EDICIÓN 1
QUE ARTE
10 TIPS
para foto de paisaje
GRAFFITI Abril 2016
¿Arte incomprendido?
CINE Y FOTOGRAFÍA Lenguajes complementarios
Diseño Editorial: Doris Caicedo
Fotografía: Víctor Chaves
Retoque Digital: Álvaro Rubiano
Fotografía portada y algunos artículos, diagramación y diseño: Viviana Sánchez Nates
Artículos texto:
www.dzoom.org.es, www.fotomuseo.org, www.jetset.com.co, www.cadadiaunfotografo.com, www.publimetro.co, www.elespectador.com, www. arteurbanoformacomunicacion.blogspot.com.co, www.fucsia.co, www. elpais.com, www.eltiempo.com/
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María Camila Mera V.
Publicidad Arizona:
Viviana Sánchez Nates
Imágenes algunos artículos y publicidades:
www.gudzowaty.com, www.4shooters.wordpress.com, www.tomhoops. com, www.antronio.cl, www.altfoto10.rssing.com, www.bancodeimagenesgratis.com, www.blog.mireianavarro.es, www.dpreview.com, www.taringa. net, www.artemapale.com.
Introducción Esta revista esta dirigida a personas interesadas en fotografía que quieran profundizar o a personas que están interesadas en aprender sobre este tema, tanto técnicas como fotógrafos. El contenido de esta revista no solo te da a conocer diferentes ramas de la fotografía, tips para que tus fotos sean únicas y puedas mejorar cada ves mas tu técnica de fotografía y aquí podrás conocer fotógrafos famosos y no famosos tanto nacionales como internacionales, sino que también podrás ver diferentes opiniones sobre temas que están en la boca de todas las personas en las zonas urbanas de las ciudades de cada país.
CONTENIDO 6
ABDÚ ELJAIEK Fotógrafo con más historia en Colombia
10 Iluminación de retratos artificial VS. natural
14 Fotógrafos Colombianos 16 El graffiti, ¿Un Arte Incomprendido? 22 10 TIPS para hacer fotografía de paisaje
26 Arte de la fotografía en el cine 28
Conoce a: Sebastião Salgado Tom Hoops Tomasz Gudzowaty
ABDÚ ELJAIEK Uno de los fotógrafos con más historia en Colombia
Eljaiek es uno de los fotógrafos con más historia en Colombia. Pupilo de Leo Matiz y Ansel Adams, empezó, como casi todos, en bellas artes. A la manera de Faulkner lo fue todo, editor de televisión, ayudante de cámaras, diseñador de camisas, hasta que una buena dosis de testarudez y un talento incuestionable lo dejaron en manos de la fotografía profesional. Después de vivir unos años en Bogotá, su familia se trasladó al Líbano y regresó a Colombia en la década de los 50. Fue una época difícil por la violencia imperante que les acarreó problemas económicos. Abdú que cursaba el tercer año de Bellas Artes en la Universidad Nacional de Santa Fé de Bogotá se vio forzado a dejar los estudios para vivir de su trabajo. Sin embargo su actividad como cámara de TV le abrió poco a poco las puertas de su oficio definitivo: la fotografía. Como fotógrafo trabajó para Cromos, Vea y decenas de publicaciones nacionales y extranjeras y se hizo un camino en la fotografía publicitaria.
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Después de vivir unos años en Bogotá, su familia se trasladó al Líbano y regresó a Colombia en la década de los 50. Fue una época difícil por la violencia imperante que les acarreó problemas económicos. Abdú Elajaiek con sus paisajes, bodegas, naturalezas muertas y retratos, revitaliza el quehacer fotográfico, creando un mundo de íconos que se nutren de nuestra geografia, de nuestros campesinos, nuestros intelectuales y nuestros artistas; grises vivos, negros absolutos, blancos llenos de color, hacen que la forma se convierta en dibujo y luego a través de una mirada mas detenida, en escultura, el espacio protagonista pro
exelencia de la obra, dramatiza el conjunto y acerca al espectador al momento mismo en que fue capturada la imagen Con su admiración por el trabajo de dos fotógrafos inolvidables: Guillermo Angulo y Leo Matiz y a base de pruebas y experimentando por cuenta propia llegó a ser un profesional de la fotografía. Más de un editor le ha dicho que las fotos le quedan oscuras y les dice “No me quedan oscuras, las hago así a propósito. Es mi estilo. En el laboratorio trabajo para destacar los tonos más oscuros y en medio de ellos, la luz. Es un asunto técnico que casi nadie entiende”.
