Es Madrid no Madriz Magazine

ES Madrid NO MadriZ Magazine

NĂşmero 17 / Noviembre 2013

Editorial

M

adrid no es una ciudad que se descubra a primera vista, en cualquier rincón se hallan maravillosas joyas que están ocultas, pero no escondidas. En este número hemos querido mostrar dos de ellas, diferentes y antagónicas pero fascinantes, como

la maravillosa colección de relojes de la joyería Grassy ubicada en plena Gran Vía y el interesantísimo Museo Anatómico de la Facultad de Medicina de la Universidad Complutense de Madrid.

Después, aprovechando la festividad de Todos los Santos, iremos a Cadalso de los Vidrios para recuperar una misteriosa leyenda que habla de un vaticinio mortal a uno de los personajes más influyentes de la España del siglo XV. Después viajaremos mucho más al norte, a Oslo, para descubrir la belleza otoñal de la capital noruega.

En este número hemos querido contar con un elenco de lujo del mundo de la cultura, como el payaso Fofito un personaje que forma parte de nuestro patrimonio cultural y de nuestras vidas. Conoceremos al ilustrador mexicano Edu Rubio, al fotógrafo gaditano Francisco Gómez, el gran actor William Miller, el joven actor

mexicano Eduardo Santacruz y al músico Jorge Pérez, líder de la genial banda Patáx.

Además descubriremos las mejores tiendas de la mano de Alejandra Sanz. Carmen de Artola nos hablará del restaurante japonés Inari y Diana Garrido nos llevará a un curioso bar en el que podemos disfrutar de una copa y buen cine.

Todo esto y mucho más en este número dedicado, como siempre a Madrid, a la cultura, el ocio y el espectáculo.

Ramón Rivas

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Sumario

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NOTICIAS

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Reportaje. TESOROS ESCONDIDOS DE MADRID

8

Madrid Comunidad. MUERTE EN CADALSO

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Viajar. OSLO

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Personajes. FOFITO

30

Arte. EDU RUBIO

36

Fotografía. FRANCISCO GÓMEZ DE VILLABOA

46

Cine. WILLIAM MILLER

62

Escena. EDUARDO SANTACRUZ / L’OM IMPREBÍS

68

Música. PATÁX

76

Libros

82

Tiendas. LÓPEZ LINARES ANTICUARIOS

84

Comer. INARI

88

Salir. CAFÉ KINO

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AGENDA

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Es Madrid no Madriz Magazine

8 26 30 46 62 76

Reportaje. TESOROS ESCONDIDOS DE MADRID

Madrid Comunidad. MUERTE EN CADALSO

Personajes. FOFITO

Fotografía. FRANCISCO GÓMEZ DE VILLABOA

Cine. WILLIAM MILLER

Música. PATÁX

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Del Románico a la Ilustración. Imagen y Materia

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La Exposición de la Colección Masaveu organizada por la Fundación Mª Cristina Masaveu Peterson y CentroCentro Cibeles de Cultura y Ciudadanía, la exposición reúne 64 piezas, entre las que se incluyen obras de El Greco, El Bosco, Murillo, Zurbarán o Alonso Cano.

Desde el próximo 29 de noviembre hasta el 25 de mayo de 2014, se exhibirá por primera vez una selección de las mejores obras maestras de los siglos XIII al XIX que atesora la Colección Masaveu, uno de los fondos artísticos privados más importantes de España.

DEL ROMÁNICO A LA ILUSTRACIÓN Imagen y Materia www.centrocentro.org

La muestra, que tendrá lugar en el espacio cultural CentroCentro Cibeles del Ayuntamiento de Madrid, representa una oportunidad única para contemplar algunas de las mejores piezas de la Colección de ese periodo, que no han sido expuestas desde hace más de una generación.

La exposición concentra un total de 64 piezas, entre pinturas y esculturas, datadas entre los siglos XIII y XIX, que por su variedad de formatos, heterogeneidad de procedencias y extraordinaria calidad, permite crear un auténtico museo de la imagen entre el Románico y la Ilustración. Se podrán admirar desde anónimos maestros medievales, hasta nombres del Barroco como Murillo, Zurbarán o Alonso Cano, así como El Bosco o El Greco, además de un selecto grupo de pinturas flamencas e italianas, de autores como Joos van Cleve el Viejo o Matthis Gerung.

Organizada por la Fundación Mª Cristina Masaveu Peterson y CentroCentro Cibeles.

MADTerrorFest

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El 7 de Noviembre a las 20h, en Cinesa Príncipe Pío, tendrá lugar la Segunda Edición del Festival Internacional de Terror y Fantástico de Madrid, MADTerrorFest. Cinco son los cortometrajes finalistas de un total de 500 trabajos presentados. El director Miguel Ángel Vivas apadrinará el evento y será el presidente del Jurado.

El Festival Internacional de Cortometrajes de Terror y Fantástico de Madrid, MADTerrorFest, celebra su segunda edición el próximo jueves 7 de Noviembre.

En esta ocasión el certamen traslada su sede a los Cinesa Príncipe Pío, donde se ofrecerá una degustación de cortos que harán las delicias de los más selectos paladares amantes del género. Tras la gran acogida de la pasada edición, los presentadores y conductores de la gala volverán a ser Antonio Esquivias y la actriz y presentadora Usun Yoon. Ambos serán una vez más los maestros de ceremonias y nos irán descubriendo la enorme calidad de los trabajos seleccionados.

Este año la convocatoria ha sido todo un éxito. El comité de selección de MADTerrorFest integrado por José Luis Canalejo y Eduardo Carabaño ha visionado alrededor de 500 cortometrajes procedentes de varios países. De entre todos ellos han seleccionado los cinco que optarán al premio al Mejor Cortometraje.

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MADTerrorFest madterrorfest.com

Noticias Film & Cook

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Festival de Cine y Gastronomía, regresa en su tercera edición ampliando a dos sedes, Madrid y Barcelona, y con una nueva sección competitiva.

Unos cubiertos envueltos en los cordones de una bota, la imagen nos resulta extrañamente familiar y no es casualidad.

Se trata de un guiño a la obra maestra de Chaplin La quimera del oro y también se ha convertido en el icono con el que nació y se mantiene Film & Cook, un festival de cine gastronómico que pretende convertirse en cita ineludible para todos los amantes del cine, la gastronomía y los festivales de calidad innovadores.

FILM & COOK Cineteca Madrid (Matadero Madrid) Plaza de Legazpi 8 www.filmandcook.com

En su tercera edición, Film & Cook se desarrollará por primera vez en dos ciudades, Madrid y Barcelona. De esta manera el festival pretende llegar a un mayor número de público y para ello hará viajar su programación a ambas sedes. Cineteca Madrid en el multidisciplinar centro de creación contemporánea Matadero Madrid se envolverá de cocina y celuloide dos fines de semana. El primero será los días 9 y 10 de noviembre dando así el pistoletazo de salida a Film & Cook y completará su programación el 16 y 17 de noviembre.

Festival Internacional de Cine LGBT

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LesGaiCineMad, es el festival de temática LGTB (Lésbica, Gay, Transexual y Bisexual) más importante de los países de habla española, tanto en espectadores, alcance como en cantidad de películas.

LesGaiCineMad es uno de los festivales con más público de la Comunidad de Madrid. Tiene un Fondo Digital de más de 3000 películas independientes que componen el mayor fondo sobre diversidad afectiva en España y demás países hispanohablantes. La Red de CineLGBT es la mayor red de festivales LGTB en español que involucra a más de 30 Festivales de Cine en América Latina y España. A través de sus años de vida se ha convertido en el referente natural de las producciones Españolas y Latinoamericanas para el resto del mundo. Su trabajo de descubrimiento, subtitulación y estreno de producFESTIVAL DE CINE LGBT www.lesgaicinemad.com ciones hispanoamericanas han hecho que LesGaiCineMad sea, en la práctica, una ventana del cine LGTB en español. Sin olvidar que España cuenta en su historia cinematográfica con producciones que son hitos en el cine LGTB (ej. Pedro Almodóvar, Lucía Puenzo, Julián Hernández) durante los últimos años y en paralelo al crecimiento de nuestro festival, la producción y el mercado hispanoamericano de esta temática se ha ido profesionalizando aún más, generando nuevos contenidos que compiten y ganan en los mayores festivales del mundo incluido Cannes y Berlinale.

Al mismo tiempo surge de toda Hispanoamérica una nueva cantera de cineastas que producen cortometrajes que recorren el mundo cosechando premios y reconocimientos internacionales mientras que la tendencia de generar nuevos contenidos audiovisuales de temática LGTB ha crecido exponencialmente en la televisión demostrando que existe un nicho de audiencia que espera contenidos LGTB de calidad.

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Reportaje Tesoros escondidos de Madrid (Primera Parte)

Joyería Grassy Madrid es una ciudad repleta de tesoros ocultos, pero ello no significa que estén escondidos. En este número de Es Madrid no Madriz Magazine vamos a mostrar dos colecciones antagónicas pero importantísimas, tanto por su interés cultural como por su calidad artística o por su carácter científico.

Empezaremos nuestro recorrido por las colecciones más importantes y menos conocidas de Madrid en la joyería Grassy.

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n el número uno de la Gran Vía madrileña se encuentra la firma Grassy, una prestigiosa joyería que acaba de cumplir sesenta años y que forma parte de los iconos más castizos de la ciudad, no sólo porque el edificio que alberga esta firma ha sido bautizado popularmente como el “edificio Grassy”, también porque su escaparate ha sido inmortalizado por millones de turistas que fotografían este emblemático punto de la ciudad y también por fotógrafos consagrados, como es el caso de Catalá Roca. Esta joyería incluso ha sido retratada con los pinceles de genios de la pintura como el admirado Antonio López.

Este negocio familiar que ya va por su tercera generación, es una historia de éxito, de calidad, pero sobre todo de amor al arte y cuya historia se remonta a los primeros años veinte del siglo pasado, cuando el relojero Alejandro Grassy, descendiente de una familia de orfebres milanesa, llega a Madrid tras haber vivido en ciudades como Río de Janeiro o París. En el año 1929 se establece en el número 29 de la Gran Vía, en la Unión Relojera Suiza, siendo uno de los mejores talleres de relojería de España y el primer negocio que comenzó a introducir las prestigiosas marcas relojeras suizas en nuestro país.

En 1952 Alejandro Grassy traslada su negocio al número uno de la Gran Vía y un año después inaugura un pequeño museo de relojes y obras de arte en el sótano de la tienda, una completa colección que en la actualidad está compuesta por más de cincuenta piezas. Alejandro Grassy fue un gran coleccionista, un amante del arte, que enriqueció su colección notablemente con la adquisición de una importante y estudiada selección de relojes que pertenecieron al coleccionista catalán Francisco Pérez de OlaguerFeliú, además de otras piezas adquiridas en subastas y viajes.

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Grassy posee la colecci贸n privada de relojes m谩s importante de Europa y, posiblemente, una de las mejores del mundo.

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El Museo Posiblemente sea la colección privada más importante de Europa y en ella están representados todo tipo de relojes, tanto de sobremesa, como de pared, de bolsillo o de carroza. La mayoría de las piezas que componen esta colección son relojes que van del siglo XVIII al XIX, en su mayoría de origen francés e inglés, pero también los hay de otras procedencias; alemanes, suizos, holandeses, italianos e incluso japoneses. Precisamente por su exotismo y rareza, la colección de relojes japoneses de pared de los siglos XVIII y XIX son los que más llaman la atención. No son muy grandes, son unas estrechas cajas de forma prismática elaboradas en madera, algunos con decoraciones de marquetería y otros de nácar. Lo más llamativo es que marcan las horas de una forma nada convencional y eso les convierte en una de las rarezas más interesantes del museo.

Los relojes más numerosos y mejor representados de la colección son los de origen francés e inglés, fácilmente reconocibles porque difieren mucho entre ellos no sólo por los materiales con los que están elaborados, también por su decoración. Los relojes franceses se caracterizan por su bella y recargada decoración, con temas alusivos a escenas mitológicas, y elaborados en su mayoría con metales como el bronce dorado al mercurio. Una de las piezas más importantes de esta colección de relojes franceses es el reloj Copérnico que se muestra en una de las salas del museo. Se trata de un hermoso y voluminoso reloj compuesto por dos piezas, la inferior es una caja de música de madera que hace de base y la parte superior es un complejo mecanismo en el que está representado el Sol, la Luna y la Tierra que van girando según el sistema heliocéntrico copernicano con el paso de las horas.

La colección de relojes ingleses podríamos decir que son el lado opuesto al gusto francés, destacando por su elegante sobriedad y por su manufactura, generalmente con maderas nobles, como el ébano y la caoba.

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Otra pieza llamativa de la colección, más por su carácter histórico que por su rica decoración, es un reloj francés que perteneció a Eugenia de Montijo, tiene forma de copa y está ricamente decorada. Se compone de dos partes, la superior consta de un doble óculo circular con doble franja horaria que marca las horas y los minutos. La parte central está decorada con grifos y con una curiosa apertura que, como si de un reloj de cuco se tratara, cuando marca las horas aparece un colorido pajarillo que toca hasta ocho melodías diferentes.

Otras piezas curiosas de la colección son unas pinturas que representan diferentes escenas y en las que aparece una torre de iglesia que lleva incrustado la esfera de un reloj auténtico.

Curiosos autómatas, relojes multifuncionales que sirven de mueble, lámparas que son en realidad un reloj, o relojes de sol que marcan las horas con un cañonazo con pólvora real, en definitiva, una espectacular colección viva, pues todos los relojes funcionan.

