BREVE HISTORIA DEL ARTE
Susie Hodge
Título original
The Short Story of Art
Diseño John Round Design
Traducción Antøn Antøn
Revisión de la edición en lengua española Llorenç Esteve de Udaeta, Historiador de arte
Coordinación de la edición en lengua española Cristina Rodríguez Fischer
Primera edición en lengua española 2017
Reimpresión 2017, 2019, 2020, 2021 (2), 2023, 2025
© 2017 Mark Fletcher. Susie Hodge es la autora de esta obra, según el Copyright, Designs and Patent Act de 1988.
© 2017 Naturart. S.A. Editado por Blume
Carrer de les Alberes, 52, 2.° Vallvidrera 08017, Barcelona Tel. 93 205 40 00 E-mail: info@blume.net
Este libro ha sido diseñado, editado y producido en 2017 por Laurence King Publishing Ltd, Londres.
ISBN: 978-84-16965-02-1
Impreso en China
Todos los derechos reservados. Queda prohibida la reproducción total o parcial de esta obra, sea por medios mecánicos o electrónicos, sin la debida autorización por escrito del editor.
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C004800
pág. 10: La Primavera (detalle), Sandro Botticelli.
pág. 48: La joven de la perla, Johannes Vermeer.
pág. 158: Bodegón con cebollas (detalle), Paul Cézanne.
pág. 186: Detalle del modelo para el río de Plata, fuente de los Cuatro Ríos, Gian Lorenzo Bernini.
BREVE HISTORIA DEL ARTE
Los movimientos, las obras, los temas y las técnicas fundamentales
Susie Hodge
Contenido
OBRAS
50 Sala de los Toros (Lascaux)
52 Venus de Milo
54 Cristo Pantocrátor
56 Lamentación sobre Cristo muerto, Giotto
58 El matrimonio Arnolfini, Van Eyck
60 La Primavera, Botticelli
64 Hércules en la encrucijada, Durero
66 Pietà, Miguel Ángel
68 Mona Lisa, Leonardo
70 Caída en el camino del Calvario, Rafael
72 La Venus de Urbino, Tiziano
76 Cazadores en la nieve, Bruegel
78 El expolio, El Greco
80 Baco, Caravaggio
82 Judit decapitando a Holofernes, Gentileschi
84 El Descendimiento de la cruz, Rubens
86 Apolo y Dafne, Bernini
88 Autorretrato con los ojos muy abiertos, Rembrandt
90 Las Meninas, Velázquez
92 La joven de la perla, Vermeer
94 El columpio, Fragonard
96 El juramento de los Horacios, David
100 Cataratas del Reichenbach: arcoíris, Turner
102 El 3 de mayo en Madrid, Goya
104 La matanza de Quíos, Delacroix
106 El baño turco, Ingres
108 Olimpia, Manet
110 Impresión, sol naciente, Monet
112 La Edad de Bronce, Rodin
114 Tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte-1884, Seurat
116 Café de noche, Van Gogh
118 El grito, Munch
120 Bodegón con cebollas, Cézanne
124 Barcos en Collioure, Derain
126 El beso, Klimt
128 El acordeonista, Picasso
130 Formas únicas de continuidad en el espacio, Boccioni
132 Calle con buscona de rojo, Kirchner
134 Cuadrado rojo, Malévich
136 Fuente, Duchamp
138 Los amantes, Magritte
140 Las dos Fridas, Kahlo
142 Broadway Boogie Woogie, Mondrian
144 Senderos ondulados, Pollock
146 Sin título, Rothko
148 El caracol, Matisse
150 Sin título, de «Marilyn», Warhol
152 Sin título, Judd
154 Me gusta América y a América le gusto yo, Beuys
156 La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo, Hirst
TEMAS
160 Los animales
161 La figura humana
162 La religión
163 El retrato
164 El autorretrato
165 Los interiores
166 La mitología
167 Las alegorías
168 El paisaje
169 El color
