100 OBRAS MAESTRAS
El detalle en el arte
SUSIE HODGE
Título original Art in Detail. 100 masterpieces Edición Carol King, Ruth Patrick, Philip Cooper Diseño Isabel Eeles, gradedesign.com Documentación y gestión iconográfica Hannah Phillips Traducción Antonio Díaz Pérez Revisión de la edición en lengua española LLorenç Esteve de Udaeta, Historiador de Arte Coordinación de la edición en lengua española Cristina Rodríguez Fischer Primera edición en lengua española 2017 © 2017 Naturart, S.A. Editado por BLUME Carrer de les Alberes, 52, 2.o Vallvidrera, 08017 Barcelona Tel. 93 205 40 00 Fax 93 205 14 41 e-mail: info@blume.net © 2016 Quintessence Editions Ltd., Londres ISBN: 978-84-16965-43-4 Impreso en China Todos los derechos reservados. Queda prohibida la reproducción total o parcial de esta obra, sea por medios mecánicos o electrónicos, sin la debida autorización por escrito del editor. WWW.BLUME.NET
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100 OBRAS MAESTRAS
El detalle en el arte
Contenido i n t roduc c ión
6
Antes de 1500 8
Siglo
XVI
54
Siglo
XVII
108
Siglo
XVIII
154
Siglo
XIX
Después de 1900
188
290
gl os a r io
420
í n dic e de obr a s de a rt e
424
í n dice
425
c r é di t o s de l a s i m áge n e s
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L A P R I M AV E R A SA NDRO BOT TICELLI h.
temple sobre tabla × cm Uffizi, Florencia, Italia a l e s s a n d r o d i m a r i a n o f i l i p e p i , conocido como Sandro Botticelli (h. 1445-1510), fue el primer artista que elaboró escenas mitológicas a gran escala y en tratarlas con tanta sinceridad como si fueran temas religiosos. Esta pintura la bautizó con el nombre de La Primavera el historiador del arte Vasari en 1550 al decir de ella que representa a «Venus como símbolo de la primavera cubierta de flores por las Gracias». Inspirándose en poemas clásicos y de la época, tales como las obras de Ovidio, Lucrecio y Angelo Poliziano, la pintura simboliza el exuberante crecimiento de la primavera, así como los ideales del amor platónico, muy en boga por aquel entonces. Los temas centrales son el amor y el matrimonio, el cual, cuando se lleva correctamente, genera fertilidad. Otro tema clave es el triunfo del amor sobre la brutalidad. Venus, con la mano levantada como si estuviera bendiciendo, lleva un tocado de respetable mujer florentina: es la diosa que protege y que cuida, la institución del matrimonio y del amor conyugal. La rodean las oscuras hojas del arbusto de mirto, planta sagrada de la deidad y que la tradición relaciona con el deseo sexual, el matrimonio y la fertilidad. La posición de las figuras circundantes y de la luz que entra entre los árboles desde arriba dirige la atención del espectador hacia Venus.
La abundancia o el otoño, Sandro Botticelli, h. 1480-1485, tiza y tinta sobre papel, , × cm, British Museum, Londres, Reino Unido Los trazos de Botticelli se parecen a los de La Primavera, y tal vez este dibujo fuera para una pintura colgante. Tal vez la obra final fuera de las varias que Girolamo Savonarola echó al fuego en la Hoguera de las Vanidades de 1497.
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l a pr i m av e r a
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L A V I U DA
E L D E TA L L E E N E L A R T E
Esta imagen moralizante subraya la importancia del valor sobre el lujo. En comparación con su enjoyada visita, Cornelia viste modestamente y sin joya alguna. Después de que su visita le haya mostrado orgullosamente sus bienes, Cornelia señala a sus hijos. El mensaje es evidente: el tesoro más preciado de toda mujer no es de tipo material, sino los hijos que da para que la humanidad se perpetúe. La sencillez de las paredes de la casa de Cornelia enfatiza que no es una persona materialista.
