En Concierto Clásico nº 11

Revista de instrumentos clásicos

1 Nº1re

Ejemplar Gratuito

b Octu

2 014

Cuerda | Viento | Percusión | Pianos | Guitarra Clásica | Didáctica Musical | Accesorios | Artículos del Sector

sumario Cuerda STENTOR, serie de Estudio . . . . . . . . . . . . . . . . . . 4

Piano YAMAHA TransAcoustic™ Technology. . . . . . . . . 8-9 YAMAHA Pianoworld. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 10 GEWA pianos digitales. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 12

Guitarras Guitarras LÂG Occitania y The Social Coin. . . 16-17 Guitarras acústicas VGS Roots . . . . . . . . . . . . 18-19

Didáctica Musical CARISCH - Nuevos volúmenes de la colección Primeros Pasos. . . . . . . . . . . . 20-22 Dos Acordes, Nueva distribución exclusiva de IDEAMÚSICA. . . . . . . . . . . . . . . . 24-25 IDEAMÚSICA presenta Armonía Moderna. . . . . . 26

Accesorios ORTOLÁ – Novedades viento. . . . . . . . . . . . . . 28-29 ORTOLÁ – Novedades en fundas para instrumentos de percusión. . . . . . . . . . . . . 30 Cuerdas FOR-TUNE . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 32 Cuerdas KNOBLOCH . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 33 D’ADDARIO Pro Arte Carbon. . . . . . . . . . . . . . . . 36 LEWITT – Micrófonos de condensador . . . . . . . . 38 Afinador de pinza KORG Dolcetto. . . . . . . . . . . . 39 FISHMAN ToneDEQ. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 39 Boquilla D’ADDARIO Select Jazz DM . . . . . . . . . . 40

Artículos del Sector TecmaArte Unidad especializada en medicina del arte. . . . . . 5 Distonía del músico. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 6-7 Beneficios médicos de la práctica musical . . . 14-15 Orquesta Sinfónica de RTVE . . . . . . . . . . . . . . . . 27 Artrosis en los violinistas . . . . . . . . . . . . . . . . . . 34 Asamblea General de AMPOS 2014. . . . . . . . . . . 35 Autoridad artística en las orquestas, un balance complicado . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 41

Extra Puntos de distribución. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 42

DIRECCIÓN EJECUTIVA: Begoña Cordero MAQUETACIÓN: calmagráfica.es FOTOMECÁNICA: TDI GRUPO EDITOR: Carisch, Gewa, IdeaMúsica Editores, Letusa, Music Distribución, Ortolá, Vallès Trade y Yamaha Music Europe GmbH Ibérica.

IMPRIME: Indugraf Madrid ISSN: 2171-4304 Depósito Legal: M-53280-2009 DISTRIBUIDOR: MCARGO MENSAJEROS. C/ Marqués de Encinares, nº 7 – 28029 Madrid Subscripciones Gratuitas: A través de la web www.ecclasico.com

COLABORA: Asociación de Fabricantes, Comerciantes, Importadores y Exportadores de Instrumentos de Música.

En Concierto Clásico se distribuye gratuitamente mediante suscripciones y a través de las tiendas de música clásica asociadas a COMUSICA. En Concierto Clásico agradece la desinteresada colaboración de los propietarios y directores de las tiendas de instrumentos musicales colaboradoras.

Stentor

Serie de estudio

L

os instrumentos Stentor Student I y II tanto en violín y viola como en cello y contrabajo son muy probablemente de los instrumentos de estudio mejor valorados en el mundo.

Conservatoire

Student I

Sus maderas, vaciadas a mano, son de arce sólido rizado y abeto escogido. El perfil está incrustado y la guarnición de ébano.

También cuenta con el cordal metálico con afinadores Stentor. El arco viene montado con nuez de ébano. Resina. Instrumento calibrado.

Es ideal para los estudiantes principiantes desde que se inician hasta que adquieren un nivel medio. Este es un modelo que da muy buen resultado y buen sonido, ayudando en el proceso de aprendizaje del alumno.

Está construido con maderas sólidas de arce y abeto, vaciadas a mano. El perfil es de madera y la guarnición de palisandro. También cuenta con el cordal metálico con afinadores Stentor. El arco viene montado con nuez de ébano. Resina. Instrumento calibrado.

En violín y viola incorpora un estuche superligero tipo mochila con doble bolsillo exterior. En cello funda impermeable tipo mochila.

• • • •

El modelo Conservatoire es ideal para estudiantes de grado medio ya que ofrece muy buena calidad a un precio muy razonable.

En violín y viola el estuche es rectangular tipo mochila. Para cello disponible en mochila o bien estuche.

• • • •

Violín: 4/E, c, b Viola: 16”, 15,5”, 15”, 14” Cello: 4/E, c, b Contrabajo: c Serie Student II Serie Student II

Violín: 4/E, c, b, a, 1/I, 1/BA, 1/BG Viola: 12”.

Cello: 4/E, c, b, a, 1/I, 1/BA Contrabajo: b, a

Student II Muchísimos servicios educacionales y profesores de música recomiendan el modelo Student II como el óptimo para el aprendizaje del instrumento.

Serie Conservatoire Serie Conservatoire

Está construido con maderas ligeramente rizadas y sólidas de arce y abeto vaciadas a mano. El perfil es de madera y la guarnición de ébano. También cuenta con el cordal metálico con afinadores Stentor. El arco viene montado con nuez de ébano.

Resina. Instrumento calibrado. Nuevo acabado satinado antiguo.

En violín y viola lleva un estuche superligero forrado tipo mochila con doble bolsillo exterior. En cello una funda impermeable tipo mochila.

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Violín: 4/E, c, b, a, 1/I, 1/BA, 1/BG

Serie Conservatoire

Viola: 13”, 14”, 15”, 16” Cello: 4/E, c, b, a, 1/I, 1/BA Contrabajo: c

Serie Student I Serie Student I

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VALLÈS TRADE

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TecmaArte

La nueva unidad especializada en medicina del arte, ya es una realidad

Asociación de Músicos Profesionales de Orquestas Sinfónicas

C

línica Tecma ya ha inaugurado TecmaArte, la nueva unidad multidisciplinar enfocada a Medicina del Arte. La inauguración tuvo lugar el pasado 3 de julio en las instalaciones del centro médico y contó con la presencia y el apoyo de numerosas personalidades, tanto autoridades como profesionales del mundo del arte.

Estuvimos acompañados por Juan Vicente Mateu, secretario de la federación de sociedades musicales; diversos responsables de la orquesta de Valencia, David Morales, Pilar Parreño y Francisco Revert de AMPOS; Juan Carlos Monerri, presidente de la sociedad musical de Alzira; Carles Subiela, de Consolat del Mar Instrumentos Musicales y Elena Bastidas, alcaldesa de Alzira, explica Sergio Ruiz de Llanza, gerente de Tecma. Fue un auténtico placer contar con ellos en nuestro acto de inauguración, porque es importante contar con personas como ellos en el inicio de este servicio tan trabajado y ambicioso, añade.

TecmaArte ha conseguido reunir a diferentes especialistas de las disciplinas concernientes a las diferentes patologías que pueden presentar los músicos y artistas escénicos, aunando los esfuerzos para conseguir que la atención de cada uno de nuestros pacientes artistas reciban con la máxima atención y conocimiento de sus problemas, la asistencia que precisan, explican desde el centro médico. Teniendo en cuenta sobre todo los conceptos de rapidez y eficacia tanto en el diagnóstico como en los tratamientos necesarios unimos los esfuerzos de Traumatólogos, Rehabilitadores, Otorrinolaringólogos, Neurólogos, Médicos de la actividad física y del Deporte, Especialistas en odontología (ATM), Fisioterapeutas y Psicólogos para que nuestros pacientes consigan el diagnóstico más preciso y el tratamiento más conveniente en el menor tiempo posible, conscientes como estamos de las peculiaridades de estos pacientes, detallan desde dirección.

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Este completo cuadro médico, así como la forma multidisciplinar de abordar la medicina para los artistas no ha surgido de forma casual. La clínica lleva muchos meses trabajando para que este proyecto se haya podido hacer realidad y ha nacido de la necesidad y la demanda por parte del colectivo artístico tanto de la comunidad como de otras comunidades españolas. En nuestra comunidad, un gran número de músicos, estudiantes, profesionales, amateurs, miembros de sociedades musicales, orquestas… continuamente están demandando una asistencia médica especializada que la sanidad convencional no llega a ofrecerles y que no les aporta las soluciones personalizadas a los problemas específicos que presentan los músicos, apuntan desde Tecma. Esta misma problemática está presente en otro tipo de artistas como bailarines o pintores.

Por este motivo y conociendo las peculiaridades de los profesionales de la música y demás artes escénicas (danza, ballet, baile…) en las que la atención precisa ser inmediata, especializada y personalizada, Tecma mediante su departamento de Medicina del Arte, TecmaArte, ha desarrollado un servicio pionero en la comunidad y que por sus características multidisciplinares y tecnología se sitúa a nivel de los mejores de España.

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Distonía del músico

Desde Schumann hasta nuestros días

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unca podría ser como su admirado Franz Liszt. Eso pudo pensar el compositor sajón Robert Schumann (1810-1856), figura clave en la música del romanticismo, cuando vio truncada su carrera como pianista por una alteración de la mano derecha. A los siete años Schumann compuso sus primeras piezas musicales y a los catorce años escribió un ensayo sobre la estética de la música. Sin duda, un niño prodigio, admirador de la obra de Paganini, Schubert o Mendelssohn, que tenía un sueño: ser pianista. Su dedicación en la juventud fue tan extrema que, incluso, viajaba acompañándose de un teclado.

Sin embargo, a los veinte años surgió un problema en su mano derecha que en los siguientes años le haría abandonar su carrera como concertista. “Al mover el cuarto dedo de mi mano derecha, todo el cuerpo se me contorsiona”, contaba en su diario. Tras empezar los problemas, luchó contra su propia mano, cambió de técnica varias veces intentando mejorar la postura de los dedos y utilizó diferentes prótesis que forzaban la extensión de los dedos hacia atrás. Su capacidad para tocar el piano fluctuó en el tiempo, con tendencia a agravarse en los momentos de estrés, pero nunca dejo de tocar y pudo dedicarse a componer hasta el fin de sus días. El mal de la mano derecha de Schumann no pudo ser diagnosticado en su época; pero hoy, casi doscientos años después, con nuestros actuales conocimientos, muchos datos indican que pudo tratarse de una distonía del músico [1].

Robert Schumann (1810 - 1856)

¿Qué es la distonía del músico?

La distonía pertenece a un grupo de enfermedades neurológicas denominadas como “trastornos del movimiento”. Se caracteriza por presentar, de forma simultánea, contracciones involuntarias de músculos agonistas y antagonistas que pueden ser sostenidas o espasmódicas y que provocan posturas anómalas o movimientos no controlados. La distonía del músico supone que, al tocar un instrumento, se produce

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una falta de coordinación motora o una pérdida del control voluntario de movimientos muy entrenados. Se estima que uno de cada cien músicos profesionales está afectado [2].

Este tipo de distonía es focal, ya que afecta sólo a una parte del cuerpo. Se clasifica como tarea específica u ocupacional porque se manifiesta al tocar un instrumento. Está relacionada con la actividad profesional y con los movimientos repetitivos que requieren destreza. Los intérpretes de instrumentos de cuerda y de percusión suelen desarrollar una distonía del miembro superior, como le ocurría a Schumann al tocar el piano. Los intérpretes de instrumentos de viento corren también el riesgo de padecer una distonía de la embocadura que afecta a la coordinación de los músculos periorales, respiratorios y linguales.

¿Qué síntomas tiene?

El músico nota que no puede tocar su instrumento como antes porque ha perdido el control. Algunos músicos analizan su problema y, al explicarlo, pueden describir qué parte del brazo o de los labios “no hace lo que le mando”, se dobla o se extiende o se retuerce o se abre, en contra de su voluntad. La distonía afecta con más frecuencia a la mano que más demanda tiene para tocar el instrumento. Para quienes tocan el teclado y la guitarra, es la mano derecha. En la familia del violín, la mano izquierda. El movimiento distónico más frecuente de la mano es la flexión forzada y los dedos más afectados suelen ser el corazón, el anular y el meñique [3]. En los instrumentos de viento, madera o metal, el problema puede encontrarse en la embocadura. Cuando se observa al músico tocar, se visualiza la alteración del movimiento y la repercusión en el sonido que, dependiendo de la gravedad, será más o menos apreciable.

Algunos intérpretes notan los síntomas de repente y pueden recordar con exactitud a partir de qué día se produjeron y la pieza que estaban tocando. Otros van notando dificultades de forma más insidiosa y los síntomas aparecen, mejoran y vuelven a aparecer. En general, la evolución es progresiva, por lo que las dificultades se van incrementando con el paso de las semanas y los meses. La tendencia natural del músico, al ver sus facultades mermadas, es dedicar más horas al ensayo. Sin embargo, la práctica repetida no logra vencer el problema y con frecuencia conlleva frustración y desánimo. Algunos músicos descubren ciertos “trucos” que

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les ayudan a sobreponerse y poder seguir tocando, como cambiar de tamaño de boquilla, cambiar de empuñadura o fijar los dedos con esparadrapos.

Es importante destacar que la distonía no suele aparecer con un dolor muy protagonista, ni produce alteraciones de la fuerza, ni alteraciones sensitivas; por tanto, se distingue de otras patologías frecuentes en el músico, como pueden ser: las compresiones nerviosas (por ejemplo, el síndrome del túnel del carpo), la tendinitis, los dedos en gatillo y la fatiga muscular. Al ser algo asociado a una tarea muy específica, los afectados no tienen problemas al hacer otras cosas y pueden escribir, teclear, comer, silbar, etc., sin dificultades e, incluso, si tocan más de un instrumento, no suelen tener problemas con el segundo.

¿Por qué ocurre?

El problema radica en el cerebro, no en la mano ni en la boca. Gracias a estudios de investigación en pacientes con distonía y en modelos animales, se sabe que la base fisiopatológica de la distonía implica un aumento de la actividad cerebral errónea y una plasticidad maladaptativa. La corteza cerebral que controla el movimiento de la

Ejemplos de posturas distónicas en un pianista (extensión del tercer dedo de la mano derecha), guitarrista (flexión dedos) y flautista (flexión del quinto dedo de la mano izquierda)

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región distónica (el brazo en la distonía del brazo o la boca en la distonía de la embocadura) está sobre-representada y des-diferenciada. Por tanto, cuando el sujeto da la orden de mover sólo un músculo, se activa un área de la corteza sensorialmotora desproporcionadamente grande, y además, de forma exagerada. El resultado es que se activan más músculos de los que voluntariamente se quieren mover, produciendo las posturas anómalas y movimientos involuntarios características de la distonía [4]. ¿Qué es lo que produce este exceso de plasticidad cerebral? La respuesta, probablemente, implica una combinación de factores genéticos y ambientales [2]. Sabemos que hay un componente hereditario porque el 10% de los músicos tiene una historia familiar y se encuentran otras distonías focales en el 23 - 27% de sus familiares en primer grado [5]. Además, puede existir un componente hormonal o social, porque es más frecuente en varones, con una ratio de 4:1 [3]. Existen otros factores intrínsecos del individuo que pueden favorecer el desarrollo de una distonía, como, por ejemplo, alteraciones sensitivas desencadenantes (dolor local por trauma o neuropatía por compresión) y un carácter excesivamente ansioso o perfeccionista. Existen otros factores externos que posiblemente juegan su papel y se relacionan con la práctica repetida de ciertos patrones motores. Es evidente que cada instrumento requiere una complejidad de movimientos y trabajo de diferentes músculos, con diversidad de exigencias en cuanto a cómo se sitúan las manos en el instrumento, al ritmo y a las expectativas sociales (más frecuente en músicos clásicos que de jazz o rock).

¿Cómo se diagnóstica?

