DOVP MAGAZINE NUM. 5 - EDM: EMOTIONAL DOVP MUSIC

NUM. 5 INVIERNO 2015

EQUIPO Hardworkers Dirección y edición Angel Díaz Redacción Gonzalo Oya Santos Reyes Edición Gráfica & Arte Nico Miseria Fotografía Alberto Rodríguez Alicia Mess Portada Photographer: Alberto Rodríguez Model: NoorBrini MUA &HairStyle: Are YouReady? Estilistas By ICON Stylist: Marikiya Luna Díaz Agradecimientos Paola Isabel Santos @ Granada The Passenger @ Madrid Neo Anderson Paternina Ortega @ Neo Art & Comic Selector Marx @ Fotografías de Duddi Wallace Chad Kamenshine @ Fotografías de Beacon Gustavo Sánchez y Teresa Vallbona @ PR & PRESS, Sónar Números y suscripciones: A través de nuestra tienda web: www.dovpmagazine.com/shop.html Más información en: iwantdovp@dovpmagazine.com Impresión Nova Copia SL - Barcelona Este número de D0VP Magazine se publica con una licencia digital Safe Creative (incluida la mixtape promocional que lo acompaña). No se permite un uso comercial de la obra original ni la generación de obras derivadas.

Código de registro: 1502273344588 Fecha: 27/feb/2015 17:43 UTC Web www.dovpmagazine.com Contacto y publicidad info@dovpmagazine.com Suscripciones iwantdovp@dovpmagazine.com

EDITORIAL

Emotional DOVP Music. Y como no hay nada más universal que las emociones, la verdad es que nos ha quedado un numero de lo más cosmopolita.

Un mapa de sonidos en el que se cruzan renovadores del lenguaje pop venidos de nuestra vecina Portugal o de las Islas Británicas, con underground rappers de la Costa Oeste.

Donde los embajadores del tech-house escandinavo hacen migas con los reyes del urban latino, mientras Como ya sabréis, por la redacción somos mucho de jugar con las palabras, las siglas España y sus antípodas comparten un mismo idioma, sintetizador mediante. y los acrónimos; eso a lo que los MCs les Todos bajo una misma bandera, a la gusta llamar wordplay. En esta ocasión, le hemos dado un par de vueltas a una etique- que Alizzz, nuestro representante mas internacional, pone himno(s)... y desde ta manida, vaga y no exenta de polémica las primeras notas, los pelos como como es la EDM y la hemos rebautizado. escarpias... So Emotional.

Por las bravas. Nada de Electronic Dance Music. Estas paginas contienen el primer y único tratado (hasta el momento) sobre Suponemos que, al igual que nosotros, ya habréis hecho la digestión de tanto polvorón, tanto champán, tantas gambas y tanta lista de "lo mejor de 2014" y estáis preparados para una nueva ración de DOVPNESS. Si recordáis acabábamos el curso con nuestro anuario nacional, por lo que hemos decidido empezar el 2015 ampliando nuestras miras, aunque sin olvidar el producto patrio.

“The Passenger es un snack bar en el corazón de Malasaña. Abrimos todos los días desde la hora del café hasta las 3 de la mañana, nos gustan los cócteles buenos, que podáis comer bien a cualquier hora, el rock, el jazz, el Hip-hop y la buena música electrónica”.

Photographer: Alberto Rodríguez Model: ValerieMurley MUA &HairStyle: Dafne Alzurutt Stylist: Marikiya Luna Díaz

PIONAL BELIEVE THE HYPE Por Gonzalo Oya

Otro artista que se dio a conocer antes fuera de nuestras fronteras. Es hoy uno de los nombres más en boga en la electrónica nacional. Con una propuesta transversal y el apoyo de medios internacionales, Pional se establece en Madrid para continuar haciendo lo que mejor sabe: música sin prejuicios.

Es probable que ya conozcas de sobra a este madrileño. No descubrimos la pólvora si te decimos que su nombre es, sin duda, uno de los más internacionales que ha dado la música electrónica española en años. Tampoco decimos nada nuevo si recalcamos que su ejemplo demuestra que hoy por hoy, no hay excusas ni fronteras para el verdadero talento. Pero, ¿qué hay más allá de la sobre-adjetivación, las etiquetas y tópicos en los que suele caer el periodista haragán de turno? Pues la música, claro; la de uno de esos creadores llamados a marcar la diferencia en la música electrónica española y europea de los próximos años.Y es que, tras proyectos tan celebrados como “Invisible Amenaza” (2012,Young Turks), el más reciente “It’s All Over” (2014, Hivern Discs), o su maravilloso encuentro con Jessie Ware en el remix de “Keep On Lying”, Miguel Barros aka Pional nos obliga una y otra vez a llevarle la contraria al pobre de Flavor Flav. No, no es que puedas creerte este hype... es tu deber hacerlo.

“Muy al principio de mi carrera aquí nadie sabía nada de mí” DOVP: Irrumpiste en escena en 2010 y tu propuesta no ha parado de crecer y evolucionar desde entonces. ¿Crees que la escena española ha cambiado y crecido de igual manera durante este tiempo?

PIONAL: ¡Desde luego! La gente creo que se ha abierto mucho más, la prensa apoya mucho más y los promotores, tanto de clubes como en festivales, también cuentan con artistas de la escena electrónica nacional.

D: Por ahora te has resistido a dar el salto al larga duración. ¿Es algo que te hayas planteado realmente estos años?

P: Sí, por supuesto, pero prefiero consolidarme

como artista antes de sacar un álbum, creo que no es bueno sacar por sacar, no tenía mucho sentido desde mi punto de vista... viajando y no sintiéndome preparado para trabajar en él. Ahora es cuando realmente me veo y me apetece trabajar en el álbum.

D: Tu caso es uno más de artista cuyo talento parece valorarse antes fuera que por aquí. Hay quien habla de falta de infraestructuras, otros de que no se valora lo que tenemos… ¿Cuál es tu perspectiva al respecto?

P:Yo la verdad que nunca he tenido queja de la prensa nacional, pero si es verdad que se fijaron antes fuera, pero bueno, creo que eso pasa en muchos países... no solo en España. Muy al principio de mi carrera aquí

nadie sabía nada de mí, por lo que es normal que la prensa no se fijara. Siempre agradeceré a Pitchfork que se fijaran en mí desde el principio con el primer EP. D: Tu “Invisible Amenaza” estaba lleno de pasajes que muchos como yo, relacionamos con el Italo y la música disco en general ¿Qué artistas crees que pueden haber influido en el desarrollo del sonido de tu EP? P: Ninguno, de veras, no estoy muy puesto en la música ítalodisco, guardando las distancias diría que me influenció más LCD Soundsystem y el sonido DFA. Para ese EP quise buscar un sonido común en los tres temas, trabajando con muchos instrumentos acústicos y grabado más en directo, aunque no lo parezca. Me apetecía hacer un EP que tuviera elementos más clásicos como un bajo, una batería, guitarra o voces sin llegar a ser música disco-indie como algunos dirían... a modo The Rapture por ejemplo, y que sonara más de baile, no es algo fácil la verdad (risas).

D: Hablando de tu sonido, siempre has parecido muy preocupado por el uso de las melodías. ¿Qué importancia das a esto en tu música? ¿Crees que es uno de los elementos que marca la diferencia en tu propuesta?

P: Cuando estoy en el estudio y estoy buscando sonidos siempre acabo buscando algo que me llene, y normalmente es alguna melodía. Quizás en ello se define mi música, no lo se... me gusta la música que se basa en loops y no hay mucha melodía, pero yo personalmente en algún momento de la canción necesito incorporar algo que diga: "sí, eso es." (risas) D: El R&B mainstream y la electrónica parecen hacer muy buenas migas últimamente, ¿Es una vía que te interese explorar? ¿Qué artista o artistas de R&B crees que podrían encajar mejor en tu música?

P: Me encanta hacer todo tipo de música, no sale editada en ningún lado pero tengo cientos de proyectos que más podrían ser de Outkast, Kanye, Jennifer Hudson o incluso Sam Smith.

Me gusta hacer música y si algo es bueno no puede haber prejuicios al respecto.

D: El 12 “ de It's All Over” es lo último hasta la fecha. ¿Habrá nuevo EP en 2015?

P: Ahora mismo estoy en plena búsqueda de estudio en Madrid.

Hasta que no lo tenga no empezaré a trabajar en nueva música así que espero encontrarlo pronto. Prácticamente desde Agosto estoy entre semana en Londres en unos estudios de un sello trabajando en un proyecto junto con una amiga, dentro de poco podré decir algo más, por el momento estamos haciendo música juntos.

“Me gusta hacer música y si algo es bueno no puede haber prejuicios al respecto”

“¡¡Puedes encontrarte a 100 rappers hablando de lo mismo sobre el mismo beat y nadie de la industria pestañea!!”

ALMA DE BLUES Por Santos Reyes

Nos la descubrieron unos británicos de éxito como Disclosure, mientras que en sus EPs ha tomado un rumbo cercano al R&B electrónico. A la vez que prepara su primer larga duración, Sasha Keable se aparta de etiquetas y movimientos generacionales.

Si hay un par de productores en la escena electrónica que tengan ojo clínico para descubrir e impulsar nuevos talentos esos son, sin lugar a dudas, los británicos Disclosure (¿os suena un tal Sam Smith?). Así que no es de extrañar que, tras escuchar "Voices", muchos nos preguntáramos si Sasha Keable iba camino de convertirse en la nueva diva de aquello a lo que han rebautizado en las Islas como Deep House o en el rostro fresco del Soul británico... Y para continuar dejándonos con la duda, ella no se cierra puertas, ya que lo que siguió a ese single fueron dos EPs con marcado acento R&B, más cercano a la intimidad de las confesiones de barra que al fulgor de la pista de baile. "Cualquiera que escuche mis EPs se dará cuenta de que no soy una artista dance. Sin embargo, no voy a decir que nunca más haré música de baile. Sé que la gente está muy preocupada en poner etiquetas y decir a los artistas

Ilustracion de Paola I Santos

qué música pueden hacer y cual no, pero yo no tengo ninguna intención de ser etiquetada".

Centrándonos en su segundo EP, "Lemongrass & Limeleaves", se antoja fundamental el trabajo en la producción del dúo Billon, que ha conseguido dotar a las composiciones de Sasha de un sonido completamente actual, pero en el que se reconoce una querencia por la elegancia y la sensualidad del Soul británico de mediados de los 80, con Sade a la cabeza. En este sentido, la química entre productores y artista está fuera de toda duda:"La verdad es que fue un proceso muy relajado y una experiencia increíble dar a luz este proyecto entre los tres”.

