En Concierto Clásico nº 14

Revista de instrumentos clásicos

Nº14 o

Ejemplar Gratuito

May

2 016

Cuerda | Viento | Percusión | Pianos | Guitarra Clásica | Didáctica Musical | Accesorios | Artículos del Sector

sumario Accesorios Cuerdas KNOBLOCH . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 26 Arcos CODABOW. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 27 D’ADDARIO da la bienvenida a la familia de artistas a…. . . . . . . . . . . . . . . . . . 28

Cuerda Instrumentos STENTOR. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 4

Viento SML PARIS, desde 1935 . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 5

Piano Pianos Digitales GEWA 2016. . . . . . . . . . . . . . . . 6-8 Première en Barcelona del piano BÖSENDORFER Vienna Concert 280 . . . . . . . . 10-11

Guitarra YAMAHA presenta las guitarras TransAcoustic. . . 12

Didáctica Musical MUSIC SALES: Estimulación musical a edades tempranas e iniciación a la música. . . . . . . . . 18-19 MUSIC SALES: «Este libro está descatalogado, no lo vas a encontrar». . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 20 IDEASIBEMOL. Colección Orquesta de Flautas. . . 22 IDEASIBEMOL. Flautas mágicas. . . . . . . . . . . . . . 23 IDEASIBEMOL: Ediciones Si Bemol . . . . . . . . . . . 24

GRUPO EDITOR: Gewa, IdeaMúsica Editores, Letusa, Music Distribución, Music Sales,Ortolá, Vallès Trade y Yamaha Music Europe GmbH Ibérica.

D’ADDARIO-PLANET WAVES. Sistema de humidificación y acondicionamiento Two-Way . 29 D’ADDARIO presenta Kaplan Vivo y Amo . . . . . . 29 D’ADDARIO Kaplan packaging updates . . . . . . . . 29 D’ADDARIO Pro-Arte Classical halfsets. . . . . . . . 30 D’ADDARIO Practice Grip . . . . . . . . . . . . . . . . . . 34 Nueva boquilla D’ADDARIO X25E. . . . . . . . . . . . . 35 ORTOLÁ IMC Series. Nueva colección de fundas para instrumentos de viento. . . . . . . . 36 KIRLIN Cables . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 37 ORTOLÁ. Novedades en acc. de percusión. . . . . . 38

Artículos del Sector Las barreras del lenguaje. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 13 Fernando Sanz: Los problemas de la comercialización de ediciones musicales . . . . 14-16 ¿Puede un profesor de instrumento generar dolores en sus alumnos? . . . . . . . . . . . . . 17 Orquesta Ciudad de Granada. . . . . . . . . . . . . . . . 25 Las pruebas de orquesta . . . . . . . . . . . . . . . . . 32-33 Liderazgo y músicos . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 40 Nueva junta directiva de AMPOS. . . . . . . . . . . . . . 41

Extra Puntos de distribución. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 42

DIRECCIÓN EJECUTIVA: Begoña Cordero MAQUETACIÓN: calmagráfica.es FOTOMECÁNICA: TDI IMPRIME: Indugraf Madrid ISSN: 2171-4304 Depósito Legal: M-53280-2009 DISTRIBUIDOR: MCARGO MENSAJEROS

C/ Ruiz Perelló 12 bajo, 28028 Madrid

Subscripciones Gratuitas:

A través de la web www.ecclasico.com

En Concierto Clásico se distribuye gratuitamente mediante suscripciones y a través de las tiendas de música clásica asociadas a COMUSICA. Colabora: Asociación de Fabricantes, Comerciantes, Importadores y Exportadores de Instrumentos de Música

En Concierto Clásico agradece la desinteresada colaboración de los propietarios y directores de las tiendas de instrumentos musicales colaboradoras.

Instrumentos Stentor

L

a marca de instrumentos musicales Stentor es conocida mundialmente por su calidad, consistencia y confianza. Los violines, violas, cellos y contrabajos Stentor acompañan a los músicos en su periodo de aprendizaje desde la primera clase hasta su perfeccionamiento.

Desde Stentor, se cree firmemente que el instrumento más importante para un músico es con el que empieza. Es por este motivo, que en Stentor están comprometidos en proporcionar la calidad y la asequibilidad para asegurar que los jóvenes músicos tengan la experiencia más agradable y gratificante posible.

Gracias al cuidadoso control en todo el proceso de fabricación, se consiguen instrumentos con una gran sonoridad. Se presta especial atención en el proceso de vaciado de las tapas, calibrando muy minuciosamente el grosor para asegurar el sonido más homogéneo posible con unos armónicos equilibrados. Es por este motivo, que los maestros recomiendan instrumentos Stentor ya que reconocen la calidad y el valor del instrumento.

Student II Muchísimos servicios educacionales y profesores de música recomiendan el modelo Student II como el óptimo para el aprendizaje del instrumento.

Está construido con maderas sólidas ligeramente rizadas de arce y abeto vaciadas a mano. El perfil es de madera y la guarnición de ébano. También cuenta con el cordal metálico Stentor con afinadores incorporados. El arco viene montado con nuez de ébano. Resina. Además, este modelo está barnizado con acabado satinado antiguo.

En violín y viola lleva un estuche superligero forrado tipo mochila con doble bolsillo exterior. En cello una funda impermeable tipo mochila.

Violín: 4/4, ¾, ½, ¼, 1/8, 1/10, 1/16 Viola: 12”, 13”, 14”, 15”, 15,5”, 16” Cello: 4/4, ¾, ½, ¼, 1/8 Contrabajo: 4/4, ¾

Master

El Student I es ideal para los estudiantes principiantes desde que se inician hasta que adquieren un nivel medio. Este es un modelo que da muy buen resultado y buen sonido, ayudando en el proceso de aprendizaje del alumno.

En violín y viola incorpora un estuche superligero tipo mochila con doble bolsillo exterior. En cello funda impermeable tipo mochila.

En violín y viola el estuche es rectangular tipo mochila. Para cello disponible en mochila o bien estuche.

Violín: 4/4, 3/4 , ½ Viola: 14”, 15”, 15,5”, 16” Cello: 4/4, ¾, ½ Contrabajo: 3/4

Student I

Está construido con maderas sólidas de arce y abeto, vaciadas a mano. El perfil es de madera y la guarnición de palisandro. También cuenta con el cordal metálico Stentor con afinadores incorporados.

El arco viene montado con nuez de ébano.

Resina.

Conservatoire

El violín Stentor Master es la última incorporación a la magnífica familia de instrumentos Stentor. Este instrumento está pensado para los estudiantes de nivel superior que buscan un instrumento con un buen equilibrio en el sónido y que resulte cómodo y fácil de tocar. El Stentor Master está construido artesanalmente con seleccionadas maderas de arce y abeto rizado. En cuanto el montaje cuenta con puente Aubert y cuerdas Tónica. Para completar este magnífico instrumento, se le ha aplicado un bonito acabado antigüizado al aceite.

Student II

Conservatorire El modelo Conservatoire es ideal para estudiantes de grado medio ya que ofrece muy buena calidad a un precio muy razonable. Sus maderas, vaciadas a mano, son de arce sólido rizado y abeto escogido. El perfil está incrustado y la guarnición de ébano. También cuenta con el cordal metálico Stentor con afinadores incorporados. El arco viene montado con nuez de ébano. Resina.

Violín: 4/4, ¾, ½, ¼, 1/8, 1/10, 1/16 Viola: 12”, 13”, 14”, 15” Cello: 4/4, ¾, ½, ¼, 1/8, 1/10 Contrabajo: ¾, ½ , ¼

Violín: 4/4

Master

Student I

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VALLÈS TRADE

www.vallestrade.com

music@vallestrade.com

Tel.: 935 861 061

SML Paris

Fabricando instrumentos desde 1935

L

a empresa Strasser Marigaux Lemaire fue fundada el 12 de enero 1935, bajo la dirección de tres amigos con talentos complementarios: Charles Strasser, Suiza, con facilidad para los idiomas y el comercio. Jules Marigaux es el artista: se destaca en el diseño de instrumentos. Sr. Lemaire, clarinetista, es el responsable de la gestión. En 1937, SML se dio a conocer en la Exposición Universal de París. Después de hacer los primeros saxofones para otras empresas, SML firma su primer modelo en 1938, con la referencia “Revisión A”.

Entre los 4500 saxofones referenciados “REV.A” algunos están firmados por la mano del maestro artesano que los hizo. Al final de la guerra, SML ya es reconocida por la alta calidad de su oboe MariEjemplar original “REV. A” gaux. En 1951, la marca Louis Lot, nombre del inventor de la flauta moderna, se incorpora en SML. Entre

La llegada del jazz a Europa y numerosos intercambios con músicos americanos que se reunían en los clubs parisinos impulsan la producción de saxofones SML. Rápidamente ganan una reputación que cruzó el Atlántico.

Grandes nombres como Coleman Hawkins y Carmen Leggio se convierten en embajadores de la marca. El “REV.B” la segunda generación del modelo “Coleman Hawkins” moderniza su mecanismo. El clímax de los saxofones SML llega con los modelos “REV.D” y “Gold Medal”. Además del famoso “gros pavillon” saxofones reconocidos por sus chimeneas, la comodidad de su mecánica y su color sonoro.

En 2007, las actividades de fabricación y distribución se separan: Marigaux se centra en la fabricación y SML en la actividad de distribución. Fue en 2010, durante su integración en el grupo ALGAM que SML reanuda la actividad de fabricar instrumentos de viento.

los 4.500 saxofones referenciados “REV.A” algunos están firmados por la mano del maestro artesano que los hizo.

Después de la muerte de Lemaire y Marigaux, Charles Strasser vende la empresa al grupo estadounidense UMI en 1975. Yves Rilba sucede al Sr. Strasser en la presidencia de SML. La compañía se unirá más tarde al fabricante alemán de oboes Hans Kreul.

El mismo año, el taller parisino de La Villette se quedó pequeño, SML compra la fábrica de clarinetes Malerne de la Couture Boussey en l’Eure para transferir la fabricación de oboes y clarinetes. SML fabrica cerca de 30.000 saxofones hasta el cierre del taller en 1982. En 1991, las marcas SML y Marigaux se unen al grupo JAMusik.

Saxo Alto A420-II

Saxo Tenor T420-II

MUSIC DISTRIBUCIÓN S.A.

www.musicdistribucion.com

info@musicdistribucion.com

Tel.: 934 221 811

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Pianos Digitales GEWA 2016

Producción Made in Germany La región de Vogtland no solamente es famosa por la fabricación de instrumentos musicales tradicionales sino también por su excelente precisión en el desarrollo y fabricación de placas y circuitos para equipos de alta gama.

La continuación lógica y coherente de este desarrollo se refleja en la reciente creación de la sede de producción en ADORF. Los pianos GEWA están fabricados en Alemania y de ahí la etiqueta Made in Germany.

No era sólo el hecho de transferir la producción a un entorno doméstico, sino la sostenibilidad y la mejora de la tecnología y los componentes. El corazón, la electrónica, se situará en una de las más modernas instalaciones de producción SMD cumpliendo estrictamente con la norma ISO 9001: 2008 en la región de Vogtland y a un tiro de piedra de las oficinas centrales de Gewa en Adorf. Se han revisado también el software y el firmware para un mejor aprovechamiento del procesador.

Nuestro proveedor utiliza el último estándar de la industria para producir la pieza central electrónica de los pianos GEWA. Los componentes técnicos usados para la reproducción de nuestra idea se fabrican cerca de donde se lleva a cabo la producción final de los pianos. Cada paso en la producción conlleva varios controles de calidad debidamente documentados para cada componente y para cada piano. El código QR final muestra el sello de 100% Made in Germany para cada instrumento.

El sonido es impresionante Con el novedoso HFD (Human Flex Dynamic) ahora todos los pianos digitales GEWA Made in Germany ofrecen la máxima libertad de actuación musical.

El teclado FATAR de martillo graduado es capaz de ofrecer desde los pasajes más suaves de la música clásica hasta los más forte fortissimo con todos los matices.

También novedad son los amplificadores de 2 × 22 vatios que encontramos,

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GEWA MUSIC IBÉRICA S.L.

una memoria NAND Flash. Tiene 8GB de memoria, lo que es equivalente a un fichero de audio de más de 12 horas de duración en calidad CD. Gracias a la gran memoria no es necesario usar bucles en el sonido de piano. De esta forma el sonido se puede usar en todo el rango dinámico sin ningún tipo de distorsión.

DP220G

Teclado calibrado de alto rendimiento “Concert Pianist”

Blanco mate

Negro mate

Palisandro

con la excepción de la serie 180, en todos nuestros pianos. Destacamos propiedades tales como: Digital, clase D, headroom y muy buen Conversor D/A-A/D. Además, se han registrado más de 1.000 muestras para el «Concert Grand 2.0». Afinadores de piano, pianistas de concierto y técnicos trabajan mano a mano y ponen a prueba continuamente todos los componentes, desde el teclado hasta el amplificador digital. Pero no menos importante es la prueba más dura del mundo: el escenario. Porque lo que importa es el entusiasmo y la pasión, que se expresan en una combinación perfecta de sensación, dinámica y proceso de sonido. Convencer con los pianos digitales de GEWA.

Todos los teclados se calibran antes de ser montados, lo que nos permite ajustar la sensación al tocar para cada tecla de forma individual.

La calibración se vuelve a comprobar durante la inspección final y se vuelve a corregir si fuera necesario. Los teclados “Concert-Pianist” son producidos por Fatar en Italia siguiendo las indicaciones de GEWA.

DSP de nuevo diseño con 8 GB de memoria El nuevo CI, sumamente rápido permite un intercambio de datos mucho más veloz de la memoria Flash NAND. Como resultado de esto se experimentan las funciones en tiempo real. El DSP que usamos es el responsable de todo el control y cálculo de los datos internos. Tiene una polifonía de 256 notas y calcula diferentes efectos en tiempo real. También es responsable de la lectura y escritura en el módulo de memoria. Todos los sonidos se guardan como audio sin comprimir en

www.gewamusic.com

info@gewamusic.com

Tel.: 932 434 611

GEWA Piano Digital DP 220 G

• Polifonía máxima de 135 notas,

• Fabricado en Alemania • Diseño Compacto • Basado en la última tecnología Qua-

• Efectos con nueva programación de

tum2

• Teclado original FATAR calibrado,

con 88 teclas contrapesadas / Italia

DP240G

• Muestra de piano de nueva grabación con más de 1GB de memoria

• Sonido “Concert Grand Piano”,

9 sonidos adicionales de muy alta calidad

• Muestreo multicapa de un piano de cola versión 2.0 Blanco mate

Negro mate

Palisandro

Gracias al uso de 3 puntos de contacto, la resolución del teclado “Concert Pianist” está al mismo nivel que el de un piano de concierto y en ningún caso puede considerarse inferior cuando hablamos de peso o capacidad de repetición.

• Ajuste dinámico “Human Flex Dynamic” con modos Artist, Standard, Light

aprovechamiento óptimo del rendimiento de la matriz y el procesador DSP algoritmos como Chorus, Trémolo, Flanger, Phaser, Rotary

• Sistema de altavoces optimizado para la dinámica / 9 dB más

• Grabador Interno • Metrónomo / Modo Dual • Sistema de amplificación 2 × 22 Va-

tios estéreo clase D con sistema propio de altavoces

• Conexiones: MIDI IN/OUT, USB, AUX IN/OUT

• Disponible en Negro mate, Palisandro y Blanco Mate

• 4 tipos de reverb (Hall,

Room, Stage, Ambient)

El toque claramente definido y preciso puede soportar el virtuosismo de cada ejecutante y está perfectamente calibrado para las 6 capas de la muestra.

Muestreo de alta definición: Grand Piano Steinway D274 Todos los pianos de GEWA usan el sonido basado en el piano Steinway D274. Fue grabado en Hamburgo y en condiciones altamente profesionales. GEWA es una de las pocas compañías que usan un piano Steinway como base para su propio sonido. Todos los sonidos se grabaron en audio de alta definición.

Se usan más de 1.000 tomas, también llamadas muestras, para la complejidad del preset más importante, el sonido ConcertGrand. El significado de muestra para GEWA es La imagen digital de una experiencia de sonido compleja. Y se hizo completamente sin lugar a dudas. Los impresionantes sonidos, llenos de carácter se reproducen con autenticidad.

GEWA MUSIC IBÉRICA S.L.

