Cultura

El Doctor Fausto Sicard Espinola

En esta edición, el doctor Herbert Stern relata sobre la vida y trayectoria profesional del doctor Sicard Espinola, quien nació en La Vega en 1906. P.2

Las teorías de Édouard

Glissant

Sara Carini habla sobre las teorías del filósofo y escritor Édouard Glissant nacen y se conciben a lo largo del siglo XX pensando en las Antillas. P.6

Héctor Farías, bailarín y gestor cultural

El bailarín habla de su desarrollo propfesional, destacándose en el sector artístico, cultural y académico en escenarios nacionales e internacionales. P.10

Josephine Baker, la princesa del Tam Tam y las Bananas

Josephine Baker fue modelo del suizo y famoso pintor Kees Van Dongen

JOSÉ MERCADER

666mercader@gmail.com

¿Fue Josephine Baker la primera mujer pelotera? El racismo tiene, lo sabe Tïtirimundachi, un largo trayecto. Su historia de miles de abusos, que conocimos por las vicisitudes de nuestros peloteros firmados en los inicios de la década del 60. Todas esas anécdotas sufridas por Marichal, Felipe Alou y sus hermanos, Manuel Mota, Ricardo Carty, entre muchos otros, hacen que todas las demás, por increíbles que parezcan, sean ciertas.

No solo los negros que poblaron el sur de Los Estados Unidos fueron maltratados como esclavos, sino que en la misma guerra entre ellos fueron usados de carne de cañón cuando se crearon las llamadas brigadas de “buffalo soldiers” y que Bob Marley, el músico jamaiquino, difundió en una de sus canciones con igual título.

Freda Josephine McDonald vino al mundo en ese sur difícil cuando los negros hacían los trabajos duros del campo y en las casas de los dueños eran sirvientes sin paga. Con apenas trece años la obligaron a casarse con un tal Willie Wells quien no pudo apagarle la inmensa pasión de cantar y bailar, a como diera lugar, lo que hizo que el “matrimonio” fuera más breve que Pipino. No había concurso que ella no se interesara y participara, por aquí y por allá, hasta que su gran oportunidad le llegó en el 1925 para irse a París y ser parte de unos programas de espectáculos que los franceses llamaban la Revue Nègre con músicos que tocaban el charleston y jazz por un tubo, como una novedad y una variación al escandaloso can-can. Lo único que llevó de su país de origen fue

el apellido de su segundo marido William Baker y que ella olvidó como se olvida la Tabla Periódica de elementos químicos.

París se arrodilló a sus pies, mucho antes que a la novia de Sandro, medio siglo después, por la alegría, la chispa de vida que contagiaba y el entusiasmo que le llegaba a cualquier espectador por amargao que estuviese. Su pelo corto alisado, con un risito en la frente como Supermán, su vestuario mínimo y menor que el de la Mata Hari, su sonrisa de oreja a oreja, sus ojos saltones y enormes como faros, su faldita originalísima hecha de bananas (de tela rellena) hacían que fuera la dueña de “la capital mundial del arte”.

La Torre Eiffel apenas tenía treinta y cinco años y sobrevivió a la intención de quienes la hallaban horrible y querían tumbarla después de haberla exhibido en

sus exposiciones universales como para que se olvidaran las horrorosas masacres coloniales al norte de África y en las islas que incluían a la lejana Madagascar. Modigliani ya pasaba al olvido cinco años después de su muerte, Jules Pascin armaba unos bacanales propios del que gana mucho dinero y tiene deseos de compartir, Monet pintaba sus grandes obras de nenúfares o lilas flotantes muy apresuradamente como si supiese que el año siguiente quedarían solo sus pinturas de su mundo de color y magia.

Josephine Baker fue modelo del suizo y famoso pintor Kees Van Dongen, pintor “colabó” de marquesas, baronesas, duquesas, condesas, princesas… ESAS que dominaron la historia sin la menor doblez. Van Dongen había realizado un cuadro tamaño natural al célebre boxeador Jack Johnson con una economía de trazos que lo convirtió en una silueta gigante, desnuda con un bombín en la mano, flotando en algún jardín de les Champs-Élysées. El cubismo que ya decaía la tomó de modelo y la inmortalizó descuartizada.

Todos los cabarets de Montmartre se la disputaban, pero era el Folies Bergère el que más tenía saliva a pesar de que el Casino de París la anunciaba como “La joie de París”.

París vio desfilar a la “crema y nata” del mundo, tanto políticos como artistas. Esos políticos que dominaron a sangre y fuego en sus respectivos países y esos “artistas” que, como alcahuetes, más que adulones, le hacían el coro como los diplomáticos de amarres, cónsules, embajadores, agregados a cancillerías, que en la mayoría de caso fueron parásitos de sus países, dilapidando unos sueldos inmerecidos e improductivos. l

Freda Josephine McDonald, por Mercader. MERCADER

elCaribe, SÁBADO 11 DE FEBRERO DE 2023 elcaribe.com.do

Josephine Baker, por Al Hirschfeld.

de la medicina

Dr. Fausto Sicard Espinola

salón de la fauna

pañero de promoción de otros prestantes médico de La Vega como fueron los doctores Cristóbal Nuñez y Julio Espaillat.

Ocupó el cargo de médico sanitario Provincial de La Vega entre 1934 al 1937. En 1939 fue designado medico ayudante del Hospital La Humanitaria y en 1940 ocupó el cargo de medico sanitario Provincial de Dajabón. De igual forma fue encargado de la Salud Escolar como médico escolar de La Vega. En 1941 fue designado de nuevo como médico sanitario Provincial de la Vega. Estableció su consultorio en la hoy calle Independencia de su ciudad natal, en donde tenía su casa luego de contraer matrimonio con la Sra. Margarita Moya de Sicard.

Se dedicó a la medicina general con una marcada inclinación por la gineco obstetricia. Una de las funciones públicas sanitarias que ejerció por más tiempo según relata el doctor Reynolds Pérez en su libro sobre los servicios sanitarios de La Vega, fue el de médico de control de enfermedades sexuales. Activo en el ejercicio médico falleció a una joven edad aquejado de una patología pulmonar el 19 de noviembre de 1960, por casualidad su fecha natalicia.

Un hermano del doctor Fausto Sicard fue el doctor Gregorio Sicard Espínola, quien nació en 1910 y que nunca ejerció en La Vega. Se trasladó a Puerto Rico y

ejerció además en Suiza, Estados Unidos y Venezuela. Un hijo de

rugía vascular y trasplante renal.

En una página de cirugía vascular se refieren a él de esta forma: “Se le

do desarrollado técnicas a todos los niveles destacando el tratamiento del ting carotídeo. Sin embargo se puede decir que domina todos los campos de la cirugía vascular”.

En el directorio médico del 1944, de donde hemos extraido muchos de estos datos, además del excelente libro del Dr. Perez Stefan, se mencionan como médicos en ejercicio en la ciudad de La Vega a los doctores Plácido Acevedo, Rafael Castro, Julio Espaillat, Armida García de Contreras, Celestino Hernando, Emilio Morillo, Crisstórbal Nuñez, Francisco Perez, José de Pool, Manuel Sanchez Acosta y José María Valencia.

La doctora García de Contreras fue la primera mujer dominicana en graduarse de médico en una universidad extranjera y una de las primeras especialistas de nuestro país junto a Evangelina Rodríguez. Regresó al país en el 1925 y obtuvo su exequátur en junio de ese año. Fue declarada hija benemérita de su ciudad natal a su regreso, y allí inició su ejercicio profesional. Tras la caída del gobierno de Vásquez, regresó a La Vega en donde estableció su consultorio en la calle Padre Fantino esq. Juan Rodríguez, en donde hoy se encuentra el Centro Médico Padre Fantino.