LA HIJA Agarrando la mano de su madre, Sempronia lleva un sencillo collar y una túnica rosa. Fascinada por las joyas que tiene la huésped en el regazo, agarra algunas cuentas. Su cabecita, cubierta de rizos dorados, está inclinada sobre las brillantes joyas. Aun cuando se emplea un frío y distante estilo neoclásico, la inclusión de un cierto sentimentalismo por parte de Kauff mann invita al espectador a empatizar con este retrato naturalista.
L A V I S I TA Obviando la moda dominante de representar entornos y ropas de la época en las figuras históricas, Kauff mann vistió a sus personajes con antiguos atuendos romanos y los sitúo en interiores romanos. La visita, lujosamente ataviada, ha llegado a la casa de Cornelia y le muestra su majestuosa colección de joyas y piedras preciosas: sus tesoros. Sobre el regazo tiene un joyero, y entre los dedos sostiene un largo collar dorado.
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LOS HER M A NOS Los jóvenes hermanos, Tiberio y Cayo Graco, se convertirán en líderes políticos, lucharán por implantar reformas sociales y se ganarán la amistad de los romanos corrientes. La pintura sirve para indicar de dónde aprendieron su ética ejemplar. Tiberio es nueve años mayor que Cayo. Con maneras suaves y prudentes, Tiberio agarra a su hermano por la muñeca.
PA L E TA Kauffmann se valió de la misma paleta básica que la renacentista. Usó bermellón, rejalgar, rojo veneciano, ultramar, azurita, azul de cobalto, añil, verdigrís, verde tierra, amarillo de Napolés, oropimente, amarillo de plomo-estaño, sombra cruda y tostada, albayalde y negro carbón. También uso un color relativamente nuevo, el azul prusiano, que es un intenso azul verdoso, en pequeñas cantidades.
COM POSICIÓN Se trata de una cómoda composición triangular superficial en la que las figuras alineadas recuerdan a un friso griego o romano, muy en línea con el aire clásico de la obra. Colocada sobre dos colores – el amarillo de ocre del edificio y el gris azulado del cielo y de las montañas a lo lejos – , proyecta de forma efectiva la calidez del naranja y del dorado así como el blanco de las ropas de las figuras.
T ÉCN ICA La simetría geométrica y la sencillez de la arquitectura y los artefactos de la Antigüedad inspiraron a Kauffmann y a otros artistas neoclásicos. La claridad y la limpieza estilística de suaves contornos y los marcados contrastes tonales –realizados con grises fríos y cálidos – fueron para Kauffmann una forma de erradicar las florituras del estilo rococó; además, permitió que el espectador pudiera contemplar la obra de una forma más racional.
Detalle de Amo te, ama me, Laurence Alma-Tadema, 1881, óleo sobre tabla, , × cm, Fries Museum, Leeuwarden, Países Bajos Laurence Alma-Tadema (1836-1912) presenta una escena imaginaria de la Antigua Roma en la que un joven y una joven están sentados en un banco de mármol con el mar al fondo. Es una sencilla historia de amor de juventud (el título quiere decir «Te amo, así que ámame tú a mí»). Las escenas de este tipo ambientadas en la Antigüedad griega, romana o egipcia eran populares entre los artistas del siglo xix cuyo estilo dio en llamarse «académico», puesto que trabajaban según la formación de las academias de arte oficiales europeas.
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EL MONO
E L D E TA L L E E N E L A R T E
E L C O L I BR Í D E L C O L L A R En el collar de Kahlo puede verse un colibrí negro muerto, cuya forma, con las alas extendidas, replica la forma de las cejas. En el folclore mexicano, los colibríes muertos se usaban para realizar hechizos con los que atraer la suerte, por lo que sugiere que hay esperanza tras el doloroso divorcio. En la cultura azteca, la cual también exploró a menudo, el colibrí es un símbolo relacionado con el dios de la guerra, Huitzilopochtli. Las espinas del collar se le clavan en la piel, haciendo que sangre; es una alusión al dolor físico que recuerda a la corona de espinas de Cristo en la Crucifi xión.
