ejercicio_academico_Ruben alvarez by Doris Caicedo

Burne r Primera edición Abril de 2016

Dilema de los graffitis en Bogotá

Los mejores consejos de Fotograía de retrato

Historia de los Graffitis

Creditos

Director Carlos Correa Director de diseño Doris Caisedo Director de fotografía Victor Chaves Director de retoque digital Alvaro Rubiano Diseñador de la revista Rubén Álvarez

Contenido Historia del los graffiti

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Historia de los graffitis en Bogotá

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Bogotá y un debate de vandalismo y arte

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Graffiti legal o ilegal

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El graffiti es parte de nosotros en cada lugar

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Fotografía de retrato

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Retratos fotográficos

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Los 7 tipos de plano clave en el retrato

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Fotografía de mascotas

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Historia de los graffitis La palabra “graffiti” tiene sus orígenes en la palabra griega graphein que significa escribir. Esto evolucionó en la palabra latina graffito. Graffiti es la forma plural de graffito. Pintaba su firma en todos los sitios donde entregaba. Cuándo empezó el grafitti? Pues la historia moderna de graffiti se remonta a los años 60 cuando empezó en Nueva York, influído por la música hip-hop. Los primeros artistas de graffiti se dedicaban a firmas, y vivían y pintaban en Nueva York.

Uno de los primeras artistas de graffiti firmaba TAKI 183 y fue entrevistado por el New York Times en 1971. Su nombre verdadero era Demetrius y era un joven griego que trabajaba como mensajero en Nueva York. Pintaba su firma en todos los sitios donde entregaba documentos y paquetes. Se hizo famoso y muchos jóvenes empezaron a imitarle y a buscar sitios cada vez más difíciles y llamativos donde dejar su firma. Tal vez el nombre TAKER que se utiliza para los rotuladores gruesas de tinta permanente utilizadas por los grafiteros tie-

ne su orígen en la primera firma de graffiti conocida, TAKI 183. Pronto, cientos de jóvenes en Nueva York, especialmente aquellos atraídos por la música rap y hip hop, empezaron a firmar por toda la ciudad, tanto que las autoridades tuvieron que gastar más de $300.000 (es decir 80.000 horas laborables) en la limpieza del metro. El objetivo de estos primeros graffiteros era dejar su firma en el máximo numero de sitios posibles. Ganaban fama, dentro de los círculos de graffiteros, según el número de firmas y según los sitios

en los que lograban firmar. Cuánto más peligroso, más estatus. Paralelamente, Keith Haring un artista, empezó a pintar sus dibujos en sitios públicos, primero pegando posters y luego pintando directamente sobre muros y los paredes de los metros de Nueva York. Al ser un tipo de arte tan distinto, Haring se hizo famoso, y pronto museos de arte en la ciudad empezaron a exponer sus obras. Poco a poco el graffiti callejero, inspirándose en los diseños de Haring, se iba incorporando en la cultura Hip Hop, rap y break dancing y empezó a extenderse a otros países. Tuvo su momento más fuerte durante los setenta, pero luego empezó a perder popularidad. Pero hace una década una de las cadenas nacionales más populares de los Estados Unidos emitió un programa de televisión sobre el graffiti y de repente volvieron a aparecer firmas y arte graffitero no solo por los Estados Unidos, sino por sitios urbanos en todo el mundo y sobre todo en ciudades europeas. A mitad de esta década de los ochenta nos encontramos ante un periodo que podríamos denominar como una fase de supervivencia. Cuando todo parece ya perdido con la MTA como dueña y señora de la situación y la Transit Police en plenitud de fuerzas, cuando los tags, throw ups y demás elementos empiezan a escasear de manera alarmante o bien están tan escondidos que nadie los ve, aparece el nuevo héroe de la película que rescatará al graffiti de esta oscura fosa. La explosión a mediados de los ochenta del movimiento Hip-Hop reaviva la llama de la neoyorkina cultura del writing. Esto anima de nuevo a los adolescentes. Todos quieren ser b-boys (seguidores del hip hop). Los writers acompañados ahora por los breakers (bailarines de breakdance) y los Mc’s (cantantes de rap), están otra vez en el disparadero. Desde la

Costa Oeste (California) llegan las noticias de la relativa facilidad para pintar trenes de mercancías, lo que animará a muchos escritores a coger sus latas (aunque muchos puristas neoyorkinos verán mal el graffiti en los mercancías). También fomenta la resurrección del writing de forma inconsciente el acto de que la MTA empiece a retirar vagones averiados (trash trains) a cocheras para chatarra en Brooklyn, lo que hace que los apasionados del metro vuelvan a la carga impulsados por la esperanza de revivir los viejos y mejores tiempos, o por el simple hecho de tener una foto con su pieza en un vagón de metro neoyorkino. Sea como sea el writing resurge de entre sus cenizas, aunque los viejos tiempos nunca volverán. El movimiento europeo iniciado a mediados de los ochenta nos trae en principio al graffiti dentro del paquete Hip-Hop, es decir, llega junto a otros dos elementos de este movimiento, en principio el break-dance y más tarde el rap, aunque con el tiempo éste tendrá su evolución propia dentro de esta cultura. Empiezan las giras de escritores americanos por Europa así como las de europeos por la meca del graffiti, donde este arte se va adueñando e instalándose en las calles, apropiandose de las paredes y las canchas de deporte de la ciudad, siguiendo esta costumbre en la actualidad: Piezas conmemorativas, homenajes a las víctimas del SIDA y de la violencia. A esto le sigue la proliferación de los fanzines de graffiti, que pasan de ser de fotocopias en blanco y negro a revistas a todo color e incluso a editarse como publicaciones desde el punto de vista legal y, como no, el último gran salto: El graffiti en Internet, donde infinidad de páginas recogen todo tipo de fotos y textos, reportajes, entrevistas a personajes, webs dedicadas a un sólo grupo o incluso a un sólo escritor, páginas de la vieja escuela.

