DJ Mag ES #165

Nos adentramos en noviembre con paso firme. Como ya sabéis, este mes celebramos el Top 100 DJs y este año el galardón se lo ha llevado nuevamente el artista Martin Garrix, a quien felicitamos desde aquí. En el interior de esta edición podréis encontrar un extenso artículo sobre el contest anual de DJ Mag.

En DJ Mag España, Agoria, cuyo nombre real es Sébastien Devaud, protagoniza nuestra portada este mes. Agoria es un influyente DJ, productor y artista digital francés que ha dejado una profunda huella en la escena electrónica mundial. Además de su influencia en la música, Agoria ha logrado una destacada carrera en el arte digital. Es un pionero en la exploración de las conexiones entre arte, ciencia y tecnología. En su faceta artística, es reconocido como un referente en el campo del arte generativo biológico, impulsando proyectos innovadores que combinan la música, la neurociencia y la filosofía. Este mes tenemos el placer de sentarnos a charlar con él para que nos cuente más acerca de su evolución a lo largo de los años y sus recientes proyectos: su exhibición de arte en el Museo de Orsay de París y su nuevo álbum Unshadow.

En clave nacional, hablamos con Piem —sinónimo de house de calidad en Barcelona— sobre su esperado debut en Argentina, los desafíos de clearing de samples y cómo planea cerrar el año con una gira por Asia. Además, nos cuenta qué podemos esperar de sus futuros lanzamientos y cómo sigue encontrando inspiración después de más de 20 años en la escena.

En clave internacional, invitamos a nuestras páginas a EdiP. El DJ y productor nos cuenta cómo pasó de experimentar con el software como si fuera un juego a tomarse la producción musical muy en serio, compartiendo cómo ese momento de descubrimiento lo empujó hacia un sonido que mezcla la nostalgia dosmilera con el tech-house minimalista que define su estilo. También nos habla de la importancia de su crew, TakeNotes, de la influencia de la escena rumana en su trabajo, y de cómo deportes como el skate y el snowboard alimentan su creatividad.

Cambiamos de tercio para introduciros una retrospectiva de la carrera de SOPHIE, cuyo legado va más allá de las listas y de las reproducciones, y cómo tras su devastador fallecimiento parece que seguimos necesitando más de su música.

En cuanto a crónicas, este mes os traemos dos de gran interés. Por una parte, tuvimos el placer de asistir y disfrutar en primera persona un festival que marcó un antes y un después en la historia de la escena techno de la capital: la primera edición de Time Warp Spain. Por otra parte, el pasado mes de octubre, Human Club en Razzmatazz ofreció una de las noches más esperadas del año: RECAP’23, un evento que, más que una secuencia de actuaciones, fue una retrospectiva en tiempo real de los lanzamientos más destacados del 2023 en la electrónica.

En nuestra nueva entrega de tendencias, este mes os llevamos hasta Madrid para poner el foco en el festival Márgenes, que vuelve con su 14º edición reafirmando su compromiso con el cine independiente de Iberoamérica. Y como siempre, os traemos las mejores secciones y críticas musicales.

Gracias, lectores, por seguir confiando en nosotros mes a mes.

Patricia Pareja Directora

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Breves

Autor: REDACCIÓN

LA BBC OFRECE 33.000 SAMPLES GRATUITOS DE SU ARCHIVO DE EFECTOS DE SONIDO

La biblioteca de efectos de sonido de la BBC ahora cuenta con más de 33.000 muestras disponibles para descarga gratuita en formatos WAV y MP3. Desde su apertura en 2018, la colección ha crecido el doble de su tamaño original y sigue siendo de acceso totalmente gratuito. Esta vasta colección, que se remonta a la década de 1920, incluye grabaciones exclusivas del estudio de la BBC y sonidos capturados en distintos entornos alrededor del mundo, ofreciendo una herramienta invaluable para creativos y profesionales del audio.

+info: https://sound-effects.bbcrewind.co.uk/

LAURENT

GARNIER PARTICIPARÁ EN LA EDICIÓN DEL 25º ANIVERSARIO DE ‘FABRIC PRESENTS’

El legendario DJ y productor Laurent Garnier se une a la serie de mezclas "fabric presents", un lanzamiento que llega en el marco del 25º aniversario del icónico club londinense fabric. Esta colaboración, trabajada durante un año, busca rendir homenaje al legado innovador de Garnier y del club, ambos responsables de crear experiencias inolvidables para ravers de todo el mundo. Desde fabric explican la elección de Garnier como un tributo natural a su conexión de más de dos décadas con el club desde que debutó en su escenario en 2002. Con esta entrega, promete una mezcla que capturará la esencia del cambio musical que han compartido con fabric a lo largo de los años

+info https://store.fabriclondon.com/products/fabric-presents-laurent-garnier?

ALLEN & HEATH LANZA EL XONE:92 MK2 CON MEJORAS CLAVE

El icónico mezclador DJ Xone:92 de Allen & Heath regresa en su versión MK2 con mejoras significativas. La compañía ha optimizado los filtros, manteniendo el sonido analógico legendario mientras introduce modos avanzados como paso de banda y notch, junto con una resonancia mejorada. También incorpora un mini innoFADER Pro como nuevo crossfader, diseñado para emular la curva original del Xone:92.

El rediseño incluye el clásico color "Storm Grey" con impresión UV mejorada para mejor visibilidad en cabinas oscuras, y ajustes en el preamplificador phono especialmente adaptados para house y techno.

+info: https://www.allen-heath.com/hardware/xone-series/xone92/

ABLETON LANZA MOVE: UN DISPOSITIVO PORTÁTIL PARA LA CREACIÓN MUSICAL

Ableton ha presentado oficialmente Move, su nuevo dispositivo portátil diseñado para músicos de todos los niveles. Con un precio de 449 euros, Move permite capturar ideas creativas en cualquier lugar gracias a su procesador integrado, altavoz, micrófono y una autonomía de hasta cuatro horas.

El equipo incluye cuatro pistas flexibles, más de 1500 sonidos diseñados por colaboradores como BNYX y L.Dre, y una función de muestreo para grabar sonidos en tiempo real. Su diseño compacto con pads retroiluminados y codificadores rotatorios hace de Move

+info: https://www.ableton.com/en/move/

The new Generation 4

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MONTEI

Hola, Montei, es un placer saludarte. Para aquellos que no te conozcan, ¿cómo te describirías?

¡Hola! El placer es mío. Me describiría como una persona extrovertida y con un espíritu de búsqueda bastante latente, lo que me hace ser alguien inquieto y activo. Soy bastante apasionado por lo que hago, pero lo que más me gusta es poder compartirlo con la gente que quiero.

Eres de Buenos Aires y estás en medio de una gira por Europa. ¿Qué destacas de la escena argentina? ¿En qué se diferencia de la europea?

Lo primero a destacar de la argentina es la increíble calidad de DJs y productores que hay. En estos últimos años fue asombroso como se ha desarrollado la música electrónica en Argentina, que si bien hace muchísimo tiempo que es una cultura bastante fuerte, siento que en los últimos 4 o 5 años hubo un boom muy interesante. A esta calidad artística también me gustaría sumarle la cercanía y el calor humano que uno encuentra aquí, y que se extiende a toda Sudamérica. Quizás la mayor diferencia que tenemos con varios países de Europa está en la infraestructura, tanto de venues como en el aspecto de la comunicación. La música electrónica es más propia de su cultura y eso se siente no solo en una pista de baile, sino también si tenemos en cuenta todo el sistema que existe fuera de lo que es la fiesta en sí, ya sean canales de comunicación, revistas, portales de Internet, podcasts, etc. que funcionan muy bien y aportan muchísimo a la cultura.

¿Quiénes son tus máximas influencias? ¿Cómo empezaste en el mundo de la producción musical?

Desde que empecé a ir a fiestas de electrónica me dio muchísima curiosidad poder entender cómo hacer un track, así que desde mi adolescencia empecé a estudiar producción. Pero lo más trascendental en mi vida fueron las personas que conocí en esos años, quienes hoy en día son los amigos que me dio la música y a su vez mis máximas influencias, porque gracias a esa simbiosis que generamos de pequeños, cuando todos estábamos empezando nuestro camino en la música, es que todos nos alentamos constantemente a seguir profundizando y aprendiendo.

¿Cómo definirías tu sonido? ¿Qué es lo que más te gusta del arte de hacer música?

Siempre que hago música trato de ser lo más sincero posible con lo que me sucede en ese momento. Crear una idea y desarrollarla buscando no tener pretensiones, sin forzarla, simplemente tratar de escuchar y llevar a cabo lo que esa idea te está pidiendo en ese momento. En mi vida hacer música tiene que ver con jugar con el pasado (lo que me influye), el presente (mis emociones) y el futuro (mis deseos), todo a la vez. Siento que es un momento único que nada ni nadie puede sacarme y eso es lo que más valoro.

Hemos escuchado que también te dedicas a formar a futuros productores. ¿Cómo influye esta faceta docente en tu desarrollo artístico y creativo?

Me influye de varias maneras. En lo artístico y creativo me dio y da muchos recursos a la hora de producir, porque enseñar es la mejor forma de aprender. Si estás constantemente conectado con la música, ya sea enseñando o produciendo, está claro que tu oído se va a desarrollar mucho porque es básicamente un entrenamiento.

Eres el co-fundador del sello y colectivo de fiestas ‘Pryma’ ¿Qué puedes contarnos de esto?

Pryma es un sello que devino también en productora de eventos, serie de podcasts y playlists. Ya son 4 años desde nuestro primer lanzamiento y viene siendo un camino increíble. Poder tener la posibilidad de curar lanzamientos y espacios donde las personas puedan venir a bailar, y además llevar todo esto adelante rodeado de gente que quieres, es algo muy reconfortante y a su vez también difícil, lo que hace que sea una experiencia totalmente transformadora para cada uno de los que hacemos Pryma. A grandes rasgos, Pryma para nosotrxs es devolver un poco de todo lo que la música nos ha dado. Seguir manteniendo viva esa cultura en nuestro país, que es la misma que nos hizo adentrarnos en la música.

¿Qué planes futuros tenéis para Pryma?

En base a los eventos estamos planeando nuestro 2025, que nos tendrá haciendo fiestas en nuestra ciudad, Buenos Aires, y también viajando por ciudades del país. El sello acaba de sacar su cuarto lanzamiento y tuvo una muy buena repercusión. Ya tenemos el 005 y el 006 preparados, así que en este momento estamos tratando de estar permeables y presentes en lo que nos ocurre para identificar hacia qué destino musical iremos en el próximo año y medio.

¿Qué podemos esperar de Montei para el resto de 2024 y 2025?

Espero mucha música nueva. Este viaje por Europa me está despertando unas ganas enormes de volver al estudio para volcar todas las vivencias y la música que estuve escuchando este último tiempo. También estamos preparando un proyecto junto a mi hermano Dani Labb, que saldrá a mediados del año que viene y nos tiene muy entusiasmados.

Finalmente, Montei, les pedimos a los artistas de 60 segundos que hagan una pregunta al próximo invitado. La última fue de Gianmarco Limenta: ¿qué es lo que más disfrutas cuando haces una actuación?

Nunca sé muy bien hacia dónde me va a llevar una actuación, y esa intriga es la que más me entusiasma a la hora de poner música, ya que cada track suena completamente distinto en cada pista que lo toques. Por lo tanto, para mí tocar en vivo es algo único porque te obliga a conectarte de una forma muy profunda con el ambiente que te rodea, el lugar y las personas.

Mi pregunta para el siguiente artista: ¿cómo es tu relación entre ser productor y DJ? ¿Hay alguna que sea una prioridad?

ESCANEA EL QR Y DESCUBRE A MONTEI

Off the Records

REGAL aka ACIDBOY

¿Cuándo fue tu última mentira y por qué?

El fin de semana pasado, cuando dije "esta noche solo un chupito". Supongo que puedes imaginar qué salió mal. En mi defensa debo decir que no sabía que realmente estaba mintiendo cuando lo dije.

Esa cosa que siempre has querido que te pregunten pero nadie te ha preguntado

"¿Te gustaría tener un millón de euros para invertir en tu carrera?"

¿Qué es lo primero que te gusta hacer cuando llegas a un club?

Lo primero que hago cuando llego es fumar un cigarrillo. Usualmente afuera, antes de entrar en la mazmorra.

¿Cuál es tu comida favorita para la resaca?

Definitivamente paella, ¿qué otra cosa si no?

¿Qué pista no puede faltar en tu set en este momento?

Diría que 'Steff Mendesidis – Aquaton'. Me encanta.

¿Cuál ha sido el mejor momento de tu carrera hasta ahora?

Difícil de decir. Ha habido muchos grandes momentos y el último que realmente me encantó fue en el Tbilisi Open Air el verano pasado. Pero en general, debido a la exposición, probablemente diría que tocar en el escenario Exhale en Tomorrowland.

El momento más embarazoso de tu vida…

Cuando mi padre descubrió el historial de navegación de mi Internet Explorer cuando era adolescente. Digamos que el techno no ha sido mi único interés en la vida.

ESCANEA EL QR Y DESCUBRE LO ÚLTIMO DE REGAL AKA ACIDBOY

Miane TRACKS 5

TODD TERRY ‘Jumpin’ (1994) [Flying Records]

¿Quién no tiene a Todd Terry como uno de sus referentes? Para mí es uno de los dioses del House. Elegí este track, pero podría decir muchos más.

En cada track se respira el house original, la huella y la personalidad de su sonido es inimitable, Le escucho desde bien pequeña, y me alegra haber crecido con su música.

NIGHTCRAWLERS ‘Push The Feeling On’ [Island Records]

El house siempre ha sido algo que he llevado conmigo, y aquí otra muestra. Este track marcó un antes y un después en mi forma de percibir la electrónica. Es uno de los muchos tracks con los que me enamoré del house.

Entiendo perfectamente todos los remixes que se hicieron más tarde. Sinceramente, este track nunca morirá, es como si tuviera vida propia.

CAMELPHAT, CRISTOPH, JEM COOKE ‘Breathe’ [Pryda Presents]

Estos productores siempre hicieron una línea de sonido muy progresiva y melódica y ambos sabían cómo llevar este sonido a la pista de baile. En la mayoría de sus producciones utilizan un hook con vocales, y es algo que a mí personalmente me transporta.

Aún recuerdo cuando lo escuché por primera vez en ibiza, y es otro claro ejemplo de que menos es más a la hora de tocar.

CHRIS LAKE ‘Stay With Me’ [Black Book Records]

No es ningún secreto que soy fanática del sonido de Chris. La manera con la que crea una atmósfera en cada track que produce es simplemente increíble; los bajos, esos sintetizadores rítmicos y armónicos y las vocales no las puedes sacar fácilmente de tu cabeza. Justo eso me pasó cuando escuché este track, con el que conocí su sonido. Y ya después… ¡empezó todo!

ILARIO ALICANTE ‘Vacaciones En Chile’ [Tenax Recordings]

Este track es mítico, en Ibiza y en cualquier club del mundo. La manera con la que capta la atención del público era, es y será impactante siempre. El bass y esa melodía me cautivaron desde la primera vez que lo escuché. Es otro track que nunca morirá, uno de mis favoritos de Ilario.

ESTHER BRONCHAL

Autora: PATRICIA PAREJA CASALÍ

¿Qué canción te recuerda a tu infancia?

‘Everybody’ de Backstreet Boys. A mi hermana y a mÍ nos encantaba esta canción y guardo muy buenos recuerdos bailándola y cantándola con ella de pequeñas.

¿Qué track hubieras deseado producir?

‘Superstylin’ de Groove Armada. Me parece una maravilla de track que mezcla estilos como el house y el reggae con sonidos garage y dance hall.

¿El disco más cursi de tu colección?

París de La Oreja de Van Gogh. Recuerdo pasar los recreos del colegio cantando todas sus canciones con mis compañeros de clase.

¿Qué canción te pone sentimental?

‘I Will Be’ de Christina Aguilera. Me parece un himno a la resiliencia y a la determinación personal.

¿Algún disco que estés escuchando?

I Hear You de Peggy Gou. Lo recomiendo sin duda. Un álbum muy personal y sofisticado.

¿A qué disco de tu colección le guardas más aprecio?

Back to Black de Amy Winehouse. Siempre he sentido un profundo cariño y admiración por la música de Amy.

¿Cuál es tu canción favorita de todos los tiempos?

‘Respect’ de Aretha Franklin. Ella deconstruyó y reconstruyó la canción y creó un movimiento hacia la lucha por la igualdad. Todo un icono

FOCUS ON O BEACH MUSIC

Autor: Sergio Parrado

En esta edición de FOCUS ON en DJ Mag España, exploramos el lanzamiento de O Beach Music, el nuevo sello discográfico de Ocean Beach, uno de los epicentros de la fiesta en Ibiza. Liderado por DJ Charlesy, O Beach Music nace para capturar la energía y esencia de las icónicas fiestas de O Beach en un formato que llegue al mundo entero. Su primer lanzamiento, ‘Ecstasy’ de Marvin Humes, marca el camino de un catálogo que se ampliará con nombres como Tough Love, NS Boulevard, y Tyler West, cada uno aportando su estilo a esta aventura musical.

Para aquellos que han vivido la experiencia de O Beach, estos lanzamientos representan recuerdos de un verano inolvidable; para otros, es una invitación a sentir un pedazo de Ibiza. Conversamos con ellos sobre su visión y sobre cómo buscan transmitir el espíritu único de la isla en cada lanzamiento.

DJ MAG MINI TEST

¿Una ciudad? Bali

¿Un libro?

I Don’t Take Requests de Fat Tony

¿Una comida? Vietnamita

¿Una película? Purple Rain, tiene la mejor banda sonora

¿Un lugar para perderse? Maldivas

¿O Beach Music? Un sabor a Sol durante todo el año

AOcean Beach ha estado marcando tendencias en la escena de Ibiza durante años. ¿Cuándo decidisteis que era el momento adecuado para dar el salto al mundo de los sellos discográficos con O Beach Music?

O Beach ha sido durante mucho tiempo un centro para la cultura de fiestas diurnas en Ibiza, donde algunos de los temas más grandes del verano han salido a la luz. Siempre hemos estado atentos a lo que funciona en nuestras pistas de baile y hemos visto cómo ciertos temas definen temporadas. Así que llevar la marca O Beach al mundo de los sellos discográficos fue una progresión natural. Nos dimos cuenta de que no solo organizábamos fiestas; estábamos creando momentos musicales que trascendían el club. Iniciar O Beach Music fue una forma de capturar esa influencia y amplificarla a nivel mundial, permitiéndonos extender la magia de los veranos en Ibiza a través de nuestros propios lanzamientos. El momento se sintió adecuado porque habíamos construido una sólida identidad musical a través de nuestros eventos, y queríamos dar el siguiente paso en la curación de los sonidos que definen esos momentos inolvidables.

B‘Ecstasy’ es el primer lanzamiento con Marvin Humes, tiene un sonido vibrante que refleja la energía del club. ¿Qué intentáis transmitir con el sello en comparación con la experiencia en vivo en Ocean Beach?

El sello es realmente una extensión de la experiencia en vivo de O Beach. Queremos que las personas puedan revivir esos grandes momentos que tuvieron en O Beach, ya sea en casa, en su coche o en otra pista de baile. La música que lanzamos está diseñada para evocar la sensación de nuestras fiestas: la energía, el ambiente y la atmósfera. Nuestro público a menudo se va de O Beach con una canción grabada en su cabeza que les trae recuerdos de su verano. Con el sello queremos crear esos recuerdos duraderos de una manera más permanente, a través de temas que sean sinónimos del estilo de vida y la experiencia de O Beach.

CEl próximo catálogo de lanzamientos incluye nombres como Tough Love y Tyler West, artistas con perfiles muy diferentes. ¿Cómo seleccionáis a los artistas y los sonidos para O Beach Music? ¿Hay una dirección musical definida o preferís la diversidad?

La mejor manera de describir la dirección musical de O Beach Music es pensar en la pista de baile de O Beach: es un espacio diverso, y lo mismo ocurre con nuestro sello. Cada uno de nuestros eventos en el club de playa tiene su propio ambiente y una política musical cuidadosamente curada. Por ejemplo, en nuestra famosa Pool Party, escucharás grandes éxitos de baile que invitan a cantar, mientras que Soul Heaven ofrece esos clásicos soul eternos. Nuestros lanzamientos siguen esta filosofía. Por ejemplo, el próximo tema de Tyler West toca la nostalgia del R&B de la vieja escuela, pero mantiene la energía vibrante por la que O Beach es conocido, lo cual tiene sentido dado su trasfondo en Kiss FM. Por otro lado, ‘Weakness’ de Tough Love tiene un toque más profundo y groovy, perfecto para relajarse con un cóctel bajo el sol. En última instancia, abrazamos la diversidad en nuestros lanzamientos, pero todo se conecta con esa energía inconfundible de O Beach.

DOcean Beach no es solo un club, sino un referente cultural en Ibiza. ¿Cómo creen que el sello discográfico contribuirá a expandir la influencia y el legado del club a nivel mundial?

O Beach siempre ha sido más que un destino de fiestas; se ha convertido en una parte icónica del paisaje de Ibiza, conocido por marcar tendencias tanto musicalmente como en términos de experiencias. Con el sello discográfico, estamos ampliando ese alcance más allá de las costas de Ibiza. El sello nos permite difundir nuestra influencia internacionalmente, llevando la experiencia de O Beach a nuevas audiencias. Ya sea a través de DJ sets, listas de reproducción o programas de radio, nuestros lanzamientos ofrecen a las personas un pedazo de Ibiza dondequiera que estén. Al trabajar con una gran variedad de artistas, también podemos conectarnos con diferentes escenas y culturas, todo mientras mantenemos esa energía característica de O Beach. Se trata de construir una comunidad global que comparta el espíritu de diversión, libertad y descubrimiento musical que O Beach ha llegado a representar.

EIbiza es conocida por ser un lugar donde la música y el hedonismo se encuentran. ¿Cómo influye la atmósfera única de la isla en las producciones que lanzan a través de O Beach Music? ¿Buscan capturar esa esencia en cada lanzamiento?

Ibiza tiene una energía innegable: una mezcla de libertad, euforia y la conexión que la gente tiene con la música y el momento. Eso es algo que queremos infundir en cada tema que lanzamos en O Beach Music. En la isla se trata de vivir el ahora, perderse en la música y compartir momentos con personas de todo el mundo. Ese espíritu de apertura, espontaneidad y alegría es lo que intentamos capturar en nuestras producciones. Ya sea un himno lleno de energía que haga cantar al público o un groove más profundo y emotivo, queremos que nuestros lanzamientos reflejen la diversidad y la energía de Ibiza. En cada tema, buscamos embotellar esa atmósfera única y compartirla con el mundo.

FFinalmente, siempre nos gusta hacer una pregunta que tiene poco o nada que ver con la música electrónica. Si pudieras viajar a otra era para presenciarla con tus propios ojos, ¿dónde sería y por qué?

Si pudiera viajar a otra era me encantaría experimentar los años 70 en la ciudad de Nueva York, concretamente durante el auge de la música disco. Fue una época vibrante para la música, la cultura y la creatividad, donde géneros como el disco, el funk y el hip hop emergían y daban forma a lo que ahora consideramos la música moderna. Clubes como Studio 54 y Paradise Garage no eran lugares solo para bailar; eran centros culturales donde nuevas ideas en música, moda y arte se unían. Fue un momento en que la música rompía barreras y la gente abrazaba la libertad y la expresión de una manera que se siente muy conectada con lo que representa Ibiza hoy en día. Estar allí durante esa era dorada habría sido increíble.

ELECTRÓNICA & ROLL

Autor: SERGIO BIFEIS

Parto de la base que este texto seguramente no haga justicia a la figura de Jackmaster. Solo hay que ver el enorme cariño que todo el mundo ha dispensado a Jack Revill dentro de la escena electrónica el día que todo se paró para él. El 12 de octubre, un comunicado emitido por la familia en las redes sociales del artista informaba de su prematuro fallecimiento a los 38 años a causa de las complicaciones surgidas tras una lesión accidental en la cabeza.