Sobre Manuel Sánchez Acosta además de sus méritos profesionales en el campo de la medicina fue un prolífico compositor de melodías tales como Paraíso soñado. Fue una importante generación de médicos de la que fue parte el doctor Fausto Sicard Espinola. l DR. HERBERT STERN

Samuel Pereyra

(DÉCIMA

elCaribe, SÁBADO 11 DE FEBRERO DE 2023 elcaribe.com.do

Incorporación de Josephine al ejército

Alfred Stieglitz, el famoso fotógrafo de New York y marido oficial de la pintora de renombre Georgia O’Keeffe, hizo de enlace para que los artistas visuales parisinos expusieran en la gran ciudad norteamericana que se disputaba el título de “capital mundial de la mafia” junto con Chicago. Su galería, la 291, presentó la exposición, “The Armony Show” que contagió a más de un joven artista para estimularlo a abandonar las academias y escuelas de arte. ¿Para qué sirve la anatomía si Picasso le pone un ojo atrás de la oreja? Henri Matisse con sus recortes y collages de niños, Auguste Rodin del que se conocía “el pensador” y no las acuarelas eróticas que emocionaron a los coleccionistas; Henri Rousseau, un aduanero “pintor de domingo” elevado a gran pintor entre las burlas de los poetas Guillaume Apollinaire y Max Jacob en un especie de “diner de con” (una cena a la que se invita a un personaje aloquetiao que sirva de entretenimiento a los demás invitado) con el ingenuo artista; Constantin Brancusi, un escultor rumano radicado en París y que reencarnaría en Bismark Victoria con su columna infinita frente a un banco en Santiago de los Caballeros; Francis Picabia; Marcel Duchamp, que en complicidad con la mafia del mundo del arte impusieron el “orinador” como gran obra y que por su facilidad de “creación” multiplicó la demografía artística donde entraron miles creyéndoselo; Paul Cézanne que no sabía qué hacer con su herencia bancaria de la familia se entretenía haciendo lo que le diera la gana para el bonheur del modernismo y malher para el arte y demostrarle a su examigo Zola, que él era más artista de lo que se escribía en su libro. Esa exposición de 1905 hizo que New York, poco después, le diera un golpe de Estado a París. Estos pintores eran más que una escuela, “era la libertad” que tanto necesitaban las galerías para vender todo, absolutamente todo, lo que se hiciera a nombre del arte. Facilitó la cuestión el “Arte Abstracto” que encontró la fórmula de producir 50 “obras” por semana para gran regocijo y beneficio de los vendedores de galería de alta gama y echarle vaina a los rusos.

Y Josephine pensó que aquel mundo que ella dejó atrás en el 25, dieciséis años después había cambiado. Aunque hizo algunas presentaciones en ese regreso efímero, notó más que nunca que había un rechazo, lo que no vivía en París. Recogió sus ajuares y se embarcó tan pronto pudo.

Cuando llegó se oían los tambores de guerra justo cuando se le conocía en el cine como la Princesa del Tam Tam. Su incorporación al Ejército le dio inmediatamente un gran reconocimiento a sus primeros aportes y se convirtió en subteniente de la Fuerza Aérea francesa, título que compartió, aunque nadie lo sabía, con el de agente contra espionaje. Trabajó en la Cruz Roja donde conoció a Tina Modotti la fotógrafa ita-

mejor en sociedad. Solo es artista el que hace arte, no el que pretende hacerlo y político el que tiene formación en Política, Filosofía, Derecho, Historia y menos en Veterinaria y que con su acción mejora la calidad de vida de los ciudadanos desde las instituciones donde trabaja y para lo que fue electo. El politiquero es quien “pretende” hacerlo, para seguir con la comparación, tiene una formación pragmática en engaño, mentira, muela, triquiñuela, allante, avivatez, desfachatez y otras lindezas o linduras según el caso y un inmenso deseo de no hacer nada que no sea enriquecerse ilícitamente. Por eso Josephine prefirió aceptar su condición de artista en los momentos de altas y bajas sin venderse y sin vender su libertad sabiendo cuál era su lugar en la Historia.

liana que trabajó en la España de la Guerra Civil y que tenía como amiga común la endiablada mexicana Frida Kahlo.

Al finalizar la guerra siguió bailando y grabando discos. Fue condecorada con la medalla de la Legión de Honor que le entregó, personalmente y en acto público, el presidente Charles de Gaulle.

Josephine no tuvo hijos, pero adoptó una docena a lo que llamaba su tribu arcoíris.

Viajó a Cuba donde conoció al pianista “Bola de Nieve”, un negro pasao de simpático, de dientes más blancos que una momia, que cantaba “la vie en rose” y que por suerte Edith Piaf no lo oyó nunca.

De vuelta al suelo americano dio cuatro conciertos en el Carnegie Hall y en el 1963 participó en la Marcha de Washington encabezada por Martin Luther King. Josephine le echó una vaina a los americanos al desfilar en uniforme militar francés repleta de medallas y regresó volando a París. Tras el asesinato de King en el 68 le ofrecieron el puesto desocupado por el líder lo que ella declinó. Ella entendió perfectamente lo que significaba la libertad de un artista. Primero había que forjarse el derecho con la realización de una obra que le garantizara su seguridad e independencia económica lo que Henry Pulling, el banquero pensionado en la novela de Graham Greene “travels with my aunt”, explica cuando reflexiona sobre lo que le dice su tía de su madre: “…una mujer insatisfecha. Prisionera de las ambiciones, de las que nunca se dio cuenta, mi madre nunca conoció la libertad. La libertad, yo pensaba, solo le llega al que tiene éxito, y en sus asuntos mi padre fue exitoso. Si a un cliente no le gustaba sus formas y sus cuidados, se podía ir al carajo. A mi padre no le importaba. Quizás sea libertad, no dinero ni poder. Libertad de expresión y conducta lo que es envidia de los fracasados…”.

Una cosa es el mundo del Arte y otra la Política. Pensó Josephine. El Arte es para la creación, para el espíritu, como religión; para la alegría, como el goce que experimenta un niño volando una chichigua. La Política, para organizarnos

Josephine elevó la dignidad de los negros tal y como lo había hecho Chocolat en sus funciones de payaso, solo y únicamente con su arte. Todo ese trabajo acumulado de Jackie Robinson para entrar en el Baseball de los blancos, de Curt Flood desde Los Cardenales para enfrentar a los dueños de los equipos no solo para exigir mejoras salariales, sino para eliminar la odiosa segregación que prohibía ir a los mismos hoteles y restaurantes como los demás. Con Flood se acabó eso de que un baño para blancos y otro para “Niggers”, baseball para negro y baseball para blancos, asientos en “la cocina” de la guagua para negros y asientos para blancos.

Hoy las muertes de George Floyd y Tyre Nichols revivieron esa llama semi apagada y ha empujado la causa de la igualdad un poco más lejos. No es cuestión de “los dobleces de la historia”. No hay dos Pedro Santana, hay uno solo y es un traidor que debe ir a la basura de la historia. No hay dos Francis Drake, hay uno solo que era pirata y saqueador y reconocido como Sir en las Cortes Inglesas. No hay dos Caamaño. Y no hay dos Cristóbal Colón, hay uno solo, el de las masacres a indefensos indígenas que pesa más que la pendejá de ser el descubridor del continente y traer, como si fuese un “big deal”, el idioma español y al Dios de la viruela y el cólera.

A Josephine solo le bastó su arte para levantar la dignidad humana, como lo hizo Nina Simone y el paquetón de jazzistas.

Hoy se habla de reformas importantes en la Policía de New York y, la harina de panqueque Aunt Jemima, tuvo que cambiar su logo racista de la esclava Nancy Green al igual que el arroz soso de Uncle Bens que lleva la imagen de Frank Brown, un hijo de esclavos de Chicago. No es cuestión de dobleces de la historia, es que la razón se impone a la usurpación de la imbecilidad, aunque tarde. Nadie espera 100 años.

Josephine Baker murió en el 75 cuando todavía el Ejército se comportaba como en la época del general Robert Lee. La carne de cañón ahora iba a la guerra de Vietnam, menos Cassius Clay, el Mohammad Alí, un admirador de Josephine Baker. l

Josephine por Paul Colin en 1925. F. E.

Josephine y sus 12 hijos adoptivos. F. E.

Josephine Baker, por Albert Hirschfeld. F. E.

Josephine por Kees Van Dogen. F. E.

Diatriba de la pichula

PEDRO CONDE STURLA pinchepedro65@yahoo.es

Entonces el escribidor creyó que a sus ochenta y tantos años cumplidos la araña no se había fijado en la mosca para chuparle la sangre, que lo quería por sus encantos, por sus dotes de macho cabrío, no para compartir el relumbrón de su fama.