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Un solo retrato de Abdu Eljaiek habla por la eternidad de un rostro. Basta que uno mire cualquiera de sus fotografías, para conocer un poco del secreto que guardan los ojos.
Su trabajo de fotógrafo ha acompañado la obra de diversos escritores e historiadores. Ha sido profesor de fotografía y artes de varias universidades y ha presentado sus exposiciones en diversas ciudades colombianas y fuera del país, en Polonia, la antigua Yugoslavia, Francia y Bélgica. Abdú ha fotografiado presidentes, empresarios y personalidades del arte, pero una de sus obras más recordadas fue la serie de desnudos que le hizo a la modelo Dora Franco, que se interpretó en los corrillos artísticos como el inicio de una etapa en la cual el país del Sagrado Corazón empezaba a perder su virginidad. Las imágenes fueron tomadas a finales Hoy, después de muchos años haciendo fotografía a blanco y negro esta intentando con la fotografía a color
de los años sesenta mientras Colombia se debatía entre el moralismo católico, la tendencia nadaísta que respiraba libertad y el open mind de la revolución sexual. En su obra los grises vivos, negros absolutos, blancos llenos de color, hacen que la forma se convierta en dibujo y luego a través de una mirada mas detenida, en escultura. El espacio es el protagonista por excelencia de la obra, dramatiza el conjunto y acerca al espectador al momento mismo en que fue capturada.
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ILUMINACIÓN DE RETRATOS ARTIFICIAL VS. NATURAL Para el control de la iluminación artificial hay que seleccionar el tipo de luces y disponerlas para que produzcan el efecto deseado por el fotógrafo. A pesar de que las fuentes de luz artificiales que ofrecen un mayor control sobre las sesiones de fotos, viene con la carga de necesitar más equipo, y el tiempo para configurar todo. Con luz artificial, la distancia entre la fuente luminosa y el sujeto es de suma importancia (es origen de problemas y un medio de control). más luminosa a medida que se acerca a él, y más oscura a medida que se aleja. Esto tiene lugar de manera regular en las fotografias.
La iluminación es algo importante para las fotografias, toca tener cudado con el uso de ella
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La iluminación natural es abundante y fácil de incorporar en la fotografía, que puede ser un reto por el simple hecho de que la luz del sol es muy variable. se ha de escoger también el tipo de luz (del sol, en sombra al descubierto, en días nublados) y su dirección (hora del día), y tal vez modificarla mediante reflectores, pantallas o luz artificial (usualmente flash) la iluminación natural puede producir diferentes colores y el contraste en las imágenes. La luz natural se “controla” escogiendo el momento de la fotografía. Se necesita un día nublado para obtener una luz suave y difusa, y un día soleado para producir luz dura y brillante, con sombras nítidas.
Un esquema básico de iluminación para fotografía de estudio comparte muchas características con la disposición de lámpara para televisión o cine, ya que la imagen en movimiento heredó estas técnicas de la fotografía, que a su vez las tomó de la pintura y el teatro. La primera diferencia entre iluminación artificial y natural es, por supuesto, la incapacidad de regular a nuestro antojo la intensidad de la luz, así que tenemos que buscar algunos trucos para adaptarla a nuestro propósito. Otra diferencia fundamental entre la iluminación natural y la artificial es, sin lugar a dudas, el color de la misma. La luz artificial de los flashes está regulada para ser una luz blanca a la que estamos muy acostumbrados y que resulta muy sencilla de interpretar por parte de nuestra cámara. Sin embargo, cuando la luz es más fría, o más cálida (como es lo propio de la iluminación natural a lo largo de las distintas horas del día), o tiene tintes verdes, o magentas, o de otra dominante (por la presencia de un objeto que está rebotando la luz), la interpretación de los colores ya es más difícil.
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Si con iluminación artificial el sujeto puede permanecer quieto y sólo requerimos el movimiento de los accesorios, con iluminación natural es el sujeto el que debe variar de posición, de situación en la escena y de dirección en su mirada para buscar que la iluminación sea la adecuada. Resulta, por tanto, fundamental conocer de dónde procede la luz y cómo está actuando sobre el sujeto para situar a éste en el punto apropiado. A este respecto, déjame que te dé unos consejos. Si dispones de tiempo suficiente y un sujeto voluntarioso, puedes, para preparar la toma, situarte enfrente de él y realizar un giro de 360º a su alrededor, pidiéndole que rote sobre sí mismo para no dejar de mirarte en ningún momento. A través de este ejercicio podrás observar cómo actúa la luz en cada posición y quedarte con aquella toma en la que la luz origina el resultado deseado.