Jack Revill nació en 1986 en Glasgow e inició su carrera de manera prematura cuando, con tan solo 14 años, comenzó a trabajar en la mítica tienda de discos Rubadub en su ciudad natal. A los 17 años ya era un habitual de las fiestas Monox. La reputación de Revill a nivel local fue cada vez más lejos como artista con su presencia en la radio, copropietario del sello discográfico Wirlock y un apasionado en cabina siendo un compañero muy querido de otros DJ's británicos e internacionales, lo que le abrió la puerta al circuito mundial de clubs y festivales.

La creación de una etiqueta como Numbers, la unión de los sellos Wirlock, Dress 2 Sweat y Stuffrecords, le repercutió más prestigio al apostar y descubrir nuevos talentos con ideas innovadoras. Entre ellos artistas de la talla de Sophie, Redinho, Jamie XX, Jessie Ware y SBTRCK,

Mosca, Deadboy, Addese Version, Lory D, Kornel Kovacs o Randomer entre otros. Su buen ojo le hizo ser todo un cazador de tendencias sonoras que discurrió la pasada década.

A partir de 2010 es cuando su figura comienza a eclosionar de manera imparable. Participó en la recordada Red Bull Academy Music que se llevó a cabo en Barcelona y ese año recibió el premio al Mejor DJ Revelación en los Best of British Awards de DJ Mag. En 2014 obtuvo una residencia en BBC Radio. De esta manera consolidó su estatus e influencia en la escena internacional y para toda una generación. Muy querido por sus compañeros de profesión por su pasión y amor por la música. También gracias a un carácter abierto y afable que le hacía esforzarse por ayudar a casi todo el mundo que le conocía.

Una de esas personas que transmitía su propio disfrute de manera natural sobre una cabina. Un talento concretado en la capacidad de mezclar diferentes géneros en sesiones divertidas y heterodoxas donde cualquier cosa podría ocurrir. Uno de los DJ’s más magnéticos emanados de UK con un olfato único a la hora de detectar lo que podría triunfar sin perder la creatividad por el camino. Como productor no fue tan prolífico, pero en los últi -

mos años se centró mucho más en esta faceta con ‘The Attention Deficit Track’ (su tema más escuchado), EPs como Party Goin On o Don't You Want My Lovin' o su remezcla para ‘Only Fans’ de Ashoju, su última publicación.

2018 marcó un punto de inflexión y la gran sombra en su exitosa carrera. Su estatus quedó muy tocado cuando se le expuso por el acoso sexual en el que incurrió con varias chicas en el backstage del festival Love Saves The Day. Lo achacó al estado de inconsciencia derivado del consumo de drogas, unos hábitos que hicieron mella en su imagen. El propio artista hizo propósito de enmienda un año después. Admitió las acusaciones, pidió perdón y trabajó en su salud, tanto mental como física, para retomar lo que mejor sabía hacer: incendiar pistas de baile de medio planeta.

Jackmaster aún tenía mucho que aportar y las muestras de cariño de artistas como Skream, Disclosure, CamelPhat, Axel Boman, Kornel Kovacs, Pete Tong, Jamie Jones, Pional, etc. dejan claro que con él muere también una pequeña era dentro de la música electrónica.

Lola Bozzano

Madrid

Fotografía: Studio Siebrecht Photography Zürich

Nací y crecí en Madrid, mi hogar y donde está familia elegida y no elegida, eso sí, mis raíces vienen de la naturaleza. Mi madre es de Extremadura y mi padre es de Sanlúcar de Barrameda, dos lugares profundamente conectados con la tierra. Hasta los 19 viví en las afueras de Madrid y eso ha dejado una huella imborrable en mí. Ahora estoy en el centro de la ciudad, cerca del aeropuerto y de mis viajes constantes, pero también al lado del parque del Retiro para tener un espacio donde escaparme y respirar cuando lo necesite. Otro lugar que recomiendo son los jardines del Palacio Real, es super armónico.

Descubrí un lugar precioso para desayunar: Etual Café. Me atraen los lugares pequeños e íntimos. Puedo quedarme allí toda la mañana, disfrutando de su música cuidadosamente seleccionada, mientras escribo en mi cuaderno o leo.

Para una cena rica, me gusta ir a Barrutia y El Nueve, donde el dueño se sienta contigo y se nota su pasión al hablar de los platos. Es un lugar auténtico en una esquina de Alonso Martínez, cerca de Justicia, que son de mis zonas preferidas para pasear y perderme en calles llenas de tiendas vintage, cafés con alma y comida orgánica. Desde allí, puedo seguir hacia el barrio de Las Letras o al Palacio Real. Para ocasiones más especiales, mi favorito es Charrúa por su cocina sencilla a la brasa y calidad del producto, y lo que más me gusta es que es súper acogedor.

No hay nada como estar cerca del campo, lejos del estrés y de las conexiones WiFi. Hay temporadas en las que me escapo a Boadilla del Monte, donde he vivido la mayor parte de mi vida. Cada mañana doy un paseo de dos horas que me aporta claridad, paz e inspiración para seleccionar mis tracks, componer y organizarme en mi vida personal y profesional. Poco he hablado de los increíbles atardeceres en esta zona de Madrid, y lo mismo ocurre en Torrelodones que, además, tiene unas vistas increíbles.

Aquí viene el lugar más importante: mi refugio, mi “templo”. La esquina de mi casa, donde paso la mayoría del tiempo cuando estoy en Madrid. Es aquí donde me conecto con mi música y mi paz, mi rincón para crear y renovar mi energía. En la foto se ve el ventanal mágico además de los dos pianos, uno de pared y otro de cola que no salen en ella, pero que me han acompañado toda mi vida, antes incluso de ser DJ.

MADRID

Mis lugares especiales en Madrid

Mi espacio sagrado

TENDE

M

Á R G E N E S

CINE, MÚSICA Y ARTE CONTEMPORÁNEO

Autora: Helena Bricio

Hay festivales que son mucho más que cine, que crean experiencias, y Márgenes es sin duda uno de ellos. Del 22 al 30 de noviembre el festival vuelve a Madrid con su 14ª edición, reafirmando su compromiso con el cine independiente de Iberoamérica. La sección de Tendencias de este mes la dedicamos a esta propuesta, porque este año estrenan una nueva colaboración junto al Museo Reina Sofía, que hace gala de cómo las diferentes disciplinas artísticas no sólo conviven, sino que se potencian mutuamente, una de las premisas principales de esta sección.

Hablar de un festival como Márgenes es pensar en más allá del cine de autor. Márgenes se traduce en riesgo, en libertad creativa, en romper moldes y ofrecer al público algo distinto. Esa es la filosofía que el festival lleva defendiendo desde hace más de una década, y en 2024, sigue fiel a su esencia, pero con un toque renovado: la alianza con uno de los museos más importantes del país.

Por un lado, la parte del festival dedicada al cine programará un ciclo cuya protagonista será Hito Steyerl, proyectando algunos de sus trabajos más emblemáticos en el auditorio del MCNARS. Steyerl es una voz influyente en el arte contemporáneo, y es reconocida por su capacidad para desmenuzar las complejidades del capitalismo digital y los desafíos que plantean las imágenes en la era de la información. En sus obras vemos cómo su enfoque va más allá de la simple exhibición, sino que son una crítica mordaz y profundamente analítica sobre cómo las imágenes, y el poder detrás de ellas, configuran nuestra realidad: una especie de espejo donde vernos, aunque no siempre nos guste lo que se refleja. En este ciclo para Márgenes se han organizado cuatro sesiones: tres de ellas se centran en las producciones más recientes de la autora de Los condenados de la pantalla (Caja Negra, 2014), con varios estrenos nacionales, mientras que una sesión enlazará sus ensayos históricos. Además, el 23 de noviembre la artista ofrecerá también una masterclass, algo que marca todo un hito para Márgenes.

NCIAS

Por otro lado, la parte musical vuelve a cobrar importancia dentro de Márgenes, arrancando este año con una apuesta que inaugura el festival con un Live A/V a manos de Noémi Büchi en el auditorio del MCNARS. Büchi nos transportará con ‘Does It Still Matter’ a un mundo donde lo tangible y lo intangible se difumina, donde se cuestionan las fronteras entre sonido e imagen y donde la experiencia sensorial que propone nos ofrece una inmersión total en el presente, con la electrónica como vehículo para expresar emociones humanas. Büchi crea un universo donde el sonido es una fuerza que fluye, cambia y moldea las emociones de quienes lo experimentan a través de la reconfiguración de las estructuras sonoras tradicionales, y este enfoque multidisciplinar le ha llevado a llevado a presentarse en algunos de los festivales más innovadores del mundo, como Ars Electronica o Mutek. La entrada para este LIVE A/V es gratuita. Los tickets se pueden descargar desde la web dos días antes del evento o se podrán recoger en taquilla.

Márgenes destaca este año por una cuidada campaña visual que tiene como protagonistas a Álvaro Fernández (Unbuentipo) y a Manu Rosaleny, que han conseguido capturar la esencia del festival con una estética callejera que conecta con la cultura urbana. Las fotografías y los elementos gráficos invitan a mirar más allá de lo evidente, en consonancia con la propuesta de Márgenes: una búsqueda de lo inusual, de aquello que se esconde detrás de lo mainstream. Es precisamente esa capacidad para generar diálogos lo que lo hace único. En un momento en el que consumimos contenido a una velocidad vertiginosa, Márgenes nos invita a detenernos, a saborear cada propuesta, cada imagen, cada sonido. A lo largo de su programación el festival demostrará el poder transformador del cine y del arte estableciendo un debate en el que se discute las nuevas formas de narrar, se reflexiona sobre la fusión entre disciplinas y sobre el papel de la tecnología en la creación artística: espectáculos audiovisuales, charlas y encuentros profesionales. PUEDES VER TODO EL

CÓMO PRODUZCO

ANGELOS

Como artista —con tours frecuentemente— y padre de dos hijos, encontrar tiempo para la producción musical puede ser un desafío. Incluso cuando logro sacar tiempo, no siempre significa que pueda empezar a crear y conseguir resultados de inmediato. El "bloqueo creativo" es algo común entre los artistas, y cada uno tiene su propia forma de lidiar con él. Personalmente, no lucho contra eso; en su lugar, me tomo un paso atrás para encontrar inspiración, ya sea escuchando diversos géneros de música o tomando un descanso de la música por completo. Las ideas pueden surgir en cualquier parte, por lo que a menudo trabajo en mi portátil donde quiera que esté, normalmente en habitaciones de hotel, salas de espera de aeropuertos e incluso en el avión. Un buen portátil, un pequeño sintetizador MIDI y mis AirPods son todo lo que necesito para hacer el trabajo.

A veces me sumerjo en samples para inspirar una idea. Dependiendo de mi estado de ánimo, puedo optar por colaborar con otros artistas, vocalistas o músicos para desarrollar la idea, o puedo usar los samples tal como están si realmente me transmiten. A partir de ahí, trabajo en automatizaciones y efectos de sonido. Me concentro mucho en los kicks y en los elementos que los complementan, como hi-hats, shakers u

otros sonidos de alta frecuencia para añadir textura. También me encanta usar los toms para dar forma al ritmo principal, ya que han ayudado a definir mi sonido característico. Omnisphere es un recurso clave para mí, especialmente cuando estoy de viaje, es un banco de sonidos increíble. Cuando regreso a mi estudio en casa, disfruto recreando leads, líneas de bajo y pads en mis sintetizadores favoritos, como el SUB 37 y el Korg Minilogue XD. También realizo sesiones de diseño de sonido en el estudio de mi ingeniero, trabajando con sintetizadores como el Andromeda y el OB-6.

Para mí, Logic Pro es mi DAW de confianza; es con lo que empecé y me siento muy cómodo con su interfaz. Creo en un enfoque de "menos es más", centrándome en elegir los sonidos correctos y evitando la sobreproducción. Esto mantiene mi música limpia, impactante y fiel a mi visión.

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(GAMEBOYZ, LUIS V PR, COMO LAS GRECAS)

ACERCÁNDONOS A LA NAVIDAD

El frío y la lluvia han llegado, la excusa perfecta para quedarse en casita después de un verano apabullante. Se está publicando musicón de artistas muy especiales, así que sin más dilación vamos con la sección del Rincon de Kali. Para este número otoñal os traigo lo nuevo de Hybrasil, techno en estado puro, lo nuevo de la prometedora artista de Luisiana, MKL y el último disco de Pier Mood, Beat Of Freedom. Recuerda que siempre encontrarás, al lado de cada noticia, una imagen QR para que puedas disfrutar a golpe de cámara. ¡Comenzamos!

PIER MOOD – BEAT OF FREEDOM

House en estado Groove

Mood Nation

Pier Mood, con base en Málaga, es un DJ y productor italiano cuyo talento queda plasmado en los dos temas originales de este nuevo ‘Beat of Freedom’. Un nuevo talento con base nacional se estrena con su propio sello y el primero de sus lanzamientos. ‘Beat Of Freedom’ es una pieza house con altas dosis de groove y la potencia sonora que a veces necesita la pista para venirse arriba. El EP fue lanzado el pasado 11 de octubre a través de Mood Nation y aquí os lo dejamos para que lo descubráis vosotr@s mism@s. ¡A bailar se ha dicho!

TRACKLIST

01. PIER MOOD – BEAT OF FREEDOM (ORIGINAL MIX)

02. PIER MOOD – SOMEONE HAVE TO DO IT (ORIGINAL MIX)

MKL – YOU & ME

La Voz del Afro House que Fusiona Raíces del Sur y R&B Bayacou Records

MKL ha irrumpido en la escena electrónica con su EP debut ‘You & Me’, que ha alcanzado el número 1 en la lista de Afro House de Traxsource. Esta joven cantante y compositora de Luisiana, con profundas raíces en el R&B y la música gospel, nos habla en esta entrevista sobre su crecimiento como artista, sus colaboraciones con productores como Ezel y Mr. V, y su proceso creativo detrás de temas tan destacados como ‘You & Me’ y ‘333’. Con una fusión única de géneros y un enfoque profundamente personal en sus letras, MKL está allanando el camino hacia una prometedora carrera musical.

Tu primer EP, You & Me, ha tenido un comienzo increíble, alcanzando el número 1 en la lista de Afro House de Traxsource. ¿Cómo te sientes al ver una respuesta tan fuerte a tu música en un momento tan temprano de tu carrera?

Recibir tal reconocimiento por mi primer proyecto, You & Me, ha sido absolutamente surrealista. Sabía que este trabajo tenía mucho potencial, pero pensar que llegaría al número 1 en Afro House de Traxsource fue un verdadero shock para mí. La gratitud está en el centro de todo este viaje. No puedo agradecer lo suficiente a todos por el amor y apoyo hacia este proyecto. Estoy eternamente agradecida a cada persona que ha contribuido al progreso de la canción y el EP. ¡Mucho amor!

Tu último lanzamiento, ‘You & Me’, producido por Ezel, presenta una hermosa fusión de Afro House y R&B. ¿Podrías contarnos más sobre cómo surgió esta colaboración y qué inspiró la creación del EP?

Esta colaboración surgió a través de un amigo en común, Mr. V, quien conectó a Ezel y a mí, pensando que tendríamos una química musical. En ese momento, la canción ‘You & Me’ ya estaba escrita por completo, solo le faltaba un ritmo. Ahí es donde entró Ezel. Él ayudó a construir perfectamente una estructura sobre la base que ya habíamos creado. Ser invitada a actuar en Ámsterdam para ADE nos empujó a completar el EP, que ya estaba en nuestros planes, pero sin ninguna urgencia real. En ese momento, Ezel y yo estábamos seguros de que lo que estábamos trabajando podría ser terminado y lanzado a tiempo para Ámsterdam.

Tus raíces musicales están en el rico paisaje cultural del sur de Luisiana. ¿Cómo ha influido tu herencia y crianza en tu sonido? ¿Sigues trayendo esas influencias tempranas a tu música hoy en día?

Mis raíces del sur definitivamente han influido en mi sonido. Luisiana tiene mucha música, desde jazz hasta zydeco, y además, hay mucha alma en el sur. Al haberme criado en la iglesia, la música gospel siempre fue parte de mi vida. La música significativa, las conexiones, las relaciones y hacer música que la gente pueda escuchar y sentir ha sido parte de mi formación musical desde el principio.

La canción ‘333’ de tu EP aporta una vibra electrónica y soulful que mezcla géneros de manera impecable. ¿Cómo abordaste esta canción de manera diferente en comparación con ‘You & Me’, y qué mensaje esperas que los oyentes se lleven?

Tomé un enfoque muy diferente al crear ‘333’. La idea inicial y lo que considero la letra más importante de toda la canción provino de un video que hice en Instagram donde estaba “cantando de manera improvisada” con la línea: “the only thing that stays the same is everything changes”. Ezel, sin que yo lo supiera, tomó esa parte de mi video y la incorporó en uno de sus ritmos, y así comenzó todo. Empezamos a desarrollar el concepto y ‘333’ pronto cobró vida propia. Estoy muy agradecida por el éxito de ‘You & Me’, pero igual de emocionada por que la gente abrace ‘333’.

Has colaborado con increíbles productores como Mr. V y Ezel. ¿Cómo han influido estas asociaciones en tu estilo musical, y qué podemos esperar de ti en cuanto a futuras colaboraciones y proyectos?

Tuve la suerte de ser presentada a Mr. V por Ultra Naté cuando estaba buscando un productor para ayudarme con una versión de Luther Vandross en la que estaba trabajando. Conectamos de inmediato y una cosa llevó a la otra. V me presentó a Ezel, y sinceramente, ahora les considero hermanos mayores. Me gustaría pensar que hay más magia por crear con ambos, incluyendo material original con V. También me encantaría colaborar con Kaytranada, ya que ha sido una gran inspiración para mí. Estoy aquí, emocionada por ver dónde me llevará este viaje musical. ¡Gracias DJ Mag ES por el apoyo, espero veros por España pronto!

HYBRASIL

Explorando el futuro del techno con una base minimalista Elevator Program / Awesome Soundwave

El artista irlandés Hybrasil ha dejado una marca indeleble en la escena electrónica con su enfoque único hacia el techno, destacando por sus configuraciones de hardware en directo y su pasión por compartir conocimiento. Tras lanzar música en sellos de renombre como Rekids y We Are The Brave, su más reciente trabajo, The Voyagers, en el sello de Carl Cox, está generando una gran expectación. En esta entrevista nos comparte su evolución artística, la influencia de sus colaboraciones y el enfoque futurista detrás de sus proyectos.

Hybrasil ha experimentado una fascinante evolución en su sonido a lo largo de los años. ¿Cómo describirías la progresión de tu sonido y qué influencias clave han marcado tu trayectoria artística?

Un punto de inflexión en mi vida fue cuando mi amigo Robert de Dublín me mostró el documental The Exhibitionist de Jeff Mills. Desde ese momento, mis influencias principales se han centrado en el minimalismo de Detroit, como Robert Hood y Richie Hawtin. Esto ha moldeado no solo mi música, sino también el arte y los conceptos de diseño en mis lanzamientos. Mi evolución como artista está en constante cambio, siempre explorando nuevas técnicas y tecnologías.

Has lanzado música en sellos prestigiosos como Rekids, Awesome Soundwave y We Are The Brave. ¿Qué ha significado para ti trabajar con estos sellos y cómo han influido en tu crecimiento como artista?

He tenido la suerte de trabajar con sellos increíbles, desde mi primer lanzamiento con Loose Records hasta colaborar con Carl Cox, Radio Slave y Alan Fitzpatrick. Trabajar con Awesome Soundwave, por ejemplo, me ha empujado a desarrollar conceptos de álbumes, lo que puede tardar hasta dos años en completarse. Cada sello con el que trabajo tiene su propia ideología y visión sonora, lo que me ha permitido evolucionar y crecer como artista.

Tus actuaciones en vivo destacan por el uso de hardware. ¿Qué desafíos has enfrentado al llevar estas actuaciones al escenario y cómo reacciona el público ante esta experiencia basada en hardware?

Mi set en vivo es bastante minimalista, utilizo dos samplers Elektron Octatrack y una caja de ritmos Roland TR-8. Todo gira en torno al Octa-

track, que es el centro de mi actuación. Durante los últimos dos años, he estado probando nuevo material en Sisyphos en Berlín, lo que me ha permitido crear un bucle de retroalimentación entre mis presentaciones y las grabaciones en mi estudio. La reacción del público ha sido increíble, y puedes escuchar los resultados en mi EP Test & Push.

Sigues compartiendo tu conocimiento de producción musical a través del Elevator Program. ¿Cómo está yendo este proyecto y qué te motiva a seguir apoyando a nuevos productores?

Elevator Program va muy bien. En septiembre hicimos una colaboración con Plugin Boutique y Loopmasters. Creé este programa para ayudar a los productores emergentes a aprender a crear música electrónica y a establecerse como artistas. Enseñar me ha permitido estar al día con las últimas tendencias tecnológicas y técnicas de producción musical, lo que también ha mejorado mi propio proceso creativo.

Tu último trabajo, The Voyagers, lanzado en el sello de Carl Cox, ha generado mucha expectación. ¿Podrías hablarnos sobre el proceso creativo detrás de este álbum y la inspiración detrás de sus temas futuristas?

El concepto de este álbum evolucionó con el tiempo. La primera versión la toqué en vivo en Dublín y muchas de las pistas empezaron como grabaciones en vivo. Trabajar con Christopher Coe y Carl Cox me dio el tiempo necesario para perfeccionar el proyecto. 'The Voyagers' es parte de una serie de proyectos centrados en la interacción humana con la tecnología avanzada, siguiendo el concepto de mi último álbum 2051: Enter the Droid.

AGORIA

LA MAGIA DE LA INSPIRACIÓN ES QUE NUNCA SABES CÓMO NI CUÁNDO LLEGARÁ

Autora: Patricia Pareja Casalí Fotografía: Ekaterina Manoskina - OSMOS Production

Nos adentramos en noviembre con paso firme y para la ocasión, Agoria, cuyo nombre real es Sébastien Devaud, protagoniza nuestra portada este mes. Agoria es un influyente DJ, productor y artista digital francés que ha dejado una profunda huella en la escena electrónica mundial. Nacido en Lyon, Agoria comenzó su carrera musical a mediados de los años 90 y rápidamente ganó popularidad en la escena del techno y house francés. Su primer álbum, Blossom (2003), estableció su estilo característico, una fusión innovadora de techno, house y música ambiental que continúa evolucionando hasta hoy.

Con una discografía que incluye trabajos notables como The Green Armchair (2006), Impermanence (2011) y Drift (2019), y su reciente lanzamiento Unshadow (2024), Agoria se ha consolidado como uno de los productores más originales de su generación.

Además de su influencia en la música, Agoria ha logrado una destacada carrera en el arte digital. Es un pionero en la exploración de las conexiones entre arte, ciencia y tecnología, participando en colaboraciones artísticas con figuras como Philippe Parreno y Nicolás Becker, y exhibiendo sus obras en instituciones de renombre como el Tate Modern de Londres, Art Basel en Miami, y recientemente en Le Musée d’Orsay en París. En su faceta artística, es reconocido como un referente en el campo del arte generativo biológico, impulsando proyectos innovadores que combinan la música, la neurociencia y la filosofía.

Hablamos con este gran artista —literalmente en cada sentido de la palabra— para que nos cuente más acerca de su evolución a lo largo de los años y sus recientes proyectos: su exhibición de arte en París y su nuevo álbum Unshadow.

¡Bienvenido, Sébastien! Nos alegra mucho comenzar noviembre contigo en nuestra portada. Cuéntanos, ¿cómo estás?

¡Hola! Muchas gracias por recibirme. Estoy muy emocionado, sí, porque realmente ha sido un año increíble. Estoy muy agradecido por todo los que he vivido este año, desde la exhibición que hice recientemente en el Museo de Orsay hasta los Juegos Olímpicos, mis DJ sets y haber podido tocar para la Casa Blanca en París. Realmente ha sido un año increíble, así que estoy muy feliz de terminarlo con el lanzamiento de Unshadow. Es como la guinda del pastel.

Ahora que el año está llegando a su fin y puedes mirarlo con una perspectiva completa, ¿qué reflexiones tienes sobre tu evolución tanto artística como personalmente en 2024?

