DJ Mag ES #162

Bienvenido agosto! Nos adentramos en el mes más caluroso del año con buena vibra y positividad. Está siendo un verano muy intenso lleno de festivales y fiestas, y en DJ Mag España lo estamos disfrutando al máximo. Para celebrarlo, este mes tenemos el placer de presentar en portada a Lexlay.

Alex, conocido mundialmente como Lexlay, es un DJ y productor español originario de Barcelona que lleva casi 20 años cautivando a los amantes de la electrónica con su talento y carisma. A lo largo de su carrera, ha experimentado con diversos géneros musicales, mostrando un particular interés por el Tech House, House Music y Groovy Techno. Hablamos con él para conocerle más en profundidad y saber qué nuevos proyectos tiene en marcha. En clave internacional, charlamos con la banda Mount Kimbie, quienes han compartido con nosotros los detalles de su nuevo álbum de estudio ‘The Sunset Violent’, que salió en abril a través de Warp Records.

En cuanto a reportajes, este mes ponemos el foco en el panorama de los festivales en el Reino Unido, que al parecer, está en crisis con más de 40 eventos cancelados de cara a la temporada de este año, según datos recientes de la Asociación de Festivales Independientes. En medio de la insalvable subida del precio de la producción y la actual crisis del coste de la vida, ¿cómo se sienten los organizadores y el público ante la situación actual? ¿Cuáles son las causas? ¿Y qué soluciones se barajan para salvar el sector? Encontraréis las respuestas en nuestras páginas este mes.

En cuanto a crónicas, este mes traemos dos de gran interés. Por una lado, os contamos en primera persona cómo fue la edición 2024 de EXIT Festival, un megaevento alzado en la fortaleza de Petrovaradin, en Novi Sad. Por otro lado, tuve el auténtico placer de vivir mi primera experiencia bailando en el desierto, concretamente en Monegros Desert Festival, que tuvo lugar el pasado 27 de julio. Un festival que me dejó sin palabras y al que volvería una y mil veces.

En nuestra nueva entrega de tendencias, este mes os llevamos a CosmoCaixa, que acaba de inaugurar una nueva exposición sobre el estrecho vínculo que une música y matemáticas- “MateMiFaSol. Un viaje sonoro del caos al cosmos” es una muestra que explora la relación imprescindible entre dos disciplinas que podrían parecer muy alejadas. Y como siempre, os traemos las mejores secciones y críticas musicales.

Gracias, lectores, por seguir confiando en nosotros mes a mes.

Patricia Pareja Directora

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Breves

Autor: REDACCIÓN

LOS DJ AWARDS REGRESAN A IBIZA TRAS UNA PAUSA DE CUATRO AÑOS

LosDJAwardsvuelvenaIbizaesteoctubretrasunapausadecuatroaños.Esteevento,quecelebrarásu23ªedición,contaráconunanuevaadministración,unavisiónrenovadayunrebranding completo.Fundadosen1998,losDJAwardshansidounaplataformaparareconoceraalgunasde lasfigurasmásdestacadasdelamúsicaelectrónica,comoDavidGuetta,CarlCox,RogerSanchez, Black Coffee, Jamie Jones y Fat Boy Slim, entre otros. El regreso de los DJ Awards se produce bajo la nueva dirección de Andy Grant, quien ha expresado su compromiso con la integridad y excelenciaquehancaracterizadoaestospremiosdurantesus22añosdehistoria.Próximamente se anunciarán los nominados para los DJ Awards 2024, y se espera que esta ceremonia, con su combinacióndelegadoyrenovación,seauneventodestacadoenelcalendariodelamúsicaelectrónica,celebrandoalosmejorestalentosysuscontribucionesaestevibrantesector. +info: https://www.instagram.com/thedjawards

FRED AGAIN.. ANUNCIA SU NUEVO ÁLBUM

Fred again.., cuyo éxito no conoce límites este último par de años, ha presentado su último álbum Ten Days, que saldrá a la venta el 6 de septiembre. El esperado álbum consta de temas que describen lo ocurrido a lo largo de diez días distintos de la vida del productor británico, todos ellos con colaboraciones de un impresionante elenco de artistas. Entre los colaboradores más destacados se encuentran Skrillex, Four Tet, Anderson .Paak, Joy Anonymous, Sampha, The Japanese House y la cantautora Emmylou Harris. En un sincero anuncio compartido en las redes sociales, Fred again.. describe el álbum como un proyecto profundamente personal, que explora emociones significativas encontradas en momentos fugaces e íntimos compartidos tanto con amigos como con extraños. Se espera que el vinilo salga a la venta el 25 de octubre.

+info: https://www.instagram.com/fredagainagainagainagainagain

TIKTOK LANZA LA NUEVA FUNCIÓN "SOUND SEARCH", QUE SE ENFRENTA A YOUTUBE MUSIC Y SHAZAM.

TikTok ha lanzado una nueva función llamada Sound Search que permite a los usuarios encontrar canciones cantándolas, tarareándolas o reproduciéndolas. De esta forma, este movimiento posiciona a TikTok para competir directamente con herramientas populares de identificación de música como Shazam y YouTube Music. Actualmente disponible para un número limitado de usuarios en determinadas regiones, Sound Search permite a los usuarios introducir una melodía y recibir sugerencias de canciones. La función va un paso más allá que sus competidores al vincular las canciones identificadas a los vídeos de TikTok pertinentes, mejorando la experiencia del usuario en la plataforma. TikTok aún no ha anunciado cuándo estará disponible la función para todos los usuarios, pero dada la importancia de los sonidos para impulsar las tendencias en la plataforma, se espera un lanzamiento más amplio en breve. +info: https://www.tiktok.com

JOHN SUMMIT PUBLICA SU ÁLBUM DEBUT

John Summit, la superestrella de la música dance nacida en Chicago, ha publicado su esperado álbum de debut, Comfort in Chaos. El proyecto, que cuenta con 12 canciones, incluye colaboraciones con Kaskade, HAYLA, Elderbrook, Paige Cavell, Of The Trees, venbee y KOATES a lo largo de las cuales expone la dicotomía de la vida de Summit en la carretera, equilibrando los momentos álgidos de encabezar grandes festivales como Coachella, EDC Las Vegas y Tomorrowland con los retos emocionales de mantener el bienestar en medio de un agotador calendario de giras. El álbum recoge este viaje y refleja la lucha de Summit por encontrar la estabilidad en el impredecible mundo de la música de baile. El álbum muestra la versatilidad de Summit, que mezcla sus raíces house de Chicago con elementos de garage, funk líquido y géneros influenciados por el Reino Unido. Entre los temas más destacados se encuentran 'Tears' con Paige Cavell, que combina las vibraciones trance de la vieja escuela con una voz impactante, y 'Where You Are’.

+info: https://www.instagram.com/johnsummit

El año pasado tuviste un lanzamiento en el sello HOTTRAX de Jamie Jones, ¿qué nos puedes decir sobre esto?

Como sello, siempre me han atraído sus sonidos futuristas y ácidos. Un sello de nicho y más underground que los otros sellos de Jamie Jones. Realmente quería lanzarlo en este sello. La pista recibió una respuesta súper positiva, alcancé el #9 en el top100 minimal/deep/tech de Beatport con el apoyo de Marco Carola, Joseph Capriati, el propio Jamie y muchos otros artistas. Jamie la tocó por todo el mundo. ¡Fue fantástico!

¿Cómo definirías tu sonido? ¿Qué disfrutas más cuando estás en el estudio?

Mi sonido se basa últimamente en groove y sintetizadores ácidos, la inspiración y el deseo de cambiar sonidos a menudo logra que cree algo más duro pero al mismo tiempo festivo que te hace saltar y bailar en cada reinicio rítmico de ese bajo melódico corpulento con sintetizadores ácidos que dejan su marca.

¿Cuántas horas al día sueles dedicar a la música? Si tuvieras que elegir entre ser DJ y producir, ¿qué elegirías?

PASQUALE CARACCIOLO

Hola Pasquale Caracciolo, es un placer saludarte. Para aquellos que no te conocen, ¿cómo te describirías?

¡Hola a todos, es un placer estar aquí! Soy un DJ y productor de música

Tech House. Desde que era niño sentí la música dentro de mí, el ritmo, las vibraciones, el amor por los tambores hicieron que la música se convirtiera en mi vida.

No podría vivir sin ella. Llevo casi 12 años produciendo y desde el principio he tenido el placer de recibir el apoyo de casi todos los grandes DJ’s en la escena global del género.

¿De dónde eres? ¿Cómo ves la escena electrónica en tu país? Y, ¿qué destacarías de ella?

Soy de Apulia, pero recientemente me mudé al norte de Italia por trabajo.

La escena en el norte de Italia es muy animada, hay muchos artistas actuando cada semana, mientras que en mi ciudad natal este género musical nunca ha destacado realmente en comparación con los géneros musicales más comerciales.

¿Cuáles son tus principales influencias? ¿Cómo empezaste en el mundo de la producción de música electrónica?

¡Marco Carola! Sin duda, mi música ha sido muy influenciada por él. He estado escuchando a Marco desde 2009. Cuando tenía 16 años fui a escucharlo a Cocoricò y me enamoré completamente de su música.

Empecé a producir algunas pistas y recuerdo que para conseguir que una discográfica las escuchara tuve una gran dificultad. Tuve suerte porque después de unos años de producción, el primer apoyo de Marco llegó en el Club Space en Miami. Fue increíble ese momento. ¡Mi sueño se hizo realidad! Poco después de eso, empecé a tocar. Hoy en día es todo más fácil para conseguir lanzar en los mejores sellos con las nuevas plataformas.

Desde que me mudé al norte he tenido un poco de dificultad para encontrar espacio para producir debido al trabajo, pero desde hace unos meses he empezado a producir de nuevo en esas horas libres que tengo durante el día. Si tuviera que elegir entre DJ o productor, elegiría DJ. Las emociones, la carga, la adrenalina de la pista de baile son algo único. Ver a la gente bailar y alegrarse creo que es una de las cosas más bonitas del mundo.

¿Qué podemos esperar de Pasquale Caracciolo para el resto de 2024 y 2025?

El día 8 de este mes saldrá mi nuevo tema 'Planeta de la fiesta' en el sello Bamboleo Records de los Neverdogs.

El 14 de agosto tocaré en Apulia en Go Vibes y el 24 de agosto tocaré en la gran fiesta de 12 horas "Bamboleo Water park Fest" con los Neverdogs, Cuartero, Archie Hamilton, Melanie Ribbe y muchos otros artistas.

Luego, tal vez salga un EP a finales de año. ¡Mucha energía en la pista de baile!

Finalmente, Pasquale, pedimos a los invitados de 60 segundos que hagan una pregunta al siguiente invitado. La última fue de DJ TOUSHAY: En los últimos 12 meses, la economía europea ha visto un aumento muy pronunciado de la inflación. ¿Cómo crees que esto afecta nuestra vida nocturna / ventas de entradas y cómo crees que los promotores se adaptarán a estos cambios? Y a cambio, debes dejar una pregunta para el próximo invitado.

La vida nocturna está ciertamente sufriendo mucho. con todo lo que han subido los precios y las estrictas reglas introducidas para la paz pública, creo que todos tienen dificultades para trabajar y poder ir a los clubes. Estaba leyendo que hoy en día parece que organizar eventos más grandes robaría la audiencia de los clubes, por lo que muchas personas ahorran para tener dos o tres grandes eventos al año en lugar de ir a la discoteca cada mes. Creo que todos deberían trabajar, invertir y tal vez ayudarse mutuamente a colaborar en eventos. Hay muchas personas que trabajan y viven de esto, deberíamos encontrar un compromiso y asegurarnos de que todos puedan ganar y trabajar adecuadamente. Tampoco olvidemos que en algunos países la vida nocturna es una gran parte de la economía local.

Mi pregunta para el próximo invitado:

¿Qué piensas de la nueva escena de música Techno - House contaminada por reggaeton, trap y pop? ¿No crees que hay algo de confusión?

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NOTION

VIDEOJUEGO

Cualquiera que me conozca sabe que soy un poco nerd y me encantan los juegos, siempre ha sido la mejor forma de desconectar para mí desde que era niño. Me encanta todo lo friki como los juegos de rol e inmersivos, y recientemente he estado jugando de nuevo a Morrowind, un juego muy antiguo de los 90 o tal vez principios de los 2000, pero recuerdo que mi padre tenía una copia cuando era niño, así que ha sido genial volver a jugar ahora que los juegos nuevos han perdido un poco esa energía, además es muy nostálgico para mí, así que es algo realmente reconfortante.

LIBROS

Me encantaría decir que leo muchos libros, pero tengo que ser sincero, realmente me cuesta mucho leer ahora siendo adulto, es algo que solía hacer mucho mientras crecía y, de hecho, mi padre es autor de varios, pero mi capacidad de atención no me permite sumergirme en los libros a menos que tenga tiempo libre en vuelos o momentos así. Recientemente leí la autobiografía de Billie Holliday, explica una visión increíble de su vida y de ese período en general. Es una historia absolutamente desgarradora, pero ella fue una mujer muy inspiradora tanto personal como artísticamente, ¡definitivamente lo recomendaría!

ÁLBUM

Uno de mis álbumes favoritos más recientes tiene que ser Two Star & The Dream Police de Mk. Gee. Llegué tardísimo a conocer a Mk. Gee, pero seguía escuchando a la gente hablar de él en Twitter y demás, y luego, mientras estaba de gira en Norteamérica a principios de este año, finalmente me decidí a escucharlo y este álbum fue mi punto de entrada. Las primeras tres canciones de ese álbum me volaron la cabeza y, aunque en cierto modo me hicieron querer dejar de hacer música porque es jodidamente bueno, no puedo dejar de volver a ellas.

HOBBY

En una nota un poco relacionada, he estado intentando volver a tocar la guitarra recientemente. Fue una de las primeras cosas que hice cuando me adentré en la música de niño, junto con tocar la batería, pero siento que en algún momento dejé de hacerlo después de empezar a producir y hacer música electrónicamente, así que ha sido divertido intentar reaprender y recordar. Aunque he olvidado mucho de ello y definitivamente estoy muy lejos de ser como Mk. Gee (risas).

SONIDO

Esto no es un álbum o canción específica, pero siento que todas estas respuestas han sido bastante profundas y significativas, así que, para hacer un poco de contraste, he estado súper enganchado al sonido del rap de Michigan / Detroit durante los últimos 18 meses más o menos. Muchas de las canciones son algo exageradas y hay muchas letras en broma, pero honestamente creo que es uno de los sonidos de rap más innovadores que ha salido de Estados Unidos en mucho tiempo. Los beats son súper impactantes y los flujos y demás no se parecen a nada que hayas escuchado antes, pero siento que realmente no ha llegado al Reino Unido o Europa en general aún. Si me ves conduciendo y escuchando música a todo volumen en el coche, probablemente sea algo de Michigan / Detroit (risas).

FOCUS ON CIRCLE OF LIFE

Autor: Sergio Parrado

El argentino residente en Ibiza Brian Stochyk, más conocido artísticamente como Bodaishin fundó en 2019 el sello Circle Of Life, un proyecto que nace desde el corazón y que no ha parado de crecer. Su sonido llega al lado más profundo de lo orgánico, pareciendo por momentos que está en comunión con la pachamama y donde la melodía es el común denominador en cada lanzamiento.

A parte del ya mencionado Bodaishin, nos encontramos otros nombres como: Double Touch, DERK, Edu Schwatz o Elle Fach. Todos ellos pasan por su ingeniero de sonido, Justin Peterson aka Veytik, para darle ese mastering especial. Brian ha llevado su marca por diferentes partes del globo hasta finalmente iniciar un festival en Bonjuk Bay (Turquía). Y quién mejor que él mismo para que nos cuente un poco más acerca de este interesante proyecto.

DJ MAG MINI TEST

¿Una ciudad? Ibiza

¿Un país? Argentina

¿Techno o House? House

¿Un libro? Karma, Samsara y el tiempo

¿Una película? El club de los poetas muertos

¿Una comida? Boniatos fritos con mayonesa de chipotle

¿Circle of Life? Propósito

A¿Qué inspiró la creación de Circle of Life y cómo describirías su misión en la escena actual?

En esta era donde todo es digital, rápido y efímero, donde constantemente estamos recibiendo información, es difícil valorar la música, los lanzamientos, los eventos, la comunicación y los aspectos visuales. Nos estamos convirtiendo en máquinas, alejándonos cada vez más de lo humano. Por eso sentí la necesidad de crear un círculo en el que, siempre que podamos, continuemos nutriendo el valor humano añadido, la sensibilidad, lo especial, lo mágico. Un círculo donde sucede la magia, donde se celebra la experiencia humana a través de la música y los sentidos. Un espacio íntimo para recibir y cuidar al artista. Como productor y DJ, puedo entender un poco más estas necesidades desde adentro. Por lo tanto, siento que mi misión es crear un espacio artístico donde la magia y la sanación ocurran a través de la música.

BEscuchando tu catálogo, el elemento orgánico está muy presente en cada pista. ¿Qué criterios utilizas dentro del sello para seleccionar tus lanzamientos?

Para ser honesto, siento que el gusto y los criterios del sello están estrechamente ligados a los míos personales. No quiero comprometerme con un género o sonido en particular. Sin embargo, el núcleo de Circle of Life en cuanto a lanzamientos es lanzar música con alma. Últimamente nos hemos enfocado más en la pista de baile, pero estamos abiertos a recibir versiones ambient y más musicales. Cuando escucho la música que me envían los productores, me lleva menos de 10 segundos saber si resuena conmigo y con el sello. A veces, a nivel sonoro y técnico, me tomo un poco más de tiempo y lo comparto con el equipo para escuchar otras opiniones y proporcionar una retroalimentación más completa al artista, para que podamos lanzar la canción al nivel que siento que merecen tanto el artista como el sello. El factor melódico es muy importante y la narración siempre debe estar presente.

CNo solo sois un sello, sino que también organizáis eventos, recientemente el Turkey Festival 2024. ¿Qué nos puedes contar sobre esto?

Wow, esto fue realmente un sueño inesperado. El año pasado, fui a tocar música en el conocido y mágico rincón de Bonjuk Bay. Pasé unos días increíbles, y cuando me fui, miré el lugar por última vez y sentí que necesitaba plantar mis ideas en esa tierra única. Este año, antes de prepararme para mi verano europeo como siempre hago, les contacté y nos abrieron las puertas para organizar este evento del 30 de mayo al 3 de junio. Viviendo en comunidad, respirando, sintiendo y sanando a través de la música. Tuvimos experiencias musicales al atardecer (mi favorita fue el sábado con un impresionante set híbrido en vivo de VEYTIK), noches de música electrónica ecléctica con narración de historias, sanación con sonido y respiración. Talleres de tantra, yoga Vinyasa flow beat, pintura en vivo y actuaciones de danza, delicias de comida orgánica y cruda, música en vivo y sets de DJ, souvenirs, rituales y ceremonias de cacao, charlas conscientes y mucho más,… Estamos orgullosos de haber organizado nuestro primer festival íntimo con muchos artistas del sello, algo que no es fácil, especialmente cuando todos los artistas viven en diferentes partes del mundo. Fue algo muy íntimo y especial y queremos mantenerlo así, especialmente cuando tenemos tantas actividades de sanación donde debemos cuidar el entorno y la atmósfera. Queremos agradecer a: Andree Anne (ceremonia de cacao, charla consciente), Antonella Garcia (pintura en vivo), Ariel Zutel (acoustic live - cierre), Bodaishin (apertura en vivo, ambient & DJ set, sanación sonora), Boral Kibil, Cey Cey, Cristina Quiros (yoga vinyasa flow beat), Doga Erbek, Dora Luz (respiración), Eduardo Mc Gregor, Gadi Mitriani (LIVE), Izhy (set híbrido en vivo), Jano Gil, Kem Otto, Lilah (activación tántrica), Martin Rizzola (percusiones en vivo acústico), Powel y a Veytik (set híbrido en vivo).