DP260G

Blanco mate

Negro mate

www.gewamusic.com

Palisandro

info@gewamusic.com

Tel.: 932 434 611

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Pianos Digitales GEWA 2016

GEWA Piano Digital DP 240 G

• Fabricado en Alemania • Diseño compacto con tapa • Basado en la última tecnología de memoria y DSP, Quantum²

• Teclado original FATAR, made in Italy de 88 teclas, contrapesado con acción real de martillo

• Nueva muestra de piano con más de

Panel de control UP 280 G

UP280G

1Gb

• Nueva librería con 20 sonidos • Polifonía de 256 notas • Nuevos efectos programados en dos bloques independientes

• 4 efectos de reverb (Hall, Room, Sta-

Blanco mate

Negro mate

ge, Ambient)

• Efectos con diferentes frecuencias de modulación

• • • •

Función de grabación Metrónomo Posibilidad de Dual y Layer Amplificación Clase D con sistema adaptado de altavoces

• Conexiones:MIDI In/Out, USB to host, Aux In/Out, 2 × auriculares

• Disponible en Negro mate, Palisandro y Blanco Mate

GEWA Piano Digital UP 260 G

• Fabricado en Alemania • Nuevo diseño de mueble, tradicional y compacto

• Muestreo de 1 Gb completamente

• 4 efectos de reverb (Hall, Room, Sta-

• Nueva librería con más de 30 soni-

• Función de grabación en dos canales • Metrónomo con posibilidad de elegir

• 16 configuraciones de sonidos alma-

bloques independientes ge, Ambient)

ritmos y clic

• Posibilidad de dual y layer • Modo 4 manos • Unidad de audio BLUETOOTH • Posibilidad de reproducir ficheros MP3 desde una llave USB

• Amplificación Clase D con sistema adaptado de altavoces

• Conexiones: MIDI In/Out, USB to

host, Aux In/Out, 2 × auriculares220

• Display LCD con 128 × 64 píxeles • Basado en la última tecnología de

• Disponible en Negro mate, Palisan-

• Teclado original FATAR, made in Italy

GEWA Piano Digital UP 280 G

memoria y DSP, Quantum²

de 88 teclas “Concert Pianist” con superficie de marfil, contrapesado con acción real de martillo

• Nueva muestra de piano con más de 1 Gb

• Nueva librería con más de 30 sonidos y 128 sonidos adicionales GSM • 16 ajustes de sonido almacenables • Polifonía de 256 notas

8

• Nuevos efectos programados en dos

GEWA MUSIC IBÉRICA S.L.

dro y Blanco Mate

• Fabricado en Alemania • Nuevo diseño de cuerpo tradicional y compacto

• Display LCD con 128 × 64 píxeles • Basado en Quantum², la última tecnología de DSP y memoria

dos y 128 sonidos GSM adicionales cenables

• 256 notas de polifonía • Nuevos efectos programados en dos bloques de efectos independientes

• 4 efectos de Reverb (Hall, Room, Stage, Ambient)

• Efectos con diferentes modulaciones

de frecuencia y simulación de amplificador

• Función de grabación de 8 canales • Metrónomo con ritmos y clicks a elección

• Posibilidad de modos Dual y Layer • Modo 4 manos • Posibilidad de reprodución de MP3 desde una llave USB

• Unidad de audio BLUETOOTH • Amplificación clase D con sistema de altavoces adaptado

• Conexiones: Midi IN/OUT, USB to

host, AUX IN/OUT, 2 × headphones

• Teclado contrapesado de 88 teclas,

Made in Italy, Concert Pianist con superficie con sensación de marfil

www.gewamusic.com

nuevo

• Disponible en Negro Mate y Blanco Mate

info@gewamusic.com

Tel.: 932 434 611

Première en Barcelona del piano Bösendorfer Vienna Concert 280

B

ösendorfer ha elegido Barcelona para la Première oficial en España del nuevo modelo de piano de conciertos Vienna Concert 280. El piano pudo escucharse en concierto con orquesta durante la Final del Concurso Internacional de Piano Maria Canals el día 17 de Marzo en el Palau de la Música Catalana en una noche de estreno: ha sido tanto la primera vez que se escucha este piano en España, como su primer uso en un Concurso Internacional de Piano en todo el mundo.

El Bösendorfer 280 ya fue presentado mundialmente el 29 de enero por Sir András Schiff en Baden Baden (Alemania) quien lo ha elegido para sus conciertos con orquesta, en su presente gira mundial. Durante aquella presentación, András Schiff elogió el piano al mismo tiempo que admitió sentirse orgulloso de haberse erigido de forma natural en el abanderado de este piano, porque, como ya reconoció y vaticinó cuando probó el piano por primera vez, él “ya era un gran amigo de Bösendorfer, pero que con este nuevo piano, muchos más amigos llegarán”.

El proyecto Vienna Concert 280 nació hace 5 años como el reto de crear el mejor piano de conciertos del mundo. Para ello se incorporaron revolucionarias técnicas de diseño 3D a los 180 años de experiencia artesana de Bösendorfer. La veneración a la tradición puede observarse en la preservación de fundamentos que son característicos de la marca vienesa desde 1828 como el Principio de la Caja de Resonancia. Mientras que la aplicación del diseño digital y el I+D+I fueron protagonistas en otros elementos fundamentales como la tabla armónica. El resultado es una potencia tonal vigorosa y equilibrada, una proyección y duración sonoras sin precedentes y un enorme rango dinámico que se maneja sin esfuerzo. Es decir, todo lo

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que el pianista y el público moderno de la música clásica necesitan, lo que quizás pueda efectivamente consagrarlo como el mejor piano de conciertos del siglo XXI. El Concurso Internacional de Pianos María Canals tiene en común con Bösendorfer el pleno respeto a la tradición y su larga historia y reconocimiento. Pero también el tratarse de un concurso moderno y vital que aplica en su organización y apertura al público todas las herramientas que de las que hoy disponemos. Es por esto un concurso reconocido prestigio y siempre creciente aceptación por parte de público y participantes, como lo demuestra que año tras año se superen el número de solicitudes para concursar.

Yamaha Music Europe GmbH Ibérica www.yamaha.es yamahamusica_iberica@gmx.yamaha.com Tel.: 902 39 88 88

Sobre Bösendofer: El Resurgir del Emperador de los Pianos Bösendorfer es uno de los más antiguos fabricantes de Pianos. Fundada en 1828 es la casa más antigua de las que han perdurado hasta nuestros días. Se trata de una marca de manufactura artesanal de pianos de lujo y de conciertos con sede en Viena, lo que le ha permitido seguir y ser protagonista del desarrollo del piano hasta nuestros días. Así pasó de ser una empresa familiar a proveedor Real del Imperio Austrohúngaro y a ser mundialmente conocido por ser el único piano de conciertos que soportaba las interpretaciones de Liszt.

Tras unos años de incertidumbre desde finales del siglo XX Bösendorfer pasa a formar parte de la corporación Yamaha en 2008. El mayor fabricante de instrumentos musicales del mundo ofrece a Bösendorfer una estabilidad financiera y un compromiso con el piano que permite a Bösendorfer volver a trabajar en nuevos proyectos a largo plazo con renovada energía y con total independencia. Fruto de este nuevo impulso de calidad Bösendorfer ha presentado numerosos nuevos modelos en el ámbito del piano de lujo en los últimos años. Pero sin duda, el mayor de estos proyectos ha sido el desarrollo del modelo Vienna Concert, que volverá a situar a Bösendorfer en el trono del Piano de Conciertos.

Para más información: http://www.boesendorfer.com/en/ http://www.boesendorfer.com/en/ artists-owners/references

Bösendorfer y los artistas: Una nueva generación, una tradición centenaria “Me sorprendió que aún fuese posible mejorar así el piano moderno. Sin abandonar sus legendarias características, este modelo te cautiva con una resonancia muy rica y su enorme capacidad dinámica. Absolutamente brillante”.

Paul Badura-Skoda

“El nuevo Vienna Concert 280 es un milagro. Combina un mecanismo impecablemente equilibrado con una paleta de colores increíblemente rica. Bösendorfer antes se asociaba a la gran tradición austríaca pero su espectro sonoro actual se adapta al menos a tres siglos del repertorio de todo el mundo”.

Louis Lortie

Ambrosio Valero

Ariadna Castellanos e Iván Martín

Marc Heredia

Ignasi Cambra

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Yamaha presenta las guitarras TransAcoustic Una revolución en el mundo de la guitarra acústica

L

a nueva serie de guitarras Yamaha TransAcoustic acerca la conocida tecnología TransAcoustic (de los pianos Yamaha) a los guitarristas, creando un nuevo concepto de instrumento acústico.

Estas guitarras incorporan efectos (Reverb, Chorus) pero sin necesidad de cables ni dispositivos externos, ya que la señal sale directamente del cuerpo de la guitarra.

Tocar la guitarra en una sala que tenga una excelente sonoridad acústica es la experiencia más inspiradora y cautivadora que puede imaginar un guitarrista acústico, sin duda mucho más agradable que tocar en una estancia con mala sonoridad como un salón, una oficina o una habitación de reducidas dimensiones. La guitarra TransAcoustic de Yamaha recrea la increíble experiencia de tocar en el ambiente de una sala llena de vida, sin necesidad de amplificación ni efectos externos, solo con la guitarra. A la hora de practicar, componer, grabar o simplemente de pasar un buen rato tocando, una guitarra TransAcoustic nos hará tocar mejor, por más tiempo y más inspirados, maximizando el disfrute de nuestro tiempo de ocio.

¿Cómo funciona?

Un actuador instalado en la superficie interna de la tapa posterior de la guitarra vibra en respuesta a las vibraciones de las cuerdas. Las vibraciones del actuador son a su vez transmitidas al cuerpo de la guitarra y al aire en su interior y alrededor, generando auténticos sonidos de Reverb y Chorus desde dentro del cuerpo.

Diseño del instrumento

Hechas para disfrutar

El cuerpo del instrumento es el de una guitarra de maderas macizas basada en modelos L16. El diseño modificado del varetaje sin ondulaciones conserva ese tono brillante tan característico de la serie L y, al mismo tiempo, mejora la respuesta en graves. El tratamiento de las tapas con el proceso A.R.E., exclusivo de Yamaha, proporciona al instrumento un timbre vintage de gran calidad y riqueza, haciendo que suene desde el primer día como si se hubiese tocado durante años. El hecho de que esta guitarra haya sido diseñada con la calidad de sonido como premisa es lo que ha permitido conseguir estos efectos tan puros y naturales.

Un biselado del mástil más recto y los bordes del diapasón laminados a mano han dado como resultado un instrumento que nos permite tocar durante horas sin el más mínimo esfuerzo. El mástil de todas las guitarras TransAcoustic está construido con cinco láminas de palosanto y caoba y con alma ajustable de doble acción, lo que se traduce en gran estabilidad y resistencia a deformaciones.

Las guitarras TransAcoustic son perfectas para tocar en casa. Relajarse al volver a casa del trabajo, componer durante el fin de semana, tocar con amigos... una guitarra TransAcoustic es una fuente de inspiración segura para la creatividad en cualquier situación.

Perfectas para actuar en directo en cafés u otros locales pequeños, todas las guitarras TransAcoustic incorporan efectos integrados que potencian la expresividad a la hora de tocar sin necesidad de unidades de efectos externas.

Más información en: www.facebook.com/ yamahaguitarsiberica

LL-TA BS

El compartimento de la pila, de nuevo Detalle del control diseño, está integrado en el conjunto del conector del Jack, de modo que se evitan más taladros en el cuerpo y, en consecuencia, se reduce la pérdida de sonido acústico. Solo hay que conectar el cable del Jack a un sistema de PA o a un amplificador para utilizar la guitarra como electroacústica (volumen y efectos son regulables).

Detalle del actuador

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LL-TA VT

Yamaha Music Europe GmbH Ibérica www.yamaha.es yamahamusica_iberica@gmx.yamaha.com Tel.: 902 39 88 88

Las barreras del lenguaje

H

e escrito a menudo sobre las diversas formas en que la música clásica ha logrado distanciarse del público, incluyendo potenciales nuevos oyentes.

Centrándome en la gente a la que, durante muchos años, he observado acudir a teatros, museos e incluso representaciones de ópera, me he dado cuenta de siguen resistiéndose a asistir a conciertos sinfónicos porque se sienten intimidados. Frases como “bueno, no conozco lo suficiente esta pieza para poder disfrutarla” siguen repitiéndose una y otra vez.

En otros casos el idioma podría confundir incluso a experimentados asistentes a conciertos: «Tableaux d’une exposition» queda bastante menos claro que «Cuadros de una exposición» Son muchos motivos por los esto ha sucedido con la música clásica, pero uno de los más evidentes y fáciles de solucionar es el idioma que utilizamos en el título de las obras. Esto no es tan sencillo como parece: he visto que algunas orquestas y presentadores tienen la costumbre, cuando no la política oficial, de utilizar siempre el idioma original al mencionar una obra.

Cuando fui gerente de la Sinfónica de Chicago (y creo que se sigue haciendo), nuestra norma era utilizar el inglés, a menos que la obra fuese tan conocida en su idioma original que hiciera necesario utilizarlo. “La mer” de Debussy sería un ejemplo de esto último.

AMPOS

www.ampos.es

Henry Fogel es uno de los administradores de orquestas más reconocidos e influyentes en los Estados Unidos. Sirvió como Presidente y Director General de la Liga de Orquestas Americana (2003-2008).

Fue Presidente de la Orquesta Sinfónica de Chicago desde 1985 durante dieciocho años. Previamente había sido Director Ejecutivo de la Orquesta Sinfónica Nacional en Washington, D.C. (1981-85) y Gerente de la Filarmónica de Nueva York (1978/1981). Actualmente es Decano del Colegio de Artes Escénicas de la Universidad Roosevelt de Chicago. Auténtico gurú en la materia, ha recibido el premio Batuta de Oro de la Liga de Orquestas Americanas, la más alta distinción de la Liga por sus servicios a las orquestas de América.

Este es un artículo suyo aparecido en la web «artsjournal», que reproducimos textualmente con su permiso.

Obviamente, es una cuestión de criterio, pero yo me inclinaría a errar por el lado del idioma local. Por ejemplo “Una vida de héroe” en lugar de Ein Heldenleben.

Si usted no sabe de música clásica y está leyendo un anuncio en el periódico, escuchándolo en la radio, o incluso ha decidido acudir al concierto y está leyendo el programa, es probable que se pregunte: “¿que es un Heldenleben?”. Tendría mucha más aceptación la norma de “todo en el idioma local”, incluso hasta el punto de presentar la pieza de Debussy como “El mar”, que la de “todo en el idioma original”. La finalidad de imprimir los programas es dar información, no demostrar lo inteligentes que somos.

Lo admitamos o no, poner los títulos en un idioma extranjero es una manera de distanciarse del público: crea una barrera, la sensación de que se necesita un conocimiento

extra para siquiera comprender el título de la obra. Le nozze di Figaro, Ein Deutsches Requiem, La gazza ladra… todos éstos son títulos conocidos para los amantes de la música clásica, pero incomprensibles para la gente, que se siente apartada de esta forma de arte. En otros casos el idioma podría confundir incluso a experimentados asistentes a conciertos: Tableaux d’une exposition queda bastante menos claro que “Cuadros de una exposición”.

No puedo encontrar una justificación racional para insistir en la utilización de títulos en idioma extranjero más allá de demostrar la línea entre los que están en “la onda” y los que no. Necesitamos pensar en todo lo que hacemos, en todos los modos en que presentamos y hablamos de la música, y examinar si lo que hacemos contribuye a derribar barreras o a levantarlas.

administracion@ampos.es

Tel.: 932 920 555

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Los problemas de la comercialización de ediciones musicales: la ley general del libro, la licencia de fotocopias en los centros de enseñanza y el fraude en la venta de ediciones musicales y partituras

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ntrevista con Fernando Sanz, responsable del Grupo Editorial IDEASIBEMOL y miembro de la ejecutiva de COMÚSICA.

Una de las actividades más importantes que los puntos de venta asociados a COMÚSICA están desarrollando en sus espacios comerciales es sin duda la venta de ediciones musicales. Desde hace tiempo llevamos prestando especial atención a esta actividad y a su problemática ya que sus ventas han adquirido una notable relevancia en la actividad comercial de las tiendas y librerías musicales. Lo que antes era una actividad marginal, y cuya presencia en los expositores podría calificarse como anecdótica, ha pasado a ser una de las secciones más interesantes dentro de la comercialización.

Hemos querido que nos acompañe en esta entrevista Fernando Sanz, miembro también de la junta directiva de COMÚSICA y especialista en esta materia. Fernando Sanz lleva en nuestro sector desde el año 1996 y fue uno de los creadores de Mundimúsica Ediciones, que posteriormente pasó a llamarse Ideamúsica Editores. Realizó sus estudios musicales en el Conservatorio Superior de Música de Madrid y fue desde 1984 hasta el año 1996 documentalista del Centro de Documentación Musical del I.N.A.E.M. Hoy en día es gerente de Ideamúsica Editores S.L. y del Grupo Editorial Idea-Sibemol. Su opinión y su proximidad a la problemática de la comercialización de las ediciones musicales nos es de gran ayuda en esta materia.

P.-Empezamos por lo más reciente. El sector de instrumentos musicales ha sufrido de forma importante la crisis de estos últimos años afectando no sólo a ventas en general, sino también a empresas que, en muchos casos, han tenido que cerrar. ¿Cómo ha afectado la crisis a la venta de libros y partituras?

R.- La crisis en las tiendas de música se nos presentó antes que al resto. Lo primero que tuvimos que afrontar fue una crisis de identidad del modelo de negocio tradicional que nos hizo replantearnos hacia qué nuevo modelo nos debíamos dirigir.

Empresas de tradición familiar con muchos

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años de presencia debían adecuarse a las nuevas necesidades del mercado. Cuando estábamos en esa disyuntiva la situación general del país nos lo vino a poner más difícil, por no decir imposible. Pero ciñéndome a su pregunta, pese a lo que podía parecer cuando estábamos en plena vorágine, la sección de ediciones musicales ha resistido mucho mejor de lo que lo han hecho otras familias de productos dentro de las secciones de instrumentos y accesorios. Este comportamiento sólo se ha producido en las ediciones musicales, el de las librerías generales ha sido muy distinto. La edición musical, aunque ha sufrido una caída en sus ventas, lo ha hecho de forma más moderada o no tan intensa como el resto de secciones que cito. No es que haya sido un éxito, simplemente es que los otros han caído más.

P.- Pero las librerías también tienen la misma Ley General del Libro y el 4% de IVA y, sin embargo, los artículos de prensa publicados en relación al estado de las librerías hablan de que con la crisis han sufrido un gran descenso en sus ventas.

P.- ¿Hay algún motivo por el que esa caída haya sido más moderada?

