Es Madrid no Madriz Magazine by Es Madrid No Madriz

ES Madrid NO MadriZ Magazine

NĂşmero 39 / Noviembre 2015

| EDITORIAL |

l Romanticismo fue un movimiento cultural surgido en Europa a finales del siglo XVIII que tuvo su máximo desarrollo en la primera mitad del siglo XIX. Este movimiento marcó de forma indeleble a sociedad europea y tuvo una importante impronta en la cultura, especialmente en literatura, la música y en la pintura. En este número de noviembre nos hemos puesto “románticos” y hemos dedicado el número central al Museo del Romanticismo de Madrid, para descubrir y disfrutar de la atmósfera y de la cultura de la sociedad burguesa madrileña del siglo XIX. Sin abandonar la estela del romanticismo español del XIX, hemos dedicado la sección de personajes a Sor Patrocinio, una monja estigmatizada que profetizaba todo tipo de desgracias cuya influencia llegó convulsionar la política española, doblegando a generales e incluso las voluntades de la propia reina Isabel II. Este es nuestro recorrido romántico de este número que, además, viene repleto de personajes y temas interesantes así como las mejores propuestas para el ocio, la cultura y el espectáculo.

Ramón Rivas

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NOTICIAS

MADRID. Museo del Romanticismo

MADRID COMUNIDAD. Paracuellos de Jarama

MADRID NATURAL. El Pito Real

LUGARES. El Camino primitivo de Santiago

PERSONAJES. Sor Patrocinio, la «monja de las llagas»

ARTE. Santiago Ydáñez

FOTOGRAFÍA. Sofía Santaclara

CINE Y TV. Estrenos de cine

ESCENA. Obras en cartel

MÚSICA. Red Beard / Bye Bye Lullaby

LIBROS

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HÉROES EN SILENCIO. Álvaro Ledesma

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EXTRAÑO Y CURIOSO. El Museo Nacional del Falo

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TIENDAS. Mew

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COMER. La Cocina de San Antón

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AGENDA

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| CONTENIDOS – NOVIEMBRE 2015 |

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EMNMM es una publicación online de carácter mensual web: www.esmadridnomadriz.com Blog: www.esmadridnomadriz.blogspot.com

EQUIPO DIRECCIÓN Y CONTENIDOS Ramón Rivas ramon@esmadridnomadriz.com

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COLABORADORES Antón Pérez

IMAGEN DE PORTADA:

Alfonso el Laucha Cortesía: Sergio Fasola www.sergiofasola.com

Carmen Martínez de Artola RJ Ócar Bethencourt Pilar Sarro

MAQUETACIÓN Maite Rivas

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FOTOGRAFÍA Archivo EMNMM

AGRADECIMIENTOS Universal Pictures Globe Comunicación Sergio Fasola Ana Laballo Es Madrid no Madriz Magazine es una publicación independiente y mensual, editada en Madrid (España), orientada a la cultura, el ocio y el espectáculo.

Edita: Es Madrid no Madriz Magazine ISSN 225-5846 Apdo. Correos 14.544

Elizabeth Sánchez Deborah Sasha Vox Solid communications Cultura Inquieta Borderline Music

28080 Madrid (España)

Museo del Romanticismo

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Museo Nacional del Falo de Islandia

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Ministerio de Educación y Cultura Ayuntamiento de Madrid Comunidad de Madrid Bar Villa de Verín

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Titanic. The Exhibition Por Pilar Sarro El buque más famoso de todos los tiempos, el Titanic, ejerce una extraña fascinación sobre todos aquellos que se acercan a su historia. Una historia de cómo el hombre desafió las leyes de la naturaleza y perdió. Muchas han sido las películas que han llevado los últimos días del majestuoso barco a la gran pantalla, siendo la más ambiciosa la dirigida por James Cameron en 1997, galardonada con 11 Oscar de la Academia. En ella, el director canadiense contaba, a través de una historia de amor entre una pasajera de primera clase y un pintor de tercera, los últimos días del trasatlántico, desde su salida del puerto inglés de Southampton el 10 de abril de 1912 hasta su fatídico hundimiento en las aguas del Atlántico norte cuatro días después. Todos los que hemos visto la cinta protagonizada por Leonardo Dicaprio y Kate Winslet conocemos la historia entre sus personajes. Pero lo que desconocemos es la existencia de una historia real y muy parecida a la de la ficción que sucedió entre los camarotes y estancias del Titanic. Este romance, con joya original incluida, fue el que inspiró al cineasta para escribir el guión de la oscarizada película.

Johnson, necesarias para sentarse a comer en el Titanic; las únicas cartas originales que se conservan escritas por el primer oficial William Murdoch a bordo, el famoso anillo de la pasajera Gerda Lindell o relojes parados a la hora exacta del hundimiento. VIAJE AL TITANIC Con ayuda de una audioguía con la música de fondo de la citada película y comentarios de los supervivientes, transportará a los visitantes a esos días de 1912 que pasarían a la historia como una de las mayores tragedias ocurridas en el mar.

LAS JOYAS DE LA EXPOSICIÓN El colgante es uno de los 200 objetos originales que se pueden ver en la exposición Titanic. The Exhibition, desde el pasado 2 de octubre y hasta el próximo 6 de marzo de 2016 en las instalaciones del Centro Cultural de la Villa, Fernán Gómez, en Madrid. La muestra propone, a través de un recorrido por diversas imágenes, objetos de pasajeros de primera, segunda y tercera clase y reproducciones del interior del barco, acercarse a la historia desconocida del ‘buque de los sueños’ y de los que participaron en ella. Sin duda, las joyas de la exposición son el mencionado colgante que inspiró la historia del Corazón de la mar, las sitting cards del pasajero sueco Malkolm Joakim

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Los visitantes no solo aprenderán cómo era la vida a bordo del más lujoso trasatlántico de todos los tiempos, sino que también se sentirán un viajero más de su travesía inaugural: podrán recorrer un pasillo de primera clase, observar los camarotes de tercera o tocar un auténtico iceberg y sentir en su piel cómo el frío puede quemar en segundos. Titanic.The Exhibition supone toda una experiencia, un viaje emotivo y, sobre todo, muy humano a través de la historia de este icono del siglo XX.

El Centro Fernán Gómez-Centro Cultural de la Villa Hasta el 6 de marzo de 2016

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Baquelitas. Creando futuro

El Museo Nacional de Artes Decorativas presenta Baquelitas. Creando futuro, una exposición que muestra a través de más de 300 piezas pertenecientes a la colección Rafael Ortiz, el nacimiento y desarrollo de los plásticos. Esta es la primera exposición que, con carácter exclusivo, recoge los objetos de baquelita y otros plásticos en un museo nacional español. Tras la I Guerra Mundial, aparecieron nuevos plásticos sintéticos en el mercado y con ello nuevas industrias fueron emergiendo. Una de las que más éxito tuvo fue la de los materiales para el hogar, y se fue imponiendo con impresionantes diseños y colores. Fiambreras, exprimidores, botes de todo tipo, utensilios de cocina, cuberterías, vajillas, jarrones… todo un sinfín de adornos ocuparon el espacio doméstico. La exposición nos muestra cómo la baquelita y sus herederos modelada por incipientes diseñadores alcanzaron la eterna utopía de hacer bello lo útil, y pone de manifiesto la trascendencia que estos materiales, y las formas en las que los objetos fueron diseñados por verdaderos creadores, han tenido en la evolución del mundo contemporáneo. Las necesidades y el avance tecnológico que convergieron a mediados del siglo XIX hicieron posible el origen de un fenómeno que iba a marcar el futuro para siempre. El desarrollo en los usos y potenciación de plásticos

naturales y semiplásticos iba a poner las bases para la aparición del primer plástico sintético: la baquelita. Conocida como el material de los mil usos, hacía realidad los sueños de los alquimistas contemporáneos. El químico e inventor, de origen belga, Leo Baekeland la patentaría en 1907 iniciando con ello un proceso que dura hasta nuestros días. Por primera vez era posible pensar en la auténtica democratización de los objetos y, aunque las clases altas fueron reacias en principio a cambiar sus viejos hábitos, la novedad del descubrimiento, lo atrevido, sugerente e innovador de sus diseños pronto lo convertirá en auténtico reclamo. A ello contribuirá la escasez de materiales naturales como el marfil, el coral o el carey, a quienes llegaron a imitar fácilmente estos nuevos materiales, que finalmente acabarán imponiendo su uso y favoreciendo el desarrollo de su industria en forma exponencial. Esta exposición también pretende dejar una puerta abierta a un nuevo resurgir de la baquelita. Las piezas que se exhiben nos muestran nuevas posibilidades de un material que seguro supera los mil usos de su leyenda. Museo Nacional de Artes Decorativas Hasta el 17 de enero de 2016

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El Museo Sorolla busca

El Museo Sorolla ha presentado el pasado mes de octubre la primera campaña de micromecenazgo cuyo objetivo es adquirir la obra original de Joaquín Sorolla, Almendro en flor, para la colección del Museo. El proyecto es una iniciativa de la Fundación Museo Sorolla, a tenor de los nuevos incentivos fiscales recogidos en la última reforma fiscal que entró en vigor el pasado 1 de enero y que impulsa desgravaciones fiscales para las donaciones que realicen tanto empresas como particulares. Estas desgravaciones suponen un avance hacia una cultura colaborativa, plural, sostenible y más participativa, con una mayor implicación de la sociedad civil y empresarial en las actividades vinculadas a la cultura. En la campaña se ofrecen además diferentes tipos de reconocimientos para donaciones a partir de 20 €, como el acceso a las actividades que se organicen en el Museo, el reconocimiento honorífico del donante por parte de la Fundación, entre otros. El cuadro escogido, Almendro en flor, completaría la etapa juvenil de Sorolla poco representada en las co-

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lecciones del museo: concretamente la de su estancia la ciudad italiana de Asís. La Fundación apoya al Museo en numerosas actividades y proyectos y, en este caso, aspira a lograr para el Museo este cuadro donde Sorolla situó “el comienzo de mi camino recto, del que no me he separado un solo punto”. Con esta campaña, que durará cuarenta días –desde hoy hasta el martes, 17 de noviembre-, se pretende conseguir 43.000 €, que es el coste del cuadro. RECOMPENSAS E INCENTIVOS PARA LOGRAR EL OBJETIVO En colaboración con la plataforma Verkami, se han establecido múltiples tramos de donación para que todo aquel que lo desee pueda formar parte del proyecto, independientemente de su valor adquisitivo o de si se trata de personas físicas o jurídicas. Las donaciones podrán efectuarse a través de la página web. www.verkami.com

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Cesión del Salón de Reinos al Museo del Prado El pasado mes de octubre ministro de Educación, Cultura y Deporte, Íñigo Méndez de Vigo, firmó del acta de cesión del edificio del Salón de Reinos al Museo Nacional del Prado, que permitirá culminar su ampliación impulsada por la proposición no de ley aprobada por una mayoría del arco parlamentario en 1995. Han rubricado dicha cesión el secretario de Estado de Cultura, José María Lassalle; la subsecretaria del Ministerio de Hacienda y Administraciones Públicas, Pilar Platero y el presidente del Patronato del Museo del Prado, José Pedro Pérez-Llorca. La incorporación del edificio supondrá la culminación de su proyecto de ampliación y la creación del Campus del Museo del Prado, que constituirá un entorno de valor arquitectónico e histórico artístico único en Europa. Este campus estará formado por: el edificio Villanueva, el edificio del Claustro de los Jerónimos y el Casón del Buen Retiro El Salón de Reinos Contemplada en los Planes de Actuación del Museo, los principales objetivos de la cesión son: Crear un espacio expositivo que permita ampliar la presentación de las colecciones del Museo del Prado, además de desarrollar un programa específico de exposiciones temporales complementario al actual. Enriquecer la oferta cultural del Paseo del Arte con la dotación de nuevos espacios para ofrecer una renovada actividad educativa y divulgativa, relacionada con el importante patrimonio histórico artístico que conserva el Museo del Prado. Ampliar la capacidad de atracción de una audiencia internacional, al mismo tiempo que se posibilita a los ciudadanos disfrutar de un espacio emblemático integrado en el Campus del Museo Nacional del Prado. AMPLIACIÓN DEL MUSEO DEL PRADO En 1994, por acuerdo del Real Patronato del Museo Nacional del Prado, la Dirección del Museo y el entonces Ministerio de Cultura, se decidió la puesta en marcha de un programa de ampliación del museo, que permitiese responder a la demanda creciente de sus visitantes, presentar de una forma más amplia sus colecciones y desarrollar, con los más altos niveles de calidad, su misión investigadora y pedagógica. La importancia de esta decisión se reflejó en el pacto parlamentario alcanzado en 1995, respetado por los diferentes escena-

rios políticos durante las dos últimas décadas, un acto de máxima repercusión cultural, social y política, que ha permitido desarrollar el proyecto de ampliación más importante de la historia del Museo. El Gobierno, en el marco de dicho pacto, decidió la incorporación del Salón de Reinos al Museo del Prado, y determinó el traslado del Museo del Ejército al Alcázar de Toledo, donde fue inaugurado el 19 de julio de 2010. LA REHABILITACIÓN DEL SALÓN DE REINOS La cercana conmemoración del II Centenario del Museo del Prado, que se celebrará en 2019, considerada como acontecimiento de excepcional interés público, supone una oportunidad única para afrontar la rehabilitación del Salón de Reinos, que nace bajo las premisas de responsabilidad social, cultural y patrimonial, y bajo pautas de austeridad económica, de acuerdo a la estrategia financiera del Organismo trazada por el vigente Plan de Actuación 2013-2016. Partiendo de los estudios y programas de necesidades elaborados durante la redacción del Master Plan de rehabilitación del Salón de Reinos en 2009, el Museo del Prado tiene la intención de poner en marcha en breve un concurso internacional para la redacción de proyecto. Una vez rehabilitado, el Salón de Reinos abrirá la posibilidad al Museo del Prado de ofrecer un espacio alternativo de exposición de gran calidad para la presentación de aspectos singulares de su colección, o incluso para el desarrollo de un programa específico de exposiciones de larga duración y de visión transversal sobre temas fundamentales de la historia y del Patrimonio Histórico Español.

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La ilusión del lejano Oeste El Museo Thyssen-Bornemisza presenta en otoño una exposición que propone, por primera vez en España, seguir los pasos de los artistas que en el siglo XIX se adentraron en los territorios del Oeste norteamericano, asumiendo el reto de mostrar sus paisajes, desconocidos y exóticos, y de representar las formas de vida de los indios americanos que desaparecían ante sus ojos por efecto de un programa ideológico, político, militar y colonizador. Estos artistas contribuyeron a crear desde muy pronto una “ilusión” del Lejano Oeste, combinando el entusiasmo romántico y la admiración genuina con los tópicos, prejuicios y expectativas que enturbiaban la mirada del hombre blanco; una imagen que en adelante se convertiría en el mito del indio salvaje, viviendo en las praderas en comunión con la naturaleza, muy alejado de la visión que el cine popularizaría años más tarde y que estuvo centrada en mostrar el punto de vista de los ocupantes y las fatigas y peligros a los que tuvieron que enfrentarse. A través de una selección de pinturas y fotografías de artistas como Karl Bodmer, George Catlin, Henry Lewis, Albert Bierstadt, Edward S. Curtis o Carleton E. Watkins, entre otros, la exposición presenta este apasionante capítulo, poco conocido aquí, de la historia del arte. Algunos de los lienzos pertenecen a la propia colección permanente del Museo, la única en España con obra de estos pintores, reflejo de la pasión del barón Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza por las narraciones literarias, cinematográficas y artísticas sobre el Oeste.

Edward S. Curtis Dos Silbidos [A] - Crow, c. 1908 Library of Congress, Washington D.C.