D¿Qué otros eventos o colaboraciones tienen Circle of Life planeados para el futuro y cómo planean expandir su impacto en la comunidad global de la música electrónica?

Tenemos varias facetas cuando se trata de organizar eventos. Nos presentamos como showcase, donde brindamos espacio a artistas que han lanzado música en el sello o están conectados a él, creando una atmósfera más familiar. También nos presentamos con un concepto particular, donde no solo se trata de la música, sino también de los aspectos visuales y peformances, estando abiertos a recibir a otros artistas no pertenecientes a Circle. Además, tenemos un formato más musical-espiritual donde combinamos algunas actividades más conscientes para conectar con el cuerpo antes de conectar con la música. Valoramos mucho las actuaciones en vivo con un instrumento tocado en directo.

A esto, ahora añadimos el formato de Festival Íntimo, pero solo realizamos eventos cuando sentimos que el espacio, el tiempo y la forma son los adecuados. No queremos ser una máquina de hacer, sino una máquina de ser. Estoy muy emocionado por lo que viene. Nos presentaremos oficialmente en Amsterdam Dance Event el 17 de octubre con una colaboración única con Saisons y Kora (fundador de Saisons). A nivel personal, he conectado mucho con Kora en los últimos años, y tenemos visiones similares. Lo admiro mucho como artista y estoy muy feliz de poder cumplir un sueño y un objetivo juntos. Tengo la sensación de que será un evento atemporal. ¡Marcadlo en vuestros calendarios! Como mencioné antes, nuestra marca e impacto en la escena será mantener el elemento humano tanto como podamos, tratando de organizar eventos conscientemente y cuidando el planeta desde donde podamos. Hay otras ideas flotando que podrían generar un impacto, pero me gustaría dejar espacio para la imaginación de aquellos que nos están conociendo.

E¿Cómo ves el futuro de la música electrónica y qué papel crees que jugará Circle of Life en el desarrollo e innovación dentro del género?

Estamos viviendo en una era donde muchos eventos de música electrónica son extremadamente superficiales. Lo único que parece importar es el contenido para las redes sociales, la imagen, y estamos olvidando lo que realmente importa... Quiero creer que esto cambiará, pero como todo cambio empieza por uno mismo, me esforzaré por mantener el enfoque en el aspecto musical en cada evento y en cada lanzamiento. Respecto al sello, quiero seguir apoyando a artistas emergentes por su buena música, no por la cantidad de seguidores que tienen en Instagram, y trabajar también con artistas sólidos y establecidos. Como sello, nuestra misión es dirigir la escena con los paisajes sonoros que cultivamos. Nos alimentamos de la creatividad, empujando los límites con cada lanzamiento único. El próximo éxito podría ser una pista que otros sellos pasaron por alto. Mantén la mente abierta en la música; nunca sabes cuándo llegará la grandeza. Nos estamos abriendo un poco a otros estilos y quizás un "círculo de vida" más picante y enfocado en el club esté en el horizonte. También queremos mostrar nuestro lado más sensible lanzando música electrónica Ambient. ¡Y eso es todo lo que puedo revelar por ahora!

FFinalmente, si tuvieras una máquina del tiempo y pudieras viajar a cualquier lugar en términos musicales, ¿dónde irías y por qué?

El 7 de julio de 2015 en el 49º Festival de Jazz de Montreux en Suiza (concierto en vivo completo de Nils Frahm). No se necesitan palabras.

ALEX KENNON TRACKS 5

SOUL CAPSULE ‘Lady Science’ (NYC Sunrise Remix) [Trelik]

Cuando escuché este disco por primera vez tenía 11 o 12 años y fue como un destello. Te hace viajar con la mente a través del cielo y te lleva a donde quieras con sus pads.

THE CURE ‘A Forest’ [Fiction Rec]

Ni siquiera había nacido, pero mi padre me puso The Cure desde una edad temprana y, cuando me regalaron Disintegration, el álbum cambió mi visión sobre la música.

AXEL BOMAN ‘Nokturn’ [Pampa Records]

‘Nokturn’ es un viaje con un final edificante, y puedes quedarte inmerso en la atmósfera durante minutos antes de que llegue el gran clímax. Cuando escucho esta pista solo pienso: “¡vámonos de fiesta!”

DJ Q ‘Superclique’ [NRK Music]

Este track es una gran herramienta que de repente se convierte en una melodía sexy de música house, ¡es hora de bailar! Siempre me han encantado los patrones de batería de esta canción.

SLAVE ‘Stellar Fungk’ [Atlanti]

La canción es de 1978 y todavía es una de mis favoritas. Mi padre me la enseñó, así que definitivamente es especial para mí, pero el mejor elemento de ‘Stellar Fungk’ son los instrumentos individuales; cada uno de ellos es genial.

ELECTRÓNICA & ROLL

Autor: SERGIO BIFEIS

Durante la temporada estival afloran los grandes festivales. Uno de los que va a quedar en el recuerdo es CODE Summer Festival. Sí, porque un club como Fabrik también puede organizar un evento masivo que no tiene nada que envidiar a otros tanto dentro como fuera de nuestras fronteras. Seguramente, ni DJ Nuke, ni César Almena podrían imaginar las cotas de prestigio y popularidad que ha alcanzado su creación cuando comenzaron con esta aventura en 2003 en la Sala Paladium en Coslada.

CODE aterrizó en 2004 en Fabrik y pronto se convirtió en un buque insignia de la sala situada en Humanes. En 2009 apostaron por un formato de festival. Arriesgaron con una primera CODE Summer Festival. Y no funcionó. La intención de rendir tributo al house y al techno más primigenio posible contando con sus grandes originadores de la escena de Chicago y de Detroit no tuvo la respuesta esperada. Con el paso del tiempo ha sido una experiencia para aprender a cimentar un éxito que se ha traducido en una nueva edición llevada a cabo el 13 de julio de 2024.

La escena ha cambiado y CODE Summer Fest ha sabido adaptarse a las tendencias prominentes, pero sin perder de vista de donde se viene. Fabrik también ha mutado con más espacios y una distribución diferente a lo que era antes de la pandemia. El resultado ha sido un FESTIVAL, con todas las letras y en mayúsculas, ofreciendo más de 18 horas de música, más de 50 artistas y las siete zonas de la sala funcionando a pleno rendimiento. Una locura en términos logísticos y una

gozada para todo tipo de clubbers. Desde el pureta más recalcitrante que busca un techno tradicional, hasta los más noveles que necesitan dureza y energía a altas velocidades. También había hueco para música menos oscura e incluso propuestas más disruptivas. La experiencia mereció la pena.

CELEBRACIÓN

Tras acceder sobre las 20:00h de la tarde comprobamos lo impresionante que es el Area 19, una especie de Main Room al aire libre con un sonido brutal. Allí estaba Marco Carola en lo que parecía otro día más en la oficina para él tirando de recursos houseros clásicos, muy agradecidos por las horas y el ambiente. El relevo se lo dio un Stacey Pullen que fue de más a menos desconectando un poco al público. Momento para ir a la zona principal donde la dupla FJAAK se desmarcó con un directo potente, jugoso y disfrutón. Vuelta al espacio al aire libre estaba Ben Klock conciso y quirúrgico. Demostró sus tablas cuando surge algún problema técnico, solucionándolo a base de veteranía y saber hacer.

Nina Kraviz en la Main Room estuvo sobria y fina con temas llenos de músculo y tirando de bangers de su sello трип, que funcionaban con precisión para jolgorio de todos. Sabía que precedía a un artista legendario como Jeff Mills que conjugó su maestría a la hora de mezclar con el uso de una TR-909. Es de esos artistas que has de ver, mínimo, una vez en la vida. Obviamente, no falló. Tampoco DVS1, ni Óscar Mulero. Repartiendo maestría.

El fenómeno Vendex en la Open Air de la terraza conquistó a un público ferviente de ritmos salidos del mismísimo averno electrónico. Su propuesta no es para el que suscribe, pero no se puede negar el tirón de un artista que ofrece adrenalina sonora y que sabe conectar con unos seguidores muy devotos. Fue el momento para ver cómo Héctor Oaks es un auténtico lanzallamas musical a base de vinilos, teniendo un emotivo momento con Aleksandra en cabina presentando un tema inédito de ambos. Una vez más se demostró que el techno cura.

El colofón final lo vivimos en el Hangar primero con unos expeditivos British Murder Boys con un sonido de Birmingham para atravesar parietales, un salvaje y contundente Speedy J tan incisivo como expeditivo y el madrileño Regal cerrando esta zona por todo lo alto sabiendo mantener e impulsar la energía actualizando a nuestros días temas de otras épocas, equilibrando lo ravero y lo lisérgico para engorilar a la persona más tiesa.

Nuke y César Almena, como los Willy Wonka del techno patrio, han conseguido crear una fantasía para todos los amantes del género. Sin elitismos. El cierre de la fiesta les pertenece a ellos como marca la tradición. Cuando comenzó ‘Born Slippy’ de Underworld en la Main Room sabíamos que era una despedida hasta septiembre, dibujando una sonrisa en la boca por todo lo vivido: una celebración de la música electrónica y del verano.

ROTI

INGREDIENTES PARA 4 PERSONAS:

› Judías serpiente, medio kilo

› Roti (es una especie de envoltura) / 1 o 2 por persona

› Muslos de pollo / mínimo 4 o los que quieras

› Patatas / 10 o más

› Especias: ajo, sal, pimienta, masala (curry), cubos de caldo, sambal (chile). Todo esto al gusto.

Aquí tienes mi plato especial. El plato se llama "Roti", es un plato surinamés. Aunque no tengo mis raíces allí, esto es algo que mi madre siempre cocinaba y es ¡lo mejor!. Obviamente tuve que aprender a cocinar esta deliciosa receta.

• Corta las judías y lávalas

• Lava el pollo

• Corta las cebollas

• Corta las patatas en cubos

• Cocina el pollo en agua durante unos 10 minutos, sácalo y añade algunas especias (sal, pimienta, masala).

• Coge otra sartén (una alta), añade un buen trozo de mantequilla, un poco de masala, medio cubo de caldo y ajo (asegúrate de que no se queme). Luego pon el pollo en la sartén hasta que esté un poco dorado/marrón, sácalo y pon las patatas dentro por un rato y añade el pollo de nuevo. Añade +/- 500 ml de agua. Déjalo cocinar a fuego lento.

• Fríe las judías serpiente en una sartén, añade las cebollas, masala y los cubos de caldo, mantenlo a fuego bajo después de freír durante 8 minutos.

La envoltura de roti es mejor calentarla en una sartén también. Hazlo cuando estés listo para comer. Lo mejor es comer esto al día siguiente de haberlo preparado, ya que sabe aún mejor. Y por cierto, ¡esto se come con las manos! ¡Buen provecho!

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MAHONY

Autora: PATRICIA PAREJA CASALÍ

¿Qué track te recuerda a tu infancia?

Ultra Nate, ‘You’re Free’. Este track me trae muy buenos recuerdos y me pone de buen humor.

¿El primer disco que compraste?

Nas, ‘Illmatic’. Un álbum atemporal que debería estar en la colección de todos los DJ. Cambió mi vida.

¿El disco más cursi de tu colección?

El primer álbum de Sam Smith :). Pediste algo cursi, ¿no?

¿Qué canción te pone sentimental?

Inner City, ‘Good Life’

¿Algún disco que estés escuchando?

El nuevo álbum de Eminem, The Death of Slym Shady. Es el mejor.

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¿A qué disco de tu colección le guardas más aprecio?

Kraftwerk, ‘Robots’

¿Cuál es tu canción favorita de todos los tiempos?

Eminem ‘Lose Yourself’. Me pone de humor para hacer las cosas bien, una frase diaria que me recuerda que tengo que trabajar duro todos los días.

TENDE

MATEMIFASOL EL VIAJE SONORO DEL CAOS AL COSMOS

Autora: Helena Bricio

CosmoCaixa acaba de inaugurar una nueva exposición sobre el estrecho vínculo que une música y matemáticas. “MateMiFaSol. Un viaje sonoro del caos al cosmos” es una muestra que explora la relación imprescindible entre dos disciplinas que podrían parecer muy alejadas.

Fiel al ADN de CosmoCaixa, la exposición se vale de una gran carga audiovisual y de un carácter eminentemente interactivo para que los visitantes puedan entender los vínculos que las unen mientras visualizan las ondas generadas por la vibración de una cuerda, imitan el timbre de diferentes instrumentos o juegan con notas, ritmos y timbres para generar un sonido armónico.

La exposición nos descubrirá cómo la emoción de la música no se entiende sin las matemáticas que la rigen, pasando por conceptos y preguntas desde cómo debió sonar el Big Bang o qué es la proporción aurea y cómo afecta a la música.

La exposición está dividida en siete ámbitos explora cómo las matemáticas se encuentran presentes en todos los aspectos de la música, desde la física del sonido hasta la elaboración de instrumentos, desde los patrones rítmicos hasta la armonía tonal. Es una exposición que interroga, explica, sugiere, descubre y hace que veamos la música y las matemáticas como dos lenguajes equivalentes, racionales y hermosos.

¿Cómo funciona el oído? ¿Qué es la melodía, el tono, los armónicos, el timbre, la resonancia o el ritmo? ¿Por qué los instrumentos musicales se pueden considerar máquinas matemáticas? Treinta módulos interactivos y una quincena de muestras audiovisuales permiten al público conocer la música por dentro y descubrir la respuesta a estas cuestiones. La exposición además no solamente se cierra a la música clásica o las creaciones contemporáneas se sustentan en las matemáticas, sino que abre el espectro a una música pop que tiene el mismo fundamento. En MateMiFaSol se investiga cómo se transmite el sonido, cómo lo oímos y qué técnicas siguen los compositores para escribir música, con variaciones y transformaciones que tienen una base matemática.

El hecho de que la exposición se articule en una escala de siete conceptos toma su inspiración de las siete notas del pentagrama. A cada uno de los conceptos le corresponde un color, en línea con las ideas del compositor Aleksandr Skriabin en su sinfonía Prometeo (1910). La exposición ha contado con la asesoría científica de Magda Polo, catedrática del Departamento de Historia del Arte de la Universidad de Barcelona y profesora de Estética y Teoría de las Artes, Historia de la Música y Filosofía de la Música; y de Carlos Calderón, músico, divulgador musical y arquitecto, especialista en el monocordio y en la música de las esferas.

NCIAS

Además, la muestra también se ha beneficiado de la participación del artista Michael Bradke, que cuenta con 25 años de trayectoria en la creación de elementos interactivos para explicar la música en los museos y que ha proporcionado una decena de elementos interactivos de gran belleza y potencia museográfica que nos descubren la intensa relación entre la música y las matemáticas.

MateMiFaSol se complementa con una programación de actividades que permitirán profundizar en la materia, comenzando por un concierto inaugural a cargo de la pianista y matemática Laura Farré Rozada. El programa incluye piezas de Dimitar Nenov, Gayane Chebotarian y Claude Debussy. La actuación se completa con el acompañamiento visual de las creaciones de Alba G. Corral, visualista e ingeniera informática conocida por integrar codificación y elaboración en colaboración con músicos a tiempo real. También se incluye un programa de conferencias y paneles con profesionales como el doctor en Matemáticas y profesor en la Universidad de Oxford Marcus du Sautoy, o la thereminista Lydia Kavina junto al investigador del IAC Terence John Mahoney y el cineasta Juanma Betancort que inducirán al público en la música de las estrellas.

La exposición se complementará también con visitas comentadas, familiares y educativas que permitirán un acercamiento al contenido de la exposición con la ayuda de un educador o educadora.

MateMiFaSol el viaje sonoro del caos al cosmos se podrá ver en CosmoCaixa hasta el 12 de enero de 2025.

CÓMO PRODUZCO

MARTIN

AARON MARTIN

Cuando llego al estudio, lo primero que hago es encender todo y buscar algo de inspiración. Para mí, algo muy importante antes de empezar un track es estar inspirado. Encontrar la inspiración a veces es algo complicado aunque cada uno tiene su fórmula. Con los años empecé a darme cuenta de que a mí me funciona muy bien escuchar música antes de ponerme a trabajar en un nuevo proyecto, ya sean sesiones de algún artista que me guste o incluso canciones de otros géneros. Lo importante es encontrar algo que te dé la “vibe”, la energía que buscas para poder empezar a trabajar.

En este caso, para poder comentaros bien cómo trabajo y cuál es mi “workflow”, utilizaré mi último track “Let Me Be Your Afterhour” como ejemplo, este fue lanzado en Solid Grooves Raw el pasado mes de julio.

Una vez comienzo con el proceso creativo, siempre empiezo por el “Low End”, para mí es una de las partes más importantes de un track, en concreto el “bassline”. Me centro mucho en que el bajo sea muy atractivo y tenga movimiento, esto será muy importante para el groove del track. Utilicé uno de mis VST favoritos para crear líneas de bajos, el “Abl3” una emulación de la clásica Roland 303, para mi gusto la emulación de esta máquina es mucho más versátil y cómoda.

Una vez tuve en el “Low End” algo sólido, me puse manos a la obra con la parte de las percusiones, la rítmica y el groove. Aquí algo muy esencial para mí es que el track tiene que ir con movimiento, es decir, mi música está enfocada para la pista

y para ello necesito que los elementos que forman la percusión inciten a bailar al público. En mi último track, utilicé los bien conocidos “glitches” para dar ese movimiento, estos, los suelo crear de varias maneras ya sea con VST o directamente “desformando” el audio de manera aleatoria, acompañados de delay hasta que consiga un sonido que me encaje para lo que estoy buscando. Unos de mis plugins favoritos para crear estos glitches son el “Glitch2”, “Effectrix” o el “Tantra2”.

El siguiente paso —sin duda en el que empleo más tiempo— es el “hook” del track. El “hook” es el gancho del tema, es decir, algo que capte la atención del público, ya sea una vocal, un sonido o ambas cosas. Para este proceso empleo mucho tiempo a diario escuchando música antigua, samples e incluso a veces los saco del propio YouTube. Esto será lo que identifique tu track.

El último paso sería dejar reposar el track uno o dos días para poder empezar con el proceso de mezcla y máster. Esto lo hago porque el oído, cuando lleva escuchando los mismos sonidos durante mucho tiempo, puede viciarse y por ello habrá muchas cosas que perfeccionar. Una vez tengo todo esto listo, envío el track a mis amigos y compañeros más cercanos para que me den feedback, algo súper esencial, y escuchar todos los consejos para poder llegar a encontrar algo de lo que estábamos buscando en un principio para poder enviar nuestra música a algún label.

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KELLIE ALLEN

He estado componiendo música desde que era una niña pequeña. Sabía desde muy joven que la música jugaría un papel clave en mi vida y estoy agradecida de poder realizar este sueño de la infancia todos los días de mi vida adulta.

Tomé clases de música en la escuela, incluyendo canto, piano y violín. Una vez que terminé la escuela, seguí una carrera en la música, originalmente como vocalista. Me mudé a Ibiza en 2013 para comenzar un nuevo trabajo en una empresa de gestión de artistas. Estaba muy emocionada ante la perspectiva de expandir mi propia carrera como artista en, posiblemente, el lugar más famoso del mundo para la música electrónica.

