ejercicio_academico_María molano

Abril,2016

IMPAK Fotografía temática

ARQUITECTURA Técnica fotográfica

GASTRONOMÍA Muestra la comida incomestible, deliciosa

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Créditos Diseño: María Molano Corregido por: Doris Caicedo Impreso en : Bogotá, Colombia Universidad lCI Año 2016

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FOTOGRAFÍA

Índice

deportiva

06 10 16

Arquitectónica

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de producto

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Cinco fotógrafos de moda

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Gatronómica de retrato

de animales

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Fotografía

Gastronómica La Fotografía Gastronómica es una forma de fotografía comercial especializada en naturaleza muerta, destinada a la producción de fotografías atractivas de alimentos para su uso en publicidad, etiquetas y envases, cartas de restaurantes o libros de cocina. La fotografía de alimentos profesional es un trabajo de colaboración, que generalmente incluye un director de arte, un fotógrafo, un estilista de alimentos, un estilista de ambiente y sus ayudantes.

David Loftus destaca algunas características que hacen de la fotografía gastronómica casi una ciencia a parte del resto de fotografía ya que hay que jugar con variables que no se dan en otro tipo. Velocidad. Debe ser una fotografía rápida, muy veloz. Lo importante es “mantener 6 IMPAK

el dedo en el disparador para asegurarse de que captura todo el espectáculo de la creación del plato, contando una historia con la comida, y sobre todo, haciendo que los platos tengan un aspecto muy apetitoso.” En especial teniendo en cuenta que tal vez la vida de un plato, tal y como lo quiere ver el cocinero es desde que lo termina hasta que llega a la mesa. Unos 45 segundos de vida en los que hay que aprovechar para hacer la foto. Aprovechar la luz del ambiente natural para mostrar los ingredientes mucho más frescos.

Utilizar fondos neutros para resaltar la textura de los alimentos. realizar un disparo rápido, especialmente cuando se trabaja con platos calientes y hacer disparos rápidos que capturen el caos.

Abril 9, 2015, fotografĂ­a por: PasiSalminen

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Postre. Fotografía: Francesc Guillamet

Francesc Guillamet Fotógrafo gastronómico

Postre de fresas. Fotografía Francesc Guillamet.

El food stylist es un nuevo mundo fotográfico y gastronómico desconocido para muchos pero también, distinguido por muchos otros especialistas del sector que trabajan en él.

Gambas con sashimi de cabeza de camarón caramelizada

Camarones/ fotos , Francesc Guillamet

Francesc Guillamet es uno de eso grandes artistas que ha sabido dignificar la figura del estilista gastronómico con más de 20 años de profesión a sus espaldas, Francesc Guillamet es una de las máximas personalidades del food stylist tanto a nivel nacional como internacional.

Sus fotografías son conocidas en todo el mundo como verdaderas obras de arte y ha trabajado con un gran número de chefs a lo largo de su carrera. ‘‘Utilizo una cámara réflex de captor full frame, dos objetivos macro, un 50mm 8 IMPAK

2,8 Zeiss y un 100mm 2,8 de la misma marca de la cámara, gran parte de mi trabajo está realizado exclusivamente con luz natural. La fotgorafía gastronómica es un trabajo de equipo, cuenta el cocinero, los ayudantes del cocinero, la asistente del fotógrafo, es como un cuarteto de jazz: Uno propone el tema, y a partir de aquí los otros improvisan. Generalmente utilizo la luz de flash para garantizar una uniformidad y un respeto del calendario al cocinero, aprovechando para conseguir efectos más difíciles de lograr con luz natural.

Los guisados, arroces, las piezas grandes de carne cruda, mejillones y productos muy mezclados con tonos marrones son los más difíciles de componer por la falta de variedad de colores.