Si deslumbrantes son las maravillosas joyas y relojes que se muestran en su catálogo, no lo es menos esta colección de relojes que se encuentra en el museo, y que puede ser admirada por todo aquel que esté interesado. Las visitas se realizan los jueves por la tarde y los viernes por la mañana, previamente hay que concertar una cita. www.grassy.es

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Reportaje Tesoros escondidos de Madrid (Segunda Parte)

Museo de Anatomía Javier Puerta

Posiblemente la Universidad Complutense sea el lugar en el que se conservan las colecciones más desconocidas de Madrid. En sus facultades podemos encontrar singulares museos con piezas dignas de ser mostradas al gran público, no sólo por su valor cultural y educativo, también por la excelente calidad artística de algunas de sus colecciones.

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n este recorrido que realizamos por las colecciones más desconocidas y espectaculares de Madrid vamos a visitar el Museo de Anatomía Javier Puerta, ubicado en la Facultad de Medicina de la Universidad Complutense.

Los orígenes de este museo de anatomía se remontan a finales del siglo XVIII, en el seno del Real Colegio de Cirugía de San Carlos, creado por Carlos III en 1787, en una España en la que la cultura y las ciencias vivieron su particular edad de oro al amparo de la Ilustración. Con el paso del tiempo, algunas de las magníficas colecciones que atesoraban los gabinetes, museos y colecciones se perdieron, otras se desperdigaron y otras, en el mejor de los casos, fueron víctimas del olvido.

El Museo de Anatomía es un singular museo anatómico que fue enriqueciéndose con el paso del tiempo gracias a las aportaciones de ilustres personajes como el Dr. Pedro González de Velasco, uno de sus directores que posiblemente sea más conocido por los madrileños por ser el que fundó el Museo de Antropología de Madrid. Otro de los grandes personajes que han contribuido al engrandecimiento de este museo fue el Dr. Federico Olóriz, pionero en España en el desarrollo de una de las técnicas de dactiloscopia.

En la actualidad el museo está bajo la dirección del profesor Fermín Viejo Tirado que a su vez, es el responsable de mostrar el museo y sus colecciones a todo aquel que quiera visitarlo.

El Museo En sus viejas vitrinas de madera que intentan recrear un fabuloso gabinete decimonónico, si no fuese por otras vitrinas modernas, más frías y de aluminio, se atesoran infinidad de modelos anatómicos de diferentes épocas y manufacturas. Abundan las escayolas, el papel maché y algunas piezas de madera. Todas estas piezas han sido utilizadas para el estudio de la medicina. Podemos ver rarezas anatómicas, malformaciones o simples modelos perfectamente normales para el estudio. Hay troncos humanos que nos muestran sus órganos y, en algunos casos, sus cabezas nos hablan de la época en las que fueron realizadas pues, aunque sólo sean modelos anatómicos, sus caras, sus peinados, e incluso su maquillaje, van acorde a los gustos estéticos de la época en la que se fabricaron.

Siempre huyendo del morbo, y con el debido respeto a la muerte y a las personas que legaron su bien más preciado a la ciencia, el museo expone numerosas muestras, como algunos de los casi 3.000 cráneos que el Dr. Federico Olóriz donó a esta institución. Los cráneos forman parte de un estudio incompleto que fue el primer y único estudio antropológico realizado a la población española. En la actualidad, Olóriz y sus estudios están siendo valorados por la comunidad científica y quién sabe qué frutos darán en el futuro.

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El museo cuenta también con dos esqueletos completos, uno de ellos corresponde al de un soldado de Napoleón, un “gigante”, pues es de un tamaño considerable que, según su catalogación, data de 1808. Este soldado muestra en su osamenta los efectos nocivos de un tratamiento médico a base de sales mercuriales para tratar alguna enfermedad venérea, posiblemente sífilis. Su fallecimiento si no fue por la propia enfermedad bien pudo producirse por el remedio, ya que se aprecia en sus huesos renegridos el efecto letal del mercurio.

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El otro esqueleto corresponde al de un varón, también de gran tamaño, 2,15 metros de altura, que se le conoce como el gigante extremeño pues procede de esta región española.

Este esqueleto, al igual que el otro gigante extremeño que se conserva en el Museo de Antropología de Madrid, perteneció a la colección del Dr. Velasco. Al parecer, vivió en la misma época y tuvo una vida muy similar, casi se podría decir que vivieron vidas paralelas si no fuese porque en la muerte se les trató de forma diferente, el del Museo de Antropología es muy popular y este en cambio es casi un desconocido.

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Cuerpos tratados con las técnicas de momificación del Dr. Velasco

Se conservan numerosas muestras muy interesantes procedentes de los estudios del Dr. Velasco. Entre ellas destacan tres momias de las que no se conoce la técnica de vaciado y conservación que se utilizó, fue un secreto que el doctor Velasco se llevó a la tumba.

Dichas momias pertenecen a tres mujeres adultas y muestran todos sus órganos internos en un estado de conservación realmente impresionante. A simple vista no se observa ninguna anomalía, pero si nos fijamos en la disposición de sus órganos internos veremos que tienen una curiosa patología llamada situs inversus, que no es otra cosa que una malformación genética que hace que algunos órganos vitales se localicen en zonas erróneas, en este caso el corazón y el hígado de las momias

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se encuentran en el lado derecho e izquierdo, respectivamente. ¡Quién no ha visitado o ha oído hablar de las espectaculares y didácticas exposiciones que Bodies realiza por todo el mundo! En Madrid pudimos ver una de ellas hace algunos años.

En estas exposiciones didácticas se muestran verdaderos cuerpos humanos conservados mediante una técnica llamada plastinación. Se podría pensar que esta forma de conservación es una técnica moderna, pero no es así, precisamente en este museo de anatomía hay algunas muestras conservadas mediante ese mismo procedimiento, que ya había sido inventado y utilizado por los anatómicos desde hace más de un siglo.

Arte en cera Las joyas de la corona de este interesantísimo museo son sus “ceras”, una magnífica colección de figuras en cera del siglo XVIII que representan modelos anatómicos con un realismo insuperable. Su calidad artística y su interés cultural las convierten en verdaderas joyas del patrimonio cultural español. Casi un centenar de piezas españolas, italianas y francesas en una colección sólo superada por la que se conserva en La Specola de Florencia y a la misma altura de las colecciones de Padua y Bolonia.

Esta colección de esculturas en cera policromada, pertenecientes a la escuela italiana, son obras atribuidas a Chaez y Franceschi, este último fue discípulo del escultor Felice Fontana, que trabajó en el Museo de Historia Natural de Florencia, conocido popularmente como La

Specola. Este museo florentino cuenta con una importante colección de figuras en cera que sirvieron de modelo para otros muchos museos de Europa, entre ellos España, y como no podía ser menos, la influencia del barroco español se hizo patente en las figuras españolas.

La idea de crear estas muestras en cera surge de la necesidad de encontrar un material para el estudio lo más real posible en una época en la que para estudiar anatomía había que recurrir a los grabados, o bien a cadáveres que no siempre estaban a disposición de los estudiantes, y con el agravante de que no existían líquidos embalsamadores, ni siquiera el formol, que empezó a utilizarse en los años cuarenta del siglo pasado. Estas ceras fueron un paso importante a las tres dimensiones, imprescindibles para el estudio de la medicina.

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De todas las piezas que se conservan en el museo, la más valiosa es una serie ostétrica realizada a partir de un atlas elaborado por dos ginecólogos ingleses a finales del siglo XVIII. En cada una de las piezas de esta serie se representan supuestos casos prenatales con un realismo impresionante en todos y cada uno de los detalles.

Otra serie de figuras de cera corresponde a cuerpos humanos a tamaño natural, también realizadas a partir de láminas que son anatómicamente perfectas. Tal es el grado de realismo que para su elaboración se utilizaron cabellos naturales procedentes de las pestañas, cejas e incluso vello púbico para las zonas que lo requerían. De esta serie dos figuras son las más valiosas, una figura femenina en cera policromada que en realidad es una Venus púdica clásica. A su lado, en el interior de una vitrina se encuentra la que posiblemente sea la pieza más espectacular por el gran impacto visual que produce. Se trata de una figura sedente femenina en el momento previo al parto. Todos y cada uno de los detalles rozan la perfección absoluta pero, no sólo eso, su gesto desgarrado, el dolor reflejado en su cara le dan ese aire típico del barroco español, tan común en la imaginería religiosa.

El Museo Anatómico de La Universidad Complutense en su día figuraba en la guía de los museos románticos de Madrid, desgraciadamente hoy el museo permanece casi en el anonimato si no fuese por la dedicación, el buen hacer y el esfuerzo de su actual director, el profesor Fermín Viejo Tirado, para que este museo tenga la consideración que merece dentro del rico patrimonio cultural español.

http://pendientedemigracion.ucm.es/info/museoana

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MUERTE EN CADALS

SO

Madrid Comunidad A pocos kilómetros de la ciudad de Madrid, en las estribaciones de la Sierra de Gredos se encuentra Cadalso de los Vidrios. Un municipio con mucha historia rodeado de un entorno natural privilegiado.

En esta localidad se encuentra el Palacio de Villena, un palacio fortaleza que fue residencia de verano de una de las personas más influyentes y poderosas de Castilla en el siglo XV, Don Álvaro de Luna, el Condestable de Castilla.

Por C K.

El palacio está construido con grandes sillares de granito y cuenta con casi todos los elementos defensivos de un castillo, almenas, garitas, matacanes, todos ellos de carácter ornamental. En este pequeño palacio se alojó Isabel la Católica y en él nació Luis María de Borbón, el único Borbón que tuvo la deferencia de quedarse en España durante la invasión napoleónica.

En la actualidad el palacio no es ni la sombra de lo que fue en su día, los avatares históricos han dejado su huella pero fue durante los siglos XIX y XX cuando el palacio sufrió más daños por las innumerables reformas y por un pavoroso incendio ocurrido en 1917 que acabó por destruir la práctica totalidad del palacio. ÁLVARO DE LUNA A mediados del siglo XV España estaba dividida en varios reinos, Cristóbal Colón todavía no había descubierto América y los conflictos entre cristianos, judíos y musulmanes eran constantes, por no hablar de las intrigas, rencillas y ansias de poder entre la nobleza castellana y aragonesa. En este escenario Don Álvaro de Luna supo sacar provecho de todo lo que se le ponía por delante y rápidamente su poder en Castilla se hizo más y más grande, al amparo del rey Juan II. Según algunas crónicas, la relación entre Álvaro de Luna y Juan II de Castilla iba más allá de la política, al parecer podían haber tenido una relación homosexual.

LA LEYENDA Como pasa con la mayoría de los personajes históricos, los mitos y las leyendas se diluyen con la propia historia del personaje, también en este caso. Álvaro de Luna solía pasar largas temporadas en el Palacio de Villena, posiblemente durante

alguna de esas estancias en Cadalso surgió una de las leyendas que hablan de cómo una persona profetizó su muerte. Una de ellas se desarrolla en un paraje cercano a su palacio en Cadalso de los Vidrios. Don Álvaro paseaba junto a su esposa tranquilamente cuando se toparon con un grupo de trashumantes, en un momento determinado una de las mujeres del grupo se acercó a él y sin mediar palabra le tomó la mano y se dispuso a echarle la buenaventura como tradicionalmente hacen las gitanas. La mujer miró con asombro la mano del Condestable y le dijo que “la raya de la muerte está muy marcada” seguidamente, le miró a los ojos y le dijo con rotundidad: “moriréis en cadalso”.

El Condestable de Castilla no llegó a creerse el augurio de aquella mujer pero, aunque el palacio de Cadalso era una de sus posesiones más queridas, por superstición o no, decidió que nunca más volvería a este lugar.

Unos años más tarde, la vida de Don Álvaro de Luna daría un cambio radical. La reina Isabel de Portugal, esposa del rey Juan II, aquel regente del que recibió tantos favores, se puso en contra del Condestable y movió todos los hilos necesarios para que Álvaro de Luna fuese liquidado.

En un absurdo juicio, el que fue uno de los hombres más poderosos de Castilla fue acusado de hechicería, crímenes y de haber logrado los favores del rey por maleficios, sortilegios y prácticas oscuras. Eso le valió para que un tres de junio de 1453 fuese ejecutado en Valladolid, en un cadalso instalado en la Plaza Mayor, cumpliéndose de esta manera el vaticinio de aquella mujer trashumante.

Fuente: Pueblos con leyenda de la Comunidad de Madrid

Oslo Escapada oto単al

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arque Ekeberg

Viajar El entorno privilegiado de la capital noruega, situada en la cabecera del fiordo de Oslo, y rodeada de colinas y montañas, nos ofrece en otoño una de las imágenes más bellas de la ciudad. Estos son algunos de los mejores lugares para confirmarlo.

La península de Bygdoy es conocida por albergar varios museos de recomendable visita, como el Folkmuseum, dedicado a la cultura y el pueblo noruegos, el Museo Fram, que alberga en su interior el barco utilizado en las expediciones polares o el Museo Vikingo. En ella se encuentra también la granja real, y otras propiedades de la familia real noruega, como el palacio de Oscarshall. Además de ser una de las zonas residenciales de más nivel de Oslo, Bygdoy destaca por sus bosques, prados y parques, ideales para el paseo, que adquieren en otoño una espectacular variedad de colores.

Holmenkollen es una zona montañosa situada a las afueras de Oslo, y destino habitual para la practica del esquí por los habitantes de la ciudad, especialmente por su proximidad al centro, con el que se encuentra conectado a través de la red de transporte público de la ciudad. En esta zona boscosa, está el Museo del esquí y el restaurante Frognerseteren. De estética alpina y acogedor interior, desde su terraza mirador se obtienen una de las mejores vistas de la ciudad, el fiordo y algunas de las islas que lo salpican.

Cómo llegar: línea 1 de metro parada, Frognerseteren.

Cómo llegar: línea número 30 de autobús.

El recientemente inaugurado parque de esculturas de Ekeberg, ubicado en una colina situada al oeste de la ciudad, nos permite la posibilidad de realizar un paseo rodeados de arte. Esculturas de artistas cómo Dalí, Pierre-Auguste Renoir, Auguste Rodin, Turrell o Louise Bourgeois, hasta sumar una treintena de piezas, todas ellas cedidas por un filántropo local que ha rehabilitado para la ciudad esta zona, antes degradada y olvidada.

