BREVE HISTORIA DEL ARTE Susie Hodge
Título original The Short Story of Art Diseño John Round Design Traducción Antøn Antøn Revisión de la edición en lengua española Llorenç Esteve de Udaeta, Historiador de arte Coordinación de la edición en lengua española Cristina Rodríguez Fischer Primera edición en lengua española 2017 Reimpresión 2017, 2019, 2020, 2021 (2), 2023 © 2017 Mark Fletcher. Susie Hodge es la autora de esta obra, según el Copyright, Designs and Patent Act de 1988. © 2017 Naturart. S.A. Editado por Blume Carrer de les Alberes, 52, 2.° Vallvidrera 08017, Barcelona Tel. 93 205 40 00 E-mail: info@blume.net Este libro ha sido diseñado, editado y producido en 2017 por Laurence King Publishing Ltd, Londres. ISBN: 978-84-16965-02-1 Impreso en China Todos los derechos reservados. Queda prohibida la reproducción total o parcial de esta obra, sea por medios mecánicos o electrónicos, sin la debida autorización por escrito del editor. WWW.BLUME.NET
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pág. 10: La Primavera (detalle), Sandro Botticelli. pág. 48: La joven de la perla, Johannes Vermeer. pág. 158: Bodegón con cebollas (detalle), Paul Cézanne. pág. 186: Detalle del modelo para el río de Plata, fuente de los Cuatro Ríos, Gian Lorenzo Bernini.
BREVE HISTORIA DEL ARTE Los movimientos, las obras, los temas y las técnicas fundamentales
Susie Hodge
Contenido
46 47
Minimalismo Arte conceptual
OBRAS 6 9
Introducción Cómo usar este libro
ÉPOCAS Y MOVIMIENTOS 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 28 29 30 31 32 33 34 35 36 37 38 39 40 41 42 43 44 45
Prehistoria Antigüedad grecorromana Imperio bizantino Edad Media Bajo Renacimiento Renacimiento nórdico Renacimiento Alto Renacimiento Renacimiento veneciano Manierismo Edad de Oro neerlandesa Barroco Rococó Neoclasicismo Romanticismo Realismo Impresionismo Postimpresionismo Neoimpresionismo Art Nouveau Expresionismo Expresionismo alemán Fauvismo Cubismo Futurismo Suprematismo Dadaísmo Neoplasticismo Realismo mágico Surrealismo Expresionismo abstracto Colour Field Pop art Performance art
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Sala de los Toros (Lascaux) Venus de Milo Cristo Pantocrátor Lamentación sobre Cristo muerto, Giotto El matrimonio Arnolfini, Van Eyck La Primavera, Botticelli Hércules en la encrucijada, Durero Pietà, Miguel Ángel Mona Lisa, Leonardo Caída en el camino del Calvario, Rafael La Venus de Urbino, Tiziano Cazadores en la nieve, Bruegel El expolio, El Greco Baco, Caravaggio Judit decapitando a Holofernes, Gentileschi El Descendimiento de la cruz, Rubens Apolo y Dafne, Bernini Autorretrato con los ojos muy abiertos, Rembrandt Las Meninas, Velázquez La joven de la perla, Vermeer El columpio, Fragonard El juramento de los Horacios, David Cataratas del Reichenbach: arcoíris, Turner El 3 de mayo en Madrid, Goya La matanza de Quíos, Delacroix El baño turco, Ingres Olimpia, Manet Impresión, sol naciente, Monet La Edad de Bronce, Rodin Tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte-1884, Seurat Café de noche, Van Gogh El grito, Munch Bodegón con cebollas, Cézanne Barcos en Collioure, Derain
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El beso, Klimt El acordeonista, Picasso Formas únicas de continuidad en el espacio, Boccioni Calle con buscona de rojo, Kirchner Cuadrado rojo, Malévich Fuente, Duchamp Los amantes, Magritte Las dos Fridas, Kahlo Broadway Boogie Woogie, Mondrian Senderos ondulados, Pollock Sin título, Rothko El caracol, Matisse Sin título, de «Marilyn», Warhol Sin título, Judd Me gusta América y a América le gusto yo, Beuys La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo, Hirst