Food Styling

Adam Pearson, estilista de alimentos y fotógrafo. Abril 10, 2011

El Food Styling tiene que ver con la estética con la que los alimentos son presentados al comensal pero principalmente en cómo son preparados y servidos para la captura de fotografías publicitarias o ilustrativas en un menú e incluso en videos. Esta disciplina se ha ido expandiendo alrededor del mundo y se ha hecho popular gracias al papel tan importante que juega la comida dentro de la sociedad. Bien dicen que de la vista nace el amor, por lo que es importante que 9 IMPAK

en tus menús, propagandas, anuncios publicitarios e incluso una vez servidos al comensal, hagas lucir perfectos a tus platillos, esto puedes lograrlo mediante las técnicas que ofrece el Food Styling.

Esta tendencia busca que los alimentos y la vajilla sean el material perfecto para echar a volar la imaginación y tiene como objetivo que en un plato haya congruencia, contrastes de color y texturas interesantes que despierten el antojo de los espectadores y sobre todo que resalten las propiedades de un platillo.

Fotografía

de Retrato

Retrato 2013.

El retrato fotográfico es un género donde se reúnen toda una serie de iniciativas artísticas que giran en torno a la idea de mostrar las cualidades físicas o morales de las personas que aparecen en las imágenes fotográficas. Su práctica se encuentra ya en los inicios de lafotografía donde destaca la labor realizada por los fotógrafos ambulantes, los fotógrafos comerciales de los estudios parisinos, los primeros retratos psicológicos, el retrato popular presentado por la fotografía academicista, así como la obra documental de David Octavius Hillt

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Clasificación de los Retratos Fotográficos

Plano entero: También conocido como Plano Figura, este retrato encuadra la figura entera del personaje a fotografiar, desde los pies hasta la cabeza.

Publicado por fotografia principiantes el 2 marzo, 2014

Tres cuartos También denominado plano medio largo, recorta la figura por la rodilla aproximadamente. Es ideal para encuadrar en la fotografía a varias personas hablando e interactuando.

Plano medio corto Fotografía en blanco y negro

En estos retratos se captaría el cuerpo desde la cabeza hasta la mitad del pecho. Esto nos permite aislar una sola figura dentro de un recuadro.

Primer plano Recogería el rostro y los hombros. Este tipo de plano, al igual que el Plano detalle y el Primerísimo primer plano, secorresponde con una distancia íntima y confidencial, mostrando cada detalle.

Retrato blanco y negro Benjamín Jaimes

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Fotografía

de Moda La fotografía de modas es un arte: los exuberantes trajes que visten a hombres y mujeres recrean escenas de un mundo imaginado por el fotógrafo.

Editorial de moda Vogue - Romanisima 6

La fotografía de modas se originó poco después que la fotografía misma y hoy es esencial en las revistas, la publicidad y los catálogos de las casas de indumentaria. En la primera década del siglo XX, los avances en la impresión de tonos medios permitió que las fotografías fueran incluidas en revistas. La fotografía de modas apareció por primera vez en publicaciones francesas, como La Mode Practique. En 1909, la editorial Condé Nast se hizo cargo de la revista Vogue, contribuyendo al origen de la fotografía.

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El retoque: Puede consistir en varios procesos, desde una simple corrección colorimétrica hasta una eliminación de detalles indeseados (el trabajo con un programa también está incluido en este punto).

El Photoshop es el programa de referencia para el retoque. Sin embargo, muchos fotógrafos trabajan con programas de edición más rápidos para retoques simpies. Gracias a algunas herramientas digitales, eliminar granos, arrugas, o incluso las marcas de expresiones faciales, no suponen ningún tipo de problema.

Modificar la silueta se trata de uno de los métodos más sujetos a la polémica, ya que se suele emplear para adelgazar la figura, pronunciar las curvas, y aumentar el tamaño de los ojos o los labios.

Todos estos detalles de edición son indispensables en las fotografías de moda.