Este álbum que voy a lanzar marca ya 20 años desde que empecé a hacer música. Mi primer álbum se lanzó hace 20 años. Así que sí, ha sido un camino muy largo y he podido ver cómo la escena, la música y las personas han evolucionado enormemente. Cada dos años siento que hay una especie de gran evolución en nuestra escena. En este momento diría que es muy difícil hablar de mi propio, digamos, “increíble año” a nivel personal, porque el mundo en sí parece estar colapsando un poco por todas partes; es un momento muy difícil para muchas personas, y muchos están luchando. Así que me siento un poco avergonzado al decir que este año fue algo muy especial para mí. Pero siento que todavía quiero seguir apoyando a nuevos artistas, sigo teniendo mucha curiosidad por cuál será el próximo movimiento interesante para la música electrónica y el arte. Cuando terminas un disco como Unshadow ya estás pensando en qué será lo próximo. Es un poco así, ya sabes, no es una carrera, pero siempre estoy reflexionando y mirando hacia adelante, lo cual puede ser realmente agotador para la gente a mi alrededor, pero como artista siempre estoy en movimiento de alguna manera.

Mirándolo desde otro punto, eso tiene algo de magia, ¿sabes? Este es el resultado de amar tu trabajo. De otro modo, no estarías esperando lo que viene, ni buscando nuevas aventuras o proyectos.

Absolutamente, sí. Mucha gente me pregunta por qué sigo de gira y tocando, y si todavía me divierto. En cierto modo nos pagan por volar, nos pagan por viajar. Y para mí, la diversión está, por supuesto, en tocar, pero también en conocer a la gente. Por eso también quise hacer esta entrevista. Para mí, el único sentido de hacer música es compartir, y compartir no es solo compartir tu ego en el escenario, porque entonces es muy pobre. Creo que en este momento estoy un poco preocupado al ver a tantos artistas compartiendo solo la fama y creyendo que son buenos solo por estar en el escenario. Y siento que, sin el público, no seríamos nadie. Siempre me emociona conocer a mis seguidores y tocar para ellos. Cada DJ tiene su propio sonido, su estilo y su manera particular de tocar, por lo tanto, entregamos algo muy personal. Pero cuanto más personal es, más atento estoy al público.

Tengo suerte, ¿sabes? Puedo encontrarme con seguidores de la música, de la música electrónica, del techno, del house,… pero también puedo encontrarme con un filósofo o con un científico, y esa es la belleza de la música electrónica. Creo que por eso también fue parte de la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos. La belleza de esta música es que realmente une a diferentes tipos de personas. No hay barreras de idioma; es un lenguaje universal con el que puedes unir a todos. Y lo más bonito de nuestro trabajo es tener públicos muy diversos. Soy la persona más feliz si veo una multitud mixta frente a mí.

Es curioso, porque recientemente participaste en un documental dirigido por Patrick Thevenin y Elodie Rassel, donde hablaste sobre cuando tenías 14 o 15 años y pasabas el día haciendo remixes en casa, preguntándote si tus padres podrían haber estado un poco asustados por que te dedicaras a este mundo. ¿Tuviste apoyo en casa desde la infancia?

Acaban de grabar el documental, sí. Patrick Thevenin está haciendo un trabajo increíble, van un poco a contrarreloj, y creo que estará listo para el inicio del próximo año. Compartiremos algunos episodios más en las próximas semanas. Él pensó que era un buen momento para hablar de estos 20 años haciendo música, de toda mi evolución, desde las fiestas rave hasta organizar y promocionar nuevos festivales en Lyon, hacer mi propia música, ir de gira por el mundo y ahora crear arte. Creo que este viaje es, de alguna manera, complejo, pero también muy intenso, y siento que hay muchas cosas distintas por compartir.

En cuanto al apoyo en casa, no, ellos pensaban que solo era una moda pasajera. Asumían que se me pasaría rápido porque —tanto ellos como yo, en realidad— querían que me dedicara al cine. Dividí mi tiempo entre la escuela de cine y la música, tocando en fiestas rave improvisadas. Pasé un tiempo mezclando ambas pasiones una mezcla entre estas dos pasiones. Sin embargo, un día tuve que elegir entre trabajar con James Ivory, un director de cine increíble, o pinchar justo antes de Carl Cox y Richie Hawtin. Le pregunté a la compañía de cine si podía hacer esta fiesta durante el rodaje, y dijeron que no, que debía estar 100% comprometido. Si estaba con ellos en Londres, tenía que quedarme con el equipo durante todo el rodaje de la película. Así que dije: “No, quiero pinchar en esa fiesta”.

Mis padres se volvieron locos pensando: “Oh, Dios mío, hemos perdido a nuestro hijo”, porque en esa época estaba prohibido bailar música electrónica. Así que la gente pensaba lo peor; mis padres temían que me hubiera convertido en traficante de drogas o algo así, ya que no aparecía hasta el domingo por la noche. Y, bueno, entiendo su miedo. Los padres, los medios y en definitiva todo el mundo decían lo peor de la música electrónica, pero de alguna manera también confiaban en mí. Recibí una buena educación, y mis padres son artistas ambos, así que, al ser ellos artistas, creo que dijeron: “de acuerdo, de todos modos, tiene que vivir sus propias experiencias, sus experimentos, y no podemos prohibirle que haga lo que quiere hacer”. En realidad, si me hubieran dicho que no, quizá hasta lo hubiera hecho aún más, ¿sabes?

Debo decir que eres un grandísimo artista; combinas arte, música y ciencia, colaborando con biólogos, neurocientíficos y filósofos. De ahí lo que comentabas antes, que además de con fans puedes reunirte también con científicos y biólogos… ¿Tu pasión e interés por la ciencia, la naturaleza y la filosofía ha estado contigo desde la infancia, o es algo que se desarrolló gradualmente a medida que madurabas?

Gracias, pero fui un estudiante muy malo, aunque estoy intentándolo mejorar ahora. Sí, la ciencia siempre me ha emocionado, y ahora, al estar rodeado de verdaderos investigadores, como los del centro atómico en París o personas que trabajan en física fundamental, es algo increíble porque es vertiginoso. Cuanto más aprendemos, menos sabemos. Es realmente increíble, es como caer en una madriguera. Entonces, lo que intento, a mi nivel, es vulgarizar un poco todo el conocimiento que comparten conmigo. Me gusta estar en esa posición de no saber nada e intentar compartir. También siento que necesitaba dar más sentido a mi trabajo, porque la música, especialmente la música electrónica, se ha vuelto mayormente funcional. No es que no haya buena música hoy, claro que sí, pero la mayoría de la música se hace solo para hacer bailar a la gente, lo cual está bien, ya que hacer que la gente baile es un objetivo estupendo. Pero he hecho eso durante muchos años, así que también intento darle otro nivel de significado a mi música y mi arte.

Si puedo fusionar arte y ciencia y hacer que la gente se pregunte sobre muchos temas, siento que he hecho mi trabajo. La emoción que puedes sentir con la música también es una emoción que puedes experimentar con el arte, cuando ves una pieza y te preguntas: "¿Cómo hicieron esto?", como en el Museo de Orsay. Siempre trato de fusionar lo físico con lo digital, lo físico con lo vivo, que ya es un código en sí mismo. La gente olvida que llevamos un código en nuestro ADN. Intento fusionar esto en mi arte. Por ejemplo, en el Museo de Orsay, busqué que la gente se divirtiera con algo complejo. Invitamos a los visitantes a soplar en su teléfono, y cuando lo hacían, creaban la obra, todo solo con códigos.

Me encantó que todos estuvieran en una sala del Museo de Orsay, uno de los cinco museos más importantes del mundo, con 100.000 visitantes que interactuaban con esta obra. No quería poner pantallas en un museo que solo tenía esculturas y pinturas, eso sería una falta de respeto, traer pantallas donde la gente pintó durante un año o más, lo mismo con las esculturas, por supuesto. Así que fue un buen momento para hacer eso.

¿Qué es lo que más te inspira en el mundo a la hora de crear?

La inspiración, en realidad, no es algo que podamos dictar. Creo que la inspiración viene a veces con la pereza. Muchas personas tienen ideas cuando no están haciendo nada, porque cuando te das una semana para no hacer nada, te calmas, haces una pausa, y poco a poco las ideas empiezan a surgir y las cosas se conectan. Esa ronda de ideas es la belleza de hacer música; cuando estás en el estudio por unas horas haciendo un sonido, algunas veces encuentras algo, otras no. Puedes pasar un mes en el estudio y solo hacer basura o música poco interesante, y luego, en tres días, crear tres buenas canciones. La magia de la inspiración es que nunca sabes cómo ni cuándo llegará.

De hecho, hice una pieza de arte sobre esto, sobre cómo tomamos decisiones y cómo nos llegan las ideas. Trabajé con un biólogo para entender qué ocurre en mi cerebro antes de que surja una idea. Resulta que en el cerebro hay agua llena de proteínas, y cuando estas proteínas se conectan, generan una cilia, y esta cilia es la que trae la idea. Es algo muy orgánico; incluso ahora, mis palabras están llegando, pero no sé cómo. Y me encanta eso, porque, aunque soy un poco obsesivo con el control, me alegra saber que realmente no sirve de nada intentar controlarlo.

Quizás, son disciplinas y protocolos muy diferentes, y creo que todos también somos distintos. Puedes hacer música todos los días, o escribir una página al día hasta completar un libro, o puedes frustrarte, y esa es mi técnica. No enciendo mi equipo de música en el estudio durante dos o tres meses. Y, como decía un escritor, todo viene cuando debe venir. Hay escritores que no escriben hasta sentir esa necesidad, y me gusta eso. Me he acostumbrado a eso en la última década. Antes, solía estar en el estudio cada día produciendo. Ahora, la necesidad de hacer música y tener algo que decir es el verdadero motor detrás de mi música.

A principios de este año, hiciste uno de tus sueños realidad. Debo felicitarte por presentar tu primera instalación artística en el Museo de Orsay. Háblanos sobre esta instalación, cómo surgió, cuánto tiempo te llevó y qué significa para ti como artista.

Fue realmente como un sueño. Me llamaron hace unos dos años y medio, me llevó dos años hacer la exposición, dos años de esfuerzo, dos años de intentar, de que las ideas no encajaran, y finalmente encontramos el camino. Como dije, no quería hacerlo a través de una pantalla, así que creé dos piezas. La primera pieza es la más, digamos, magistral y atractiva a simple vista: es una escultura de dos metros. No sé si la viste, pero en realidad la luz gira alrededor. No se ve en el suelo, pero la luz está girando en el suelo. Es aún mejor cuando la luz está alineada con la escultura, porque dibuja un código QR en el suelo. Es tan preciso que, por ejemplo, si un niño venía y tocaba la escultura, teníamos que rehacer todo. Es muy, muy sutil hacerlo funcionar.

Es matemática, y fue una gran idea. Entonces pensamos, cuando las personas lleguen… ¿qué verán a través de este código QR? Y entonces llegó la magia: invitamos a la gente a soplar en su teléfono. Queríamos tener este efecto doble. Algunas personas entraban a la sala y no veían el código QR. Decían: “Está bien, nos gusta la escultura. Es bonita”, y se iban. No accedieron al código, de alguna manera. Esta escultura es como un guardián en cierto modo, y cuando accedes, puedes obtener una de las piezas de nuestro museo y llevarla a casa. Todo el proceso también fue para democratizar el arte: no había wallets, ni blockchain, ni conocimiento de criptomonedas, nada. Podías llevarte algo a casa sin pagar y sin hacer nada; nosotros hacíamos todo. Ha sido una grandísima experiencia. Espero que podamos hacerlo en España, tal vez en mi ciudad; eso sería genial.

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¡Sería increíble! ¿En qué ciudad te gustaría hacerlo en España? Es decir, ¿en qué museo? Ojalá sea en Barcelona, el MACBA creo que sería ideal…

Sería fantástico hacerlo en el MACBA de Barcelona. Sí, sería el lugar perfecto para llevarlo a cabo.

Como mencionaste en tus redes sociales, no sueles compartir tus live DJ sets, pero compartiste el mix que hiciste en Le Code d'Orsay. ¿Qué tiene de diferente este mix que te llevó a decidir compartirlo?

Siento que fue una experiencia única en la vida. Fue la primera vez que el Museo de Orsay invitó a un DJ a tocar por la noche, en medio de las pinturas, en medio de la cultura del baile, rodeado de todas estas increíbles obras que valen 100 millones de euros cada una, con un bar, champán, bebidas,… ¡y nos permitieron hacer esto!

Qué locura, ¿fue difícil conseguir el permiso para hacerlo? Imagino que sí…

Todo fue muy complicado. También teníamos humo, y el humo era un problema para las obras. Hicimos pruebas toda la semana, todas las noches anteriores, para asegurarnos de que las vibraciones no rompieran ninguna escultura, porque algunas son muy frágiles. Justo antes de tocar, el curador de la exposición me dijo: “Bueno, hemos adquirido una escultura increíble. Esta es muy frágil y cuesta seis millones de euros”. Y yo estaba como, “¡Oh Dios mío!” Calculé cuantas esculturas había, tal vez cientos… Pensé: “Dios mío, espero que mañana el periódico no tenga por titular ‘Fiesta de demolición por Agoria en el Orsay’”. Al final, todo salió súper bien, debo decir que el público fue muy respetuoso. Las entradas se agotaron en un minuto, fueron 1500 entradas vendidas en un minuto, algo así. No sabes quién va a venir, pero todos fueron muy respetuosos y se involucraron. Fue un momento realmente bonito y memorable.

Algunas de tus obras se han exhibido en todo el mundo en importantes eventos de NFT. ¿Cómo entraste en este mundo y qué puedes contarnos sobre tu experiencia dentro del espacio NFT?

Diría que la blockchain y la tecnología nos permiten hacer cosas que antes no podíamos hacer. Para un artista, es un campo totalmente virgen donde podemos crear cosas desde cero que nadie ha intentado antes. Es como las fiestas rave al principio; es súper emocionante. Siento que la música hoy en día está en todas partes. La gente no presta mucha atención. Hay muchas canciones nuevas que llegan a Spotify, y consumes la música solo escuchándola, pero no le prestas tanta atención como si hubieras estado buscando un vinilo durante dos años. La accesibilidad y la disponibilidad de la música es tan fácil que puedes tener cualquier pista en un segundo, por lo que tu conexión emocional no es la misma que si hubieras estado buscando durante un tiempo.

Lo que haré, por ejemplo, en noviembre, es un reproductor de IA, donde cada vez que presiones play en el reproductor, tendrás una versión única de mi canción. La versión de la canción será muy rara. Solo tú, Patricia, tendrás una canción que solo tú en el mundo tendrás. Eres la única que puede escucharla. Una vez que la escuches, solo tú la habrás escuchado. Nadie tendrá la misma. Y puedes tenerla para ti si quieres. Puedes descargarla, y será solo tuya. Habrá 500 piezas de esto, solo para personas que sean muy apasionadas y que piensen: “Sí, yo también quiero tener esta primera canción rara que creé para mí”. Así que, por supuesto, tengo mi versión en Spotify. Es la canción con Rogers y Madison McFadyen, “Get Away”, y el reproductor reproducirá, reorganizará y reconstruirá la pista cada vez que presiones play.

Así que, técnicamente, es un gran desafío, porque tiene que ser bueno cada vez. No quieres escuchar algo que suene mal, ¿sabes? Así que quieres asegurarte de que la voz, la base, todo se ajuste cada vez. Ha sido mucho trabajo para asegurar que todos los arreglos sean agradables. Pero ni yo mismo sé en qué sentido. No sé cómo será la reorganización. Y nunca lo sabré hasta que tú la tengas o hasta que la escuches. Así que la transmisión será como un perpetuo. Podrías tener una versión perpetua que nunca se detenga. Podrías escucharme para siempre. Y lo bueno es que puedes compartirlo con tu marido si así quieres, ¿sí? Solo vosotros la escucharéis. Me encanta esto.

Me encanta el hecho de que este es un proyecto que realmente intenta hacer que la música sea rara de nuevo, porque todos quieren que la música sea súper exitosa. Quieren tener mil millones de reproducciones, está bien, pero creo que la música debería ser rara de nuevo. No creo en los artistas que están en jets privados mostrando que hicieron una pista en el avión entre tres shows. Como, “Mira, soy tan bueno que hice una pista en el avión”. Me quedo un poco como, “Está bien, eso es lo peor que puedes mostrar como artista. Primero, le estás mostrando a la gente que ‘Oh, es tan fácil de hacer’, lo cual es una mentira. Segundo, es como, ‘Oh, soy tan exitoso y tan brillante, y hice esto en un avión privado, mientras todos luchan’. Es asqueroso. Y matas el misterio.

Por ejemplo, cuando escucho un álbum de Motown o un álbum de Michael Jackson, me pregunto, “Wow, ¿cómo lo hicieron? ¿Cómo lo produjo Quincy Jones? O, ¿cómo se produjo este álbum de Bowie o Madonna o lo que sea?” Necesitamos un poco de misterio. Todos están vendiendo su vida en las redes sociales, vendiendo todo de su vida privada. Ya no hay misterio, es aburrido, en realidad. Quiero que la gente adivine. Quiero que la gente no esté segura. Quiero que la gente busque cosas. Así que, por eso quiero que la música sea rara de nuevo, de una manera diferente.

Por ejemplo, en lo visual, algo a lo que estamos acostumbrados es a que el arte y la música sean estáticos. Tienes una pintura, siempre será una pintura. Tienes una canción, siempre será la misma canción. De esta manera, la canción ya no es así. Ahora, el arte y la música pueden ser evolutivos en el tiempo, y pueden cambiar con el tiempo. Por ejemplo, compré una pintura que cambia todos los días. Así que realmente puedo verificar cómo será la pintura en 2035, por ejemplo. Y realmente el 10 de noviembre, podré hacer clic en ella y sabré cómo será ese día. Hay tantas cosas que podemos inventar y repensar…

Además de ser DJ, productor y artista digital, también eres el propietario de tu sello Sapiens. ¿Qué puedes contarnos sobre la salud del sello? ¿Qué es lo próximo en la plataforma?

Me encantaría tener más de 24 horas al día, pero no es así, así que trato de enfocarme en jóvenes artistas y ayudarles a través de unos pocos singles. Los próximos serán Marc Gonen, de Estambul, Julian, de París,.… En general, perfiles jóvenes; Marc Gonen lanzará algo de música en Keinemusik pronto, Julian es realmente un recién llegado residente del Gate Club. Quiero enfocarme en los próximos meses en nuevos artistas, solo para poner la luz sobre ellos, así como me ayudaron cuando empecé. Y cada vez, la gente me dice: "¿por qué no firmas a grandes nombres? Con la cantidad de artistas que conoces, ¿por qué no lo haces? Sería más fácil". Pero no sé. Me gusta, me gusta darles la oportunidad a ellos.

Recientemente lanzaste tu nuevo y último álbum, Unshadow. ¿Por qué elegiste esta canción como título del álbum? ¿Cuál es el concepto detrás de esta nueva obra?

Creo que es el álbum más positivo que he hecho. Es el álbum con más buena voluntad y buenas vibras que he creado, siento que tal vez necesitaba reconciliarme conmigo mismo y con los demás también. Y Unshadow (sombra) porque estaba buscando un color para este álbum, y pensé en el color de la sombra que se va cuando el sol viene y toma ese espacio en el suelo de nuevo. Era un color bonito, como este, este periodo de tiempo cuando la sombra se va, creo que estamos en un fuerte periodo de sombra ahora. Creo que solo puede dar algo de amor y buenas vibras a la gente y deshacer esa sombra.

Dentro de Unshadow encontramos varias colaboraciones con grandes artistas. Musicalmente hablando, ¿qué pueden esperar los oyentes de esta nueva obra?

Estoy muy contento con los comentarios que he recibido. Desde hace unas semanas, la gente dice que es quizás uno de los mejores álbumes que he hecho, o el más gratificante. Para mí, fue muy emocionante trabajar con tantos artistas diferentes. Porque, sabes, cuando eres DJ, la mayor parte del tiempo estás solo de gira, no con tus amigos o familiares, y cuando estás en el estudio, te enfocas en el sonido. Así que estoy super feliz de haber podido grabar con tantos talentos. Me encantan los artistas vocales. Madison es la hija de Bobby McFerrin. Bobby McFerrin, él hizo la canción de ‘Don’t Worry, Be Happy’. No sé cuántos miles de millones de reproducciones tiene, pero sin duda es una canción que conoce todo el mundo. Y Madison, que tiene como 30 años, está comenzando su carrera. Me gusta toda esta transversalidad, conecta un poco con la idea de reconciliación entre tiempos y generaciones. Y me encanta la voz de Dominic Fike en la canción. ‘Sunshine’, es increíblemente bonita. Si pasas este invierno junto a la chimenea y pones ‘Sunshine’ en el reproductor,… sin duda se te pondrá la piel de gallina.

¿Cuál ha sido la pista más difícil de producir de este álbum?

Creo que es ‘Spacer’, porque es una versión de un clásico. Pero ‘Spacer’, al principio, era una canción que me envió Noemí. Luego dije, está bien, tal vez deberías pedirle a Noemí que cante en ella y luego volver a reproducirla. Pero, como no estuve en el inicio de la canción, no fue fácil reproducirla para mis oídos, pero estoy super feliz con los resultados y creo que es una buena versión. En las fiestas funciona muy bien. Es como un momento de "manos en el aire" del show. Todos necesitamos eso a veces. Y sí, fue un gran momento, un gran tiempo, una gran pista.

¿Y tu favorita?

Me encanta ‘Quiero’. Aunque, en realidad… cada día puedo tener una favorita diferente. También me gusta mucho ‘Sunshine’, y mañana podría decirte ‘Teardrops’,…¿sabes?. Pero me encanta ‘Quiero’ musicalmente hablando. Creo que es una buena canción.

Mencionaste al hablar del álbum: “Como ciudadano del mundo, habiendo viajado incansablemente durante 30 años, sé lo afortunado que he sido al vivir y experimentar diversas situaciones. Si este álbum puede simplemente compartir parte de la alegría que he recibido y transmitir algo de buena voluntad y magia blanca al oyente, seré el más feliz al ver la luz ahuyentar la sombra.” ¡Eso es muy interesante! ¿Podrías explicar con más detalle a qué te refieres cuando hablas de estas "situaciones" y de la "magia" que pretendes transmitir?

Creo que la música electrónica es uno de esos tipos de música que consigue crear momentos mágicos en los que puedes olvidar toda tu vida. Creo que es muy particular. Es una de las pocas que no es para bailar en pareja. Bailas solo, pero bailas de manera única y, al mismo tiempo, colectivamente, y la energía que todos tienen a tu alrededor en realidad te eleva. Siento que la vibración positiva que nuestra escena le está dando a todos es bonita. Creo que es algo así.

Eres un artista en todos los sentidos de la palabra, y me pregunto… ¿Cuál es tu próximo objetivo en tu carrera? ¿Te sientes completamente satisfecho?

Creo que un artista nunca se siente completamente satisfecho. Todavía pienso que conozco muy poco, sigo aprendiendo cada día miles de cosas de diferentes personas. Estuve dando una conferencia recientemente en París delante de unos 4.000 asistentes e invitaron a varios ponentes, unos 40, que hablaron sobre el futuro, el progreso,,,, y lo sorprendente es que cada uno de ellos tenía una visión muy distinta. Estuve allí con uno de mis “héroes”, Etienne Klein, un físico fantástico, y simplemente por estar cerca de él durante 10 minutos me alegró el año. Ahora mismo siento que reunirme con gente es lo que realmente me nutre, conocer a gente, y no sé qué me depararán las próximas personas que conozca. Así que estoy deseando verte pronto, Patricia. Muchas gracias por tu tiempo.

¡Espero que muy pronto! Muchas gracias por tu tiempo, Sébastien. Todo el equipo de DJ Mag España y yo personalmente te deseamos lo mejor en tu próspera carrera musical y artística.

PIEM

HOY EN DÍA, LA ESENCIA DE MI SONIDO REFLEJA UN RETORNO A MIS RAÍCES

Autora: Caterina Günther

PIEM es sinónimo de house de calidad en Barcelona. Desde sus primeros lanzamientos en sellos como Toolroom y DFTD, hasta su próxima aparición en Ministry of Sound con 'Boy Don’t', ha sabido moverse con soltura entre la escena local e internacional. Habitual en clubes como INPUT y Pacha Barcelona, también ha dejado huella en eventos como Sonar y Mad Cool. Ahora, con su residencia en Jackies y su papel como Music Curator del W Barcelona, sigue expandiendo su influencia en la ciudad y más allá.

