ExPERPENTO Diciembre2015/Enero2016

experpento PATACOSMIA

Diciembre de 2015 -Enero de 2016 Número 83

Oscar M. Prieto www.oscarmprieto.com

BREVEX

EL TINTE ORGULLOSO DE UNOS OJOS

John Williams SONARÁ en el Teatro Real en navidad

Cielos proteicos y tomates que cambian de color, un grafitti –Tempus Fugit– en el trozo que queda de pared que un día se ideó como parte de una nave inacabada, evidencian suficientemente y sin necesidad de sonrojarse, el correr inevitable de este tiempo que no para, tampoco aquí, en Patacosmia.

25/12- Teatro Real - Madrid

Un hombre de aspecto venerable y amor insatisfecho –lo que imprime en sus ojos un tinte orgulloso y raído– me hace señas desde el otro lado del puente.

Ni siquiera lo pienso. Cruzo el puente. ¿Acaso tenía otra opción? ¿Era posible elegir no cruzarlo?

—"Buenas tardes –me dice–. Me llamo Dante y yo también crucé ese puente, aunque de ello hace ahora muchos siglos. Al llegar a esta orilla, como no tenía nada que comer y todas las bicicletas que aún no habían robado estaban pinchadas, me senté a escribir La Divina Comedia:

Nel mezzo del cammin di nostra vita mi ritrovai per una selva oscura ché la diritta via era smarrita.

Pero dime, ¿qué vas a hacer tú ahora que has cruzado el puente?"3

Foto de Rafa R. Palacio

Hemos participado en este ExPERPENTO: Reyes MUÑOZ, Raquel CARRILLO, Sandra SÁNCHEZ, Gema TALAVÁN, BiPaul, Arantxa HERNÁNDEZ, Covadonga Carrasco Fotógrafos: David García y Emanuele CICCOMARTINO Correctora: Sandra SÁNCHEZ BASAGAÑA Publicidad: publicidad@experpento.es Tel.: 91 636 34 36 Estamos en: C/ Andrés Segovia, 7 Local 4. 28231 - Las Rozas. Madrid Localízanos en: www.experpento.es - redaccion@experpento.com Búscanos en: Facebook y Twitter @experpentomag Imprime la revista: Gráficas Berlín Distribuye la revista: ExPERPENTO, ASM Las Rozas y ActionFlyers Edita: Universo, Cultura y Ocio Depósito Legal: M-41661-2004 ISSN: 1698-5303 [2] ExPERPENTO

Lucas Vidal, un joven compositor español que con tan solo 28 años ya triunfa en Hollywood con sus bandas sonoras.

Vidal dirigirá a la Barbieri Symphony Orchestra, y contará con la colaboración estelar de Leticia Moreno, la violinista española de mayor reconocimiento internacional. Todo para rendir un homenaje a John Williams, el creador de las BSO de Superman, ET, La lista de Schindler, La guerra de las galaxias, Harry Potter o Indiana Jones3 4 www.teatro-real.com

SITGES TOUR A partir del 11/12 - Madrid y Barcelona

Esta iniciativa consiste en estrenar en cines cuatro de las películas que se presentaron en el Festival de Sitges, de forma itinerante. Las primeras salas en estrenar el Sitges Tour A Contracorriente son los Cines Conde Duque Alberto Aguilera en Madrid y los Cines Verdi en Barcelona. El abono para las cuatro películas cuesta doce euros y da acceso al preestreno de El regalo el 17/123 4 www.acontracorrientefilms.com

JUNTOS 125 AÑOS MÁS 27/11-07/12 - Exterior de las Ventas

Juntos 125 años más es el espectáculo creado por Mahou San Miguel en colaboración con la Cía. de teatro Yllana. Se trata de un recorrido de media hora para ver 5 actuaciones de 5 minutos. Es gratis y se accede en grupos de 25 personas3 4 www.mahou.es/125-aniversario/

Exposici贸n

Theo Jansen

Asombrosas criaturas

Del 23 de octubre de 2015 al 17 de enero de 2016 Espacio Fundaci贸n Telef贸nica C/Fuencarral 3, Madrid. Entrada Libre. espacio.fundaciontelefonica.com Despertando ideas se despierta el futuro

Foto: Animaris Turgentia Vela 漏Theo Jansen

extravista

amaral Nocturnal

En 2005 intentamos entrevistar a Amaral. Nos dieron fecha, pero Eva se quedó afónica y nos cancelaron la entrevista. Presentaban Pájaros en la cabeza. Para Gato negro, Dragón rojo, que salió a finales de mayo 2008, llegamos tarde y sin un número de la revista hasta octubre. Por fin conseguimos realizar la entrevista soñada en octubre de 2011. El grupo presentaba Hacia lo salvaje.

Ahora repetimos experiencia gracias a este Nocturnal. No nos importa si evolucionan, se revolucionan o repiten fórmula. Son Amaral y nos gustan.

“El disco puede reflejar algunos momentos de desencanto, cierta incertidumbre hacia el futuro, desconfianza en las soluciones que se supone que nos iban a sacar de la niebla. Eso puede estar reflejado, pero en realidad Nocturnal es un disco de amor” Eva Amaral

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Entrevista de Reyes Muñoz Fotografías (incluida portada) de Javier Soto Azpitarte (c)

Antes de nada, preguntaros que tal lleváis la promoción. He visto tantas entrevistas que cuesta ser original con las preguntas… así que para vosotros tiene que ser un rollo.

Eva: Llevamos la promoción muy bien. Te hace recapacitar. Intentas racionalizar lo que has hecho. Realmente mientras haces el disco no piensas en ello hasta que no has terminado.

En la promoción tienes que pensar y contar por qué lo has hecho, qué sentido tiene cada una de las canciones.

Es divertido, y de alguna manera es como si te psicoanalizaras.

En una entrevista en El País decíais que estos cuatro o cinco años se os habían pasado volando. La verdad es que aquí os hicimos la portada y a nosotros también. El CD sigue en el coche, fresco. ¿Cómo se hacen canciones imperecederas?

Juan: Pues no lo sé. Yo nunca me lo había planteado. Es muy bonito lo que dices. Más que darte una respuesta, que seguramente no tenemos, porque no sabemos si existe esa fórmula, quiero agradecer tus palabras.

El tema de la evolución, la revolución, lo nuevo, lo viejo… se escribe mucho en torno a vuestros discos. Quizás lo único que quiere vuestro seguidor es que el disco suene a Amaral… ¿Sois conscientes vosotros de una evolución? ¿Evolucionáis aposta?

Eva: Evolucionamos de una manera muy natural. Nuestra experimentación con los sonidos en el estudio, con las guitarras de Juan y sus texturas, con la base rítmica… los ritmos en este disco son nuevos. Hemos utilizado cosas que nunca antes habíamos usado… Todo lo que vamos haciendo en el estudio

está al servicio de las nuevas canciones.

Nos dedicamos a hacer canciones. Es lo que nos gusta hacer. Y siempre hay una evolución de la que no hay conciencia, que es natural. ¿Os sorprende que se hagan reflexiones tan sesudas?

Eva: Supongo que siempre hay un debate que ahora se alimenta con las redes sociales. Todo el mundo está en contacto y todos contrastan sus opiniones con los demás. Esto es positivo. También creo que nosotros estamos en nuestro mundo, tanto cuando estamos dentro del estudio como cuando salimos de él.

Las redes. Una opinión con muchos retuits puede llegar a tumbar un disco, o una exposición, o una obra de teatro… y sin embargo, no suele funcionar en positivo…

Eva: Yo creo que sí que funciona también para construir… ¿no?

Juan: Yo soy optimista. Siempre pensamos en positivo sobre las posibilidades de comunicación de las redes sociales.

De hecho, nosotros nos sentimos muy apoyados, y también nos sentimos agradecidos. Siempre hay mensajes de apoyo cuando lanzamos un disco o cuando hacemos un concierto.

Sobre "La ratonera": había mensajes de apoyo, pero fue un clip muy polémico.

Juan: Cuando salió esa canción, nosotros en realidad nos sentimos muy apoyados. Mucha gente se sintió reflejada.

Esto es algo que nos ha pasado con muchas otras canciones, y siempre nos lo tomamos en positivo.

"La ratonera" no está en Nocturnal…

Eva: Cuando estábamos eligiendo las

extravista

canciones que iban a ir en el disco, que teníamos más de treinta, pensamos en que la gente ya había escuchado "La ratonera". Nosotros lo que intentamos en cada disco es mostrar el máximo de canciones posibles. Sacar una de las nuevas por "La ratonera" nos daba pena.

Igual ahora es precisa una cara B de Nocturnal…

Eva: Es que ahora mismo, el concepto de disco es algo muy abierto. Puede haber canciones que se hacen antes, canciones que se añaden después de salir el cuerpo principal del trabajo… ¿Este Nocturnal es el disco que hubiera salido en diciembre del año pasado?

Juan: No, no es el mismo. Y si nos esperamos cinco meses más, hubiera salido otro disco distinto.

