ejercicio_academico_Daniel franco

EXPOSED Fotorafia de paisaje: cuando y como tomarla Retratos: el rostro del estudio

Fotografia: el arte del momento

ELIA LOCARDI:

Rey de los paisajes Entrevista con el genio.

La fotografía perfecta Paisajes naturales

¿Cómo fotografiar un paisaje? o la naturaleza. Esa fuerza que esconde la imagen de un paisaje al desnudo que a muchos nos encandila, donde lo bonito de la foto no es lo que vemos a simple vista, es ver los detalles que nos faltan por descubrir.

“La fotografía es, antes que nada, una manera de mirar. No es la mirada misma”:

Susan Sontag.

Nos hemos preguntado cómo nos

gustaría aprender de la fotografía sobre paisajes naturales o urbanos y, en este sentido, tenemos reservada una lista con los implementos necesarios para una buena fotografia de paisaje.

El fotografo

La fotografia no es lo que todos suelen creer. No es solo la pasiencia ni la vision sino el tacto y la ambision con la que se trabajen tus imagenes.

Se trata de encontrar en lugares que probablemente sean concurridos, una imagen diferente, un espacio que encuentres tu para compartirlo . Para eso debes utilizar tu habilidad, esperar a que la luz sea la adecuada y encontrar en donde encasillar tu imagen. ¿El resultado? lo juzgaran uds a lo largo de esta publicacion.

La fotografía como instrumento de trabajo Baldessari es el artista de la apropiación de imágenes, mezclando en sus trabajos fotografías propias con aquellas imágenes procedente de diversas fuentes, como las extraídas de los medios de comunicación.

Baldessari consigue, mediante este collage de imágenes, dotar a las fotografías de un nuevo significado, en algún caso ayudado por los textos que inserta en sus obras, creando de esta manera, un metalenguaje dentro de la obra. Podríamos decir que nos propone a través de su trabajo una nueva forma de ver el mundo, un mundo complejo y fragmentado.

do para fotografía de paisajes es el Gran Angular, debido a su amplia profundidad de campo y a su gran ángulo que permite abarcar mayor proporción de paisaje. Si estás buscando un buen objetivo para paisajes, te recomiendo este artículo.

*Filtros: Los filtros más comunes

son el filtro polarizador (para aumentar el contraste del cielo y reducir posibles reflejos en la imagen), el filtro de densidad neutra (que resta luz a la imagen para poder disparar a velocidades lentas y conseguir el efecto sedoso del agua o de las nubes del cielo) y el filtro degradado neutro ( que permite restar luz sólo en una zona de la imagen, muy útil en escenas de alto contraste).

fotografia Madrid por: Daniel Franco

Material indispensable Lo que necesitas para una buena toma

*Disparador remoto: Te ayudará a evitar trepidaciones asociadas a apretar el obturador. También puedes usar el disparador automático de tu cámara si no dispones de un disparador remoto.

Hay gente que hace maravillas con su Smartphone hasta en paisajes, pero lo ideal o lo más estándar sería que una vez hayas decidido que *Batería de repuesto: No el Paisaje te apasiona, te vayas haciendo poco a poco y según tus po- querrás estar delante de un paisaje maravilloso, lejos de la civilización, sibilidades, con estos “obligados” para fotografía de paisaje: *Cámara: Podemos decir Réflex

o simplemente una con controles manuales y objetivos intercambiables (Evil, Bridge, etcétera)

*Trípode: La nitidez es una de

las claves de las fotografías de pai-

saje, por lo que un buen trípode es obligado compañero de aventuras paisajísticas, así evitarás vibraciones que pueden hacerte perder esa nitidez tan buscada.

*Objetivo: El más aclama-

y quedarte sin batería, ¿No?

*Tarjetas

de memoria

extra: Releer el punto anterior y

sustituir “batería” por “memoria” Una buena y cómoda mochila: Si quieres saber cómo escoger una, te recomiendo este artículo.

La fotografía como obra de arte

fotografia: Toledo por: Daniel Franco

Actualmente la fotografía está considerada como un arte más, esto es, la cámara fotográfica al igual que el pincel y el lienzo se ha convertido en una herramienta imprescindible para que muchos artistas expresen sus emociones. Pero al igual que la mayoría del arte contemporáneo en la fotografía la idea que se vende es incluso más importante que la propia obra. Es decir, que la idea de la obra prevalece sobre sus aspectos formales.