Editorial de moda tendencias otoño-invierno 2012-13

Está claro que gracias a esta al photoshop se pueden corregir muchísimas cosas, es más, para eso está, pero todo tiene un límite bastante cercano a lo que es la fotografía original.

Ya que al editar mucho una foto podría cambiar totalmente convirtiendose en un engaño.La importancia de utilizar este programa para resaltar los colores y mejorar ciertos detalles y defectos,esta bien.

El problema está cuando la edición es extrema y exagerada, ya que genera falsas expectativas.

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Editorial de moda Vogue - Romanisima 9

Semana-moda-africana

Ropa juvenil H&M otoño 2013

Iluminación: Es un factor que juega un papel importante en la fotografía de moda. Se trata de un factor que muchos casos requiere un trabajo minuicioso y por lo tanto debe dominarse muy bien. Asimismo, trabajar con un flash permite corregir los defectos de las sombras o de las imperfecciones y recalcar uno o varios elementos del conjunto que compone la escena.

en función del efecto que persigamos.

No todos los fotógrafos trabajan con el mismo tipo de material. La cámara digital réflex tiene un formato medio acoplado a un respaldo digital es el tipo de material más demandado por los clientes. El respaldo digital permite realizar positivados en un formato más grande y con un rendimiento más detallado.

Por lo general, en Fotografía de Moda la luz principal suele llevar un difusor, porque es una luz más suave que embellece el rostro del modelo, ya que tiene menos sombras.Se puede situar la ventana en distintas posiciones: frontal (aplana el rostro), a 45° o lateral (una mitad del rostro está iluminada y la otra, en sombra),

Para un a fotografía de moda, se recomienda utilizar un distancia focal entre 50 y 120 mm para evitar deformaciones.

Los flash cobras son los más ligeros. Asimismo, encontramos generadores autónomos con flash remoto que permiten ganar más potencia y autonomía.

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Encuadres y composición fotográfica La composición es un concepto con distintos enfoques, y reglas.

La simetría está presente en la mayoría de las cosas que conocemos, nosotros mismos somos un plano simétrico, así como un pino, una botella o un un avión. Utilizar el encuadre como un plano simétrico nos da sensación de orden y de equilibrio, si bien su uso excesivo es bastante aburrido. La simetría no siempre tiene por qué tener elementos idénticos también la pueden constituir dos análogos que generen esa impresión.

En fotografía el plano refiere la proporción que tiene el objeto o personaje dentro del encuadre, estos nos indican que sección de la imagen aparecerá en la toma y cuáles son los mejores cortes que se pueden realizar sin que se descuide la proporción adecuada y que la misma conserve la estética de la imagen. La asimetría en la composición no toma como base a la figura humana, la cual aparece en uno de los extremos, es común dividir el cuadro por mitad y colocar en una de las dos mitades los personajes.

Glamour. Moda: Verano en la azotea

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Fotografía

Deportiva La buena fotografía de acción en los deportes no es fácil. Muchos deportes como el fútbol, o los deportes de motor ofrecen un acceso limitado para los aficionados. Para poner las cosas más difíciles, conseguir tomas de cerca resulta ser prácticamente imposible. Por lo que, por ejemplo, cuando observamos las retransmisiones de la Fórmula 1, podemos observar auténticos museos de coleccionista en las gradas principales.

La buena fotografía de acción en los deportes no es fácil. Muchos deportes como el fútbol, o los deportes de motor ofrecen un acceso limitado para los aficionados. Para poner las cosas más difíciles, conseguir tomas de cerca resulta 16 IMPAK

ser prácticamente imposible. Por lo que, por ejemplo, cuando observamos las retransmisiones de la Fórmula 1, podemos observar auténticos museos de coleccionista en las gradas principales. Previo a un encuentro deportivo se tiene el tiempo suficiente para hacer pruebas y encontrar los mejores ángulos, sin embargo es durante el desarrollo del juego en donde comienza la verdadera búsqueda por la toma perfecta. La fotografía deportiva no se trata solamente de adecuadas composiciones, se trata de capturar los momentos más importantes del juego (anotaciones, faltas, etc.) conservando los principios de la estética y además haciéndolo en el momento adeduado.