Después de que Danny Howard y Pete Tong respaldaran sus producciones en BBC Radio 1, su sonido se ha vuelto imprescindible en los sets de artistas como Michael Bibi y Neverdogs. Su habilidad para conectar con el público y su destreza en la cabina lo han llevado a compartir cartel con grandes nombres como Black Coffee y Honey Dijon, consolidándolo como un referente de la escena house.

En esta entrevista hablamos sobre su esperado debut en Argentina, los desafíos de clearing de samples y cómo planea cerrar el año con una gira por Asia. Además, nos cuenta qué podemos esperar de sus futuros lanzamientos y cómo sigue encontrando inspiración después de más de 20 años en la escena

Siempre nos hace mucha ilusión tener a talento nacional entre nuestras páginas. Cuéntanos Álvaro, ¿cómo te está yendo 2024?

Este 2024 ha sido uno de los mejores años de mi carrera. He lanzado música de la que estoy orgulloso y he tocado en grandes eventos como Mad Cool, Electric Love en Austria, Pacha Ibiza y Cova Santa. Estas experiencias, junto con los proyectos que vienen para 2025, me mantienen motivado y con ganas de seguir avanzando.

Tu próximo track ‘Boy Don’t' fue lanzado el 18 de octubre en Ministry of Sound. ¿Qué significa para ti este lanzamiento ?

Para mí, lanzar ‘Boy Don’t’ con Ministry of Sound es algo muy especial. Desde que comencé en la música siempre he visto a Ministry of Sound como un referente. Recuerdo comprar todos sus CDs y discos, y escuchar su música todo el tiempo.

Este track es especial porque es uno de los que más he tocado los últimos dos años y que mejor ha funcionado en mis sets. Todo el proceso desde que lo terminé hasta ahora ha sido una odisea... Y lo mejor de todo es que mi colaboración con MoS no termina aquí; tengo más proyectos pendientes después de este single.

Este track fue creado en diciembre de 2022 y firmado en marzo de 2023. Háblanos sobre el proceso de clearing del sample y cómo te mantuviste enfocado durante todo este tiempo.

Para resumir la historia, sampleé la vocal de ‘Boy Don’t Waste My Time’ de Rod Lee. Hice el track, se lo mandé a mi ingeniero para el proceso final y, cuando estuvo listo, se lo mandé a Michael Bibi y esa misma noche lo tocó en Circoloco en Phuket. Un par de personas que estaban allí me mandaron videos y los compartí en mis redes sociales, al rato recibí un mensaje de alguien de Ministry of Sound preguntando por el track. Les mandé el tema y ahí empezó el proceso, en enero de 2023. Me pidieron que lo reservara para ellos y me prometieron una oferta en unas semanas. En marzo de 2023 me llegó la oferta y el contrato, pero ahí comenzaron los dolores de cabeza...

Al ser una gran discográfica, ellos no podían correr el riesgo de lanzar un sample sin todos los permisos. Además, una de las frases del vocal original tenía un significado algo obsceno, así que tuve que contratar a una cantante para que interpretara la misma letra y melodía, pero modificando dos palabras. Al final, el resultado quedó genial. Sin embargo, comenzó la parte más complicada: limpiar el sample.

Aunque el tema fue cantado por otra persona y era técnicamente un cover, teníamos que obtener los permisos. Sony, obviamente, no se arriesga con algo así. Contacté con Rod Lee, quien me respondió, pero no pudimos llegar a un acuerdo. Después de casi un año, en marzo de 2024, me di cuenta de que Rod había sampleado a otro artista en realidad, quien había hecho una versión previa. Volví a empezar el proceso, pero esta vez todo con éxito y, tras unos meses de negociaciones, finalmente llegamos a un acuerdo.

Con todo listo, ya estábamos en pleno verano de 2024, y como Ministry of Sound ya tenía su calendario lleno, tuvimos que esperar hasta octubre para el lanzamiento. Lo más frustrante fue la cantidad de gente que me preguntaba por redes sociales cuándo saldría el tema durante todo este tiempo, y yo sin poder dar fechas ni compartirlo. Hasta que no lo vi publicado no me lo creía.

Ministry of Sound es un sello icónico y con mucha historia. ¿Cómo ha sido la experiencia de trabajar con ellos?

Trabajar con Ministry of Sound ha sido una experiencia muy satisfactoria. Colaborar con una major tiene sus ventajas y desventajas, pero mi feedback con ellos ha sido extremadamente positivo. Me han brindado apoyo en todo momento, y tener acceso a su equipo para preparar el lanzamiento ha facilitado mucho el proceso.

Sin embargo, también he aprendido que trabajar con sellos de este tipo implica que es un negocio muy serio. Hay una gran responsabilidad y expectativas, lo que me ha hecho valorar aún más la oportunidad de ser parte de su catálogo. La experiencia me ha permitido crecer como artista y entender mejor el funcionamiento de la industria musical. Además, he podido conectar con otros talentos del sello, lo que enriquece aún más el proceso creativo

En general, ha sido una experiencia enriquecedora que ha contribuido a mi desarrollo profesional y artístico.

Has tenido una evolución constante desde tus inicios, algo que se refleja también en tu sonido. ¿Cómo describirías la esencia de Piem hoy en día en términos musicales?

Hoy en día, la esencia de mi sonido refleja un retorno a mis raíces. Empecé con house, pasé por el tech house, pero volví al sonido de mis inicios, y es algo de lo que no me arrepiento en absoluto. Me siento más cómodo y feliz que nunca, especialmente porque hago la música que realmente me gusta.

Musicalmente, me muevo dentro del house, que puede ir desde algo vocal hasta un sonido más underground. Tengo un abanico amplio de estilos, y dependiendo de la energía de la pista, ajusto la dirección de mi set. Me gusta mantener un punto ecléctico en mis sesiones para que no se vuelvan monótonas, y también para poder contar una historia a través de la música. Creo que esa variedad es lo que define mi estilo hoy en día.

Volviendo al pasado, ¿recuerdas qué equipo utilizaste para producir tu primer track? ¿Cómo ha cambiado tu forma de trabajar y el equipo que usas desde entonces hasta ahora?

Mi equipo de producción ha cambiado sorprendentemente poco desde mis inicios. Siempre he trabajado con mi portátil, apoyándome en sintetizadores virtuales, sample packs y mucho sampleo. Aunque me gustan los sintetizadores analógicos, no los suelo usar con frecuencia, ya que siempre me he sentido más cómodo en un entorno digital. Sin embargo, lo que sí ha cambiado considerablemente es mi forma de trabajar. Al principio, mis conocimientos eran muy básicos, pero con el tiempo fui aprendiendo a mi propio ritmo, pasando tardes en estudios de amigos, observando sus procesos y realizando algunos cursos. ¡Ojalá hubiera tenido acceso a las herramientas que existen hoy hace 15 años!

Para mí, lo más importante siempre ha sido crear mi propio sonido. Si intentas hacer tracks que suenen como los de otro artista, nunca desarrollarás una identidad propia. En mis producciones, un elemento distintivo ha sido la presencia de vocales, y mi sonido siempre ha tenido una marcada influencia del estilo UK, algo que viene de mis referencias musicales. Ahora estoy explorando nuevas direcciones, intentando reducir el uso de vocales, pero sin perder esa esencia que me define.

Este noviembre tocarás en Argentina por primera vez, en La Feria. ¿Qué expectativas tienes de este debut y qué esperas del público argentino?

He escuchado tantas cosas buenas sobre la energía del público argentino, que me emociona mucho vivirlo de primera mano. Me han contado que el público es súper apasionado y entregado, pero también muy exigente, lo que me motiva aún más a dar lo mejor en mi debut en La Feria.

Además, será una ocasión especial para reencontrarme con amigos y colegas argentinos, ya que ese mismo día se celebra Creamfields en Buenos Aires y muchos estarán actuando en la ciudad.

Te espera un fin de año intenso con el tour de Asia. ¿En qué clubs y fiestas te podremos encontrar?

El fin de año se presenta bastante intenso para mí, comenzando con una actuación en Luna Beach Club en Bali. Después estaré en Filipinas, Tailandia y otros destinos que aún no puedo mencionar porque estamos en negociaciones y hay algunas cosas que están por anunciar. Pronto compartiré todos los detalles en mis redes sociales.

El Wet Deck del W Barcelona se ha convertido en un evento de referencia en la ciudad. ¿Cómo ha evolucionado esta serie de eventos a lo largo de los años? ¿En qué te basas a la hora de curar los line ups?

Wet Deck Summer Series es sin duda uno de los eventos más icónicos de la ciudad. Siendo un lugar tan emblemático y de lujo, siempre sentimos la presión de estar a la altura, y el nivel de exigencia es muy alto. La evolución de estos eventos ha seguido el ritmo de la escena actual, pero siempre con nuestro toque personal. Con el equipo con el que trabajo estrechamente, cada año tratamos de innovar, de hacer algo diferente para no repetirnos, tanto en la puesta en escena como en los shows y los artistas que invitamos.

Al ser un evento de verano ya consolidado, la curaduría del line up es un poco más sencilla, en el sentido de que no necesitamos tener grandes headliners cada semana. Sin embargo, es complicado asegurar los artistas que queremos debido a la gran competencia de eventos en la ciudad y las exclusividades. A pesar de ello, estoy muy satisfecho y orgulloso de lo que hemos logrado año tras año, ya que cada vez más estamos posicionando este evento como un referente dentro de la escena.

A lo largo de los años hemos contado con artistas como Black Coffee, Anotr, Hot Since 82, Nic Fanciulli, Pete Tong, Blondish, Gorgon City, Seth Troxler y Loco Dice entre muchos otros. Cada temporada me gusta apostar por 2 o 3 artistas emergentes, ya que, al estar el evento consolidado, no tenemos la presión de depender exclusivamente de grandes nombres.

Jackies ha sido un punto de encuentro para la música house en Barcelona. Explícanos como nació este proyecto.

¡Soy el DJ residente! Poder estar al frente de la cabina en fiestas donde han tocado artistas como Folamour, Honey Dijon, Kerri Chandler, Moodymann y Louie Vega, entre otros, es algo muy especial.

Desde que empecé hace 3 años, he estado presente en la mayoría de los eventos y he visto de primera mano la evolución de la marca. Ver cómo hemos llegado a organizar eventos de gran formato para más de 10,000 personas en Barcelona es una gran responsabilidad, pero también una experiencia muy gratificante. Además, he apoyado el sello discográfico colaborando en la selección musical y publicando varios de mis últimos tracks con ellos.

Estás trabajando en nuevos lanzamientos con Knee Deep In Sound, Moxy y Toolroom. ¿Qué puedes adelantarnos sobre estos proyectos?

Este año he sacado menos música, pero cada lanzamiento ha sido más cuidado, y eso se ha notado en la reacción del público y el apoyo de otros DJs. Los tracks con Knee Deep In Sound y Moxy salieron el mes pasado y han tenido una gran acogida. Estos sellos, liderados por nombres como Hot Since 82 y Darius Syrossian, siempre generan buena visibilidad.

En cuanto a Toolroom, tengo un lanzamiento programado para el primer trimestre de 2025, que es una colaboración con Cassimm, quien actualmente está teniendo un gran impacto en la escena.

Después de más de 20 años de carrera, ¿qué sigue motivándote a seguir creando y explorando nuevas facetas de tu sonido?

Después de más de 20 años, lo que me motiva es fijarme nuevas metas y alcanzarlas. No me conformo con lo fácil, y creo que con trabajo todo llega. Nunca he trabajado en algo que no esté relacionado con la música, así que es más que una carrera; es un estilo de vida. A veces, ni siquiera necesitas motivación extra porque simplemente forma parte de ti. Me sigue interesando descubrir nuevos sonidos y técnicas, y siempre estoy aprendiendo. Viajar también me inspira al conocer diferentes influencias y culturas, lo que me mantiene creando y evolucionando como artista.

¿Cómo visualizas el futuro de la escena house en Barcelona y qué papel quieres jugar en su desarrollo?

El house ha sido y seguirá siendo una parte esencial de Barcelona. La ciudad acoge a artistas grandes y pequeños de todo el mundo, y no podemos olvidar a los DJs locales, que son parte fundamental del ADN de la cultura musical aquí. El futuro siempre es incierto, con nuevas propuestas, promotores y DJs surgiendo constantemente. ¡Lo que tengo claro es que hay house para rato!

Mi papel es seguir aportando y representando con mi música en cada oportunidad, ayudando a mantener viva la esencia del house y contribuir al crecimiento de la comunidad musical.

EDIP

Autor: Borja Comino

Desde su primer encuentro “casual” con FL Studio hasta su próximo lanzamiento con Moan Recordings, EdiP ha recorrido un camino que lo ha llevado de la curiosidad a una carrera musical razonablemente sólida. En esta entrevista, el DJ y productor nos cuenta cómo pasó de experimentar con el software como si fuera un juego a tomarse la producción musical muy en serio, compartiendo cómo ese momento de descubrimiento lo empujó hacia un sonido que mezcla la nostalgia dosmilera con el tech-house minimalista que define su estilo.

EdiP también nos habla de la importancia de su crew, TakeNotes, de la influencia de la escena rumana en su trabajo, y de cómo deportes como el skate y el snowboard alimentan su creatividad. Esta conversación nos abre una ventana a su proceso creativo, su amor por el R&B clásico, y cómo mantiene el equilibrio entre giras, producción y el simple placer de disfrutar la vida.

¿Cuándo te picó el gusanillo de la producción musical?

Mi primer contacto real con el software de producción musical fue con FL Studio. Hubo un momento en el que estaba en la playa y escuché música house en una playa cercana, así que decidí abrir este DAW. Usé su famoso secuenciador para recrear el ritmo 4/4 que había oído, y desde ese momento me enamoré del ritmo. Esa experiencia encendió mi pasión, y desde entonces he estado haciendo música. Ahora he cambiado de software y utilizo Ableton.

¿Qué tienes que decir acerca de tu nuevo lanzamiento con Moan?

Este lanzamiento es muy importante para mí porque siempre he respetado el sonido de Moan. Su estilo de tech-house minimalista encaja perfectamente con el mío, y siento que mi música se adapta bien al catálogo del sello.

Has sampleado una canción antigua de tu infancia para uno de los temas de este nuevo lanzamiento.

Samplear una canción de R&B de mi infancia le dio al tema una vibra de los 2000. Quería recuperar ese aire nostálgico y mezclarlo con los sonidos groovy del tech-house minimalista que comento. Esta mezcla entre pasado y presente funciona bien, especialmente en un club, ofreciendo a los oyentes algo familiar pero fresco. Siempre me ha gustado traer la música del pasado a la escena club actual.

Has tocado en festivales como Sunwaves durante algunos años. ¿Cómo fue tu primera experiencia actuando allí, y cómo ha evolucionado tu enfoque en los sets en vivo desde entonces?

Tocar por primera vez en Sunwaves fue algo realmente especial. Es un festival icónico en Rumanía y sentí que era un gran hito en mi carrera. Desde entonces, mis sets han evolucionado, pero siento que cada nueva fiesta y público me ayuda a crecer aún más como artista.

¿Cómo influyen el skateboarding y el snowboard en tu música?

Ambos deportes requieren mucho equilibrio, igual que la producción musical. Me dan un respiro del estudio, pero mantienen mi creatividad en marcha. La libertad y el flow que experimento al patinar o hacer snowboard se traducen en mi forma de abordar la música, donde uso la creatividad y tomo riesgos al mismo tiempo.

Tu crew, TakeNotes, parece ser una parte clave de tu trayectoria. ¿Cómo es la dinámica entre tú y los otros miembros?

TakeNotes es una parte importante de mi camino. Como todos vivimos en la misma ciudad y nos vemos casi a diario, nos motivamos mutuamente para crecer. Siempre hay apoyo dentro del grupo, y esa dinámica me motiva mucho a seguir mejorando.

La escena underground rumana, especialmente su minimal, es una gran influencia en tu sonido.

La escena underground rumana tuvo un gran impacto en mi producción. Solía ir a fiestas de Rominimal para escuchar su sonido, y luego adapté ese minimalismo a mi propio estilo. Tomé esta influencia y la fusioné con mi sonido de techhouse groovy, añadiendo vocales que realmente se quedan en la mente del oyente.

Definitivamente se puede escuchar mi amor por el R&B clásico en mis temas. Los ritmos suaves y las voces de ese género me inspiran, ya que fue uno de los pocos sonidos internacionales con los que crecí. El jazz y el blues también son parte de mi influencia, especialmente en lo que respecta a las líneas de bajo.

¿Tienes algún ritual o técnica que te ayude a equilibrar el estar de gira, producir música y encontrar tiempo para recargar energías?

Es bastante difícil equilibrarlo todo, pero trato de fluir, especialmente con el proceso creativo. Para mí, no puede ser forzado. Me recargo practicando deportes, dando paseos, tal vez jugando un poco y patinando. Estas rutinas despejan mi mente y me dan un impulso de creatividad. Viajar con mi portátil también me mantiene conectado a la música donde quiera que esté, incluso si es solo por un día. También es importante la moda, especialmente las zapatillas. No me considero un experto en moda, pero me gusta vestirme de una manera que me haga sentir bien, y para mí eso es lo que importa. En cuanto a la tecnología, siempre me han atraído los gadgets y experimentar con nuevas tecnologías. Creo que esa curiosidad me llevó de manera natural a la producción musical, ya que siempre me ha encantado trabajar con cosas que me mantenían enganchado al ordenador.

Coméntanos algún momento especialmente significativo de los últimos meses.

Uno de los momentos más significativos fue escuchar mis temas pinchados por artistas a los que siempre admiré como Marco Carola, John Summit, Mau P, y Jamie Jones. Ver a la gente reaccionar a mi música, preguntar por las fechas de lanzamiento y los IDs fue increíble. Llegar al número uno en la lista “Minimal deep tech” de Beatport con ‘Nuthin' On’ fue otro gran momento. Mi primer show con entradas agotadas en Atenas, Grecia, también destaca. En el futuro, quiero seguir impulsando mi sonido y conectar con tantas personas como sea posible. Supongo que esto no sería posible sin el apoyo de la gente que escucha mi música y disfruta lo que hago. Creo que eso es lo que me mantiene en marcha.

¿Algo que quieras decir a nuestros lectores?

Si eres un artista en ciernes, recuerda que el camino no siempre es fácil, pero abrázalo y ponle todo lo que tienes. Rodéate de personas que te acepten por quien realmente eres, no por quien pretendes ser. Si eres solo un lector, espero que esta entrevista te haya ayudado a conocerme mejor.

SOPHIE

UN LEGADO INMATERIAL Y UNA FORMA PLÁSTICA DE

ENTENDER EL POP

Autora: Helena Bricio

No es ninguna novedad para nadie que lea estas líneas que yo escriba que la música pop siempre ha estado en constante evolución, que las tendencias han ido marcando esas características específicas que la relacionan con una época o década concreta o que el propio desarrollo de la sociedad contemporánea ha dirigido el rumbo de un género que encuentra tantísimos adeptos y tantísima reticencia a su vez.

Necesitaría otro artículo para poder explicar el por qué creo que el pop es un género que siento que perdurará para siempre, el por qué el pop probablemente sea uno de los géneros en los que cualquier pueda encontrar algún tema que le resuene, o el por qué el pop siempre encontrará un nicho de conciliación entre las personas. De la misma forma, habrá quien esté pensando ya sus argumentos para rebatir y para decirme que el pop es básicamente la música que vende entradas y la escasa visión artística experimental que hay detrás del pop. No os culpo, yo también estuve en ese bando, pero del odio al pop se termina saliendo, por muy purista que seas.

Cuando pienso en lo radicalmente experimental que puede haber dentro de un estudio de grabación, siempre tiendo a recordar la visión de artistas que mientras producen no están pensando en la opinión que su música pueda suscitar para un público específico, sino en lo que quieren y desean transmitir a través de su música, así como el uso de las herramientas que formarán parte de su proceso: la expansión de su propia visión creativa y las líneas desdibujadas entre lo que se es, lo que se suena y lo que se busca hacer sonar. En esa plasticidad y flexibilidad es en lo que considero que radica la potestad de la experimentación y de la ruptura de los límites imaginados.

A principios de la década de los 2010, una fuerza irrumpía en la escena musical con un estilo difícilmente catalogable, algo así como música del futuro protagonizada por lo digital, por las capas de sintetizadores cristalinos, por percusiones que retumbaban en túneles industriales y unas distorsiones que conseguían retorcer los límites del pop pero que, a su vez, se definía como una corriente reconocible y adictiva. SOPHIE nos traía aquellos elementos familiares del pop con una producción experimental que la convertiría en un icono de la vanguardia y una de las voces más inconfundibles en la historia de la música.

Sin embargo, SOPHIE no dejó que la conociéramos según empezó a lanzar su música, lo empezó haciendo desde el anonimato, donde su identidad y su imagen se mantenían alejadas del foco mediático, lo que permitía que su música fuese la que hablaba por ella misma. Piezas como ‘Bipp’ o ‘Lemonade’ se convertían en laboratorios sonoros donde jugaba con texturas tan crudas como sofisticadas. Los beats que parecían desafiar cualquier convención nos daban la bienvenida a una experiencia sensorial inusual, pero al mismo tiempo increíblemente atractiva; los sonidos plásticos y burbujeantes se mezclaban con un pop que se sentía casi alienígena, pero con una estructura que podíamos reconocer instintivamente. SOPHIE manejaba una suerte de magia que conectaba lo abstracto con lo profundamente humano, y conseguía llevarnos a un lugar inexplorado mientras sentíamos la inconfundible energía del pop en cada producción. Este enfoque fragmentado, pero emocionalmente resonante fue parte de lo que convirtió a SOPHIE en una pionera: cada sonido parecía tener una personalidad propia, dando vida a su música de una manera completamente renovada.

Cuando en 2018 lanzó su álbum debut ‘Oil of Every Pearl’s Un-Insides’, su obra no solamente recibió todos los elogios posibles de la crítica más difícil de convencer, sino que también se consolidó su visión como una de las mentes más creativas y especiales de la música moderna. Un álbum que no sólo recibió elogios de la crítica, sino que consolidó

su estatus como una de las mentes más creativas de la música moderna. El álbum fue como un viaje en el que cada pista conseguía llevarnos por aquellos terrenos sonoros que no se habían explorado previamente. Una dualidad entre la agresividad y la belleza etérea y una experiencia que todavía a día de hoy se sigue descifrando como una especie de códice entre quienes disfrutan del análisis de cada capa oculta de su música en un formato multiplataforma que va desde la radio clásica a 30 segundos en TikTok.

Más allá de la música, SOPHIE se reveló como un icono para la comunidad LGTBIQ+ cuando decidió mostrarse en el vídeo que acompañaba el sencillo ‘It’s Okay to Cry’, siendo un punto de inflexión en su carrera y en su vida pública, ya que aquello suponía una ruptura de su anonimato y una afirmación de su identidad trans. Su imagen, al igual que su música, estiraba los límites de lo masculino y lo femenino y desafiaba lo humano y lo humano, su visión sobre el género y el cuerpo también estudiaba las posibilidades de afirmación de su propio ser en este mundo contemporáneo. Sus performances en diferentes galerías de arte también intentaron mostrar las posibilidades de estos límites futuros, de lo inexplicable, de la eterna batalla para evitar los moldes rígidos sociales.

Hablar de SOPHIE es hablar de colaborar en el estudio. En más de un artículo he leído que se considera su música como una arquitectura del hyperpop, siendo este el subgénero que lleva a su extremo más exagerado y artificial la base del pop. SOPHIE reconfiguró el pop junto a otros artistas de su entorno como A.G. Cook y -entonces colectivo y ahora sello recientemente cerrado- PC Music, quienes consiguieron impulsar una nueva ola de música pop que parecía estar estanca y que resonó en una generación que buscaba nuevas formas de expresión. Dentro del concepto del hyperpop considero interesante también que también hay que mencionar la manera colectiva de producir, es decir, más allá de explorar los sonidos orgánicos aumentados y hasta artificiales, también se exploraban las conexiones creativas que podían surgir dentro del estudio.