Eva: Sobre todo porque pasamos por una gira y presentamos las nuevas canciones que estaban más o menos terminadas. Esto alimentó algunas canciones. También surgieron otras nuevas… Al término de la gira, que coincidió con la salida de "La ratonera", había mucho material, había más ideas, más gérmenes… las canciones que teníamos habían cambiado.

En la primera escucha de Nocturnal encontraba un sentido muy social, y en la siguiente he pensado que era un disco de amor, una historia particular. ¿En qué clave lo habéis hecho? ¿La íntima o la social?

Juan: Nosotros pensamos en lo que podría pasarles a personas concretas, que son las protagonistas de las canciones, que comparten estados de ánimo, sentimientos íntimos. Lo que ExPERPENTO [5]

extravista pasa es que las vidas de esas personas discurren en un entorno. Están en 2015, en el aquí y en el ahora. Lo importante es la cotidianeidad de las personas, una cotidianeidad en la que se refleja el entorno.

El tono reivindicativo ahí está, pero hay en algunas canciones un mensaje muy, muy triste. Como de rendición o de frustración…

Eva: El disco puede reflejar algunos momentos de desencanto, cierta incertidumbre hacia el futuro, desconfianza en las soluciones que se supone que nos iban a sacar de la niebla. Eso puede estar reflejado, pero en realidad Nocturnal es un disco de amor. Del amor como una solución a todas esas incertidumbres, del amor como la única tabla de salvación. No es necesariamente el amor de pareja, es el amor, en general, el amor y el respeto. Ya no esperamos que el cambio venga desde fuera, sino de cambiar lo que tenemos más cerca.

En vuestros discos siempre espero a que salga el río… Y siempre sale, en este también…

Juan: Hemos crecido al lado del río más caudaloso de España…

Eva: Estamos muy unidos al río. En mi caso, el río forma parte de mi vida, de mi infancia.

Todos los fines de semana íbamos a acompañar a mi padre a pescar. Era una de las cosas que más amaba. Las tardes de los domingos las pasaba con mi familia en el río, con mis primos, éramos todos pequeños.

Para mí el río es una imagen de mi infancia y un símbolo de las cosas que lleva. Algunas se han ido, otras están ahí para siempre.

Supongo que sí. Que el río siempre sale.

Hay como dos inicios del disco, el single "Llévame muy lejos" y "Obertura" que es como una intro de "Unas veces se gana y otras se pierde" que va como aparte. Me lo pasaron por internet, que por cierto, [6] ExPERPENTO

extravista

me ha sorprendido lo bien que suena ahí, y pensé que me había confundido. ¿A qué responde esta propuesta?

Eva: El single nos parecía una canción buena para que fuera la primera que escuchara la gente que abre el disco y lo pone. Tiene mucha energía. Y casi desde su origen la sentimos como la carta de presentación del disco. A partir de ahí incluimos "Obertura" y era una manera de meter a la gente en el túnel, una especie de boca de embudo. Nos gustó la idea.

Hace cuatro años os preguntamos por Abbey Road, y dijisteis que no era una cuestión de fetichismo, sino de lo que queríais conseguir. Este lo habéis grabado en vuestro estudio… ¿Porqué Hacia lo salvaje sí se graba en Nueva York, y este no?

Juan: Hacia lo salvaje también se hizo en nuestro estudio. Lo que sí que hicimos fue mezclarlo en Electric Lady, que es un estudio de Nueva York. Este lo hemos mezclado aquí en Madrid, con un amigo. Para la masterización sí que nos hemos ido fuera. Los procesos técnicos suelen responder a una idea sonora que tenemos. Lo de menos son los nombres de los estudios. Lo importante es la búsqueda de la persona que sepa trasladar lo que tenemos en la cabeza.

Como os autoproducís, yo me había ido a una cuestión de pelas… en plan, si se puede hacer aquí y no os hace especial ilusión ir a estudios míticos…

Juan: El primer disco también se grabó en España. Pero bueno, creo que este, de todos los que hemos hecho es el que mejor suena.

Eva: Cuando hemos salido fuera de España ha sido porque la persona con la que queríamos trabajar estaba fuera. No hemos buscado una localización. Y a ve[8] ExPERPENTO

ces la persona ha venido a España… En nuestro estudio hemos grabado muchísimas cosas. Gato negro, Dragón rojo, si no recuerdo mal, está grabado íntegramente en nuestro estudio. Todo menos las baterías, que aún no teníamos muy claro si las baterías iban a sonar bien en el estudio. Era nuestro ideal, tener nuestro espacio en el que poder experimentar y estar horas y horas haciendo lo que nos apetecía. Luego sí que hay procesos que hay que sacar fuera. Por ejemplo, antes decías que sonaba muy bien en internet, y es por la masterización. Queríamos que sonara bien en cualquier soporte, no solo en un equipo de música.

Una amiga me decía que os había visto pinchar, me hablaba de temas. Pensé que alguna canción como "La ciudad maldita" podía tener que ver con eso Ellos dicen que no son conscientes de su influencia en la música en castellano. Quizás porque desde que presentaron su primer disco en 1998, su especial manera de hacer las cosas lo ha envuelto todo. Fue una bocanada de calidad. Hacía falta. Pensad en la locura musical de finales de los noventa. Los que peinamos canas sabemos que les costó. Nos recordaba nuestro amigo Gus que en Valladolid –plaza complicada como pocas– alguien se atrevió a pitarles en un concierto.

Desde Estrella de mar la cosa cambió.

Muchos sentimos que había nacido un grupo mítico, que más que evolucionar crecía, y cuyos temas adquirían en cada escucha matices nuevos y profundos. Quizás Nocturnal no sea su disco más directo, pero sí el que mejor suena. Resulta que ya están en un punto en el que pueden hacer lo que les da la gana. Se lo han ganado3

que pincháis. ¿Influye esa vida musical paralela en los discos?

Eva: Es la música que nos gusta, evidentemente está ahí.

Juan: Imagino que todo eso que nos gusta se filtra al servicio de nuestras ideas.

Eva: "La ciudad maldita" sí que tiene un carácter de canción clásica de los años 60. Esa época nos encanta.

Yo pensé en Tarantino…

Eva: Sí, claro, las bandas sonoras de Tarantino se componen de muchas canciones de aquella época… e incluso de épocas anteriores.

"Noche de cuchillos" para mí es una canción sorprendente. Piensas que va a ir por un lado y justo va por el contrario. ¿Por qué está la última?

Juan: No lo sé. No hay una razón. "Noche de cuchillos" es una canción que empezamos a escribir para un corto de Darío Adanti que se llamaba Otro corto con niños. No la habíamos terminado.

Y coincidió que la retomamos, la acabamos y la metimos en este disco. Estamos muy contentos de cómo ha quedado.

Siento que "500 vidas" está hermanada sonoramente con "Revolución"… de la letra no digo nada…

Eva: No lo sé. Al final las canciones son de quien las escucha y si tú lo has sentido es que algo de eso habrá. Yo no me lo había planteado. Pero "500 vidas" habla de un momento tan feliz que te gustaría guardarlo en una botella para abrirla cuando es necesario, cuando las cosas van mal. Habla de eso, de estar en un momento tan feliz y tan pletórico que te gustaría tener quinientas vidas más.

En España ha ocurrido una cosa con Vetusta Morla y con Amaral. Pones

extravista un disco cualquiera, y piensas "esto suena a…" o "esto intenta sonar como…". ¿Sois conscientes de vuestra influencia?

Eva: No, no la noto. Es que no sé en qué consiste exactamente nuestro sonido. No reconozco la influencia de Amaral… A lo mejor sí que reconozco la influencia de las guitarras de Juan en otros grupos… En realidad cuando veo imitaciones cómicas, me quedo fascinada porque es como si te vieras desde fuera y son cosas que, aún llevadas al ridículo, no sabes que haces.

Es que yo no sé qué es lo característico de Amaral.

Juan: Yo es que creo que nosotros no somos muy de mirar el entorno. No nos fijamos en el pasado, casi ni en el presente. Tenemos un disco y ya estamos pensando en lo que sigue, en cómo vamos a llevar las canciones al directo, incluso estamos pensando en canciones del nuevo disco… No nos planteamos nunca estas cosas.

En un concierto pensé que si tuviera que hacer lo que hacéis vosotros un día, me hospitalizan, y si lo tuviera que hacer dos días seguidos, me moriría… ¿Os planteáis bajar el ritmo?

Juan: La gira más larga que hemos hecho ha sido la de Hacia lo salvaje.

Hemos tocado dos años en España, y por primera vez nos fuimos de gira a Europa. En Alemania, por ejemplo, hicimos quince conciertos en dieciocho días. Luego estuvimos en América dos meses… Ahora tenemos el reto de organizarnos mejor en España, para poder salir otra vez a Europa y a América, y también para no tardar tanto tiempo en grabar temas nuevos que ya tenemos. Siempre hemos sido muy activos.