El paseo nos permitirá además, contemplar las mismas vistas del fiordo que inspiraron a Edvard Munch para crear su obra más conocida, El grito.

Cómo llegar: tranvía número 19 hasta Sjomannsskolen.

El parque de Vigeland es una de las visitas imprescindibles en todo viaje a Oslo. Se trata del parque de esculturas realizado por un sólo artista, más grande del mundo.

Contiene más de 200 esculturas de bronce, con el ciclo de la vida cómo fuente de inspiración, del escultor noruego Gustav Vigeland. El artista también se encargó del diseño de otros elementos del parque, como las puertas de acceso. Además de esculturas, sus cerca de 32 hectáreas contienen un buen número de árboles y plantas que ofrecen en otoño un espectacular colorido.

Cómo llegar: línea 12 de tranvía.

Por M. Carmen Voces

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Personajes

FOFITO ¿Cómo están ustedeees?

Alfonso Aragón Sac (La Habana, 1949) conocido por todos como Fofito, es un personaje admirado pero sobre todo querido. Es un artista que parece que siempre ha estado ahí, él junto a su padre Fofó y sus tíos Gaby y Miliki y más tarde Rody y Milikito, fueron, son y serán los payasos de la tele, aquellos que nos decían ¿cómo están ustedeeees? y miles de niños españoles gritábamos al unísono ¡bieeeeen! Durante generaciones los payasos de la tele han hecho felices a niños de Latinoamérica y España con sus espectáculos. Sus canciones forman parte de la cultura popular de los españoles pero no sólo eso, su legado sigue vivo, los valores que han inculcado a millones de niños en todos estos años les han convertido en un referente cultural, casi podríamos decir que son patrimonio de la humanidad.

Este mes los payasos de la tele vuelven a Madrid con un divertido musical, hemos hablado de ello y de su carrera artística con Fofito y con su hermano Rody en esta entrevista llena de recuerdos, de nostalgia y sobre todo de cariño.

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— Fofito, llevas toda la vida haciendo feliz a los niños ¡más de cincuenta años!

— Sí, el año pasado cumplí cincuenta años en el mundo del espectáculo como payaso, y otros cincuenta que voy a cumplir (risas) — ¡Eso esperamos! ¿Qué recuerdos tienes del principio de tu carrera profesional?

— Comencé haciendo televisión con mi padre y con mis tíos, primero en Estados Unidos, después en Puerto Rico, Venezuela, Argentina, Canadá... Todo ello en televisión. Al volver a España se recuperó el circo en televisión, con mi padre y mis tíos, por eso nos llaman “los payasos de la tele”. Aquí fue donde por primera vez Fofito comienza a trabajar en una pista de circo pero dentro de un plató, después pasamos a circos importantes como el Circo Price y otros españoles de renombre mundial. Es aquí donde Fofito se fue soltando y trabajando en la pista.

— ¿Es diferente trabajar en una pista de circo que en la televisión?

— Es muy diferente trabajar en una plaza de toros, en una pista, en el cine o en la televisión, por ejemplo en una plaza de toros tienes a todo el público rodeándote, en la televisión en mucho más fácil porque el público está de frente.

— ¿Han cambiado los niños en estos cincuenta años?

— Sí, porque los niños que yo conocí jugaban con una pelota de trapo y muñecas, hoy los niños juegan con la playstation, ponen el canal de televisión que ellos quieren... Cuando nosotros llegamos aquí había un solo canal de televisión, la Uno y el UHF empezaba por la tarde, no cubría toda España.

— ¿Los niños de hoy se ríen de las mismas cosas que los de antes?

— No, ahora es más difícil, los niños de hoy están informados, navegan por Internet, ven los telediarios, leen las noticias, se enteran de todo lo que pasa, están más espabilados. Antes los niños eran más callados, hoy los niños son más abiertos y participan en las funciones, te preguntan, hablan y quieren que seas un coleguilla más.

— ¿Dónde te gusta más hacer circo, en cine, en televisión...?

— Hombre, lo más bonito es en televisión y en el cine, lo que pasa es que el cómico no sabe si va hacer reír hasta que no se estrena la película, eso es lo difícil.

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— Recientemente has hecho de payaso en algunas películas.

— Sí, he hecho Los padrinos, he hecho un cameo para Santiago Segura y otro para Álex de la Iglesia.

— Siempre has hecho de payaso “tonto”, dicho en el buen sentido de la palabra, pero en el último cameo has hecho de payaso “listo” ¿de quién fue la idea?

— Álex me cambió el personaje, fue muy gracioso, me dijo que si me importaba que Santiago Segura hiciese de tonto y yo del serio, le dije que nunca había hecho de payaso serio. Cuando veíamos las tomas me decía: ¡estás muy bien, yo no sabía que ibas a ser un payaso serio tan serio! Lo pasé muy bien, fue muy divertido.

— La verdad es que suena muy feo eso del payaso serio y el payaso tonto.

— Pero es que siempre ha sido así, en toda la historia de los payasos siempre está el payaso tonto y el inteligente, el “carablanca”. Gaby siempre fue el carablanca hasta que llegó a Cuba y en la televisión le quitaron la cara blanca porque chocaba mucho en aquella televisión en blanco y negro.

— ¿Por eso Gaby nunca salía con la cara blanca?

— En televisión se la quitó en el año 1949, cuando hicieron sus primeros programas en televisión en Cuba le pidieron que se quitara el maquillaje porque chocaba mucho y papá (Fofó) y los tíos (Gaby y Miliki) lo que hicieron fue quitarse la pintura roja y blanca porque asustaban a los pequeños, así que se dejaron la nariz y un poco más largo el pelo.

— ¿El maquillaje de los payasos está estudiado para que no asuste a los niños?

— Sí, está estudiado, se han hecho estudios psicológicos. Cuando un niño me ve con la nariz puesta se acerca a mí para pedirme un autógrafo o darme un par de besos, no se asustan para nada.

— Todos los que nos hemos criado con los payasos de la tele recordamos un lugar muy especial, la calle del Suspiro verde ¿dónde está esa calle? (risas) — Es verdad (risas) esa calle no existe pero siempre nos gustó ese nombre y lo usamos desde hace muchos años y todavía continúa, cuando escribimos un guión la calle del Suspiro verde no puede faltar.

— Las canciones de los Payasos de la Tele forman parte de nuestra cultura, es el caso de la canción Feliz en tu día ¿esta canción es vuestra?

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— Esa canción es de Miliki, la compuso porque en Cuba, en los cumpleaños se cantaba el “happy Birthday to you” y Miliki dijo que por qué no una felicitación en castellano en vez de en inglés, así nació Feliz en tu día que saltó de Cuba a toda Latinoamérica y también a España.

— ¿Eres consciente de que eres parte importante de nuestra cultura?

— Bueno, es algo muy bonito, mira, si ahora mismo conectásemos en directo con muchos países de Latinoamérica podrían cantar los niños conmigo y si yo les digo “hola don Pepito” inmediatamente me contestarían “hola don José” y no sólo los niños, también sus padres y sus abuelos. Es muy bonito, fíjate que en las funciones que hacemos nuestras canciones las cantan tres generaciones, los niños, los padres y los abuelos.

Es muy bonito. Hay veces que estoy en un taxi o en un restaurante y se me acerca alguien para decirme que ha crecido con nosotros, incluso cuando nos hacemos fotografías, pasa que al padre le hace más ilusión hacerse la foto conmigo que a su hijo, ¡hasta se pelean por un autógrafo los padres y los hijos! (risas) es algo muy bonito la verdad.

— La verdad es que tú y tu familia nos habéis hecho felices a muchas generaciones. Hablando de generaciones, perteneces a una larguísima dinastía de artistas ¿cuántas?

— Pues con mi hija Mónica ya van ocho generaciones, que se dice pronto.

— En toda tu carrera profesional has hecho de todo ¿qué es lo que te falta por hacer?

— Sólo me falta hacer una cosa y es cantar con mis amigos y hacer un disco de canciones infantiles, ya sea canciones de los payasos o canciones populares que cantaban nuestros abuelos en la calle. Quiero cantar con Plácido Domingo, con Montserrat Caballé, Pitingo... todos me han dicho que sí y espero poder hacerlo pronto.

— Los payasos de la tele vuelven a Madrid con el musical Una aventura encantada y volveremos a ver a Fofito, a Rody y a tu hija Mónica, háblanos de este espectáculo.

— Pues es un musical que se estrena en noviembre, la idea nace de un estudio que se hizo sobre lo que más gustaba a los niños de los payasos de la tele y nos dimos cuenta de que lo que más gustaba eran las can-

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ciones y las aventuras. Lo que hemos hecho es montar una aventura, con canciones nuevas y otras que cantaba mi padre Fofó. Es una historia muy bonita donde mi hermano Rody y yo tenemos que pasar una noche en un castillo que es un hotel que está encantado, ocurren cosas divertidas como que un fantasma y una momia nos asustan pero a los que nunca vemos.

Esperamos mantener la obra hasta el verano, en principio los sábados, domingos y festivos pero en Navidades habrá función todos los días.

— He oído que tenéis pensado hacer un homenaje a tu tío Miliki en esta función.

— Está pensado dedicar una de las funciones como un homenaje a los Payasos de la Tele pero se hará también en recuerdo de nuestro tío Miliki por ser el último que se fue.

— Alfonso, Fofito, que es como prefiero llamarte, gracias por concedernos esta entrevista, gracias por todos los buenos ratos que nos has hecho pasar en nuestra infancia y por ser como de la familia, estamos seguros de que este nuevo trabajo será todo un éxito.

— Muchas gracias a vosotros y os esperamos en el teatro.

Por EMNMM

Arte

Edu Rubio Ilustrador

Eduardo Rubio (México DF, 1971) es un artista afincado en Madrid desde hace unos años. Sus inquietudes artísticas se pusieron de manifiesto desde muy temprana edad. De forma casi autodidacta, y completada por cursos y talleres artísticos, se ha ido haciendo un hueco importante en el mundo de la ilustración.

Sus ilustraciones han sido publicadas en numerosos medios gráficos y digitales de Europa, Asia y América. Sus obras han participado en numerosas exposiciones tanto individuales como colectivas.

Por EMNMM

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— EMNMM. Comenzaste a dibujar a una edad muy temprana, ¿siempre has tenido muy claro que querías dedicarte al dibujo?

— Edu Rubio. He dibujado apasionadamente desde que tengo memoria, pero como todos los niños tenía una gran capacidad de vivir en el aquí y el ahora, así que no me planteaba a que me dedicaría en el futuro, no fue hasta los dieciséis o diecisiete años que supe que me dedicaría a algo relacionado con el arte, me gustaba (y me sigue gustando) mucho la música y como buen adolescente melómano e inquieto tenía una banda y me empeñaba en aprender a componer y a tocar pero después entendí que lo mío era el dibujo.

— Aunque parezca mentira, todavía hay quien piensa que la ilustración es un arte menor, ¿qué opinas de ello? ¿Qué es lo que hace diferente a la ilustración al resto de las artes plásticas?

— Hay gente que puede confundir lo grandote con lo grandioso. Hay obras mayores y menores independientemente de la disciplina a la que correspondan. Desde mi punto de vista la diferencia está en la posibilidad de dotar de ubicuidad una idea o una imagen que se puede poner en infinidad de soportes y llegar a una gran diversidad de públicos, al contrario que el Arte Contemporáneo que cada vez es más inaccesible e incomprensible para la mayoría de los mortales.

— ¿Cuáles son tus referentes en el arte de la ilustración?

— Cuando salió la serie Aeon Flux de dibujos animados, me cambió la perspectiva en cuanto a lo que se puede hacer con el dibujo, así que un referente indiscutible para mí es Peter Chung, pero también Dave Mckean y Moebius entre muchos otros.

— ¿Trabajas por encargo?

— Siempre que me encargan algo.

— ¿Cuáles son tus especialidades?

— El diseño de personajes, los mundos dulces y oscuros y el pastel de espinaca.

— ¿Trabajas otras disciplinas artísticas?

— De vez en cuando toco la guitarra, también me gusta la escultura, así que hace poco he retomado las herramientas y dedico un poco de tiempo a modelar persona-

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jes, no se si finalmente desembocará en algo, pero mientras tanto me sirve para desconectar.

— ¿Qué aportan las nuevas tecnologías al mundo de la ilustración?

— En mi caso, sobre todo agilidad, el hecho de poder trabajar con una tableta gráfica hace que gran parte del proceso se simplifique al poder prescindir de la mesa de luz, el scanner, la impresora o el proyector de cuerpos opacos y por lo tanto se gana mucho tiempo.

— A la hora de realizar un trabajo ¿cómo te lo planteas, cuál es el proceso de creación?

— Los encargos tienen la gran virtud de plantear problemas que seguramente nunca habría imaginado, y en la resolución de dichos problemas se aprende mucho. Hace poco hice una serie de ilustraciones para una marca de Ron, se trataba de combinar distintos sabores con el lenguaje del tatuaje clásico, así que salí del estudio para investigar en algunos tattoo shops de Madrid, el proceso de dibujo, las tendencias etc… después hice muchos estudios de frutas, plantas etc… y finalmente empecé a mezclar elementos hasta que finalmente conseguí algo más concreto.

En el caso del trabajo personal me gusta intercalar sesiones de dibujo automático con momentos de reflexión sobre dichos dibujos que posteriormente perfecciono con una dirección más conceptual.

— Algunas de tus obras parecen sacadas de un universo onírico ¿los sueños son una fuente de inspiración?

— Casi nunca me acuerdo de lo que sueño, pero supongo que trabajar el dibujo automático puede ser una forma de acceder al subconsciente.