Credito : Charlotte Wales

Credito : Charlotte Wales

Las colaboraciones entre SOPHIE y otros artistas son un hito marcado en la carrera de la productora y se traduce como un impacto directo en la carrera de otros artistas como Charli XCX o Madonna. Estoy completamente convencida de que ‘Brat’ de Charli XCX no habría explotado este verano si ella y SOPHIE no hubiesen colaborado nunca juntas, estoy segura de que Charli y A.G. Cook estarían de acuerdo en afirmar que la influencia de SOPHIE se respira en el álbum y en su álbum de remixes. Quizá también esta forma de trabajar en el estudio hace que veamos la música pop de otro modo, y quizá por eso, para aquellos puristas negados del pop fue toda una sorpresa cuando vieron que Authecre remezclaba a SOPHIE. La música electrónica no deja de ser un espacio-tiempo continuo de colaboraciones y remezclas y distintas manos en un DAW. Un B2B infinito.

El legado de SOPHIE va más allá de las listas y de las reproducciones, y tras su devastador fallecimiento parece que seguimos necesitando más de su música. Es complicado desapegarse de una mente brillante y de una influencia que utilizó la tecnología no solo como herramienta, sino como extensión de la emoción humana, demostrando que el pop puede ser tan desafiante como cualquier otro género. No voy a negar que me hizo ilusión cuando escuché que iba a lanzarse un álbum póstumo de SOPHIE y que “iba a estar cargado de electrónica”. El pasado mes de septiembre se lanzaba un álbum homónimo que recogía el trabajo que quedó a medias en el estudio y que su fiel compañero en el estudio Benny Long recupera, con todo el respeto y cuidado posible, y finaliza con una extensa lista de colaboraciones: Evita Manji, Kim Petras, Nina Kraviz, Juliana Huxtable o Liz.

Analizar o elaborar una crítica sobre ‘SOPHIE’ como guinda del pastel de este artículo no solo me parece complicado, sino que siento que sería injusto. El futuro al que SOPHIE

nos invitaba tenía que ver más con perseguir aquello que soñamos y que vemos imposible, y hacerlo posible, yendo mucho más allá de nuestros propios límites y capacidades imaginativas. Para quienes busquen en este nuevo álbum ese sonido SOPHIE de voces distorsionadas, agudas, y sintetizadores burbujeantes pueden encontrarlo en ‘Reason Why’ junto a Kim Petras y BC Kingdom, en ‘Elegance’ con Popstar, en ‘Love Me Off Earth’ con Doss o en ‘Live In My Truth’ junto a BC Kingdom y LIZ.

En mi caso personal, prefiero dejarme llevar por lo que la narrativa del disco me sugiere desde que cierro los ojos y me introduce en un mundo SOPHIE con su ‘Intro’ y me reafirmo en él con las voces de Juliana Huxtable en ‘Plunging Asymptote’, que suena como una alarma que me despierta y prepara para la elevación etérea que vendrá después en ‘The Dome’s Protection’. La voz de Kraviz recitando “Unpredictable reality has become the algorithm that is able to solve a whole series of questions” (la realidad impredecible se ha convertido en el algoritmo que permite resolver toda una serie de preguntas) me abstrae hacia esos conceptos de materialidad y tecnología tan presentes en toda la obra de SOPHIE y quizá es el tema que más me conecta a ella del álbum, aunque su tendencia mayoritariamente ambient podría incluso no reconocerse como propia de la productora. Con lo que sí que no contaba era con que SOPHIE me conociese mejor que yo y me terminase llevando al centro de la pista de algún club donde me quedo bailando con desconocidas al ritmo de ‘Gallop’, el tema que tiene junto a Evita Manji. Sinceramente, me quedo en el club al que me quieras llevar, porque ya no podré volver a bailar contigo como en aquel Sónar de 2018, Sophie.

01 Martin Garrix

Desde: Países Bajos

Estilo: “Eufórico y energético.”

Mejor conocido por: “Energía.”

Martin Garrix ha alcanzado la cima de la encuesta de los 100 mejores DJs por quinta vez consecutiva, igualando el récord del ícono del trance, Armin van Buuren. Para Garrix, de 28 años, es un momento significativo. “Estoy en la lista junto a todos mis ídolos: admiro a Armin, admiro a Tiësto. Estar entre ellos es muy surrealista,” dice a DJ Mag en una videollamada. “Cuando entré en la lista y alcancé el primer lugar, mi preocupación era que solo podía decaer desde ahí, así que es muy especial haber regresado al número uno.”

Cuando habla con DJ Mag, Garrix luce un poco cansado, lo cual no sorprende, ya que acaba de regresar a los Países Bajos tras su residencia en Ushuaïa Ibiza el jueves pasado y después de conciertos consecutivos en Dallas y Las Vegas durante el fin de semana. A pesar de su agotamiento, el ganador de la encuesta es alegre y reflexivo, y se toma su tiempo para responder algunas de nuestras preguntas, especialmente sobre temas como la prohibición de teléfonos en la pista de baile y la influencia de la IA. Es increíble ver la trayectoria de su carrera, desde sus inicios pinchando como adolescente, siendo acompañado por su padre, hasta convertirse en el DJ número uno del mundo.

“Tenía un equipo de DJ portátil, así que pinchaba en bodas y fiestas escolares,” recuerda. “Empecé a hacer giras cuando tenía 15 años, lo cual fue un poco intimidante, pero mis padres me apoyaron plenamente; me acompañaban cuando podían y confiaban en que estaba feliz y sabía lo que hacía, aunque no tenía mucha idea.”

Ha sido un año de primeras experiencias para Garrix. En Glastonbury, una de sus bandas favoritas, Coldplay, interpretó su canción ‘Breakaway’. Cuando se enteró, no lo podía creer. “Chris Martin me envió un mensaje diciendo cuánto le gusta la canción. Pensé, ‘¿Qué demonios?’ Luego, la incluyeron en su lista de canciones para el show y la siguen tocando en sus giras por estadios. Es un buen paso para, ojalá, colaborar juntos algún día.”

Entre una apretada agenda de festivales y shows en clubes, Garrix ha dedicado tiempo para aprender a volar. Le encanta la experiencia y espera obtener pronto su licencia de piloto. “Acabo de empezar. Es un poco loco; después de haber pasado casi la mitad de mi vida en aviones, ahora estoy aprendiendo cómo funcionan. Pero es agradable, es muy divertido.”

Este verano tuvo muchos shows destacados, entre ellos su residencia de los jueves en Ushuaïa Ibiza, en su séptimo año en este emblemático lugar. Tocar allí sigue siendo especial para el DJ holandés, quien se coló en el club en su primera visita a Ibiza, cuando tenía 16 años, para ver a Swedish House Mafia. “Es un lugar tan legendario,” dice. “La primera vez que fui, corrí hacia adentro fingiendo que mis padres estaban en el restaurante para pasar la primera barrera de seguridad y luego me mezclé con el público. Ahora la seguridad es mucho más estricta.”

“Esa fue una de las mejores noches de mi vida. Poder formar parte de Ushuaïa Ibiza es una locura, y es tan divertido porque cada semana hay una multitud y una vibra diferente,” continúa. “Si la humedad es más alta, si el viento sopla hacia mí, afecta el sonido. Hay tantos factores en juego que hacen que cada semana sea completamente distinta. Este jueves haré el último show de la temporada, y habrán sido 15 semanas.”

Otros shows memorables incluyeron cuatro noches en el Bill Graham Civic Auditorium, un recinto en San Francisco (“como vendimos más noches, pudimos traer más producción, fue realmente especial”), y una serie de eventos en Sudamérica con paradas en Chile y Colombia. Solo el verano pasado, Garrix se presentó en festivales y clubes en Grecia, Suiza, Rumanía, Hungría, Canadá, Reino Unido y Francia, pero aun así logró entrar al estudio, lanzando la canción ‘Smile’, una colaboración con el cantante de la banda sueco-estadounidense Carolina Liar, Chad Wolf. Garrix alquiló un descapotable e hizo un road trip por Estados Unidos con Wolf, filmándolo para el videoclip, que coincidió con algunos shows en clubes en Estados Unidos. Cuando iban a interpretar la canción en vivo en OMNIA en Las Vegas, el coche de Wolf se averió en el desierto de Nevada, y apenas logró llegar al concierto a tiempo. “No parecía asustado, le resultó muy gracioso,” recuerda Garrix. “Chad es una de las personas más positivas y alegres que conozco.”

Este año también ha colaborado con varios artistas, desde el tema pop ‘Wherever You Are’ con DubVision y Shaun Farrugia hasta el más fuerte ‘Biochemical’ con Seth Hills, y ‘Breakaway’ con Mesto y WILHELM. Garrix presentó 12 nuevas canciones en el festival Sziget de Budapest y subió el set a YouTube, afirmando tener muchas más canciones esperando a ser terminadas.

“Tengo mucha música inédita que estoy en proceso de finalizar, pero para mí, ese último 5% de una canción es lo que más tiempo lleva,” explica. “Soy muy rápido para esbozar una idea inicial, pero para terminarla adecuadamente, tengo que estar en mi propio estudio con el equipo en el que confío. En los últimos años, he hecho menos canciones pop y más temas para clubes y festivales, pero quiero equilibrar más entre el Garrix agresivo y el más accesible.”

La más anticipada de todas es una canción llamada ‘Gravity’, que Garrix ha mostrado pero aún no ha lanzado. “La estrené en marzo y, con cada canción que he sacado desde entonces, uno de los comentarios principales es, ‘¿Cuándo

sale ‘Gravity’?’ Estoy muy emocionado por lanzarla.” Su último álbum, ‘Sentio’, salió en 2022, y aunque afirma estar siempre trabajando en el próximo proyecto, no está seguro de si debería centrarse en sencillos. “Tengo que decidir si quiero lanzarlo como álbum o seguir con sencillos. La forma en que la gente consume música ha cambiado mucho,” dice Garrix. “Produje ‘Sentio’ como un álbum que puedes escuchar de principio a fin. Quién sabe, quiero estrenar más temas de club al final de este mes o en Ultra Miami el próximo año, y quizás lanzarlos junto con un nuevo álbum, uno más de club, pero también quiero hacer un álbum más pop.”

Paralelamente, su sello discográfico, STMPD RCRDS, ha lanzado un flujo constante de sencillos este año de artistas como Dillon Francis, Breathe Carolina, Blinders y Julian Jordan, además de nuevos talentos como Lavern y Megisto.

Conocido por su trabajo filantrópico y colaboraciones con War Child, SOS Children's Village y Fuck Cancer, Garrix comenzó en 2024 a colaborar con el Centro Princesa Máxima, un hospital en Utrecht que trata a niños con cáncer. Un amigo le contó que allí trataron a su hijo, quien se recuperó por completo. “Me habló de las cosas increíbles que hacen ahí. A partir de eso, comenzamos a construir la relación. Visitamos el centro, lo cual fue muy especial y emotivo. No todos los niños logran superar la enfermedad, pero fue increíble; hice un pequeño set de DJ para los niños y fue una experiencia hermosa.”

Para alguien que ya ha alcanzado la cima, Garrix sigue siendo ambicioso. Además de obtener su licencia de piloto, quiere expandir su carrera musical y empezar a producir para otros artistas, explorando más allá del mundo de la música dance. “Me encanta hacer música, no tiene que ser siempre electrónica o de festival,” concluye Garrix. “Podría ser rock, o componer para una serie o una película. Me gusta experimentar y probar cosas nuevas, ir a territorios donde no me siento tan cómodo. Siento que cuando estás fuera de tu zona de confort, creas las cosas más únicas.”

"Cada artista en STMPD es diferente y tiene su propio sonido, que es lo que más me gusta. Y todos pueden hacer lo que quieran, no vamos a ser como 'Haz esto, haz aquello, sigue esta tendencia'.

Canción favorita de 2024:

Disclosure ‘She’s Gone, Dance On’.

DJ/Productoremergentede2024:

Lavern, que hizo dos canciones en nuestroselloSTMPD,fuemuygenial.

¿Deberían los DJs hacer más para garantizar que los productores recibanunpagojusto?

100%. Creo que si estás en el estudio conalguien,elrepartodebeserjusto, ya que los DJs también ganan ingresosporlasgiras.

¿Se deberían prohibir los teléfonos enlapistadebaile?

Me gustaría. Entiendo que todos quieren tener un recuerdo desde su perspectiva,peronoentiendoporqué filman todo el espectáculo con sus teléfonos.

IA—¿amigooenemigo?

Con la IA ahora puedes poner comandos y obtener una canción. Siento que eso va en contra del propósito de crear arte.

¿Tuamuletodelasuerte?

Mifamilia.Siemprevienenalosshows más importantes y me han apoyado desdeelprimerdía.

DAVID GUETTA

David Guetta es uno de los artistas más reproducidos del mundo en Spotify, el único DJ que tiene dos residencias separadas en Ibiza y es el orgulloso ganador de dos premios Grammy. A pesar de una vida llena de éxitos, uno de sus colaboradores nos dice: “Sigue adicto a la música.” La cantidad de canciones que ha lanzado en 2024 lo demuestra. Tan impresionante como el número de temas que ha lanzado es la variedad. Ha habido éxitos pop con OneRepublic como ‘I Don’t Wanna Wait’, combinaciones inusuales de country, hip-hop y dance en ‘A Bar Song’ con Shaboozey, y éxitos de verano como ‘Cry Baby’ junto al grupo británico de música electrónica Clean Bandit y la cantante inglesa Anne-Marie.

En un toque más orientado al club, lanzó 'Never Going Home Tonight' con Alesso y las voces de Madison Love, 'In The Dark' con Aldae junto al también habitual en el Top 100 Armin van Buuren, 'Raving' con Afrojack, 'Chills (Feel My Love)' con FAST BOY y Oliver Heldens, y un par de canciones con su socio en Future Rave, Morten, incluido 'Kill The Vibe’, que también contó con Propechy. Para marcar el 25 aniversario de Defected, el gigante francés también volvió a sus raíces house como Jack Black y colaboró con la sensación de Afro house Themba en 'Give Me Something To Hold’. Todos estos temas, sumados a su vasto catálogo anterior, ahora tienen un total estimado de más de 14 mil millones de reproducciones, lo que lo convierte en uno de los artistas más escuchados del planeta.

Cuando no ha estado en el estudio durante el último año, Guetta ha tocado en todo el mundo. Su residencia en Las Vegas lo mantuvo ocupado en primavera, mientras que las audiencias en Ibiza lo vieron tocar 38 veces en su glamurosa y famosa fiesta F*** Me I'm Famous! en Ushuaïa Ibiza todos los lunes, y en sus eventos de Future Rave con Morten cada viernes en Hï Ibiza.

Nuevo este año fue el concepto The Monolith de Guetta, que se presentó en Ibiza, Arabia Saudita, Valencia y algunos otros festivales de verano. Es un espectáculo audiovisual más parecido a una película que a un set en vivo, con enormes pantallas que muestran producciones hipnotizantes y una estructura misteriosa de 18 m x 6 m inspirada en la obra maestra de ciencia ficción de Stanley Kubrick. Añádele el “mentoreo” del joven artista italiano HYPATON, con quien Guetta trabajó por primera vez en el éxito ‘Be My Lover’ el año pasado, y tienes otros 12 meses épicos para este titán de la música dance.

03

BÉLGICA/GRECIA

POST-RAVE, GABBER, TECHNO DURO

02

DANCE, FUTURE RAVE

Másconocidopor: F*** Me I'm Famous!

DJ/Productoremergentede2024: “HYPATON.”

IA-¿amigooenemigo?“Amigo."

DIMITRI VEGAS & LIKE MIKE

Mejor conocido por: "“Ser los embajadores de Tomorrowland y el dúo/grupo mejor clasificado en DJ Mag durante más de una década.”

DJ/Productor emergente de 2024: Dimitri:“JunkieKid”/Mike:“Malandra.”

Canción favorita de 2024: “Luciid ‘Bunker Buster’.”

¿Deberían los DJs hacer más para garantizar que los productores reciban un pago justo?“Negociar acuerdos justos y crear vías para que los productores accedan a oportunidades de gira es esencialparagarantizarqueelecosistema

sea tanto creativo como financieramente sostenibleparatodoslosinvolucrados.”

¿Sedeberíanprohibirlosteléfonosenla pistadebaile?Mike:“Hastaciertopunto, la gente debería aprender a divertirse nuevamente, no todo es un concierto.”

Dimitri: “Algunos prefieren bailar, otros capturartodasunocheensusteléfonos… quehaganloqueleshagafelices.”

IA - ¿amigo o enemigo? “Amigo (recuerden que dijimos esto después de quetomenelcontroldelmundo).”

¿Tu amuleto de la suerte? Mike: “Turmalinanegra”/Dimitri:“Mihijo.”

Durante el verano, Dimitri Vegas & Like Mike llevaron su evento Tomorrowland Presents a Ushuaïa Ibiza, tomando los miércoles en el lugar. Para Dimitri, fue su mejor temporada hasta la fecha, una residencia que equilibraron junto con shows en festivales como Creamfields, Untold, Airbeat One, Medusa en España e Ikarus en Alemania. Dimitri sorprendió a los fans con un set especial solo en vinilo en Tomorrowland, inclinándose hacia el gabber y el techno duro, y cuando el dúo tocó junto en el mismo evento, fueron acompañados en el escenario por Vin Diesel, estrella de Hollywood. DVLM hicieron muchas nuevas canciones en 2024, tanto juntos como con sus respectivos proyectos en solitario, con Mike prometiendo tres álbumes en solitario pronto. “Hemos estado reinventando constantemente nuestro sonido y realmente disfrutando del proceso creativo,” comenta Dimitri. “No hace falta decir que tenemos mucha música lista para ser lanzada.” Entre sus lanzamientos este año estuvieron ‘Rave Generator’, una colaboración frenética con Will Sparks con un riff de sintetizador implacable; un nuevo remix del tema de Harold Faltermeyer ‘Axel F’ (la misma canción que utilizó Crazy Frog); y ‘Lights Up’ con Nicky Romero, un corte de festival contundente con una línea de bajo potente. También revelaron una sorprendente versión de breakbeat y acid del clásico de trance de Da Hool, ‘Meet Her At The Love Parade’, y lanzaron ‘Come On’, usando la misma muestra de The Jacksons que ‘Feel It’ de The Tamperer. Mientras tanto, los riffs de caja de música y el golpe trance de ‘Mockingbird’, una colaboración con Tiësto y Gabry Ponte, fue hecho para destruir los recintos más grandes.

Mike lanzó varias pistas nuevas bajo el alias Hereon, que reserva para el techno melódico, incluyendo ‘The Night’ con Braev y Adam Sellouk, y ‘Alive’ con Kol De Cord y Eli & Dani. Para él, 2024 fue un año en el que se centró en “sanar la mente, el cuerpo y el alma” y en la “introspección: descubrir lo que realmente importa.”

Dimitri tuvo un éxito de verano con ‘Don’t Stop (The Music)’, una pieza más influenciada por el house junto a Zion y Vin. Dimitri, quien ha actuado en varias películas de gran presupuesto, incluyendo Jurassic World: Dominion, H4Z4RD y Rambo: Last Blood, continuó con sus incursiones en la industria, esta vez con varios guiones en marcha. “Estoy emocionado de sumergirme pronto en mi próximo proyecto cinematográfico,” dice.

FRANCIA

“Con el ritmo acelerado de la vida diaria, a menudo no nos damos cuenta de cuánto logramos cada día,” dice Alok. Esta frase es especialmente cierta para el superestrella brasileño, cuyos últimos 12 meses han sido algunos de los más ocupados hasta la fecha, y considerando los años que ha tenido este DJ y productor, eso realmente dice mucho. Este año lanzó más de 15 sencillos, incluidos ‘Deep In Your Love’ con Bebe Rexha, ‘Tsunami’ con Ely Oaks y ‘Allein Allein’ con INNERVERSE y FREY, que luego fue remixado por Argy. Más recientemente, lanzó ‘The Heat’ con Jazzy. En abril, tuvo un momento destacado con ‘The Future Is Ancestral’, un álbum hecho en colaboración con 50 músicos indígenas de todo Brasil, con el 100% de las regalías yendo directamente a las comunidades involucradas. Al momento de su lanzamiento, Alok describió el proyecto como “un movimiento para reforestar la imaginación de nuestra sociedad y su percepción de los pueblos indígenas y la importancia de su presencia en múltiples territorios.” Junto a varios de estos músicos, Alok llevó ‘The Future Is Ancestral' al Global Citizen Festival en Nueva York en septiembre. Una canción de ese álbum, ‘Pedju Kunumigwe’ con Guarani Nhandewa, fue nominada a un Grammy Latino, al igual que su tema ‘Drum Machine’ con DJ Pickle. Ha sido otro año colosal en la escena DJ para Alok. No contento con lograrlo una sola vez, comenzó el 2024 de la misma manera que lo hizo en 2023, tocando ante un estimado de un millón de personas en la ciudad de Fortaleza. Ha seguido tocando en espectáculos masivos en todo el mundo, desde Tomorrowland en Bélgica hasta Tomorrowland en Brasil, con paradas en Untold Rumanía, Lollapalooza Chicago, Bootshaus en Colonia, Hakkasan en Las Vegas, Ushuaïa Ibiza, y muchos más.

05 TIMMY TRUMPET ALOK

SÍDNEY, AUSTRALIA

Más conocido por: Sets explosivos de DJ contrompetaenvivo.”

Canción favorita de 2024: “Adam Port, Stryv, Keinemusik, Orso & Malachiii ‘Move’.”

DJ/Productoremergentede2024: “Sara Landry.”

¿Deberían los DJs hacer más para asegurar que los productores reciban un pago justo? “Tocar más música de artistas desconocidos ayuda mucho a la

04

Más conocido por: “Llevar los sonidos electrónicos brasileños a nivel mundial.”

Canción favorita de 2024: “Keinemusik ‘Move’.”

DJ/Productor emergente de 2024: “Argy.”

¿Se deberían prohibir los teléfonos en la pista de baile? “Mientras no invada o moleste el espacio de otra persona, no estoy en contra de usar teléfonos para grabar actuaciones, pero necesitamos encontrar un equilibrio que nos permita

experimentar nuevas formas de crear conexiones entre la pista de baile, el públicoyelartista.”

IA - ¿amigo o enemigo? “Vivimos con IA, así que incorporarla en nuestro trabajo y entenderlosbeneficiosqueganamosdela herramienta es importante. Sin embargo, no podemos ignorar el lado humano y los desafíosquenospresentalaIA.”

¿Tu amuleto de la suerte “Mi familia, sin duda. Son mis amuletos de la suerte, mi fuentedeenergíaymotivación.”

nueva generación de talento a abrirse pasoycompartirsudonconelmundo.”

¿Se deberían prohibir los teléfonos en lapistadebaile?“Acadaquienlosuyo.”

IA - ¿amigo o enemigo? “Amigo… por ahora.”

¿Tu amuleto de la suerte? “Un shot de tequila antes de subirme al escenario.”¿Qué te da esperanza para 2024?

Timmy Trumpet, el rebelde festivo con trompeta, el iniciador de la fiesta por excelencia, es el tipo de persona que quieres ver en el escenario cuando estás de bajón y necesitas algo para elevar el ánimo y hacerte levantar las manos. Pero la imagen, por supuesto, no lo es todo. A pesar de su reputación, Timmy, conocido como Timothy Jude Smith, es más profundo de lo que parece, y en una entrevista de 2023 con DJ Mag, profesó su creencia en los principios del estoicismo, mencionando a Seneca y Marco Aurelio. Ese es un enfoque que podría ayudar a cualquiera, pero alcanzar el tipo de éxito que ha logrado Smith también requiere mucha determinación. Timmy Trumpet ha tenido una trayectoria impresionante, desde sus inicios tomando clases de música clásica en el Conservatorio de Música, profundizando luego en el jazz como trompetista principal de la Australian All-Star Stage Band, tocando cinco noches seguidas en el barrio de Kings Cross de Sídney mientras dormía en su coche entre los conciertos, hasta producir éxitos que encabezan las listas y ser cabeza de cartel en los escenarios más importantes de festivales de todo el mundo. Este año ha sido otro hito en una carrera llena de logros a nivel mundial. Su serie de grandes temas sigue creciendo a un ritmo acelerado, con temas como ‘Like A G6’ (con Naeleck), ‘Let’s Get Raving’ y ‘All The Things She Said’ (con Robin Schulz y KOPPY) destacándose en los festivales. Su agenda de conciertos ha sido tan intensa como siempre, incluyendo un itinerario que lo llevó a Untold en Rumanía, Electric Love en Austria y Tomorrowland en Bélgica, donde se encargó del codiciado cierre del festival.

