En Concierto Clásico nº 15 by En Concierto

Revista de instrumentos clásicos

5 Nº1 bre

Ejemplar Gratuito

ti Sep

2 016

sumario Didáctica Musical MUSIC SALES Novedades didácticas Curso 2016-2017. . . . . . 22-24 IDEA MÚSICA, Los instrumentos musicales y sus agrupaciones . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 26-27 Novedades editoriales SI BEMOL. . . . . . . . . . . . . 28

Accesorios ORTOLÁ OMB Series, Nueva colección de fundas. 30

Cuerda

La familia D’ADDARIO. . . . . . . . . . . . . . . . . .

32-33

D’ADDARIO Orchestral. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 34

CORINA, Instrumentos de estudio. . . . . . . . . . . . . 6

Accesorios BAM. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 36

Instrumentos HERITAGE. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 7

Estuches GEWA, Tradición desde 1925 . . . . . . 40-41

Viento

Artículos del Sector

¡D’ADDARIO Woodwinds cerca de ti!. . . . . . . . . 8-10

Asamblea General de socios AMPOS 2016 . . . 12-13

Marcas representadas por GEWA Instrumentos de Viento. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 11

Los límites a la fotocopia de partituras y metodología musical. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 19

Percusión SANTA FE, Fabricación de baterías Custom. . . . . . 14 ORTOLÁ sigue ampliando su oferta de percusión brasileña. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 15

Piano YAMAHA Serie CF Pianos artesanales de Concierto . . . . . . . . . . . 16-18

GRUPO EDITOR: Gewa, IdeaMúsica Editores, Nueva Letusa, Music Distribución, Music Sales,Ortolá, Vallès Trade y Yamaha Music Europe GmbH Ibérica.

La formación de los músicos y su personalidad . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 20-21 La comunicación interna en la orquesta . . . . . . . 35 Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. . . . . . . . . . . . 38

Extra Relación de ganadores del XIV Sorteo de Instrumentos Musicales Comúsica. . . . . . . . . 4-5 Puntos de distribución. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 42

DIRECCIÓN EJECUTIVA: Begoña Cordero MAQUETACIÓN: calmagráfica.es FOTOMECÁNICA: TDI IMPRIME: Indugraf Madrid ISSN: 2171-4304 Depósito Legal: M-53280-2009 DISTRIBUIDOR: MCARGO MENSAJEROS

C/ Ruiz Perelló 12 bajo, 28028 Madrid

Subscripciones Gratuitas:

A través de la web www.ecclasico.com

En Concierto Clásico se distribuye gratuitamente mediante suscripciones y a través de las tiendas de música clásica asociadas a COMUSICA. Colabora: Asociación de Fabricantes, Comerciantes, Importadores y Exportadores de Instrumentos de Música

En Concierto Clásico agradece la desinteresada colaboración de los propietarios y directores de las tiendas de instrumentos musicales colaboradoras.

l pasado 27 de Enero, y ante el Ilustre Notario de Madrid, D. Pedro Bartolomé Fuentes, se procedió a realizar el XIV Sorteo de Instrumentos COMÚSICA entre los clientes de las tiendas asociadas que habían realizado sus compras entre los días 28 de Septiembre de 2015 al 7 de enero de 2016. A continuación se muestra la lista de premiados:

MARCAS

PREMIOS

EMPRESAS

TIENDAS

GANADORES

ADMIRA

Guitarra Admira artesanía A 15

Enrique Keller

Sanganxa Music Store, S.L.

Agrupación Musical de D’Agullent

B.C. Rich

Guitarra JR V Kerry King V2 Flame

Sadepra

Incamusic

Inversiones Pascual

CASIO

Piano digital CPD 130

Adagio

Musical Marcos

Richard de la Uz García

KORG

Teclado KORG Taktile Triton

Letusa

Musical Luber

Silvia Soto Silva

LEWITT

1 Juego de micrófonos LCT 140

Letusa

Ussound Records SC (Talavera Musical)

Julián González Bodas

LOGAN

Violonchelo Logan VC43 P 12

Ibermusic

Leturiaga

Joaquín Pérez Marsa

M-AUDIO

Vale 500 Euros

Music Distribución

Casa Marti

Hilari Vidal Barber

MARSHALL

Vale 500 Euros

Music Distribución

Aitanamusica

Unión Musical de Bigastro

OQAN

Clarinete modelo OCL-350

Adagio

Leones Instrumentos Musicales

Rafaela Moran Moreno

OQAN

Guitarra modelo QGC-25

Adagio

Instrumentos Forma

Paloma Hernáez Hormigos

PEARL

Vale 500 Euros

Music Distribución

Musical Linares

Diego Ángel Sevilla Ruiz

ROLAND

Batería Roland TD-1k

Roland

Xátiva Musical

Francisco J. Rodríguez Lorente

VGS

Guitarra VGS Roots 100%

Gewa

Musical Orotava

Pedro Gregorio López González

VOX

Amplificador VOX Sound Box Black

Letusa

Proffonic

Marina Fernández López

YAMAHA

Sintetizador reface

Yamaha

Icesur

Ayuntamiento de Chilluévar

Tienda premiada: Leturiaga Ganador: Joaquín Pérez Marsa Premio: Violonchelo LOGAN VC43 P 12

Tienda premiada: Musical Linares Ganador: Diego Ángel Sevilla Ruiz Premio: Vale de 500 Euros en material PEARL

Tienda premiada: Talavera Musical Ganador: Julián González Bodas Premio: Juego de micros LEWITT LCT 140

Tienda premiada: Icesur Ganador: Ayuntamiento de Chilluévar Premio: Sintetizador YAMAHA reface

Tienda premiada: Proffonic Ganador: Marina Fernández López Premio: Amplificador VOX Sound Box Black

Tienda premiada: Incamusic Ganador: Inversiones Pascual Premio: Guitarra B.C. RICH JR V Kerry King

Tienda premiada: Xátiva Musical Ganador: Francisco J. Rodríguez Lorente Premio: Batería ROLAND TD-1k

CORINA

Instrumentos de estudio

a conocida marca de instrumentos de cuerda Corina, con presencia en el mercado español desde hace más de quince años, nos sorprende muy gratamente con la remodelación de toda su gama de instrumentos de estudio de violín, viola, violoncelo y contrabajo. Algunas de las características más importantes de la nueva gama corresponden a las maderas, el barniz y al ajuste de todos los instrumentos.

el esfuerzo y retrasando la aparición del cansancio. El resultado de estas mejoras nos proporciona instrumentos de una calidad sonora que no habíamos disfrutado hasta el momento con precios que siguen siendo muy asequibles y con mínimas diferencias respecto a la serie anterior, lo que les sitúa en una posición de gran ventaja entre la mayoría de marcas del segmento. Pensados para aquellos estudiantes con ganas de progresar.

Modelo DUETTO

Modelo QUARTETTO

Modelo SESTETTO

Tapa de abeto sólido, fondo y aros de arce escogidos. Como es habitual, perfil incrustado y guarnición de ébano. Arco con nuez de ébano. Acabado mate antigüizado. En violín y viola vienen con estuche de forma super ligero forrado en lona. El cello va con nueva funda tipo mochila impermeable acolchada. Contrabajo con funda tipo mochila standard.

Con fondo y aros de arce rizado y tapa de abeto sólidos de nivel. Perfil incrustado y guarnición de ébano. Arco con nuez de ébano. Acabado mate antigüizado. En violín y viola llevan un estuche rectangular superligero forrado en lona. El cello lleva una funda tipo mochila.

El fondo y los aros de arce finamente rizado y bella tapa de abeto sólidos. Con el perfil incrustado y la guarnición de ébano. El arco con nuez de ébano. Acabado mate antigüizado. El violín lleva un estuche rectangular superligero forrado en lona. El cello va con nueva funda tipo mochila impermeable acolchada.

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Violín: 4/4, 3/4, 1/2, 1/4

• Violín: 4/4, 3/4 • Viola: 15”, 15’5”, 16”. • Cello: 4/4, 3/4.

• Violín: 4/4, 3/4 • Cello: 4/4, 3/4.

Viola: 13”, 14”, 15”,15’5”, 16”. Cello: 4/4, 3/4, 1/2, 1/4 Contrabajo: 3/4, 1/2.

Duetto — Tapas traseras cello y violín

Las maderas de nivel superior proporcionan un sonido más agradable y cálido des del primer momento, haciendo más reconfortante el estudio. Otra significativa mejora corresponde a los acabados envejecidos hechos a mano aplicados al barniz al alcohol, incrementando significativamente la presencia de los instrumentos, ofreciendo un acabado más profesional. Y por último, el ajuste más meticuloso de las alturas del puente y la cejilla, facilitan el aprendizaje del estudiante reduciendo

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Quartetto — Tapas traseras cello y violín

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Sestetto — Tapas traseras cello y violín

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Instrumentos Heritage

eritage es la línea de instrumentos desarrollada por Antonio Wang durante el verano de 2010. La razón de ser de esta línea de producto es atender a las demandas y necesidades de los estudiantes de nivel intermedio, muy interesados en instrumentos de menor precio pero manteniendo la misma calidad de mano de obra y control. Los instrumentos Heritage se elaboran según el estilo tradicional de la escuela de luthería italiana, al igual que los instrumentos de alta calidad de Antonio Wang. Cada instrumento ha sido hecho artesanalmente con maderas de arce y abeto muy escogidas, secadas durante años para evitar posibles riesgos y asegurar el máximo rendimiento. Los instrumentos Heritage están barnizados al alcohol con un acabado a pincel. Todo el proceso de construcción, desde el trabajo de las maderas en bruto hasta la puesta a punto del instrumento dura alrededor de 6 meses.

así poder encontrar el mejor sonido posible. Todos los instrumentos vienen acabados y listos para tocar, “set-up”. El puente y las clavijas están ajustados según las particularidades de cada instrumento. Los precios de los instrumentos Heritage son magníficos, especialmente cuando los comparamos con otros instrumentos de nivel parecido. Guardan un estupendo equilibrio calidad-precio y ello les coloca en una posición muy ventajosa en nuestro mercado.

Durante el proceso de construcción se supervisa detalladamente cada parte del mismo. Además de controlar el peso de cada pieza, medir el grosor del fondo, medir la tapa superior asegurándose que cada zona tiene el correcto y adecuado grosor para producir todas las tonalidades y armónicos deseados se hace especial atención en supervisar el abovedado de la tapa y el fondo. Otro elemento que se tiene muy en cuenta durante el proceso de producción tiene que ver con la cola usada para unir las distintas partes de los instrumentos. Además de vigilar muy detalladamente la cantidad se ha buscado la mejor composición para

Heritage EE

Heritage HV

Heritage Básico

Instrumento fabricado con escogidas maderas de Europa, guarnición de ébano y puente Despiau Superieur. Montado con cuerdas Pirastro Tonica. Acabado antigüizado. Modelo disponible para violín y viola.

Instrumento fabricado con escogidas maderas asiáticas, guarnición de ébano y puente Despiau Superior. Montado con cuerdas Pirastro Tonica. Modelo disponible para violín, viola y cello.

Última incorporación a la gama de los instrumentos Heritage. Modelo más económico construido siguiendo la misma filosofía de construcción de los instrumentos de alta gama con maderas asiáticas, guarnición de boj y puente Heilongjiang. Montado con cuerdas Pirastro Tonica. Modelo disponible para violín.

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¡D’Addario Woodwinds cerca de ti!

esde D’Addario Woodwinds España siempre hemos querido estar cerca de los artistas y estudiantes. Queremos ayudar a las nuevas generaciones con todo nuestro saber y que así disfruten de la música y puedan afrontar sus retos musicales con mayor solvencia; por eso constantemente estamos mejorando nuestros productos así como diseñando nuevos y revolucionarios productos. Todo esto junto a nuestro equipo de artistas que testean los prototipos para darle un toque de excelencia debido a su experiencia contrastada. Hasta ahora contábamos con la web http:// www.woodwinds.daddario.com donde podías encontrar todos nuestros productos así como videos de artistas internacionales pero desde D’Addario Woodwinds España no creímos que fuera suficiente y por ese motivo creamos en primer lugar el Facebook https://www.facebook.com/ daddariowoodwindsespana Aquí encontrarás todas las novedades así como las actividades de nuestra familia de artistas y podrás estar en contacto directo con nosotros. Estamos muy contentos de haber sobrepasado los 1200 fans y esperamos que contigo sigamos aumentando este gran sitio de encuentro.

Nuevo canal YouTube Aun así queríamos poder dar consejos educacionales, trucos técnicos y mostrar todo el “making of” y que mejor que crear un canal YouTube “D’Addario Woodwinds España”. Ahora podrás ver nuestros videos educacionales y mucho más. ¡Esperamos que lo disfrutes! https://www.youtube.com/channel/ UC6G3C-qi0iMv_s9tHc6BjlQ)

D’Addario Woodwinds con los mejores Este último año hemos ido dando la bienvenida a grandes músicos que se han incorporado a nuestra familia de artistas. ¿Ya los conoces? David Pons Grau – Saxofón Nacido en Tavernes de la Valldigna, se licencia en el RCSM de Madrid en las especialidades de Pedagogía e Interpretación del Saxofón con Matrícula de Honor. Máster en Gestión Cultural por la Universidad Alcalá de Henares, recibe influencias de los saxofonistas más importantes de toda Europa.

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Lluc Casares – Saxo Tenor y Clarinete

David Pons

Consigue premios en numerosos Concursos Nacionales e Internacionales, a nivel solista y de cámara tanto con el Cuarteto de Saxofones “Octavia” como con el dúo con piano “Ludos Tonalis”: “Ruperto Chapí” de Villena, Quart Concurs Internacional per a Joves Saxofonistes de Tarragona, III Concurso “Villa de Betxi”, Certamen de Interpretación “Melómano” Intercentros (representando al RCSMM), Concurso Nacional de Jóvenes Intérpretes Ciutat de Xátiva, Concurso Internacional “Yamaha” de Cuartetos de Saxofones, Certámen de Jóvenes Intérpretes “Pedro Bote”, Concurso Internacional de Música de Cámara “Mirabent i Magrans”, Torneo Internacional de Música de Verona, Concurso Internacional de Música Masterplayer 2012, Premio Hermes de la Música por la FSMEV Safor Valldigna o los Premios Grupo de Música Contemporánea y Premio Liceo Gestión Cultural por la Fundación Miguel Ángel Colmenero. Como solista, destacan los conciertos realizados en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música de Madrid o en el Palau de la Música de Barcelona, éste con la Orquesta Nacional Clásica de Andorra dentro del ciclo “El Primer Palau”. Ha participado en congresos y festivales como el World Saxophone Congress in St Andrews 2012 en Escocia, Touquet International Music Masters, Congreso Mundial del Saxofón Saxopen 2015 en Francia y 1r Congreso Europeo del Saxofón en Ciudad Real 2014. Ha actuado en directo para Radio Clásica de RNE y Euro Radio, además de colaborar con la Orquesta Nacional de España o con la Orquesta de la Comunidad de Madrid. Acaba de publicar con el Cuarteto de Saxofones OCTAVIA su primer CD camerístico titulado “Original”, con obras originales para la formación. Actualmente es Profesor de Saxofón y Música de Cámara en el Conservatorio Superior de Música de Castilla la Mancha.