— En ocasiones tus obras van más allá del dibujo y tocas otros palos, como la instalación, creando tu propio espacio expositivo ¿hacia dónde va tu trabajo? ¿Te has marcado alguna meta?

— Cuando trabajo no pienso en términos de disciplinas artísticas. A los ocho años convencí a mis padres de que dejaran hacer un mural en mi habitación, mi padre me llevó a una papelería y salimos con una caja llena de botes de pintura acrílica. Pinté la portada de un disco del grupo Rush y cuando lo terminé me quede con mono de continuar, así que empecé a hacer dibujos y a poner pegatinas y recortes de fotos encima del mural, también colgaba

otros dibujos en las paredes y me gustaba jugar con el color y la dirección de la luz de mi lamparilla al lado de la cama, recortaba cartulinas con formas y las ponía como pantallas. Me lo pasaba genial y el resultado me gustaba.

Con el tiempo me enteré de que eso podía llamarse instalación y me ha servido para definir mi trabajo en términos profesionales y comerciales.

— Has realizado numerosas exposiciones, tanto individuales como colectivas, la mayor parte de ellas en tu país, México. En España, en los últimos dos años has realizado varias ¿cómo ves el mundo de la ilustración en España?

— Hay lugares donde se vincula a la ilustración con los dibujos para niños únicamente, en España me parece que hay un gran sector interesado en la ilustración y una gran variedad de estilos y lenguajes de muy buena calidad, una muestra de ello fue la edición del 2012 de Ilustrísima en el Museo ABC que desbordó las expectativas tanto de artistas como de organizadores en cuanto a la respuesta del público. Sin embargo algunas de las empresas que encargan ilustración para enriquecer el diseño grafico y la promoción de sus productos, incluso algunas editoriales, parecen indiferentes ante las necesidades vitales de los ilustradores pagando hasta tres meses después de haber recibido el trabajo, es decir que a veces un ilustrador independiente se ve financiando a una gran empresa, eso genera que mucha gente buena tenga que tirar la toalla.

— ¿En qué proyecto te gustaría trabajar?

— Me encantaría diseñar juguetes.

— ¿Qué proyectos tienes para el futuro inmediato?

— Estoy trabajando en una serie de cortos de animación con Luis Sánchez y el equipo de Certain Risks, una productora independiente que ha hecho cosas para gente como Boa Mistura, Lión Sitté y Pachamama Crew. También estoy preparando lo que presentaré en Ilustrísima para este año y junto con mi socio principal que es un experto en la estrategia financiera estamos consolidando un equipo de trabajo para impulsar Edu Rubio como marca de productos relacionados con la ilustración y el diseño, ya estamos desarrollando cosas para un par de empresas transnacionales y las primeras muestras de producto propio se pueden encontrar en Madrid en Pepa Loves y en CUBO gallery & shop.

BIO EXPOSICIONES INDIVIDUALES 2013. Habitantes del insomnio.

Instituto de México en España, Madrid.

2012. Plan B. Yuriko Yamamoto Espacio Contemporáneo, Madrid.

2007. Eduardo Rubio obra gráfica.

Icuraje 21 Col Vista Bella, Morelia .

2004. Olvido vs memoria.

Instalación y pintura, Galería Itatti, Ciudad de México.

2002. Memoria Selectiva.

Museo de arte Contemporáneo “Alfredo Zalce”, Morelia, Michoacán, México.

2000. Pintura.

Café la Selva; San Cristóbal de las Casas; Chiapas, México.

1998. Qui Estamos Housing.

Galería LA& ABA; Florencia, Italia.

Los últimos días.

Beca FOESCAM. Museo de Arte Contemporáneo “Alfredo Zalce”; Morelia, Michoacán, México.

PREMIOS Y DISTINCIONES 2007 — Artista invitado por el Taller de Gráfica experimental de La Habana Cuba. Con el apoyo de la Secretaria de Cultura de Michoacán del 20 al 25 de Mayo 2007.

2001 — IV Encuentro Estatal de Pintura y Estampa, Efraín Vargas. Mención honorífica. Morelia, Michoacán. A 13 de diciembre de 2201.

— Salón de Octubre, Gran Premio Omnilife 2001; Premio, mención honorífica en pintura — Becado por la Universidad Complutense de Madrid, Curso/encuentro: Taller de Pintura en San Lorenzo del Escorial, España, del 23 al 27 de julio del 2001. Dirigido por Antonio López García.

— Becado por la Universidad Complutense de Madrid, Curso/encuentro: Taller de Pintura en San Lorenzo del Escorial, España, del 14 al 18 de agosto del 2000. Dirigido por Don Manuel Alcorlo, miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando .

— Adquisición por parte de la Universidad Complutense de Madrid de la obra HumanZoo. Agosto del 2000.

1996-1997 — Beca “Jóvenes Creadores FOESCAM”. Proyecto “Los últimos días” 1996 — Décimo concurso estatal de ofrendas del día de muertos, Diseño y coordinación de la instalación con la cual participa el Bachillerato Liceo Michoacano, organizado por el instituto Michoacano de Cultura, instalación ganadora de uno de los únicos premios otorgados en esta categoría. www.edurubio.com

As blind as Cinderella

Cibernauta

Bulldog

Pรกjaro

Fotografía

FRANCISCO GÓMEZ DE VILLABOA Talento y creatividad

Francisco Gómez es un joven fotógrafo gaditano afincado en Londres desde hace casi cuatro años, donde desarrolla gran parte de su carrera profesional. Aunque la mayoría de sus trabajos y de sus obras se centran en proyectos para el diseño gráfico y el mundo de la moda, tiene un talento impresionante y un potencial artístico sin límites que se deja ver en las exposiciones en las que ha participado y que, en cualquier momento, nos sorprenderá con una nueva y sorprendente explosión de creatividad.

Por EMNMM

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— EMNMM. Francisco, ¿cómo te iniciaste en el mundo de la fotografía?

— F.G.V. La fotografía y el retoque digital para mí empezó como otro medio de expresión. Desde que somos muy pequeños desarrollamos diferentes formas de expresarnos. De chico me encantaba dibujar y pintar y ya en la adolescencia, que coincidió con el desarrollo de la tecnología informática y el principio de la fotografía digital. Recuerdo que se me pasaban las horas pintando encima de fotos de amigos con el “Painter”, prácticamente pintando pixel por pixel.

No tenía ni idea de la existencia de mi gran amigo “Photoshop”.

Al terminar el Bachiller me lancé a hacer la Carrera de Artes Visuales y justo después trabajé durante cinco años en el Diario de Cádiz. Trabajar en el Diario de Cádiz fue muy útil, en él aprendí los pilares de la manutención, diseño y prensa y cuando era posible, realizaba collages e ilustraciones para determinados reportajes. Pare ello utilizaba fotos de archivo y de los fotógrafos del periódico. Sin embargo no me gustaba la idea de hacer mi trabajo con el material de otro profesional, y mi cámara compacta no me daba mucho juego ni calidad. Así que ahorre para una réflex y decidí venirme a Londres a formarme y hacer un curso de dos años en Tower Hamlets College.

— ¿Qué papel juega el diseño gráfico en tus proyectos?

— El diseño es todo. No sólo me otorga más habilidades y herramientas para manipular y concebir imágenes que nunca podría realizar simplemente con la fotografía. Además de ello, mis conocimientos de composición, espaciado, corrección del color, tipografías, edición de vídeo, diseño web y prensa me aportan una capacidad de acción y decisión mucho más global a la hora de hacer un proyecto.

— ¿Cómo definirías tu estilo personal?

— Buff... Definido pero indefinido (risas). Creo que desde que hago fotografía estoy obsesionado con la iluminación. La luz es la razón por la que el proceso fotográfico es posible y es fundamental. Entonces siempre dedico especial atención a la iluminación y esto ha dado lugar a que el estilo de mis fotos se caracteriza por la iluminación y no por el contenido.

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Como ves en la web, puedes encontrar desde fotos de modelos de moda, mascotas, niños, ancianos, figuras mitológicas, transexuales, etc.

Describiendo mi estilo desde mi primera exposición hasta ahora puedo decir que las técnicas de claro oscuro de los pintores clásicos fueron mi primera inspiración. Creo que mi cultura y mis raíces andaluzas juegan un gran papel en mi subconsciente, razón por la cual hice Iconophilia. Iconophilia está lleno de reinterpretaciones de figuras religiosas, y creo que la presencia del catolicismo y la iglesia tienen mucho que ver, aunque yo no me sienta nada identificado con ellos. Generalmente, para vivir de la fotografía tienes que marcar tu estilo y venderlo. Yo ya he marcado mi estilo y creo que lo vendo bien pero, como un niño, me gusta cambiar pautas, ideas, esquemas y estar en constante evolución, así que por lo pronto me quedo con indefinido.

— ¿Cómo es el proceso creativo?

— El proceso creativo es diferente dependiendo del trabajo que tenga que realizar en sí. No es lo mismo hacer una campaña de moda, que realizar una editorial o crear una nueva series de fotos para una exposición. Me gusta empezar con bocetos y moodboards.

Colecciono imágenes de Internet y fotografío libros y partir de ellas visualizo una imagen en mi mente que me gustaría crear. Generalmente me inspiro mucho más en obras de arte más que en el trabajo de otros fotógrafos. Miro diferentes estilos, formas, sombras y muchas veces incluso pinto y dibujo y superpongo imágenes encima de mis propias fotos con la intención de descubrir nuevas técnicas y posibilidades.

— ¿Trabajas por libre o cuentas con tu propio equipo?

— Libre como el viento. A veces he tenido un gran equipo, y otras he sido básicamente yo enfrente del modelo en mi estudio, maquillando, peinando, vistiendo y todo lo que hiciera falta. Constantemente trabajo con gente completamente diferente, desde los modelos, asistentes, maquilladores o estilistas, siempre estoy dispuesto a colaborar con gente nueva siempre que sean profesionales y tengan mucha iniciativa.

De todo se aprende y tengo que decir que tengo la suerte de haber trabajado con gente muy buena.

— Has realizado todo tipo de trabajos en el diseño gráfico en campañas publicitarias y moda. Tus últimos trabajos parece que van más allá y tienen más libertad artística ¿hacia dónde quieres llevar tu trabajo?

— Bueno tengo que volver a hacer hincapié en el tipo de público que esas fotos van a tener. Cuando he hecho una campaña comercial de moda para una firma de lujo cuyo fin es vender, no puedo desarrollar algo muy alternativo… porque si no el diseñador me daría un cate (risas). Lo importante como fotógrafo cuando tienes un cliente es saber transmitir lo que tu cliente quiere y necesita, resumiendo, se necesita comunicación con el cliente y saber comunicar.

Eso sí, cuando hago mis exposiciones, doy rienda suelta a mi imaginación y hago lo que puedo hacer con los medios que tengo. Esa libertad artística es tan excitante como desconcertante, porque hay tantos temas, tantas cosas y personas para retratar, descubrir, experimentar y siempre intentando hacer de una forma nueva y diferente. Es siempre un reto y un placer al mismo tiempo.

— X­Press Yourself es uno de tus últimos proyectos, un excelente trabajo en el que muestras una iconografía y un simbolismo repleto de denuncia social, háblanos de este trabajo.

— Denuncia social... no puedo estar más de acuerdo con ese término. Tengo que empezar agradeciendo a la organización Unite the Union por subvencionar esta exposición que fue presentada en el mes de la Historia de la LGBT 2013. X-Press Yourself es un llamamiento a los jóvenes y no tan jóvenes a expresarse y posicionarse en el contexto de la sociedad real y actual. De ahí que “X-Press Yourself” quiera decir exprésate y “Press Yourself” significase “Publícate”. En ella critico el mal uso de las redes sociales y la actitud hedonista con la que hemos crecido y hemos sido educados. La gente no habla de política apenas, escribir un comentario político en Facebook es casi como jugar al ajedrez solo.

Nadie va a mover ni un dedo para comentar algo.

La sociedad, desde muy pequeñitos, nos ha educado en que el mayor sueño que se puede tener es el de ser famosos, ricos, salir en televisión y que todo el mundo te quiera. La redes sociales no son un medio de comunicación, son un medio de exposición, donde se relatan nuestras vidas y la gente clickea en si les gusta o

no. ¿Es eso felicidad?

En realidad no critico a estas personas en sí, mi crítica se dirige a medios de comunicación y los gobiernos interesados en que la gente siga aglomerada y distraída en este rebaño. Mientras la gente tenga los ojos pegados a la pantalla y el cerebro lavado con las noticias, no protestarán ni saldrán a la calle a hacerlo. En la televisión ya no vemos tantos debates ni temas de investigación. Nadie conoce la verdad absoluta de lo que está ocurriendo en este mundo pero creo que sería mucho más interesante discutir en Facebook sobre lo que no sabemos del pasado, presente y futuro y poner soluciones, en vez de ver constantemente como se comenta último vídeo de Britney Spears y las fotos de tus vacaciones.

Internet nos da acceso instantáneo todo tipo de teorías y acontecimientos que están ocurriendo en el mundo. Si la gente dedicara el mismo tiempo que dedican a las redes sociales, a leer sobre temas como la economía, política, historia… creo que todos seríamos mucho más conscientes del mundo y de la vida en sí, de las soluciones a nuestros problemas individuales y colectivos.

— De todos tus trabajos, ¿con cuál te sientes más identificado?

— Creo que cada época y cada trabajo marca una evolución, como X-Press Yourself es el último trabajo es el que más se parece al yo mismo actual. Creo que antes estaba metido en ese rebaño del que acabo de hablar y ahora me siento mucho más comprometido con este mundo. Una de mis fotos favoritas es la de Liberty’s resurgence (el resurgimiento de Libertad) donde represento la revolución del pueblo español como Delacroix representó la revolución francesa. Sin duda esa foto representa mi esperanza por la mejora de la situación en España.

