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CREADORES
from ghhhjuy
by elloco2019
P O L I S E M I A G R Á F I C A
Una idea, por clara que sea, puede convertirse en otra si se la mira desde una perspectiva diferente. En esto se basa el trabajo mágico del ilustrador sueco Andreas Samuelsson.
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Samuelsson trabaja siempre de la forma más sencilla posible. Dibuja una forma simple, rellena el fondo, hace pequeños ajustes en los colores y se pregunta si el resultado se percibe forzado o equilibrado. Un concepto este último que para él es una forma en sí misma: “Cuando consigues el equilibrio entre los colores, la imagen muestra una segunda dimensión” .
ANDREAS SAMUELSSON
A
didas,Apple,Coca-Cola,RafSimons,TheNewYorkTimes o Wired son algunas de las empresas que han confiado en Andreas Samuelsson para comunicar a través de sus ilustraciones.Formadocomodiseñadorgráficoprimeroyen Arte e Ilustración después, Andreas tiene 43 años y desde hace veinte dirige su propio estudio en Gotemburgo. Los mensajes que envía a través de sus dibujos son de una gran riqueza semántica, utilizando gestos mínimos. Su método de trabajo, nos cuenta, consiste en ver sus imágenes como ideas en progreso: “Es como construir una casa. Primero algunos elementos básicos; luego puedo completar el resto a lo largo de los años. Me gusta mirar lo que he dibujado hace tiempo y volver a plasmar la mismaideadeotraforma.Aunquealgunasdeellassequedan tal cual, otras se transforman en algo nuevo” . El cuerpo humano es una constante en su trabajo: “The New York Times me pidió hace algunos años una ilustración para un artículo sobre medicina, lo que dio lugar a una colaboración duradera sobre el cuerpo humano como tema. Hice tantas ilustraciones para ellos que se convirtió en mi especialidad. Me encanta trabajar en este campo y constantementeobtengomuchasideasnuevas.¿Cómose puededibujarunpulmóndeunamaneraoriginal?¿Cómo puedes mostrar un sentimiento? No hay fin” .
HUMOR SIN FRONTERAS .:.:.:.
“Creo que necesito el humor paraseguirvivo –continúa–. Me gusta forzarlos límitesenmitrabajoypensarencómopuedomostraralgo quenoesprecisamenteoptimistaydarleotrosignificado. Con la forma y el color adecuados todo es posible. El humortambiénesunlenguajequefuncionaporsísolo.Una forma de traspasar fronteras” . Otro aspecto que le preocupa es ser fiel a sí mismo: “Miro mis propias imágenes y me pregunto si están vivas y si expresan lo que de verdad soy. Quiero causar el mayor impacto posible mostrando lo mínimo” . Y a fe que lo consigue.
El cuerpo humano es un tema recurrente en su trabajo. A Samuelsson le encanta trabajar en este campo (constantemente se le ocurren nuevas ideas) y también extraer fragmentos en lugar de mostrar el cuerpo entero. El humor es otra constante, una forma de no tomarse en serio y de poder hablar sobre cosas que son arduas y complejas. Piensa que es importante equilibrar todo tipo de sentimientos para encontrarse consigo mismo: “Necesito el humor para seguir vivo” .
T R A B A J O D E C A M P O
Una pareja de galeristas españoles ofrece antigüedades, arte y diseño del siglo XX en plena campiña inglesa, entre
Pareja de sillas españolas anónimas de madera y cuero de la década de 1960. Todas las piezas de la galería son de una compleja simplicidad y una austeridad refinada. En la otra página, Floating Back Chair, de Pierre Jeanneret, y Pep Boixader, uno de los galeristas, colocando la obra de Jordi Alcaraz Set nits dibuixant (2019), técnica mixta sobre cartón. “Cuando vinimos a Inglaterra nos asociamos con Miquel Alzueta para las piezas de arte contemporáneo” , explica.
verdes colinas y rebaños de ovejas. Por ubicación y selección, Gallery BR es diferente en todos los sentidos.
A la derecha, en uno de los espacios de la galería, taburete con asiento de oveja de Philip Arctander, hecho en Suecia en torno a 1955; vitrina Jorge III de finales del XVIII, y daybed Cansado, de Charlotte Perriand, de los años sesenta. Arriba, a la derecha, banco de roble macizo de los años cincuenta y fotografía de Maria Espeus (2017). A la izquierda, lámpara de techo de papel de Isamu Noguchi, de la década de 1960; silla Méribel, de Charlotte Perriand, de la misma época, y pareja de consolas francesas de madera del siglo XVII. En la otra página, los galeristas Cuca Riera y Pep Boixader.
PEP BOIXADER
L
apreguntaesinevitable:¿Quéhaceunaparejacomovosotrosenunsitiocomoeste?Y es que Pep Boixader y Cuca Riera son un matrimonio de galeristas de Barcelona que en 2016 decidieron mudarsealosCostwolds,unaregiónadoshorasdeLondres,paraabrirGalleryBR. “Empezamosen 2008 en nuestra ciudad, luego nos fuimos a Madrid y, tras seis años allí, el cuerpo nos pedía un cambio” , arranca Pep, y aclara que el tema de que sus hijos hablaran perfectamente inglés pesó también mucho junto al afán aventurero. A pesar de lo remoto, la villa inglesa de Tetbury es un auténtico nido de anticuarios, el equivalente al Empordà para Barcelona.