Comencé mi viaje en la producción musical en 2015 y celebré mi primer lanzamiento dos años después. En ese entonces era nueva en la producción en términos de mi experiencia. Siento que hice el mayor progreso perfeccionando mi técnica durante la pandemia cuando, como la mayoría de la gente, había menos distracciones y se nos concedió una gran cantidad de tiempo para centrarnos en proyectos particulares. Aprendí mucho durante este tiempo, viendo nuevos tutoriales a diario y perfeccionando mis habilidades recién descubiertas en muchas producciones diferentes.

Me siento bendecida por poder llamar a The Hub Ibiza Studios mi hogar para crear música. Mi novio y yo fundamos el proyecto junto con algunos amigos cercanos en la isla, incluido DJ Sasha. Cuando la sala no está en uso para otras reservas, aquí es donde me encontrarás. Es una fuente inagotable de creatividad y aunque hoy en día no necesitas mucho en términos de equipo analógico, he disfrutado tener sintetizadores y cajas de ritmos como el Moog Matriarch y el Arturia Minifreak a mi disposición para componer sonidos únicos en mis producciones. Creo que hay algo especial en estar "manos a la obra" en el estudio, y potencialmente esto proviene de mis días tocando instrumentos cuando era más joven.

Hay muchas maneras de comenzar una nueva producción desde cero. Típicamente empiezo con un loop de un bombo fuerte de 16 compases, y trabajo otros elementos como palmadas, sombreros y percusión para crear un groove cohesivo de batería. Aquellos que están familiarizados con mis pro-

ducciones saben que me enfoco en el groove, y por esa razón me gusta aplicar swing a mis producciones con la cantidad establecida en alrededor del 64%. Una vez que estoy contenta con este loop, me abro a nuevas posibilidades creativas y esbozo una idea para la pista. Esto podría ser una vocal, aunque a veces empiezo con la vocal antes que nada. La forma en que crearía desde este punto en adelante sería establecer la tonalidad de la vocal o el elemento musical principal, como una línea de bajo. Esto asegura que los otros elementos que agrego más tarde trabajen en armonía con él.

Llamo a esto la fase de experimentación, y realmente es una exploración a través de diferentes sonidos, técnicas y sentimientos para crear las bases de la pista. Es un momento para jugar con diferentes samples, plug-ins y equipo analógico para extraer las ideas que tengo en ese momento y ver qué funciona bien.

Utilizo una variedad de plug-ins externos para ayudar a dar forma a mis producciones, incluyendo algunos favoritos de Arturia, UAD y me encanta la colección de Korg para sintetizadores, mis VSTs preferidos para el procesamiento son la serie Fab Filter Pro, Izotope Ozone 11, Soothe2, la colección Soundtoys, plug-ins de Waves como Scheps, SSL Channel, Doubler, y para las líneas de bajo me gustan ABL3 y Blue2. Me gusta encontrar buenos samples y manipularlos para que suenen más únicos. Las opciones para encontrar y crear sonidos en la producción musical son infinitas.

En cuanto a la disposición, me gusta expandir el loop a 32 compases para incluir un breakdown. Una vez que estoy contenta con eso, sé que tengo las partes principales de la pista. Entonces, organizarla se vuelve súper simple. También ayuda tener una referencia de una pista cuyo arreglo te guste y usarla como guía.

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@DJMAG.ES

@DJMAGES

(GAMEBOYZ, LUIS V PR, COMO LAS GRECAS)

¡54321!

Estoy de celebración en este preciso momento porque la etiqueta de Los Ángeles, Octopus Recordings, acaba de lanzar ‘54321!’, el nuevo single de Gameboyz. Y como no hay dos sin tres, al single le acompaña un elaborado videoclip, el cual espero que veas por redes en estos próximos días.

Y en cuanto a otras noticias musicales que os secunden en vuestras merecidas vacaciones, os traigo al interesante productor ruso Dawn Razor, al inglés Saint Daniel e información interesante para los usuarios de Soundcloud y Resident Advisor. Pero primero, ¡un chapuzón!

VA – MENTAL PICKS VOL. 45

El micro y el macro de la música electrónica

EXPmental Records

La famosa compilación de artistas de la etiqueta francesa EXPmental records nos deleita una vez más con cinco originales de downtempo y electrónica purista. Mental Picks Vol. 45 viene con los originales de Eddy Romero, Saturnz Other Soul, Dad Of The Year, Fábel y ChillOhm, y entre los cinco aúnan el macro universo de la música electrónica actual que tanta relevancia adquiere en estos meses de playa y calor.

TRACKLIST

01. EDDY ROMERO, SATURNZ OTHER SOUL – THE DILEMA

02. DAD OF THE YEAR - TIME AND AGAIN

03. FÁBEL – DIVING WITH DAVID

04. FÁBEL - DIVING WITH DAVID (SAURNZ OTHER SOUL REMIX)

05. CHILLOHM - L'ENTRÉE DU DÉSERT

SE ASOCIAN RESIDENT ADVISOR Y SOUNDCLOUD

Mejorando la conexión entre los artistas y sus fans

Resident Advisor (RA) y SoundCloud han formado una alianza para mejorar la conexión entre artistas y fans, tanto para tus canciones como para que te disfruten en la pista de baile. A partir de este mes, esta colaboración tiene como objetivo mejorar la manera en que los usuarios de ambas plataformas descubren música y eventos. Los aspectos clave de la asociación incluyen la integración de tus eventos de RA en tu perfil de SoundCloud, un widget embebible de SoundCloud en todas las páginas de eventos de RA y la opción de ser curado o añadido a una de las playlists de RA en SoundCloud, para mostrar las diferentes propuestas musicales venideras y aumentar tu número de plays.

Simon Kempner, director de operaciones de RA, mencionó que esta integración abre posibilidades emocionantes para la comunidad de la

música electrónica, aumentando la visibilidad y el compromiso. Devi Mahadevia, vicepresidente senior de estrategia y crecimiento en SoundCloud, destacó que esta integración enriquece el viaje de descubrimiento musical para los usuarios.

Se recomienda a los artistas que añadan medios y eventos a su página de RA y vinculen su cuenta de RA a su página de SoundCloud para aprovechar al máximo esta asociación.

Para más información sobre cómo crear, vincular o reclamar tu página de artista en RA, visita sus FAQs.

DAWN RAZOR – HALF LIFE LP

Representando al underground más selecto de Rusia

Dawn Razor es de esos productores ‘underground’ que nunca pasan desapercibidos. Especialista en ritmos EBM, Electro y New Beat, el dj y productor ruso habla con nosotros con motivo del lanzamiento de su nuevo álbum, Half Life. Música para especialistas de la electrónica….

¡Muy buenas Dawn! Un placer presentarte a los lectores de DJ Mag España. Tus producciones expanden los límites en las fórmulas musicales de la electrónica moderna. ¿Puedes compartir tu proceso creativo y cómo te mantienes a la vanguardia musicalmente hablando?

Bueno, a decir la verdad, no hay nada especial, solo uso Ableton con plugins, casi todos de Max for Live y solo unos cuantos sintetizadores VST. Musicalmente siempre estoy en constante búsqueda de algún sonido nuevo y fresco, y trato de que cada nueva pista no suene como la anterior. Además, no uso referencias en mi producción. Sigo en la búsqueda de un loop ideal que pueda tocarse infinitamente y no se vuelva aburrido.

Con más de 70 lanzamientos en algunos de los sellos más respetados (DEXT, Suara, FLASH), ¿cómo mantienes una producción tan prolífica asegurando que cada pista sea fresca e innovadora? ¿Tienes en cuenta el sonido del sello donde vas a publicar?

Es una especie de habilidad constante escribir música que se ha desarrollado a lo largo de años de producción. Estoy en el juego como músico electrónico desde 2008, así que ha sido un largo camino para hacer mi propio trabajo de manera rápida y adecuada. Además, la abstracción de las tendencias modernas forma la originalidad del sonido. Supongo que es una peculiaridad de vivir en una pequeña ciudad. En cuanto a las presentaciones a sellos, simplemente encuentro uno que sea similar a mi sonido reciente e intento llegar allí.

Tu música recibe apoyo de pesos pesados de la industria como Richie Hawtin, Chris Liebing o Joey Beltram. ¿Cómo influye esto en tu enfoque de la producción y en las actuaciones?

El apoyo de grandes nombres me hace avanzar y me da fuerza saber que mi sonido está en demanda y es competitivo. Y, por supuesto, alimenta el ego, lo que también ayuda a mejorar mi sonido día a día; no hay forma de escapar de eso, ya que está en nuestra naturaleza humana.

Desdibujando las líneas entre géneros como el techno, breakbeat e IDM, ¿cómo equilibras las diversas influencias en tus producciones?

Tu último EP junto a ArcheTech, Half Life, ¿es una muestra de ello? ¿Cómo ha funcionado este último lanzamiento?

Siempre he tratado de evitar las fronteras de género ya que me posiciono como un artista ‘crossgenre’ y quiero tomar lo mejor de todos ellos. A decir la verdad, no me importa qué cliché de género se le dé a mi trabajo final cuando empiezo a trabajar en una pista en mi estudio. Es solo música. La historia de nuestro álbum reciente es que en 2017-18 tuve un proyecto llamado Sonnen Blumen Kerne (dos amigos míos y yo) y lanzamos tres vinilos solo en mi propio sello NARA recs. Luego, rompimos nuestro proyecto debido a fricciones internas y quedamos solo dos: Dawn Razor y ArcheTEch. Más tarde, nuestro distribuidor de vinilos, Lobster Theremin, terminó y destruyó todo el stock, por lo que solo quedan unas pocas copias en algunas tiendas de vinilos. Ahora hemos decidido lanzar todas estas pistas en digital como un álbum retrospectivo, se lo ofrecimos a HOMAGE y aceptaron. Reconstruí un poco las pistas, las hice más rápidas y rítmicas y también hice un nuevo mixdown de algunas de ellas. ¡Después de que saliera el lanzamiento, literalmente volé a la luna con los comentarios y el apoyo de los DJs! Estaba muy feliz de ver que mi música atravesaba las fronteras de género, siendo tocada y apoyada por los principales representantes de diferentes escenas. Hay héroes del techno, maestros del breakbeat y el electro junto con maestros del ‘rominimal’ de cualquier tipo. ¡Un logro de primer nivel para mí!

Como dueño de un sello y promotor, ¿qué tendencias o talentos emergentes en la escena de la música electrónica te emocionan más en este momento?

Detuve mi sello hace unos años y no veo ninguna perspectiva para él, ya que mi música tiene una base de solicitud bastante fuerte de otros sellos. Musicalmente, ahora siento todo este renacimiento del trance en muchos géneros y realmente me gusta, ya que originalmente fui un DJ de trance hace más dos décadas.

SAINT DANIEL – SACROSANCT

Promesas melódicas y reflexivas en este nuevo álbum

El músico y productor londinense Saint Daniel es una fuerza enigmática en el mundo de la música y fusiona sin esfuerzo melodías conmovedoras con letras reflexivas en su nuevo lanzamiento Sacrosanct, el cual ya está disponible este mes de agosto. Hablamos con él para conocerle un poco mejor y que nos cuente más acerca de este nuevo ‘Sacrosanct’

Hola Daniel, un placer tenerte en el Rincón, Háblanos sobre tu nuevo álbum, ¿qué influencias o géneros inesperados se colaron en el sonido de Sacrosanct?

Sacrosanct es una compilación de mis mejores trabajos de los últimos años, que muestra una evolución significativa en mi viaje musical. Este álbum combina elementos familiares con influencias inesperadas, inspirándose en artistas como Massive Attack y FKA Twigs, así como en Shygirl y Charli XCX. Aunque está arraigado en el pop, esta experimentación de géneros cruzados ha añadido capas de profundidad y complejidad, creando una obra verdaderamente multifacética.

¿Alguna vez has sido influenciado por culturas diferentes a la tuya? Si pudieras sumergirte en la escena musical de cualquier otro país, ¿cuál sería y qué esperarías aprender?

Habiendo vivido en Londres durante las últimas décadas, me siento bendecido de tener acceso a una miríada de culturas a mi alcance. La escena musical británica ha influido profundamente en mi arte, desde su icónica escena de clubes hasta su música experimental, inspirándome a mezclar varios géneros y estilos. Recientemente, la vibrante escena musical de la ciudad de Nueva York se ha convertido en una gran influencia. La diversidad cultural y la energía dinámica de la ciudad son increíbles, lo que me impulsa a evolucionar continuamente mi trabajo.

¿Qué tan importantes son las portadas de tus álbumes y los aspectos visuales para representar tu música?

Creciendo como parte de la generación MTV, siempre vi los aspectos visuales como una parte integral de la experiencia musical. Las imágenes impactantes son una entrada visual al mundo musical que he creado, extendiendo la narración más allá del ámbito sonoro. Así como me encanta experimentar con el sonido, trato de hacer lo mismo con mi trabajo visual.

¿Cómo ha evolucionado tu música a lo largo de los años y cuál crees que ha sido el mayor catalizador del cambio en tu sonido? ¿Hay una canción o álbum en particular que marque un punto de inflexión significativo en tu viaje musical?

A lo largo de los años, mi música ha experimentado cambios profundos, incorporando una amplia gama de influencias y logrando una mayor complejidad temática. Al crecer, mis álbumes favoritos eran el magnum opus de Massive Attack ‘Mezzanine’ y ‘The Downward Spiral’ de Nine Inch Nails, ambos ricos en sonidos experimentales. Más recientemente, me he obsesionado con Shygirl, especialmente su transición hacia la música deconstruida de club. También me cautiva ‘Renaissance’ de Beyoncé, que mezcla disco, house y funk mientras rinde homenaje a las culturas underground. Estas diversas inspiraciones han moldeado significativamente mi sonido en evolución.

¿Cómo quieres que sea tu legado musical? ¿Hay algún objetivo o hito particular que estés buscando alcanzar?

Espero que mi legado musical sea uno de innovación e impacto cultural, resonando profundamente con los oyentes a lo largo de las generaciones. En última instancia, mi objetivo es crear un cuerpo de trabajo que resista la prueba del tiempo. Al mismo tiempo, estoy aquí para divertirme lo máximo posible: ¡todos estamos en esta industria juntos porque hay un ambiente increíble!

LEXLAY

“SOY UNA PERSONA MUY ENÉRGICA Y SIENTO QUE HE VENIDO AL MUNDO CON ESA ENERGÍA PARA TRANSMITIRLA AL MÁXIMO NÚMERO DE ALMAS POSIBLES A TRAVÉS DE LA MÚSICA”

Autora: Patricia Pareja Casalí Transcripción y adaptación: Borja Comino Créditos fotografía: Pierre Navy

¡Bienvenido agosto! Nos adentramos en el mes más caluroso del año con buena vibra y positividad. Está siendo un verano muy intenso lleno de festivales y fiestas, y en DJ Mag España lo estamos disfrutando al máximo. Para celebrarlo, este mes tenemos el placer de presentar en portada a Lexlay.

Alex, conocido mundialmente como Lexlay, es un DJ y productor español originario de Barcelona que lleva casi 20 años cautivando a los amantes de la electrónica con su talento y carisma. A lo largo de su carrera, ha experimentado con diversos géneros musicales, mostrando un particular interés por el Tech House, House Music y Groovy Techno. Su contagiosa sonrisa y su energía positiva aseguran que cualquier persona que asista a sus shows disfrute de una experiencia llena de diversión y buena vibra.

En 2012, Lexlay fundó su propio sello discográfico, Happy Techno Music. Este sello ha crecido de manera impresionante, contando con más de 300 artistas que han lanzado temas y compilaciones bajo su nombre. Gracias a un equipo excepcional y a un sonido distintivo, Happy Techno Music se ha consolidado como un proyecto en constante evolución y reconocido en todo el mundo.

Considerado uno de los mejores productores en su género, Lexlay ha lanzado sus canciones en sellos de renombre como Hot Creations, Deeperfect, Moan, Rawthentic, Stereo Productions, Glasgow Underground o Snatch! Records. Su dedicación y pasión por la música no solo lo han establecido como un referente en la escena electrónica, sino que también han contribuido a mantener su carrera en un ascenso constante.

Bienvenidos a una nueva entrega de DJ Mag España. Empezamos agosto y, para la ocasión, tengo el auténtico placer de hacerlo al lado de Lexlay. ¿Cómo estás?

Pues estoy muy bien, la verdad, y ahora mucho mejor y más contento porque estoy aquí contigo, Patri, y con todo el equipo de DJ Mag España, haciendo esta entrevista que tenía muchísimas ganas de realizar.

¡Oye, qué bonito! Yo también estoy muy contenta y estaba deseando tenerte aquí a mi lado para conocerte mejor. Como decía, además, es un placer empezar agosto así. Estamos en mitad de la temporada de verano, cuéntame un poquito, ¿cómo está yendo?

Pues la verdad es que este verano está yendo maravillosamente bien. Estamos súper contentos porque creo que es uno de los mejores veranos que hemos tenido. Sobre todo porque estamos teniendo la oportunidad de recorrer nuevos países y nuevas ciudades. Por ejemplo, hace tres semanitas estuve en la isla de Creta, en Grecia.

¡Tengo muchísimas ganas de ir!

Ve, porque realmente es fabulosa, mágica, con una energía increíble. Estuve tocando ahí en un beach club y fue maravilloso. También tuve la oportunidad de ir ahora en julio, por primera vez, a Hï Ibiza.

¡Ah, sí! Lo he visto, con Fisher, ¿verdad?

Sí, en la fiesta de inauguración de Fisher, y la verdad es que fue espectacular. Nunca había estado en Hï, nunca lo había visto. Había estado en el antiguo Space, pero no había tenido la oportunidad de ver Hï Ibiza, el mejor club del mundo, ¿no? Pues esta vez pude ir a visitarlo y, además, tocar. La verdad es que me sentí increíble, fue una energía única.

¡Qué bueno! Oye, enhorabuena. Ahora que mencionas una de tus primeras veces visitando o haciendo algo, me ha venido a la mente que estuviste tocando por primera vez en un festival en México. Nunca habías estado en un festival ahí, ¿verdad?

Exacto, nunca había estado en un festival en México. He tenido la oportunidad de estar en festivales en otros países, sobre todo en Sudamérica, pero en Centroamérica, concretamente en México, nunca había tenido la oportunidad. Fue brutal, en ese festival había casi 10.000 personas y fue increíble. Creo que esto nos va a abrir las puertas aún más en este lugar.

Está siendo un verano increíble, súper bueno, de los mejores. Estamos haciendo cosas nuevas que nos van a abrir muchas puertas para poder seguir adelante con la carrera.

Hablaremos un poquito más adelante sobre lo que queda por vivir y ver contigo. Pero, antes de seguir con la actualidad, me gustaría hacer un poco de throwback. Me intriga mucho saber cómo fue tu primera toma de contacto con la música electrónica, tus primeros pinitos. Cuéntame, ¿cómo surgió aquello?

Bueno, todo empezó... Sonará quizá un poco raro, así de primeras, pero todo empezó en la barriga de mi madre. Mi mamá es una fanática de los Rolling Stones. Es más, llevo tatuada la lengua en honor a ellos, en honor a ella también, y en honor a la historia que te voy a contar ahora. Cuando yo estaba en la barriga de mi madre, ella siempre ponía los cascos pegados a su barriga con los Rolling Stones sonando. Le encantaba hacer eso y creo que por ese motivo ya nací musicalizado, podríamos decir. Es más, cuando escucho ahora a los Rolling Stones, siempre siento que forman parte de mí, de mi vida. Siento una conexión única con ellos. He tenido la oportunidad de ir a verlos dos veces a Madrid con mi madre, y ha sido épico. La conexión entre estar con ella y verlos a ellos es algo muy especial. Es como si realmente los hubiera escuchado desde siempre, una sensación increíble.