En lo referente a los textos, el amor y la pérdida conforman la base de un EP en el que se palpa sensibilidad a flor de piel.

"En los momentos previos a la gestación de ese trabajo había amado y perdido mucho. En el mismo año perdí al amor de mi vida y a mi padrastro, así que todo lo que escribí durante un largo tiempo giró en torno a ellos".

Si tuviéramos que emparentar su propuesta con referentes actuales, seguramente se nos vendrían a la cabeza nombres como Banks o JessieWare, que también se manejan magistralmente en ese soul imbuido de matices electrónicos tan en boga en los últimos tiempos. Sin embargo, nuestra protagonista no parece demasiado conforme con ese afán mediático por establecer movimientos genera-

cionales: "La gente debe cambiar su manera de pensar. Por supuesto que es un halago que te comparen con cantantes de tanto talento, pero no deja de ser frustrante que cuando coinciden en el tiempo un par de jóvenes artistas femeninas ya se está hablando de movimiento generacional. Y digo esto porque es curioso como suele darse más este ejemplo con las mujeres que con los hombres. Y si no, fíjate... ¡¡puedes encontrarte a 100 rappers hablando de lo mismo sobre el mismo beat y nadie de la industria pestañea!!".

Desde DOVP nos atrevemos a vaticinar que el álbum de debut que está cocinando esta chica, seguro que deja a esa industria con los ojos como platos y los oídos plenamente agradecidos.

“La gente está muy preocupada en decir a los artistas qué música pueden hacer y cual no, pero yo no tengo ninguna intención de ser etiquetada”

El Factor Humano.

Por Gonzalo Oya.

Con su disco debut bajo el brazo, un buen puñado de directos y su aparición estelar en alguno de los tracks del año, no hay duda de que 2014 ha tratado bien a Redinho. Pero como no todo iba a ser color de rosa para este londinense, no hemos podido evitar comenzar el año haciéndole pasar por nuestra sala de interrogatorios.

Encaramarse a los primeros puestos de nuestra lista de DOVP Favourites de la temporada es lo que tiene...

Desde el primer momento, se hace visible el cambio de tercio que ha dado el Redinho de aquel “Bare Blips” de 2010 al de este álbum homónimo.

Pegando su oído al synthfunk de los 80, al sonido Minneapolis o al legado de los Troutman, el londinense se ha lanzado a un territorio relativamente nuevo, pero con el respeto y el cuidado de no caer en el simple y triste mimetismo. Un cambio de vocabulario que a pesar de los aparentes guiños al pasado, mantendrá en realidad lo esencial del discurso de un músico que es sobre todo, hijo de su tiempo. Y como tal puede que haya, como él mismo reconoce, algo de generacional en esa afición a coger el Delorean y viajar al pasado de vez en cuando: “Es inevitable que los artistas acudamos al pasado en busca de algo nuevo.

Pero sí que creo que muchos 80s babies como yo estamos coincidiendo justo en este momento, dando rienda suelta a las influencias de nuestra generación”.

Sin embargo, a pesar de manejarse por momentos en un terreno similar al del modern funk, no es

“Cualquier estilo o técnica puede convertirse en algo trillado e hiper-utilizado” este el lenguaje que ha escogido para contarnos su debut. Lo suyo es más la búsqueda de un léxico propio, a medio camino entre todo lo ofrecido en sus anteriores trabajos y el nuevo aire funk que parece haber tomado una propuesta en plena transición estética. Que no te extrañe por tanto, toparte con himnos synthfunk a la Minneapolis como “Sharp Shooter”, al lado de pasajes que supuren ese aire ambient y melancólico que parecen compartir muchos de los protagonistas de este número. Un disco que como comprobarás, no deja de lado la perspectiva instrumental y electrónica pero que, a la vez, incorpora con acierto la tórrida presencia vocal de alguien como Vanessa White, antigua voz de Incógnito, como gran sorpresa del menú: “Fue Brendan Riley, que también canta en el álbum, quien me puso en contacto con Vanessa.

Cuando escribí “Going Nowhere”, el track donde la incluí, quería que tuviera cierto toque a lo Tina Turner (risas), así que le pregunte a Brendan y él me sugirió contar con ella. Eché un vistazo a lo que hacía y me pareció increíble. Fue realmente excitante escucharla cantar durante la sesión, es asombrosa”.

Un rasgo, el empleo de vocalistas reales en lugar de samples, que marca la cálida diferencia de Redinho frente a muchos de sus compañeros de viaje. Y es que aunque se muestra a favor del corta y pega de muestras, tiene muy claros los inconvenientes que pueden surgir del uso y abuso de éstas: “Si consideras la creatividad como la combinación de muchas cosas ya existentes de una manera nueva, entonces el sampling es una vía más abierta que tenemos para conseguirlo. Pero como con cualquier estilo o técnica puede convertirse en algo tan trillado e hiper-utilizado, que se llegue al punto de devaluar la percepción que tenemos de ese recurso. Me gusta escribir mi propia música y algunas veces quiero a gente cantando sobre ella”. Otro punto de interés de su propuesta es la irrupción del talkbox, que ha crecido como recurso hasta convertirse en una de las grandes señas de identidad de su música. Un elemento que ha llevado mucho más allá del típico tributo / plagio troutmaniano y convertido en uno de los ejes expresivos de su nuevo trabajo: “Quería usar el talkbox en directo, así que eso terminó por ser mi punto de partida a la hora de escribir canciones.

El reto fue usarlo de un modo diferente”. Y ha sido precisamente esta faceta de talkboxer la culpable de que muchos se hayan fijado definitivamente en él, después de sus recientes y estelares apariciones junto a Rustie o 100s, uno de los últimos protegés de A-Trak. Su maravillosa aportación al “Ten FreakyHoes” de 100s , el auténtico anthem G-Funk del pasado año, hacía obligatorio preguntarle por su encuentro con el rapper californiano:“Él fue quien me contactó por Twitter. Escuchó “Jacuzzi”, la canción que está incluida en el álbum, y me dijo que le había encantado... que hasta su DJ la estaba pinchando en sus directos. Además él es de Berkeley, donde yo viví hace algún tiempo, así que ya teníamos unas cuantas cosas en común, como nuestro amor por el G-Funk”.

“Es inevitable que los artistas acudamos al pasado en busca de algo nuevo” Quienes le han visto de cerca, hablan de un artista que cuida al milímetro la transición de su trabajo desde el estudio al escenario. Dado su pasado como instrumentista en diversas bandas de funk y Rock, no es difícil adivinar de donde viene su deseo por escribir sus propias canciones, y esa obsesión por trasladarlas al directo. Y es que, al final del día, la importancia del “factor humano” será básicamente lo que nos haga cuadrar el círculo de todo su discurso:“Es una parte importante de mi pasado y me gusta imaginarme mi música tocada en directo. Es algo así como

intentar reproducir eso... todo lo humano que hay en el corazón de la música, y añadirle así algo más de sustancia. El siguiente paso es coger eso y trasladarlo al directo, para tocarlo con otros en el escenario”. Habitual de los escenarios de media Europa, suponemos que no será difícil toparnos con su talkbox sobre la tarima de algún que otro conocido festival durante la próxima temporada.

Así que, para concluir, quisimos que él mismo nos adelantara que podremos encontrarnos en su directo:“Uso Ableton Live, con un teclado al que le hice unos agujeros usando un destornillador, y al que añadí un mástil de guitarra para convertirlo en un keytar (risas)… y por supuesto mi talkbox. Siempre trato de realizar una mezcla, incluyendo temas nuevos o inéditos, con los que ya han salido en mis trabajos”.

Al otro lado del laberinto Por Angel Díaz.

Continúa la tradición de artistas alumbradores de géneros. Con un espíritu de música popular global, Kindness presentó a finales del 2014 un álbum, “Otherness” (FemaleEnergy), de tempo lento y colaboraciones de renombre. Ha cambiado el paso respecto a su debut en el 2012, y tiene claro quién ha de liderar una escena pop con la que no comulga en exceso.

Hablar de Kindness es hablar de la herencia de artistas como Peter Gabriel, Sting o Bryan Ferry: sujetos que se sumergieron en su momento en las oscuras profundidades del jazz, el Disco o el R&B para llevarlos a la superficie mostrándolas de una manera más digerible. Una especie de digger transformador y facilitador de discursos especializados. Su libertad de acción se refleja en sus cuidadas composiciones, que se alejan del maximalismo tan en boga hoy día en la música popular. Huye de golpes atronadores de sintetizador, de percusiones graves y contundentes, y de la música sincopada de la pista de baile. Su propuesta es extemporánea, y se acerca más a la sutileza y a la ligereza de décadas pasadas.

Su última propuesta, “Otherness”, es el reflejo de

“Cuando esto llega a las generaciones más jóvenes, en el underground, la gente se queda más con esos trucos de producción que con el disco en sí” esa actitud distante al mercado y de la provocación orquestada. El propio Adam Bainbridge nos explica que, tras su paso por diferentes capitales europeas (ha residido en París, Londres o Génova), su música también contiene un espíritu global: “Es importante para mí el haberme inspirado en estos ambientes tan diferentes, trabajado en lugares tan especiales y representando lugares diferentes también. Quería que este álbum sonase de manera global, que fuese una representación de las culturas diferentes que he

gar sonidos de muy diferentes procedencias con un resultado que llamase la atención.

Y uno de los maestros de la provocación es sin duda Kanye West, al que el propio Kindness había nombrado en el pasado como salvador de la música pop. ¿Se ve a sí mismo o a su colega DevHynes recogiendo la antorcha de Yeezy en el futuro? El británico lo tiene claro: “Dev y yo hemos hablado de esto alguna vez. Creo que nosotros podemos hacer música para nosotros mismos, por expresar nuestros universos, aunque es algo más como nuestras emociones personales. Pero no me lo planteo como revolucionar el universo musical, ponerlo patas arriba. En cambio, sí veo a gente como Kanye que son revolucionarios, que sí buscan siempre el cambio… Esa necesidad de estar experimentando… Gente como Kanye o como Jai Paul... Esa clase de gente con talento para experimentar y darle una vuelta de tuerca más”.