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Nacido en Barcelona en 1990. Hijo de músico, empieza a tocar el clarinete a los 6 años. Estudia música clásica hasta los 15, edad en la que se siente atraído por el jazz y la música negra en general. En el año 2008 entra a estudiar clarinete en la ESMuC (Escuela Superior de Música de Cataluña), aunque, a partir del final del primer curso, decide cambiarse de instrumento y pasar al saxo tenor. Allí, sus dos profesores de saxofón son Xavi Figuerola y Eladio Reinón. Tras graduarse en el año 2012, se traslada hacia Amsterdam para estudiar el máster de jazz en el Conservatorium van Amsterdam con la leyenda del saxo tenor europeo Ferdinand Povel, así como Jasper Blom, Simon Rigter y Joris Roelofs. Durante el primer semestre del curso 2013-2014 participa en el programa de intercambio con Temple University de Filadelfia, dónde recibe clases de los profesores Dick Oatts, Tim Warfield, John Swana, Bruce Barth y Norman David, entre otros. Desde el año 2010 ha formado parte de diversos proyectos de la Barcelona Jazz Orquestra, con la colaboración de Frank Wess, Phil Woods y Jon Faddis el Dizzy s Club Coca-Cola de Nueva York, Kurt Elling en Marciac Jazz Festival 2012, Jesse Davis y Grant Stewart. En el año 2014 ha tocado en el espectáculo ‘Spirit Of Satch’ del pianista de New Orleans Dr. John con Nicholas Payton como solista invitado en los festivales de jazz de Montreux y North Sea (Rotterdam), y con Arturo Sandoval y la rapera cubana Telmary como artistas invitados en el Baloise Session (Basilea). También ha formado parte del noneto del saxofonista Marcel•lí Bayer, con el que grabaron el disco Nonitz (Quadrant Records, 2011) que contó con la presencia del legendario saxofonista Lee Konitz. Ha tocado también con Wendell Brunious, Leroy Jones, Benjamin Herman, Raynald Colom, Horacio

Lluc Casares

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Gracias al Instituto Cervantes, al año siguiente toca en el Festival Internacional de Grecia (Atenas). Este año 2003 graba su disco doble “Sólo la verdad es sexy”, realiza la segunda edición de Simbiotiz-Art, toca su grupo en el Festival de Menorca y participa junto al Joe Smith Melodic Workshop en el Festival de Barcelona.

Fumero o Joan Monné; y fuera del ámbito del jazz ha compartido escenario con grandes artistas de la música jamaicana como Ken Boothe o Derrick Morgan y ha tocado en grupos de pop como Xazzar o Els Amics de les Arts. El primer disco de Lluc Casares se llama RED (Temps Record, 2015). Este disco contiene la música que Lluc ha escrito los pasados dos años durante sus estancias en Filadelfia y Amsterdam. El disco fue grabado en octubre de 2014 y contiene música original para quinteto, septeto y octeto. Durante ese mismo año, Trempera!, grupo que co-lidera, obtuvo el 2º premio de la Keep An Eye International Jazz Award así como el premio ‘Best Monk Arrangement’ de la misma competición, y también fue finalista de la Dutch Jazz Competition 2014. Lluc también forma parte activamente de la Gramophone Allstars Big Band, que con su disco Jazzmaica (Bankrobber, 2014) se convierten en la primera big band a nivel de todo el estado español que tocan música jamaicana con arreglos y composiciones originales. Ocasionalmente hace doblajes con otros instrumentos de viento como la flauta, el saxo alto, saxo barítono o el clarinete bajo. También escribe música y arreglos para todo tipo de formaciones, desde trío hasta big band. Gorka Benítez – Saxo Tenor Nacido en Bilbao, en 1966. Si bien los primeros instrumentos que tocó fueron del folclore de Euskadi, comienza su formación musical académica en el Conservatorio de Bilbao, que luego se completaría en el Taller de Músics de Barcelona y en el Conservatorio Profesional de Badalona, y posteriormente en Nueva York tras obtener una beca que le permitió estudiar allí durante tres años con profesores de la talla de Dave Kikoski, Billy Hart, Jim Hall, Barry Harris y Cecil Bridgewater entre otros. De Nueva York regresa graduado en Jazz Studies Program de la escuela Harbor Performing Arts Center, habiendo estudiado también en la Mannes School of Music. También en Nueva York forma su propio trío donde interpreta sus composiciones. En 1995 se traslada de nuevo a Barcelona, ciudad donde reside actualmente. De la extensa lista de trabajos discográficos en los que ha participado, vale la pena resaltar: Xavi Maureta i Condició Humana “Uara” y “Entropía”; Carme Canela y la Orquesta de Cámara de Andorra “Cravo e Canela”;

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Gorka Benítez

David Xirgu Quartet “Indolents” y “Ugrix” (Mejor Disco del Año 1997); David Mengual “Mosaic Nonet”; Guillermo Klein y los guachos “Live in Barcelona”; Emilio Solla “Folcolores”, Arthur Kell Quartet “Traveller” y los discos de sus propios grupos que llevan como título: “Gorka Benítez Trío”, “Fabou”, “The Free Session” y “Sólo la verdad es sexy”. Ha cosechado numerosos premios de la Asociación de Músicos de Jazz y Música Moderna de Catalunya. En 1997, fue elegido mejor solista de viento del año y mejor grupo y mejor disco del año con Ugrix, liderado por David Xirgu. En 1998 repitió galardón como solista y formó parte de la formación premiada, Condició Humana, con Xavi Maureta. En 1999 y 2000, el músico vasco ha sido elegido mejor saxo tenor y ha participado en las grabaciones premiadas como mejores discos. En2001, Gorka Benítez Trío fue premiado como mejor grupo de jazz. En el 2002, mejor saxo tenor y mejor grupo (con José Reinoso & Repique). Además, en 2005 recibió los premios a mejor solista de viento (Asociación de Músicos de Jazz y Música Moderna de Catalunya) y Mejor Disco de Jazz del 2005 por “Sólo la verdad es sexy” (Revista Enderrock). En el 2000 realiza una importante gira a Japón con la Compañía de Flamenco de Shoji Kojima, junto a destacadas figuras de este género como Miguel Iglesias, David Lagos, Chicuelo, El Londro y Chiqui de la Línea. En el 2002 colabora con el General Alcázar y con Gerardo Nuñez. Junto a Juan de Diego y Estefan Lismond funda el Simbiotiz-Art. Realiza tres importantes giras junto al David Mengual Mosaic Trio (Braga, Portugal), a José Reinoso & Repique (Montreaux, Freaburg, Suiza) y a Emilio Solla & Afines (Dinamarca, Finlandia y Suecia).

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Durante el 2004 va de gira con Arthur Kell y Steve Cardenas, gira con Aikiko Pavolka, toca en el Palau con Chicuelo, graba con Emilio Solla y realizan una gira por Finlandia y otra por Suecia. Forma parte del grupo Guillermo Klein & los Guachos realizando conciertos, giras y la grabación del cd/dvd en directo “Live in Barcelona”. Hace su primer trabajo como productor: el disco de la pianista Teresa Zabalza. Actúa con su propio grupo en Bucarest, Munich, Valencianes y Génova. La productora Carretera i Mantra filma el DVD “Gorka Benitez” que se emite en las televisiones locales españolas. Graba con Miguel Blanco y Jerry González y también con Ethan Winoground. Toca en el Festival Getxo con la Pirineos Jazz Orquestra, en el Festival Grec con Paco Ibañez, en el Festival de Barcelona con Horacio Fumero y en el Festival Donostia-San Sebastián con la Big Band del Aniversario del Festival y con Phil Woods & Strings (Celebrating Bird) con la Orquesta vasca “Et Incarnatus”. Va de gira por Bélgica, Alemania, Suecia, Holanda y Suiza con Emilio Solla. Participa del Festival de Tango de Buenos Aires (2006) junto a Emilio Solla. En junio ha estado de gira con su grupo en Marruecos, gracias al Instituto Cervantes. Termina de grabar su nuevo disco. Gira con Arthur Kell w/ Brad Shepik (guit.) por España y Alemania. Gira por España con Guillermo Klein y Los Guachos. En 2007, gira con Arthur Kell por Alemania y Bélgica. Conciertos con Martirio presentando su último trabajo “Primavera en N.Y.”. Presentación del último proyecto de la cantante Carme Canela en el Teatro Nacional de Barcelona. Gira Sudamericana por Colombia y Venezuela de Martirio. Gira de la B.Latin Band con la cantante cubana Omara Portuondo. Conciertos y grabación de CD de la Pirineos Jazz Orchestra con el trompetista Randy Brecker. Emilio Solla, último trabajo “Conversas (al lado del agua)”. Gira Ressons y 10° anniversario de Xavi Maureta Condició Humana. Se forma el proyecto “Art Eixample of Cannigo” con Pascal Comelade. Último concierto de gira de Ruper Ordorika en el Victoria Eugenia, Donostia.

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¡D’Addario Woodwinds cerca de ti! En 2008, realiza la Gira Ressons Gorka Benitez Quartet “Bilbao”. Es seleccionado como representante de Euskadi en el MIDEM, Cannes. Participa en el Festival Internacional de La Habana, Cuba, con Martirio. Graba para Canal 33 “De prop”, ”Al otro lado”. Fest. Int. Jazz de Novada con Ethan Winogrand. Concierto en Madrid con Martirio y Chano Dominguez. Mercado de Música de Vic: B.Latin Band (Xavier Cugat), G.Benitez “Al otro lado”, Emilio Solla y Afines “Conversas”. Concierto con E. Solla en “Bimhuis”, Amsterdam. Desde hace varios años, es uno de los saxofonistas más solicitados en España. Alfonso Padilla – Saxofón Natural de Bailén (Jaén), es un saxofonista con una gran proyección internacional, como acreditan la cantidad de conciertos, recitales y masterclass ofrecidos en Alemania, Austria, Bélgica, Italia, Francia, Dinamarca, Estonia, Polonia, Suiza, Portugal, Argelia, Marruecos y EEUU.

Alfonso Padilla

Músico ecléctico, muestra un gran interés por la puesta en valor del repertorio clásico del saxofón y por la difusión de la música actual, colaborando con los compositores en la creación y promoción de sus obras. Cursa sus estudios en el Conservatorio Superior de Música “Rafael Orozco” de Córdoba con los profesores Bernardo Zagalaz y Manuel Ureña, obteniendo el Título Superior de Saxofón a la edad de 20 años. Además realiza cursos de perfeccionamiento con Jean-Marie Londeix, Daniel Deffayet, Claude Delangle, Arno Bornkamp, Gilles Tressos, J.D. Michat y de forma regular con Eric Devallon. Forma parte del Cuarteto de saxofones Ziryâb y junto a dicho grupo edita en 2007 el CD “Tetraphone”, con obras de Debussy, Escaich, Robert y Rueda y obtiene premios en diversos concursos de música de cámara como el

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1er premio del Concurso Nacional de Música “Francisco Salzillo” o el 2º premio del Concurso Internacional “Guadamora”. Actúa junto al pianista y compositor Santiago J. Báez y forma el Dúo Icarus de saxofón y guitarra junto a Alberto Plaza. Es colaborador habitual de Zahir Ensemble, grupo especializado en interpretación de música contemporánea. Participa regularmente en importantes eventos como el International Saxophone Week Porto 2012 (Oporto, Portugal) Eventosax 2011 y 2014 (Velletri-Roma, Italia) Scandinavian Saxophone Festival 2013 (Aahrus, Dinamarca) o Vienna Saxfest 2015 (Viena, Austria) donde ha actuado como solista en la Radiokulturhaus. Ha sido invitado a impartir clases en importantes instituciones de enseñanza como Estonian Academy of Music of Tallin (Estonia), Conservatorio della Svizzera Italiana of Lugano (Suiza), Royal Academy of Music Aahrus (Dinamarca), Conservatorire à Rayonnement Regionale Boulogne-Billancourt París (Francia), Conservatorio “Jaccopo Tomadini” Unine (Italia), Conservatorio “L.Perosi” Campobasso (Italia), Institute of music Frederik Chopin, Warsaw (Polonia), Volalbergerlandes Konservatorium Feldkirch (Austria), Koninkjlik Konservatorium Bruselas (Bélgica), Escola Superior de Artes do Espectáculo de Oporto (Portugal). En 2014 realiza un gira por Estados Unidos que le lleva a impartir masterclass y ofrecer conciertos en Messiah College en Pensilvania, Susquehanna University, Mansfield University y Eastman School of Music en Rochester, Nueva York. Su labor como docente comienza en 1998, y desde 2006 es Profesor de Saxofón y Música de cámara en el Conservatorio Superior de Música “Manuel Castillo” de Sevilla. Cecilio Vilar Alpuente Solista de Requinto y asistente solista de Clarinete de la Orquesta de la Comunitat Valenciana, Palau de les Arts “Reina Sofía” de Valencia. Inicia sus estudios de clarinete con D. José Miguel Micó a la edad de siete años. Posteriormente estudia en el Conservatorio Superior de Música de Valencia “Joaquín Rodrigo” con D. José Cerveró, obteniendo la “Mención de Honor” fin de carrera en 1995. A lo largo de su carrera a recibido clases de perfeccionamiento de los profesores: Thierry Wartelle (París), Bertrand Egger (Gratz-Austria), Reinhard Wiesser (Viena), José Vicente Herrera (Valencia), Enrique Pérez (Madrid), Fabrizio Meloni (Milán) y finalmente con Josep Fuster (Barcelona).

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Cecilio Vilar

Ha desarrollado su actividad artística en diferentes orquestas: Orquesta de Valencia, Orquestra Simfònica del Vallès, Conjunt Instrumental de València, Orquestra Simfònica de Barcelona i Nacional de Catalunya (OBC), Orquestra del Gran Teatre del Liceu de Barcelona, Orquesta de Castilla y León y Orquesta Nacional de España (ONE). Ha realizado giras por diferentes países como asistente de solista y solista de requinto en España, Alemania, Italia, China… Ha trabajado con cantantes tan prestigiosos como Juan Diego Florez, Plácido Domingo, Meyer, Seiffert, Stabell, Guleghina, Berti, Radvalovsky, entre otros. Ha actuado bajo la dirección de ilustres directores como: José Mª Cervera, Ernest Martínez Izquierdo, Manuel Galduf, Enrique García Asensio, Joan Cerveró, Juan José Mena, entre otros. También con directores tan prestigiosos como Mitislav Rostropovich, Patrick Fournillier, Plácido Domingo, Krysztof Penderecki, Lorin Maazel, Zubin Metha, Daniel Barenboim, Valery Gergiev, Ricardo Chailly. Desde 2008 es componente fundador de la agrupación camerística “Phi 1.6” formada por diez músicos, todos ellos profesores de la Orquesta de la Generalitat Valenciana Palau de les Arts “Reina Sofía” de Valencia. Desde 2011 forma la agrupación “Dúo” con la pianista María Abad y desde 2013 “Arts trío” junto con la viola Julia Hu, actuando en diferentes salas de la Comunidad Valenciana, entre ellas la sala de cámara del Palau de les Arts “Reina Sofía” de Valencia. En 2013 es profesor invitado en la Joven Orquesta de la Generalitat Valenciana para colaborar en diversos encuentros. Actualmente es solista de Requinto y asistente solista de Clarinete de la Orquesta de la Comunitat Valenciana, Palau de les Arts “Reina Sofía” de Valencia desde su fundación en 2005.