— Mito o realidad, se dice que hay personas en algunas tribus que no se dejan fotografiar por miedo a que les roben el alma, ¿crees que las fotos tienen su propia alma?

— Pues sí que pienso que las fotos tienen su propia alma y un mensaje, y que depende de la atención que el espectador ponga en la foto este se revelará o no. ¿No se te han puesto los vellos de punta al ver algunas

fotos? Eso sí, no es cierto que las fotos roben las almas a las personas, aunque es posible que el modelo del retrato pierda su alma o su energía y esta se mantenga en la foto.

— ¿Qué es lo más te llama la atención de una foto?

— Pues eso depende del tipo de foto que estoy viendo, generalmente disfruto viendo toda clase de imágenes, desde retratos, paisajes, fotografía de conflictos, moda, nocturna. En la fotografía de documentales y hechos reales miro mucho el contexto histórico, social y político de la foto, y la dificultad de obtener unas fotos así en determinadas circunstancias. Sin embargo en moda miro la expresión de los modelos, la iluminación, los colores, la localización, la capacidad del fotógrafo de trasmitir una idea, historia y concepto con una editorial o serie de fotos. Si veo una exposición me gusta ver cómo el fotógrafo ha elegido imprimir las fotos, si utiliza técnicas alternativas, si es digital o analógica…

— ¿En qué proyectos estás trabajando ahora?

— Pues tengo muchas cosas en mente constantemente y la elección de lo que sigue adelante o lo que descarto va en función de lo que es posible según las circunstancias.

Ahora voy a empezar a trabajar en un prestigioso estudio de retoque de fotos al mismo tiempo que colaboro del London College of Style, así que estoy en constante evolución dentro del mundo de la moda.

Creo que voy a tener de nuevo sponsor este año, así que estoy pensando nuevos temas para series, he pensado en hacer una segunda parte de express yourself abarcando más nacionalidades y gente dispuesta a publicarse y defender sus ideales. Y también estoy organizando viajar unas semanas a hacer un reportaje en Cuba y Palestina. Me gustaría presentar mi visión del mundo con mi estilo de fotografía.

— ¿Para cuándo una expo en Madrid?

— Pues tengo proyectos de exponer en dos espacios en Londres en enero. Y este mes de noviembre, aquí en Londres, se expone una reversion de X-Press Yourself en la galería “The Bank” en la exposición del colectivo fotógrafos al cual tengo el honor de pertenecer, llamado Uncertain States. En esta expo comparto espacio con profesores de universidad y doctorados en 50 - EMNMM

fotografía, y estoy deseando que pase para calmar esta excitación.

Pese a toda esta incertidumbre a la hora de hacer exposiciones, haría todo lo posible por exponer en Madrid también. Madrid es una ciudad que siempre me ha cautivado, recuerdo que cuando trabajaba en Cádiz solía cogerme el Socibus y tirar para Madrid una semana cada dos meses, creo que allí hay mucha iniciativa cultural, he estado en el Matadero, en la Tabacalera, en la Casa Encendida, en el Reina Sofía, el Prado, el CaixaForum, en todos lados y me encanta.

Creo que hay mucha vida en Madrid, no descarto mudarme allí algún día y si tengo la posibilidad de exponer por allí, es muy probable que no la desperdicie.

Francisco, felicidades por tu trabajo y ojalá te veamos pronto en Madrid.

Del 8 al 20 de noviembre Francisco Gómez participa en Uncertain States Exhibition 2013, una muestra organizada por un importante colectivo de fotógrafos en la ciudad de Londres.

BIO FRANCISCO GÓMEZ DE VILLABOA. 1984, ROTA (CÁDIZ).

Estudió Artes Gráficas en la Escuela de Artes Visuales de Jerez. Finalizados sus estudios trabajó como diseñador gráfico durante cinco años en periódicos y medios de comunicación hasta que en 2009 se traslada a Londres para continuar sus estudios de fotografía, cursando dos diplomaturas en fotografía en Tower Hamlets College, siendo distinguido por ello.

En noviembre de 2011 entra de lleno en el circuito del arte con su primera exposición individual, acompañada de la publicación de su primer libro titulado Iconophilia, captando el interés de diferentes medios de comunicación de este sector. Su trabajo ha sido publicado en diferentes medios siendo portada en medios como Uncertain States, Xauart o Cockno7.

En febrero de 2013, presenta su trabajo fotográfico más reciente en el mes de la historia LGBT siendo patrocinado por Unite the Union y Sertuc Network.

Recientemente se ha incorporado como fotógrafo colaborador con el London College of Style.

www.gomezdevillaboa.com

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De la serie ICONOPHILIA

Taped Capitalist. Serie X-PRESS YOURSELF

Pagans Gods. Serie ICONOPHILIA

De la serie NEY YORK FASHION WEEK 2012

De la serie THE DREAM CREATURE

Felipe II. Serie X-PRESS YOURSELF

Cianotipo revelado en seda. Serie WHY DO IN LOVE YOU SO MUCH

William Miller (Windsor, G.B. 1978) es uno de los actores más conocidos en España, afincado en Madrid desde hace más de quince años le hemos podido ver en casi una veintena de películas y en más de treinta series de televisión. Podríamos decir que su popularidad comenzó con la serie Cuéntame y fue en aumento gracias a otras series de gran éxito en España como Águila Roja o Isabel.

Miller es un actor que conoce bien su oficio, que ama su trabajo y que se entrega en cuerpo y alma en cada personaje que encarna. Por eso hemos querido conocer un poco más a este gran actor en esta entrevista.

William Miller

Cine

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— EMNMM. William, eres inglés pero llevas viviendo en España casi toda tu vida ¿no es así?

— W. Miller. Nací en Inglaterra, los primeros años de mi vida los pasé en Estados Unidos y con once vine a España, primero a Barcelona, después a Tarragona, en Salou que es donde considero que soy y después me vine a Madrid.

Aquí llevo unos quince años, es el sitio donde más tiempo he vivido.

— ¿Por qué elegiste esta profesión?

— No lo sé, quizás fue por mi madre que siempre estuvo muy metida en el mundo del teatro, cuando nos mudamos a Barcelona yo era muy pequeño y ella trabajaba con una compañía amateur de teatro que hacían pantomima en inglés. Yo pasaba mucho tiempo con ella, detrás del escenario, viendo a los actores prepararse para la escena, aquello me gustaba mucho. Siempre he tenido una vena más artística que de ciencias, cuando había posibilidades de montar algún espectáculo musical o de teatro en el colegio yo era de los primeros en levantar la mano. Con catorce o quince años, en Salou monté mi primera banda de rock.

— Todavía hoy sigues tocando en una banda de rock ¿es la misma de antaño?

— No, no es la misma, la primera banda se llamaba Mantra, después toqué en otra que se llamaba Raw y ahora mi banda es Deniro. De vez en cuando tocamos, siempre que el trabajo no me lo impide, intento compaginarlo con el teatro y los rodajes.

— ¿Eres estricto a la hora de seleccionar los guiones que te proponen?

— No soy estricto porque no puedo escoger, ahora me llega más de uno y puedo escoger.

— Pero tienes un buen currículo y te hemos visto en infinidad de series de tv y películas...

— He tenido suerte, a ver, tengo muchas películas buenas y otras que son terribles ¡que no reniego de ellas, eh! Una vez oí a Michael Caine decir que en su “vida había hecho mucha mierda y muchas cosas muy buenas, pero quizás he hecho mucha más mierda, pero cuando eres actor tienes que trabajar y hay películas horribles que han sido las que me han llenado la piscina de agua”. Pues es así como pienso yo también, un actor debe estar al servicio de un director, de un guión, de alguien que quiere contar una historia. Soy actor, este es mi trabajo y si hay alguien que quiere contar una historia, aunque a mí no me guste, tengo que hacerlo lo mejor posible porque este es mi trabajo.

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— Posiblemente el papel que interpretaste en la serie Cuéntame fue el que te hizo más popular en España, interpretabas a un chico inglés, con acento inglés y parece ser que ese papel te trajo algunos problemas a la hora de interpretar otros personajes en otras series y películas porque se pensaba que tenías ese acento inglés.

— Pasé dos años sin trabajar porque la gente se pensaba que hablaba como el personaje de la serie pero bueno, es algo con lo que uno tiene que estar luchando en este país.

— Hay actores que se quejan de que no les dan papeles por no hablar inglés y otros por todo lo contrario ¿Crees que hay alguna discriminación entre los actores españoles?

— Yo creo que en ese sentido no, hay discriminación por otras partes. En mi caso no creo que fuese discriminación, fue por desconocimiento, eso es algo que pasa mucho aquí, hay una falta de conocimiento y una falta de atención a lo que se está moviendo, creo que debemos ver más el trabajo de los compañeros, las series, las películas y ser menos acusativos, más compañerismo.

— La formación en un actor es imprescindible y métodos de estudio hay muchos ¿qué estudios crees que son necesarios para la formación de un actor?

— Yo creo que ninguna escuela te da garantías para ser mejor o peor actor, los actores no somos todos iguales, no somos como salidos de una fábrica de galletas, cada uno tiene teclas diferentes. Yo siempre recomiendo a la gente que empieza que prueben todos los métodos y escuelas que pueda y realizar todos los cursos de interpretación posibles para aprender técnicas diferentes, cuantas más mejor, para así poder conocer lo que te sirve y lo que no. Ninguna técnica es mejor o peor que otra, simplemente son diferentes y todos no funcionamos de igual modo.

— ¿Cómo preparas un personaje, cuál es tu técnica?

— Llevo muchos años trabajando con mucha gente y técnicas diferentes, con Carlos Corazza, con Gandolfo, Fernando Piernas, Meissner en Estados Unidos... De cada uno me he llevado cosas. Nunca hice un curso de Lecoq pero la primera vez que leí un libro de cómo funcionan me sentí muy identificado con mi modo de trabajo, era algo que de forma innata hacía pero sin ninguna disciplina. Lecoq es como la comedia del arte, es trabajar de fuera para adentro, es inventarte mundos y era algo que yo hacía sin haber estudiado allí. Cuando me llega un guión intento ser lo más objetivo posible, lo leo como si

fuese una novela, a los personajes les voy poniendo caras de gente que conozco o que he visto en películas porque esas caras me encajan en el personaje, porque si al personaje le pongo mi cara y, acabado el libro, la cara que yo le he puesto hace que fluya el personaje y ha sido fiel a lo que pone en ese texto, pues entonces empiezo a trabajar con eso, con las características que he puesto en ese personaje, de cómo es, qué forma tiene de hablar.

Me gusta alejarme de mí precisamente para hacer algo diferente que sea eso o lo que yo pienso que es eso y hasta ahora me ha ido muy bien.

— ¿Toda tu carrera la has desarrollado en España o has trabajado también fuera?

— He tenido suerte y he hecho un par de películas en Francia, en México, en Inglaterra...

— ¿En Inglaterra te pasó lo mismo que en España con el tema de los acentos?

— No exactamente, yo tengo un perfecto acento inglés, lo que pasó es que decían que tenía un aspecto muy latino. El primer papel que me dieron allí querían que fuese el de un espía que fuese argentino o español.

Cuando me lo dijeron no me lo podía creer ¡en España no me dejan hacer de español y en Inglaterra quieren que haga de español! Son esas cosas raras de la vida (risas).

— ¿En qué momento profesional que te encuentras ahora?

— Ahora mismo lo que me interesa más es tener una familia, tener hijos, y eso requiere una estabilidad o por lo menos para mí eso requiere estabilidad. Quiero poder llegar a algo más de lo que tengo ahora. Por desgracia eso es muy difícil ahora en España y ya te digo que tengo mucha suerte pero para tener un plan de vida, un plan de futuro y un hijo al que le pueda dar todo lo que yo quiero dar no es posible. Por este motivo en breve me mudo a los Estados Unidos. Es una decisión dura que estoy tomando y precisamente en un momento muy dulce de mi vida pero si no lo hago ahora no lo haré nunca.

— ¿Por qué a Estados Unidos?

— Es un país muy competitivo pero la oferta de trabajo es muy superior que en España, las veces que he estado allí y me han hecho una prueba o he estado hasta el final o me han cogido. También encuentro que hay un respeto por el trabajo del actor que aquí no hay.

— ¿Qué le pides a este trabajo? ¿Hasta dónde quieres llegar?

— El poder subsistir y vivir cómodamente, con algo de estabilidad y haciendo lo que te gusta hacer. Si hay gente que considera que llegar a este trabajo es convertirse en una estrella creo que ya ese principio es erróneo, no es mi caso. Hay gente que son estrellas y que como actores son justos, a veces alguno de ellos son muy buenos haciendo de ellos mismos de forma natural delante de una cámara pero eso no significa que sean actores. El problema que tenemos ahora en España es que hay muy poco trabajo, hay mucha gente que lo vale y está llegando a la edad que tengo yo, los treinta, y ven que sus compañeros de infancia empiezan a tener una estabilidad, piensan en familia, en una hipoteca... estabilidad. En este trabajo no tienes esta oportunidad, llegas a los treinta y te encuentras que tienes que tener que sacarte las castañas y subsistir haciendo esto, que ya es difícil, hay gente que opta por decir que basta, que ya no pueden más y es una pena.

— Pero el trabajo de actor siempre ha sido muy sacrificado y nada estable.

— No tanto como ahora, estamos en la peor época para el cine desde hace mucho tiempo, para colmo con un IVA del 21% y sobre todo el teatro se resiente. Ahora casi no hay trabajo. Cuando yo empecé podía trabajar de camarero y hacer de vez en cuando un capitular, un secundario... ahora es imposible. Tengo miedo de que mucha gente buena se quede en el camino, que también pasaba antes, sí, pero ahora creo que pasa mucho más.

Este es el trabajo en el que posiblemente sea en el que más veces te dicen “no” y eso hay que saber asumirlo.