Después de tanto lloriquear durante la lacrimosa entrega del premio aquel y de tanto agradecer a su primita de nariz respondona, a su fiel compañera de vida, después de dedicarle prácticamente el premio, el codiciado galardón, se fue tras la depredadora como un perrito faldero tras una perrita en calor y ahora quiere convencernos de que esa vida no le gustaba cuando era la vida que le había gustado siempre tanto a él como a ella, la vida del rubiroso y la rubirosa, la del vedotto y la vedette, el megadivo y la megadiva, la del vanidoso y la vanidosa incorregibles, siempre sedientos de reflectores. Una pareja perfecta. El añejo vampireso y la añeja vampiresa, el casquivano y la casquivana, el casquivanité y la casquivanité.

La dejó sin piedad a la primita a la que tanto debía y agradecía, aquella de la que decía que todo lo hacía bien, aquella sin la cual su vida se habría disuelto en un torbellino caótico, la que le permitía sus frecuentes escapadas, la que le resolvía todos los problemas. La que a manera de elogio le decía que para lo único que servía es para escribir.

La dejó sin remordimiento y la sometió a la peor de las humillaciones, al escarnio público, la avergonzó y se avergonzó mientras se entregaba a un ridículo que las revistas del corazón y la prensa prostituta celebraban. Al escribidor todo se le aplaudía, incluso cuando incursionó como actor en una obra de teatro o cuando quiso ser director de cine. Al troglodita más afamado del planeta —con perdón de los trogloditas—, todo se le consentía y consiente, a pesar de que su gran talento literario y su fina inteligencia no le impiden cometer juicios políticos y literarios que se salen como decimos nosotros fuera del cajón. Hace un tiempo le oímos o leímos decir que el COVID no existiría si China no fuera una dictadura. También lo hemos escuchado lamentándose de que una novela como “La peste, de Albert Camus, se haya puesto, al parecer, tan inmerecidamente de moda en estos días, y lo hemos oído despotricando contra Robin Hood porque le robaba a los ricos

Vargas Llosa en Librería Cuesta, hojeando un libro del autor de esta diatriba. F.E. que pagaban impuestos para darle su dinero a los pobres.

En fin, que la devoradora de vidas y hogares se lo llevó a vivir a Villa Meona y pudo haber sido peor, mucho peor. Imagínense que lo hubiera llevado a Villa Anacaona o algo parecido.

Nada más llegar pusieron un mayordomo a su servicio. El mayordomo lo vestía, lo desvestía, quizás le cantaba canciones de cuna cuando no podía dormir. Desde entonces ya no tuvo ni siquiera necesidad de subirse y bajarse por sí mismo la bragueta ni de sacudirse la probóscide cuando iba al meandro.

Durante años se entregó el escribidor a los encantos de un mundo frívolo que le parecía fascinante, más divertido que el acartonado y aburridísimo entorno de soporíferos académicos y académicas. Se entregó de lleno a la dolce vita. Se refugió en los brazos amantes de la depredadora. Se los vio durante ocho años felices y sonrientes, aparentemente felices o sonrientes, en los más encumbrados eventos sociales.

Pero el escribidor nunca la quiso, de eso se dio cuenta casi ocho años después, nunca la quiso. Su amor fue un enamoramiento truculento y pajarero, una de esas locuras momentáneas de ocho años apenas de duración que echan a perder una vida. Lo que entre nosotros se llama un emperramiento. Nunca volvió a ser feliz. Lo suyo fue —confiesa ahora el escribidor—un enamoramiento de la pichula, de la morronguita mimada, no del corazón.

Pero ya no eran los tiempos de la tía Julia y el escribidor. En esa época el escribidor era inagotable, incansable. La

tía Julia, que lo aventajaba en edad y mucha edad, no se quejaba ni se cansaba del escribidor en sus años mozos. Ahora el escribidor sólo podía sostener la pluma, pero no el pincel y empezaría a pasar vergüenza, enfrentó una huelga casi indefinida de la pichula. No sabemos si el mayordomo lo sustituía como pichulero, pero la mujer araña protestaba puntualmente. Tómate por favor otra de esas pastillistas azules, no me vengas con el asunto de la presión que se te sube, algo tiene que subírsete. Tu sólo sirves para escribir. Ni siquiera como político te va bien, cuando no pierdes tú, todos tus candidatos pierden.

Ahora el escribidor lo reconoce, lo ha reconocido públicamente. Al pincel que pintaba maravillas ya no lo movían rezos ni pastillas.Ya no podía follozar como en otra época. Ya no podía cantar la pichulita de barro, ya no podía cantar lindo capullo de alhelí ni ay morena, morenita mía. Ahora cantaba sombras nada más, cantaba con tristeza que partía el alma ay de mi pichula, pichula, llévame al río. Lo peor es que cantaba que le pasa, que le pasa que le pasa a mi camión, que le pasa que le pasa que no arranca. La pichula que tantos elogios había cosechado en otros tiempos, la polifacética varita de mear se le había dañado, sólo servía para lo que le sirve a los niños.

Después comenzaron los celos, los celos posiblemente justificados. Estas no son horas de llegar. Pero la amante le salió respingona. No seas infantil por favor. Sacúdete por favor esa arena que trajiste de Piura. En Villa Meona el humillador sería humillado… En fin, que

un día se fue de la casa o no lo dejaron volver.

Por suerte, según dice el escribidor, ya nada de eso forma parte de su universo. Ahora dice que quiere hacer de cuenta que todo fue una pesadilla de la que ya despertó y quiere eliminar cualquier rastro.

Hay muchas formas de hacer el ridículo, pero la del escribidor y la casquivanité no tiene igual. Después de tanta pasarela y tanta exhibición, la pareja del siglo acaba como los monos, a rabazos limpios. Pero al escribidor las revista del corazón y la prensa prostituta lo miman y lo celebran, y hasta la academia francesa le ha dado un premio de consolación. Además todavía preserva uno de sus activos más valiosos. La amistad de rey emérito que le ofrece refugio espiritual y lo acompaña a recibir y prestigiar el premio. El funesto rey don Juan, a quien ni el hijo quiere ver.

Por suerte para el escribidor, la primita parece que está dispuesta a recibirlo en vez de abandonarlo a su perdición, lo recogió en su santo seno, lamiéndose las heridas, y lo consuela. Mejor que se resigne y se esté quieto. Ay, primita, pero me duele la frente, me duele mucho, primita. No te preocupes, primito, dicen que los cuernos son como los dientes, que duelen cuando están saliendo y después uno come con ellos. Pobre primita, su mayor defecto es quererlo incondicionalmente. Pobre primita, cuando despertó, el dinosaurio todavía estaba allí…. l

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elCaribe, SÁBADO 11 DE FEBRERO DE 2023 elcaribe.com.do

Apuntes de infraestructura

Rastros de Paz

PEDRO DELGADO MALAGÓN pedrodelgado8@gmail.com

Bien pudo hacer suyo Octavio Paz el rugido de Walt Whitman: “Soy inmenso y contengo multitudes”. Porque él congregó, en su vida y en su obra, quizá como nadie, las angustias y los aciertos, las dudas y los delirios del siglo XX. Una centuria de barbaries, de prodigios, de catástrofes y grandezas.

Paz nace en 1914, en Ciudad México, cuando el país se encuentra en plena lucha revolucionaria. Estas son sus palabras: “Vengo de una familia típica de México. Por parte de mi padre, mi familia es muy antigua y es originaria del estado de Jalisco. Una familia mestiza. Mi abuelo paterno era un mexicano de acentuados rasgos indígenas. Mis abuelos maternos eran andaluces y mi madre nació en México”.

Con 14 años, ya poeta, asiste a cursos y escucha profesores que nada le dicen ni le enseñan. Concurre a la Facultad de Filosofía y Letras para satisfacer a sus padres, pero tampoco le interesa un título universitario. Se inclina él, como autoeducado, según sus prelaciones literarias, artísticas y políticas. Quizá profetizando que en Hispanoamérica la ideología haría las veces de un ambiguo dogma irreligioso.