Así, la fotografía artística más allá de su belleza nos hace cuestionarnos y plantearnos una serie de preguntas.

Sino lo consigue sólo será una hermosa imagen más, que será relegada a ser únicamente observada y olvidada, como algunas de las imágenes que imperan en este mundo cuya democratización de la fotografía ha creado una sociedad acostumbrada a ver, pero no a fijarse en las imágenes que están a nuestro alrededor permanentemente.

Miguel Oriola:

La fotografía es hoy el arte. Y como el arte, libre. El artista construye imágenes lentas que se oponen a la estética de la instantánea. […] La fotografía pasa a ser el soporte donde el autor expresa su discurso y no el objeto de adoración por sus gamas de grises y otros alardes técnicos o compositivos.

Asi se ve la fotografía por national geographic Las fotografía de paisaje siempre ha sido, desde los inicios de la misma, uno de los estilos fotográficos más usados, realizados y visualizados. Sin duda, capturar la belleza de nuestro entorno y congelar esos parajes que tanto nos encantan cuando los visitamos es una de las situaciones en las que la fotografía se vuelve más usada y patente.

Un poco de todo

El paisaje ha sido uno de los motores de la evolución de la historia de la fotografía. La mirada fotográfica más antigua de la que tenemos conocimiento resulta ser un paisaje rural que Nicéphore Niepce nos legó en su Vista desde la ventana en Gras, 1826. Vista urbana o vista natural los pioneros documentaron el

desarrollo social de nuestras comunidades partiendo de aquellos paisajes muertos, donde nadie parecía habitar, dando cuenta de las limitaciones técnicas de la época.

A estas propuestas fotográficas siguieron otras donde los polos del realismo y del idealismo, una y otra vez alternaron su influencia. Ello condujo hasta un paisaje tamizado a través de las experiencias formales de las vanguardias o de las demostraciones de dominio del medio de Ansel Adams. La visión moderna del espacio encuentra sus precedentes en la Historia de la fotografía, pero sobre todo en el cambio a la postmodernidad ofrecido por las aportaciones de William Eggleston, especialmente con su uso del color y su preocupación por trasladar la atención fotográfica a ese ningún-lugar-en-particular del que tanto han bebido las diversas hornadas de los artistas europeos de la Nueva Topografía, durante los años 1980 y 1990.

“¿Cuál de mis fotos es mi fotografía preferida? Una que voy a hacer mañana.”

Emmet Gowin

Fotografia: Los jardines del castillo lugar: toledo por: Daniel Franco

ELIA LOCARDI

Entrevista con el astro de la fotografia de paisajes

La entrevista con el genio tras los paisajes del mundo YQ : ¿Cuánto tiempo ha sido un fotógrafo?

Elia : Me encantaría decir que he sido un fotógrafo desde que era un niño, pero la fotografía es en realidad un camino bastante reciente para mí.Además disparando al azar con las cámaras de película baratas durante la infancia, pasé algún tiempo en la universidad disparando fotografía abstracta con mi primera réflex, una Nikon N70.

Después de eso, no recogió una cámara en serio desde hace bastante tiempo, ya que pasé una larga carrera década en la post-producción, diseño de movimiento y efectos visuales.Estas experiencias de trabajo me permitió convertirme muy hábil en Adobe® Photoshop y me enseñaron mucho acerca de ángulos de cámara, producción de vídeo, y la iluminación, que considero habilidades muy relacionables a la fotografía.

Luego, en 2009, antes de un viaje a Italia con mi esposa, me compré mi primera cámara réflex digital.A principios de 2010, se hizo muy claro para mí que la fotografía era mi

Elia Locardi

verdadera pasión.Se podría decir que acaba de hacer clic ... Ante el hecho de que yo era un adicto sin remedio a la fotografía, me pasé la mayor parte de 2010 agresivamente viajar y la construcción de mi cartera y por el fin de año mi blog y sitio educativo, Blamethemonkey.com, eranacido.Por lo tanto, yo diría que 2010 fue realmente el comienzo de mi camino de convertirse en un fo-

tógrafo profesional de viajes.