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En muchas ocasiones no es tan importante la cantidad de luz como la calidad de la misma. Y ésta se mide en función de tus preferencias, de lo que esperes de esa imagen. Hay dos tipos de luces: suave o dura. La luz dura es la que provoca altos contrastes y sombras bien definidas. Aporta mayor dramatismo a la escena. La luz suave, por el contrario, consigue sombras mucho más difuminadas.
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Hay dos factores a tener en cuenta, el primero, es comprobar si existe la luz necesaria para fijar la apertura de diafragma y la velocidad de disparo que deseamos. El segundo, ¿nos aporta esta luz el ambiente que buscamos para nuestra fotografía? Debes saber que puedes jugar con la intensidad de la luz de la que dispones y modularla según tus deseos.
FOTOGRAFOS COLOMBIANOS Aquí cinco de los muchos talentosos e increíbles fotógrafos colombianos que han dejado y estan dejando su huella en la fotografía tanto como colombiana como mundial con sus estilos y técnicas que le dan a sus imágenes.
Hernan Díaz • Posicionó la fotografía a nivel artístico en el panorama colombiano.
931 1 é u Ibag 2009 á Bogot
• Durante1960, sus libros ilustrados y fotografías circularon en revistas prestigiosas de América Latina y Estados Unidos • Su trabajo tuvo difusión a través de las revistas Cromos, Credencial y Semana.
• Profesional se ha centrado en la fotografía documental. • En los últimos 25 años ha realizado fotografia documental en Cuba, Colombia, Israel, Montenegro, Galicia, Asturias, Barcelona, Marruecos, Senegal y México • Durante 4 años recorrió fotografiando Colombia, México, Argentina y Brasil, patrimonio cultural y natural para la compañía Gas natural.
Consuelo Bautista Bogotá 1957
• Fotógrafo de personajes y moda más cotizados del mundo. • Su obra se distingue por un opulento clasicismo avivado por un punto de vista irreverente y un asombroso lenguaje visual • Deslumbró al mundo de la moda con fotografías en blanco y negro de unos jóvenes Ruben e Isabel Toledo
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• En 1964 comenzó a dedicarse a la fotografía por Francia y Alemania. • Su trabajo fotográfico sobre los espacios arquitectónicos es el más conocido
Felipe Bogot Ferré
• En 2007 realizó una exposición de retratos de Fernando Botero en la Galería Andrée Macé de París.
á 1934
• Es un periodista, ecologista y fotografo. • Amante de la naturaleza, que desde hace cincuenta años promueve la preservación del medio • Participa en el 2005 en la exposición “¿Se acabó el rollo? Historia de la fotografía en Colombia 1950-2000” en el Museo Nacional de Colombia.
Andres Hurtado Armenia 1941
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A Bogotá ya no sólo la adornan los paisajes de las montañas, ni Monserrate ni sus calles llenas de ladrillo y cemento. Si bien todo esto hace parte de esta ciudad, hay un nuevo elemento que se ha convertido en pieza clave para que el resto del mundo reconozcan a la capital de Colombia: el arte urbano o el grafiti. Lo que resulta paradójico es que los colombianos aún no son conscientes del turismo que puede traer el arte urbano. Cada vez más coloridos, grandes y sofisticados, los grafitis se han convertido en una atracción turística poderosa, especialmente para aquellos que están acostumbrados a leer noticias sobre cómo los autores de esta forma de muralismo terminan tras las rejas en sus países de origen. El arte urbano surge como una forma de expresión reivindicativa de críticas u opiniones sobre la situación social de aquellos grupos sociales que habitan en las distintas zonas urbanas de una ciudad.