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Marcas representadas por GEWA Instrumentos de Viento

s difícil encontrar otro catálogo donde se den cita marcas tan reconocidas y de tanta calidad como en el catálogo de Gewa. Para conocerlas un poco mejor, aquí encontrará una breve descripción de la historia de estas marcas.

Bach – Lo mejor para los mejores Un nombre que es sinónimo cómo ningún otro de desarrollo de instrumentos de primera clase. Llevado siempre por la idea de la perfección a la hora de tocar, Bach fabricó su primera boquilla buscando una alternativa útil, fijando un estándar de calidad no conocido hasta entonces. Por lo tanto, los instrumentos desarrollados por y con el nombre Bach mantienen hoy en día esa calidad- porque lo mejor tiene siempre que superar su propio estándar. Distribución de la serie 650/501 para España

C.G. Conn – Suena como América Charles Gerard Conn fue el patriarca de la fabricación de instrumentos musicales en Elkhart, Indiana. En 1873 tras una pelea en un bar que resultó en un labio roto, C.G. Conn desarrolló una boquilla de metal con un aro de goma. Conn convirtió una antigua máquina de coser en un torno y montó un taller para la fabricación de estas boquillas. En 1875, un fabricante francés de instrumentos llamado Dupont comenzó a reparar instrumentos en el taller de Conn. Tras ver su trabajo durante unos días, Conn decidió que el podría hacer sus propio instrumento. En el mismo año, el Coronel Conn construyó la primera corneta fabricada en América. En 1879, Conn trasladó su negocio a un lugar más amplio y comenzó a fabricar otros instrumentos. En 1880, la ciudad de Elkhart en Indiana estaba tan encantada con C.G. Conn que lo nombraron alcalde. En 1893 sus instrumentos fueron recibidos con los mayores honores en la Exposición Mundial de Columbia en Chicago.

King – El Rey Henderson White, fundador de la compañía HN White comenzó su negocio como propietario de un pequeño taller de reparaciones en Cleveland, Ohio. Con la ayuda de Mr. Thomas King un trombonista local, White desarrolló su primer trombón en 1894. Este fue visto en el mercado como una revelación al mundo de la música

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debido a sus cambios radicales en los diseños de la campana, el tudel y la boquilla. A los músicos les encantaba el trombón “King” por qué las varas eran más ligeras y más suaves que ninguna otra. Estos instrumentos se ganaron rápidamente a los profesionales incluyendo a Al Pinard, trombón solista con la banda de Arthur Pryor. En 1909 la HN White Company desarrolló el “Departamento de Investigación Acústica” con el propósito de desarrollar instrumentos de mayor calidad. Conforme la producción crecía, a King se le iba conociendo por sus instrumentos de metal y madera. Cuando Henderson falleció en 1940, el control lo tomó Edna White, la primera mujer directora en una industria dominada por hombres. Bajo su liderazgo la compañía floreció. En 1951, se introdujo el trombón King 3B siendo hoy aún el trombón de jazz más vendido del mundo. En 1964 la producción de los instrumentos King se trasladó a Eastlake, Ohio donde aún se mantiene.

Leblanc – Clarinetes legendarios La historia de Leblanc data de 1750 cuando D. Noblet se estableció en Francia haciendo instrumentos para la corte de Luis XV. Noblet quería ayudar a situar Francia como el centro de la fabricación de los instrumentos de viento madera. En 1904, Noblet se vió obligado a vender el negocio al no tener herederos en la familia. Fue vendido a Georges Leblanc. La familia Leblanc era conocida por el uso de investigaciones científicas sobre el sonido en el desarrollo de clarinetes. Leon, el hijo de George fue un sobresaliente clarinetista que ganó el premio superior del Conservatorio de París. Como intérprete, él creía firmemente en los principios científicos en la fabricación y lo llevó a un alto nivel de consistencia y manejabilidad en sus instrumentos hechos a mano. En 1946, Vito Pascucci, un técnico de reparaciones de la orquesta de Glen Miller, fundó Leblanc USA en Kenosha, Wisconsin y se encargó de la distribución de los instrumentos Leblanc en América. En 2009, Leblanc lanzó la línea Bliss de clarinetes en colaboración con Julian Bliss. Los clarinetes Bliss ofrecen características únicas que no se encuentran en clarinetes de este rango de precios para estudiantes. Con toda la producción de clarinetes para Leblanc, Vito y Bliss, la producción se trasladó a Elkhart, Indiana donde se consigue un nuevo nivel de innovación y producción.

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Holton – El líder de fabricación de Low Brass Tras actuar como músico profesional con la banda de Sousa, Frank Holton abrió un pequeño taller en Chicago en 1896 para la venta de instrumentos de segunda mano y su receta secreta de aceite para para varas de trombón Electric Oil. Los dos primeros años fueron difíciles y Holton tocaba noches y fines de semana para conseguir algo de dinero que le ayudara a sacar adelante su negocio. En 1898, el negocio ya se mantenía por sí mismo hasta el punto que Holton pudo contratar un luthier que le ayudó a hacer lo que él presentó cómo el trombón “Holton Special”. A medida que el negocio crecía, el catálogo “Holton Harmony Hints” se iba haciendo cada vez más grande e incluía en 1904 trombones, cornetas, trombones de pistones y mellophones. El negocio continuaba creciendo y los instrumentos de Holton se convirtieron en la elección de los mejores profesionales incluyendo Vincent Bach, primer trompeta de la Sinfónica de Boston en 1914. En junio de 1919, para motivar a sus trabajadores a trasladarse de Chicago a Elkhorn, Holton compró 17 acres de tierra y alquiló 27 casas construidas para ofrecer a sus empleados. En 1964, tras recibir presiones para ofrecer una gama completa de instrumentos de viento madera, la compañía Holton fue vendida a G. Leblanc Corporation.

pBone / pTrumpet Que empiece la diversión pBone es el primer trombón de plástico del mundo; muy divertido pero también un instrumento de calidad válido tanto para profesionales como para principiantes. El pBone es un verdadero instrumento musical que ha empezado a revolucionar de forma real la forma de ver los trombones y los instrumentos de metal. Este trombón tan divertido y resistente viene presentando en una práctica funda y con una boquilla. Diseñado en UK para músicos de viento metal por músicos de viento metal, pBone se distribuye en todo el mundo por Conn-Selmer, fabricantes de los más exquisitos trombones. Con el pBone mini, más pequeño y afinado en Eb incluso los más pequeños pueden disfrutar de esta revolución. El pBone mini es un trombón alto totalmente funcional, afinado en Eb y fabricado en ABS y fibra de vidrio. Con las mismas ventajas del Jiggs pBone pero más pequeño y ligero.

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Asamblea General de socios AMPOS 2016

n año más. Un año de avances en nuestra tarea. Un año en el que hemos alcanzado ya los 1.100 socios. Un año en el que ponemos en marcha nuevos proyectos para dar réplica a las inquietudes que nos han ido llegando de los socios. Inquietudes que se pusieron de relieve en la Asamblea General Ordinaria que celebramos el pasado 27 de julio en la sede de AIE de Madrid, un encuentro al que asistieron 21 músicos con representación de 24 orquestas. Entre otros muchos temas, podemos destacar: AMPOS ha sido invitada por la Federación Internacional de Músicos a varios encuentros internacionales:

• Conferencia de Salud (Berlín, 30 de

septiembre de 2015) contó con la participación de médicos especializados y expertos del sector que abordaron temas como la gestión del estrés, los trastornos musculoesquéleticos, la distonía focal y los riesgos asociados a la exposición al ruido. Supuso una importante fuente de información para nuestra campaña sobre enfermedades profesionales.

»» Reunión de Grupo Europeo de

la FIM (Berlín, 1 y 2 de octubre de 2015). Expertos en la materia estuvieron en mesas redondas y debates para tratar los siguientes temas:

»» Hacia una distribución más equitativa de los ingresos generados por la música en Internet.

»» Situación de la tecnología de streaming de alta resolución y la falta de ingresos para los músicos.

»» Excepción de copia privada en el Reino Unido.

»» Acceso de los músicos por cuenta

propia a los derechos reconocidos a los demás trabajadores.

»» Prevención de riesgos laborales:

campaña de la EU-OSHA sobre la gestión del estrés y desarrollo de la herramienta europea de prevención de riesgos en el sector de los espectáculos en vivo.

• Tercer taller temático, para los países

de Europa sur, del proyecto Creative Skills Europe (Madrid, 1 y 2 de marzo de 2016) en el que se trató la orientación del mercado de trabajo para valorar las nuevas necesidades en la formación de los futuros profesionales de la música y el espectáculo.

• 21º Congreso de la FIM (Reikiavik,

7 a 9 de junio de 2016). Entre las muchas resoluciones aprobadas, cabe destacar las referidas a:

»» El trato injusto de los músicos

en los beneficios obtenidos de la puesta a disposición (streaming) visto el crecimiento de plataformas como Spotify, Deezer o Apple Music. Un ejemplo: la famosa canción “Happy”, de Pharrell Williams, que tuvo 43 millones de escuchas sólo reportó 2.700€ al artista. El modelo que propone la campaña Fair Internet fue considerado el mejor modo de obtener una remuneración mínima para el conjunto de los artistas intérpretes.

»» El transporte de instrumentos en

cabina. Se prevé publicar una lista de aerolíneas con información sobre el trato que reciben los músicos y se dará un premio anual a la compañía más considerada.

AMPOS

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las mutuas, ya que es el único medio de cuantificar el volumen de incidencias que realmente se dan, y poder con ello dar sentido a nuestra petición al Ministerio.

La famosa canción “Happy”, de Pharrell Williams, que tuvo 43 millones de escuchas sólo reportó 2.700€ al artista. El modelo que propone la campaña Fair Internet fue considerado el mejor modo de obtener una remuneración mínima para el conjunto de los artistas intérpretes. • Conferencia final de la OiRA

(Atenas, 15 y 16 de junio de 2016). Desarrolladas por la EU-OSHA en colaboración con EAEA (FIM, FIA, UNIMEI) y PEARLE, se presentaban dos herramientas interactivas para la evaluación de riesgos, una en salas y otra en producciones o espectáculos.

Reconocimiento de enfermedades profesionales de los músicos, proyecto en el colabora AEOS, y el en que contamos con el apoyo de la OIT. Francisco Revert, secretario de la AMPOS, ha preparado un abultado dosier en el que se recogen informes de especialistas de todo el mundo, algunos realizados a petición de AMPOS, y otra documentación que avala la relación causa-efecto entre nuestra actividad y las dolencias que padecemos. Presentaremos al Ministerio este dosier junto con la información de la casuística que estamos recabando para pedir que se incluyan en el cuadro de enfermedades profesionales de la Seguridad Social las propias de los músicos. Evitaríamos así las numerosas dificultades que se nos presentan, en especial con la atención recibida por las mutuas laborales de salud.

Por nuestra parte, con el fin de evidenciar que existen enfermedades profesionales de los músicos, organizamos una orquesta y coro para acompañar la ofrenda floral que la OIT realiza cada año el Día Internacional de la Seguridad y la Salud en el Trabajo (Madrid, 28 de abril de 2016). Contamos con la colaboración de músicos de las orquestas y coros de Madrid, la cooperación de AEOS y la inestimable ayuda de la AIE,

que desplegó medios para que resultase un éxito. Nuestro agradecimiento a todos, en particular a Luis Cobos por su dedicación y su dirección, a Ana Mateo, por sus gestiones, y a Joaquín Nieto, Director de la oficina de la OIT para España, por brindarnos tan espléndida ocasión. AMPOS participó el 29 de octubre de 2015 en el concierto A TODA BANDA organizado por AIE y AmproBand, en el cual se reivindicó el valor de las Bandas y su papel como servicio a la ciudadanía. Participaron Luis Cobos y Rafael Sanz-Espert a la batuta y contaron con invitados como el Dúo Dinámico o Salvador Barberá (vicepresidente de AMPOS) al oboe. Allí se inició una campaña de recogida de instrumentos para entregar a los niños sin recursos económicos que quieren estudiar música. Ha sido un año preñado de actividades que nos ayudan a mejorar nuestra profesión. Desde aquí, vayan nuestras palabras de agradecimiento a quienes forman nuestra nueva Junta Directiva que siguen restando horas al sueño, como siempre de manera absolutamente altruista, en beneficio de nuestra profesión. Y cómo no, a todos los socios que, cada vez en mayor número, siguen confiando en su asociación y contribuyen con su apoyo a hacerla cada vez más grande.

Pero es necesario que todos los músicos salvemos nuestras reticencias a manifestar nuestras dolencias ante la empresa y

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Fabricación de baterías Custom

antafe Drums nació en el año 2000 en el seno de una empresa dedicada a la fabricación de instrumentos de percusión tradicional bajo la marca Gonalca. Con la maquinaria, la materia prima y la mano de obra a su disposición decidieron crear una marca de baterías Custom en función de las necesidades del mercado. Novedoso para el mercado europeo, pero tradicional en el mercado americano. Por ello buscaron un nombre

que se entendiera en todas las partes del mundo, un nombre muy americano, pero para un producto totalmente español. En el año 2010 Santafe Drums fue absorbida por la empresa Ortolá S.A, dedicada a la fabricación de fundas, estuches y accesorios musicales como actividad principal desde 1955. Esta se encuentra ubicada en el municipio valenciano de la Pobla del Duc y cuenta con una superficie de 5000 m2 (Ortolá) y 1000 m2 (Santafe Drums). La marca valenciana nos tiene acostumbrados a ver modelos totalmente custom con acabados sorprendentes a gusto del cliente, pero también cuenta con un amplio

catálogo de baterías compuesto por series de baterías que dependen del tipo de madera y medidas. Además, cuenta con series más humildes, que no por ello restan calidad al producto. Con el paso de los años han ido ampliando su catálogo de productos, pero siempre escuchando las necesidades de los músicos profesionales y amateurs, para incluir una mejora y calidad en el producto final. En 2015 nos han sorprendido con la fabricación de la Serie Top Wood, principalmente por su caja de sonajas ‘JINGLE TOP WOOD’. Toda una revolución en el mundo de la percusión. Todos sus productos se pueden adquirir en cualquier tienda de música. Para más información visita: www.ortola-sa.es

¿Cómo se fabrican las baterías Santafe?