Por Jorge Tierno Rey | Publicado 11827CET Jul13

El Panning El panning en la fotografía deportiva es muy útil a la hora de registrar un objeto que se desplaza con rapidez.

Que se maneje la alta velocidad no significa que todas las fotos tengan que ser “congelados” de momentos deportivos.

cerrados para tener mayor profundidad de campo y así garantizar una mejor posibilidad de enfoque. Algunos expertos en fotografía deportiva apuntan que la velocidad de obturación debe ser casi igual al lente que se usa (lente 135 mm –obturador 1/125). En el caso de la foto-

grafía deportiva trabajar con un trípode resulta muy incómodo sobre todo si el fotógrafo tiene que estar en constante movimiento. El monopie pasa a ser entonces el aliado ideal para garantizar la estabilidad. Sobre todo porque los teleobjetivos suelen ser bastante pesados.

Consiste en seguir con la cámara el movimiento del objeto que se desplaza a gran velocidad mientras se dispara en modo ráfaga. Es un movimiento corporal parecido al que haría un camarógrafo de video. Es casi seguro que este método no salga bien la primera vez. Se necesita práctica para poder dominarlo. Se debe hacer foco en el suelo por el que pasará el objeto y ajustar, (de ser necesario), durante el panning.

Mientras más bajo se encuentre el ISO, mayor será la nitidez, a medida que se aumenta el número se comienza a agregar ruido a la imagen. La obturación para este tipo de fotografías debe ser 1/250 o más. Como ejemplos referenciales se puede estandarizar que un carro en movimiento dentro de una ciudad puede fotografiarse a 1/60, en carrera de autos puede estar en 1/250. Las velocidades más lentas facilitan los fuera de foco en el fondo pero complican el seguimiento e incrementan el blur. Usar diafragmas

Uso del panning en la fotografía. Generando enfoque en la bicicleta. Fotografía 2014

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Capturando la acción Neil Leifer

Leifer ha viajado por todo el mundo para encargos deportivos: ha fotografiado 16 Juegos Olímpicos (7 de invierno y 9 de verano), 4 Mundiales de fútbol, 15 Kentucky Derbies, las 12 primeras Super Bowls y cada combate importante del título de los pesos pesados de boxeo desde 1959. Ha fotografiado a Muhammad Ali, en casi 60 ocasiones diferentes (sus mejores combates y sesiones de estudio).

Leifer ha sido también un innovador: en 1965 era de los pocos fotógrafos con película de color; en 1966 colocó una cámara en las vigas del cuadrilátero para

Argentina quitralco trekking rappel

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captar la lona desde arriba cuando Muhammad Ali noqueó a su rival con el título de pesos pesados en juego, y también utilizó la fotografía en tira (Strip photography) en la década de los 70.

En 1978 Leifer dejó el deporte por un rango más amplio de encargos y produjo 40 portadas para la revista Time. En 1992 Leifer cubrió tanto los Juegos Olímpicos de Invierno en Albertville, Francia, y los Juegos Olímpicos de Verano en Barcelona,​​España, y los de 2000 en Sídney, Australia. Neil consiguió en 2006 el Lucie Award de fotografía de deporte

«Esperaba una gran foto y el knock-out ocurrió donde yo quería».

Neil Leifer Durante su larga carrera, el fotógrafo Neil Leifer ha acumulado un portafolio de fotografías deportivas brillantes y a tomado más de 200 portadas de revistas.

Estas incluyen imágenes de golf, béisbol y de fútbol americano y los Juegos Olímpicos de Invierno.

Sin embargo, es el boxeo, con toda su atmósfera electrizante y muy cerca de la acción, lo que más le gusta fotografiar.

