Carlos-Blas Galindo págs. 14 y

15

presivos que emplea, tales como los de lo típico, lo terrorífico, lo siniestro, lo sarcástico, lo precario, lo patético, la normalidad, lo nocivo, lo nefasto, lo irónico, lo grotesco, lo dramático y lo brutal. Sus obras son de una elevada elocuencia y generan, en las sensibilidades estéticas de los públicos, reacciones que pueden ocurrir de manera simultánea o bien en forma gradual, y entre las que descuellan la atracción, la conmoción, la inquietud, el impacto, la sorpresa y el rechazo. Esta riqueza en cuanto a mover lo sensible entre quienes somos las personas destinatarias de su labor tiene como consecuencia directa el apuntalamiento de la lectura de las temáticas que aborda. Y el que este artista toque —e incluso llegue a golpear— nuestras sensibilidades constituye una virtuosa contribución al impulso del desarrollo de la cultura artística, toda vez que mucho del arte contemporáneo cuenta (por decisión de quienes son responsables de su autoría y de su fase distributiva) con niveles mitigados de elocuencia.

Como acontece con toda obra que alcance importancia cultural, como es la de Pablo Llana, ésta es compleja en muchos sentidos; entre otros, en su ubicación estilística dentro del contexto de la historia del arte contemporáneo. El conjunto de la producción que ha realizado desde 2009 es conceptual, dado que, con cada obra, su autor se pregunta acerca de qué es lo específicamente artístico, cuáles son los (nunca fijos) linderos de la artisticidad y cuál es la función de su quehacer profesional, y también es conceptual dado que cada pieza que él elabora constituye una respuesta contundente a esas preguntas. Mediante estos posicionamientos artísticos, Llana hace que su obra se adscriba a una de las tendencias permanentes de las artes, que es la conceptualista. Adicionalmente, al dedicarle suma y minuciosa atención al resultado final de sus obras, mediante un indudable y creciente virtuosismo en el manejo de los materiales a los que recurre, es preciso ubicar su producción en el movimiento post conceptual del arte, que es el que practican quienes, como él, siendo conceptualistas le confieren un valor impar al aspecto visual de cada pieza de su autoría. Algo semejante a lo que acontece con lo conceptual ocurre con las filiaciones pop y post pop de este artista. Su obra realizada con envolturas y etiquetas es ubicable, por su iconografía, como integrante de la tendencia pop que, desde el fin histórico de las neovanguardias (una de las cuales lo fue el arte pop), al término de la década de los 70 del siglo XX, es permanente en el arte contemporáneo. Y así como él realiza con su producción una crítica al capitalismo, también plantea una crítica a ese

“Como resultado del pop del siglo pasado, pues aquel moviuso de la ironía y del miento de la nueva figuración ensalzasarcasmo que realiza, ba a no pocos productos procesados e la obra de este autor industrializados. Además, como resules considerada como tado del uso de la ironía y del sarcasparte del actual movimiento post pop” mo que realiza, la obra de este autor es considerada como parte del actual movimiento post pop. Algo que asimismo es preciso subrayar es que si bien por tratarse de un artista en activo en el tiempo presente y por ser alguien que cultiva con éxito lenguajes de avanzada, Pablo Llana es un activo protagonista de la fase postvanguardista de la historia del arte (la cual tiene la misma edad que él), y lo hace desde los paradigmas contraculturales de la postvanguardia: lo glocal (soluciones locales para asuntos globales y domésticos, como el capitalismo y su atropello al derecho a la salud), lo sostenible, el derechohumanismo (que no es otra cosa que participar en la lucha en pro de los Derechos Humanos), el sentipensar (o alejamiento del racionalismo patriarcal-capitalista), el retorno a la originalidad, así como la apuesta por recobrar la utilidad social del arte. Su activismo social, desde el campo artístico, hace que se le confiera el rango de artivista.

