres humanos. Puede copiar lo que hemos hecho y lo que pensamos con los algoritmos y proyectar todo lo que podríamos llegar a hacer, pero no puede responder directamente a la multitud que está directamente frente a nosotros y a lo que ocurre entre una persona y otra. Así que creo que por el momento seguimos diciéndole a la tecnología lo que tiene que hacer. Aún no se puede eliminar al ser humano de la ecuación.

El consumo ha cambiado drásticamente, consumimos pista por pista, no se siguen a los artistas, a los álbumes… Cuando empecé a comprar discos compraba absolutamente todo de un determinado artista y todavía tengo esa actitud, incluso con los productores que apoyo y toco en mis sets. Tengo un montón de bloques de productores que realmente me gustan. Pero esa es una forma muy de vieja escuela eso de comprar y construir conjuntos. Creo que también es sano mezclar la forma de pensar de la gente mayor con la forma de pensar de la gente joven. Los dos tienen que existir juntos. Yo pongo discos durante períodos más largos en los sets, los DJs más jóvenes ponen minuto, minuto y medio, y luego se mezcla un muy rápido y recortado. En mi caso voy a llevarte hasta la muerte más absoluta con cuatro o cinco minutos de la pista como mínimo y ¡si me apetece te pincho ‘Ain’t no mountain high enough’ en la versión de Larry Levan que son 11 minutos de principio a fin!

¿Y cuál es el disco que nunca, nunca, nunca falla en tu maleta cuando pinchas?

Siempre tengo ‘You make me feel (mighty real)’ de Sylvester en la maleta… Tiene tantísimas mezclas y versiones distintas… Hay una de Soulxwax for despacio, otra de Gerd Janson… Puedes encontrar tantas mezclas de ese tema… Es un disco que funciona en cualquier pista, ya sabes, disco, funk, soul, tech… Incluso a veces, techno. ‘I feel love’ de Donna Summer en el remix de Patrick Cowley es otro que nunca falla, es increíble, es que ni siquiera tienes que pincharlo, el remix de Patrick Kelly siempre funcionará, es super especial ese disco. Si fuese a pinchar Cajmere feat. Dajae – ‘Brighter Days’ de Cajmere ft. Dajae me decantaría por el remix de Marco Lys que hizo hace unos años. Ese disco no morirá. Sigo sin poder soltar ese disco, suena siempre muy bien. ¡Pero no sé! Quiero decir, es que hay tantos… Bueno, te he dicho algunos y podría pensar más… Pero sino no terminamos (risas).

Para terminar la entrevista con Paulette, le pregunto por su agenda de eventos, en qué cabinas podemos verla este verano. Saca una agenda y me empieza a recitar una retahíla de eventos entre los que se mezcla la presentación del libro como hizo en IMS junto con pinchadas y sets. Algunos de los eventos son Glastonbury, una fiesta comisariada por Jungle, Vëryl Festival en Brandeburgo, We Out Here Festival o Draaimolen Festival. Es increíble la fuerza arrolladora y la energía que tiene para hacer frente a todas esas actuaciones y todo un lujo poder contar con un libro que relata sus años de carrera y que nos ofrezca una perspectiva más amplia de lo que es su trabajo. De momento solamente podemos leerlo en inglés escaneando el QR a continuación:

CÓMO EL XONE:92 DE ALLEN & HEATH SE CONVIRTIÓ EN LA

PAUTA MAESTRA DE TODOS LOS MIXERS PARA DJ

Texto original: Mick Wilson, extraído de DJ Mag Traducción: Borja Comino

El Xone:92 de Allen & Heath celebra este año su 20 aniversario. Este mezclador, que sigue siendo un estándar de la industria, ha superado el test del tiempo. A continuación, el editor de tecnología de DJ Mag, Mick Wilson, echa un vistazo a la historia, la herencia y la importancia duradera de esta pieza tan querida, aunque polarizante, de la tecnología para DJ.

Cuando comenzó el desarrollo del Xone:92 a principios de 2003, Andy Rigby-Jones, fundador de Xone y entonces director de diseño de Allen & Heath, sintió que podía ampliar los límites de lo que podía ser un mezclador para DJ. Basándose en sus propias experiencias en la cabina, así como en los comentarios de varios DJs de renombre de la época, Rigby-Jones tenía una lista de mejoras que quería incorporar al 92 y que creía que podrían diferenciarlo. Sin embargo, nadie podía predecir el impacto duradero que tendría el mezclador en la música electrónica.

“Era la continuación del Xone:62, que a su vez tenía sus raíces en un mezclador de directo de A&H, el MixWizard 20S”, explica Rigby-Jones. “Tanto el 62 como el 20S tenían un ecualizador de cuatro bandas, por eso el 92 tiene un ecualizador de cuatro bandas, pero el objetivo era mejorar el 62. Aumentamos la amplitud del ecualizador en el corte y en la reproducción. Aumentamos la amplitud del ecualizador en el corte y la redujimos en el realce en las dos bandas de frecuencias medias, y también introdujimos la supresión total en las bandas de frecuencias bajas y altas.”

El 92 también introdujo un nuevo sistema de filtro doble, que anunciaba un gran salto adelante en el potencial para diferentes enfoques creativos de la mezcla. Otros circuitos de filtro de mezclador permitían un funcionamiento básico de HPF y LPF, compartido entre canales, pero el nuevo e innovador circuito de filtro del Xone:92 ofrecía tres tipos de filtro: LPF, HPF y BPF. Se podían activar individual o simultáneamente, en cualquier combinación, y había dos.

“El Xone:92 cumplía muchos requisitos en cuanto a calidad de sonido, diseño y facilidad de uso. Ha dejado a todos los demás mezcladores por los suelos”. - John Digweed

El 92 incorpora otra primicia en su salida MIDI, inspirada por uno de los primeros usuarios del Xone:62. “Richie Hawtin nos inspiró para incluir MIDI, que surgió del Xone:62 personalizado de Richie construido por su padre, Mick Hawtin”, dice Rigby-Jones. “Esto fue en los albores del DJing por ordenador y estaba cinco o más años adelantado a su tiempo”.

“Toda mi primera música Plastikman fue creada con un mezclador de estudio A&H, así que cuando vi que se habían pasado al mundo de los DJ, fue una combinación perfecta para mí”, añade Richie Hawtin. “Se adelantaron a su tiempo con funciones que normalmente sólo encontrarías en mezcladores de estudio, como ecualizadores de cuatro bandas, envíos y retornos de efectos y filtros estéreo multifunción”.

En una fría noche en Shoreditch, Londres, en diciembre de 2003, el Xone:92 -o al menos una versión prototipo- debutó en una abarrotada discoteca Cargo con Hawtin a la cabeza. “Richie fue el primer DJ que puso a prueba el 92 en directo, lo que fue un poco desesperante tratándose de un prototipo”, explica Rigby-Jones. Matt Smith, ahora director técnico de Fabric en Londres, trabajaba en el club por aquel entonces. "Recuerdo el debut del prototipo 92 en Cargo”, explica. “Junto con el equipo de Allen & Heath, lo montamos antes de las puertas con una gran bolsa de piezas de repuesto”.