Cuando se dice que los actores son soberbios o que tienen mucho ego es cierto, ¡es que hay que tenerlo! Yo tengo que salir de casa todos los días repitiéndome “yo lo valgo”, “este papel es para mí”, “yo hago esto”. Si no lo hago ¿cómo me podría levantar cada mañana después de recibir tantos palos?

— Pese a todo, hay productos como la serie de TVE Isa­ bel en la que has participado que están siendo todo un éxito, pese a que hubo serios problemas a la hora de emitir la primera temporada, ya va por la segunda y con unas audiencias realmente buenas.

— Hubo problemas al principio por el cambio de gobierno y de directivos, finalmente se emitió y fue un éxito aunque los verdaderos héroes de esta producción fue la productora Diagonal que mantuvo el proyecto hasta el final, con los costes que ello generaba.

La serie está funcionando muy bien en España y a mí me enorgullece el haber trabajado en este proyecto. Es una

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serie educativa, con rigor histórico que habla de política y de historia. Que esté teniendo las buenas audiencias que tiene dice mucho del público español, no es un público al que le gusta lo fácil, quiere calidad.

Diagonal en este caso ha sido una productora que ha sido inteligente, en este país donde tenemos el presupuesto que tenemos para hacer un producto, el hacer algo como Isabel, siendo consciente de las limitaciones que tenemos es difícil pero es de sabios y ellos han sabido hacerlo. No se puede competir con ciertas cosas que nos vienen del extranjero con mucho presupuesto, en este caso han apostado con lo que sabían que se podía hacer, un guión bien escrito, que es la base, buenos actores y unos decorados que puedan ser creíbles. La verdad es que yo me quito el sombrero, lo han sabido hacer muy bien, todos los actores queremos dar lo mejor de nosotros en cada proyecto y en este nos han dado esta oportunidad.

— Dos de tus últimas películas son La Venta del Paraíso que todavía no se ha estrenado oficialmente y la película latinoamericana Cinco de Mayo ¿se estrenará en España?

— Es verdad que La Venta del Paraíso no se ha estrenado oficialmente todavía, trabajar con Emilio Barrachina es fantástico, es un tipo que tiene una visión muy particular y muy personal de las cosas, cuando me dieron el guión me quedé pensando y me dije ¿cuántas veces como actor te toca hacer algo así? así que acepté sin dudarlo. Disfruté mucho con este personaje, me alegro de haber sido un actor que me haya podido acoplar al personaje que Emilio quiso crear. Lo pasé muy bien y estoy muy contento con el resultado.

La película Cinco de Mayo es casi una película documental, es la película latinoamericana más cara que se ha hecho nunca. Hay una parte de ella que es una batalla que es la escena más realista que haya visto jamás en el cine, son cuarenta minutos de batalla con un realismo y unos medios impresionantes. Se está buscando distribución para Europa, creo que puede funcionar muy bien aquí en España.

— ¿En qué estás trabajando ahora?

— Estoy trabajando en la segunda temporada de la serie Alatriste que se está rodando en Hungría. También estoy preparando un proyecto que posiblemente empiece en noviembre del que no puedo hablar mucho por ahora.

Tengo también una producción internacional con Emilio

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Barrachina en un trabajo que me hace mucha ilusión por la gente que lo está preparando y por el guión que es maravilloso. También estoy en el teatro Lara los miércoles y poco más porque como ya te he dicho antes estoy preparándolo todo para irme a Estados unidos.

— En el mundo del cine no sólo interpretas, además escribes ¿has pensado en trabajar al otro lado de la cámara como director?

— Bueno, me apetece muchísimo dirigir pero todavía no me atrevo. En un rodaje me gusta mucho todo lo relacionado con la producción y sobre todo con la fotografía, siempre que empiezo un rodaje pregunto por el director de fotografía, es un trabajo que me fascina e intento aprender todo lo que pueda en cada rodaje. Ahora mismo me veo capaz de dirigir pero no me veo todavía capaz de realizar. Si dentro de poco dirijo alguna película será porque a mi lado tendré a un director de fotografía del que me fíe al 100%.

También tengo cosas que me gustaría realizar pero requieren financiación que aquí es muy difícil conseguir, ese es otro de los motivos por los que quiero ir a EE.UU y de alguna forma hacer un puente entre gente que yo conozco aquí, gente preparada, honesta y muy trabajadora, con gente de Estados Unidos para trabajar juntos.

— ¿Cómo se vende España en los mercados internacionales de cine?

— España tiene los platós naturales más prometedores del mundo, cuando hay un festival de cine y en la mesa pones distintos sitios para grabar todo el mundo se interesa primero por España y la primera pregunta que hacen es ¿cuánto me cuesta? entonces España deja de ser la favorita para ser de las últimas. Ahora mismo no hay ventajas fiscales, no hay una ley de mecenazgo justa, no es económico. Es una fuente de riqueza que no se aprovecha y una oportunidad perdida de dar a conocer la marca España.

William, muchas gracias por tu tiempo, mucha suerte en tu vida personal y profesional, te deseamos lo mejor.

Por EMNMM Fotos: Cortesía W. Miller www.williammiller.es

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Foto: Jacobo Camargo

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Escena

Eduardo Santacruz “Prueba a enterrarme y verás como salgo” Federico García Lorca

Eduardo Santacruz es un joven actor mexicano que desde temprana edad mostró grandes dotes artísticas para la interpretación. Se ha formado en las mejores escuelas de México, Estados Unidos, Gran Bretaña y España. Ha realizado algunas películas en Los Ángeles (California) y recientemente en Madrid le hemos podido ver interpretando a Don Juan en la obra Mucho ruido y pocas nueces, bajo la dirección del reconocido director Juan Carlos Corazza.

Hemos querido conocer con esta entrevista a Eduardo, un actor con grandes cualidades interpretativas con un futuro más que prometedor.

Por EMNMM

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— EMNMM. ¿Cuándo decidiste que querías dedicarte a la interpretación?

— Eduardo Santacruz. Ayer, hoy, quizá mañana, para mi ser actor es una decisión que se toma cada día al tomar un texto y sentir la necesidad real de buscar la manera de encarnarlo.

— ¿Cuál fue el primer papel que interpretaste? ¿Cómo recuerdas aquella experiencia?

— Mi primer papel fue en La Trágica Historia del Doctor Fausto de Christopher Marlowe, hoy en día sigue siendo una de mis obras favoritas. Recuerdo que cada día, después del colegio, me encerraba en mi habitación y con las pocas cosas que tenía a mano y la imaginación trataba de acercarme al mundo de Fausto, a su forma de pensar, los olores, sus palabras, en más de una ocasión mi madre me tocaba la puerta para decirme que teníamos visitas que iban a pensar que estaba loco. Yo no podía parar, aún hoy en día me cuesta parar, mi parte preferida sigue siendo la investigación continua del personaje, de la historia.

— Gran parte de tu carrera la has realizado en el teatro, aunque también has hecho cine en Los Ángeles, ¿cómo ha sido tu experiencia en el mundo del cine?

— La mayor parte de mis proyectos en cine han sido independientes, lo cual me ha permitido trabajar en personajes muy alternativos, menos comerciales, que son los que personalmente prefiero. Money, mi último trabajo, es un claro ejemplo donde interpreto a un chico bipolar con problemas de personalidad y que, a su vez, denuncia los problemas de hoy en día de no saber quiénes somos y adoptamos personalidades ficticias para existir en la sociedad.

— Precisamente en esta película, Money, para preparar tu personaje estuviste durmiendo en un ataúd durante un mes. ¿Cómo fue aquella experiencia? ¿Cómo es el proceso y cómo te preparas a la hora de interpretar un personaje?

— Fui muy criticado por maestros de la interpretación y por actores que no consideran necesario llegar a estos extremos para interpretar personajes. Yo por naturaleza me considero un actor del método, funciono de esta manera, lo considero indispensable en el proceso de construcción de personajes, así como considero indispensable muchas otras herramientas. Creo firmemente que la única manera de no dañarse a uno mismo cuando se realizan investigaciones de esta manera es con el acompañamiento de terapia y mi personaje no hubiera sido lo que fue de no haber dormido en un ataúd por un mes.

No existe una fórmula para crear personajes, me dejo llevar por la intuición, siempre respetando lo que está escrito y sobre eso investigo con el cuerpo, con la imaginación sin límites lo que sea necesario y sin juzgarme. Yo no me conformo con un ya investigué suficiente, al contrario, lo que mantiene vivo en escena es la investigación continua.

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Foto: VĂ­ctor Cucart

Foto: Víctor Cucart

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— ¿Han sido duros los comienzos?

— Los comienzos cuando no se conoce a nadie en este medio siempre son difíciles, he tenido la fortuna de ir conociendo gente maravillosa que me está apoyando y que cree en mí.

— ¿Qué actores son los que más han influido en tu carrera?

— Javier Bardem y Daniel Day Lewis.

— ¿Dónde te sientes más cómodo, en el cine o en el teatro?

— No tengo preferencia, para mí lo más importante es el contenido del personaje y de la historia.

— Has estudiado y sigues estudiando en México, Londres, Los Ángeles y Madrid, precisamente en Madrid te has formado con grandes maestros como Juan Carlos Corazza. ¿Cuál ha sido la mejor lección que has recibido de Corazza?

— Humildad, unión y grupo. Compasión por mí y por el otro.

— Recientemente te hemos visto interpretado a Don Juan en Mucho ruido y pocas nue­ ces, un trabajo de la compañía Pez luna bajo la dirección de Corazza, un fantástico trabajo en el que se involucra al público en la producción artística de los alumnos de la escuela. Háblanos de este trabajo, ¿cómo ha sido esta experiencia?

— Probablemente es el personaje que más me ha enseñado de interpretación y que me ha puesto delante mis carencias y dificultades como actor, ya que se necesita profundidad, también ligereza, velocidad y claridad en el texto pero a su vez pensar qué estoy diciendo y para qué lo digo, no moverse mucho en el escenario pero lo suficiente para hacer imaginar al otro y al público, hacerme a un lado yo para dejar que viva el personaje. Sólo ahí, con esa concentración podemos entender un poco más por qué y para qué creo Shakespeare a este personaje.

— Desde hace un tiempo has vivido en España y has sido testigo de la profunda crisis que padecemos. En estos momentos de penuria económica ¿qué es lo que puede aportar el teatro al público en estos tiempos?

— Consciencia de lo que está sucediendo, mostrando la realidad y hacia dónde vamos a través del teatro y del arte, despertando a la gente, dándole contenido en vez de intentar anestesiarla con lo comercial, lo vulgar, lo que hace daño a la cabeza y al alma.

— ¿Qué proyectos tienes para un futuro inmediato?

— Un proyecto de cine con un director que admiro mucho aquí en España.

Eduardo, muchas gracias, te deseamos muchos éxitos en tu vida y en tu carrera profesional.

www.eduardo-santacruz.com

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Este espectáculo de sualidad del mundo un sorprendente jue y humor. Un espectá

Después del gran éx Vania de Chéjov, aho

Foto Nacho Arias

Decamerón Negro e mundo entero. A tra propagando por los c para el goce de los c

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Decamerón Negro L’Om Imprebís

Hassane Kouyaté y Santiago Sánchez, al frente de L’Om Imprebís, realiza un recorrido por la senentero a través de relatos eróticos, ritmos y danzas. La música en vivo, una hermosa escenografía, ego de luces y una energía desbordante redondean esta singular propuesta llena de emoción, ritmo áculo hermoso sobre la felicidad de vivir.

xito que la Compañía L’Om Imprebís obtuvo hace dos temporadas en los Teatros del Canal con Tío ora vuelve con Decamerón Negro, un espectáculo hermoso sobre lo que nos seduce.

es un espectáculo emocionante y diferente a todo que nos permite viajar por la sensualidad del avés de relatos eróticos, música y danzas surgidas de África, disfrutamos viendo cómo se han ido cinco continentes, mezclándose con otras culturas y creando formas comunes de seducción, juegos cuerpos y, al fin y al cabo, nuevas maneras de expresar la felicidad de vivir.

L’Om Imprebís, con la dirección de Santiago Sánchez y Hassane Kouyaté, reúne de nuevo a un excepcional reparto con artistas de España, Burkina Faso, Guinea, Cuba y Angola, que protagonizan una auténtica fiesta de los cuerpos y los sentidos. Por primera vez trabaja en España un creador como Hassane Kouyaté, auténtico griot africano y miembro de compañías tan importantes como la de Peter Brook o Vidy-Lausanne.

La música en vivo, una hermosa escenografía, un sorprendente juego de luces y una energía desbordante redondean esta singular propuesta llena de emoción, ritmo y humor.

Compañía L’Om Imprebís. Dirección: Santiago Sánchez y Hassane Kasi Kouyaté. Elenco: Gorsy Edu (Ebebiyin, Guinea), Claudia Coelho (Luanda, Angola), José Juan Rodríguez (La Habana, Cuba), Sara Nieto (Madrid, España), Yolanda Eyama (Mikomiseng, Guinea). Escenografía: Dino Ibáñez. Vestuario: Elena Sánchez Canales.

TEATROS DEL CANAL Del 27 de noviembre al 15 de diciembre www.teatroscanal.com

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Patรกx

Mezclando pasiones

Música

Jorge Pérez, músico madrileño nacido en Boston es el alma máter de Patáx, una genial banda que es capaz de mezclar todo tipo de ritmos y melodías en una fusión perfecta y con mucha pasión.

Rara vez el percusionista de una banda es el que lleva la voz cantante pero en este caso, Jorge, multipercusionista, compositor, director, productor y muchas cosas más asume todas estas funciones con gran maestría y, lo más importante, con la profesionalidad y el arte de los músicos que ha reunido y que componen esta banda madrileña que, pese al poco tiempo que llevan tocando por los locales de Madrid, ya se han hecho un importante hueco en las agendas de conciertos.

Por EMNMM Fotos: Cortesía Patáx

— EMNMM. Jorge, naciste en Boston, te criaste en Madrid y estudiaste en Boston ¿cómo es eso?

