Cómo entender el arte by Editorial Blume

CÓMO ENTENDER EL ARTE

J A N E T TA R E B O L D B E N T O N

Para Clare Marie Wedding (1987-2012), quien amaba el arte y habría sido una gran historiadora del arte. Mi más sincero agradecimiento a Elliot Benton, la doctora Nona C. Flores, el doctor Stephen Lamia y la profesora Vera Manzi-Schacht -

Título original How to Understand Art Diseño April Edición Caroline Brooke Johnson Documentación iconográfica Nikos Kotsopoulos Traducción Antøn Antøn Revisión de la edición en lengua española Llorenç Esteve de Udaeta Historiador del arte

Coordinación de la edición en lengua española Cristina Rodríguez Fischer Primera edición en lengua española 2021 © 2021 Naturart, S.A. Editado por BLUME Carrer de les Alberes, 52, 2.°, Vallvidrera 08017 Barcelona Tel. 93 205 40 00 e-mail: info@blume.net © 2021 Thames & Hudson Ltd, Londres © 2021 del texto Janetta Rebold Benton I.S.B.N.: 978-84-18725-16-6 Depósito legal: B.10089-2021 Impreso en China Todos los derechos reservados. Queda prohibida la reproducción total o parcial de esta obra, sea por medios mecánicos o electrónicos, sin la debida autorización por escrito del editor.

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Portada: escuela flamenca, Cognoscenti en una habitación con pinturas, h. 1620 (detalle). Óleo sobre tabla, 96 x 123,5 cm. National Gallery, Londres. Legado por John Staniforth Beckett, 1889. Fotografía: The Picture Art Collection / Alamy Stock Photo Portadilla: Jean-Léon Gérôme, Pigmalión y Galatea, h. 1890 (detalle de la página 120) Página 4: visitante de la National Gallery of Art, Washington, D. C., examinando el salero y pimentero de Benvenuto Cellini (1540-1543), en exposición temporal, h. 1947. Fotografía. National Archives en College Park, Maryland Portadas de los capítulos: página 8 Delphine Diallo, Híbrido 8, 2011 (detalle de la página 14); página 36 Georges Seurat, Tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte 1884, 1884-1886 (detalle de la página 45); página 66 Helen Frankenthaler, Fuegos artificiales grises, 1982 (detalle de la página 78); página 89 Kay WalkingStick, ¡Oh, Canadá!, 2018-2019 (detalle de las páginas 128 y 129); página 130 Frida Kahlo, La columna rota, 1944 (detalle de la página 152) Citas: página 9 John Keats, «Oda a una urna griega», compuesto en mayo de 1819 y publicado por primera vez, anónimamente, en Annals of the Fine Arts, vol. 4, n.º 15, XX (Sherwood, Neely, and Jones, Londres, 1819), página 639. Hathi Trust Digital Library; página 37 Correo electrónico de Kay WalkingStick a la autora, 5 de noviembre de 2020; página 67 Boys’ Workers Round Table, A Magazine of Applied Ideals in Boycraft, vol. 3 (Boys’ Club Federation, Nueva York, mediados de verano de 1923), página 3, columna 2, sin acreditar. Hathi Trust Digital Library; página 97 James Johnson Sweeney, Marc Chagall (Museum of Modern Art, Nueva York, en colaboración con The Art Institute of Chicago, Chicago, Illinois, 1946), página 7; página 131 Giorgio Vasari, Le vite de’ piu eccellenti pittori, scultori, e architettori (segunda edición ampliada; Giunti, Florencia, 1568); introducción a la parte II, página 1, traducido al inglés por Janetta Rebold Benton.

CÓMO ENTENDER EL ARTE

J A N E T TA R E B O L D BAMY E NDEMPSEY TON

CONTENIDO

INTRODUCCIÓN

CÓMO CONTEMPLAR EL ARTE

EXPERIMENTAR, ANALIZAR Y APRECIAR EL ARTE

MATERIALES Y TÉCNICAS

PERO ¿QUÉ SIGNIFICA?