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La muestra comienza con un prólogo dedicado a los exploradores españoles que establecieron los primeros contactos con las tribus, ya desde el siglo XVI, e incluye diversos objetos etnográficos que se distribuyen a lo largo del recorrido, así como un conjunto de libros, cómics, carteles de cine y otros elementos que mostrarán la divulgación que han tenido en el siglo XX las leyendas sobre el Lejano Oeste. Por último, Miguel Ángel Blanco, artista y comisario de la exposición, interesado desde hace años en la cultura india, presenta una selección de libros-caja de su Biblioteca del Bosque, realizados con materiales que ha recogido en sus viajes por las llanuras y cañones de Estados Unidos.

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LAS GESTAS ARTÍSTICAS DE BODMER Y CATLIN / INDIOS Y VAQUEROS. UN GÉNERO PICTÓRICO Los primeros artistas que se adentraron en el Oeste en los años treinta del siglo XIX no fueron paisajistas sino retratistas y, con mayor o menor rigor científico, etnógrafos. George Catlin, con su extraordinaria Galería India, y Karl Bodmer, con la precisa documentación gráfica de los Viajes en el interior de Norteamérica, del antropólogo Maximilian zu Wied-Neuwied, nos permiten conocer en profundidad los campamentos indios, la caza del búfalo y los rituales de numerosas tribus, así como fisonomías y atuendos. Ellos dieron paso a una visión idealizada pero melancólica de la vida india, en la que se funden paisaje y figuras, fantasía y etnografía. En la segunda mitad del siglo, estos temas ya se habían convertido en un subgénero pictórico con gran tirón popular, asociado a la pintura de historia o a la costumbrista y presente en la producción de artistas como Charles M. Russell, Charles Wimar y Frederic Remington, entre otros. La figura del jefe indio fascinó a cuantos pintores y fotógrafos tuvieron ocasión de observarlos. En estos cuadros y fotografías se muestran con detalle los tocados, las pinturas corporales o los objetos de poder que porta cada uno de ellos. Por primera vez en España, podrán verse los famosos retratos realizados por Bodmer y Catlin o las fotografías de jefes legendarios salidas de las cámaras de Adolph Muhr o Edward S. Curtis, tomadas años más tarde. En esas últimas décadas del siglo XIX, fueron incluso los propios jefes los que se preocuparon por inmortalizar su imagen; así lo hicieron Toro Sentado, Gerónimo o Joseph en el curso de sus viajes por el este de los Estados Unidos para acudir a negociaciones o encuentros, estando ya sus tribus confinadas en reservas. A este momento corresponde la monumental empresa fotográfica y editorial El indio norteamericano, de Curtis, un controvertido y sin embargo valiosísimo conjunto artístico y etnográfico, hoy en gran parte perdido, del que se han seleccionado varias imágenes.

ETNOGRAFÍA La colonización supuso un violento impacto sobre las culturas indias, en un proceso muy rápido que les llevó casi a la desaparición. Hubo quienes quisieron preservar en la medida de lo posible los restos de ese desmoronamiento, iniciando unas colecciones que han llegado hasta nuestros días. Una selección de trajes, objetos cotidianos y rituales, armas y adornos de las culturas nativas se expondrán a lo largo del recorrido de la exposición, ilustrando algunos detalles de la forma de vida de las tribus. Además, y como muestra de la gran divulgación y el potencial de fascinación que han tenido las leyendas del Lejano Oeste en todo el mundo y hasta hoy mismo, se presentará un conjunto de libros, cómics, carteles de cine y películas, procedentes del archivo gráfico de la Filmoteca Nacional y de la colección particular del editor Alfredo Lara, así como un gran número de objetos cedidos por la Baronesa Thyssen-Bornemisza. Cerrando la exposición, se presenta una selección de 13 libros-caja, relacionados con el Oeste americano, que forman parte de su Biblioteca del Bosque. Iniciada en 1985 y compuesta en la actualidad por 1.148 libroscaja, esta biblioteca es un proyecto escultórico vital que recrea paisajes, experiencias y visiones, expresados en dibujos, imágenes y composiciones con elementos o materiales de la naturaleza. El artista ha realizado además una instalación con cráneos de animales simbólicos para los indios y una intervención sonora que evoca el galope de las manadas de búfalos.

Museo Thyssen-Bornemisza Del 3 de noviembre de 2015 al 7 de febrero de 2016 www.museothyssen.org

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El hotel H10 Villa de la Reina reabre sus puertas

Con inspiraciones retro y un marcado aire francés. Así es el nuevo H10 Villa de la Reina, el Hotel Boutique de la cadena H10 Hotels en la capital. Ubicado en el corazón de Madrid, en plena calle Gran Vía, el emblemático edificio de principios del siglo XX ha experimentado un completo proceso de restauración a manos del renombrado interiorista Lázaro Rosa-Violán, que ha querido recrear el ambiente del café de París y combinarlo con detalles asiáticos. Conocido por su amplia experiencia en el sector del interiorismo, Violán se marcó el objetivo de generar un vínculo entre el interiorismo y la arquitectura del edificio para crear un ambiente clásico, tranquilo y elegante. El interiorista se ha centrado sobre todo en el lobby, eje principal del hotel, y ha creado una atmósfera intencionadamente recargada, acorde con la majestuosa presencia del inmueble. De esta manera, los nuevos espacios se adaptan a los visitantes del más alto nivel. La remodelación, enmarcada dentro del plan estraté-

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gico que la compañía puso en marcha hace unos años con el fin de garantizar la mejor experiencia de usuario a sus clientes, demuestra la voluntad de H10 Hotels de mantener sus establecimientos con altos estándares de calidad. En este caso ha afectado a las zonas comunes, entre las que se incluyen el hall principal, el lounge-bar y el restaurante, pero también a las 74 habitaciones de las que dispone el establecimiento. El lounge-bar, ubicado en la entrada, renace convertido en un espacio multidisciplinar en el que se puede acceder a una amplia variedad de aperitivos y bocados ligeros y, en el que además, se ofrece la posibilidad de disfrutar del placer de la lectura en un entorno tranquilo y acogedor gracias a una cuidada biblioteca. En esta parte del hotel las alfombras turcas, así como los sofás y bancos en tonos turquesas y rojos que rodean el espacio, convierten a la estancia en un ejemplo de elegancia clásica. Además, se han utilizado los espejos para dar más sensación de amplitud y crear efectos visuales.

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LAS HABITACIONES

ACERCA DE H10 HOTELS

El H10 Villa de la Reina dispone de varios tipos de habitaciones –la junior suite con sala de estar, terraza y vistas a la Gran Vía; las superiores y la basic-, que cuentan ahora con una estética en la que se ha cuidado hasta el último detalle. Combinan tonos claros y materiales nobles con toques modernos en el mobiliario, tejidos y pintura, lo que dota a cada espacio de una naturaleza propia.

H10 Hotels fue fundada a principios de los 80, cuando empezó a operar en los principales destinos vacacionales de España. La empresa cuenta con 51 hoteles en 18 destinos, lo que constituye un total de más de 13.000 habitaciones, la mayoría de ellas en propiedad. H10 Hotels es una de las 10 primeras compañías hoteleras de España y está en fase de expansión. El compromiso de H10 Hotels es satisfacer a sus clientes ofreciéndoles ubicaciones privilegiadas, servicios especializados, una cocina cuidadosamente seleccionada e instalaciones que se actualizan constantemente para garantizar la más alta calidad.

RESTAURANTE Y GASTRONOMÍA El restaurante Las Infantas, por su parte, también ha experimentado un profundo proceso de transformación, incorporando azulejos oscuros con alacenas de color claro y manteniendo la estética de contrastes vintage y modernos en un escenario de excepción. En él, se ofrece al cliente un completo desayuno compuesto por más de 60 productos diferentes de gran calidad.

H10 Villa de la Reina: www.hotelh10villadelareina.com Gran Vía, 22 - 28013 Madrid

Pero no solo se ha modificado la apariencia del hotel, su oferta gastronómica se ha ampliado para sorprender al cliente, introduciendo un concepto nuevo basado en el aperitivo italiano, y centrando la atención de manera especial sobre el vermú personalizado, que se puede disfrutar todos los jueves por la tarde en el bar La Villa a partir de las 19h. “Esta nueva decoración es una apuesta por la exclusividad y el confort. Nuestro objetivo es posicionarnos como lugar de encuentro para aquellas personas que busquen un sitio especial en el que disfrutar de su tiempo libre. El Bar La Villa está totalmente disponible para vivir un tiempo de ocio de calidad”, ha explicado Ignasi Prosper, director del hotel. Aparte de la apuesta por el Bar La Villa, el hotel demuestra la voluntad de la cadena de ofrecer nuevas experiencias, sobre todo culturales, a sus clientes. Por eso ha desarrollado un completo plan de espectáculos y actividades para el afterwork. Por último, el servicio es otro de los aspectos más cuidados en esta reforma. Los visitantes podrán realizar peticiones específicas durante la realización de su reserva con el fin de personalizar aún más su estancia y conseguir que esta resulte lo más placentera posible.

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Percepciones. Hombre y mujer en la Historia de la Fotografía

Percepciones. Hombre y mujer en la Historia de la Fotografía, una exposición artística y antropológica a partes iguales que explica, a través de la Historia de la Fotografía, la evolución de los conceptos de masculinidad y feminidad, de su papel en la sociedad y de su estética en los últimos 150 años. A lo largo de la Historia, el papel de cada género se fue construyendo a partir de estereotipos que encasillaban al hombre y a la mujer, obligándoles a mostrarse y a ser percibidos según exigía la norma: un hombre fuerte, poderoso sabio y autoritario, frente a una mujer bella, sumisa, frágil y dependiente. Una barrera muy definida e infranqueable entre lo masculino y lo femenino. La Fotografía ha sido un testigo privilegiado de cómo esta compartimentación impermeable comenzó a resquebrajarse a lo largo del siglo XX; una evolución hasta entonces impensable de los conceptos de masculinidad

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y feminidad, de su papel en la sociedad y de su proyección pública. Ha sabido captar cómo la mujer adoptaba, paulatinamente y con determinación, la decisión de tomar parte activa en la vida social, laboral y cultural más allá del ámbito doméstico, y de cómo el hombre reivindicaba con timidez una faceta tierna y sensible, incluso su derecho a la inseguridad en un mundo que le exigía valentía y liderazgo. De la mano de grandes nombres de la Fotografía esta exposición nos muestra los profundos cambios experimentados desde el siglo XIX hasta el momento actual, en el que las diferencias entre los papeles de ambos sexos tienden a desaparecer. La muestra se articula en torno a cinco grandes apartados temáticos y muy descriptivos: Poder y autoridad, refleja el rol tradicional -autoritario y fuerte- que definía al hombre hasta hace tan solo unos años; Sensualidad y sumisión recoge la imagen dulce y gentil asignada

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a la mujer en un mundo tradicional en el que el hombre marcaba las reglas; Seducción y deseo, incluye imágenes que muestran la atracción sexual, el amor y la pasión entre el hombre y la mujer; Alma desnuda aglutina imágenes que describen cómo tanto el hombre como la mujer quieren, en un momento dado, despojarse de los estereotipos tradicionales para mostrar su verdadero yo; y, por último, Quiero ser tú refleja la fascinación del hombre y de la mujer por el rol del otro; la imitación a la que en cierto modo ambos aspiran como vía de escape del molde en el que la sociedad los ha clasificado. Más de 50 grandes fotógrafos están presentes en esta exposición; autores de siglo XIX como Julia Margaret Cameron, Nadar o André-Adolphe-Eugène Disdéri, y autores del siglo XX -muchos de ellos de primerísimo nivelcomo August Sander, Willie Brandt, Edward Weston, Brassaï, Edward Steichen, Lewis W. Hine, David Sey-

mour, Robert Frank o Anselm Adams. La exposición incluye también retratos de actores como Sarah Bernhardt, Marlene Dietrich, Greta Garbo, Marilyn Monroe o Paul Newman. La exposición se acompaña de una publicación editada por la Fundación Canal expresamente para esta exposición. Estructurada temáticamente, refleja la evolución del papel del hombre y la mujer en la historia de la fotografía ya comentada anteriormente. El comisariado, dirigido por la Fundación Canal, ha corrido a cargo de los expertos Francisco Carpio, Pilar Giménez Armentia y Pablo López Raso, cuya visión especializada, desde los diferentes ámbitos profesionales que ocupan, se incluye en este libro. Hasta el 5 de enero de 2016 www.fundacioncanal.es

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Mercado del sonido Cualquiera que tenga un producto relacionado con la música electrónica o la cultura puede participar en Music and Dealers: tiendas de discos nacionales o extranjeras, colectivos artísticos, marcas buscando posicionarse en el segmento de la cultura urbana o de vanguardia, tiendas de aparatología o productos específicos para DIYING, home studio o sonido profesional, iniciativas de crowfunding para productos culturales, medios de comunicación especializados en música y tendencias… En definitiva, cualquiera que quiera intercambiar, oír, comprar, aprender, experimentar y ganar. ¿Crees que la vida sin música sería un error? ¿Eres un apasionado de la cultura y el arte de vanguardia, la tecnología y las tendencias? Si has contestado que sí, ven a conocer el Mercado del Sonido, o lo que es lo mismo, Music and Dealers (MAD) los días 13, 14 y 15 de noviembre en el Mercado de La Cebada, de Madrid. Prepárate para vivir un evento concebido por y para los amantes de la música; un espacio donde intercambiar, vender, comprar, aprender, experimentar... y todo sin pagar entrada.

Tres días dan para mucho, pero hay que planificarse para poder disfrutar de sus ocho grandes bloques:

Por fin, un evento donde la música lo es todo. Crearla, escucharla, respetarla y si no estás en Madrid o ese fin de semana no puedes acudir al evento, no tienes por qué preocuparte, porque todo lo que sucede se emitirá en streaming.

3. MAD CINEMA. Exhibición de películas, documentales… relacionados con la música electrónica y su desarrollo desde finales de los 60 hasta hoy.

Seguro que en esos tres días podrás vender algún instrumento/aparatito electrónico que llevaba años cogiendo polvo en casa, pujar por una fantástica colección de discos que quieres sí o sí, tomar el aperitivo, adquirir una ilustración, aprender a hacer un estudio de grabación en casa y, de paso, salir con la compra hecha. Durante el evento los puestos tradicionales del Mercado de La Cebada estarán abiertos. Es más, los casi 100 expositores musicales ocuparán los puestos que ahora están vacios dentro de este mercado, aprovechando y dando nueva vida al espacio. De esta forma, Music and Dealers quiere potenciar la ciudad como espacio de convivencia entre tradición y modernidad y nada mejor que un mercado de “los de toda la vida” en el centro de Madrid para acoger a otro de nuevas tendencias. Esto sí es fusión: un vendedor de discos de vinilo compartiendo espacio con una, por ejemplo, frutería. 18 - EMNMM

1. MAD STAGE. Directos, sesiones, showcases, lecturas, charlas, talleres (Do ItYourself, cómo montar un estudio de grabación en casa, Gestión de eventos audiovisuales, Mastering y mezclas…) 2. MAD KIDS. Talleres de audio, video y robótica para los más pequeños.

4. MAD MEDIA. Instalación artística interactiva de de la mano de Media MapCorner. 5. MAD MARKET. Mercado del vinilo nuevo, segunda mano y ocasión; venta e intercambio de instrumentos musicales y subastas. 6. MAD RELAX. Un rincón para comer y beber. 7. MAD FAIR. Feria de fabricantes y desarrolladores de hardware y software, aplicado a la instrumentación y composición musical. Venta de complementos (cascos, soporte, etc). 8. MAD EXPO. Arte urbano, ilustración, fotografía.