R.- No, ése ha sido y sigue siendo uno de los campos de batalla principales que tenemos: el hacer conocer a las tiendas que dichas ventas se rigen por unas normas, que no son de aplicación descuentos indiscriminados y que no todo vale a la hora realizar una venta. Es obligatorio respetar el PVP marcado por el editor en la edición nacional, que es la que genera el índice más alto de ventas, y sólo está permitido por ley hacer un 5% de descuento. Esto es una gran ventaja a la hora de proteger el mercado. Muchas tiendas desconocen que el ámbito de aplicación de esta normativa les afecta y ha sido motivo para

R.- Sin duda alguna. Hay varios motivos.

Uno es el tipo impositivo, el hecho de que el libro y la partitura tengan un 4% de IVA y no se haya visto tan perjudicado como otros sectores culturales que conocemos de forma sobrada. Otro es la Ley General del Libro del 2007 que yo la considero como milagrosa y que vino a poner orden estableciendo un precio fijo, acabando con el marasmo de descuentos que se estaban practicando dejando desprotegidos tanto al libro como al librero.

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R- Sí, pero hay algo que hace muy especial a la edición musical: su alta especialización, el hecho de que es un auténtico nicho de mercado, que no cualquiera puede vender ediciones musicales y que su mercado se centraliza en las tiendas de música. Eso la diferencia de las librerías generales y hace que su comportamiento sea distinto del resto de sectores.

P.- ¿La Ley General del Libro es conocida por los profesionales de nuestro sector?

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que COMÚSICA contacte con asociados y no asociados para hacerla cumplir, ya que no sólo protege los márgenes si no al mercado en sí mismo.

En este punto me gustaría incidir que es muy importante que las tiendas de música que se dedican a la venta de ediciones se vean identificadas con el gremio de libreros, que tomen conciencia de que ellos también lo son, tienen muchos problemas en común y de una forma u otra son sectores similares.

P.- ¿Cuáles son los principales problemas a los que se enfrenta el sector en estos momentos y de cara a su desarrollo futuro?

R.- Hay problemas de carácter interno, que vienen dados por la poca preparación profesional que algunas tiendas tienen para afrontar la venta de ediciones musicales, su exposición, su selección, la poca dotación de medios que se le da a esta sección de tipo informático: software apropiado para analizar stocks, ventas, que pueda hacer previsiones, etc., así como los pocos recursos que se dedican a dotación de webs que potencien la actividad comercial. Hablo de forma muy general ya que existen tiendas a nivel nacional cuya gestión, exposición, y difusión es absolutamente ejemplar estando al nivel de las de Europa e incluso por delante de ellas. A estos problemas internos hay que sumarle los que vienen de fuera, los externos y que son mucho más complejos de combatir. Me refiero a la fotocopia, la descarga indiscriminada y a prácticas de dudosa legalidad comercial que estamos detectando en el sector.

P.- ¿No es la copia digital un problema añadido para la venta de papel?

R.- A día de hoy no lo está siendo, que lo será en un futuro próximo no me cabe la menor duda.

P.- ¿Se puede luchar desde COMÚSICA contra esos factores que detalla?

R.- Sin ninguna duda. Desde COMÚSICA se vio la necesidad de dar formación a los puntos de venta y se desarrollaron las “Jornadas sobre comercialización de

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las Ediciones Musicales” cuyo objetivo era precisamente éste: concienciar de la necesidad existente de formación y dotar de medios a los asociados para que puedan resolver estas carencias.

Otra de las actividades que se están desarrollando es el de la lucha contra las fotocopias y descargas ilegales, que de una forma directa afectan al editor y al comerciante. A esto se está contestando de forma bastante rotunda enviando comunicaciones desde el gabinete jurídico a aquellos lugares de los que tenemos conocimiento que están incumpliendo la ley.

Como digo se está luchando de forma muy activa. Curiosamente uno de los principales problemas a los que nos estamos enfrentando viene de un sitio que no esperábamos, de una sociedad de gestión: CEDRO. Desde COMÚSICA estamos realizando todo tipo de contactos: con editores, con centros de enseñanza, con nuestros asociados, con CEDRO para intentar vislumbrar una salida lógica a una situación que desde todo punto de vista parece absurda.

La edición musical, aunque ha sufrido una caída en sus ventas, lo ha hecho de forma más moderada o no tan intensa como el resto de secciones que cito. No es que haya sido un éxito, simplemente es que los otros han caído más.

P—¿Por qué parece tan absurda esta situación?

R.- CEDRO es un organismo cuya función debería ser luchar contra la fotocopia, no fomentarla. Es lo que llaman la SGAE de las fotocopias de forma coloquial. Desde hace años han iniciado una campaña en los centros de enseñanza en los que les «sugieren» una licencia que les permita hacer fotocopias en sus centros bajo el pago de una

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tasa (tasa que se supone debieran repartir entre sus asociados atendiendo a las descargas realizadas o a las cuotas de mercado, digo «se supone» porque la realidad es otra) y no hacen hincapié en las limitaciones que dicha licencia tiene y que son muchas. Por ejemplo: sólo se pueden fotocopiar bajo esa licencia las ediciones pertenecientes a sus representados. CEDRO no informa de manera clara quiénes son sus asociados y quiénes no, dejando abierta la posibilidad de que sea fotocopiada cualquier cosa. Si en un conservatorio se fotocopian “Lamentos de un preso Valses 1 a 4” de Chapí, por citar una publicación cualquiera, el centro no sabe que por mucha licencia que tenga no puede reproducir esa partitura ya que los editores somos nosotros, Ideamúsica, y no hemos cedido a CEDRO la gestión de nuestros derechos, con lo cual estaría incurriendo en un delito contra la propiedad. La realidad es que fruto de esta ignorancia se están fotocopiando de forma indiscriminada, ajenos en muchos casos a lo que la licencia no les cubre, metodologías, partituras, repertorios, libros de editoriales nacionales e internacionales que nada tienen que ver con CEDRO. Eso sí, podemos estar tranquilos, porque si CEDRO opta por mandar a sus inspectores para evaluar el legal cumplimiento de lo que les han licenciado disponen exactamente de un inspector a nivel nacional para todos los ámbitos: copisterías, imprentas, etc. Uno para todo el país.

P.- ¿Le han planteado el problema a CEDRO? R.- Sí, hemos mantenido con ellos una reunión y mantendremos más en un futuro inmediato. Lo que nos sorprendió es que en la reunión que mantuvimos ellos responsabilizaron de las licencias y de que se autorizara al 100% de la reproducción de las partituras –de sus representados se entiende–, a los propios editores, dándonos a entender que si esa licencia existe y encima permite reproducir el 100% del contenido de una partitura es por decisión directa del editor. Evidentemente ya hemos solicitado una reunión con la Asociación de Editores para contrastar si esto es así y dar una respuesta sectorial a este problema.

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Los problemas de la comercialización de ediciones musicales: la ley general del libro, la licencia de fotocopias en los centros de enseñanza y el fraude en la venta de ediciones musicales y partituras

El daño que la fotocopia hace al sector de la comercialización y esa licencia en concreto es enorme y no sé hasta qué punto los editores son conscientes de que la licencia que han puesto en manos de CEDRO pone más dificultades al canal de comercialización y lo único que logra es agravar aún más la situación de la edición musical, que bastantes problemas tiene, ha tenido y tendrá, como para venir a perjudicarla aún más canibalizando su canal de comercialización natural.

ponga en conocimiento de COMÚSICA todas aquellas irregularidades que observe y que se implique en la resolución directa de los conflictos que se puedan generar.

Debemos apostar por un sector sano, si se me permite el término. Insisto en que desde la participación de todos los asociados se puede llegar a actuaciones conjuntas de todo el sector pudiendo lograr a que en muchos casos se nos escuche ante determinadas instituciones.

ediciones musicales dentro de los objetivos de Amazon. Puede ser que suceda pero me resulta muy difícil pensar en que una plataforma de venta suplante al vendedor especializado. La formación, la vocación de servicio y el conocimiento de las publicaciones musicales y de las editoriales en su conjunto, ofrecen un valor más que añadido a la venta y son una oportunidad magnífica para asesorar y aconsejar al profesional y al estudiante de forma directa y cara a cara.

Eso lo aprecia el cliente, sin duda.

P.- Hablaba también anteriormente de que han detectado prácticas de dudosa legalidad. ¿A qué se refiere exactamente?

Debemos apostar por un sector sano, si se me permite el término. Insisto en que desde la participación de todos los asociados se puede llegar a actuaciones conjuntas de todo el sector pudiendo lograr a que en muchos casos se nos escuche ante determinadas instituciones.

¿Qué actuaciones tienen previsto realizar en un futuro?

R.- Numerosos asociados han puesto en nuestro conocimiento una irregularidad que se está produciendo: determinadas escuelas, centros de enseñanza etc. para lograr una mayor descuento y bandear la Ley General del Libro se han procurado una licencia fiscal que les permita la venta de ediciones, comprando así a un subdistribuidor con descuentos de “librero” y vendiendo, según se nos ha informado, no de acuerdo a ley. Esto da lugar a una clara competencia desleal para nuestros asociados y hay que atajarlo de algún modo. Estamos analizando las actuaciones legales para abordar esta situación desde la asociación y que tanto está perjudicando a algunos de nuestros asociados.

P.-¿Se puede hacer algo de forma colectiva para mejorar la situación del sector?

R.- Efectivamente, y es precisamente para esa mejora para lo que COMÚSICA tiene un papel primordial que de hecho ya está interpretando. COMÚSICA está siendo el centro de coordinación para aportar soluciones a todos estos problemas que hemos planteado anteriormente. Es de vital importancia que establezca con los asociados un canal de comunicación continua.

Las tiendas de música, pequeñas o grandes, deben ser partícipes de los logros que se van consiguiendo y deben aportar toda la colaboración posible para dar una respuesta conjunta, unitaria y fuerte desde el sector. Es muy importante que el asociado

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P.-¿Hay algún riesgo en un futuro inmediato que haya que tener también en cuenta?

R.- Si, como antes hablábamos, la edición digital en un futuro no muy lejano puede afectar directamente a la venta tradicional del papel tal y como se venía entendiendo a día de hoy. Aún no se sabe cuál será su comportamiento, pero qué duda cabe de que las nuevas tecnologías y los nuevos formatos van a ir cambiando… o no, ésa es la duda que me queda al ver cómo el libro ha sobrevivido cuando se le vaticinaba una muerte segura ante las ediciones digitales.

Ha logrado salvaguardar su espacio y hacerlo compatible con las ediciones digitales. Es más: hay especialistas que hablan de que las ediciones digitales han tocado su techo y que les va a ser muy difícil seguir avanzando. Esto está por ver todavía.

Otro de los miedos que nos manifiestan los asociados es el de la aparición de las

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Seguir en el empeño de clarificar el mercado, continuar con las actuaciones descritas anteriormente pero sobre todo incidir en la importancia de la formación continua (es una tautología ya que toda formación se entiende como continua). Se celebrarán más Jornadas sobre la Edición Musical, se posibilitarán más encuentros entre las tiendas que den lugar a contrastar opiniones y puntos de vista sobre la situación de mercado.

P- ¿Qué mensaje haría llegar Vd. a las empresas que actualmente desarrollan su actividad comercial en este campo?

Primero un mensaje de tipo vocacional: el servicio que se ofrece a la comunidad musical desde la comercialización de las ediciones musicales es incalculable. Que piensen en el valor que aportan las ediciones a sus negocios: ventas cruzadas, contacto con los profesionales y estudiantes…

Que sean conscientes de la importancia que tiene la formación de sus profesionales, los conocimientos de las bases de datos, la adaptación de las tecnologías al negocio y la aplicación de técnicas de exposición, escaparatismo, rotación de exposición etc. de forma adecuada.

P.- El tiempo se nos acaba aquí. Muchas gracias por tu tiempo y hasta otra ocasión.

R.- Muchas gracias a vosotros.

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¿Puede un profesor de instrumento generar dolores en sus alumnos?

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i sentimos dolor en una zona, lo más probable es que exista alguna lesión o alteración en ella. Pero esa no es la única posibilidad.

Aunque pueda sorprendernos, hoy en día sabemos, a ciencia cierta, que todos los dolores surgen del cerebro y que no es una condición necesaria ni suficiente para que sintamos dolor en una zona el que exista una alteración o lesión en ella. El dolor que sentimos no es la consecuencia directa de la alteración o daño de los tejidos sino la decisión que toma nuestro sistema de protección frente a ese daño. Además, el sistema de protección es tan eficiente que puede anticiparse y activar los mecanismos de defensa también cuando existe la posibilidad de que se produzca un daño, aun cuando ese daño todavía no se ha producido y, quizás, no se llegue a producir nunca.

Así, por ejemplo, basta con que hayamos aprendido que el sol puede provocar dolor de cabeza para que los estímulos lumínicos activen los mecanismos de protección de forma innecesaria. El dolor de cabeza que sentiremos es molesto y tan real como el provocado por un daño ya existente. Pero, en este caso, totalmente injustificado.

¿Qué favorece que pueda existir dolor sin daño consumado?

Los factores son múltiples y engloban aspectos de la personalidad, el tipo de entorno a que estamos sometidos, la situación personal, la formación recibida o la información a la que tenemos alcance.

Sabemos que los músicos están especialmente expuestos a ello.

Si en el pasado sufrí una lesión en el codo que me preocupó, ya que afectaba mi capacidad para tocar, es más probable que, cuando me vea expuesto a una situación de mayor carga de trabajo, en la que mi codo envíe al cerebro estímulos mecánicos normales pero de forma más frecuente e intensa, mi sistema de protección lo interprete como señales de daño actual o inminente y active el programa de dolor. Un dolor que será indistinguible del que tuve hace unos años debido a una verdadera lesión porque el programa de dolor activado será exactamente el mismo.

Cuando una persona está preocupada por su futuro, cuando ha recibido informaciones sobre las lesiones que le pueden suceder por el hecho de ser músico y no tener cuidado de su cuerpo o cuando en su

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entorno hay compañeros que tienen que dejar de tocar por padecer un problema de salud es más probable que ponga en alerta su sistema de protección. Los sensores mandarán más señales de las habituales al cerebro e, incluso, las amplificará. El cerebro rastreará con mayor atención las señales que emiten los receptores esparcidos por todo el cuerpo. Si hace falta activará, y todo ello de forma inconsciente, los amplificadores de estas señales para evitar que pase desapercibida alguna amenaza.

Hasta hace no mucho tiempo se creía que el dolor se generaba cuando ciertos terminales nerviosos que tenemos esparcidos por todo el cuerpo eran estimulados.

Actualmente sabemos que esto no es cierto, que no existen receptores de dolor.

Es el cerebro quien genera la sensación de dolor, en función de la información que le llega. Algunas veces se puede equivocar y los profesores contribuir a ese error.

Por todo ello, no nos sorprende observar cómo, a menudo, los alumnos de un profesor de instrumento que sufrió una lesión tienen más habitualmente dolores sin poderse observar lesiones relevantes. Parece que, con toda la buena intención, pero con resultados inesperados y no deseados, la preocupación que el profesor tiene se acaba transmitiendo.

Ello se acaba convirtiendo, en algunos casos, en un estado de excesiva activación del sistema de protección, lo que llamamos

un estado de alerta o de hipervigilancia, que favorece la aparición de síntomas no plenamente justificados por el grado de daño de los tejidos. Cuando eso sucede, incluso los estímulos normales que se generan en los tendones y músculos al tocar, pueden ser interpretados como señales de lesión, comportar la activación de los mecanismos de protección y llevar al músico a sentir dolor (y pensar que está lesionado) sin que realmente exista nada a curar en sus manos o brazos.

Por lo tanto, hay que aceptar que la decisión que toma el sistema de protección puede estar bien fundada (que es el caso más habitual) o puede ser una interpretación pesimista de la situación. Hasta el punto que el organismo, por exceso de celo en proteger su integridad, puede acabar viendo peligro en escenarios inofensivos y activar síntomas, como el dolor, encaminados a proteger esa zona.

Ciertamente este funcionamiento de un cerebro que puede equivocarse nos puede sonar extraño. Pero no nos debería sorprender ya que el error en el sistema de protección es algo que todos conocemos bien.

El sistema de protección lo integra, también, la respuesta inmunitaria. Un conjunto de células y sustancias que se activan al detectar microorganismos que nos amenazan.

Y todos sabemos que este sistema inmunitario, a veces, se activa erróneamente ante agentes inofensivos como el polen o el pelo de gato y nos provoca las alergias.

Por lo tanto, el error en nuestro sistema de protección, sea la parte neurológica o la parte inmunitaria, es el precio que debemos pagar por disponer de unos mecanismos de análisis y toma de decisiones muy evolucionados. Un sistema muy eficaz pero proclive a cometer errores de evaluación y que, por lo tanto, puede hacernos sentir dolor cuando no hay lesión que lo justifique o activar la respuesta inmune sin que exista una amenaza para nuestra integridad.

Si deseas ampliar la información sobre este tema del dolor en los músicos puedes ver una serie de videos divulgativos a través de este enlace: http://www.institutart.com/index.php/ca/ divulgacio/item/dolor

Fotograma de la película Whiplash (2014)

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Jaume Rosset i Llobet. Director médico del Institut de Fisiologia i Medicina de l’Art-Terrassa. Director de la Fundació Ciència i Art.

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Estimulación musical a edades tempranas e iniciación a la música La formación docente. Incoherencias del sistema educativo

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a educación musical en España se encuentra en una situación preocupante, sobre todo en las etapas de educación obligatoria, donde en lugar de fomentarse la calidad de esta enseñanza como sucede en los países más desarrollados de nuestro entorno, nos dirigimos hacia una deriva complicada y angustiosa donde cada centro educativo puede elegir qué peso tiene la música en su programa, si es que tiene alguna, lo que a su vez lleva a cumplir en muchos casos, unos mínimos para ajustarnos a la legislación y poco más.