“En el underground se subestima un poco el mundo del pop” vivido… No es sólo un álbum británico, o americano; o de Londres o de Nueva York”. Nos encontramos ante un álbum creado por un auténtico enfermo de la música, rodeado de otros adictos, y preparado para el deleite de un público selecto, que se aleja de las tendencias. El tempo de “Otherness” es más lento que el de su primer álbum, “World, YouNeed A Change Of Mind” (2012, Polydor/FemaleEnergy), hecho que nos aboca a unas composiciones pop que mantienen atento al oyente, que lo tienen en vilo a la espera de descubrir otra influencia, un nuevo truco, un sampleo escondido.Este nuevo rumbo también es el resultado de la faceta colaborativa del artista que, a diferencia de su planteamiento en su larga duración de debut, en esta ocasión se ha rodeado de multitud de voces y músicos, desde Kelela a DevHynes: “Ha habido mucha gente involucrada en esta ocasión”, afirma el artista, “y lo he disfrutado todo de un modo distinto. El proceso en sí ha sido diferente”. En “World…” encontrábamos influencias de Prince, Terry Lewis, Chic, Trouble Funk, el sonido de las bandas de soul de los 80… Un compendio que algunos medios definieron como “funky-lo-fi-disco-house” (sic), pero que etiquetaba a Kindness como ese enfermo musical al que hemos hecho referencia anteriormente, y también le dotaba de una cualidad muy buscada en la música pop como es la provocación: unas ganas inconcebibles de saltar límites, de conju-

Pese a tener contacto con multitud de artistas, a Kind-

ness no se le asocia con un sonido en particular o con una escena concreta. Cuenta con una lista de seguidores pro’s, considerados frikis del pop futurista; lista que conforman nombres como Savage, Hynes o Sampha, y los anteriormente citados colaboradores del álbum: “Creo que cada uno de los colaboradores en “Otherness” son únicos de algún modo, hay algo que hacen mejor que nadie más. Así que era cuestión de quedar para extraer justamente eso. Forman parte de una especie de familia de seguidores”. Otro de los grandes nombres con el que se ha visto involucrado es el de Jimmy Douglas (The Senator), ingeniero de sonido que desde los 70 hasta hoy ha trabajado con artistas de la talla de Aretha Franklyn, Aaliyah o Justin Timberlake, por poner tres ejemplos generacionales. Kindness se deshace en elogios al referirse a Douglas: “¡Increíble! Jimmy es un genio loco, tiene tantas historias que contarte… Puede empezar una historia de hace años con sólo hacerle la pregunta correcta. Para mí fue un privilegio trabajar con alguien que ha estado trabajando con la música cada día de cada año”. Sin embargo, no cierra la puerta a descubrir nuevos genios en la mesa de mezclas: “Quiero trabajar con todo el mundo que sea talentoso: ya sea un joven ingeniero de 20 años, o alguien como Jimmy. Me gusta mezclar ambas cosas”.

La cuidada selección de personal, el mimo con el que Brainbridge dota a sus composiciones, y el milimétrico estudio de su producto chocan con una industria musical que, más que virar hacia lo digital, se ha visto engullida por éste. Siendo un artista con inquietudes pop, sorprende su querencia por las composiciones humanizadas, por las grabaciones en primera toma, por arreglar informáticamente cuanto menos mejor. ¿Está Kindness cansado de la música enlatada que nos venden en las radio-fórmulas? Su respuesta es rápida y decidida, sorprendiendo tras una charla pausada y una cadencia lenta en la conversación: “Sí, estoy francamente cansado de esas fórmulas que se repiten en la música pop. La buena música pop sería más comercial sin usar algunos de esos trucos… Me gusta el álbum de Rihanna, o el de Taylor Swift, tienen un sonido increíble. La parte mala es que cuando esto llega a las generaciones más jóvenes, en el underground, la gente se queda más con esos trucos de producción que con el disco en sí. En el underground se subestima un poco el mundo del pop”. Venga, Adam, ahora nos vas a decir que nunca has usado autotune con tu voz o con algún cantante no muy dotado… Él ríe a mandíbula batiente mientras niega: “No, nunca lo he usado…”.

“Quiero trabajar con todo el mundo que sea talentoso: ya sea un joven ingeniero de 20 años, o alguien como Jimmy. Me gusta mezclar ambas cosas”

LOST TWIN BRUMAS MATINALES Por Santos Reyes

Era algo que flotaba en el ambiente. Tras su periplo británico el sevillano Carlos R. Pinto, también conocido como Lost Twin, emerge de entre la espesa neblina de Brighton para volver a su tierra con un disco bajo el brazo en el que compila, resume y pasa por su particular filtro las enseñanzas e influencias acumuladas durante todo este tiempo.

Una trayectoria que comenzó a fraguarse en el circuito rap de beatmakers, cuando respondía al nombre artístico de Neo. Inicios de los que aún conserva mucho más de lo que pudiera parecer a simple vista. "Creo que la manera de trabajar sigue siendo muy parecida. Apenas ha cambiado en todos estos años: sigo rebuscando samples durante horas, comenzando a trabajar canciones a partir de loops cortos hasta encontrar un determinado groove... Más que un punto y aparte, veo lo que vino después de Neo como una evolución natural".

Y partiendo de dicha evolución, además de las consabidas influencias de maestros del sampleo, los ritmos rotos y la abstracción como pudieran ser Flying Lotus o J Dilla, "The Mist" parece imbuido de esas atmosferas humeantes tan características del sonido Bristol de los 90. "Me gusta que menciones esa referencia. Siempre he tenido el "Maxinquaye" de Tricky como un referente, con esa atmósfera tan enrarecida y sugerente a la vez. En este disco traté de cuidar frecuencias de graves que no había trabajado tanto antes, buscando a veces ese sonido profundo y cavernoso." Sin embargo, Carlos se apresura a confirmar que tal inspiración ya viajaba en sus maletas cuando partió rumbo a las Islas. "No creo que el haberme

mudado a Inglaterra fuera esencial por ese motivo, pero sí que considero que allí estuve expuesto a muchísimos estímulos musicales casi todo el tiempo. Se percibe que la música, en todas sus formas, es una parte esencial del ADN británico".

En el apartado de colaboraciones, además del trabajo de Van Delay en "Coda", Lost Twin se acompaña de la sedosa voz de Nimio en la embrujadora "Ego Hunter", uno de los puntos álgidos de "The Mist"."La colaboración surgió a partir de un remix que hice junto a Alizzz para su EP "I am your satellite", producido por bRUNA. Me gustó mucho como vocalista y hubo el feeling suficiente como para que tuviéramos ganas de volver a hacer algo juntos". Aprovechando que el Pisuerga pasa por Valladolid, no dudamos en preguntar a Carlos por una de las dicotomías prácticamente constantes en los últimos tiempos dentro de la escena electrónica: el uso de samples vocales frente a la aportación de cantantes reales.

"Sinceramente, no creo que el que haya una vocalista "real" haga mejor una canción sólo por ese motivo. Considero la voz, ya sea a través de samples o a través de la interpretación de un cantante, como otro elemento más dentro del esqueleto de una composición. Prefiero mucho antes a James Blake cuando manipulaba samples vocales en los primeros EP's que como cantante, por ejemplo".

Tras unas cuantas escuchas, ya sea por duración, desarrollo, estructura... da la impresión de que en este trabajo las composiciones del sevillano están cada vez más cerca del formato "canción pop", probablemente de una manera más circunstancial que planeada, como nos comenta el propio autor. "Nunca lo había pensado así... No es algo que me haya propuesto conscientemente, desde luego, y al mismo tiempo que trabajaba en las canciones de "The Mist" he estado también trabajando en producciones para MC's y en otros proyectos con un sonido más alejado. Mi intención es, básicamente, seguir haciendo música mientras me quede entusiasmo por ello, sacando a la luz lo que considere que pueda ser interesante y sin dejar de ser lo más exigente posible con respecto a lo que hago".

país reciben un mayor reconocimiento fuera de nuestras fronteras. "Quizá la electrónica como género no está aun tan arraigada aquí, y puede que eso influya a la hora de valorar a nuestros artistas como es debido.

Aunque creo que el no apreciar a los nuestros en su justa medida es un mal endémico de nuestro país, una especie de complejo de inferioridad que parece difícil de erradicar". Algo de lo que no hace gala Lost Twin, que no duda a la hora de colocar a muchos de los nuestros entre lo más destacado del 2014 que acabamos de dejar atrás:

Si bien es cierto que el termino "electrónica" engloba demasiadas variantes y estilos, es innegable que la consagración de festivales como Sónar, la aparición de proyectos tipo Boiler Room o la explosión de la EDM han supuesto una revolución en los últimos tiempos. ¿Como lo ve un artista desde dentro?

"Como comentabas, el término "electrónica" es muy amplio... Es difícil hacer un análisis concreto.

La realidad es que actualmente la electrónica goza de una popularidad mucho mayor que antaño, y en consecuencia también se ha multiplicado el número de propuestas sin ningún interés musical, nacidas del oportunismo, supongo. Por otro lado, la popularización masiva del EDM ha generado ciertos arquetipos que empobrecen la imagen que se tiene del que compone o pincha música electrónica. A fin de cuentas, lo que la mayor parte del público considera "electrónica" suele ser casi siempre su versión más populista y de consumo más rápido, la que tiene exposición en la mayoría de los medios no especializados, aunque eso se extrapola a casi cualquier género musical. Mientras que sigan surgiendo artistas con un discurso interesante, y los que ya lo tienen sigan siendo consecuentes consigo mismos, cualquier género gozará de buena salud".

Curiosamente (o no) esta popularidad aun parece no haber calado lo suficiente en la industria y los medios nacionales, y sigue dando la sensación de que los artistas que se dedican a la electrónica en nuestro

“"Tratado sobre música absurda y artificial" de Niño, "Santos Inocentes" de Glue Kids, "Silent Ascent" de Downliners Sekt, "Final frontier" de Ele Cesar, "CB Cuts 2" de Corredores de Bloque, "Macaya EP" de Mans O...".

Así, mientras divagamos sobre con quien le gustaría colaborar en un futuro ("me gustaría producir algo para Eddy Drammeh, Juan Solo, Tremendo, Isayah Thomas, Yung Beef, Aarón Baliti...") nos despedimos hasta el próximo parte. Abríguense y déjense envolver por la niebla.

1.-Tema con el que convencerías al más hater de que Daddy Yankee es EL JEFE Daddy Yankee, "El Impacto". Me temo que al más hater sería imposible de convencer, y aunque le podríamos tirar a la cara los recopilatorios de Dj Playero en los que un Daddy Yankee quinceañero la parte, he preferido elegir ésta más actual, porque creo que hay que reivindicarlo ahora también. Su flow no sé si será el más rápido, seguro que hay algún loco por ahí con el récord Guinness que lo supere, pero desde luego que rapeando rápido es el que más estilo tiene. Es el único que me ha hecho dudar de que el inglés sea mejor idioma que el español para rapear.

champeta es el estilo más odiado y menos respetado del mundo. Esta canción en concreto la estuve escuchando durante un par de meses por lo menos cinco veces al día. Eso me ha pasado muy pocas veces en la vida. Es perfecta: si no te contagia ganas de sonreír, salir, bailar y follar, estás muerta.