Como mi carrera en la fotografía comenzó realmente despegar, mi esposa y yo estábamos en el camino tanto que el mantenimiento de un hogar en los EE.UU. ya no tenía mucho sentido.Decidimos vender todo lo que teníamos y convertirse en 100% independiente de la ubicación, en verdad, era sólo una forma elegante para nosotros decimos a

nuestros padres que nos estábamos convirtiendo en voluntaria sin hogar.

En marzo de 2015 estaremos celebrando nuestro 3er año de ser independiente de la ubicación, que será bastante el hito para nosotros.

maras sin espejo (tal como poderosos, cámaras DSLR pero mucho más pequeños y más ligeros que) y Nikon DSLR.En un futuro próximo, espero que cambiar por completo a sin espejo.

YQ : Hace un siglo, sólo los fotógrafos profesionales tenía cádisparas? maras.Hace cincuenta años, los Elia : Yo uso una combinación precios cayeron y todo el mundo de ambos Fujifilm X-Series Cá- tenía Polaroids y cámaras de peYQ : ¿Con qué tipo de cámaras

lícula sencillos.Ahora las cámaras digitales son omnipresentes, y son tan sofisticados.¿Cuáles serán las cámaras será dentro de 50 años?¿Habrá siempre una necesidad para los fotógrafos profesionales?

Elia : Esa es una pregunta muy interesante.Aunque, por supuesto, no puedo decir con certeza lo que las cámaras serán como

en 50 años, me gustaría predecir que van a seguir para convertirse en más pequeño y ligero y que la calidad seguirá mejorando, lo que nos permite capturar más luz en un solo cuadrocon aún mayores detalles por píxel.

También es emocionante ver la evolución de Fotografía Drone porque a pesar de que todavía está en su infancia, la tecnología ya está dando pasos gigantes.

Puedo ver que esto convertirse en un verdadero cambio de juego para los fotógrafos, ya que se rompe casi todos los límites de

composiciones y ángulos.

Con todo esto en mente, creo que siempre habrá una necesidad para los fotógrafos profesionales.

La tecnología nunca reemplazará el conocimiento de que la experiencia actual puede ofrecer.

Tener una buena cámara no te convierte en un mejor fotógrafo como tener una cocina del estado de la técnica no te hace una mejor chef.Estoy bastante seguro de que incluso si tuviera la mejor cocina del mundo, todavía estaría logran arruinar el mac y el queso.

En el mismo sentido, tener una cámara barata sencilla no te hace menos de un fotógrafo en mi mente.Hay algunas personas gravemente talentosos que producen trabajo impresionante usando sólo los teléfonos móviles.Creo que convertirse en un buen fotógrafo tiene más que ver con la creatividad de un individuo y su capacidad de ver el mundo que les rodea de una manera única e interesante.Incluso la mejor cámara del mundo no le puede dar eso.

YQ : ¿Puede describir lo que su

flujo de trabajo de post-proceso es como?

Elia : ¿Qué tengo que hacer para producir mi trabajo en estos días es un poco diferente de cuando empecé primero.Un par de años empecé a desarrollar una técnica que me gusta llamar “una mezcla dinámica.” ¿No apetece ese sonido?Ya me lo imaginaba.

Mi primer paso, mientras que en la ubicación, es capturar una serie de exposiciones del bracket durante un período determinado de tiempo.Digamos, por ejemplo, de hora de oro todo el camino a través de la puesta del sol y en el crepúsculo.Una vez que haya capturado a esas exposiciones, les pondrán en Adobe Lightroom y seleccionar mis marcos o momentos favoritos en el tiempo.Este puede ser el cielo de la puesta del sol que está iluminada con colores brillantes, y el primer plano del crepúsculo, una vez que todas las luces de la ciudad se han convertido en.

Tome esta imagen de Grecia como ejemplo con un cielo puesta del sol y la ciudad durante la hora azul.

YQ : ¿Cuáles son las más ins-

piradoras 3 lugares en el mundo que tenía la oportunidad de disparar?

Elia : Supongo que si yo realmente tenía que romper hacia abajo, mis tres mejores países favoritos para la fotografía serían Italia, Japón e Islandia.

Italia por las innumerables ciudades históricas y pueblos paraíso costero, Japón por la rica cultura, tradiciones, y hermosa arquitectura antigua, e Islandia durante los interminables paisajes épicos que te hacen sentir como si estás de pie en un mundo extraño.