Somos como los tiburones, que no paran de moverse3 ExPERPENTO [9]

jukebox Motel: Cultivos Hay una obsesión de los roqueros por abrir los discos con un tema muy cañero y directo. Cultivos se abre con "Cuento de barrio" una canción que podríamos introducir dentro del apartado de himnos de parroquia. Y entendemos por parroquia, el grupo de personas que va frecuentemente a un bar. Sigue escuchando. La cosa cambia.

Con "El final del verano", tema muy bonito desde un punto de vista clásico, se abre un abanico de canciones con menos pretensiones, que hablan de una forma más sincera de la filosofía del grupo. Da la sensación de que son más de susurrar al oído que de dirigirse a la masa, de fijarse en el detalle que de lanzar enormes lemas. "Tu nombre" o "Tu canción favorita", por ejemplo, son cortes que parecen dirigirse exclusivamente a una persona. Nos podemos sentir identificados, bien en el papel del que dice o bien en el papel de quien escucha. Aunque el nexo es el rock, el disco descoloca. Quizás es esto a lo que se refieren cuando decidieron llamarlo Cultivos. Cada tema tiene su semilla y emerge en su tiesto. "Seres extraños" es atrevida desde un punto de vista sonoro.

Hay lugar para unos trabajados pianos en "La Señora de los gatos" o nos obliga a despertar con "Discoteka". "Facebook" está ahí para que hablemos de ella. Es curioso que dediquen unos minutos para cantar, con un tono bizarro, al mundo paralelo forjado a la sombra de las redes sociales. Y cuando el disco acaba la impresión es que Cultivos ha ido creciendo a medida que lo dejábamos sonar, sensación que desaparece cuando lo vuelves a escuchar3 [10] ExPERPENTO

MOHAMA SAZ: More Irán No estamos exagerando si os decimos que este More Irán es uno de los discos más originales de todos los que hemos recibido en la redacción. Baste decir, que a falta de argumentos, hemos buscado lo que ellos mismos dicen en su perfil de Facebook y nos hemos encontrado con esta frase: "Mohama Saz somos un grupo que intentamos aunar los elementos de la música turca con el rock psicodélico".

Mohama Saz es el nombre que se han puesto para parecer más árabes. La banda se sitúa geoestratégicamente en Madrid. Leemos por ahí que Mohama es un chiste. Cambiaron una jota por una hache y consiguieron un nombre con reminiscencias árabes. Podían haber llamado por ejemplo "hi-rafa" con el mismo resultado.

Saz es un instrumento. El Irán del título del disco es el país. Y recordemos que dicen que hacen ritmos turcos. En resumen, una locura. Revisamos los nombres de sus integrantes y sus bandas y vemos que hay dos líneas musicales previas y opuestas: el jazz y el punk. La prueba: Mohama Saz son Adrián Ceballos (RIP KC, Novak, Javier Colis o Los Cuantos), Javier Alonso (Novak, RIP KC, Richard Hell), Arturo Pueyo (Sur Quintet, Groovin’ Santa) y Germán Fernández (Piolines).

El disco es eminentemente instrumental. En algunos temas hay voces a las que no hemos hecho mucho caso más allá de su utilización como un instrumento. La elaboración nos puede recordar a una jazz session "extramulticultural". Para ir fijando ideas, diremos que el disco es un recorrido muy agradable por paisajes más o menos identificables. Incluso podemos intuir un interés por plasmar la banda sonora de una película que aún no se ha hecho. De primeras hemos pensado en Tarantino, pero conviene no limitar nuestra capacidad imaginativa.

More Irán comienza con "Introybel" quizás el menos sorprendente de todos los cortes. La cosa se anima a partir de "More Irán". Es aquí donde empezamos a intuir que lo que estamos escuchando es una propuesta única. Temas como "Baklama" y "Condomina" serían aptos para musicalizar desde un intenso thriller sueco a una peli de Almodóvar. En un mismo corte –por ejemplo, "Huracán Raki"– vislumbramos ritmos propios de un western moderno y sonidos muy étnicos. ¿De qué etnia?

Pues ni idea. Mención especial podemos hacer para "Recuerdo de una noche de verano". Escuchadlo. Vais a flipar3

jukebox

Textos de BiPaul

sopas del mundo: El diablo baila claqué

BREVEX 6

Un bonito diseño nos anima a escuchar El diablo baila claqué. Es un disco que firma Sopas del mundo, grupo del que no sabemos nada. E inmediatamente, tras una introducción inclasificable y ya al son de "Buenos Aires" sentimos que es una joya. Es un CD raro. No tiene nada que ver con las decenas de discos que nos han llegado últimamente a la redacción. Nos traslada a uno de esos míticos conciertos que se celebraban a finales de los setenta en los sótanos de La Mandrágora. Se suceden temas descarados, como "Miss Katiuskas" o "El predicador". Algo no cuadra. Aunque suena vintage es moderno, pero clásico. Muy desconcertante. Ya en internet, leemos que se trata de un disco grabado entre 1999 y 2001 del que algunos hablaban, pero que nunca fue duplicado para su distribución. Entre los conocedores de su existencia estaba el Granjero Polaino que propuso a la formación – constituida por Antonio J. Iglesias, Pablo Chávarri y Nidal Kateb– lanzarlo en 2014 en su sello Granja Beat. ¿Qué dicen que es? "Multilingüismo, neocabaret fronterizo, manjares subterráneos, copla de estraperlo, cartilla de razonamiento, tradición universalista, cancionero de vanguardia, amor partisano, poesía y libertad"3

DEKANTEO: Cógelo al vuelo

second: Viaje iniciático

DeKanteo es una banda vallisoletana cuyo nacimiento se fija en 2007. Normalmente no solemos recabar en el origen de los grupos, pero es que en este caso, de no haber buscado más información, hubiéramos jurado que es una formación catalana que canta en castellano, en la línea de La pegatina o Txarango.

Con esto lo que queremos decir es que Cógelo al vuelo es un disco cuyos temas contienen letras con un marcado carácter social adornadas con una música muy festiva y fresca, creada no tanto para sonar en el reproductor del coche, como para ser disfrutada en directo.

En este Cógelo al vuelo hay mucho jolgorio, mucho ritmo catalogado dentro de la imprecisa etiqueta "música de fusión", que podemos traducir como un mix entre reggae, ska, rumba, funky... etcétera. Coloridos coros, instrumentación extrema y uso de singulares efectos de sonidos, entre los que llegamos a escuchar a un elefante barritando, se convierten en la tónica del disco.

Escribimos este texto el día en el que se celebra el Día Internacional de los Derechos del Niño, y no podemos dejar de recomendar la escucha de "Kilekile" una denuncia a las situaciones injustas a las que son sometidos miles de niños en el mundo3

La digitalización de la música ha tenido un efecto inesperado.

Los que aún vivimos los vinilos –como única alternativa a la casete– sabemos que en todos los discos había algunos temas, si no de relleno, más ligeritos.

Hoy los grupos pueden grabar una canción y colgarla, por ver si salta la liebre, sin esperar a que nadie les dé permiso o les financie. Y nos encontramos con que grupos tan míticos como Second en lugar de soltar canciones como una tostadora, ponen un cuidado cada vez más exquisito en sus producciones. Este Viaje iniciático es el séptimo álbum de su carrera, y es quizás su trabajo más intenso, más denso tanto desde un punto de vista conceptual como musical. Nosotros les conocimos en 2006 con Invisible, a través de Dro, el sello fuerte de los grupos indies. Su trayectoria siempre ha sido ascendente. Warner lanzó en 2013 el que hasta ahora sería su último trabajo Montaña rusa, un disco muy enérgico.

Desconocemos el motivo, pero el contrato se rompió. Para este organizarían un crowdfunding que reventaron en un día. Quizás sea por la libertad recuperada la que hace que este Viaje iniciático sea más experimental incluso que los primeros. Y más emotivo. No vamos a recomendar ningún tema. El CD es muy compacto, valga la redundancia3

CEREMONIA DE mARTA tCHAI Marta Tchai ha estrenado el clip de "Ceremonia" un el adelanto del próximo disco Movimientos circulares, que saldrá a la venta en febrero: "en el concepto del disco hay un hilo argumental que son los amantes, y ahí unos aportan más luz que otros".

Con motivo del estreno del clip le hicimos una entrevista3 4 Lee la entrevista en www.experpento.es

"Olas del sur" la mejor canción en los Hollywood Music in Media Awards El 11 de noviembre el músico gallego Daniel Minimalia, se hacía en Los Ángeles con uno de estos premios que valoran la música independiente. Ya estuvo nominado hace dos años por Cuentos sonoros. "Olas del sur" es el single de Arenas de Luna, disco que optó a un total de tres premios3 ExPERPENTO [11]

excena

Entrevista de Covadonga Carrasco Fotografías de marcosGpunto cortesía de CDN

Félix Estaire presenta

Rapsodia para

un hombre

4 Del 09-22/12 - Teatro María Guerrero - Madrid

alto

En Rapsodia para un hombre alto puede ocurrir cualquier cosa.