Todo esto y mucho más (eventos, concursos, programas, los cada vez más frecuentes anuncios en televisión, festivales, portadas de discos...) expanden y consolidan este arte de la calle pese al esfuerzo inútil de las autoridades (siendo incluso a veces ellas promotoras y financiadoras de muchos de los eventos y/o actividades) llegando incluso hasta las galerías de arte o generar dinero a sus autores. Los cada vez más espacios cedidos para practicar este acto de manera legal fomentan por un lado el desarrollo e integración del fenómeno en la sociedad y la decepción e inconformismo de los más puristas por otro. Sólo decir que el arte del writing ha pasado, queramos o no, a formar parte de nuestras calles, nuestros barrios, nuestras ciudades... En definitiva, de nuestras vidas, en un mundo en el que el poder de la imagen está a la orden del dia. Ya a finales de los setenta, el graffiti alcanza sus cotas más altas con la incorporación de imágenes de la iconografía popular tales como personajes de cómic o dibujos animados, e incluso retratos y autorretratos en forma de caricatura (estas influencias se verán más adelante en un apartado especial). Con la incorporación de estas imágenes aparecen en escena las complejas master pieces (piezas maestras), que además de hacer distinguir a los grandes maestros de los principiantes, amplían de manera considerable el tamaño de las obras. La comunidad del writing arde de expresividad, y esto lleva a un estado de competitividad feroz que se traduce en el auge de las conocidas Guerras de estilo (Style Wars) para nada violentas. A mitad de esta década de los ochenta nos encontramos ante un periodo que podríamos denominar como una fase de supervivencia. Cuando todo parece ya perdido

con la MTA como dueña y señora de la situación y la Transit Police en plenitud de fuerzas, cuando los tags, throw ups y demás elementos empiezan a escasear de manera alarmante o bien están tan escondidos que nadie los ve, aparece el nuevo héroe de la película que rescatará al graffiti de esta oscura fosa. La explosión a mediados de los ochenta del movimiento Hip-Hop reaviva la llama de la neoyorkina cultura del writing. Esto anima de nuevo a los adolescentes. Los cada vez más espacios cedidos para practicar este acto de manera legal fomentan por un lado. Todos quieren ser b-boys (seguidores del hip hop). Los writers acompañados ahora por los breakers (bailarines de breakdance) y los Mc’s (cantantes de rap), están otra vez en el disparadero. Desde la Costa Oeste (California) llegan las noticias de la relativa facilidad para pintar trenes de mercancías, lo que animará a muchos escritores a coger sus latas (aunque muchos puristas neoyorkinos verán mal el graffiti en los mercancías). También fomenta la resurrección del writing de forma inconsciente el acto de que la MTA empiece a retirar vagones averiados (trash trains) a cocheras para chatarra en Brooklyn, lo que hace que los apasionados del metro vuelvan a la carga impulsados por la esperanza de revivir los viejos y mejores tiempos, o por el simple hecho de tener una foto con su pieza en un vagón de metro neoyorkino. Sea como sea el writing resurge de entre sus cenizas, aunque los viejos tiempos nunca volverán Al ser un tipo de arte tan distinto, Haring se hizo famoso, y pronto museos de arte en la ciudad empezaron a exponer sus obras. La comunidad del writing arde de expresividad, y esto lleva a un estado de competitividad feroz que se traduce en el auge de las conocidas Guerras de estilo.

Historia del graffiti en Bogotá Si usted es de las personas que piensa que el graffiti es una forma de expresión de los delincuentes, gamines entre otros, es mejor que cambie esa percepción ya que podría estar cayendo en un gran error, pues el graffiti es una manifestación cultural que está presente y aun más importante que se involucra en la mayoría de los ámbitos de la ciudad, generando una inmensa galería, que paso de ser una ofensa para la sociedad a un espectáculo para ellos mismos. La galería “graffitera” que cubre la ciudad de Bogotá está abierta las 24 horas y lo mejor es que no necesitas de un solo peso para entrar a ella, El plasmar una ideología, un sentimiento malo o bueno de lo que ofrece la sociedad es lo que llega a las paredes, permitiendo El plasmar una ideología, un sentimiento pues podrás caminar por suba, la carrera séptima, la avenida 30 y quedaras absolutamente fascinado, de la expresión, verdad, color, sabor, música y vida, que nos transmite el artista con su lata, su boquilla, el intrigante aroma del aerosol y el eterno sonido del “pishs, pishs, pishs.” El plasmar una ideología, un sentimiento malo o bueno de lo que ofrece la sociedad es lo que llega a las paredes, permitiendo ver una concepción del mundo y de lo que lo rodea, (política, religión, deporte, arte, humor y amor), es así como se siente y se piensa al ser un artista callejero. Comprende que el graffiti no es un acto de gaminería ni vandalismo y que ha llegado para quedarse en los muros de toda una ciudad con todo el espacio abierto y con miles de historias por contar, no importa si está la oscuridad de la noche o la luz del

día, pues ahí siempre estarán, como perros. Las personas en su diario vivir están siempre recibiendo información, entre esta información se encuentra la información que nos ofrece toda la publicidad a través de diferentes métodos como lo son: Publicidad Exterior, BTL, Merchandising y entre otros, para una adecuada transmisión de estos mensajes hacia nosotros los consumidores. Hasta ahora podemos ver que estos son los medios de publicidad más conocidos por las personas, pero es importante decir que dejamos a un lado el GRAFFITI un medio visual que invade las calles de La galería “graffitera” que cubre la ciudad de Bogotá está abierta las 24 horas y lo mejor es que no necesitas El plasmar una ideología, un sentimiento de un solo peso para entrar a ella, pues podrás caminar por suba, la carrera séptima Bogotá y que para muchos es un acto de vandalismo pero que para otros es otra forma de arte y aun mas importante otro medio de comunicación. El graffiti, un medio visual de gran influencia en los espectadores ya que transmite su mensaje de manera directa o indirecta, causando alguna sensación de quien lo ve.. También fomenta la resurrección del writing de forma inconsciente el acto de que la MTA empiece a retirar vagones averiados (trash trains) a cocheras para chatarra en Brooklyn, lo que hace que los apasionados del metro vuelvan a la carga impulsados por la esperanza de revivir los viejos y mejores tiempos, o por el simple hecho de tener una foto con su pieza en un vagón de metro neoyorkino. Sea como sea el writing

Bogotá y un debate de vandalismo y arte Existe un fuerte debate entre el graffiti y la visión de ciudad En la actualidad se debate si el grafiti es una forma artística callejera o un entorpecimiento de la estética urbana. Muchas son las ciudades que empiezan a hacer campañas ‘antigrafiti’. Por ejemplo, el Ayuntamiento de Cartagena (Murcia, España) ha iniciado una campaña contra los que hacen dibujos en edificios públicos, privados o en lugares emblemáticos de la ciudad. Los ciudadanos se preocupan principalmente por encontrar pintadas en museos y zonas arqueológicas donde evidentemente afean los lugares más representativos de la ciudad, que por ende son muy transitados por los turistas. El objetivo es mejorar la imagen de la ciudad para los turistas. Existen dos tipos:

los que han sido realizados con permiso de la Administración local (que están hechos con gracia) y los de mal gusto que ‘deshonran’ a los grafiteros profesionales. “El Ayuntamiento (de Cartagena) ya ha advertido a los grafiteros y los perseguirá, aunque sea difícil pillarlos”, confiesa el concejal de Vía Pública, Francisco Espejo. Según la ordenanza municipal, a quien sea sorprendido en uno de estos actos vandálicos se le sancionará con el coste que suponga limpiar lo que haya ensuciado.