¡Qué bonito!

Sí, todo empezó un poco por ahí. Desde que estaba en el embrión, ya estaba escuchando música. Durante mi infancia también, y estuve escuchando música hasta mi adolescencia. Pero bueno, no fue hasta los 18 años cuando realmente descubrí lo que es la música electrónica en sí. Fue uno de los días más importantes de mi vida, la verdad, porque cuando descubrí la música electrónica, ese mismo día descubrí algo más. Yo creo que todos en esta vida tenemos una misión, ¿no? Estamos aquí por algo, por un propósito. Y yo, ese día, descubrí por qué estoy en el mundo y cuál es mi propósito de vida. Realmente, pocos somos afortunados de saberlo, ¿no? Hay mucha gente que se pregunta: "¿Por qué estamos aquí? ¿Por qué?". Y yo siento esa fortuna de saberlo. Te contaré por qué, pero te dejo un poco de intriga.

Sí, estoy enganchadísima a la historia.

Pues nada, yo tenía un grupo de amigos al que le encantaba salir de fiesta, ir a fiestas de techno. Siempre me decían: "Alex, tú eres un tío súper enérgico, esta música es súper enérgica, te va a encantar. Vas a crear una conexión única y seguro que la bailas y estás ahí dándolo todo". Lo que pasa es que yo siempre he sido muy deportista y jugaba al fútbol en esa época. Tenía partidos todos los fines de semana, así que no podía ir de fiesta porque, si no, no podía jugar el partido de la mañana. Entonces, me costaba salir con ellos y hacía otros planes.

Hubo un día que no tenía partido y dije: "Bueno, les doy la oportunidad a mis amigos de llevarme a escuchar este tipo de música. A ver si realmente me gusta tanto, a ver qué pasa". Les di la oportunidad y fuimos. Me llevaron a la Sala Apolo, en el Paralelo, y estaba tocando el DJ esloveno

Umek. Desde aquí le mando un gran saludo. Realmente, aquella noche marcó un antes y un después para mí. Al final, fue uno de los primeros DJs de los cuales aprendí muchísimo. Fue el primer DJ de techno que escuché y disfruté.

Recuerdo que ya eran las 2 o 3 de la mañana cuando llegamos, habíamos ido a cenar y se alargó un poco. Ya estaba tocando Umek y, nada más entrar, mi cuerpo comenzó a moverse, como si el ritmo me conectara de inmediato. Fuimos al medio de la pista a bailar y me quedé fascinado. Me sorprendió el feedback de energía que se creaba entre el DJ y el público, cómo el DJ enviaba energía a través de la música a la gente, y cómo la gente la recibía en forma de baile y luego se la devolvía al DJ. Ese vaivén de energía fue increíble.

Desde ese momento, supe que quería estar un día ahí arriba para poder transmitir toda esa energía de la que dispongo. Soy una persona muy enérgica y siento que he venido al mundo con esa energía para transmitirla al máximo número de almas posibles a través de la música, para que la reciban en forma de buena vibra y energía positiva. Creo que ese es mi propósito y mi misión de vida, y creo que por eso estoy aquí. Ese día descubrí cómo llegar a multitud de personas en el mundo, y que la música es un canal de transmisión de energía muy fuerte.

Recuerdo ese día con muchísima ilusión, porque no solo descubrí la música electrónica, sino también mi misión de vida.

¡Qué bonito! Es que, además, lo has descrito muy bien. Casi me acabas de recordar mi primera vez escuchando electrónica, porque fue algo muy similar. Al final, no es lo mismo que ir hoy en día a escuchar música comercial o reggaetón. La electrónica cuenta una historia en muchas ocasiones, conecta con el público y crea esa sinergia.

Totalmente. Creo que tiene un tipo de sonido y melodías que realmente te cuentan una historia. Cuando haces un set de una hora, de dos, de tres, puedes contar una historia, hacer un viaje con subidas y bajadas, con temas más sentimentales o vocales. Realmente llegas al público, y lo he notado en muchos lugares del mundo. Conectas con la gente y logras que lleguen a estados de emoción increíbles. Les he visto llorar de emoción por sets que les han llegado al alma de una manera brutal. Eso me llena de satisfacción y orgullo, porque al final, como te digo, ese día descubrí que tenía que hacer esto.

Desde entonces, he trabajado duro, día a día, sin parar, desde ese mismo día que descubrí mi propósito a los 19 años hasta hoy, que tengo 39. Siento que no he parado de dedicar mi vida y mi tiempo a trabajar para ese objetivo. Todo lo que he hecho, desde crear fiestas, lanzar sellos, hasta producir música, ha sido para ello. Cuando consigues todo eso y además lo haces con tu propia música, la satisfacción es doble. Es una sensación increíble.

Llevas muchos años en la electrónica, muchos años en la industria, y me interesa muchísimo saber algo; a lo largo de todos estos años y de haber conseguido también este propósito que me contabas… ¿Cómo ha evolucionado tu sonido desde que empezaste?, ¿qué sonido empezaste a pinchar? ¿Y quiénes han sido tus principales influencias? ¿Podríamos decir que fue Umek, quizás, la primera fuente de inspiración, o una de los primeras? No lo sé…

Totalmente. Umek fue el primero. Es más, te explicaré una historieta ahora con la que te va a quedar claro por qué. Umek fue el que más me inspiró al principio. Recuerdo que después de ese día, de hecho, al día siguiente, ya empecé a ver vídeos en YouTube. Empecé a ver qué hacía él, con quién se juntaba,… Recuerdo que al principio el primer sonido en el que me enfoqué fue el sonido hard groove, el techno hard groove.

Él, en esa época, trabajaba siempre con Marco Nastik, otro gran amigo esloveno, a quien desde aquí le mando un saludo muy grande. Marco es muy, muy, muy amigo, y también me ha apoyado y ayudado mucho al principio de mi carrera. Hacíamos fiestas y también le invitamos a Barcelona, y bueno, siempre le íbamos a ver a la Sala Apolo cuando venía. También Valentino Kanzyani, y Dejan Milićević. Él tenía un sello que se llamaba Recycled Loops, y yo recuerdo que iba siempre a comprar todos los vinilos. Siempre que salía uno, iba corriendo a buscarlo. La verdad es que lo recuerdo como una época muy ferviente y muy bonita. Me llegó el momento en el que descubrí por qué estoy aquí, descubrí que había encontrado algo que me encantaba, y dije: "¡Wow, vamos a por ello!”.

Volviendo a la historieta que quería contarte, un día viendo vídeos de Umek en YouTube, me fijé en que tocaba mucho los efectos, el eco, el filter, el delay… Y a raíz de ahí empecé a tocar el delay, lo tocaba siempre. Mis amigos siempre me decían que lo tocaba mucho, y un día de repente dijeron “te vamos a empezar a llamar Alex Delay,…”. Y así fue, tanto llamarme Alex Delay que pensé en ponérmelo como nombre artístico, de hecho, la primera vez que salí en un flyer fue con ese nombre. Con los días, pensé que me gustaba pero que quizás necesitaba algo más artístico, algo que tuviera más gancho, y de ahí nació mi nombre artístico que es Lexlay, la combinación de Alex y Delay.

¡Qué bueno! Es muy curioso, no sabía que tenía tanto significado tu nombre. Hablando todavía del tema del sonido, entonces, ¿cómo ha evolucionado a lo largo de los años? ¿Es el mismo más o menos que el que pinchas hoy en día?

En cuanto al delay, hoy en día continúo utilizándolo, sobre todo en muchas de las mezclas que hago, y continúa caracterizando mi sonido ya que en general hoy no se utiliza tanto. Como decía, empecé a tocar música techno hard groove a 145 BPM. Imagínate, con vinilos, los compraba todos. Era un fanático y me gusta mucho haber aprendido y empezado en esa época porque el vinilo todavía estaba presente. Disfruto mucho cuando veo a un

DJ pinchando vinilo, lo debo reconocer, es algo increíble. Hasta que conocí el tech house, un estilo que me identifica mucho. Es una mezcla entre techno y house, con un ritmo entre 125 y 130 BPM. Hoy en día, todo se ha acelerado un poco más y hay sets más rápidos, pero ese rango es donde encontré mi sonido, algo groovero, fresco, dinámico y pistero, con vocales y un toque sexy.

Fue en ese momento cuando creé mi sello discográfico, porque había encontrado el lugar que me identificaba musicalmente. Eso fue hace 12 años, y desde entonces, he pasado por épocas más minimal y deep tech. Luego abrimos el sello Happy Techno Limited en la pandemia, porque teníamos más tiempo y queríamos jugar con estilos más profundos, minimal techno, pero siempre manteniendo un ritmo divertido y bailable.

¿Cuál dirías que es la principal diferencia entre los dos sellos, Happy Techno Music y Happy Techno Limited?

La diferencia entre ambos sellos es que Happy Techno Music está más enfocado al tech house, a la pista de baile, festivales, fiestas grandes,… Mientras que Happy Techno Limited es más underground, aunque sin llegar a ser oscuro, siempre manteniendo un sonido fresco.

Y en cuanto a tu trabajo de estudio, ¿alguna primicia para 2025?

Sí, hay algo muy interesante. Siempre había querido hacerlo, pero nunca encontré el momento. El 16 de diciembre cumplo 40 años, y el 20 de enero hago 20 años desde que descubrí que quería ser DJ.

Ahora llevo dos años preparando mi primer álbum y tenía pensado sacarlo para celebrar mis 20 años en la industria. Y van a ser 10 tracks, 10 tracks que definen un poquito todas las etapas de mis 20 años de carrera, 20 Years Of Music. Cada uno define una etapa y, bueno, van a ser tracks emotivos y especiales para mí. Espero que realmente llegue a la gente, les guste y les sorprenda también.

Hombre, yo estoy deseando escucharlo, y más con lo que me acabas de decir ahora mismo. ¿Se va a llamar 20 Years of Music? Te iba a preguntar, pero no sabía si lo podías decir...

¡Ya está dicho! 20 Years of Music, así se va a llamar. Sí, sí.

Hablemos también un poquito, que lo has comentado antes por encima y lo quiero rescatar, de las fiestas Happy Techno. Quiero decir, yo soy de Barcelona, y las fiestas Happy Techno las he escuchado prácticamente desde que me gusta la electrónica. Desde siempre, siempre las he visto, siempre las he escuchado, he ido a alguna, y siempre las he visto ahí, al pie del cañón. Además, siempre conseguís sold out, lo llenáis. ¿Cuál crees que es la clave del éxito para conseguir esto en una fiesta, no solo en Barcelona, sino en general?

Primero de todo, perseverancia y nunca darse por vencido. A parte de eso, y mucho esfuerzo, sucedió la típica historia de “empecé en el bar debajo de mi casa”. Yo vivía en Sant Cugat y tenía un amigo que jugaba al fútbol y estaba metido

en el tema del deporte, y me dijo: “Oye, veo que te gusta la música y tal, yo tengo un bar, no me está funcionando muy bien, ¿quieres hacer…? Bueno, ¿quieres venirte a pinchar, hacer algo y venir con los amigos?”. Y yo: “Venga, va, sí”. Entonces, se lo comenté a mis amigos y, bueno, nosotros en esa época éramos un grupo muy alegre, muy feliz, muy happy, y nos gustaba mucho el techno. Al final, el nombre salió de eso, no fue un trabajo de un equipo de 10 personas viendo qué hacemos de marketing. No, salió algo muy natural. Al final, es algo muy de los inicios, algo natural. Y realmente es increíble llevar casi 20 años con tu marca, aguantando con ella y creyendo en ella, sin cansarte y haciendo que crezca cada vez más. Es algo increíble.

Ahí se empezó a crear otra energía, y dije: "Ahora es el momento. Ahora que ya tengo la fiesta definida, que están empezando a venir artistas, que tengo mi manager, que tengo el sonido definido, voy a crear el sello discográfico".

Porque ahora, aquí, voy a crear esa plataforma y voy a hacer que Happy Techno, con la plataforma y el sello, llegue a más gente, y la gente que se sienta identificada con mi sonido quiera estar ahí. Así que empezamos a hacer fiestas en el City Hall todos los sábados. Hacíamos sold-out siempre, había una energía espectacular. La gente, tanto si le gustara o no la fiesta, venía y se lo pasaba bien. Decían: "Bueno, quizás no me siento tan identificado con este sonido, pero aquí estoy". Se lo pasaba genial todo el mundo y se iban con una sonrisa, y a mí eso me llenaba de satisfacción y orgullo. Era como: "Wow, se está consiguiendo lo que queremos".

Empezamos a hacer muchas fiestas, a hacer muy buen trabajo,y me empezaron a salir también fechas por todos lados. Empezamos a crecer también, como me comentabas antes, un poco de estar ahí, que te vayan viendo, así es como funciona. Un día me dieron la oportunidad de ir a Sudamérica, fui, y ahí también se creó algo mágico.

¿Qué pasa ahí? Quiero decir, vamos a abrir ese melón. Es una de mis siguientes preguntas. Sé que Sudamérica tiene un lugar importante en tu corazón y en ti como artista. Quiero decir, yo te sigo en redes sociales, sé que además pinchas muchísimo por allá. ¿Qué sientes al pinchar allí?

¿Cómo de diferente es pinchar en Europa que en Sudamérica, y cómo de importante es para ti?

Mira, te soy sincero, a mí Sudamérica me tiene robado el corazón por completo. Incluso la silueta del país la llevo aquí tatuada en mi tobillo. Tengo tatuado todo lo que me ha llegado al corazón, como los Rolling Stones. Todo lo que he podido vivir en Sudamérica ha sido mágico. Me encanta poder rodearme de gente maravillosa. La gente tiene una energía única. Lo vive todo de una manera brutal, son super fanáticos, super fiesteros. Es realmente increíble poder tener la oportunidad. Me siento muy afortunado de que realmente mi energía llegue al público, porque al final es eso, todos tenemos una energía y comunicamos la música de la manera como la sentimos, he conectado mucho con ese continente, ese territorio. Y en general, con todos los países, es que fíjate, creo que he ido más de 15 veces a Chile, más de 10 veces a Argentina,… Es una auténtica barbaridad. Es decir, es una pasada. Porque luego me fijo en otros compañeros y veo que realmente la gente no va tanto. Entonces hay algo que se ha creado mágico ahí, y a mí me

encanta.

Y lo que dices de las diferencias, yo no creo que sea distinto. Al final, creo que cada uno conecta con países distintos, con territorios distintos, y yo creo que he conectado mucho. Creo que se basa más en eso. Porque al final en todas partes puedes encontrar muy buena energía, como por ejemplo en Ibiza, en España, en Italia, en Estados Unidos, en Australia,… Al final, es la conexión que creas tú mismo con la gente de un sitio. Creo que es más eso que diferencias específicas.

Desde aquí quiero mandar un saludo a todos los amigos de Sudamérica porque realmente me habéis hecho sentir siempre como en casa, y ya tengo muchas ganas de volver. Vuelvo el 7 de agosto para hacer dos fechas. Además, creo que este año ya he ido ocho veces. Es una auténtica locura, la verdad. Y voy a hacer mi primer All Night Long en Buenos Aires, una ciudad que quiero muchísimo. Tengo muchísimas ganas. Siete horas de set ahí, en una fiesta que se llama Rio Electronic Music, uno de los mejores clubs de Buenos Aires.

¿Cómo se presenta 2025 en ese sentido? ¿Seguirás recorriendo Sudamérica o tienes planes en nuevos continentes?

Para 2025 seguimos en Sudamérica, pero también vamos a explorar otros continentes. Queremos desbloquear mercados, como por ejemplo el de Estados Unidos. Tengo muchísimas ganas de poder visitar California, San Francisco, Miami y Las Vegas. Creo que este año ya vamos a empezar y se va a dar. También queremos trabajar en Ibiza para el verano que viene y empezar a entrar fuerte. El mercado asiático también. Soy muy fanático de Asia, por ejemplo de Tailandia, y también llevo tatuajes hechos allí, con caña de bambú, es decir, con el rollo original tradicional. También me hice una estrella en la isla de Ko Phi Phi, donde se hizo la película "La Playa", con Leonardo DiCaprio. La verdad es que me encanta. Me fascina el cielo estrellado, y siempre me han gustado mucho las estrellas. En resumen, estamos muy centrados en 2025, en seguir creciendo, en seguir progresando y en ir a lugares para hacer feliz a la gente a través del baile y la música.

Y un poco para cerrar el círculo antes de entrar en 2025, este año 2024, sé que viene algo muy importante.

Entro en una nueva agencia. La verdad es que estoy super emocionado y super contento. Después de 20 años de trabajo tan duro, un trabajo bastante solitario, con mi equipo, pero bastante solitario al fin y al cabo, que una agencia como Analog Agency, con tanto prestigio y reconocimiento a nivel internacional, con un equipo de trabajo de tal nivel y con artistas de la talla de Carl Cox —que para mí es un ídolo, un artista que siempre he admirado muchísimo,

me encanta su energía y cómo conecto con su manera de pinchar. He aprendido mucho de él, y me sigue gustando desde el primer día que lo vi en Space Ibiza—, te fiche y puedas entrar en una agencia donde está él, Fatima Hajji, Deborah de Luca, Matthias Tanzmann, y artistas de este calibre… Para mí es todo un honor, me llena de orgullo y satisfacción. Estoy super motivado y creo que podemos llegar muy lejos juntos. Y, bueno, al final, seguir cumpliendo el propósito.

Enhorabuena por tu incorporación a Analog Agency. Aprovecho para felicitarte en persona. Ya que hablamos de tu carrera, me gustaría saber cómo equilibras tu vida artística con la personal. Sé que el deporte es importante para ti, pero ¿hay algo más que hagas para mantener ese equilibrio?

Sí, el equilibrio es crucial. La industria musical tiene sus altos y bajos, y mantener el equilibrio es fundamental. Cuando estoy de tour, a veces no puedo seguir mi rutina ideal: no siempre tengo tiempo para entrenar, comer sano o pasar tiempo con mis seres queridos. Pero cuando vuelvo a casa, cambio completamente el chip. Los lunes, por ejemplo, me organizo, bebo mucha agua, como bien y paso tiempo con mi familia, mis amigos y mi perro. Además, el deporte es clave para mi bienestar. Hacer ejercicio no solo me mantiene en forma, sino que también libera endorfinas que mejoran mi estado de ánimo y reducen el estrés. Es fundamental para mantenerme enfocado y positivo.

Muchas gracias por tu tiempo, Lexlay. Ha sido un placer disfrutar este ratito contigo, y conocerte mejor. Te deseamos lo mejor en tu carrera musical.

¡Gracias a ti, Patricia! Ha sido un placer. Estoy listo para enfrentar lo que venga y seguir disfrutando del camino.

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Off the Record

¿Cuál es tu comida favorita en Sudamérica?

El asado. ¡Es una delicia!

Si no hubieras sido DJ, ¿qué te hubiera gustado ser?

Probablemente preparador físico.

¿Tienes alguna manía extraña?

Sí, me gusta que todo esté muy ordenado. No soy maniático, pero sí me gusta que todo esté en su sitio.

¿Hay algo que te cabree?