A continuación detallamos el proceso de fabricación que consta de carpintería, pintura y montaje. Los pasos a seguir son los siguientes:

01 Cortar láminas de madera

02 Encolar láminas

03 Añadir más láminas

04 Compactar láminas

05 Taladrar cascos

06 Marcar los cascos para agujerear

07 Lijar cascos

08 Pintar los cascos

09 Secado de cascos

10 Montar accesorios

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Ortolá sigue ampliando su oferta de percusión brasileña

n los últimos dos años Ortolá ha ido ampliando su catálogo de percusión con instrumentos de percusión brasileña y otros accesorios de la marca IZZO y TIMBRA TOP PERCUSSION. Debido a la gran demanda del sector, Ortolá ha aumentado su oferta con la incorporación de la marca LIVERPOOL. LIVERPOOL es la mayor empresa fabricante de baquetas de Brasil. Empezó su historia hace 23 años produciendo baquetas para atender a las escuelas de samba del país con motivo de los carnavales brasileños. Apasionada por estos ritmos, años después se fue adaptando a las necesidades de los músicos y creó una línea profesional sumando productos de percusión menor. Hoy en día es una marca referente en el mercado de la música de Brasil y, además, ha conseguido ser reconocida internacionalmente. El alto nivel de calidad exigido por los baterías y percusionistas que atienden continuamente hace que sus productos estén elaborados con maderas cuidadosamente seleccionadas y libres de impurezas. Tienen muy en cuenta en sus procesos de elaboración la forma de la cabeza, el cuerpo y el peso de la baqueta que las convierte en productos de primera línea.

7147 Cabasa de madera Liverpool ref. AF MD

7153 Baqueta Tamborim samba 5 sticks Liverpool ref. SB-NY5

7160 Maza Surdo aluminio mango Liverpool ref. MA79

7180 Maza Surdo madera Sambrasil Liverpool S2 ref. SB-S2

Entre los productos que ORTOLÁ ha incorporado de LIVERPOOL podemos encontrar baquetas para repeniques, tamborims, pailas y mazas para surdos. Además de artículos de percusión menor como agogos, rocar, juegos de claves, ganzas, reco recos, cabassas, etc. Todos estos productos ya están disponibles en vuestra tienda de música más cercana. Para más información pueden consultar en: www.ortola-sa.es

7174 Reco Reco 3 muelles Liverpool ref. RRAL 3M

7179 Pad Prácticas tipo caja sorda Liverpool ref. PAD030

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Serie CF Pianos artesanales de Concierto Yamaha

urante más de un siglo Yamaha ha construido pianos de cola, perfeccionando continuamente tanto su proceso de fabricación como su diseño en busca de la excelencia musical. Durante diecinueve años Yamaha combinó la artesanía tradicional con la más alta tecnología para reexaminar literalmente todos los aspectos del piano, descubriendo la influencia de cada detalle en el sonido.

Un diseño impulsado por los artistas Los artistas siempre han desempeñado un papel fundamental en el desarrollo de los instrumentos Yamaha y a lo largo de su historia, Yamaha se ha mantenido cerca de algunos de los mejores pianistas del mundo. El secreto que esconde la serie CF es que su diseño siempre ha sido impulsado por el buen saber hacer, el conocimiento, las expectativas y la imaginación de los grandes músicos.Mientras trabajaba en la serie CF, Yamaha llevó prototipos a conciertos, festivales y concursos de piano de todo el mundo, en colaboración con artistas de talla mundial para desarrollar un piano realmente excelente. La serie CF representa la cima de la evolución de los pianos de cola de conciertos.

Belleza y fuerza El concepto que se esconde tras la serie es “Belleza y fuerza”. La belleza hace referencia a la amplia gama de colores tonales y a la capacidad de crear los sonidos

CFX

musicales más sutiles. En las manos de un buen pianista, los pianos de la serie CF pueden “cantar” con una expresividad que raramente se ha oído antes. La fuerza describe la increíble presencia tonal. No sólo cuando se toca fortissimo, sino incluso cuando se tocan los pasajes más lentos y delicados, éstos se proyectan a toda la sala. Los graves son simplemente impresionantes, y todos los registros son capaces de proyectarse por encima de una orquesta sinfónica entera independientemente del tamaño de la sala.

Fabricados artesanalmente con los mismos materiales y por los mismos artesanos de élite, los tres modelos de la serie CF comparten una bella expresividad y una profunda presencia tonal. El modelo estrella es el CFX, un piano de cola de conciertos de 2,75 metros, adecuado para las salas de conciertos más grandes. Con las mismas características excepcionales que el CFX, el CF6 de 2,12 metros es una elección perfecta para salas de recitales, mientras que el CF4 de 1,91 metros es excelente para tocar en salas docentes y de cámara.

Detalles de la Serie CF

Arpa

Barraje

Teclado

Tabla de armónica

Interior

Lira

Macillos y cuerdas

Tapa

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Conocimiento y diseño Respaldado por más de un siglo de experiencia, el proyecto de la serie CF comenzó en 1991, justo después del lanzamiento del exitoso piano de cola de conciertos CFIIIS. Yamaha comenzó por utilizar las más avanzadas técnicas científicas para estudiar todos los aspectos del piano. Se analizaron las vibraciones en el cuerpo, la tabla armónica, el bastidor y las cuerdas para poder trazar los patrones de los distintos armónicos de cada nota mediante tecnología CAD y fotografía de alta velocidad. Yamaha aprendió todo sobre la génesis de los tonos de un piano. También encontró la forma de emplear dichos conocimientos en el diseño. Los resultados son “oír para creer”: unos sostenidos sublimes, una resonancia excepcional y unos armónicos muy ricos. Se cambiaron la forma, el grosor e incluso el proceso de fabricación del barraje del piano; los aros interior y exterior, de una única pieza, también se elaboran empleando un proceso desarrollado recientemente. El resultado es un sonido rico y profundo con una excepcional proyección tonal que puede llenar las más grandes salas de conciertos. Para la tabla armónica únicamente se emplea la pícea europea más cuidadosamente seleccionada. Un nuevo método de unir las costillas a la tabla armónica contribuye a liberarla de tensión y añade ricos armónicos al sonido para ofrecer una amplia gama de expresivos colores tonales.

El bastidor o arpa se moldea y funde en arena individualmente y a mano para aumentar la fortaleza y estabilidad de los pianos. Esto contribuye al excepcional carácter tonal y resonancia de la serie. Estos pianos poseen un diseño de clavijero abierto que mejora tanto el ataque como la resonancia de las notas.

A medida que Yamaha desarrollaba las cualidades sonoras de la serie CF, también rediseñó completamente todo el mueble para dotarle de una apariencia limpia y estilizada en armonía con el conjunto del piano, tanto exterior como interior. El resultado, un diseño estético inspirado en su sonido.

Los macillos tienen un importante efecto en el carácter y la claridad tonal, y también contribuyen a determinar la proyección y resonancia del sonido. Yamaha emplea los mejores tratamientos y materiales posibles para conseguir un rendimiento óptimo a pesar de los posibles cambios de temperatura y humedad. Se han investigado todos los aspectos de las cuerdas del piano, desde los patrones de movimiento de los diversos armónicos hasta la forma en que reaccionan cuando las golpean los macillos. Los materiales y los métodos de fabricación son muy importantes y los bordones de Yamaha son entorchados a mano por artesanos extremadamente precisos. Su nuevo diseño es exclusivo, elegante y moderno y muestra la confianza de Yamaha en la nueva dirección de sus pianos. Además de las características tonales, el concepto “Belleza y fuerza” ha sido recreado en este diseño visual. Los pianos de la Serie CF comparten una bella silueta que refleja la elegancia y pureza de su sonido. Se ha eliminado cualquier ornamentación innecesaria para favorecer un diseño moderno y estilizado total. Los pianos tienen una presencia a la altura de su sonido. La madera de la serie CF se lija repetidas veces, con lijados cada vez más finos. El acabado se aplica capa a capa y con un meticuloso pulido entre ellas. El resultado es un acabado de un negro de riqueza y belleza inusuales.

CF4

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Serie CF Pianos artesanales de Concierto Yamaha El estilo moderno de la lira de pedales coincide con la simplicidad de sus patas pero es más duradera y resistente que la de cualquiera de los modelos anteriores. El CFX cuenta con un acabado satinado en la tapa para evitar los reflejos que podrían deslumbrar al resto de músicos de la orquesta. Los modelos CF6 y CF4 se fabrican en acabado brillante pero también se pueden solicitar específicamente con un acabado satinado. Las teclas blancas en Ivorite, que ofrecen el aspecto y sensación del marfil natural y las negras se elaboran en ébano de alta calidad seleccionado cuidadosamente, proporcionan un tacto confortable para tocar con comodidad durante horas.

CFX

CF6

CF4

El modelo estrella de la serie CF, el gran piano de cola de conciertos CFX representa la cumbre de la tradición de elaboración de pianos de Yamaha. Elaborado con belleza y con un sonido exquisito en todo el rango dinámico, el CFX dispone de la potencia necesaria para proyectar su sonido hasta los rincones más alejados de no importa qué sala de conciertos.

Elaborado en el mismo taller y por los mismos artesanos, el modelo CF6 comparte todas las características del CFX. Puede sonar con más potencia de lo que podría sugerir su tamaño físico, y su exquisita capacidad de expresividad musical lo convierte en una elección excelente para las salas de recitales.

El modelo CF4 ofrece toda la belleza de tonalidad y de sensibilidad de la serie CF en un tamaño más reducido ideal para instituciones de enseñanza o salas de cámara.

• • • • • • • • • • • •

Longitud: 2,75m Escala doble Colector de tonalidades Teclas: Ivorite /ébano Posiciones del atril: 5 Posiciones del bastón: 3 Soporte de tapa con tope de seguridad Borde de la tapa: Biselado Tapa de teclado de cierre amortiguado™ Cierres de bastón/cama Pedal central: Tonal Acabado: Ébano pulido (soporte y parte superior de la tapa en acabado mate)

* El soporte y la parte superior de la tapa también se pueden solicitar en acabado pulido.

CF6

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Longitud: 2,12m Escala doble Colector de tonalidades Teclas: Ivorite /ébano Posiciones del atril: 5 Posiciones del bastón: 3 Soporte de tapa con tope de seguridad Borde de la tapa: Biselado Tapa de teclado de cierre amortiguado™ Cierres de bastón Pedal central: Tonal Acabado del mueble: Ébano pulido

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Longitud: 1,91m Escala doble Colector de tonalidades Teclas: Ivorite /ébano Posiciones del atril: 5 Posiciones del bastón: 3 Soporte de tapa con tope de seguridad Borde de la tapa: Biselado Tapa de teclado de cierre amortiguado™ Cierres de bastón Pedal central: Tonal Acabado del mueble: Ébano pulido

* El soporte y la parte superior de la tapa también se pueden solicitar en acabado mate.

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Los límites a la fotocopia de partituras y metodología musical

on carácter previo a la exposición de los límites legales a la realización de fotocopias sobre obras musicales, debemos señalar que, con carácter general la realización de fotocopias de obras musicales sin la correspondiente autorización es un delito contra la propiedad intelectual.

Se puede fotocopiar hasta un máximo de 7 copias de un mismo original en un solo acto o como consecuencia de un solo encargo.

• No se pueden fotocopiar las partitu-

ras de las que se dispone por alquiler de las mismas.

• Las fotocopias no se pueden incluir en una base de datos.

• No se pueden realizar fotocopias de ningún libro o método.

• Las fotocopias solo pueden hacerse

en las dependencias de la Sociedad, usando las maquinas reproductoras determinadas.

Únicamente se puede realizar fotocopias de la obras de aquellas editoriales o autores que han cedido sus derechos a CEDRO (Centro Español de Derechos Reprográficos) y únicamente si se ha suscrito un contrato de licencia con dicha entidad de gestión de derechos de autor.

Si es Ud. titular de una licencia de CEDRO, tampoco puede Ud. efectuar libremente fotocopias de libros o partituras, en todo caso debe Ud. de tener presentes las siguientes limitaciones al derecho a fotocopiar una obra musical:

Para empresas reprográficas Siempre: que los autores/editoriales cuyas obras quiere fotocopiar hayan cedido sus derechos a CEDRO (consultar en www.conlicencia.com) y en el caso de que la empresa que va a hacer una fotocopia tenga suscrita licencia con CEDRO, las limitaciones que debe de tener en cuenta son:

• Únicamente se puede fotocopiar un

10% de los libros de música o métodos de enseñanza o hasta 7 páginas de las partituras, siempre que no se supere el 20% de la obra.

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• Se pueden realizar fotocopias de

partituras y particellas musicales para sus miembros, a partir de un ejemplar original que la Sociedad tenga en su poder.

Una vez señalado lo anterior, es necesario destacar que el hecho de realizar fotocopias ilegales perjudica hoy al autor y al editor y a medio plazo a la cultura en general; la falta de retribución de los autores y editores dificulta la creación y edición de las obras, o en el mejor de los casos, limita su número y su publicación, en definitiva, nos empobrece culturalmente y el que infringe la ley hoy puede ser el perjudicado mañana.

En el caso de que el autor/editor de la obra que desee fotocopiar no haya cedido sus derechos a CEDRO, en ningún caso podrá Ud. fotocopiar la citada obra, arriesgándose a ser denunciado por el autor/ editor y a ser condenado a pagarle una indemnización.

En el caso de Sociedades Musicales que tengan suscrita licencia con CEDRO

• No pueden ser utilizadas en actividades de enseñanza musical.

• Deben de llevar en lugar visible la leyenda “copia con licencia CEDRO”.

• Las obras fotocopiadas no pueden ser En caso de Centros de enseñanza y únicamente en el caso de las fotocopiadoras que estén instaladas en dichos centros y además el centro tenga suscrita licencia con CEDRO:

• Se puede fotocopiar hasta un 10% del libro o método de enseñanza y de las partituras el 100%.

• No pueden usarse fotocopias en los exámenes.

• No se pueden fotocopiar libros o

métodos cuya extensión sea menor o igual a 5 páginas.

• Las fotocopias solo pueden ser

utilizadas por personal, alumnos y profesores del centro en el interior del mismo. En actuaciones fuera del Centro, en todo caso, se deberán de usar partituras originales.

• No se pueden usar fotocopias de

partituras en actuaciones de coros, bandas, orquestas ni en recitales ni en cualquier otra actuación pública.

• Estas fotocopias solo pueden realizarse mediante las maquinas existentes en el centro. Si se realizan fuera del centro estarán sujetas a los límites de las empresas reprográficas.

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objeto de inclusión en una base de datos.

En todos los casos se debe de informar claramente en el Centro de Enseñanza Sociedad Musical o establecimiento reprográfico, de los citados límites. Fotocopiar un libro/partitura no autorizado o superar los límites señalados supone un delito contra la propiedad intelectual de los titulares de los derechos de autor y están sujetos a la correspondiente denuncia. Por último, queremos reiterar que la fotocopia de libros y partituras nos empobrece a todos culturalmente, porque se elimina la justa retribución de autores, compositores y de todos aquellos músicos relacionados con la obra, se reduce la posibilidad de que los compositores sigan componiendo, así como la posibilidad de supervivencia de las editoriales de música, eliminando su motivación para seguir editando, se encarece la edición de libros de música y partituras y se dificulta su difusión. Las personas que fotocopian hoy pueden ser los perjudicados mañana. Comité de Sinfónicos de La Asociación Española de Editores de Música

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Tel.: 915 421 082

La formación de los músicos y su personalidad Por Guillermo Dalia

ste es el primero de una serie de artículos en los que se reflejan aquellas características propias de la formación por la que transcurre el aprendizaje y los estudios de un músico. Conociéndolas podremos entender mejor el surgimiento de algunos factores de personalidad propios de los músicos, como la introversión, el perfeccionismo, el divismo, etc. Unas peculiaridades excepcionales pues no se dan en otras profesiones o estudios y que pueden desembocar en actitudes y comportamientos perjudiciales e insanos para el propio músico, tanto en su vida labora como personal y afectar negativamente al clima social del músico.