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SEIS ARTISTAS ESPECIALES

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Glosario Lecturas recomendadas Índice Créditos de las imágenes Agradecimientos

INTRODUCCIÓN

Pablo Picasso, quizá el artista más influyente del siglo xx, expresó la idea de que el arte sirve para quitarnos el polvo de la vida cotidiana. Las artes visuales nos hacen pensar y enriquecen nuestra vida de muchas maneras, ya que nos aportan ideas innovadoras, nos brindan el placer de la belleza y suscitan diversas emociones, aunque también hay veces en las que nos desconciertan. En Cómo entender el arte se ofrece una visión clara y concisa de los fundamentos que comparten todas las artes visuales, lo que ayudará al lector a pensar de forma meticulosa, inquisitiva y, en última instancia, crítica sobre el arte. El perfeccionamiento de nuestra alfabetización visual nos permite comprender conceptos que se transmiten sin palabras. La información y las sugerencias sobre cómo acercarse al arte que se ofrecen en este libro tienen como objeto proporcionar al lector una base firme para el mero disfrute, así como para la posterior investigación. Para ir más allá del «No sé mucho de arte, pero sé lo que me gusta», hay que entender por qué nos gusta. Y ese es el objetivo de los cinco siguientes capítulos. 6

En cuanto a «Cómo contemplar el arte», se plantean una serie de cuestiones a considerar y se introducen algunos de los grandes debates de la historia del arte. Además, se llevan a cabo audaces intentos de definir ese término impreciso pero tan frecuentemente utilizado: arte. Su capacidad para «Experimentar, analizar y apreciar el arte» aumentará mediante la comprensión de los elementos básicos utilizados en todas las artes visuales, incluidos los principios estéticos y los estilos. La comprensión de los «Materiales y técnicas» utilizados por los artistas le permitirá evaluar lo que se puede (y no se puede) hacer en determinados contextos. Pese a todo, puede que se vea preguntándose «Pero ¿qué significa?»: en esta sección veremos ejemplos que ayudan a desmitificar los mensajes artísticos. El contexto resulta ser la clave para entender el significado de los símbolos específicos. En el último capítulo se explora la vida y la obra de «Seis artistas especiales»: Leonardo da Vinci, Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Vincent van Gogh, Frida Kahlo, Pablo Picasso y Andy Warhol. Cada uno de ellos ocupa un lugar clave en la historia del arte. 7

mecenas. Tal vez narre una historia o documente un importante suceso histórico. Puede que demuestre el dominio de un joven artista en una obra maestra. Acaso la pintura conserve la belleza natural de un paisaje o de un arreglo floral. Las obras pueden surgir a causa de uno o varios de estos motivos, e incluso por otros que nada tengan que ver. En los siguientes ejemplos puede percibirse la gran variedad de propósitos a los que ha servido el arte. El escriba sentado (inferior) del Antiguo Egipto procede de una tumba de Saqqara, por lo que no se concibió para que lo contemplara ninguna persona viva. Existen varias esculturas similares de escribas egipcios: su finalidad era la de servir al faraón en el más allá como lo habría hecho un escriba de verdad en vida. El arte sustituye humanamente a una persona viva de carne y hueso por otra inanimada de pintura y piedra. Por otra parte, la intención de ciertas obras de arte recientes puede ser mucho más difícil de descifrar. En 2002, el hermético artista británico Anónimo Escriba sentado, de Saqqara, Egipto, h. 2600-2350 a. C., Dinastía IV o V Piedra caliza pintada, ojos con incrustaciones de cristal de roca en cobre, 53,7 x 44 x 35 cm Musée du Louvre, París Los faraones esperaban que sus sirvientes, representados por estatuas, relieves o pinturas, les acompañaran al más allá y les sirvieran allí durante toda la eternidad. Estos empleados ideales, que jamás llegaban tarde al trabajo, estaban siempre alerta y dispuestos para servir.

cómo contemplar el arte

Banksy Niña con globo, 2006 Triturado justo después de su venta en una subasta de Sotheby’s en 2018 y retitulado El amor está en la papelera Pintura en aerosol, pintura acrílica, lienzo, madera y mecanismo para triturar, 101 x 78 x 18 cm Staatsgalerie, Stuttgart Banksy, el anónimo artista del grafiti y de street art cuya identidad sigue siendo discutida, crea ingeniosas imágenes con plantillas que a menudo contienen mensajes satíricos sobre cuestiones sociales y políticas contemporáneas.

conocido como Banksy aplicó una plantilla en el londinense puente de Waterloo para representar la imagen de una niña que suelta la cuerda de un globo con forma de corazón mientras el viento se lo lleva junto al texto «There is Always Hope» («Siempre hay esperanza»). Puede decirse que el globo representa el amor y la esperanza que acompañan a la inocencia de la infancia, los cuales se alejan flotando de la niña. Un lienzo de esta imagen se vendió en una subasta de Sotheby’s de 2018 en Londres por 1 042 000 libras. Para asombro de todos los presentes, cuando el martillo del subastador dio por finalizada las apresuradas pujas, Niña con globo se autodestruyó al activarse una 17