Tres meses más tarde, en el cálido entorno del Ultra Music Festival 2004 de Miami, con más de 200 artistas repartidos en 11 escenarios, el Xone:92 se presentó oficialmente. “Conseguimos colocar los 92 en casi todos los escenarios del festival”, recuerda Rigby-Jones. “Todos funcionaron a la perfección durante todo el festival, y el último día, mientras me encontraba entre la enorme multitud frente al escenario principal, se me ocurrió que el 92 iba a ser un gran producto. Pero nunca imaginé que, 20 años después, seguiría produciéndose, encabezando las listas de muchos DJs y siendo todavía muy relevante”.

John Digweed afirma que fue en el Ultra Music Fest de ese año cuando el mezclador demostró por qué iba a dominar el mercado durante tantos años. “Cumplía muchos requisitos en cuanto a calidad de sonido, diseño y facilidad de uso”, explica. “Dejó a todos los demás mezcladores atrás”

Pero, ¿por qué sigue siendo relevante después de todo este tiempo? En muchos sentidos, porque todo lo demás a su alrededor ha cambiado. Las tendencias han visto cómo los dispositivos de reproducción pasaban de los platos a los CDJ y a los portátiles –y a veces de nuevo a los platos–, pero el diseño puramente analógico del Xone:92 significa

que todavía puede integrarse en casi cualquier configuración. Si tienes una interfaz o un reproductor multimedia con salidas analógicas, puedes crear tu configuración en torno al 92. “Con el Xone:92 tuvimos, por primera vez, un mezclador que se adaptaba a nuestras necesidades”, afirma Chris Liebing. “Pasamos de tocar de forma totalmente analógica con vinilos a la nueva era de tocar digitalmente con Final Scratch, utilizando ordenadores y controladores”. El Xone:92 también se hizo famoso por su fiabilidad y durabilidad. “Al igual que la gente sigue adorando los mezcladores Urei por su calidad de sonido y su diseño, el Xone:92 siempre ha sido el favorito de muchos DJ, ya que es fiable y satisface las necesidades de la mayoría de los DJ”, afirma John Digweed. “Pero lo más importante para los DJ que se preocupan por la calidad del sonido es que este mezclador es sólido como una roca y nunca falla”. “Llevo usándolo siete años, y mis actuaciones en directo pueden ser bastante duras con el equipo”, coincide Angie Taylor. “Hasta ahora no ha fallado ni se ha dañado nada, es un mezclador realmente robusto y resistente”.

“El 92 es el corazón de mi equipo, es donde todo confluye. Tiene un sonido cálido con una gran suma, que se adapta perfectamente a mi directo, y lo uso como un instrumento”. - Angie Taylor

Bredda Neil, del sistema de sonido King Shiloh, se hace eco de que la flexibilidad incorporada en la interfaz del 92 también ha contribuido a convertirlo en un elemento básico. “Solo había un mezclador que se acercara a nuestras necesidades: el Xone:92”, afirma. “Podías matar los graves, medios y agudos de forma independiente; podías tener una salida mono de graves a los amplificadores; se podían añadir máquinas de eco; ecualización paramétrica en la salida; se podían enchufar varios micrófonos; y había una función de envío y retorno”.

Pero cuando se pregunta a los DJ qué es lo que más les gusta del Xone:92, la respuesta es prácticamente constante: el sonido. Rigby-Jones afirma que todo se debe a los componentes utilizados en el mezclador. “La combinación de todos los op-amp FET en la ruta de la señal, los VCA y los condensadores específicos que hemos utilizado... Todo ello contribuye a la firma armónica del Xone:92. Todo ello contribuye a la firma armónica por la que el 92 se ha hecho famoso”, explica.

Al hablar del mezclador, Héctor Oaks afirma que el 92 ha influido significativamente en su estilo de mezclar todo vinilo. “Es el mejor mezclador de club estándar de todos los tiempos”, afirma entusiasmado. “Suena increíblemente cálido y mezcla de maravilla. Cuando se pone al rojo vivo, confiere ciertas características sonoras a la música. Añade un color único y una distorsión agradable que eleva cualquier buen sistema de sonido”.

Otros DJ, como Paco Osuna y Cristian Varela, coinciden en que el ecualizador y el filtro del 92 lo diferenciaban de sus competidores de la época. Pero no son sólo los DJ tradicionales los que han adoptado el 92. Los artistas que incorporan sintetizadores e instrumentos a sus sesiones han adoptado el Xone:92 por la calidad de su suma analógica. Angie Taylor, que mezcla bajo, voz, Ableton Live y Traktor en sus actuaciones en directo, explica que el 92 sigue siendo el corazón de su configuración en directo. “Es donde todo confluye. Tiene un sonido cálido con una gran suma, que se adapta perfectamente a mi directo, y lo uso como un instrumento”, explica.

“Una generación después de su creación, Xone:92 sigue siendo un estándar de la industria por buenas razones”, dice Al Crombie, especialista de producto Xone en Allen & Heath.

“En una escena de interminables cambios de hardware y creciente ubicuidad digital, el diseño clásico totalmente

analógico de Xone:92 está probado y comprobado, una constante en medio del cambio, que ofrece a los DJ las herramientas básicas para actuar sin prescribir opciones, animando a los artistas a desarrollar un estilo individual.”

Richie Hawtin añade que el mezclador fue uno de los primeros que permitió a los DJ ir más allá del estilo A-B crossfading de mezclar dos pistas juntas, permitiendo una manipulación más profunda del sonido, y posteriormente nuevos enfoques creativos para mezclar y estratificar la música.

“Debido a su bonito diseño, calidad y sonido, el Xone:92 se convirtió en el modelo a seguir para muchos mezcladores”, añade Chris Liebing. “Siempre será el OG y, puesto que es un mezclador atemporal, es tan increíble hoy como lo fue entonces”.

Fotografias cedidas por OFFSONAR

FUSE EN OFFSÓNAR

Grooving

all day long

Autora: Caterina Günther

El pasado sábado 15 de junio, el Poble Espanyol se transformó en un crisol de música electrónica y cultura global con la llegada de FUSE London, un evento que no solo prometía una experiencia y un line up de primer nivel, sino que también ofrecía una mezcla de lo contemporáneo con lo histórico. Ubicado en la céntrica montaña de Montjuïc, este enclave urbano recrea la arquitectura y el encanto de pueblos españoles, ofreciendo un telón de fondo incomparable para la oferta del reputado festival OFFSónar.

OFFSónar fue mucho más que un evento musical, ya que se ha posicionado como una manifestación de cómo la música electrónica puede transformar y revitalizar espacios urbanos históricos.

Cada año, OFFSónar atrae a una audiencia global de amantes y seguidores de la música electrónica, quienes buscan no solo disfrutar de las selecciones únicas de sus artistas favoritos, sino también sumergirse en una experiencia que fusiona lo sensorial con lo estético. En este contexto, FUSE London se erigió como uno de los principales protagonistas, llevando su reputación internacional como pioneros en la escena electrónica desde las calles del este de Londres hasta los escenarios más destacados de Europa.

En el epicentro de esta experiencia musical estaba el Monasterio del Poble Espanyol, un lugar histórico que se alza sobre la ciudad ofreciendo vistas panorámicas que fascinan tanto a los artistas como a los asistentes. Aquí, FUSE se encargó de traer un despliegue de audiovisuales y un line-up cuidadosamente curado que incluía desde nuevos talentos emergentes como Locklead y Julian Anthony hasta leyendas de la escena electrónica mundial como Sonja Moonear o Apollonia.