Características de la formación de los músicos La relación de un músico con la música, o mejor dicho, con todo lo que se relaciona con el mundo musical, su mundo, es algo realmente especial. Es un trabajo para los profesionales, pero es algo más que el modo de ganarse la vida, es un pasatiempo para los estudiantes pero es algo más que una entretenimiento. “Es algo más” no sólo es una frase que esgrimen de un modo orgulloso en algunas ocasiones profesores, alumnos o intérpretes, queriendo señalar que es un quehacer diferente a otras actividades incluso artísticas, verdaderamente nos encontramos ante una alianza excepcional, el músico interioriza el instrumento, lo vive como parte de él (Willems, 1989). Es un trabajo que algunos autores (Ponce de León, 2009) califican como “sacerdotal”, en el sentido que influyen profundamente en la vida de la persona, suele ser una ocupación de todo el día y suele marcar la personalidad del que la ejerce. Desde la perspectiva psicológica podemos afirmar que se crean unos lazos fascinantes entre la persona que hay detrás del músico y todo lo que se produce en el ámbito musical: horas de estudio en soledad, aplausos, la presión de la audiencia, del crítico profesional, la emoción sublime de una buena interpretación, etc. La interpretación musical es una actividad única, no solamente en lo referente a su faceta artística y emocional si no a todas las condiciones que se dan en la formación y en la vida del músico, del intérprete. Veamos algunas de las características de dicha formación:

Inicio prematuro Es frecuente que los músicos se inicien en el aprendizaje de la música a edades muy

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tempranas, muchos de ellos ni siquiera recuerdan el momento exacto, son habituales manifestaciones como “…en mi casa siempre se ha vivido con la música..” o “… desde siempre…”. Sí es más fácil que recuerden el primer día con el instrumento, el momento exacto en el que ocurrió, pero no cómo fueron las primeras clases. Este contacto con la música aparece tanto desde los inicios en acciones como escuchar música y entrar en contacto con ella a través de juegos y entretenimiento como en la formación reglada a través de las academias y conservatorios de música.

“Existen investigaciones que corroboran los beneficios del estudio de la música para los jóvenes y que estos beneficios se transfieren a otras asignaturas académicas o en algunos tipos de inteligencia, sin embargo no proliferan estudios sobre la influencia del estudio de la música en el desarrollo personal y social del músico.” Evidentemente son los padres los que a estas edades llevan a sus hijos y los inician en el estudio de la música (Lehmann, Sloboda y Woody, 2007). Niños y niñas de 3 y 4 años ya entran en contacto con la música, no como pasivos oyentes sino como ejecutantes de la misma. En esos inicios es lógico que se les presente como un juego, un modo de divertirse con el cual realmente se entretienen y disfrutan. Hay distintos métodos de enseñanza que insisten en la precocidad como elemento necesario. Esta primera característica es fundamental, ya que se van a vivir algunas experiencias extraordinarias a unas edades en las que normalmente no se tiene una preparación adecuada para hacerles frente. Por supuesto que la mayoría de experiencias son positivas y que los beneficios que reporta el aprendizaje de la interpretación musical son extraordinarios, pero más fructíferas resultarían si se tuvieran en cuenta estas y se atenuaran o anularan sus efectos negativos. Este inicio prematuro tiene otras derivaciones, como veremos a continuación, una de ellas es que cuando estos niños y

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niñas crecen se planteen abandonar los estudios arguyendo entre otros motivos que ellos no lo eligieron y que no lo decidieron. La presión de la audiencia y la competitividad son dos ejemplos, pero sin duda alguna el miedo escénico es el problema que más incapacita y que más sufren los músicos, estudiantes y profesionales (Steptoe & Fidler 1987, Fishbein y col. 1988, Clark y Agras 1991, Wesner y col. 1990, Abel & Larkin 1990, Kivimäki 1995). Estos niños, luego adolescentes, van a experimentar en su mayoría un miedo escénico que no solo produce un descenso de su rendimiento sino que les lleva a sufrir emociones profundas como el miedo, la frustración, la sensación de fracaso, etc. A pesar de esta realidad que afecta a un 80% de músicos no se generalizan las medidas oportunas, las técnicas para poder solucionarlo (Dalia, 2004).

Muchas horas de soledad con instrumento Es fácil imaginar lo difícil que resulta dominar un instrumento musical para conseguir que de él surjan sonidos agradables. Posiblemente hayamos tenido un violín, un oboe o trompeta entre nuestras manos y lo hemos intentado con la mirada desconfiada de su propietario o propietaria. Ardua tarea, es realmente difícil. Imaginemos entonces la dedicación necesaria para hacer posible que de él no solamente salgan sonidos amables si no hermosas melodías compuestas por genios de la composición. Al cumplir 21 años, un estudiante de música a pasado 10.000 horas practicando con su instrumento (Ralft y Anders, 1995). Casi la totalidad de este tiempo transcurre en soledad, mejor dicho, en soledad con el instrumento, los dos en soledad, compartiendo emociones fuertes, bellas y amargas. Muy probablemente esta sea una de las facetas que más va a influir en la relación que el músico establece con “su mundo musical”, y con el instrumento, esa relación de amor y odio tan fascinante como luego veremos. También en esta característica podemos ver el precursor de un rasgo de la personalidad del músico: los músicos muestran un comportamiento más introvertido que el resto de la población, además no todos los músicos se muestran igual en este elemento. Existe un continuo en relación a este factor de la personalidad dependiendo del instrumento, es un ejemplo de cómo interiorizan el instrumento. Si los situamos en un continuo entre extraversión e introversión, los músicos

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Medical Problems of Performing Artists, 3, 1-8.

• Kimimäki, M. (1995). Test anxiety,

below-capacity performance, and poor test performance: intrasubject approach with violin students. Personality of Individual Differences, 18, 47-55.

• Konrad, R.R. (2000). Empathy, Arts

and Social Studies. Human & Society Sciences,

• Lehmann, A. C., Sloboda, J. A. y

Woody, R. H. (2007). Psychology for Musicians: Understanding and acquiring the skills. EUA: Oxford University Press.

• Lipton, J. P. (1987). Stereotypes con-

cerning musicians within symphony orchestras. The Journal of Psychology, 121, 85-93.

• Ponce de león Barranco, L. (2009) Guillermo Dalia

más extravertidos son los viento – metal (Lipton, 1987) trombón, tuba, trompa, destacando los trompetas (otro ejemplo curioso en esta relación: entre ellos mismos se denominan como su propio instrumento, “soy tuba, Luis es oboe de la orquesta…, María es viola...”) junto con los de percusión, seguido del viento–madera, clarinete, oboe, fagot y acercándonos a la introversión nos encontramos la cuerda, violines, violas, violonchelo, contrabajo. Ya en el extremo encontramos guitarra, piano o arpa, en definitiva los denominados instrumentos solistas, aquellos que no suelen juntarse con otros instrumentos de forma habitual para el estudio y la ejecución musical. Parece que estos músicos adoptan algunos rasgos de su instrumento (Dalia, 2008), la trompeta es un instrumento abierto, con fuerte volumen, la guitarra es un instrumento más íntimo, introspectivo, como sus propietarios. Las miles de horas de dedicación a un instrumento solista puede crear características peculiares en la conducta del músico. En el contexto de la psicoterapia podemos ver esta circunstancia de manera directa. Es frecuente que en casos de ansiedad social algunos guitarristas comenten “… recuerdo muchas noches de mi juventud que tras algún problema con alguna chica me recluía en mi habitación, ponía el paño entre las cuerdas de la guitarra y pasaba horas con esa tristeza haciendo música. Hubiese sido mejor compartirlo con amigos y conocidos en vez de irme siempre solo… tal vez por eso tengo ahora esos problemas sociales y de timidez…”.

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Existen investigaciones que corroboran los beneficios del estudio de la música para los jóvenes y que estos beneficios se transfieren a otras asignaturas académicas o en algunos tipos de inteligencia, sin embargo no proliferan estudios sobre la influencia del estudio de la música en el desarrollo personal y social del músico. Algunos de ellos encuentran mejoras en comportamientos sociales como compartir y ayudar, aumento de la empatía y reducción de prejuicios y racismo (Konrad, 2000). Sería importante conocer como influye la soledad de los estudios en los músicos, en construir su particular personalidad.

Bibliografía

• Abel, J. L.,Larkin, K. T. (1990).

Anticipation of performance among musicians: Physiological Arousal, Confidence, and State-Anxiety. Psychology of Music, 18,171-182.

• Clark, D. B., Agras, W.S. (1991). The

assessment and treatment of performance anxiety in musicians. American Journal of Psychiatry, 148, 598-605.

• Dalia, G (2004). Cómo Superar la

Ansiedad Escénica en Músicos. Mundimúsica Ediciones.

• Dalia, G. (2008). Cómo ser feliz si eres

músico o tienes uno cerca. Mundimúsica Ediciones.

• Fishbein, M., Middlestadt, S.E.,

Ottati, V., Straus, S.,Ellis, A. (1988). Medical problems among ICSOM musicians: Overview of a national survey.

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Necesidades de orientación en los conservatorios profesionales de música. Revista LÉEME (Lista electrónica europea de música de la educación), nº24, Dicembre 2009.

• Ralft K. y K. Anders, (1995) Delibe-

rate practice and elite musical performance, en Jonh Rick (Ed.) The Practice of Performance: Studies in Musical Interpretation. Cambridge University Press, pp 84-102.

• Steptoe, A. y Fidler, H. (1987) Stage

fright in orchestral musicians: A study of cognitive and behavioural strategies in performance anxiety. British Journal of Psychology, 78, 241-49.

• Wesner, R. B., Noyes, R. jr. Davis, T.L. (1990) The occurrence of performance anxiety among musicians. Journal of Affective Disorders, 18, 177-185.

• Willems, E. (1989). El valor humano

de la educación musical. México: Paidós.

Guillermo Dalia Cirujeda es Psicólogo. Especialista en Psicología Clínica. Desde 1993 atiende a multitud de músicos, cantantes, actores...en todos aquellos problemas más comunes de la interpretación artística: miedo escénico, estrés, depresión. Es profesor en cursos de postrado de varias universidades en temas relacionados con la actividad musical. Colabora con conservatorios, agrupaciones musicales y orquestas sinfónicas a través de asignaturas, ponencias y cursos sobre temas como el miedo escénico, mejorar el clima social de la orquesta, etc. Su último libro publicado es “Cómo ser feliz si eres músico o tienes uno cerca”. www.guillermodalia.com

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Novedades didácticas Curso 2016-2017

Curso Piano Fácil de J. Thompson ahora en español El piano es, probablemente, el instrumento al que más métodos de aprendizaje se le han dedicado. Si decides comenzar a tocar el piano y te acercas a una librería de música para encontrar el método ideal –aquel que nos asegura que en 10 lecciones conseguirás tocar conocidas melodías con soltura– hallarás un mar bibliográfico que, si no te espanta o abruma, te dejará aturdido.

Nueva edición solo en español de los Libros de Fichas del Alumno de la colección MUSIC & MÚSICA, para 1º y 2º de Educación Primaria La metodología creada por Natalia Velilla, Music & Música, para la educación musical en la etapa de primaria ofrece la posibilidad de impartir la clase de música en español o en inglés. WMR101651

La Guía Didáctica está en español e incluye todo el material en los dos idiomas (partituras, canciones, danzas, cuentos, pizarra digital, etc.). Los libros para el alumno tienen dos versiones: de tercero a sexto de primaria pueden elegirse en español o en inglés, y en primero y segundo en inglés o bilingüe. ¿Qué es eso de bilingüe?

Lo que determina que un método instrumental no disipe tu ilusión por el apasionante mundo del piano es que consiga retener tu atención porque sea fácil, conciso, divertido, atractivo y eficaz. No es necesario apuntar que conseguir atraer la atención de los niños requiere mayores dosis de ingenio. John Thompson, autor de los métodos Curso Piano Fácil en tres volúmenes, fue un gran pedagogo y compositor desde bien joven. La filosofía de Thompson consiste en que la técnica pianística de los concertistas puede ser aplicada a la etapa de iniciación adaptándola a las pequeñas manos de los niños. Esta genial idea la completó con la reducción de melodías de obras maestras famosas y fichas de trabajo presentadas a través de atractivos personajes animados que destacan los conceptos musicales más importantes de cada pieza. Esta combinación ha hecho de sus métodos unos de los más influyentes y hasta el momento sólo podían adquirirse en inglés.

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The Music Sales Group, consciente del interés que despiertan estos libros en España, ha traducido y adaptado los tres primeros volúmenes con mucho acierto, pues en ellos se recogen numerosas piezas musicales muy conocidas en inglés y que ahora también podremos disfrutar en español.

Ha sido motivo de sorpresa y de muchas preguntas que primero y segundo curso haya ofrecido hasta el momento dos versiones, una inglesa y otra bilingüe —es decir, con los enunciados de las fichas en español e inglés—. La propuesta de la autora y de la editorial planteaba dar a los centros escolares que desearan implantar el inglés en esta asignatura los dos primeros años de adaptación, permitiendo a los alumnos y al docente una familiarización paulatina con los conceptos musicales en

Puedes echarle un vistazo a esta novedad visitando nuestra biblioteca virtual en issuu.com/carisch y tecleando en el buscador los códigos editoriales que aparecen debajo de cada portada:

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Vista en Issuu del Curso Fácil para piano 1 de J. Thompson (WMR101640)

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DESPERTANDO EL OÍDO, lo último de Encarnación López de Arenosa ¿Cuántas veces has escuchado la expresión tener o no tener oído? ¿te has preguntado alguna vez si será cierto que existe el oído absoluto? Si es así no dejes de leer, lo que sigue a continuación te va a interesar. Vista en Issuu del Libro de Fichas del Alumno, Music & Música 1 (MK19162)

Vista en Issuu del Libro de Fichas del Alumno, Music & Música 2 (MK19163)

otro idioma, y al centro que lo impartiera en español, la de obviar el enunciado en inglés o la de probar a alternar los conceptos como mero juego y complemento, sin mayores pretensiones. Con el transcurso de los años, cada vez más colegios nos solicitaban la versión de un Libro de Fichas solo en español, y como sus deseos son órdenes ¡aquí lo tienen! A partir del próximo curso toda la colección tendrá solamente la posibilidad de elegir el libro del alumno en español o inglés. Y para que podáis empezar a programarlos, aquí os dejamos unas vistas previas del interior que podéis como siempre visitar en nuestra biblioteca virtual: issuu.com/carisch. ¡Gracias por ayudarnos a hacerlo cada día mejor!

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La novedad que te presentamos te dará una alegría de las que suben la autoestima así de repente, porque esta extraordinaria pedagoga te propone despertar tu oído dejando a un lado cualquier mito o dificultad preconcebida. Olvídate del nombre de las notas, de si son negras, blancas o corcheas y céntrate en oír, cantar, entender y crear.

facilidad innata y por qué no decirlo, nosotros añadimos algo de adivinación. Fue así como surgió la idea de que hay quienes nacen con oído, porque a pesar de todo eran capaces de completar el ejercicio, y sin embargo otros no podían de ninguna manera. Encarnación López de Arenosa postula en el prólogo del primer volumen que el propósito consiste en despertar la intuición a través de canciones, ritmos, movimientos espontáneos asociados a dibujos que representan los aspectos rítmicos y melódicos, los dos grandes parámetros de este primer libro. No se persigue que el escuchante acierte, sino que comprenda e interprete con conocimiento lo que percibe y pueda de este modo transcribirlo y crear nuevos modelos partiendo de los elementos básicos. “Es injusto, —según palabras de E. López de Arenosa—, hablar de «no tener oído» cuando lo que no han tenido, en muchas ocasiones, es un soporte ordenado de lo que escuchan”.