Zaragoza Los habitantes de Zaragoza también alzaron la voz para que se tomen medidas ante estos dibujos que “dan mala imagen de la ciudad”, que por ende son muy transitados por los turistas.

Solo en 2008, el Ayuntamiento de Zaragoza gastó alrededor de 1,2 millones de euros en limpiar cerca de 75.000 grafitis. Por este motivo, según la Ordenanza sobre Protección del Espacio Urbano, la multa para quienes pinten grafitis en zonas urbanas es de 1.500 euros.

León El municipio ibérico de León cuenta con un programa antigrafiti establecido desde hace dos años y medio. En todo este tiempo se han limpiado cerca de 47.773 metros cuadrados de espacios públicos, lo que equivale a cinco canchas de fútbol. Aunque las autoridades afirman que sería imposible limpiar toda la imagen urbana, han trabajado muy duro para mejorarla. Para erradicar este ‘arte vandálico’ se implementaron dos estrategias: una de

ellas está dedicada a guiar a los jóvenes orientándolos a pintar murales con ciertos toques artísticos, y la otra está dedicada a limpiar las áreas que fueron atacadas con grafitis.

Toronto A principios de este mes el alcalde de Toronto, Rob Ford, lanzó una campaña de limpieza de la ciudad para dejarla “tan limpia como un billete de cinco dólares”, poniendo un especial énfasis en la tarea de acabar con los grafitis, declarándose él mismo como una persona que odia este medio de expresión callejera .

Moscú En Moscú, el llamado ‘grafiti legal’ es organizado por los servicios de vivienda de los diferentes barrios de la capital. Estos dibujos son encargados a grafiteros profesionales a los que se les da un tema específico, luego ellos los pintan en garitas o cabinas. Además se realizan concursos.

Bogotá, paraiso de graffiteros y toures en inglés Que el mundo se diera cuenta de la alta calidad que tiene el graffiti en Bogotá. Ese era el propósito de Christian Petersen, un australiano radicado en Colombia desde hace más de tres años. Por eso creó Bogotá Graffiti Tour hace ya año y medio, un recorrido turístico por algunas de las obras más destacadas del “street art” en la ciudad. “He visitado varias ciudades en el mundo y el grafiti bogotano es uno de los mejores por su gran variedad y lo increíblemente En el recorrido, habla con propiedad de la historia reciente de Colombia y su arte urbano, los diferentes métodos y técnicas fiel que es su retrato de la sociedad colombiana actual”, Christian, quien también trabaja medio tiempo como fisioterapeuta. El tour se realiza todos los martes, jueves y sábados desde la 1:00 hasta las 3:30 – 4:00 pm. Arranca en el Parque de los periodis-

tas y continúa en sitios como el chorro de Quevedo, la plaza de La Concordia y La Candelaria. Se dirige principalmente a extranjeros que estén interesados en visitar sitios distintos a los que tradicionalmente visitan los turistas en Bogotá, así que se hace en inglés. No obstante, cualquier persona puede asistir. Christian escogió la zona centro pues ahí han trabajado gran parte de los grafiteros bogotanos e igualmente, es a donde llega la mayoría de turistas. Dice que solía llevar a la gente a Suba en taxi, pero dejó de hacerlo pues “el tráfico aquí es terrible”. En el recorrido, habla con propiedad de la historia reciente de Colombia y su arte urbano, los diferentes métodos y técnicas para hacer graffiti, sus restricciones y del estilo de Toxicómano, Lesivo, Stinkfish, Bastardilla, Ledania o DJLU, entre muchos otros artistas reconocidos en el “street art” bogotano, pues él mismo es artista urbano (pinta bajo el seudónimo de Crisp ) y ha trabajado personalmente con ellos.

Graffiti legal o ilegal Se llama grafiti o pintada a varias formas de inscripción o pintura, generalmente sobre mobiliario urbano. En el lenguaje común, el grafiti incluye lo que también se llama pintadas: el resultado de pintar en las paredes letreros, frecuentemente de contenido político o social, con o sin el permiso del dueño del inmueble, que se han popularizado con estas técnicas; por ejemplo, los grafitos de y el letrero o conjunto de letreros de dicho carácter que se han pintado en un lugar. También se llama grafito, por extensión, a los eslóganes que se han popularizado con estas técnicas; por ejemplo, los grafitos de los disturbios de mayo de 1968 en París: L’imagination au pouvoir (la imaginación al poder), o Sous les pavés il y a la plage (bajo los adoquines está la playa), etc. La expresión grafiti se usa también para referirse al movimiento artístico del mismo nombre, diferenciado de la pintura o como subcategoría de la misma, con su origen en el siglo XX. Fue un movimiento iniciado en los años 1960 en Nueva York, o, según aluden fuentes bibliográficas como getting from the underground, en Filadelfia. El grafiti es uno de los cuatro elementos básicos de la cultura hip hop, donde se llama grafo o grafiti a un tipo específico. En este sentido, una pintada política no sería un grafito. pero lo primero que tienes que hacer es: Junta amigos que opinen lo mismo entonces van mas o meno 100 o 50 amigos tuyos o personas con esta idea y solo dicen que lo quieren como un “arte” y no pintarlo en cualquier casa exigan que el gobierno les otorge paredes de casas abandonadas o puentes obras etc.

grafiti ilegal La ilegalidad. Bien podemos llamarlo vandalismo, pero tampoco hay que ver más allá de donde es. No es un problema tan grande y no es excusa para las cantidades de dinero desorbitadas que se emplean en su erradicación. Leandri afirmaba: “El graffiti es el grado cero de violencia, el más pequeño vandalismo posible”. Pretender aceptar el graffiti sin su esencia de ilegalidad es no entender una de sus causas básicas de producción. Nos encontramos pues ante un fenómeno simultáneo de creación y destrucción. Como dijo Norman Mailer: “Siempre hubo arte en un acto criminal”. Debemos dividir graffiti en dos partes. Graffiti legal (arte) y graffiti ilegal (vandalismo). En sus inicios el graffiti en Nueva York, era ilegal en todas sus manifestaciones. Tanto los tag como los posteriores flop y las piezas en los trenes no buscaban el permiso de la autoridad para ser realizados. De hecho, el lema era contrarrestarla. En Chile, la llegada del graffiti no cambia su esencia, si bien la autoridad mostraba cierta preocupación por los graffiti especialmente los tag, los escritores salían ilesos explicando simplemente sus actos. La ilegalidad es la base y el fundamento para muchos escritores, por sobre el daño y rechazo que puedan generar sus pinturas. Los graffiti no tienen orden ni concierto para su generación, vulneran la ley en cualquier superfi cie que no necesariamente ha sido pensada para este fin. Pero no todo es tag y este trabajo pretende mostrar también la otra cara del graffiti.