Sin embargo, a pesar de que esta realidad amenaza seriamente todo lo bueno que aportó la LOGSE hace casi dos décadas, las familias demandan cada vez más el desarrollo de programaciones artísticas en sus centros, considerando que si estos están presentes en los proyectos educativos, la enseñanza que recibirán sus hijos será completa y de calidad.

Por lo tanto, no es totalmente cierto que la educación musical no esté valorada en nuestra sociedad, es más bien que está desvalida y desconsiderada, pero no desde sus bases, sino desde sus descriptores y legisladores, que en lugar de recoger el testigo, dotando de contenido y coherencia el reclamo social por una educación artística integrada coherentemente dentro del sistema, lo marginan a la sombra de su propia supervivencia. Y entonces nos preguntamos: ¿cómo es posible que a pesar de los daños ocasionados por la última ley de educación la música perviva en nuestras aulas? La respuesta es simple, porque la sociedad así lo quiere y exige, y por ello la música debe reinventarse contra todo pronóstico.

Esto no obstante, no es algo de lo que podamos presumir, sino más bien algo de lo que debemos avergonzarnos. Cuanto más dañado esté el colectivo más dificultades de reinventarse tendrá.

El futuro de la música en España necesita en primer lugar de músicos que divulguen, formen y eduquen a adultos que amen la música, no solo con el propósito de dedicarse a ella profesionalmente, sino también para consumirla, vivirla y sentirla; en definitiva asistir a conciertos, comprar y valorar.

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Estos músicos no nacen de la nada, se gradúan en los conservatorios y las facultades de magisterio, revirtiendo posteriormente en sus alumnos la formación recibida.

Una formación que resulta ser deficitaria, fragmentada y desconectada de la realidad. Este es el gran problema al que nos enfrentamos.

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¿A qué edad se debe comenzar la iniciación a la música? En la educación obligatoria se inicia como tal en la etapa de primaria, con anterioridad se circunscribe a las escuelas de música, y no en todas. Pero, ¿no es posible iniciarse en la música antes de los 6 años? Sí, lo es y además es aún más idóneo hacerlo antes, pero entonces ¿por qué no está presente con mayor naturalidad en escuelas infantiles y en escuelas de música? He aquí, el tema que nos preocupa: la falta de docentes adecuadamente formados en esta didáctica.

La formación de docentes en iniciación a la música en edades tempranas es incompleta, está dispersa y desproporcionada entre los dos agentes responsables de la misma, las Facultades de Educación y los Conservatorios Superiores.

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Una adecuada estimulación musical temprana continuará con naturalidad con una iniciación a la música y esta es la clave para el saneamiento de la vida musical de una sociedad. Esto significa que si se fomenta el placer de la música en niños en edades anteriores a la educación musical conceptual, habrá muchos más alumnos y estos serán más felices.

La música en estas edades es plenamente sensorial, experiencial, compleja y simple al mismo tiempo porque se fundamenta en la percepción. No significa expresamente tocar un instrumento, es saber danzar, cantar, sentir e incluso reconocer la forma de una pieza musical con pocos criterios pero sólidamente establecidos. La percepción requiere movimiento, coordinación, precisión, creatividad, y en definitiva el desarrollo de un pensamiento complejo que conforma un cerebro potente y activo, no pasivo. Esto favorece sin duda al resto de disciplinas educativas, con las que interactúa permanentemente, pues la música es matemáticas, es un lenguaje, y permite explorar el entorno a través del movimiento. ¿Qué duda cabe de los beneficios de la misma en cualquier edad, cuanto más en las tempranas?

Natalia Velilla (centro) con los asistentes al último curso

Sin embargo, es infrecuente encontrar músicos cualificados en esta especialidad. Los motivos son muy variados, pero en líneas generales podemos resaltar la siguiente incoherencia: los músicos profesionales se forman en los Conservatorios Superiores, donde la pedagogía musical no aborda expresamente esta etapa evolutiva del niño. Las Facultades de Educación sí que forman pedagogos y maestros para el primer ciclo y el segundo ciclo de infantil, pero carecen de formación musical, salvo que a la vez estén cursando

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La última actividad de Natalia Velilla fue el pasado mes de Marzo en Barcelona, en colaboración con la tienda de música Audenis, y reunió a casi 30 profesores. La gran acogida que tuvo esta jornada intensiva nos alienta a seguir con esta labor, pero también nos empuja a denunciar en estas líneas el escaso interés de la administración por esta disciplina tan importante para nuestros futuros estudiantes y amantes de la música.

Natalia Velilla actividad cuento musicado

pedagogía musical en un centro superior.

Por lo tanto, nos encontramos por un lado con maestros preparados para etapas infantiles y por otro lado músicos sin formación pedagógica específica.

Natalia Velilla y Elena Huidobro son autoras de Suena Suena, un completo y organizado método para la iniciación musical en edades comprendidas entre los 0 y los 7 años. Suena Suena es un método riguroso aunque lúdico, que plantea la clase como un juego, porque a través de éste los niños descubren el mundo y se descubren a sí mismos haciéndoles sentir la música en su cuerpo y expresarse a través de ella. Cada clase comienza con un cuento que se convierte en el centro de interés, motivador y desencadenante de todas las actividades que se realizan a continuación: representación dramática, canción, rima, juego, instrumentación, danza y finalmente una ficha escrita.

Desde su publicación, las autoras han trabajado incansablemente en la difusión de esta valiosa propuesta que cuenta con el gran obstáculo de la formación docente.

Este es el motivo por el que ellas mismas imparten actividades de formación a músicos de diferentes ámbitos (colegios de infantil y primaria, escuelas de música, escuelas infantiles, terapeutas…) que no encontraron en su paso por la universidad o el conservatorio modo alguno de adquirir conocimientos sobre cómo estructurar una sesión de música para bebés de 1 año, o cómo desarrollar una actividad para niños de 4 años que trate la dinámica del sonido.

Esta actividad que será acreditada por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, en concreto por el INTEF, es posible gracias al Convenio que esta institución tiene con entidades colaboradoras como SEM-EE (Sociedad para la Educación Musical del Estado Español), con quien Carisch-REAL MUSICAL mantiene una estrecha relación desde hace muchos años. Es mediante estas iniciativas a través de las cuales aportamos al colectivo de docentes lo que no encuentran dentro del sistema educativo para el que trabajan y del que son fruto.

Por otro lado, Elena Huidobro imparte desde hace unos años, un programa de especialidad musical de 2 semanas, promovido por la Universidad Francisco de Vitoria, que aunque no llega a cubrir las necesidades reales de los estudiantes de magisterio, al menos les introduce en los fundamentos de la Música y el Movimiento, dotándoles de las herramientas básicas que posteriormente ellos mismos tendrán que responsabilizarse en profundizar.

Elena y Natalia son parte de la realidad que se vive en el ámbito docente musical. Natalia ejerce como maestra en educación primaria y Elena dirige una escuela de música, ambas perciben diariamente el interés de las familias por la música y la necesidad de impulsar la educación musical en los centros de enseñanza, pero sin recursos y sin profesionales debidamente formados es una tarea muy difícil. La labor de formación que desarrollan es primordial pero debería estar inserta en los canales propios del sistema educativo.

Elena Huidobro

Mientras, el método Suena Suena sigue conquistando nuevos profesionales y sorprendiéndoles, porque presenta una propuesta innovadora y actual aunque lleva ya casi veinte años en el mercado. El interés que demuestran los centros infantiles de educación por esta metodología, unido a una necesaria revisión de contenidos y material complementario, ha motivado que actualmente se esté llevando a cabo una Nueva Edición que seducirá con mayor convicción si cabe a los profesionales que encuentran en ella un valioso manual para sus clases. Próximamente más noticias en: www.carisch.com y en el blog Educando con música en movimiento.

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«Este libro está descatalogado, no lo vas a encontrar» El canal de distribución del catálogo de Carisch – Real Musical (The Music Sales Group) en España

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sta misma mañana hemos recibido esta llamada telefónica y es raro el día que no recibimos alguna similar…

Cliente: «Buenos días, estoy interesado en comprar este título, pero me han dicho que está descatalogado ¿Dónde podría comprarlo? ¿Os lo puedo comprar a vosotros directamente?»

Nuestra respuesta: «Buenos días, deje que compruebe en nuestro sistema si efectivamente está descatalogado. No, no está descatalogado (puede que esté en reimpresión o que no se encuentre en stock en la tienda donde ha preguntado pero eso no significa que esté descatalogado).

Además nuestras publicaciones deben adquirirse a través de los distribuidores o tiendas de música especializadas. En cualquier caso, para ver la disponibilidad de cualquier producto puede visitar nuestra página web: www.carisch.com…»

La cadena de distribución de las editoriales musicales es tan especializada como su catálogo. El libro de música se vende en librerías y tiendas de música pero no lo encontrará en la librería del supermercado, ni al lado del último best seller de novela histórica del momento. Los libros de música se venden en librerías especializadas, y éstas adquieren sus productos en distribuidores que se dedican expresamente a este sector editorial.

Esta elección se ha respetado a pesar de que en los últimos años, la red de librerías musicales en España ha sufrido un deterioro severo, hiriendo la comercialización de nuestros productos.

El modo de compra también ha cambiado de diez años a esta parte, incrementándose la búsqueda y la compra online, permitiendo encontrar en una tienda lejana al domicilio, el libro deseado. Por tanto, sin que el comprador sea muy avezado, se puede adquirir casi cualquier título desde el sofá de nuestras casas. También es cierto que debido a los cambios que han acontecido recientemente, la compra del catálogo

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de Carisch-Real Musical por el grupo Music Sales, existe una nebulosa de información en relación a cómo adquirir nuestros títulos, y si estos no se encuentran con facilidad se deduce que están descatalogados.

Carisch y recientemente Music Sales, siguen conservando el canal de ventas tradicional del catálogo Real Musical desde hace más de 10 años, a través de distribuidores y tiendas de musical especializadas, evitando hacerlo directamente al cliente final.

Por eso, es importante contrastar esta información con la oficina editorial o comercial. No es lo mismo que esté agotado, que se haya descatalogado o que tenga impresión bajo demanda, y todos estos status son muy comunes en una editorial activa, donde constantemente se renuevan los títulos y los formatos.

Una vez allí, el libro no siempre está en la tienda, y es necesario pedirlo— trámite que termina en ocasiones con la temible noticia de descatalogado.

Es por tanto conveniente utilizar la nomenclatura referente a los estatus de una publicación correctamente para dar un información veraz y adecuada, permitiendo que el cliente entienda correctamente también a qué libros tiene o no acceso, si debe recurrir a mercados de segunda mano, a la impresión bajo demanda o a esperar con algo de paciencia a que llegue de nuevo a la tienda de música.

Este trato respetuoso hacia la cadena de distribución favorece una relación de confianza entre todos los agentes que la componemos siendo necesario un flujo de información entre editor, distribuidor, vendedor y consumidor, frecuente, constante, sin interferencias y sin omitir a ninguno de ellos.

Para más información sobre la venta y distribución del Grupo Music Sales escribe a irene.serrat@musicsales.co.uk y si tienes dudas sobre la disponibilidad de algún título a susana.rodriguez@musicsales. co.uk o amaya.delapena@musicsales.co.uk

Utilizar el código de identificación de la publicación o ISBN, disponibles siempre en la contraportada o ficha técnica del producto (consulte la web), asegura la búsqueda del título evitándose muchos errores tipográficos. Además en la web se encuentran descripciones precisas de la publicaciones, extracto del interior, audios de ejemplo, peso en gramos para calcular los gastos de envío… lo que asegura la elección.

Si bien es cierto que la búsqueda online de novedades es la herramienta prioritaria de los clientes; no siempre puede completarse la compra en la red, por lo que los consumidores finalmente se dirigen a la tienda, en persona o por teléfono, para comprar el libro que desean.

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Colección Orquesta de Flautas

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Una biblioteca para no dejar de tocar

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ace veinticinco años en España no existía una agrupación de flautas.

Las únicas referencias venían de Europa, Japón y Estados Unidos. Ni siquiera había un repertorio pues no existía un grupo que lo interpretara. El nacimiento de la OFM (Orquesta de Flautas de Madrid) favoreció la creación progresiva de un extenso catálogo de obras para su actividad concertística. Todos los arreglos y obras de esta colección han sido interpretados por la orquesta a lo largo de más de dos décadas. Es esta experiencia y confianza en el repertorio la que llevó a Salvador Espasa, Eduardo Costa, Gorka Espasa y José Miguel Molina a emprender esta amplia tarea de edición y publicación.

Escribir para orquesta de flautas requiere conocer el instrumento en profundidad y sus peculiaridades de funcionamiento en grupo. El equilibrio sonoro de esta agrupación se convierte en uno de los principales retos para obtener una obra satisfactoria a nivel sonoro. Esta labor ha sido realizada por profesionales de la orquesta que han unido a su experiencia flautística el interés por la composición y el trabajo de arreglista. El proceso ensayo-error se ha demostrado muy eficaz en esos primeros años. El resultado ha sido un conjunto de piezas que garantizan el equilibrio sonoro y la calidad musical. Parte de ese repertorio forma parte de esta colección que hemos dividido en dos líneas: las obras originales y los arreglos o adaptaciones de música clásica y popular.

Eduardo Costa

un amplio abanico de posibilidades (desde quinteto a 14 intérpretes). La variedad de estilos compositivos es también otro aliciente: de obras con carácter festivo y efectista (Tensión de S. Espasa) a obras de carácter exótico (Sakura de E. Costa) con solista (Tempo de Huida, también de E. Costa) o de estética New Age (Dos Travesías de J. M. Molina). En la segunda línea de publicación, las adaptaciones suponen una recreación en clave flautística lo más cercana posible al original. Las

obras adaptadas proceden de obras originales para piano solo (Las Estaciones, de Tchaikovsky), flauta y piano (Sonata de Marcello) o bien agrupaciones mayores como los cuartetos de Mozart o incluso orquestales (Los Conciertos de Mozart o Telemann). Los arreglos suponen un nivel de creación e invención mayor, una aportación más personal y distintiva del arreglista. Esto se puede traducir en cómo se traslada el mundo sonoro del original al arreglo (Arirang de E. Costa) o en la elección de la armonización cercana a lo étnico (Tres Piezas Africanas de J. M. Molina) por citar dos ejemplos. Ninguna de las obras publicadas tiene una dificultad extrema y pueden ser utilizadas tanto por profesionales como por estudiantes de distinto nivel.

La colección contiene más de 10 obras originales y más de 20 arreglos y adaptaciones. Otros tantos aguardan ser revisados para una futura edición. Es esta una edición cuidada al detalle que incluye notas al programa y explicaciones de las técnicas extendidas que puedan ser utilizadas en algunas obras. La calidad del papel llamará especialmente la atención. Muchos otros detalles se han tenido en cuenta como cuidar incómodos pasos de página en las partes individuales, una exhaustiva revisión de erratas y una paginación clara.

Deseamos que este material pronto forme parte del repertorio de las numerosas orquestas de flautas que ya existen en nuestro país. Nos permitimos un toque de ambición pues confiamos exportar esta colección a otras orquestas de flautas fuera de nuestras fronteras. Gracias al apoyo recibido del grupo editorial IDEA SIBEMOL será pronto una realidad.

La línea que incluye obras originales tiene el interés de constar de obras escritas específicamente para grupo de flautas: tienen en cuenta sus posibilidades tímbricas y los recursos de los que dispone la flauta en nuestros días. La instrumentación ofrece

Por Eduardo Costa.

Compositor y arreglista.

Relación de obras de la Orquesta de Flautas • Arirang Tradicional de Corea (Arr: Eduardo Costa Septeto de Flautas y Violoncello Flautas en Do, Flautas Thumpy, Flautas Alto, Flauta Bajo, Flauta Contrabajo y Violonchelo • Carnaval de Flautas Salvador Espasa Flautas en Do, Flautas Alto, Flautas Bajo, Bajos en Do y Sib.

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• Colours Eduardo Costa Quinteto de Flautas con Violonchelo opcional • Danza de los Lamentos Salvador Espasa Piccolos, Flautas en Do, Flautas Alto, Flautas Bajo, Bajos en Do y Sib. y Percusión

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• Andante & Rondo Op. 25 para dos flautas y orquesta Franz Doppler (Adaptación Gorka Espasa) Flautas Solistas, Flautas en Do, Flautas Alto, Flauta Bajo, Bajos en Do y Sib. • ÍTACA Eduardo Costa Doce Flautas, violonchelo

piano

y

• Menuet. L’Arlésienne George Bizet (Adaptación Salvador Espasa) Flauta Solista, Flautas en Do, Flautas Alto, Flautas Bajo, Bajos en Do y Sib. • Sonata Nº 2 Op. 2 in D minor Benedetto Marcello (Adaptación Gorka Espasa) Flauta Solista, Flautas en Do, Flauta Alto, Flauta Bajo, Bajos en Do y Sib.

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Flautas mágicas

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Por Eduardo Costa y José Miguel Molina, miembros fundadores de la OFM

D

esde que, hace veinticinco años, la Orquesta de Flautas de Madrid, OFM, ofreciera su concierto de presentación en el Círculo de Bellas Artes de Madrid se han creado gracias a ella multitud de arreglos y obras originales para una formación que, en su momento, era la única de sus características en España. La idea de crear un grupo estable de flautas hunde sus raíces en los ensayos de grupo que Salvador Espasa organizaba desinteresadamente todos los viernes en el Conservatorio de Amaniel de Madrid. Es entonces, 1989, cuando unos cuantos alumnos y exalumnos de Salva acceden encantados a formar parte de lo que acabaría presentándose como la OFM.