“Cerrar el escenario principal de Tomorrowland fue un sueño hecho realidad,” comenta Smith, “y lancé más música que nunca antes y conocí a muchos nuevos amigos que asistieron a mis shows en diferentes países alrededor del mundo. ¡Ha sido un año increíble!”

ARMIN VAN BUUREN

Armin van Buuren ha sido coronado nuevamente como el DJ número uno en trance en la encuesta de los Top 100 DJs 2024, marcando una carrera increíble al frente de este género. Este año también celebró el 25 aniversario de su clásico de trance ‘Communication’, el cual ha sido un lanzamiento clave para el DJ y productor neerlandés.

En cuanto a nueva música, Armin se mantuvo prolífico, lanzando su noveno álbum de estudio, ‘Breathe In’, en enero. Grabado en los dos años posteriores a la pandemia, el álbum se describe como el siguiente paso en la narrativa que comenzó con el álbum ‘Feel Again’ de 2023. También lanzó su primera colaboración con David Guetta, ‘In The Dark’, a través de su propio sello Armada Music. La pareja estrenó la canción durante su segundo set b2b juntos, que tuvo lugar en una fiesta F*** ME I'M FAMOUS! en Ushuaïa Ibiza. Además, Armin remezcló el clásico house de los 90 de Camisra, ‘Let Me Show You’ — el DJ y productor lo describe más como una “revitalización” que una “reinterpretación” —, se reunió con Hardwell en ‘Follow The Light’ — la primera música que lanzan juntos desde su sencillo de 2017, 'Off The Hook' — y compartió la canción inspirada en Ibiza, 'Es Vedrà', que lleva el nombre de la pequeña isla rocosa situada al suroeste de Ibiza, el lugar favorito de Armin en la isla Blanca.

Como era de esperar del DJ número uno de trance del mundo, el año de Armin ha sido tan ajetreado en el escenario como en el estudio. Él cuenta a DJ Mag que ha tenido “una gran gira de verano que incluyó una residencia en Ushuaïa y casi todas las ediciones de Ultra Music Festival este año”. Además, Armin llevó al cantante de Pendulum, Rob Swire, al escenario en Tomorrowland en julio para interpretar una versión de drum & bass de su nueva canción, ‘Sound Of You’. También confirmó que su festival A State Of Trance volverá a Rotterdam en 2025 para un evento de dos días, al que describe como un “nuevo hogar” para el evento legendario.

07 AFROJACK

PAÍSES BAJOS

CÓMO NOS SENTIMOS

Mejor conocido por: “Afrojack music.”

Canción favorita de 2024: “Keinemusik ‘Move’.”

DJ/Productor emergente de 2024: “Chico Rose.”

¿Deberían los DJs hacer más para asegurar que los productores reciban un pago justo? “La única forma en que los DJs pueden ayudar es usando su voz para dar crédito y destacar a los productores de la músicaquetocan.”

06

Mejor conocido por: "“A State Of Trance.”

Canción favorita de 2024: “Sharam 'PATT (Party All The Time) (Adam Beyer & Layton Giordani & Green Velvetremix)’.”

DJ/Productor emergente de 2024: “AhmedHelmy.”

¿Deberían los DJs hacer más para asegurar que los productores reciban un pago justo? “No. El único poder que tienen los DJs es decidirquépistastocar,yabstenerse de tocar una pista porque su productor podría no ser pagado de manerajustahacemásdaño(parael productor)quebien.”

PAÍSES BAJOS TRANCE Y PROGRESIVO

¿Sedeberíanprohibirlosteléfonos en la pista de baile? “No. Quiero que todos sean libres de ser quienes quieren ser. Sin embargo, te pierdes algo si estás mirando tu teléfono y no enfocado en lo que ocurre ante tusojos.”

IA - ¿amigo o enemigo? “Ambos. La forma en que se desarrolla requiere un conjunto de reglas y restricciones.”

¿Tu amuleto de la suerte? “Meditación. Una mente despejada eslamitaddeltrabajo.”

¿Sedeberíanprohibirlosteléfonos en la pista de baile? “Estoy feliz de ver que la gente es consciente del uso de los teléfonos, pero es irónico que muchos de los artistas que se quejan del uso de teléfonos se hicieron famosos gracias a videos virales.”

IA - ¿amigo o enemigo? “Depende dequiénycómolouse.”

¿Tu amuleto de la suerte? “Mi esposa.”

Los lanzamientos de Afrojack en 2024 cuentan una historia sobre el poder de la conexión. Su exitosa colaboración de tech-house con David Guetta, ‘Raving’, salió en agosto a través de Spinnin’ Records, y es otro capítulo en su amistad ganadora — literalmente: una larga lista de premios Grammy, nominaciones y una colección de éxitos en los primeros puestos con créditos compartidos (ver también: ‘Titanium’) lo demuestran.

Desde sus años de adolescente pinchando en Creta hasta impulsar el auge internacional del EDM con temas icónicos como ‘Take Over Control’ junto a Eva Simmons, la creación de relaciones sigue siendo clave para el éxito de Nick van de Wall. Ahora, está construyendo lazos significativos con la próxima generación de productores, tanto cercanos como de todo el mundo.

Wall Studios, una sede de 800,000 pies cuadrados, sirve como la sede de alta tecnología para el sello Wall Recordings de Afrojack. Las lecciones que Afrojack imparte a su equipo local alcanzaron una audiencia más amplia este verano cuando el Top 100 DJ lanzó Wall Pro Academy para ayudar a los artistas aspirantes a transformar sus talentos en profesiones.

Wall Pro Academy es el fruto de otra colaboración clave con Tomorrowland, un festival que es como un segundo hogar para los emotivos sets de Afrojack en el escenario principal. Durante su entrevista para la portada de septiembre de DJ Mag North America, el DJ habló sobre su posición en la encuesta de los Top 100 DJs diciendo: “He estado en el Top 10 durante mucho tiempo, así que definitivamente tengo fans, pero sé que para llegar al número uno tienes que ceñirte un poco más a las reglas de la música — yo no puedo hacer eso.” Afrojack sigue sus propias reglas, y el mundo lo adora por ello.

FISHER se ha convertido en una presencia omnipresente en la música dance. Tanto si eres un devoto del tech-house o no, su personalidad exuberante y sus temas exitosos lo han hecho un nombre familiar. Su éxito de 2018, ‘Losing It’, prácticamente dio inicio al cambio cultural en el mainstream estadounidense del EDM hacia el tech-house, con numerosos artistas en la lista de los Top 100 DJs de ese año eligiéndola como su canción favorita en ese momento. El exsurfista ingresó en el ranking él mismo el año siguiente en el puesto No. 63, reclamando el título de Highest New Entry en el proceso. Tras algunos años de afianzarse en la encuesta, dio un salto enorme de 29 posiciones hasta el puesto No. 48 en 2022, quedando apenas por detrás de Black Coffee como Highest Climber de ese año. Ese mismo año, Fisher consolidó su lugar como uno de los artistas más solicitados del mundo al conseguir su primera residencia en Ibiza en Hï Ibiza. Impulsado por otra temporada en el club número uno del mundo y el éxito de su colaboración masiva con AATIG, la sensual ‘Take It Off’, la encuesta de Top 100 DJs del año pasado vio otro gran salto para el australiano, que subió 28 posiciones, ingresando al top 20.

Y ahora, en 2024, ha vuelto a hacerlo, subiendo otras 12 posiciones y abriéndose paso en el top 10. Oficialmente, FISHER es el octavo DJ más grande del mundo según los votantes de Top 100 DJs, y además se lleva el título de Highest House DJ este año, justo por delante de Vintage Culture de Brasil y de la DJ surcoreana Peggy Gou, quien ganó el premio el año pasado. ¿Qué ha estado haciendo FISHER en los últimos 12 meses para conseguir otro incremento en votos? Bueno, junto a shows en lugares como Mumbai, Montreal y El Paso, Texas, también organizó su propio Out 2 Lunch Festival en su ciudad natal de Gold Coast, y una vez más actuó todos los miércoles en Hï Ibiza durante el verano con una gran variedad de DJs invitados de renombre mundial.

Este año, FISHER también lanzó una serie de nuevas canciones, incluida ‘Waiting For Tonight’, su gran colaboración con Jennifer Lopez; una actualización de 2024 del tema de Gotye ‘Somebody That I Used To Know’, producida junto a Chris Lake y Sante Sansone; y remixes de ‘Jamming’ del legendario Bob Marley y ‘It’s That Time’ de Marlon Hoffstadt, el hombre del momento. Pero más importante que todos esos lanzamientos, conciertos, premios y clasificaciones, 2024 es también el año en que nació la hija de FISHER, Bobbi — ¡felicitaciones Fish!

09

VINATGE CULTURE

Mejor conocido por: ‘Losing It’, su residencia en Hï Ibiza y su personalidadextrovertida. BRASIL

Más conocido por: “Moverse entre géneros y tocar sets largos de anochecer a amanecer.”

Canción favorita de 2024: “Âme ‘Asa’.”

DJ/Productor emergente de 2024: “Beltran.”

¿Deberían los DJs hacer más para garantizar que los productores reciban un pago justo? “Sí, siempre dandocréditoypromoviendosuarte cuandotieneslaoportunidad.”

¿Se deberían prohibir los teléfonos en la pista de baile? “No diría prohibir, pero deberíamos trabajar colectivamente hacia una experienciadeteléfonomáslimitada para sumergirnos en la experiencia realdelapistadebaile.”

IA - ¿amigo o enemigo? “Debe ser una herramienta de apoyo, pero no unfundamento.Nomegustacuando eclipsaelladohumano.”

¿Tu amuleto de la suerte? “Mis perros son mis amuletos de la suerte.”

De vuelta y avanzando un puesto más en el top 10 de la encuesta de los Top 100 DJs por segundo año consecutivo, no es difícil entender cómo el DJ y productor brasileño Vintage Culture continúa escalando en la encuesta año tras año. En 2015, apareció en el puesto No. 118 y ha evolucionado año tras año. En 2023, le comentó a DJ Mag que sentía que su sonido se había vuelto “más global”, manteniendo su residencia en Hï Ibiza, mientras también tocaba en Tomorrowland, Coachella, Creamfields y Ultra. Este año, ha demostrado que teníamos razón.

Vintage Culture (nombre real: Lukas Rafael Ruiz Hespanhol) nació en el estado brasileño de Mato Grosso do Sul, pero creció justo al otro lado de la frontera, en Katueté, una ciudad agrícola en Paraguay con pocos más de 10,000 habitantes. En una entrevista de portada en DJ Mag a principios de este año, comentó: “Si lo vieras, hombre, pensarías, ‘¿Cómo llegó este chico a donde está?’ La vida es una locura, hombre, la vida es una locura.” Y sigue siendo una locura.

En 2024, Vintage Culture regresó a la Isla Blanca para otra residencia en Hï Ibiza junto a FISHER, mientras también hacía paradas en eventos como Tomorrowland’s CORE Tulum, Music On de Marco Carola, Awakenings Festival y Kappa FuturFestival. Su agenda de giras es un reflejo de la diversidad de Vintage Culture: tocando junto a Patrick Topping en un evento de Trick una semana, y en un line-up de Sunwaves la siguiente.

Durante su propio evento, Vintage Is A Festival, que él mismo musicalizó en Brasil durante 12 horas frente a 20,000 fans apasionados desde el atardecer hasta bien entrada la madrugada, Vintage Culture reveló que 2024 vería el lanzamiento de su álbum debut (y su mayor logro profesional), ‘Promised Land’.

Este álbum, que estuvo en producción durante cuatro años, cuenta con una serie de producciones en solitario y más de 20 colaboradores, incluyendo a The Temper Trap, Goodboys y Emery Taylor. Cita inspiraciones de los elementos electrónicos de Avicii, Camelphat y Artbat, junto a las guitarras de New Order y el groove de Kraftwerk. Sus comienzos como productor en su habitación creando remixes de temas de las listas de éxitos resuenan en todo el álbum — Vintage Culture sabe intuitivamente qué sonidos funcionan bien juntos — y es otro testimonio de la profundidad de su amor por la música.

2024 fue otro año increíble para Peggy Gou, quien se consagró como la DJ de House número uno del mundo en la encuesta de los Top 100 DJs del año pasado. Tras el éxito de su sencillo ‘(It Goes Like) Nanana’ de 2023, la productora y DJ alcanzó otro hito con el lanzamiento de ‘I Hear You’, su esperado álbum debut. El álbum, lanzado en XL Recordings, sigue muy en la línea de su primer éxito en las listas, extrayendo mucho de las influencias del house de los 90 con un toque característico de Gou. Los sencillos de seguimiento ‘I Believe In Love Again’ (con nada menos que Lenny Kravitz), ‘1+1=1’, ‘Lobster Telephone’ y su lanzamiento más reciente ‘Find The Way’ demuestran que Gou sabe lanzar éxito tras éxito.

Más allá de sus lanzamientos, Gou continuó encabezando festivales en todo el mundo, tocando el primer fin de semana en Coachella, Primavera y Glastonbury, donde la acompañó Sophie Ellis Bextor para interpretar su clásico de culto ‘Murder On The Dancefloor’, proporcionando al festival más famoso del mundo uno de los momentos virales de 2024.

Gou también intensificó su presencia en la prensa, apareciendo en las portadas de L’Officiel Ibiza, Vogue Países Bajos y Billboard en un lapso de meses, lo que subraya su alcance más allá de la escena de la música dance. En esas entrevistas, Gou habló sobre los muchos desafíos que ha enfrentado a lo largo de su carrera, entre ellos ser encasillada como una artista puramente underground o completamente comercial. “Algunos dicen, ‘Ella es realmente underground,’ o ‘Es comercial’,” dijo en su charla con Billboard, agregando: “No me importa. Voy a seguir haciendo lo mío y pueden decir lo que quieran.” En su entrevista con Vogue, habló con franqueza sobre navegar en la industria como mujer. “En los inicios de mi carrera, muchas puertas se cerraron [por mi género],” dijo. “Pero finalmente dejé de preocuparme por las opiniones negativas y nunca dejaré que eso afecte mis decisiones.” En 2024, Gou hizo apariciones en lugares inesperados. Una conversación en Art Basel 2024 y una reciente charla en la Escuela de Negocios de Harvard le brindaron la oportunidad de profundizar en su práctica artística, demostrando aún más su alcance en espacios poco convencionales. Si alguien aún tenía dudas, 2024 mostró que Peggy Gou es más que solo su música: es una fuerza cultural capaz de ofrecer momentos virales, de hablar en las prestigiosas aulas de las universidades de élite y de aparecer en las principales revistas de cultura. Ocho años después de su gran debut, Peggy Gou no muestra signos de desacelerar.

PEGGY GOU

Más conocido por: Temas como ‘(It GoesLike)Nanana’,‘IBelieveInLove Again’,‘StarryNight’.

COREA DEL SUR HOUSE

11. HARDWELL

12. STEVE AOKI

13. ALAN WALKER

14. KSHMR

15. DON DIABLO

16. CHARLOTTE DE WITTE

17. ANYMA

18. R3HAB

19. SKRILLEX

20. LOST FREQUENCIES

21. W&W

22. CALVIN HARRIS

23. TIËSTO

24. BLACK COFFEE

25. NICKY ROMERO

26. REINIER ZONNEVELD

27. VINI VICI

28. FRED AGAIN..

29. OLIVER HELDENS

30. JAMIE JONES

31. CARL COX

32. CLAPTONE

33. DJ SNAKE

34. MARSHMELLO

35. KEINEMUSIK

36. JOEL CORRY

37. PAUL VAN DYK

38. QUINTINO

39. SWEDISH HOUSE

MAFIA

40. FEDDE LE GRAND

41. AMELIE LENS

42. THE CHAINSMOKERS

43. ALESSO

44. BASSJACKERS

45. GORDO

46. ERIC PRYDZ

47. ATB

48. KAAZE

49. INDIRA PAGANOTTO

50. NERVO

51. MARIANA BO

52. VINAI

53. ABOVE & BEYOND

54. ZEDD

55. BORIS BREJCHA

56. KURA

57. JAMES HYPE

58. DEBORAH DE LUCA

59. TUJAMO

60. KOROLOVA

61. MOCHAKK

62. DUBGODZ

63. JULIAN JORDAN

64. BURAK YETER

65. NORA EN PURE

66. DOM DOLLA

67.DEADMAU5

68. THE MARTINEZ BROTHERES

69. MADDIX

70. JOHN SUMMIT

71. LUCAS & STEVE

72. DANNY AVILA

73. MIKE WILLIAMS

74. 22BULLETS

75. SARA LANDRY

76. DUBVISION

77. CAT DEALERS

78. KÖLSCH

79. LIU

80. FERRY CORSTEN

81. PLASTIK FUNK

82. JAX JONES

83. LE TWINS

84. TUNGEVAAG

85.ARYUE

86. REZZ

87.WUKONG

88. SOLOMUN

89. CUEBRICK

90. MARNIK

91. MAU P

92. KAKA

93. PINK PANDA

94. B JONES

95. NAELECK

96. RAVE REPUBLIC

97. TOPIC

98. GIUSEPPE OTTAVIANI

99. FAUSTIX

100. MEDUZA

TIME WARP SPAIN 2024: UN VIAJE DE DOS DÍAS AL CORAZÓN DEL TECHNO

Autora: Patricia Pareja Casalí Fotografía: @ontheshoots

El pasado 4 y 5 de octubre de 2024 tuvimos la oportunidad de asistir a la primera edición de Time Warp Spain, un evento que prometía ser uno de los hitos del año para los amantes del techno. El festival, celebrado en el recinto de IFEMA Madrid, atrajo a 28.000 personas a lo largo del fin de semana, todas ellas dispuestas a sumergirse en la experiencia que define a Time Warp: un viaje sonoro y visual a través de la mejor música electrónica del panorama. Cabe añadir, además, que mi experiencia personal prometía ser especialmente magnífica, ya que —además del buen trato que recibimos por parte de los organizadores, en concreto Alex Montoya, Tony Abascal y David Nus, a quienes aprovecho para agradecerles este inolvidable fin

de semana nuevamente desde aquí—, en este encuentro me reuní con amigos que hacía años que no veía, y ya se sabe… ¡eso siempre suma! Y es que una grandísima parte de la industria puso rumbo a Madrid ese fin de semana, nadie quería perderse un evento que marcaría un antes y un después en la historia de Time Warp y de la escena techno de la capital.

Desde el momento en que llegué a la entrada del recinto, ya se respiraba una energía especial en el aire. Había una mezcla de entusiasmo, curiosidad y, por supuesto, ese inconfundible sentimiento de comunidad que une a quienes compartimos esta pasión. El público era una mezcla diversa de locales y gente extranjera de diferentes lugares de Europa, todos reunidos por la misma razón: disfrutar al máximo al ritmo de la mejor música electrónica.

Entrar en el recinto de IFEMA fue como cruzar el umbral hacia otro mundo. La organización había dividido un espacio gigantesco en dos salas, cada una equipada con un sistema de sonido que hacía temblar el suelo y una producción visual que te sumergía de pleno en la atmósfera. Pantallas LED de gran resolución, láseres que cortaban el aire, y proyecciones envolventes que te hacían sentir parte de una película futurista.

El line-up de ambos días era todo lo que un buen amante de la electrónica podía desear. El viernes 4 de octubre arrancó con el increíble B2B entre Karretero y Kesia, que nos fue metiendo poco a poco en el mood. Recuerdo bailar sin descanso al ritmo de Andrea Oliva y posteriormente Carlita, y cuando Mochakk y The Martinez Brothers subieron al escenario, el público explotó en energía. Mientras tanto, el pabellón contiguo rugía con el techno contundente de Zarco, Adiel o Trym. Para finalizar la primera noche, la organización se guardó a dos pesos pesados para cerrar la sala techno: Fatima Hajji y Sara Landy, ¡recuerdo como si fuera ayer la expectación del público al recibirlas en cabina! Ambas hicieron una actuación brillante.

Tras esta primera inolvidable jornada del festival, nos retiramos a descansar para disfrutar tanto o más la jornada del sábado. Disfrutamos un poquito de Madrid las horas previas a que se iniciara el segun -

do día del evento —un pequeño paseo por la Plaza del Sol, un bocata de calamares y poco más—, y pusimos rumbo nuevamente a IFEMA. Debo reconocer que, para mi gusto personal, el line up de la main room este segundo día era una auténtica delicia. Siempre he sido una gran aficionada de artistas como Sven Väth o Adriatique, y verles pinchar en el mismo stage en un espacio-tiempo de 3 o 4 horas entre ellos era todo lo que podía desear. Tanto ellos como Artbat, Luxi Villar y Vintage Culture nos regalaron una sesión magistral y nos condujeron al cierre de este gran evento con una explosión de sensaciones. Al otro lado, en el pabellón de Techno se repartía un techno más crudo con el madrileño Héctor Oaks, Richie Hawtin, Daria Kolosova, Roll Dann b2b Anabel Arroyo y, para terminar, la guinda del pastel: Klangkuenstler. La pista de baile aguantó hasta el final con energía, con gente completamente entregada, y durante esas horas pareció que el mundo exterior no existía.

El público fue otra parte fundamental de lo que hizo especial este evento. Aunque éramos miles, había una sensación de unión que es difícil de describir si no has estado en un festival como este. La gente estaba entregada, conectada a la música y entre sí. A pesar del tamaño del evento, siempre se sintió cercano, casi íntimo. Fue un fin de semana de pura celebración.

Al final de la segunda noche, cuando el último bombo resonó y las luces se encendieron, una mezcla de agotamiento y satisfacción se apoderó de todos nosotros. Sabía que acababa de presenciar algo especial, algo que marcaría un antes y un después en la escena de festivales en España. Time Warp Spain ha dejado claro que ha llegado para quedarse, y no puedo esperar para ver cómo evoluciona en los próximos años.

Mientras me dirigía hacia la salida, ya estaba pensando en el próximo año. Pero por ahora, me quedo con los recuerdos de un fin de semana inolvidable, donde la música, la gente y el ambiente se unieron para crear algo que solo Time Warp sabe hacer: un viaje al corazón del techno.

Créditos fotografia: @sendfrijoles y @humanrazzmatazz

RECAP’23 EN RAZZMATAZZ

UNA CELEBRACIÓN DE LO MEJOR DEL PASADO AÑO EN HUMAN CLUB Y LOLITA

Autor: Borja Comino

El pasado 19 de octubre, Human Club en Razzmatazz ofreció una de las noches más esperadas del año: RECAP’23, un evento que, más que una secuencia de actuaciones, fue una retrospectiva en tiempo real de los lanzamientos más destacados del 2023 en la electrónica. Con una alineación meticulosamente curada, Razzmatazz utilizó dos de sus salas en un espacio de experimentación sonora, combinando estilos, texturas y géneros que, en lugar de dividirse en compartimentos estancos, invitaron al público a correr una maratón de 10 horas a lo largo de un mapa sonoro en constante cambio. La propuesta era clara: nada de cortes ni separaciones tajantes entre géneros o estilos. Más bien, se trataba de fluir de un artista a otro, de una sala a la siguiente, en un formato de club que es en sí mismo una celebración del poder transformador de la música electrónica.

Human Club lleva meses preparando el terreno, revelando poco a poco los nombres que formarían parte de esta experiencia sonora, generando una narrativa en la que cada artista representa un capítulo del 2023. No se trataba de un evento casual, sino de una verdadera retrospectiva, una mirada colectiva a los movimientos y tendencias que han marcado la escena. La promesa era una noche en la que el público, más que espectadores, serían participantes activos de un ritual colectivo. Para Human Club, RECAP es una extensión de su compromiso con la experimentación y el descubrimiento, una oportunidad para que el público disfrute de una electrónica que es tanto accesible como compleja, tanto rítmica como introspectiva.