La cara que a fines de los ´70 en Nueva York fue la iniciativa de las galerías de arte. Transformar el graffiti de los trenes en algo cercano al transeúnte. En Chile el graffiti comienza a ser realizado con permiso, principalmente a partir del muro realizado en Av. Portugal con Alameda por Rick y Coolstyle en 1994. La razón de la legalidad es simple. El escritor generalmente después de un tiempo rayando en la ciudad comienza un proceso el cual se destaca por una búsqueda de un nivel artístico mas elaborado de sus piezas. Esto requiere tiempo y dedicación, con lo cual también se comienza a pedir las paredes para común. Ambos son capaces de dibujar pintar volviéndose legal el trabajo. La diferencia de estos dos grupos, vándalos (graffiti ilegal) y grafi teros (graffiti legal), es que los vándalos pintan para marcar su territorio, mientras que los verdaderos grafi teros pintan para manifestar su arte. La diferencia es muy delgada ya que muchos grafiteros también pueden ser considerados vándalos al rayar en forma ilegal los espacios públicos. Cada día el graffiti se renueva y pareciera que con el tiempo estuviera adquiriendo mayor fuerza y poder, junto con aumentar la cantidad de adherentes que lo practican. El periodismo necesita inversión. Comparte este artículo utilizando los íconos que aparecen en la página. La reproducción de este contenido sin autorización previa está prohibida. Empecemos de cero. Los niños y los monos comparten hasta cierta edad (los tres años) una potencialidad artística común. Ambos son capaces de dibujar “monigotes” en un mismo estilo “naif”, predominando la elección de los colores más vivos. Mientras que los humanos no necesitamos motivación ajena, los monos necesitan

estímulos humanos para dibujar, y sólo lo harán si les otorgamos las herramientas necesarias: papel y un instrumento para pintar. Ellos nunca se expresarían plásticamente de forma espontánea. Al mono no se le ocurriría pintar lo que también se llama pintadas: el resultado de pintar en las paredes letreros, frecuentemente de contenido político o social, con o sin el permiso del dueño del inmueble, fuera del papel, es decir, en la mesa o en la pared de su jaula. El humano aprende rápidamente, reconoce los colores y las hojas y sabe común. Ambos son capaces de dibujar el procedimiento: Sabe que esos instrumentos son para lo que también se llama pintadas: el resultado de pintar en las paredes letreros, frecuentemente de contenido político o social, común. Ambos son capaces de dibujar con o sin el permiso del dueño del inmueble, dibujar en esas hojas y sabe que está mal si los utiliza fuera de esa superficie preestablecida y obligada (el papel). Pero también conoce, en cuestión de tiempo, el placer que le puede proporcionar desobedecer esta norma, actuar de forma libre, esa capacidad de salir de el marco preestablecido y convertir los signos en violencia visual hacia el poder. En el lenguaje común, el grafiti incluye lo que también se llama pintadas: el resultado de pintar en las paredes letreros, frecuentemente de contenido político o social, con o sin el permiso del dueño del inmueble, y el letrero o conjunto de letreros de dicho carácter que se han pintado en un lugar. También se llama grafito, por extensión, a los eslóganes que se han popularizado con estas técnicas; por ejemplo, los grafitos de los disturbios de mayo de 1968 en París: L’imagination au pouvoir (la imaginación al poder), o Sous les pavés il y a la plage (bajo los adoquines está la playa), etc. La expresión grafiti se usa también para referirse al movimiento .

El graffiti es parte de nosotros en cada lugar Quizá en algún recorrido por Bogotá se haya encontrado una de las variaciones de este personaje. Su autor: Franco de Colombia es uno de los grafiteros más reconocidos del país. Desde el 2011 forma parte de la APC (Animal Poder Cultura); una crew conformada por aproximadamente 47 grafiteros a nivel mundial. El 40% residen en Colombia y son responsables de algunas

de las mejores intervenciones que se han hecho en el pais. Tiene su primer acercamiento al graffiti en San Mateo, Soacha. Allí se inicia en la cultura del hip hop, después de haber explorado varios géneros musicales. Para 1995, bailaba break dance, pintaba y cantaba en Perpetuo; un grupo de rap de

Soacha, al que aún pertenece, pero para el que ahora solo pinta. “Me di cuenta de que me apasionaba más pintar. Tenía más flow para eso, con el tiempo fui experimentando y encontré en la pintura una gran pasión”. Para la época en que Franco empieza a construirse como grafitero, 1997, Colombia estaba enfrentando uno de los peores

momentos de su historia. El país estaba lleno de violencia y narcotráfico. Todo era guerra. Franco, con sus 17 años, creía que a través del arte podría lograr una revolución como contestación al momento por el que estaba atravesando el país: “Yo quería hacer mi propia revolución con el rap, con la pintura. Mi batalla la quería hacer pacíficamente. Decidí Franco, porque Franco, que viene de franquicia, es sinónimo de libertad, de estar libre”. En 2001 decide dedicarse seriamente al graffiti y hace su primera pieza llena de color. Posteriormente, participa en el Segundo Festival de Hip Hop de Soacha donde conoce a Aeon, uno de los fundadores de APC, quien entonces era jurado del festival. Allí también se encuentra por primera vez con Hera y Slim, con quienes crea HORDA ESEA; una crew con la que empezó a pintar por toda la ciudad, con la que profundizó el mundo del graffiti y con la que abre en 2005 Casa Sha, ubicada en Soacha. Casa Sha fue en un comienzo un proyecto que acogía a los grafiteros que estaban empezando, para darle a los jóvenes una oportunidad más allá del abandono de sus padres, la delincuencia y la drogadicción, entre otras. “Pienso que por medio del hip hop y el graffiti se puede dar una oportunidad diferente a las nuevas generaciones. Como una motivación”, agrega Franco. En la actualidad, el trabajo que se realiza es más sólido, se encarga de difundir el conocimiento y entregar felicidad a través de las experiencias que el graffiti brinda. Para entonces Franco ya era reconocido por el personaje circular que dibuja, su intención era que todos pudieran entenderlo. “En un comienzo no lo había identificado como un frijol. Luego lo empecé a pintar en la calle y fue tomando un significado. Es una semilla y es la semilla que voy