Todo dependerá de un instante, de si el personaje encesta o no sus tres tiros libres. Cada acierto o fallo lleva a un desarrollo distinto, a uno de los ocho finales posibles. Félix Estaire tiene una trayectoria fascinante en el mundo del teatro alternativo y además de ser el autor del texto, dirige su puesta en escena en el María Guerrero.

Das el gran salto al CDN. ¿Da vértigo o después del teatro alternativo, ya nada te asusta?

Si te comprometes con el trabajo siempre que inicias un proyecto, da vértigo.

Ahora estoy en el momento de decir: "necesito esto" o "necesito esto otro" y lo tengo. En el teatro alternativo no tienes nada. Puedes querer poner un "no sé qué" pero si no hay dinero, ese "no sé qué" no se pone. En el CDN tengo una sala de ensayos, puedo trabajar con los técnicos desde el principio…

Da vértigo, pero es todo mucho más fácil. Es un lujazo. ¿Tienes miedo a malacostumbrarte?

No, qué va. En esta profesión hoy estás aquí, pero mañana no tienes para el metro. Lo tengo bastante asumido, sé que mañana me tocará luchar en otros sitios.

Y sin ningún problema, yo encantado.

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Félix Estaire, cómo amar el teatro y sobrevivir a él Félix Estaire juega sin complejos en cualquier estadio. Bien como actor –ha participado en más de treinta montajes–, bien como director –ha dirigido veinticinco puestas en escena– o bien como dramaturgo –su último éxito es Auto[in]definido del que ya dimos cuenta aquí– ha pisado las tablas de multitud de salas. Rapsodia para un hombre alto es una obra que él escribió y que ahora dirige en el Centro Dramático Nacional. Cuenta para la puesta en escena con José Ramón Iglesias y con Ignacio Jiménez. Aunque el argumento depende del trascurso de la función, la idea central es la identidad –personal o colectiva–. Y a partir de ahí, se desglosan reflexiones sobre la educación, la familia o la memoria3

En Rapsodia para un hombre alto haces una apuesta completamente diferente. ¿De dónde surge?

Me obsesiona el deporte, como cuerpos presentes en un espacio que luchan por conseguir una victoria. El deporte por tanto es un conflicto en sí y eso es algo dramático. El deporte ha absorbido elementos dramatúrgicos y la dramaturgia elementos deportivos. Lo que yo quiero con esta pieza es extremar las posibilidades de la incertidumbre. Empieza un partido de fútbol y no tienes ni idea de cómo va a acabar, sin embargo en una obra de teatro los actores siempre saben cómo va a acabar. Yo lo que pretendo es que se lancen tres tiros libres en escena y según se anote o se falle, la pieza irá hacia un sitio o hacia otro. Tiene ocho posibles finales y varios posibles desarrollos, cuatro terceros actos, dos segundos actos y un primer acto común.

excena

“Quiero que los actores estén presentes y que la pieza esté viva para ese día, y esto depende de cada tiro libre”

Eso puede ser una buena forma de que el espectador repita.

También para los actores es un reto, no les queda más remedio que estar ahí de verdad. Quiero que los actores estén presentes y que la pieza esté viva para ese día, y esto depende de cada tiro libre. El actor tiene que estar ahí al máximo porque él tampoco sabe hacia dónde va a ir.

Eso es una tensión extra para el actor.

Y posiblemente el propio actor tenga sus deseos: le gustará más un final que otro y puede luchar para conseguir su final, aunque tampoco tiene seguro que pueda lograrlo. Mantiene una tensión muy positiva que trasciende. Es como en el deporte: estás en el último segundo y te pitan un penalti en contra en el que te juegas toda una temporada.

El deporte se ha teatralizado de una forma algo "cutre".

Los partidos no, aunque los jugadores se empeñen en peinarse con cantidades ingentes de gomina. Les falta maquillarse, están preparados para salir a escena. Los medios lo han convertido en algo similar a la prensa del corazón.

Pero para mí los deportistas son como los héroes de la Antigua Grecia. Eso se ha sustituido con los deportistas y eso es lo que nos venden los medios: los grandes gladiadores de la sociedad son ellos. Esa manera de entender al héroe clásico a mi me interesa muchísimo, pero no estoy muy de acuerdo en que el deporte sea tratado como prensa rosa.

Tienes cierta debilidad por las decisiones individuales...

A mí me interesan mucho los personajes bajo presión, son teatrales de por

sí. Los pongo en esa tesitura. Su vida gira en torno a un instante. La vida es un poco eso. Pasan los años y te das cuenta de que las decisiones que tomaste te han llevado a un sitio u a otro.

Quizá en ese momento no lo percibiste, pero ha sucedido. También me gustan los personajes que no son totalmente ganadores. Sufren más, el camino es más duro. Cuando uno está a punto de conseguir algo, se vuelve a plantear si es lo que realmente quiere. Y eso es el teatro, una forma de entender el comportamiento humano. ¿Cómo crees que va a aceptar el público Rapsodia para un hombre alto?

Tengo la sensación, y espero que vayan al teatro con la sensación, de que van a descubrir algo. No saben qué, nosotros tampoco lo sabemos, lo vamos a descubrir con ellos. En un instante tu vida cambia. Espero que el público venga con la mente abierta, no solo para ver qué les sucede a los personajes sino a los propios actores. Vamos a intentar poner vida de verdad en ese escenario.

Es una profesión para valientes…

La gente siempre te dice: "Qué profesión tan bonita". Y claro que lo es, pero también es muy sacrificada. En esta profesión regresas a casa y sigues pensando en qué cosas tienes que modificar, qué ExPERPENTO [13]

excena

es lo que ha fallado… Llega a ser obsesivo. Compaginar trabajo con obsesión es complicado a veces.

Es una vía de escape, una terapia. Uno sale del teatro con las pilas cargadas. ¡Ojalá se nos utilizara más! Yo siempre he dicho que el teatro me salvó la vida, y no soy el único. En un momento me di cuenta de que la vida que llevaba no era la que quería. No podía dejarme llevar, trabajando de cualquier cosa para salir adelante. Descubriendo el teatro encontré mi sitio en el mundo, que es algo bastante complicado.

Ahora las universidades incluyen grados en interpretación, dramaturgia…

Es básico para la vida: te enseña a socializar, a abrirte, a hablar con los demás…

No puede ser que en los colegios sea una actividad extraescolar impartida por el profesor de lengua. Que lo va a hacer con todo el amor del mundo, pero que no es profesional. Está muy bien que haya grados, pero hay pocos y no en muchos sitios. Un chaval de Cuenca lo tiene más difícil, tiene que trabajar o su familia tiene que hacer un esfuerzo económico para que venga a Madrid.

[14] ExPERPENTO

“Hay teatros que programan catorce obras a la semana y eso puede desprofesionalizar el sector: si solo actúas los martes, no tienes para vivir” Y esta formación tiene más usos...

En eso los ingleses y los americanos nos llevan mucha ventaja. En Estados Unidos el teatro de un instituto es más grande que el María Guerrero. Tienen clases de oratoria, aprenden a argumentar, y no solo con la palabra, también con el cuerpo y con el espacio. Aquí nos ha costado un poco pero en política ya se va utilizando. Quizá no todo el mundo tenga que usar las matemáticas o la física, pero todo el mundo va a tener que hablar con otro.

En Teatro de Acción Candente respetáis a los clásicos, pero pensáis que son los autores vivos los que necesitan mayor espacio en las salas.

En mi caso siento adoración por autores como Valle Inclán, Lorca, Lope, Calderón… Pero creo que eso debe quedar para compañías de repertorio. ¿Qué

pasa con los autores actuales? Vamos a darles su sitio, también por una mayor conexión con el público. Es mucho más enriquecedor el diálogo si a la gente le hablas del ahora. Dicen que los jóvenes no van al teatro, pero si estás en el instituto y te metes a ver un Lope de Vega, es probable que no generes esa conexión.

Muchos de ellos no volverán.

La gente busca ver cosas diferentes…

La gente está dispuestísima a ver cosas nuevas. Se dice que el teatro es muy caro, pero al Teatro Español por ejemplo, puedes ir por tres euros. Eso no lo pagas en el cine ni en el día del espectador. Ahora hay mucha programación y eso puede ser un arma de doble filo.

Hay teatros que programan catorce obras a la semana y eso puede desprofesionalizar el sector: si solo actúas los martes, no tienes para vivir. También es delicada la irrupción de compañías amateur en salas profesionales. Pero desde luego la gente tiene que ir al teatro. Para mí el peor espectador es el que se queda en casa. Prefiero que se queje, que se duerma, que no le guste, que grite en mitad de la función: "¡Esto es una mierda!", pero que vaya3

excena AIRE Teatros Luchana – A partir del 03/12

papá noel es una mierda Teatros del Canal – 22/12- 10/01

Reyes.- Aire es un montaje que a tenor de lo que nos cuentan, se pone en escena para emocionar y divertir al público. Una propuesta poética, difícil de catalogar. Ni es clown, ni es un concierto, ni es teatro. Es todo eso y más...