5.-Tema romántico infalible para conquistar a la chica que más te gusta del club Arcángel, "Contigo quiero amores".

Arcángel, junto con otros exponentes de su generación, ha hecho mucho por el género urbano latino, saliendo y entrando del reggaetón, mezclándolo con R&B y modernizándolo. Su voz tan personal y sensual debería de ser infalible para conquistar a una pibi.

2.-Tema que nunca esperarías en la típica Hip-hop Session Vico C & Dj Negro, "Gusto, sexo y consecuencias". Vico C es el primer rapero de Puerto Rico.

Esta canción me flipa, por la letra y por el rollo old school, que se parece al que hubo aquí pero con una personalidad en la base a años luz. Si la oyese por ahí me volvería loco.

3.-Tema que podría haber inspirado tu colabo con Single Farina, "Apágame".

Me da la impresión de que no se ha detectado, pero hay una parte de la letra en "Me enamoré" que es muy sexual.

No quería hacerlo muy evidente porque ellos son un grupo muy elegante y no quería mear fuera del tiesto. Esta canción de Farina es puro fuego. Y no se parece en nada a mi junte con Single, pero bueno.

4.-Tema con el que espantarías al rapper de turno del dancefloor Mr. Black, "El Serrucho". La

6.-Tema de dembow dominicano con el que llenar de swaggers el dancefloor Milka la más dura, "Te voté". Me encanta esta chica. Y no sé, me imagino una discoteca con las muchachas bailando haciendo como que mandan a la mierda a los zagales y me encanta.

7.-Tema facturado en España que podrías pinchar sin problema después de uno made in Puerto Rico La Mafia del Amor, "Dame un beso".

Aparte de los megafamosos, rollo Juan Magan o Danny Romero, que yo

sepa solo cabrían Dellafuente o La Mafia del Amor. Los cabrones lo han clavao, para ambos la corona y hago como que saco un sombrero.

8.- Tema old school que no faltaría en tu sesión Sandy & Papo, "El mueve mueve". El merengue Hip-hop, house merengue o como se quiera llamar al merengue que se puso de moda en los 90, ya sabes, Franchesca, Proyecto 1, Lisa M y demás, no sé si toda mi generación lo vivió así, pero creo que junto a lo que se llamó reggae en español, nos lo metieron por la FM y dejó su semilla pero bien arraigada.

JODIDO PERO CONTENTO Por Santos Reyes.

Hablando en términos musicales, la Bay Área siempre ha sido una de las mecas del DOVPNESS. El penúltimo ejemplo en surgir de esas tierras no es otro que Antwon, personaje que de un tiempo a esta parte está en boca de los múltiples gurús, blogueros y periodistas musicales. ¿Su música? Un coctel de sentimientos y emociones on the rocks cuyas claves nos desvela a continuación.

El nombre de Antwon lleva ya un par de años corriendo como la pólvora por los mentideros del rap underground de la Costa Oeste. Gracias a sus mixtapes consiguió hacerse un hueco en tan apretada escena y con su álbum de debut en 2014 logró ese espaldarazo definitivo para ser un fijo en toda web IN que se precie. Sin embargo, si uno indaga un poco en sus raíces puede que, además de su talento, que nadie lo discute, todo tipo de casualidades hayan llevado a nuestro entrevistado hasta el lugar en el que se encuentra a día de hoy.

"La verdad es que siempre estuve interesado en todo tipo de estilos musicales. Siendo adolescente, la mayoría de mis amigos provenían de la escena Punk y Hardcore. No fue hasta el instituto que empezó a interesarme el graffiti, el freestyle... y comencé a rapear con mi amigo DJ Idea. A partir de ahí todo vino rodado".

Como ya hemos constatado en más de una ocasión en las páginas de DOVP, si hay un sitio de tradición por excelencia para la música negra ese es sin duda la Bay Area.

"Probablemente es el sitio perfecto para nacer y crecer en un ambiente con un bagaje musical increíble. Y aunque ahora vivo en Los Ángeles y creo que no volvería a vivir allí, estoy orgulloso de haber nacido y crecido en la Bahía porque me ha convertido en lo que soy a día de hoy."

Y todo ese background musical lo plasma Antwon a su manera, sin prejuicios y sin esconder sus cartas.

"El R&B de los 80 es una de mis influencias más importantes. Antes de empezar a rapear, mi intención era la de cantar y, de hecho, he cantado en alguno de mis tracks y me gustaría seguir haciéndolo. En cuanto a mi estilo y manera de rapear, puede que indirectamente sí que me haya influido gente como Too Short, pero yo definitivamente nombraría a Naeme de Spank Rock como mi mayor inspiración. De todas formas, creo que muchas de mis influencias no tienen que ver con el rap. La emoción pura y dura, tanto en la música como en la vida, es lo que más me influye."

“Muchas de mis influencias no tienen que ver con el rap. La emoción pura y dura, tanto en la música como en la vida, es lo que más me influye” La Emoción, así, con mayúsculas, concepto clave en este numero de DOVP Magazine, vuelve a aparecer como medio y fin al mismo tiempo. En el caso de Antwon, es algo que ha estado muy presente desde sus primeras mixtapes, por lo que todo lo que rodea a ese sad movement tan trendy últimamente (llámeseYung Lean, Spooky Black or whoever) a nuestro protagonista lo pilla un poco fuera de juego: "Muchos de esos artistas utilizan la tristeza por la novedad, por moda. De todas maneras, si estamos hablando de mi música, creo que la gente sólo se queda con ciertos

aspectos de la misma. Pienso que en mis letras también hay mucha esperanza; solo que, seguramente, desde una perspectiva más oscura, ya que esa es mi manera de expresarlo. De lo que estoy seguro es que no estoy haciendo música fake triste, ni paródica, ni nada que se le parezca. Lo que hago es expresar emociones y sentimientos absolutamente reales.

Toda esa vorágine de sentimientos queda reflejada en "Heavy Hearted in Doldrums", un álbum de debut bien definido por las aportaciones de diferentes productores, enmarcadas dentro de un cambio en el proceso de selección del propio Antwon.

"Siempre he preferido que la relación con los productores esté basada en un proceso más natural, pero en estos momentos de mi carrera quiero estar más atento a los detalles, al desarrollo de la grabación y no simplemente dejar que alguien me pase un beat y ya está".La atención al detalle de nuestro protagonista queda patente en la importancia que otorga a sus videoclips. Y es que en una era en la que YouTube va camino de convertirse en el nuevo Billboard, el poder de ese formato es cada vez más latente:"Soy un amante de todas las disciplinas artísticas, así que los clips también me los tomo muy en serio, ya que es otra forma de llegar a más gente. Además, soy de esos chicos que se criaron, musicalmente hablando, gracias a los videoclips. Mi madre no me compraba música, pero yo me los grababa todos en VHS y me flipaba".

“Estoy orgulloso de haber nacido y crecido en la Bahía porque me ha convertido en lo que soy a día de hoy” A la hora de presentar su propuesta en directo (y que podremos disfrutar en la madrileña sala Siroco el próximo 16 de abril), el de Bay Área tampoco escatima esfuerzos y habla con autentica devoción de ello: "Mis shows son puro entretenimiento. Lo dejo todo sobre el escenario e intento desarmar a la audiencia utilizando el sentido del humor. Mi meta es hacerles ver que estoy ahí por ellos, porque es así como lo siento." Por amor a esto. Ese manido mantra, con el que muchos han tratado de auto convencerse durante años de su papel en la industria musical, cobra verdadero sentido en boca de artistas como Antwon. Así da gusto.

“Muchos de esos artistas utilizan la tristeza por la novedad, por moda�

Los Zafiros Velocidad de crucero Por Gonzalo Oya

Sin ni siquiera haber salido de horno, la unión de Big Jay y Viciou$ ya estaba en nuestra lista de proyectos a seguir de cerca en la temporada 2014-2015. Las expectativas creadas por la unión de dos de nuestros artistas madrileños favoritos eran muchas, y “Pink and Black” ha respondido de sobra a todas ellas. Pero mientras nos recuperábamos del crotchet que suponía la reciente edición de su esperado encuentro, ambos ya estaban grabando y lanzando un nuevo trabajo junto a PXXR GVNG. Un directo de izquierda que nos ha golpeado bajo el nombre de “Los Yumas”, y que ha servido para convertirles ya en una de las grandes atracciones de la temporada. No hay duda. Su nave ha entrado en velocidad de crucero.

Si has seguido de cerca sus pasos, o estás un poco al tanto de lo que ha ocurrido en el underground madrileño durante los últimos años, el nacimiento de Los Zafiros no te cogerá por sorpresa; compartiendo espacio físico en las mismas calles y con un universo musical y estético tan similar, era una simple cuestión de tiempo que el encuentro de Jay y Viciou$ diera sus frutos: “Nos conocimos en las calles, haciendo calle, y empezamos a quemar la noche los dos, hasta que un día nos hicimos una canción. Desde ahí ya se

nos ocurrió todo improvisado... Grabamos el disco en unas semanas y listo”.

Así es como han completado un trabajo dominado por una atmósfera melancólica y oscura, muy deudora de la escena Drill de Chicago, cuyos códigos han trasladado a la noche y el cemento de los barrios de Madrid, con el soporte de productores como Southclassics, o Steve Lean. Tan directo y sucio como sus homólogos más cercanos –Keef, Durk, Herb- su “Pink and Black” huye del gesto superficial y la simple fotocopia de sus aparentes modelos, para llegar al tuétano de un hueso duro y complicado que todavía se le resiste, y de qué manera, a la mayor parte de los artistas nacionales. Un lenguaje en el que ambos fluyen con naturalidad y suficiencia, y que aseguran haber

“Lo nuestro yo creo que es un nuevo público en España, gente que se siente identificada con nuestra música. Y no es la misma que se identifica con el Chojin o Tote o alguna mierda así”

hecho suyo sin demasiado esfuerzo: “Estamos con Future, Rich gang y todo ese rollo Chiraq... Sabíamos perfectamente el sonido que queríamos hacer y qué queríamos contar. Así que fue easy, ya te digo que lo escribimos y grabamos todo en par de semanas”.