Salvador Espasa

Su instrumentación (inicialmente sólo flautas traveseras) y la elección de su repertorio constituyeron una novedad. En sus primeros años de existencia la OFM sólo interpretó música contemporánea a la vez que realizó numerosos encargos y estrenos.

Autores como Enrique Blanco, María Escribano, Pedro Esteban, Jose María GarcíaLaborda,Tomás Garrido, Agustín González de Acilu, Álvaro Guibert, Tomás Marco, Enrique Muñoz y un largo etcétera compusieron para esta agrupación y vieron estrenadas sus obras en importantes salas de la geografía nacional como el Auditorio Nacional, el Círculo de Bellas Artes o la Fundación Juan March entre otros.

No fue fácil convencer a los compositores para escribir obras para una formación que, a priori, ofrecía poco contraste tímbrico, falta de graves y un rango dinámico limitado. Sin embargo la versatilidad de la flauta y el compromiso y experiencia de su director en el ámbito de la música contemporánea lograron salvar estos obstáculos.

Constituirse en un grupo con el suficiente nivel de respuesta en lo musical no resultaba fácil. Especialmente tratándose de un tipo de agrupación con pocos o ningún referente previo, al menos en España.

Había que explorar, descubrir las posibilidades sonoras del conjunto sin desfallecer en el intento. En este proceso se hizo evidente la necesidad de invertir en flautas graves (flautas alto, flautas bajo, flauta contrabajo) para ampliar las posibilidades sonoras y la capacidad del conjunto para enfrentar un repertorio en continuo crecimiento.

Con los años la OFM creció y se dividió en función de su repertorio. El núcleo original de doce miembros continuó su labor de difusión del repertorio contemporáneo mientras una OFM con mayor número de miembros interpretaba arreglos y transcripciones del repertorio clásico. En estos arreglos el papel de “bajo” del grupo ha venido encomendándose, además de a la flauta contrabajo, a instrumentos ajenos a la familia como el clarinete bajo, el violonchelo o el contrabajo que aunque tímbricamente difieren del conjunto aportan la definición y contundencia que se necesita en ese registro.

La figura de Salvador Espasa resulta fundamental en este proceso de evolución y desarrollo. Él es, desde la organización y celebración de los cursos de verano “Manuel Garijo” (a punto de cumplir 25 años de existencia), quien, secundado por diferentes profesores de la OFM, lidera una labor incansable de promoción de esta agrupación en particular y de las orquestas de flautas en general. Esta labor ha provocado el nacimiento de nuevas agrupaciones por diversas latitudes de la geografía española bien bajo la dirección de Espasa (León, Bilbao, Málaga, Asturias, Galicia) o por la iniciativa de otros profesionales que han comprendido la utilidad pedagógica, lúdica e incluso profesional de este tipo de ensemble.

A fecha de hoy la OFM dispone de un extenso catálogo de más de cien obras originales, transcripciones y arreglos, un igual número de conciertos en su currículum y la huella de un grupo que, veinticinco años después de aquel concierto de presentación en el Círculo de Bellas Artes, aún se hace notar.

Relación de obras de la Orquesta de Flautas (c0nt.)

• Quartet No. 3 In C major kv285b Wolfgang A. Mozart (Adaptación Gorka Espasa) Flauta Solista, Flautas en Do, Flauta Alto, Flauta Bajo, Bajos en Do y Sib.

• The seasons op. 37a. June «Barcarolle». October «Autumn Song» Pyotr I. Tchaikovsky (Arreglo Gorka Espasa) Flautas en Do, Flauta Alto, Flauta Bajo, Bajos en Do y Sib.

• Concerto for 2 Flutes in E minor Twv51 G. P. Telemann (Adaptación: Eduardo Costa) 2 Flautas Solistas, Flautas en Do, Flauta Alto, Flauta Bajo, Bajos en Do y Sib.

• Tres Piezas Irlandesas Músicas del Mundo (Arreglo José Miguel Molina) Flautas en Do, Flautas Alto, Flautas Bajo, Bajos en Do y Sib. y Percusión

• Tempo de Huida Eduardo Costa Flauta Solista, Flautas en Do, Flautas Alto, Flautas Bajo, Bajos en Do y Sib.

• Sonata in F TWV 41:F2 Georg Ph. Telemann (Adaptación Gorka Espasa) Flauta Solista, Flautas en Do, Flauta Alto, Flauta Bajo, Bajos en Do y Sib.

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• Concierto para Flauta y orquesta en Sol Mayor KV 313 W. A. MOZART (Adaptación Eduardo Costa) Cadencias José Miguel Molina Flauta Solista, 2 Piccolo, Flautas en Do, Flautas Alto, Flautas Bajo, Bajos en Do y Sib.

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Ediciones Si Bemol

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Novedades editoriales Aprende Música con Cornelius Libro del Alumno Volumen 1 El presente cuaderno de fichas intenta cubrir la educación musical del alumnado de 4 a 7 años de forma atractiva y progresiva para los/as niños/ as y con una operatividad simple para el profesorado que dirigirá el proceso.

Nuestra mascota, el perrito “Cornelius”, nos indica en todo momento si la actividad consiste en señalar con el lápiz, colorear o escuchar sonidos que el profesor pondrá en clase.

Decidí reducir al máximo el material necesario para realizar las fichas pretendiendo así la posibilidad de su uso en cualquier marco educativo: tan sólo se hace necesario el uso de colores y un CD de sonidos y piezas clásicas (sólo para el profesorado) que servirán unas veces como música de fondo al trabajo que se lleva a cabo y otras como soportes de danzas de imitación y creación.

Uniendo mi experiencia en Educación Infantil con la de maestros/as de Educación Musical, se consigue conformar una secuencia de ejercicios que basados fundamentalmente en el trabajo auditivo, establecen unos mínimos fundamentos de iniciación necesarios para la progresiva incursión en los distintos ámbitos de la Educación Musical: Educación auditiva, expresión vocal e instrumental, lenguaje musical y movimiento.

Por último, manifestar mi deseo para que este trabajo sea un instrumento sencillo, útil y ameno para poder iniciar a los más pequeños en ese maravilloso mundo musical que debe formar parte de toda educación que se pretenda íntegra y global.

Clarinete Ejercicios diarios de Eecalas Volumen 4. Christian Álvarez Patón Estos libros están dirigidos tanto a alumnos de Enseñanzas Profesionales (orientados por su profesor), como

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alumnos de Enseñanzas Superiores (para perfeccionar su técnica) y profesionales que quieran realizar un trabajo de entrenamiento diario.

La experiencia de 20 años dedicados a la enseñanza del Clarinete como profesor de Conservatorio, junto a la publicación de otros 4 libros dirigidos a la enseñanza de mi instrumento, me ha llevado a la realización de este trabajo, que busca la práctica diaria de nuestro elemento principal, la Escala.

Propongo un estudio minucioso y reiterado de la Escala, que ejercicio tras ejercicio se va ampliando mediante distintas series, que además de hacer cambiar de lugar las posiciones complicadas, aumentan paulatinamente la dificultad y la resistencia, siendo todo ello en conjunto lo que realmente da valor al trabajo del libro.

La intención en todo momento es la claridad y sencillez en la exposición de los distintos ejercicios, haciendo fácil la lectura y el estudio de estos. No es el reto la lectura de los ejercicios, sino la consecución de los objetivos que cada uno se plantee alcanzar con ellos. Ya sea igualdad de sonido, destreza técnica (digital), dominio y resistencia del staccato y de las distintas articulaciones, perfeccionamiento de la afinación, mejora del legato, etc.

Mediante este tipo de trabajo el clarinetista interioriza la Escala, memorizándola y haciéndola suya. Pretendo huir de los ejercicios de Escalas que trabajan todas las tonalidades en un único ejercicio, dando por hecho que con ello ya están solventados todos los problemas y memorizadas las distintas tonalidades. Pues cuando el alumno termina el ejercicio no sabría determinar cada tonalidad por separado.

El instrumentista debe conocer y dominar todas las Escalas, ya que, aunque parece evidente lo que voy a decir, todo lo que tocaremos a lo largo de nuestra vida como clarinetistas estará basado en ellas. El hecho de no dominar las Escalas de memoria trae consigo tener que dedicar mucho más tiempo a la práctica de cualquier obra, estudio o fragmento, al tiempo que la lectura a primera vista y la propia confianza es mucho más elevada si se dominan las Escalas de memoria. Espero que este trabajo facilite el trabajo a todos aquellos que nos dedicamos al clarinete, ya sean aficionados, alumnos de distintos niveles o profesionales que recurran a él para enseñar o como mantenimiento.

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Arreglos y adaptaciones para clases colectivas de violín y viola Nivel Elemental - Medio. Miguel Ángel García Leoncio y Jerónimo Valdehita Ruiz Miguel Ángel García Leoncio y Jerónimo Valdehita Ruiz, Profesores superiores de Violín y Viola, forman el Dúo “Pleitesía”. Con amplia andadura tanto en la enseñanza como en la interpretación, este manual se ha gestado como una invitación agradable a tocar sencillas y variadas obras, tanto de procedencia clásica como popular, convenientemente arregladas (con reminiscencias a diversos compositores) para niveles de iniciación y posteriores de los estudios de Violín o Viola.

Aunque en apariencia los ejercicios tienen un aspecto lúdico, no dejan de tener el criterio técnico y la firme intención de la eficiencia en el buen hacer de los estudios reglados. No obstante ayudan a suavizar la gran tarea y dedicación que imponen los estudios de los instrumentos de cuerda: arduos y agrios en un principio pero gratos y satisfactorios después.

El formato en cuatro pentagramas no debe inducir a la formación “cuarteto”, porque sólo se ha pensado para dos partes en varias combinaciones, bajo el criterio del profesor: dos violines, dos violas o violín y viola; otras formaciones supondrían demasiadas duplicaciones de voces cosa que se aleja del propósito de este libro.

Dictados armónicos Vol. I (Contiene CD) Libro del profesor y libro del alumno Con esta nueva colección de Dictados Armónicos (que consta de cuatro volúmenes), el autor, Félix Sierra, pretende dar un enfoque nuevo a la ardua tarea que es la educación auditiva del alumno. Para ello, cada volumen consta de varias series de dictados que van precedidos de una secuencia de acordes, los cuales introducirán al alumno en la armonía de los ejercicios a realizar.

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Orquesta Ciudad de Granada

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a Orquesta Ciudad de Granada (OCG) cuenta con la participación institucional del Consorcio Granada para la Música, formado por el Ayuntamiento de Granada, Junta de Andalucía y Diputación de Granada.

Fue creada en 1990 como orquesta sinfónica clásica, siendo su principal director Juan de Udaeta. Desde 1994 hasta 2004 la dirección titular y artística es asumida por Josep Pons, y de 2004/05 a 2008 por Jean– Jacques Kantorow. Desde la temporada 2008/09 es Salvador Mas Conde quien ha ocupado este cargo. Desde la temporada 2012-2013, al frente de la Dirección Artística se encuentra el maestro Andrea Marcon.

La OCG ha ido alternando las actividades orquestales en el ámbito granadino, a través de su temporada regular, en el marco de la provincia y de la comunidad andaluza, con importantes apariciones dentro y fuera de España, habiendo actuado en la totalidad de las principales salas y festivales del territorio nacional: Festival Internacional de Música y Danza de Granada, Festival Grec de Barcelona, Festival Internacional de Música de Segovia, Festival Internacional de Música Castell de Peralada, Festival Internacional de Música de Santander, Teatro de la Maestranza de Sevilla, Auditorio Nacional de Música de Madrid, Palau de la Música y L’Auditori de Barcelona, Festival de Otoño de Madrid, etc. Su presencia internacional la ha llevado a Suiza (Festival Gstaad), Italia (Teatro alla Scala de Milán), Portugal (Festival Internacional de Música de Coimbra), Austria (Musikverein de Viena), así como giras por Francia (1998), Alemania (2001 y 2004) y Gran Bretaña (2005), donde ha cosechado importantes éxitos de

crítica y público, resaltando su imponente personalidad artística: Berlín, Frankfurt, Colonia, Viena, Hannover, Manchester, Birmingham…

Plácido Domingo, Narciso Yepes, Enrique Morente, George Benjamin, Victoria de los Ángeles, Motserrat Caballé, Christophe Coin, Carlos Álvarez, Yehudi Menuhin, Christian Zacharias, Krzysztof Penderecki, Christopher Hogwood, David Atherton, Fabio Biondi, Rinaldo Alessandrini, Elisabeth Leonskaja, Joaquín Achúcarro, Frans Brüggen, Orfeón Donostiarra, Orfeó Català, Cor de Cambra del Palau de la Música Catalana, British Choral Academy, The King’s Consort, Coro de la Generalitat Valenciana, son algunos de los solistas, directores y agrupaciones corales que han actuado con la Orquesta desde su creación. Entre sus grabaciones

destacan las realizadas para el sello Harmonia Mundi junto a Josep Pons de las obras de Manuel de Falla La vida breve, El sombrero de tres picos, Noches en los jardines de España, o de autores como Bizet, La arlesiana y Sinfonía en Do, Stravinsky, El pájaro de fuego y Juego de cartas, Joaquín Rodrigo, Concierto de Aranjuez, Tomás Marco, Kurt Weill, Alberto Ginastera, Nino Rota, Éduard Lalo, entre otros.

La Orquesta Ciudad de Granada tiene en su haber numerosas distinciones como la Medalla de Honor de la Real Academia de Bellas Artes de GraAndrea Marcon nada, el Premio Andalucía de Cultura “Manuel de Falla” (Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía), el Premio Andalucía de la Música (Asociación de Empresas Discográficas de Andalucía), la Medalla de Honor del Festival Internacional de Música y Danza de Granada, y la reciente distinción especial Bandera de Andalucía 2015 (XXXV Aniversario Día de Andalucía).

S. M. La Reina Doña Sofía Presidencia de Honor Andrea Marcon Director artístico Harry Christophers Principal director invitado

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Cuerdas Knobloch

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resentamos las magníficas cuerdas para guitarra Knobloch fabricadas en España. Estas cuerdas fomentan la expresión musical del guitarrista, aportando más seguridad y comodidad en la interpretación. Una producción limitada de cuerdas hace posible un mayor control y una mayor calidad. Paralelamente, la investigación con nuevos materiales y nuevas técnicas en busca de mejor sonido es constante. La pasión compartida de músicos y luthiers permite fabricar productos específicos adaptados a las necesidades individuales, evolucionando hacia nuevas formas de entender y hacer vivir la música.

Las cuerdas Knobloch Actives ofrecen un amplio abanico de colores y un gran volumen sonoro gracias a la utilización de materiales nobles. Una extrema facilidad en el toque y buen vibrato. Su perfecto equilibrio hace que no se note la tensión de las cuerdas. Además, destacan por una gran resistencia y durabilidad para el toque intensivo gracias a la selección y control de materiales de alta calidad.

Las cuerdas Double Silver Q.Z. En nuestra búsqueda para los amantes del nylon hemos adaptado y equilibrado los bajos Q.Z. con la nueva generación de primas Q.Z. más finas y dulces. El resultado es un volumen y unos diámetros de cuerdas equilibrados entre sí, facilitando un sonido general redondo y fino. Disponibles en tensión media, alta y media/alta.

Las cuerdas Double Silver C.X constituyen una referencia y un clásico entre las cuerdas de nueva generación por su sonido brillante, potente y cálido. El equilibrio perfecto entre el sonido vigoroso y profundo de los bajos con las primas C.X. de gran proyección hace que éste sea el juego con más volumen sonoro. Disponibles en tensión media, alta y media/alta.

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VALLÈS TRADE

Las cuerdas Special Nylon gracias al ma­yor grosor y la especificidad del material (diámetro) de las primas Special Nylon permiten un sonido redondo y dulce. Combinadas con los bajos Double Silver C.X. favorecen un toque suave, fácil y preciso.

El resultado es un sonido tradicional, con una afinación perfecta, que no pierde volumen sonoro.

El entorchado de los bajos Knobloch Actives se realiza a temperatura controlada mediante un alambre constituido por una aleación de cobre puro de la mejor calidad bañado en un porcentaje elevado en plata. El alma está compuesta de composite multifilamento.

Los bajos Knobloch Actives Sterling Silver son exclusivas cuerdas de material noble.

La plata de gran pureza dulcifica y prolonga el sonido, favoreciendo la delicadeza y emotividad en la interpretación del guitarrista. Además, gracias a la plata esterlina, presentan una inmejorable durabilidad. Este juego además, destaca por un sonido con mucho cuerpo y una gran capacidad sonora, lo que las hace especiales para grabaciones de estudio y directo.

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Los bajos Knobloch Actives Sterling Silver combinados con las primas nylon Q.Z. permiten tener un toque muy suave, con un sonido dulce y equilibrado con mucho cuerpo. La afinación se mantiene y es perfecta en cualquier posición, la vibración es continua e inmejorable.

Este juego proyecta una potencia y dulzura en los bajos de plata esterlina resaltando la brillantez y el volumen de las primas C.X. La gran densidad de los materiales utilizados para su fabricación permite crear una cuerda de diámetro finísimo. La afinación se mantiene y es perfecta en cualquier posición, la vibración es inmejorable y continua.

El entorchado de los bajos Knobloch Actives Sterling Silver se realiza a temperatura controlada mediante un alambre constituido de plata pura esterlina con un pequeño porcentaje de cobre para que sea maleable. El alma está compuesta de composite multifilamento.