HORARIO VIERNES 13 Y SABADO 14: DE 11.00h a 23.00h. DOMINGO 15: DE 11:00h a 17,00h TWITTER: @MusicAndDealers

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MUSEO DEL ROMANTICISMO Un viaje al Madrid del XIX

_______ TEXTO Y FOTOS: RAMÓN RIVAS

El Museo del Romanticismo es una de las joyas desconocidas de Madrid, en parte debido a que ha permanecido durante mucho tiempo cerrado por obras. Desde su apertura al público en 2009, el museo ha ido incrementando sus visitas, en gran medida gracias a la buena gestión del mismo y a las diversas actividades que se realizan en él, mostrando al gran público una de las colecciones singulares más atractivas de Madrid. La existencia del museo se debe a Benigno de la VegaInclán, II marqués de la Vega-Inclán, un personaje que luchó tenazmente durante toda su vida por la protección y la difusión de la cultura en España. Afortunadamente, su lucha tuvo sus frutos y en 1924 pudo ver uno de sus sueños realizados con la inauguración del Museo Romántico, al que donó gran parte de su colección privada compuesta por numerosas obras de arte y mobiliario. Con el tiempo, las colecciones del museo fueron incrementándose considerablemente con adquisiciones y donaciones, una labor que continúa actualmente.

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Isabel II dirigiendo una revista militar. Charles Poiron, 1867

Sala de Billar

EL EDIFICIO El edificio que alberga el museo está ubicado en el número 13 de la calle San Mateo. Es un palacio de estilo neoclásico construido en 1776 por el arquitecto Manuel Rodríguez por encargo del marqués de Matallana, quien fijó su residencia en este lugar. En 1850 el palacio pasa a ser propiedad de Francisco de Paula Fernández de Córdoba, conde de la Puebla del Maestre. Ya en el siglo XX el edificio cambia de uso albergando las oficinas de la Editorial Espasa y en 1920, cuando el edificio languidecía y parecía que caería bajo la piqueta, Benigno de la Vega-Inclán y Flaquer, II marqués de la Vega-Inclán, recupera el edificio para instalar en él la Comisaría Regia de Turismo hasta que, finalmente, en 1924 el edificio se convierte en el Museo Romántico. EL MUSEO El museo recrea una casa palacio del siglo XIX, donde se exponen numerosos objetos de la vida cotidiana, así como importantes obras de arte. Gran parte del atractivo del museo no es sólo la variedad y la calidad de sus piezas, también es la propuesta expositiva a modo de casa-museo que sumerge al visitante en una atmósfera especial, logrando transportarle a un hogar de la sociedad burguesa del siglo XIX. La planta baja del edificio da acceso a dos hermosos patios y a las salas expositivas donde se realizan las exposiciones temporales. En el zaguán se encuentra la escalera que da acceso a la planta noble dividida en 26 salas o estancias en donde se encuentra repartida la colección.

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SALÓN DE BAILE Entre sus numerosas salas cabe destacar el Salón de Baile, que es la sala más grande del edificio y la que cuenta con una decoración más lujosa. En toda la estancia predominan los tonos salmón de las telas que forran las paredes y las tapicerías de los asientos. Del techo cuelgan dos fantásticas lámparas de araña fernandinas que iluminan un hermoso fresco en el que se representa una Alegoría de la Aurora y de sus pareces cuelgan toda una serie de retratos femeninos, en su mayoría, y grandes espejos que amplían visualmente la magnífica sala. Del mobiliario destaca la sillería de caoba de estilo isabelino que perteneció al ministro Antonio María Fabié. Esta magnífica sillería tiene un aliciente extra para los más fetichistas, pues en alguna de estas sillas tomaron asiento personajes tan ilustres como el escritor romántico por excelencia, Gustavo Adolfo Bécquer. La sala está ornamentada con diversas obras de arte y porcelanas valiosas pero las piezas más importantes son dos instrumentos musicales; un arpa con decoración neogótica firmada por Sebastián Erard y un hermoso piano que luce el escudo real en su tapa, pues fue especialmente construido para la reina Isabel II por la casa Pleyel de París.

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EL COMEDOR El comedor es una de las estancias más importantes de la casa en el siglo XIX, pues era el lugar donde se reunía la familia para cenar. En esta sala se recrea con todo lujo de detalles cómo era el comedor de una familia burguesa del siglo XIX. Este espacio doméstico está compuesto por varios muebles funcionales y una estupenda colección de vajillas y porcelanas francesas, pues Francia era quien marcaba el refinamiento en la mesa. El toque español lo pone la elegante cristalería procedente de La Granja. Para recrear el ambiente íntimo y familiar del comedor, de una de las paredes cuelga un retrato de la Familia de Jorge Flaquer, antepasados del fundador del museo, realizado por Joaquín Espalter en 1840.

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EL ORATORIO En el pasado era muy habitual que las casas nobles y palacios contasen con su propio oratorio y este palacio no es una excepción. Esta pequeña estancia está compuesta por un anteoratorio, un pequeño salón donde se concentra la totalidad de obras pictóricas de carácter religioso del museo. De su escaso mobiliario llama la atención un fascinante velador circular situado en el centro de la sala cuyo tablero de mármol blanco está realizado con una losa sepulcral. El oratorio conserva gran parte de la decoración original, con molduras de estilo neoclásico y del mobiliario destaca un reclinatorio de caoba tapizado en terciopelo que perteneció a la reina Isabel II. Sobre el altar se encuentra una de las joyas del museo, un magnífico lienzo de San Gregorio Magno pintado por Francisco de Goya en 1798 perteneciente a la serie Los Cuatro Padres de la Iglesia.

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SALA INFANTIL Una de las salas más curiosas del museo es la sala de juegos de niños que, además de su faceta lúdica, hacía las veces de dormitorio infantil. Esta sala cuenta con un mobiliario más funcional, pero no menos valioso, y en sus vitrinas se muestran una estupenda colección de juguetes y objetos relacionados con el aprendizaje y el estudio infantil. No menos llamativos son los retratos de niños que cuelgan de sus paredes. De entre todos ellos quizás el más destacable es el lienzo Niños jugando con un carnero, pintado por Antonio María Esquivel en 1843. En esta pintura aparece un niño con aire caballeresco que sujeta a una niña que está subida sobre un carnero, junto a ellos, otra niña vestida igual que la anterior lleva unas flores en su regazo y parece mirar con cierto desdén al que contempla esta obra. En el siglo XIX la mortandad infantil era altísima y en cierta medida, en esta misma sala la muerte está presente y, como no podía ser de otro modo, se representa con el halo de belleza tan habitual en el romanticismo. La pieza que nos habla de ello es una preciosa escultura en mármol de un niño yacente que parece dormir profundamente aunque la nívea escultura de mármol sugiere un sueño eterno.

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GABINETE DE LARRA Perteneciente a las salas de ámbito masculino del museo, el Gabinete de Larra hace honor a Mariano José de Larra, el que posiblemente sea el mejor periodista y escritor del Romanticismo. En esta sala se encuentran pinturas y diversos objetos pertenecientes a Larra que fueron donados por sus descendientes en 1924. Entre todas las piezas hay dos pistolas de bolsillo que fueron de su propiedad y que, tradicionalmente, se han relacionado con la pistola con la que se suicidó a los 27 años. El suicidio y la muerte son dos temas que están muy presentes en la literatura romántica, por ello, en esta misma sala, hay una serie de pinturas llamativas relacionadas con la muerte, como es el caso de un retrato del escritor Gustavo Adolfo Bécquer en su lecho de muerte pintado por su amigo Vicente Palmaroli en 1870. Otras pinturas interesantes del Gabinete de Larra son dos obras de Leonardo Alenza donadas por el marqués de Cerralbo en las que se satiriza la idea romántica de la muerte. Una de ellas es un lienzo titulado La sátira del suicidio romantico por amor, en el que un anciano muy desmejorado está a punto de quitarse la vida por una mujer tan poco agraciada como él. El otro lienzo, titulado Sátira del suicidio romántico, fue pintado en 1839 y es una de las pinturas más famosas de este artista. En esta pintura el personaje principal es un hombre ataviado con una descuidada camisa que está a punto de tirarse al vacío. Su mano izquierda la posa en su corazón y en la derecha porta una daga que apunta a su pecho para clavársela en el caso de que fallase en su intento en morir despeñado. La pintura, además, tiene dos personajes que realzan más si cabe la sátira del suicidio, un hombre ahorcado de un árbol y a su lado, otro hombre con la cabeza destrozada por un disparo. Estas dos pinturas satíricas cargadas de simbología ponen de manifiesto que no todos los artistas de la época contemplaban la funesta idea del suicidio como algo bello, sino todo lo contrario, tal y como el propio Alenza puso de manifiesto con estas dos obras, aunque el propio artista se le podría calificar como el prototipo del artista romántico, pues murió en 1845, pobre y en plena juventud, por una enfermedad “romántica” como era la tuberculosis.

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CURIOSIDADES En la actualidad, el Museo del Romanticismo tiene catalogados un total de 16.418 fondos museográficos y 4.368 fondos documentales. Pinturas, muebles, porcelanas, miniaturas, fotografías y todo tipo de artes decorativas forman parte de esta colección, un verdadero tesoro que hace única a esta institución. Pese a la gran cantidad de objetos que atesora, siempre hay alguno que destaca por su singularidad y que llama la atención del público, es el caso del retrete de Fernando VII, un lujoso mueble de caoba realizado en 1820 que se encontraba en el Salón Real del Museo del Prado, concretamente en la sala del museo que hoy alberga Los fusilamientos del 3 de Mayo de Francisco de Goya. El retrete se encuentra en una pequeña sala en la que se ha recreado con pinturas un aspecto similar al que tenía en el Prado. Otras piezas interesantes y llamativas son las joyas realizadas con pelo humano, las figuras de porcelana y las pinturas costumbristas. Artes decorativas, pinturas, esculturas y un sin fin de piezas históricas es lo que el visitante puede encontrar en el Museo del Romanticismo, una joya en pleno corazón de Madrid.

Fuentes: Museo del Romanticismo Museo Nacional del Prado

MUSEO DEL ROMANTICISMO San Mateo, 13 Madrid www.museoromanticismo.mcu.es

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| MADRID COMUNIDAD |

PARACUELLOS DE JARAMA El Cementerio de los Mรกrtires

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Paracuellos de Jarama es un municipio madrileño cuyo nombre está ligado a unos terribles crímenes acaecidos al inicio de la Guerra Civil española. En este lugar, miles de personas fueron asesinadas en un descampado muy cercano al río Jarama. La “Matanza de Paracuellos”, como es conocido este episodio histórico, es un triste capítulo de la historia contemporánea que sigue siendo objeto de investigación pues la autoría y la responsabilidad de aquellos crímenes, todavía hoy, 79 años después, es motivo de discusión.

_______ POR EMNMM

El Cementerio de los Mártires es un gigantesco camposanto repleto de cruces, la mayoría sin nombre, donde yacen miles de personas. Nunca se ha podido saber con exactitud cuántas personas hay enterradas en este lugar. Algunas estimaciones hablan de más de 4.500 personas repartidas en siete grandes fosas, aunque hay fuentes que rebajan esa cifra hasta las 2.500. Sea una u otra, la cifra es verdaderamente abrumadora. Este dramático episodio de la Guerra Civil en Madrid ha sido considerado como un acto genocida y la responsabilidad de estos asesinatos motivo de polémica ya que su autoría, supuestamente, apunta al político comunista Santiago Carrillo que, aunque siempre negó su responsabilidad, hay pruebas que indican todo lo contrario. También hay pruebas de la posible participación de agentes soviéticos de Stalin, a los que se les considera como los ideólogos del plan de exterminio de presos. Los hechos ocurrieron entre los meses de noviembre y diciembre de 1936, cuando las tropas de Franco se encontraban a las puertas de la ciudad de Madrid. El gobierno de la República, temeroso de que los miles de presos políticos que se hacinaban en las cárceles se uniesen al bando insurrecto, decidió cortar por lo sano y de las cárceles y penales de San Antón, Ventas, Porlier y la Modelo salieron miles de presos hacia Paracuellos donde fueron fusilados. La gran mayoría de ellos cumplían condena en la cárcel por su ideología política; monárquicos y militares insu-

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rrectos en su mayoría, aunque no fueron pocos los condenados por el simple hecho de ser católico, pertenecer al clero o ser escritores y periodistas sospechosos de simpatizar con el bando insurrecto. Los primeros fusilamientos comenzaron el 7 de noviembre de 1936 con las “sacas” de primeros prisioneros de la Cárcel Modelo que, posteriormente, fueron conducidos hasta unos autobuses del servicio público urbano que les llevarían a Paracuellos. Una vez allí, con la ayuda de los vecinos del pueblo, fueron obligados a cavar unas grandes fosas donde acabarían enterrados tras ser fusilados. Sólo en este primer día fueron fusilados cerca de un millar de personas. Las “sacas” de presos continuaron de forma intermitente hasta diciembre de ese mismo año, no sólo con presos de la cárcel Modelo, también de otros penales donde se hacinaban miles de personas consideradas por las autoridades republicanas como peligrosos para el gobierno de la República. Terminada la guerra, Paracuellos se convirtió en un enorme camposanto del que el Franquismo supo sacar provecho con el muy publicitado y poco riguroso estudio que se hizo del mismo en la Causa General creada por el propio Franco en 1940. Si bien es cierto que las miles de personas que yacen en este cementerio fueron convertidas en mártires por Franco, también lo es que los vecinos de Paracuellos de Jarama fueron durante años despreciados y estigmatizados por haber participado obligatoriamente en la excavación de las fosas comunes donde acabaron los presos asesinados. Han pasado 79 años desde aquel episodio histórico y todavía hoy este lugar y los hechos ocurridos en allí, son objeto de acaloradas disputas que ponen de manifiesto que las heridas de la guerra y, por supuesto, las heridas del Franquismo, no se han cerrado del todo.

Paracuellos - Katyn. De César Vidal. Ed. Libroslibres. 2005 Paracuellos. Cómo fue. De Ian Gibson. Ed. Temas de Hoy. 2005 La batalla de Madrid. De Miguel Ángel Criado. Unidad Editorial.

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| MADRID NATURAL |

EL PITO REAL Verde y chill贸n EMNMM - 45

______ TEXTO: ANTÓN PÉREZ | FOTOS: VERÓNICA LÓPEZ RODRÍGUEZ

Al lector asiduo de esta sección, al que como tal se le supone avispado y curioso, seguro que no se le ha escapado la existencia del protagonista de las líneas de este mes. No sólo por su color, rematadamente verde, sino porque sin duda ha escuchado más de una vez su estentórea risotada, que resuena hasta en el corazón verde de la capital, en el Retiro. Hablamos del pito real ibérico Picus sharpei, el más peculiar de nuestros pájaros carpinteros. Aunque el pito real sea un pájaro carpintero de costumbres un tanto atípicas, la verdad es que su aspecto se ajusta a todos los cánones de la familia: del tamaño de una paloma, es sin embargo robusto, cabezón y de pico fuerte y aguzado. Para agarrarse mejor al trepar, sus pies se distinguen de los de la mayoría de las aves: uno de los tres dedos que normalmente apuntaría hacia delante gira hacia atrás para hacer mejor pinza sobre los troncos, más anchos que las ramas. Buscando la eficiencia al trepar, también la cola actúa como un tercer punto de apoyo: es muy rígida, y bifurcada, ajustándose así mejor a la curvatura del árbol. Como los otros carpinteros, tiene una lengua muy larga y una saliva muy pegajosa, ideal para extraer la comida de cualquier recoveco.