La distonía del músico es un trastorno del movimiento profesional poco conocido en ámbitos musicales e infra-diagnosticado en ámbitos médicos. Con mucha frecuencia, el músico afectado consulta con múltiples especialistas, entre ellos traumatólogos, fisioterapeutas, reumatólogos y neurólogos, antes de llegar a un diagnóstico adecuado. El primer paso para el diagnóstico es acudir a un neurólogo especialista en trastornos del movimiento. Debe realizarse una detallada historia personal y familiar del paciente que incluya antecedentes farmacológicos, factores desencadenantes y una descripción detallada de los síntomas.

En el examen clínico es prioritario observar al músico tocando su instrumento para que se puedan objetivar las contracciones musculares anómalas de la región afectada, así como el grado de discapacidad. Se

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debe completar esto con un examen neurológico para descartar la existencia, o no, de otros signos acompañantes.

Bibliografía

Es importante saber que el diagnóstico de la distonía del músico es clínico, es decir, se basa en los síntomas y signos que presenta el afectado y su evolución. No existe ninguna prueba complementaria que confirme o revoque el diagnóstico de distonía. En algunos casos, y siempre de forma individualizada, es necesario solicitar pruebas complementarias de neuroimagen cerebral (anatómica y/o funcional), de la columna vertebral, de electromiografía, de electroencefalografía, o analíticas, para descartar causas secundarias de distonía.

[1]

García de Yébenes J. Did Robert Schumann have dystonia? Mov Disord. 1995;10(4):413-7.

[2]

Altenmüller E, Jabusch HC. Focal hand dystonia in musicians: phenomenology, etiology, and psychological trigger factors. J Hand Ther.

2009;22(2):144-54.

[3]

Conti AM, Pullman S, Frucht SJ. The hand that has forgotten its cunning-lessons from musicians’ hand dystonia. Mov Disord.

2008;23(10):1398-406.

¿Cómo se trata?

[4]

Quartarone A, Siebner HR, Rothwell JC. Task-specific hand dystonia: can too much plasticity be bad for you? Trends Neurosci.

2006;29(4):192-9.

[5]

Schmidt A, Jabusch HC, Altenmüller E, Hagenah J, Brüggemann N, Lohmann K,Enders L, Kramer PL, Saunders-Pullman R, Bressman SB, Münchau A, Klein C. Etiology of musician’s dystonia: familial or environmental? Neurology.

2009;72(14):1248-54.

[6]

Schuele S, Jabusch HC, Lederman RJ, Altenmüller E. Botulinum toxin injections in the treatment of musician’s dystonia. Neurology.

2005;64(2):341-3.

Uno de los primeros pasos hacia la mejoría es que el músico entienda lo que le está pasando; que lo que le pasa tiene un nombre y una explicación médica. Con esto comprendido, se deben plantear las diferentes posibilidades de tratamiento. La mejor terapia incluye la combinación de tratamientos farmacológicos y rehabilitadores. El tratamiento médico se basa en el uso de relajantes musculares y fármacos anticolinérgicos, pero probablemente la herramienta más eficaz es la infiltración de toxina botulínica. El neurólogo inyecta esta sustancia en los músculos afectados por la distonía (siempre utilizando una guía electromiográfica) con el objetivo de relajarlos. La toxina actúa a nivel local, interceptando el mensaje que llega del nervio a la fibra muscular y, de esta forma, disminuyendo la contracción muscular.

En una gran serie publicada que incluía 84 músicos de diferentes instrumentos, el 69% notaron mejoría [6]. En algunos pacientes el beneficio puede llegar a ser del 80-90%. La distonía de la embocadura es la única que claramente no responde a la toxina botulínica.

Otras intervenciones que pueden ayudar al sujeto se basan en el “re-entrenamiento” musical. A través del entrenamiento de los circuitos sensorial-motores, cambios de técnica, inmovilizaciones, uso de trucos sensitivos (adaptaciones de claves, boquillas, férulas) y técnicas de relajación, el músico puede mejorar su control al tocar. La mejoría objetiva con los tratamientos es posible y con el tiempo muchos músicos pueden seguir disfrutando de su instrumento. Sin embargo, algunos no consiguen volver a su nivel musical previo a la instauración de la distonía y deciden replantear su carrera musical hacia la docencia, la investigación o la composición.

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En conclusión La distonía del músico en una enfermedad neurológica compleja que afecta a un 1% de los músicos profesionales y, sin embargo, es poco conocida en ambientes musicales y médicos. Para el músico afectado, llegar al diagnostico es de vital importancia porque puede evitarle cirugías y tratamientos inadecuados, además de ahorrarle mucha frustración y pérdida de tiempo.

Los tratamientos actuales pueden ser eficaces pero, en algunos casos, distan de conseguir la perfección requerida por el músico profesional. Es de esperar que las crecientes investigaciones sobre las causas que subyacen la distonía abran la puerta a nuevas terapias en el futuro.

Dra. Mónica M. Kurtis Urra Directora de la Unidad de Trastornos del Movimiento, Servicio de Neurología, Hospital Ruber Internacional, Madrid. mkurtis@ruberinternacional.es

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TransAcoustic™ Technology Yamaha reinventa el piano

¿Un piano acústico con control de volumen?

Ahora puedes controlar el volumen de tu piano sin necesidad de auriculares ni altavoces.

Con la tecnología TransAcoustic™ Yamaha ha reinventado el piano. Un piano totalmente acústico en el que utilizamos su tabla armónica como si fuese un enorme altavoz. Cualquier sonido así reproducido se beneficiará de la riqueza que aporta el conjunto de cuerdas y tabla armónica de un auténtico piano.

Puedes incluso tocar sobre una pista de acompañamiento, MIDI o audio (WAV), sin necesidad de equipos externos ni auriculares.

Nunca antes los mundos acústico y digital habían estado tan próximos Al tratarse de un auténtico piano, las resonancias naturales de la tabla armónica, el mueble y sobre todo de las cuerdas, añaden una dimensión totalmente nueva a tu interpretación. Los sonidos muestreados adquieren un realismo y una naturalidad que ningún otro instrumento había conseguido hasta ahora.

La Tabla armónica es el altavoz La innovadora tecnología TransAcoustic™ transmite directamente el sonido digital a la tabla armónica del piano haciendo que el propio instrumento ejerza de altavoz. De esta forma escuchamos el auténtico sonido emitido por la tabla armónica.

Al transmitirse la vibración de la tabla armónica a las cuerdas del piano se generan las resonancias naturales de cuerdas de la misma forma que se generan al tocar el piano en acústico. Por ello el piano TransAcoustic™ produce un inconfundible sonido acústico.

Nunca antes los mundos acústico y digital se habían fusionado de forma semejante.

Gracias a la tecnología TransAcoustic™ podrás crear texturas que nunca habían estado al alcance de un piano acústico, mezclando el sonido acústico y digital, que destacarán en cualquier entorno.

La naturalidad del sonido acústico Los Pianos TransAcoustic™ cuentan además con la tecnología SILENT Piano™, gracias a la cual podrás practicar en cualquier momento del día o de la noche, sin molestar y sin que nada te distraiga.

Pero hay mucho más tras la tecnología TransAcoustic™. Utilizando un sofisticado sistema de sensores ópticos similar al de las reconocidas series Silent para captar fielmente la interpretación del pianista, podemos bloquear los macillos para que no golpeen las cuerdas, utilizando en su lugar el generador de sonido digital.

Pero a diferencia de los pianos Silent, no son necesarios auriculares ni amplificación externa. El sonido es amplificado por la tabla armónica del piano. Podrás controlar el volumen o seleccionar cualquiera de los diferentes sonidos con que viene equipado, desde el sonido de un piano de concierto Yamaha CFX hasta una marimba, un clave o un órgano. Y no sólo eso, podrás combinar estos sonidos con el propio sonido acústico del piano, obteniendo resultados sorprendentes.

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Especificaciones (Piano Acústico) Modelo Base

U1

Dimensiones y peso

121 × 152 × 64 cm. (Alto × Ancho × Fondo). 229 kg.

Pedales

Una corda, sordina/activación TA, apagadores

Especificaciones (Modos TransAcoustic y Silent) Pedales

Pedal de Apagadores, Pedal Sordina/Tonal*, Pedal “Una Corda”

Sensores de teclas

Sensores ópticos de detección continua sin contacto Pedal de Apagadores: Sensor de detección continua

Sensores de Pedales

Pedal Tonal: Sensor ON/OFF* Pedal una corda: Sensor ON/OFF*

Sistema Silenciador

Mecanismo Bloqueo de macillos activado por el pedal sordina / palanca sordina

Transmisión a la tabla armónica

Sistema Tecnología TransAcoustic™ Tipo: Generador de Sonido Piano

Sonido interno Digital

Muestreo estéreo AWM Modo Silent Piano™: Muestra Binaural de CFX Modo TA: Muestra estéreo de CFX

Efectos de piano

Resonancia de Apagadores, Resonancia de Cuerdas, Sonido pedal apagadores, Sonido final de nota

Polifonía (máx.)

256 notas

Número de voces

19 (16 voces + 3 voces duales)

Selección de sonidos

Piano, Piano Eléctrico 1, Piano Eléctrico 2, Piano Eléctrico 3, Clave 1, Clave 2, Vibráfono, Celesta, Órgano de tubos 1, Órgano de tubos 2, Órgano de tubos 3, Órgano de tubos 4, Órgano de Jazz, Cuerdas, Coros, Sintetizador, Piano + Cuerdas (dual), Piano + Sintetizador (dual), Piano + Piano Eléctrico 1 (dual)

Selección de sonidos (Playback)

480 sonidos XG + 12 juegos de percusión / efectos SFX

Memoria de formas de onda

256 MB

Canciones internas

53 (50 “Greats for the Piano” + 3 demostraciones de piano)

Conexiones

Auriculares AURICULARES (estéreo mini jack) × 2, Audio AUX IN/AUX OUT (mini jack estéreo), MIDI MIDI IN/MIDI OUT, USB USB a dispositivo

Consumo de energía

38 W

Accesorios incluidos

Auriculares, Soporte de auriculares, Manual de usuario, Libro de partituras “50 greats for the Piano”

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Yamaha Pianoworld: Tu mundo, tu piano

Y

amaha ha creado Pianoworld, más que una web, el espacio de Yamaha para quienes buscan un piano, tanto si es de iniciación como de nivel avanzado, vertical o de cola, nuevo o usado, el piano que necesitas seguro que lo encuentras aquí.

Según tus necesidades, expectativas y gustos Yamaha te ofrece una variedad de diferentes pianos. En este espacio los encontrarás todos en sus diferentes secciones, clasificados según las necesidades de cada usuario, y con videos, demostraciones, comentarios de artistas y técnicos, y toda una serie de secciones a través de las cuales conocerás un poco más a fondo este siempre sorprendente instrumento a la vez que te divertirás.

A través de sus distintas páginas tendrás acceso a las ayudas, promociones comerciales y sistemas de financiación que tiene vigentes Yamaha en cada momento, como Su Primer Piano, El Silencio es Oro o Compás a Compás. ¡Explóralas!.

Los más modernos pianos equipados con tecnología Silent, Disklavier o la innovadora “TransAcoustic Technology” encuentran aquí su espacio para mostrar todo su potencial para el aprendizaje y de diversión de toda la familia.

Pese a ser una empresa japonesa, Yamaha fabrica pianos para los diferentes gustos de sus usuarios de todo el mundo. En Para la Vieja Europa encontramos ejemplos de pianos de la máxima calidad diseñados según el gusto Europeo. Pianos Bösendorfer, Kemble, o las Series SE y P de Yamaha.

Los usuarios profesionales, artistas técnicos e instituciones, también encontrarán aquí un lugar con el que se sentirán identificados y soluciones del más alto nivel y fiabilidad a sus necesidades en el estudio de grabación o sobre el escenario.

Incluso quienes viven el diseño y el lujo en clave de cultura encontrarán aquí pianos de diseño capaces de crear ambientes exclusivos en la decoración de un hogar.

En definitiva, una web amena y en continua evolución imprescindible no sólo para quien se encuentra en el dilema de elegir un piano sino para todas aquellas personas involucradas de una u otra forma con este instrumento en cualquiera de sus facetas. http://es.yamaha.com/pianoworld

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Yamaha Music Europe GmbH Ibérica www.yamaha.es yamahamusica_iberica@gmx.yamaha.com Tel.: 902 39 88 88

Gewa pianos digitales

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a presentación de los pianos digitales, marcan el comienzo de una nueva etapa dentro de la historia de GEWA. Todo empezó en Alemania en 1925 con los instrumentos de cuerda y accesorios, continuó durante los años 70 y 80 con las guitarras, baterías y los instrumentos de viento y ahora se complementa con nuevos instrumentos.

La cultura del sonido Europeo GEWA decidió hace 4 años, elaborar y desarrollar pianos digitales siguiendo la tradición y los sonidos europeos. Los primeros prototipos fabricados en Asia no respondían las exigencias establecidas para un instrumento de alta gama y esto llevó a Gewa a crear un equipo de ingenieros fiables y experimentados en todos los segmentos, desde la electrónica y la acústica hasta los teclados y la carpintería.

Comenzamos buscando un lugar adecuado para la producción y aquí nos beneficiamos de la experiencia que nos proporciona el llevar más de 20 años en China como fabricante. La metrópoli industrial Tianjin en el norte de China, está considerada como el punto central de tecnología avanzada en el país. Era pues natural establecer allí una línea de producción moderna para nuestros instrumentos. Las escuelas superiores y las universidades de Tianjin forman de manera notable a sus diplomados en numerosos segmentos. El equipo del TIANJIN-GEWA-MANUFACTURING consta, entre

DP120

otros, de ingenieros en los apartados acústicos y electrónicos y también en el diseño de estructuras de madera. Estos expertos en montaje y en la gestión de calidad nos dan un resultado óptimo.

• 88 Teclas contrapesadas y graduadas

Tras dar a conocer los modelos DP140, DP160 y DP180 este año hemos presentado el modelo DP120, el benjamín de la marca pero con características muy parecidas a sus hermanos mayores. También desarrollado en Europa al igual que sus antecesores y siguiendo nuestro lema Tradición de sonido europeo.

• Sonido “Concert Grand Piano” y 9 so-

con sensación de martillo

• Teclado Real Graded Hammer, original FATAR TP40

nidos adicionales de muy alta calidad

• Muestreo de piano de cola de 6 capas • 135 notas de polifonía • 4 tipos de reverb (Hall, Room, Stage, Ambient)

• Efectos: Chorus, Trémolo, Flanger, Phaser, Leslie (rotatorio)

• Modo Dual • Grabador Interno • Metrónomo • Conexiones: MIDI IN/OUT, USB, AUX IN/OUT

• Amplificador con potencia 2 × 20 W clase D

• Disponible en colores blanco y negro Más información en: http://www.gewapiano.com DP180

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GEWA MUSIC IBÉRICA S.L.

www.gewamusic.com

info@gewamusic.com

Tel.: 932 434 611

Beneficios médicos de la práctica musical No se trata de menospreciar los riesgos de la práctica instrumental. Pero tampoco hay que olvidar sus grandes beneficios

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as lesiones entre los músicos son muy frecuentes. Ello resulta sorprendente, incluso para los propios intérpretes. Es por ese motivo que, cuando un especialista en medicina del arte es invitado a un medio de comunicación, lo más habitual es que se le interrogue sobre los riesgos que entraña esta actividad. A menudo, al finalizar la entrevista, uno tiene la sensación de que, más que fomentar la prevención de las lesiones, lo que se ha conseguido es prevenir a los padres para que no lleven sus hijos a las escuelas de música.

Así, aunque sigue siendo necesario explicar porqué se producen estas lesiones y, sobretodo, cómo se pueden evitar, cada vez tengo más la necesidad de incluir en mis intervenciones mediáticas algún mensaje positivo; aunque raramente se me interrogue específicamente sobre ello. No se trata de menospreciar los riesgos de la práctica instrumental. Pero tampoco hay que olvidar sus grandes beneficios.