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Arcos CodaBow

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os maravillosos arcos de fibra de carbono de Coda Bow han incorporado la tecnología Global Design en su proceso de fabricación, asegurando que los arcos no incorporan materiales provenientes de fauna o flora que esté en peligro de extinción o que tengan su producción y distribución bajo control como pueden ser el ébano o el nácar, permitiéndoles circular libremente por todas las aduanas internacionales. Elaborados con productos tan avanzados como el Xebony, estos novedosos diseños no tienen rival en su rendimiento y fiabilidad. Los distintos modelos son:

arqueteros master y de las mejoras tecnológicas fruto de avanzadas investigaciones.

Los magníficos modelos SX y GX han obtenido medallas de plata y oro respectivamente en la categoría de instrumentos comerciales en el certamen de fabricantes internacionales que tuvo lugar en Moscou. Ésta competición internacional atrae a los mejores fabricantes de arcos y de instrumentos de todo el mundo. El jurado, compuesto por músicos y fabricantes reconocidos a nivel mundial, evalúa los instrumentos valorando el rendimiento y la calidad de la artesanía. Disponibles para violín, viola y cello.

Prodigy

Luma

Fiel a su nombre, el Prodigy ofrece un rendimiento espectacular. Ingeniería de precisión para proporcionar características profesionales a un precio pre-profesional. Gracias a su gran equilibrio dinámico ofrece una agilidad fuera de lo habitual en arcos de esta gama de precio solo reservada a los arcos de alta gama, permitiendo a los músicos menos expertos encontrar un confort excepcional. Disponible para violín, viola y cello.

La última incorporación a la familia de arcos de fibra de carbono de Coda Bow. Inspirado en los históricos modelos de Voirin, Lamy y Thomassin comparte la riqueza tonal y el brillo de estos arcos clásicos. Este modelo es un tributo a los arqueteros históricos y un testamento para los modernos.

Este arco ofrece un tacto muy ligero y una rápida respuesta gracias a su reducido peso de 58 gramos, a la vez que un sonido muy estratificado. Ideal para una amplia gama de estilos desde el Jazz al Clásico. Disponible para violín, viola y cello.

Diamond Collection La gama de arcos Diamond está compuesta por los tres magníficos modelos NX, SX y GX. Los arcos de la Diamond Collection han sido diseñados gracias a la unión del tradicional conocimiento de

Diamond

Luma

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Joule El más innovador de todos los diseños CodaBow, el JOULE, consigue rendimientos sorprendentes que con materiales tradicionales serían inalcanzables. El equipo de diseño de CodaBow, compuesto por músicos profesionales, maestros arqueteros y destacados científicos, concibió originalmente el JOULE para superar los retos de rendimiento que presentan los instrumentos de más de 4 cuerdas, “Extended Range”. El diseño del JOULE permite mantener la potencia en las notas más graves y al mismo tiempo afinar en el color y matices en las más agudas. Para el deleite de los músicos de instrumentos tradicionales, las ventajas del JOULE son, tan convincentes con los instrumentos acústicos de 4 cuerdas como con los instrumentos “Extended Range”. Además, apreciarán que el JOULE mejora el sonido en la mayoría de instrumentos.

La nueva tecnología Graphite Diamond Weave del JOULE, contribuye al necesario equilibrio entre la fuerza y la flexibilidad. El núcleo del arco, fabricado en composite de fibras de alta tecnología, infunde una sensibilidad natural y orgánica a ese novedoso diseño. El diseño innovador de la nuez, aumenta la longitud de uso de la encerdadura

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Joule

Infinity

(unos 5 mm) preservando al mismo tiempo la posición del pulgar y el equilibrio dinámico. Este concepto fomenta más los graves, mientras que permite un mejor control en el ataque. Las principales características en el diseño JOULE que lo hacen único son que se transfiere la masa de la nuez al eje y se alarga la encerdadura (5 mm aprox) lo que permite un ataque más potente y directo. Este modelo ha sido galardonado con la medalla de bronce en el certamen internacional de Moscou. Disponible para violín, viola y cello.

Revelation El diseño del modelo Revelation ofrece un rendimiento de primera calidad. La uniformidad estética en la arquitectura del grafito desde la punta hasta la nuez, se hace notoria tanto en la suavidad de tacto que ofrece como en el sólido resultante. Ideal para tocar en orquesta. Disponible para contrabajo.

Infinity El modelo Infinity está enfocado para los músicos solistas, ya que ofrece una infinita posibilidad de opciones y matices. La vara fuerte y equilibrada permite desbloquear y proyectar el sonido desde el interior del instrumento. El innovador diseño de la nuez ofrece un mayor control y una respuesta más inmediata. Disponible para contrabajo.

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D’Addario da la bienvenida a la familia de artistas a…

Oriol Saña Natural de Granollers empieza sus estudios de violín en el conservatorio Josep Maria Ruera de Granollers con el profesor Emilio Moreno, formación que continuará en Barcelona con el profesor Sergio Prieto y en el Conservatorio Profesional de Terrassa dónde obtendrá el título de Grado Medio.

Becado por varias entidades entre ellas, Rotary Club y Berklee College of Music se traslada a Estados Unidos para ampliar estudios en la Universidad de Berklee College of Music (Boston), donde se gradúa Cum Laude en la especialidad de Performance en Jazz y técnicas de improvisación para instrumentos de cuerda. Allí estudia con Matt Glaser, Mimi Robson, Jhon Blake, Darol Anger y Marc O’Connor.

Martin Leiton Para Martin Leiton, el bajo eléctrico y el contrabajo son dos aspectos de sí mismo y de su facilidad para conseguir lo apropiado, con los medios apropiados, en cada momento. En sus propias palabras busco un sonido que encaje bien en cada mezcla.

Su faceta de compositor y arreglista, le proporciona quizá una perspectiva más amplia sobre la función

Diego Galaz Diego Galaz nace en Burgos en 1976.

Comienza sus estudios de música clásica a la temprana edad de 6 años, teniendo como maestro al compositor Alejandro Yagüe. Culminará esta etapa recibiendo clases de mano de la prestigiosa violinista Isabel Vilá, con la que estudiará durante más de 6 años. Pronto comienza a tomar contacto con diversas formaciones musicales de su ciudad (música folk, flamenco, pop, rock, diversos cantautores,...). En el verano de 1996, Diego Galaz se traslada a Madrid.

Paralelamente a su formación académica ( armonía moderna, guitarra y composición en la escuela musical IMT), empezará a formar parte de distintas bandas madrileñas de diversos estilos musicales. En 1997 comienza a formar parte de la banda La Cabra Mecánica.

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LETUSA S.A.

Realiza estudios complementarios de dirección de orquesta (The Boston Conservatory), dirección de bandas sonoras de películas, composición, arreglos y producción en Nashville (Tennesse) en los estudios de Warner Brothers. Más tarde estudia en Paris en Le Centre des Musiques Didier Lockwood con los violinistas Didier Lockwood y Johan Renard. Obtiene más tarde el Título Superior de Música en Jazz y Música Moderna en l’Escola Superior de Música de Catalunya (ESMUC) y un Master Oficial en Musicología y Didáctica de la Música, en la Universitat Autònoma de Barcelona (UAB). Actualmente está finalizando sus estudios de Doctorado en Historia del Arte y Musicología (noviembre 2012) en la Universitat Autónoma de Barcelona (UAB) con el título de tesis: ¿Y si el jazz te solucionara los problemas? de su instrumento, y su reflexión constante sobre la interacción entre el público y los músicos promete un futuro de resultados reveladores, más allá de su sólidamente establecida carrera profesional. Por eso su opción por los amplificadores Aguilar, además de por su sonido, tiene el sentido práctico adicional de su portabilidad y su presencia habitual en los backlines de todo el mundo. En el caso de las cuerdas de contrabajo, Martin ha experimentado con toda suerte de soluciones esotéricas,

para acabar encontrando en las D’Addario Zyex una opción ganadora por su calidad y sonido. La amplia disponibilidad de dichas cuerdas es también un plus cuando se hacen actuaciones con instrumento alquilado (nunca es fácil subir tu propio contrabajo a un avión).

Sus colaboraciones en giras y grabaciones con grupos y solistas son numerosas: Kroke, Marta Sebestyen, Kepa Junkera, Carlos Nuñez, Alasdair Fraser, Jorge Drexler, Pedro Guerra, Joaquín Sabina, La musgaña, Javier Paxariño, Eliseo Parra,Leo Minax, Nacho

Mastretta, Ismael Serrano, Revólver, Joaquín Díaz, Celtas Cortos, Pepe de Lucía, Malcom Scarpa,Marful,Tito Losavio, Flavia, M-Clan, Luis Pastor, Rosana, Pasión Vega, Estrella Morente, Issa Light (Canadá), Mikel Erentxun, Ibérica de Danza, Luis Delgado, Cristina Pato, Ella baila sola, Los Lunáticos, Sergio Dalma, Tam tam go, Sophie Dunér( Suecia), Melendi, Javier Coble, Pastora, Rosa López, Chenoa, Nacho Campillo, La cabra mecánica, Beth, Coque Malla, Manu Tenorio, J. Luis Montón, Los Marañones, Los Peces, Joaquín Ruiz, El sueño de morfeo, Los Lunes, Eduardo Laguillo, Olga Ramos, Victoria Abril, Fran Perea, Edith Marquez (México), Tontxu, David Broza, Mónica Molina, Kiko Tovar, Kelvys, Cristina del Valle, Pedro Andrea, Merche Corisco, Gisela, Nómadas, Natalia, Marta Botía y un largo etcétera.

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El acierto de sus enfoques queda demostrado en la calidad de los trabajos en que vemos a Martin —actualmente de gira con Jorge Drexler— tanto como componente de Seward (uno de los grupos más interesantes del panorama independiente barcelonés), como en sus trabajos en solitario y en trío, o en colaboraciones con grandes del Jazz como Perico Sambeat.

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Sistema de humidificación y acondicionamiento Two-Way

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os paquetes del Sistema de Humidificación y Acondicionamiento TwoWay son la última incorporación a la línea de humificación D’Addario. El complemento perfecto para los humidificadores Two-Way, los paquetes acondicionadores fijan una humedad relativa (RH) del 75 %, ayudan a llegar rápidamente a las guitarras extremadamente secas y estuches hasta niveles de humedad relativa.

Una vez que el instrumento y el estuche está en el nivel de humedad adecuado, el instrumento se puede cambiar a los paquetes estándar en la línea de D’Addario.

Contiene 3 paquetes (1 pala / 2 boca)

• Paquetes con 75% RH • Los paquetes se pueden usar con las

bolsas incluidas en el Two Way Humidification Kit

• Perfectos para restaurar guitarras secas al punto de equilibrio

D’Addario presenta Kaplan Vivo y Amo

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’Addario presenta Kaplan Vivo y Amo, cuerdas de violín diseñadas para combinar la riqueza de la tripa con la proyección de los sintéticos. Ahora, los intérpretes más refinados pueden descubrir nuevas dimensiones en su sonido, mientras que tienen mayor control sobre su voz musical. Esta es una nueva era de la música clásica. Sé parte de ella. Con Kaplan, el movimiento comienza ahora.

Kaplan Amo ofrece calidez, riqueza y flexibilidad para los instrumentos más brillantes, mientras que Kaplan Vivo entrega brillantez, claridad y un tacto sólido para los instrumentos más oscuros. Ambos juegos se asientan rápidamente, exhibiendo una rica paleta de colores tonal y una excelente respuesta de arco.

D’Addario Kaplan packaging updates

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n 2015, las cuerdas Kaplan para viola, cello y contrabajo mostrarán un hermoso nuevo aspecto, como el aspecto de nuestras cuerdas de violín Kaplan Amo y Vivo. Con un maravilloso acabado suave al tacto y una fotografía impresionante, esta maravillosa actualización del embalaje evoca el sonido profesional y tacto que los intérpretes han llegado a conocer a partir de cuerdas Kaplan. Además, nuestras cajas de juegos de violonchelo y contrabajo ahora cuentan con una funda añadida para fortalecer y proteger mejor sus juegos de cuerdas.

Violín

Viola

Cello

Contrabajo

Embalaje anterior

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Embalaje nuevo

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D’Addario Pro-Arte Classical halfsets

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’Addario se complace en anunciar la ampliación de nuestra oferta de cuerdas de guitarra clásica para incluir una selección completa de Mediosjuegos Pro-Arte Classical Halfsets. Para satisfacer las demandas cambiantes de los guitarristas clásicos de todo el mundo, D’Addario ofrece una variedad de mediosjuegos de triples y bordones. Ahora los músicos pueden mezclar y combinar diferentes materiales, tensiones y calibres para personalizar la selección de sus cuerdas a las que mejor se adapten a su estilo de interpretación e instrumento.

Triples Pro-Arte Treble Halfsets Disponibles en:

Graves Pro-Arte Bass Halfsets Disponibles en:

• Clear Nylon • Clear Nylon con Cuerda G (Sol)

• Silver Plated Copper con núcleo de Composite

• Lightly Polished Silver Plated Copper

Composite

• • • •

con núcleo de Composite

Black Nylon

• EXP Coated Silver Plated Copper con

Rectified Nylon

núcleo de Composite

T2 Titanium Nylon

• Semi-Polished Silver Plated Copper

Carbon

»» Cuerdas G Carbon con cuerda E Clear Nylon

»» Cuerdas G/B Carbon con cuerda E Clear

con núcleo de Composite

• 80/20 Bronze con núcleo de Nylon • Dynacore–Silver Plated Copper con

Nylon

TREBLE HALF SETS – CLEAR NYLON

RECTIFIED NYLON

CNA-3T

½ SET CLAS GTR CLR NYL ALTO

RNM-3T

½ SET CLAS GTR RECT NYL MOD

CNL-3T

½ SET CLAS GTR CLR NYL LIGHT

RNN-3T

½ SET CLAS GTR RECT NYL NORM

CNN-3T

½ SET CLAS GTR CLR NYL NORM

RNH-3T

½ SET CLAS GTR RECT NYL HARD

CNH-3T

½ SET CLAS GTR CLR NYL HARD

CNX-3T

½ SET CLAS GTR CLR NYL XHARD

CLEAR NYLON W/ COMPOSITE G CGN-3T

½ SET CLAS GTR CMP NYL NORM

CGH-3T

½ SET CLAS GTR CMP NYL HARD

CGX-3T

½ SET CLAS GTR CMP NYL XHARD

BLACK NYLON

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núcleo trenzado de Composite

BNN-3T

½ SET CLAS GTR BLK NYL NORM

BNH-3T

½ SET CLAS GTR BLK NYL HARD

LETUSA S.A.

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T2 TITANIUM TNN-3T

½ SET CLAS GTR T2 NYL NORM

TNH-3T

½ SET CLAS GTR T2 NYL HARD

TNX-3T

½ SET CLAS GTR T2 NYL XHARD

CARBON CBN-3T

½ SET CLAS GTR CBN NYL NORM

CBH-3T

½ SET CLAS GTR CBN NYL HARD

HYBRID CARBON HGN-3T

½ SET CLAS GTR HYB G NORM

HBN-3T

½ SET CLAS GTR HYB G/B NORM

HGH-3T

½ SET CLAS GTR HYB G HARD

HBH-3T

½ SET CLAS GTR HYB G/B HARD

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Las pruebas de orquesta Un verdadero reto para el cuerpo y para la mente

C

ómo plantear la preparación de unas pruebas de orquesta. Cómo conseguir que salgan con precisión y seguridad pasajes como el conocido de Don Juan de R. Strauss, el solo de flauta de Pedro y el Lobo de S. Prokofiev, o el aparentemente apacible solo de clarinete del primer tiempo de la sinfonía Pastoral de Beethoven. Son muchos los músicos que se formulan esta pregunta y lo hacen a partir de experiencias que no han resultado del todo satisfactorias. La discrepancia entre lo bien que lo pueden hacer en condiciones tranquilas y lo que realmente sucede ante un tribunal es enorme, y eso genera una considerable frustración. La sensación de impotencia resulta entonces considerable. Como dice la escritora Maya Angelou, “No hay mayor dolor que el que lleva una historia no contada dentro de sí mismo.”

El mayor anhelo de cualquier instrumentista que se presenta a unas pruebas de orquesta consiste en que su rendimiento allí sea igual o superior al que puede dar en su lugar de estudio habitual. Las considerables horas de estudio que como en un iceberg se esconden bajo sus pies, cobran sentido cuando producen el efecto deseado. Es decir, cuando el candidato a ocupar un puesto en una orquesta se ve capaz de cumplir con sus objetivos musicales delante de un jurado.

De qué forma podemos por tanto incidir positivamente en la preparación de unas pruebas de estas características.

Estudio eficaz

Los elementos clave del estudio eficaz quedan representados por mantener en las sesiones de estudio un claro foco de atención, una inteligente fijación de objetivos, el compromiso por alcanzar esos objetivos, una inteligente y flexible capacidad de resolver las dificultades que se presentan, y un claro criterio de calidad que sirva de guía en todo momento del proceso de preparación de una prueba.

A pesar de que la repetición es imprescindible para alcanzar el dominio tanto técnico como expresivo, muy a menudo repetir una y otra vez se convierte en la una única carta a la que apostamos para conseguir buenos resultados. El cellista Gerhard Mantel en su libro Einfach Üben lo denomina el “enfoque de la esperanza”.

Confiamos que repitiendo una y otra vez el pasaje que se nos atraganta acabará saliendo. Sin embargo, estudiar más eficazmente consiste en incluir en nuestro trabajo una aproximación más analítica y creativa.

La precisión y delicadeza de pasajes que suelen aparecer en pruebas de orquesta como el de El sueño de una noche de verano de Mendelssohn, requieren de un exigente trabajo de sincronización y limpieza. El control de los elementos que intervienen en su producción debe ser milimétrico y al mismo tiempo realizado con naturalidad, sin ejercer para conseguirlo un control rígido. Cuerpo y mente deben de trabajar siempre en buena sintonía. Una de las claves de una buena preparación consiste además en tener presente durante la práctica, que el destino definitivo del pasaje es el lugar en el que se realicen las pruebas. Si pretendemos conseguir en ese escenario un resultado satisfactorio, necesitamos dejar durante las sesiones de estudio abundantes semillas de un funcionamiento mental y corporal excepcional.