«Cuando estás rodeando el ring sientes lo que sienten los boxeadores, el calor bajo las luces,la emoción apretado entre los otros fotógrafos.

Cuando un luchador está contra las cuerdas, está tan cerca que incluso con una lente gran angular tienes que inclinarte hacia atrás para tener a los luchadores en el encuadre. Pero mi tema favorito, no importando el deporte, ha sido y es Muhammad Ali».

Su fotografía más famosa muestra una victoria contundente cuando Ali derrotó a Sonny Liston, un disparo durante una pelea por el título mundial 1965. Esta fotografía se ha convertido en una de las imágenes más icónicas de la historia del deporte.En el momento de tomar la foto, Leifer tenía sólo 22 años pero ya es un experimentado fotógrafo de deportes. Él había sido un entusiasta aficionado a los deportes cuando era un adolescente y

Nkock- out. Fotografía por Neil Leifer

mostró una habilidad precoz como fotógrafo. Vendió sus primeras fotos para la revista Sports Illustrated en su cumpleaños número 16.

imágenes que producen y en parte por la velocidad de sincronización 1/500seg que ofrecía con luces estroboscópicas y me permitía congelar la acción”».

Luego continuó la publicación de trabajos para esta revista, además de Look, Life, Newsweek y otras publicaciones.

Leifer se convirtió en fotógrafo del staff de Sports Illustrated en 1972. Al comienzo de la pelea, Neil Leifer dice: «Como de costumbre estaba junto a los fotógrafos de otros medios alrededor del ring, usando una Rolleiflex formato cuadrado de 2 1/4: la elegí por la alta calidad de las

También fue uno de los dos únicos fotógrafos en la primera fila cuya cámara estaba cargada con película de color.

Esta lucha, sin embargo, iba a terminar rápidamente y en circunstancias muy controvertidas. A los dos minutos del comienzo del primer round y con golpes al parecer pocos efectivos por ambos púgiles, de repente y para sorpresa de todos cayó al suelo incapaz de levantarse.

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Por victoria - marzo 8, 2016

Fotografía

Arquitectónica Hacer una buena fotografía de un edificio no es fácil. Por suerte, son un objeto muy estático que no nos dará ningún tipo de problemas si necesitamos trabajar con exposiciones largas, lo cual es una gran ventaja. Sin embargo a lo largo del día un edificio puede cambiar muchísimo su aspecto dependiendo de como incida la luz sobre él. Los cambios de iluminación pueden llegar a transformar ciertas construcciones.

Lo realmente correcto sería pasar varios días observando bien el edificio, para poder decidir con seguridad a qué hora tenemos que hacer la toma para que esta muestre lo que nosotros queremos transmitir.No es lo mismo hacer una fotografía de un edificio moderno o recién

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construido, el cual probablemente queramos mostrar reluciente, brillante y con colores muy llamativos, que una de un edificio antiguo que transmitirá mejor esa sensación de vejez con una iluminación más ocre y unos colores menos saturados.La orientación del edificio es quizá el factor más importante.

En escasos 15 minutos la fachada de una construcción puede pasar de estar en sombra a estar directamente iluminada por el sol; pero también debemos tener en cuenta que dependiendo de la franja horaria la iluminación puede pasar de ser muy cálida al medio día, a muy fría por la noche, pasando por el atardecer y el amanecer con su característico contraste tonal;esto es importante.

Tomado de: Campushábitat5U. Foto arquitectónica paorámica

Vivienda exclusiva en Montealina, Madrid. Foto por: Carlos Porras Echavarría

Funcionamiento y técnicas el edificio es un sujeto fijo, el fotógrafo debe tener mucha paciencia para obtener la mejor iluminación en el exterior.

Si la estructura se encuentra a la sombra el fotógrafo tendrá que enfrentarse a una gran diferencia de luminosidad entre ésta y el cielo.