Dicho de forma sencilla, tocar un instrumento tiene grandes beneficios psicológicos, culturales, sociales e, incluso, médicos. Y, aunque frecuentemente conlleve ciertos padecimientos físicos, estos pueden prevenirse.

Así que, hoy, por favor, déjenme desahogarme. Déjenme que les hable de los beneficios de la práctica instrumental. Ya que estos son numerosos, me centraré, casi exclusivamente, en los de tipo médico.

Sabemos que cualquier proceso de aprendizaje comporta cambios en nuestro organismo. Estos cambios se aprecian en el sistema nervioso y, si el entrenamiento realizado conlleva cierta carga física, también en el musculoesquelético y cardiovascular.

Así, las funciones cerebrales relacionadas con la percepción y ejecución de la música, como es lógico, están más desarrolladas en los que han recibido formación en este terreno. Los músicos procesan la información musical de forma más rápida y precisa. Ello se consigue mediante un aumento del tamaño de las áreas cerebrales encargadas de estas tareas y una mejora en las conexiones neuronales responsables de la percepción y la producción del sonido.

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INSTITUT DE L’ART

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¿Pero, estos cambios sólo son útiles para la ejecución y la percepción musical o comportan también ventajas en otros terrenos?.

Hay estudios que demuestran que aquellas personas de más de 65 años que participan en actividades musicales tienen mejor calidad de vida.

Existen evidencias de que los campos del lenguaje y la música están estrechamente interconectados. Incluso sabemos que comparten numerosas áreas cerebrales. Es por ello que no nos debería sorprender la existencia de estudios científicos que demuestran como los sujetos entrenados en el terreno musical muestran mayores habilidades y capacidades en el lenguaje. Sabemos que estas personas construyen y perciben mejor el lenguaje, aprenden más fácilmente la propia lengua, entienden y aprenden mejor las lenguas extranjeras y son claramente mejores en lectura. Su mejor capacidad de discriminación de los sonidos les permite, además, ser más eficientes en la comprensión de las conversaciones en ambientes ruidosos, un problema

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que suele aumentar con la edad y que en los músicos lo hace en menor grado. Los efectos beneficiosos de la práctica musical sobre el lenguaje son tan evidentes que ya se está utilizando el entrenamiento musical como herramienta de mejora de trastornos del habla y del lenguaje. Así, por ejemplo, se está probando con éxito en trastornos como la dislexia.

El aprendizaje musical es tan específico que las habilidades que se adquieren al tocar no repercuten de forma clara y directa sobre otras actividades. Aprender a tocar el piano no nos permite automáticamente poder tocar la guitarra o ser mejores escribiendo en el teclado del ordenador. Sin embargo, sí que se ha constatado que los músicos tienen más facilidades para nuevos aprendizajes motores. Sabemos que las áreas cerebrales encargadas de los movimientos de las manos se vuelven, con el tiempo, un poco más grandes en los músicos. En los individuos no entrenados musicalmente, las áreas corticales cerebrales correspondientes a la mano dominante (el hemisferio izquierdo en los diestros) es claramente mayor al contralateral. En cambio, en el caso de los músicos, debido a una mayor equidad en el uso de ambas manos, esta diferencia tiende a desvanecerse. Estos cambios en el tamaño de las zonas cerebrales también se

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observan en las encargadas de la visión y la audición. El cuerpo calloso, la estructura neuronal encargada de intercomunicar los dos hemisferios del cerebro y, por lo tanto, responsable de la coordinación de tareas y habilidades también tiene mayor tamaño en los músicos. Estos cambios en el tamaño cerebral se deben a que el proceso de aprendizaje estimula las células nerviosas. Ello, en consecuencia, aumenta su número y densidad y comporta que se establezcan mayor número de conexiones entre ellas situando al músico en mejores condiciones para adaptarse y aprender. Los estudios existentes nos muestran, además, que tales cambios ya son visibles después de poco más de un año de iniciado el entrenamiento musical. Son tanto más evidentes cuanto más joven se ha iniciado la práctica instrumental y más tiempo se ha mantenido esta. Se ha visto que, para que estas mejoras persistan durante toda la vida, es necesario tan solo 3 años de educación musical. Además, aunque los beneficios serán mayores si este trabajo empieza a edades tempranas, las mejorías también se observan si el entrenamiento musical empieza en la edad adulta.

Existe la duda de si algunas de estas diferencias pudieran ya existir antes de empezar la práctica instrumental y que, por lo tanto, estos cambios y los beneficios que de ellos se derivan no fueran realmente producto de la actividad musical. También se ha discutido si el ambiente musicalmente enriquecido al que está sometido el músico en su niñez pudiera representar también un factor relevante. Es por ello que diversos estudios han analizado esta posibilidad. Las conclusiones son claras: los niños que escogen estudiar un instrumento no lo hacen por el hecho de estar especialmente dotados previamente o tengan unos cerebros organizados de forma diferente a los demás. Las diferencias observadas, por lo tanto, son debidas al entrenamiento musical intensivo y no a cualidades biológicas preexistentes o al contexto cultural en que crece la persona.

Los beneficios médicos de la práctica instrumental no sólo se centran en la mejora de las habilidades y la capacidad de aprendizaje. Existen cambios que inciden en el estado de salud y la calidad de vida. Vamos a poner sólo algún ejemplo. Como es sabido, la edad tiene un efecto deletéreo para nuestro cerebro. Con el paso de los años perdemos células nerviosas. Sin embargo, se ha observado que el entrenamiento musical precoz contribuye a evitar o minimizar estas pérdidas. Se ha comprobado, por ejemplo, que los músicos de

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Aspectos que mejoran gracias al entrenamiento musical (tocar o cantar) Los estudios científicos existentes demuestran que la práctica musical, a parte de los cambios directamente relacionados con la propia actividad, conllevan mejoras claras en:

• La capacidad de respuesta

• El razonamiento

• La habilidad para detectar errores y

• El reconocimiento de patrones visua-

• El razonamiento abstracto

• El recuerdo de listas de palabras

• El razonamiento matemático

• La percepción de los sonidos

• La memoria

• La atención selectiva

conflictos en la información

les

• La velocidad de procesamiento

Mejoras relacionadas con el lenguaje Sabemos que la música es procesada, en buena parte, como un lenguaje. Es por ello que no nos sorprende que los músicos presenten:

• Desarrollo más precoz y sólido de los • Mayor capacidad de detectar y repromecanismos relacionados con la sintaxis y el procesado del lenguaje

• Mayor memoria verbal (a corto y largo plazo)

• Mayor velocidad de percepción verbal • Mayor capacidad de aprendizaje del lenguaje

• Más facilidad para aumentar el voca-

ducir los pequeños cambios en el tono de voz (las inflexiones) que son esenciales en el lenguaje tonal

• Mayor capacidad de reproducción de nuevos sonidos vocales

• Más facilidad de reconocimiento de sonidos verbales

• Mayor facilidad para aprender las reglas sintácticas

bulario

orquesta no manifiestan el mismo grado de pérdida de volumen cerebral que manifestamos todas las personas al envejecer.

También son menos susceptibles a la degeneración neuronal haciéndoles menos propensos a la demencia. Los músicos de entre 60 y 83 años que han tocado al menos 10 años, tienen mejor memoria no verbal, procesamiento ejecutivo o capacidad para nombrar objetos que los no músicos.

Por último, permítanme citar, muy sucin‌tamente, alguno de los beneficios psicológicos de la práctica instrumental. Hay estudios que demuestran que aquellas personas de más de 65 años que participan en actividades musicales tienen mejor calidad de vida. Ello se debe, entre otros factores, al hecho de que tocar les da mayor autoestima, les hace sentir competentes e independientes, tienen menor sensación de aislamiento y soledad y les ayuda a no preocuparse tanto por sus problemas. Por lo tanto, todos a tocar o a cantar. Ello nos hará más felices, más sanos y más capacitados

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para adaptarnos a este mundo cambiante. No sirve la excusa de no sentirse talentoso para la música. Es evidente que si a uno no le gusta tocar no hace falta forzar la situación. Pero sabemos que estos beneficios no sólo los obtienen los músicos de alto nivel. Cualquier persona los puede obtener. Tampoco parece relevante el tipo de instrumento tocado. El canto también ofrece los mismos beneficios. Por lo tanto, empiecen el aprendizaje musical lo antes posible y prolónguenlo cuanto más tiempo mejor a lo largo de sus vida. Es una buena inversión. Es cierto que una gran parte de los niños (o adultos) que inicien el aprendizaje musical lo acabarán dejando antes de lo deseado. Pero, incluso ellos se beneficiarán, a lo largo del resto de sus vidas, de los cambios que este aprendizaje habrá comportado.

Jaume Rosset i Llobet Director médico del Institut de Fisiologia i Medicina de l’Art-Terrassa. Director de la Fundació Ciència i Art.

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Guitarras LÂG Occitania y The Social Coin

L

a serie de guitarras clásicas fabricadas por una de las marcas de mayor relevancia en los últimos años y que durante este año colabora activamente en la campaña social THE SOCIAL COIN.

Acerca de Occitania

la moneda en la web www.thesocialcoin. org/musicdistribucion/es y escribir un favor, por sencillo y humilde que sea, que harás por o para alguien. Una vez lo hayas realizado, escribe tu “historia” en la web y pásale esta moneda a tu receptor para que continúe la cadena. ¡Así de fácil!

Verás cómo durante los tres meses de vida desde su activación, esta moneda “viajará” dejando favores desinteresados de personas y finalizará cuando su último portador la plante, crezca la semilla de rosal que lleva en su interior símbolo de nuestra labor social; nuestra propia cadena de favores.

Occitania 300 OC300 (acústica) OC300CE (electroacústica) Esta serie es el resultado de un estudiado diseño y de múltiples reflexiones tanto estéticas como técnicas, con el que guitarras LÂG nos vuelve a sorprender. La serie Occitania está compuesta por guitarras de cuerdas de Nylon, tanto en versión acústica como electroacústica, y que impresionan por su riqueza tímbrica y gran comodidad.

Esta fantástica gama de guitarras tienen la particularidad de liberar el sentimiento y la expresión musical del guitarrista clásico desde el primer contacto. Además, en su versión electroacústica conseguirás un sonido amplificado increíble gracias a la tecnología profesional aplicada en los excelentes previos StudioLâg Plus combinados con la pastilla NanoFlex®

Una excelente guitarra clásica, construida con tapa sólida de Cedro Rojo, aros y fondo de Palisandro y todo en un bonito acabado brillante. El mástil está fabricado de Caoba seleccionada con diapasón de

Palisandro y cejilla de grafito y está disponible en versión acústica y electroacústica.

Esta última monta un preamplificador Studio Lâg Plus Nylon que combinada con la pastilla NanoFlex le proporcionan un sonido realmente natural y dinámico.

Especificaciones OC300CE

• Tapa: Sólida de Cedro Rojo

Acerca de The Social Coin

• Aros y Fondo: Palisandro • Mástil: Caoba • Diapasón: Palisandro • Ancho de cejilla: 51 mm / 2” • Trastes: 19 • Longitud de escala: 650 mm / 25.60” • Frontal de Pala: Palisandro • Puente: Palisandro • Preamplificador. Studio LÂG Plus

Ahora con cada guitarra Occitania LÂG conseguirás una moneda biodegradable Social Coin con la que podrás iniciar tu propia cadena de favores para hacer un mundo más humano. Tan sólo debes activar

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MUSIC DISTRIBUCIÓN S.A.

Nylon (modelo OC300CE)

• Cuerdas: Savarez OC300

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Tel.: 934 221 811

Occitania 400 OC400 (acústica) OC400CE (electroacústica)

Especificaciones OC400CE

Este modelo superior de la serie nos aporta un registro tonal mucho más rico, amplio y maduro con unos medios muy presentes y que se proyectan de manera natural gracias a la tapa de sólida de Abeto en combinación con aros y fondo de Palisandro. Por otro lado, el toque blanquecino de su tapa armónica y de coloración homogénea en conjunción con su acabado en barniz brillante, le proporcionan a este modelo un look realmente atractivo y profesional. Una guitarra diseñada para el guitarrista de estudio y de directo. La versión preamplificada monta el excelente previo Studio Lâg Plus Nylon para conservar de una manera natural el sonido acústico una vez amplificada.

• Tapa: Sólida de Abeto (Englemann Spruce)

• Aros y Fondo: Palisandro • Mástil: Caoba • Diapasón: Palisandro • Ancho de cejilla: 51 mm / 2” • Trastes: 19 • Longitud de escala: 650 mm / 25,60”

• Frontal de Pala: Palisandro • Puente: Palisandro • Preamplificador. Studio LÂG Plus Nylon (modelo OC300CE)

• Cuerdas: Savarez OC400CE

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Guitarras acústicas VGS Roots Raíces americanas – Hechas en Europa

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as guitarras VGS Root Series combinan la construcción americana de la guitarra acústica con la tradición europea en este mismo campo.

El equipo de desarrollo compuesto por luthiers, músicos y diseñadores, está situado en lo que se ha dado en llamar Musikwinke (rincón musical) en Vogtland (Sajonia) el centro europeo tradicional de la lutheria y la fabricación. El padre de la guitarra acústica moderna, C.F. Martin también vivió aquí antes de marchar al Nuevo Mundo y poner los cimientos para el instrumento tal como lo conocemos hoy.

Esto, junto a un extenso conocimiento en el desarrollo y fabricación de instrumentos musicales nos ha inspirado en VGS para producir guitarras acústicas de alta calidad fabricadas en Europa. Un trabajo de forma tradicional y el cuidado en los detalles son tan importantes como el uso de maquinaria de última generación.

Las tapas sólidas de abeto europeo se dejan secar de forma natural durante años y luego se seleccionan de forma manual.

Hemos adaptado los refuerzos tradicionales en X de la tapa que se fijan de forma que dé el tono deseado para el sonido de la gama Root. El resultado son guitarras con una calidad constante tanto en sonido como en fabricación, producidas en un ambiente que refleja nuestra alta exigencia en el cumplimiento de las normas sociales y ecológicas.

La pasión por el detalle se puede ver y sentir en cada paso del proceso de producción. Las encontrarás a partir de Septiembre, en tiendas de música seleccionadas

VGS RT-10 Natural Satin

VGS RT-10 Aged Sunburst

• Western

• Western

• Tapa de abeto maciza

• Tapa de abeto maciza

• Fondo y aros de caoba

• Fondo y aros de caoba

• Mástil en caoba, diapasón y puente

• Mástil en caoba, diapasón y puente

• Escala 648 mm, cejuela 43 mm,

• Escala 648 mm, cejuela 43 mm,

• Varilla de tensión de doble acción

• Varilla de tensión de doble acción

• Incrustaciones en puente y cejuela en

• Incrustaciones en puente y cejuela en

• Puente VGS “Avalanche”

• Puente VGS “Avalanche”

• Clavijero cromado

• Clavijero cromado

• Made in Europe

• Made in Europe

en palisandro

Bonoid

en palisandro

Bonoid

Para más información, puedes dirigirte a www.vgs-guitars.com

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GEWA MUSIC IBÉRICA S.L.

www.gewamusic.com

info@gewamusic.com

Tel.: 932 434 611

VGS RT-10E Natural Satin

VGS RT-10CE Natural Satin

VGS RT-10CE Black

• Electroacústica Dreadnought

• Western electro-acústica con cutaway

• Western electro-acústica con cutaway

• Tapa de abeto maciza

• Tapa de abeto maciza

• Tapa de abeto maciza

• Fondo y aros de caoba

• Fondo y aros de caoba

• Fondo y aros de caoba

• Mástil en caoba, diapasón y puente

• Mástil en caoba, diapasón y puente

• Mástil en caoba, diapasón y puente

• Escala 648 mm, cejuela 43 mm

• Escala 648 mm, cejuela 43 mm

• Escala 648 mm, cejuela 43 mm

• Varilla de tensión de doble acción

• Varilla de tensión de doble acción

• Varilla de tensión de doble acción

• Incrustaciones en puente y cejuela en

• Incrustaciones en puente y cejuela en

• Incrustaciones en puente y cejuela en

• Puente VGS “Avalanche”

• Puente VGS “Avalanche”

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• Clavijero cromado

• Clavijero cromado

• Clavijero cromado

• Fishman Presys con afinador

• Fishman Previo con afinador

• Fishman Previo con afinador

• Made in Europe

• Made in Europe

• Made in Europe

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Nuevos volúmenes de la colección Primeros Pasos

E

stimados lectores: ¡Ya están disponibles los nuevos volúmenes de la colección Primeros Pasos!