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Hasta aquí las semejanzas. Vamos con las diferencias, que no son pocas. Para empezar, el color: básicamente verde, aunque con el capirote rojo. Verde con muchos matices, que tira al gris en el vientre y casi al amarillo en la base de la cola. Color verde que, si bien en principio parece demasiado llamativo, casa muy bien con el estilo de vida de esta especie, que pasa gran parte de su tiempo, no en los árboles, sino en el suelo, entre la hierba, donde de hecho pasa bastante desapercibido. Y si pasa tanto tiempo en el suelo es porque su dieta esencialmente la forman, no las larvas de insectos que roen la madera y que tanto buscan otros pájaros carpinteros, sino las hormigas. Y como come hormigas en el suelo, este pájaro carpintero no busca bosques extensos y espesos como sus parientes, sino pequeños grupos de árboles dispersos, que le ofrezcan mucho terreno libre a su alrededor donde bajar a comer. Y es por eso que es tan frecuente dentro de todos los parques grandes de Madrid, donde le sobra césped en que alimentarse. Fuera de la ciudad, frecuenta sobre todo las arboledas cercanas a los ríos, no sólo porque suelen estar en áreas abiertas, agrícolas o con pastizales de ganado, sino porque es allí donde crecen los árboles que prefiere para construir el nido, los chopos. Busca los chopos el pito real porque, al no tener que buscar la comida a picotazos en la madera como sus parientes, no tiene tampoco su fuerza, y debe buscar maderas blandas, como los chopos podridos, cuando quiere excavar sus nidos. Por la misma razón, tampoco proclama las lindes su territorio tamborileando, sino a voz en grito: el sonoro “¡kiu-kiu-

kiu-kiu-kiu…!” del pito real, a medio camino entre carcajada y relincho, se escucha una vez y ya ni se olvida ni se confunde.

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En las parejas de pito real, que suelen mantenerse unidas y en el mismo territorio a lo largo del año, y alimentarse y reclamar juntas, es fácil distinguir el macho de la hembra: él tiene una mancha a modo de bigote de color rojo, que es negra en ella. Ambos excavan “mano a mano” (pico a pico) un hueco nuevo cada año, quedando los de años anteriores a disposición de multitud de otras aves que dependen de estas cavidades para criar, y en ese hueco, sin molestarse en forrarlo por dentro con nada, ponen los huevos y sacan adelante una única pollada de cinco o seis jovenzuelos gritones, que hacen resonar el tronco cada vez que llegan los padres con comida. Y no parece irles mal en esto de la cría a nuestros carpinteros más carismáticos, pues abundan en buena parte de España. Los urbanos, además, recelan bastante poco del hombre, y entre tanta paloma poco agraciada resulta de lo más agradable cruzarse de tanto en cuanto con uno de estos bichos, vocingleros y pintones. Que sea por muchos otoños más…

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| LUGARES |

El Camino Primitivo de Santiago Ruta de Derechos Humanos

_______ POR EMNMM El Camino de Santiago ha sido y es una de las señas de identidad de Europa, pues ha servido en gran medida para la vertebración de la cultura occidental europea a lo largo de los siglos. En la actualidad, los caminos que conducen a Santiago son numerosos y extensos pero hay uno, el conocido como el Camino Primitivo, cuya importancia ha sido reconocida recientemente por la UNESCO declarándolo Patrimonio de la Humanidad. El Camino Primitivo de Santiago parte de la ciudad de Oviedo en Asturias y termina en Santiago de Compostela. Este camino fue la primera ruta utilizada en el siglo IX por los cristianos que peregrinaban a la tumba del apóstol Santiago. Devoción, historia, cultura, maravillosos paisajes y buenas gentes son algunos de los activos que aporta esta ruta milenaria que, además, cuenta con un nuevo y emocionante proyecto que pretende, una vez más, potenciar esta ruta dotándola de un valor añadido como es el fomentar y promocionar el valor de los derechos humanos en todo el mundo. La organización International Solidarity for Human Rights, encabezada por sus directoras: la comunicadora Elizabeth Sánchez Vegas y la cantante Deborah Sasha, han sido las encargadas de presentar la iniciativa de esta organización para vincular el Camino Primitivo a la Declaración Universal de los Derechos Humanos. Con ello, se pretende promocionar esta ruta porque, según afirman sus promotoras, tanto la esencia del camino como la declaración universal, comparten los mismos valores de solidaridad, amistad y respeto a los demás. Recientemente la organización International Solidarity for Human Rights, con sede en Florida, recorrió el Camino de Santiago para dar a conocer la Declaración Universal de Derechos Humanos. Elizabeth Sánchez y Deborah Sasha fueron las encargadas de dar a conocer esta iniciativa realizando un recorrido de 312 kilómetros en una peregrinación que comenzó el pasado 20 de septiembre en Oviedo y finalizó en 4 de octubre en la Catedral de Santiago de Compostela.

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Durante todo el recorrido las peregrinas llevaron en sus mochilas un pequeño libro ilustrado con los treinta artículos de la declaración de los derechos humanos y el programa Human Rights Class in a Box, un curso introductorio creado para las escuelas ubicadas en las inmediaciones de la ruta primitiva del Camino de Santiago. Durante el recorrido visitaron las escuelas de las poblaciones cercanas al camino para ser portavoces del mensaje de respeto, igualdad y justicia contenido en los preceptos de la Declaración Universal de Derechos Humanos. El viaje ha sido todo un éxito y ha contado con el respaldo de ayuntamientos y organizaciones. Por ello, la International Solidarity for Human Rights anunció recientemente que en 2016 se inaugurará la Ruta de los

Derechos Humanos, que discurrirá por la misma ruta que el Primitivo de Camino de Santiago. Esta acción pionera en Europa, promoverá la formación en los derechos humanos a través de la educación y de las artes. Este valor en alza se verá complementado con la creación de treinta emplazamientos a lo largo de los más de 320 kilómetros del Camino Primitivo, que acogerán una obra de arte dedicada a cada uno de los 30 artículos de la Declaración Universal de Derechos Humanos, con el objetivo de difundir también estos valores entre peregrinos y ciudadanos. Eladio de Mora, más conocido por el nombre artístico de dEmo, será el encargado de colocar sus obras en los treinta hitos que harán referencia a los artículos de la declaración a lo largo del camino. El arquitecto Carlos

Sánchez-Montañés será el encargado del diseño del entorno que albergara dichas obras. dEmo es un reconocido artista que siempre se ha caracterizado por su compromiso con los valores que emanan de la Declaración Universal. Sus originales obras, que nunca dejan indiferente, se encuentran repartidas por todo el mundo y, esta vez, lo estarán en el corazón espiritual y cultural de España. El 2016 está a la vuelta de la esquina y la ISHR invita a todo el mundo a potenciar el Camino Primitivo añadiéndole un nuevo valor como es el de convertirse en la «primera ruta de Derechos Humanos de Europa». www.ishrights.org

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| PERSONAJES |

SOR PATROCINIO La monja de las llagas _______ POR R.J.

Uno de los personajes más extraños, queridos, temidos y odiados en el Madrid del siglo XIX fue una monja llamada María Josefa de los Dolores Anastasia de Quiroga, conocida como Sor patrocinio o «La monja de las llagas», debido a las cinco llagas que aparecían habitualmente en su cuerpo y en los mismos lugares que las heridas infligidas a Jesucristo en la crucifixión. Si la aparición de las llagas sangrantes en la religiosa eran llamativas, no menos llamativos fueron los supuestos milagros que obraba, sus visiones proféticas anunciando desgracias o sus viajes en compañía del mismísimo Demonio. Sor Patrocinio fue una figura que ejerció una enorme influencia en el destino de España, un misterioso personaje que logró doblegar a grandes hombres como el general Narváez y el general O´Donnell ejerciendo, además, una importantísima influencia negativa en la la corte española gracias a su relación con la reina Isabel II y el poderoso influjo que ejercía sobre el rey consorte Francisco de Asís. Sor Patrocinio fue una mujer realmente fascinante, misteriosa y extraña que merece la pena recordar.

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Sor Patrocinio nació un 27 de abril de 1811 en la

nera, a pronunciarse políticamente y utilizar sus es-

provincia de Cuenca, en el seno de una familia

tigmas y visiones para presionar e influir en la vida

humilde que, con el paso del tiempo, vieron cómo

política. En una de estas visiones, Sor Patrocinio

su prestigio e influencia aumentaba a medida que

afirmó que el mismísimo Diablo la sacó de su celda

Sor Patrocinio medraba por las altas esferas de la

y la llevó camino de Aranjuez, al llegar al recinto pa-

política y la corte española.

laciego, el Demonio le dijo que «María Cristina es una mala mujer en todo sentido, y su hija (Isabel II)

Poco se sabe de la infancia de la religiosa, sí se sabe

no era, ni podía ser, reina de España». Dicho esto,

que en 1826 ingresó en el convento madrileño de

el Diablo, que aunque malvado siempre ha sido todo

las Comendadoras de Santiago donde tomó el

un caballero, agarró a la monja y volando la llevó

nombre de Sor Patrocinio. Tres años después, en

hasta el convento de donde la había sacado.

1829, vestiría el hábito de la Orden Concepcionista en el convento madrileño del Caballero de Gracia,

Declaraciones como esta tuvieron una rápida res-

donde tendría su primer estigma, una llaga en el

puesta y sus incipientes aspiraciones políticas se vie-

costado izquierdo que no sería la única, pues el 20

ron truncadas, siendo acusada de «una impostura

de mayo de 1830, el día de la Ascensión, a la reli-

artificiosa y fanática y una tentativa de subvenir el

giosa le aparecieron estigmas en las manos y pies,

Estado y favorecer la causa del príncipe rebelde».

además de unas llagas sangrantes en la frente. Finalmente, Sor Patrocinio fue llevada ante la jusA la aparición de los estigmas le siguieron las visio-

ticia, donde la trataron de loca. Al curarle las llagas,

nes místicas, la primera ocurrió también en 1830, dos

los doctores Mateo Seoane y Diego Argumosa,

días antes de la festividad del Corpus, cuando la

afirmaron que éstas fueron producidas artificial-

estigmatizada monja bajaba por unas escaleras del

mente por medios cáusticos. Fue enjuiciada en 1836

convento y de repente entró en éxtasis. Al recuperar

y la religiosa fue acusada de fraude y condenada al

la consciencia afirmó que el Cristo pintado en un

destierro «a 15 leguas lo menos de Madrid, donde

cuadro que había en las escaleras del convento le

vivan religiosas sin poder ejercer cargo alguno de

habló. Aunque aquí no acaba la cosa, al año si-

autoridad o gobierno» durante casi ocho años, en

guiente, tras otro de sus éxtasis afirmó que la Virgen

los que tuvo tiempo hasta para escribir un libro.

María se le había aparecido. Los éxtasis y estigmas de la monja tenían a la comunidad de religiosas en

Durante ese tiempo nada se supo de Sor Patrocinio

un continuo sobresalto, aunque fuera de los muros

hasta su vuelta a Madrid, donde se instala en el

del convento las cosas tampoco estaban tranquilas.

Convento de Jesús. De la noche a la mañana la religiosa se había aliado con el padre Fulgencio, con-

En 1833 muere el rey Fernando VII, y deja a su

fesor del rey consorte Francisco de Asís y con su

esposa María Cristina como regente, poco faltaría

propio hermano Manuel Quiroga que, gracias a las

para que estallasen las guerras carlistas y la política

influencias de la monja, había sido nombrado gentil

en España estaba envenenada. Con este convulso

hombre quien no se separaba del rey consorte. La

escenario político Sor Patrocinio comenzó, a su ma-

monja, su hermano y el confesor dominaban por

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completo la voluntad de Francisco de Asís, llegando

Roma y en ningún momento perdió la oportunidad

a convertirse en un auténtico pelele que no hacía

de hacer contactos con personajes influyentes para

nada sin el beneplácito del trío.

conspirar y urdir alianzas.

Sor Patrocinio alcanzó una enorme influencia, sus

En 1874, con la restauración y la llegada al trono

visiones, sus éxtasis y su capacidad de profetizar

del rey Alfonso XII, la religiosa vuelve a España y

fueron una buena herramienta para conseguir gran-

se instala en el convento de La Concepción en

des cantidades de dinero que empleaba en la fun-

Guadalajara, sin hacer mucho ruido, con un perfil

dación de conventos. Este trato de favor tenía

bajo para no levantar sospechas entre la clase polí-

también consecuencias negativas, mucha gente la

tica que ya se había olvidado de ella e incluso la

odiaba, tanto es así que fue víctima de un atentado

daban por muerta.

del que milagrosamente salió ilesa. A pesar de la avanzada edad de Sor Patrocinio, Liberales, progresistas, masones, todos los que

desde su llegada al convento alcarreño no cesó ni

tenían aspiraciones políticas atacaban por todos los

un solo día en su actividad política. Aunque no se

frentes a «la monja de las llagas». Fue duramente

dejaba ver por nadie, recibía numerosa correspon-

criticada, perseguida y nuevamente desterrada a

dencia del extranjero y de Madrid frecuentes visitas

Roma en 1852, su permanencia en la ciudad eterna

con regalos y dinero, mucho dinero.

no fue larga pero sí muy fructífera pues fue bendecida afectuosamente por el papa Pío IX, regresando

Con muchos proyectos en mente, la monja fallece el

a Madrid con más prestigio del que tenía anterior-

27 de enero de 1891 en el convento de Guadalajara

mente. Aprovechando la situación, Sor Patrocinio

a los ochenta años por una dolencia cardíaca, sin

se dedicó a fundar numerosos conventos en Madrid

agonía alguna y justo después de recibir telegráfica-

y en sitios reales como Aranjuez o La granja, gas-

mente la bendición papal. La muerte acabó con sus

tando ingentes sumas de dinero, su obra parecía

aspiraciones políticas, sus conjuras y conspiraciones,

imparable y todo parecía ir a su favor.

para alivio de muchos, como quedó reflejado en la mayoría de los diarios de la época, que derramaron

Las aspiraciones de la monja se vieron repentina-

ríos de tinta narrando la vida y obra de la monja.

mente truncadas en 1868 con el estallido de la revolución; La Gloriosa, también conocida por La

Sor Patrocinio, la extraña y misteriosa mujer siem-

Septembrina, que supuso el destronamiento de la

pre envuelta con negros velos y manos siempre

reina Isabel II y el inicio del Sexenio Democrático.

ocultas por mitones fue una santa para algunos y

Durante este tiempo, Sor Patrocinio desapareció de

una farsante para otros, de lo que no cabe duda es

España y los conventos que había fundado fueron

que fue una de las figuras más influyentes, fascinan-

cerrados uno a uno. Poco se sabe de la vida de la

tes y misteriosas del convulso siglo XIX en España.

religiosa durante esta época. Se la pudo ver en el extranjero, vestida de seglar y utilizando su verdadero nombre, Rafaela Quiroga. Estuvo en París, en

Fuentes: La Iberia (Diario Liberal) / Enero 1891 El Día / Enero 1891

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| ARTE |

SANTIAGO YDÁÑEZ Klaus Enrique es genetista afincado en la ciudad de Nueva York que saltó a la fama por sus originales creaciones realizadas con materia orgánica. Sus famosos retratos frutales son una creación inspirada en los retratos de Arcimboldo que, gracias a Internet, han dado la vuelta al mundo. Desde hace ya algún tiempo Klaus ha dejado a un lado su profesión científica para dedicarse a lo que realmente le gusta, el arte, algo que siempre había estado latente en su interior y que a día de hoy se ha convertido en su forma de vida, de entender el mundo y lo más importante, el poder ser feliz. Hemos querido conocer más de cerca a este original artista para hablar de su trabajo y de su obra en esta entrevista a caballo entre Madrid y Nueva York. Por R.J.