Desde el primer momento que pisé el Poble Espanyol, quedó claro que la lealtad de los seguidores británicos hacia la marca es innegable. Una multitud entusiasta y diversa se congregaba, cada uno vistiendo la moda distintiva de la escena underground, exhibiendo una gran devoción por la música y la cultura que FUSE representa.

Los primeros acordes de Laidlaw, el cofundador de Beeyou —quien ha creado un movimiento centrado en crear una atmósfera definitiva para perderse en el sonido—, resonaron a través del espacio, y los cuerpos comenzaron a moverse al ritmo de un techno hipnótico que marcó el inicio de una jornada prometedora.

A medida que avanzaba la tarde, el cielo sobre el Monasterio cambió de tonalidad gradualmente mientras Apollonia, el legendario b3b formado por Dyed Soundorom, Dan Ghenacia y Shonky, se apoderaba del escenario. La mezcla de clásicos house y elegantes, como el mítico Intellidread Mix de DJ Assassin ‘Face In The Crowd’, transportó a la audiencia a un estado de trance colectivo, con aplausos que resonaban entre los muros antiguos de recinto. La fusión de la música y el entorno creó de ese momento experiencia sin igual, realzada por la presencia de aves que parecían observar la celebración desde lo alto, añadiendo un toque de magia al ambiente.

En la Carpa & Picnic, la escena era igual de fascinante. Julian Anthony, DJ y productor de música house nacido y criado en Los Ángeles, y Locklead con su aclamado live act deleitaron al público recién llegado con una selección musical que resonaba a través del vasto espacio, donde el meticuloso diseño y las impresionantes proyecciones visuales complementaron perfectamente con la energía creada.

El logo distintivo de FUSE, un águila majestuosa, parecía estar en perfecta simbiosis con los pájaros que danzaban sobre el cielo de Barcelona, mientras los primeros rayos del atardecer pintaban el horizonte con tonos cálidos y dorados. Este contexto, combinado con la energía que ya de por sí des -

prende la música house, creó un ambiente mágico desde el inicio del evento hasta los últimos acordes que se desvanecieron en la noche.

Uno de los momentos más memorables fue cuando Enzo Siragusa tocó el tema ‘Jack’ de Jonatas C justo cuando empezaba a oscurecer. En las pantallas detrás de él, mientras se podía ver cómo saludaba a toda la gente de la industria, se proyectaban visuales de formas geométricas que complementaban perfectamente la arquitectura triangular del escenario.

En el mismo tiempo, Janeret, propietario del sello Jule Imprint, dejó una marca indeleble en el otro escenario, la Carpa & Picnic, con su enfoque tan propio de género house. Su habilidad para contar una historia a base de tracks antiguos y modernos —que variaban desde el house más puro como ‘1 2 3 4’ de DDD hasta el electro más oscuro con el nuevo release de James Shinra— atrapó a los asistentes, quienes respondieron con movimientos sincronizados durante la hora y media de set.

Para cerrar la noche, Saoirse y Sonja Moonear protagonizaron un back-to-back inolvidable en el Monasterio. A pesar de llegar recién empalmando otro bolo unas horas antes, Sonja Moonear llegó cargada de energía, lista para hacer bailar a la gente un par de horas más. Esta fue la primera vez que Saoirse y Sonja compartieron el escenario en un b2b, y al pertenecer a dos escenas un poco distintas, la expectativa del público era evidente. Su actuación superó todas las expectativas, mezclando sus estilos únicos y compartiendo sus mejores vinilos con los partygoers.

Mientras tanto, Rossi. y Traumer despedían a la multitud en la Carpa & Picnic con dos sets cargados de emotividad y poderío. Traumer deleitó al público con sus edits bailongos, mientras que Rossi. rompió la pista con temas como el unreleased de Watchers, ‘Sunrise’, que tiene ese sonido con tintes Chris Stussy que tanto gusta a los amantes de FUSE.

Los asistentes, inmersos en la música hasta el último momento, despidieron la noche con una mezcla de cansancio y satisfacción, conscientes de haber sido testigos de un evento inolvidable en esta primera edición de FUSE en OFFSónar. La sinergia entre los artistas y el público, junto con la impecable producción y el ambiente, aseguraron que esta celebración se estableciera como un evento imperdible, convirtiéndose en una parada obligatoria durante la semana del Sónar.

Fotografias cedidas

Críticas | ÁLBUMES

Autor: BRUNO GARCA | bruno@djmag.es

JEFF MILLS

The Eyewitness Axis

Con una intro tan brutal como ‘In A Traumatized World’, el curtido Jeff Mills nos demuestra (una vez más) que no es de este mundo, aunque sea el sitio donde finalmente ha despuntado como uno de los mayores artífices del Techno y el sonido Detroit más futurista. Ese estatus de visionario de la electrónica vuelve a ser palpable en ‘The Eyewitness’ donde el letrado sigue justificando que compone y se dirige a sí mismo sin imposiciones externas. Un LP donde, además de desprenderse de la materia más contundente de su temario, se revelan temas de la condición humana y la autorreflexión (el trauma y su desconcierto). Mills nos invita a vagar por su mente con una escucha marciana harto imantada. Alcanzo la parada final, ‘Indoctrination’, y es evidente, me acaba de intervenir.

SEPH

Séptimo Sentido Lapsus Records

En el nuevo proyecto que sale a la luz encumbrado y barnizado desde la escudería Lapsus hay ritmos rotos, bajos poderosos y sonidos electroides palpitantes. Melodías de las que empapan nuestros sentidos, también. Uno de esos discos donde el poder de lo oscuro, del tempo felino, de lo paisajístico, se propaga de principio a fin. Pasiones autómatas y convulsiones sin tregua en los diez cortes del bonaerense Sebastián Galante, aka Seph. Gracias a este nuevo LP he ido tirando del hilo y descubriendo el enorme talento y recorrido de este productor. Desde ya, y con pocas dudas, uno de los personajes más interesantes de la actualidad de la escena electrónica latinoamericana. IDm y breaks con aires renovados en un largo donde destacan títulos como ‘Azure’, ‘Felina’, ‘Polycrom’, ‘Fictions’ o ‘Felina’.

Lo que más me ha sorprendido de este disco -álbum debut del colectivo The Big Tusk- es su caudal creativo entremezclando jazz, con techno y un sinfín de malabarismos esotéricos y electrónicos. Lo primero que hice después de escuchar el LP por primera vez fue buscar algún directo de estos franco-suizos. Y justo me encontré con una jam session en el festival de Montreux. Son jóvenes y está claro que han aterrizado para revolucionar la escena europea del nu-jazz. La fusión es total así como el dominio de instrumentos clásicos y otros más actuales (alguna máquina de sampler incluida). Es cierto que cuentan con piezas, fragmentos realmente sorprendentes, que aunque deriven de otros géneros muy asentados, llegan a resultar innovadores… pero no, no es un grifo del que todos beberéis. Bordan su propuesta entre la vanguardia y el riesgo.