170 Pintura de genero
171 La naturaleza
172 La guerra
173 La historia
174 Las marinas
175 Las naturalezas muertas
176 El aislamiento
177 La muerte
178 El inconsciente
179 El amor
180 El movimiento
181 Los paisajes urbanos
182 La forma y la figura
183 Lo artificial
184 La abstracción
185 El consumismo
TÉCNICAS Y MATERIALES
188 Lápiz
189 Cerámica
190 Mosaicos
191 Tiza
192 Mármol
193 Temple
194 Dorado
195 Pintura de base
196 Sfumato
197 Óleo sobre tabla
198 Perspectiva lineal
199 Perspectiva atmosférica
200 Escorzo
201 Xilografía
202 Arcilla
203 Óleo sobre lienzo
204 Fresco
205 Claroscuro
206 Grabado
207 Aguafuerte
208 Pluma y tinta
209 Cámara oscura
210 Acuarela
211 Bronce
212 Puntillismo
213 Empaste
214 Ready-mades
215 Gouache
216 Collage
217 Serigrafía
218 Índice
223 Museos
224 Créditos de las imágenes
El beso
GUSTAV KLIMT: ÓLEO Y PAN DE PLATA Y ORO SOBRE LIENZO • 180 X 180 CM
• ÖSTERREICHISCHE GALERIE BELVEDERE, VIENA, AUSTRIA
Otras obras de Klimt
Las tres edades de la mujer
1905, Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea, Roma, Italia (véase pág. 31)
El árbol de la vida 1905-1909, Museum für angewandte Kunst, Viena, Austria
Retrato de Adele Bloch-Bauer I 1907, Neue Galerie, Nueva York, Estados Unidos
Fundador de la Secesión vienesa y reconocido por lo general como el mejor pintor del Art Nouveau, Gustav Klimt (18621918) desarrolló un estilo característicamente ornamental y sensual.
Realizada durante un período del artista conocido como «etapa dorada», esta pieza representa a un hombre agachándose para besar a una mujer que alza el rostro hacia él. La corona de hiedra que lleva él sobre su oscuro cabello nos recuerda a un antiguo dios griego, mientras que las flores que lleva ella en el cabello y el cuello sugieren un nimbo. Aunque no se sabe, hay quienes sugieren que los modelos son Klimt y su pareja, Emilie Flöge, aunque tal vez se trate de Hilde Roth, una de sus habituales modelos. El vestido de la mujer, ornamentado con pan de oro y de plata, hilo de plata y unos coloridos dibujos florales circulares, además de unos pequeños cuadrados, rectángulos y líneas onduladas, simboliza la femineidad y la fertilidad para Klimt. La toga del hombre está decorada con símbolos «masculinos»: rectángulos en negro, blanco y plata, que contrastan de forma deliberada con las formas más redondeadas de la prenda de la mujer. La pareja se arrodilla en una cama repleta de colores florales y de la que una hiedra dorada trepa por los tobillos de la mujer. El sinuoso estilo de Klimt da sensación de bidimensionalidad en las zonas metálicas –lo que recuerda a los manuscritos medievales iluminados, a los mosaicos bizantinos y a las xilografías japonesas– y de tridimensionalidad y realismo en las áreas pintadas.
GUSTAV KLIMT
Hijo de orfebre, Gustav Klimt combinó las formas estilizadas y los colores artificales del simbolismo con su propia idea de la belleza, que solía concretarse en hermosas mujeres y escenas o paisajes alegóricos. Inspirándose en Tiziano, Rubens y el pintor vienés Hans Makart (1840-1884), al principio realizó pinturas de gran tamaño para edificios públicos, pero en 1897 creó el rupturista grupo de la Secesión vienés con otros artistas y arquitectos afines.
LA FIGURA HUMANA pág.