Situados en el centro de una nueva dicotomía que amenaza con volver a polarizar la desangelada escena estatal, Los Zafiros rechazan de plano entrar en el juego planteado por el establishment. Para ellos la única realidad es que su público, muy similar al de los Yung Beef y compañía, no tiene nada que ver con el que ha conformado durante años el grueso del rap español: “Lo nuestro yo creo que es un nuevo público en España, gente que se siente identificada con nuestra música. Y no es la misma que se identifica con el Chojin, Tote o alguna mierda así... No compartimos el mismo público porque son vainas muy distintas”. Una parroquia nueva y joven, que poco o nada sabe de los viejos fantasmas del género por estas tierras, y que acudió en masa al reciente desembarco de PXXR GVNG en Madrid. Uno de esos momentos para el recuerdo del género en España, y del que Los Zafiros participaron en primera persona. “En Madrid fue mortal y la gente nos acogió muy bien. Mucho amor”. La cosa cambia, sin embargo, si les preguntas cual es su perspectiva desde dentro de esa supuesta nueva escena madrileña. Para ellos no hay duda: “No hay ninguna escena. Eso es una mentira. Nosotros vivimos al margen del rap en España aunque estemos dentro porque estamos aquí... pero pienso que Madrid está muerto. Es más, ahora nosotros estamos en Barna”. Una estancia en la ciudad Condal que ha dado de sí su aparición en varios conciertos junto a PXXR GVNG, y el lanzamiento por sorpresa de “Los Yumas”, un nuevo trabajo a medias con “los pobres”, que ha cogido a muchos todavía dándole al play a su “Pink and Black”. Un nuevo impulso creativo de unos tipos tan imprevisibles como sus correrías callejeras. ”No, no había nada pensado...

Después del bolo de Madrid nos subimos a Barna. Y así hemos estado aquí dos semanas trabajando a full...”.

Teniendo en cuenta que “Los Yumas” parece haber sido grabado y lanzado en apenas dos días, puedes estar seguro de que aun guardan algún nuevo as en la manga: “Hemos hecho muchas vainas y aún hay más por sacar”. Anotado queda; intentaremos que no nos pillen por sorpresa esta vez.

““Nosotros vivimos al margen del rap en España aunque estemos dentro porque estamos aquí... pero pienso que Madrid está muerto”

NUBES DE PEGATINA Por Santos Reyes

Agorazein sigue siendo uno de los colectivos más activos de nuestra escena. Mientras 2014 comenzó con single de C.Tangana, y Jerv animó el verano con su EP, Sticky M.A. (anteriormente conocido como Manto) cerró el círculo (y el año) con "Chill Trill", otra bocanada de aire fresco para el panorama.

"Me parece perfecto que la peña haga lo que le guste y lo que sienta. Respecto al público, siempre habrá de todo, como es normal".

Entre los recursos que más nos llaman la atención de "Chill Trill" resalta el uso del Auto-Tune, no demasiado frecuente por estos lares y que cuenta casi con más Si hay algo de lo que puedan presumir en AGZ es de detractores que defensores en la escena. continuar en la ola sin repetir fórmulas, le pese a quien le "Fabi lo probó en un tema y nos gustó bastante, pese, público incluido. más que nada porque es una gran ayuda para "Siempre intentamos sorprender e innovar con cada llegar a los tonos a los que aún no puedo alcanzar trabajo. Si te fijas, todo lo que hemos ido sacando con mi voz. Así que decidimos meterlo en los que tiene matices diferentes pero nuestra actitud es la son más melódicos y pa' lante". misma. Me da igual cómo lo acoja la gente. De momento hay de todo, gente que me quiere y gente que Si bien las sonoridades del EP nos recuerdan al me odia. Lo podéis comprobar en los comentarios de trabajo de gente como Future, Young Thug o Juicy YouTube... ¡Hay algunos muy buenos e ingeniosos!".

J, Sticky va más allá y señala a los nuevos exponentes del R&B como influencia más destacada: Al igual que en anteriores referencias, el binomio "Juicy es un grande para mí, sobre todo por lo Fabianni-Sticky funciona de maravilla, y aunque se ha antiguo con Three 6 Mafia. Los otros dos la ampliado el elenco de productores, se advierte una bomba, sobre todo Thugger, pero no creo que me intención de mantener una atmósfera constante durante haya inspirado en ninguno de ellos. La verdad es todo el EP, con ecos de Dirty South, Trap, incluso pincela- que últimamente solo escucho a negros que das de R&B. cantan como August Alsina, The Weeknd, Party"Lo que planeé con Fabi, que es el principal producnextdoor...". tor, fue crear música tranquila y seductora, mezclada con lo que estamos escuchando últimamente. La Después de un 2014 intenso, rematado con una gira gente oye unos cuantos redobles de charles, unas por México de la que quedaron más que satisfechos, cajas de más, y se asusta. Llámalo Trap, Dirty South, Sticky M.A. nos avanza sus propósitos y los de AGZ Vapor Wave... puedes llamarlo como quieras, que para para el año que acabamos de comenzar: mí no es nada de eso".

Tendencias que cada vez ocupan un hueco mas impor"Quiero sacar temas sueltos y colaboraciones, tante en nuestra escena, pero que no parecen preocupar hacer algo todos juntos y seguir creciendo para a nuestro protagonista en lo que respecta a una posible que todo esto valga la pena". saturación de mercado o hastío del público:

Contra Viento y Marea Por Gonzalo Oya Parte integrante de aquella generación que a mediados de la década pasada estuvo llamada a cambiar el paisaje del rap español, Duddi Wallace regresa ahora con “Roleplay” dispuesto a reclamar, de una vez por todas, el espacio y la relevancia que le corresponde en la escena patria. Con un nuevo disco, con los deberes hechos y el inmejorable apoyo de Lowlight, Duddi nos ha convencido de que artistas como él aun no han escrito el último capítulo de su agitada historia.

Hace casi diez años, un grupo de jóvenes madrileños irrumpió en la escena española, encarnando la última vuelta de tuerca de la segunda gran oleada creativa del rap estatal. Nombres como Xcese, Mad Bass, SkyleeCru, Black Bee, Primer Dan, Efe Yerom, o Invandra entre muchos otros, conformaron un grupo heterogéneo pero que compartía mismo espacio y perspectiva, dando visibilidad al silenciado

discurso de latinoamericanos y afrodescendientes españoles.

Sin embargo, su refrescante irrupción fue aprovechada por el establishment rap estatal para lavar su cara, incorporar la parte más superficial y estética del discurso de esta “nueva cara de España” –como algunos de ellos mismos se denominabany finalmente solapar su presencia, manteniendo así el status quo inicial de la escena. Explotada y barrida bajo la alfombra sin el menor miramiento, tan sólo algunos permanecen todavía hoy en pie luchando por reclamar el espacio de una generación, de la que nombres como Duddi Wallace o Xcese han terminado por convertirse en cabeza más activa y visible.

En nuestra conversación, Duddi observa este pasado reciente con la serenidad de alguien que sabe que ha hecho lo que tenía que hacer y que, además, tiene la seguridad de seguir haciéndolo: “Los cambios generacionales son necesarios. Estoy contento con lo que hicimos y con lo que estamos haciendo.

Hay rappers que abrieron una serie de puertas para que nosotros pudiéramos entrar... Noso-

tros hicimos lo mismo cuando nos tocó. Por nuestra actitud o la manera de ver el game...

It's done”.

Puede que por ello no se deje deslumbrar por ningún hype, seguro de cual es su posición en este juego: “El hype está en cada uno de nosotros. En mi caso no he parado. Sacando proyectos y colaborando con gente de todos los estratos musicales... Mi generación está recogiendo lo que ha cosechado”. Sin embargo, nadie puede negar que este “Roleplay”, sirve también para poner sobre la mesa las credenciales de un artista que se ha ganado por sus propios méritos los galones de un joven veterano, tras años en las embarradas trincheras de la escena. Una guerra que comenzó con aquel “Si señor Da Mixtape” (2008) y que con “Heavy Remixes” (2012)

vivió una de sus más decisivas batallas, abriendo nuevos y refrescantes frentes sonoros, claves para explicar el resultado final de esta nueva propuesta; un álbum que saltará del boom bap más clásico al Trap o a los ambientes chillwave con naturalidad y suficiencia, coloreando el habitual músculo lírico y la clase de uno de los mejores MCs salidos de las calles de Madrid en años. Acompañado por habituales como Xcese, Lion Sitté o Ivan Nieto entre otros, Wallace incorporará al reparto también a un buen puñado de DOVP Favourites como C Tangana, Ele César, o Low Light, cuya presencia se antoja pieza clave en el desarrollo del proyecto: “He grabado el

gonista quería contar las historias que conforman esta nueva entrega:“Escucho mucha música de todo tipo y tanto Alex Volta, de Low Light, como yo, lo teníamos claro. R&B, Trap, chill wave, boom bap, trillshit, música clásica, bossanova, música africana... Todo esto es “Roleplay”. No ha habido fronteras musicales”. Así es como lanzará una mirada fresca y limpia sobre la actualidad del género, de cuyas nuevas vías y propuestas Duddi asegura permanecer muy al tanto: “Estoy al día de la música de hoy porque tengo que estarlo y me gusta. Hay mucha gente nueva y de distintas edades haciendo cosas increíbles”. Y por si aun te

“R&B, Trap, chill wave, boom bap, trillshit, música clásica, bossanova, música africana... Todo esto es “Roleplay””

disco con Alex Volta. Es un genio. Cada vez aprendo más de él. Se involucra en el proyecto, te da su punto de vista, te ayuda y sobre todo te aconseja. Mis ideas y las suyas han hecho que “Roleplay” sea lo que yo quería que fuese: un disco en mayúsculas. Casi todo el peso de la producción es suya”.

Un retoño que nace y echa a andar por tanto en el estudio de Low light, encargados de dar cohesión a los diferentes matices aportados por productores tan dispares como M Padrón, Black Bee, Manu Beats u otro DOVP Favourite como Griffi. “Son muy grandes y me han dado lo que les he pedido. Su toque ha sido la clave para el conjunto que yo tenia en mente y les estoy profundamente agradecido por ello”.

Una variedad sonora que se limita a reflejar el rico universo musical con el que nuestro prota-

quedaban dudas, Wallace nos desveló algunos de los nombres que ocupan su Ipod: “Ahora mismo llevo Vinny Chase, Bj the Chicago Kid, Ab Soul y Tory Lanez”.