Preparación psicológica y corporal Las pruebas de orquesta representan un verdadero reto y una exigencia personal al más alto nivel, ya sea para estudiantes que pretenden a entrar en la JONDE, o bien para los aspirantes a una orquesta profesional. Si bien el estudio eficaz de los pasajes orquestales y de las obras obligatorias es esencial para conseguir el éxito, la ardua preparación de este tipo de pruebas impide a menudo darnos cuenta de algo obvio. Las condiciones que se dan en la prueba distan mucho de las existentes cuando el candidato está estudiando en su casa. Aspectos como la acústica, la iluminación o la presencia de evaluadores, junto al peso de la responsabilidad que se

En primer lugar es necesario realizar una buena preparación instrumental que incremente el grado de confianza en nuestras posibilidades. El material que va a ser evaluado necesita estar conveniente y suficientemente trabajado. Como comenta el pianista y director Vladimir Ashkenazy, “si estoy estudiando una sonata de Beethoven, la sonata tiene que llegar a formar parte de mi sistema motor, por así decirlo, de manera que no necesito pensar a dónde va mi dedo.

Necesita llegar a ser una parte orgánica de mí mismo, y eso lleva mucho tiempo”.

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AMPOS

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vive con mayor intensidad en el momento, llevan a la aparición de considerables interferencias que inciden en una disminución del control. La tensión muscular aumenta, las manos tiemblan, la garganta se seca y los pensamientos amenazantes se disparan convirtiéndose en el peor enemigo.

Cuerpo y mente deben de trabajar siempre en buena sintonía. Una de las claves de una buena preparación consiste además en tener presente durante la práctica, que el destino definitivo del pasaje es el lugar en el que se realicen las pruebas.

La duración además de las pruebas de orquesta es muy breve. La mayoría de las veces no se consigue llegar ni a la reexposición en el concierto obligado, con lo que para cuando el músico quiere reaccionar ya es el turno del siguiente candidato. Un dato anecdótico e ilustrativo es que el compositor finlandés Jean Sibelius sufría un enorme miedo escénico. Cuando en cierta ocasión hizo una audición con el fin de optar por una plaza de violinista en la Orquesta Filarmónica de Viena, el jurado lo consideró

AMPOS

demasiado nervioso para ser un músico de orquesta, y le denegó su entrada. Una buena preparación psicológica para este tipo de situaciones incluye por tanto contar con que es necesario aprender a manejar la presión que implica jugárselo todo en tan sólo 2 ó 3 minutos. La mente del músico tiene que contar con las herramientas que le permitan blindarse a las amenazas que le impiden rendir a un nivel óptimo.

La simulación de la situación en la que se va a tener lugar la prueba representa un recurso inestimable en cuanto a esta parte de la preparación. Familiarizarse con los imprevistos que puedan surgir y reconducir la atención a la tarea musical continuamente puede ser practicado de diversas formas con el propósito de llegar a la prueba en mejores condiciones. En este contexto conviene no olvidar la importancia que tiene el control corporal. Mimi Zweig, la reconocida profesora de violín en la Universidad de Indiana considera que “tocar con movimientos libres que han sido practicados al estudiar y son transferidos al escenario representa una gran ayuda al tocar en público.” Si durante el estudio desarrollamos la capacidad de liberar el cuerpo de tensiones innecesarias, después será más factible conseguir un control fluido de nosotros mismos en situaciones de presión.

A modo de conclusión, si pretendemos aspirar a obtener el mejor rendimiento en las pruebas de orquesta, resulta aconsejable plantear su preparación en un doble

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nivel. En primer lugar, el estudio eficaz y suficiente del material que vamos a tocar nos aportará confianza y seguridad. En paralelo, la preparación psicológica y corporal nos permitirá acercarnos a nuestro verdadero potencial de ejecución gracias a vernos capaces de minimizar el número de interferencias que tienden a aparecer bajo presión. El reto no es fácil, pero el esfuerzo requerido puede albergar grandes recompensas.

Recomendación bibliográfica Si quieres profundizar en el tema de la preparación de las actuaciones puedes hacerlo con el libro del autor de este artículo Cómo preparar con éxito un concierto o audición de la colección Ma non troppo de la editorial Redbook. Este libro da a conocer investigaciones contrastadas y experiencias de músicos relevantes en relación con la preparación de las actuaciones.

Su contenido muestra aquellos aspectos psicológicos y físicos que pueden optimizarse con la comprensión y la práctica, y dan como resultado un mejor rendimiento en el escenario.

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Rafael García Martínez

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D’Addario Practice Grip

A

hora ya es posible ejercitar tu fuerza, precisión y agilidad con el nuevo Practice Grip sin necesidad de tu instrumento. El artículo que desearán todos los instrumentistas de viento.

Practice Grip D’Addario nos presenta el artículo que desearán todos los instrumentistas de viento.

Ahora ya es posible ejercitar tu fuerza, precisión y agilidad con el nuevo Practice Grip sin necesidad de tu instrumento. Es ideal para complementar con el estudio y prevenir lesiones, ya que reforzamos nuestra musculatura.

Con Practice Grip incrementaremos el rendimiento de nuestras manos y de esta manera podremos adquirir una técnica aún más precisa y depurada.

Detalles

• Ejercitador de bolsillo, manos y dedos • Ideal para instrumentistas de viento madera y metal.

Puedes verlo en acción en: https://youtu.be/UOC393bTY-A

• Diseñado con una tensión para ejer-

citar de una forma saludable. Aumentaremos la fuerza, independencia, velocidad y agilidad de los dedos

• Resistencia ajustable en cada pistón.

• Se puede personalizar para diferentes preferencias y ejercicios.

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MUSIC DISTRIBUCIÓN S.A.

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Nueva boquilla X25E

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s presentamos el nuevo modelo de boquilla X25E de la revolucionaria línea Reserve de D’Addario Woodwinds. Así como los primeros modelos X10E y X15E se pensaron en una línea más europea y que ayudaba a conseguir un sonido muy definido y directo, algo que gustó en los estudiantes de Grado Elemental y Medio.

Nuestros profesionales necesitaban ese punto tan característico de la escuela española, sonido oscuro y aterciopelado que tan buenos resultados está obteniendo en concursos y orquestas europeas.

Con esta boquilla han conseguido encontrar el equilibrio perfecto. Nos presentan una boquilla abierta que permite una gran columna de aire, sonido centrado, más aterciopelado y oscuro así como facilidad de emisión y versatilidad. Sin duda la nueva boquilla que todos querrán tener.

El hecho de ser fresado (el material se elimina de un cuerpo de caucho inicial) y no modelar (el material se inyecta en un molde) elimina gran cantidad de variables entre productos de la misma serie garantizando la máxima uniformidad en la producción. El material utilizado es caucho de la más alta calidad y ha sido seleccionado después de una exhaustiva búsqueda por todo el mundo. Actualmente esta consistente mezcla es propiedad de D’Addario en exclusiva.

Fresado no modelado

Características

Elaboradas mediante un proceso de torneado y no moldeado, las boquillas Reserve muestran una gran consistencia y un sonido rico y homogéneo en todo el registro del clarinete.

Una afinación precisa, un sonido aterciopelado capaz de traspasar una gran orquesta y un sonido homogéneo en todos los registros: finalmente se puede tener todo en una sola boquilla. Fabricadas en U.S.A, las

D’Addario lo ha logrado con la X25E!

Boquillas

XO (A=441)

Caña recomendada

RICO

Principiante Intermedio

X10 (A=441)

X10E (A=442)

RICO

Reserve Classic

RICO

Reserve Classic

RICO

3, 3.5

2.5, 3

2.5, 3

2, 2.5

2, 2.5, 3

2, 2.5

4

3.5, 3.5+

3.5, 4

3, 3.5

3, 3.5

2.5, 3

3.5+, 4, 4+, 4.5

Avanzado Marca

X5 (A=441)

Reserve Classic

3.5, 3.5+, 4, 4+

boquillas Reserve aúnan un diseño vintage con la tecnología más precisa para proporcionar al músico el equilibrio perfecto entre un extraordinario sonido y una experiencia única y estimulante. Materiales de mayor calidad, un mayor control en el aire, la atención a cada detalle y la capacidad de crear un espectro de colores en el sonido son algunas de razón que han llevado a D’Addario a inspirarse en las boquillas de los años 20. Las boquillas reserve ofrecen un diseño de gran belleza, pero donde más se aprecia su calidad es en su interior. El diseño de la cámara ofrece un sonido centrado y con una gran flexibilidad dinámica.

Posible gracias a la tecnología Los productos revolucionarios requieren una tecnología revolucionaria, y las boquillas Reserve no son una excepción. Mediante tecnología TAC se analizaron gran cantidad de boquillas vintage con el fin de recoger sus mejores características. El maestro artesano de boquillas Lee Livengood jugó un papel clave en la producción ayudando al equipo de ingeniería de D’Addario a perfeccionar el diseño.

Su forma es fruto de miles de prototipos anteriores.

X15E (A=442)

X25E (A=442)

Reserve Classic

RICO

Reserve Classic

RICO

2, 2.5

2

2, 2.5

2, 2.5

2, 2.5

2

3, 3.5

2.5, 3

3, 3.5

2.5, 3

2.5, 3

2.5, 3

3, 3.5, 3.5+, 4

3.5, 3.5+, 4

3, 3.5, 3.5+, 4

Reserve Classic

3, 3.5, 3.5+

<––––––– Requiere cañas más duras –––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– Requiere cañas más blandas –––––––>

Reserve

XO (A=441)

X5 (A=441)

X10 (A=441)

X10E (A=442)

Vandoren

M13 / M13 Lyre

M15

5RV Lyre

5RV

M30 Lyre

B40 Lyre

M30

B40

B45 Lyre/ B45

Backun

CRT

LRT

TRT

ORT

P1.10

PRT+

ORT+

PRT/ART2

ART

2L

3L

4L

B2

B1

Fobes

CF/CWF

Debut/CF+

2M

Gigliotti

P34

2

3

4

Hawkings

B 41

PR

41J

S2/02

A2/S3/04

Hite Lomax

A1

A3

A3+

S4

A4 M1

Pomarico

X25E (A=442)

R

Play Easy Emerald

Nigun

Selmer

B

B*

C/C*/Focus

Smith

1*

1+

1++

4C

2M

Yamaha

BD5

X15E (A=442)

MUSIC DISTRIBUCIÓN S.A.

Ruby

AM

Sapphire

B3 Diamond

Concept CH1 5C

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IMC Series

Nueva colección de fundas para instrumentos de viento

O

rtolá nos presenta la nueva colección en fundas para instrumentos de viento IMC Series. Está inspirada en los músicos más jóvenes por su diseño moderno y su toque de color. La serie la componen fundas para trompeta, fliscorno, saxo alto, saxo tenor, saxo soprano, trombón tenor y dos fundas para instrumentos de cuerda y percusión como son el banjo y la caja banda.

Las fundas de esta nueva serie están fabricadas en poliéster negro y puede ir combinadas con detalles en azul, rojo, beis y fucsia dependiendo del modelo. El interior está forrado en terciopelo negro. Cuenta con un acolchado de 20 mm de polietileno que ofrece más rigidez y el doble de protección que el acolchado tradicional.

Disponen de mochilas fijas acolchadas, asas con manopla, bolsillo exterior con

capacidad para partituras dependiendo del modelo y bolsillo interior de rejilla.

Además, disponen de fundas para boquilla fabricadas en terciopelo y con cierre de cordón. Por la ligereza en su peso y la protección que ofrece el polietileno es una buena opción a elegir frente a un estuche. A continuación les ofrecemos una relación detallada de las fundas que componen esta serie:

Saxo Soprano 162 IMC. Medidas: 69 × 11 × 9 cm. Peso: 0,83 Kg.

Saxo Alto 159 IMC. Medidas: 56 × 20 × 9 cm. Peso: 0,82 Kg.

Saxo Tenor 158 IMC. Medidas: 71 × 23 × 10 cm. Peso: 1,14 Kg.

Trompeta 109 IMC. Medidas: 50 × 14 × 10 cm. Peso: 0,73 Kg.

Dos trompetas 156 IMC. Medidas: 53,5 × 27 × 17 cm. Peso: 1,27 Kg.

Tres trompetas 157 IMC. Medidas: 51 × 31 × 17 cm. Peso: 1,43 Kg.

Trombón 155 IMC. Medidas: 81 × 21 × 21 cm. Peso: 2,11 Kg.

Caja 14 × 6,5” IMC. Peso: 0,78 Kg.

Fliscorno 163 IMC. Medidas: 41,5 × 24 × 13,5 cm. Peso: 0,8 Kg.

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ORTOLÁ

www.ortola-sa.es

ortola@ortola-sa.es

Banjo IMC. Medidas: 100 × 38 × 5 cm. Peso: 1,26 Kg.

Tel.: 962 250 313

Kirlin Cables

Nuevos cables BlueLine y Premium Coil IMK

D

esde 2009, Ortolá es distribuidor de la marca de cables Kirlin en España y Portugal. Los cables Kirlin destacan tanto por su sonido como por su presentación. Esta marca trata de poner más personalidad y carácter en sus productos y esperan que ellos puedan elevar la presencia escénica de los músicos que los utilizan. Cuentan con cables de múltiples colores, cables con revestimiento tejido, y por supuesto, los clásicos cables negros que ofrece todo fabricante.

Cable BLI-201WFG

En Ortolá disponen de una amplia gama de productos Kirlin. El año pasado incorporaron nuevos cables para instrumentos de la serie Premium Plus IWB y este año han ido más allá con una explosión de colores al introducir cables de la serie BlueLine y de la serie Premium Coil IMK, que por su diseño y color no pasan indiferentes a la vista del músico y mejoran en cuanto a sonido se refiere.

En la serie BlueLine se emplea una distintiva terminación mate en un azul luminoso para el revestimento PVC y los conectores blancos. Esta serie emplea el mismo diseño estructural que la serie Premium Plus: un conductor central OFC calibre 20 y blindaje trenzado con un 95% de cobertura, lo cual es suficiente como para bloquear cualquier interferencia en la señal.

La serie Premium Coil IMK son cables enrulados para instrumento. Esta forma le brinda mayor carácter, además de atraer más la atención. El recubrimiento de PVC transparente lo hace más espectacular, ya que las luces pasan a través de él, realzando así su presencia. Durante su fabricación se tiene muy en cuenta el tipo de tono que este cable produce, logrando un sonido más cálido y con graves más profundos. Muchos guitarristas y bajistas que gustan del sonido retro, encontrarán una excelente opción con este cable. Están disponibles en color rojo y verde.

Ya están a la venta en tiendas de música.

Para más información pueden visitar el sitio web de ORTOLÁ: www.ortola-sa.es

ORTOLÁ

Cable IMK-202 Rojo

Cable IMK-202 Verde

CÓDIGO

REFERENCIA

7063

BLI-201WFG-6M

Calibre del cable: 20AWG. Material conductor: OFC. Material aislamiento: PE. Protección: 95% trenzado. Material pantalla: TPOFC. Cubierta OD: 7 mm.

Material cubierta: PVC.

7064

IMK-202PFGL-10M

Calibre del cable: 20AWG. Material conductor: OFC. Material aislamiento: PE. Protección: 95% trenzado. Material pantalla: TPOFC. Cubierta OD: 7 mm.

Material cubierta: PVC.

www.ortola-sa.es

DESCRIPCIÓN

ortola@ortola-sa.es

Tel.: 962 250 313

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Novedades en accesorios de percusión

O

rtolá sigue diversificando su oferta en el segmento de la percusión de forma transcendente. Además de tener precios muy competitivos en todo tipo de fundas y estuches, también fabrica fundas a medida para cualquier instrumento.

Entre las últimas novedades para percusión que han presentado está el Estuche para baquetas y mazas de 8 compartimentos ref. 7089 pensado para profesionales de la percusión.

Este estuche ha sido diseñado siguiendo las necesidades que muchos músicos les han ido transmitiendo en los últimos años para conseguir mayor comodidad en sus actuaciones.

Por otro lado, han presentado otras novedades en percusión como la Maza de bombo/timbal ref. 02642 con la bola de fieltro y el mango con correa, las mazas de bombo ref. 02639 y ref. 02640 con la bola de fieltro y como novedad el mango en negro y mazas de campanólogo con la cabeza de nylon ref. 02596 y la con la cabeza de plástico ref. 02597.

Estas novedades y muchas más ya están a la venta en tiendas de música. Para más información pueden consultar en: www.ortola-sa.es

Está fabricado en poliéster plastificado negro, con el interior de velour negro y acolchado reforzado con madera. El interior se divide en 8 compartimentos acolchados de velour negro con la medida idónea para baquetas y mazas. Dispone de un bolsillo externo con capacidad para partituras, un asa de pvc y un velcro exterior en la parte posterior del estuche para enganchar la solapa y conseguir que el músico pueda coger sus mazas sin necesidad de abrir y cerrar en cada momento.