Que las cosas no salgan como las planeo.

¿Qué emoji utilizas más?

La cara feliz con el sombrero.

¿Cuál es tu manera favorita de hacer deporte?

Me encanta levantar pesas. Me gusta sentir esas endorfinas y el desafío físico.

¿Tu lugar favorito para tener una cita especial?

La montaña. Me gusta desconectar en la naturaleza.

¿Cuál es tu tradición familiar favorita?

Las épocas navideñas. Aunque no soy fanático de que sea solo un día, me gusta que haya un momento para reunirse y disfrutar en familia.

¿Qué es lo primero que haces al despertarte?

Saludar a mi perro.

Y lo último que haces antes de dormir?

Meditar durante unos minutos para conciliar el sueño y agradecer por el día.

¿De qué set te sientes más orgulloso?

Me siento muy orgulloso del set que hice en Montevideo, Uruguay. Fue una experiencia que marcó un antes y un después en mi carrera. Desde aquí quiero mandar un saludo a todos mis amigos uruguayos.

¿Cómo fue esa experiencia en el set que mencionabas? ¿Qué recuerdos tienes de ese día?

Fue realmente mágico. Recuerdo que todo salió increíble y a la gente le encantó. Fue un antes y un después para mí en Sudamérica. Era septiembre de 2019, justo antes de la pandemia, y la fiesta fue para

4000 personas. Estaban Shib San y Guade tocando también, y la noche fue épica.

Si alguien escribiera un libro sobre tu vida, ¿cómo se llamaría?

"Las Aventuras de Lexlay por el Mundo". Es un título sencillo que captura mi viaje y mis experiencias.

¿Qué es lo que más te hace feliz en la vida?

Quedar con mis amigos de toda la vida, darles un abrazo, preguntarles cómo están y que ellos me pregunten a mí cómo estoy. Eso me llena de amor y felicidad.

Si fueras a pinchar el último set de tu vida, ¿qué track no podría faltar?

Hay varios, pero definitivamente ‘We Are Family’ y ‘Promised Land’ serían imprescindibles. Son tracks que uso en momentos emotivos para unir a la gente.

¿Qué no puede faltar en tu nevera?

Batidos de proteína. Siempre los tengo fríos y preparados para el día siguiente. Como entreno cinco o seis veces a la semana y viajo mucho, es algo que necesito tener a mano.

¿Cuál es lo mejor y lo peor de ser DJ?

Lo mejor es transmitir mi energía a través de la música y ver cómo la gente disfruta y sonríe. Lo peor son los aeropuertos y los aviones. Puede ser muy cansado, y los retrasos y problemas con los vuelos a veces son frustrantes. Recuerdo una vez en la que un vuelo de Madrid a Asunción tuvo que regresar dos veces por problemas con el combustible. Estuvimos 12 horas en el aeropuerto y fue un día muy difícil. Pero trato de ser previsor y llegar un día antes para evitar estos contratiempos.

¿Cuál es tu "Happy Place", tu lugar feliz?

Me encanta la naturaleza. Siento mucha paz rodeado de árboles, ríos y lagos. Es mi lugar de tranquilidad y conexión.

¡Qué bonito! Muchas gracias por tu tiempo, Lexlay. Has respondido muy bien a todas las preguntas, incluso las más inesperadas.

¡Gracias a ti, Patricia! Ha sido un placer. Estoy listo para enfrentar lo que venga y seguir disfrutando del camino.

MOUNT KIMBIE

“QUE TODO SEA ESENCIAL. QUE CADA SONIDO VAYA DIRECTO A LA VENA”

Autor: Borja Comino

Hay portadas que a uno se le quedan en la retina. La silueta de soslayo, los colores, la composición… Sin darte cuenta, saboreas el sonido y oyes la piel de gallina de ayer. Durante un tiempo, Mount Kimbie fue la única banda que, para mí, sonaba como Mount Kimbie. La chavala que da la espalda a la cámara caminando con un chándal rojo por una calle en obras aún me provoca un ataque de sinestesia emocional que, de tan intenso, se me hace incómodo. Hablo de ‘Crooks & Lovers’ de 2010, el álbum debut de la banda que Kai Campos y Dominic Maker formaron a los pocos meses de conocerse en su época universitaria y hacer un formidable match musical.

A lo largo de los años he ido leyendo que la gente entendía que han sido una especie de precursores del dubstep. O más bien post-dubstep. Algo que, aún hoy, siento que no hay ni por dónde pillarlo. Como soy consciente de que esto no es Reddit y no tengo con quién discutir estos testimonios, ubicaré el énfasis de mi discurso en transmitir que esta banda británica hizo lo más guapo que puede conseguir un artista, que es crear algo nuevo de verdad.

Los primeros segundos de ‘Carbonated’… ¿Qué fue eso…? Para mucha gente, un antes y un después. Un sobresalto tan agradable que da rabia porque, entre muchas otras cosas, sirve la principal función de acostumbrar al cuerpo a un colocón auditivo que no es fácil de conseguir. Cuando salió ‘Cold Spring Fault Less Youth’ de 2013, Spotify ya era el coloso del streaming que conocemos hoy, por lo que ya existía la función de búsqueda de artistas similares. Con un poco de esfuerzo entre ‘PING’ y ‘PING’ de Blackberry Messenger, uno podía descubrir a Gold Panda, Giraffage, xxyyxx, un James Blake más experimental que Jodorowsky, Shlohmo, SBTRKT, Shigeto, Flying Lotus…

Me entran ganas de gritar al cielo: “hace 10 años, ¡la música sí que era música de verdad!”. Mentiría. Porque estamos aquí, todos reunidos, para atender a algunos apuntes e impresiones que Mount Kimbie quiere compartir con nosotros acerca de su nuevo álbum de estudio ‘The Sunset Violent’, que salió en abril a través de Warp Records. Todo ha cambiado. Todo ha evolucionando a lo largo de esta última década. Mount Kimbie ya no es un dúo, sino que cuenta con la cooperación de Andrea Balency-Béarn, una genia de la música, y las percusiones de Marc Pell. No olvidemos nunca al quinto miembro fantasma: King Krule, que está cuando quiere estar. ¿Qué más se puede pedir al universo?

Vuestro nuevo álbum implica un esfuerzo compositivo más acusado que en vuestros títulos más enfocados a una sonoridad mucho más electrónica. ¿Qué modalidad os parece más atractiva?

Ahora mismo nos interesa más centrarnos en componer. Pero eso es algo que cambia. De repente nos atraen más otros sonidos u otros métodos para crear música. Para este álbum en particular, la guitarra ha sido una voz muy importante. La mayoría de las vocales que hemos escrito las hemos rescatado de demos de riffs de guitarra que Kai hizo. A partir de ahí, se trataba de ir rellenando y finalizando esos borradores.

He visto que os cuesta rendiros cuando un tema se enquista y, si hace falta, os tiráis horas escuchando un trozo de un tema en bucle hasta que la bombilla se enciende. ¿Cómo sabéis cuando un tema ya no da más de sí y hay que abandonarlo?

Tenemos un par de temas que no pasaron la criba. El resto de material que teníamos sí que nos sirvió, y eso que normalmente no tenemos demasiadas cosas encima de la mesa, pero es que algunas instrumentales estaban demasiado guapas como para abandonarlas. He aprendido que lo mejor es no acelerarse y esperar al momento adecuado para que todo se hile de forma natural. Pero claro, para que eso suceda, hay que estar ahí dándole.

¿Qué imagen tratáis transmitir con el título ‘The sunset violent’?

El track ‘Dumb Guitar’ consiste en una escena en particular que me gusta imaginar. Un chalet de bambú que está construido encima de unos pilotes sobre el mar de una costa china ocupada por resorts del tipo “todo incluido”. En esa casa hay una pareja que ha ido ahí para tratar de salvar su relación pero realmente está discutiendo todo el tiempo de muy malas maneras. El personaje femenino se pira de la habitación después de una de las discusiones y se apoya en el balcón para observar un atardecer de esos que tienen un tono rojizo o lila, lo cual se le antoja como violento. El aire espeso, los comentarios hirientes, los portazos, las peleas a voces… Para mí, “the sunset violent” me parece un título que casa muy bien con esa idea porque es como que lanza una pregunta y tiene un aura de surrealismo e ironía.

California, y en realidad Norteamérica en general, es algo que en Europa tenemos muy visto a través de las películas y lo hemos ficcionalizado sin darnos cuenta. ¿Hay algún otro lugar así como surrealista que tengáis en mente para escribir vuestra próxima movida?

Estamos planeando irnos a escribir más música este mes o el siguiente y estamos intentando encontrar el lugar ideal para hacerlo. Es difícil superar el desierto de California. Se siente como un lugar en el que ya has estado antes, con ese toque cinemático, como si fuese la superficie de la luna o algo. Ahora nos apetece quedarnos en Europa, quizás en el noroeste de Francia, en… No sé. ¿La Rochelle?

¿No os da miedo perder ese toque que hace que una demo tenga chispa y sentido cuando tratáis de grabar el tema en el estudio?

Sí. De hecho, intentamos regrabar casi todas las demos que teníamos en un estudio de verdad, con kits de baterías reales, material bueno y toda la artillería pesada… Pero nos quedamos con las demos porque gran parte de la magia que tenían esas grabaciones primigenias desapareció. Preservar esa chispa es una operación super delicada. Es todo una destilación lenta. Mucho looping, mucho de refinar. Que todo sea esencial. Que cada sonido vaya directo a la vena.

Dom, tú que has estado viviendo bastante tiempo en Los Ángeles, ¿has notado algún cambio en tendencias y escenas europeas al volver?

Hay muchas cosas que se sienten distintas. Pero pasa lo mismo que en los states: todo es más caro, la gente está más estresada y tensa, oigo más discusiones, la música es cada vez más rápida, más dura, más brutalista. Europa, por desgracia, se siente más distante que nunca.

Marc y, sobre todo Andrea y su voz, tienen un enorme peso en el sonido de la banda. ¿Qué posición tienen en la fase de creación de canciones?

Andrea ha tenido una enorme importancia en todo esto. Escribiendo melodías, su carácter vocal y su presencia es algo muy, muy especial. Nos hemos tirado muchas noches escribiendo y volviendo a escribir melodías vocales. Su participación en ‘Love What Survives’ es una de mis cosas favoritas del álbum y su voz en directo es algo espectacular. Marc, y su conocimiento del ritmo, su creatividad con los sample y los backing vocals y sus percusiones son brutales. Tenemos mucha suerte de que ambos formen parte de esto.

¿Cuál es vuestra historia con la familia Lebon?

Hemos trabajado con la trinidad: Mark, Frank y Tyrone. Cada uno más genio que el anterior. Han creado vídeos para nosotros, fotos de prensa, merch, artwork. Básicamente, toda nuestra identidad visual viene a través de ellos y además nos han presentado a muchísimos creativos realmente brillantes como Tegen Wiliams, Rosie Marks, Peter Eason Daniels, Duncan Loudon, Raf Fellner y Bolade Banjo.

¿Qué habéis aprendido de tantos años creando música?

Lo bonito que es no tener nada claro. Cada creación debería tener su porción de duda, de lo inesperado, de miedo, de lo místico. Sobre todo, hay que disfrutar de crear. Eso es lo que importa. Preservar la chispa es una operación super delicada, por eso hay que entenderlo como destilación lenta. Mucho de escuchar y escuchar en bucle, mucho de refinar. Todo tiene que ser esencial, que cada sonido vaya directo a la vena.

Si este 2024 fuese el año en el que sacáis música por primera vez en vuestras vidas, ¿cómo os lo montaríais?

Subiríamos un TikTok cada hora, cada día. Es la estrategia más eficiente.

Si tuvieseis que elegir un solo item de vuestro estudio, ¿cuál sería?

El Korg MS20 lleva ya mucho tiempo en la familia, un delicioso y potente sintetizador que usamos en todos nuestros álbumes y lo llevamos de tour para usarlo en nuestros directos.

¿Algún comentario para nuestros lectores?

Vamos a lanzar nueva música MUY PRONTO.

SUEÑOS EN EL AIRE: ¿ES POSIBLE SALVAR EL SECTOR DE LOS FESTIVALES EN EL REINO UNIDO?

Texto original: Martin Guttridge-Hewitt Traducción: Helena Bricio

El panorama de los festivales en el Reino Unido está en crisis, con más de 40 eventos cancelados de cara a la temporada de este año, según datos recientes de la Asociación de Festivales Independientes. En medio de la insalvable subida del precio de la producción y la actual crisis del coste de la vida, ¿cómo se sienten los organizadores y el público ante la situación actual? ¿Cuáles son las causas? ¿Y qué soluciones se barajan para salvar el sector?

"Llegamos incluso tres semanas antes del concierto, y entonces tomamos la decisión [de cancelarlo]", dice Dave Clarke, codirector del Riverside Festival de Glasgow. "Pretendíamos que las cosas fueran un poco más deprisa, pero en realidad era una apuesta demasiado arriesgada. Había demasiado en juego".

Clarke -no confundir con el DJ del mismo nombre- lleva 35 años promoviendo eventos, entre ellos la serie de eventos Return to Mono, que duró una década, con las leyendas locales Slam. Con Mark McKechnie, se ha pasado la última década manteniendo el estatus de Riverside como evento clave en el calendario de la música de baile en Escocia. A finales de mayo, estaba previsto que artistas de la talla de TSHA, Eliza Rose, Josey Rebelle, Reinier Zonneveld, TAAHLIAH y LF System actuaran en el festival de dos días. Al final, nadie lo hizo.

El pasado 3 de mayo, los organizadores del festival anunciaron que la edición de este año no se celebraría como estaba previsto, argumentando "unas ventas inferiores a las esperadas y un aumento de los costes de infraestructura, personal, transporte y artistas". "En un panorama de eventos sobresaturado, no hemos podido ofrecer el festival con nuestro nivel de calidad habitual", continuaba su comunicado.

Riverside no es más que un ejemplo entre otros muchos de la creciente crisis del sector de los festivales en el Reino Unido. Según un informe reciente de la Asociación de Festivales Independientes, desde 2019, el Reino Unido ha perdido 177 eventos de este tipo, una quinta parte del número total. 36 dejaron de operar el año pasado. A mediados de junio de 2024, otros 45 se habían cancelado, aplazado o suspendido definitivamente antes de la temporada de verano. Se espera que se sumen más en los próximos meses y, con ello, se cierne la amenaza de la pérdida de puestos de trabajo, la puesta en peligro de los modos de vida, las deudas, la ansiedad y el desmantelamiento de las distintas comunidades.

DJ Mag reconoce durante el mes de junio la importancia de los festivales en todo el mundo con su encuesta anual Top 100 Festivals, en la que el público se pronuncia a favor de su existencia. Pero aunque nunca ha sido tan importante y oportuno destacar todo lo que los grandes y pequeños festivales aportan a nuestras vidas con su celebración de la música, el baile y la unión, es igualmente crucial que prestemos atención a las advertencias que nos rodean: la burbuja de los festivales está, en muchos lugares, a punto de estallar. En plena temporada de festivales de verano en el Reino Unido, ¿qué opinan los organizadores y los asistentes de la situación actual? ¿Cuáles son las causas? ¿Y qué soluciones se barajan para salvar el sector?

"Fue una decisión difícil", dice Clarke. "No sólo afecta a muchísima gente, sino que has puesto tu corazón y tu alma en ello, y mucho tiempo y esfuerzo, probablemente desde el final del último festival... El año anterior cumplimos 10 años, así que hemos tenido muchas experiencias diferentes. En general, aparte del Covid, cada vez que hemos hecho dos días, uno ha agotado las entradas y el otro ha sido más difícil".

Al anunciarse la prórroga de Riverside, se había vendido alrededor del 80% de sus 10.000 entradas, con algo menos de un mes de antelación. Una parte importante de lo que quedaba se habría vendido antes de que se abrieran las puertas, pero incluso estos pequeños porcentajes equivalen a más dinero del que la mayoría de los promotores pueden arriesgar o afrontar. "Entiendo la idea de que yo trabaje duro y básicamente me quede sin nada, pero cuando se trata de gente que conoces desde hace años y que ha confiado en ti, es algo desagradable a lo que acercarse", comenta Clarke sobre cómo este tipo de riesgos pueden acabar dejando a equipos enteros de festivales sin dinero una vez terminado el trabajo. “Hemos tenido que defraudar a gente diciéndoles: 'ahora no tenemos trabajo para vosotros', pero al menos no hemos hecho que la gente hiciera el trabajo y luego todo saliera mal”.

Clarke afirma que su equipo "sigue en pie", pero deshacer un festival es "casi tanto trabajo" como hacerlo. Se han

agotado las escasas reservas, aunque algunos socios y proveedores se han quedado con depósitos para el regreso previsto del evento en 2025, y algunos artistas han reducido sus honorarios. También se ha reembolsado el dinero a las personas que compraron entradas tras el aplazamiento de Riverside, un imperativo ético para alguien que no quiere "estar en deuda con la gente que es el alma de la escena".

Aunque Clarke explica que él y el equipo de Riverside han recibido mucho apoyo y ánimo de su comunidad de aficionados, algunos no han sido tan comprensivos con su decisión de cancelar. "Mucha gente nos ha dicho cosas desagradables", afirma. Cosas como: "vuestro cartel era sospechoso"; “Me alegro de que se cancele”; “Cobarde”. "Cobarde por cancelarlo, ¿qué significa eso?".

Decididos a seguir adelante, Riverside ha tenido la suerte de organizar el sábado 31 de agosto un evento a menor escala, de un día de duración, con artistas de la talla de Skin on Skin, KETTAMA, La La, Hayley Zalassi y Dija, previsto antes de la cancelación, y tienen la intención de volver al completo el año que viene. "Sin nuestra experiencia, podría haber sido mucho peor", afirma Clarke. "En cierto modo sabíamos cuál era el punto de no retorno... Muchos promotores llegan a un punto en el que ya se han gastado el dinero de las entradas".

“Para algunas empresas, la situación es muy difícil. Para otras, es catastrófico. Al cancelar los eventos, se derrumban modelos de negocio enteros para muchos”.Hugo Kibasi

Al igual que Clarke, Hugo Kibasi entiende este tenso panorama. El cofundador del festival Detonate de Nottingham, que aplazó su edición de 2023 por el aumento de los costes, es también el director de Eye Of the Storm Events, una "empresa de producción de eventos especializada en festivales, eventos al aire libre y grandes espacios escénicos".

Fundada en 2012, la firma trabaja en todos los aspectos de la producción con grandes festivales de todo el Reino Unido y a nivel internacional. En su opinión, el "auge vertiginoso" de los eventos que se produjo inmediatamente después de la pandemia "fue bastante superficial". ¿Por qué? Los festivales volvieron a una nueva era económica y, tras un estallido inicial de entusiasmo, llegó todo un mundo nuevo de retos y subidas de precios.

Los proveedores de infraestructuras sólidas y de equipamiento, tras haber asumido enormes cantidades de capital con cero ingresos durante dos años, se volvieron más estrictos con sus condiciones. Lo que antes era un depósito del 20% se ha convertido en un depósito del 60% o, en algunos casos, del 100%. Si a esto añadimos que cada vez es más probable que los asistentes decidan a

qué eventos asistir semanas antes de que se celebren -una tendencia que, según los análisis del sector, se ha hecho especialmente común en la música electrónica-, el proceso de organizar un festival puede parecer como lanzar dinero al viento y rezar para que vuelva.