Comenzamos el curso con novedades editoriales de gran interés. Guitarra, Clarinete Vol.2 y Viola Vol.2 ya son una realidad en nuestras tiendas y esperamos que pronto en vuestras aulas. Desde las líneas de esta revista queremos mostraros el corazón de estas nuevas publicaciones y las líneas generales que sigue toda la colección.

Los métodos que componen la colección persiguen captar la atención del aprendiz y motivar su curiosidad por el aprendizaje del instrumento que haya elegido. Sin embargo, el alumno musical actual tiene muchísima información gracias a las nuevas tecnologías por lo que era necesario un planteamiento pedagógico moderno y actual que permita al alumno formarse como músico e instrumentista, de una forma directa, sencilla y divertida.

Hacer por tanto, algo nuevo y diferente de las innumerables publicaciones didácticas ya existentes, sobre todo en los primeros años de aprendizaje, no era fácil pero estamos convencidos que estos libros son una herramienta de trabajo útil, cómoda y actual tanto para el alumnado como para el profesorado.

• Cada libro está dividido en bloques didácticos que contienen: lenguaje musical (necesario para abordar el estudio de los ejercicios y obras), técnica y repertorio (acorde con los objetivos didácticos planteados, ameno y divertido, compuesto por canciones populares, autores clásicos de diferentes épocas y estilos, y modernos (jazz, bandas sonoras, etc), espacio cultural (consistente en citas de tipo cultural relacionadas con los instrumentos en cuestión – su origen, historia, compositores, curiosidades…), actividades, dúos y repertorio complementario que recopilan todos los contenidos y objetivos desarrollados y un CD, MINUS ONE MP3 que servirá a profesores y sobre todo a los alumnos en su desarrollo auditivo y rítmico en su estudio diario.

El contenido de estos libros presenta todo lo necesario para que el alumno se forme como músico e instrumentista, de una forma directa, sencilla y divertida.

Guitarra vol. 1

todo el año el joven guitarrista será guiado por un divertido compañero, «Targui», que le enseñará a cómo realizar todos los ejercicios a través de consejos y trucos que amenizarán las sesiones de estudio. Otro aspecto novedoso está destinado al profesor, durante todo el libro se le darán consejos pedagógicos para afrontar los ejercicios y piezas, ofreciéndole todos los recursos necesarios para la práctica docente. El CD que incorpora el método incluye todas la piezas y acompañamientos, una motivación extra para que tenga el alumno todo lo necesario para su progreso instrumental.

La elaboración de metodologías elementales para los principales instrumentos era un objetivo y un reto que afronta la editorial inicialmente de la mano de Ibáñez-Cursá.

Características principales de la colección Primeros Pasos:

Además se presta especial atención a los siguientes aspectos fundamentales, y a veces pobremente asimilados por los alumnos:

• Instrumento + lenguaje musical,

donde se propone la iniciación a la práctica instrumental conjuntamente con el aprendizaje del lenguaje musical necesario para ello.

• Estrategia y directrices unificadas,

estructura similar pero con las características propias de cada instrumento.

Elaborada por especialistas instrumentales españoles de gran trayectoria pedagógica y experiencia contrastada en aulas y escenarios que proponen una línea didáctica no invasiva.

• 4 cursos por instrumento. Metodo-

logía ordenada y progresiva que se ajusta a los programas curriculares que se imparten en Conservatorios y Escuelas de música dentro del Grado Elemental.

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CARISCH

MK19065

No podía faltar en la colección Primeros Pasos, un instrumento tan esencial dentro de los programas curriculares de las escuelas de música y conservatorios, la guitarra. Para llevar a cabo el desarrollo de dicha metodología hemos contado con la experiencia docente y editorial de David Leiva. Licenciado en pedagogía musical, guitarra clásica y guitarra flamenca, y que actualmente es profesor en el Conservatori del Liceu de Barcelona. Tiene más de 50 libros publicados.

Este primer volumen propone al alumno unas guías divertidas, por ejemplo, cada cuerda tiene un color para una fácil localización de las notas en el diapasón; durante

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El ritmo: El aprendizaje a partir de un sólido sentido rítmico que nos permita tocar con fluidez y sin los habituales “parones”.

Para ello se recomienda desde los inicios tocar cada ejercicio o canción a una velocidad lo suficientemente lenta como para controlar los diferentes aspectos de la ejecución instrumental y así conseguir esa continuidad y fluidez necesaria en la música.

Una vez conseguido este primer paso, es mucho más sencillo conseguir velocidad.

El oído: Se intenta desarrollar por igual el aprendizaje por imitación e intuitivo junto con un aprendizaje de base más teórica y conceptual, añadiendo elementos fundamentales como la lectura de notación musical poco a poco.

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Localización correcta de los sonidos: Insistir sobre todo en la primera etapa, en una correcta localización de los sonidos en el diapasón de la guitarra, estableciendo claramente las referencias necesarias para una correcta translación de la notación musical a la guitarra.

Libertad de movimiento en el diapasón: Conseguir un temprano desarrollo en la habilidad PARA mover la mano izquierda libremente por el diapasón, evitando agarrotamientos y ceñirse a posiciones fijas.

Es muy importante que desde las primeras clases el alumno escuche el sonido de su profesor. Por este motivo a partir de la primera lección aparece un pentagrama de acompañamiento a la melodía del alumno.

CD MINUS ONE: El libro va acompañado de un CD con las grabaciones de las canciones y ejercicios en formato MP3. Si el ejercicio es sencillo aparecerá grabado en una única pista, no así las canciones que estarán grabadas 3 veces cada una: en la primera pista, sonarán las dos voces. La segunda corresponde a la melodía principal y en la tercera pista, sonará sólo el acompañamiento para que el alumno pueda tocar sobre él. De esta forma el alumno tiene una referencia auditiva de cómo deben sonar las canciones que está aprendiendo.

Clarinete vol. 2

registro o el uso de las llaves más importantes. Al final de cada bloque y a modo de resumen, se encontrarán cinco dúos progresivos con el mismo nivel de dificultad en cada voz.

El libro viene acompañado de un CD donde se han grabado todos los ejercicios, las melodías con acompañamiento de piano y los dúos. Los conceptos que se trabajan en este volumen son:

• Actividades: Lección 7: El compás de

9/8. Crucigrama / Lección 8: La síncopa. Ejercicios de respiración

• Espacio Cultural: El clarinetista Antonio Romero

Bloque 1: El segundo registro

• Lenguaje musical: La negra con pun-

tillo / El acento / Dinámica y matices / Notas enarmónicas

• Técnica y repertorio: Lección 1: Notas

Si bemol / Lección 2: Notas Fa y Mi / Lección 3: Primeras notas del 2º registro / Dúos repaso del Bloque 1

• Actividades: Lección 1: Puntillos de

negra. Notas enarmónicas / Lección 2: El acento. Ejercicios de respiración

• Espacio Cultural: Los registros del clarinete

Bloque 2: El cambio registro

• Lenguaje musical: El compás de 6/8.

Compases simples y compuestos / La semicorchea / La semicorchea con puntillo / El cambio de compás

• Técnica y repertorio: Lección 4: Notas

Fa# y Do / Lección 5: Notas Do#, Sol# y La agudo. La llave nº 6

Lección 6: El cambio de registro / Dúos: Del 26 al 30, repaso del Bloque 2

Pedro Rubio obtiene en 1997 el Clarinet Performing Diploma por el Royal College of Music de Londres y en 2003 el Bass Clarinet. Diploma por el Conservatorio de Rotterdam. Es profesor de clarinete desde 1989 y autor de numerosas publicaciones y grabaciones encaminadas a la recuperación del repertorio español del siglo XIX y principios del XX.

Viola vol. 2

• Actividades: Lección 4: El compás DE

6/8. Sopa de letras / Lección 5: Cambio de compás. Ejercicios de respiración

• Espacio Cultural: Mozart y el clarinete MK19064

En este segundo volumen se consolidan los aspectos más importantes de la técnica del instrumento ya presentados en el primer libro. Se sigue manteniendo la estructura de tres bloques con tres lecciones en cada uno de ellos. Cada lección se completa además con una serie de ejercicios de mecanismo que el profesor podrá usar si lo considera conveniente.

Se abordarán a lo largo del libro temas esenciales como el estudio de las notas agudas, el paso del primer al segundo

CARISCH

Bloque 3: El uso de las llaves

• Lenguaje musical: El compás 9/8 /

Tiempos fuertes y débiles de un compás / Fracciones. La síncopa / El tresillo de corchea / El modo mayor y el modo menor / Los intervalos. Unísono

• Técnica y repertorio: Lección 7: El Fa# agudo. La llave nº 5. La llave A / Lección 8: El Sol#. La llave nº 9 / Lección 9: El Si y Do agudos / Dúos del 31 al 35, repaso del Bloque 3

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MK19129

En este segundo volumen se complementan los objetivos presentados en la primera

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Nuevos volúmenes de la colección Primeros Pasos parte, añadiendo de manera muy sencilla, progresiva y de fácil adaptación, nuevos conceptos, ejercicios y obras que ayudan a continuar la formación global del alumnado. Incluye un repertorio muy variado, adaptado a los conceptos presentados en cada bloque o unidad didáctica, ofreciendo además un gran número de obras conjuntas para poder trabajar tanto con el profesor como con otros alumnos en clases colectivas.

Las habilidades que se pretenden desarrollar, además de la LECTURA y los rudimentos de la TÉCNICA violística, son especialmente el RITMO, el OÍDO, la colocación correcta de los SONIDOS y la LIBERTAD DE MOVIMIENTOS tanto de la mano derecha con el arco como de la izquierda en la viola.

Como resultado os ofrecemos un método completo y polivalente, donde el alumno conseguirá una formación global en sus estudios musicales. Una herramienta de trabajo útil, cómoda y actual, tanto para el alumnado como para el profesorado.

Además, de facilita el trabajo y el estudio que el alumno debe de realizar en su casa, tanto por la claridad en cada uno de los ejercicios, como al poder trabajar a la vez con el CD, que incluye los acompañamientos del repertorio que incluye. Cada obra o dúo, tiene 3 pistas de audio. La primera contiene la melodía y el acompañamiento conjuntamente con una marca metronómica a un tempo más lento del original.

La segunda pista contiene la melodía y el acompañamiento con marca metronómica a la velocidad original. Y la tercera sólo contiene el acompañamiento de la obra sin metrónomo.

Los contenidos que se trabajan en este volumen son:

Bloque 6: Desarrollo de la mano izquierda

Bloque 1: Recordando Do Mayor y Sol Mayor

• Lenguaje musical: Grados de la escala / Intervalos / Unísono

• Lenguaje musical: Alteraciones / Ar-

• Técnica y repertorio: La independen-

• Técnica y repertorio: Recordando Do

• Espacio cultural: La viola perfecta

• Espacio cultural: La importancia de la

Bloque 7: Repertorio añadido: Concierto en Do Mayor op.7 nº2 / Música de los Reales Fuegos de Artificio / Chirimbolo

madura / La semicorchea

Mayor / Ejercicios de Entonación / Flexibilidad de la muñeca derecha. postura

Bloque 2: El Si Bemol. Fa Mayor

• Lenguaje musical: El compás de 6/8 • Técnica y repertorio: Una nueva posición Si bemol en la 3ª cuerda / La escala de Fa Mayor / Si bemol en la 1ª cuerda

• Espacio cultural: Nicolò Paganini Bloque 3: El Mi Bemol. La tonalidad de Si Bemol Mayor

• Lenguaje musical: Notas a contra-

tiempo / Tempo: Diminutivos y Superlativos / Tabla de movimientos

• Técnica y repertorio: Nuevas posicio-

nes: Mi bemol en la 2ª, 1ª y 4ª cuerda.

cia de los dedos de la mano izquierda / Intervalos / Semitonos cromáticos

Francisco Serra se graduó en viola y música de cámara en el Conservatorio Superior Oscar Esplá de Alicante. Desde 2003 es profesor por oposición desarrollando su labor docente en el Conservatorio Profesional de Música de Villena (Alicante).

Esperamos que estos materiales sean de vuestro agrado y faciliten el desarrollo de vuestras clases de música. Os animamos a consultar los extractos de los libros en www.carisch.com y en www.issuu.com/ carisch/mk19065* (*código del libro a consultar).

Como complemento a cada volumen se han editado unos póster que resumen los aspectos más destacables de cada nivel de aprendizaje. Están disponibles en nuestra web, solicítalos para decorar vuestras aulas.

• Espacio cultural: Consejos a la hora de probar un instrumento

Bloque 4: Los dedos de la mano izquierda: el 2º dedo

• Lenguaje musical: Síncopa • Técnica y repertorio: Nuevos sonidos.

El 3er dedo alterado con # / Escala de La Mayor / Recordando el Staccato

• Espacio cultural: Las cuerdas Bloque 5: Dobles cuerdas

• Lenguaje musical: El tresillo • Técnica y repertorio: Ejercicios con el

arco / La doble cuerda / Ejercicios de relajación. La mano izquierda / Desarrollar la independencia de los dedos

• Espacio cultural: Mozart y la Viola

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Los volúmenes ya editados son los siguientes: PIANO vol.1 (MK18515) y vol.2 (MK19015) por Lorenzo Moya, FLAUTA vol.1 (MK19060) por Vicente Cintero, CLARINETE vol.1 (MK18516) por Pedro Rubio, VIOLA vol.1 (mk19059) por Francisco Serra, GUITARRA vol.1 (MK19065) por David Leiva.

Visita nuestros blogs educando con un instrumento y educando con música en movimiento para estar informado de novedades, cursos, actividades y mucho más.

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XIII SORTEO

ENTRE LAS TIENDAS ASOCIADAS A:

DE INSTRUMENTOS MUSICALES

EQUIPO DE VOCES SAMSON XP150

GUITARRA SIGMA 000R-28VS

EQUIPO DE VOCES SAMSON XP150

PIANO CASIO CDP-130

BATERÍA YAMAHA DTX400

GUITARRA ADMIRA VIRTUOSO PIANO CASIO CDP-130

GUITARRA VGS SERIE ROOTS VALE DE 500 € EN M-AUDIO

SAXOFÓN ALTO LOGAN SA003 GUITARRA VOX VIRAGE SSC33VC

VALE DE 500 € EN M-AUDIO TUMBADORA SANTAFE TORMADO

GUITARRA VINTAGE VRS100 C VALE DE 500 € EN LÂG GUITARS GUITARRA B.C.RICH ASM ZOLTAN 2

EQUIPO DE VOCES SAMSON XP150 GUITARRA ADMIRA VIRTUOSO

VALE DE 500€ EN M-AUDIO GUITARRA B.C. RICH ASM ZOLTAN 2

VALE DE 500 € EN LÂG GUITARS

SAXOFÓN ALTO LOGAN SA003

GRABADOR ROLAND SD-2U

MULTIEFECTO KORG KAOSSILATOR 2

GUITARRA VINTAGE VRS100 C

GUITARRA SAMICK LINDA STANDARD

GUITARRA SAMICK LINDA STANDARD

EQUIPO DE VOCES SAMSON XP150

GUITARRA VOX VIRAGE SSC33VC

GUITARRA SIGMA 000R-28VS

GUITARRA SAMICK LINDA STANDARD

GUITARRA SIGMA 000R-28VS

MULTIEFECTO KORG KAOSSILATOR 2

GUITARRA SAMICK LINDA STANDARD

GUITARRA B.C.RICH ASM ZOLTAN 2

GRABADOR ROLAND SD-2U

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SAXOFÓN ALTO LOGAN SA003

BATERÍA YAMAHA DTX400

GUITARRA VINTAGE VRS100 C

PIANO CASIO CDP-130

GUITARRA VGS SERIE ROOTS

GRABADOR ROLAND SD-2U

BATERÍA YAMAHA DTX400

GUITARRA VOX VIRAGE SSC33VC

GUITARRA ADMIRA VIRTUOSO TUMBADORA SANTAFE TORMADO

GUITARRA VOX VIRAGE SSC33VC

GUITARRA VINTAGE VRS100 C

GUITARRA VGS SERIE ROOTS

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Dos Acordes

Nueva distribución exclusiva de IdeaMúsica

Dos Acordes S.L.