sembrado en todas partes”. Para Franco el reconocimiento debe partir principalmente de la obra, el autor solamente es la herramienta para dar a conocer el mensaje. “Uno quiere mostrar qué hace en la calle pero no mostrarse”, explica cuando se le pregunta por qué ningún grafitero muestra su rostro. En 2007 Franco se va vivir a Medellín con el propósito de conseguir nuevas experiencias, para investigar sobre graffiti y conocer otros contextos. Allí conoce a Cesar Figueroa, con quien intercambia conocimientos de arte y entra a hacer parte conocimiento; esto es algo que ha venido haciendo desde entonces. Ha tenido la oportunidad de dar talleres en Barranquilla, en Rimini, Italia, en Medellin, Bogotá y Soacha. “Me gusta enseñar de Narkografika, un colectivo de arte de Medellín. Con ellos explora la ciudad y sus alrededores. Medellín para Franco significa un cambio: deja de pensar en el graffiti tanto como revolucion y comienza a explorar las técnicas de la pintura y el arte. Allí reafirma ese gusto profundo por pintar. Después de vivir en Medellín Franco vuelve a Bogotá con una percepción más madura del arte y con un propósito claro: compartir el conocimiento; esto es algo que ha venido haciendo desde entonces. Ha tenido la oportunidad de dar talleres en Barranquilla, en Rimini, Italia, en Medellin, Bogotá y Soacha. “Me gusta enseñar el amor y el fundamento del graffiti, más que la técnica, porque esa la desarrolla cada persona independientemente, con disciplina en el día a día. Es más importante el fundamento, el por qué lo haces, qué quieres crear, porque esa para mí una herramienta de paz y amor que puede cambiar la sociedad”. Y es que Franco estuvo en la transición de la percepción del graffiti como acto

vandálico, al graffiti como arte urbano. Está seguro de que con el mejoramiento de la técnica y la expresión se fue volviendo un arte más aceptado por todos. Hacia el 2013, fue uno de los participantes de escuela hip hop becados por Ideartes para cursar el diplomado “Metodologías artísticas para La enseñanza del hip hop”, en la Universidad Pedagógica. Para él la pedagogía es una de las herramientas para transmitir el conocimiento adecuadamente. “Aunque mi pasión por transmitir inició cuando abrimos Casa Sha con HORDA ESEA, gracias a este diplomado empecé a ver de manera diferente la enseñanza. Me gusta explicarle a los chicos cosas del graffiti, enseñarlo en un voz a voz. A veces los reúno para compartir y enseñar experiencias en un taller. Para Franco el graffiti es una experiencia muy difícil de medir, porque no hay una respuesta certera para saber qué se puede o qué no se puede hacer. Según él, es un arte que jamás podrá vetarse porque aunque mute constantemente, siempre existirá más allá de las reglas. “El graffiti no es una cosa estática, como todo en la vida es algo efímero. Los artistas necesitan tener más impulso y reconocimiento para que el graffiti siga creciendo. La gente ya reconoce en la calle una mancha. Este fenómeno es pura expresión urbana. Casa Sha fue en un comienzo un proyecto que acogía a los grafiteros que estaban empezando, para darle a los jóvenes una oportunidad más allá del abandono de sus padres, la delincuencia y la drogadicción, entre otras. “Pienso que por medio del hip hop y el graffiti se puede dar una oportunidad diferente a las nuevas generaciones. Como una motivación”, agrega Franco. En la actualidad, el trabajo que se realiza es más sólido, se encarga de difundir el conocimiento y entregar felicidad a través de las experiencias que el graffiti brinda.

El graffiti objetos d en nuestr “luz” en n naturalez EBULLICI Partes del aerosol Boquillas Entrada Gas

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i salta de las paredes a diferentes de la vida cotidiana, se transforma ra segunda piel, se convierte en nuestras fotos, en defensor de la za.... EN ARTE EN CONSTANTE IĂ&#x201C;N Partes del graffiti

Grafiteros en el mundo Resto del mundo 30%

Forma

Europa 40%

Borde Trazo 3D

Asia 10%

America 20%

Fotografía de retrato El precedente del retrato fotográfico es el retrato pintado. A principios del siglo XVI fue elevado a la perfección por los maestros del Renacimiento. Los retratos, no obstante eran encargados por los ricos y poderosos, que exigían un impregnado de nobleza, gracia y autoridad y obligaban a los artistas a hacer concesiones a su vanidad. Hasta el siglo XIX, con sus profundas transformaciones sociales, no empezó a remediarse esta falta de libertad creativa, aunque para entonces el retrato fotográfico ya había empezado a sustituir el pictórico. Su práctica se encuentra ya en los inicios de la fotografía donde destaca la labor realizada por los fotógrafos ambulantes, los fotógrafos comerciales de los estudios parisinos, los primeros retratos psicológicos, el retrato popular presentado por la fotografía academicista, así como la obra documental de David Octavius Hill. Los representantes principales del retrato fotográfico en sus inicios son Nadar, Disdéri, Julia Margaret Cameron, Lewis Carroll, Gustave Le Gray, Etienne Carjat, Antoine Samuel Salomon, Pierre Petit o Lady Clementine Hawarden. Con posterioridad el género fue evolucionando de forma paralela al devenir de la historia de la fotografía razón por la cual, junto a fotógrafos que se dedican en exclusiva a lo que podríamos entender como la forma más ortodoxa del retrato fotográfico, nos encontramos con fotógrafos adscritos a movimientos concretos que se acercan al retrato fotográfico con el empleo de las ideas y técnicas propias de estas corrientes. Figuras de interés en el campo del retrato fotográfico son Richard Avedon, Brassaï, Walker Evans, August Sander, entre otros.

Dentro del campo del retrato fotográfico se desarrolla con fuerza, durante el siglo XIX y principios del siglo XX, un subgénero propio conocido como la fotografía de difuntos, en la que destaca la obra de los fotógrafos españoles Fernando Navarro y el gallego Virxilio Vieitez. La gran mayoría de los retratistas del siglo XX se han centrado en dos actitudes básicas: La consideración del estudio como el único escenario posible del retrato, y la mistificación y santificación de la luz. La mayoría de la producción fotográfica de esta disciplina esta realizada en estudios; artistas como Yousuf Karsh, Irving Penn, y Richard Avedon entre otros, han realizado casi todos sus retratos en ese ámbito. El campo del retrato fotográfico es rico y variado; abarca desde la imagen sencilla y poderosa de una cabeza hasta una pequeña figura recortada contra un amplio paisaje. El retrato habla tanto del aspecto como de la idea e impresiones del sujeto. Paul Strand afirmaba que: El fotógrafo solo puede crear imágenes significativas si “aprovecha de forma natural e inevitable las características propias de su medio poniéndolas en relación con su propia experiencia vital”. COMPOSICIÓN DE LA IMAGEN: Existen varias reglas para lograr una adecuada y armónica composición de un retrato: La primera regla de composición es eliminar de la escena todos los elementos superfluos, que distraigan la atención o produzcan confusión, para que el suje-