Rubens, a diferencia de Poussin, prefirió el color a la línea La línea frente al color Cada persona parece tener una inclinación natural por la línea o el color, y, si se nos da a elegir entre un lápiz para dibujar o un pincel para pintar, hay quienes preferirán lo uno o lo otro. Poussin, que prefirió el color a la línea, dibujaba sus composiciones meticulosamente antes de aplicarles pintura. Seleccionaba sus colores con el intelecto, vistiendo a las figuras más importantes (como la Virgen María e Isabel) con los colores primarios. En torno a estos, se encuentran los colores secundarios: José viste de morado, y el círculo lo completan las frutas color naranja y el verde de las hojas. El pintor flamenco barroco Peter Paul Rubens, por el contrario, prefirió el color a la línea. En La Sagrada Familia junto a santa Isabel y san Juan Bautista (h. 1615; derecha) pintó en esencia el mismo tema que Poussin, pero lo hizo trabajando directamente con un rico colorido. La yuxtaposición de colores contrastantes magistralmente manipulados realza la característica suntuosidad, incluso sensualidad, de las pinturas de Rubens, creando texturas verosímiles de la blandura de la carne y del ondulamiento de las telas.

Nicolas Poussin La Sagrada Familia en las escaleras, 1648 Óleo sobre lienzo, 73,3 x 105,8 cm Cleveland Museum of Art, Cleveland Aunque el artista francés Poussin pintó durante el período barroco, rechazó su emotividad para adoptar un estilo analítico e intelectual deudor de la Antigüedad. Poussin da prioridad a la línea y a la composición geométrica.

e x p e r i m e n ta r , a n a l i z a r y apreciar el arte

Estos dos enfoques antagónicos de la pintura dieron lugar a un importante conflicto durante el siglo xvii. Los partidarios de la línea, denominados «poussinistas», afirmaban que la línea era superior porque gustaba a las mentes educadas. Los partidarios del color, denominados «rubenistas», sostenían que el color era superior porque era más fiel a la naturaleza y gustaba a todo el mundo. Esto, que puede parecer una disputa menor, tuvo en realidad un impacto mucho más amplio. Si la línea complacía a la mente, mientras que el color complacía a la vista, ¿cuál era el fin de la pintura?, ¿educar y elevar el intelecto o proporcionarnos placer visual? Estas cuestiones plantean preguntas fundamentales sobre el uso del arte y el público al que va dirigido.

LA TEXTURA Al describir la textura de las obras de arte, no nos referimos al tacto que percibiríamos si la tocásemos realmente (cosa que no debemos hacer, por Peter Paul Rubens La Sagrada Familia junto a santa Isabel y san Juan Bautista, h. 1615 Óleo sobre tabla, 114,5 x 91,5 cm Art Institute of Chicago, Chicago Rubens fue uno de los artistas más exitosos del barroco flamenco, tanto en lo artístico como en lo económico. La carnosidad de sus características figuras de rotundos cuerpos se corresponde con los exuberantes colores y la fluidez de las pinceladas.

Para crear frescos, la superficie se alisa con capas de yeso yendo de la más gruesa a la más fina. La giornàta, es decir, el día de trabajo, se determina cubriendo la zona a pintar con una capa muy fina y suave de yeso conocida como intonaco. El artista pinta con un pigmento finamente molido y mezclado con agua sobre el yeso húmedo a contrarreloj. Al secarse el yeso, los pigmentos se incrustan en los cristales de carbonato de calcio del yeso. Como la pintura se fusiona con el yeso al secarse, el buon fresco se conserva durante mucho tiempo. Aunque los artistas pueden retocar las pinturas al fresco utilizando el fresco secco y aplicar detalles utilizando temple al huevo, ninguna de estas dos técnicas permite que la pintura se adhiera bien. Los pigmentos adecuados para el buon fresco son limitados debido a la incompatibilidad química con la alcalinidad del yeso, la cual hace imposible el uso de casi todos los colores de origen vegetal. Como los colores se aclaran al secarse, se deben aplicar unos más oscuros, lo que dificulta hacer que coincidan los aplicados en los días sucesivos. 70

Miguel Ángel La creación de Adán, detalle de la bóveda, h. 1512 Buon fresco, 2,8 x 5,7 m Capilla Sixtina, Ciudad del Vaticano

m at e r i a l e s y técnicas

En el buon fresco, la pintura, compuesta solo de pigmento y agua, se aplica a una superficie de yeso húmeda. Como el pigmento penetra en el yeso al secarse, el buon fresco, o auténtico fresco, es muy duradero. Miguel Ángel trabajó en la bóveda de la capilla Sixtina tumbado de espaldas en un andamio a gran altura del suelo y con la pintura goteándole en la cara.