A los 17 años su actividad es notable: funda y dirige revistas a la vez que anima grupos literarios. Ha leído a Lorca, a Rafael Alberti, a Pedro Salinas y a Jorge Guillén. Conoce asimismo a Machado y a Juan Ramón Jimenes. En su revista Barandal, de la que fue fundador y director, se publica en 1933 un fragmento traducido del Ulises de Joyce. Aquellos días lo familiarizan con la obra de T. S. Elliot y Saint John Perse, además de acercarlo a los románticos alemanes (Hölderlin, Novalis) e ingleses (Keats, Shelley, Blake). Conoce en México a Cernuda, a Vallejo, a Huidobro y a Borges. En 1933 publica su primer poemario, no incluido en ediciones posteriores: Luna silvestre.

Sus lecturas políticas lo llevan a simpatizar con la facción trotskista del Partido Comunista. En 1937 es invitado, por sugerencia de Pablo Neruda, al Congreso de Escritores Antifascistas reunido en Valencia, España. Paz conoce a Neruda en París y lo reencuentra en Valencia y luego en México, donde Pablo es el cónsul chileno.

A Paz le resulta decisiva la coincidencia en Europa con Neruda. Dice Paz: “Su influencia fue como una inundación que se extiende y cubre millas y millas —aguas confusas, poderosas, sonámbulas, infor-

Octavio Paz (1914-1998). FUENTE EXTERNA.

mes”. Pero lo que aporta Neruda de genialidad poética y deferencia amistosa, lo rebaja con su sectarismo y la exigencia de sumisión. Paz se pelea con él y, desde aquel instante, se aleja para siempre de un tipo de poesía esclavizada a un “compromiso”. Neruda detesta a los “arte-puristas”, a los cultivadores del “arte por el arte”. Paz, en contraste, defiende el derecho a la libre expresión. La discordia con Neruda significará, pues, el abandono de una estética y una ética fundadas en la utilidad política de la poesía.

Tres instancias, tres obras definen el eje creativo esencial de Octavio Paz: “El laberinto de la soledad”, “El arco y la lira” y “Piedra de sol”.

Tras vivir algunos unos años en los Estados Unidos., donde observó la vida y las tribulaciones de los emigrantes mexicanos, de los “pelados”, Paz publica en 1950 su ensayo “El laberinto de la soledad”. Quizá sea este libro el texto infinito de México, o acaso el discurso del México infinito. En estas reflexiones Paz propone una búsqueda de la identidad mexicana a través de la investigación –que en muchos casos se transforma en creación— de mitos poderosos y salvajes que enlazan, en ceremoniales de humo y ceniza, las fiestas y expiaciones de la muerte.

En el Laberinto, Paz procura definir las ficciones básicas y fundacionales del ser mexicano, del ‘onto’ mexicano, tanto como razonarse a sí mismo. La imagen que Paz tiene de México y la que tiene de su

propio ser aparecen confrontadas en el ‘Laberinto de la soledad’ y en ‘Postdata’, un libro que es la secuela del primero, publicado 20 años más tarde.

A modo de espejos de papel, estos alegatos permitirán escrutar la esencia de Octavio Paz y la íntima raíz del mundo que lo envuelve. En años de búsqueda apremiante, México y Paz se recogen sobre sí mismos. El poeta se interna en los solitarios meandros de su pueblo y --Teseo desenfrenado-- a garrotazos puros y refulgentes desnuca al Minotauro. Para luego entender su secreta identidad con el monstruo y advertir que ambos no son sino dos rostros de una misma realidad, multiforme y aterradora.

La muerte y sus símbolos constituyen el tema central del Laberinto de la soledad. A lo largo del texto deambulan temas universales: el conflicto entre la vida y la muerte, la oposición yo/el otro, la idea del progreso posible. Decía LévyStrauss que en tanto el pensamiento “cultivado” (expresión del ‘ethos’ de la ciencia moderna) ordena el mundo real como un tejido de propiedades físicas cuantificables, donde cada instancia de nuestra experiencia aflora como un ‘hecho bruto’; en oposición, el pensamiento “silvestre” codifica el mundo real como un sistema de signos, en que cada experiencia es la lectura, no de un ‘hecho bruto’, sino de un “mensaje”; que en el pensamiento de Paz se transforma (cada mensaje) en un mito.

La preocupación por las máscaras mexicanas, otro de los temas principales del Laberinto, lleva implícita una teoría de la cultura. La mexicanidad es una peculiar expresión histórica de la esencia de mitos universales y de estructuras inconscientes que Paz denomina máscaras.

En “Postdata”, él apunta: “El carácter de México, como el de cualquier otro pueblo, es una ilusión, una máscara; al mismo tiempo es un rostro real. Nunca es el mismo y siempre es el mismo. El otro México, el sumergido y reprimido reaparece en el México moderno; cuando hablamos con él, hablamos con nosotros mismos”. […] “El caudillo vivió la historia como hazaña, el azteca como rito. Entre estos dos extremos, la hazaña y el rito, han oscilado siempre la sensibilidad e imaginación de los mexicanos”.

En “El arco y la lira” (1955) uno de los textos básicos y más controvertidos de Paz, él reflexiona acerca de la poesía y la propone como una forma de existencia. Son las ideas de André Breton y el superrealismo. Conceptos como otredad, alteridad, ritmo, origen y tiempo quedarán ligados, desde aquí, a su discurso.

A partir de “El arco y la lira” comienzan la vecindad y la convergencia entre el lenguaje poético y la prosa de Paz. El flujo caviloso de la poesía ya no estará definido por la cadencia del ritmo y las cesuras de los versos. Ahora se impondrá la respiración, cargada con el tiempo interior de las palabras. El cuadro poético será la imagen de una corriente que mueve las hojas caídas de los árboles, mientras habla del otoño y del bosque desnudo en una imagen agrupada que, con el agua y las hojas y la sombra, nos revela algo sobre el tiempo y el movimiento.

Él apunta: “No son las sagradas escrituras de las religiones las que fundan al hombre, pues se apoyan en la palabra poética. El acto mediante el cual el hombre se funda y revela a sí mismo es la poesía”. […] “La poesía nos abre la posibilidad de ser que entraña todo nacer; recrea al hombre y lo hace asumir su condición verdadera, que no es la disyuntiva: vida o muerte, sino una totalidad: vida o muerte: un solo instante de incandescencia”.

El magno poema de Octavio Paz es ‘Piedra de sol’, publicado dos años después de “El arco y la lira”. Este resplandor de la palabra se funda en el calendario circular azteca y tiene 584 versos, que se corresponden con los 584 días del ciclo del planeta Venus. Los seis primeros versos son idénticos a los seis últimos, en la sustancia de un poema que deviene circular e infinito, mágico y desquiciante.

He aquí los seis versos que abren y clausuran la Piedra de sol:

“Un sauce de cristal, un chopo de agua, un alto surtidor que el viento arquea, un árbol bien plantado mas danzante, un caminar de río que se curva, avanza, retrocede, da un rodeo y llega siempre”.

Sol de piedra: voz que deshace la furtiva eternidad del instante… l

Ser-como-relación: las teorías de Édouard Glissant y el estudio de la literatura

rrollan sus raíces a partir del contacto con el otro.

El pensamiento de Glissant se amplía más allá de esta distinción que acabamos de ver; plantea el concepto de Relación, el de opacidad así como el de criollización. Todos apuntan a desarrollar una mirada abierta hacia el otro. En lo que concierne la distinción entre culturas atávicas y culturas compuestas, ahí cabe la reivindicación fundamental de que las culturas puedan nacer y desarrollarse por senderos diferentes y, finalmente, aportar valores, historia y conocimiento en un mismo nivel de importancia y reconocimiento. Ahora bien, ¿qué relación guardan estas definiciones con la investigación literaria? Desde cierto punto de vista, están estrechamente vinculadas. Al abordar el estudio de las producciones literarias de los espacios que se corresponden a una cultura ‘compuesta’, como por ejemplo lo es el espacio caribeño, vale la pena reflexionar sobre cuáles herramientas se utilizan y cómo se utilizan para evitar que categorías que no les pertenecen puedan perjudicar nuestra mirada. En lo que concierne los recursos de la expresión poética, por ejemplo, tenemos que pensar que oralidad y ritmo pueden adquirir una significación diferente según la perspectiva que se plantean los discursos en los cuales se utilizan. Es el caso del ámbito afrodescendiente. Ahí la oralidad (y los recursos que se relacionan con la ella) así como el ritmo, se plantean como un contra-discurso con fuertes vinculaciones político-sociológicas debido a que huyen de las normas formales que distinguen las producciones canónicas. Del mismo modo, la performance, la poesía dub, el spoken word, son manifestaciones de una nueva forma de concebir la relación texto-contexto, autor-público y de reflejar la realidad en el arte.