Aire nos cuenta la historia de cuatro entes y un chamán. Los vemos nacer y crecer en escena. No hablan, su forma de comunicarse es a través de la música. Se sirven para hacerla de 150 elementos, entre instrumentos de juguete y objetos. El resultado es un espectáculo de una gran poesía visual y sonora.

Es una propuesta de Bovoj, compañía autodefinida como "manada" está compuesta por cinco artistas de apellido Aragón –Alejandro, Alonso, Gonzalo, Rodrigo y Punch– formados en las técnicas de la comedia del arte.

"Hace meses –escriben– decidieron abrir las puertas para dejar que 'entrara el aire', respirar en su esencia para, desde lo más naif y poético hasta lo más sofisticado, buscar claves que diviertan y emocionen"3 [16] ExPERPENTO

Reyes.- Si el título de esta propuesta te parece potente, espera a leer de qué va, porque cuando acabes, te va a parecer un mero eufemismo. Papá Noel es una mierda es una crítica salvaje en forma de comedia. Dinamita las convenciones más arraigadas de la sociedad políticamente correcta: desde la familia hasta la maternidad, desde la navidad a la cultura de la solidaridad. Se considera el clásico francés más irreverente de la historia. En oficinas del Teléfono de la Esperanza, Teresa y Ramón, dos burgueses con el riñón cubierto, pasan el rato para limpiar su karma. En la última noche del año, las almas desesperadas acuden para ser escuchadas: un travesti sin autoestima, una indigente embarazada y maltratada, un alcohólico maltratador vestido de Papá Noel y un inmigrante solitario en busca de compañía. Y por el teléfono esperan a ser atendidos un obseso sexual y una esposa despechada3 4 Próximamente más información en www.experpento.es

(DES)DE LOS ESCOMBROS Nave 73 – Hasta 12/12

Raquel.- Tres mujeres, Janis Joplin y el cuento de la lechera. Los cántaros o sueños rotos. Y su reconstrucción. Un espectáculo creativo, original y poético. De esos que te dejan sin respiración. Y que hablan de cosas que nos pasan a todos: lo que nos prometieron es mentira.

Una puesta en escena sorprendente, con tres actrices que son verdaderas bestias pardas encima del escenario. Cuartoymitad Teatro ya impactaron a público y crítica con Escriba su nombre aquí, con el que ganaron diversos premios y hasta hicieron una gira a nivel internacional. (Des)de los escombros es su segundo montaje, dirigido por María Prado, y nacido del Máster de Creación Teatral de la Universidad Carlos III. De lo mejorcito que hay ahora en las tablas madrileñas. Imprescindible3

excena

Textos de Raquel Carrillo y Reyes Muñoz

COCINA

INSOLACIÓN

Teatro María Guerrero – 13/01-21/02

Teatro María Guerrero - 10/12 - 24/01

Will Keen dirige Cocina, un texto de la actriz y dramaturga gallega María Fernández Ache. Cocina es una obra que explora las relaciones públicas y privadas de una pareja formada por Emma y Antonio. La barrera que separa la frialdad de la diplomacia se rompe cuando Antonio decide hacer una broma pesada de consecuencias impredecibles.3 4 Próximamente en www.experpento.es

[c] Fotografía de Luis Malibrán

PÁNCREAS Teatro Valle-Inclán – 11/12 - 24/01

Juan Carlos Rubio dirige este texto de Patxo Tellería, escrito en origen en vasco y en euskera. Al CDN llega en castellano, defendido por tres actores de primera línea: Fernando Cayo, José Luis García-Pérez y Santiago Ramos. "A golpe de confesión –señala el director– nos irán sirviendo un fresco sobre la condición humana. ¿Qué somos capaces de hacer por alguien querido? ¿Hasta dónde llegaría nuestra generosidad? ¿Hasta el páncreas?"3 4 Próximamente en www.experpento.es

BREVEX 5

Reyes.- El dramaturgo Pedro Villora adapta Insolación, una de las novelas más provocadoras de Emilia Pardo Bazán, catalogada en su época como pornográfica y diana de no pocas críticas muy machistas. Luis Luque dirige esta versión para el Centro Dramático Nacional. .

Emilia Pardo Bazán reunía en esta novela, publicada en 1889, a la Marquesa de Andrade, a su pretendiente "decente", Gabriel Pardo, un hombre culto y reflexivo, y al gaditano Diego Pacheco, un joven con fama de calavera. A través de ellos, la escritora gallega hacía un alegato feminista. No en vano, a finales del siglo xix, una historia de este talante se utilizaba para guiar la virtud femenina por el buen camino. El mensaje solía ser, tu haz lo que te dé la gana, pero pagarás las consecuencias. Sin embargo, Emilia Pardo Bazán, hace un requiebro a las estrictas normas sociales y convierte a la marquesa en la protagonista de su vida. Ella es quien decide, y decide disfrutar. Sobre las tablas, María Adánez es la marquesa, José Manuel Poca es Pacheco, Chema León es Gabriel Pardo y Pepa Rus en el papel de Marquesa de Sahagún3

excena

Al calor de la lengua madre 4 Hasta el 17/01 - Teatros Luchana - Madrid

“Yo quiero mantener en el texto siempre un punto de delirio (…). El problema es que a veces la realidad es tan surrealista que no te deja espacio” Juan José Millás Nos hemos acostumbrado a escuchar expresiones como 'Cese temporal de la convivencia' para evitar decir divorcio, y es a esta clase de perversiones a las que el periodista y escritor Juan José Millás ha querido atar en corto para hacernos reflexionar sobre lo que él ha llamado nuestra Lengua madre. Con esa idea en el horizonte, nos podemos incluso plantear el porqué del orden alfabético o qué tienen los poderes para manipularnos además de palabras. Juan Diego, durante hora y media, se presenta frente al público con un diccionario, un escritorio y un poco de agua. Ahora lo hace en un teatro que puede considerar suyo y se nota que juega en casa.

[18] ExPERPENTO

Entrevista de Arantxa Hernández Fotos [C] cortesía de Eolo Comunicación

“Yo creo que todo empezó a torcerse el día que en vez de calcular nuestra capacidad de ahorro, empezamos a calcular la capacidad de deuda” Juan Diego ¿Cómo ha sido recuperar La lengua madre tras las dos visitas anteriores a Madrid?

Juan Diego: Nos quedaba pendiente Barcelona, yo me hice de este grupo que nos hemos quedado con los Teatros Luchana y me dijeron que por qué no abríamos con La lengua madre. Ya hemos estado dos veces en Madrid, pero me dijeron que siempre estaba el teatro lleno. Así que le dije "¿Oye Juan te parece que lo hagamos?" y hemos incorporado lo que se ha producido, en el país y en Europa sobre todo, en estos dos años para acá y decidimos volverla a hacer.

Juan José Millás: Estamos muy contentos, la hemos peinado un poco, la hemos puesto un poco al día porque vas viendo cómo reacciona el público, así que ya tienes la experiencia. Es un trabajo muy gratificante porque ya trabajas sobre un texto hecho, lo duro es cuando el texto está por hacer, aquí ya es psicomotricidad fina.

En la primera versión hablabais de situaciones que se han acabado dando, ¿en esta también os puede pillar la realidad?

Juan José Millás: No me extrañaría que nos pudiese pillar, porque la realidad es cada vez más delirante. Yo quiero mantener en el texto siempre un punto de delirio,

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donde haya un disparate de punto de partida pero que metaforice la realidad que estamos viviendo. El problema es que a veces la realidad es tan surrealista que no te deja espacio, pero yo creo que hemos subido por lo menos un peldaño más, para situarnos por encima de la realidad.

De todas las perversiones que tenemos que escuchar de los políticos en esa realidad, ¿os podríais quedar con una?

Juan José Millás: Hay muchas, pero sobre todo "Ticket moderador sanitario" para el recetazo ese, porque es tremendo, de una perversión alucinante.

Juan Diego: Yo creo que todo empezó a torcerse el día que en vez de calcular nuestra capacidad de ahorro, empezamos a calcular la capacidad de deuda. ¿Cómo debería responder la sociedad ante esas perversiones?

Juan Diego: La perversión se produce por los poderes, ¿quién ha mandado aquí durante los últimos 50 años? La única manera es no seguir votándolos y probar a los poderes que no somos un hombre un voto, que somos algo más.

En La lengua madre, el que responde a las palabras es el público, ¿cómo sería el perfecto?

Juan Diego: Afortunadamente la perfección no debe existir. Cada uno es de su padre y de su madre y al final de su viaje conmigo sí habrá esa ejemplaridad de haber sido transformado o bendecido por lo que han oído, y llevarlo a casa para reflexionarlo.

Llegas incluso a considerar al público como un co-protagonista en este monólogo, ¿echas algo de menos de compartir el escenario?

Juan Diego: No, son como ciclos cubiertos, ahora quiero darle rienda suelta a mi senExPERPENTO [19]

excena

cilla vanidad, saber que los que vienen aquí se convierten a los diez minutos en amigos míos, no como con el maldito Ricardo III, pedazo de hijo de puta… como todos los de la época, claro.