Decididamente, un álbum inclasificable y altamente colorista. Jean-Gabriel Becker y Susumu Mukai vuelven a juntarse para de nuevo llevarse por la curiosidad, la pasión por dejarse llevar explorando y estirando la multitud de posibilidades del sonido. Encerrados durante largas jornadas en su estudio de Londres, la pareja apuesta claramente en este capítulo de sus carreras por las texturas disco psicodélicas, World Music, el house mutado con el dub e ideas de tinte oriental. Una bendita locura perfecta para trasnochar. Elásticos, sobrados y atrevidos, nos empujan a una bacanal de percusiones orgánicas e improvisadas, melodías bizarras y en definitiva, un sonido cautivador. Enriquecen más si cabe las posibilidades y pluralidad del LP, la participación de artistas como Alexis Taylor (Hot Chip), Yama Warashi, Kadialy Kouyate o Fimber Bravo.

Al contrario que con los anteriores, he visto actuar en directo -y, literalmente soltarse la melena en el Anomalie Art Club de Berlín- a este hábil pianista, antes de oír su LP. La mezcolanza del germano-iraní con residencia en Ibiza es muy válida. Su formación clásica y virtuosismo con las teclas no son rivalidad para una manera de entender la música electrónica de baile cristalina y amena. Es techno y es house sin carreras extremas y sí mucha alma. Cuando incluso se arrima a sonoridades más soulful, sumando voces -así ocurre con ‘Gaze Up’ junto a Antonio Blakstad- el cuadro que se nos presenta es tan rico como hermoso. Uno de esos temas que resonarán a pie de costa todo este verano. El disco luego ofrece variantes. Incluso rebaja el tempo en una especie de tributo al ‘Find My Baby’ de Moby (‘Eternity’).

THE BIG TUSK It’s Alive Jazz-O-Tech Records

BECKER & MUKAI Spirit Only Sas Recordings

ROSBEH Fortunate Day Good Company Records

Críticas | ÁLBUMES

Autor: BRUNO GARCA | bruno@djmag.es

RADIO SLAVE

Venti

Rekids

Cosas que pasan. Escabullido entre un montón de lanzamientos tenía el nuevo largo del respetable Radio Slave. Lo retomo aprovechando la remezcla que me acaba de llegar de Lindstrøm para ‘Amnesia’, uno de los temas del LP, y que no para de resonar en mi cabeza la particular versión que se ha marcado Matt Edwards del ‘Can’t Get You’ (Kylie Minogue). Es sin duda uno de esos trabajos que han nacido para inundar un verano siempre necesitado de ‘hits’, rictus y ropa fresca. En veinte años de carrera, y mandato por momentos, el veterano artista ha sido muy consciente que sonidos de club quiere reflejar. ‘Venti’ representa estas dos décadas de historia, a la vez que marca su presente y futuro. Ciclos marcados por el house, el sonido disco y la soberbia de una pista de baile a rebosar.

SOLPARA

Melancholy Sabotage

Other People

Otro debut, y otra propuesta donde convergen oriente y occidente. Aunque luego no se note mucho en el sonido. Es el conocido y respetado Nicolás Jaar quien tiende su discográfica Other People a la música del artista libanés-estadounidense Solpara. Reside en Nueva York, aunque ahora, precisamente en el mes de julio, lo tendremos actuando muy cerca (Lisboa). Su planteamiento consta de una malla de texturas electrónicas, ambientes desolados y ritmos cíclicos casi siempre abatidos (con el permiso de ‘Measures’ y ‘Breaking Points’, donde el electro-funk, el acid y una pizca de aceleración hacen acto de presencia). En cualquier caso su narrativa es sutil, eso que también sondea el grano de lo industrial y del techno. Y los bombos sacan un poco sus colmillos en experimentos espectrales y urbanitas como ‘We Don’t Owe’.

NIN3S

Beginning (The Revision) N3s Music

El amigo y compañero Nin3s, antes conocido como Uner, continúa inmerso en una hermosa batalla personal con su ingenio. Se publicó ‘Beginning’ (The Revision), una confrontación electrónica de los nuevos temas a piano, en largo formato. El resultado es tan hipnótico como punzante. Acústico y eléctrico. Visual y sensorial. Advierto que el directo que se trae entre manos -y que tuve la suerte de asistir a su preestreno en Madrid- es una obra de ingeniería lumínica y artística. Volviendo al plano musical, lo único que amenaza al leridano es su propia decisión de componer con finura y perfección. Un modelo de cómo los ambientes neoclásicos deben encontrarse con estructuras electrónicas para nada embarradas. Eso que el pellizco épico puede aparecer en cualquier momento, como sucede en ‘Creatures’ (9s Revision)’ o ‘Void And Dark’ (9s Revision).

ATELIER

Lights Towards The Exit Lossless

El dúo se ha vencido, definitivamente rendido, hacía unas sonoridades más urbanas, sintéticas y pop, en detrimento de los ambientes costeros de algunos de sus trabajos anteriores. Atelier canaliza los estados de ánimo de la vida en la ciudad en un disco, ‘Lights Towards The Exit’, donde precisamente las luces se apoderan de las sombras, y viceversa. La dupla sudafricana formada por Jás Miszewski & Alexander Inggs disfrutan creando una música profundamente personal, de la que deja cicatrices. Con nuevas técnicas de grabación, también nuevos instrumentos, nos presentan un largo donde transitan, más bien conviven, hasta diez piezas donde con un tirón en el corazón nos hará bailar a la vez que nos relatan cómo van pasando páginas en esta vida. Bálsamo para el dolor a modo de beats engañosos, sintes, guitarras y vocales de lágrimas en la garganta.

‘House Of Others’, eso oculta el título del recopilatorio. Un primer volumen que suma catorce cortes que harán las delicias de los discípulos del house más underground, de grooves clandestinos y con una base queer y/o POC. Un temario que nos servirá de dopamina y salvavidas para todos los que gustan de desobedecer las reglas y los ritmos mamados. Artistas como Akumen, Panooc, Jacki-E o Don Esquivel nos reconectan con el mejor sonido house de metrópolis como Nueva York, Chicago, Detroit o Toronto. Un mapa de algún modo inexacto, a la hora de mirar el libro de familia de los artistas reunidos (México, Los Ángeles, Berlín), pero sí para guiarnos sin pérdida por la firma original de unos enclaves donde las personas queer y de color se revelaron siendo los primeros arquitectos de lo que se convirtió en un fenómeno cultural dominante.

VVAA HoO Vol. I

Others To The Front

Críticas | UK GARAGE

Autor: BORJA COMINO | borja@allinpress.com

MANGA SAINT HILARE

Everything Is Under Control MNRK UK

Matthew Reid ha sido una figura clave en el rap británico durante la mayor parte de su vida, aunque a menudo se pasa por alto en la historia del grime y sus diversas ramificaciones. Ha pasado dos décadas desarrollando un estilo narrativo complejo y en constante evolución tanto en solitario como con la banda Roll Deep, a la que se unió en 2004. Ahora, en su nuevo álbum abarca las últimas dos décadas del rap británico con una fluidez impresionante, destacando las diferentes facetas de Reid como letrista. Lo que convierte a este álbum en un pepino es, además de la versatilidad de Reid, la producción de MoreNight. Hay influencias de dubstep ‘Coulda Been’ , amapiano ‘U Be U’, mucho garage oscuro ‘Get Yourself Together’ e incluso inesperados guiños al EDM. Para un MC menos hábil, esto podría ser abrumador, pero Reid navega por estos géneros como pez en el agua.