LECCIÓN APRENDIDA.:.:.:.
“EmpezamosenEspañacomounanticuarioclásico,peroyaantes de llegar aquí introdujimos diseño midcentury de arquitecto y arte contemporáneo. Somos una galería de antigüedades, diseño del siglo xx y arte, y dentro de estos campos tocamos todos los países, todos los estilos, nos dejamos llevar, y solo compramos y vendemos cosas que nos enamoran” . En consecuencia con esta visión, en su espacio, un edificio de tres plantas protegido por su interés arquitectónico, conviven bien maridados un pie de mármol romano del siglo II d.C. con una daybed de Charlotte Perriand y un óleo de Jordi Alcaraz. Cuentan que sus colegas de las islas les han recibido con los brazos abiertos y que los muebles españoles están teniendo muy buena acogida. “En Inglaterra la gente es muy abierta, tienen el don de la cultura y si desconocen algo se interesan por ello hasta llegar a conocerlo” .
A R Q U I T E C T U R A T E X T I L
Geométricasydevolúmenesacentuados,lasprendasdeIñigoGaraizabalevocanformasarquitectónicas con las que el creador reivindica una moda más atemporal y cómplice con quien las lleva.
Para Garaizabal los tejidos son la base de una prenda. Utilizan todas las fibras naturales, tafetán, crepe o voile en sus diferentes formas. Dependiendo del resultado que busquen, consultan con sus proveedores qué artículo de sus colecciones reúne las características deseadas. A día de hoy, el tejido que más emplean es el crepe de seda mate, por su versatilidad y adaptabilidad.
G
araizabal es un pequeño taller en Madrid con Iñigo Garaizabal (Gernika, Vizcaya, 1991) al frente. Después de realizar estudios de diseño y sastrería en la capital española,trabajócondiseñadorescomoDanielaGregis,GeoffeyB.SmalloSybilla.Junto a un experimentado equipo montó su taller centrándose en prendas a medida. Gairazabal da una gran importancia a la simplicidad y funcionalidad en cada una de sus piezas: “Simplicidad en cuanto al efecto deseado, llegando a la esencia del patrón, y funcionalidad en su uso, acabados y conservación” . En el taller trabajan con un muestrario ya creado por todo el equipo que va creciendo paulatinamente a medida que investigan en diferentes siluetas y categorías de producto.
CREACIONES ÚNICAS .:.:.:. Su método de trabajo, explica, se basa en el diálogo con la clienta. “Cuando viene a conocernos, dependiendo de sus gustos y necesidades, ofrecemos una selección de prendas que vamos cribando hasta llegar al diseño final. Esto nos permite centrarnos en cada mujer y hacer de cada prenda algo único, con nombre y apellido” . Y siempre con un estilo atemporal: “Más que intentar adaptarnos a tendencias futuras, lo que buscamos es simplemente crear prendas atemporales, que puedan acompañar a la clienta durante una larga parte de su vida, por la calidad de los tejidos, la construcción y los acabados” .
S I N M I E D O A E X P E R I M E N T A R
La Fundación Mies van der Rohe publica el libro No Fear of Glass, en el que se recoge la intervención de Sabine Marcelis en uno de los espaciós más icónicos de la arquitectura moderna.
Sabine Marcelis ha recurrido a los materiales del Pabellón de Barcelona –vidrio, travertino y acero– para diseñar una serie de piezas exclusivas –dos chaises-longue, una fuente y dos pilares luminosos– que parecen surgir de la propia arquitectura.
abine Marcelis vive y trabaja en Róterdam (Países Bajos). Criada en Nueva Zelanda, estudió diseño industrial en la Victoria UniversitydeWellingtonyposteriormenteenlaDesignAcademyEindhoven,dondesegraduóen2011.Desdeentonces,trabaja en el ámbito del diseño de producto, instalación y diseño espacial con una gran atención a la materialidad. Fue precisamente este aspecto el que centró su intervención No Fear of Glass en el Pabellón Mies van der Rohe de Barcelona entre diciembre de 2019 y enero de 2020, presentada junto a Side Gallery y la Fundación Mies van der Rohe. Un proyecto recogido en el catálogo conelmismotítulo,enunaediciónlimitadade500ejemplares,quelapropiadiseñadorapresentórecientementeenBarcelona.
EXPLORADORA MATERIAL .:.:.:. A través de las cinco piezas que creó exclusivamente para el pabellón, en las que utilizó sus mismos materiales, la diseñadora explora de qué manera los ideales del diseño, la materialidad y las proporciones con las que Mies van der Rohe y Lilly Reich idearon el mítico edificio pueden traducirse en mobiliario funcional. Es famoso el hecho de que a Mies van der Rohe se le pidió que no usara demasiado vidrio en el pabellón y, a su vez, las obras de Marcelis están producidas a partir de este elemento, llevando hasta el extremo y “sin miedo” los límites del material.