SARA CARINI

UNIVERSITÀ CATTOLICA DEL SACRO CUORE

Las teorías del filósofo y escritor Édouard Glissant nacen y se conciben a lo largo del siglo XX pensando en las Antillas, sin embargo, al día de hoy su valor es indudable a nivel global como herramientas útiles para repensar y reflexionar los conflictos y los problemas que afrontamos cada día en todas las latitudes.

Nacido en 1928 en el norte de la isla de Martinica, Édouard Glissant es, desde muy joven, un estudiante comprometido con la reivindicación de la libertad de las colonias francesas en las Antillas. En 1946, al terminar sus estudios en el Lycée Schœlcher (el liceo de la élite martiniquesa donde entra como becario y donde puede contar con la presencia, en el profesorado, de Aimé Césaire) viaja a París para cursar sus estudios de filosofía en la Sorbonne, al que seguirán tam-

bién estudios de etnografía. Ya en París, entra en contacto con la négritude: conoce a los poetas e intelectuales que animan el movimiento y traba profundas amistades con algunos de ellos, entre otros, Frantz Fanon.

La primera estadía en Francia de Glissant dura diecinueve años, durante los cuales su trayectoria como poeta, escritor y filósofo adquiere una envergadura notable. Su pensamiento es dinámico y se concreta en múltiples direcciones. Participa en las actividades de la Féderation des Étudiants Africains Noirs y en la revista “Présence Africaine”; colabora con la revista “Lettres Nouvelles”, escribe poesía (Un champ d’îsles, 1953) y prosa (Le Lézarde, 1958, Premio Renodout) dando comienzo a una carrera literaria prolífica. Su trayectoria ensayística empieza a concretarse más o menos en los mismos años. En 1956 publica Soleil de la conscience – Poétique I, el primero de una serie de textos dedicados a delinear los referentes de la poética de las culturas coloniales antillanas. En 1991, con la

publicación de Poétique de la rélation –Poétique III, el recorrido del pensamiento glissantiano da un giro sociológico y filosófico y plantea una “poética de la cultura” que se había entrevisto en Le Discours antillaise (1981) y que seguirá presente a lo largo de toda su producción posterior.

La base de la propuesta de Glissant es la de concebir la cultura a partir de las condiciones que la produjeron y repensar nuestra idea de cultura desde la Relación, es decir, desde una perspectiva que se plantea el encuentro con el otro.

A este propósito, una de las conceptualizaciones más interesantes que encontramos en la propuesta teórica de Glissant es la que distingue entre culturas atávicas y culturas compuestas. Las primeras vendrían a ser aquellas que ubican su identidad en un pasado fijo, único, reconocido; las segundas, en cambio, corresponderían a aquellas culturas que están en continua progresión, que no tienen una raíz única y que, al contrario de lo que hacen las culturas atávicas, desa-

El análisis de las producciones artísticas y literarias que se salen de las categorías canónicas de la crítica literaria se presenta, entonces, como un reto para el investigador, pero al mismo tiempo representa una posibilidad para renovar la perspectiva crítica y para ampliar el campo analítico. Es, hasta prueba contraria, una ocasión para conectar con la totalidad del campo literario y registrar su vitalidad. Aún más, es una forma para conectar con las nuevas generaciones de poetas, escritores y también (por qué no) de lectores; comprender sus quejas, escuchar sus reivindicaciones y, finalmente, darles un espacio para expresar sus deseos para el futuro. A los investigadores se nos pide saber adaptarnos, desde el rigor de lo que nos exige la ciencia, a la realidad, para acompañarla y producir visiones de ella que produzcan conocimiento. Adoptar una actitud de Relación, como la que propone Glissant, puede ser la respuesta. l

Centro estudios caribeños. PUCMM. Connected Worlds: The Caribbean, Origin of Modern World”. This project has received funding from the European Union´s Horizon 2020 research and innovation programme under the Marie Sklodowska Curie grant agreement Nº 823846. Dirigido por Consuelo Naranjo Orovio desde el Instituto de Historia-CSIC.

Édouard Glissant

Mario

Moreno (Cantinflas), el cómico más popular del cine en español visitó el país en tres ocasiones

La primera vez que vino fue en 1963, luego vino en 1974 y tres años después, volvió a pisar tierra dominicana en 1977 para asistir en el concurso de belleza Miss Universo, año que la RD fue sede del certamen

SERGIA MERCADO smercado@elcaribe.com.do

En ocasión de cumplirse en esta semana 49 años de la segunda visita que realizó al país el destacado actor y humorista azteca, Mario Moreno, mejor conocido como Cantinflas en febrero de 1974, la pagina Retro de hoy realiza un trabajo especial acerca de las tres visitas que hizo Moreno a esta hermosa Quisqueya.

¿Quién fue Cantinflas?

Bautizado con el nombre Mario Fortino Alfonso Moreno Reyes, fue un cómico mexicano que conquistó los corazones de miles de personas en todo el mundo por su peculiar forma de actuación, tenía un lenguaje disparatado que hacia reír a las personas. Vino al mundo el 12 de agosto de 1911 en la Ciudad de México.

Antes de iniciarse en el mundo del arte, se empleó como taxista, cartero, ayudante de zapatero, boxeador y torero. Un dato que quizás sorprenda, es que este humorista perteneció al Ejército Mexicano, en el que ingresó el 11 de octubre de 1927 cuando tenía 16 años de edad, allí permaneció muy poco tiempo, debido a que era menor de edad.

Ya para la década de los años 30, inicia su carrera como comediante en teatros ambulantes como carpas, en Veracruz, lo hacía a escondidas de su padre, con el seudónimo “Cantinflas” para mantener oculto su verdadero nombre.

Tuvo su debut en el cine con el filme “No te Engañes Corazón”, sin embargo alcanzó el éxito en la industria cinematográfica con su tercera película “Ahí está el Detalle”, una de la más taquillera, la que lo catapultó a la fama como actor. Para el año 1957 ganó el premio Globo de Oro con el filme “La Vuelta al Mundo en 80 Días”.

Cantinflas grabó 53 películas, 33 fueron a blanco y negro y 20 a color.

Algunos de sus filmes más exitosos son “Bolero de Raquel de 1957”, “El señor Doctor de 1965, “El Profe de 1971”, “El Patrullero 777 de 1978”, entre otros más.

Primera visita, septiembre 1963 Como parte de una invitación que le fue extendida a Cantinflas para presentarse en una función para la recaudación de fondos a beneficio de los leprosos en el país, arribó a suelo dominicano en su avión privado, el 11 de septiembre de 1963 en el aeropuerto Cabo Caucedo, acompañado por el Dueto Fontana, Trío Los Duques, la bolerista Antonia Ro-

emocionante y concurrido de mí vida artística”.

En esa primera visita, fue declarado huésped de honor por el Ayuntamiento del Distrito Nacional.

Para la presentación de Cantinflas fueron traídos al país, ejemplares de toros desde México para la actuación del humorista que sería en la Feria Ganadera.

Segunda visita, febrero 1974

Mario Moreno vino por segunda vez a la República Dominicana, el 6 de febrero de 1974, con el objetivo de participar como invitado de honor en los actos programados por la Fundación Dominicana de Cardiología para recaudar fondos y construir el Instituto Dominicano de Cardiología. Tenía fama de filántropo.