Mantener el conjunto de líneas de un edificio es un desafío constante para el fotógrafo de arquitectura. Si se fotografía el sujeto en picado o contrapicado, las líneas del edificio presentarán incoherencias y el conjunto de referencias verticales y horizontales, que son rectas, no lo serán más en la imagen.

En este caso es necesario encender una lámpara muy luminosa para otorgar la iluminación suficiente al edificio. En el interior, las ventanas con más luminosas que la habitación por sí misma. Para evitar la super-exposición de estas aperturas, el fotógrafo puede intentar usar un alumbrado artificial como, por ejemplo, un flash o hacer una toma en HDR.

Para corregir estos defectos, el fotógrafo utiliza varios métodos complementarios: una cámara completamente derecha, uso de un trípode, un esmerilado cuadriculado, un objetivo de descentralización y correcciones a través de programas en ordenador (computadora) de ser necesario.La Iluminación es necesaria ya que 22

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Material La cámara de gran formato; aunque es cada vez menos utilizada en la actualidad, es una camara que cámara ha sido muy utilizada durante decenas para la fotografía de arquitectura, porque gracias a un soporte sensible de gran formato y a un conjunto de elementos articulados, el fotógrafo puede superar los problemas de deformación y de perspectivas que encontraría en una 24x36. Esta cámara

permite obtener tirajes de gran formato con detalles muy específicos. El gran angular, permite obtener un gran ángulo de campo para encuadrar totalmente una estructura. Sin embargo, un gran angular tan grande causa una ligera deformación en los bordes del encuadre. Los fabricantes han hecho grandes progresos desde hace varios años para corregir estas deformaciones.Esta es una razón más

que explica que los fotógrafos de arquitectura hayan utilizado por tantos años las cámaras de gran formato ya que éstas permiten utilizar objetivos de mediana distancia focal con el mismo ángulo de campo de un gran angular. El trípode es la herramienta indispensable para este tipo de fotografía ya que al igual que un nivel de burbuja permite trabajar con precisión en el encuadre.

El diseño de la piscina hace ver como un pequeño lago frente a la casa y complementa bien con el verdor del jardín, no existe separación entre ambos.

Casa Gatica / Felipe Assadi y Francisca Pulido

La Iluminación Arquitectónica y Urbana, se le ha otorgado, en el mencionado Plan 2001, 4.5 créditos

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Fotografía

de Producto Si existe algo que es verdad en relación al comercio electrónico, es que la percepción que se tiene de los productos y la confianza hacia el negocio depende de la calidad del diseño y las fotografías de los productos.

En esencia, el objetivo de la fotografia de producto es retratar el producto aislado, normalmente con un fondo neutro (blanco, negro o gris). Su destino habitualmente es un catálogo impreso o una página web. La postproducción suele ser 24 IMPAK

sencilla (corregir pequeños defectos del producto, manchas, motas de polvo y equilibrar las luces, sombras, contraste y temperatura de color) y el fondo se suele recortar para poder montar el objeto con otro fondo, con su correspondiente sombra artificial (o reflejo).

La diferencia con la Fotografía Publicitaria es a veces sutil y a menudo se solapan ambos campos, y no se muestra la diferencia. Se va a explicar a continuación la diferencia que existe entre ambas.

WTM International tiene una importante experiencia en envasado de Vino

En cambio, la fotografía publicitaria normalmente retrata el objeto (o la persona, en el caso de fotografía de productos cosméticos, farmacéuticos, fotografía de moda, de lifestyle, etc.) en un contexto específico, a veces con otros objetos de adorno (lo que se suele llamar un bodegón) y requiere normalmente una postproducción mucho más sofisticada, en la que se montan distintas partes fotografiadas por separado.