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_______ POR RAMÓN RIVAS

Nacido en la localidad jienense de Puente Génave, Santiago Ydáñez (1969) es uno de los artistas contemporáneos españoles más cotizados y valorados. Sus obras se encuentran repartidas en varias instituciones y su prolífica obra va a la par con las numerosas exposiciones que realiza en las principales capitales del arte de todo el mundo. Aunque la paleontología fue la ciencia a la que quería consagrar su vida profesional, el destino quiso que uno de sus profesores identificase en Santiago el talento que tenía para las artes plásticas. A partir de ese momento, Santiago comenzó a forjarse como un pintor que no sólo tenía una destreza impresionante a la hora de pintar, también una gran capacidad de observación y de reinterpretación del mundo que le rodea. En la actualidad, Santiago Ydáñez es un pintor prolífico que vive a caballo entre España y Alemania; en Puente Génave, donde está su familia y en Berlín, donde autogestiona una galería de arte junto a varios reconocidos artistas españoles. Durante este mes de noviembre Santiago Ydáñez está presente en la New Gallery de Madrid con la exposición El Oso y el Roble, una fantástica ocasión para acercarse a este gran artista al que hemos tenido el lujo de entrevistar.

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Santiago, desde niño el dibujo y la pintura siempre ha sido algo natural que formaba parte de tu propia vida. El que te dediques a la pintura y el hecho de ser uno de los pintores más valorados e importantes de España, en cierta medida, se debe a que un profesor de tu escuela supo ver el talento que llevabas dentro. ¿Tienes contacto con este profesor? Realmente nunca había pintado, es cierto que con 14 años un profesor de plástica llamado Carlos se percató de cierto talento pictórico en mis manos, pero mi vocación era la de paleontólogo. Al final ya con 19 años decidí estudiar Bellas Artes en Granada y, ciertamente, me apasionó la pintura. Por desgracia no tengo contacto con ese profesor. En alguna ocasión has dicho que el ambiente rural en el que te has criado ha marcado tu carrera profesional, eso es algo evidente pero ¿cuáles son las temáticas que te nutren a la hora de realizar una obra? Mi infancia rural ha sido determinante en mi trabajo, no sólo por haberme criado en el campo, como quien dice, sino también por haber sido monaguillo agnóstico, me encantaban los espacios religiosos y la familiaridad que llegué a tener con las esculturas de santos. Está claro que todo esto ha marcado mi trabajo posterior, humanizando y desacralizando la imaginería al igual que humanizando animales y animalizando humanos. Llama la atención el gran formato de tus obras que, en ocasiones, son gigantestas. Esto debe suponer una gran dificultad no sólo a la hora de trabajar, también para plasmar lo que quieres representar porque no es lo mismo pintar en el suelo que en vertical ¿cómo te enfrentas a este problema? El formato grande es más natural para mí que el pequeño, me muevo con más fluidez. Suelo pintar en vertical ya que la gravedad de la materia es importante a nivel gestual y matérico. A veces, si la pieza ha sido enorme, he tenido que pintarla en el suelo, pero sin mayor problema, he cambiado de brocha y ya está. Gran parte de tu obra se centra en el retrato ¿cómo seleccionas a los personajes? Muchos de los personajes que pinto son amigos o conocidos del pueblo y les trato con la misma familiaridad que a una escultura de un santo, tienen algo de emblemas, algo así como súper héroes. Eres un artista bastante prolífico y cuentas con una extensísima obra en la que se puede apreciar una evolución al color y, en cierta media, al misticismo ¿hacia dónde crees que va tu obra? El vivir te va llevando de un sitio a otro, conceptualmente hablando. El hecho de vivir en Berlín 11 años me ha llevado a pintar estas últimas exposiciones sobre la nostalgia del paraíso perdido, la raza, la identidad, lo germánico versus mediterráneo… Nunca se sabe dónde iremos más tarde. En cuanto a la evolución del color en mi trabajo, ha habido diferentes etapas; desde la sobriedad del blanco y negro a piezas dónde el color es importante. No obstante mi paleta siempre ha sido de secundarios y terciarios. Como la tierra, es lo que me queda de mi vocación frustrada de geólogo.

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Eres muy rápido en la ejecución de una obra, ¿tus pinturas evolucionan con el tiempo? ¿Son retocadas posteriormente o una vez terminadas no las vuelves a toca? Mis piezas suelen ser de una sesión ya que me gusta que el gesto y la materia sean componentes discursivos importantes. A veces se da el caso de realizarlas en varias sesiones pero no es lo común. Sin embargo, tengo el reto de pintar algunas piezas con mucho esfuerzo y detalle, pero las realizaré el próximo año. Has realizado numerosas exposiciones y en alguna de ellas has incluido elementos ajenos a la pintura como la taxidermia ¿forma parte de la puesta en escena expositiva? ¿Has trabajado otras disciplinas como la escultura? Sí, también utilizo objetos, algunos de los cuales son intervenidos con una pintura: los cuchillos fueron los primeros, luego fueron libros, esculturas, cajas de cubiertos, casullas... También realizo algunas esculturas, como es el caso de las versiones de tallas barrocas o la mezcla de lo religioso y lo profano lúdico, como son unos muñecos de futbolín con cabeza de santos barrocos. Cuentas con tres estudios de trabajo en diferentes lugares y, además, vives entre España y Alemania ¿Cómo influye eso en tu proceso creativo? Sí, tengo tres talleres y pinto en los tres, aunque últimamente pinto más en Puente de Génave ya que están mis padres y mis amiguetes de la infancia. Vivir en Berlín me ha enriquecido mucho, conocer otra cultura, otras gentes y otros amigos. En Berlín, junto a otros cuatro artistas habéis creado la galería Invaliden1 ¿cuál es el objetivo de esta galería? Invaliden1 se formó para poder mostrar nuestro trabajo en la ciudad de Berlín y aportar algo integrándonos en la misma. Ha sido un proyecto hermoso con exposiciones excelentes. Abrimos la galería en Berlín para poder mostrar nuestro trabajo, ya que es una sociedad algo proteccionista y no es fácil encontrar galería allí. Precisamente en Berlín realizaste en 2013 una exposición relacionada con el nazismo, háblanos de este proyecto. La exposición que hice en Berlín se llamaba Nieve sucia y hablaba de ese mancillamiento espiritual que supone la xenofobia, remontándonos a un par de generaciones atrás del nazismo. Elegí objetos bellos del siglo XIX alemán, principalmente libros para intervenirlos con una pintura mía o bien manipular sus grabados. Mi proceso creativo es el mismo en España que en Alemania. ¿En qué otras exposiciones podremos disfrutar de tu trabajo? Ahora mismo tengo varios proyectos en marcha, dos ellos son: El Oso y el Roble en la New Gallery de Madrid que estará hasta el 21 de noviembre y DEreojo, en el CAAM de las Palmas de Gran Canaria. Los próximos proyectos serán varias exposiciones: Birds en noviembre en la Dillon Gallery de Nueva York. El 10 de diciembre se inaugurará Las cenizas del ruiseñor en el Museo Lázaro Galdiano y después la exposición José y sus hermanos que se expondrá en la galería Juan Silio de Santander. www.santiagoydanez.com

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| FOTOGRAFÍA |

SOFÍA SANTACLARA _______ POR RAMÓN RIVAS

De las muchas cualidades que ha de tener un buen fotógrafo, una de ellas, posiblemente, sea la capacidad saber contar una historia con una sola imagen y el poder captar el alma de todo lo que le rodea, este es el caso de Sofía Santaclara, una asturiana que ha encontrado en la fotografía una fuente inagotable de inspiración para dar rienda suelta a sus dotes artísticas. Sofía realiza su trabajo con absoluta libertad y valentía, eso queda perfectamente reflejado en sus trabajos marcados por la imaginación y la experimentación. También en sus fotografías queda patente su bagaje profesional en el mundo de la danza y la interpretación, logrando contar fascinantes historias en movimiento en cada uno de sus trabajos. Apasionada, compulsiva y sobre todo, artista, son los adjetivos que posiblemente definen mejor a Sofía Santaclara, por ello hemos querido hablar con ella en esta entrevista.

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Sofía, se podría decir que tus trabajos son conocidos desde hace poco tiempo aunque, por lo que se adivina, tu dedicación a la fotografía viene de lejos ¿Cómo comenzaste en el mundo de la fotografía? Tenía en esa lista de cosas pendientes que solemos retomar en septiembre, o a comienzos de año, junto con empezar al gimnasio o volver a conducir, aprender fotografía; y me decidí a intentarlo, hará unos siete años, empecé en una academia de Oviedo. Me acerqué a la fotografía analógica, a los procesos en el laboratorio y esto duró un año aproximadamente, pero pronto adiviné que había mucho más que la técnica y los procedimientos, que la fotografía era un lenguaje poderoso y mágico que me cautivaba cada vez más, por la libertad y posibilidades que me regalaba. Me empecé a apasionar, hice cursos con grandes maestros, ya fuera de Asturias, que me abrieron la mente y la mirada, y me obsesioné con fabricar imágenes, me inocularon el virus de la fotografía y dicen que no tiene cura, así que en esas ando, creando imágenes como antídoto pasajero a mi mal. La danza y el mundo de la escena ha formado parte de tu vida mucho antes de tu trabajo en el mundo de la fotografía ¿en qué medida crees que ha influido en tu obra fotográfica? Han influido de una forma definitiva, cuando hago fotografías sigo siendo esa niña que bailaba durante horas delante de los espejos y que siempre decía que sería actriz. Tengo una visión teatral y fantasiosa, soy repetitiva con mis obsesiones, amo disfrazarme y ser mi propio objeto fotográfico, me estoy regalando esa profesión que hubiese querido tener. Disfruto doblemente cuando poso, generando todo en la imagen, siendo la directora, la maquilladora, la protagonista, la limpiadora, la productora. Me gusta mucho la gente y soy tremendamente empática, pero amo la soledad escogida, momentos exquisitos con, y para uno mismo.

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La necesidad de contar una historia y la libertad absoluta a la hora de narrarla son, posiblemente, algunos de los rasgos que definen tu obra. Da la impresión de que no te ciñes a unas pautas académicas establecidas sino que trabajas con total libertad. ¿Cuánto hay de experimentación en tus obras? Totalmente libre me siento al fotografiar, puedo contar lo que quiera y como quiera, es una sensación maravillosa, bucear en la mente y sacar, contar lo que me bulle dentro, es como poner una cánula directa a mi cerebro y permitir ver a los demás lo que hasta ese momento solo yo veía. No me ciño a ninguna pauta, mi aprendizaje es prácticamente autodidacta y la experimentación mi mejor maestra, no tengo miedo a equivocarme, del error nacerá el acierto, funciona así. Me encanta cacharrear, cocinar fotografías, cocinar también me gusta mucho, siempre las asocio. La alquimia de la cocina. Tus trabajos también tienen ciertos componentes que dan mucho carácter, en ellas se mezcla el elegante movimiento de la danza, la poesía y lo onírico. ¿Cómo te planteas cada proyecto? ¿Cuáles son los principales estímulos que te llevan a un determinado trabajo? Algunas veces los trabajos surgen desde un concepto premeditado que busco, sobre el que quiero trabajar. Yo me acuesto en la cama con intención creadora, me centro en el tema que quiero desarrollar, me relajo, hablan del estado alfa… y vienen, y me cuentan lo que he de hacer, suena raro pero es bien cierto. Me tengo que levantar a documentar todo eso que me han dictado, porque si no lo hago, se volatiliza, me ha pasado muchas veces, esa inspiración regalada, requiere también de ese esfuerzo, de esa disciplina, que es salir de ese estado de semi consciencia plácido, y plasmar lo que la mente ha visto, para hacer un plan de ruta. Comenzar a documentarse y a emocionarse con el proyecto, adoro ese momento, es la fase de enamoramiento.

Serie Recetas para detener el tiempo

Otras veces, son imágenes que hago porque sí y que después se hilan y se engranan, no es tan difícil esto último, ya dije antes que soy repetitiva y limitada, lo que me gusta y me interesa lo hace siempre, es por tanto sencillo hacerlo cuadrar todo. Siempre hablo de la inspiración, de la imaginación como el gran regalo que me tocó en la ruleta de la vida, me resulta fácil idear, volar, a veces lo complicado en mi caso, es discernir, escoger y centrarse. Reconozco y venero a la música como el estímulo más potente e inspirador, ella es la reina de las artes a mi entender. La literatura y la mitología también me apasionan, y son grandes generadoras de ideas en mi caso. Cada una de tus obras forma parte de una serie ¿te planteas cada trabajo de forma individual o como parte de una serie completa? Unas veces sí, otras no. Lo que sí que es cierto, es que a día de hoy, antes de mostrar el trabajo, es bastante importante encajar, encadenar unas imágenes con otras, armar un corpus; recitar un poema, no versos sueltos. Una de las series más conocidas de tu trayectoria artística es Astígmata, en la que te autorretratas con “obturidad” término acuñado por ti, creando fascinantes imágenes en movimiento que van mucho más allá del retrato. Háblanos de este trabajo. Astígmata es el trabajo que presenté aquí en Madrid en Espacio Foto, hace un año. Hay un crítico que la definió muy bien, de forma breve, Juan Carlos Gea dijo de ella: “Una colección de autorretratos, un tenso juego de exhibición (y autoexhibición) y de ambigua ocultación mediante la fragmentación, el escorzo, el desenfoque, el movimiento, la distorsión, la veladura o el reflejo. Una sutil teatralidad, un aire irreal y al tiempo poderosamente físico y un elemento de algún modo agónico cargan las imágenes de su esquivo, pero envolvente erotismo”. Yo no lo sé contar tan bien con palabras, por eso lo hice con fotografías. El término “astígmata”, que causa a veces cu-

riosidad, a parte de un ácaro muy feo, viene del fuerte astigmatismo que tengo, desde siempre, nunca he visto sin él, esa forma de mirar, nublada, algo difuminada, sin foco, estoy segurísima de que condiciona todas mis imágenes y aporta mucha de mi personalidad fotográfica. Un defecto que se convierte en virtud, pues sin buscarlo, le da carácter y unifica mi mirada. Has dicho en alguna ocasión que tienes tu propio “gabinete de curiosidades” compuesto con infinidad de objetos. El resultado son objetos descontextualizados y convertidos en verdaderas joyas que parecen atesorar historias fascinantes e inquietantes. Háblanos de este “gabinete”. Soy coleccionista compulsiva, algunos objetos los guardo por bellos, a otros muchos les veo alma, les intuyo la posibilidad de juego, la de que aún siendo feos, o demasiado cotidianos, pueda hacerlos crecer y crear con ellos una ficción en la que parezcan hermosos y excepcionales. Me permiten jugar a la magia, “lecciones de hechicería moderna”, me sirvo de ellos para contar cuentos, en definitiva, para narrar. Ingredientes para mis pócimas que hablan del paso del tiempo, de lo vivo, de lo muerto, de lo bello y lo grotesco tan presente en nuestras vidas. Decir coleccionista suena de maravilla, pero lo que yo tengo, creo que más bien, que es un principio del Síndrome de Diógenes. Porque una vez lo fotografío, me cuesta mucho desprenderme del objeto, y eso es muy sospechoso (risas). En la serie fotográfica Lepidópteras la estética del gabinete de curiosidades sigue presente, aunque trabajas con la figura humana, convirtiéndola en pequeñas joyas que recuerdan a los insectos, de ahí el nombre de la serie. ¿Cómo surgió la idea de este proyecto? Las Lepidópteras son mi colección privada de mariposas, como he dicho antes, adoro atesorar objetos, clasificarlos y catalogarlos,