TEMAS 160 161 162 163 164 165 166 167 168 169 170 171 172 173 174 175 176 177 178 179
Los animales La figura humana La religión El retrato El autorretrato Los interiores La mitología Las alegorías El paisaje El color Pintura de genero La naturaleza La guerra La historia Las marinas Las naturalezas muertas El aislamiento La muerte El inconsciente El amor
180 181 182 183 184 185
El movimiento Los paisajes urbanos La forma y la figura Lo artificial La abstracción El consumismo
TÉCNICAS Y MATERIALES 188 189 190 191 192 193 194 195 196 197 198 199 200 201 202 203 204 205 206 207 208 209 210 211 212 213 214 215 216 217
Lápiz Cerámica Mosaicos Tiza Mármol Temple Dorado Pintura de base Sfumato Óleo sobre tabla Perspectiva lineal Perspectiva atmosférica Escorzo Xilografía Arcilla Óleo sobre lienzo Fresco Claroscuro Grabado Aguafuerte Pluma y tinta Cámara oscura Acuarela Bronce Puntillismo Empaste Ready-mades Gouache Collage Serigrafía
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Índice Museos Créditos de las imágenes
126 OBRAS
El beso GUSTAV KLIMT: ÓLEO Y PAN DE PLATA Y ORO SOBRE LIENZO • 180 X 180 CM • ÖSTERREICHISCHE GALERIE BELVEDERE, VIENA, AUSTRIA Otras obras de Klimt Las tres edades de la mujer 1905, Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea, Roma, Italia (véase pág. 31) El árbol de la vida 1905-1909, Museum für angewandte Kunst, Viena, Austria Retrato de Adele Bloch-Bauer I 1907, Neue Galerie, Nueva York, Estados Unidos
1907 – 1908
Fundador de la Secesión vienesa y reconocido por lo general como el mejor pintor del Art Nouveau, Gustav Klimt (18621918) desarrolló un estilo característicamente ornamental y sensual. Realizada durante un período del artista conocido como «etapa dorada», esta pieza representa a un hombre agachándose para besar a una mujer que alza el rostro hacia él. La corona de hiedra que lleva él sobre su oscuro cabello nos recuerda a un antiguo dios griego, mientras que las flores que lleva ella en el cabello y el cuello sugieren un nimbo. Aunque no se sabe, hay quienes sugieren que los modelos son Klimt y su pareja, Emilie Flöge, aunque tal vez se trate de Hilde Roth, una de sus habituales modelos. El vestido de la mujer, ornamentado con pan de oro y de plata, hilo de plata y unos coloridos dibujos florales circulares, además de unos pequeños cuadrados, rectángulos y líneas onduladas, simboliza la femineidad y la fertilidad para Klimt. La toga del hombre está decorada con símbolos «masculinos»: rectángulos en negro, blanco y plata, que contrastan de forma deliberada con las formas más redondeadas de la prenda de la mujer. La pareja se arrodilla en una cama repleta de colores florales y de la que una hiedra dorada trepa por los tobillos de la mujer. El sinuoso estilo de Klimt da sensación de bidimensionalidad en las zonas metálicas –lo que recuerda a los manuscritos medievales iluminados, a los mosaicos bizantinos y a las xilografías japonesas– y de tridimensionalidad y realismo en las áreas pintadas.
GUSTAV KLIMT Hijo de orfebre, Gustav Klimt combinó las formas estilizadas y los colores artificales del simbolismo con su propia idea de la belleza, que solía concretarse en hermosas mujeres y escenas o paisajes alegóricos. Inspirándose en Tiziano, Rubens y el pintor vienés Hans Makart (1840-1884), al principio realizó pinturas de gran tamaño para edificios públicos, pero en 1897 creó el rupturista grupo de la Secesión vienés con otros artistas y arquitectos afines.