— Jorge Pérez. Nací en Boston de casualidad porque mis padres estaban allí, luego nos vinimos a España.

Después, casualmente, obtuve una beca para estudiar en la Universidad de Berklee, la verdad es que mi familia y yo tenemos una relación muy bonita con Boston.

— ¿Qué significa Patáx?

— Es una onomatopeya inspirada en la percusión tum tum tum tum ¡patáx!

— ¿Cuántos discos habéis publicado?

— Vamos por el cuarto, el primero, Patáx se publicó en 2006, después, en 2008 vino Forced Emancipation, el tercero fue en Boston se llama From the boiler room y el cuarto que se llama Life in infinity que es un CD y un DVD. Con este DVD se hizo una apuesta muy potente, he dedicado mucho tiempo, esfuerzo y dinero, se hizo no sólo para que la gente disfrutase con él, también como material promocional, para que la gente nos vea, creo que es un proyecto costoso pero que compensa sobre todo cuando se quiere promocionar a nivel mundial un proyecto que depende de uno mismo y no de una agencia de managers. Por poner un ejemplo, cada día 10.000 personas ven mi trabajo, tantas como si yo diese un concierto en un teatro cada día.

— Hablando de vídeos, uno de los más vistos y más polémicos es en el que haces percusión en las nalgas de unas personas, que aparentemente parecen femeninas, aunque al parecer, eran nalgas de hombres y mujeres. ¿Cómo ha sido la experiencia?

— Ha sido algo que no me esperaba, son dos vídeos 78 - EMNMM

en los que hago percusión utilizando las nalgas de gente cercana. El día que subí el vídeo estuve investigando por si había algo de este tipo y no había ni uno. El primer vídeo en un mes tuvo un millón de visitas, fue muy gracioso porque coincidió que acababa de llegar a Boston e incluso allí, en la universidad, vi a gente que no conocía de nada viendo el vídeo. Fue una herramienta muy útil de promoción de la que no me arrepiento en absoluto, fue todo un éxito.

— Patáx es una banda numerosa y cosmopolita ¿es abierta o cuentas con un equipo fijo?

— En mi vida he tocado con muchos músicos, cuando volví de Boston el objetivo que me puse fue crear una banda y fui buscando a los mejores músicos. Se formó hace un par de años y somos un equipo fijo, lo que pasa es que como suele pasar en el mundo del jazz, hay colaboraciones esporádicas pero el equipo oficial son Carlos Sánchez al bajo, Valentín Iturat a la batería, Fabrizio Scarafile al saxo, Roberto Pacheco al trombón, Federico Lechner al piano y Alana Sinkey voz. Todos son muy buenos músicos y estoy muy orgulloso de trabajar con ellos.

— Compones, haces los arreglos, tocas... ¡prácticamente lo haces todo!

— Sin prácticamente, yo lo hago todo, por supuesto con la ayuda y la colaboración de los músicos. Hago los arreglos, compongo... las letras, que aunque no hay muchas, también las he escrito yo, el logotipo de Patáx también lo he diseñado yo, la página web... Soy secretaria, peluquero, diseñador, compositor y ¡percusionista! (risas)

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— Además de percusionista ¿tocas algún otro instrumento?

— Toco algo de guitarra, mi padre me enseñó a tocar el ukelele cuando tenía cuatro años y eso me abrió los ojos musicalmente, también la flauta travesera... pero a nivel profesional percusión y batería, dar golpes a las cosas (risas) — Eres un genio mezclando y fusionando ritmos y estilos, cuando comienzas un proyecto ¿cómo te planteas la forma de realizar las mezclas?

— Nunca me planteo nada de forma preconcebida, me pongo a componer con total libertad pero las influencias salen solas.

— Flamenco, funk, jazz... ¿cuáles son los pilares en los que se asientan tus creaciones?

— Básicamente son cuatro patas: la primera la música pop y rock americana, la segunda podríamos decir que el lado culto de la música funk y fusión. La tercera pata sería música latina, la música afrocubana, y la cuarta el flamenco que me atrae mucho, más rítmica que armónicamente pero para mí es una influencia muy grande.

— La verdad es que son ritmos que se fusionan muy bien y van bien con todo pero ¿se puede mezclar todo eso con la música de Michael Jackson?

— Sí, de hecho le viene como anillo al dedo, Michael Jackson tiene muy cercanas las raíces afroamericanas... ¡África! todos los ritmos de la música negra americana vienen de la misma raíz. Michael Jackson es pop pero de extrema calidad, melodías buenísimas, ejecutadas de forma fantástica, Michael nunca aburre, es un genio.

— Has hecho todo tipo de mezclas con los ritmos ¿qué es lo que nunca has mezclado y te gustaría hacer?

— Para ser honesto, uno mezcla lo que realmente conoce, por ejemplo el son cubano o en el flamenco son ritmos que he estudiado a fondo y de los que me he empapado bien, pero me gustaría profundizar y hacer mezclas con la música clásica y la música de la India, la música magrebí y árabe o la música brasileña, aunque no la conozco en profundidad.

— ¿Hay muchas diferencias entre la música caribeña y la brasileña? me refiero en temas rítmicos, no instrumental.

— Una diferencia abismal, fíjate, soy un gran conoce-

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dor de la música caribeña pero de la brasileña lo soy digamos que a nivel usuario “paleto”, tiene diferente ritmo, diferente sonoridad, diferente armonía...

— Has estudiado durante muchos años los ritmos musicales, en el caso del flamenco que es un ritmo tan racial y digamos que algo cerrado a la hora de profundizar en el estado más puro del ritmo ¿cómo se accede a ese conocimiento?

— Enamorándote, nadie se levanta un día con la idea de hacerse un experto en tal o cual cosa, es un proceso, te enamoras de algo que te lleva a ir a más, estudiar, a profundizar más, a conocer más pero a su vez esos conocimientos te muestran otros caminos que te cuestan tu tiempo y tu dinero pero que al final te convierten en un experto.

— Montar un concierto con tu banda no debe ser fácil porque debe tener una puesta en escena complicada ¿cómo lo haces?

— La verdad es que, para desgracia de mi bolsillo, nunca compongo ni monto un proyecto que sea comercial o fácil de mover, he hecho lo que he visto, bajo mi punto de vista, que necesitaba la música. Si se necesita un piano, pongo un piano, si se necesita dos coristas, se ponen dos coristas, lo que pide la música, que luego descubres que has creado un “monstruo” que no hay forma de moverlo... o sí, bueno, pero es lo que yo necesitaba, igual acaba siendo un proyecto difícil de mover pero la prioridad es la música.

— ¿Es difícil la situación de los músicos ahora en España?

— Mucho, no te puedo decir que haya vivido épocas de bonanza porque mi época como profesional comienza hace más o menos cuatro años, cuando la cosa ya estaba poniéndose complicada y que, además, anteriormente ya estaba en crisis el mundo discográfico, algo que ha provocado que no se vendan discos por la crisis de las discográficas ni giras por la crisis económica. Para ser positivo, creo que alguna ventaja tiene, Internet es una de las facilidades para que, por ejemplo, un tipo en México me pueda contratar por lo que ha visto en un vídeo en Youtube o Facebook. Creo que el futuro está en hacer proyectos exportables y que aunque tú vivas en Coslada te puedan contratar para un concierto en cualquier parte del mundo.

— ¿Vives de la música?

— Sí, me dedico a esto y... si ves mi coche que es de

segunda mano pero que puede que sea de quinta mano te descojonas (risas). Te digo esto para que te hagas una fotografía de cómo es la vida de alguien que se dedica a la música. También doy clases los viernes en la Escuela de Música Creativa, donde yo estudié hace años. Tampoco necesito grandes lujos para vivir.

— ¿Crees que se podría vivir mejor de la música fuera de España?

— Seguramente, yo podría irme a Estados Unidos, tengo doble nacionalidad y vivir muy bien pero qué pasa, pues que aquí tengo una novia lindísima, a mis padres, a mi sobrino y prefiero ganar menos dinero y estar con mi gente. Quiero ser honesto y hacer la música que me gusta y tocar con la gente que me gusta.

Que mañana las cosas no van bien y me tengo que ir

de gira para tocar con un grupo que no me guste, pues haré lo que tenga que hacer pero sí, en la medida de lo posible, hacer lo que me gusta y poder vivir de ello.

Creo que se puede vivir de lo que a uno le gusta si se hace con intensidad.

— ¿En qué proyectos estás trabajando ahora?

— A finales de noviembre terminaré un trabajo que es un tributo que estamos haciendo a Michael Jackson, diez de los temas de este disco son arreglos para un musical que se hará en México y que creo que va ser un éxito.

Muchas gracias Jorge por tu tiempo y felicidades por ese pedazo de banda que has logrado formar. www.patax.es

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El Miedo

Mientras agonizo

Guy de Maupassant es considerado unánimemente por la crítica como el mejor escritor de relatos cortos de la historia de la literatura. Una de las características principales que le hace brillar único en el firmamento literario es la portentosa imaginación que vierte en cada una de sus historias, lo que unido a la belleza de su lenguaje y a la intensidad de su ritmo narrativo provoca que el lector se estremezca, disfrute y se emocione con cada una de sus páginas. El miedo y lo fantasmagórico, lo fantástico y lo terrorífico se funden en este volumen para crear unas ficciones tan originales como memorables. El miedo (y hasta los hombres más intrépidos pueden tener miedo) es algo espantoso, una sensación atroz, como una descomposición del alma, un espasmo horroroso del pensamiento y del corazón, cuyo mero recuerdo provoca estremecimientos de angustia.

Addie Bundren, antigua maestra de escuela, yace agonizante mientras sus hijos y su marido aguardan el momento de su muerte y se disponen a cumplir su voluntad de ser enterrada en el cementerio de Jefferson, a más de sesenta kilómetros de distancia, junto a sus antepasados.

La narración de las peripecias que corren los pobres e ignorantes miembros de la familia Bundren a lo largo del extraño y accidentado traslado del cadáver en carromato de mulas, da pie a William Faulkner (1897-1962) para levantar en las páginas de Mientras agonizo (1930) una de sus novelas más ricas. Sirviéndose del monólogo interior de los personajes, crea una novela poliédrica que, cual una piedra tallada, va reflejando, según la faceta a través de la cual apreciamos su unidad, los infinitos claroscuros de la naturaleza humana.

Guy de Maupassant 160 Págs.

Eneida Editorial 9788415458081

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William Faulkner 208 Págs.

Editorial Alianza 9788420656571

Libros

Diez relatos, diez miradas Diez relatos, diez miradas reúne una colección de relatos seleccionados y comentados por diez colaboradores de la revista digital ¡¡Ábrete libro!! que fueron presentados durante diez semanas entre abril y junio de 2011. El conjunto contiene historias de algunos de los más grandes escritores de la literatura universal como Dickens, Kafka, Wilde, Maupassant, Clarín, Akutagawa, London, Machado de Assis o Kipling, en una selección de gran calidad en la que se encuentran representados los géneros más diversos, con el valor añadido de los comentarios aportados por otros tantos lectores.

Varios autores 328 Págs.

CreateSpace Independent Publishing Platform 9781478295907

El Manuscrito encontrado en Zaragoza Es un caso único de obra maestra literaria de primer orden que, doscientos años después de su composición, sigue inédita en su texto original.

Han contribuido a esta situación curiosa diversos factores: sus dimensiones, su extrañeza, su formato laberíntica, la superposición de original y traducciones, y un cúmulo de accidentes. Novela insólita, que ha conservado su novedad no sólo por haberse mantenido inaccesible durante dos siglos, sino por méritos intrínsecos. Cómica, fantástica, enciclopédica, erótica, filosófica, masónica, iniciática, gran mascarada, es el compendio de la vida y trabajos del autor, y un puente entre dos épocas. De Potocki se ha dicho que tenía “un pie en Voltaire y el otro en Hoffmann” y, en efecto, su libro constituye una culminación de la Ilustración y un anuncio ya maduro del Romanticismo. Y si en su ritmo majestuoso y la riqueza de su realismo inaugura la gran novela del siglo XIX, su audacia formal y su experimentación con distintos registros y niveles de ficción anticipa la literatura del siglo XX, y más allá.

Jean Potocki 880 Págs.

Editorial Pre-Textos 9788481914047

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De Tiendas

L贸pez Linares Anticuarios Un lujoso viaje en el tiempo

Por Alejandra Sanz

La milla de oro de Madrid esconde un maravilloso tesoro, el anticuario Vintage by L贸pez Linares. Situada en la calle de Claudio Coello, esta tienda invita a parar durante unos minutos delante de su teatral escaparate y contemplar las espectaculares joyas y antig眉edades que brillan con luz propia tras el cristal.

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Una vez en el interior empiezas a descubrir preciosos rincones decorados con un marcado estilo retro, que aún rozando lo cursi, sin embargo son absolutamente deliciosos. Lámparas con pantallas de flores, espectaculares muebles, un biombo empapelado con fotografías retro, maniquís con ropa de época... y joyas antiguas por todas partes con que guardan un secreto, no son auténticas sino exquisitas reproducciones actuales fabricadas en materiales nobles.

María me explica la historia de su tienda, es un negocio familiar fundado por su padre. Poco a poco se hicieron conocidos por vender antigüedades y además por fabricar réplicas exactas de muebles antiguos, de gran calidad y a precios más asequibles. Un trabajo totalmente artesano que tras la muerte de su padre y el ayudante de éste ya nadie pudo continuar.

A pesar de esta jugada del destino, el negocio siguió adelante gracias a la afortunada idea de 86 - EMNMM

María de continuar vendiendo antigüedades y además buscar un artesano orfebre en Italia que fabricara réplicas de joyas vintage para su tienda de Claudio Coello.