THE LOST HIGHWAY Teklife Records

El siempre prolífico DJ Manny vuelve con esta colaboración con su viejo amigo y colega TCJ. En este proyecto, los dos adoptan un enfoque completamente instrumental que, aunque sigua utilizando motivos de footwork como marco, se mantiene bastante más al margen del género y se decanta un poco más por Chicago que por Londres. Flautas rollo psicodélicas sobre bajos un montón de breaks conviven con un contexto ambient relativamente armonioso, y aunque los graves son a menudo intimidatorios e inquietantes, el mensaje general es meditativo e introspectivo. Aunque es fácil caer en el chliché y englobar todo lo que Manny hace en el marco de los 160 BPM (basándose en su estatus legendario) la gente suele olvidar lo versátil que es. Hace un par de meses, Teklife conmemoraba el décimo aniversario de la muerte de DJ Rashad montando eventos en varias ciudades distintas del globo. El pionero del footwork, fundador de Teklife junto a DJ Spinn va a estar siempre atado al nombre de Manny, quien sabe honrar su memoria con trabajazos como este ‘The Lost Highway’. LOGIC1000

I. JORDAN

I AM JORDAN Ninja Tune

A lo largo de su carrera como DJ, I. JORDAN no ha dejado de ofrecer música de baile de alto octanaje. Al principio, sus producciones coincidían con el sonido de sus sets, pero una vez fichó por los magnates del dance Ninja Tune, aflojó un poco el pie del acelerador. Eso supuso pasar de una movida bastante más dura con producciones punta como 'Warper' a jubilosos éxitos house como 'For You' y 'And Groove’. Consciente de que las mejores fiestas están llenas de energía y emoción, el álbum de debut de I. JORDAN, se compone de temas que pegan fuerte como ‘Round n Round’ y ‘The Countdown’, mientras que deja espacio para baladas de sintetizador como ‘Pathetic Fallacy’ y ‘People Want Nice Things’ El proyecto rebosa felicidad, expresando la alegría de haber cimentado una identidad, tanto artística como personal.

02.

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El secreto, al menos en el caso de Poulter, reside en el núcleo fundamental de su producción: los graves. De buenas a primeras, ‘Mother’ saluda al oyente con un chirriante y limpio amen break antes de sumergirse de cabeza en una oscilante Reese bass que haría vibrar incluso a los ravers más hastiados. Eso sólo en los primeros 30 segundos. A partir de ahí, construye el resto del álbum presentando diversos estados de ánimo. Eso así: las ganas de que este disco se ponga en las pistas de baile se filtran por cualquier rincón que se le presente. Incluso los temas deep house aparentemente vainilla, como 'Side By Side' o 'Saint Rex', encuentran la manera de ser muy bailables. El tema más exitoso del álbum, ‘Promises’, presenta a Poulter ajustando ligeramente el estado de ánimo con pinceladas de sintes bajando el tempo, evocando matices de Kaytranada e igualando los melancólicos cantos de Rochelle Jordan.

SPANDREL

Spandrel LP Pt. 1

Shyam Anand

Shyam Anand, alias SNAD, y, en este caso alias Spandrel -también un tercio del trío Mothership junto a Jakob Seidensticker y George Boronas- no es solo un hombre con muchos alias; también es un obseso de la música. Su presencia típicamente animada pero como si no requiriera esfuerzo se materializó con la presentación de un álbum través de Ba Dum Tish que juega con el lado más groovy de la música house, el break y el UKG. Su siguiente LP ‘The Intergalactic Gambler’ fue en un nuevo sello de Ben Boe llamado Retro Future Space Agency y que se adentra en territorios más profundos y triposos. Se trata de "música MPC con una inclinación por los sintetizadores hardware retardados y reverberados", como él mismo la describe. Admite que no podría vivir sin su MPC1000, que es el núcleo de todas sus producciones, junto con otros equipos muy queridos, como su Roland JX-3P, el E-mu Proteus 2000 y el E-mu Orbit.

01. STEVE GURLEY, PAT BEDEAU, CHANEL - ‘Just Can’t Wait’ [Strictly Music]

SZARE ‘Kodiak’ [Different Circles]

KORELESS - YONDER [Young]

04. OTIK ‘Theta’ [3024]

05. TATYANA JANE ‘Infernal Circle’ [NAAFI]

SEMPRA - WILL U B THERE? [Headroom Records]

07. YUNÈ PINKU - DC ROT [Platoon]

08. HENRY GREENLEAF ‘Put By’ [Redstone Press] 09. BURIAL ‘Phoneglow’ [Hyperdub] 10. EKHE ‘New Kicks (ft. Elvin Brandhi)’ [Loose Lips]

DJ MANNY, TCJ

ROBOT84

Cosmic Accident

ROBOT84

Críticas | HOUSE

Autor: ALEJANDRO SERRANO | alejandroserranopr@gmail.com

En su último lanzamiento bajo el nombre Robot 84, el productor Scott Ferguson despliega todas las cualidades del house y el progressive, han hecho de sus discos un éxito globa. Su sonido ecléctico y dinámico, explora nuevos horizontes musicales. Se podría decir que tiene una capacidad singular para fusionar sonidos y estados de ánimo ha fascinado a su público. Su último trabajo, homónimo, incluye versiones tanto vocales como instrumentales. El resultado es un trabajo de contrastes, capaz de suspendernos en el vacío, a base de sutiles melodías suaves y etéreas. Este trabajo puede y debe escucharse como una porción de música atemporal, que diseña un sonido amplio y frágil para escuchar y sentir desde lo más profundo.

DUNCAN THOMAS

The Check In 006

The Check In

El sello The Check In nos presenta el EP 006 de Duncan Thomas. Los conocedores de los grooves minimalistas reconocerán su estilo único, que difumina las líneas entre lo profundo y lo alegre. El EP comienza con ‘Espresso Tonic’, una pieza profunda y eufórica con sintetizadores duros y ritmos de batería contundentes. Luego, ‘Movin’ To The Sound’ revela el lado jazzístico de Thomas con sintetizadores y progresiones de acordes etéreos.

En el lado B, 'See You Never’ nos transporta a un ambiente de festival con un swing marcado, un lead potente y acordes de sintetizador tipo láser. Finalmente, ‘Hello Out There’ cierra el EP con el toque más soul de las cuatro pistas, presentando acordes nostálgicos y una línea de bajo que evoca recuerdos en la pista de baile. Este EP es una muestra diversa de las influencias que han moldeado el sonido de Thomas, prometiendo mover a cualquiera que lo escuche y catapultando su sonido más allá de las pistas.

J GABRIEL & SHAUN REEVES

Delivery EP

Onysia

El neoyorquino J Gabriel ha sido durante mucho tiempo un devoto de la pista de baile en su propia ciudad, y durante la última década, se ha labrado un nombre como DJ y productor a través de lanzamientos en colaboración de artistas como Mike Shannon, en su sello Cynosure.