Dentro de las ediciones ocupa un lugar muy destacado la música para gaita. La serie “Cuadernos de Gaita” está integrada en la actualidad por veintiún títulos que abarcan desde la iniciación con el instrumento (escalas, estudios, intervalos…) hasta obras de repertorio popular y tradicional, así como acompañadas por piano y orquesta. Otras formaciones se contemplan en libros como “Pel e Madeira” (que incluye dos CD-A para poder interpretar por encima del audio con gaitas o percusión tradicional y CD-R con las partes en PDF), o “Gaita 2.1” (en donde se ofrece una visión más actualizada del instrumento, con arreglos originales, CD-A y CD-R).

Dos Acordes es una editorial especializada en música establecida en Baiona (Pontevedra). La editora forma parte de un más amplio proyecto que incluye, además, una discográfica, funciones de asesoría cultural (enfocada a músico y a las diferentes administraciones del Estado) y sección de enseñanza; esta última es la más antigua de la empresa, que comenzó su andadura en el año 2003.

De todas ellas es la editora la que mayor visibilidad ofrece al público y la más reconocida, desde que comenzó a funcionar como sello independiente del resto de la empresa hace ocho años. Nos dedicaremos a tratar sobre ella a continuación, obviando su realidad como integrante de un proyecto de mayor cuantía, todos ellos englobados bajo el mismo logo: una clave de sol, como inconfundible icono musical, de color blanco sobre fondo azul que, aunque puede ofrecer múltiples y adecuadas simbologías se refería, originalmente, a los colores de la bandera de Galicia. De hecho, el nombre de la empresa responde tanto al idioma español como al gallego (en el que dos es el resultado de la contracción de + los).

Partituras Dos Acordes edita tanto partituras como ensayos. En el caso de las partituras ofrece tanto obras pedagógicas como de repertorio, de manera que abarca un amplio y diversificado público. Las obras pedagógicas

se dirigen a personas que se inician con el instrumento, esto es, que cursan grado elemental de conservatorio o bien estudios correspondientes a escuelas de música; entre estas obras destacan “El álbum de Clari: 101 piezas sencillas para clarinete” (que incluye CD-mp3 con el acompañamiento pianístico grabado en estudio), “Juguetes. Piezas para piano”, la serie “Esto é percusión” y “Temperando”, cuadernos de aprendizaje progresivo de gaita dentro de la más amplia colección “Cuadernos de gaita”, a la que nos referiremos posteriormente.

Dentro de las obras de repertorio sobresalen aquellas relacionadas con el ámbito histórico, autoría de compositores de la talla de Andrés Gaos, Manuel Quiroga, Reveriano Soutullo, Isidro Maiztegui, Maestro Vide y otros músicos gallegos de reconocido prestigio. Al punto de vista interpretativo se une siempre el musicológico e investigador, en forma de un estudio preliminar a cargo de figuras de reconocido prestigio en dicho campo, considerando una extensión adecuada que ayude a contextualizar la obra sin resultar excesivamente profunda ni prolija.

A estas obras de repertorio histórico se suman otras importantes contribuciones de autores contemporáneos, enfocadas tanto a solistas (guitarra, piano, voz…) como a formaciones camerísticas (cuarteto de saxos, septeto de viento, cuarteto de cuerda, percusión…) o más amplias (banda, orquesta y coro).

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Dentro del ámbito folclórico, los libros de acordeón “A man lixeira” (con CD-A) y “Deixa que soe”, se unen a “Así fan os bailadores”, uno de los escasos tratados de baile gallego abordado desde un punto de vista científico (incluye CD-A y DVD), sin negar su indudable contribución pedagógica al género de las danzas del mundo.

Musicología y ensayos Si en algo se distingue Dos Acordes es en el interés por el ensayo y la edición fruto, indudablemente, de la especialización de su director, Javier Jurado. Desde los primeros pasos de la empresa aparecieron en su catálogo importantes contribuciones en este ámbito, como el libro “Metodología de le enseñanza del piano”, así como “Improvisación libre”, que contiene, además, un

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andadura en el año 2005 como un proyecto pedagógico ligado al Departamento de Instrumentos de la música tradicional y popular galega del Conservatorio superior de música de Vigo, pero pronto superó sus expectativas iniciales para convertirse en todo un referente de publicación científica.

Es de periodicidad cuatrimestral y se edita en formato libro, con diecisiete números publicados en la actualidad, de los cuales varios estuvieron a cargo de importantes instituciones: Conservatorio Tradicional e Folque de Galicia, Instituto Carlos Vega de Buenos Aires, universidades Nova de Lisboa, de Valladolid, Salamanca... Entre sus colaboradores se encuentran los máximos representantes de estos estudios en España, estando integrado su Consejo de redacción actual por Joaquín Díaz, Luis Delgado, Enrique Cámara de Landa, Matilde Olarte y Javier Jurado, director de la publicación.

DVD. De gran acogida ha sido “El oficio de director de banda”, que realiza un recorrido por la historia de estos profesionales y que se puede considerar un libro único en su género, presentado en varias ciudades de España e Hispanoamérica por su autor, el director y compositor Carlos Diéguez.

También destacamos de entre la producción “El diseño de la programación y las unidades didácticas”, temario actualizado para las oposiciones para profesorado de conservatorio. “Análisis musical y guía para la interpretación” de la partita para flauta de J.S.Bach y de la de C.P.E. Bach presenta la dualidad estudio musicológico-edición de partituras, abriendo una línea para intérpretes con amplia formación y criterio interpretativo que la empresa pretende continuar en el futuro, aplicando su concepción a otros instrumentos.

La obra cumbre de este apartado es, sin duda, la traducción al español del “Tratado de instrumentación y del arte de la instrumentación” de Hermann Erpf. Libro fundamental para musicólogos y compositores, así como para instrumentistas avezados, Dos Acordes posee los derechos mundiales en habla hispana de este valioso texto.

Etno-Folk.

Revista de Etnomusicología Etno-Folk es la publicación periódica estrella de Dos Acordes, al ser la única revista del ámbito de la etnomusicología editada en soporte papel en España. Inició su

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Finalmente, cabe destacar dos detalles sin los que no se entendería el proyecto editorial de Dos Acordes. El primero, el cuidado y la atención puestos en la transcripción de las partituras, considerando siempre la legibilidad y la disposición, especialmente en los pases de página. Cuando se precisa incluir un elevado número de partes se proporcionan en formato PDF dentro de un CD-R, lo que facilita tanto la impresión de las copias necesarias y su conservación como el respeto al medio ambiente. Y, en segundo lugar, el diseño de los productos, incorporando una cuidada edición tanto en lo que se refiere al tipo de papel escogido como ante las portadas y formatos, considerando la comodidad y el cuidado de la presentación. A todo ello hay que sumar los bajos precios de los productos, que los hacen altamente competitivos en el mercado nacional e internacional.

Javier Jurado (Córdoba, 1961), director de Dos Acordes S.L., es Licenciado en “Historia y Ciencias de la Música”, Titulado superior en música (flauta travesera) y Doctor por la Universidad de La Coruña. Dedicado profesionalmente a la enseñanza, ha impartido docencia en todos los niveles educativos donde se imparte música. En la actualidad, es profesor de “Historia de la música” en el Conservatorio superior de música de Vigo, así como en el Máster de Investigación en artes escénicas de la universidad de dicha ciudad y en su programa de doctorado.

Es destacada, también, su labor como monitor en cursos de formación del profesorado.

Su trabajo se centra alrededor de la pedagogía y de la musicología, campos en los que ha publicado numerosos libros y artículos e impartido comunicaciones y ponencias. Sus intereses como investigador discurren alrededor de la figura de los compositores gallegos de la primera mitad del XX y en el fenómeno de la zarzuela gallega. Forma parte del Consejo científico internacional de la revista Música y Educación y ejerce como director de Etno-Folk. Revista de Etnomusicología.

Más información en www.javierjurado.com

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Armonía Moderna

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ste libro nos ofrece un material de indiscutible valor didáctico. Esta orientado para músicos de cualquier nivel, profesionales o aficionados.

Libro de 285 paginas a color con cientos de gráficos y ejemplos musicales. Juan Miguel Juanilla Martínez en los con-

tenidos y Jorge Redondo en el diseño e ilustraciones, nos plantean un nuevo concepto de libro técnico-musical. Sus páginas nos proponen un mágico viaje de figuras surrealistas, personajes parlantes, consejos, citas, que nos sumergen en el mundo apasionante de la armonía y la

Juan Miguel Juanilla (Madrid 1967) estudió en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. Como compositor y arreglista ha trabajado con numerosos artistas de la música española, abordando prácticamente todos los géneros. Como concertista ha ofrecido numerosos conciertos en solitario y con el cuarteto de músicas del mundo y fusión: Quartetoscopio.

En el 2013 recibe de las diferentes asociaciones juveniles de Tres Cantos (Madrid) el premio especial a la labor realizada en apoyo de la juventud.

Como docente, ha impartido, desde muy joven, diversas disciplinas musicales en diferentes ámbitos. Desde 1995 participa en la Escuela Municipal de Música de Tres Cantos (Madrid), contribuyendo a la formación de bandas emblemáticas como Vetusta Morla, Nazan Grein, Sons of Rock, A Capella Language, Jazz do it, etc.

En el 2012 funda su propio proyecto educativo, Musikartist 31, dedicado a la formación y desarrollo artístico del músico.

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composición musical. Podemos encontrar en este trabajo una buena colección de ejemplos musicales de autores de todos los tiempos, haciendo especial hincapié en los actuales, que van desde el clásico contemporáneo hasta el flamenco fusión, pasando por el jazz, pop, funk, etc.

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Jorge Redondo (Madrid 1964) es Licenciado en Bellas Artes por la UCM. Director de arte y coordinador editorial en zakstudio.es. Ha trabajado para las más prestigiosas editoriales del país como ilustrador, diseñador e infógrafo.

Como compositor ha escrito piezas para teatro y bandas sonoras para cortos de animación.

Como docente, fue profesor de Diseño en la FNMT durante siete años y posteriormente ha impartido decenas de cursos y másters de imagen y edición digital. Su proyecto Una vocación www.unavocacion.blogspot.com.es/ fue seleccionado en 2011 para representar a España en Campus Party Europe.

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Orquesta Sinfónica de RTVE

Asociación de Músicos Profesionales de Orquestas Sinfónicas

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l 27 de mayo de 1965 nace como una de las orquestas más jóvenes de la radio y televisión europeas, pudiéndose afirmar que cuando se habla de la actividad musical en nuestro país a lo largo de la segunda mitad del siglo XX, resulta indispensable hablar de la Orquesta Sinfónica de RTVE como protagonista de primerísima fila. Se presentó oficialmente en el Teatro de la Zarzuela de Madrid junto a su Director-Fundador, Igor Markevitch, con un programa que incluía obras de Prokofiev, Wagner, Falla y Beethoven.

Solo unos días antes había debutado con Odón Alonso en el Festival de la SIMC interpretando obras de autores como Nilsson, Webern, Stravinsky y Schoënberg.

Esas primeras actuaciones públicas marcaban ya las líneas maestras de la Orquesta: el repertorio clásico-romántico, la música española y el servicio a la creación musical de nuestro tiempo. Markevitch repetiría aquel concierto inaugural en 1982, pocos meses antes de su muerte, cerrando así un período histórico de la Orquesta.

Carlos Kalmar nació en Uruguay, de padres austríacos y actualmente reside en Viena. Estudió dirección de orquesta con Karl Österreicher en la Escuela Superior de Música de Viena y en 1984 ganó el primer premio del concurso de Dirección de Orquesta Hans Swarowsky. Ha ocupado puestos de Director de Música en la Hamburg Symphoniker (1987 - 1991), Stutgart Philharmonic (1991 - 1995), Anhaltisches Theater, Philharmonic Orchestra in Dessau (1996-2000) y la Niederösterreichisches Tonkünstlerorchester en Viena (2000 - 2003). Con 21 años de experiencia como director, actualmente se encuentra en su séptimo año como conductor de la Oregon Symphony Orchestra, donde ha conseguido elevar tanto el nivel musical como la disciplina de los músicos.

Photo @ Jay Moreau

AMPOS

Tras él desempeñarían el puesto de Director Titular Antoni Ros Marbà (1965-1967), Enrique García Asensio (1966-1984), Odón Alonso (1968-1984), Miguel Ángel Gómez Martínez (1984-1987), Arpad Joó (19881990), Sergiu Comisiona (1990-1998) de nuevo García Asensio (1998-2001), Adrian Leaper (2001-2010) y actualmente Carlos Kalmar es su Director Titular.

También han visitado la Orquesta maestros como Celibidache, Maazel, Rozhdestvensky, Kondrashin, Frühbeck de Burgos, Inbal, Walter Weller, López Cobos, Dutoit, Leif Segerstam, Albrecht, Rilling entre muchos otros. Entre los compositores que han subido al podio de la Orquesta para dirigir sus propias obras destacan los nombres de Nadia Bulanger, Carlos Chávez, Aarón Copland, Luciano Berio, Cristóbal Halffter, Tomás Marco, Mauricio Kagel o Kryzsztof Penderecki.

Aún siendo la radio y la televisión el vehículo natural de la Sinfónica de RTVE (lo que ha hecho de ella la Orquesta más escuchada de España), su residencia permanente en Madrid la ha llevado a distintas sedes hasta 1988 que se instala definitivamente en el Teatro Monumental. A la presencia del conjunto en los principales festivales españoles hay que añadir el espaldarazo internacional que podrían resumir sus actuaciones en el Carnegie Hall de Nueva York (1971), Royal Festival Hall de Londres

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(1975), Tonhalle de Zurich (1986), Théatre Chatelet de París (1986), Suntory Hall de Tokio (1988), L’Arsenal de Metz (1989), Festival Enescu de Bucarest (1995), Estrasburgo (1998) Festival de Otoño en Varsovia (2008).

En junio de 2007 realizó una gira de conciertos en distintos auditorios de Japón: Tokyo Metropolitan Art Space, Music and Art Center en Niigata, Ongaku Center en Takasakishi (Gunma) y Utsunomiyashi Bunka Kaikan en Tochigi; así como la grabación de dos programas para el Canal de Televisión Asahi en el Bunkyo Civic Hall de Tokio.

La Orquesta Sinfónica de RTVE mantiene una interesante actividad discográfica. Ha realizado innumerables grabaciones para el archivo sonoro de RNE. En los últimos años ha grabado para el sello de RTVE y, para los sellos VERSO, NAXOS y WARNER. En el presente año la Orquesta Sinfónica y el Coro de RTVE ha recibido el premio Codalario a la Mejor Entidad Musical 2013 y el premio Personalidad por su aportación al panorama musical español por sus casi 50 años de magnífica trayectoria y por la difusión de la música de concierto al gran público, en el Festival Spanish Brass Alzira.