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obsesiva y compulsivamente. Surgen estas, por una necesidad de ensalzar y conservar el cuerpo de la mujer, un conjuro que detenga el tiempo, también como un canto a la singularidad de cada una. En esa incesante búsqueda mía de ruptura del caos, me atrevo a bautizarlas, dotándolas de mayor personalidad, si cabe, utilizando nombres reales de manual de entomología, todos ellos de mariposas de la península ibérica, nombres preciosos y sumamente evocadores. Creo que es inevitable que, además de la fotografía, trabajes con el vídeo, ¿has realizado algún proyecto de videoarte? Sí, me gusta mucho el vídeo, es un lenguaje diferente a la fotografía; el vídeo es a la narrativa, lo que la fotografía es a la poesía. Me gusta hacerlos convivir, pienso que se enriquecen, y es fascinante experimentar con ellos juntos. Al tiempo que el vídeo supone un soporte maravilloso y asequible a día de hoy. Muchas son las cámaras que graban en alta definición, y nos permiten editar archivos capaces de viajar por la red velozmente, a coste cero, para ser exhibidos en cualquier parte del mundo. La serie Astígmata, además de las diecinueve fotografías, tiene un vídeo donde se funden los autorretratos, con los objetos mágicos de mi gabinete, con mis visones góticas… Pero reconozco que he hecho poco aún, lo tengo anotado para la lista de principios de año, (risas), hacer más vídeo. También me gusta colaborar con otros artistas como perfomer. En conjunto, haciendo mi propia interpretación, toda tu obra podría ser un viaje narrativo y visual que va desde la mitología clásica pasando por el romanticismo del XIX hasta el surrealismo de principios de XX ¿Hacia dónde crees que va tu obra? ¿Qué nuevos proyectos tienes en marcha? Lo has dicho divinamente, me encanta ese recorrido que has hecho tan precioso, haciendo hincapié en mis pilares. ¿Hacia dónde voy? No lo sé, no tengo ni idea, me dejo llevar, esto es

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cuestión de pulsión, de pálpitos, y de vez en cuando un borbotón coagula entre la manos, y eso significa que has encontrado algo que crees que puede ser valioso. Coágulos, en estos momentos tengo varios, pero no te los voy a contar, que luego todo se sabe (risas). ¿Dónde podemos disfrutar de tus obras? ¿Tienes alguna exposición a la vista? La galería que me representa en Madrid es Espacio Foto, en la calle Viriato 53, siempre tienen obra mía y mis ventas son a través de ellos. El director se llama Antonio Olazábal y es tan buen galerista como persona. Tienen un recorrido genial, no llevan demasiado tiempo, pero si no lo son ya (que pienso que sí), en nada será la mejor galería de fotografía de España. Siempre digo que es importantísimo el buen entendimiento entre la galería y el autor, somos un matrimonio bien avenido, y me considero bien afortunada con ellos… Esto suena a cuña publicitaria, pero no lo es (risas). Soy apasionada con las cosas en las que creo. Exposiciones individuales, no tengo programada ninguna, y estoy bien, muy bien. Feliz como una perdiz. La presión me mata, los últimos tres años han sido tremendos, pero afortunada por la suerte que he tenido de poder mostrar mi trabajo, pero necesito calma, barbecho para que la tierra se enriquezca. Sé que cuando tenga algo en lo que crea, que mostrar, bien acabado y bien cerrado, como a mí me gusta hacer las cosas, cuento con su total confianza. Así que como se suele decir, la pelota está en mi tejado, pero voy a tomarme mi tiempo para bajarla, no sea que se tambaleen las tejas (risas). Ahora lo que toca, es disfrutar cacharreando. Sofía, muchas gracias y esperamos verte pronto por Madrid Millones de gracias por haberme querido conocer, es un honor para mí, adoro vuestra ciudad, siempre que puedo me escapo, y ya estoy tardando en vivir aquí. www.sofiasantaclara.com

Serie Kalyas

Serie Recetas para detener el tiempo

Serie AstĂgmata

Serie Lepid贸pteras

| CINE Y TV |

LIFE Dirección: Anton Corbijn

LIFE es una película dirigida por Anton Corbijn que está inspirada en la verdadera historia de amistad surgida entre el fotógrafo de Magnum Dennis Stock (Pattinson) y el actor James Dean (DeHaan). La historia comienza en 1955, cuando la prestigiosa revista LIFE encarga al fotógrafo la realización de un reportaje fotográfico a través de los Estados Unidos, desde Los Ángeles a Nueva York y más tarde a Indiana junto al actor James Dean. La película, lejos de ser un mero documental, se centra en el choque personal y emocional que hubo entre el fotógrafo y el actor: Dennis, un joven fotógrafo de sólo 26 años que, pese a su juventud, vivía en un mundo encorsetado que le hacía sentirse un viejo y, por otro lado, el actor James Dean, una prometedora estrella de cine en ciernes y un espíritu libre que vivía la vida al límite sin pensar en las consecuencias. Dennis y James, dos personalidades antagónicas y un viaje que, además

de legarnos algunas de las imágenes más icónicas del actor, supuso una catarsis emocional al fotógrafo cuya vida cambiaría para siempre después de convivir con James Dean. LIFE es una película dirigida por Anton Corbijn y ha sido rodada en localizaciones de Toronto y Los Ángeles. Ha sido producida por See-Saw Films, First Generación Films y Barry Films, a partir de un guión de Lucas Davies. La película está protagonizada por Robert Pattinson (Queen of the Desert, Maps to the Stars, The Rover, The Twilight Saga), Dane DeHaan (Kill Your Darlings, The Place Beyond The Pines), Joel Edgerton (The Great Gatsby, Warrior), Alessandra Mastronardi (To Rome with Love, Romeo and Juliet) y Ben Kingsley (Selfless, Iron Man 3, Hugo). Estreno en España el 20 de noviembre.

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STOP OVER IN HELL VUELVE EL WESTERN MADE IN SPAIN

En España, durante los años sesenta y setenta se llegaron a rodar centenares de películas de vaqueros, eran películas producidas en solitario o con la participación de otros países europeos que supusieron un gran éxito. Ya en los años ochenta la época dorada de las películas de vaqueros Made in Spain había a la historia y nadie tuvo la osadía de volver a producir este tipo de películas hasta hoy. El western español regresa con el rodaje de la película Stop Over in Hell. (Parada en el infierno), título provisional del western cuyo rodaje ya ha comenzado. Este film está producido por Andrés

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Acevedo y se trata de la tercera película de ficción dirigida por Víctor Matellano, que esta vez se aparta del género fantástico y de terror con un western moderno pero con las claves propias del género, como recientemente se ha anunciado el durante la presentación del rodaje en el Almería Western Film Festival, que se celebra en la localidad almeriense de Tabernas y que es el único festival europeo de esta especialidad. La película está rodándose en inglés y el guión está escrito por Juan Gabriel García y Antonio Durán junto al propio Matellano. El argumento se centra

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su en el asalto de un cargamento de oro, uno de los viejos mitos del cine del Oeste pero modernizado, actualizado y sin escatimar acción, violencia y gran tensión.

Bronston, hija del mítico productor Samuel Bronston. También contará con participación especial de Manuel Bandera, Nadia de Santiago, Ramón Langa o Guillermo Montesinos.

Stop Over in Hell cuenta con un reparto que incluye a uno de los padres del eurowestern, el actor y director Enzo G. Castellari, autor de la mítica Keoma, y mentor de Quentin Tarantino. Junto a Castellari, el reparto de carácter internacional incluye a Tania Watson, Pablo Scola, Veki Velilla, Denis Rafter, Maarten Dannenberg, Armando Buika, Víctor Vidal Tábata Cerezo o Andrea

Stop Over in Hell se rueda íntegramente en España, como tiempos atrás hiciese Sergio Leone, en localizaciones de Manzanares el Real, Titulcia, Almería, Granada y, especialmente, en un decorado construido en Colmenar Viejo, lugar de rodaje de westerns míticos como El bueno, el feo y el malo de Leone o Django de Corbucci.

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SAMA-SAMA Live Experience Estreno Mundial en Madrid Primero piensas que es un show, luego descubres que estás en un parque interactivo y de repente, te das cuenta que has emprendido un viaje a un lugar mágico que no sabías que existía y que está dentro de ti.

SAMA-SAMA Live Experience presenta una innovadora propuesta, única en su género, que mezcla ingredientes de un espectáculo en directo, un parque temático y un evento interactivo. Sin ser ninguna de estas tres cosas y siendo las tres al mismo tiempo. A través del lenguaje universal del ritmo, la música y el movimiento, SAMA-SAMA rompe la cuarta pared y convierte al protagonista en espectador y al espectador en protagonista, utilizando la tecnología más puntera y a través de la interacción y la colaboración. SAMA-SAMA es un espectáculo que se ha concebido y desarrollado con la visión de unir a las personas a través del placer de crear (SAMASAMA significa “juntos” en Tagalo). Y sólo cuando los participantes unen su creatividad, su fuerza y su energía, cobra vida. SAMA-SAMA es un espectáculo que se estrena y cambia cada día en cada ciclo, gracias a la energía de las miles de personas que disfrutan al unísono de esta nueva experiencia durante algo más de tres horas. Es dejar atrás la realidad cotidiana y entrar en un universo paralelo, donde creatividad, inspira-

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ción y diversión son las reglas del juego. Con la ayuda de los Samis, la misteriosa comunidad de artistas multidisciplinares que puebla el universo SAMA-SAMA, el público descubre al creativo que todos llevamos dentro, participando en un espectáculo único y convirtiéndose en parte de la comunidad SAMA-SAMA. En el mágico mundo de SAMA-SAMA todas las reglas son distintas: convertirse en el protagonista se sale también de lo ordinario. Los espectadores podrán vivir la experiencia de tocar un arpa láser, dirigir una orquesta virtual o participar en un inmenso videoclip. No se necesitan conocimientos previos y puede participar todo el mundo, de todas las edades. Todos podemos aprender beat box, bailar una coreografía conjunta, crear sonidos del mundo y mucho más. Entre 40 y 100 participantes a la vez crean cada una de estas experiencias, a tiempo real, simultáneamente.

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Roy Ofer, co-fundador de la compañía internacional Mayumana y Fundador y CEO de SAMA-SAMA, se reafirmó del potencial del proyecto en verano del 2012, cuando se presentó el primer prototipo del proyecto ante 50.000 personas en el Museo de TelAviv, cosechando un gran éxito de público y crítica. Desde entonces, SAMA-SAMA ha ido evolucionando de la mano de un selecto grupo internacional de creadores, diseñadores, programadores, expertos en tecnología y directores artísticos que han colaborado a lo largo de su carrera profesional con algunas de las grandes compañías internacionales de entretenimiento como son Universal Studios, Mayumana y Cirque du Soleil. En 2014, Cirque du Soleil, en su búsqueda de propuestas de entretenimiento novedosas y de alta calidad, se une a SAMA-SAMA como socio empresarial y mentor artístico. Después de valorar distintas propuestas de algunas de las grandes capitales internacionales para acoger

la presentación de SAMA-SAMA, la compañía se ha inclinado por Madrid para su estreno mundial. Para la compañía, Madrid reúne las mejores condiciones para acoger esta propuesta única por contar con un público cosmopolita y abierto a nuevas experiencias. El estreno mundial de SAMA-SAMA es el 19 de noviembre en el Pabellón Multiusos Madrid Arena. Tras su presentación en Madrid, SAMA-SAMA tiene previsto continuar su gira por el resto de Europa.

SAMA-SAMA Live Experience Estreno Mundial 19 de noviembre Madrid Arena / Pabellón Multiusos www.samasamalive.com

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CABARET MALDITO El Circo de los Horrores presenta en Madrid Cabaret Maldito, el tercer espectáculo que cierra su trilogía. La tercera entrega de una serie de shows con temática de terror, psicosis y humor que engloba a los dos primeros: El Circo de los Horrores y Manicomio, la compañía presenta este nuevo espectáculo que es un impactante cabaret tejido en las demoniacas, lascivas, ingeniosas y perversas tinieblas. Un lugar donde no existen las reglas, sin prohibiciones, ni tabúes, donde los instintos más básicos de los seres humanos se dan rienda suelta. Es el cabaret de los sentidos, donde los deseos más negros y profundos emergen de forma natural, sencilla y desinhibida. En este espectáculo se observa un formidable despliegue de recursos humanos y medios técnicos, buscando el perfecto cierre a la trilogía que superará las expectativas del espectador con un impresionante y renovado show. Este es el objetivo de Cabaret Maldito, volviendo a fusionar técnicas antes utilizadas en otros shows pero con otras peculiaridades muy particulares.

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SINÓPSIS En el Infierno no existen reglas, ni prohibiciones, ni restricciones, ni tabúes. El Infierno es el cabaret de los sentidos, donde se dan rienda suelta a los instintos más primitivos del género humano y sus deseos más ocultos y lujuriosos. Circo de los Horrores nos traslada en esta ocasión a una antigua y decrépita catedral gótica que será la última morada. Transformada en un diabólico cabaret. También es el hogar de Lucifer, la quintaesencia de la avaricia y el ansia de poder, la personificación de todo el mal. Su entrada es la puerta del infierno. La puerta del Cabaret Maldito. Cuenta la leyenda que este maldecido cabaret se formó con ciertas figuras de culto que, olvidadas por el público y venidas a menos, víctimas de los siete pecados capitales, habían dejado de brillar y resurgieron de sus cenizas a cambio de vender su alma al Diablo. De nuevo, el éxito, el reconocimiento, los aplausos y el poder llenarán sus vidas una noche más, pero… ¿a qué precio? Y es que al final hay que pagar y Lucifer siempre cobra la deuda. Payasos travestidos, enanos viciosos, depravadas madames, demonios, diablas, góticos y transformistas, serán algunos de los personajes que, dirigidos por el temido y despótico Lucifer, príncipe de las tinieblas, nos harán reír, temblar, gritar de miedo y gemir de pasión bajo su terrible influjo. Grotescos personajes interaccionarán con el público al más puro estilo de los varietés o Music Hall de la época mientras muestran sus desnudos cuerpos. Una vez más y mostrando su verdadero rostro, Lucifer nos transportará por las siniestras bacanales y fastuosos aquelarres del Cabaret Maldito.

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CABARET MALDITO Escenario Puerta del ﾃ］gel Hasta el 5 de diciembre de 2015 www.circodeloshorrores.com

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SUSO SILVA Jesús Cesar Silva González, “Suso Silva”, nace el 20 de enero de 1962, en Orense. Premio Nacional de Circo 2003, otorgado por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte. Estudia Artes Acrobáticas y Circenses en Bemposta – Nación de los Muchachos. En el Institut del Teatre de Barcelona se gradúa en Mimo y Pantomima. Estudios de Bufón en París con Philipe Gaulier y de patinaje artístico teatral con el profesor Greco. Inicia su carrera artística como cómico e intérprete de pantomima, en la versión de Mimo, evoluciona hacia un concepto de Mimo−Cómico −Chaplinesco, con la supresión de toda palabra y gesto hablado. Su humor lo hace llegar por igual al niño y al adulto. Con el Circo de los Muchachos, con el que recorre Europa y América desde muy joven, obtiene un gran triunfo. En 1986 crea la compañía Os Paxaros, donde realiza la fusión entre el Teatro y el Circo, actuando hasta 1993 en el Festival New Circus de Londres, Festival Iberoamericano de Cádiz, Festival de Teatro de Lisboa, Festival des Illes de Marsella, Temporada de Teatro del Circulo de Bellas Artes de Madrid, Muestra Internacional de Teatro de Caracas, Fiesta de España en Japón (Tokio), actuando en diferentes programas de televisión y colaborando con La Fura del Baus en los espectáculos “L’Enderroc” y “Psicoestudios”. Desde 1993 pasa a formar parte como atracción importante de los principales circos españoles y europeos. En 2007 dirige y participa en la creación del Circo de los Horrores, un cóctel fantástico de la escuela clásica de circo con técnicas de teatro y cabaret y con una puesta en escena tenebrosa con el que triunfa en España, en Miami y Latinoamérica. El éxito de crítica y público y su afán de seguir ofreciendo su moderna y particular mirada del circo le llevan a estrenar en 2012 El Manicomio de los Horrores.