Ahora eres parte de la gestión de los Teatros Luchana, ¿qué parte te gusta más del proyecto?

Juan Diego: Es muy bonito determinar un poco que se cumplan los objetivos de lo que pretendemos, pues hay tres salas en las que se hace teatro emergente. En la vertical, por ejemplo, tenemos los eventos más raros de la noche, como referencia de las raras avis del arte. Aunque hasta ahora he estado muy metido en La lengua madre, a partir de ahora volveré a meterme más en el tema de la programación. ¿Puede llevar, como se ha dicho otras veces, tanta compañía independiente a devaluar la profesión? ¿No lleva al teatro de supervivencia?

[20] ExPERPENTO

Juan Diego: La gente de teatro independiente son gente con un gran rigor, con textos que habitualmente no se podrían poner. Otra cosa es cómo se manejen ellos, pero me parece que es una fuente de la que también chupan bastante los teatros más comerciales, así que creo que ese vivero hay que mantenerlo siempre y apoyarlo en la medida de lo posible.

En esa labor es muy importante la educación, ¿qué se tendría que hacer Lengua madre

La lengua madre giró durante dos años tras otros dos años de adaptación a varias manos de un texto que nació como conferencia. Su autor original fue Juan José Millás, y el veterano actor Juan Diego y el director Emilio Hernández, convirtieron en monólogo una historia que solo necesitaba al mejor intérprete3

para fomentar las artes escénicas entre los jóvenes?

Juan Diego: Decirle a los partidos políticos que en su programa cultural tiene que aparecer algo fundamental dentro de las Bellas Artes como es el cine y el teatro, fomentar estas asignaturas más que Religión. Sería una parte importante, igual que hay veinte mil pelotas para jugar al fútbol en los institutos, que hubiese dos o tres grupos de teatro.

Viendo el éxito de La lengua madre, ¿os gustaría volver a trabajar juntos? ¿Hay algún proyecto?

Juan José Millás: Para mí, que un actor de esa talla represente un texto tuyo es lo más alto a lo que se puede aspirar. Me gusta mucho hacer teatro, pero el día tiene 24 horas y da para lo que da. Me encantaría, aunque todavía no hay nada sobre la mesa.

Juan Diego: Voy a hacer cine ahora cuando acabe esto, pero lo seguiremos hablando3

sala ex Los Impresionistas Desde el 29/10

[c] Fotografía de Jorge Fuembuena

Gema.- Lo primero que piensas cuando lees "exhibition on screen" es que vas a disfrutar en pantalla grande de los cuadros de los impresionistas. Ya sabes que no será como la experiencia de vivirlo en directo: difícil que se te ponga la piel de gallina o te recorra un escalofrío por la espalda, pero como alternativa es una opción excelente.

Lo segundo en lo que piensas es que tendrás la oportunidad de apreciar detalles que de otro modo sería difícil de ver: pinceladas, anécdotas en las que se recree la cámara, etc. Y todo eso es verdad, pero no en la medida en la que lo esperabas… El documental –que es de lo que se trata– se titula The impressionists and the men who made them y es sobre todo la puesta en valor de la figura de Paul Durand-Ruel, el marchante que posibilitó que el impresionismo, no como expresión artística, sino como movimiento consolidado, tomara forma. Podemos describirle como un facilitador, un promotor, el primer marchante moderno… un hombre que, al margen de sus creencias –conservador, creyente, monárquico–, apostó por un arte y unos artistas vanguardistas.

Y quizás por esa personalidad, muy firme en sus convicciones, consiguió superar el modo habitual en el que se mostraban las obras de arte, se comercializaba con ellas y se daban a conocer. Figura fundamental en la concepción moderna del arte, a través de la narración en off conocemos sus memorarías –cargadas de optimismo– y las de los artistas a los que apoyaba.

Es un documental muy didáctico que contextualiza el nacimiento del impresionismo, cómo se pasa de los salones a las galerías, del trabajo en estudio al "plein air", la influencia de los avances técnico-industriales en la concepción artística… Y de paso, da la oportunidad de que podamos ver en detalle algunas de las mejores obras de finales del siglo xix. La introducción de eventos de este tipo en pantalla grande merece, y mucho, la pena3 [22] ExPERPENTO

LA NOVIA Estreno previsto: 27/11

Reyes.- Paula Ortiz se hacía un nombre en el cine nacional con De tu ventana a la mía, una película que contaba la historia de tres mujeres de tres generaciones distintas. Apuntó alto. Contó con un inusitado elenco para una ópera prima, encabezado por Maribel Verdú, Patricia Doleta y Luisa Gavasa.

Con La novia, Ortiz repite fórmula. Lo que debemos esperar, si habéis visto De tu ventana a la mía es una narrativa y una estética muy particulares, acentuadas por la luz y los escenarios. Parte de la película está rodada en los Monegros y otra parte en la Capadoccia turca. Y de nuevo, se ha rodeado de un plantel de actores de primera línea. Está Inma Cuesta, que tras sudar mucho la camiseta ha conseguido hacerse un hueco importante en nuestra cinematografía, Asier Etxeandia, que ha demostrado tener todo lo que un actor necesita con El intérprete, obra personalísima con la que ha llenado teatros de todo el país, y Álex García, uno de los elegidos por el mítico Joaquín Oristrell para dar vida al gran experimento que supuso hace unos meses Hablar.

Se dice que los textos de Lorca son tan buenos que incluso una compañía muy amateur puede llegar a emocionar al público. La novia se basa en Bodas de sangre, un mito de nuestra literatura y nuestra escena, que reúne todas las obsesiones del poeta granadino. Quizás es el drama más bello y doloroso jamás escrito. Si como decíamos, cualquiera puede abrumar con Lorca, imaginaos lo que sucede cuando Lorca cae en unas manos tan brillantes como las de Paula Ortiz y su equipo actoral. Esperamos que arrase en taquilla. Dirá mucho de nuestro público3

sala ex

Textos de Gema Talaván, Sandra Sánchez y Reyes Muñoz

PAPÁ O MAMÁ

TECHO Y COMIDA

Estreno previsto: 11/12

Estreno previsto: 04/12

Sandra.- Podríamos decir que Papá o mamá es el alter ego francés de Kramer contra Kramer.

Sandra.- Techo y comida es la ópera prima de Juan Miguel del Castillo. Es una historia tristemente habitual en España, tratada sin sentimentalismos ni visiones sesgadas.

Últimamente a España han llegado comedias que como La familia Bélier, han arrasado en Francia. Este es el caso de Papá o mamá, la ópera prima de Martin Bourboulon, número 1 en taquilla, protagonizada por Laurent Lafitte y Marina Foïs.

Ante la negativa –muy educada– de los miembros de un matrimonio a aceptar la custodia de los hijos, el juez decide que sean los menores los que decidan. Se trata de un tema muy trillado incluso por los telefilmes de media tarde. Lo que pasa es que aquí cambia la perspectiva. Muy divertida3

Narra la historia de Rocío –Natalia de Molina– una joven que aparenta una vida normal para evitar la pérdida de la custodia de su hijo de ocho años. Va tirando hasta que su casero, también ahogado, le exige el pago del alquiler para evitar el desahucio.

Techo y comida se presentó en el Festival de Málaga, donde se alzó con el Premio a la mejor actriz para Natalia de Molina y el Premio del público a la mejor película3

LA CANCIÓN DEL MAR

coche policial

Estreno previsto: 27/11

Disponible en DVD

Estreno previsto: 27/11

Dirigida por Hou Hsiao-Hsien e interpretada por Shu Qi, llega a los cines españoles esta película de culto, premio al mejor director en Cannes y exhibida en la sección de Perlas en San Sebastián3

Nominada a los premios Oscar y a los César del cine francés como Mejor Película de Animación, ha obtenido numerosos premios y reconocimientos a nivel internacional3

La Aventura, con su innata capacidad de traer a España films de culto, estrena Coche policial de Jon Watts y con Kevin Bacon. Una huida en la que se ven involucrados dos chavales de diez años3

ExPERPENTO [23]

BREVEX 6

THE ASSASSIN

sala ex

Entrevista de Sandra Sánchez

La maniobra

de Heimlich Según Manolo Vázquez

La maniobra de Heimlich es un paseo por la realidad alternativa que discurre parapetada detrás de la palabra cultura. Un mundo en el que por ejemplo, te puedes encontrar a alguien haciendo un soliloquio impenetrable vanagloriándose de su capacidad para escuchar a los demás. Javier Calvo, una de las voces con más proyección en el panorama literario, firma el guión y Manolo Vázquez –que comparte padre, y no es broma, con Anacleto y Las hermanas Gilda– la dirige.

Su primera obra de ficción fue el cortometraje Colgados. Con él obtuvo, además de algún premio importante, nominaciones en un montón de festivales. Esta es su primera película y él nos hace el trabajo. En realidad nos sentíamos incapaces de explicaros de qué va la película sin caer en un monólogo muy intenso en torno al 'postureo' imperante en el mundillo de la intelectualidad.