En el año 2015 la Orquesta Sinfónica de RTVE celebrará su 50 aniversario.

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Novedades viento

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s presentamos las últimas novedades en estuches y fundas de Ortolá para el transporte y protección de instrumentos de viento. El continuo esfuerzo que Ortolá realiza por mejorar el producto y satisfacer las necesidades del mercado motiva el diseño y lanzamiento de nuevos modelos.

Cumpliendo con las necesidades de muchos músicos profesionales, han fabricado el primer Estuche para clarinete SIB y Oboe. Ref. 8163. Este estuche tiene un diseño más moderno, vivo e innovador realizado con la combinación de una plantilla joven y experimentada, a la vez, que comprometida con ofrecer productos con la mejor garantía. Fabricado en poliéster negro plastificado, con interior

de poliuretano inyectado forrado de terciopelo negro, que ofrece mayor protección del instrumento. Este tipo de acolchado del estuche permite una perfecta adaptabilidad del instrumento en forma y en sujeción. La tapa viene acolchada para poder adaptarse a él. Incorpora mochila acolchada para mayor comodidad y protección en el transporte, bandolera de nylon regulable con hombrera acolchada para transportarla tipo maletín, asas de polipiel, tira bisagra de cinta de nylon,

bolsillo con capacidad para partituras y en la parte inferior 4 tacos para su estabilidad. Además, dispone de solapa con velero para guardar la mochila cuando no esté en uso. Sus medidas son 42 cm de largo, 30 cm de alto y 12 cm de ancho. El acabado en su diseño lo hace más moderno y actual. Dispone de un sujeta asas con cierre turquesa y los tiradores de las cremalleras son del mismo color.

En segundo lugar, con un diseño igual de moderno y actual, ofrecen el Estuche Flauta Piccolo. Ref. 8164. En el mercado no existía un modelo único para flauta piccolo, siempre iba acompañado de la flauta travesera. Por esa necesidad en este segmento, Ortolá ha querido hacer un estuche solo para este instrumento. Está fabricado en poliéster negro plastificado, con interior de terciopelo negro y un acolchado de poliuretano inyectado que ofrece mayor protección al instrumento. Dispone de bandolera de nylon regulable con hombrera acolchada, bolsillo y asas. Sus medidas son 24 cm de largo, 8 cm de alto y 8 cm de ancho.

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ORTOLÁ

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En cuanto a fundas, presentan la nueva Funda para Trombón Alto. Ref. 152.

Esta funda es de fabricación propia de la marca valenciana, con acabados de alta calidad como sus cosidos. Hecha de poliéster negro plastificado, con interior de velour negro y un acolchado de 25 mm.

Incorpora mochila de nylon con hombreras que ofrecen mayor confort en el transporte, sistema de piquetas y

mosquetones para poder quitar la mochila, asas para su transporte a mano y dos bolsillos. Uno de ellos en la parte frontal con compartimento especial para la vara y con un sistema de cierre de seguridad. Todo ello garantiza una altísima calidad y resistencia en el tiempo.

Como complemento a esta funda tienen la nueva Funda de Sordina Trombón Wha-Wha. También de fabricación propia está hecha de terciopelo negro en el exterior para tratar con suavidad el accesorio, con el interior de velour y un acolchado de 6 mm para su protección. Incorpora un mosquetón para enganchar la funda a una funda de trombón o al pantalón.

Entre sus últimas novedades en accesorios de viento están estas sordinas de trompeta. Disponen de 3 modelos: STRAIGHT 1, PRACTICE JX y PRACTICE 3X. Ya están disponible en vuestra tienda de música más cercana.

STRAIGHT 1

PRACTICE 3X PRACTICE JX

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Novedades en fundas para instrumentos de percusión

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rtolá sigue diversificando su oferta en este segmento de mercado de forma transcendente. Además de tener precios muy competitivos en todo tipo de fundas y estuches, fabrica fundas a medida para cualquier instrumento.

Entre las últimas novedades en fundas para instrumentos de percusión presentan esta funda de baquetas de batería redonda pensada para profesionales de la percusión.

Por otro lado, disponen de esta funda de triángulo de 5” y 6” de 17 × 17 × 17. Está fabricada en poliéster negro plastificado, con el interior de poliéster negro y un acolchado de 4 mm. Estos productos ya están disponibles en vuestra tienda de música habitual.

Muy práctica, con un diseño vintage y forma cilíndrica está fabricada en poliéster plastificado marrón, con forro de poliéster marrón y un acolchado de 5 mm. Dispone de 4 compartimentos para baquetas interiores con una capacidad interna de 32 baquetas modelo tipo 5A. Bandolera de nylon regulable con hombrera acolchada para mayor confort en el transporte. Tiene 8 bolsillos exteriores que rodean toda la funda, cuatro de ellos con capacidad para poner más baquetas. Además, estos bolsillos disponen de velcros para poder coger las baquetas con total facilidad.

Dos asas acolchadas, que combinan la comodidad con la mayor sujeción de la funda para transportarla, una de ellas situada en un lateral y la otra en la parte superior.

Por último, en la parte inferior dispone de 3 tacos para su estabilidad.

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Cuerdas For-Tune

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esde hace siglos, la búsqueda de un ideal de sonido ha estado en la mente de muchos instrumentistas de cuerda. Una fascinación por un ideal en la que cada músico se ha aproximado desde sus medios técnicos e instrumentales.

El arco se friega sobre la cuerda y produce un sonido único e irrepetible. A la sonoridad personal de cada músico le sumamos el sonido especial de su instrumento, arco y además un factor que a menudo se ha infravalorado pero tiene un efecto evidente sobre el sonido: La cuerda.

intrínsecas d e

Después de aplicar el método científico de hipótesis, prueba y error miles de veces durante 9 años de trabajo, Sergi Boadella y Curdin Coray junto con Beijing XingHai For-Tune Musical instrument Co. Ltd, han desarrollado las series de cuerdas Charm y Opal. Para ello se ha contado con la participación en activo de varios intérpretes de primer orden.

El objetivo ha sido en todo momento la búsqueda de un sonido bello, potente e interesante con una respuesta fácil y agradable a la mano y al arco. Las cuerdas Charm y Opal han sido desarrolladas por y para artistas para proporcionar una herramienta artística de primera categoría a los músicos a un precio muy competitivo.

construcción. Pero con unas cuerdas apropiadas a la menor longitud y tensión de cuerda se obtienen unos resultados espectaculares. Estas cuerdas se ha hecho con toda la pasión y cuidado que se merecen nuestros pequeños músicos para que aprendan a cuidar y valorar el sonido desde los primeros pasos con el instrumento.

Charm

Cuerdas Charm de violín

Gracias a este trabajo conjunto podemos ofrecer las cuerdas Charm, un producto absolutamente innovador en el mercado.

Las nuevas cuerdas Charm son cuerdas de primera calidad pensadas para ser tocadas por músicos de todos los niveles; desde músicos profesionales hasta estudiantes a unos precios muy asequibles y con unas características y un sonido muy personales.

Las cuerdas Charm de violín combinan la riqueza del sonido de las cuerdas de tripa con la comodidad de ejecución de las cuerdas sintéticas. Las cuerdas responden con gran facilidad en todas las dinámicas y con ellas se obtiene un sonido brillante y lleno de matices.

Tres eminentes intérpretes, Daniel Hauptmann (violín), Sergi Boadella (violonchelo) y Antonio García Araque (contrabajo), han unido sus esfuerzos y talentos con la finalidad de diseñar unas nuevas cuerdas con las que conseguir el ideal de sonido que comparten. El reto ha sido trabajar con materiales económicos y conseguir magníficos resultados. Los tres intérpretes han trabajado junto con los artesanos especializados de Beijing XingHai For-Tune Musical instrument Co. Ltd, dirigidos por Mr. Jin Ran, uno de los constructores artesanos de cuerdas de instrumento más reconocidos.

Las cuerdas Charm de violonchelo tienen un sonido rico, intenso y muy concentrado. Con estas cuerdas se obtiene un sonido cálido y uniforme con una gran proyección. Las cuerdas reaccionan con mucha facilidad y son agradables al tacto. Los agudos cantan con mucha personalidad y los graves son profundos y flexibles gracias al tungsteno utilizado para su construcción.

Las series Kids de Charm para violín y violonchelo son unas cuerdas para instrumentos pequeños de primera calidad. Tendemos a pensar que los instrumentos pequeños no tienen un buen sonido por sus características

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VALLÈS TRADE

Cuerdas Charm de violonchelo

OPAL Las cuerdas Opal han sido desarrolladas por el músico suizo Curdin Coray. En estos momentos están a disposición las cuerdas Opal Green de viola que salen al mercado después de ser probadas, aceptadas y queridas por varios músicos de la orquesta Filarmónica de Berlín.

Cuerdas Opal de viola Las cuerdas Opal Green de viola son las cuerdas hechas a mano con alma de nylon de más calidad que existen en el mercado.

Su sonido es claro, cálido y potente, con un amplio espectro de armónicos similar a las cuerdas de tripa.

Comparado con las cuerdas tradicionales, con Opal Green de viola se consigue un sonido intenso y transparente sin una tensión excesiva.

Cuerdas Charm de contrabajo Las cuerdas Charm de contrabajo tienen una respuesta muy precisa y directa. Poseen un gran equilibrio entre potencia, precisión y dulzura. Con las cuerdas Charm de contrabajo se obtiene una inmensa gama de colores y matices pudiendo crear un sonido de gran calidad.

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Cuerdas Knobloch

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resentamos las magníficas cuerdas para guitarra Knobloch fabricadas en España. Estas cuerdas fomentan la expresión musical del guitarrista, aportando más seguridad y comodidad en la interpretación. Una producción limitada de cuerdas hace posible un mayor control y una mayor calidad. Paralelamente, la investigación con nuevos materiales y nuevas técnicas en busca de mejor sonido es constante. La pasión compartida de músicos y luthiers permite fabricar productos específicos adaptados a las necesidades individuales, evolucionando hacia nuevas formas de entender y hacer vivir la música.

Las cuerdas Knobloch Actives ofrecen un amplio abanico de colores y un gran volumen sonoro gracias a la utilización de materiales nobles. Una extrema facilidad en el toque y buen vibrato. Su perfecto equilibrio hace que no se note la tensión de las cuerdas. Además, destacan por una gran resistencia y durabilidad para el toque intensivo gracias a la selección y control de materiales de alta calidad.

Las cuerdas Double Silver Q.Z. En nuestra búsqueda para los amantes del nylon hemos adaptado y equilibrado los bajos Q.Z. con la nueva generación de primas Q.Z. más finas y dulces. El resultado es un volumen y unos diámetros de cuerdas equilibrados entre sí, facilitando un sonido general redondo y fino. Disponibles en tensión media, alta y media/alta.

Las cuerdas Double Silver C.X constituyen una referencia y un clásico entre las cuerdas de nueva generación por su sonido brillante, potente y cálido. El equilibrio perfecto entre el sonido vigoroso y profundo de los bajos con las primas C.X. de gran proyección hace que éste sea el juego con más volumen sonoro. Disponibles en tensión media, alta y media/alta.

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Las cuerdas Special Nylon gracias al ma­yor grosor y la especificidad del material (diámetro) de las primas Special Nylon permiten un sonido redondo y dulce. Combinadas con los bajos Double Silver C.X. favorecen un toque suave, fácil y preciso. El resultado es un sonido tradicional, con una afinación perfecta, que no pierde volumen sonoro.

El entorchado de los bajos Knobloch Actives se realiza a temperatura controlada mediante un alambre constituido por una aleación de cobre puro de la mejor calidad bañado en un porcentaje elevado en plata. El alma está compuesta de composite multifilamento.

Los bajos Knobloch Actives Sterling Silver son exclusivas cuerdas de material noble.

La plata de gran pureza dulcifica y prolonga el sonido, favoreciendo la delicadeza y emotividad en la interpretación del guitarrista. Además, gracias a la plata esterlina, presentan una inmejorable durabilidad.

Este juego además, destaca por un sonido con mucho cuerpo y una gran capacidad sonora, lo que las hace especiales para grabaciones de estudio y directo.

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Los bajos Knobloch Actives Sterling Silver combinados con las primas nylon Q.Z. permiten tener un toque muy suave, con un sonido dulce y equilibrado con mucho cuerpo. La afinación se mantiene y es perfecta en cualquier posición, la vibración es continua e inmejorable.

Este juego proyecta una potencia y dulzura en los bajos de plata esterlina resaltando la brillantez y el volumen de las primas C.X. La gran densidad de los materiales utilizados para su fabricación permite crear una cuerda de diámetro finísimo.

La afinación se mantiene y es perfecta en cualquier posición, la vibración es inmejorable y continua.

El entorchado de los bajos Knobloch Actives Sterling Silver se realiza a temperatura controlada mediante un alambre constituido de plata pura esterlina con un pequeño porcentaje de cobre para que sea maleable. El alma está compuesta de composite multifilamento.

music@vallestrade.com

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Muchas de las artrosis temporomandibulares tienen su origen en el mal posicionamiento de la mandíbula en los violinistas

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espués de visitar a diversos pacientes en nuestra consulta, afectados todos de dolor en la articulación de la masticación, nos hacemos esta reflexión:

Asociación de Músicos Profesionales de Orquestas Sinfónicas

Si la fuerza que se ejerce sobre un lado articular permanece durante un tiempo, la articulación sufre. Comprueben ahora mismo si al palpar en la zona marcada que muestra el dibujo sienten dolor:

¿Podemos pensar que no hay consecuencias en estar apoyado durante varias horas al día en un mismo punto del cuerpo?

La articulación en la que se apoya el violín o la viola es móvil. Lo podemos comprobar si en este mismo instante en el que estamos leyendo este escrito empujamos con nuestra mano la barbilla hacia un lado. No es importante si la dirección de la fuerza que genera el instrumento sobre nosotros, o en este caso la mano, es más o menos centrada, ya que lo que importa es la fuerza que ejerce y sus consecuencias. O si colocamos la musculatura tensa (empeorará la sonoridad por falta de vibración, aunque esto no es objeto de este artículo) el músculo se hiper-tonifica, se vuelve más rígido y no exime de padecer las consecuencias de las que detallamos a continuación ejerce el instrumento.

Observen cómo al ejercer la presión con la mano en su barba, tanto si ejercen tensión cómo si no, hay una respuesta de movilidad, más o menos grande, más o menos tensa.

Detalles de una desviación en la mordida del paciente.

En los niños que están empezando a tocar el instrumento y ya nos encontramos con dolor a la palpación a los 10 o 12 años, esto es grave.

Anatomía de cabeza y cuello para odontólogos, Netter 2007

El hecho de provocar un desplazamiento hacia un lado en una articulación que debe trabajar siempre al unísono en un lado y en el otro, provoca un funcionamiento articular, ligamentoso y muscular erróneo.

Algunas de sus consecuencias más inmediatas son:

• Dolor a la palpación • ¿Limitación en los movimientos?

¿Oyen chasquidos? ¿Oyen ruidos al abrir o cerrar la boca?¿tienen la sensación que les va a salir de sitio?

• Desgaste de las cavidades articulares y del disco articular.

Ilustración de los ligamentos extrínsecos. (Netter, Anatomía de cabeza y cuello para odontólogos, 2007)

Según la ilustración se pueden observar la cantidad de ligamentos contráctiles y extensibles que están dispuestos en esta estructura y que están dispuestos para realizar un trabajo simétrico.

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Al cabo del tiempo este desgaste se convierte en la temida artrosis. No es lo mismo una artrosis de rodilla que puede acabar como peor y muy frecuente de los casos en una prótesis, que una artrosis de ATM. Eso último te limita el poder comer, por ejemplo. Hablamos de cosas mayores y muy serias.