Elia :

Porque, está muerto sexy.Al menos eso es lo que mi esposa me dice. llego a inspirar a otros al compartir la belleza de este planeta increíble con aquellos que no tienen la oportunidad de ver por sí mismos. llego a elaborar imágenes que son exclusivamente míos, de manera que sólo yo veo, de momentos que sólo puede suceder una vez en la vida.

Me empuja constantemente a salir de mi zona de confort para capturar imágenes convincente.

Me ha conectado a una comunidad mundial de los demás con YQ : para terminar ¿Podrias una pasión compartida por la fonombrar 5 razones de por qué es tografía. bueno ser un fotógrafo?

“Before you read more, it’s important to me that you know that we’re not rich and we’re not poor”

5 Datos que quizรก no conocias sobre: sobre: Elia Elia Locardi Locardi

junto con su esposa nahomi reciben grandes patrocinios de marcas como nikon para recorrer el mundo con su camara y compartir la belleza de los rincones mas escondidos.

su repertorio en locacioneses bastante extenso. con fotografias al rededor del 70% del mundo

sus fotografias son hoy en dia la imagen de Nikon. considerado su mas grande patrocinador

maximo exponente del paisajismo a nivel mundial. estilo: HDR

Elia Locardi: es un fotografo de viajes y destino reconocido internacionalmente.

Retrato

¿Cómo podemos contar historias a través del retrato?

Primero convéncete de que todos y todas tenemos algo que contar. Siempre. Y recuerda que una historia no habla de guapos modelos ni de una luz perfecta de atardecer, ni siquiera del encuadre perfecto siguiendo todas las normas de composición. Una historia tiene que conmovernos, que llegarnos, que convencernos. Por suerte, hay muchas formas de contar historias en un retrato. Veamos algunas.

Antes de empezar, lo imprescindible Saber qué quieres contar, qué quieres decir sobre esa persona. ¿La conoces?, ¿Cómo es?, ¿Qué quieres decir sobre ella?, ¿No la conoces?, ¿Qué impresión te ha dado?, ¿Has hablado con ella?, ¿Puedes intentar conocerla de algún modo antes de disparar la foto?, ¿Quieres hablar sobre su profesión?, ¿Sobre su inocencia?, ¿Sobre su fuerte carácter? …

Todas estas preguntas condicionarán cualquier decisión que tomes después. Desde el encuadre, hasta la luz, pasando por el nivel de acercamiento o la postura, así que es muy aconsejable que antes de disparar sepas qué quieres transmitir con tu imagen.

Invierte tiempo en conocer a esa persona que quieres retratar.

Conversa con ella, no sólo te ayu-

dará a conocerla si no la conoces, si no que te ayudará a romper el hielo y a que ambos os sintáis más cómodos.

Si es la imagen de un desconocido no te limites a fotografiarlo, todo lo que acompaña a tu imagen habla de él, tenlo presente.

La luz, el punto de vista, la posición dentro del encuadre…

Espontaneidad versus preparación Que sepas qué quieres obtener no significa que no puedas mezclar la espontaneidad con la preparación, incluso en medio de una sesión preparada puede surgir la magia de una maravillosa risa espontánea gracias a uno de tus buenos chistes, o un ceño fruncido debido a uno de los malos

No hay una receta única para obtener buenos retratos, eres tú el que debe sentirse cómodo con tu propia forma de trabajar, si prefieres dejarte llevar en medio de un ambiente libre donde tu “modelo” se desenvuelva completamente a su aire, es válido. Si por el contrario prefieres contro-

lar todos los aspectos del retrato, desde lo técnico hasta la pose o expresiones de tu protagonista, también es perfectamente válido.

Sea como fuere, no tengas miedo de dirigir tu escena y de moverte libremente y sin prisa siempre que la situación te lo permita.

A través de la actitud y el lenguaje no verbal Relacionado siempre con qué historia queremos expresar sobre esa persona, la actitud que muestre es esencial para la idea que quieres transmitir.

La actitud se transmite a través de muchas variables como la posición de los brazos, los gestos con con las manos, la mirada, una sonrisa, un ceño fruncido, una mirada directa a cámara o una mirada perdida…Todo nos habla de algo, todo nos transmite diferentes cosas.