La maniobra de Heimlich nació como un crowdfunding. Reunisteis poco más de cinco mil euros para rodarla. ¿Cuando tomasteis esta decisión? ¿Antes o después de llamar a la puerta de las productoras?

La verdad es que es una película que ha pasado por varios tipos de producción. Primero, cuando iba a ser una película muy muy pequeña, empezamos a rodar con el dinero que gané en un concurso de la tele, La ruleta de la fortuna. Con eso pudimos rodar unas pocas secuencias para intentar convencer a algún productor. La cosa no avanzaba al ritmo que quería y acabe invirtiendo dinero de mi bolsillo a la vez que poníamos en marcha un crowdfunding. Con lo que sacamos nos dio para poder se[24] ExPERPENTO

guir rodando hasta que encontramos a alguien dispuesto a producirnos la película.

Esto me hace suponer que los actores hicieron su aportación personal laboral, es decir, que curraron gratis. Y supongo que no solo los actores, también gran parte del equipo... ¿Es así?

Los actores y gran parte del equipo técnico han colaborado de forma desinteresada, es cierto. A veces esta es la única forma de arrancar proyectos como este. Pero vamos, pienso enmendarlo. Mi plan es petar la taquilla el primer fin de semana, vender los derechos de antena a todas las televisiones y poder pagarles a todos unos sueldos asquerosamente altos.

“Mi deseo es hacer más taquilla que Los juegos del hambre”.

Manolo Vázquez Un novelista que alcanza el éxito con su primera novela, autobiográfica, y recibe la oferta de llevar al cine la historia y participar en el proyecto. Lo presentasteis como 'un ensayo/diario fílmico'. ¿Esto qué significa?

Bueno, esa definición es bastante antigua. En las primeras versiones del guión había muchas más secuencias en las que Alex Pareja se confesaba ante la cámara, con lo cual la película

sala ex

LA MANIOBRA DE heimlich

venía a ser un ensayo sobre la fauna que puebla el mundo de la cultura barcelonesa desde su punto de vista y de los otros escritores entrevistados. Pero a medida que la película fue creciendo y pudimos rodar otro tipo de secuencias un poco más complejas, esa idea se fue diluyendo. Aun así la película contiene unos cuantos de esos momentos.

Comentabas en el proyecto que esta historia parte de tu gusto por el cine dentro del cine. Aquí hay esto, pero también un retrato del mundo literario, por un lado, y de la dificultad de hacer o promover cultura. ¿Es una película seudoautobiográfica?

Sí es cierto que ese tipo de cine me encanta, pero no fue algo buscado, surgió así. La película trata sobre el

Alex Pareja escribió a principios del siglo xxi la novela que parecía que iba a marcar un antes y después en la literatura universal. En ella narra su experiencia tras la muerte de su pareja al atragantarse con un trozo de pollo –de ahí el título–. "Alex Pareja –dice Jacob Torres, su intérprete en el film– es un escritor, o individuo que escribe un libro, encumbrado al éxito. Egoísta y entrañable tiene que mantenerse en un lugar donde nunca debió acceder". Una década después nadie le hace caso. Recibe la oferta de trasladar aquella novela al cine. Él participará en el proceso. Y ahora sí: la película que veremos en la gran pantalla, cuenta el proceso de adaptación de la novela al cine. Una excusa para hacer un retrato de la nueva intelectualidad que puebla las cantinas de las grandes urbes. ¿El tono? Comedia. Pero comedia con mala leche3

mundo literario básicamente, lo de la adaptación cinematográfica es la excusa que utilizamos para justificar que a este tío le esté siguiendo una cámara día y noche. Calvo y yo somos amigos desde hace años y nos movemos por estos círculos literarios, con los que nos era fácil recrear esos escenarios. No están basados en nadie en concreto, son situaciones y personajes que cualquiera que esté un poco cerca de este mundillo cultural puede reconocer. Ya sea el de la literatura, el del cine, la música o el del circo. Los que nos dedicamos a esto no estamos bien. ¿Sientes que La maniobra de Heimlich es tuya o la sientes como algo mucho más coral?

ExPERPENTO [25]

sala ex

Por una parte la siento muy mía y de Calvo, que fuimos los primeros que tuvimos el juguete en nuestras manos. Pero a medida que la gente entraba en la película la teníamos que modificar para ellos. Por ejemplo, en los casos de Torné y Vilches, que se interpretan a ellos mismo, teníamos que meter cosas de su vida en mayor o menor medida, o tenían que estar de acuerdo en que los mostrásemos de una forma que no son, pero que por guión nos venía bien. Después vinieron las entrevistas a los escritores, que le dieron otra estructura a la película. O la performance, que la hicimos con público real. Al final todo era demasiado libre como para poder sentirla mía al 100%.

Contar con la participación de tantos productores, ¿genera ansiedad? Es decir, en ti está la responsabilidad de complacerlos a todos…

No, he tenido toda la libertad del mundo, la verdad. La gente de Verkami son mecenas y no se meten, confían en el proyecto y punto. Con Aram Garriga de Visualsuspects había trabajado en otros proyectos y con él es muy fácil. La gente de Sofa Films lo mismo, libertad total. El único productor con el que he tenido problemas es conmigo mismo. ¿Qué futuro le deseas a La maniobra de Heimlich?

Mi deseo es hacer más taquilla que Los juegos del hambre.

La maniobra de Heimlich se estrena el 27 de noviembre. Son valientes hasta para esto. Coincide con Los juegos del hambre y casi casi con Ocho apellidos catalanes. Ambos estrenos han marcado todo calendario de previsiones del trimestre. Así que, contribuid a su causa acudiendo en masa al cine3 [26] ExPERPENTO

La maniobra de Heimlich SEGÚN LOS ACTORES

R. Muñoz.- Manolo Vázquez –el director– y Javier Calvo –el guionista– tenían una idea. Pero no una idea cerrada. Una idea a medias. Y muy poco presupuesto.

Y aun así, no dudaron en tirar de contactos para ponerse a rodar una película.

En La maniobra de Heimlich no participan amateurs, sino actores de primera línea como Jordi Vilches y Marta Torné, que hacen de sí mismos. O más bien de una exageración de sí mismos. Jacob Torres interpreta a Alex en una cinta de la que dice: "es un retrato ácido del panorama cultural de nuestro país, un recorrido por una de la multitud de farsas que ocurren en el mundillo del arte".

Otro de los personajes principales es el de Lavinia, la novia de Alex, interpretada por Alba Yáñez: "Lavinia es una performer excéntrica y con aires de grandeza.

Cuando empezó su relación con Alex eran la pareja de moda en la ciudad. Poco a poco Alex perdía fama. Así que ella coge el relevo y se propone convertirse en una Marina Abramovic barcelonesa".

En la película sale Manolo Vázquez, eso sí, interpretado por Miki Esparbé. Es el director que va a dar forma al proyecto de adaptación del libro: "Lo que podría parecer un acto de puro hedonismo era en realidad una especie de autodescalificación permanente. Jugamos con el metalenguaje cinematográfico desde su propia figura, dejándole a la altura del betún en muchos momentos. Fue divertido poder partir de él mismo para hacer nuestra propia versión para la ficción. A Manolo le gusta investigar y estaba muy abierto a las propuestas que pudieran surgir a lo largo del rodaje, lo disfrutamos mucho". Sobre la película dice: "Es un disparate, una fina reflexión sobre la soledad, la mediocridad y el estado del sector cultural.

Además, a pesar de las dificultades que tuvimos para rodar, La maniobra supuso una lucha constante por parte de un equipazo liderado por el entusiasmo de un Manolo Vázquez desbordado por los acontecimientos pero con las ideas claras, muchísima ilusión y solvencia para conseguir el resultado deseado"3

expresarte

Textos de BiPaul

Julio Verne imaginación

4 Hasta 21/02 Espacio Fundación Telefónica

Los límites de la

A Julio Verne se le llama visionario cuando en realidad tenía una notable formación científica. Esto es algo que aprendemos en esta exposición. De su imaginación desbordante no hay dudas: una gran biblioteca y su fascinación por cualquier avance fueron el germen de su literatura.

María Santoyo y Miguel A. Delgado son los comisarios de esta imaginativa exposición que parte de la premisa de que fueron y son muchos los que dieron rienda suelta a su espíritu viajero gracias a la lectura del escritor francés. La muestra intenta cruzar la realidad documentada de una veintena de personajes históricos que se atrevieron a llevar a cabo las aventuras descritas por Julio Verne y se convirtieron en pioneros en sus respectivas disciplinas. Así, ahí están representados "los primeros exploradores españoles en África, Manuel Iradier y Julio Cervera Baviera, o las hazañas de la periodista Nellie Bly, primera mujer en dar la vuelta al mundo en 72 días".

La exposición en un intento por acotar lo infinito, invita al visitante a que adquiera el rol de explorador, para atravesar los distintos ámbitos en los que discurren treinta de sus novelas: la tierra, el aire, el hielo, el agua, el espacio y el tiempo.