to principal domine la imagen. La vista prefiere el orden y la sencillez y rechaza instintivamente el caos y estamos hablando de un retrato, donde el único protagonista es la persona retratada. Además, tenemos que tener en cuenta que, en general, el fotógrafo carece de la libertad del pintor para organizar el entorno, por lo que debe encuadrar cuidadosamente, con el fin de aislar la parte de la escena que le interesa. Para mejorar una composición basta en ocasiones con desplazar ligeramente la cámara, modificar la distancia que la separa del sujeto o cambiar el objetivo. Con posterioridad el género fue evolucionando de forma paralela al devenir de la historia de la fotografía razón por la cual, junto a fotógrafos que se dedican en exclusiva a lo que podríamos entender como la forma más ortodoxa del retrato fotográfico, nos encontramos con fotógrafos adscritos a movimientos concretos que se acercan al retrato fotográfico con el empleo de las ideas y técnicas propias de estas corrientes. Figuras de interés en el campo del retrato fotográfico son Richard Avedon, Brassaï, En el retrato, la situación del sujeto en el encuadre es muy importante, debemos situarlo de modo que no resulte eclipsado por dominará por completo el significado del otras formas prominentes. Por lo general los mejores fondos son el tono uniforme, blanco o negro y sin mayores detalles, por ejemplo paredes lisas o el cielo. En ocasiones, aplicando la regla de los tercios y el principio de la conducción de la vista por medio de líneas que van hacia el motivo, podemos reforzar la imagen. La composición debe utilizarse para aumentar la vitalidad de la imagen, debemos procurar no dirigir la vista del observador al centro de la fotografía. De hecho, la posición central suele ser la menos conveniente para la cabeza del retratado, y

también la menos interesante, una posibilidad es encuadrar el rostro ligeramente descentrado y equilibrarlo con otro elemento, como las manos, un cuadro o incluso la línea de los hombros. Si deseamos situar al sujeto en el centro, debemos recurrir a otros elementos tales como el color, los detalles en el primer plano, la iluminación especial o algún objeto que enmarque el motivo para dar vida al resultado. Los formatos rectangulares permiten elegir entre composición vertical u horizontal. La primera llamada precisamente “de retrato”, no siempre es la más adecuada, porque a veces debe incluirse parte del entorno, y en ese caso da mejor resultado la composición horizontal o “de paisaje”. El retrato fotográfico se basa en un proceso de cooperación entre el fotógrafo y el a luz es la calidad, que define su grado modulo. Conseguir que la gente se relaje es sobre todo una cuestión de comunicación. Se debe alentar la confianza del modelo entablando conversación con él sin omitir halagos y aconsejarle en lugar de criticarle. Por ejemplo, si está demasiado rígido se le hará una fotografía y después se le pedirá que cambie de pose, una vez que el modelo se sienta involucrado y vea que todo funciona bien, la expresión hostil desaparecerá por sí sola. El retrato fotográfico es el instante mismo, el fragmento de vida escogido por el autor para comunicar la impresión que le ha causado una persona o un acontecimiento. Pero el retrato no se reduce a instantes fugaces e instantáneas espontáneas: exige preparación, reflexión y aplicación. v Conocimiento de la luz: ningún fotógrafo dominará por completo el significado del retrato si no es capaz de apreciar las cualidades de la luz e interpretarla debidamente. Hay que tener en cuenta varios factores:

En primer lugar, debe valorarse la luminosidad; es decir, la fuerza visual o intensidad de la luz, que depende de la cantidad reflejada por el sujeto. La luminosidad puede variar radicalmente en las diferentes partes de la escena; por otra parte, una zona clara parecerá más luminosa si está junto a otra oscura. El cálculo de la exposición y la composición de la imagen dependen de la distribución de esas diversas intensidades en la zona encuadrada. En primer lugar, debe valorarse la luminosidad; es decir, la fuerza visual o intensidad de la luz, que depende de la cantidad reflejada por el sujeto. La luminosidad puede variar radicalmente en las diferentes partes de la escena; por otra parte, una zona clara parecerá más luminosa si está junto a otra oscura. La escultura o la pintura son algunas de ellas, pero también encontramos la fotografía. Gracias a esta última, los retratos dejaron de tener ese carácter elitista con el que años atrás eran representados los aristócratas o los faraones más importantes de la sociedad. Podríamos decir que el siglo XIX democratizó la posibilidad de tener una imagen que perdurase para siempre. La segunda característica importante de la luz es la calidad, que define su grado de dureza o suavidad y afecta considerablemente a la apariencia de los objetos y las personas. La luz suave da al rostro una redondez delicada, aclara las sombras y disimula las imperfecciones de la piel. El cielo cubierto y la luz artificial muy difusa son de este tipo. La luz dura es muy espectacular y produce sombras de contraste intenso, no favorece pero da al resultado fuerza e impacto. El sol directo y los focos producen luz dura.en el sujeto), que revela las formas y la estructura.

El ser humano siempre ha tenido una filia extraña por mostrar aquello que nos rodea. Desde las pinturas rupestres nos hemos encargado de dejar constancia de lo que vemos, experimentamos o simplemente de nosotros mismos. Ahí es donde nace el retrato, una técnica consistente en representar la figura de una persona mediante diferentes formas. La escultura o la pintura son algunas de ellas, pero también encontramos la fotografía. Gracias a esta última, los retratos dejaron de tener ese carácter elitista con el que años atrás eran representados los aristócratas o los faraones más importantes de la sociedad. Podríamos decir que el siglo XIX democratizó la posibilidad de tener una imagen que perdurase para siempre. El busto de Nefertiti no existiría si en el Antiguo Egipto hubiesen tenido la posibilidad de hacer un selfie o programar una sesión de estudio. Los medios han evolucionado, lo que se traduce en mayor facilidad para capturar una fotografía de retrato. Sin embargo, todavía se deben tener ciertos aspectos en cuenta, sin los cuales los resultados no podrían ser del todo satisfactorios, comprobemos algunos de ellos.

Elige el objetivo adecuado Para la fotografía de retrato suelen recomendar focales fijas u objetivos zoom ¿la razón? Pues que las primeras suelen tener una amplia apertura de diafragma y ofrecer muy buena calidad; mientras que las segundas tienen una amplia distancia focal que permiten obtener un gran desenfoque de nuestro fondo. Todo depende de cómo vayamos a encuadrar la figura del sujeto. Por ejemplo, si la intención es la de captar únicamente un plano cerrado de los ojos, para ello será idóneo el uso de un teleobjetivo; pero si lo que queremos es realizar un retrato algo

más amplio, podría ser utilizado un 35mm o 50mm.