El actor llegó en el vuelo 302 de la Dominicana de Aviación, desde Miami, Florida, acompañado del productor de TV, Freddy Beras Goico y el periodista Aliro Paulino hijo, y fue recibido por el embajador mexicano en el país, Francisco Espartaco García y el general Juan Tomás Reyes Evora, administrador de aeropuerto de Las Américas. También lo recibieron una delegación conformada por Hector E. Mateo Martínez, director del Instituto de Cardiología y el señor Elías Arbaje, presidente de la fundación de Cardiología..

Moreno se presentó en el Estadio Quisqueya, en un espectáculo al que asistieron miles de personas, y junto a él, se presentaron otros artistas nacionales, tales como Sonia Silvestre, Luchy Vicioso, Expedy Pou, Rafael Colon, Niní Cáffaro Fernando Casado y Tirso Guerrero.

Entre los diferentes agasajos y reconocimientos que recibió este cómico azteca en febrero de 1974, se destaca la condecoración que le fue concedida por el presidente Joaquín Balaguer mediante decreto 4267, con la orden de Duarte, Sánchez y Mella en el grado de Caballero.

Moreno recibió la condecoración del canciller Víctor Gómez Bergés, el 7 de febrero de 1974.

Tercera visita, julio 1977

dríguez, el maestro de ceremonia, German Figueredo; Alberto Catalá, actor humorista; los banderilleros, Ignacio Valencia y José Martínez, y el torero Benjamín Esqueda. A su llegada, el cómico azteca fue recibido por una multitud que lo saludaba y aplaudía entusiasmado, de manera que el actor confesó que ese recibimiento fue el “más

La última vez que el pueblo dominicano vería al aclamado actor mexicano Mario Moreno (Cantinflas) en este país, fue en julio de 1977 cuando se celebró el certamen de belleza Miss Universo, año en que la República Dominicana fue sede del concurso. Moreno asistió como parte de los miembros del jurado seleccionador de dicho evento. Se apagó la luz de este personaje que hizo reír a varias generaciones, el 20 de abril de 1993 a la edad de 81 años. l

Mario Moreno Cantinflas en su primera visita en 1963. OGM

Febrero 1974. Canciller Víctor Gómez Bergés impone al actor y humorista Cantinflas la condecoración de la Orden de Duarte, Sanchez y Mella en el grado de Caballero. OGM

Mario Moreno Cantinflas, julio 1977. OGM

Foto del 8 de febrero de 1974, el presidente Balaguer, mientras conversa animadamente con Cantinflas. OGM

elCaribe, SÁBADO 11 DE FEBRERO DE 2023 elcaribe.com.do

LILIAN CARRASCO lilycarrascor@hotmail.com

Días tristes para el arte dominicano

He tenido el privilegio de conocer valiosos seres humanos que me han marcado por su talento, humanismo y trascendencia como es el caso de la maestra Rosa Tavarez, a quien me unió un vínculo muy especial. Me bautizó como “avispita”, porque decía que no me quedaba tranquila hasta lograr mi propósito.

Me correspondió analizar su obra desde mis sesiones de clases sobre arte caribeño. El grabado, tiene en esta singular artista a una de sus máximas exponentes, presentando propuestas innovadoras y cargadas de dinamismo. El color es un elemento definitorio en su poética visual, predominando el valor negro y, dando cabida al rojo como signo de fuerza y vitalidad.

Decir adiós cuando se tiene la certeza de que ya no volveremos a ver a aquellos con quienes hemos construido memorias, resulta difícil. Siento el corazón arrugado y, de solo imaginarme que ya no contaré

crítica arte crítica cine

con el espíritu motivador de la maestra Rosa Tavares me genera un gran vacío.

También he sentido mucho la partida de Isabel Serrano. La conocí por mis búsquedas sobre la historia del arte dominicano, ella integró a la colección del Museo de Arte Sacro de La Vega la magnífica copia de “La virgen de Cristóbal Colón”. La original, se conserva en el Museo Lázaro Galdiano en Madrid, España y formó parte de las primeras obras que llegaron a Santo Domingo como parte de la colección de don Diego Colón y doña María de Toledo.

Cuando aprecié el trabajo de Isabel en el Museo de Arte Sacro me emocioné doblemente, por ser la especialista de origen cubano y, además, historiadora del arte. Pudiera hablar de una tercera emoción, la de ver una propuesta museológica y museográfica de primer nivel.

Estaba en mi destino estar de cerca con Isabel, primero en la virtualidad, correspondiéndonos participar juntas en un conversatorio para hablar sobre curaduría por iniciativa del Museo del Carnaval de La Vega, otra de las instituciones arte que surgió a su amparo. Y, finalmente, quedamos unidas en la primera directiva de la recién constituida Asociación Dominicana de Historiadores de Arte (ADHA), ella como secretaria y yo como vocal. Prefiero creer que ha sido solo un hasta luego. l

obras el libro vive

FRANK NÚÑEZ fnunez01@gmail.com

¿Por qué fue polémico el premio a Bretón?

Desde las últimas tres décadas del Siglo XX los “progresistas” tomaron el control de los movimientos artísticos y literarios, con el mismo ímpetu de los vanguardistas surgidos entre finales del XIX y comienzo de la centuria. ¿Qué se entiende hoy por progresista? Estar de acuerdo con el aborto, el matrimonio entre personas del mismo sexo y lo que llaman “educación no sexista”, promovida por las organizaciones feministas y los denominados grupos LGTB.

The Unlikely Murderer

Miniserie sueca de Netflix sobre el asesinato del entonces 1er ministro Olof Palme el 28 de febrero de 1986 y de cómo el principal sospechoso salió impune. Esa es la sinopsis de esta miniserie proverbial tanto en su tratamiento como en su impresionante narrativa que sorprende en cada detalle, en cada gesto, en cada cuasi imperceptible enfoque político y de las relaciones humanas, en el usufructo del poder. Pues bien, con ese crimen el mundo perdió a un líder carismático, era el principal eslabón de interlocución en plena guerra fría. Fue víctima de la maledicencia que gravita en esa sociedad sueca cuna de Palme y de individuos como el que apretó el gatillo a traición cobardemente. Ironía es ver cómo Palme contribuyó a ordenar el mundo, a salvar vidas y derechos, siendo que en su propio pueblo cualquiera lo ultima y luego la misma sociedad con sus autoridades y con individuos que actúan de manera ruin son quienes logran impunidad del crimen como si fuera “sin querer queriendo”: a sabiendas, aposta, o con conocimiento de causa. Es de eso que habla el filme, es decir, nos re-

trotrae al tema del odio al carisma de un líder que logra llevar un proyecto político con éxito –igual que con Bosch y Peña Gómez en RD–. ¿Qué tipo de carisma es ese que le vale conquistas políticas? Se sabe hoy que ser carismático no es un don. Olof Palme sabía manejar el poder y expresar con plena honestidad su capacidad cultural de ser benevolente, con “don de gente”, un caballero con enemigos y con amigos, con aspecto de individuo bien plantado, ponía realmente atención a sus interlocutores. Su credibilidad era imbatible al frente de una Suecia con un Estado de Bienestar cuasi perfecto –similar a la época de oro del capitalismo de los años de posguerra hasta los años 70– pero que en Suecia se mantuvo por más tiempo. En un polo opuesto tenemos al ya sindicado como su asesino: donde el acoso y hazmerreír y el desprecio suelen hacer volar la empatía, el respeto a la autoridad, sentido de justicia, de identidad, y obviamente tiende a depositar su odio en aquella persona querida por todos que no sufre bullying. Ese tipo de polaridad la vemos repetidas veces en este discurso narrativo. Su estrategia y su potencia cinematográfica están en alejarse de razones, conclusiones, finales y teorías de conspiración, para brindarnos una historia plagada de personajes similares a los de I. Bergman entrampados en crisis existenciales. l

HHHHH GÉNERO: Trastorno obsesivo-compulsivo. DURACIÓN: 5 episodios de 50 minutos c/u.

A pesar de tí

Una novela sobre segundas oportunidades. Morgan está decidida a evitar que su hija cometa los mismos errores que ella, pues al quedar embarazada y casarse demasiado joven, tuvo que dejar de lado sus sueños.