En una escena en la que público y artistas parecen haber cambiado aquella charlotada del gorras planas versus mochilas, por el trazo grueso del Rap “Viñarock” versus Rap “Sónar”, Duddi se muestra poco dispuesto a dedicar ni un segundo de su tiempo a tan peregrinas dicotomías. Con su habitual serenidad, parece asumir que la última palabra para bien y para mal, siempre será la del público: “España lleva su ritmo y el que no lo ve es porque no quiere verlo. El público elige y si te elige a ti quédate con eso. Agradezco a los que me siguen y me dan support siempre.

Divisiones las hay y es natural. Estar en un festi u otro depende de hasta donde llegues”.Aunque a la vez, también quiso dejar encima de la mesa una última reflexión: “También es cierto que hay sectores a los que no les interesa que ciertos artistas lleguen a más...”.

Benditos vecinos.

Por Gonzalo Oya.

un poco, que es la parte más divertida. Pero hemos intentado mantener la coherencia y hacer que funcionara como conjunto, a pesar de tener este sentido de collage del que hablas”.

Ya estamos acostumbrados a que nuestros DOVP radares saltan cuando y donde menos lo esperamos. Como en este caso, y para desgracia de nuestras señoras, pueden hasta hacerlo durante la plácida luna de miel de uno de nuestros redactores. Así que, cuando Santos Reyes nos avisó que acababa de ver en la televisión portuguesa una banda que debíamos apuntar ipso facto en nuestra agenda, no lo dudamos un segundo. Aquellos misteriosos muchachos eran D’Alva y, para nuestra sorpresa, una de las grandes revelaciones de la música portuguesa de 2014.

A pesar de todo, es difícil no relacionar su debut con los mejores pasajes del synthpop de los 80 o el pop mainstream de los 90 – De Madonna a The System pasando por las Spice Girls- o no apreciar en muchos momentos, el aroma de muchas de las últimas tendencias del R&B internacional en su propuesta. La sorpresa viene cuando descubrimos que, en realidad, el origen del dúo está en la escena punk-rock lisboeta. Ben y Alex nos explicaron el porqué de un cambio de registro tan radical, al que ellos no dan la menor importancia: “No creemos que hayamos cambiado. Siempre nos ha gustado todo tipo de música, solo que nos enamoramos del rock y eso fue lo que nos gustaba hacer en aquel momento. Pero si lo piensas, el primer género que casi todos nosotros hemos escuchado primero es realmente el pop, que es lo más accesible. Con este álbum quisimos reflejar la música con la que estábamos disfrutando en ese momento, y eso resultó ser pop. Pero nunca se sabe, quizás volvamos a nuestro origen rock algún día”.

Con Alex D’alva como vocalista, y Ben Monteiro encargándose de la producción musical y la parte instrumental, este dúo lisboeta no ha dudado en aferrarse al pop como pegamento esencial de “Frescobol” su brillante puesta de largo como banda. Un brillante collage repleto de citas y referencias a algunos de sus grupos favoritos, reunidas con mimo y sumo cuidado, y que está muy, muy lejos del pastiche retro-cool de turno. D’Alva ha vertebrado su discurso con gusto y de la manera más natural posible, dejando fluir con libertad cada una de los pasajes del disco: “Sólo comenzamos a escribir canciones, dándole a cada uno lo que necesitaba en términos de producción. Desde luego fue intencionado en algunos aspectos, pero nunca buscando sonar parecido a determinada canción o artista. Escribimos las canciones que sentíamos necesitaba el disco, obviamente experimentando

“Lisboa se está convirtiendo en el lugar al que todo joven artista brasileño quiere acudir” De origen angoleño y afro-brasileño respectivamente, ambos representan en sí mismos la nueva cara del continente europeo: fresca, viva, y sobre todo, multicultural. Exacto, todas esas características que odia la ultraderecha y que sin embargo, garantizan la buena salud cultural y musical de estas decrépitas tierras en las que vivimos. Dada la visceral negrofobia de la industria musical española, no deja de sorprendernos la facilidad con la que su proyecto ha sido acogido por los medios generalistas del país vecino. Y es que, tal y como nos dijeron, Portugal parece ir un par de cuerpos por delante de nuestra escena en este sentido: “Sí, aquí todo el mundo escucha música africana o brasile

ña. Hay incluso radiostations enfocadas sólo a esa música. Un buen ejemplo pueden ser Buraka Som Sistema, que son uno de los grupos más grandes e internacionales de Portugal, y que están básicamente influidos por la música africana”.

al final del día, para ser honestos, sólo intentamos pasarlo bien, escribir y tocar buenas canciones que le hablen directamente a nuestro corazón… Toda la música debería ser así, ¿no? Aunque sí te diría que hay una banda que adoramos que se llama Salto… En cierto modo Como vemos, D’Alva se han enconellos ampliaron nuestra perspectiva trado en el lugar y el momento acerca de lo lejos que podíamos adecuado; en el mismo meollo de una llegar. No paramos de hablar de que interesante explosión multicultural deberíamos hacer giras conjuntas, que parece estar ocurriendo ya quien sabe, puede que sólo dos mismo en la capital portuguesa: bandas puedan hacer una escena”.

“Lisboa se está convirtiendo en el lugar al que todo joven artista Una extraña situación, en la que no brasileño quiere acudir. Ser negro, existe oferta de bandas de su perfil en mixed, es ser portugués ahora portugués pero sí, tal y como demuesmismo, al menos en nuestra ciudad tra su éxito, interés y demanda por Lisboa. Realmente, creemos que eso parte del público: es justo lo que añade algo más a “Creemos que ahora se está presnuestra música”. tando atención a artistas y proyectos que solían pasar desapercibiAsí que, asumiendo el lamentable dos… Internet es lo que está dictandesconocimiento que todavía tenedo al público a dónde dirigir su mos por aquí de todo lo que ocurre atención. Es todo más democrático, en Portugal, sabemos que te estarás y la gente escoge lo que quiere haciendo ahora mismo la misma consumir, no porque alguien lo haya pregunta que nos hicimos nosotros: escogido por él, sino porque cada ¿son acaso un caso aislado o hay más uno está buscando lo que realmente bandas como ellos esperándonos a la le gusta. Hay artistas como el vuelta de la esquina? rapper Regula llenando conciertos, “No hay escena como tal en nuestro y con cientos de miles de seguidoestilo. Hay pop, pero no tal y como res pero con música que ni siquiera nosotros lo entendemos, indepensuena en la radio. Pero al mismo diente o si quieres llamarlo “altertiempo, también te digo de nuevo, nativo”. Nos sentimos justo en que creo que nadie está haciendo medio del mainstream y todo ese musicalmente algo parecido a público alternativo, y estamos nosotros”. dándonos a conocer en esos dos mundos. […] Nos gustaría que hubiera más bandas como nosotros y así crear una posible escena. Pero

“Internet es lo que está dictando al público a dónde dirigir su atención.

Es todo más democrático, y la gente escoge lo que quiere consumir, no porque alguien lo haya escogido por él” Aunque por ahora no tienen muy clara la idea de pasarse por España, sí nos dejaron para concluir, una pequeña ventana abierta a su futura visita: “No hay planes de ir a España, pero nos gustaría. Tuvimos una oferta para tocar en Barcelona que al final se cayó… Nos encantaría ir si todo termina por encajar. La lengua es muy similar pero a la vez muy diferente… así que, ¡quién sabe!”.

Aquí os esperamos.

BAILANDO MATEMÁTICAS Por Santos Reyes.

El dúo de Nueva York ha presentado un EP titulado “L1” en el que muestran su versatilidad con el R&B, pop, o IDM. Pero no sólo de música controlan este par, su bagaje se sustenta en una educación interdisciplinar que les lleva a dominar por igual las matemáticas que la historia del arte. Cuestión de números y de baile.

Aunque en DOVP hayamos decidido para este numero apostar por las emociones, no hemos querido poner barreras a los métodos para llegar a despertarlas. Por ello, cuando escuchamos por primera vez el adelanto del "L1"(el nuevo EP de Beacon) y comenzamos a interesarnos por el proyecto, no dudamos un segundo en que su presencia era más que necesaria. Así que aprovechamos la ocasión para charlar con el dúo neoyorquino, formado por Thomas Mullarney III y Jacob Gossett, sobre física, arte, baile, influencias... y esto fue lo que nos contaron:

décadas de los 60 y 70. Ellos reflejaban la fragilidad humana frente a la monumentalidad de la ciencia y la naturaleza. Siempre vuelvo a ellos cuando trato de encontrar explicaciones científicas a las relaciones interpersonales.

Jacob: Fue algo que se le ocurrió a Tom. Estábamos discutiendo aspectos del EP, como la mayor contundencia de las canciones, el artwork, los textos, etc. y nos pareció una buena forma de enmarcar el trabajo, al mismo tiempo que dejábamos espacio a la interpretación del oyente.

D: Parece que, en los últimos tiempos, estamos asistiendo a la era de lo que la prensa ha bautizado (no a gusto de todos) como alt-R&B o soul digital. Vosotros, que lleváis años mixturando la electrónica de baile con el R&B, ¿os habéis sentido en cierta medida marginados por los medios?

Thomas: Este EP es la respuesta de una banda de estudio a la energía que recibe del público cuando actúa en directo. Todas las canciones mantienen una especie de fuerza creada por los movimientos físicos que las inspiraron. La teoría de Lagrange, con sus puntos ciegos gravitatorios y sus órbitas semiestables, representan un ejemplo perfecto de lo extraño y a la vez hermoso del movimiento entre cuerpos.

J: Las modas son pasajeras. Realmente no estamos pendientes de eso. Nuestra preocupación es ser consistentes con el producto que ofrecemos y no dejar nunca de ser curiosos sobre qué terrenos podríamos explorar.

D: En "L1" se aprecia un deseo por ampliar vuestra paleta de sonidos. ¿Cuales diríais que han sido vuestras mayores influencias durante el proceso de grabación?

J: Bueno, como hemos comentado anteriormente, la mayor inspiración sin duda ha sido nuestra experiencia tocando en directo y la necesidad de trasladar toda esa energía al trabajo de estudio. De cualquier forma, mientras grabamos no dejamos de escuchar música, tanto nueva como antigua. Por ejemplo, ahora mismo se me viene a la cabeza "Inmunity" de Jon Hopkins, que tenía una producción increíble.

T: Durante toda la gira escuchaba casi religiosamente a Basic Channel. Me ayudaba a mantenerme estable entre tanto ajetreo. Además oíamos mucho a Lukid, James DOVP: Hemos leído que "L1" esta basado en la Teoría de Puntos de Lagrange. ¿Como Holden... Y ya casi al final de la gira Matthew Dear y DJ Koze nos mostraron, de alguna manera, el camino que queríamos seguir. surgió la idea?