Ajusta la apertura f Es una cualidad que se suma a las características del objetivo que hayamos elegido en el punto anterior. Cuanto mayor sea la apertura, menor será la profundidad de campo de nuestra imagen. Esto puede ser muy recomendado cuando lo que buscamos es resaltar nuestro sujeto, hacer que éste se diferencie del fondo y conseguir un bokeh. Sin embargo, puede no serlo tanto cuando pretendemos capturar una instantánea con un plano más abierto, donde buscamos que además de la persona también cobre importancia el entorno donde se encuentra. En función de ello deberemos realizar nuestra elección. ¿Alta velocidad de obturación? La velocidad de obturación, en principio, debería ser alta. Solo así se pueden lanzar varias instantáneas y quedarnos con aquella que mejor representa la esencia de esa persona. A veces solo es necesario un gesto o una expresión que termina configurando la imagen por excelencia de esa sesión. Por otro lado, también se podría utilizar una velocidad de obturación lenta para dar la sensación de movimiento. Por ejemplo, imaginad una escena donde una persona se sitúa cerca de un río, en donde si empleamos una obturación baja y el sujeto permanece inmóvil, conseguiríamos un “efecto seda” en el agua.

Enfoca a los ojos Es una de las primeras reglas de la fotografía de retrato. Dicen que la mirada es el reflejo del alma, y no sabemos si tiene tales cualidades metafísicas, pero sí es cierto que los ojos suelen representar una parte muy característica de nuestra persona. Por

lo tanto, lo adecuado es que tengamos un enfoque puntual, con el cual siempre intentaríamos tener en foco los ojos de sujeto ante el que nos encontramos.

Controla la luz No es lo mismo tomar un retrato en un estudio que en el exterior. Ambos métodos tienen sus particularidades, y controlar la luz no es nada sencillo. En función de cómo la adaptemos tendremos resultados diferentes, y todo ello dependerá de lo que queramos conseguir. Ya hemos hablado de diferentes métodos económicos para iluminar una foto, aunque está claro que en ocasiones lo mejor es dejar de lado estas herramientas y directamente optar por utilizar la luz natural, aunque eso tampoco implica que no podamos controlarla

Clima de confianza Puede parecer algo obvio, pero creo que es de los puntos más importantes en la fotografía de retrato. En cierto sentido, cuando un fotógrafo realiza una instantánea de este tipo se crea una conexión con la persona que es inmortalizada, y de la intensidad de esa conexión también dependerán los resultados. Por encima de una foto bonita, un retrato también es una forma de captar la esenciagrafía de retrato. Dicen que la mirada es el reflejo del alma, y no sabemos si tiene tales de una persona en un momento concreto, pero además, las características de esa instantánea también están definiendo al propio fotógrafo que la hace. En los primeros planos, una nitidez acentuada puede poner en relieve posibles defectos de la piel del sujeto. Para suavizar la imagen se puede colocar un filtro difusor que aporta al retrato un aire romántico.

Retratos fotográficos Errores al tomar fotografia de retrato

general acostumbran a ser imágenes muy naturales así que anímate a improvisar un poco!

No salen mejor por usar un objetivo fijo que zoom

Es mejor conversar y hacer pocas fotos que disparar sin parar

Tendemos a pensar que el retrato es una especialidad clásica y ello requiere un equipo purista: medio formato y objetivo fijo. Nada más alejado de la realidad, un retrato es el medio para capturar el alma si no de aprovechar una mirada, un gesto de una persona, y solo necesitas talento, el equipo no es importante. El cuerpo humano es bello por naturaleza y tiene una gran cantidad de elementos que te pueden dar mucho juego. Así que no te obsesiones con retratar caras e intenta, más bien, captar la personalidad del modelo. Un peinado, una mano en la cadera o un simple plano detalle del ojo pueden darte mucho juego a la hora de hacer un retrato diferente.

No os obsesionéis con disparar sin parar, acabáis con 700 fotos iguales sin que os guste ninguna de forma especial. Buscad esa foto mágica con calma, en un retrato hay que conversar, hay que conocer al fotografiado, hay que hacer que se relaje y se muestre al 100%, en ese momento solo os bastará una foto para tener “la foto”.

Una focal más abierta no siempre es la mejor En función del fondo tras el modelo, debemos cerrar o abrir el diafragma, abrir nos produce un fondo desenfocado muy bonito y destacamos el modelo, pero le aislamos de su entorno, si tenemos un zapatero en su taller o una chica con traje de fiesta ante un bello edificio clásico, deberíamos cerrar el diafragma para poder captar toda la escena, ya que el fondo aporta fuerza al conjunto de la foto. No se trata de pillar a la modelo bostezando, si no de aprovechar una mirada, un gesto o una carcajada por un chiste que haya salido entre fotos. Cualquier cosa puede regalarte una foto preciosa. Hay que tener cuidado con estas fotos porque el modelo puede no gustarse en ellas. Pero por lo

Alguien más bello no siempre da un mejor retrato La belleza es un factor importante en moda, publicidad y beauty, pero en retrato lo es más aún el gesto, la mirada, el carisma, lo que transmite la persona es más importante que la persona en si. No hay que obsesionarse con buscar belleza para conseguir tener un buen modelo de retrato. Un retrato no es necesariamente de cara Podemos encuadrar todo lo que deseemos, incluso el cuerpo entero. Ya sé que os he dicho que debemos capturar el alma, pero ésta se encuentra por todas partes, no solo en la cara... No es necesario que mire el modelo todo el rato a la cámara Es uno de los vicios más extendidos, pedir constantemente que os miren cuando hacéis las fotos, no es necesario, una fantástica mirada puede estar dirigida al infinito, al suelo, puedes incluso hacer un gran retrato con el modelo teniendo los ojos cerrados.