Ylia abre la noche en Human, marcando el primer paso de este recorrido con una propuesta que mezcla ambient y sonidos experimentales. Esta DJ, productora y pianista de formación clásica es una figura ya asentada en la escena española actual, y su estilo, que va de lo abstracto a lo introspectivo, ha sido clave en su trayectoria. Ylia ha trabajado en múltiples proyectos, entre ellos People You May Know junto a Phran a través del muy nuestro Lapsus Records, y su incursión personal con Animah Records desde donde explora el potencial de la música como un espacio de experimentación y libertad. A medida que avanza la noche, Laurel Halo toma el relevo en Human, y su set transforma la sala en un espacio de meditación compartida. La artista estadounidense, con sede en Los Ángeles, publicó el curso pasado ‘Atlas’, un trabajo de ambient jazz que representa un cambio en su carrera, con colaboraciones de Bendik Giske, Coby Sey, James Underwood y Lucy Railton. Desde sus inicios, Halo ha explorado géneros que van desde el pop experimental hasta la música para cine, y su capacidad para conjugar texturas delicadas con un minimalismo casi espiritual crea en Human una atmósfera de calma y reflexión. Laurel Halo ha colaborado con figuras como John Cale y la London Contemporary Orchestra, y su set en RECAP es una muestra de cómo la electrónica puede ser tan introspectiva como expansiva, aun echándose de menos unos cuantos decibelios para una experiencia total. Las pausas y cada nota de piano llenan la sala de una energía hipnótica, un respiro en medio de la noche que conecta a todos en un momento de tranquilidad compartida.

En Lolita, Salamanda introduce un cambio de tono, sumergiendo al público en un sonido que evoca paisajes de ensueño y lúdicos. Este dúo de Seúl, compuesto por Sala y Manda, ha captado la atención de la escena internacional gracias a su habilidad para fusionar el folk coreano y japonés con melodías inspiradas en los videojuegos y el minimalismo experimental. Su último álbum ‘In Parallel’, fue bien recibido en la escena underground, y en directo, Salamanda logra una atmósfera hipnagógica con el uso de polirritmias y arpegiadores de lo más especiales debido al uso de samples caseros a partir de los cuales generan sus propios instrumentos. Al terminar su set, el personal técnico de Razzmatazz hizo su ya conocida danza sincronizada del cambio de rider en una de las mejores marcas personales que se han logrado en los últimos años. Chuquimamani -Condori se subió con su keytar y su par de sintetizadores Roland con un CDJ que utilizaba para lanzar one-shots vocales y algunos loops. Al parecer. Fuere como fuere, entenderlo todo pasa a segundo plano cuando se sube al escenario un tío que se marca el set más original e impactante de los últimos meses. Por favor, checkeadlo si podéis. Chuquimamani es un artista multidisciplinar de origen Aymara nacido en California. Lo que hizo fue presentar su último álbum ‘DJ E’ y algunos unreleased, fusionando tambores tradicionales y música ceremonial de su familia Pakajaqi con sintetizadores, sampleos de cumbias, sonidos ásperos (como el de una sierra circular), solos loquísimos y otros elementos que evocan la cacofonía de los rituales ancestrales. El resultado es una experiencia sonora cruda y caótica que honra sus raíces culturales resaltando cada elemento en su pureza y contraste. Bajo sus alias anteriores ‘E+E’ y 'Elysia Crampton’ ya publicó bastante material y actualmente, como Chuquimamani-Condori, continúa explorando la fusión de música andina y electrónica, extendiendo su obra a las artes visuales y la poesía.

Mariam Rezaei, con su particular enfoque del turntablismo, trajo un espectáculo visual y sonoro en el que su destreza técnica brillaba al detalle en las pantallas, ofreciendo un set lleno de surrealismo sónico. 3Phaz capturó la esencia de la electrónica contemporánea de El Cairo; sus sonidos mezclaban melodías árabes tradicionales con ritmos de baile modernos. El dúo formado por Aines y Akazie lo apostó todo al puro ritmo, cero melodía. Aines, DJ de Barcelona y figura en ascenso, trajo su característico estilo cargado de energía, combinando breaks, garage, ghetto techno y drum and bass, lo que viene a ser un repertorio lleno de la influencia británica y Akazie aportó a la biblioteca un enfoque más académico en la electrónica con deconstructed club y ritmos globales como el singeli y el kuduro. Honour hizo un Live Set con un A/V especialmente confeccionado para la ocasión. Se trata de una figura compleja, cuya música va más allá de los géneros convencionales y su debut ‘Àlááfíà’, es una exploración de temas universales como la vida, la muerte y la espiritualidad. Inspirado en sus raíces Yoruba y en las conexiones entre Lagos, Londres y Nueva York, su sonido es una especie de crónica

que entrelaza gospel, jazz libre y folk con un toque ritualístico. En directo, Honour transforma Human en un espacio casi sagrado, un entorno donde el público parece entrar en una especie de trance colectivo, movido por la intensidad de su música y la carga emocional de sus temas. Cuando Forest Swords toma el control en Human, el ambiente se torna oscuro y vibrante, con un set que mezcla sonidos de ambient y pulsos intensos. Este productor británico es conocido por su habilidad para crear texturas que oscilan entre lo melancólico y lo eufórico. Aunque el motivo de su visita en RECAP fue ‘Bolted’ de 2023, cabe destacar su reciente EPs ‘Torch/Pearl of Hail’ a través de Ninja Tune, su hitazo ‘Crow’ o la banda sonora que ha hecho para ‘Stephen’ la película debut de Melanie Manchot. En la sala contigua, Om Unit, conocido por su habilidad para fusionar dub, jungle y drum’n’bass, impartió un flujo constante de frecuencias bajas presentando Acid Dub Studies. 160 bpms entrelazando el dub con la electrónica de corte más experimental. Jim Coles, su nombre real, controla de verdad. Por eso es responsable desde 2011 de su propio sello Cosmic Bridge, además de publicar en labels de la talla de Exit de dBridge, colaborar con la leyenda Goldie para su Metalheadz y explorar las raíces del jungle con su proyecto Philip D Kick.

Pépe estuvo presentando muchos de los temas que tiene preparados para este próximo año a través de un Live Set que dejó claro, una vez más, que es uno de los talentos más jevis que tenemos en España, directo desde Valencia. O no tan directo. Su historia ya la conocemos, estuvo viviendo bastante tiempo en Reino Unido y tuvo la oportunidad de meterse en la escena a través de una residencia en el mítico Patterns de Brighton. Su último trabajo ‘TRS Wavefolder’ a través de C.E.E, es un poco una preview de lo que se viene estos próximos meses. Probablemente no habrá muchos más Live Sets ya que, como él mismo ha dicho, lleva esta primera mitad de año terminando sus tracks y dedicándose a practicar el arte del DJing a saco en su casa para ofrecer su mejor versión como pinchadiscos y tener un 10/10 en cuanto a habilidades musicales desbloqueadas. Qué envidia.

Anthony Naples fue el mejor de la noche. Ya está. Se ha dicho. El cofundador del sello Incienso, ha marcado una trayectoria en la electrónica gracias a su capacidad para mezclar géneros y desafiar las etiquetas. Su set, que fue una mezcla de dub, acid y psicodelia agresiva hilaba sin parar mezclas que confirmaban una y otra vez que Naples ha nacido para esto. No hay mucho más que decir. Para el cierre, cuando gran parte del público sucumbió al cansancio debido a la cantidad de horas de programación nocturna, Pangaea trajo su característico estilo de techno y jungle británico en un despliegue de energía que selló la sala con una intensidad explosiva. Co-fundador del influyente sello Hessle Audio, Pangaea es un referente en la escena. Una escena que, precisamente, Barcelona admira y se quiere acercar cada vez con menos disimulo. Que así siga siendo.

Créditos fotografia: @sendfrijoles y @humanrazzmatazz

VVAA

Críticas | ÁLBUMES

Autor: BRUNO GARCA | bruno@djmag.es

fabric presents Laurent Garnier: celebrating 25 years of fabric fabric

Vaya faenón tener que reseñar cerca de cinco horas de mezclas de un maestro como Laurent Garnier en un espacio tan reducido. Para más inri, un lanzamiento sin desperdicio que luego se parte en cuatro. Platos únicos a cual más apetitoso. Un desglose donde se elogia a géneros como el house (House Odyssey), el techno de múltiples caras y capas (Rhythmic Resonance), el protagonismo de los bajos nerviosos del 2-step garage o el drum’n’bass (Into The Low-End) e incluso las frecuencias más relajadas y atmosféricas (On the Way Home). Un proyecto colosal -un año sin descanso preparándolo- donde el francés, una persona tan primordial, todo un pionero y ejemplo a los platos, nos demuestra de una manera firme y sobresaliente su deslumbrante diversidad. Laurent, ejemplo de trabajo, evolución, sabiduría y desafío.

CHRISTOPHE SALIN

Ocean & Cliffs

Salin Records

Que nuestras islas sirvan de inspiración no es nuevo. Pero que el resultado final sea positivo, eso ya es otro cantar. El amigo Christophe Salin es sin duda de los que han aprovechado bien el tiempo y la inspiración para salir victorioso. Inmerso en la belleza y en la huella del tiempo de un lugar tan incomparable como Lanzarote, acaba de publicar un LP que empatiza a la perfección con su paisaje. En la electrónica propuesta por el productor alemán hallamos su sol, su mar y tapices singulares. Soniquetes repletos de house cautivador donde las capas sintéticas, los tintes orgánicos y unos bajos que aportan siempre mucho, se hermanan. ‘Volver’ es una buena manera de meternos en vereda, mientras ‘Casa del Agua’, ‘Famara’ o ‘Wave’, un camino perfecto para no salirnos nunca de él.

FERNANDO LAGRECA

TIME Beautiful Accident

A estas alturas, ¿quién no conoce a este maestro trotamundos? Solo aquellos que se acaban de caer de la cuna o son astronautas de la NASA ‘atrapados’ en algún agujero negro. Fernando Lagreca lleva todo lo que llevamos de siglo construyendo su carrera musical al mismo tiempo que los tiempos cambian y evolucionan. Mucho ha llovido desde aquellas texturas ambientales, minimalistas y orgánicas para Autoplate (Thinner), la propuesta actual es mucho más erguida, cortes como ‘Constellation’ o ‘Bending Game’ así lo demuestran. El chicle se estira cuando se anima con techno de raíces tecnológicas e incluso cósmicas. En ‘TIME’ tampoco faltarán los arpegios a lo campeón, o por supuesto divertidos cortes donde los breaks se entrelazan con el synthpop (‘Shapeforms’, ‘Nothing’s Ever New’) o sencillamente viajamos a los 90 con la fluidez del pegadizo ‘Save The Beat’.

ZABALA No Club Forbidden Colours

La buena noticia con este lanzamiento es que se trata de otro señor diamante plagado de texturas atmosféricas y electrónica de piel un tanto experimental. La mala, que con este trabajo chapa el sello Forbidden Colours. Es el último LP que publicarán. La verdad sea dicha, este largo atrapa a lo bestia. La musicalidad de Zabala no es ninguna broma. Para colmo, contar con las colaboraciones de gente tan talentosa como RRUCCULLA, Verde Prato, Sara Zozaya o Liam. Un gran acierto. Infinidad de matices y una profundidad a prueba de escafandras convergen en un hermoso tapiz de pistas envolventes y estimulantes. Me parecieron un pasote títulos como ‘Nire Azala’, ‘Crystal’, ‘Calavera’, ‘Y Nada’, o por supuesto ‘Amira’, cuya melodía y belleza siguen pellizcando en los adentros de mis sentimientos y entrañas.

Unfamiliar Skin

Con solera, finura y estilo se desmarca este disco de la DJ, compositora y productora Lou Hayter. ‘Unfamiliar Skin’, donde tampoco faltarán los buenos beats, es la continuación de aquel debut en 2021 titulado ‘Private Sunshine’. Recalco de nuevo ese apartado rítmico ya que este nuevo LP arranca con ‘Scorpio’ y ‘Frequency’, doble declaración de intenciones por su empuje resuelto con guiños ochenteros de soul-beat, electro-disco e incluso prontos que me recordaron alguna de las muchas joyas incluidas en el ‘Blue Lines’ de Massive Attack. El arte de recordar, de samplear, de estrenar a base de referencias pero aportando una integridad y frescura propia. Cualquier destello es apropiado y sensato. Además de las ya citadas, quédate atento con ‘In My Heart’ o ‘3AM’ por sus aires proto-house o ‘808 Beat’ que es harto contagioso.

LOU HAYTER

Críticas | ÁLBUMES

Autor: BRUNO GARCA | bruno@djmag.es

ETCH

Scream of the Butterfly Sneaker Social Club

Un monumento de álbum o un disco monumental, ¡lo que prefieras! Esto es buena mandanga para los amantes del beat nervioso, inesperado, y las texturas oscuras no exentas de bajos retorcidos y voces que te acoquinan en una esquina. Etch, es un enfermo de todo esto. Y para personajes como yo, su sonido actúa como esos imanes de los desguaces que agarran coches. ‘Scream of the Butterfly’ retoma la picota del UK-bass y el dubstep cuando obtuvo su momento culminante. Tampoco faltan latigazos de jungle, “drama” y electro-hip hop corrosivo en este soberbio trabajo. Dosis tenebrosas y mareantes que ganan enteros en títulos como ‘Three Of Me One Of You’, ‘Not Surprised’ (con Lee Scott), ‘Inside the Box’, ‘Heatmap’ (con Emz) o por supuesto el hermoso pero enfermizo ‘Stepford Lives’ (con E.M.M.A). Intenso y exigente.

TRÈS MORTIMER

M1 City Slacker 85

Este disco es un caramelo para todos aquellos que aman el sonido clásico noventero de la escena clubbing de Chicago. Très Mortimer, quien por lo que acabo de decir, y por el título del álbum, reside allí mismo, publica una decena de nuevos temas rendidos al pasado. Su aporte en este debut para el sello de Seth Troxler (Slacker 85) no está forjado precisamente en el riesgo. Suenan a lo que tienen que sonar. Sin lujos ni excentricidades, están centrados en ese legado y ser una pura vía de escape para la pista de baile. Recordemos que este artista de ascendencia polaca se hizo famoso por recuperar en ‘Time of the Season’ el mítico tema de Zombies (1968). Ahora ni rastro de aquellas voces, ni remakes porosos… como mucho sampleos directos y crudos.

De un modo muy rápido se nos incrustan en la cabeza los beats, envites melódicos y mensajes del floridano Kēvens. Algunos tan poderosos como que nos cuidemos los unos a los otros, la unión es la vida. Mezcla, como pocos, raíces jamaicanas (dub, reggae, ragga) con la vanguardia más electrónica (EDM, drum’n’bass) y siempre con un espíritu combativo y positivo. Canciones inspiradas en el propio territorio que lo acoge (‘Sweet Lady Liberty’), su propia pareja (‘Save Me’) o directamente elogiando y defendiendo la libertad (‘Soñadores Legales’, versión en español del hit que alcanzó el top en diciembre del pasado año en las listas jamaicanas). Un poderoso álbum no exento de rocas en el camino. La pandemia y la pérdida de una persona cercana, dejaron fuera de órbita al autor, pero se levantó como un campeón para seguir brillando.

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De locos el tracklist que se nos propone en este ‘RS X – 10 Years of Rhythm Section International’. Por su extensión (más de una treintena de cortes) y calidad. Imposible dejarlo escapar. Rhythm Section suma su primera década de vida demostrando porque es una de las discográficas a las que es sano y recomendable no perder nunca de vista. Desde que Bradley Zero la fundó en 2014 en el sureste de Londres, nos ha marcado el camino de la curiosidad y la pluralidad. Sonidos house, soulful, beats y en definitiva, electrónica de baile desvergonzada y singular. Este disco, además de un hito, es una compilación dividida en 3 partes: pasado, re-imaginados y futuro. No faltan nombres tan notorios como Prequel, Paula Tape, Nicola Cruz, Ruf Dug, Dan Kye o Local Artist. Canela en rama.

Cuando leo que alguien abandona el bullicio de Barcelona para escaparse a vivir al campo, con la idea de encontrar paz y más espacio para crear, me dan espasmos en los párpados. Es lo que hizo la pareja formada por Victoria Suter y Mathieu Daubigné, se piraron al suroeste de Francia, y fruto de ello, este flamante álbum. Un trabajo en todo momento intenso, bien galopando con beats sobreexcitados (‘Delay’), a través de experimentos a medio camino entre la electrónica minimalista y el pop bizarro (‘Tako-Tsubo’) o directamente cuando lo que oímos resuena a llanto desgarrador (‘Les os du lac’). Una colección de historias de luz y oscuridad, ambientadas en un paisaje orgánico y poético. Nada que ver con esa locura bullebulle de cemento que es Barcelona, a la que curiosamente dedican la pieza final. Una despedida.

KĒVENS Call to Balance KTF Music

VVAA RS X

10 Years of Rhythm Section International Rhythm Section

O'O

Songs of Wishes and Bones InFiné

Críticas | UK GARAGE

Autor: BORJA COMINO | borja@allinpress.com

CONDUCTA

In Transit

Kiwi Records/Supernature

El productor británico Conducta, uno de los nombres claramente más reconocidos en la escena UKG actual, sacó este EP hace ya un año y pico, pero nunca es tarde para poner estos cinco temas encima de la mesa. Este trabajo representa un viaje nostálgico por los sonidos clásicos del garage de los años 90, pero con una producción moderna y sofisticada. Por si fuera poco, colabora con artistas como Novelist y BIJI aportando una visión mucho más amplia a los ya reconocibles ritmos acelerados y líneas de bajo envolventes de Conducta. Tracks como ‘Stratus’ son un claro homenaje al pasado, y a la vez se sienten frescas y actuales, y ‘Vectra’, con Paul Stephan (que precisamente acaba de sacar un nuevo temazo ‘P&A’ junto a BexBlu) es la perfecta combinación entre esta nostalgia y novedad de la que hablo.

DISCLOSURE

Arachnids Warehouse Project Records

Guy Lawrence, a quien los más frikis reconocemos como el mastermind tras el nombre Disclosure (acaso alguien recuerda el nombre “del otro”?) sigue enseñándonos cómo van evolucionando sus gustos musicales a lo largo de los años. Con una atmósfera oscura y sonidos que evocan arañas metálicas en movimiento, ‘Arachnids’ se aleja del estilo house característico de la banda, mostrando una faceta más siniestra y sofisticada. Lawrence explicó que el proceso de creación fue como un “rompecabezas creativo en constante evolución,” donde buscaba explorar y desafiar sus propias habilidades intentando mantener una base sencilla sin perder complejidad en la producción. También queda bastante claro que este track es un ejemplo de la libertad artística que Disclosure ha encontrado desde su ruptura con Capitol Records, y aunque no es un tema fácil de tararear, deja una impresión poderosa y jarcor.

Muchos músicos electrónicos han cultivado el misterio para alimentar su imagen, desde Burial y Aphex Twin hasta Vegyn. Ahora, Two Shell, un dúo anónimo del Reino Unido, ha seguido esa línea, ganando popularidad sin revelar sus identidades. Surgieron en 2019 con el EP ‘Access’ en el sello alternativo Livity Sound, pero se distanciaron rápidamente de sus pares de techno experimental al fundar su propio sello, Mainframe Audio. En 2022, su EP ‘home’ les empezó a convertir en legends instantáneas, y sus más recientes entrevistas retratan su deferencia por tomarse la industria poco en serio, pero currando bastante. Parece que hay bastantes personas detrás del proyecto (bastantes rollo, por lo menos 5. O 10) y casi todo el mundo está a sus pies, incluyendo a artistas como FKA twigs y Sugababes.

INTERPLANETARY CRIMINAL

ATW007

ATW

Interplanetary Criminal, alias Zach Bruce, regresa con el EP ATW007, mostrando un lado más oscuro y contundente del UK garage. Con su éxito de 2022

B.O.T.A. (Baddest Of Them All), Bruce comentó que “fue la primera vez que sentí que mi carrera musical era accesible para cada persona que conocía.” ‘Gunman’, la colaboración con Riko Dan, conocido por su potente presencia en la escena grime y dancehall del Reino Unido es un bombazo de energía con bajos super pesados y un ritmo frenético que hipnotiza al instante. Le sigue ‘Manchester’, una oda a su ciudad, las influencias que han dado forma al estilo del DJ provienen de la infinidad de noches que ha estado mamando two-step garage, tan arraigado a su hometown. Finalmente, The Valley cierra el EP con una atmósfera sensual y oscura, donde los silencios son tan intensos como los beats. ATW007 es una muestra del dominio de Bruce en la escena, llevando el UK garage a un territorio innovador y magnético

NOVIG DEAL

DJ Seinfeld, el productor sueco Armand Jakobsson, está teniendo un año arrollador en 2024, y su último lanzamiento, ‘Hopecore’ es una muestra clara de ello. Después de estrenar ‘If U Like Me’ en mayo y su exitosa colaboración en ‘Now U Do’ junto a Confidence Man, Seinfeld regresa con un tema lo-fi house eufórico que marca el tono de su próximo álbum. Según él, ‘Hopecore’ es un “tastet” del sonido que ha estado explorando para este proyecto, combinando influencias trance con beats profundos que invitan jevi a bailarlo en el club. Con una enorme gira norteamericana programada para enero de 2025 y un show en su ciudad natal, Malmö, en noviembre, como parte de una serie de residencias para 2025, apoyará a Fatboy Slim en una serie de conciertos al aire libre en Australia. Veremos si será capaz de sacar tiempo para lanzar más material durante el próximo año.

01. SKREAM 'Midnight Request Line' [Tempa]

02. DJ ZINC '138 Trek' [Bingo Beats]

03. GROOVE CHRONICLES 'Stone Cold' [Groove Chronicles]

04. EL-B 'Buck & Bury' feat. Juiceman [Ghost Recordings]

05. MJ COLE 'Sincere' [Talkin’ Loud]

06. ARTFUL DODGER 'Movin’ Too Fast' [Locked On]

07. WOOKIE 'Battle' [Soul II Soul]

08. DJ LUCK & MC NEAT 'A Little Bit of Luck' [Red Rose Recordings]

09. STICKY 'Triplets' [Social Circles]

10. WIDEBOYS 'Westside' [Locked On]

TWO SHELL

Two Shell Mainframe Audio

DJ SEINFELD Hopecore Ninja Tune

Críticas | HOUSE

Autor: ALEJANDRO SERRANO | alejandroserranopr@gmail.com

LEOPOLD BÄR, PAUL RENDER

Cosa Nostra DZB Records

Leopold Bär, DJ y productor austriaco, se une a Paul Render, ingeniero de sonido, DJ y productor gallego, en un nuevo lanzamiento bajo el sello dZb Records, titulado ‘Cosa Nostra’. Esta colaboración refleja una fusión de estilos europeos que trasciende fronteras, combinando la precisión técnica de Bär con el refinado oído de Render para crear un sonido potente y envolvente. Las texturas sonoras van desde pulsos electrónicos profundos hasta capas rítmicas detalladas, demostrando el dominio de ambos en la producción musical. El resultado es un trabajo elegante y vanguardista, ideal tanto para la pista de baile como para los amantes del sonido experimental. En conjunto, el disco nos ofrece un contraste dinámico que muestra la versatilidad de un proyecto atemporal.

ANTONATOR

Swarm

Anto Recordings

Desde Atenas y radicado en Estocolmo, Anto lleva produciendo música desde finales de los años 90. Tras ganar el prestigioso concurso Bedroom Bedlam de Pete Tong en 2007, el productor ha lanzado su música bajo su propio sello, Anto Recordings, con el respaldo de grandes nombres como David Guetta y Sven Väth.

Su nuevo tema, ‘Swarm’, es una fusión hipnótica de trance de la vieja escuela con el techno melódico moderno, tejiendo elementos de ciencia ficción en una poderosa melodía de sintetizador. Impulsado por una línea de bajo envolvente, ‘Swarm’ demuestra la maestría de Antonator al combinar sonidos nostálgicos con toques contemporáneos, prometiendo ser una experiencia electrizante para los amantes del trance y el techno melódico.

CHELOU, KIDNAP

Something to Say [PIAS] Électronique

Kidnap, productor, DJ y compositor, nos ofrece una nueva joya titulada ‘Something to Say’, donde colabora con el enigmático Chelou. Este tema es el penúltimo sencillo de su segundo álbum, que saldrá el 4 de octubre bajo el sello [PIAS] Électronique. La canción fusiona acordes de sintetizador profundos y emotivos que pintan un paisaje sonoro nostálgico, con un ritmo ágil que fluye bajo la cálida y melancólica voz de Chelou. Su interpretación, a veces suave y susurrada, a veces clara y alta, refleja un anhelo conmovedor que se complementa perfectamente con el estilo de Kidnap. Esta colaboración destaca por su equilibrio entre la melancolía y la belleza, fusionando el house melódico con influencias indie, DnB y ambient, lo que reafirma el estatus internacional de Kidnap como uno de los nombres más innovadores en la escena electrónica actual.