Ahora está de regreso junto al productor Shaun Reeves en Delivery, un trabajo donde se expresa una apabullante química entre el dúo, todo ello encapsulado en una música de baile actual, sin perder el alma y la autenticidad por el camino. Una química que se siente sin esfuerzo y que nos lleva a fluir sin descanso por cada uno de sus temas. Cada tema apunta a hit, y aunque se estrene ahora este disco, puede que escuchemos algunos de sus apabullantes tracks el próximo verano en los mejores clubs.

DRIVETRAIN

2SMILE Manitou Ondawey Music

Manitou’ marca otro hito para el dúo francés 2smile al presentar su última propuesta en el prestigioso sello Ondawey Music. Profundizando en la introspección, la pista entreteje texturas ricas y melodías cautivadoras, atrayendo a los oyentes hacia su abrazo melancólico.

A través de progresiones de acordes hipnóticas, vocales envolventes y un ritmo implacable, 2smile crea una experiencia en la pista de baile que resuena tanto con ravers reflexivos como con el público hogareño. ‘Manitou’ es un testimonio del talento del dúo para crear viajes musicales inmersivos que trascienden fronteras y evocan emociones profundas. Música, en definitiva, para hacer estallar las mejores salas con una calidad que no tiene parangón.

DEREK RUSSO Special Occasion EP Broad Channel

Vuelve el prolífico artista Derek Russo, con su último EP Special Occasion, lanzado bajo su propio sello Broad Channel, disparando una amplia gama de swagger club con un elegante y pirotécnico house, pensado para hacer estallar a cualquier hora del día… y del club.

Este disco es un viaje que nos lleva desde el hechizante y retumbante Celestial Machine hasta el trabajo inspirado en Detroit con Yearning 4 Love, demostrando, una vez más, que para él cada track ofrece una experiencia única en la pista de baile. Los ritmos más psicodélicos y los acordes más flagrantes se unen, en una pieza que rezuma introspección a base de sintetizadores y toneladas de breakbeat, ideal para hacer retumbar los bailes a altas horas de la noche

01. SEBB JUNIOR Sound Of Life’ [Reel People Music]

02. DRIVETRAIN ‘The Moonlight’ [Soiree Records International]

03. 3. CLEMENT SPARK ‘With The Drummer’ [Bob’s Your Uncle Records]

04. 4. MIKE NEWMAN ‘Find Your Way’ [Panthera]

05. 5. SPHERAQ, CRUIZE ‘Momma's Groove’ [Bush Doctor Recordings]

06. 6. MAZ PALMER ‘Change’ [Delve Deeper’ Recordings]

07. 7. KRIS RAMEA, MR. V ‘As The Tables Turn' [Salted Music]

08. 8. G-PROD ‘Moonlight’ [Soiree Records International]

09. 9. KEVIN YOST ‘Taste’ [I! Records]

10. 10. DAM

Recordings]

SWINDLE ‘Soul's Lament’ [Heist

Críticas | DRUM & BASS

Autor: DANIEL PANIAGUA AKA D-PR | drumandbass@djmag.es

GDS & LUCA SYN FEAT. SEIRGIO JACKSON

Alone Fokuz Recordings

La combinación del inglés GDS y del italiano Luca Syn no es desconocida para la escena de Drum & Bass nacional, y en especial la madrileña. Ambos debutan en el mítico Fokuz Recordings con dos sencillos con el vocalista Seirgio Jackson donde destacamos ‘Alone’, un tema con muchísima emoción en las vocales que, acompañadas de un synthe al frente y unos preciosos pads y subgraves al fondo, hacen de este un tema del que disfrutar en un club o con unos buenos auriculares.

ZAR

Rivulets

Tabula Rasa Records

Está claro que los ritmos rotos y el jungle están más fuertes que nunca y para muestra, un botón. En ‘Rivulets’ nos encontramos con una auténtica maravilla de tema de jungle o breaks más experimental, con energía de música oriental que en combinación con las vocales, subgrave y el amen break tan marcado, hacen de este una pasada de tema que tiene una progresión preciosa de principio a fin.

IMPISH Refined Occulti Music

El ruso Impish es uno de esos artistas que siempre tengo en mi radar, ya que cada cierto tiempo siempre saca algo que me vuelve a sorprender. Esta vez lanza otros dos sencillos por su propio sello Occulti donde destaco ‘Refined', un tema de corte liquid, perfecto para este verano con una progresión armónica de piano, unas buenas baterías y unos subgraves delante, los cuales conviven todos a la perfección y en armonía.

LOKAL FEAT. FREDDY B

Fine Lines

Delta 9 Recordings

El trío de productores afincado en Manchester aterriza en el sello de Bérgamo con dos nuevos sencillos. El que destaca sobre todo es ‘Fine Lines’ en colaboración con MC Freddy B, con quien crea un trabajo espectacular y, combinando ambos drops con un synthe arriba, consiguen hacer de este un tema perfecto de deep drum & bass underground al cual nos tienen acostumbrados desde el label Delta 9. BAD LEGS Metamorphosis Gutting Audio

GONXAN [FUMANY DJS]

Uno de los estandartes del breakbeat andaluz es Bad Legs, que no es un extraño produciendo Drum & Bass. Después de un largo tiempo aterriza con su álbum Metamorphosis en el sello nacional Gutting Audio con una auténtica bomba neurofunk rompe pistas. El tema que abre el álbum resume sus dos pasiones a la perfección con un primer drop de neurofunk contundente y un segundo de tearout. ¡Menudo banguerazo!

01. BITSUNE & M'GO FT LYA ‘Don't Care’ [Simplify]

02. DAWN WALL FT. ANNI ‘Sinner’ [UKF]

03. UNKNOWN ARTIST ‘Enjoy The Silence’ [Fokuz Rocordings]

04. KASHIN FT. ZLAYASYKA ‘Ping Pong’ [Hor Records]

05. APPARITION ‘Salvation’ [Pilot.]

06. QZB FT. CHARLI BRIX ‘Take It All’ (Halogenix Remix) [Critical Music]

07. SIMULA ‘Angels’ [Simula Audio]

08. DUB ELEMENTS ‘Devices’ [Elevate Records]

09. ZED BIAS FT BOUDAH (SKEPTICAL REMIX) ‘Pick Up The Pieces’ [Exit Records]

10. MODESTEP & SOTA ‘Another World’ [Monstercat]

Críticas | BREAKS

Autor: EDUARDO CARBONELL | evilsound@djmag.es

REBOOT, DAVID GTRONIC

Head's Above Water Personality Disorder Music

El productor colombiano David Gtronic, residente en Berlín, publicaba recientemente su nuevo álbum 'Head's Above Water' en colaboración con Reboot. Desde 2009 ha demostrado su habilidad para moverse por distintos géneros de la electrónica, publicando por sellos como Peak Hour Music, Fly Records, Serkal, Monique Musique, Kina Music, Vatos Locos o LW Recordings entre otros. Por su parte, el productor alemán Frank Heinrich, aka Reboot, es otro peso pesado del house y el tech, que ha publicado por sellos como Cadenza, Cocoon, Defected, SeiEsDrum, Moon Harbour, Circus, Renaissance, Below o Cecille. Ambos se alejan de sus habituales four-on-the-floor para crear un larga duración de 11 pistas donde predominan los ritmos rotos, destacando los geniales 'Deception', 'Orlando Bass', 'Mind Games', 'Loose' y 'Leave Your Body'.