Este estuche lleva incorporado un sistema trolley para facilitar su transporte. Además, de las dos ruedas que completan el sistema de arrastre va equipado con dos tacos para su estabilidad. El estuche ha sido diseñado con las medidas necesarias para poder pasar como equipaje de mano. Sus medidas son 48 × 36 × 22 cm y su peso 3,5 Kg. Estuche ref 7089 Maza Campanólogo Nylon 02596

Maza 02642

Maza 02639 mango negro

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ORTOLÁ

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Maza Campanólogo Plástico 02597

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Liderazgo y músicos

E

l liderazgo en cualquier grupo humano es fundamental, el liderazgo convierte a un colectivo de personas, con un fin común, en un equipo. Además, el estilo de liderazgo influirá en la manera en la que funciona el equipo y especialmente en sus resultados.

competitiva. Esta disfunción entre el tipo de formación que reciben y el entorno en el que realizan su labor hace que existan gran cantidad de conflictos que podrían ser resueltos con una formación adecuada en la que se trabajaran específicamente las conductas adecuadas para funcionar en grupo.

En el mundo de la música encontramos ámbitos donde el liderazgo es fundamental para la consecución de los objetivos, la dirección artística de una orquesta, la dirección de un centro educativo, la gerencia de una orquesta, el puesto de solista de una sección, la jefatura de departamento en un conservatorio o el puesto de concertino en una orquesta.

Estamos viendo cómo se crea una nueva concienciación y sensibilización sobre la necesidad de renovar aspectos y criterios a valorar cuando se realizan procesos de selección para incorporar nuevos miembros, bien sea una orquesta, una banda o un centro educativo etc. Cada vez más nos damos cuenta que más allá de los aspectos técnicos que un nuevo miembro puede aportar al grupo, están otros como la actitud, el carácter y en definitiva la conducta.

La historia de la música nos enseña casos de músicos que han sido grandes líderes. Nos encontramos con directores de orquesta como Arturo Toscanini, Wilhelm Furtwangüler, H. von Karajan, Claudio Abado, con intérpretes como Félix Ayo con I MUSICI, Jordi Savall con la Fundación CIMA, Paco de Lucía, también con personas que ejercen el liderazgo desde puestos de organización y dirección estratégica casos como el de José Antonio Abreu con el movimiento de orquestas jóvenes en Venezuela o Paloma O’Shea desde su labor en proyectos como, Escuela Superior Reina Sofía, Fundación Albéniz o el concurso internacional de piano de Santander.

De una manera u otra estos líderes han empujado proyectos y ensembles que han conseguido resultados extraordinarios y otras muchas que de manera más discreta y anónima consiguen en cada concierto que su sección consiga estar a un gran nivel o que su centro educativo ofrezca un servicio educativo de gran calidad para el alumno. ¿Que es el liderazgo? una definición interesante es: “Liderazgo es el arte o proceso de influir en las personas para que se esfuercen voluntaria y entusiásticamente en el cumplimiento de metas grupales”.(1) Liderazgo significa visión, estímulo para los demás, entusiasmo, amor, confianza, vigor, pasión…

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el mayor nivel de descontento entre los miembros de la organización. Este estilo funciona cuando no hay necesidad de imponer una decisión, cuando la decisión no afectara al clima organizacional, por el hecho de no haber sido tomados en cuenta en la decisión tomada.

“Liderazgo es el arte o proceso de influir en las personas para que se esfuercen voluntaria y entusiásticamente en el cumplimiento de metas grupales” Estilo Democrático: El líder incorpora al grupo en la toma de decisiones, aunque el proceso en la toma final de la decisión puede variar desde que el líder tome la decisión hasta que le grupo llegue a un consenso. Este estilo es apreciado por el grupo, especialmente si ellos han sido utilizados anteriormente por un líder autocrático que les desagradaba. También es cierto que puede resultar problemático cuando hay un amplio rango de opiniones.

Existen diferentes estilos de liderazgo e innumerables estudios sobre estos, uno de los más interesantes fueron los realizados por Kurt Lewin Kurt Lewin en los que identificó tres diferentes estilos de liderazgo, en particular alrededor de la toma de decisiones.

Estilo Dejar Hacer “Laissez-Faire”: Se trata de minimizar la participación del líder en la toma de decisiones y permitir al grupo tomar sus propias decisiones y pero también, ser responsable de los resultados. Este estilo es viable, siempre y cuando, el grupo este muy motivado, capacitado, se haga responsable de sus decisiones.

Estilo Autocrático: El líder toma decisiones sin consultar con otros. Según los datos obtenidos por Lewin, este estilo causa

Los músicos por lo general trabajan mucho en grupo y por otra parte recibimos una educación muy individualista y

AMPOS

www.ampos.es

En la selección de personal de las empresas, ya hace décadas que tiene un peso específico fundamental las actitudes y habilidades de las personas candidatas a un puesto de trabajo. Cuando además, el perfil del puesto de trabajo es una posición de responsabilidad en un grupo, las características de liderazgo son prioritarias.

En el mundo de la música, ocupaciones como la gerencia de las orquestas, inspector de la orquesta, solista, dirección, etc., la persona de desempeña esas funciones debe poseer cualidades de liderazgo y mostrar habilidades sociales en su cometido.

Vemos muchos conflictos que se originan, y sobre todo se enquistan entre músicos porque los responsables de esa área donde surge el problema se inhiben de realizar alguna acción o la realizan de forma desfavorable para el grupo, lo que significa una falta de formación en estas áreas. Nadie está formado en todas las áreas, pero cuando se ocupa un puesto de responsabilidad con los demás, entonces formarse para desempeñar su cometido con eficacia es una obligación.

Estamos convencidos de que en el futuro, los procesos selectivos incluirán la valoración de todos estos aspectos psicológicos que tanto van a influir a medio y largo plazo en el grupo así como en la consecución de los objetivos colectivos. También entendemos que se demandará a los candidatos que estén formados en la gestión de otras personas, bien sea para liderar una institución entera o para liderar una sección instrumental.

Fco. Fermín Galduf. Coach.

Guillermo Dalia. Dr. en Psicología. www.coachingparamusicos.es

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Nueva junta directiva de AMPOS

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l pasado 14 de marzo se constituyó en la sede de AIE de Madrid la nueva Junta Directiva de AMPOS que cuenta con una amplia representación de las orquestas de distintas áreas geográficas de España. Con alguna renovación entre sus miembros, pretende dar continuidad a los proyectos iniciados en la anterior etapa. En su primera reunión se procedió a la designación de cargos:

Presidente: D. J. Valentín Centenero Orquestra Simfònica de Barcelona i Nacional de Catalunya

Vicepresidente: D. Salvador Barberá Orquesta Sinfónica de la RTVE (Madrid)

Secretario: D. Francisco Revert Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias (Oviedo)

Tesorera: Dña. Pilar Parreño Orquesta de Valencia

Vocal: D. David Morales Orquestra Simfònica del Gran Teatre del Liceu (Barcelona)

Vocal: D. David López Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia

Vocal: D. Iñaki Martín Real Orquesta Sinfónica de Sevilla

Vocal: D. Alejandro Salgueiro Orquesta Sinfónica de Galicia (A Coruña)

Vocal: D. Mario Telenti Euskadiko Orquestra Sinfonikoa (Donostia)

Vocal suplente: Dña. Laura Llorca Orquesta de Córdoba

Vocal suplente: D. Juan Antonio Martín Orquesta Sinfónica de Castilla y León (Valladolid)

Vocal suplente: D. Juan Antonio Miñana Orquesta Sinfónica de Tenerife

AMPOS

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• A CORUÑA

• MADRID (CONT.)

• CANARIAS

MAT GUITAR&BASS

Tomás Pérez, 14

Vía Carpetana, 173 – MADRID

Balance 52 (Polígono PISA)

Tel.: 937 554 121

LA OROTAVA – STA. CRUZ DE

Tel.: 914 220 722

MICROFUSA, S.L.

TENERIFE

MUSICAL PRINCESA

MUSICAL OROTAVA, S.L.

General Sanjurjo, 47 – A CORUÑA

Vía Sergia 86 – MATARÓ

Tel.: 981 287 463

MUSICAL GABALDÓN

Sepúlveda 134, Bajo derecha

Hiedra, 26 – VILLARROBLEDO

BARCELONA

UME EIXIMENIS

Tel.: 934 553 695

Tel.: 915 481 532

Tel.: 967 145 349

Calle Francesc Eiximenis,18 – GERONA

MUSICAL PRINCESA

• ALICANTE

ROCK & CLASSICS BARCELONA

AITANAMÚSICA, S.L.

Sepúlveda, 138 – BARCELONA

Manuel de Torres, 3 – ALMORADÍ

Tel.: 934 265 624

Tel.: 966 782 360

ROCK & CLASSICS IGUALADA

TANBUR

Santa Caterina, 21 – IGUALADA

Joaquín Coronel, 3 – ELDA

Tel.: 938 031 981

Tel.: 965 387 346 • ALMERÍA

ROCK & CLASSICS PRO-AUDIO Sepúlveda, 136 – BARCELONA

CASA DE MÚSICA RITMO

Tel.: 934 264 621

Guadarrama, 15 – ALMERÍA

ROCK & CLASSICS TERRASSA

Tel.: 950 268 779 • ASTURIAS MUSICAL MARCOS Avda. Colón, 12 – OVIEDO Tel.: 985 240 402 • BADAJOZ PROMÚSICA DE EXTREMADURA Marquesa de Pinares, 28 – MÉRIDA Tel.: 924 319 502 PROMUSICA DE EXTREMADURA Arturo Barea, 19 – BADAJOZ Tel.: 924 261 827 • BALEARES BOSCO MALLORCA, S.L. Paseig Ferrocarril, 55 – MANACOR Tel.: 971 844 177 CASA MARTI Joan Fuster, 2 (esquina Avda. Ignasi Wallis) – IBIZA Tel.: 971 315 451 CASA MARTI Padre Andreu Fernández, 10 MANACOR Tel.: 971 551 718 CASA MARTI Avda. Francesc Femenias, 68 (Vía Ronda) – MENORCA Tel.: 971 712 623 *ext.140 CASA MARTI Alfons el Magnanim, 49 PALMA DE MALLORCA Tel.: 971 712 623 *ext.190

Iscle soler, 14 – TERRASSA Tel.: 937 332 100 UME BARICENTRO C.C. Baricentro, Local 164 BARBERA DEL VALLES Tel.: 937 189 751

Vía Carpetana, 175 – MADRID

Tel.: 972 206 386 • GRANADA PIANOS FRANCIS Rector López Argüeta, 3 – GRANADA Tel.: 958 270 074

Balance 54 (Pol. PISA) MAIRENA DEL ALJARAFE

Hernán Cortés, 6 – MAJADAHONDA

Tel.: 954 907 226

Tel.: 915 226 260

• HUELVA MÚSICA ARTE Y SONIDO, S.L. Plaza del Campillo, 8 Local 3-4 HUELVA Tel.: 959 247 727 • JAÉN AYALA MÚSICA

UME CARRANZA Carranza, 16 – MADRID

TALAVERA MUSICAL Matadero, 24

26 – MADRID

TALAVERA DE LA REINA

Tel.: 914 293 877

ICESUR, S.L.

Hermosilla, 75 – MADRID

UME GLORIES

LEONÉS INSTRUMENTOS

INSTRUMENTOS FORMA Avda. General Villalba, 19 – TOLEDO

Carrera de San Jerónimo,

Tel.: 953 242 107

Tel.: 933 378 798

• TOLEDO

Tel.: 925 216 821

C.C. La Farga, Local B-5

Murillo, 6 Bajo – ÚBEDA

Edificio HISPAL. Local 8 – SEVILLA Tel.: 954 571 837

UME CARRERA

Avda. Josep Tarradellas I Joan

Tel.: 953 790 407

UME SEVILLA Rico Cejudo

Tel.: 914 452 997

UME HERMOSILLA

L’ HOSPITALET DEL LLOBREGAT

Plaza de la Gavidia – SEVILLA Tel.: 954 915 755

MUSICAL PRINCESA

Arenal, 18 – MADRID

Tel.: 958 605 254

Cardenal Espínola 3

TAM TAM PERCUSIÓN, S.L.

UME ARENAL

Tejedores, 12 – MOTRIL

SEVILLA MUSICAL

Picaza, 8 – MADRID

Tel.: 916 386 666

PIANOS FRANCIS

MAIRENA DEL ALJARAFE Tel.: 954 902 550

Tel.: 914 650 660

Hurtado, 21 – JAÉN

Tel.: 914 358 989 • MÁLAGA MUSICAL ADN

Tel.: 925 682 237 • VALENCIA BOSCO VALENCIA Cádiz, 8 – VALENCIA Tel.: 963 414 422 DASÍ – FLAUTAS, S.L. Joseph Aguirre, 21 – VALENCIA

Centro Comercial Les Glories, L.

MUSICALES

Avda. de Mijas, 44 – FUENGIROLA

B-228

Muñoz Garnica, 3 – JAÉN

Tel.: 952 584 750

KASMONT’S

Avda. Diagonal, 200 – BARCELONA

Tel.: 953 243 292

MUSICAL ADN

Molinell, 16 – VALENCIA Tel.: 963 614 531

Tel.: 934 860 187

MUSICAL LINARES

San Millán, 27 – MÁLAGA

UME GRANOLLERS

Don Luis 10 – LINARES

Tel.: 952 652 392

Alfonso IV, 84-86 – GRANOLLERS Tel.: 938 700 166

Tel.: 953 693 407

ORGANIGRAMA PIANOS

• LLEIDA

Avda. Dr. Carlos Haya, 56 – MÁLAGA

UME MUNTANER

MUSICAL MOLLERUSA, S.L.

Tel.: 952 287 048

Muntaner, 300 – BARCELONA

Avda. Jaime I, 8 – MOLLERUSSA

UME MÁLAGA

Tel.: 932 008 100 UME SANTS Sants, 304 Bis – BARCELONA Tel.: 934 402 448 UME SABADELL Sant Pere, 7 – SABADELL Tel.: 937 250 502 UME SEPÚLVEDA Sepúlveda 102 – BARCELONA Tel.: 932 371 600 • BURGOS MUSICAL LUBER Calzadas, 5 – BURGOS

Reina Esclaramunda, 4

Tel.: 947 270 861

Tel.: 973 603 428

Cuarteles, 1 – MÁLAGA

• MADRID

Tel.: 952 324 775

ARDEMADRID

• MURCIA

Ardemans, 7 – MADRID Tel.: 913 615 046 CALL&PLAY

Tel.: 913 817 101 HAZEN DIST. GRAL. DE PIANOS Arrieta, 8 – MADRID

HAZEN DIST. GRAL. DE PIANOS Ctra. La Coruña, KM.17,200

PROMUSICA EXTREMADURA

INCAMUSIC

Diego Mº Crehuert, 13 – CÁCERES

Avda. Alcudia, 45 – INCA

Tel.: 927 260 129 • CÁDIZ

Tel.: 916 395 548

Cristóbal Bordiú, 22 – MADRID

46023 – VALENCIA Tel.: 963 309 180 SANGANXA MUSIC STORE Avda. Jaume I, 57 LLANERA DE RANES Tel.: 962 928 143 UME LA PAZ

Tirso de Molina, 2 – CARTAGENA

Tel.: 963 922 201 / 202

• PAMPLONA UME PAMPLONA Calle Asunción 4-6 – PAMPLONA

• PONTEVEDRA OPERA PRIMA

UME GUILLEM DE CASTRO Guillem de Castro, 34 – VALENCIA Tel.: 963 925 868 UME NUEVO CENTRO Centro Comercial Nuevo Centro, Local 174 Avda. Pío XII, 6 – VALENCIA Tel.: 963 473 392

Ángel Llanos, 1 – VIGO

XÁTIVA MUSICAL LINCE

Tel.: 986 242 591

Baixada L’Estació, 16 – XATIVA

• SEVILLA

LETURIAGA, S.A.

LA LLAR DEL MUSIC Avda. Baleares, 33

La Paz, 15 – VALENCIA

Tel.: 948 198 619

Tel.: 915 594 554

Tel.: 963 675 173

PROFFONIC

Tel.: 968 122 709

La Granja 100 – ALCOBENDAS

LAS ROZAS

• CÁCERES

Tel.: 971 712 623 – 971 201 140

Tel.: 971 500 905

TEL.: 922 323 233• GERONA

UME LA FARGA

CASA MARTI ENTERPRISES, S.A.

PALMA DE MALLORCA

• SEVILLA (CONT.)

MUSICAL PRINCESA

CO-AUVISA-90, S.L.

• ALBACETE

42

• BARCELONA

MUSICAL 47

CASA TEJERA

Tel.: 913 994 525

Feria, 75 – SEVILLA

Tel.: 962 281 772 • ZARAGOZA BOSCO ZARAGOZA, S.A. Maestro Serrano, 3-5 – ZARAGOZA

ROCK HOUSE BOSCO

ABRINES MÚSICA

LETURIAGA

Tel.: 954 384 156

Antonio Marqués Marqués, 34

Lancería, 10-12

Corredera baja de San Pablo, 23

CASA TEJERA

PALMA DE MALLORCA

JEREZ DE LA FRONTERA

MADRID

Amador de los Ríos, 35 – SEVILLA

Tel.: 971 752 955

Tel.: 956 342 999

Tel.: 915 224 508

Tel.: 954 426 771

SONO MUSIC

MULTISON-GERMUSIC, S.L.

MADRID MUSICAL

CASA TEJERA

UME ZARAGOZA

Aragón, 45 – PALMA DE MALLORCA

Jesús Nazareno, 15 – CHICLANA

Málaga, 8 – MADRID

Amador de los Ríos, 35 – SEVILLA

Fernando el Católico, 19 – ZARAGOZA

Tel.: 971 240 222

Tel.: 956 408 330

Tel.: 914 415 799

Tel.: 954 426 771

Tel.: 976 359 939

COMÚSICA

www.comusica.com

comusica@comusica.com

Tel.: 976 568 393 RUBENCA, S.L. Mariano Royo Urieta, 1-3 – ZARAGOZA Tel.: 976 213 646

Tel.: 915 421 082