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La definición de graffiti, para mucha gente, es sencillamente “vandalismo artístico”, yaunque la obra haya requerido un gran nivel de técnica y paciencia para ser lograda, cuando se usan paredes o superficies públicas para exhibirlo, es considerado vandalismo, convirtiéndose en un gran problema para la sociedad. Por esta razón, siempre ha sido un tema altamente controversial en cuanto a su validez y legalidad. No obstante, mientras mucha gente lo considera una forma de arte válida, otros lo consideran desagradable y un daño innecesario al espacio tanto público como privado. En Bogotá ha vuelto el debate. La nueva administración anunció hace unas semanas que limpiará las calles de grafitos “no artísticos” y respetará los avances del anterior gobierno. Bien. ¡Que limpien los garabatos con mensajes ofensivos y violentos! Pero el arte urbano no, por favor. Entiendo que el graffiti como arte no debería ser identificado con otras marcas, o mejor dicho “garabatos” ofensivos y/o violentos que no tienen propósito alguno, más que el de contaminar nuestras calles y molestar a los transeúntes.
Con solo dos colores se puede hacer un graffiti.
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Entre fachadas coloniales y edificios que interrumpen la tradición, grafitis cuentan historias.
En esta ciudad son varias las inconformidades que expresan las personas que la habitan y aunque están en el aire rondando, son pocos los que deciden hacerlas visibles. Dentro de ese reducido grupo están los artistas urbanos, que narran en las paredes de los altos edificios historias de amor, sucesos del conflicto armado, costumbres, personajes emblemáticos y que decidieron, a través del arte, hacer memoria. Ahora son pocas las calles que no tienen un dibujo, una historia, un pensamiento, una
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postura, una idea. Sí, Bogotá ahora es la ciudad del grafiti. El Gobierno Distrital, en colaboración con las Alcaldías Locales, ha tratado de fomentar espacios que sean útiles para la práctica del grafiti en los jóvenes, cómo expresión propia de la cultura hip - hop, al igual que a los murales artísticos sin patrocinio, ya que son catalogados como obras de arte. Por eso, ha dispuesto de construcciones que son propiedad de la municipalidad para que sean pintadas por jóvenes.
Proceso para hacer un graffiti con la tecnica del stencil.
El graffiti moderno todavía es reconocido como una distintiva forma del arte contemporáneo y, de hecho, en las calles de Nueva York ya están presentes nuevas formas de grafitos que han sido aceptadas tanto por el público como por las autoridades.
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Con el tiempo, los grafiteros y artistas de la pared fueron modificando sus propuestas con nuevas tĂŠcnicas como el stencil.
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Podríamos considerar el urbanismo como la disciplina que tiene como objetivo el estudio de las ciudades, cuya responsabilidad es ordenar y gestionar los sistemas urbanos. Paralela a esta definición rígida y estática del urbanismo ha surgido en la historia reciente otra forma de redefinirlo, como la disciplina nada disciplinada de hacer de las ciudades, de las calles y espacios públicos una forma de expresión, de comunicación con el mundo. Se trata de tomar como herramientas la sociología, la arquitectura, las formas urbanas, etc, para crear un urbanismo dinámico que consiga gestionar la producción y distribución de la cultura por medio de cada edificio, escultura, calle o recodo de la ciudad. Es notable el cambio que se produce en las ciudades desde finales de los años sesenta, mediante un sabio proceso de rectificación de los excesos del urbanismo funcionalista poco atento a la cualificación y el potencial cultural de la ciudad. El objetivo, crear una ciudad viva que sea un instrumento funcional y cultural a la par.
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Materiales escenciales para hacer graffitis
10 TIPS
para Fotografía de Paisajes
• Utiliza la mayor profundidad de campo que puedas La fotografía paisajística se caracteriza por aplicar, por regla general, la mayor profundidad de campo posible, manteniendo nítida toda la foto. Recuerda que para conseguir una gran profundidad de campo debes cerrar el diafragma del objetivo de tu cámara y dominar el concepto de distancia.
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• Lineas Las líneas son un recurso compositivo que nos permite guiar la vista del espectador por la foto, marcando el recorrido que deben hacer para ver la imagen y podemos dar a la imagen sensación de profundidad y escala de tamaño. Gracias a las líneas podemos dar a la imagen sensación de profundidad y escala de tamaño.
• Ten en cuenta el cielo
• La meteorolología
El cielo es otro de los puntos a considerar a la hora de componer nuestra foto. Y es que en función de la situación podemos querer colocar la línea del horizonte de forma diferente.
Una escena puede variar drásticamente en función del tiempo que se de en el momento de hacer la foto. Por lo tanto, elegir bien el momento en el que hacer la foto va a resultar determinante para obtener un buen resultado.