CENTRO DE PREVENCIÓN DE ARTES ESCÉNICAS

www.cpae.net

Están modificando el crecimiento facial y craneal al alterar el funcionamiento motor articular y muscular básico. Aunque no nos hemos parado a detallar las funciones de la boca en su totalidad, diremos en este párrafo que es una de las partes del cuerpo que tiene conjuntamente con los ojos y los pies la importancia más relevante en el equilibrio del ser humano.

Desde el CPAE se recomienda a los profesores y educadores de violín y viola que tengan una especial sensibilidad con este tema ya que tienen en sus manos la capacidad de enseñar a sus alumnos un arte exquisito que a su vez genera un elevadísimo tanto por ciento de posibilidades de desequilibrar esta articulación si no se trata a tiempo.

Por favor, recuerde que sentir dolor no es funcional ni sano, ni normal. Pregúntese a sí mismo si siente dolor en esa articulación y pregunte también a sus alumnos. No debe existir nada de dolor a la palpación de la articulación, ni con la boca abierta ni con la boca cerrada. Si sienten dolor, por favor, ocúpense y visítese con un odontólogo especializado en disfunción temporomandibular. Tiene solución y además van a mejorar su calidad artística y de vida.

Gerardo Ruales, dentista Ana Velázquez, fisioterapeuta

cpae.cpae.net

Tel.: 933 572 986

Asamblea General de AMPOS 2014

Asociación de Músicos Profesionales de Orquestas Sinfónicas

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l pasado 9 de Junio se celebró en Madrid, en la sede de la Sociedad de Artistas AIE, la 7ª Asamblea General Ordinaria de socios de AMPOS (Asociación de Músicos Profesionales de Orquestas Sinfónicas).

Asistieron músicos de las 26 orquestas españolas y con una participación por delegación de más del 85% de los asociados.

La Asamblea General es el órgano supremo de gobierno de la Asociación y está integrada por todos sus asociados.

Se convoca anualmente para aprobar, si procede, la Gestión de la Junta Directiva, la Memoria de Actividades y la Cuenta de Resultados todo ello referido al ejercicio de 2013, siendo aprobados todos los apartados por unanimidad. Como siempre, sirvió también como plataforma entre todos los músicos para exponer, intercambiar y unificar ideas gracias a la unidad y a la información de todo lo que acontece en el ámbito sinfónico español.

El presidente, David Morales, expuso en detalle las gestiones realizadas por la Junta Directiva. Cabe destacar:

• El concierto organizado por AMPOS

con la colaboración de AIE, en l’Auditori de Barcelona bajo el título Todos Somos Música.

• El Concierto Simultáneo, organizado

en 16 ciudades españolas, en la misma fecha y hora con participación de los músicos profesionales pertenecientes a las orquestas sinfónicas.

• La participación de AMPOS en las re-

uniones celebradas en Bruselas, en el Comité de Diálogo Social Europeo de actuaciones en vivo.

• Campaña solicitando la bajada del

• Campaña y presentación de adhesio-

nes solicitando al Parlamento Europeo la aprobación de una norma que permita que los instrumentos musicales sean considerados equipaje de mano en los vuelos europeos.

IVA para la Cultura.

• Las acciones de colaboración y apoyo

junto a AIE en los conciertos organizados por los músicos de la Orquesta y Coro de la Radio Televisión Española y también con los músicos de la Orquestra Simfònica de les Illes Balears “Ciutat de Palma”.

AMPOS

• La alta participación en las redes so-

www.ampos.es

ciales, como el propio Facebook de la Asociación.

Todos los conciertos celebrados han sido seguidos por numeroso público justificando la necesidad de la música como bien cultural.

Un dato esperanzador ha sido la noticia del aumento de afiliación. Queda patente que los músicos cada vez más estamos tomando conciencia de la necesidad de estar unidos para dar soporte a nuestro proyecto común.

administracion@ampos.es

Tel.: 932 920 555

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D’Addario Pro Arte Carbon

E

xperimenta el tono vibrante, con proyección y contemporáneo de las cuerdas D’Addario Pro Arte Carbon. Diseñadas según las rigurosas especificaciones de nuestros tiples de nylon Pro Arte, nuestras cuerdas de fluorocarbono proporcionan una mejor entonación, un ataque con respuesta y un tono moderno con proyección. En combinación con los gruesos y potentes bordones Dynacore, las Pro Arte Carbon ofrecen la combinación ideal de tensión y tono para el intérprete clásico de hoy.

• Tiple de carbono diseñadas para un

máximo nivel de calidad y una consistencia sin igual.

• Combinadas con el potente tono de

los bordones Dynacore, construidos utilizando nuestro exclusivo material de núcleo trenzado multifilamentado con una técnica revolucionaria de bobinado.

• La cuerda ideal para ser escuchado

con claridad y perfectamente en cualquier sala de conciertos o grabación.

EJ45FF Carbon Normal Juego de cuerdas para guitarra D’Addario EJ45FF Carbon Normal Tension. Diseñadas según las rigurosas especificaciones de nuestros tiples de nylon Pro Arte, nuestras cuerdas de fluorocarbono proporcionan una mejor entonación, un ataque con respuesta y un tono moderno con proyección.

En combinación con los gruesos y potentes bordones Dynacore, las Pro Arte Carbon ofrecen la combinación ideal de tensión y tono para el intérprete clásico de hoy.

Set

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EJ46FF Carbon Hard Juego de cuerdas para guitarra D’Addario EJ65FF Carbon Hard Tension. Diseñadas según las rigurosas especificaciones de nuestros tiples de nylon Pro Arte, nuestras cuerdas de fluorocarbono proporcionan una mejor entonación, un ataque con

respuesta y un tono moderno con proyección. En combinación con los gruesos y potentes bordones Dynacore, las Pro Arte Carbon ofrecen la combinación ideal de tensión y tono para el intérprete clásico de hoy.

1ª

2ª

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5ª

6ª

diámetro/tensión

diámetro/tensión

diámetro/tensión

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diámetro/tensión

diámetro/tensión

EJ45FF

0.0440

15.250

0.0272

15.350

0.0331

14.320

0.0280

13.640

0.0350

14.700

EJ46FF

0.0248

22.740

0.0280

16.270

0.0339

15.020

0.0290

15.280

0.0360

16.970

LETUSA S.A.

www.letusa.es

info@letusa.es

Tensión Total 73.260

0.0460

16.360

102.640

Tel.: 914 862 800

Micrófonos de condensador Micrófono de válvula LCT 940 Los profesionales de sonido de forma natural se basan en un conjunto de diferentes micrófonos de alta calidad con el fin de obtener lo mejor de su sonido. Pero el cambio de micrófonos y ajuste de la configuración lleva un tiempo muy valioso, el flujo creativo de una sesión se interrumpe. Con su nuevo buque insignia de la serie Authentica, el LCT 940, Lewitt presenta ahora un micrófono que va a revolucionar los procedimientos modernos de los estudios de grabación y ayudará a ingenieros y artistas a reaccionar más rápidamente a un cambio de estilo y sonido. Combina convertidores de impedancia de válvula y FET en un solo micrófono para entregar máxima libertad creativa. Cápsula de 1” de alta precisión combinada con una válvula de doble triodo para asegurar un sonido a válvula muy bien detallado, suave y cálido. Amplio rango dinámico de 128 dB-A (válvula) / 135 dBA (FET) y un nivel extremadamente bajo de ruido de 12 dBA (válvula) / 8 dBA (FET). Conmutación y mezcla variable continua de la impedancia basada en la válvula y FET a través de un potenciómetro giratorio. Nueve patrones direccionales - cardioide, omni-direccional, figura 8, amplia-cardioide, super-cardioide y cuatro patrones intermedios para un perfecto ajuste y máxima flexibilidad. Jogdial fácil de usar para seleccionar el patrón polar deseado. Cuerpo sólido de fundición con una estilosa ventana de inspección con un recubrimiento especial para una óptima protección contra la interferencia electromagnética. Botones silenciosos para la atenuación y la selección HPF. Key-Lock, con historia de saturación y atenuación automática. Interfaz de usuario iluminado para una manipulación rápida y sencilla. Viene en un elegante estuche de aluminio negro con capas de espuma, incluye fuente de alimentación PSU 940 con

armazón totalmente metálico y frontal de aluminio anodizado negro, soporte LCT 40 SHxx, cable XLR de 11 pines con conectores chapados en oro LCT 40 Tr para conectar a la fuente de alimentación, antiviento LCT 40 Wxx. - Principio de funcionamiento acústico: transductor de presión gradiente, polarizado externamente. Diámetro transductor: 25,4 mm, 1 pulgada. Patrón direccional: cardioide, omni, broadcardiode, cardiode, super cardiode, figura en 8, seleccionable en el mando a distancia. Rango de frecuencias: 20 - 20.000 Hz. Sensibilidad: 23 mV/Pa (-33 dBV) cardiode, 20 mV / Pa (-34 dBV) omni, 23 mV / Pa (-33 dBV) figura en 8.

Relación señal/ ruido (FET): 86 dBA, Relación señal/ ruido (válvula): 82 dBA. Nivel de ruido equivalente (FET): 8 dBA, cardioide (IEC 61672-1), 9 dBA, omni (IEC 616721), 8 dBA, figura-8 (IEC 61672-1). Nivel de

Patrones polares LCT 940 Figura de 8

Super cardioide

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LETUSA S.A.

www.letusa.es

ruido equivalente (válvula): 12 dBA, cardioide (IEC 61672-1), 13 dBA, omni (IEC 61672-1), 12 dBA, figura-8 (IEC 61672-1).

Rango dinámico del amp. mic. FET: 135 dB-A. Rango dinámico del amp. mic. Válvula: 128 dB-A. Max. SPL para 0,5% THD (FET): 143 dB, 0 dB pre-atenuación, 149 dB, 6 dB pre-atenuación, 155 dB, 12 dB preatenuación, 161 dB, 18 dB pre-atenuación.

Max. SPL para 0,5% THD (Válvula): 140 dB, 0 dB pre-atenuación, 146 dB, 6 dB pre-atenuación, 152 dB, 12 dB pre-atenuación, 158 dB, 18 dB pre-atenuación. Pad de preatenuación: 6 dB, 10 dB, 18 dB, conmutable. Atenuación filtro graves: 12 dB / octava a 40 Hz, 6 dB / octava a 150 Hz, 6 dB / octava a 300 Hz. Impedancia nominal: <200 ohmios. Impedancia nominal de carga: >1.000 ohmios. Alimentación: Fuente de alimentación propia 230 V, 50 Hz. Consumo de corriente: 170 mA. Dimensiones micrófono: 192 x 60 x 46 mm. Dimensiones PSU: 250 x 150 x 70 mm. Peso neto micrófono: 662 g. Peso neto PSU: 1,93 Kg.

Micrófono LCT 340

Principio de funcionamiento acústico: transductores de presión y presión gradiente, polarizado externamente. Diámetro transductor: 17 mm, 0,67 pulgadas.

Patrón direccional: cardioide. Rango de frecuencias: 20 - 20.000 Hz. Sensibilidad: 9 mV / Pa (-41 dBV), 8 mV / Pa (-42 dBV).

Relación señal/ ruido: 79 dBA. Nivel de ruido equivalente: 15 dBA, cardioide (IEC 61672-1), 16 dBA, omni (IEC 61672-1).

Rango dinámico del amp. mic.: 124 dBA. Max. SPL para 0,5% THD: 139 dB, 0 dB de pre-atenuación, 145 dB, 6 dB de pre-atenuación, 151 dB, 12 dB de pre-atenuación, 157 dB, 18 dB de pre-atenuación. Pad de pre-atenuación: 6 dB, 12 dB, 18 dB, conmutable. Atenuación filtro graves: 12 dB / octava a 40 Hz, 6 dB / octava a 150 Hz, 6 dB/octava a 300 Hz. Impedancia nominal: <150 ohmios. Impedancia nominal de carga: >1.000 ohmios. Alimentación: 48 V ± 4 V (IEC 61938). Consumo de corriente: 6,6 mA (IEC 61938). Dimensión: 24 diámetro ×160 mm. Peso neto: 200 g.

info@letusa.es

Tel.: 914 862 800

Afinador de pinza Dolcetto

L

a serie Dolcetto de afinadores son lo último en modelos para instrumentos orquestales en la serie AW de afinadores de pinza de Korg que se pueden sujetar directamente a la campana u otra parte del instrumento para una afinación conveniente.

Dolcetto-T está optimizado para su uso con la trompeta y el trombón. La serie Dolcetto de afinadores son lo último en modelos para instrumentos orquestales en la serie AW de afinadores de pinza de Korg que se pueden sujetar directamente a la campana u otra parte del instrumento para una afinación conveniente

Dolcetto V

Especificaciones técnicas

Dolcetto-V está equipado con un clip especial y un modo dedicado para violín y viola. La serie Dolcetto de afinadores son lo último en modelos para instrumentos orquestales en la serie AW de afinadores de pinza de Korg que se pueden sujetar directamente a la campana u otra parte del instrumento para una afinación conveniente.

Escala: 12 notas temperamento igual.

Quinta Pura (Violín, Viola) Rango: Cromático A0 (27.50 Hz) - C8 (4.186 Hz). Precisión: ±1 cent. Tono de referencia: A4 = 410 - 480 Hz (pasos de 1 Hz). Rango de transposición: C, F, B-flat, E-flat. Metrónomo: Rango de Tempo: Cuarto de nota = 30 - 252 por minuto. Precisión: ± 0.1 %. Rango de Ritmo: 0 - 5 beats, duplet, triplet. Dimensiones: 77 (An) × 69 (Pr) × 34 (Al) mm. Peso: 34 g (incluyendo batería). Vida de la batería: Aproximadamente 8 horas (afinador funcionando continuamente, entrada A4) Metrónomo: Aproximadamente 8 horas (metrónomo funcionando continuamente Tempo = 120, 4 beats, Sonido) Accesorios: Pila CR2032 litio (3V).

Dolcetto T

Fishman ToneDEQ

F

EQ Avanzado de 4-bandas

ishman presenta el nuevo ToneDEQ una solución completa para el músico acústico. Con un preamplificador de alta calidad, sección de efectos duales, controles de tono, compresor, realce de nivel y una DI balanceada, tiene todo lo que necesita en un solo pedal.

El legendario diseño del ecualizador de 4 bandas ofrece un control de tono superior para cualquier instrumento acústico.

El filtro corte de graves variable controla los efectos sub-graves producidos por algunas pastillas pasivas.

Circuitería analógica pura

Especificaciones técnicas

La ruta de la señal analógica pasa de un extremo a otro, del preamplificador a la salida, para ofrecer a los músicos acústicos una calidad tonal más rica. Incluso los efectos digitales se mezclan en paralelo, de modo que no afectan a la pureza de su instrumento acústico.

Etapa DI totalmente balanceada

Previo Discrete Clase A

Salidas flexibles que incluyen una salida de amplificador de ¼” y salida XLR DI para el menor ruido posible. Además, la DI dispone de ground-lifting automático y ajustes de ecualización pre/post seleccionables.

Con Fishman, obtiene el acondicionamiento de señal de calidad discrete Class A creada por el líder en el diseño de previos para instrumentos. La entrada de alta impedancia es una necesidad para cualquier pastilla pasiva de instrumentos.

LETUSA S.A.