Los dos primeros volúmenes de esta colección derriban sin piedad las prácticas tradicionales de aquellos profesores que sentados al piano comenzaban a tocar un fragmento musical de principio a fin ante la desconcertante mirada de sus alumnos que cazaban notas como quien caza moscas. De unos años a esta parte se ha venido alzando la voz sobre la inconveniencia de recurrir al dictado como única herramienta para trabajar la educación del oído, pero han sido tantos los años durante los cuales los estudiantes de escuelas y conservatorios han sufrido con resignación esta práctica, que parecía que no había otra manera de abordarlo. El dictado resultaba algo tan inexpugnable que la jerga estudiantil del aula de música acuñó la expresión sacar o no sacar el dictado, como si este estuviera metido en el piano, enlatado. Se decía también que para sacarlo —el dictado— había que tener

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La dinámica del aula de este extraordinario material difiere asimismo bastante de lo comúnmente vivido por todos nosotros en nuestros inicios. E. López de Arenosa concibe su clase como un “taller” que estimula una escucha activa con el fin de que los aprendices comenten, pregunten y discutan sobre lo que suena: “yo como maestro no te voy a controlar para colocarte una calificación que puede resultar desmotivadora, sino a observar qué te hace falta para enriquecer tu trabajo y solventar tus problemas”.

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Novedades didácticas Curso 2016-2017

El primer volumen ofrece más de 100 ejercicios para abordar la sensación auditiva, lo que se podría llamar aprender a “prestar atención a lo que escuchas”. Esto sirve para identificar si la música sube, baja o se mantiene; trabajando la retención de sensaciones mediante canciones populares que hay que escuchar, cantar, escribir y finalmente variar creando diferentes melodías con los mismos elementos: aquellos que fijan la tonalidad tomando como modelo Do Mayor y La menor.

la creación e improvisación de canciones. Esto supone la culminación del proceso auditivo, constatando la importancia de la creación de melodías como resultado evidente de una buena escucha.

El segundo volumen consolida los modos y los elementos armónicos básicos para hacer conscientes a los escuchantes de la relación entre la base armónica y la melodía; dando paso gradualmente al inicio de una audición polifónica. Estos dos fines principales están perfectamente hilados

En Despertando el oído 1 se trabaja:

En Despertando el oído 2 se trabaja:

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Ambos volúmenes incluyen un CD que proporcionan al estudiante la guía y el apoyo que propugna la autora. En ellos se encuentran grabados con diferentes timbres ejercicios instrumentales y vocales que servirán Encarnación López de Arenosa de punto de partida para comenzar un aprendizaje satisfaccon la presentación de conceptos tales torio y placentero. como la inversión de los acordes, los tipos de escalas, las notas de paso y floreo, etc., La biblioteca virtual issuu.com/carisch constituyendo un material rico y cohetiene ya disponibles para su consulta los rente con su propósito: aprender a escudos primeros niveles de esta atractiva cochar. Los cuadernos concluyen con unos lección que pueden verse también en anexos muy interesantes pensados para www.carisch.com.

•

Ritmos y melodías a través de gráficos. Con la palabra aprendemos ritmos básicos. Con las canciones memorizadas aprendemos sonidos, percibimos el pulso, el acento y los ritmos

•

Conocemos con canciones las escalas de cinco sonidos –pentáfona– de Do y de La y hacemos dictados con ellas. Después lo mismo con las escalas completas de Do y La. Conocemos el semitono

•

Reconocemos frases pregunta y frases respuesta y las escribimos

•

Creamos melodías, ritmos y canciones usando todo lo aprendido

•

Conocemos las alteraciones y las identificamos en diferentes fragmentos. Aprendemos canciones con nuevos ritmos y los aplicamos a palabras

•

Reconocemos armonías básicas y las aplicamos para acompañar canciones

•

Recordamos las canciones del primer cuaderno y las cantamos en los modos Mayor y menor. Identificamos y usamos los dos modos. Aprendemos nuevas canciones y hacemos dictados en ambos modos

•

Comenzamos los dictados a dos voces

•

Creamos canciones, melodías, ritmos y armonizamos melodías

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Los instrumentos musicales y sus agrupaciones Mª Agustina Perandones Mánuel

os instrumentos musicales y sus agrupaciones, se trata de una nueva publicación enfocada a conocer los instrumentos más representativos que forman parte de la orquesta y sus formaciones instrumentales más relevantes dentro del panorama musical.

A través de cada unidad, conoceremos no solo las cualidades o la evolución de cada instrumento o agrupación, sino que con el soporte CD que acompaña el libro, se puede hacer una diferenciación auditiva de cada uno de ellos, comprendiendo su relevancia dentro de la historia de la música.

“Los instrumentos han formado siempre parte de la historia musical, y la historia de la música comienza con la de la humanidad, ya que desde nuestros orígenes, hacer música es un instinto básico y universal.” Niveles de aplicación Es un material enfocado para cualquier persona que disfrute con la música, siendo especialmente útil en alumnos/as que pertenecen a orquestas o grupos instrumentales, debido a que podrán conocer su instrumento y los que le rodean, entendiendo la orquesta como un todo, como un gigantesco instrumento musical. También puede ser muy beneficioso aplicarlo en estudiantes que cursan estudios musicales en los últimos cursos de Lenguaje Musical en la Enseñanza Elemental y Profesional, debido a que es una formación imprescindible para comprender las cualidades y características de los instrumentos, aplicando estos conocimientos posteriormente en la asignatura de armonía y composición, como por ejemplo saber en qué clave leen los intérpretes de ese instrumento en particular, o qué instrumentos son transpositores.

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En Centros Escolares también puede ser un material muy apropiado, en el último ciclo de Primaria y en todos los niveles de Secundaria, ya que el conocimiento de los instrumentos y sus principales agrupaciones es fundamental para la formación de los estudiantes en la asignatura de música.

Estructura del libro El libro está estructurado en ocho temas, cada uno dedicado a una familia, siendo: cuerda percutida, cuerda frotada, cuerda pulsada, viento-madera, viento-metal, percusión, agrupaciones musicales y agrupaciones vocales, y cada uno de estos temas contiene unidades correspondientes a cada instrumento o formación, conformando un total de veinticuatro unidades. Cada unidad presenta una explicación detallada de cómo es el instrumento o la agrupación, su formación y características, conteniendo también ilustraciones de cómo se toca y cuál es su funcionamiento

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y sus partes fundamentales, para que de una manera visual se pueda conocer el instrumento tratado. Al final de cada unidad, se han incorporado ejercicios que de una manera un tanto lúdica, intenta que el estudiante aprenda dichas características, los ejercicios están basados en el texto e ilustraciones estudiadas con anterioridad. Así mismo, se ha incluido en la parte final del libro el solucionario de los ejercicios de cada unidad, para su autocorrección. Se han incorporado también unidades informativas imprescindibles para la comprensión total de la familia, como los arcos en la cuerda frotada, las lengüetas en la familia de viento-madera o la voz en las agrupaciones vocales.

Soporte auditivo En el soporte auditivo se encuentran obras muy representativas del repertorio concertante de cada instrumento, como el

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l libro está estructurado en ocho temas, cada uno dedicado a una familia y cada tema contiene unidades correspondientes a cada instrumento o formación, conformando un total de veinticuatro unidades, siendo: Tema 1: Cuerda percutida

• Unidad 1. El Piano Tema 2: Cuerda frotada

• Unidad 2. El Violín • Unidad 3. La Viola • Unidad 4. El Violonchelo • Unidad 5. El Contrabajo • Unidad 6. Los Arcos Tema 3: Cuerda pulsada

• Unidad 7. El Arpa • Unidad 8. La Guitarra

Unidad 13. El Saxofón Con ejercicios. Incluido el solucionario en la parte final del libro.

Tema 4: Viento-madera

• Unidad 9. La Flauta Travesera • Unidad 10. El Clarinete • Unidad 11. El Oboe • Unidad 12. El Fagot • Unidad 13. El Saxofón • Unidad 14. Las Lengüetas Tema 5: Viento-metal

• Unidad 15. La Trompeta • Unidad 16. La Trompa • Unidad 17. El Trombón • Unidad 18. La Tuba Tema 6: Percusión

• Unidad 19. La Percusión Tema 7: Agrupaciones musicales

• Unidad 20. La Música de Cámara • Unidad 21. La Banda Musical • Unidad 22. La Orquesta Tema 8: Agrupaciones vocales Unidad 20. La Música de Cámara Con ejercicios. Incluido el solucionario en la parte final del libro.

Zapateado de Pablo Sarasate en la unidad del violín, Fantaisie Impromptu de Frédéric Chopin en la unidad del piano o el Concierto para clarinete y orquesta en La Mayor. KV622 de Wolfgang Amadeus Mozart en la unidad del clarinete. La selección se ha realizado en función de la belleza de la obra y el lucimiento del instrumento en particular, así como se han incluido curiosidades de cada audición y compositor. Las obras seleccionadas son características del periodo barroco, clásico

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• Unidad 23. La Voz • Unidad 24. El Coro

o romántico, haciendo un recorrido así mismo, de las diferentes épocas en la historia de la música. Si leemos las características de cada instrumento o agrupación, y escuchamos con atención cada una de las obras es posible que, con este libro, quedemos encantados por la belleza de todos y cada uno de los instrumentos y sus agrupaciones, entendiendo su función e identificando su sonoridad en ese gran instrumento que es la orquesta.

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Novedades editoriales

resentamos aquí la segunda parte de “Qué «divertía» es la Teoría”, en la que se completan los contenidos teóricos comúnmente incluidos en las Enseñanzas Básicas o Grado Elemental de Música. Un montón de nuevas canciones acompañarán a los estudiantes en el aprendizaje de dichos contenidos teóricos. Como novedad incluimos en este segundo volumen un apartado de actividades o ejercicios a realizar por el alumnado con los que se refuerce cada uno de los temas que se traten, así como ejercicios de repaso. Una parte de las actividades o ejercicios está destinada a la escucha y seguimiento de partituras de música de todo tipo, desde un pasodoble o una canción de los Beatles a Juan Sebastian Bach. Consideramos muy importante este trabajo, ya que implica el reflejo del tema que se esté estudiando en una obra artística, y contribuye a la imprescindible adquisición por parte del alumnado de un bagaje y cultura musicales que le servirán como marco referencial en su desarrollo como intérprete o compositor. También hemos incluido el visionado de algunos de los fabulosos Conciertos para Jóvenes, de Leonard Bernstein. Somos conscientes del poco tiempo de clase y la elevada ratio con la que se enfrenta el profesorado de Lenguaje Musical, pero creemos que dedicar dos o tres clases al trimestre a estas actividades sólo puede redundar en beneficios para el alumnado. Os deseamos que este libro os ayude en vuestra compleja y hermosa labor. Con estos dos volúmenes finalizamos esta colección de libros de técnica de clarinete, basados en el estudio de las Escalas. Lo atípico de este trabajo es su extensión, que se transforma en el número de volúmenes, en concreto seis. Las razones son varias. Tras más de veinte años dedicados a la enseñanza, la experiencia me ha llevado a realizar un material bibliográfico que plasmase mi forma de enseñar y cubriese todas las carencias que he encontrado en nuestra disciplina durante estos años en cuanto a la adaptación de la bibliografía a nuestro plan de estudios. Siendo siempre prioritario elaborar un material que se acoplase al alumno como un guante, que tuviese

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coherencia en su progresión y fuese accesible a la vez. Anteriormente a este trabajo publicamos la colección “El Clarinete: Técnica de Inicio”. Dirigido a Enseñanzas Elementales de Conservatorios y Escuelas de Música, que constando de cuatro volúmenes, tiene como finalidad abarcar los cuatro años de dicho Grado, comprendiendo todo lo necesario para abordarlos con éxito con tan sólo un libro por curso. Esta colección tuvo muy buen grado de aceptación entre los profesores de clarinete, porque facilita enormemente el trabajo al profesor y el progreso del alumno debido a la minuciosa progresión planteada. Los diferente planes de estudios obligan a los profesores de instrumento a realizar auténticos malabarismos para encajar su bibliografía en una temporalización de estudios para la que no fue creada. Y no sólo diferente en cuanto a la organización del tiempo, también en cuanto al contexto social y musical de la época actual. Con frecuencia encontramos, en Programaciones Didácticas, libros que no se ajustan a los años que corresponden a cada Grado del plan de estudios actual. Y de la misma manera no se corresponden con el nivel exigido en cada momento. También recurrimos a bibliografía de otros países que, aunque muy valiosa, no encaja en nuestro plan de estudios, bien porque no se adapta al tiempo por exceso o por defecto, o bien porque no es apropiada para todos los niveles de nuestras enseñanzas. Lo que podría traducirse en la frustración del profesor y el fracaso del alumno si no se adapta a ella. Debemos recordar que en nuestro país, en las Enseñanza Instrumentales, no ocurre como en Educación Primaria y Secundaria en cuanto al seguimiento, producción bibliográfica y actualización constante de la misma. Claro

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está que debemos seguir aprendiendo de los músicos que nos han precedido, pero no forzar la utilización de aquello que no se adapta en absoluto a nuestro plan de estudios, nuestras necesidades y condiciones actuales. El propósito de estos libros es responder a todo lo anteriormente expuesto. Disponer de un material que abarque todo el Grado Profesional, proporcionando una base técnica sólida como la que este Grado exige y que acompañada del repertorio adecuado de Estudios y Obras, procure al alumno el mejor de los niveles. Son seis volúmenes porque he desarrollado todas las tonalidades y propongo una progresión coherente y meticulosa en los ejercicios, que no haga aparente la gradual dificultad de estos, provocando que el alumno progrese sin apenas percibirlo. Esta colección sirve igualmente para la perfección técnica del Clarinete en Enseñanzas Superiores como para el mantenimiento diario de profesionales de nuestro instrumento. Este libro de segundo curso de Teoría del lenguaje musical y fichas de ejercicios de Enseñanza Profesional supone la continuación didáctica emprendida en los cuatro libros de Enseñanza Elemental y el primer curso de Enseñanza Profesional previos, publicados por Ediciones Si bemol con el mismo nombre. El contenido del presente volumen incluye el repaso y desarrollo de materias explicadas en cursos anteriores que precisan una continuación, así como los nuevos temas propios de este nivel. Las veintiocho fichas A y B contienen ejercicios del tema correspondiente y ejercicios de los temas previos. Se dispone además de cinco fichas opcionales de refuerzo con ejercicios específicos de aquellos temas que puedan requerir una práctica mayor, así como dos juegos musicales. Como contenido transversal de la enseñanza musical nos gustaría desarrollar en el alumno una especial sensibilidad por la solidaridad y la ecología, así como por la atención, el bienestar y protección de los animales, incluyendo una ficha de trabajo para vacaciones de Navidad y la Declaración universal de los derechos del animal al final del libro.