En la mayoría de fotografías de paisajes hay un elemento predominante: el cielo o la tierra (vale, o el mar). Si vemos que el cielo no aporta demasiado a la foto, lo suyo es dejar un solo tercio de la fotografía para el cielo, mientras que si el tipo de cielo que estamos sacando es el elemento predominante, por la forma de sus nubes, por el color en función de la hor del día, lo suyo es darle dos tercios de la foto para resaltar su importancia. aplicando algún tipo de filtro para añadir color y contraste.
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Los días soleados, en las horas centrales del día, generan una luz dura, con sombras muy acusadas y fuertes contrastes entre las luces y las sombras. Por el contrario, los días nublados dan una luz más suave, reduciendo ese contraste. No debemos dejar de buscar días de tormenta, niebla, viento, cielos especialmente nublados, o nieve. Empezaremos a generar diversidad en nuestras imágenes, rompiendo la monotonía de nuestras fotos de paisajes.
• Utiliza un trípode
• Piensa en el fondo
Como probablemente cierres mucho el diafragma, tendras que utilizar tiempos de exposición largos. Así que, necesitarás un buen trípode si no quieres que te salgan movidas ls fotos.
Al contrario que en otras muchas temáticas, en paisajes el fondo importa mucho. Por tanto, tendremos que analizarlo con detenimiento, viendo donde situamos los puntos de interés, si utilizamos líneas rectas o curvas para conducir la atención en la foto, ver de qué manera vamos a crear sensación de profundidad.
En caso de no disponer de uno, puedes probar subir la sensibilidad ISO, aunque recuerda que haciendo esto último aumentarás la relación de ruido en la imagen tomada.
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• Identifica un centro de interés
Se trata de la primera línea de trabajo en la que uno se adentra en fotografía
Recuerda que toda buena foto debe tener un centro de interés.
Tenemos que analizarlo completo, viendo donde podemos situar cada elemento y no olvidar de mantenerlo recto.
También acuerdate de situarlo bien dentro de la fotografía. Para ello puedes aplicar la regla de los tercios.
• Acuerdate del horizonte
• Cambia el punto de vista
Debemos mantener en mente siempre el horizonte en dos aspectos.
Normalmente hacemos las fotos desde el mismo punto de vista. Con la cámara a la altura de nuestros ojos. Es lo que vemos habitualmente.
El primero, manteniendolo recto. Antes de disparar, asegurate de que el horizonte está bien nivelado. Puedes corregir la inclinación posteriormente en la edición de la foto, aunque te obligará a recortar la fotografía. El segundo, recuerda la regla de los tercios. No pongas el horizonte partiendo la foto, salvo que esté justificado. En la inmensa mayoría de los casos es preferible ajustarl al tercio inferior o al superior. Tenemos que analizarlo por completo, viendo donde podemos situar cada cosa.
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Prueba a cambiar ese punto de vista. Tirate al suelo, agachate, subete a algún sitio elevado Descubrirás nuevos puntos de vista.
• La hora del día El amanecer y el atardecer son los dos mejores momentos para hacer fotos de este tipo. La posición del sol hace que la luz incida sobre los objetos con un ángulo específico en el que se crean texturas y patrones.
El arte de la fotografía en el cine Cine y fotografía, Lenguajes complentarios Hay películas que te dejan marcada, que se clavan en la memoria y no la puedes olvidar. Películas que a lo mejor no tienen un buen guión, pero que fotográficamente son impactantes; podríamos afirmar que cine y fotografía son hermanos de la misma madre, son dos lenguajes complementarios que se alimentan mutuamente. Podríamos decir que la fotografía es la hermana mayor del cine. Es decir, el cine, tal y como lo conocemos, se basa en los principios de la fotografía. Así, podríamos afirmar que el cine aparece gracias a los experimentos con la cámara oscura y a la invención de la fotografía, pero con un objetivo muy diferente, el cine surge de la idea de crear movimiento en la imagen, para que esta fuera un extracto fiel de la vida real.
La fotografía a sido importante desde los comienzos del cine
No es ningún secreto que muchos fotógrafos se inspiran en el cine, y que muchos cineastas han visto en la fotografía otra forma de dar a conocer sus ideas más estáticas. Hoy os hablaré de dos grandes directores que también se dedican a la fotografía como otra vertiente más de su faceta creativa y artística. A lo largo de la historia del cine, la fotografía ha marcado las producciones diciendo o expresando algo más.