La mirada: Puedes dirigirla di-

rectamente a cámara o hacia otro lado. Puedes hacer que ésta se dirija hacia algo dentro del encuadre o hacia algo que no podemos ver puesto que se sitúa fuera del mismo. Una mirada directa a cámara, es una mirada directa al espectador, una mirada no directa y fuera del encuadre nos anima a imaginar parte de la historia, y una mirada no directa dentro del encuadre puede generar una narrativa añadida. (Mira algo, objeto o persona que nosotros también vemos y crea una relación,

una historia).

La postura: No es lo mismo una postura relajada que unos brazos en jarras, alguien sentado cómodamente, que alguien en tensión, no es lo mismo alguien de brazos cruzados que alguien que nos muestra por ejemplo las palmas de la mano.

La expresión del rostro: Seriedad, risa, carcajada, concentración, tristeza, llanto desesperado, concentración, furia.

Composición O dónde colocar a nuestro sujeto dentro del encuadre, cómo y por qué condiciona nuestra forma de percibir y entender el retrato. Puedes transmitir agobio, libertad, soledad o inocencia sólo por la forma en la que colocas a tu protagonista dentro de la imagen. Veamos algunas formas de conseguirlo: Ley de la mirada. O dejar respirar la imagen en la dirección a la que se dirige la mirada.

Regla de los tercios. No es obligatorio aplicarla (ni mucho menos) pero sí es “obligatorio” conocerla Es aquella que dice que la atención del espectador se dirige más fácilmente a las intersecciones imaginarias resultantes de dividir el encuadre en tres líneas horizontales y tres líneas verticales.

Los puntos en que estas líneas se cruzan, son los puntos fuertes de la imagen y es allí donde tu centro de interés resalta más para el ojo humano del espectador.

El espacio negativo. Que es aquello que rodea a nuestro “modelo” pero sin aportar información Podemos decir que es un fondo que

lo acompaña, pero no le resta “El fotógrafo no puede ser un especprotagonismo. El lugar en el que colocas este espacio negativo, te tador pasivo, no puede ser realmente ayudará a transmitir diferentes lúcido si no está implicado en el aconsensaciones, desde soledad, hasta agobio. Puedes leer más sobre tecimiento.

Ansel Adams espacio negativo aquí.

”

El entorno y el fondo Todo aquello que rodea a nuestro protagonista, aunque a menudo cometamos el error de olvidarlo, tiene y aporta información.

Para bien o para mal, así que la primera decisión importante con respecto al fondo es, ¿Quiero incluirlo en mi imagen?, Si es así, ¿Por qué?, y si no es así, ¿Qué puedo hacer para evitarlo?

Cuándo incluir el fondo y cómo hacerlo Cuando éste tenga información relevante que te ayude a explicar la historia de tu protagonista. Por ejemplo, Pedro o Laura son carpinteros, quieres mostrar cómo se ganan la vida ya que es parte de su personalidad, bien puedes, por ejemplo, mostrarlos en su lugar de trabajo.

Aumenta la profundidad de campo. Recuerda que a aperturas más cerradas, mayor profundidad de campo o lo que es lo mismo, mayor zona nítida en la imagen.

Distancias focales bajas: Cuanto más angular sea tu óp-

tica, mayor porción de fondo o entorno podrás incluir en la imagen.

Cuándo NO incluir el fondo y cómo hacerlo Cuando este no contiene información relevante para tu protagonista o le resta protagonismo.

Reduce la profundidad de cam-

po con aperturas de diafragma abiertas (F/1:4, F/2:8, etcétera).

Aumenta la distancia focal.

Mueve a tu protagonista hacia un fondo liso, neutro, o que no le reste protagonismo.

Puedes utilizar telas tales como cortinas o pañuelos para ocultarlo.

¿Una sola imagen o una serie fotográfica?

Puedes contar una historia de principio a fin en una sola imagen. O puedes hacerlo en varias, es cuestión de gustos o incluso una decisión que irás viendo sobre “la marcha” durante tu carrera fotográfica.

Las imágenes únicas dan “más libertad” tanto en temática como en tratamiento o en composición, mientras que las series parten evidentemente de la misma libertad, pero luego se recomienda que tengan una línea visual

parecida para que como espectadores las percibamos como parte de una serie, y no como fotografías solitarias colocadas una al lado de las otras.