Los contratos para elementos esenciales como aseos y vallas se han vuelto especialmente implacables. "Si algunas empresas no te alquilan a ti, lo hacen a proyectos ferroviarios como HS2, obras de construcción, producciones cinematográficas, lo que sea", explica Kibasi. "Nadie va a poner una pantalla de vídeo de 60 metros en la autopista, pero pueden querer 30 cabinas... Desde mi punto de vista, he tenido varios clientes que han cancelado o aplazado festivales, y eso me presiona a mí y a mi negocio para sustituir los ingresos y poder mantener a la gente que contrato".

Una cosa son los crecientes costes de organizar un festival y otra, inevitablemente, el coste de cancelarlo: “Para algunas empresas, la situación es muy difícil. Para otras, es catastrófico” afirma Kibasi. “Al cancelar los eventos, se derrumban modelos de negocio enteros para muchos”.

La contratación de personal y los costes asociados también se están convirtiendo en una gran presión en el sector de los festivales. Kibasi explica que la pandemia ha provocado muchos cambios laborales, entre ellos el de su antiguo socio, que ahora es urbanista. En su opinión, la mano de obra británica del sector – “universalmente alabada como la mejor del mundo en términos de salud, seguridad y control de las aglomeraciones”- aún no se ha recuperado del todo. Es poco probable que muchos de los que abandonaron el sector durante Covid regresen, dadas las condiciones actuales, afirma.

Sarah Spurgeon, directora de operaciones y eventos autónoma que ha trabajado con Balter Festival, Noisily y Boomtown durante sus 15 años de carrera, también lo reconoce. Ha oído hablar de «grandes festivales que han perdido a la mayor parte de su equipo directivo» debido al nuevo personal y al aumento de los costes, y afirma que algunas partes del sector dependen cada vez más de trabajadores sin formación o no remunerados; los equipos se han reducido o se han eliminado por completo. La presión se intensifica entre los que quedan.

"Mucha gente no está bien", dice. "De temas como el suicidio no se habla realmente; la concienciación sobre la salud mental es cada vez mayor, pero no creo que algunas organizaciones estén haciendo un buen trabajo a la hora de abordarlo". La salud mental de los trabajadores de los festivales es un problema, sobre todo cuando muchos de ellos son temporeros y están bastante aislados. Mucha gente que trabaja en festivales no tiene casa, vive en caravanas o furgonetas.

“Existen directrices salariales en el sector, pero creo que son más los que no las reciben que los que sí. Se puede decir que 250 libras al día por un puesto de nivel medio es razonable, pero si son turnos de 14 a 16 horas, asumiendo riesgos, no es suficiente”, prosigue. “Si no se paga bien a la gente, deberíamos preguntarnos si es un modelo viable o si deberíamos organizar el evento. Me apasionan los festivales independientes, pero es muy difícil. Si tienes un año realmente malo y potencialmente no ganas dinero -algunos no lo hacen-, ¿estás pidiendo a la gente que trabaje por menos? ¿Se puede justificar? ¿A qué coste?”.

En 2018, Dan Peplow y algunos amigos organizaron una fiesta al aire libre con capacidad para 300 personas en un terreno privado en Chiltern Hills. Partiendo de esa idea, lanzaron Above Below en 2021. Este mes, la tercera edición del festival de música electrónica ha sido una fiesta de tres días con tres escenarios para unas 700 personas, situada

en un pintoresco valle con arroyos de piedra caliza e instalaciones artísticas. Las entradas se agotan con un mes de antelación y su supervivencia depende de 35 amigos que donan su tiempo y energía y 90 voluntarios que trabajan a cambio de entradas.

“Cada persona participa en un momento distinto del año. Básicamente, somos un grupo de amigos que crecimos en esta zona”, explica Peplow, que añade que, entre todos, el equipo del festival tiene capacidad para cubrir la mayoría de las funciones, incluidas la construcción y el diseño del recinto, lo que ayuda a ahorrar costes. Todo esto está muy bien, pero ¿es posible ganar un sueldo con una organización como ésta? “Sería muy difícil”, admite Peplow. “Creo que en ese momento empezaría a cuestionarse la viabilidad. Queremos mantener un precio bajo para las entradas pero ofreciendo una producción increíble y creo que a no ser que empieces a escalar y a subir los precios, se hace muy difícil”. Peplow trabaja para Brixton Brewery, una antigua cervecera independiente ahora propiedad de Heineken. Tradicionalmente, las marcas de bebidas alcohólicas han sido una fuente de ingresos esencial para los festivales, pagando por la exclusividad y la presencia de productos en el recinto. Sin embargo, como explica Peplow, "después de la pandemia no existe ni de lejos tanto dinero para trabajar con los festivales". Por esta razón, la empresa ha creado un fondo para festivales independientes. “No se

trata de grandes cantidades de dinero, sino más bien de una iniciativa para apoyar a los pequeños festivales con medios organizativos”, afirma, confirmando que ya han colaborado con varios eventos de 500 localidades.

“Se trata de priorizar el precio de la cerveza, de tener conversaciones sinceras con los organizadores sobre lo que están dispuestos a pagar, y lo que podrían conseguir en otro sitio”, explica. “¿Podemos ayudar con los servicios técnicos y la instalación de algunas barras? ¿Hay algo en lo que quieran centrarse desde el punto de vista de la sostenibilidad? ¿Desde el punto de vista de los talleres? Ayudarles a hacer cosas que quizá no habrían podido hacer de otro modo”.

“Después de la pandemia, el aspecto más difícil para nosotros ha sido mantener un precio de entrada accesible frente a la crisis del coste de la vida y al estancamiento de los salarios en muchos sectores. Desde la pandemia, hemos puesto en marcha un plan de entradas de bajo coste para quienes se enfrentan a dificultades”. - Leon Cole, cofundador de Field Maneuvers.

Hace aproximadamente una década, Leon Cole y sus amigos estaban a un nivel similar al de Above Below. Hoy, Field Maneuvers es uno de los festivales boutique de música electrónica más respetados y queridos del Reino Unido. Tras más de diez años en la escena, este 2024 celebrará su última edición en su formato actual. Hay varios factores que han contribuido a ello, y entre ellos, obviamente, está el económico.

“Aunque siempre es difícil alejarse de las cosas que te apasionan, parece obvio trabajar para que el evento sea más sostenible y divertido en el futuro, de modo que podamos confiar en seguir organizando esta fiesta que tanto nos importa”, dice Cole. “Todavía estamos planificando todo para 2025 en adelante, así que no puedo decir de forma concreta qué cambios haremos. Está claro que ser un evento pequeño que funciona con muchos de los costes de un evento más grande no es una posición de mercado sensata”.

“Hemos crecido orgánicamente a partir de un aforo de 300 personas poco a poco cada año, haciendo muchas cosas que son esencialmente la ampliación de un evento totalmente diferente. Este replanteamiento nos va a dar la oportunidad de crear un evento actualizado que refleje lo que hemos aprendido desde 2013”, prosigue. “Después de la pandemia, el aspecto más difícil para nosotros ha sido mantener un precio de entrada accesible frente a la crisis del coste de la vida y al estancamiento de los salarios en muchos sectores. Desde la pandemia, hemos puesto en marcha un plan de entradas de bajo coste para quienes se enfrentan a dificultades”.

Aunque es admirable, esto “ha costado una buena cantidad de ingresos”, y Cole sugiere que el cambio de tendencias ha creado un panorama muy diferente para los festivales, en particular los de música electrónica. En términos generales, los carteles están “menos ligados a géneros específicos”, lo cual agradece. Con el regreso de la música electrónica a la escena general, mucha gente quiere un fin de semana “que se desvíe del formato tradicional” y haga hincapié en la comunidad, más que en el comercialismo. De cara al futuro, los eventos grandes y pequeños tendrán que plantearse qué incentivos añadidos y experiencias únicas pueden ofrecer más allá de los cabezas de cartel para garantizar la asistencia necesaria que se repita año tras año para la viabilidad y el éxito sostenido.

“Tenemos un público muy fiel.... Sin embargo, como ocurre en muchos festivales, el éxito de taquilla se recompensa con la supervivencia económica, no con la rentabilidad. Reconocemos la importancia de ofrecer a nuestro público una experiencia que sea lo más especial posible”. - Joe Barnett, cofundador de We Out Here

We Out Here tiene capacidad para 18.000 personas y la programación abarca desde música de club hasta el jazz, el funk y el soul en directo. El cofundador del evento, Joe Barnett, que también contribuyó decisivamente a la creación de Outlook y Dimensions, afirma que el equipo ha “redoblado” su compromiso de hacer de este encuentro algo único. “Tenemos un público muy fiel.... Sin embargo, como ocurre en muchos festivales, el éxito de taquilla se recompensa con la supervivencia económica, no con la rentabilidad”, afirma. “Reconocemos la importancia de ofrecer a nuestro público una experiencia que sea lo más especial posible, intentando incluir todo lo que podamos para que la gente participe durante el evento, dentro del precio de la entrada”.

Aquí se encuentra “el elefante en la habitación”, prosigue Barnett. “La realidad es que, aunque mucha gente opta por asistir a un festival, antes iba a dos. También vemos cada vez más sectores de la sociedad que ya no pueden permitirse un evento, cuando antes sí podían. Por mucho que los promotores intenten que sea asequible, el aumento de los costes se repercutirá hasta cierto punto en el cliente”.

"Nos encontramos ante una crisis creciente de la cultura, y en concreto de los festivales, que se están volviendo inaccesibles e inasequibles para las personas con rentas más bajas. No se trata de un problema nuevo, pero es cada vez más grave", añade. "Los tres últimos años han sido muy difíciles para diversos sectores de la sociedad, pero el impacto financiero en los jóvenes de 18 a 22 años se ha notado mucho en los festivales".

We Out Here ha tomado una serie de medidas para intentar superar esta situación: mayor venta de entradas a través de empresas de interés social, un plan para las personas que reciben ayudas públicas para sufragar el coste de la vida y descuentos en las comidas del recinto. Las ventas de taquilla del festival siguen siendo elevadas, en parte gracias a la diversidad de su público: “gente de 18 años, de 25 años, de 35 años con recién nacidos, de 50 años con adolescentes a cuestas”.

Cada historia es tan única como las voces que la cuentan, pero todos los integrantes de este sector están unidos en la búsqueda de nuevas formas de superar los retos. Para Clarke, es prioritario entablar conversaciones más transparentes con los agentes artísticos y los proveedores, y encontrar un término medio más justo en materia de costes. Kibasi cree que una mayor sinceridad con el público sobre los márgenes de beneficio también ayudaría, preguntándose, retóricamente, qué diría la gente sobre los precios si pudiera ver a dónde va realmente su dinero.

Sturgeon propone una mayor cooperación, y compartir equipos, conocimientos y elementos creativos. Secret Garden Party, un evento con el que ha trabajado mucho, quiere facilitarlo, invitando a eventos más pequeños a utilizar su recinto tras una amplia inversión en infraestructuras. Al celebrarse en un lugar en el que pueden echar raíces, sería otra fuente de ingresos para uno de los eventos independientes más importantes de Gran Bretaña.

Los organizadores del SGP también están dejando de lado las grandes actuaciones para apostar por el talento de base. La iniciativa Drop A Headliner, encabezada por el equipo del escenario Chai Wallahs, se atreve a preguntar a los espectadores si prefieren ver a un pequeño número de grandes nombres -con un coste de hasta 150.000 libras esterlinas, aproximadamente 2.500 libras por minuto- o que ese dinero se redistribuya para que puedan ver hasta 222 actuaciones al mismo precio, lo que supone un total de 266 horas de espectáculo. Este mes de agosto sabremos si el riesgo ha merecido la pena.

Por otra parte, Peplow forma parte de la Red de Festivales Independientes, donde los promotores pueden conseguir u ofrecer equipos, conocimientos y mucho más. Todas las personas con las que hablamos coinciden en que una reducción del IVA sobre las entradas durante tres años, del 20 al 5%, podría ser una medida salvavidas. La mayoría insiste en que debe ser una oferta limitada, dirigida a donde más se necesite. Gigantes como Live Nation, que participa en el 30% de todos los festivales del Reino Unido y factura 3.800 millones de dólares al año, no tienen por qué presentarse.

Que la Asociación de Festivales Independientes pueda tener éxito con su campaña de desgravación fiscal es una incógnita, pero su director ejecutivo, John Rostron, afirma que el Gobierno está prestando atención y entiende que una industria valorada en cerca de 5.000 millones de libras, que emplea a decenas de miles de personas, no puede funcionar cuando la cancelación media de un evento se reduce a que la venta de entradas cae solo un 5%.

“La velocidad de las cancelaciones de festivales en 2024 no muestra signos de desaceleración”, afirmó en un reciente comunicado. “Estamos siendo testigos de la erosión constante de una de las industrias más exitosas y culturalmente significativas del Reino Unido, y no por falta de demanda del público, sino por los costes impredecibles e insostenibles de la cadena de suministro y las fluctuaciones del mercado. Al pedir una reducción temporal del IVA

relacionado con la venta de entradas, hemos ofrecido al Gobierno una solución meditada, selectiva y sensata, que supondría un descanso a este importante sector. Necesitamos actuar ya”.

Para complementar sus declaraciones señala el fondo Supporting Grassroots Music como uno de los primeros frutos de las conversaciones en curso con el Gobierno británico. El plan sigue abierto para aquellos eventos que se celebran en 2025, pero la demanda supera a la oferta y, si algo nos ha enseñado Covid-19, es que sortear los obstáculos y el papeleo necesarios para demostrar la elegibilidad y la legitimidad de este tipo de cosas puede plantear sus propios retos.

Ante todo esto, debemos preguntarnos qué queremos ver, si una cultura de festivales con espacio para la diversidad, la creatividad y la singularidad, que fomente una participación variada, o por otro lado, una que infravalore la individualidad y sobrevalore a muchos de sus individuos más íntegros, tanto promotores como espectadores. Trágicamente, la pregunta refleja problemas más amplios que van más allá de promover fiestas y disfrutar de la música. Hoy en día, los que tienen realmente tienen, y los que no, cada vez menos. Cuando pensamos en lo enorme que se ha hecho la brecha entre estos mundos, las palabras de Clarke resuenan en nuestra mente: “Tal y como ha ido el fútbol [con el dinero], podría ver cómo le pasa a los festivales de música electrónica”.

Puede parecer una visión sombría para el futuro de los festivales, pero tanto los organizadores como los asistentes aún tienen una oportunidad de evitarlo mediante nuevas ideas audaces, colectivismo y apoyo a estos eventos y a todo lo que aportan a nuestras vidas.

Fotografias cedidas por EXIT FESTIVAL

EXIT FESTIVAL 2024

Autora: Patricia Pareja Casalí

El pasado 11 de julio aterrizamos en Belgrado bajo un Sol imperante y nos dirigimos hacia la ciudad de Novi Sad, a una hora y media de la capital de Serbia. Dejamos nuestras cosas en el hotel y nos dirigimos rápidamente al evento para disfrutar del tour de bienvenida que nos había preparado la organización.

El festival es, hablando claro, una auténtica locura. Pocas, muy pocas veces, se puede ver el montaje de un megaevento alzado en medio de una fortaleza, en este caso en la fortaleza de Petrovaradin, y debo reconocer que me impactó mucho poder ver cada mínimo detalle de la logística de EXIT Festival.

Un sinfín de stages conformaban todo el complejo del festival y había lugar para todos los gustos; desde electrónica hasta reggae, pasando por heavy metal, hard techno, hip hop y dance entre muchos otros. A lo largo y ancho del lugar habían diferentes foodtrucks con distintas opciones de comida, barras, zonas de descanso, e incluso puestecitos con bebidas proteicas y smoothies. Todo estaba preparado para dar la bienvenida a la edición 2024, una edición que, sin ninguna duda, prometía ser del todo inolvidable.

Día 1: Jueves 11 de Julio

Tras nuestro tour por el festival horas antes de que abrieran puertas, el sol empezó a caer suavemente sobre la histórica fortaleza de Petrovaradin en Novi Sad, Serbia. A todo esto, debo añadir que entendí perfectamente que el festival empezara alrededor de las 20h, ya que el calor y que estaba haciendo aquellos días en la ciudad era demasiado intenso. A partir de cierta hora, cuando el sol ya empezaba a bajar, pasear por la ciudad resultaba bastante más apetecible. Mientras escribo estas líneas me viene a la mente lo que nos dijo Ana Markóvic, la persona responsable de prensa en el festival, cuando encontramos un trocito donde no daba el sol mientras hacíamos el tour por el festival: “¡Disfrutad la sombra!”.

Los primeros asistentes empezaron a llegar al recinto al mismo tiempo que empezaron a resonar los altavoces, dando paso al primer día de festival. La emoción en el aire era palpable y todos llegaban dispuestos a celebrar la música y la cultura en uno de los festivales más emblemáticos de Europa.

La jornada inaugural contó con un line up impresionante, destacando el electrizante set de Carl Cox, que mantuvo a todos los asistentes bailando sin descanso con su inigualable sonido. Además, también pudimos disfrutar de artistas como Rudim3ntal, Airrica, Franky Wah o Henry Sainz.

Día 2: Viernes 12 de Julio

El segundo día arrancó con un sol brillante y un entusiasmo renovado. En los diversos escenarios del festival, los géneros musicales se mezclaban creando una sinfonía única de sonidos. La actuación de la banda Black Eyed Peas fue una de las más ansiadas, ofrecieron una actuación vibrante e infundieron energía positiva en todos los asistentes.

La noche continuó con grandes artistas de la electrónica como Artbat, Kobosil, Cassie Raptor o Alok —con estos dos últimos artistas, además, tuvimos el placer de charlar para DJ Mag España.

Una de las maravillas de Exit Festival es disfrutar del amanecer al mismo tiempo que bailas al ritmo de algún set increíble en el stage Dance Arena. Y es que, contra todo pronóstico, en Novi Sad amanecía a las 4:30am, y en este segundo día de festival pudimos disfrutarlo al ritmo de Argy b2b Vintage Culture, quienes presentaron su b2b en exclusiva en este megaevento al mismo tiempo que asomaba el sol por detrás del stage.

El tercer día trajo consigo un clima perfecto para disfrutar al aire libre, seguía haciendo calor pero reconozco que de pronto parecía algo más apetecible. Por nuestro grupo de prensa ya nos habían avisado de que, de cara al último día de festival, el calor resultaría un poco menos bochornoso. Y así fue.

Sin duda alguna, este fue uno de los días que más disfruté. Gran parte debo agradecérsela al inigualable Patrick Mason, que nos contagió su energía indestructible con sus pasos de baile en cabina. Poco después, nos concedió una entrevista para DJ Mag España y fue muy interesante conocerle un poco más en profundidad.

Poco después nos recorrimos medio festival para llegar a tiempo y disfrutar al ritmo de Sparrow & Barbossa, ¡hace mucho tiempo que sigo a este dúo y fue increíble poder charlar con ellos! Y para cerrar esta jornada, una de las leyendas de la electrónica, Maceo Plex, nos concedió una rápida entrevista justo antes de empezar a pinchar. En este caso, el amanecer en Dance Arena lo disfrutamos al ritmo de Maceo, quien nos hizo bailar sin descanso al mismo tiempo que asomaba el sol para dar la bienvenida a un nuevo día.

Día 4: Domingo 14 de Julio

El último día del festival llegó cargado de emociones. La fatiga de los días anteriores no fue impedimento para que la energía y la pasión continuaran fluyendo. Este último baile vino cargado de energía y buena música de la mano de artistas de la talla de Black Coffee, Bonobo, Carlita o Sara Landry entre muchos, muchos otros.