El pequeño mono negro del hombro derecho hace referencia al que tenía la pintora como mascota. El animal era un obsequio de Rivera, por lo que suele considerarse que lo representa. Juguetón por naturaleza, está tirando del collar y hace que las espinas se le claven a Kahlo: también representa sus abortos y el hijo que no pudo tener por su frágil salud.
E L G AT O N E G R O Toda la obra representa el dolor de Kahlo por el divorcio de Rivera. El gato negro que está en el hombro izquierdo simboliza su depresión, pues en su cultura son animales que presagian mala suerte y muerte. Además, resulta amenazante porque parece estar observando el colibrí a la espera de saltar sobre él. El gato también está tirando del collar, haciendo que sangre aún más.
LAS M AR IPOSAS Bajo las características cejas negras y pobladas de Kahlo, pueden verse sus ojos, que miran directamente al espectador sin emoción alguna. Tras ella hay unas exuberantes hojas verdes y amarillas. Las mariposas del cabello representan tanto la Resurrección de Cristo como el resurgimiento que esperaba lograr tras separarse de Rivera. Rivera comentó lo siguiente: «Yo sufrí dos accidentes graves en mi vida, uno en el que un autobús me tumbó al suelo […]. El otro […] es Diego».
3 74 a u t o r r e t r at o c o n c o l l a r d e e s p i n a s y c o l i b r í
TÉCN ICA S
Es imposible separar la vida y la obra de Kahlo. Sus pinturas constituyen una autobiografía, y es por ello por lo que su arte es tan distinto del de sus contemporáneos. Cuando se le preguntó cuál era su método pictórico, respondió lo siguiente: «Pongo en el lienzo todo lo que me viene a la mente».
INFLU ENCI AS A pesar de la gran individualidad de la obra de Kahlo, presenta una gran cantidad de influencias históricas, artísticas y culturales. Entre ellas se encuentran el arte folclórico mexicano, el arte renacentista y el precolombino y la profesión fotográfica de su padre. También se inspiró en varios de los Maestros Antiguos, entre ellos Velázquez, El Greco, Leonardo y Rembrandt.
N AT U R A L E Z A Los característicos autorretratos de Kahlo, rodeados de exóticos elementos animales y vegetales, recuerdan a las pinturas de Rousseau. Los brillantes colores y texturas exageradas de las hojas reflejan su interés por el arte autóctono mexicano. La hoja amarilla evoca a un nimbo, como si la pintora fuera una figura sagrada. La libélula es un símbolo cristiano de la resurrección.
COM POSICIÓN Sin método pictórico fijo ni límites algunos, el individualismo de Kahlo es un importante elemento de su obra. Con todo, estamos ante una composición de retrato convencional en el que la cabeza y los hombros están casi en el centro del lienzo y mira directamente al espectador. La posición central del rostro recuerda a los iconos religiosos y a las pequeñas pinturas devocionales conocidas como exvotos.
Detalle de La gran diosa de Teotihuacán, anónimo, h. 100 a. C.-700 d. C., estuco pintado, cm de altura, palacio de Tetitla, Teotihuacán, México A Kahlo le influyó profundamente el movimiento de la mexicanidad, el cual fue una especie de nacionalismo que quiso restablecer el orgullo y la cultura de México, incluyendo la recuperación del arte indígena. Como resultado, su estilo se hizo más primitivo. Kahlo se inspiró en las diversas culturas que se habían centrado en la meseta central de alrededor de la actual Ciudad de México y que conformaron la civilización de Teotihuacán, la cual tuvo su apogeo entre en torno al año 292 a. C. hasta el 900 d. C. Teotihuacán fue importante para los aztecas. Estos la tenían por lugar sagrado y elaboraron unas poderosas y coloridas obras de arte en las que se inspiraría Kahlo. En dichas obras solían representar la guerra, símbolos, animales y dioses.
frida kahlo
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Este libro aporta nueva luz a 100 obras maestras del arte occidental, y revela detalles que incluso aquellos más familiarizados con las obras pueden haber pasado por alto. El objetivo es hacer más placentero r `kZmbÛ\Zgm^ ^e \hgm^fieZk ^lmZl h[kZl'
FSC® C008047 ISBN 978-84-16965-43-4