El analisis documental de la fotografia La fotografía juega un importante papel en la visualización de las actividades políticas, sociales o culturales del hombre que la convierten en un verdadero documento social. Si los periódicos constituyen una fuente histórica básica para la comprensión de los avatares del hombre durante los últimos siglos, la fotografía, sea la de prensa, la profesional o, incluso, la fotografía de aficionado, representa, con el cine y la televisión, la memoria visual del

siglo XX y constituye un medio de representación y comunicación fundamental. Por ello, la Documentación debe asumir su responsabilidad en la conservación y gestión de un patrimonio documental útil e informativo que, por muy diversas razones, no siempre ha sido bien tratado.

La fotografía forma parte de la configuración general del periódico con un papel que no debe limitarse al factor puramente estético o como simple recurso

para evitar la monotonía de las páginas de texto. La fotografía de prensa es un aspecto más de la información y se constituye en información por sí misma. En este sentido la fotografía de prensa deberá ser tratada por el centro de documentación del periódico, o de la revista, o de la emisora de televisión, como mensaje informativo autónomo, de forma que pueda ser reutilizada.

8 datos sobre la fotografia de pronto no sabias fotografía la bautizó inicialmente con el nombre de “heliografía”.

Niépce obtuvo las primeras fotografías exponiendo placas metálicas a la luz de sol. Por eso al procedimiento utilizado lo llamó heliografía, del griego helios (“sol”) y grafía (“escritura” o “dibujo”). El nombre definitivo de fotografía se lo debemos a Sir John F.W. Herschel, que acuñó el término en 1839.

El primer libro ilustrado con fotografías se titulaba Pencil of Nature (“El lápiz de la Naturaleza”).

Fue publicado en Londres entre 1844 y 1846, en seis entregas. Su autor, Henry Fox Talbot, anunciaba en sus páginas “el inicio de un nuevo arte” y mostraba sus potenciales aplicaciones en ciencia y tecnología.

La fotografía forense nació en 1866, fundada por el escocés Allan Pinkerton.

Pinkerton, que tras mudarse a

Estados Unidos se convirtió en el primer detective de Chicago, puso en práctica la fotografía criminal para reconocer a los delincuentes, disciplina que posteriormente sería llamada fotografía judicial y a la que hoy se conoce como fotografía forense.

Su objetivo es mostrar detalladamente aquello que escapa a la inspección ocular.

“Usted aprieta el botón, nosotros hacemos el resto” fue el eslogan con el que se puso a la venta la primera cámara de fotos “popular”.

Se trataba de una cámara muy manejable, comercializada por la Eastman Kodak Company, que se vendía en 1888 cargada con un carrete de 100 fotos y lista para utilizar. Una vez usada se enviaba a la casa Kodak, que extraía el carrete, revelaba las fotos y las devolvía junto a la cámara nuevamente cargada. Con su llegada al mercado el uso de la fotografía

se extendió a toda la población.

Los niños muestran un talento natural como fotógrafos.

Esa fue la conclusión de un estudio realizado en 2002 por la Universidad de Birmingham,

Reino Unido. Los investigadores también comprobaron que el motivo escogido por los “fotógrafos infantiles” evoluciona con la edad. Así, los niños de cuatro años eligen fotografiar elementos

emocionales, como sus padres, o imágenes visualmente estimulantes con colores brillantes. A partir de los once años se observa una tendencia a tomar las imágenes de espacios abiertos y

naturales, buscando elementos “estéticamente atractivos”. Y al alcanzar la adolescencia, la fotografía se convierte en una actividad social más que les ayuda a relacionarse con los amigos.

El primer producto fotosensible que se utilizó fue el betún de Judea.

Este alquitrán natural, conocido desde la antigüedad, era obtenido originalmente de la superficie del Mar Muerto, donde emerge continuamente del fondo. En el siglo XIX se empezó a extraer también de las rocas bituminosas. Tradicionalmente se utilizaba para embalsamar las momias egipcias, para calafatear los barcos o para hacer nivelaciones en Babilonia. Y Joseph Niépce comprobó que entre sus múltiples propiedades también estaba la sensibilidad a la luz. En efecto, el betún endurece y se blanquea al recibir luz, aunque necesita muchas horas de exposición. Por eso la primera fotografía de la historia tuvo que permanecer expuesta al sol durante 8 horas.