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OMB Series

Nueva colección de fundas

rtolá es un conocido referente en la fabricación de fundas y estuches para instrumentos musicales. Confección a medida y series elaboradas en un variado catálogo. Calidad de acabados que abarcan desde fundas ligeras, semirrígidas y estuches. Además de todo tipo de accesorios. Conocen bien las exigencias del mercado y saben adaptar sus productos a la demanda y necesidades del usuario. En esta ocasión, nos presentan una nueva colección de fundas ‘OMB Series’ de tono clásico, pero con un toque moderno en acabados. La serie la componen fundas para instrumentos de viento como el clarinete, el saxo y la trompeta, además de fundas para baquetas. Las fundas para instrumentos de viento están fabricadas en poliéster negro combinadas en poliéster gris y con detalle en

bolsillo. El interior está forrado en velour negro con un acolchado de 15 mm. Cuentan con asas, bolsillo y mochila ó bandolera según modelo. Disponen de cinta de sujeción con cierre de velcro en su interior para el instrumento. Incluyen funda para boquilla. Son fundas muy ligeras para transportar cómodamente.

A continuación les ofrecemos una relación detallada de las fundas que componen esta serie:

Las fundas para baquetas están fabricadas en poliéster gris y el interior forrado de poliéster negro. Cuentan con bandolera, asa y bolsillo exterior para uno de los dos modelos. En el interior disponen de cintas con ganchos para colgar y que el músico pueda disponer de las baquetas con mayor facilidad. El modelo de 2 compartimentos tiene capacidad para 6 pares de baquetas tipo 5A y el de 4 compartimentos tiene capacidad para 12 pares de baquetas del mismo tipo.

• Clarinete Montado ref. 199 OMB.

• Trompeta ref. 165 OMB. Medidas internas: 52 × 16 × 10 cm.

• Saxo Tenor ref 164 OMB. Medidas internas: 76 × 27 × 10 cm.

Medidas internas: 66 × 12 × 10 cm.

• Baquetas ref. 2 compartimentos OMB. Medida funda abierta: 44 × 20 cm.

• Baquetas ref. 4 compartimentos OMB. Medida funda abierta: 44 × 44 cm.

7125 Funda Saxo tenor

7126 Funda Trompeta

7124 Funda Clarinete Montado

7127 Funda Baquetas 2 compartimentos, abierta y cerrada

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de instrumentos musicales GUITARRA ESPAÑOLA A 15 CEDIDA POR ENRIQUE KELLER

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La familia D’Addario

ara D’Addario es muy importante cuidar a nuestros artistas. Esta vez os presentamos lo que dicen de nosotros algunos de nuestros artistas internacionales más destacados.

Kurt Muroki Chamber Music Society of Lincoln Center “Las nuevas cuerdas de contrabajo de la línea Kaplan son fáciles de doblar, tienen una respuesta rápida y un tono sano. Me satisface decir que uso estas cuerdas en la orquesta, para grabaciones de películas, y para toda la música de cámara que toco. Estas cuerdas son perfectas para el trabajo diverso y exigente que hago.”

Dana Leong

Tom Kennedy

Independent Artist

“Toco en muchas situaciones, climas, altitudes y ubicaciones. No hay tiempo para segundas oportunidades en lo que a la calidad y construcción del equipo que escojo se refiere, y por eso me asocié con las cuerdas D’addario Orchestral para mis chelos acústicos y amplificados. ¡Yo apoyo las cuerdas mejor producidas del mercado!”

“Mi bajo acústico siempre va equipado con las D’Addario Hybrids. Me ofrecen una claridad, punch y sustain geniales para todas las situaciones musicales, en directo o en estudio. ¡Descubre mi último lanzamiento en solitario, Just Play! para escucharlas por vosotros mismos!”

Productos utilizados:

• Helicore Hybrid Bass String Set,

Productos utilizados: Productos utilizados:

• Kaplan Bass String Set, ¾ Scale, Medium Tension

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¾ Scale, Light Tension

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• Kaplan Premium Rosin

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Masumi Rostad

Mark Wood

Ira Coleman

Pacific Quartet

Mark Wood Experience

Independent/Touring with Sting

“¡Las D’addario Kaplan strings me ofrecen la mejor combinación de confianza, respuesta y gran sonido! No me siento cómodo tocando sin ellas y quiero alentar a todos los violistas a que las prueben. Funcionan maravillosamente con mi viola 1619 Brothers Amati de Cermona, Italia.”

Productos utilizados:

• Kaplan Forza Viola String Set, Long Scale, Medium Tension

“¡Las Helicore Violin Strings son geniales!, ¡Son indestructibles!”

• Helicore Violin String Set, 4/4 Scale,

• Helicore Viola String Set, Long Scale,

• Helicore Hybrid Bass String Set, ¾ Scale, Medium Tension

• Zyex Bass String Set, ¾ Scale,

Medium Tension

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Productos utilizados:

Productos utilizados: Medium Tension

“He estado utilizando cuerdas D’Addario desde 1985. (…) No solo me encanta cómo suenan en mis instrumentos, valoro su construcción y el esfuerzo puesto en desarrollar y perfeccionar las mejores series para satisfacer las distintas necesidades de los bajistas. (…) Thank you D’Addario”

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D’addario Orchestral

l calor nos invita, una vez más, a preparar las vacaciones de verano. Y, por qué no, a cerrar la temporada con la satisfacción del trabajo bien hecho. Termina el curso 2015-2016 y nos preparamos para irnos a tomar el sol, no sin antes repasar lo que ha sido un gran año para D’addarío Orchestral y Classical Guitar. Y como lo del curso nos lo hemos tomado tan en serio nos hemos involucrado en una gran variedad de proyectos formativos. Nos mueven los retos y las ganas de superarnos y, como no podía ser de otra forma, ¡no hemos parado!

Por eso nos hemos unido al programa de becas Iberpiano, apoyando a jóvenes de la Región de Murcia.

Barcelona Fiddle Congress 2016 D’addario Orchestral ha participado en el Barcelona Fiddle Congress 2016, una iniciativa de la prestigiosa escuela de música ESMUC, de Barcelona. En el congreso se ofrece un espacio dirigido a los formadores musicales (escuelas y conservatorios) y a los alumnos y profesionales de la cuerda frotada.

Nos encontramos con buenos amigos y pudimos escuchar, debatir, aprender y reflexionar de distintas ponencias, debates, talleres e incluso actuaciones.

D’Addario se viste de maestro Hace muchos años – nuestros abuelos ni habían nacido– los D’Addario se juntaron con el fin de encontrar la fórmula para hacer las mejores cuerdas para instrumentos musicales. Actualmente, sus descendientes, dirigen la mayor compañía de cuerdas del mundo. D’Addario es conocida mundialmente por sus cuerdas altamente profesionales, innovadoras y convenientes para el músico profesional. Pero incluso Paco de Lucía empezó sin saber y algún día se propuso aprender. Así que, este curso, nos hemos propuesto volver a las aulas… ¡Y lo hemos conseguido, con éxito!

Masterclass con los mejores En D’Addario creemos que la mejor forma de aprender es hacerlo con los mejores. Una vez más hemos recorrido el país con los consejos de algunos de los mejores artistas del país. Alexis Cuadrado, Diego Galaz, Oriol Saña o Casey Driessen son solo algunos de los nombres con los que hemos colaborado. La experiencia ha sido súper gratificante y los asistentes han salido siempre satisfechos. ¡No podemos pedir nada más!

Becas Iberpiano Apoyar a los jóvenes músicos es algo que nos mueve por dentro. Creemos en los futuros talentos y queremos ser parte activa del desarrollo educativo de nuestros futuros intérpretes. En D’Addario valoramos la formación, pero también sabemos del gasto que muchas veces conlleva el aprendizaje de un instrumento musical.

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La comunicación interna en la orquesta

n un gran número de las orquestas que he visitado últimamente he visto claro que un problema grave, del que no se habla suficientemente, es la comunicación. No me refiero a las relaciones públicas. Me refiero a la comunicación interna dentro de la organización. Comienza al nivel de los administradores o patronatos; el tono de cualquier organización orquestal es el que impone este organismo y su liderazgo. Cuando escucho a miembros del consejo administrador decirme que no saben lo que ocurre en su propia organización – porque un pequeño grupo de “líderes” toman todas las decisiones y esperan que los demás las aprueben sin cuestionarlas – para mi es signo de una organización enferma. Y siento decir que hay más de las que podríamos sospechar.

consejos de administración. Cuando una crisis aparece y toma por sorpresa al consejo de administración, sus miembros culpan a la gerencia por no haberlos mantenido al margen. Yo, en cambio culparía al consejo por permitir que exista un asunto importante sobre el cual no han ejercido el control adecuado.

Claramente no todas las decisiones, grandes y pequeñas, pueden ser discutidas y examinadas por el consejo al completo. Y claramente hay una diferencia entre la gestión y la dirección; hay decisiones operacionales que no requieren la participación del patronato y asuntos generales que sí le conciernen. También está claro que ciertos asuntos de personal requieren una confidencialidad que solo es posible cuando la discusión está confinada a un pequeño grupo de gente – administrador, director musical o gerente. Es importante que los miembros del consejo reconozcan este punto. Por poner un ejemplo directo: ninguna orquesta puede mantener una discusión seria con el consejo al completo sobre si hay que renovar el contrato al director artístico. Las posibilidades de que esta discusión, y sus detalles (exactos o distorsionados), se hagan públicos son demasiado grandes. Pero problemas como este son la excepción, no la norma.

Cuando una crisis aparece y toma por sorpresa al consejo de administración, sus miembros culpan a la gerencia por no haberlos mantenido al margen. Yo, en cambio culparía al consejo por permitir que exista un asunto importante sobre el cual no han ejercido el control adecuado.

Henry Fogel es uno de los administradores de orquestas más reconocidos e influyentes en los Estados Unidos. Sirvió como Presidente y Director General de la Liga de Orquestas Americana (2003-2008). Fue Presidente de la Orquesta Sinfónica de Chicago desde 1985 durante dieciocho años. Previamente había sido Director Ejecutivo de la Orquesta Sinfónica Nacional en Washington, D.C. (1981-85) y Gerente de la Filarmónica

Conseguir una completa implicación del consejo y de sus miembros es una tarea dura, tanto para el gerente como para el administrador general, esto supone la preparación y el suministro de información de forma constante y a un nivel detallado. Pero no es sólo una cuestión obligatoria para el administrador, sino que se trata de una cuestión de suma importancia para la organización. Primero, esto da ventaja a los miembros del consejo para la prevención y solución de problemas, o para dirigir creativamente el futuro de la organización. Además los patronatos que están plenamente comprometidos son más activos e imaginativos en sus aportaciones y están dispuestos a ser más activos en la búsqueda de nuevos fondos. Si estos principios son integrados en la cultura de las orquestas, supondrá un avance positivo. La situación de miembros de los consejos de administración ajenos a estos asuntos, es una de las que me gustaría encontrar mucho menos a menudo.

de Nueva York (1978/1981). Actualmente es Decano del Colegio de Artes Escénicas de la Universidad Roosevelt de Chicago. Auténtico gurú en la materia, ha recibido el premio Batuta de Oro de la Liga de Orquestas Americanas, la más alta distinción de la Liga por sus servicios a las orquestas de América. Este es un artículo suyo aparecido en la web «artsjournal», que reproducimos textualmente con su permiso.

La mayoría de los asuntos generales pueden ser debatidos por el consejo de administración. Un buen consejo trabajará duro para que las reuniones que realiza sean productivas y se debatan temas importantes, temas de interés general. Hay habitualmente un amplio capital intelectual en los consejos, y este recurso debe ser aplicado a la resolución de los grandes problemas y asuntos importantes. Este es el verdadero sentido de los

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Accesorios BAM

Protector de seda

Pijama de seda

IC-0045 (Violín) IC-0046 (Viola)

IC-0047 (Violín) IC-0048 (Viola)

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Funda para accesorios

Gamuza de microfibra para cuerdas

Gamuza de microfibra inst. de viento

BC-0053 (30 x 40 cm)

CC-0003 (30 x 40 cm) CC-0004 (40 x 60 cm)

CC-0001 (30 x 40 cm) CC-0002 (40 x 60 cm)

Estuche para 6 boquillas

Estuche para 1 boquilla

Funda para 1 boquilla

MP-0038 (Clarinete, saxo soprano y saxo tenor)

MP-0030 (Clarinete Sib o La, saxo alto y saxo soprano) MP-0031 (Clarinete bajo y saxo tenor) MP-0032 (Clarinete bajo, saxo barítono)

MP-0027 (Clarinete Sib o La, saxo alto y saxo soprano)

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Pañuelo escobillón

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SW-0015 (Saxo tenor)

SW-0007 (Clarinete Sib o La)

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Real Orquesta Sinfónica de Sevilla

a Real Orquesta Sinfónica de Sevilla se crea por iniciativa de la Junta de Andalucía y del Ayuntamiento de Sevilla en un protocolo de intenciones firmado en 1990. Hace su presentación en el Teatro Lope de Vega, el 10 de enero de 1991, iniciando un camino que la ha llevado a convertirse en referente obligado y en bien cultural indiscutible de su ciudad y de su entorno. En 1995, el Rey emérito, Don Juan Carlos I le concedió el título de Real. En la actualidad, John Axelrod es su Director artístico y musical y, con anterioridad, lo han sido Vjekoslav Šutej (desde su creación hasta 1996), Klaus Weise (de 1997 a 2000), Alain Lombard (de 2001 a 2003) y Pedro Halffter (de 2004 a 2014). La principal actividad de la Orquesta se centra en su Ciclo de abono que desarrolla en el Teatro de la Maestranza. Con una media de cien actuaciones por temporada, desde su presentación han participado en el mismo los más destacados directores, solistas, cantantes y coros del panorama nacional e internacional. De forma paralela participa como orquesta de foso en la temporada lírica y de danza del Teatro de la Maestranza, así como en producciones de zarzuela. En danza acompaña tanto a compañías de ballet clásico como ballet contemporáneo y español. Esta doble faceta sinfónica y teatral la convierte en una orquesta de gran ductilidad. Su actividad sinfónica, centrada en el repertorio tradicional y contemporáneo, presta también especial atención a la música española, la recuperación de obras poco interpretadas y a músicas menos usuales como la de cine y la popular. Programa

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asimismo cada curso series de conciertos de carácter pedagógico y social, para reclusos y niños y jóvenes con riesgo de exclusión social. Participa igualmente en actos institucionales, además de realizar giras nacionales e internacionales y grabaciones discográficas, para radio y televisión. En gira la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla ha actuado en España en toda la comunidad autónoma de Andalucía; en repetidas ocasiones en los festivales internacionales de Granada y Santander, en los de Úbeda y de Música española de Cádiz, así como en las principales salas de conciertos del país. Ha actuado igualmente en festivales internacionales de Alemania, Austria, Italia, Portugal, en el Festival Casals de Puerto Rico, en Japón, en una gira en la que ofreció catorce conciertos en otras tantas ciudades y en la República Popular China, el verano de 2008, siendo la única orquesta española invitada a los actos culturales conmemorativos previos a las Olimpiadas de Pekín 2008, con tres conciertos en importantes auditorios de Pekín, Shanghai y Shenzhen. Asimismo, en febrero de 2009 realizó una gira por Centroeuropa: Stuttgart / Liederhalle, Viena / Konzerthaus, Frankfurt / Alte

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Oper, Dusseldorf / Tonhalle, Mannheim / Rosengarten, Hannover / Kuppelsaal, Hamburgo / Laeiszhalle y Zurich / Tonhalle con enorme éxito de crítica y público. Las grabaciones discográficas de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla se centran en el gran repertorio, tanto sinfónico como lírico, en las obras de nueva creación o no grabadas con anterioridad, en especial de compositores andaluces o vinculados a esa tierra y en la música de carácter popular y tradicional. A lo largo del presente año 2016 la ROSS celebra los 25 años de su creación.