AUTOR: COLEEN HOOVER

EDITORA: PLANETA

VENTA: CUESTA LIBROS

PRECIO: RD$1,350.00

Toda organización o persona que se manifieste en contra de los postulados “progresistas” es considerada reaccionaria y anticuada, sin derecho a ser valorada, reconocida o premiada, por entender que va contra las corrientes en boga, diametralmente opuestas a los valores del cristianismo. Desde los tiempos del intelectual español Julián Marías se habla de que Occidente ha entrado en la “era postcristiana”, por lo que todo lo que se identifica con el cristianismo es visto como decadente.

Todo el que comprenda las preferencias de los círculos que controlan los premios artísticos y literarios en el mundo actual, comprenderá por qué ha resultado escandaloso que un poeta como Freddy Bretón, proveniente del sector que históricamente ha combatido lo que hoy defienden los “progresistas” haya ganado el galardón de más nivel en su género de la República Dominicana, independientemente de que el mismo es patrocinado por “una alianza público-privada”.

Mucho poder económico y político hay detrás de los “progresistas”, tanto, que han cooptado a las izquierdas del hemisferio. La manzana con el mordisco, ícono de la informática, es una acusación permanente a la cultura que mantuvo el cuestionamiento a las posiciones de los “progresistas”. Se pretende que el nuevo mártir que mordió la fruta con cianuro sustituya al que murió en el calvario crucificado entre ladrones.

A los protestantes que hoy guardan silencio ante los ataques al poeta y obispo, les advierto que recibirán el mismo trato si un día el premio es otorgado al psiquiatra petromacorisano José Rafael Dúnker o al pastor romanense Víctor Cruz Baret. Vivimos la inquisición “progresista”, claro está. l

La autopista

Lincoln

Towles vuelve con una historia colosal sobre el viaje iniciático de cuatro jóvenes por el corazón de Estados Unidos durante la década de los años cincuenta.

AUTOR: AMOR TOWLES

EDITORA: SALAMANDRA

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Dime qué escondes

Brynn dejó de estudiar después de que su profesora fuera asesinada, un crimen que conmocionó al país entero. Ahora trabaja como becaria en un programa de true crime.

AUTOR: KAREN MCMANUS

EDITORA: ALFAGUARA

VENTA: CUESTA LIBROS

PRECIO: RD$1,150.00

Dios en los refranes

RAMÓN

Introducción

Tengo en mis manos el libro DEL HABLA POPULAR, que recoge 464 refranes y los comenta. De ellos voy a destacar 13 que se refieren a Dios y dar a conocer el comentario que hace el autor, Félix Soriano.

1-A Dios rogando y con el mazo dando “El origen de este refrán se sitúa en la Italia renacentista. Existen varias versiones respecto al mismo y una de ellas es la siguiente: se trata de un joven escultor que cierto día recibió el encargo de unas monjas de tallar una figura de madera para la iglesia del convento. El amigo escultor le “metió mano” (aceptó el encargo), pero lejos de ponerse a “doblar el lomo” lo que hizo fue pasarse “horas muertas” delante del tronco (“embelesao”), implorando a Dios para que le diera inspiración y destreza, esto era: días van y días vienen, hasta que su padre, harto de verle hacer el vago, le dijo ¡A Dios rogando y con el mazo dando! Con esta expresión se aconseja hacer todo cuanto esté a nuestro alcance para lograr nuestro objetivo sin tener que confiarlo a la suerte o la providencia divina, dicho de otro modo, si alguien quiere ver realizado un deseo deberá poner primero de su parte, (fájese vale, y déjese de estar con tanto ñe, ñe, ñe) y luego esperar la ayuda del Todopoderoso”.

2-Cada uno en su casa, y Dios en la de todos

“Nuestros hablantes usan este dicho para indicar que es conveniente que las familias vivan separadas, y, así evitar problemas, riñas o altercados. (El que se casa, quiere casa.) De su lado, el Lexicón Mayor registra estas expresiones: echar o tirar la casa por la ventana = gastar con esplendidez en un convite o con cualquier otro motivo; no caber en toda la casa = estar muy enojado el señor de ella, y alborotarse con todos; oler la casa a hombre = como que se da entender que alguno quiere hacerse obedecer en su casa, por lo común sin conseguirlo; tener casa y tinelo = dar de comer a todo el que quiera ir, tener una mesa franca”.

3-Cuando Dios no quiere, los santos no pueden

“De acuerdo con el Diccionario de Aforismos, Proverbios y Refranes, de Editorial Sintes, S.A. Barcelona, este refrán avisa que cuando no se tiene ganada la voluntad del que ha de conceder una gracia, no hay que fiar en mediaciones de amigos o intercesores.”

4-Cuando Dios quiere, en sereno llueve “Este proverbio alude a la posibilidad de que sucedan cosas inesperadas sean éstas, agradables o desagradables. Por otro lado, nos reseña el lingüísta José Calles que los cambios de la fortuna son impredecibles y que cuando aparentemente debe ocurrir algo, sucede lo contrario (se te peló el billete, Chicha.) Cuando los israelitas se encontraban en el desierto buscando la tierra prometida o más bien, conquistando a otras tribus, y Gedeón era su caudillo, sucedió que éste no confiaba en la protección divina, aunque Dios ya había dado muchas pruebas de tener a Israel como su pueblo predilecto. El caso es que Gedeón no se fiaba (era más bronco que una guinea tuerta) y habló así a su Señor: “Si realmente vas a salvar a Israel por mi mano, como has dicho, yo voy a colocar un vellón de lana en la cera; si el rocío cubre solamente el vellón, y todo el suelo queda seco, conoceré que por mi mano vas a salvar a Israel, como dijiste”.

Y así fue, pero no contento con esta prueba, don Gedeón propuso a Dios algo un tanto más difícil aun: “Quiero hacer una nueva prueba con el vellón: (¡pero que insistencia!) que sólo el vellón permanezca seco mientras el rocío cubre todo el suelo”. Y a la mañana siguiente también se verificó la señal del cielo. NOTA: Vellón (del latín villus.) 1) palo que sale más corto y suave que el de la cabeza y la barba. 2) Pelusilla de que están cubiertas algunas frutas o plantas. También, toda la lana junta de un carnero u oveja que se esquila. Por otro lado, el vellón era una moneda de cobre que se usó en lugar de la fabricada con liga de plata. Los Puertorriqueños les llaman vellón a la moneda de cinco centavos, de ahí el término vellonera. (vellón + era) Era = espacio de tierra limpia y firme, algunas veces empedrado, donde se trilla las mieses.”

5-Del agua mansa me libre Dios, que de la brava me libro yo “Dícese de esta manera al referirnos a aquellas personas que en su exterior aparentan ser apacibles, mansas, pero que internamente son iracundas e impetuosas cuando se incomodan, dicho de otro modos, hay personas hipócritas, que saben esconder sus sentimientos. ¡Óyeme Milena, no “juches” mucho a Maité porque tu la veas mansita!”

6-Dios es el que sana y el médico lleva la plata

“Este refrán refiere que los médicos son unos aprovechados, ya que al fin y al cabo lo que prevalece es la voluntad divina y el facultativo realmente no puede hacer nada contra ésta.”

7-Dios le da barba a quien no tiene quijada

“Este refrán indica que las cosas buenas o la suerte les tocan a personas que no saben aprovecharlas. Este dicho no aparece en el diccionario de la RAE, sin embargo, en el mismo podemos ver lo que sigue: llevar a alguien de la barba = gobernarlo, doctrinarlo; mentir por las barbas = mentir

con descaro; pelarse las barbas = manifestar con ademanes gran ira y enojo; subirse uno a las barbas de otro = atreverse o perder el respecto al superior, o quererse igualar con quien le excede.”

8-Dios me de rico marido, aunque sea reducido

“Este refrán nos indica que para muchas mujeres lo importante es que su consorte tenga mucho dinero, ya que éste oculta cualquier defecto que tenga su marido.”

9-Dios castiga, y no a palos

“Con este dicho significamos que el Todopoderoso muchas veces castiga a la persona del mal proceder de una forma inesperada, y a veces incomprensible. A propósito de palo, el diccionario de la RAE trae: cada palo que aguante su vela = cada uno debe cargar con las consecuencias derivadas de sus actos; meter el palo en candela = provocar una situación de la que puede resultar pendencia.”