RENNIE PILGREM

Unknown

TCR

Vuelve el padrino del breaks a nuestras páginas con nueva música, esta vez retomando su mítico sello TCR. El inglés Rennie Pilgrem es de sobra conocido por los amantes de los ritmos rotos como precursor de la ola nu skool breaks de finales de los 90 y principios de los 2000, lo que pocos saben es que este ecléctico artista también es pintor y escultor. En cuanto a la música, como decía, fue precursor del nu skool, pero también formó parte de la anterior escena breakbeat hardcore y ha tocado multitud de géneros a lo largo de su carrera. En esta ocasión nos presenta dos producciones de corte breakbeat noventero, titulados 'Unknown' y 'Command', un género que está viviendo un espléndido resurgir tras la pandemia.

BLAU TRANSITION

Open Heart 83

El onubense Blau Transition es una figura muy representativa en el sur de España, conocido por proyectos como el club de música electrónica Templo Transition y por su masiva rave anual al aire libre Transition Festival. Comenzó su carrera en 2001 trabajando para la tienda Another Dimension Records, hasta que en 2004 se trasladó a Escocia. Esta estancia y su posterior traslado a Alemania en 2006, donde descubrió el trance, le hicieron orientar su carrera hacia el lado psytrance. Desde hace un tiempo nos viene ofreciendo esta visión psicodélica fusionada con los ritmos rotos, como es el caso del EP que nos ocupa, o de otros lanzamientos como 'Institution' y 'Mystical Frequencies' bajo el sello Close Your Eyes o 'Breaking Rules' y ‘Da Bad Boy’ bajo 333 Frequency.

ADAM VYT When I Feel Like 13Monkeys Records

El DJ y productor gaditano Adam Vyt, una de las cabezas visibles del sello 13monkeys Records, nos presentaba recientemente el single 'When I Feel Like'. Después de un tiempo sin material original, nos ofrece una excelente producción que mezcla acid, funk y breakbeat a partes iguales. También publicaba hace unos meses el remaster de su pistero breakstep 'Vytline', así como el EP 'Remember The Time' con los raveros 'Everything You Need' y 'Mysterious (Vocal Mix)' y el vinilo 'The Bond Of The Monkeys Part.1' junto al otro señor de la casa Sekret Chadow, donde Adam incluía su precioso track 'Hechizo' en versión remasterizada y Chadow sus pistas 'Coffee In The Sky', 'Age Zero' y 'Heaven Kingdom', esta última junto a Kool Fortynine.

CITYBOX Are You Ready Distorsion Records

Para los amantes del sonido más pistero, qué mejor que uno de los sellos nacionales más representativos, Distorsion Records. Entre sus novedades destacamos el nuevo single del dúo ucraniano Citybox, formado por Eugene y Alex, aka Mechanical Pressure. Una potente producción de neurobreaks perfecta para partir la pista. Tampoco te pierdas otros grandes lanzamientos como el breakbeat industrial del también ucraniano Bios Destruction en 'Space Addiction', 'Push And Rush' y 'Future Control', o los rompepistas 'Left & Right' de la dupla nacional Pray For Bass, compuesta por Kuplay y Manu Twister, 'Shooter' y 'Fuck Yeah!' del gaditano NVTHEC, en colaboración el segundo de ellos con el también gaditano Orebeat, y 'Master Jay', un combo realizado por Bad Legs, Jose Rodríguez, Norbak y DA FISH.

01. PLUMP DJS ‘All I Want (Original Mix)' [etcetc AU]

02. THE DARROW CHEM SYNDICATE ‘Droppn (Bad Legs & DA FISH Remix)’ [Nipponeer Records]

03. UNDER THIS ‘The Bull (Original Mix)’ [Toast and Jam Recordings]

04. THE DARROW CHEM SYNDICATE ‘Sinister (Original Mix)’ [Nipponeer Records]

05. X PROD ‘Classical (Original Mix)’ [Distortion Records]

06. CITYBOX ‘They Lie To Us (Original Mix)’ [Distorsion Records]

07. JOY ORBISON ‘Flight Fm (Original Mix)’ [XL Recordings]

08. HAWKE, GOD WITHIN ‘Acid Funk ( Rabbit in the Moon’s Turn On Mix)’ [Dirtybird]

09. BIOS DESTRUCTION ‘Rits (Original Mix)’ [Elektroshok Records]

10. MPH ‘Overrated (Original Mix)’ [MPH UK]

Críticas | ELECTRO

Autor:

FEDE CORTINA | fede@djmag.es

TOOLS 4 SEDUCTION

Temptation (Charm mix)

Desencanto Records

Este misterioso EP es la segunda referencia del sello Desencanto, dirigido desde su base secreta en Buenos Aires. El track ‘Temptation (Charm Mix)’ es, a mi parecer, el que más destaca del disco por su estilo que trasciende géneros, convirtiéndolo en un track atemporal. Cuenta con una base bien marcada en 4x4, un snare sobresaliente en la mezcla y un bassline demoledor, aunque realmente lo que le distingue es la serie de sintetizadores con arpegios que añaden una capa de romanticismo, suavizando y haciendo más llevadera la composición. Podría decirse que este track cuenta una historia de principio a fin, aunque el resto del EP no se queda atrás.

Escape Velocity AW001

La residente de Fabric London lanza su sello White Label. Este disco cuenta con dos tracks que oscilan entre Electro, House y Techno. El track A1, ‘Escape Velocity’, mantiene una atmósfera especial, con un beat trabado y un bassline abrasador que vienen acompañados por una línea clásica de acid que intensifica el track hasta que los chords y fx de fondo unifican todo este complejo y efectivo track. Otra cosa que podría destacar de este track es el buen trabajo de arreglo con los cambios y juegos de hats perfectos.

VILLAÇA EXIO SUL FEAT. PHORO

Stranger EP

DFR Records

En el tercer lanzamiento del sello DFR de Raphael Carrau, debuta Villaça, un productor brasileño. En el track ‘Exio Sul’, donde colabora con la productora uruguaya Phoro, encontramos un sinfín de emociones diferentes. Las melodías que penetran la mezcla, junto con una vocal que acompaña durante una parte del track, se fusionan perfectamente con el bassline y percusiones propias del electro. Este lanzamiento potente es perfecto para aquellos que buscan un toque de oscuridad en sus sets, sin perder la delicadeza.

ILDEC [TIME TO PANIC RECORDS]

BREAK 3000 STR & Tim Tycoon

Second Wish (Break 3000 remix)

Break 3000 presenta esta reedición especial en vinilo de algunos clásicos muy buscados de Electro Clash del período entre 1998 y 2003. Este track es un remix hecho para el legendario sello Pocketgame de Alemania en 2003 de ‘STR & Tim Tycoon’. Esta es una canción absolutamente excelente y hasta el día de hoy es una de mis producciones favoritas de Break 3000. Contiene un electro puro con el bassline estridente que tanto caracteriza al productor, sintetizadores con melodías hipnotizantes y no podía faltar un breakbeat en la bajada que no entiendes si es otro track o continúa el mismo. Si te gusta el electro duro, no dejes de escuchar a este artista.