Un ejemplo habitual es la fotografía publicitaria de bebidas: se suelen fotografiar las distintas partes de la botella por separado (tapón, cuello, etiqueta, base, etc.) para poder iluminar cada parte correctamente. Luego, en un proceso de postproducción que requiere conocimientos muy especializados, se montan las distintas fotografías, que una vez combinadas y junto con un fondo (también montado por separado) se obtiene

la fotografía final. El destino de las fotografías publicitarias normalmente es para anuncios en revistas y periódicos, campañas Otra diferencia importante entre ambas es el coste de la producción: la fotografía publicitaria requiere mucho más tiempo para realizarla que la de producto, por lo que es sustancialmente mucho más cara.

Además, en fotografía publicitaria las fotografías a realizar se cuentan por pocas unidades (desde una a media docena de fotografías de promedio por sesión).

En cambio, en la fotografía de producto para web (o e-commerce) o para catálogo, el número de fotografías es normalmente elevado (se cuentan por decenas o a veces por centenares, si la oferta de productos de la empresa es muy amplia) y por tanto el coste no puede ser muy elevado para que sea económicamente viable para la empresa.

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Principales diferencias entre foto publicitaria y para eCommerce Es habitual que exista la pregunta de la diferencia entre la fotografía destinada para tiendas online de aquellas que son realizadas para campañas publicitarias.

Las fotografías para eCommerce, como su nombre indica, son aquellas que se hacen de cualquier producto que se venda online. Es una fotografía destinada a acompañar la descripción textual de un producto en su ficha de producto. Se trata por tanto de fotografías informativas para describir visualmente un producto, solucionando así el problema de no tenerlo el cliente entre sus manos.

En cuanto a su difusión, las fotografías para eCommerce están pensadas para usarse únicamente en Internet, aunque muchas empresas también aprovechan estas fotos para usar en sus catálogos físicos. Esto puede llevarse a cabo cuando las fotografías no necesitan un tratamiento específico para difusión, por ejemplos fotografías de productos de alimenta-

ción, las cuales pueden usarse igual para la tienda online y los catálogos promocionales de los supermercados.

La foto publicitaria en cambio, aunque su fin último evidentemente también busca la venta, es más persuasiva que informativa. Su misión es hacer sentir a los potenciales clientes que forman parte de una marca, que se han de identificar con los valores de la misma y, por tanto, han de desear los productos que ésta vende.

Las fotos para eCommerce son más sencillas que las publicitarias, lo cual no significa que sean de peor calidad. Las fotos destinadas para tiendas online también han de tener una cuidada iluminación, incluso más aún si cabe, ya que el producto debe visualizarse en las mejores condiciones posibles. En cuanto a los fondos, lo más común es encontrarnos las fotos de producto a fondo blanco neutro que evita las distracciones.

Yogurt de vainilla con moras.

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Iluminación Luz frontal

Luz lateral y trasera

Un flash frontal hará ver tu producto como una fotografía casera e irreal.Carece de volumen y transparencia aún

Una combinación que nos dará transparencia en el plástico traslucido y volumen en el despachador a la vez,gene-

cuando el material es traslucido.

rando realimo en la fotografía.

Luz frontal y trasera

Luz trasera

Una luz frontal acompañando a una trasera nos dará transparencia, pero aun así el despachador en este caso, carece de

La transparencia es lograda y la iluminación del liquido dentro del envase pierde brillos frontales que resultan atractivos y el despachador se oscurece mucho.

volumen y luce aún muy plano.

Dolce Gabbana The One Hombre EDT 100 ml.

Dove de la serie avanzada de pelo Champú Absoluto Quench FO 771

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Vino Tinto Concha y Toro Sunrise Cabernet Sauvignon 750 ml

Helmut Newton fue el maestro del desnudo, revistas afamadas se disputaron, en más de una ocasión, algunas de sus fotografías pagando cantidades estratosféricas por ellas.

Helmut Newton

Patrick Demarchelier

Fotógrafos

La fotografía de moda actual es algo que le debe mucho a este hombre que, un día decidió poner a las modelos, y a la moda, “patas arriba”.