ANTONATOR

KASHIAN, JP LANTIERI REPLICANT Zephyr Music

Los talentosos Kashian, de Ibiza, y JP Lantieri, de París, unen fuerzas para crear ‘Replicant’, una joya del progressive house. Este tema destaca por su impecable calidad de producción, una estructura fluida y una rica paleta de sonidos cautivadores que envuelven al oyente de principio a fin. La combinación de elementos melódicos profundos y ritmos envolventes logra un equilibrio perfecto entre energía y sutileza. El lanzamiento se completa con un exquisito remix de Phalguna Somraj, que añade su propio toque distintivo. Ambos cortes, lanzados bajo Zephyr Music, prometen ser imprescindibles para los amantes del género. Estamos, sin duda, ante un trabajo sorpresivo y excelente, por deslumbrante y exportable; creado desde el talento, la meticulosiodad y la coherencia sonora.

You & Me Bayacou Records

Bayacou Records presenta con orgullo el debut internacional de MKL, una joven cantante y compositora de 23 años, de ascendencia criolla francesa, originaria del sur de Luisiana. Tras crecer en un entorno musicalmente rico, cantando en coros de iglesias y actuando en solitario, MKL se lanza al escenario global con su primer EP You & Me, producido por el talentoso compositor y DJ EZEL. El single, ‘You & Me’, es una potente mezcla de afro-house con un toque pop, donde la voz suave y llena de alma de MKL se entrelaza con un groove hipnótico y seductor. En ‘333’, MKL demuestra su versatilidad con una pieza de electrónica soul cargada de matices RnB, creando una joya única dentro del house. Este debut marca a MKL como una promesa para el 2024, con un sonido que equilibra la pista de baile y la calidad musical para el oyente más exigente.

01. TONJA HOLMA ‘All Night’ [Pryda Presents]

02. ANTONATOR ‘Swarm’ [Anto Recordings]

03. SCRIPT(OFC) ‘On The Low’ [Afterlife]

04. KEVIN DE VRIES & Y DO I ‘ Arrakeen’ [Afterlife]

05. REBŪKE ‘Along Came Polly’ (Konstantin Sibold & CARMEE & ZAC Remix) [Afterlife]

06. REBŪKE FT. LINSKA ‘Digital Dream’ [Era]

07. MASSANO ‘Betrayal’ [Drumcode Records]

08. TCHAMI & MALAA ‘Barbarian’ [Confession]

09. GRIGORÉ ‘Strange World' [Spectrum Music]

10. SOEL ‘Leave No Trace’ [Simulate]

MKL

Críticas | DRUM & BASS

Autor: DANIEL PANIAGUA AKA D-PR | drumandbass@djmag.es

BRAIN

Inspired Dispatch Recordings

Brain lanza su primer álbum de estudio titulado Prima, donde exprime al máximo su faceta como productor en un LP en el que se mima muchísimo el sonido underground. Nuestro destacado es ‘Inspired’, una de las pistas favoritas del artista donde se nota la influencia de años de drum & bass y del buen hacer, con una producción redonda que destaca sobre el resto del álbum.

OFFISH Piece by Piece

Darkhorse Music

El productor polaco y uno de los abanderados del nuevo sonido Jungle más serio llega al nuevo sello afincado en Madrid en su tercera referencia. Sin duda, una buenísima manera de arrancar, ya que con este EP confirman que van completamente en serio y a por todas. Con ‘Piece by Piece’ vemos a un Offish más pistero, con una gran programación de batería y unos arreglos perfectos en un track que, seguro, pincharemos mucho.

NINIVE Fake Lover Midas Touch

Llevábamos mucho tiempo pinchando y disfrutando este tema y por fin ha llegado el momento de su lanzamiento y de poder mostrarlo al mundo. ‘Fake Love’ es sin duda un tema de liquid drum & bass con muchísima personalidad, ya que cuenta con una línea de graves muy presente, al mismo tiempo que el resto de arreglos denotan delicadeza y clase.

7TH PYRAMID (Colectivo)

PETROLL Petroll Delta9 Recordings

Sin duda Petroll es uno de los descubrimientos del mes para nosotros. En este track combina la pista con el estilo underground del sello. Un subgrave muy arriba y pegadizo durante todo el tema, un uso perfecto del 4x4 para realizar un build up distinto al de cualquier pista de drum & bass parecida y unos arreglos geniales que seguro que hacen que este Kraken suba arriba en las listas de éxitos.

Cuando juntas a uno de los mejores productores de drum & bass de México con las leyendas Ragga Twins, ¿qué puede salir mal? ¡Nada! En ‘Police’ estamos ante un rompe pistas, un estilo en el que Isaac lleva desarrollándose tiempo y que cada vez domina más. Un track con el claro objetivo de convertirse en un “instant-banguer” y que seguro que escucharemos muchísimas veces al “double-drop”.

01. TOTAL SCIENCE, HYDRO & WAR ‘Denial’ [CIA]

02. BREAK ‘Dog’s Dinner’ (feat. Total Science) [Symmetry]

03. CULTURE SHOCK ‘Protection’ [RAM Records]

04. LSB, DRS ‘Letting Go’ (FD Remix) [Footnotes]

05. THE SAUCE ‘Too Busy Looking Good’ [The Sauce Music]

06. BREAKAGE ‘Rudeboy Stuff’ [Index]

07. ZERO T ‘Sonic Bionic VIP’ [Dispatch Recordings]

08. THE SAUCE ‘The Sauce’ [The Sauce Music]

09. J:KENZO ‘Rum Punch VIP’ [ThirtyOne Recordings]

10. MAKO ‘The Man’ [Dispatch Recordings]

ISAAC MAYA FEAT. RAGGA TWINS Police Low Freq MX

Críticas | BREAKS

Autor: EDUARDO CARBONELL | evilsound@djmag.es

VVAA Machines Have Eyes Lowering The Tone

Desde el sello Lowering The Tone, propiedad de los ingleses Meat Katie y Ben Coda, nos llega el recopilatorio 'Machines Have Eyes', con 15 producciones tanto de ritmos rotos como 4x4. A destacar 'Dense' de Meat Katie y Dylan Rhymes, 'Overflight' de Peter Paul, 'Nain Rouge' de Meat Katie, Ben Coda y Carbon Kingdom, 'No Compilance' de low&, el remix de Guau al track '13 Coils' de Meat Katie, el remix de Lee Coombs al track 'In Dark Rooms' de Pook & Lola o el remix de Ben Coda al track 'Queen For a Day' de Meat katie y Peter Paul. Tampoco te pierdas su recopilatorio gratuito 'Game Of Tones', con pistas como 'My Little Dancing Girl' y 'Bizarre Is Beautiful' de Meat Katie o 'Porkstore' de este junto a Dylan Rhymes.

COLOMBO Through Dassier s Eyes

333 Frequency

El productor malagueño Alejandro Rojo, más conocido como Colombo, continua con su nuevo larga duración publicado por partes. Si recientemente adelantábamos el lanzamiento de su primera parte, este ya va por la séptima. Un trabajo que consta de 5 pistas en cada una de sus partes y que con la llegada de esta última van 35 producciones inéditas de este genio de los ritmos rotos. Los géneros son muy dispares, predominando el electro breaks, el big beat y el nu skool breaks. Si te quedas con ganas de más material de este artista no te pierdas los lanzamientos de electro breaks 'Electrika', 'Psycho Electric', 'Electro Haze', 'Hipo', 'Your First Lesson' y 'Your Second Lesson' bajo su sello 333 Frequency o producciones como 'Anubis' para Raveart Records.

ÁKOS GYÖRFY & KELLE

Whatever Future Holds LP RUNE Recordings

Los chicos de RUNE Recordings nos traen un nuevo álbum, esta vez a cargo de los productores húngaros Ákos Györfy y Kelle. El trabajo se compone de once pistas que van desde el breakbeat industrial al progressive breaks, pasando por otros géneros como el neurobreaks o el atmospheric dnb. No te pierdas otros trabajos anteriores de estos artistas en RUNE Recordings como los EPs 'Alyx' y 'United ' de Ákos Győrfy, el EP 'Sundown' de Ákos Győrfy junto a Kelle, el single 'Last Hope' de Kelle junto a la vocalista rusa Tamara Flerinskaia (FLERIIN), el single 'Survive' de Kelle junto al letonio Under This o el EP de Kelle en solitario titulado 'Reset. Progressive breaks de alta calidad, como suele ser habitual en este sello.

ANUSCHKA (RAVEART)

INTERRA Rescue Me Calligraphy Recordings

El productor ruso Egor Zavialov, alias Interra, es conocido en estas páginas por sus grandes lanzamientos a través del sello Criminal Tribe Records. Interra comenzó su carrera musical en 2007, trabajando principalmente en estilos como el trance, el progressive y el house, pero inspirado por el sonido de gurús de la escena breakbeat y big beat como The Prodigy, The Crystal Method y los residentes de Criminal Tribe, tomó la decisión de enfocar sus producciones a los ritmos rotos en 2015. Desde entonces ha aportado grandes producciones a la escena, como este nuevo single titulado 'Rescue Me' publicado por el sello Calligraphy Recordings, donde nos ofrece una exquisita producción acompañada por varias remezclas a cargo de Windom R, Kelle, Zaslon y Encrypted Music Source.

LOST ASTRONAUT & RICK CARBONELL

Euphoria Morphosis Records

El sello húngaro Morphosis Records nos trae el nuevo trabajo del productor estadounidense Rick Carbonell en colaboración con un conocido de la casa como es Lost Astronaut. El single 'Euphoria' es de género progressive breaks y se nos presenta en dos versiones diferentes, original mix y dark mix, con dos moods diferentes pero igual de disfrutables. Lost Astronaut ya tiene una trayectoria en este sello, de la que podemos destacar trabajos como sus singles 'I Like That', 'Strange Dreams', 'Azure' y 'Bloom' o los remixes a los tracks 'Tonight' de Borka FM y Nelver y 'Kuqala' de Ákos Győrfy y Retroid. Ákos Győrfy, del que hablábamos en la reseña anterior, también es un conocido del sello con trabajos como el comentado 'Kuqala' o 'Birds'.

01. ANUSCHKA & AFGHAN HEADSPIN ‘We Are Breakbeat (Original Mix)’ [Dirty Kitchen Rave]

02. DESTROYERS & SUNSHA ‘Blasta! (Original Mix)’ [Rough Division]

03. DJ WAVS FEAT. AVM98 ‘Like That (Original Mix)’ [83]

04. BUBU & BAD LEGS ‘Arabic (Original Mix)’ [Raveart Records]

05. ANUSCHKA ‘Leave Out The Lies (Original Mix)’ [Distorsion Records]

06. OREBEAT ‘Chaos (Original Mix)’ [83]

07. SEKRET CHADOW & PRODY ‘No Peace For The Wicked (Original Mix)’ [Raveart Records]

08. ANUSCHKA & DJ WAVS ‘Be My Slave (Original Mix)’ [Raveart Records]

09. VAZTERIA X ‘Suffer In Silence (Original Mix)’ [Pata Negra Records]

10. ANUSCHKA & VAZTERIA X ‘Welcome To Hell (Original Mix)’ [Elektroshok Records]

Críticas | ELECTRO

Autor: FEDE CORTINA | fede@djmag.es

THE HACKER

Leather Dreams Lost And Found EP

Este track, uno de mis favoritos de The Hacker, ha tenido la fortuna de salir en repress, ganándose así un lugar en esta página. Originalmente lanzado en 1999 bajo el sello UMF Records, ha cautivado una infinidad de momentos y pistas alrededor del mundo, gracias a un bassline inconfundible, octaveado y con ese toque ochentero que nos encanta. Las emotivas vocales y el electro-beat garantizan que hasta la última persona en la sala no deje de bailar. Infaltable en la colección de un verdadero digger. Gracias, Michael Amato, por el gran legado dejado en el electro.

ALEJO

Crazy Stranger Coqueto Records

Coqueto, el sello multicultural comandado por la mafia peruana del groove en Barcelona, presenta su 4to lanzamiento, esta vez en formato ‘split’. En el lado A del disco encontramos a Alejo con el track Crazy Stranger, uno de esos temas que, al escucharlo en la pista por primera vez, te hace pensar: "¿De quién será esta bomba?" Con una línea de bajo super profunda y una atmósfera misteriosa creada por pads y efectos del electro old-school, lo complementan vocales perfectas para el tema. No te pierdas este disco, del cual a estas alturas deben quedar muy pocas copias… si es que quedan.

SYSTEM

Your Machine (Hydraulic Mix) The Rise Of Poseidon III

En el quinto lanzamiento del sello submarino Calypso’s Dream, se entrega una joya del dúo de productores System, fundado en los años 90 para explorar la interfaz entre ciencia, tecnología, humanos y música. El track Your Machine, creado entre 2000 y 2005, fusiona electro-pop con un bassline sincopado, y un vocoder robotizado que romantiza el mix de sonidos modulares y analógicos que caracterizan este disco. Producido hace 20 años en las frías aguas nórdicas y relanzado por este gran sello, es una verdadera obra de culto.

STEFANO ANDRIEZZI [Island Beats Records]

STEFANO ANDRIEZZI Acid Computer Pillz Records

El DJ y productor Stefano Andriezzi, originario de Venezuela y asentado por de 10 años como DJ en Argentina y recientemente llegado a tierras españolas, inmortaliza un excelente track en el sello Pillz, propiedad de Anthea y Velasco. En Acid Computer, Stefano mezcla a la perfección techno, electro y algunos toques de house, con claras influencias de Gigolo Records, sello que tanto caracteriza su sonido. El bassline cuenta con variaciones que le aportan mucho movimiento al track, mientras que el beat en 4x4 y el open hat marcan el paso en perfecta sincronía, generando un groove magnífico. Con sintetizadores hipnóticos y eléctricos, ¡es imposible no mover el cuerpo al escucharlo! Una "pillz" recetada por mi médico, uso y recomiendo.

Jade Cocoon HPM Records

Si estás en busca de techno alemán con clase y rompe-pistas, aquí tienes el disco que nunca más saldrá de tu batea. Michael Oswald lanza por HPM Records un doble disco con 9 tracks asesinos, creados entre 2017 y 2023. Jade Cocoon es mi favorito, con su atmósfera mental y un bassline repetitivo y estridente que se comunica perfectamente con los sintetizadores, creando un escenario oscuro y envolvente, difícil de explicar en palabras. Lirica Distribution es el encargado de poner este disco en tus manos, ¡no te lo pierdas!

01. OHO ‘Endless Coordination’ [White Lunar]

02. BOY HARSHER ‘Come Closer’ [Nude Club Records]

03. LACHINA ‘05.11.93’ [22Recordings]

04. TOOLS 4 SEDUCTION ‘Last Kiss’ [Desencanto]

05. SYSTEM ‘Robotics’ [Calypso's Dream]

06. C.RU.Z ‘Music Addicted’ [Griffé]

07. IVAN OLSON ‘Esperando al Mecànico’ [GNC Records]

08. 80% BAUL ‘Dónde Están Tus Ilusiones’ [Oráculo Records]

09. BLACK DOT ‘Losing Game’ [Italo Moderni]

10. LENNART ‘Midnight Desire’ [Bordello A Parigi]

MICHAEL OSWALD

Críticas | DANCE / EDM

Autor: WILLY ALCOCER | willy@djmag.es

ARMIN VAN BUUREN, HARDWELL

Follow The Light REVEALED RECORDINGS

Armin: el DJ/productor de Trance más importante de la historia (junto a Tiësto) y actual #6 en el Top100 DJs de nuestra revista matriz británica. Hardwell: uno de los fundadores del EDM, actual #11. Ambos multi-platino y por encima de las 1000 millones de reproducciones. Qué maravilla cuando realmente los artistas no necesitan más presentación.

Este single es exactamente lo que se podía esperar de la unión de semejantes dinosaurios de la industria, en el momento actual de la industria (el reinado de los 145-150 BPMs): base y velocidad de HardDance, melodía Big Room, contundencia sonora absolutamente brutal, y, sobre todo, una inteligencia en la estructuración del tema a la altura de la sublime sabiduría de los autores. Prácticamente nadie entiende mejor que ellos dos cómo triunfar produciendo. Himno total.

DANY BPM & LA LUNA

Hymn ADDICTING RECORDS

Dany BPM: principal responsable del demoledor renacimiento del HardDance en España, aparte de la lógica influencia que en ello tiene la tendencia general internacional hacia este género, liderada hoy por los fundadores del EDM, como Dimitri Vegas & Like Mike, Hardwell, W&W, Timmy Trumpet, etc. Pero la implementación específica en España de ese retorno hacia los 145 BPMs y las melodías Dance se la debemos, esencialmente, a él. No habría pasado lo que pasó este Verano con ‘Potra Salvaje’ si Daniel no hubiera creado el caldo de cultivo los últimos años.

La Luna, si recordáis, es la cantante del himno Progressive vocal 'When The Morning Comes’ (2000). Su voz, en esta versión del legendario ‘Hymn’ de Cabballero (1994), termina de encumbrar una exquisita producción, limpia en sus sintes, contundente en sus bajos. Un tiro seguro.

aquí

buena idea: versión Dance del mítico 'Liberian Girl' de Michael Jackson, celebrando el 35 aniversario del original. El homenaje nace de dos ilustres artistas multi-platino estadounidenses: David May (respetadísimo productor, compositor y DJ, con éxitos mundiales junto a estrellas como Snoop Dogg, Pitbull, Zedd, Bruno Mars o Akon) se une esta vez al talentoso cantautor y productor B. Howard. El resultado es una interpretación cautivadora que se mantiene fiel a la esencia de la original, añadiendo un toque contemporáneo y un sabor Pop latino. La principal virtud de este disco, más allá de que buena parte de la humanidad se sabe la canción, es la sublime calidad sonora: los técnicos de sonido contratados por May son los que mezclaron las pistas del original de Michael.

BEKS REINIER ZONNEVELD X SCOOTER

Mom Was On Tequila FILTH ON ACID

Quien nunca se movió del HardDance, ahora que el péndulo de la Historia vuelve a ese lugar, retorna a primerísima línea en cuanto a actuaciones, repercusión de producciones y colaboraciones: dime quién quiere producir contigo y te diré cómo de bien te va.La formación Scooter, fundada en Hamburgo (1993) por su vocalista Hans Peter Geerdes,"Baxxter" de nombre artístico, siempre hizo esto: esta velocidad, estas melodías, estos instrumentos. Pero con un sonido muy específico: vocales masculina, frases cortas cantadas a grito, eco y reverb al máximo. Sonido Rave. Pues resulta que Zonneveld (#26 en el Top100 DJ Mag 2024, cabeza visible del Acid Techno) ha querido producir con Scooter -y sacar por su propio sello- esta auténtica maravilla técnico/sonora que mezcla impecablemente los géneros de cada artista.

Qué mezcla más curiosa, y qué buena idea: por un lado, Victoria, la bajista de la aclamadísima banda de Rock italiana Maneskin, se convierte en DJ y lanza para ello su primera producción, ‘Get Up Bitch!’. Y por el otro, Annita, la cantante brasileña que recorre el mundo recogiendo Grammys, MTV Music Awards, y tantos discos de platino como corresponden por tener la absoluta salvajada de 8 BILLONES y medio de reproducciones en Youtube. Primera latina, por cierto, en alcanzar el #1 en Spotify mundial (2022). Pues con estos mimbres se nos ofrece algo nuevo, sorprendente, pero realmente bueno: una especie de "HardTechnoDance" aceleradísimo, con vocales provocadoras (basta con ver el título del tema) pero aprendibles y efectivas, con bajos salvajes, subidas casi eternas, y, por encima de todo, muchísima energía.

01. DAVID GUETTA & ONE REPUBLIC 'I don’t wanna wait' [Parlophone UK]

02. GABRY PONTE, VICCO 'Viento' [Warner Music]

03. DJ MATRIX FEAT. GIORGIO VANNI VS JACK MAZZONI 'Supereroi' [Sony Music]

04. DA TWEEKAZ & BASSHUNTER 'Botten Anna 2024' [Unreleased]

05. W&W X AXMO 'Ritmo De La Noche' [Rave Culture]

06. DANY BPM & LA LUNA 'Hymn' [Addicting Records]

07. W&W X ITALOBROTHERS X CAPTAIN CURTIS 'Jump Jump Jump' [Rave Culture]

08. NETHERWORLD 'Atlantis 2 (Ricardo F Remix)' [DJs At Work]

09. AXMO 'Right Here Waiting' [Zeitgeist]

10. ISABEL AAIÚN 'Potra Salvaje (FERNANDO MORENO Hard Remix)' [Níquel Records]

DJ ZALO

DAVID MAY & B.HOWARD Liberian Girl GR33

He

una

VICTORIA & ANNITA Get Up Bitch! NOTED. RECORDS (SONY MUSIC ENTERTAINMENT)

ALPHATHETA XDJ-AZ

4-channel professional all-in-one DJ system

El XDJ-AZ hereda el diseño y la experiencia de los modelos insignia CDJ-3000 y DJM-A9, pro porcionando una sensación intuitiva y fluida al DJ. Al trabajar con este sistema, se siente como una extensión natural de los decks, lo que permite actuaciones más creativas. Los jog wheels de tamaño completo, similares a los del CDJ-3000, hacen que el pitch bending y el scratching sean increíblemente suaves. La sección de mezclador adopta el diseño intuitivo del DJM-A9, con contro les colocados para maximizar la jugabilidad. Además, incluye botones fáciles de usar para asignar Beat FX, lo que te permite expresarte musicalmente con mayor libertad. Dominar el XDJ-AZ te preparará para utilizar equipo estándar de clubes, facilitando actuaciones de alto nivel.

Compatibilidad con rekordbox CloudDirectPlay

Con CloudDirectPlay, puedes acceder directamente a tu biblioteca de rekordbox en la nube desde el XDJ-AZ. Esto te permite usar la versión más reciente de tus playlists y datos de rendimiento, como la información de Hot Cue, e incluso actualizarlos directamente desde el dispositivo. Esto garantiza una experiencia DJ fluida y te permite realizar toda la preparación musical desde este sistema todo en uno.

Compatibilidad con múltiples dispositivos y aplicaciones DJ

Además de reproducir pistas desde unidades USB, puedes conectar tu PC/Mac o dispositivo móvil para pinchar. También puedes conectar dispositivos externos como tocadiscos o samplers, para añadir un toque más personal a tus sets. Con un puerto USB tipo C para conexión a PC/Mac, puedes usar rekordbox en modo Performance o Serato DJ Pro sin necesidad de una suscripción de pago. Si prefieres utilizar la conexión WiFi® para rekordbox Link Export, puedes acceder cómodamente a pistas desde tu ordenador o móvil sin necesidad de cables.

Compatibilidad con StreamingDirectPlay

Gracias a la compatibilidad con Beatport Streaming, la función StreamingDirectPlay te permite reproducir directamente pistas desde la vasta biblioteca de música electrónica de Beatport, así como acceder a playlists actualizadas por género. Además,

obtienes datos de análisis como formas de onda, BPM e información de cuadrícula, lo que facilita mezclar música nueva y diversa en tus sets.

Pantalla táctil de 10.1 pulgadas

La pantalla táctil capacitiva del XDJ-AZ no solo proporciona más información visual, sino que también hace que el control sea más sencillo. Puedes ver hasta 13 pistas a la vez, un aumento considerable frente a las 8 del XDJ-XZ, lo que permite una búsqueda de canciones más rápida. Entre sus funciones avanzadas están el Playlist Bank, donde puedes registrar hasta 4 playlists para acceso rápido, Touch Preview para previsualizar pistas sin cargarlas, y Touch Cue para escuchar secciones futuras de los temas que ya están sonando. Con la opción de mostrar simultáneamente el estado de los Performance Pads y los Beat FX, tendrás a tu disposición toda la información necesaria para una actuación perfecta.

Esta nueva tecnología coloca al XDJ-AZ como una herramienta ideal para DJs que buscan máxima flexibilidad y control durante sus sets, ya sea en el estudio, en casa o en los clubes.