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MADRID FENÓMENOS EXTRAÑOS Pablo Raijenstein El mentalista Pablo Raijenstein vuelve una vez más a la escena madrileña organizando todos los viernes de noviembre unas veladas en la que, con ayuda de los asistentes, el mentalista indagará en un insólito y trágico suceso acontecido en el número 6 de la calle Santa Ana, la misma ubicación que actualmente ocupa el anticuario y espacio teatral Santa y Señora. Raijenstein, acompañado de la artista Ismeni Espejel, recreará una sesión espiritista que devolverá a la luz uno de los acontecimientos más dramáticos y estremecedores de la historia de Madrid.

Madrid fenómenos extraños es un espectáculo con el que Pablo Raijenstein vuelve a innovar en el mundo del mentalismo y la hipnosis colectiva. ¿Estás preparado para indagar en el Madrid oculto como jamás imaginaste?

MADRID FENÓMENOS EXTRAÑOS PABLO RAIJENSTEIN Todos los viernes a las 22:30 Reserva de entradas en «Espacio Santa y Señora» Tlf. 636 03 25 44

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Red Beard acaba de comenzar su tercera serie de conciertos, una gira por España que recorrerá casi veinte ciudades para presentar su segundo y nuevo trabajo Nobody s gonna bring me down Vol.2, compuesto por ocho canciones, tras su debut con Volumen 1. Red Beard es el propósito bajo el que se esconde el canario Jaime Jiménez Fleitas, que usa como eje musical el Blues, una pizca de Country y cantidades aleatorias de Folk. Y es a partir de esa premisa cuando arroja toda una imaginaria bíblica, donde los forajidos llevan grabadas a fuego las sagradas escrituras en sus vísceras. Como Johnny Cash solía hacerlo, viendo muy de cerca a Jesús en llamas y para tropezar inmediatamente con el propio diablo. Red Beard recluta para esta gira española a Juanma Barroso (guitarra) Marcial Bonilla (banjo) Aly Blutler (armónica y percusión) y Álvaro Betancor (violín) para enfrentarse a corazón abierto a su público, disparando cual vaqueros y atacando con canciones íntimas, dibujadas con violines, armónica, guitarras y bajos hechos a golpes de pie, hasta desnudarlas con rabia y dejarlas en su esqueleto. La producción de los dos discos de Red Beard se ha realizado en los estudios Red Beard, intérprete que canta en inglés y que parece que haya nacido en un vagón de tren cantándole a los sentimientos, a las tormentas o esa guerra fratricida entre el bien y el mal, con canciones que bien podrían parar una bala. Ha llegado el momento para que Red Beard abra un nuevo sendero antes de comenzar su primera y próxima gira norteamericana, en mayo de 2016. Carlos Pérez Báez

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RED BEA

Nobody’s Gonn

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BYE BYE LULLABY Origen

| MÚSICA |

Bye Bye Lullaby estrena el nuevo videoclip titulado: Origen. Este es el primer tema de su disco homónimo, el segundo álbum de esta banda de folk-rock de Salamanca publicado hace solo unos meses. El clip, fresco, directo y potente como el nuevo LP en su conjunto, muestra imágenes que, al igual que la letra, hacen referencia al resto de las canciones del trabajo. “Letra y vídeo contienen muchos de los conceptos y sensaciones que teníamos al componer los temas”, comentan Esther Valverde (voz, guitarra y violín) y Dani H. Serrano (guitarra y voz). Y una anécdota también: Origen fue la última canción en escribirse, incluso después de tener la portada. La formación salmantina, que fue la ganadora del premio Talento Ribera de la edición de este año del festival Sonorama Ribera, se encuentra en la carretera con su gira Origen 2015 y, tras iniciar su tour este pasado mes de septiembre en Madrid. Esther Valverde y Dani H. Serrano no van solos en este

viaje. Javi Amado, con el bajo, y Gorka Ruiz, a la batería, se han unido en su último trabajo y juntos consiguen un directo “mucho más enérgico y rockero de lo que habíamos hecho antes, hay una complicidad especial”. En el repertorio no faltará también su primer disco: California (2012). El último álbum de estudio de Bye Bye Lullaby, Origen, es un trabajo fresco, directo y potente en el que están presentes los arreglos y las originales melodías que caracterizan a esta formación. Son 11 composiciones en las que se entrelazan diversos estilos que van desde el rock del tema Origen al folk orquestado de Musa sin nombre, pasando por la surfera canción Lone Star Sky o los guiños góspel de la blusera Hoodoo. Las sugerentes atmósferas pop-soul de Gravedad Cero o las particulares y emocionantes Deshielo o Reflexus, hacen de este segundo disco el complemento perfecto a su intimista ópera prima California. www.byebyelullaby.com

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Paracuellos-Katyn

Camino de las estrellas

La presente obra constituye un estudio histórico sobre los crímenes contra la Humanidad cometidos en Paracuellos y Katyn. En ambos casos, el resultado fue la realización de millares de fusilamientos seguidos de enterramientos masivos en fosas. En ambos casos, los crímenes fueron llevados a cabo por fuerzas de izquierdas. En ambos casos, las atrocidades no fueron obra de incontrolados sino de las más altas autoridades. En ambos casos, los asesinatos fueron contemplados por sus ejecutores como fase indispensable en la implantación de la dictadura del proletariado. Partiendo de documentos que abarcan desde las fuentes diplomáticas a los archivos de la extinta URSS, desde los testimonios oculares a los relatos de los protagonistas, el presente libro permite señalar el número de víctimas, las circunstancias concretas y los responsables directos de los hechos relatados. Se trata, por lo tanto, de una obra absolutamente indispensable para entender la guerra civil española y la historia de las izquierdas sin mitos ni ocultaciones.

El Camino de Santiago ha supuesto una fuente nueva de meditación y la oportunidad de ofrecer a los demás la experiencia propia y los sentimientos más íntimos. 130 fotografías a color ilustran las páginas. El camino, en realidad, está en todas partes. Como dijera Joseph Conrad, “creí que era una aventura y en realidad era la vida”.

César Vidal 420 Páginas Libroslibres 9788496088320

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Julia Moreno 186 Páginas Createespace 9781505905045

| LIBROS |

Curiosidades de los cementerios de Madrid Se podría decir que lo que nos ha dejado la historia son restos, ya sean humanos o restos de civilizaciones. Sea como sea, se podría decir que vivimos encima de un enorme cementerio. En «Curiosidades de los cementerios de Madrid», José Mª Escudero nos recuerda dónde ha habido cementerios, dónde hay enterrados personajes ilustres de la historia. Detalles de cada barrio, en cada rincón hay una historia que contar desde un punto de vista curioso, hay un nombre que recordar, una historia que resaltar. José María Escudero 312 Páginas Ediciones La Librería 9788498732412

Guía visual del Madrid desaparecido ¿Cuántas veces te has lamentado por el Madrid que se nos fue y no pudimos conocer? No te preocupes, ahora es posible resucitar lo más destacado de aquella arquitectura perdida con esta Guía Visual del Madrid Desaparecido que acaba de publicar Ediciones La Librería. Detrás de este evocador título están aglutinados cerca de dos años y medio de incansable trabajo de una de las voces más expertas y prolíficas en cuanto a temas de la Villa y Corte, Isabel Gea Ortigas. En esta obra se hace un repaso cronológico por la historia arquitectónica de la capital y sus ausencias actuales. Desde la antigua residencia real, el Alcázar, pasando por iglesias como la del Buen Suceso, antaño en la Puerta del Sol. También tienen cabida las antiguas puertas que daban acceso a Madrid, muchas de sus extintas fuentes, cines, teatros, los deslumbrantes palacios y construcciones más recientes que se perdieron para siempre como el Edificio Windsor, el Edificio La Pagoda o el Mercado de Olavide. Esta Guía Visual del Madrid Desaparecido se antoja una lectura obligatoria por todo aquel que añore el Madrid antiguo. Un repaso visual por 170 edificaciones que formaron parte de la historia madrileña. Isabel Gea Ortigas 192 Páginas Ediciones La Librería 9788498732993

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| HÉROES EN SILENCIO |

ÁLVARO LEDESMA “Un héroe por la pregunta Nietzscheana-Unamuniana” _______ POR ÓSCAR BETHENCOURT | FOTOS: PAUL LACRUZ

En la pesada rutina de universitarios que exponen aburridas comunicaciones de quince minutos dentro de ciclo de Conferencias, en Zaragoza no me pasa desapercibida aquella que trata sobre uno de los autores españoles más relevantes de la Generación del 98: “don Miguel de Unamuno”. Recordemos que este pensador fue un vascosalmantino que produjo relatos que abarcaron temas tan variados y actuales como las técnicas, modalidades y problemáticas de las costumbres y tradiciones, el caciquismo, la corrupción burocrática, los dramas familiares, el sentido de la erudición, la ciencia, la historia de la sociedad humana, perpetuación a través de los hijos, la literatura, el suicidio, la inmortalidad por la fama… Su actualidad en este momento es tan beligerante como su producción. Ese fue el caso de Álvaro Ledesma, un maño sencillo de mirada inocente y juvenil que se atreve, nada menos que a relacionar a Nietzsche y Unamuno. Nuestro Héroe en Silencio de noviembre se deja hablar como ese alguien que se ha dejado atravesar por la pregunta del porqué mientras tomamos un café en una terraza zaragozana de sonidos y colores otoñales.

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Álvaro, ¿Por qué no comenzamos esta entrevista hablándonos de ti mismo? Nací en Zaragoza hace 26 años, y es donde he vivido desde entonces. Siempre fui curioso y me pregunté por el porqué de las cosas. Supongo que ésta es una cualidad que todo el mundo tiene, pero se va perdiendo con los años. Creo que eso configura mi manera de entender la filosofía y la reflexión a día de hoy, no como una búsqueda de respuestas, sino como una fuente de preguntas. De ahí, que haya estudiado Filosofía en la Universidad de Zaragoza y el Máster de Estudios Filosóficos para profundizar mis conocimientos. Desde el año pasado estoy haciendo el doctorado en la misma Universidad. ¿Cuál fue la motivación que te llevó a estudiar una carrera tan poco práctica y poco remunerada como la Filosofía? Debo de reconocer que el momento de matricularme en la Universidad dudé entre la Filosofía y la Historia del Arte. Ambas opciones me parecían muy interesantes y aunque finalmente elegí la primera, el gusto por la Historia del Arte y la Estética está muy presente en mi escritura. Elegí finamente Filosofía porque creo que es una opción muy interdisciplinar, que te permite profundizar tanto como quieras en muchos campos del conocimiento. Sin embargo, ¿Qué tiene de especial la Filosofía para que hayas avanzado hacia un doctorado? Aunque suene a tópico, creo que la reflexión es importante hoy en día. En Occidente hemos llegado a un nivel científico y técnico muy alto, y aunque las ventajas que ello nos ha reportado son indudables, seguimos teniendo problemas cuando nos relacionamos entre nosotros o con nuestro entorno. Considero que la Filosofía es importante porque permite “tomar distancia” de los problemas a los que habitualmente nos enfrentamos para poder enfocarlos con otra mirada. Y con esto quisiera hacer un alegato, porque no sólo aquellos y aquellas graduados en Filosofía somos capaces de pensar o “filosofar”, sino que esto es algo inherente al ser humano ¿Quién no se ha parado a pensar en profundidad sobre cualquier aspecto de su entorno o de su vida llegando a conclusiones personales y profundas? Para mí eso es lo que tiene de especial la Filosofía.

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En estos momentos, ¿En qué estás ocupando tu tiempo como estudiante de filosofía? Ahora mismo estoy trabajando en mi tesis doctoral dirigida por las doctoras de mi Universidad Elvira Burgos y Gemma del Olmo. Escribo sobre el concepto de creencia en Nietzsche y Unamuno, y cómo se relacionan mediante este concepto la filosofía de ambos autores. ¿Nietzsche y Unamuno? Para aquellos que no tenemos destrezas filosóficas me gustaría que nos hablaras un poco sobre esa idea. Nietzsche es un filósofo alemán cuya vida transcurrió en el siglo XIX, y a pesar de esto ha influido de forma decisiva en una gran cantidad de autores del siglo pasado, que vieron en su obra cuestiones que se adelantaban muchas décadas a su tiempo. El caso de Unamuno suele ser más conocido. Se trata de un escritor nacido en Bilbao en 1864 que fue catedrático de griego en la Universidad de Salamanca, y es conocido por novelas como La Tía Tula o Niebla. Su faceta como filósofo es plasmada en Del sentimiento trágico de la vida, una obra -a mi juicio- clave para entender la filosofía española en el siglo XX. ¿Cuál es el punto de investigación que estás tratando? Estoy trabajando el concepto de creencia que manejan estos dos autores. Es una idea que puede resultar chocante, puesto que Unamuno insiste con vehemencia en afirmar que es creyente y Nietzsche. Hace lo mismo pero en sentido contrario, siendo además uno de los autores más importantes en el ateísmo filosófico. Mi idea es mostrar cómo ambos autores tan aparentemente distintos- nos quieren decir lo mismo cuando hablan acerca de las creencias, entendidas como las claves con las que vivimos e interpretamos nuestra realidad. En ocasiones a los filósofos nos echan en cara que tenemos un defecto y es que siempre nos remitimos a autores del siglo pasado. Pareciera que estamos constantemente dando citas de pensadores que ya no viven en este siglo. ¿No crees que la filosofía tiene un aspecto un poco avejentado y poco actualizado? Esta es una crítica habitual y a mi juicio algo infundada. Al fin y al cabo, desde los considerados primeros filósofos, que vivieron en la actual Turquía en el

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siglo VI a. C., hasta los que vivimos a día de hoy, nos hacemos en el fondo las mismas preguntas: “¿Quién soy yo?”, ¿Por qué estoy aquí?”, “¿Por qué la naturaleza se comporta como lo hace?”, “¿Cómo puedo vivir una vida buena junto a mis semejantes?” Estas son las preguntas que, reformuladas según la época, siempre se ha hecho el ser humano, y no parecen propias de la antigüedad, sino más bien cuestiones inherentes a nuestro ser que intentamos responder, con escaso éxito, a través de los siglos.

les de la filosofía, y a pesar de ello, vemos que siguen intentando dar respuesta a la vieja pregunta de cómo relacionarnos con los demás y con nuestro entorno.

¿Y sobre el tema de las citas de pensadores antiguos? Aunque las obras y citas que a veces empleamos sean de hace siglos, las personas que las escribieron, en muchos casos genios adelantados a su tiempo, tenían los mismos pensamientos y sentimientos que tenemos hoy, a pesar y como es obvio de que su entorno social fuera muy distinto. Es cierto que hay casos de pensamientos y actitudes que en nuestro siglo no podríamos comprender ni aceptar, pero en otras ocasiones nos sorprendemos al dar con pensamientos sorprendentemente afines. Por eso cuando leemos libros escritos hace siglos a veces sentimos extrañeza por algunos modos de actuar o de entender la sociedad y el entorno, pero páginas después damos con una frase o una idea con la que sólo podemos sentir complicidad. Esta ambivalencia con lo escrito hace siglos también la encontramos en la literatura, pues aunque las formas hayan cambiado, el fondo que vemos es el mismo.

¿Cómo vive un joven estudiante de filosofía como tú el día a día en una carrera que da muy poca remuneración para llegar a final de mes? Tengo la suerte de poder vivir actualmente con mi familia, así que ese aspecto lo tengo asegurado. He de decir que aunque las salidas de filosofía resulten precarias, hay compañeros y compañeras de otras carreras de humanidades que lo tienen aún más complicado.