ART NOUVEAU pág. 31
OBRAS 127
LA FIGURA HUMANA pág. 161 LA NATURALEZA pág. 171 EL AMOR pág. 179 PINTURA DE GÉNERO pág. 170 ÓLEO SOBRE LIENZO pág. 203 DORADO pág. 194
154 OBRAS
Me gusta América y a América le gusto yo
1974
JOSEPH BEUYS: ACCIÓN DE UNA SEMANA JUNTO CON UN COYOTE EN LA RENÉ BLOCK GALLERY, NUEVA YORK • FOTOGRAFÍA DE CAROLINE TISDALL • CORTESÍA DE RONALD FELDMAN FINE ARTS, NUEVA YORK
PERFORMANCE ART pág. 45
OBRAS 155 Otras obras de Beuys Cómo explicarle los cuadros a una liebre muerta 1965, Galerie Schmela, Dresde, Alemania 7000 robles 1982, Kassel, Alemania El fin del siglo xx 1983, Tate Modern, Londres, Reino Unido
Joseph Beuys (1921-1986), escultor, teórico del arte y artista dedicado al grafismo, las instalaciones y las performances, suele considerarse uno de los artistas más influyentes de la segunda mitad del siglo XX. En mayo de 1974, Beuys voló a Nueva York, donde lo recogió al instante una ambulancia para llevarlo a la René Block Gallery en una camilla, cubierto con una manta de fieltro. Aunque no estaba enfermo, permaneció en el espacio expositivo solo con un coyote durante ocho horas al día durante tres días mientras el público lo observaba al otro lado de una verja de malla. Oriundos de Norteamérica, los coyotes suelen considerarse representantes del espíritu salvaje de la nación. Mientras estuvo en la galería, Beuys empleó sus ya famosas mantas de fieltro, bastones y guantes. Además, cada día le entregaban cincuenta ejemplares del Wall Street Journal. Al principio, el coyote se comportaba de forma natural, haciendo cosas tales como despedazar una manta de fieltro y orinar en los periódicos, pero, gracias a las repetitivas e inofensivas acciones de Beuys, que no apartaba la vista del animal, este se fue calmando poco a poco en su presencia. Fascinado por la idea de la transformación, Beuys diría más adelante lo siguiente: «Quería aislarme, encerrarme, no ver nada de América que no fuera el coyote». El título de la obra tiene una intención irónica, puesto que Beuys se oponía a la intervención militar de Estados Unidos en Vietman y le preocupaban los males de la modernidad y del capitalismo.
JOSEPH BEUYS La obra de Joseph Beuys, desarrollada en Europa y Estados Unidos entre la década de 1950 y comienzos de la de 1980, se relacionó vagamente con el movimiento artístico internacional del Fluxus. Entre sus muchas manifestaciones hay dibujos, pinturas y esculturas tradicionales, aunque es más célebre su arte «de acción», con el cual exploró cómo el arte podía tener efectos sanadores tanto en los artistas como en el público. En su combinación de crítica social y activismo político, desdibujó con frecuencia las fronteras entre el arte y la vida.
LOS INTERIORES pág. 165 LOS ANIMALES pág. 160 LA FIGURA HUMANA pág. 161
150 OBRAS
Sin título, de «Marilyn»
1967
ANDY WARHOL: SERIGRAFÍA SOBRE PAPEL • 91 X 91 CM • TATE, REINO UNIDO • ADQUIRIDA EN 1971 Otras obras de Warhol Latas de sopa Campbell’s 1962, Museum of Modern Art, Nueva York, Estados Unidos Botellas de Coca-Cola verde 1962, Whitney Museum of American Art, Nueva York, Estados Unidos Cajas Brillo 1964, Norton Simon Museum, California, Estados Unidos
ANDY WARHOL Tras haber sido el ilustrador comercial más exitoso y mejor remunerado de Nueva York, Warhol se convirtió en un importante artista pop que cambió el estatus del arte y las actitudes con relación a este, incluidas las tocantes a los materiales y los temas aceptables. En su exploración del mercantilismo y el consumismo, resultó profética su crítica visual a la obsesión de la sociedad por las celebridades y a la expansión de los medios de comunicación.
El muy perceptivo, extravagante y mundialmente famoso artista pop Andy Warhol (1928-1987) desafió creencias sobre el arte y desdibujó las fronteras entre el arte elevado y el bajo. Tras el trágico y prematuro fallecimiento de la estrella de cine Marilyn Monroe en 1962, Warhol elaboró más de treinta serigrafías con una sola referencia de la efigie: una fotografía promocional en blanco y negro del filme de 1953 Niágara tomada por el fotógrafo Eugene Kornman (18971978). Warhol realizó otro juego de impresiones a partir de la misma instantánea en 1967. Aunque la fotografía original presentaba a Marilyn como una personalidad glamurosa, Warhol introdujo otros elementos. El proceso de impresión mecánica realizado por ayudantes era una burla deliberada a las bellas artes contemporáneas, sobre todo al expresionismo abstracto, mientras que el exagerado y artificioso maquillaje parodiaba al personaje. Al transformar el rubio oxigenado del cabello en un naranja chillón y darle a la tez un antinatural pálido azul, Warhol hace de Marilyn un producto artificial de los medios de comunicación y una víctima del culto a la celebridad. El proceso de impresión comercial era una forma de irreverencia a las tradiciones de las bellas artes; además, al transformar el rostro de Marilyn en una máscara inerte, estaba criticando su omnipresencia en los medios de comunicación. También optó por el método de impresión para enfatizar la bidimensionalidad de la pintura, así como para sugerir que los iconos religiosos del pasado se habían adorado como se hacía con las celebridades de su época.