Me gusta América y a América le gusto yo
JOSEPH BEUYS: ACCIÓN DE UNA SEMANA JUNTO CON UN COYOTE EN LA RENÉ BLOCK GALLERY, NUEVA YORK • FOTOGRAFÍA DE CAROLINE TISDALL • CORTESÍA DE RONALD
FELDMAN FINE ARTS, NUEVA YORK
Otras obras de Beuys
Cómo explicarle los cuadros a una liebre muerta 1965, Galerie Schmela, Dresde, Alemania
7000 robles 1982, Kassel, Alemania
El fin del siglo xx 1983, Tate Modern, Londres, Reino Unido
Joseph Beuys (1921-1986), escultor, teórico del arte y artista dedicado al grafismo, las instalaciones y las performances, suele considerarse uno de los artistas más influyentes de la segunda mitad del siglo XX. En mayo de 1974, Beuys voló a Nueva York, donde lo recogió al instante una ambulancia para llevarlo a la René Block Gallery en una camilla, cubierto con una manta de fieltro. Aunque no estaba enfermo, permaneció en el espacio expositivo solo con un coyote durante ocho horas al día durante tres días mientras el público lo observaba al otro lado de una verja de malla. Oriundos de Norteamérica, los coyotes suelen considerarse representantes del espíritu salvaje de la nación. Mientras estuvo en la galería, Beuys empleó sus ya famosas mantas de fieltro, bastones y guantes. Además, cada día le entregaban cincuenta ejemplares del Wall Street Journal. Al principio, el coyote se comportaba de forma natural, haciendo cosas tales como despedazar una manta de fieltro y orinar en los periódicos, pero, gracias a las repetitivas e inofensivas acciones de Beuys, que no apartaba la vista del animal, este se fue calmando poco a poco en su presencia. Fascinado por la idea de la transformación, Beuys diría más adelante lo siguiente: «Quería aislarme, encerrarme, no ver nada de América que no fuera el coyote». El título de la obra tiene una intención irónica, puesto que Beuys se oponía a la intervención militar de Estados Unidos en Vietman y le preocupaban los males de la modernidad y del capitalismo.
JOSEPH BEUYS
La obra de Joseph Beuys, desarrollada en Europa y Estados Unidos entre la década de 1950 y comienzos de la de 1980, se relacionó vagamente con el movimiento artístico internacional del Fluxus. Entre sus muchas manifestaciones hay dibujos, pinturas y esculturas tradicionales, aunque es más célebre su arte «de acción», con el cual exploró cómo el arte podía tener efectos sanadores tanto en los artistas como en el público. En su combinación de crítica social y activismo político, desdibujó con frecuencia las fronteras entre el arte y la vida.
Sin título, de «Marilyn»
ANDY WARHOL: SERIGRAFÍA SOBRE PAPEL • 91 X 91 CM • TATE, REINO UNIDO
• ADQUIRIDA EN 1971 1967
Otras obras de Warhol
Latas de sopa Campbell’s 1962, Museum of Modern Art, Nueva York, Estados Unidos
Botellas de Coca-Cola verde 1962, Whitney Museum of American Art, Nueva York, Estados Unidos
Cajas Brillo 1964, Norton Simon Museum, California, Estados Unidos
ANDY WARHOL
Tras haber sido el ilustrador comercial más exitoso y mejor remunerado de Nueva York, Warhol se convirtió en un importante artista pop que cambió el estatus del arte y las actitudes con relación a este, incluidas las tocantes a los materiales y los temas aceptables. En su exploración del mercantilismo y el consumismo, resultó profética su crítica visual a la obsesión de la sociedad por las celebridades y a la expansión de los medios de comunicación.
El muy perceptivo, extravagante y mundialmente famoso artista pop Andy Warhol (1928-1987) desafió creencias sobre el arte y desdibujó las fronteras entre el arte elevado y el bajo. Tras el trágico y prematuro fallecimiento de la estrella de cine Marilyn Monroe en 1962, Warhol elaboró más de treinta serigrafías con una sola referencia de la efigie: una fotografía promocional en blanco y negro del filme de 1953 Niágara tomada por el fotógrafo Eugene Kornman (18971978). Warhol realizó otro juego de impresiones a partir de la misma instantánea en 1967. Aunque la fotografía original presentaba a Marilyn como una personalidad glamurosa, Warhol introdujo otros elementos. El proceso de impresión mecánica realizado por ayudantes era una burla deliberada a las bellas artes contemporáneas, sobre todo al expresionismo abstracto, mientras que el exagerado y artificioso maquillaje parodiaba al personaje. Al transformar el rubio oxigenado del cabello en un naranja chillón y darle a la tez un antinatural pálido azul, Warhol hace de Marilyn un producto artificial de los medios de comunicación y una víctima del culto a la celebridad. El proceso de impresión comercial era una forma de irreverencia a las tradiciones de las bellas artes; además, al transformar el rostro de Marilyn en una máscara inerte, estaba criticando su omnipresencia en los medios de comunicación. También optó por el método de impresión para enfatizar la bidimensionalidad de la pintura, así como para sugerir que los iconos religiosos del pasado se habían adorado como se hacía con las celebridades de su época.