Los asistentes, completamente entregados, bailaron y cantaron en una despedida emotiva de la edición 2024 de este gran festival.

EXIT Festival 2024 no solo reafirmó su posición como uno de los eventos musicales más importantes de Europa, sino que también celebró la diversidad y la unidad a través de la música. Durante cuatro días, Novi Sad se convirtió en el epicentro cultural del continente, ofreciendo una experiencia inolvidable a todos los asistentes. Cada actuación, desde las más íntimas hasta las más espectaculares, contribuyó a crear un mosaico sonoro que resonará en la memoria de quienes tuvieron la fortuna de vivirlo. El EXIT Festival 2024 será recordado no solo por su impresionante cartel de artistas, sino también por el espíritu de comunidad y celebración que lo caracterizó.

Día 3: Sábado 13 de Julio

Fotografias cedidas por MONEGROS DESERT FESTIVAL

MONEGROS DESERT FESTIVAL 2024

Mi primera vez bailando en el desierto

Autora: Patricia Pareja Casalí

El pasado sábado 27 de julio pusimos rumbo al desierto Monegros para vivir en primera persona este megaevento del que todo el mundo habla año tras año. Me entusiasmaba la idea de vivir esta experiencia al menos una vez, y en mi cabeza siempre resonaba lo mismo “por verlo, por experimentarlo una vez en la vida, me gustaría ir. Pero ya está”. Lo que no imaginaba yo es que volvería tan maravillada que, sin lugar a dudas, volveré una y mil veces más a este festival siempre que pueda. Antes de empezar mi relato, no quiero dejar pasar la oportunidad de agradecer desde aquí a la organización del festival por invitarme, cuidarme tanto y tan bien, y por hacerme vivir una experiencia inolvidable. Gracias: Rosa Santos, Cruz y Juan Arnau, de corazón.

De Camino al Desierto

Tras dos horas de trayecto desde Barcelona hasta el desierto, empecé a vislumbrar a lo lejos algunos de los stages más emblemáticos del festival; “ya hemos llegado”, pensé al ver las lonas de color rojo y amarillo ondeando, al mismo tiempo que reconocía la silueta tan característica del stage awakenings.

Tras acreditarnos, nos adentramos poco a poco. Debo reconocer que, normalmente, no soy muy fan de los festivales gigantes con miles de stages repartidos por el lugar, pero Monegros fue una auténtica excepción. Todo me alucinaba, todo me gustaba, y todo me parecía tan diferente a cualquier cosa que hubiera visto antes que simplemente me dejaba prendada. A todo esto, debo añadir que encontrarme y, sobre todo, reencontrarme con amistades y gente de la industria que hacía tiempo que no veía, fue un valor añadido para que esta experiencia fuera del todo única e inolvidable.

La Magia del Festival

El Sol abrasador fue testigo de una edición memorable. Con un cartel impresionante y una logística impecable, el evento reunió a miles de amantes de la música electrónica de todas partes del mundo, dispuestos a vivir una experiencia única en medio de un paisaje árido y fascinante. Conforme nos fuimos adentrando, pude contar hasta 11 escenarios, cada uno con una atmósfera y sonido distintivos que capturaron la esencia de distintos estilos dentro de la música electrónica.

En primer lugar, el Soundsystem Temple, el corazón del festival, donde el closing principal estuvo a cargo del maestro Joseph Capriati, quien ofreció un set épico que mantuvo a la multitud en trance hasta el amanecer y más allá. Techno Catedral fue un refugio para los amantes del techno más puro y contundente. Blackworks, un escenario que este año se presentó al aire libre y que combinó la frescura del aire nocturno con ritmos poderosos. Elrow, con su característico estilo colorido y festivo, este escenario fue una explosión de diversión y creatividad. Las decoraciones extravagantes y el buen rollo hicieron de este uno de los lugares más concurridos y, a nivel personal, donde mayor tiempo pasé bailando y disfrutando este año. Awakenings, por primera vez esta marca tan emblemática y reconocida alrededor del mundo trajo su propio stage a Monegros. Muy, muy fácil de ver y reconocer por su característica forma Gashouder de metal, este escenario mantuvo la esencia del techno con artistas que ofrecieron sets inolvidables. Industry City 1 y 2, dos escenarios que rindieron tributo a los ritmos

más oscuros y salvajes. Ambos fueron testigos de actuaciones intensas que dejaron a los asistentes deseando más. El Greenlight Corner, donde se pudo vivir el regreso del dub y raíces reggae más épico, perfecto para todos los amantes de las cajas y los dub-plates. El Corral, una propuesta más íntima y cercana, perfecta para aquellos que buscaban un sonido de house clásico y moderno, así como disco para refrescarse en medio del calor del desierto. El Pajar, otro de los escenarios íntimos, ideal para disfrutar de drum&bass, breakbeat, jump-up, ragga, jungle o neurofunk. Y La Pinada, una de las novedades de Monegros 2024. El stage contaba con un ambiente más natural y relajado, este escenario fue perfecto para aquellos que querían disfrutar de la música al ritmo de psytechno y progressive psytrance en un entorno más tranquilo y verde.

La combinación del entorno desértico, la tecnología de vanguardia en sonido y luces y la pasión de los asistentes —y de una servidora (todo sea dicho)— creó una atmósfera única. La unión entre la música y la naturaleza fue palpable en cada rincón del festival.

Una Experiencia Inolvidable

Con la caída del Sol, el desierto de Monegros se transformó. Las luces de neón y los láseres tomaron el control, creando un paisaje casi surrealista. La temperatura bajó, pero la energía del público se mantuvo en su punto más alto. Los sets nocturnos fueron una sucesión de momentos épicos, con DJs que se entregaron por completo a su arte, haciendo bailar a la multitud hasta el amanecer.

En esta ocasión, no pude quedarme a disfrutar del amanecer tan épico en el desierto al ritmo de Joseph Capriati. Bien entrada la madrugada me despedí, muy a mi pesar, de la organización y de las personas con las que disfruté al máximo casi 12h de festival. Pero, sin lugar a dudas (y quiero dejarlo aquí escrito): el próximo año prometo vivir la experiencia al máximo posible, ¡con atardecer y amanecer incluidos!

Monegros Desert Festival 2024 se consolidó como uno de los eventos más importantes del calendario electrónico mundial. Con una organización impecable, un cartel de lujo y una energía incomparable, esta edición dejó una huella imborrable en el corazón de todos los que tuvimos la suerte de vivirla.

Gracias por hacernos vibrar en el desierto, ¡nos vemos el año que viene!

Fotografias cedidas por MONEGROS DESERT FESTIVAL

Críticas | ÁLBUMES

Autor: BRUNO GARCA | bruno@djmag.es

KIASMOS

II

Erased Tapes Records

Y de repente, Kiasmos. Sin tirar de surfeo detectivesco online, pero creo recordar que debutaron con un largo hará una década, poquito después lanzaron otro LP, ‘Blurred’. Y desde entonces, parecían absorbidos por un agujero negro o una de las míticas galaxias de Lovecraft. Este verano hemos conocido ‘II’, un nuevo trabajo donde en el curso de once cortes hemos vuelto a revivir el placer de escuchar música electrónica bailable con un espíritu entrañable. Estos dos viejos amigos, Ólafur Arnalds y Janus Rasmussen, regresan a sus fueros. La estela continuista dejada por aquel debut en 2014. Soniquetes inmaculados, síntesis volátil, pianos austeros y estructuras donde importan el lugar y el espacio, los definen. Títulos que destacan en este regreso: ‘Laced’, ‘Burst’, ‘Sworn’ o ‘Told’. De escucharse de principio a fin sin rechistar.

BOOKA SHADE

Link To The Invisible Blaufield

Otra pareja bien calada. En su día, ‘Memento’ (Get Physical, 2004) fue un disco que batió récords disolviendo texturas y melodías sintéticas dentro de composiciones muy pisteras, casi siempre encariñadas con el techno y el house. Muy bien cuando tiraban de activos electro-funk, reguleras si espoleaban con percusiones más tribales. ‘Link To The Invisible’ marca un regreso alimentado por pistas que harán las delicias de sus fans más acérrimos. Estos, deben andar bien contentos pues el año pasado ya se atiborraron con un cucharón extra que fue la celebración del 20º aniversario del proyecto. Como ellos mismos aseguran, “es difícil explicar de dónde viene la inspiración, pero cuando nos golpea, sentimos el "vínculo con lo invisible". Ese lazo sigue siendo realzar y globalizar la música de baile con la melodía, los detalles y el equilibrio.

ROLAND LEESKER

Searching For Peace Get Physical Music

La carrera musical de Roland Leesker -un flipado de aquello que algunos hacíamos, grabar canciones de la radio en cinta y luego cortarlas para dar forma a nuestros propios batiburrillos- está completamente ligada a Get Physical. Si bien es cierto que nunca había debutado con ellos en formato largo. Tras un saco de 12” y alguna salida en digital, llegó el momento. ‘Searching For Peace’ se revela como un LP que engancha. Producciones donde obviamente manda la electrónica, pero que brilla por su compromiso y diversidad. Del electro-funk rapeado (por Jacinto) de ‘All These Lives’ al House candente de ‘Summer House’, hay un pequeño cosmos. Ambos cortes funcionan muy bien. Al igual que ‘Haus Musik’, en esta ocasión un vibrante ejemplo de Jackin’ House. La exótica guinda final, con la vocalista sudafricana Sobantwana, también posee personalidad propia.

BRITISH MURDER BOYS

Active Agents and House Boys Downwards

Hasta yo me he quedado sin una de las 500 copias que lanzaron en vinilo ¡volaron! ‘Active Agents and House Boys’ es el nuevo doble LP del dúo británico British Murder Boys, una especie de villanos que reparten estopa a base de Techno Industrial y electro de carácter intenso y rocoso. Raw, voces gritonas ultra procesadas y bass a una velocidad nada despreciable. Anthony Child (quien no olvidemos es Surgeon) y O'Connor, pareja de asesinos natos del extrarradio de Birmingham apuestan muy concretamente, en los nueve cortes del esperado pero sorpresivo nuevo álbum, por el sonido crudo de la escena de baile que se sucedía clandestinamente en almacenes y naves de los 90. Hay, en particular, un par de tracks en el nuevo temario que quiero destacar: ‘We Will Show You’ y ‘Killer I Said’.

ACTRESS

Statik Smalltown Supersound

Los discos del sello Smalltown Supersound deben tener un lugar muy especial en la estantería. La escudería noruega lleva generando magia con sus novedosas maneras de entender la electrónica y a través de gente como Kelly Lee Owens, Carmen Villain, Lasse Marhaug o quien nos compete hoy, Actress. Darren Jordan Cunningham -quien también conduce Werkdiscs, hermanito pequeño de Ninja Tune- lanza un disco que es inmaculado en vena. Fluido y sutil. Acuático y desde luego reflexivo. Y es que debe ser que esa tierra donde sueña y produce, Saturno, existe un rellano de paz ideal para ceremonias y experiencias metafísicas. De otro modo, composiciones como ‘Rainlines’, ‘My Ways’, ‘Six’ (mi favorita de aquí a Pekín) y la curiosa por su título ‘Cafe del Mars’, son para abstraerse, que nos relajemos y se nos vaya la pinza.

Críticas | ÁLBUMES

Autor: BRUNO GARCA | bruno@djmag.es

NATHAN HAINES

Notes

Loop/EMK

Me considero uno de los culpables de hacer sonar mogollón de veces, en las playas de Cádiz y Málaga, la música de este virtuoso. Estamos ante su undécimo álbum de estudio, el primero en solitario desde 2014. Es un decir, claro, pues el neozelandés persiste en rodearse de más talento. Artistas que siempre aportan, muy especialmente vocalistas. En ‘Notes’ cuenta con la presencia de Vanessa Freeman, Ruby, Eo, La Coco o Arjuna Oakes. Su producción no se ha desgastado con el tiempo, continúa resultando fresca e innovadora. La brisa perfecta donde, con mecanismos bailables pero sin aceleres, convergen neo jazz, funk, beats, hip hop y house. Si lo que necesitas es trasladar tus malos pensamientos bien lejos a base de un buen bailoteo: ‘Don’t Think’. Por el contrario, ¿buscas parar la máquina del tiempo por completo? ‘Notes’.

JACEK SIENKIEWICZ

Directions: Meaning And Truth Recognition Records

Con la propuesta de Jacek Sienkiewicz tengo la sensación de seguir percibiendo el ayer. El de una caminata que aborda todo lo que llevamos vivido en este siglo. Su marca Recognition Records cumple los 25 años de vida, convirtiéndose en uno de los sellos polacos con mayor recorrido dentro de la escena Techno. Y siendo más conciso, afín a un circuito que sigue tirando del minimalismo (en apariencia) y que experimenta con el dinamismo de las capas Dub. Este disco en concreto concentra lanzamientos que encontraron una amplia aceptación en el extranjero y le otorgaron reconocimiento en el panorama europeo. Además de un tema inédito compuesto en esa misma época. Su propuesta es tirante y oscura. Las marcas rítmicas, intransigentes. El corte que más me ha convencido es curiosamente el de cierre: ‘Bon 234’. Un respiro

Flama y frescor en este lanzamiento. Brío y pausa a lo largo de las once canciones que lo componen. Piezas instrumentales que de repente dejan de serlo por la obra y gracia de voces como las de Niki Yang y la propia Naomi Saalfield, co-fundadora de este cuarteto australiano, artista que además ha colaborado con el rapero Drake. Musicalmente hablando disfrutamos de un entramado de Future Soul, R&B moderno y Funk de conciencia Jazzy. En este sentido destacan títulos como ‘Telescope’, ‘BMO is Beautiful’ o ‘Dimitri’. Encontramos también salpicones más eléctricos (‘Cinnamon Temple’, con esencia rock y maliense) o muy pegadizos, ‘Love Heart Cheat Code’, cuyo estribillo es un puro taladro emocional. El resultado final demuestra un trabajo amplio, cohesivo, donde se evidencia también lo bien que se lo montan también en directo.

NIGHTJAR

Mala Leche Lewis Recordings

¿Alguno en la sala se acuerda del trío Doves? Igual no, pero ¿y de Sub Sub? Estos si. Con la misma formación pero volcados por el sonido Madchester tintado de House y estructuras bailables. Muy influenciados además por las noches de desfase en The Haçienda. Pues bien, uno de los componentes -Jimi Goodwin- ha creado este nuevo invento llamado NightJar. Y debo reconocer que me han sorprendido. Me ha hecho salivar. También lo logrará con los amantes del Hip Hop más marciano, ese mismo que se sostiene en bases rotas de tono abstracto y MC que versan con el vaivén que se cree bebido pero lúcido multiplicando rimas. También encontramos en este ‘Mala Leche’ un buen baño de rap y beats a la vieja usanza. El cóctel final es muy recomendable y genuino. ‘Sylvester’ y ‘Burnt up Nights’, ¡uf!

XL Recordings

Tras un par de buenos regates, de esta no se escapa. La surcoreana, con base en Berlín, Peggy Gou, se ha convertido en una de las artistas a la que no perder de vista. Ya no solo por su vínculo con creadores no menos singulares como Olafur Eliasson, ahora también por debutar con un LP realmente atemporal, multiforme y gustoso. Su hermosa imperfección la delata. Es capaz de tirar de bases electrónicas mientras nos ilumina con pop contemporáneo soñador y cálido. Oh, ese corte con Lenny Kravitz. No es 100% R&B, ni es una nueva diva del K-pop. Crea y aúna todo eso sin pillarse los dos. El sonido, elástico y práctico. Rap y House también tienen cabida en su oferta, queda claro en temas como ‘I Go’, ‘Back To One’ o ‘All That’ junto a Villano Antillano.

HIATUS KAIYOTE Love Heart Cheat Code Brainfeeder / Ninja Tune

PEGGY GOU I Hear You

Críticas | UK GARAGE

Autor: BORJA COMINO | borja@allinpress.com

UPSAMMY

Germ in a Population of Buildings

Upsammy

Inspirándose en la electrónica enérgica y experimental de los 90, upsammy aporta una nueva vueltecilla al género a través de los últimos lanzamientos que ha hecho para PAN.

Hay mucho ejercicio de estilo de IDM melódico de Aleksi Perälä, AFX y Matmos y mucho de Objekt y colectivo Timedance, referencias que mucha gente entiende como válidas. Thessa Torsing, ha ido entrelazado sus estudios de arquitectura paisajística con su música y en estos últimos dos o tres años le ha ido tan bien que ha colaborado con una leyenda como Björk. A diferencia de la música electrónica muy procesada que se escucha a menudo, las composiciones de Torsing siguen siendo suaves y sin forzar, consiguiendo vibrantes ritmos electroacústicos y texturas inestables y psicodélicas a partir de grabaciones de campo y sonidos ambientales.

El productor canadiense Jesse Bru siempre ha ido purulando por territorios sonoros bastante dispares, pero en su nuevo material parece que va más a por faena que nunca. Algo que ha mantenido a rajatabla es el uso del sampling al estilo de los noventa. El garage, hip-hop y ambient hacen acto de presencia, pero, sobre todo hay mucho de house en plan lo-fi, como el Ross From Friends primigenio. Pero al profundizar en sus discos se aprecia una perspectiva mucho más amplia, en la que se pueden encontrar muchos géneros dentro de los grooves y los ritmos. Su trabajo melódico, con un énfasis particular en las vocales y un sonido claramente contagioso que mantiene a los oyentes enganchados de principio a fin. Con lanzamientos estelares en sellos como Slothboogie, Aterral, el subsello de Oath Last Year at Marienbad, Blaq Numbers y Happiness Therapy, hay mucho camino por delante para Bru.

CAMEO BLUSH

In Cadence

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Cameo Blush por fin está teniendo el reconocimiento que se merece y, como lo sabe, ya está empezando a subir temas secretos a Bandcamp, los pone gratis para descarga… etc. Cosas de famosos. Sus temas están llenos de carácter y estilo y todos tienen algo en común y es la habilidad de Cameo Blush para trabajarse unas vocales que despiertan emociones. Su forma de samplear es una habilidad fuera de lo común y, como también sabe eso, enfoca gran parte del valor de sus producciones en ello. El EP al que me refiero es ‘In Cadence’ que fue lo primero gordo que lanzó, dos años después de empezar su proyecto y poco antes de que Ross From Friends le reclutara para lanzar ‘Lucky EP’ y ‘Silkworm’ a través de su Scarlet Tiger. Pero realmente mi llamamiento es a escuchar toda la discografía de Cameo Blush.

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JENNIFUR We Don’t Need To Jennifur

El artista belga Jennifur tiene un rollo bastante enigmático, por lo que está empezando a resultar atractivo para cada vez más gente. Historias como que se encerró en el sótano de su casa durante un año y medio porque le contrataron para producir la banda sonora de un juego de snowboard de PS5 también alimentan el lore. De hecho, el álbum ‘Things Don’t Change Until They Do’ sale de ese trabajo. En ‘Mother’, los patrones polifónicos que suenan complicados pero son fácilmente descifrables se combinan con breakbeats y un rollo de ambient clásico que casa mucho con lo último que está haciendo el venerado Skee Mask. Además de hacer música electrónica, también intenta explorar los límites del medio con un proyecto que comparte con Marius Lefever llamado Lefever & Devriendt.