Pablo Llana expone, desde el 19 de octubre de este año y hasta el mes de enero de 2023, un total de 23 obras de esta tesitura en la Galería Secreta de la ciudad de Mérida, capital del estado de Yucatán. Su exposición lleva el título de CRAP, INC. y en ella incluye desde su primera pieza elaborada con los materiales descritos hasta cinco de su serie más reciente, a la que denomina Lo barato sale caro, imágenes con las que con su anuencia ilustro esta colaboración para el número especial de aniversario de Palabra. Astuto y creativo para intitular sus obras y sus exposiciones, muchas veces en idioma inglés, este artista utiliza el término crap no sólo en su acepción de excremento, sino por las siglas de “carbonated drinks”, “refined carbohydrates”, “added sugar” y “processed foods”, en tanto que, con Inc. se refiere a una perversa corporación o a un maligno corporativo empresarial desde el que pareciera controlarse y promoverse el desmesurado incremento en el consumo de productos chatarra, al tiempo que les hace un guiño —de suyo postvanguardista o posmoderno— a las películas documentales Super Size Me (Morgan Spurlock, 2004) y Food, Inc. (Robert Kenner, 2008). La Galería Secreta, que dirige Mario Torre, constituye desde el 1 de 0ctubre de 2021 un exitoso proyecto en marcha que tiene un muy generoso espacio de exhibición en el que se han expuesto obras alusivas precisamente a lo sostenible y que, si bien es cierto que se sabe que se encuentra en el centro histórico de Mérida, no se revela su ubicación precisa sino a quienes expresan su deseo de visitarla, solicitando su ingreso vía la cuenta de Instagram de la galería.

carlosblasgalindo@yahoo.com

*Profesor-investigador de arte, crítico de arte, curador independiente, artista visual y conceptual

16

HUGO CROSTHWAITE CREA CON GRAFITO LA NARRATIVA ALTERNA DE LA FRONTERA

POR JEANETTE SÁNCHEZ*

Alápiz y carboncillo va dando forma a cada una de sus obras, con las que no pretende crear una realidad donde el espectador se vea literalmente reflejado, Hugo Crosthwaite, genera su propia narrativa, una interpretación de la vida fronteriza que lo vio nacer y crecer.

“No es mi objetivo crear composiciones con las que los espectadores puedan identificarse”, enfatizó.

Nacido en Tijuana en 1971, Crosthwaite desarrolla su vida en las calles de Playas de Rosarito, un poblado que por varias décadas fue una delegación de la hoy ciudad fronteriza más poblada del país y que el 29 de junio de 1995 se convirtió en el quinto municipio de Baja California.

“León Tolstoi explicaba que quienes empiezan a describir su pueblo empiezan a describir el mundo entero. Siento que pasa lo mismo en el arte, o por lo menos en mi práctica, al dibujar sencillamente la estética, los rostros, el ambiente de Tijuana y Rosarito, dentro de eso, siento que también estoy expresando no sólo lo que es una situación de frontera sino lo que es también una situación mundial de grandes fuerzas que son las mismas, la lucha humana contra injusticias y males sociales”, expresó.

El graduado de la Universidad Estatal de San Diego de la licenciatura en Artes y Ciencias Aplicadas, se autodescribe simplemente como un dibujante que se enfoca en la figura. Hugo opta por trabajar de forma lineal para dejar que sus dibujos se desarrollen a detalle. La improvisación es su sello, las narrativas surgen a medida que crea cada obra.

“Voy alternando temas mitológicos y contemporáneos. Mi trabajo se inspira en personajes como Goya, Delacroix, Gericault y Bocklin; además mis composiciones exploran también la abstracción moderna”.

Hugo se inspira en personajes de los medios populares y de la alegoría, los hace interactuar con la arquitectura de Tijuana y los sueños de la frontera; su obra combina retratos, hace referencias a cómics, fachadas comerciales, señalizaciones urbanas, sin dejar de lado la mitología.

“Tijuana y la frontera son espacios fértiles para el arte, hay una enorme temática que maneja este gran centro de urbanización de todo Latinoamérica que choca con este límite físico que nos divide, pero todo esto se convierte en un crisol de energías positivas y negativas, todo esto es gran inspiración para los artistas y para los jóvenes, uno puede tomar estas temáticas y expresarlas al mundo”, refirió.

ANTES Y DESPUÉS DE LA PANDEMIA

“Antes de la pandemia gran parte de mi práctica era recorrer el centro de Tijuana o Playas de Rosarito y me sentaba a dibujar gente”.

“Con la pandemia esto no fue posible, ahí fue precisamente cuando inicié este proceso de enfocarme en las animaciones, porque con la pandemia todo se redujo a lo que podías hacer en tu escritorio, así que me adentré a estas producciones animadas”.

El ganador del Primer Premio en la Galería Nacional de Retratos en Washington DC 2019, por la quinta competencia trienal de retratos Outwin Boochever, American Portraiture Today, explica lo que es su Serie de cortometrajes de dibujos animados creada entre el 2020 y 2021.

“En los últimos dos años he estado trabajando en estas producciones que narran un poco mi perspectiva de Tijuana y también cuestiones de frontera, sobre todo a cosas que a mí me llaman la atención sobre Rosarito que es donde ahora vivo. Es una serie donde voy dibujando en pequeño, voy fotografiando los dibujos, voy creando estas narrativas un tanto improvisadas”, detalló.