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Entrada de diseño Discrete Class-A JFET, 10 Meg Ohm. Ruta de la señal analógica con efectos digitales en paralelo. EQ de 4-Bandas con Graves, Medios, Agudos y Corte de graves seleccionable. Efectos duales - Reverb (2) o Delay (2), Chorus (2), Flanger o Tremolo. Compresor de codo suave, pedal boost (hasta 9 dB). Inversión de fase seleccionable para controlar la retroalimentación. Entrada y salida ¼” mono, salida balanceada XLR DI con enrutamiento pre/ post. Alimentación: batería de 9 voltios (no incluida) o adaptador Fishman 910R CA (opcional). Dimensiones: 13,61 fondo × 24,13 ancho × 5,58 alto (cm).

info@letusa.es

Tel.: 914 862 800

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Boquilla D’Addario Select Jazz DM

J

oel Vanderheyden es un saxofonista versátil, compositor y reputado educador con una tremenda pasión por el poder unificador de la música. Como intérprete es miembro de la St. Louis Jazz Orchestra y del Missouri Saxophone Quartet con los que ha actuado en Los Paises Bajos, Francia, Suiza, Escocia y por todo los Estados Unidos además de festivales, clubs de Jazz, etc consiguiendo con su álbum debut de composiciones originales ser seleccionado como uno de los mejores álbumes de 2009 por KCCK. Actualmente, Joel Vanderheyden ejerce de profesor adjunto de Música y Director de Jazz en el Jefferson College en Hillsboro, MO, y profesor asistente en la Universidad de Missouri-St. Louis combinando su programa activo de docencia con actuaciones y clinics para D’Addario y Selmer.

La capacidad de regulación del flujo de aire en esta boquilla es realmente adictiva y seductora. Una verdadera cualidad única y que podría convencer a más de un amigo mío a sustituir sus estuches repletos de boquillas para diferentes usos por esta única y que es capaz de funcionar como diez diferentes”.

Y aunque en el fondo siempre he considerado que dirigirte a las marcas para encontrar una boquilla de Jazz no es el mejor camino al aparecer alguna vez esa boquilla Vintage o Custom que te da lo que realmente estabas buscando, dada la escasez de excelencia, disponibilidad, asequibilidad y consistencia de este tipo de boquillas en el mercado, esta es quizás la mejor opción.

Pero gracias a la esmerada dedicación y trabajo de la personas en D’Addario, esto por fin está a punto de cambiar…. y no puedo estar más emocionado ¡!

Acerca de la Boquilla Select Jazz D7M “Cuando mis estudiantes me piden recomendaciones sobre qué boquilla para Jazz debería probar, siempre cojo esta pregunta con muchísima cautela por lo delicado y personal de la respuesta. Así, en última instancia, les digo que lo mejor es probar varias hasta encontrar el sonido que más le convenga a cada uno.

Sin embargo, por otro lado, el mercado de boquillas se ha inundado de muchas opciones y/o alternativas por lo que actualmente en lugar de enviarlos a buscar “esa aguja en el pajar” dentro de tanta oferta, me he inclinado a recomendarles algunas marcas que conozco con el objetivo de les puedan servir de guía orientativa y ayudarles en esa compleja búsqueda.

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MUSIC DISTRIBUCIÓN S.A.

La primera vez que toqué con la boquilla D’Addario Select Jazz me vi obligado a realizar una segunda prueba para “asegurarme” de que no estaba usando de manera accidental mi boquilla Vintage favorita. La D7M parecía como si fuera una vieja amiga y fue muy emocionante comprobar la personalidad única con la que comenzó a revelarse; y mientras que otras boquillas que he probado las encuentro sin consistencia o personalidad, la boquilla Select Jazz está cargada de matices y una repuesta absolutamente electrizante.

Sin duda, la aparición de la boquilla Select Jazz va a provocar un cambio en las reglas del juego para muchísima gente ya que no tendrán que ir buscando entre boquillas antiguas y/o usadas para encontrar ese diamante que anhelan porque sencillamente ya se encuentra aquí, es excelente, está disponible y va a ser a partir de ahora mi recomendación personal a todos mis alumnos y compañeros de profesión.

Boquilla Select Jazz Diseñada y fabricada en EEUU por un equipo conformado por los mejores músicos e ingenieros, estas boquillas se realizan mediante un proceso de torneado –no moldeado– a partir de una pieza de caucho sólida y con nuestra más precisa tecnología en fabricación de boquillas que elimina cualquier proceso manual. Cámara y longitud de tabla de tamaño Medium y disponibles con tres aperturas diferentes D5M (1,86 mm) D6M (1,98 mm) y DM7 (2.10 mm)

¿Por qué Select Jazz?

La elección de Select Jazz es perfecta para el músico que desea capturar el sonido y la respuesta de las boquillas Vintage más buscadas y una perfecta entonación en cualquier rango de respuesta del saxofón.

Extremadamente versátil para todos los estilos de Jazz es la boquilla idónea para el profesional y un punto de inflexión a tener en cuenta a la hora de tu elección.

La consistencia de la entonación en todos los rangos satisfarán incluso a los oídos más exigentes con un sonido tímbrico realmente sólido pero que me impresionó particularmente por la flexibilidad tímbrica en rango superiores y altissimo con un funcionamiento en dinámicas más suaves que resaltan por la calidez del sonido, muy rico en armónicos y la manera en como acompañan a la intensidad e incremento de estas dinámicas.

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info@musicdistribucion.com

Tel.: 934 221 811

Autoridad artística en las orquestas, un balance complicado

A

parentemente he causado cierta confusión en el pasado, con mis comentarios sobre miembros de los comités artísticos de las orquestas que tratan de ejercer demasiada autoridad en las decisiones de programación, y a la inversa, sobre los directores que adoptan una postura autocrática, casi dictatorial, diciendo: Yo estoy a cargo de todas las cuestiones artísticas, déjenme en paz. En un correo privado me preguntaron recientemente: ¿quién es Sr. Fogel? ¿Es el director musical a cargo? ¿O el comité? ¿O, de hecho, la gestión?

Cualquier director que insiste en un derecho incuestionable a gastar el dinero de la institución, es un director que no entiende cómo funcionan las orquestas; no son feudos personales, ni siquiera para los muy talentosos.

Para empezar, si una orquesta ha de responder a esta cuestión, algo está funcionando mal. En una organización orquestal sana, grande o pequeña, hay controles y equilibrios. Hay discusión, y hay consenso.

Ciertamente, uno no quiere un comité artístico diciéndole a un director que programe la segunda sinfonía de Brahms, en lugar de la tercera. La palabra clave en la descripción del trabajo del comité es asesor. Es más racional para dicho comité funcionar como un mecanismo de feedback sobre la programación en su conjunto, reflejando lo que la comunidad opina sobre

Henry Fogel es uno de los administradores de orquestas más reconocidos e influyentes en los Estados Unidos. Sirvió como Presidente y Director General de la Liga de Orquestas Americana (200308). Fue Presidente de la Orquesta Sinfónica de Chicago desde 1985 durante dieciocho años. Previamente había sido Director Ejecutivo de la Orquesta Sinfónica Nacional en Washington, D.C. (198185) y Gerente de la Filarmónica de Nueva York (1978/1981). Actualmente es Decano del Colegio de Artes Escénicas de la Universidad Roosevelt de Chicago. Auténtico gurú en la materia, ha recibido el premio Batuta de Oro de la Liga de Orquestas Americanas, la más alta distinción de la Liga por sus servicios a las orquestas de América.

esta, y al mismo tiempo aprendiendo porqué el director musical hace lo que hace; y actuar de nuevo en la comunidad para representar el punto de vista de el director y de la orquesta.

Pero el director que no escucha a nadie y que dice todas las decisiones artísticas son mi parcela, es un director que debería comprar su propia orquesta. El hecho es que no existe casi ninguna cosa que sea puramente una decisión artística. Las decisiones de programación tienen tantas implicaciones de márketing como artísticas, y pueden tener también componentes de captación de fondos. Además pueden suponer un aumento del gasto si conllevan contrataciones extra de músicos o un aumento del número de ensayos. Cualquier director que insiste en un derecho incuestionable a gastar el dinero de la institución, es un director que no entiende cómo funcionan las orquestas; no son feudos personales, ni siquiera para los muy talentosos.

Orquesta Sinfónica de Praga, Photo ©` D. Knerová

AMPOS

Asociación de Músicos Profesionales de Orquestas Sinfónicas

www.ampos.es

En mis años de viajar por todo el país y visitar las orquestas, este equilibrio de autoridad artística ha surgido una y otra vez como fuente de tensión institucional. Directores que insisten en el derecho de elegir directores invitados y en el derecho a elegir los programas para esos directores invitados; que insisten en hacer música más difícil que la que el público está dispuesto a tolerar; que insisten en viajes costosos que son más valiosos para el desarrollo de sus carreras que para la misión que debe desempeñar la orquesta —todos estos son signos de un director que necesita estar sometido a mecanismos de control.

En el otro extremo, comités o gerentes que no están dispuestos dejarse aconsejar para contratar directores invitados u otras opciones artísticas, que insisten en la homologación de todas las piezas de los programas, que no reconocen el liderazgo artístico del director musical —liderazgo es diferente de control total, o de autoridad no cuestionable— también deben ser controlados.

Lograr el equilibrio adecuado es complicado, y cuando la discusión se ciñe a la pregunta de quién tiene el poder en lugar de ¿cuál es la manera correcta de hacer esto para nuestra organización, se puede decir que la orquesta ya va en la dirección equivocada. Esto no va sobre el poder. Y por lo general, cuando he participado en debates y han sido sobre el poder, han sido así porque alguien estaba realmente más interesado en el poder que en el arte.

administracion@ampos.es

Tel.: 932 920 555

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• A CORUÑA

• MADRID (CONT.)

• CASTELLÓN

• SEVILLA (CONT.)

CO-AUVISA-90, S.L.

EL RASTRO MUSICAL

MADRID MUSICAL

MAT GUITAR&BASS

General Sanjurjo, 47 – A CORUÑA

Vía Sergia 86 – MATARÓ

San Sebastián 1 – VINAROZ

Málaga, 8 – MADRID

Balance 52 (Polígono PISA)

Tel.: 964 454 214

Tel.: 914 415 799

MAIRENA DEL ALJARAFE

MUNDIMÚSICA GARIJO, S.L.

Tel.: 954 902 550

Tel.: 981 287 463

Tel.: 937 554 121

SOILAR

JORQUERA PIANOS, S.A.

• CÓRDOBA

Plaza del Hospital, 7 Bajo

Ferrán Agulló,10 – BARCELONA

MELODY

Espejo, 4 – MADRID

SEVILLA MUSICAL

AS PONTES – A CORUÑA

Tel.: 934 140 290

Ángel Saavedra, 4 – CÓRDOBA

Tel.: 915 191 923

Cardenal Espínola 3

Tel.: 981 453 280

MICROFUSA, S.L.

Tel.: 957 470 184

• ALBACETE

Sepúlveda 134, Bajo derecha

• GERONA

MUSICAL GABALDÓN

BARCELONA

UME EIXIMENIS

Hiedra, 26 – VILLARROBLEDO

Tel.: 934 553 695

Calle Francesc Eiximenis,18 – GERONA

Tel.: 967 145 349

UME SEPÚLVEDA

• ALICANTE

Sepúlveda 102 – BARCELONA

AITANAMÚSICA, S.L.

Tel.: 932 371 600

Manuel de Torres, 3 – ALMORADÍ

ROCK & CLASSICS BARCELONA

Tel.: 966 782 360

Sepúlveda, 138 – BARCELONA

MUSICAL LA CLAU, S.L.

Tel.: 934 265 624

Avda. Beniarda, 8 – BENIDORM

ROCK & CLASSICS IGUALADA

Tel.: 966 808 545

Santa Caterina, 21 – IGUALADA

TANBUR

Tel.: 938 031 981

Joaquín Coronel, 3 – ELDA

ROCK & CLASSICS PRO-AUDIO

Tel.: 965 387 346 • ALMERÍA CASA DE MÚSICA RITMO Guadarrama, 15 – ALMERÍA Tel.: 950 268 779 • ASTURIAS MUSICAL MARCOS Avda. Colón, 12 – OVIEDO Tel.: 985 240 402 • BADAJOZ PROMÚSICA DE EXTREMADURA Marquesa de Pinares, 28 – MÉRIDA Tel.: 924 319 502 PROMUSICA DE EXTREMADURA Arturo Barea, 19 – BADAJOZ Tel.: 924 261 827 • BALEARES BOSCO MALLORCA, S.L. Paseig Ferrocarril, 55 – MANACOR Tel.: 971 844 177 CASA MARTI Joan Fuster, 2 (esquina Avda. Ignasi Wallis) – IBIZA Tel.: 971 315 451 CASA MARTI Padre Andreu Fernández, 10 MANACOR Tel.: 971 551 718 CASA MARTI Avda. Francesc Femenias, 68 (Vía Ronda) – MENORCA

Sepúlveda, 136 – BARCELONA Tel.: 934 264 621

UME BARICENTRO

MUSICAL PRINCESA

Balance 54 (Pol. PISA)

Camino de Ronda, 71 – GRANADA Tel.: 958 260 004

MUSICAL PRINCESA Picaza, 8 – MADRID Tel.: 914 650 660

PIANOS FRANCIS Rector López Argüeta, 3 – GRANADA

MUSICAL PRINCESA

Tel.: 958 270 074

Hernán Cortés, 6 – MAJADAHONDA

PIANOS FRANCIS

Tel.: 916 386 666

Tejedores, 12 – MOTRIL

RINCÓN MUSICAL, S.A.

Tel.: 958 605 254

Plaza Salesas, 3 – MADRID Tel.: 913 192 919

• GUIPÚZCOA MUSICAL 72

UME ARENAL

Pza. del Buen Pastor, 10

Arenal, 18 – MADRID

SAN SEBASTIÁN

Tel.: 915 226 260

Tel.: 943 422 032

UME CARRANZA

• HUELVA

Carranza, 16 – MADRID

MAIRENA DEL ALJARAFE Tel.: 954 907 226 UME SEVILLA Rico Cejudo Edificio HISPAL. Local 8 – SEVILLA Tel.: 954 571 837 • TOLEDO INSTRUMENTOS FORMA Avda. General Villalba, 19 – TOLEDO Tel.: 925 216 821 GARCÍA – CID INST. MUSICALES Calle Mayor, 50 – VILLACAÑAS Tel.: 925 160 155 TALAVERA MUSICAL Matadero, 24 TALAVERA DE LA REINA Tel.: 925 682 237

BARBERA DEL VALLES

Plaza del Campillo, 8 Local 3-4

Tel.: 937 189 751

UME CARRERA

HUELVA

BOSCO VALENCIA

Carrera de San Jerónimo, 26 – MADRID

Tel.: 959 247 727

Cádiz, 8 – VALENCIA

Tel.: 914 293 877

Tel.: 963 414 422

UME LA FARGA Centro Comercial La Farga, Local B-5

• JAÉN

Avda. Josep Tarradellas I Joan

AYALA MÚSICA

L’ HOSPITALET DEL LLOBREGAT

Hurtado, 21 – JAÉN

Tel.: 933 378 798

Tel.: 953 242 107

UME GLORIES

ICESUR, S.L.

Centro Comercial Les Glories, L. B-228

Murillo, 6 Bajo – ÚBEDA Tel.: 953 790 407

Tel.: 934 860 187

LEONÉS INSTRUMENTOS MUSICALES

UME GRANOLLERS

Muñoz Garnica, 3 – JAÉN

Alfonso IV, 84-86 – GRANOLLERS

Tel.: 953 243 292

Tel.: 938 700 166

MUSICAL LINARES

UME MUNTANER

Don Luis 10 – LINARES • LLEIDA MUSICAL MOLLERUSA, S.L.

UME SANTS

Avda. Jaime I, 8 – MOLLERUSSA

Sants, 304 Bis – BARCELONA Tel.: 934 402 448 UME SABADELL Sant Pere, 7 – SABADELL Tel.: 937 250 502 • BURGOS MUSICAL LUBER

• CÁCERES

PALMA DE MALLORCA

PROMUSICA EXTREMADURA Diego Mº Crehuert, 13 – CÁCERES Tel.: 927 260 129 • CÁDIZ

DASÍ – FLAUTAS, S.L.

Hermosilla, 75 – MADRID

Joseph Aguirre, 21 – VALENCIA

Tel.: 914 358 989

Tel.: 963 675 173 Molinell, 16 – VALENCIA

Avda. Dr. Carlos Haya, 56 – MÁLAGA

Tel.: 963 614 531

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