JOY ORBISON

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Dekmantel

La serie de recopilatorios Selectors de Dekmantel empezó en 2015 y, casi una década después, cada lanzamiento es todo un acontecimiento. El cuarto recopilatorio de la serie cuenta con el talento británico Joy Orbison como comisario de una especie de homenaje a su país natal. Afincado en Londres, es muy consciente del paisaje musical único del Reino Unido y del papel que ha desempeñado en la formación de su propia visión artística. Al crecer, los sonidos del garaje, el jungle y el dubstep le impresionaron y, él mismo dice que la potente cultura del soundsystem es un hilo conductor en todo lo que hace. Su hit ‘flight fm’ es justamente una muestra de esto último. Ese bass que le ha conseguido meter en playlists de videojuegos es una clara referencia a esa música que no está hecha para escuchar a través de los altavoces del iPhone porque lo que pide es decibelios. Cuantos más, mejor.

SWAMI SOUND, CVMILLE ‘Back In The Day’ [Notes By Design]

TAMA GUCCI ‘Hot Boy’ [U-NXT]

03. NAMASENDA ‘Black Ops 2’ [PC Music]

04. SZARE ‘Kodiak’ [Different Circles]

05. ELL MURPHY, DJ CRISPS ‘Freedom’ [Shall Not Fade]

06. OPUS ‘Newspeak’ [Crucial Recordings]

07. TAIKO ‘No More’ [White Peach]

08. 08. CARTRIDGE ‘Labyrinth’ [Deep Dark & Dangerous] 09. 09. HEBBE, MELLE, MR. K ‘Wayside’ [DUPLOC] 10. 10. PUSHLOOP ‘Secret Society’ [Dank ’N’ Dirty]

DEVALL

JESSE BRU Sea To Sky Oath

Críticas | HOUSE

Autor: ALEJANDRO SERRANO | alejandroserranopr@gmail.com

PEDRO RICARDO

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Pedro's House

El productor portugués Pedro da la bienvenida al verano con un álbum tan caluroso como apasionado es Pedro's House, que a su vez es una oda al universo del hi-tech jazz. Este singular productor, conocido por su audacia musical, fusiona Jazz, House y Techno sin perder su tradición soul. Cada track aporta un groove orgánico que irradia libertad, con una intensidad que hará rugir los bafles de las mejores salas. Su enfoque expansivo y en constante evolución, anclado en el folk y la melodía, convierten esta referencia en un punto de partida que promete dar mucho de qué hablar.

Esperemos que en sus próximas referencias mantenga este nivel tan inspirador. Mientras tanto, esta pieza es una buena excusa para dar la bienvenida al verano.

ALTON MILLER

Reflections Within EP Mister Bear Records

En su último lanzamiento, el sello Mister Bear da la bienvenida al icono del House de Detroit, Alton Miller, con ‘Reflections Within’. Miller, una figura clave en la evolución del House de Chicago, ha dejado una marca indeleble en la escena musical de Motor City, destacándose en el mítico club nocturno Music Institute junto a Chez Damier y George Baker. Ahora, ‘Reflections Within’ sigue la línea positiva de ‘Am Forplay’ con melodías eufóricas y equilibradas. El productor sigue mirando hacia el futuro, creando música que inspira igual que aturde con su creatividad. Este trabajo también se puede leer como una afirmación de la vida y de seguir luchando por aquello que uno ama. Se trata de un capítulo más en la impresionante carrera del productor que invita a perderse en el embriagador crepúsculo estival.

ARGY & WEEKEND HEROES

No One's Coming / Talk To Me

Afterlife Records

El artista y productor Argy lanza New World, mostrando su versatilidad y profundo conocimiento de la música electrónica. En él, Argy canaliza toda una vida llena de dedicación y talento a lo largo de 14 tracks.

Con raíces en un sonido underground, en el álbum se dan cita vocales etéreas, arreglos emotivos y ritmos potentes, demostrando un sonido que evoluciona la trayectoria artística de Argy. Cada track es una exploración sonora que lleva al oyente a través de paisajes sonoros atronantes. Podríamos decir que New World es un viaje inmersivo, invitándonos a descubrir nuevos horizontes musicales guiados por una visión que pone patas arriba géneros tan canónicos como son el house o el techno. ¡Chapó!

BLACK POMADE

ANTONATOR

Epsilon Anto Recordings

El productor griego Anto ha estado produciendo música desde finales de los 90, llegando a destacar en el concurso Bedroom Bedlam de Pete Tong en 2007 con ‘Wonderful Strings’. En 2009, uno de sus remixes alcanzó el número 1 en Hypem, catapultando así su carrera.

Su último lanzamiento, ‘Epsilon’, lo lanza en su propio sello Anto Recordings, donde promete ser una experiencia sonora poderosa y fascinante que consigue dar un giro a su sonido. En los tracks se combinan sintetizadores y basslines ondulantes que crean un paisaje sonoro tan inquietante como envolvente. Los efectos de ciencia ficción transportan a los oyentes a reinos de otro mundo, enriqueciendo la aventura auditiva. Con una melodía adictiva, ‘Epsilon’ seguramente resonará esta temporada entre los entusiastas del techno y el house melódico.

INDY LOPEZ On My Mind King House Records

Justin Rivera, conocido como JRIV, se está haciendo un nombre en la escena house con su single debut que produce junto al productor Indy Lopez. Este DJ, productor, cantante y compositor estadounidense, con influencias de su cultura puertorriqueña, mezcla hábilmente elementos latinos con groove, anclado en la herencia musical de Detroit y Chicago.

El single mezcla deep house con ritmos 909 icónicos, acordes hipnóticos y un poso muy underground. Inspirado en su experiencia en el soul, hip-house y R&B, Rivera ofrece en este trabajo una experiencia auditiva cautivadora, donde él mismo añade su voz, pensada para los amantes del house y el techno. Una pieza que hará las delicias en un atardecer junto al mar en esta temporada estival.

01. MANZO EDITS ‘Sea Urchin’ (Black Pomade Edit) [Manzo Edits]

02. STEAL TAPES ‘Rise’ [Whoopee Rec]

03. PAT & PATS ‘Tobago’ (Miro's Piano Paradise) [Disco Segreta]

04.

05.

06.

07.

08. SYNAPTIC VOYAGER ‘Electric Ocean’ [4lux Recordings]

09.

10.

HATORI HANSO ‘Low Rider’ [Pilot]

MIRROR PEOPLE ‘Costa Nova’ [Belong Records]

EURO NETTUNO ‘Diavolo’ (Marvin & Guy Megamix) [Polyamore Recs]

SOULMATE ‘Drone’ [ILIAN TAPE]

DAM SWINDLE ‘Allright’ (Just A Tribute) [Phonica Records]

VIRTUAL REALITY ‘Hypnotic’ Behaviour [Ruínas]

JUSTIN RIVERA,

Críticas | DRUM & BASS

Autor: DANIEL PANIAGUA AKA D-PR | drumandbass@djmag.es

DEBICE & I.C.U

Make Some Noise

Grand Theft Audio Records

Nuestro gerundense favorito Debice regresa con cuatro bombas al sello Grand Theft Audio Records con su nuevo trabajo Got The Moves. Nuestra pista más destacada es en colaboración con I.C.U desde Bristol, demostrando buen gusto por el drum & bass pistero, listo para destrozar salas y festivales en lo que queda este año, con un riser increíble antes del drop, unas baterías potentes y dos drops perfectos que te pondrán “bass fase” instantánea.

REVEREND

Wasting No Time

DNBB Records

Conexión Rumania – Brasil en este ‘Wasting No Time’ del dúo de Bucarest. Aterrizan en el mítico sello sudamericano con un tema pistero, con mucho gusto, entre el techstep y el liquid. Es una sorpresa para el sello —donde predomina el soulful y el liquid pistero— encontrarnos con un tema tan exquisito como este. ¡Sin duda todo un descubrimiento este dúo rumano al que no perderemos de vista!

DR MEAKER FT. TERRI WALKER Distant City Flightcase Recordings

Dr Meaker sigue con su camino hacia su nuevo álbum que promete ser uno de los discos de Drum & Bass del año. El productor de Bristol regresa con Distant City con la vocalista Terri Walker con un gustazo por el jazz en la sección de viento predominante durante todo el tema, combinadas con su característica forma de programar baterías y la preciosa voz de la interprete. ¡Otro gran tema para Dr Meaker con este Distant City!

NOPPO

On Me

Balearic Breaks

Nos encantan las caras B de los EPs porque a veces superan lo que debería ser el tema principal, pero es que Nic Febrer, más conocido como Noppo, aterriza de nuevo en el sello ibicenco dedicado a los sonidos soulful drum & bass con ‘Until Dawn’, y la pista ‘On Me’ es toda una delicia con unos pads perfectamente escogidos, unas baterías suaves y unos arreglos que te transportan a un lugar feliz, ¡10/10!

Delph Love For Low Frequencies

L0G1N lleva un par de años en una forma exquisita, haciendo una transición del jump up hacia el techstep y el deep drum & bass de una forma increíble, sacando temazo tras temazo. Pues bien, en este Delph nos pasa de lo que creemos que va a ser un tema suave de liquid, a un tema lleno de oscuridad, graves al frente del track y unas baterías potentes. Otro banguer para este gran productor.

VANDERMOU (Gutting Audio)

03.

05.

06.

07.

01. THE CLAMPS 'FTDS' [Trendkill Records]

02. PROLIX & BLACK SUN EMPIRE 'The Message (VIP)' [Blackout Music]

QO & THE CLAMPS 'Krieg' [Hoofbeats Music]

04. NEONLIGHT 'Bad Omen' (State Of Mind Remix) [Blackout Music]

GYDRA 'Problem' [Eatbrain]

PRDK 'Ragga Dagga' [PRDKMUSIC]

HEBRA & VANDERMOU 'We Still Have Bass' [Gutting Audio]

08. QO & TRILO 'Push It To The Limit' [Hoofbeats Music] 09. STATE OF MIND 'Giant (VIP)' [Eatbrain]

10. AVILE 'The Funk' [Neuroheadz]

L0G1N

Críticas | BREAKS

Autor: EDUARDO CARBONELL | evilsound@djmag.es

COLOMBO

Through Dassier ’s Eyes (Parte 1) 333 Frequency

El productor malagueño Alejandro Rojo, más conocido como Colombo, vuelve con un nuevo trabajo de larga duración. El sello elegido para el lanzamiento es 333 Frequency, dirigido por él mismo y Dassier Chams, publicándolo en este caso en varias partes a lo largo del año. En esta primera tanda nos ofrece 5 producciones de big beat sin desperdicio. Recientemente, también publicaba los singles de electro 'Its The Drop', 'Soundria', 'Eskupitajo' y 'Ware', además del genial single de progressive breaks titulado 'A Sound Journey'. Si eres amante del formato físico, también tienes dos discos de vinilo publicados por 333 Frequency, titulados 'Made In The Street' y 'Relics Of Colombo I' y otro por el sello Totem Tanz titulado 'T.R.E.S'.

ALEX PHYSALIS

Alterego

Calligraphy Recordings

Alex Physalis es un artista multidisciplinar procedente de Bielorrusia, diseñador de sonido, productor musical, artista visual y un largo etc. Con casi 20 años de experiencia en la producción de sonido, Alex se hizo ampliamente reconocido bajo el nombre artístico Dread y sus paquetes de samples. Estas librerías se convirtieron en las más vendidas en la plataforma Loopmasters, influyendo significativamente en la formación del lado más pesado del drum & bass y la cultura Crossbreed. Después de una breve pausa en la producción, regresa bajo el seudónimo Alex Physalis y un nuevo sonido bajado en BPM, con lanzamientos como el breaks industrial de 'Alterego' bajo Calligraphy, o el neurobreaks 'Metaphysics' y 'Empirical Cognition' bajo Audiogore y 'Aftermath' bajo Resurrection Community.

FACTORE

20000 Freaks (Rasco Remix)

Elektroshok Records

Desde sus comienzos trabajando para sellos en la escena musical de Chicago durante el nacimiento de la música house, el estadounidense Jonathon Stewart alias FACTORe se ha convertido en una de las figuras clave de la música electrónica. A través de su propio sello 20K Freaks Recordings nos llegaba en 1999 uno de sus temas breakbeat más icónicos, cogiendo especial relevancia tras publicarse en los recopilatorios 'Essential Elements' de DJ Icey y 'Flavored Beats 6' de Rick West a principios de los 2000. Recientemente, el onubense Rasco nos sorprendía con una remezcla oficial de este clásico, llevándoselo a su terreno con una producción breakstep muy funky. No te pierdas otras pistas de Rasco como 'Dreambeach', 'Bass Please' junto a Bowser o 'Bad Breakdown' junto a DBX.

HEATHER COLLINS (HEATHER’S HAWT LIST)

FREQ NASTY Every Posse & Crew Hot Cakes

El neozelandés afincado en Los Angeles, Darin McFayden aka FreQ Nasty, es un viejo conocido en el mundo de los ritmos rotos. El creador de clásicos del nu skool breaks como 'Boomin' Back Atcha', 'Amped' o 'Fresh', rescata otro de sus hits rompepistas como fue este 'Every Posse & Crew' en colaboración con el inglés Deekline. Para la ocasión el sello Hot Cakes nos trae un remaster digital, acompañado de un remix a cargo de la estadounidense Mary Droppinz. Una buena manera de hacerse con él, con la mayor calidad posible, ya que este track solo fue publicado en formato vinilo por el sello Rat Records en 2002. El pasado año tuvimos la oportunidad de volverlo ver por tierras gaditanas en la Retro Halloween de Raveart.

HOUSEHEADZ

Piano Anthem (Maceo Rivas & Dr Black Sheep Remix) Cleveland City

El sello Cleveland City es un oasis para los amantes del house más fresco y de pianos alegres, además de ofrecernos de vez en cuando joyas del breakbeat hardcore como este remix al track 'Piano Anthem' de Househeadz a cargo del granadino, afincado en Paris, Maceo Rivas, quien repite en la coproducción con Dr Black Sheep, como su anterior remix '2 Funky In Here' para esta casa. No te pierdas otros lanzamientos de breakbeat hardcore de este sello como 'Let the Groove' de Tony Oldskool, 'Q (Breakbeat Mix)' de Dream Frequency y K69 o 'In Your Arms' y 'Paradise Lost' de Joey SLVR, ni house con cortes breaks como 'Don't Let a Good Thing Get Away' de Lady Hani o 'Your Love' de K69 y Mr Jay.

01. OVERMONO ‘Bby (Original Mix)’ [XL Recordings]

02. 02. RACES FEAT. BLANCO ‘Interplanetary Criminal (Original Mix)’ [Room Two Recordings]

03. 03. PAKET ‘Heart and Mind (Original Mix)’ [Guachinche Records]

04. 04. ONDAMIKE ‘Lectro Bass (Original Mix)’ [Ravesta Records]

05. 05. APASHE FEAT. ALINA PASH ‘Witch (Born Dirty Remix)’ [Kannibalen Records]

06. 06. YEMI ‘Altar (Original Mix)’ [Shall Not Fade]

07. 07. FRAMEWERK ‘Floribunda (Breaks Mix)’ [Capital Heaven]

08. 08. BROTHERS OF FUNK ‘No Escape (Original Mix)’ [ElectroBreakz]

09. 09. AUDIOJACK ‘In Your Eyes (Original Mix)’ [DIRTYBIRD]

10. 10. SPECIMEN A, HANKOOK ‘Cupid (Original Mix)’ [Distorsion Records]

Críticas | ELECTRO

Autor: FEDE CORTINA | fede@djmag.es

AGOSTINO CASILLO

REPLAY - ORIZZONTI SINTETICI EP

Risorsa Elettronica

En el segundo lanzamiento del sello italiano Risorsa Elettronica, nos encontramos con un EP que fusiona perfectamente electro y techno. El track ‘Replay’ es uno de esos que podrían llamarse “rompe pistas” con un fuerte groove techno y breakbeat a ratos. Durante todo el track se pueden escuchar sintetizadores y efectos envolventes que le dan un carácter oscuro, además de un vibe furioso ideal para el peak time de la noche. Voyage Distribution es el encargado de producir y distribuir esta joya musical.

ARREDO

Blue Spotlight - FEAR FIGHTER EP

Italo Deviance

Este disco, que incluye dos tracks sensacionales junto con un remix de cada uno, tiene una esencia que evoca la música synth y disco de mediados de los 80s. El track ‘Blue Spotlight’ particularmente llamó mi atención debido a su increíble mezcla entre los arpegiadores, la melodía del sintetizador y el bassline, que se responden unos a otros en perfecta sintonía. Todo esto suena sobre una base break propia del electro, lo que lo convierte en un track excepcional tanto para escuchar en casa como para pincharlo en un sunset o afterparty. El disco está distribuido por Voyage Distribution y las copias son limitadas.

MICRO.TRON

La Luz Mala - The Bodhi EP Zonate

En el segundo release del sello Zonate con base en Londres encontramos ‘La Luz Mala’, un track del productor Micro.Tron. Este lanzamiento destaca por su habilidad para fusionar diversos géneros como el electro, el techno y el house, creando un vibe perfecto para demoler el dancefloor. El track comienza de manera tranquila, introduciendo gradualmente elementos y basslines propios del electro junto con una base rítmica que tiene un gran groove. A medida que avanza, la pista va ganando en intensidad, incorporando capas de sintetizadores y efectos que enriquecen la experiencia auditiva. Esta estructura progresiva hace que ‘La Luz Mala’ no solo sea ideal para la pista de baile, sino también para aquellos momentos en los que se busca mantener un ambiente enérgico y vibrante.

RINDEAU [STRAIN RECORDS]

Machina Marina - A.R.G.: Advanced Rhythm Generator Melcure

En la referencia n*12 del sello Melcure nos ofrece un VS de los productores argentinos Juaan y Richer. En el track A2 ‘Machina Marina’, de Richer, el creador del sello Calypsos Dream, encontramos un tema muy atmosférico y dirigido a la pista de baile. Es un track serio que cuenta una historia de principio a fin, con un bassline demoledor y percusiones que te llevan a un synth que acapara toda la atención del track en conjunción con vocales y percepciones que hacen alusión a la música de los 80s. Esto lo convierte en una selección muy interesante a la hora de pinchar y querer llamar la atención de los asistentes. Este disco es distribuido por Subwax.

VARIOUS ARTISTS What Happened To The Underground DSK RECORDS

En este compilado se presentan 3 tracks excepcionales de artistas que fueron invitados para dar su mirada del sonido underground actual. Los encargados de esta misión fueron Golden Virgo con el track ‘STRN’, Think Aloud con ‘Spiral’ y Effin & Blindin con ‘Nobody’. En el EP podemos encontrar 3 visiones de electro diferentes, siempre con la esencia del electro clásico con líneas de bajo potentes y una vibe sumamente espacial. 'What Happened To The Underground?' es una escucha obligada para cualquier apasionado de la escena musical underground y puedes encontrarlos en Beatport y en las plataformas de streaming.

01. DANI LABB ‘Stabber’ [22recordings]

02. 2. C.RU.Z  `La Pasión Paga’ [Griffe Records]

03. 3. RICHER ‘ElectroVision at FashionTV’ [Incoherent Debts]

04. 4. DEYAYU ‘Sexual Desire’ [Jooice Records]

05. 5. BREAK3000 ‘Plastic People’ [Mondo Phase Rec]

06. 6. STEFANO ANDRIEZZI ‘Esta Si’ [Strain Records]

07. 7. MONTEI ‘Justin Case’ [Pryma Records]

08. 8. RUFO ‘Abducción’ [Exarde]

09. 9. ALEX DIMA ‘Running Against Time’ [Lemaia]

10. 10. RINDEAU ‘Machine Soul’ [Circulo Cerrado]

JUAAN VS RICHER