Todo un acierto que fue ganando adeptos y clientas, anónimas y conocidas, que llegaban a la tienda buscando réplicas de las joyas que llevaron las grandes musas del cine, como el maravilloso collar que lució Audrey Hepburn en Desayuno con diamantes. También muchas novias llegan buscando tiaras y complementos vintage que las haga estar radiantes el día de su boda y les aporte un toque retro y sofisticado.

Pero además se pueden encontrar joyas del antiguo imperio romano, aztecas, del renacimiento, el barroco, modernistas... y con precios a partir de los 30 euros. Un auténtico y lujoso viaje en el tiempo a través de las joyas y el gusto del ser humano por adornarse y sentirse siempre bellos.

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Claudio Coello, 60 28801 Madrid Tel茅fono: 915 76 26 48 www.lopezlinares.com

L贸pez Linares

Comer

Inari Equipo, esfuerzo e ilusión para un japonés de éxito

Inari es la deidad. Masculina y femenina. Joven y anciana. Única y múltiple. Esencia divina de la fertilidad, del arroz, la agricultura, la industria… los zorros. Dios del éxito. Un nombre que lo dice todo.

Que expresa la esencia de lo que Nacho Fernández Picón quería para su restaurante cuando en 2007 decidió liarse la manta a la cabeza y comenzar esta aventura con nombre propio.

Por Carmen Martínez de Artola

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Una afición que llega a buen puerto Todo surge por una afición. La cocina, la cultura, el país y todo lo que lo envuelve. Japón engancha y cuando descubrió su magia ya no hubo marcha atrás. Montar el negocio desde cero, sin tener ninguna relación con el mundo de la hostelería y sin conocer a fondo el negocio no parecía fácil y no lo fue. Cientos de visitas a restaurantes, de charlas con personas con experiencia, conocimientos que se fueron asentando. ¿Riesgo?

Mucho. ¿Ilusión? Toda. Y llegó el día de la apertura. Corría el año 2007 y las ganas de hacerlo bien pudieron con cualquier contratiempo.

Inari abre sus puertas en pleno barrio de Salamanca, en un local acogedor, con una decoración de aires orientales cálida y sencilla. Una pequeña barra y una sala amplia para ofrecer cocina japonesa con un punto de fusión basada en dar una buena calidad a precios moderados.

Una fórmula que ha funcionado hasta hoy. Detrás, un equipo sólido y bien avenido dejándose la piel, siempre con el propietario al frente como ejemplo de que el trabajo cuesta, pero que los resultados llegan. Así, pocos años después, en 2011, llega el momento de crecer. Un nuevo local, esta vez con terraza, en una plaza tan codiciada como es La Moraleja. Ejecutivos, parejas, familias, gente de la zona que sigue acudiendo a sus salones a pesar de la dificultad de los tiempos.

La experiencia de disfrutar comiento Porque en Inari no sólo dan comida, venden una experiencia total en la que lo más importante es que el comensal salga satisfecho. Por eso siempre tienen en cuenta los gustos de los parroquianos y los intentan compaginar con sus mejores propuestas. Cuentan con una amplia oferta de multitud de platillos. Una carta que cambia, o mejor dicho, se va ampliando, porque las elaboraciones que más éxito tienen permanecen, mientras que van incorporando nuevas recetas. Así, los visitantes pueden comer sus platos preferidos, los más nuevos o una combinación de ambos.

Probamos un buen tartar de atún, con un corte de tamaño medio y un aliño potente y sabroso. Deliciosos los tacos de toro con un suave aliño que tiene como base la salsa kimuchi, con un punto dulce que hace el conjunto muy agradable. Ricas también unas vieiras de calidad con salsa

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Inari General Pardi単as, 43 Madrid www.restauranteinari.com

kimuchi, cortadas a modo de tiradito. Un plato en el que destaca una salsa suculenta aunque no apta para todos los paladares. Gustosas gyozas caseras finas y jugosas como las de langostino y verduras picantes o las de foie, con un relleno de carne, pollo, cebolla confitada y un toque de foie gras que la aporta mucho sabor. Nigiris con un arroz muy correcto, ni excesivamente suelto ni apelmazado. Entre la oferta, propuestas diferentes como la de foie fresco, simplemente flambeado, o la de cola de carabinero con aceite de trufa y escamas de sal. Una versión distinta del ya clásico de pez mantequilla con trufa. Y otros tradicionales entre los que destaca el de anguila, con un producto sensacional. Y, por supuesto, los makis. Una de las especialidades de esta casa. Originales y divertidos, como el de anticucho con crema de aguacate, langostino y rúcula o el de langostino empanado con aguacate y queso crema, cubierto de verduras fritas. Uno de los preferidos de los clientes y con razón, porque está exquisito.

Un futuro lleno de proyectos Para llegar a la mayor parte de gente posible, a mediodía ofrecen un competitivo menú por 22 euros que incluye sopa miso o ensalada japonesa, aperitivos japoneses y cinco piezas sushi y cuatro de maki o diez cortes sashimi y cuatro piezas maki, además de postre, café y una bebida.

Y también preparan comida para recoger y comer en casa e incluso la llevan a domicilio. En estos casos se puede escoger cualquier plato de la carta, pero además han creado varios menús especiales más económicos que alcanzan en algunos casos hasta un 20% de descuento respecto a los precios habituales. Otra de las novedades que ofrecen desde hace poco son las clases de cocina, en este caso sushi a nivel iniciación, tanto en el local de Madrid como en el de La Moraleja.

Se trata de seguir creciendo, pero siempre de forma positiva y con cabeza. Demostrar y demostrarse que los esfuerzos tienen recompensa y valen la pena en todos los sentidos. Ir al mercado, negociar con los proveedores, tratar con los medios, tomar comandas, conocer al cliente.

Esforzarse por mantener una línea constante. Que la calidad no decaiga.

Que no haya fallos y jamás defraudar. Y así, con el tiempo, ampliar la familia, la ilusión y soñar con, por qué no, un nuevo Inari en algún otro punto de la geografía madrileña.

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CAFÉ KINO Calle del Olivar, 17 en Madrid (zona Lavapiés) Horario: Martes martes y miércoles de 10:00 a 22:00h, jueves y viernes de 10:00 a 23:00h sábados y domingos de 11:00 a 23:00h (cierra los lunes).

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Café Kino Café con cine en pleno centro de Madrid Por Diana Garrido

Aparentemente parece una pequeña pero acogedora cafetería que sube por la calle del Olivar, en el céntrico barrio de Lavapiés, pero tras atravesar la puerta, Café Kino sorprende con mucho más.

Muffins, hojaldres de comercio justo, tartas y cafés creativos son las estrellas de la carta. Sobre todo los cremosos capuccinos que hace Juan de forma personalizada y en los que de repente te puedes encontrar un Alien, un dibujo o una dedicatoria. Aquí nada es tradicional, todo se hace con gusto.

Otras de sus señas de identidad son el WiFi gratuito para todos sus clientes y la pequeña librería que se esconde en una esquina del café. Simplemente para relajarse leyendo un libro con una taza de café bien calentito.

Pero esto no es todo, porque ahora viene lo realmente sorprendente. Y es que tras la cafetería se abre paso un pasillo que desemboca en una sala de cine con pantalla grande y capacidad para 11 personas, sentadas cómodamente en diferentes sofás. Como el salón de casa, pero a lo grande.

Teresa, Alejandra y Juan tuvieron la idea de montar una cafetería con cine, tras diversos viajes por Vietnam o Estados Unidos. “Nos inspiramos en cafeterías-cine de otros países, donde un camarero te llevaba a la sala la comida que quisieras”, cuenta Juan.

El protagonista del mes de noviembre es el cine por partida doble, con un ciclo titulado “Cine sobre Cine”, que incluye películas como El Crepúsculo de los dioses, Boogie Nights, El viaje a ninguna parte, Quién engañó a Roger Rabbit o la reciente La invención de Hugo.

Teresa es la encargada de elaborar los diferentes ciclos de películas, que cambian cada mes con un gran derroche de imaginación, y demuestran que los chicos del Café Kino han visto mucho cine. Cada ciclo cuenta con 12-14 películas, entre las que se incluye una española, una rareza, una de director y una infantil, porque como dice Juan “intentamos conjugar diferentes estilos dentro de la temática elegida y los intercalamos, para que todos puedan venir a menudo sin repetir”.

Entrar a cada película cuesta una aportación de 2 euros.

Y dentro de cada ciclo, se establecen diferentes sesiones: la sesión golfa (los viernes por la noche, cine y copa son 8 euros), la sesión golfilla (sábados y domingos por la mañana, dirigida a los más pequeños) y las sesiones de martes a viernes por la mañana, pensadas para madres y padres con niños pequeños, que normalmente no pueden ir al cine porque molestarían al resto de espectadores.

Además, durante la proyección se puede comer lo que a cada uno le apetezca. No sólo se limita a las típicas palomitas, que también se pueden pedir. Las opciones van desde guacamole con panecillos, pasando por humus o empanadillas de comercio justo, hasta muffins o diferentes tartas.

La filosofía del Café Kino se encuentra cercana al modo de vida “slow life”, por el que cualquiera puede ir simplemente a pasar el rato, a relajarse e incluso con el ordenador a trabajar. Y además, se puede reservar la sala de cine para proyectar películas o cortos propios. ¿A qué esperas para convertirte en un Kinófilo?

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Agenda EXPOSICIONES _________________________________ – Del Bosco a Tiziano. Arte y maravilla en el Escorial (Hasta el 12 de enero de 2014. Palacio Real de Madrid) – Colección Fotografía Contemporánea de Telefónica (Hasta el 20 de diciembre. Espacio Fundación Telefónica) – España contemporánea. Fotografía, pintura y moda (Hasta el 1 de enero de 2014. Fundación Maphre) – Exploración del Pacífico: 500 años de historia (Hasta el 2 de febrero de 2014. Casa América) – Frederick Kiesler (Hasta el 12 de enero de 2014. La Casa Encendida) – George Méliès. La magia del cine (Hasta el 8 de diciembre. CaixaForum) – Japonismo. Fascinación por el arte japonés (Del 11 de octubre al 12 de enero de 2014. CaixaForum Madrid) – La lengua y la palabra. 300 años de la Real Academia de la Lengua (Hasta el 26 de enero de 2014. Biblioteca Nacional) – Lotería: 250 años cumpliendo sueños (Hasta el 7 de enero de 2014. Museo ABC) – Magnum´s first (Hasta el 5 de enero de 2014. Fundación Canal) – Nancy se viste de moda (Hasta el 19 de enero de 2014.

Museo del Traje) – Obras maestras Catalá-Roca (Hasta el 12 de enero de 2014. Círculo de Bellas Artes) – Surrealismo y el sueño (Del 8 de octubre al 12 de enero de 2014. Museo Thyssen-Bornemisza) – Surrealistas antes del Surrealismo (Hasta el 12 de enero de 2014. Fundación Juan March) – Thomas Ruff. Fotografías (Hasta el 24 de noviembre.

Sala de exposiciones Alcalá 31) – La Villa de los Papiros (Hasta el 23 de abril. Matadero Madrid / Casa del Lector) – Velázquez y la familia de Felipe IV (Hasta el 9 de febrero de 2014. Museo Nacional del Prado) – William Christenberry (Hasta el 24 de noviembre, Fundación Mapfre Sala Azca) MÚSICA ________________________________________ – Airbourne (18 de noviembre. Sala But) – Arctic Monkeys (15 de noviembre. Palacio de los Deportes)

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– Avenged Sevenfold (26 de noviembre. Palacio de Vistalegre) – Carlos Baute (25 de noviembre. Arteria Coliseum) – Duncan Dhu (10 y 11 de noviembre. Teatro Circo Price) – Kakkmaddafakka (13 de noviembre. Ochoymedio) – The Maine (2 de noviembre. Joy Eslaval) – The National (20 de noviembre. Palacio Vistalegre) – Orphaned Land (2 de noviembre. Ramdall Music Live) – Pixies (7 y 8 de noviembre. La Riviera) – The Waterboys (28 de noviembre. La Riviera) ESCENA ________________________________________ – Cena con amigos (Hasta el 1 de diciembre. El Sol de York) – El Chico de la última fila (Hasta el 10 de noviembre. Teatro Galileo) – Conversaciones con mamá (Hasta el 19 de enero 2014.

Teatro Bellas Artes) – Diario de un loco (Hasta el 17 de noviembre. Teatro Español) – Dido and Aeneas (18 de noviembre. Teatro Real) – Doña Perfecta (Hasta el 24 de noviembre. Teatro María Guerrero) – Las heridas del viento (Hasta el 16 de diciembre. Teatro Lara) – The Hole 2 (Hasta el 22 de diciembre. Teatro La Latina) – The indian queen (del 5 al 19 de noviembre. Teatro Real) – El intérprete (Hasta el 29 de noviembre. Teatro Nuevo Apolo) – Nameless Hands (Hasta el 30 de noviembre. Teatros del Canal) – Racconto (Hasta el 1 de diciembre. Teatro Nuevo Apolo) – Tomás Moro, una utopía (Hasta el 23 de noviembre. Teatros del Canal FERIAS ________________________________________ – BioCultura 2013 (Del 14 al 17 de noviembre. IFEMA) – Campaña por la lana 2013 (Del 18 al 21 de noviembre.

Calle Serrano) – Feriarte 2013 (Del 16 al 24 de noviembre. IFEMA) – Madrid Games Week (Del 7 al 11 de noviembre. IFEMA) – Naturviva The winterfestival (Del 15 al 17 de noviembre. IFEMA

Próximo Número

Diciembre 2013

Diciembre… un mes repleto de fiestas, de sueños y esperanzas, es un mes en el que nos preparamos para recibir al año nuevo y un nuevo número de Es Madrid no Madriz Magazine que, como es habitual, vendrá repleto de temas interesantes, grandes personajes, las mejores ofertas culturales y el mejor entretenimiento y espectáculo. ¡Volvemos en diciembre!

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MAQUETACIÓN Maite Rivas

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