POP ART pág. 44
OBRAS 151
EL CONSUMISMO pág. 185 EL COLOR pág. 169 EL RETRATO pág. 163 SERIGRAFÍA pág. 217
60 OBRAS
La Primavera
h. 1478
SANDRO BOTTICELLI: TEMPLE SOBRE TABLA • 203 X 314 CM • GALLERIA DEGLI UFFIZI, FLORENCIA, ITALIA De una técnica decorativa, detallada y sensual, Sandro Botticelli (1445-1510) destaca no solo por sus pinturas sacras, sino también por sus obras seculares pobladas de personajes de la mitología clásica. La Primavera es un cuadro extremadamente célebre en la actualidad y en su época se consideró casi único, ya que no cuenta una historia, sino que muestra figuras alegóricas a tamaño natural en una arboleda mágica. Es probable que fuera un encargo relacionado con la boda de algún miembro de la principal familia florentina, los Medici. Los sinuosos contornos, las armoniosas composiciones y la suavidad cromática de Botticelli, aunque presentes en sus muchas obras sacras, tienen su máximo exponente aquí. Durante la segunda mitad del siglo XV fue uno de los artistas más apreciados en Italia. Fue aprendiz del pintor Fra Filippo Lippi (h. 1406-1469), gracias al cual asumió y desarrolló un estilo característicamente elegante y atractivo. SANDRO BOTTICELLI Tras su formación inicial como orfebre, Sandro Botticelli se convirtió en uno de los innovadores del Renacimiento, con un característico estilo en el que la belleza prima sobre el realismo. Aunque atrajo a algunos de los clientes más importantes de la época, entre ellos la familia Medici y el papa Sixto IV (1414-1484) en Roma, pasó a un segundo plano cuando otros artistas más jóvenes adquirieron popularidad y cayó bajo la influencia del dominico Girolamo Savonarola (1452-1498).
Según Ovidio, al ver a la bella ninfa Cloris, el viento del oeste (Céfiro) la sigue y la transforma en la diosa Flora.
RENACIMIENTO TEMPRANO pág. 16
OBRAS 61
Superior: Botticelli fue el primer artista que creó escenas mitológicas de gran tamaño. Cupido dispara la flecha con los ojos vendados, puesto que el amor es ciego. Izquierda: Las Tres Gracias llevan joyas con los colores de la familia Medici. Representan la benevolencia.
En La Primavera, inspirándose tanto en la poesía clásica como en la contemporánea –son claras las referencias a Ovidio (43 a. C.-17/18 d. C.) y a Séneca (m. 65 d. C.)–, Botticelli transmite el florecimiento de la primavera y los ideales de amor, matrimonio y fertilidad mediante alegorías, es decir, con figuras que representan estos conceptos. Se cree que la figura central es la diosa que protege la institución del matrimonio, Venus, situada delante de un arbusto de mirto, planta consagrada a esta deidad. Tiene la mano levantada como si estuviera saludando: es un ejemplo del interés por la pintura «parlante» del Bajo Renacimiento. Su hijo, Cupido, apunta con una de sus flechas de amor a las Tres Gracias, que representan la cualidad femenina de la «generosidad». Mientras tanto, Mercurio, con casco, capa cubierta en llamas, sandalias aladas y espada, sostiene el caduceo de serpientes entrelazadas, tal vez para evitar que el viento transforme la primavera en invierno. A la derecha está Céfiro, el viento del oeste, que quiere poseer a Cloris, ninfa relacionada con la primavera: al casarse con ella, adopta el nombre de Flora, la diosa de las flores.
Otras obras de Botticelli El nacimiento de Venus h. 1482-1486, Galleria degli Uffizi, Florencia, Italia Virgen del libro 1480, Museo Poldi Pezzoli, Milán, Italia Natividad mística 1500-1501, National Gallery, Londres, Reino Unido
LA FIGURA HUMANA pág. 161 LA MITOLOGÍA pág. 166 EL PAISAJE pág. 168 EL AMOR pág. 179 LAS ALEGORÍAS pág. 167 TEMPLE pág. 193 ÓLEO SOBRE TABLA pág. 197
Guía de bolsillo con los movimientos, las obras, los temas, y las técnicas fundamentales
ISBN 978-84-16965-02-1
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