Desde tu opinión, ¿Cuál es el reto al que se enfrenta la filosofía (o los filósofos) en un momento de cambio como el actual? En un momento en el que parece que los esquemas cambian a una velocidad sin precedentes, es importante que la filosofía siga intentando entender el porqué de esos cambios y cómo articularlos. Hoy en día tenemos cuestiones acuciantes en la sociedad que exigen respuestas globales. La Filosofía tiene que estar ahí en un momento tan relevante como el actual, intentando que en este ritmo cada vez más frenético no se pierda el momento de la reflexión. Además, en relación con la pregunta de antes, ahora hay cuestiones en la filosofía de las que no es fácil encontrar referencias en el pasado, y me estoy refiriendo a cuestiones relacionadas con la ecología o el género. Estos serían dos de los problemas más actua-

¿Qué planes de futuro quieres proyectar en tu vida? Es una pregunta difícil de responder, pues es conocida la volatilidad del mundo en el que me muevo. Me gustaría dedicarme en un futuro al mundo académico o cultural, ocupaciones que me permitieran seguir reflexionando y formándome.

¿Cuál es tu experiencia en el día a día silencioso de un estudiante de filosofía que quiere buscar justamente ese lugar en el mundo en tu entorno familiar y social? Como al principio de la entrevista te decía, siempre me he preguntado el porqué de las cosas. Tras estos años he entendido que no se trata de que la filosofía te vaya a dar respuestas, sino que continuamente te abre otras preguntas. Esa es la clave, cuestionarlo todo, nunca dejar de preguntar. En ocasiones, cuando te presentas como estudiante de filosofía, ¿Te miran con cierta admiración o como ese bicho raro que está constantemente especulando sobre una idea que no es práctica? Hay, como dices tú, dos opciones. La primera, por suerte la más habitual, es encontrarme con gente que muestra mucho interés por saber cómo es una carrera como Filosofía. Hay también quienes se preguntan con suspicacia para qué sirve estudiar eso, a los que suelo responder con lo que antes te comentaba sobre la utilidad de la filosofía hoy en día. Esas son las dos posturas a las que nos enfrentamos, aunque como te digo, la primera es más habitual. Álvaro, muchas gracias y suerte con la búsqueda de esa pregunta.

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EL MUSEO NACIONAL DEL 110 - EMNMM

| EXTRAﾃ前 Y CURIOSO |

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_______ TEXTO: EMNMM | FOTOS: CORTESÍA HJÖRTUR GÍSLI SIGURÐSSON

Islandia es un maravilloso país que cuenta con lugares sorprendentes, únicos y curiosos. Uno de esos lugares se encuentra en Reykjavik, la capital de Islandia, se trata de la Faloteca Nacional, un museo repleto de penes de 281 especímenes de 92 especies de animales. El Museo Nacional del Falo es la única colección del mundo donde se atesoran los penes de todos los animales de un solo país. Si bien es cierto que Islandia no tiene la grandísima biodiversidad de otros países europeos como puede ser España, sí cuenta con una variada fauna por lo que la colección de este museo no es precisamente pequeña. La historia de la colección se remonta a 1974, cuando Sigurdur Hjartarson trabajaba como director de un colegio. Durante el periodo estival algunos profesores de esta escuela se sacaban un dinero extra trabajando en una estación ballenera y un buen día, al regreso de las vacaciones e iniciar el curso escolar, unos profesores quisieron gastar una broma a Sigurdur obsequiándole con varios penes de ballena. Fue de este modo como se inició la colección, pues lo que en principio no era más que una simple broma, pasó a ser una incipiente colección digna para su estudio. En 1980 la colección de Sigurdur Hjartarson contaba ya con 13 penes, cuatro de ballena y nueve de varias especies de mamíferos terrestres. Diez años después la colección aumentó de forma considerable con nada menos que 34 penes. En ese momento fue cuando surgió la idea de crear

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un museo dedicado exclusivamente al pene y así fue como en 1997 abrió sus puertas el Museo Nacional del Falo de Islandia, un museo único en el mundo con una fascinante colección compuesta por un total de 281 penes de 92 especies diferentes de animales. Prácticamente todos los mamíferos islandeses están representados en esta colección… bueno, no todos exactamente, el museo todavía no cuenta con penes humanos pero los habrá, pues hay cuatro personas que ya han prometido donar su pene al museo, eso sí, cuando ya no lo necesiten. Por ahora, el homo sapiens está representado en el museo con un prepucio de un islandés de cuarenta años, un escroto con sus testículos de un señor de 95 años y un par de testículos con sus epidídimos de un señor de 60 años. Ni que decir tiene que todos estos especímenes fueron donados al museo por sus propietarios. En la actualidad el museo es un importante recurso científico, pues cuenta con una amplia selección de especímenes, desde el más pequeño; como puede ser el pene de un ratón, a los gigantescos penes de ballena, un total de 17 especies de este mamífero marino. Además de la colección biológica, el museo también alberga una curiosa colección de artesanías, objetos y rarezas relacionadas con el mundo fálico. El Museo Nacional del Falo de Islandia es un importante patrimonio científico muy valorado por los miles de visitantes que recibe cada año. Al frente de este museo se encuentra el conservador, Hjörtur Gísli Sigurðsson, hijo del fundador del museo, quien se ha encargado de reorganizar y modernizar las colecciones de este singular museo.

MUSEO NACIONAL DEL FALO DE ISLANDIA Laugavegur 116, Reykjavik Islandia www.phallus.is

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| TIENDAS |

MEW VOLUMEN + COLOR + INTUICIÓN COMBINACIONES + VANGUARDIA DIMENSIÓN + FEMENINO + PARTÍCULAS =

dEmo y MEW MEW es una empresa española de diseño y fabricación de joyas creada en 2013 a caballo entre Madrid y Londres por Bimba y Mariana, madre e hija, junto a un equipo profesional y perfeccionista. Lo que comenzó como una aventura empresarial, hoy se ha convertido en un trabajo fascinante al que van incorporando proyectos de primerísimo nivel internacional.

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MEW es mucho más que una marca de joyas, pues cada una de sus piezas están personalizadas y hechas a mano una a una en España en su propio taller. Imaginación, versatilidad, exclusividad y elegancia son, en definitiva, lo que define a MEW, cuyos trabajos son una imagen fiel del alma de sus diseñadoras que saben cómo marcar la diferencia, creando joyas únicas, icónicas y elegantes que hombres y mujeres disfrutan luciéndolas en toda ocasión. MEW cuenta con una gran capacidad de imaginación pues con una palabra, una fecha, un símbolo o un mensaje, dan vida a toda una serie de productos como anillos, ear cuffs, pulseras, collares o gemelos. El cliente, además, puede elegir el material con el que quiere que su joya sea realizada; oro, plata de ley 925 (o plata de ley chapada en oro de 24k, amarillo, blanco o rosa) y también engastadas con piedras preciosas o semi-preciosas. Recientemente MEW ha presentado la colección cápsula de joyas de dEmo en la que se han elaborado toda una serie de piezas de joyería con algunas de las obras más representativas de este reconocido artista español cuyas obras se encuentran repartidas en numerosas ciudades del mundo. Los famosos osos, las calaveras y otras icónicas obras como la Paloma de la Paz, cuyo original se encuentra en el Parque Internacional de Esculturas de Miami, son algunas de las obras de arte convertidas en joyas que forman parte de esta colección. La colección de joyas dEmo para hombre y mujer, está realizada en su totalidad en plata de ley, con placaje en oro amarillo, rodio o rutenio. Están montadas en cadenas, sedas teñidas a mano en colores de temporada y también en cueros de primera calidad. Esta colección se encuentra a la venta en tiendas exclusivas como

Fariña & Almuzara (Conde de Xiquena, 12) en Madrid y en Wolf and Badger (Londres). También a través de la página web. www.mew-jewellery.com Tlf. +34 639 183 756

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| COMER |

LA COCINA DE SAN ANTÓN Aromas de Otoño _______ POR CARMEN MARTÍNEZ DE ARTOLA

El de San Antón fue uno de los pioneros en la ya consolidada oferta de los llamados mercados gastronómicos. Lugares en los que los que el yantar se ha hecho, al menos, tan importante como el comprar. Tras su remodelación y siguiendo los pasos del el exitoso San Miguel se convirtió en una imprescindible referencia madrileña para picar algo, tomar una copa en la terraza o comer en toda regla en el restaurante La Cocina de San Antón.

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Situado en el barrio de Chueca, cuenta con tres espacios bien diferenciados. En la planta baja se sitúan las tiendas propiamente dichas. Apenas una de cada tipo, pero todas de enorme calidad. La Charcutería, pescadería, frutería, pollería, un par de carnicerías o la panadería, que dejan un espacio a un bar de tapas y vinoteca perfecto para una primera parada antes de continuar con la visita. Ya en la primera planta los lugares de picoteo se multiplican en número y variedad. Cocina griega, italiana, japonesa y española se dan la mano para que cada cliente consiga su pincho. Y en la azotea nos encontramos con un agradable espacio al aire libre perfecto para tomar un cóctel antes de llegar al que es nuestro objetivo del día: La Cocina de San Antón.

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COCINA MEDITERRÁNEA PARA TODOS LOS GUSTOS Se trata de un amplio y luminoso restaurante, con dos zonas acristaladas, de informal y alegre decoración. Tras él el solvente grupo Cinco Jotas que, para la ocasión, ofrece una sencilla cocina mediterránea para todos los gustos. La carta se abre con los buenos ibéricos de la casa y algunos quesos. Además, entrantes variados como ensaladas de diferentes tipos, croquetas, salmorejo o huevos con patatas; pescados como bacalao con callos a la marinera, ceviche de corvina de Lonja con cancha y choclo o salteado de pulpo y gambas con fino; y carnes que van desde el solomillo de buey a la parrilla, hasta una hamburguesa o el siempre bienvenido steak tartar. Como postres tarta fina de manzana, crema catalana o coulant de chocolate y uno cuantos helados. Por último, un competitivo y correcto menú del día del que dan buena cuenta los que trabajan por la zona.

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LA COCINA DE SAN ANTÓN Mercado de San Antón Augusto Figueroa, 24 – 3ª Planta 28004 Madrid 91 330 02 94 www.lacocinadesananton.com

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SETAS Y CAZA HASTA FINAL DE NOVIEMBRE Pero en esto de la gastronomía la temporada manda. Por eso La Cocina de San Antón actualiza sus recetas incorporando nuevos platos en cada estación. Ahora que estamos en pleno otoño las setas y la caza se hacen un hueco en la mesa con seis elaboraciones volcadas en realzar la materia prima. Una propuesta de la que se puede disfrutar hasta final del mes de noviembre. Comenzamos con las setas de cardo a la provenzal, guisadas con hierbas y rematadas al horno con pan crujiente de especias y una yema de huevo. Suculencia golosa para chuparse los dedos. Seguimos con unos shiitake con gambones y una gustosa salsita oriental hecha a base de zanahoria y jengibre. Y como punto y aparte a los hongos, unos de los más valorados y demandados, los boletus edulis. En esta ocasión hechos con un agradable pilpil de su propia gelatina y confitados con ajo y guindilla. Estupenda sencillez. Pasamos a un arroz meloso en el que las setas se combinan con verduras y ceden el protagonismo a una jugosa perdiz guisada y desmigada. Llegan entonces las carnes caza mayor. Un buen solomillo de jabalí, simplemente a la plancha, con patatas cortadas muy finas y fritas y un ligero jugo de frutos rojos. Y para terminar un sabroso corzo marinado con hierbas y vino tinto, rematado con una salsa de chocolate y la propia marinada, y acompañado de manzana confitada. Un original helado de jarabe de arce pone el punto dulce a una comida que se adapta a los tiempos con inteligencia y sin complicaciones.

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| AGENDA |

ARTE Y CULTURA

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– Alvar Aalto (1898-1976) (Hasta el 1 de diciembre. CaixaForum) – Bonnard (Hasta el 10 de enero de 2016. Fundación Mapfre) – Calígrafos españoles. El arte de escribir (Hasta el 10 de enero de 2016. BNE) – Carlos León. Pink Requiem (Hasta el 22 de noviembre. Sala Alcalá 31) – Danh Vo (Hasta el 28 de marzo de 2016. Palacio de Cristal del Retiro) – Dibujo expandido (Hasta el 22 de noviembre. Museo ABC) – Donación Plácido Arango (Hasta el 22 de noviembre. Museo del Prado) – Edvuard Munch (Hasta el 17 de enero de 2016. Museo Thyssen-Bornemisza) – Grete Stern. Sueños (Hasta el 31 de enero de 2016. Círculo de Bellas Artes) – Jousef Koudelka (Hasta el 29 de noviembre. Fundación Mapfre) – Kandinsky. Retrospectica (Hasta el 28 de febrero de 2016. CentroCentro) – El legado de Al-Andalus (Hasta el 8 de diciembre. Real Academia de Bellas Artes de S. Fernando) – Leopoldo Pomés. Flashback (Hasta el 22 de noviembre. Sala Canal de Isabel II) – Once dibujos de Picasso (Hasta el 20 de noviembre. Galería Guillermo de Osma) – El oso y el roble (Hasta el 21 de noviembre. La New Gallery) – Rudyard Kipling (1865-1936) (Hasta el 7 de noviembre. BNE) – Titanic. The Exhibition (Hasta el 13 de febrero de 2016. C.C. Fernán Gómez) – Los trajes del Real (Hasta el 8 de diciembre. Museo del Romanticismo)

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The Delta Saints (18 de noviembre. Sala Caracol) Fear Factory (16 de noviembre. Arena) Los Enemigos (21 de noviembre. La Riviera) Freedonia (13 de noviembre. Arena) Gamma Ray (21 de noviembre. Palacio de Vistalegre) Jethro Tull (23 de noviembre. Teatro Nuevo Apolo) Neneh Cherry (26 de noviembre. Joy Eslava) Nikki Hill (25 de noviembre. Teatro Barceló) Paradise Lost (6 de noviembre. Arena) Rayden (7 de noviembre. La Riviera) Texas (17 de noviembre. Palacio de Vistalegre) Tony MacAlpine (14 de noviembre. Sala Cats) UFO (7 de noviembre. But) Van Morrison (10 de noviembre. Circo Price)

ESCENA ________________________________________ – El Alcalde de Zalamea (Hasta el 20 de diciembre. Teatro de la Comedia) – Bangkog (Hasta el 29 de noviembre. Teatro María Guerrero) – El Burlador de Sevilla (Hasta el 29 de noviembre. Teatro Español) – Cabaret (Hasta el 29 de noviembre. Teatro Rialto) – Cabaret Maldito (Hasta el 8 de diciembre. Puerta del Ángel) – La clausura del amor (Del 11 al 15 de noviembre. Teatros del Canal) – Ernesto Sevilla. Sí a todo (Hasta el 11 de diciembre Teatro Cofidis) – Al galope (Hasta el 15 de noviembre. Teatro Español) – Nadadores nocturnos (Del 4 al 8 de noviembre. Teatro de la Abadía) – El Prríncipe (Hasta el 8 de noviembre. Teatros del Canal) – El Señor de las moscas (Hasta el 28 de noviembre. Matadero) – Viéjovenes (Hasta el 18 de diciembre. Teatro La Latina) EVENTOS ESPECIALES ___________________________

MÚSICA ________________________________________ – – – – – –

Ana Torroja (12 de noviembre. Circo Price) Anaut (19 de noviembre. Arena) Belle & Sebastian (14 y 15 de noviembre. La Riviera) Built to Spill (21 de noviembre. Teatro Barceló) Cycle (13 de noviembre. Ochoymedio Club) Danakil (27 de noviembre. Sala Cats)

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– Expoterraria (14 de noviembre. Pabellón Convenciones Casa de Campo) – Feriarte 2015 (Del 21 al 29 de noviembre. IFEMA) – Madrid Fashion Film Festival (Del 3 al 6 de noviembre. CentroCentro) – XV Semana de la Ciencia (Del 2 al 15 de noviembre. Toda la ciudad)

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2015. Es Madrid no Madriz