La Primavera
SANDRO
BOTTICELLI:
TEMPLE SOBRE TABLA • 203 X 314 CM
• GALLERIA DEGLI UFFIZI, FLORENCIA, ITALIA
SANDRO BOTTICELLI
Tras su formación inicial como orfebre, Sandro Botticelli se convirtió en uno de los innovadores del Renacimiento, con un característico estilo en el que la belleza prima sobre el realismo. Aunque atrajo a algunos de los clientes más importantes de la época, entre ellos la familia Medici y el papa Sixto IV (1414-1484) en Roma, pasó a un segundo plano cuando otros artistas más jóvenes adquirieron popularidad y cayó bajo la influencia del dominico Girolamo Savonarola (1452-1498).
Según Ovidio, al ver a la bella ninfa Cloris, el viento del oeste (Céfiro) la sigue y la transforma en la diosa Flora.
h. 1478
De una técnica decorativa, detallada y sensual, Sandro Botticelli (1445-1510) destaca no solo por sus pinturas sacras, sino también por sus obras seculares pobladas de personajes de la mitología clásica. La Primavera es un cuadro extremadamente célebre en la actualidad y en su época se consideró casi único, ya que no cuenta una historia, sino que muestra figuras alegóricas a tamaño natural en una arboleda mágica. Es probable que fuera un encargo relacionado con la boda de algún miembro de la principal familia florentina, los Medici. Los sinuosos contornos, las armoniosas composiciones y la suavidad cromática de Botticelli, aunque presentes en sus muchas obras sacras, tienen su máximo exponente aquí. Durante la segunda mitad del siglo XV fue uno de los artistas más apreciados en Italia. Fue aprendiz del pintor Fra Filippo Lippi (h. 1406-1469), gracias al cual asumió y desarrolló un estilo característicamente elegante y atractivo.
En La Primavera, inspirándose tanto en la poesía clásica como en la contemporánea –son claras las referencias a Ovidio (43 a. C.-17/18 d. C.) y a Séneca (m. 65 d. C.)–, Botticelli transmite el florecimiento de la primavera y los ideales de amor, matrimonio y fertilidad mediante alegorías, es decir, con figuras que representan estos conceptos. Se cree que la figura central es la diosa que protege la institución del matrimonio, Venus, situada delante de un arbusto de mirto, planta consagrada a esta deidad. Tiene la mano levantada como si estuviera saludando: es un ejemplo del interés por la pintura «parlante» del Bajo Renacimiento. Su hijo, Cupido, apunta con una de sus flechas de amor a las Tres Gracias, que representan la cualidad femenina de la «generosidad». Mientras tanto, Mercurio, con casco, capa cubierta en llamas, sandalias aladas y espada, sostiene el caduceo de serpientes entrelazadas, tal vez para evitar que el viento transforme la primavera en invierno. A la derecha está Céfiro, el viento del oeste, que quiere poseer a Cloris, ninfa relacionada con la primavera: al casarse con ella, adopta el nombre de Flora, la diosa de las flores.
Superior : Botticelli fue el primer artista que creó escenas mitológicas de gran tamaño. Cupido dispara la flecha con los ojos vendados, puesto que el amor es ciego.
Izquierda : Las Tres Gracias llevan joyas con los colores de la familia Medici. Representan la benevolencia.
Otras obras de Botticelli
El nacimiento de Venus h. 1482-1486, Galleria degli Uffizi, Florencia, Italia
Virgen del libro 1480, Museo Poldi Pezzoli, Milán, Italia
Natividad mística 1500-1501, National Gallery, Londres, Reino Unido
Guía de bolsillo con los movimientos, las obras, los temas, y las técnicas fundamentales