A la hora de practicar el fresco secco, se empapa a fondo una pared seca de yeso de cal con una solución de cal apagada la noche antes de pintar y de nuevo la mañana del día en el que se vaya a pintar. Dicha solución se compone de agua e hidróxido de calcio y también se conoce como «cal muerta». Con la pared aún húmeda, el artista pinta con una mezcla de pigmento molido, agua y la solución de cal apagada o con pigmento molido mezclado con un aglutinante como puede ser la caseína, que es un polvo hecho a base de cuajos secos procedentes de leche agria. Otra técnica consiste en pintar sobre yeso seco con pintura a la cola utilizando una mezcla de colores terrosos, agua y un aglutinante de origen vegetal o animal. Un excelente ejemplo de fresco secco es la bóveda de la nave de la abadía de Saint-Savin-sur-Gartempe, Francia. Mosaico En el mosaico, al igual que en el buon fresco, se emplea yeso húmedo. En lugar de pintar sobre él, el artista pega en el yeso pequeños cubos de 71

El arte y la política llevan entreverándose desde, al menos, la época del rey Narmer de Egipto (h. 3100 a. C.) -

Shepard Fairey Obama Hope, 2008 Litografía offset, 61 x 91,4 cm Obey Giant Art, Los Ángeles

De hecho, el arte lleva mucho tiempo usándose para promover objetivos políticos. Francisco de Goya creó poderosas pinturas y grabados antibelicistas, como Y no hay remedio (véase pág. 81), de la serie Los desastres de la guerra, en la que ni españoles ni franceses resultan heroicos y Goya condena la guerra en general. Pablo Picasso, compatriota de Goya, pintó el Guernica (véanse págs. 158-159) poco después de que los bombarderos alemanes atacaran esa población. El arte y la política llevan entreverándose desde, al menos, la época de Narmer, el primer rey de la primera dinastía egipcia, cuyos logros están documentados en la paleta de Narmer, h. 3100 a. C. (Museo Egipcio de El Cairo), hasta en los carteles electorales Obama Hope, de Shepard Fairey (2008; derecha), creados para apoyar a Barack Obama. Los temas informales, que antes no se consideraban dignos de representarse mediante el arte, fueron ganando aceptación entre el público Las escenas de género procedentes de la vida cotidiana aparecían en los libros de horas, como es el caso del manuscrito de los hermanos Limbourg de principios del siglo xv titulado Les Très Riches Heures du Duc de Berry (Las muy ricas horas del duque de Berry; Musée Condé, Chantilly, MS 65), realizado para Jean, duque de Berry. Aunque las representaciones de la vida campesina eran poco comunes, se encuentran en pinturas neerlandesas de los siglos xvi y xvii, como las de Pieter Bruegel el Viejo (véase pág. 11), y en los documentos de Johannes Vermeer sobre actividades domésticas (por ejemplo, El concierto, robado del Isabella Stewart Gardner Museum, Boston). A finales del siglo xix, los temas de género dominaban la pintura impresionista francesa: sirva de ejemplo Remeros en Chatou (véase pág. 39), de Pierre-Auguste Renoir, que representa a miembros de la burguesía navegando. Estos temas informales, que antes no se consideraban dignos de representarse mediante el arte, fueron ganando aceptación entre el público. Del mismo modo, el paisaje, tratado durante mucho tiempo en el arte occidental como un mero escenario de fondo, se fue convirtiendo poco a poco en un tema que merecía atención por derecho propio. Vista desde el monte Holyoke, Northampton, Massachusetts, después de una tempestad (El meandro) (véase pág. 52), obra de 1836 realizada por el estadounidense Thomas Cole, fundador de la Escuela del Río Hudson, consagrada al paisajismo, da testimonio de este cambio de paradigma. En cambio, la pintura 104

La potente imagen del artista del street art y activista Fairey, con su inequívoco y bienvenido mensaje de esperanza, contribuyó a que Barack Obama se convirtiera en el primer presidente afroamericano de Estados Unidos.

¿qué

pero

significa?

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«El libro de Janetta Rebold Benton, muy informado y sorprendente por momentos, nos brinda una nueva forma de sumergirnos en las artes visuales». Bob y Roberta Smith, artista contemporáneo británico, escritor, autor y músico

Preservamos el medio ambiente • Reciclamos y reutilizamos. • Usamos papel de bosques gestionados de manera responsable.

ISBN 978-84-18725-16-6

9 788418 725166