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El cine pronto vio en la fotografía un tema interesante para sus tramas. Muchas películas se han hecho donde los protagonistas son fotógrafos y el argumento gira en torno a su profesión.
Se utilizan diferentes recursos para lograr lo que se quiere en la escena
El cine y la fotografía siempre han estado muy unidos, pero hoy en día con las cámaras digitales que permiten grabar vídeo esta unión es mucho más firme y fuerte, uno complementa al otro. En la actualidad la idea de dar movimiento una imagen fija aun sigue vigente en nosotros, es por ello que técnicas como el time lapse o el stop motion están tan de moda. Por eso no es de extrañar que muchos fotógrafos hagan pequeñas incursiones a la grande pantalla para investigar y jugar con el movimiento de las imágenes, o que grandes cineastas se distraigan con la fotografía, un medio más rápido para expresar sus ideas. Algunos importantes directores han sabido crear momentos al interior de cada film, logrando atmósferas y sensaciones en el espectador. Alfred Hitchcock y Stanley Kubrick son dos de los más famosos directores que han involucrado la fotografía a sus film de una manera protagónica transmitiendo momentos de tensión.
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Sebastião Salgado De economista a fotografo Fotógrafo brasileño, obtuvo la maestría en Economía en la Universidades de San Pablo y Venderbit (EEUU); Posteriormente se mudó a París donde cursó estudios de Estadística Económica. Es en esa época nació su afición por la fotografía, que lo llevaria a ser su gran pasion al viajar a África por motivos de trabajo en la Organización internacional del Café, que al tiempo presento su renuncia y al regreso a Paris, comenzó como fotógrafo.
Sebastião Salgado define su trabajo como ”fotografía militante”, ya que se dedica a “la mejor comprensión del hombre”, la única visión y empatía que él consigue de una foto depende en plasmar y representar la condición humana con trasparencia e honestidad guardando siempre el respeto. Más que ningún otro fotógrafo sus imágenes de la realidad social constituyen un tributo a la condición humana en sus diferentes visiones.
Gold Serra Pelada, Brasil, 1986
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Tom Hoops Lo importante es la expesión
Fotógrafo londinense con una galería realmente impresionante por la fuerza que desprenden cada una de sus imágenes. Trabaja diferentes géneros que van del retrato al foto periodismo, de la moda a la fotografía comercial, sin olvidar sus creaciones artísticas a lo largo de su carrera.
El uso poderoso e impactante de sus trabajos en blanco y negro hace de sus fotografías un estilo único que pocas veces se consigue y que es fácilmente reconocible. A Tom le interesa la gente, las caras. Las expresiones que captura con su cámara son historias únicas en si mismas.
Las fotografías de Hoops destacan por la intensidad que arranca a las expresiones de sus modelos, por esas capturas oscuras que, incluso en sus fotografías más comerciales, impactan en nuestra retina y se quedan ahí impresas.
Sus modelos también son poco convencionales, incluso cuando se adentra en el mundo de la moda sus imágenes traspasan los convencionalismos establecidos para impregnarse de la personalidad que el fotógrafo les da a sus imagenes.
Men, 2016
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Tomasz Gudzowaty Poder del blanco y negro en la fotografía Fotógrafo polaco cuya obra se caracteriza por sus fuertes y poderosas imágenes en blanco y negro realizadas con una cámara de formato analógico de gran tamaño. Se graduó de la Facultad de Derecho de la Universidad de Varsovia. Se interesó en la fotografía humanística y la forma clásica de foto-ensayo en blanco y negro. Empezó con fotografías de la naturaleza (con las que obtuvo sus prime-
Synchronized Swimming, 2008
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ros éxitos internacionales), cambiando luego al reportaje social, y hace unos años empezó a concentrarse en la fotografía de deporte. Le interesan particularmente los deportes exóticos, no comercializados ni típicos, los que salen fuera de lo común, como el sumo, lucha libre, el golf urbano en la India, una versión mexicana de la lucha libre, carreras de coches en México, carreras de caballos de Mongolia, gimnastas chinos, monjes saolín, natación sincronizada.
Sumo, 2011
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EDICIĂ“N 2
QUE ARTE
5 TIPS Abril 2016
para tomar una fotografia en la noche
LIGHT PAINTING forma creativa de tomar fotos