John Axelrod, Director Artístico y Musical

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Estuches GEWA Tradición desde 1925

a fabricación de fundas y estuches ha estado siempre presente en GEWA music GmbH, ahora también con éxito en muchas otras ramas de la fabricación de instrumentos musicales. A pesar de todas estas otras actividades nuestra pasión y la construcción de estuches para instrumentos de cuerda de alta calidad siguen siendo el alma y el corazón de Gewa. Esta pasión nos lleva a nuevos desarrollos que se convierten en estándares y que son copiados de forma repetida. GEWA ha registrado incontables patentes que reflejan nuestra atención a los detalles y nuestro afán de oír las necesidades de nuestros usuarios. Las sujeciones giratorias para arcos, puentes flexibles, pads GEWA, nuevas formas y mucho más… una cuidosa selección del material y la proverbial indestructibilidad de nuestros estuches que nos han otorgado una excelente reputación durante años. Músicos de todas las épocas como Elisabeth Pitcairn, Midori, Jan Vogler, Frank Peter Zimmermann o Mira Wang, por nombrar sólo unos pocos confían la seguridad de sus prestigiosos y valiosos instrumentos a la fiabilidad de la protección de los estuches GEWA. Esta es nuestra motivación y nuestro compromiso. Un estuche le acompañará durante toda su vida y la de su instrumento. No importa a dónde le lleve su camino, siempre podrá confiar en nuestros estuches. Por regla general, todos los estuches GEWA están diseñdos en Adorf, donde

también los construimos y los probamos. La producción en nuestra fábrica de Alemania en lo que se conoce cómo el rincón musical en Adorf/Vogtland de los modelos Air, Idea o Strato, así como el mundialmente famoso Jaeger, reflejan nuestro estándar de calidad. Sólo los modelos BIO-S, Concerto y Maestro se fabrican en nuestra planta en China, aunque bajo inspección alemana.

Tecnología en estuches

Werner Häcker Product Manager Fundas y Estuches

THERMO

BIO-S Placa de fibra de lino bajo una presión extrema y de vapor en un molde. Resistencia torsional media, peso muy ligero, buen aislamiento, protección media contra impactos.

Se inyecta espuma pura en forma líquida bajo calor en un molde rígido. Una vez endurecido, se crea usualmente una cubierta resistente al agua para la parte exterior. En esta superficie densa, incluso los tornillos encuentran sujeción en este material tan firme. Con la unión de estos dos materiales se consiguen diferentes propiedades. Alta resistencia a la torsión, bajo peso, excelente aislamiento y protección contra golpes. POLYFOAM Se da forma al material de Styrofoam bajo calor. Tras enfriarlo, se refuerzan puntos neurálgicos con madera y marcos. Los marcos de madera le proporcionan mayor

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TITANIUM | X-LITE Láminas de fibra de carbón se impregnan con resina y se introduce en un molde para que tome forma. Tras el secado queda intrínsecamente unido. Extremada resistencia a la torsión, bajo peso, capacidad de aislamiento medio y superior protección contra los impactos. CARBON Láminas de fibras de carbón 100% se impregnan de resina de una forma especial en un molde bajo presión y calor. Tras el secado se obtiene una unión extremadamente fuerte. Se usan fibras de carbono por sus propiedades en lo que a peso y resistencia se refiere. La mayor capacidad de resistencia a la torsión, menor peso que se puede conseguir, aislamiento medio, extremada protección contra la rotura. resistencia contra la torsión, muy bajo peso, increíbles cualidades de aislamiento y una protección media. MADERA Tipo clásico de construcción de estuche con capas individuales cruzadas de madera que se ponen juntas y se encolan con calor. Una vez endurecido la cola ayuda a mantener la forma. Muy resistente a la torsión, peso medio, capacidad de aislamiento media, muy buena protección contra los impactos.

interiores y exteriores se forman de manera independiente una de la otra. Mediante un proceso especial se inyectan 2 componentes bajo presión. Tiene una resistencia extremadamente alta a la torsión, bajo peso, excelente capacidad de aislamiento y protección superior a la rotura. Premio Red Dot Award en 2014 y German Desing Award en 2016

ARAMID Láminas de Aramid 100% impregnadas en resina se endurecen en un molde. Esta fibra encuentra su aplicación preferida en la ingeniería de seguridad y es la preferida para la fabricación de chalecos antibalas. La mayor capacidad de resistencia a la torsión, extremadamente bajo peso, aislamiento medio, la mayor protección contra impactos.

FIBRA Se impregnan de resina láminas de fibra y bajo un procedimiento propio se lleva a su forma. Alta rigidez de torsión, bajo peso, capacidad de aislamiento media, protección superior contra los impactos. AIR Air – la próxima generación de estuches. Un nuevo proceso de producción para la fabricación de estuches rígidos. Las partes

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• A CORUÑA

• CÁDIZ

• MADRID (CONT.)

• SEVILLA (CONT.)

CO-AUVISA-90, S.L.

ABRINES MÚSICA

LETURIAGA, S.A.

SEVILLA MUSICAL

General Sanjurjo, 47 – A CORUÑA

Vía Sergia 86 – MATARÓ

Lancería, 10-12

Cristóbal Bordiú, 22 – MADRID

Cardenal Espínola 3

Tel.: 981 287 463

Tel.: 937 554 121

JEREZ DE LA FRONTERA

Tel.: 913 994 525

Plaza de la Gavidia – SEVILLA

MICROFUSA, S.L.

Tel.: 956 342 999

LETURIAGA

• ALBACETE MUSICAL GABALDÓN Hiedra, 26 – VILLARROBLEDO Tel.: 967 145 349 • ALICANTE AITANAMÚSICA, S.L. Manuel de Torres, 3 – ALMORADÍ Tel.: 966 782 360

Sepúlveda 134, Bajo derecha

Corredera baja de San Pablo, 23

• CANARIAS

BARCELONA

MUSICAL OROTAVA, S.L.

MADRID

Tel.: 934 553 695

Tomás Pérez, 14

Tel.: 915 224 508

ROCK & CLASSICS BARCELONA

LA OROTAVA – STA. CRUZ DE

Sepúlveda, 138 – BARCELONA

TENERIFE

Tel.: 934 265 624

Tel.: 914 415 799

TEL.: 922 323 233• GERONA

MUSICAL PRINCESA

UME EIXIMENIS

CASA DE MÚSICA RITMO

Santa Caterina, 21 – IGUALADA

Calle Francesc Eiximenis,18 – GERONA

Guadarrama, 15 – ALMERÍA

Tel.: 938 031 981

Tel.: 972 206 386

Tel.: 950 268 779

ROCK & CLASSICS PRO-AUDIO

• ASTURIAS MUSICAL MARCOS Avda. Colón, 12 – OVIEDO Tel.: 985 240 402 • BADAJOZ PROMÚSICA DE EXTREMADURA Marquesa de Pinares, 28 – MÉRIDA Tel.: 924 319 502 PROMUSICA DE EXTREMADURA Arturo Barea, 19 – BADAJOZ Tel.: 924 261 827 • BALEARES BOSCO MALLORCA, S.L.

Sepúlveda, 136 – BARCELONA Tel.: 934 264 621 ROCK & CLASSICS TERRASSA Iscle soler, 14 – TERRASSA Tel.: 937 332 100 UME BARICENTRO C.C. Baricentro, Local 164 BARBERA DEL VALLES Tel.: 937 189 751 UME LA FARGA C.C. La Farga, Local B-5 Avda. Josep Tarradellas I Joan

Paseig Ferrocarril, 55 – MANACOR

L’ HOSPITALET DEL LLOBREGAT

Tel.: 971 844 177

Tel.: 933 378 798

CASA MARTI

UME GLORIES

Joan Fuster, 2

Centro Comercial Les Glories, L.

(esquina Avda. Ignasi Wallis) – IBIZA

B-228

Tel.: 971 315 451 CASA MARTI Padre Andreu Fernández, 10 MANACOR Tel.: 971 551 718 CASA MARTI Avda. Francesc Femenias, 68 (Vía Ronda) – MENORCA Tel.: 971 712 623 *ext.140

Avda. Diagonal, 200 – BARCELONA Tel.: 934 860 187 UME GRANOLLERS Alfonso IV, 84-86 – GRANOLLERS Tel.: 938 700 166 UME MUNTANER Muntaner, 300 – BARCELONA Tel.: 932 008 100

CASA MARTI

UME SANTS

Alfons el Magnanim, 49

Sants, 304 Bis – BARCELONA

PALMA DE MALLORCA

Tel.: 934 402 448

Tel.: 971 712 623 *ext.190

UME SABADELL

CASA MARTI ENTERPRISES, S.A.

Sant Pere, 7 – SABADELL

Reina Esclaramunda, 4 PALMA DE MALLORCA Tel.: 971 712 623 – 971 201 140 INCAMUSIC Avda. Alcudia, 45 – INCA Tel.: 971 500 905 ROCK HOUSE BOSCO Antonio Marqués Marqués, 34 PALMA DE MALLORCA Tel.: 971 752 955

Tel.: 937 250 502

MUSICAL PRINCESA

PIANOS FRANCIS Rector López Argüeta, 3 – GRANADA Tel.: 958 270 074 PIANOS FRANCIS

Tel.: 958 605 254

Tel.: 954 571 837 • TOLEDO

TALAVERA MUSICAL

UME ARENAL

Tel.: 915 226 260 UME CARRANZA

Matadero, 24 TALAVERA DE LA REINA Tel.: 925 682 237 • VALENCIA BOSCO VALENCIA Cádiz, 8 – VALENCIA Tel.: 963 414 422

Carranza, 16 – MADRID

DASÍ – FLAUTAS, S.L.

Tel.: 914 452 997

Joseph Aguirre, 21 – VALENCIA Tel.: 963 675 173

Hurtado, 21 – JAÉN

UME CARRERA

Tel.: 953 242 107

Carrera de San Jerónimo,

KASMONT’S

ICESUR, S.L.

26 – MADRID

Molinell, 16 – VALENCIA

Murillo, 6 Bajo – ÚBEDA

Tel.: 914 293 877

Tel.: 963 614 531

Tel.: 953 790 407

UME HERMOSILLA

LEONÉS INSTRUMENTOS

Hermosilla, 75 – MADRID

MUSICALES

Tel.: 914 358 989 • MÁLAGA

Muñoz Garnica, 3 – JAÉN

ORGANIGRAMA PIANOS

Tel.: 953 243 292

Avda. Dr. Carlos Haya, 56 – MÁLAGA

MUSICAL LINARES

Tel.: 952 287 048

Don Luis 10 – LINARES

UME MÁLAGA

Tel.: 953 693 407 • LLEIDA MUSICAL MOLLERUSA, S.L. Avda. Jaime I, 8 – MOLLERUSSA Tel.: 973 603 428 • MADRID ARDEMADRID

UME LA PAZ La Paz, 15 – VALENCIA Tel.: 963 922 201 / 202

Tel.: 952 324 775 • MURCIA

Tel.: 963 925 868

PROFFONIC

UME NUEVO CENTRO

Tirso de Molina, 2 – CARTAGENA

Centro Comercial Nuevo Centro,

Tel.: 968 122 709

Local 174

Calle Asunción 4-6 – PAMPLONA

• PONTEVEDRA OPERA PRIMA

MUSICAL LUBER

HAZEN DIST. GRAL. DE PIANOS

Ángel Llanos, 1 – VIGO

Calzadas, 5 – BURGOS

Arrieta, 8 – MADRID

Tel.: 986 242 591

Tel.: 915 594 554

LLANERA DE RANES Tel.: 962 928 143

UME GUILLEM DE CASTRO

Tel.: 948 198 619

La Granja 100 – ALCOBENDAS

Avda. Jaume I, 57

Guillem de Castro, 34 – VALENCIA

UME PAMPLONA

Tel.: 913 817 101

SANGANXA MUSIC STORE

Cuarteles, 1 – MÁLAGA

• PAMPLONA

Ardemans, 7 – MADRID

CALL&PLAY

Tel.: 947 270 861

Edificio HISPAL. Local 8 – SEVILLA

Tel.: 925 216 821

Arenal, 18 – MADRID

Tel.: 913 615 046

• CÁCERES

UME SEVILLA Rico Cejudo

MUSICAL PRINCESA

MÚSICA ARTE Y SONIDO, S.L.

AYALA MÚSICA

Tel.: 954 907 226

Picaza, 8 – MADRID

Plaza del Campillo, 8 Local 3-4

• JAÉN

MAIRENA DEL ALJARAFE

INSTRUMENTOS FORMA

Hernán Cortés, 6 – MAJADAHONDA

HUELVA

Balance 54 (Pol. PISA)

Avda. General Villalba, 19 – TOLEDO

Tel.: 916 386 666

Tel.: 959 247 727

TAM TAM PERCUSIÓN, S.L.

Vía Carpetana, 175 – MADRID

MUSICAL PRINCESA

• HUELVA

Tel.: 954 915 755

Tel.: 915 481 532

Tel.: 914 650 660

Tejedores, 12 – MOTRIL

Sepúlveda 102 – BARCELONA Tel.: 932 371 600

Vía Carpetana, 173 – MADRID Tel.: 914 220 722

• GRANADA

UME SEPÚLVEDA

• BURGOS

MADRID MUSICAL Málaga, 8 – MADRID

ROCK & CLASSICS IGUALADA

• ALMERÍA

• BARCELONA

MUSICAL 47

• SEVILLA

HAZEN DIST. GRAL. DE PIANOS

MAT GUITAR&BASS

Avda. Pío XII, 6 – VALENCIA Tel.: 963 473 392 XÁTIVA MUSICAL LINCE Baixada L’Estació, 16 – XATIVA Tel.: 962 281 772 • ZARAGOZA RUBENCA, S.L. Mariano Royo Urieta, 1-3 – ZARAGOZA Tel.: 976 213 646

SONO MUSIC

PROMUSICA EXTREMADURA

Ctra. La Coruña, KM.17,200

Balance 52 (Polígono PISA)

UME ZARAGOZA

Aragón, 45 – PALMA DE MALLORCA

Diego Mº Crehuert, 13 – CÁCERES

LAS ROZAS

MAIRENA DEL ALJARAFE

Fernando el Católico, 19 – ZARAGOZA

Tel.: 971 240 222

Tel.: 927 260 129

Tel.: 916 395 548

Tel.: 954 902 550

Tel.: 976 359 939

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Tel.: 915 421 082