Wrapped in Latex, in Berlin, Alone Physical Education Records

El último lanzamiento de Physical Education, un label que particularmente me encanta por su diversidad, siempre ofrece algo distinto y sin restricción de géneros. En este release número 18 del sello, tenemos a Pletnev con un estilo demoledor. Aunque no sea estrictamente electro, sus influencias abarcan géneros como techno, trance, electro y house. El track B2, el más electro del EP, se compone de una base break con un gran groove, una acid line que recorre todo el track y una atmósfera pesadísima que, bien utilizada, hipnotizará muchas pistas de baile. El resto del EP es fuerte y equilibrado. Uso y recomiendo este discazo.

01. SOLVENT ‘Formulate’ [Ghostly International]

02. NATIVO ‘Pianeta Ursula’ [Incoherentdebts]

03. ILDEC ‘Trainspoting’ [Exarde]

04. NOBOOT ‘404’ [Undersound Recordings]

05. ULYSSES ‘Dream ‘n’ Trance’ [NOOM Records]

06. PINK SLOW MOTEL ‘Yellow Sky’ (Rizo Yum Remix) [Pink Slow Motel]

07. DJ LO-TEK ‘Reznet’ [The Comfort]

08. PLASTIC MACHINE ‘Letat De Mon Espirit’ [Rapid Eye Movement]

09. CENTRAL INTELLIGENCE ‘Virtual Visions’ [Time to Panic]

10. GALACTIC MUSTACHE ‘Imposible’ [Ritmo Galáctico]

ANNA WALL

PLETNEV

Críticas | DANCE / EDM

Autor: WILLY ALCOCER | willy@djmag.es

VICENTE ONE MORE TIME

Gracias Al Viento

ALEXTRACKONE RECORDINGS

Primer single del fundador y principal referente del Hardstyle en España tras su exitoso álbum de estudio Música Maestro.

Cuando uno cree que ya lo ha contado todo sobre el legendario DJ, productor y locutor de radio (actual presidente de Unika FM), aparecen nuevos capítulos de su interminable biografía. Al momento de redactar estas líneas, Vicente López acaba de escribir otra importante página de la historia de la música electrónica en nuestro país: el aforo completo absoluto de Fabrik con el festival Nexus, hijo de su exitosa marca "A 150 by Fabrik”. Nos centramos en su nuevo capítulo discográfico: un tema Hardstyle vocal, de letra elaborada y comprometida, de melodías aprendibles, tan contundente como cuidadosamente producido. Suena profundamente a himno.

DANY BPM, MARIAN DACAL & EVA MARTÍ (A.K.A. ANNIA)

Sleeping In My Car ADDICTING RECORDS

Ni la escuché antes de pincharla ante el público: me bastó con ver la portada para saber lo que iba a pasar.

Dany BPM: leyenda de la Mákina catalana y actual líder del HardDance en España (cuando popularizas un estilo -produciendo éxitos masivos- hasta el punto de conseguir que LOS 40 creen, contigo, un nuevo canal en la radio para llamarle "Los 40 Hard Dance", lo dejas claro).

Marian Dacal: la cantante del tema de electrónica más importante de la historia de España, 'Flying Free'.

Eva Martí: la cantante del principal competidor por ese honor, 'Fly On The Wings Of Love'. Habéis escuchado ambas voces, además, en cientos de éxitos.

Y el 'Sleeping In My Car' de Roxette. ¡Cómo no iba a funcionar la unión de estas 4 joyas!

W&W X ITALOBROTHERS X CAPTAIN CURTIS

Jump Jump Jump RAVE CULTURE

...Y por fin llega el día en que puedo hablar de Italobrothers: los alemanes Mathias Metten (vocalista), Zacharias Adrian y Christian Müller. No se entiende la naturaleza actual de la música Dance sin esta formación, que completa el "tetra-podio" mundial del género junto a Cascada, Basshunter y Gabry Ponte. Hablamos de los creadores del histórico 'Stamp On The Ground' (doble platino en tres países), considerado como el inicio del subgénero Dance llamado Jumpstyle. Ojo: ese término no significa lo mismo en Europa que en nuestra costa levantina (Masía).

De W&W, residentes del Mainstage de Tomorrowland, hemos hablado ya. Ambas formaciones se unen al DJ/productor austriaco Captain Curtis para crear una suerte de 'Stamp On The Ground 2': brutal resultado en pista (doy fe): todos tarareando el estribillo y saltando.

JAKE RELLO, VADI

La Mamá BLANCO Y NEGRO

Estaba Fermín Cacho entrando -brazos al cielo, seguro ya de su victoriaen el Estadio Olímpico de Montjuïc para ganar los 1.500 en Barcelona '92, y estaba al mismo tiempo Yago Álvarez Daimiel naciendo en Toledo (ahí, a la fresca). Ya echábamos de menos a este madrileño de adopción, prodigio nacional de la producción EDM. Uniéndose esta vez al vocalista urbano Vadi, nos cautiva ahora con una fusión de elementos latinos (Latin Dance) y una contundente instrumental Tech House de influencias tribales. El tema, publicado por Blanco y Negro, es perfecto tanto para club como para radio.

La vocal de 'La Mamá' nos habla de las sensaciones de caer en un “crush”: la idealización del atractivo y la explosión de emociones que ocupan tu mente cuando te enamoras. Enhorabuena, compañero.

NIRON Meet Her At The Loveparade GARDE

Joan Mac-Cragh Sala nació hace 24 años en Pals, un pequeño y bello pueblo de la Costa Brava. Su primer contacto con la música tuvo lugar a los seis años, comenzando a tocar el piano y recibir clases de lenguaje musical en la Escuela de Música de Palafrugell. A los trece, ya estaba adentrándose en el mundo de la producción, influenciado por artistas como Martin Garrix o NERVO. Hablamos, pues, de todo un músico precoz. Hace tres años tuve ya el honor de escribir sobre él en esta página, a propósito del lanzamiento su single 'Bounce'. Ahora, Niron regresa con una espectacular versión del legendario himno Proressive de Da Hool que reventó las pistas de baile en todo el mundo hace 25 años. Calidad de sonido suprema, energía y baile.

01. . BLASTERJAXX 'Jump And Rave' [Maxximize]

02. MADDIX FEAT. LEILA K 'Open Sesame (Abracadabra)' [Revealed Recordings]

03. 03. AXMO 'Right Here Waiting' [Zeitgeist]

04. 04. DAVID GUETTA & ONE REPUBLIC 'I donít wanna wait' [Parlophone UK]

05. 05. BRENNAN HEART, TONY JUNIOR, DIMITRI VEGAS & LIKE MIKE 'The Scientist' [Smash The House]

06. 06. AFROJACK, HARDWELL, MERYLL 'Push It' [Revealed Recordings]

07. 07. SUPERMODE 'Tell Me Why (Meduza Remix)' [Axtone Records]

08. 08. CREEDS 'Push Up' [Rave Alert]

09. 09. NETHERWORLD 'Atlantis 2 (Ricardo F Remix)' [DJs At Work]

10. 10. HARRIS & FORD, ITALOBROTHERS 'Party Everywhere' [Virgin Records]

POL STARK