D: Incidiendo en ese tema, ¿cual creéis que es la clave para conseguir emocionar con vuestra música partiendo desde una perspectiva, digamos, tan cerebral?

J: Debajo de ese teorema, a priori tan técnico, subyace una idea simple que esconde una gran belleza. Partiendo de esa idea, el oyente puede comenzar a construir su propio significado, en relación a su experiencia personal.

T: Mis estudios han estado relacionados con la escultura y la historia del arte. Si tuviera que elegir a mis artistas favoritos y que aún me inspiran a día de hoy, señalaría a aquellos que formaron parte del movimiento Land Art durante las

T: Creo que podríamos resumirlo diciendo que siempre hemos hecho exactamente lo que hemos querido.

Ni que lo digan. Desde 2012 llevan los de Brooklyn experimentando con bajos gordos y sutiles melodías R&B, picoteando de la IDM o abrazando el pop sin complejos. ¿Qué será lo próximo? Ellos no sueltan prenda, pero seguro que su intención volverá a ser la de sorprendernos a la par que emocionarnos, sin que dejemos de mover los pies...

Moving... all the people moving...

Confía en el rosa Por Angel Díaz.

Laura Bettinson cree firmemente que los outsiders cambiarán el mundo de la música. Se rodea de nubes, de caramelos envueltos en celofán, de cielos rosas y ropa de colores pastel. Su mundo es el pink-pop con un poso de conciencia que no se encuentra en otras princesitas de Top 10 como Taylor Swift o Arianna Grande. Su lucha es otra, y es bien distinta: FEMME es la activista del pop.

En el 2012, mientras formaba parte del grupo Ultraísta junto al productor de Radiohead, Nigel Godrich, Laura empezó a ganar popularidad: acompañaron a Flying Lotus de gira, David Lynch remezcló uno de sus temas, aparecieron

en el Show de David Letterman… Supo aprovechar el momento para preparar su proyecto en solitario, presentándolo como un compendio de influencias vocales, harmonías y sintetizadores sobre beats Hip-hop. El resultado fue un sonido que ella misma describía como “theCrystals, M.I.A. y Debbie Harry en una noche de borrachera que acaba en un karaoke”. A estos nombres deberíamos sumar los de Phil Spector, la Madonna de los 80 y Nancy Sinatra, para desembocar en este pop chewy salpimentado con algo de conciencia: “Mi música pop favorita ahora es la más fácil, con esas melodías que se meten en tu cabeza y esas harmonías que me hacen levantarme. No me apetece ahora la música depresiva y triste… Me apetece entrar en la cocina bailando, algo feliz, positivo, upbeat…”.

“No me apetece ahora la Su música pop se aleja de la docilidad de las princesitas de Top 10 para adentrarse en los música depresiva y triste… caminos del seguidor que solicita algo más, un aliciente extra-musical. Un terreno abonado de Me apetece entrar en la hipsters con inquietudes más allá de la vacuidad de la radio-fórmula. cocina bailando”

Valga como ejemplo su conocido activismo en términos de género, una actitud que Laura demanda de cualquier persona, no sólo de los artistas con gran exposición: “Estaría bien hacerlo seas una estrella del pop o no. Por encima de la influencia que tengan, que por ejemplo una Beyonce o un Jay-Z tienen mucha. Los artistas tienen en muchos casos más influencia que los políticos, desde luego que entre los teenagers es así. Podrían ayudar, claro, tienen mucha responsabilidad. Es realmente importante el involucrarte, hablar y representar algo. Hace poco vi una revista de hace años y el papel de la mujer era hilarante… No es solo la manera de vestir, sino el comportamiento, el día a día… Falta mucho camino por recorrer”.

La conversación con Laura es fluida, fácil. Su discurso puede llegar a ser interminable si se activan los mecanismos correctos. Hablamos mientras baja del tren en su Londres natal, recién llegada de una gira por Estados Unidos junto a Charli XCX y Elliphant, un “girl power tour” según cuenta. “Ha sido increíble viajar alrededor del mundo y encontrar gente que conoce mis canciones”.

El pasado mes de julio pudimos comprobarlo en el Vida Festival de Vilanova i la Geltrú. Entre su directo, los singles de adelanto y el EP “High” (octubre 2014) nos podemos hacer una idea de lo que será su primer álbum, que llegará en primavera: “estoy muy emocionada y quiero sacarlo ya de mi ordenador, especialmente por el público. Hasta finales del mes que viene (n. de r.: por noviembre) no quedará todo grabado”. Un proyecto en el que FEMME se presenta en solitario, sin productores externos, y controlando cada aspecto de su música y su imagen: “Necesitaba que fuese un proyecto en solitario, por ser mi primer álbum era muy importante que fuese de esta manera, como presentación del artista y conocer qué camino recorre.

No cierro la puerta a trabajar con otros productores, pero para mí era muy importante mostrarme como soy en este primero”. En esta casa tenemos claro cómo es Laura Bettinson y, en consecuencia, cómo es FEMME: la activista de las melodías pegadizas. Willshechangethegame?

“Por ser mi primer álbum era muy importante que fuese de esta manera, como presentación del artista y conocer qué camino recorre”

JORDAN F SYNTH RUNNER Por Gonzalo Oya

Como ya habrás comprobado leyendo el número que tienes entre las manos, los años 80 son una referencia innegable para toda una generación de artistas. Para el australiano Jordan F, más que una influencia, son un estado mental. Un lugar poblado por películas, neones y novelas de Sci-fi en el que transcurren todas y cada una de sus aventuras musicales.

“Flipstream”, la última de ellas, le ha servido para colocarse como el nuevo niño prodigio del sonido Outrun y de paso, convertirse en uno de nuestros favoritos del pasado 2014.

Armado con su arsenal de sintetizadores, Jordan F lleva desde principios de esta década lanzando música desde la lejana Sidney. Así que, aunque su debut en larga duración haya puesto ahora el foco sobre su trabajo, este veinteañero lleva unos cuantos años esculpiendo su carrera a golpe de sinte. Desde la tosca inmediatez de aquel “Definitely Miami” (2011), su primer EP con el ejército Rosso Corsa, hasta este “Flipstream” (2014),Jordan ha tenido tiempo de pulir un diamante al que, a pesar de sus imperfecciones, ya se le adivinaba entonces el brillo de sus muchas virtudes. Un proceso que dado su innato gusto a la hora de desarrollar melodías, no es de extrañar que generara algo tan fresco como “Freefall”, su último EP, editado también el año pasado. Un trabajo en el que se decidió a abandonar la rigidez estética del Outrun para adentrarse en el difuso terreno del vaporwave, eso que dan en llamar nu disco y otras muchas etiquetas que seguro, ni siquiera sabía que existían. Así, y con la extraordinaria incorporación vocal de alguien como Rromarin, su música parecía entrar en una nueva etapa que sin embargo, la edición Flipstream parece haber devuelto al punto de partida: “Trabajar con Rromarin en el primer EP fue una experiencia fantástica, ¡somos muy buenos amigos! Pero Flipstream fue escrito para ser un álbum instrumental…quería volver a lo más básico, y dejar que las instrumentales contaran su propia historia a quien escuchara el disco. Pero en lo próximo sí que me gustaría volver a contar con colaboraciones vocales”.

“No estoy intentando hacer música de los 80 sin más. Parto de ahí, pero sin perder una perspectiva actual o moderna”

Como declarado fan de la ciencia ficción, no es difícil encontrar en su música referencias explícitas a la cultura cyberpunk o al cine de serie B de los 80.

“Hologram Rose”, uno de losmomentos más logrados de su nuevo disco, es el último ejemplo de su historia de amor con los libros de William Gibson, que él mismo reconoce como una de sus grandes influencias: “Sí, para mí hay mucho potencial en todo ese material de los años 80, tomado como punto de partida a la hora de desarrollar toda una serie de conceptos que me parecen muy interesantes… y por supuesto, es una gran influencia para mí. En este sentido, si en algo es un éxito este disco, es sobre todo en haber podido incorporar todo eso a nivel conceptual y estético. A día de hoy, uno de los ejes de mi proceso creativo es conseguir reunir una buena colección de temas, siempre construidos alrededor de un concepto muy claro y preciso, como puede ser ese en este caso”. Tan freaks como él, no pudimos pasar sin preguntarle en que película de los 80 le hubiera gustado

haber participado: “¡Desde luego hay más de una! (risas) Hay muchas películas nuevas a las que me encantaría poder poner música… pero si hablamos de clásicos, desde luego te diría Risky Bussiness o Blade Runner…aunque a ver, está claro que es imposible mejorarlas”.

“Quería volver a lo más básico, y dejar que las instrumentales contaran su propia historia a quien escuchara el disco” Un concepto que desde luego, le devuelve a los códigos del Outrun pero que a poco que escarbemos, descubriremos trufado de aquellos elementos que refrescaron el sonido de “Firefall”. Puede que ésta sea la clave, que sirva para explicar el porqué su propuesta ha destacado por encima de la media del homologado paisaje Outrun del pasado año. En sus manos, el espíritu nocturno, oscuro y cinemático del género se mantiene, pero transmutándose en algo diferente, mucho más dinámico, queer y divertido. Sin embargo, y a pesar de los obvios guiños que esconde su música, Jordan quiso llevar la contraria a italófilos como un servidor, empeñados en relacionar su trabajo con la influencia de iconos del Ítalo más gay como Den Harrow o míticos productores HI Energy como Turatti o Ricky Wilde. Como muchos de los protagonistas de este número, Jordan reconoce acudir al pasado, pero asegurándose de no perder de vista que su deber como músico, es dibujar el presente: “Escucho mucha música de los 80, ya sea por pura nostalgia o para buscar inspiración. Pero siendo sincero creo que la mayor parte de mis influencias vienen de mis compañeros de sello, o de otros artistas que están trabajando este tipo de sonidos. Me interesa mucho lo que están haciendo artistas como Anoraak, College, FM Attack, ComTruise, Neon Indian, Lazerhawk…y creo que es sobretodo, porque no estoy intentando hacer música de los 80 sin más. Parto de ahí, pero sin perder una perspectiva actual o moderna. En definitiva, la inspiración puede venir tanto de música de antes como de ahora, pero creo que sí es importante encontrar un equilibrio entre esas dos influencias”. Una pugna entre lo viejo y lo nuevo, que desde hace tiempo muchos parecen haber extendido también al terreno de los cacharros.Así que, con su propuesta en mitad de una guerra silenciosa entre el culto desmedido al hardware y el uso del software en la producción musical, era obligatorio preguntarle su opinión al respecto: “No creo en la competición entre hardware y VSTs para conseguir mejor sonido. Desde mi perspectiva de productor, creo que se pueden conseguir texturas y sonidos increíbles con los dos. A veces he sentido que el uso de hardware puede limitarte o dirigirte demasiado el estilo del track o el estilo de producción que debía usar”. Un inocuo debate que al menos, nos servirá de excusa para descubrir el cambio que ha supuesto un proyecto como “Slipstream”, dentro del proceso creativo de nuestro protagonista“Escribí mi primer EP utilizando sintetizadores, con un Roland Juno 60 y un Kawai K3. Pero este álbum lo he compuesto usando solo

VSTs. Grabar en analógico consume mucho tiempo, así que el cambio ha sido muy refrescante…ya sólo por el poder guardar todo, abrirlo al día siguiente y poder ir hacia atrás, cambiar las melodías, progresiones, niveles de automatización (…) De todas formas, creo que mi EP es muy diferente en sonido y perspectiva a este álbum que la verdad, he compuesto con mucha más confianza”.