Fotografía: En lo que concierne a su estilo, Patrick Demarchelier, muestra en sus fotografías una estética perfecta,espontaneidad y una puesta en luz natural, con una visión optimista.

Todo ello bajo la influencia de la diversidad y el contraste.

Es capaz de manipular hasta la expresión misma del modelo logrando destacar los caprichos y pretensiones de los famosos. Incluye personajes del mundo del arte, cine y política. Los retratos de Newton son impactantes.

Demarchelier realiza portadas de carteles y de discos, lo que le valió el reconocimiento, siendo nombrado, Caballero de Honor de las Artes y las Letras.

Gran retratista de la sofisticación erótica.Sus modelos habituales fueron mujeres altas y elegantes, de cuerpo perfecto y actitud altiva y dominante.

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Fotografiar algo con una escenificación emocional fue el primero de las revoluciones fotográficas

Sacudió el mundo con el concepto de los “modelos” como personajes. Dotó a estas personas de una personalidad y un personaje.

Con una técnica sutil, y llena de magia, enmarca a situaciones comunes, que con un accesorio o prenda hacen un cuadro armonioso.

de la época. Juntar la fotografía de la calle, con la fotografía de moda era algo no antes visto. Es increíble.

Paul Horst

Steven Klein

Richard Avedón

de moda

Su afición a la fotografía lo ha llevado a grandes colaboraciones editoriales de moda y publicidad, de estética es provocativo, glamuroso y sexual.

1906. Horst no revolucionó el mundo de la fotografía de moda, pero lo perfeccionó con sus imágenes. El aspecto más característico de su trabajo es su concepción de la belleza.

Aunque Steven Klein apueste por un buen número de imágenes en blanco y negro, el color tiene un papel muy importante en su trabajo. Siempre es un color llamativo, buscando el contraste.Un fondo neutro que sirve de contexto.

Emprende intensivos estudios de las poses clásicas a través de la escultura griega y la pintura tradicional. Presta especial atención a la posición de las manos porque es consciente de que la gente no sabe qué hacer con ellas durante la sesión fotográfica.

Comenzó un intenso trabajo para la revista Casa y Jardín.

De la década de los 60 destacan s us fotografías de la alta sociedad internacional.

Dramatiza las situaciones en apariencia chocantes y utilizando todas las posibilidades manipulativas de la fotografía digital.

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Fotografía

de Animales La fotografía de animales consiste en tomar clichés de animales salvajes o domésticos en su hábitat. Además de un gran sentido de observación y cierta discreción, en la fotografía de animales también deben realizarse con determinados equipos: cámara réflex silenciosa, distancias focales y un trípode para soportar el peso del material. Los animales no son estáticos y no siempre adoptan la pose. Es recomendable optar por una velocidad de obturación superior a 1/250s que se adapte en función del movimiento del sujeto y de la distancia focal utilizada. Para evitar un desenfoque de movimiento (con un 6200 mm, por ejemplo), hacer una foto de 1/1000s

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no resultaría ilógico. En este caso, será necesario abrir el diafragma de su objetivo al máximo para compensar y obtener una exposición correcta. Se debe prestar atención a la profundidad de campo que se reduce cada vez que se abre más el diafragma. Asimismo, para lograr estabilidad, escoja una ISO débil ( de 100, por ejemplo) y auméntela si resulta insuficiente. El trípode o el monopié es un accesorio indispensable cuando se trabaja con una distancia focal. Este accesorio debe soportar el peso de la cámara y del objetivo. Un cabezal adaptado también es necesario. Por ejemplo, el cabezal pendular permite un encuadre rápido y fácil con un gran teleobjetivo.

FOTOGRAFO A UN LADO DEL GUEPARDO TOMANDO FOTOS EN UN A RESERVA

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PRÓXIMA EDICIÓN

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Fotografía de festivales

CONCIERTOS

Fotografías increíbles sin flash

TOO MANY FLASH

Concurso de fotografía por estaciones