Robert Capa fue el fotógrafo de guerra más famoso del siglo XX. Cuando estalló la Guerra Civil española se trasladó a nuestro

país convirtiéndose en testigo directo de la contienda desde el lado republicano. Una de sus fotografías, “El soldado caído” (conocida también como ?Muerte de un miliciano?), se convirtió en un icono de la contienda se hizo mundialmente famosa. En ella Capa logró recoger el momento preciso en que el miliciano Federico Borrell muere en Cerro Muriano, en el frente de Córdoba, el 5 de septiembre de 1936, tirotea-

do por un francotirador.

Ver la fotografía de la persona amada reduce el dolor.

Explorando el cerebro de 15 voluntarios con ayuda de resonancia magnética, Arthur Aron, profesor de psicología en la Universidad de New York, ha demostrado que las áreas del cerebro activadas al ver la foto de tu pareja pueden reducir el dolor hasta en un 44%, tal como lo hace el paracetamol.

La historia de la camara 8 datos 1)Podemos decir que las cámaras de fotos cuentan con una historia de casi mil años de antigüedad. Muchos estudios han demostrado que en el siglo X ya se observaban los eclipses en el interior de una habitación completamente oscura. En estas habitaciones se abría un orificio que posibilitaba la proyección del sol en la pared opuesta.

2)Aproximadamente en el siglo XVI, la cámara oscura se usaba como instrumento de dibujo. Esta cámara estaba formada por un objetivo montado en una caja portátil.

El dibujante se situaba en el interior de un espacio creado con telas negras, por donde a través de uno de sus lados asomaba el objetivo.

3)Esta cámara oscura sería llamada cámara fotográfica ya en 1830, cuando comenzaron a descubrirse los compuestos fotosensibles y su exposición dentro de las cajas cerradas.

4)Podemos decir que el primer modelo de cámaras fotográficas un poco más modernas consistía en dos grandes cajas de madera que se introducían una dentro de otra para enfocar. En un extremo se encon-

traba el objetivo, mientras que en el otro había un vidrio que se usaba como pantalla de enfoque y que luego era sustituido por la placa fotosensible.

5)Cabe destacar que estas primeras cámaras solían ser bastante grandes. Además, se usaban siempre sobre soportes anteriores a los actuales trípodes, pues tardaron bastante en crear películas y obturadores rápidos para contrarrestar las vibraciones del pulso.

6)Las cámaras usaban placa y películas en hoja, emulsionadas por el fotógrafo. No fue hasta la revolución fotográfica creada por George Eastman, con las primeras Kodak portátiles, cuando comenzaron a usarse películas prefabricadas.

7)En el año 1936 nacería la primera réflex SLR de 35 mm. Este modelo era muy parecida a las actuales cámaras réflex. Poco a poco se fue mejorando estas cámaras de 35 mm, así, las cámaras para película en rollo perdieron popularidad. Hoy por hoy, estas son empleadas tan solo por profesionales.

8)Hoy en dia es considerada una profecion artistica y profecional admirada y valorada a nivel mundial con altos exponentes en los diferentes campos de esta.

Fotografo del mes corta biografia

Daniel Franco: nacido el 1 de marzo del año 1994 en la ciudad de Cali, Colombia.

Fotografo y diseñador grafico de la universidad LCI. conoce la fotografia a corta edad mas sin embargo nunca desarrolla una gran practiaca en ella hasta el momento de verla como asignatura, donde se enamora perdidamente de sus primeros resultados y decide incurcionar en este mundo.

Al dia de hoy continua su exploracion con direccion a la fotografia. fotografo de esta edicion de la revista, se ha encargado de desarrollar un estilo de fotografia similar al HDR y a demas de su destacada aparicion en el retratismo y la fotografia de producto. entre sus fotografias mas reconocidas se encuentran los paisajes de Madrid y Toledo (España) a demas de los acantilado de Sues-

ca, vale la pena resaltar la publicidad que desarrollo para Coca-Cola y los retratos realizados a la modelo y cantante Christy Corson.

“mi plan es mantener todos mis recuerdos en hd. asi siento que los vuelvo a vivir.”

EXPOSED Proxima edicion

Arquitectura