Tras comenzar el año remezclando a gente tan dispar como Rachel ByStream o Timecop1983, nuestro protagonista tiene muy claro que este año volveremos a saber de él, aunque no pudo confirmarnos en qué formato:“Mi idea es seguir haciendo remixes y comenzar en breve el que será mi próximo trabajo. Aun no sé si un EP o un disco…¡Es muy pronto todavía!”. Sea lo que sea, estaremos deseando escucharlo.

GIDGE COUNTRY HOUSE Por Santos Reyes

No os lleveis a engaños. Ni vamos a hablar de Blur, ni Armand Van Helden ha remezclado a Garth Brooks (al menos que nos conste) ni nada que se le parezca. Lo que pasa con el dúo sueco Gidge es que resulta imposible separar al hombre de su entorno. Y, en su caso mas concretamente, la música del lugar en el que fue creada.

sello francés DeBonton contactó con nosotros y firmamos un contrato. Así que, tras un periodo de vuelta en Suecia, decidimos trasladarnos a París. Y aunque a nivel personal hicimos muchos amigos, el sello tuvo que suspender todos sus lanzamientos. Fue entonces cuando Atomnation entró

“Lo que es innegable es el poder de esos samples para llegar directamente al corazón. No sabemos porqué, pero al cerebro parecen gustarle”

Porque "Autumn Bells" es un tratado de tech-house pastoral que nos traslada a una hipotética rave en la campiña escandinava, con sus subidones y bajonas incluidos. Y si bien el poder de evocación de la música es absolutamente fascinante, no podemos dejar de preguntarnos como resultaría la escucha para aquellos que no supieran absolutamente nada de la procedencia de sus autores, ni de los títulos, ni tan siquiera hubieran visto la portada... "¡Esa es una pregunta excelente! Es algo que definitivamente nos gustaría saber. Sería un experimento muy interesante".

A pesar de la importancia crucial del paisaje sueco, la trayectoria de Ludvig y Jonatan ha estado salpicada de viajes y experiencias que les han ayudado a moldear su sonido:"Estuvimos viviendo en Berlín por un tiempo, en el que nos interesamos por el techno industrial más oscuro. Nos mudamos allí con la intención de rodearnos de toda aquella atmósfera, pero irónicamente, mientras estábamos allí, el

Pero volvamos a "Autumn Bells", un disco de una belleza sublime en el que se funden electrónica, instrumentación real y grabaciones de campo, siempre con la melodía en primer plano. "En una melodía siempre hay una línea fina que separa lo emocional de lo cursi, y nuestra intención es siempre mantenernos en el lado emocional. La clave de nuestras producciones reside en cómo se complementan, de manera natural, el uso de grabaciones de campo con la electrónica. Y aunque es cierto que también utilizamos instrumentos reales, siempre jugamos con ellos, sampleando, cambiando el pitch... cualquier cosa que nos aporte ese plus".

en escena". Atomnation se ha convertido en uno de los sellos referente de la electrónica reciente, en cuya nómina figuran nombres como Applescal o nuestro paisano Sau Poler. "Aunque suene tópico, somos como una gran familia.

Pascal y Guido nos ayudan en todo y son muy comprensivos con nuestro lento método de trabajo (risas)".

Para rematar sus puzzles, Gidge recurren a los samples vocales. Como si de un Burial de retiro campestre se tratase, los trocean, los retuercen y los colocan en el sitio al que siempre parecieron pertenecer. "Probablemente fue más la sensación de que faltaba algo en las canciones lo que nos impulsó a su uso, más que la influencia de otros géneros.

Aunque puede que las primeras grabaciones de UK Dubstep sí que tuvieran algo que ver. Lo que es innegable es el poder de esos samples para llegar directamente al corazón. No sabemos porqué, pero al cerebro parecen gustarle. Puede ser por el simple hecho de que a veces son difíciles de descifrar".

Con todos esos ingredientes, Gidge lograron colarse en nuestra lista de favoritos del 2014 y ya estamos pendientes de lo que será su 2015: "Estamos trabajando sobre lo que será nuestro directo. Aún no hay una gira programada pero sí que tenemos un par de fechas cerradas y... ¡estamos ansiosos porque lleguen!".

“En una melodía siempre hay una línea fina que separa lo emocional de lo cursi, y nuestra intención es siempre mantenernos en el lado emocional”

RAHS E INVICTO En movimiento Por Gonzalo Oya Con su música, Rahs e Invicto ponen voz y rostro a la cara más dominicana de una ciudad como Madrid. Una realidad multicultural todavía silenciada por los medios de la piel de toro, y de la que su música ha hecho bandera.

Apoyado por los visuales de Hugo Costa, el single “Muéveme esa nalga” ha sido la definitiva llamada de atención sobre un proyecto que llevaba tiempo cocinándose a fuego lento. Un banger entre el moombathon y el dembow, listo para prender fuego a tu dancefloor más cercano, y que ha contado con la producción de Fashion Beat Team. Con créditos que incluyen a la plana mayor del mainstream Pop-electrónico hispánico, quisimos saber como surgió una colaboración con este equipo de productores. “Queríamos hacer algo diferente, así que pensamos que al ser estilos totalmente diferentes podría salir algo bastante interesante. Contactamos con ellos a través de Universal Publishing y nos entendimos muy bien desde el primer momento. Eso tuvo mucho

que ver con el resultado final del tema”. Un track que, como nos confirmaron, no es más que el simple anticipo de todo lo que está por venir: “En principio lanzaremos un EP de 5 temas en el que estarán incluidos "Muéveme esa nalga", "Otra alternativa", "Y te vas", "Nada material" e "Invítame a una copa". Este año además del vídeo de "Muéveme esa nalga" hemos realizado el de "Otra alternativa", que será lanzado en breve”. Con Juan Magán y su invento ocupando el espacio natural de la música urbana latina, se hacía necesario saber su opinión acerca del electrolatino: “Es un género que nos gusta, y donde creemos que caben muchos estilos diferentes. Hay muchos grupos desconocidos para el gran público que hacen música de gran calidad, y que creemos que merecen también ser conocidos”. Así que, a pesar de ser conscientes de las trabas que muchos -prensa especializada incluida- siguen poniendo a los artistas latinos urbanos de este país, son optimistas respecto al futuro del género en España: “Cuando hablamos de música latina lo primero que se nos viene a la cabeza es reggaetón y bueno, aquí en España todavía hay mucha gente reticente a ese género. Pero bueno, creemos que eso va cambiando y que pronto veremos colaboraciones de artistas españoles del género urbano con artistas latinos (...) Se están acortando la distancias, si es que en algún momento ha habido ese tipo de distanciamiento”.

SPACE SURIMI Retruro espacial Por Gonzalo Oya

Siempre prestos para cazar al vuelo la Spanish DOVPNESS allá por donde asome la cabeza, hoy toca viajar a Jerez para encontrarnos con Space Surimi. Un dúo que despertó nuestra curiosidad con aquella oda trap al trash ibérico llamada “Ernesto$ Neyra$”, que descubrimos como simple punta de un iceberg llamado “International Waters”, trabajo con el que finalmente han captado toda nuestra atención. Con un frescor y descaro a prueba de bomba, quisimos que Carlboro nos explicara de primera mano las claves del sonido Surimi: “A la hora de producir me baso en cierta parte tanto en el electro clásico como puede ser Egyptian Lover, a la electrónica de ahora, como puede ser Surkin, Strip Steve o Matthias Zimmermann. Por eso mis instrumentales suelen tener su toque clásico, tanto en baterías y bajos, en cambio luego en synths, arpeggios y demás tiro de sonidos más modernos (...) podríamos llamarlo ‘’Retruro’’, sonido pan duro, electrofunk en adobo”. Un “Retruro” en clave synth y electrofunk, que el rapeo old school de Eddie Coopermen se encarga de completar con su peculiar estilo y perspectiva: “Siempre me costó bastante rapear sobre instrumentales típicas raperas ibéricas, y a lo mejor por eso hasta que no he dado con producciones como las de Carlboro, no me piqué tanto para hacer rap (...)

La verdad es que yo tengo en la cabeza desde hace mucho tiempo hacer una mezcla entre los Beastie Boys y Proyecto Uno”. Encuadrados dentro de Golden Christ Music, quisimos saber más

de un colectivo al que desde ya, seguiremos de cerca: “Actualmente en Golden Christ Music contamos con Dj Nexxa, Space Surimi, Alex Reggol, Pizza Dracula, Gl6ria, Crucero, JGalaxia y más peña cercana que colaborarán ya sea en recopilatorios y demás movidas”. Y todo esto sin moverse de Jerez, un lugar del que, en relación a música urbana, hasta ahora sabíamos más bien poco. Para los Surimi, un entorno con posibilidades, pero lastrado por la falta de infraestructuras: “La verdad es que en Jerez hay 20 artistas por metro cuadrado, mucha gente que rapea, pero se tienen que conformar con hacerlo en la puta calle ya que en cuestión de salas está en la papela...

Entonces la cosa no tira para ninguna parte”. ¿Perros verdes en mitad de la estepa andaluza? Ellos no se ven tan solos como podría parecernos: “Ahora en Andalucía hay otros colectivos haciendo un rap más marciano y gutural como nos gusta a nosotros, como el que hace la peña de Mogra Empire o LaDrogaLab”. A fin de cuentas “lo importante es que cada uno haga lo que le salga del risketo”. Palabra de Space Surimi.

PXXR GVNG Sala Arena, Madrid 24/01/15 Fotografia por Alberto Rodrigez Recio