Los 7 Tipos de Plano Clave en el Retrato Seguro que has oído en más de una ocasión expresiones como plano americano, plano corto, plano medio, plano detalle... La mayoría de ellas asociadas a de las grandes categorías en las que se retratos en fotografía, y es posible que no tengas del todo claro cual es cual y en que se diferencian los tipos de plano entre sí. Para tratar de resolver tus dudas hemos recopilado los principales tipos de plano fotográfico que se aplican en retrato, explicando sus diferencias e ilustrándolos con fotografías para que de una vez por todas aclares los conceptos. ¿Te lo vas a perder? En numerosas ocasiones hemos tratado el tema del Retrato Fotográfico por ser una de las grandes categorías en las que se desarrolla la fotografía. Pero además de hablarte sobre Cómo Mejorar tus Retratos o sobre estos 7 Sencillos Consejos para tal vez recuerdes que hace ya más de dos años, publicamos el artículo “El Retrato: Tipos de Plano”. Como artículo de referencia, nos sirvió a muchos de nosotros para básico y una cultura asociada al retrato. Sin duda, todo es mejorable, así que con la inestimable ayuda de nuestro amigo Carlos Ayala, he querido revisar, completar y corregir el artículo para convertirlo en una buena referencia a la hora de trabajar esta técnica fotográfica. Lo cierto es que es un tema complejo, ya que como bien apuntaba Carlos, la terminología varía de una región a otra, y debes tener en cuenta que tampoco sigue unas reglas excesivamente rígidas. Voy a recorrer los principales tipos de plano, de menor a mayor nivel de detalle.

Plano General

Plano Medio

En retrato, éste es el plano en el que aparece todo el cuerpo. Por tanto, tendremos un plano entero si a quien o quienes estamos fotografiando aparecen completos, desde los pies a la cabeza, sin secciones, en nuestra foto.

El plano medio cubre hasta la cintura, recogiendo la línea de corte entre el ombligo hasta casi la entrepierna. En caso de estar sentado el protagonista, la tolerancia baja hasta aproximadamente la mitad del muslo.

En el caso de la foto que hemos utilizado para el ejemplo, se aprecia cómo se ve el cuerpo de la modelo completo, sin ningún tipo de recorte.

Este tipo de encuadre se suele utilizar para resaltar la belleza del cuerpo humano, por lo que es un tipo de plano muy utilizado en fotografía de moda.

Este es el plano más lejano que podemos tomar. A partir de aquí, veremos como nos podemos acercar en nuestros retratos.

También es adecuado para mostrar la realidad entre dos sujetos, como en el caso de las entrevistas. Plano Medio Corto

Plano Americano/Tres Cuartos

El plano medio corto, también conocido como plano de busto o primer plano mayor, recoge el cuerpo desde la cabeza hasta la mitad del pecho.

Dicen que el nombre de plano americano viene de los tiempos en los que triunfaban las películas del género Western o, como las llamaba yo de pequeño, de indios y va poder adquirir un vocabulario fotográfico queros. En estas películas era importante que las ármas que llevaban los protagonistas en las cartucheras, a la cintura un poco caídas, se vieran suficientemente bien, y esto es lo que marcaba la línea de corte.

Este plano nos permite aislar en la fotografía una sola figura dentro de un poder adquirir un vocabulario fotográfico recuadro, descontextualizándola de su entorno para concentrar en ella la máxima atención. Primer Plano

Algunos lo llaman también plano tres cuartos.

El Primer plano, también llamado primer plano menor o de retrato, recoge el rostro y los hombros.

El plano americano corta al protagonista aproximadamente a la altura de la rodilla o por el muslo. En función de si el protagonista está recostado o sentado, la tolerancia baja algo, llegando hasta un poco por debajo de las rodillas.

Este tipo de plano, al igual que el plano detalle y el primerísimo primer plano que veremos a continuación, se corresponde con una distancia íntima, ya que sirve para mostrar confidencia e intimidad respecto al personaje

Es ideal para encuadrar en la fotografía a varias personas interactuando.

Primerísimo Primer Plano

El Primerísimo primer plano capta.

Fotografía de mascotas Flash nunca, jamás: Los perros, gatos o cualquier otro animal no entienden la fotografía, no saben que están siendo fotografiados, y menos aquello del flash. Usando flash lo único que vas a conseguir es asustar a la criatura y conseguir que huya o que reaccione de manera indeseada. En vez de flash procura disponer de luz natural procedente del exterior. Eso sí, que haya mucha luz por favor. Enfoca a los ojos: Siempre. Como con los humanos. Gran parte de la expresión facial de los animales procede de sus ojos, así que tenlos bien enfocados. Baja a su nivel: No le dispares a tu gato o perro desde arriba, mejor bájate a su nivel, ponte de rodillas, o túmbate totalmente boca abajo. Adoptando esta perspectiva conseguirás una foto “de tú a tú”. Céntrate en su carácter y su personalidad: Nadie conoce tu mascota y sus hábitos mejor que tú. La foto tendrá mucha más gracia y “chispa” si representa una situación típica propia de tu mascota: por ejemplo si es un gato normalmente perezoso fotografíalo en algún momento de esos, así en plan relax mientras se hace el remolón. Si por el contrario es un perro que no deja de corretear retrátalo así, corriendo, o mientras está entretenido con su jugete favorito. Busca un buen fondo: El fondo es un elemento principal en la composición. Condiciona toda la foto. No es lo mismo un fondo de color uniforme que de varios colores, un fondo simple que compuesto, un fondo enfocado que uno desenfocado. Utiliza el Rey de los Objetivos: Utiliza un objetivo lo más luminoso posible. Podría ser un 50mm f/1.4 por ejemplo, ó un f/1.8 .

Utiliza objetivos atrevidos: Aunque el lente anterior es el más adecuado para retratos, puede ser buena idea también usar objetivos que distorsionan un poco la realidad ofreciendo resultados graciosos. Por ejemplo el típico objetivo ojo de pez sería un buen candidato. Planifica el disparo: Hay que reconocer que estas pequeñas criaturas a veces no colaboran, así que necesitas planificar la foto tranquilamente. Escoge un buen momento, prepara la cámara y deja que el animal te vea con ella un rato hasta que deje de resultarle extraña. Mientras tanto ve pensando en el tipo de foto que buscas, la composición, etc. Recuerda que una vez te pongas a capturar la foto tendrás probablemente muy poco tiempo antes de que tu amigo huya, así que planifícalo todo discretamente y con antelación. Utiliza velocidades de disparo medianas o elevadas: Seguramente tu mascota no podrá estar quieta, y lo más probable es que tengas que prescindir del trípode, así que te conviene usar una velocidad de disparo más bien elevada y así congelar el movimiento. Juega con la profundidad de campo: Desenfocando el segundo plano y enfocando al sujeto en primer plano suele dar muy o elevadas: Seguramente tu mascota no buenos resultados en humanos pero también en animales. (Si quieres más detalles sobre cómo aplicar este método lee esto). Busca inspiración: Antes de planificar la sesión date una vuelta por Flickr y busca con las palabras “mascota”, “animal”, “pet”, “cat”, “dog”.. Utiliza las fotos de otros fotógrafos para encontrar inspiración y nuevas ideas.