10-Dios da pan al que no tiene dientes “Este proverbio indica que alguien obtiene cosas y luego no sabe qué hacer con ellas, las desperdicia, no saca provecho de las mismas, también decimos “Dios le da barba a quien no tiene quijada”. A propósito de dientes, el diccionario de la RAE trae: tener buen diente. Este dicho no aparece en el diccionario de la Lengua Española.”

11-El que cree en ése(a) no cree en Dios “Este dicho se le aplica a la persona muy dada a decir mentiras “jabladoras”, “paqueteras”, etc. De su lado, doña María Moliner nos dice en su diccionario lo que sigue: dejar Dios de su mano a alguien = se dice cuando la persona de que se trata obra de una manera imprudente y desacertada; a la buena de Dios = al azar, sin preparación o sin plan; armarse la de Dios en Cristo = armarse un alboroto o jaleo muy grande.”

12-Para verdades, el tiempo y, para justicias, Dios

“Este dicho nos enseña que tarde o temprano se averigua la certeza, o sea que la verdad algún día sale a relucir, mientras que las justicia divina, esa sí que es ineludible.”

13-Rogar a Dios por santos, más no por tantos

“En sentido figurado esta expresión nos refiere que las cosas en demasía, aun cuando se trate de cosas buenas y que uno las desea, muchas veces son perjudiciales.”

CONCLUSIÓN

CERTIFICO que los textos anteriores son citas textuales del libro DEL HABLA POPULAR, de Félix Soriano.

DOY FE en Santiago de los Caballero a los nueve (9) días del mes de febrero del año del Señor dos mil veintitrés (2023). l

DE LA ROSA Y CARPIO ARZOBISPO DE SANTIAGO

Portada del libro “Del habla popular”, de Félix Soriano.

Héctor Farías BAILARÍN, GESTOR CULTURAL Y PRESIDENTE DE LA FUNDACIÓN ACTIVANDO CULTURA

Héctor Farías tiene un largo recorrido que va dejando huellas, pues con 18 años de trayectoria profesional se destaca en el sector artístico, cultural y académico. Como gestor de proyectos nacionales e internacionales le ha permitido involucrarse y participar en importantes eventos dentro y fue-

ra del país, entre ellos organizar actividades y encuentros turísticos culturales bilaterales, exposiciones de artes visuales, encuentros multiculturales y ser parte en festivales de danza. Actualmente, es representante ante las Naciones Unidas de las Artes y las Ciencias, del Consejo Internacional

de la Danza CID Unesco, además de dirigir los proyectos Gestiona Producción, Ballet Dominicano en Europa y la Fundación Activando Cultura, una entidad que busca desarrollar el liderazgo y el talento en la sociedad dominicana a través de experiencias de intercambio y trabajo en equipo.

“He tenido una trayectoria valiosa y trabajada a pulso fuera del país”

l ¿Dónde te formaste académicamente?

l Me formé en el Booker T. Washington High School for The Performing and Visual Arts de Texas, Estados Unidos, donde obtuve además la licenciatura en Pedagogía de las Artes Visuales, mención Danza Contemporánea. También, tengo maestrías en Gestión y Liderazgo de Proyectos Culturales por la Universidad Rey Juan Carlos de Madrid; Gestión Cultural Internacional e Innovación Social por la Universidad Complutense; Gestión y Dirección de Empresas Turísticas y Hoteleras por la Universidad Francisco de Victoria, mención Turismo Cultural. Además, diplomados actualizados en programas como Fondos Cultura de la Unesco; en Valor de la Creatividad y la Innovación, en Economía Naranja, que es una iniciativa del Banco Interamericano de Desarrollo mediante EDX y Agente Cultural Activo en Latinoamérica, ofrecido por la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo Aecid.

l ¿Eres un bailarín que se ha desarrollado en tierras extranjeras, cómo ha sido tu trayectoria?

l Siendo un bailarín multidisciplinario, puedo decir que he tenido una trayectoria valiosa y trabajada a pulso fuera del país. He tenido la oportunidad de bailar para los artistas Liza Minelli, Juan Luis Guerra, Juan Magan, Antonio José, Bebe Rexha, Rosalía, Dua Lipa, entre muchas otras colaboraciones en las tipologías de las industrias culturales y creativas nacional e internacional.

l ¿En cuáles proyectos te has destacado a lo largo de tu carrera?

l Mira, he sido parte de importantes proyectos nacionales e internacionales producidos desde la Gestión de Producción. Entre esas acciones puedo mencionar la organización de actividades y encuentros turísticos culturales bilaterales, exposiciones de artes visuales y encuentros multiculturales. También, he participado en festivales internacionales de danza y he impartido conferencias sobre Turismo Cultural.

l ¿Cómo te involucras en el proyecto Ballet Dominicano de Europa (BDE)?

Héctor Farías es presidente de la Fundación Activando Cultura.

Organización

Activando Cultura busca desarrollar el liderazgo y el talento en la sociedad dominicana, a través de experiencias de intercambio y trabajo en equipo”.

Galardón

Este año logramos el premio de la vigésima sexta entrega del Premio Nacional de la Juventud 2022 en la categoría Desarrollo, Arte y Cultura”.

l Ese proyecto artístico fue creado en 2015. Está denominado como el primer ballet profesional formado en el ámbito Europeo, a través del cual he tenido extraordinarias colaboraciones artísticas con instituciones dominicanas en el exterior como embajadas, consulados y oficinas de promoción turística del Ministerio de Turismo. Además, hemos apoyado iniciativas y proyectos de entidades Europeas. Los trabajos y colaboraciones del BDE son parte de la programación de actividades e intercambios culturales relevantes, pues contamos con un repertorio que abarca más de 300 actividades en siete años, entre ellas está la participación en el Intercambio Cultural España en 2016 y 2018; en los Juegos Patrios Dominicanos Europa 2017, así como en la primera y segunda Noche Dominicana en Madrid.

De igual forma, en ferias Btravel, FIL Lisboa, Feria Internacional de los Pueblos, 78 Feria del Libro de Madrid con donde presentamos el espectáculo “Un Accionar de Identidad desde el Caribe” y participamos también en Fitur y en Expo Dubai en 2022, la feria multisectorial más importante del mundo.

l ¿Como presidente de la Fundación Activando Cultura, cuáles son los logros y proyectos a ejecutar?

l Activando Cultura es una organización que busca desarrollar el liderazgo y el talento en la sociedad dominicana, a través de experiencias de intercambio y trabajo en equipo. Esta se desarrolla en tres estrategias principales que son arte, gestión y desarrollo inclusivo. Mediante la fundación, se imparte una serie de clases y talleres en las 32 provincias del país, con el fin de potencializar el arte dominicano, formación y la creación artística desarrolladas metodológicamente en las tipologías de las industrias culturales con énfasis en las artes visuales, escénicas y turismo cultural. Ha solo un año de su creación, Activando Cultura ha impactado de manera directa a 6,000 personas y de manera indirecta alrededor de 10,000. Este año logramos el premio en la vigésima sexta entrega del Premio Nacional de la Juventud 2022, dedicado al emprendimiento e innovación de los jóvenes en la categoría “Desarrollo, Arte y Cultura”. Ese premio es considerado el máximo galardón del Estado dominicano, otorgado a través de la Presidencia de la República y del Ministerio de la Juventud. También, obtuvimos el 9no. Premio al Voluntariado Solidario en la categoría Cultura, coordinado por el Centro Nacional de Fomento y Promoción de las Asociaciones sin fines de Lucro (CASFL) del Ministerio de Economía, Planificación y Desarrollo. La directiva está compuesta por los profesionales Ariesky Castro, María Virgen, Isra Guerrero, Joel Rodríguez, Darel Pérez, Jousaraht Ramírez, Juan Francisco, Luis Javier, Sheyla Amaro, Wanda Cortorreal, Doris Araujo, entre otros artistas y colaboradores. l ¿Cuáles son los planes de la fundación en la actualidad?

l En la actualidad nos mantenemos impartiendo conferencias en Gestión, Turismo Cultural y Economía Naranja en distintas universidades, centro culturales y educativos de todo el territorio nacional. l

MARÍA E. PÉREZ ROQUE

FOTO: FUENTE EXTERNA