4 En la exposición se exhiben cinco joyas bibliográficas, entre las que

destaca la primera edición de Veinte mil leguas de viaje submarino,

BREVEX 6

que por algún motivo se hizo en España3

Un autor como Julio Verne no precisa argumentos. De una forma u otra, Verne forma parte de nuestra vida. Y sin duda, fue la clave para que muchos pasáramos de leer como autómatas a imaginar lo imposible3

Instagramers Gallery Madrid

Baquelitas. Creando futuro

Exposición permanente en constante crecimiento - Espacio Fundación Telefónica

Hasta 27/01 - Museo Nacional de Artes Decorativas

La muestra se compone de una parte permanente y una sección temporal. Cada X tiempo se propone un hashtag que ofrece la oportunidad de formar parte de la galería. Un equipo de profesionales valora la calidad de las imágenes que pueden formar parte de la exposición física en el Espacio3

Desde los preplásticos hasta la baquelita y sus herederos, en esta exposición encontramos 300 piezas que ofrecen un recorrido histórico a través del uso y experimentación con el material cuya versatilidad consiguió, en manos de químicos, ingenieros y diseñadores, convertir lo útil en bello y lo bello en barato3

[28] ExPERPENTO

expresarte

LA primera monografía de ingres

Duty-Free Art: 13 obras de hito Steyerl

Hasta 27/03 - Museo del Prado

Hasta 21/03 - Museo Reina Sofía

El Museo del Prado se apunta un buen tanto organizando esta exposición en la que podremos ver más de sesenta obras de Ingres, uno de los pintores más importantes de la historia en general, y decisivo para la posterior evolución de la pintura en los siglos xix y xx. Han conseguido convencer a las autoridades del Museo del Louvre y las del Museo Ingres de Montauban para que nos presten por un tiempo las obras más emblemáticas del pintor francés.

El Museo Reina Sofía vuelve a ofrecer una muestra audaz, con mensaje tan directo como soterrado. En esta ocasión trae trece piezas audiovisuales de la alemana Hito Steyerl. Es una de las artistas más reconocidas internacionalmente, por un trabajo en el que la mezcla de ficción y realidad, actúa como una mina en el cerebro, dispuesta a explotar en cualquier instante

En las colecciones nacionales, por circunstancias históricas que desde el departamento de prensa del Prado califican de "complejas", no tenemos ni un cuadro de Ingres. Es una curiosidad que se convierte en acicate para acudir a ver este recorrido temático y cronológico por una obra creada, casi exclusivamente, para reunir y generar belleza. Insurrecto –Ingres no permitía que nadie pusiera ni una coma en su forma de entender el arte y la libertad– su vida trascurrió mientras Europa navegaba por las corrientes del neoclasicismo, del romanticismo y del realismo, sin que esto lograra desvirtuar ni su estilo ni su ideología.

Esta es una de esas muestras que por la importancia del artista y por la oportunidad, atraerá a cientos de visitantes a Madrid.

Por tanto, si ya estás aquí, no seas panoli y vete a verla. Documéntate antes. Las circunstancias en las que desarrolló su trabajo lo hacen aún más apetecible3

La historia artista de Hito Steyerl dio un vuelco cuando en 1998 desaparecía su amiga Andrea Wolf, militante del Partido de los Trabajadores de Kurdistán. En 2004 Hito Steyerl daba a conocer November, una película en la que las dos luchaban hasta un final en el que solo había una superviviente. Esta cinta se convirtió en un símbolo y a partir de ahí, Steyerl decidió utilizar su trabajo para responder preguntas y plantear reflexiones.

Así, lo que tenemos en el Reina Sofía es un compendio de críticas ácidas hacia un sistema que con el diploma de la verdad indiscutida, hace y deshace teorías y realidades. Demuestra que un documental no es más que aquello que su creador quiso contar, poniendo el foco donde le interesa y ocultando todo lo que no contribuye al mensaje sesgado. Intuimos que lo contrario a la censura no es la información, porque a veces el exceso de datos colapsa nuestra capacidad cognitiva. La exposición incluye "The Tower" (2015), una obra inédita creada específicamente para Duty-Free Art3 OBJETOS DE FRONTERA

01/12- 27/03 - Residencia de Estudiantes

Hasta 28/02 - CA2M, Centro de Arte Dos de Mayo - Móstoles

La Residencia de Señoritas (1915-1936) fue el primer centro oficial creado en España para fomentar la formación superior de la mujer. La exposición ofrecerá un recorrido por los antecedentes y la historia a través de más de 400 documentos, libros, fotografías y obras de arte3

En un museo hay arte, ¿y en un mercadillo? ¿Depende el arte de la subjetividad? ¿Del contexto? ¿De la intención creadora? "Las obras seleccionadas plasman el interés en el futuro estatuto de los objetos que una vez fueron recogidos como artefactos culturales".

Veinte de piezas, entre esculturas, instalaciones, vídeo y pintura3 ExPERPENTO [29]

BREVEX 6

Mujeres en vanguardia

en francex

Toda esta información en www.institutfrancais.es/madrid/

aprender francés: 5 razones Gárgola de Notre Dame (cc) Joaquim Reberté Ferrán.

Aprender francés es fácil

En unas 700 horas de aprendizaje serio, se domina el francés. No resulta incomprensible: se puede practicar desde el primer instante sin tutelaje, con libros y pelis en versión original.

Para trabajar en España

Un 14% de la población tiene apuntado el francés en su currículo. Se exige en un

Agenda... … El cine encuentra su sitio en el Institut français de Madrid El Institut cuenta desde hace unos meses con un gran equipo audiovisual de alta definición. Por ello, el cine francés actual de calidad ha encontrado un lugar para ser redescubierto en Madrid a precio mínimo. Algunos de los filmes que podremos ver en diciembre son Jeune & Jolie de François Ozon o De óxido y hueso de Jacques Audiard. En la web del Institut encontrarás toda la programación3 … Marie Antoinette en imágenes Desde el 10/12, La Galerie du 10 exhibirá veinticuatro láminas originales del libro ilustrado por Benjamin Lacombe María Antonieta. Diario secreto de una reina. Descubre las pinturas, acuarelas y croquis de este gran autor e ilustrador francés3 [30] ExPERPENTO

12% de los empleos. Los expertos aseguran que si bien, el inglés se utiliza como un método de criba, el francés es necesario para el puesto publicado.

Para trabajar fuera de España

El francés es el idioma oficial de 32 países y de instituciones como la Unesco o la UE. Por tanto, cualquier entidad con vocación internacional hace negocios con entidades francófonas.

Para continuar los estudios

El francés suena en varias de las universidades más valoradas del mundo de Francia, Bélgica, Holanda o Canadá.

Los países francófonos son líderes en la investigación tecnológica, ciencia, medicina, ingeniería o management.

Para evitar intermediarios

Aprender francés te da acceso a la

Savoir-faire

ançais...

El Institut fr

… es una entidad oficial: Cuenta con un excelente equipo de profesores nativos y especializados en la materia que imparten3 … están a la última en TIC: Tienen una gran comunidad en redes sociales y han adaptado todos sus cursos a los nuevos soportes interactivos3 … se adapta a todos los perfiles: Intensivos, cursos anuales, cursos específicos, talleres especializados, etcétera.

El Institut tiene el mayor porcentaje de aprobados en exámenes oficiales3 … promueve la inmersión total: El Institut es un gran centro cultural. El cine, el teatro, los conciertos, y muchas más actividades, convierten al Institut en un pedacito de Francia en Madrid3 … tiene una enorme biblioteca: La Mediateca es la mayor biblioteca en francés de España. La Culturethèque es su versión online. Contienen libros, cine, música, periódicos, revistas, ponencias francesas, conciertos en streaming...3 literatura, la música, el teatro o el cine en francés sin intermediarios. En el caso del cine por ejemplo, la voz, representa el 50% del trabajo actoral.

A ello se suma el acceso a contenidos que nunca se traducen, como los artículos periodísticos3

Marie Curie recibió el Premio Nobel de Física con Pierre Curie en 1903, y el Premio Nobel de Química en 1911. Pero tiene una faceta desconocida. Así lo refleja un libro que reúne las cartas de la científica con sus hijas, que tan solo tenían nueve y doce años cuando Marie enviudó. Las cartas muestran personalidades femeninas brillantes e independientes ligadas por un cariño intenso e indefectible. En la presentación de Marie Curie y sus hijas, Cartas en el Teatro del Institut el 14/12 (20.00 h) intervendrán Manuela Carmena, alcaldesa de Madrid, Carmen Castresana, vicedirectora del Centro Nacional de Biotecnología, CSIC, y la joven científica española, Esperanza Jubera. Entrada libre con reserva escribiendo a libro@institutfrancais.es3

Centro Dramático Nacional Dirección Ernesto Caballero

INSOLACIÓN Teatro María Guerrero

de Emilia Pardo Bazán Dirección Luis Luque Versión Pedro Víllora

Del 10 de diciembre de 2015 al 24 de enero de 2016

Reparto (por orden alfabético) María Adánez Chema León José Manuel Poga Pepa Rus

Escenografía Mónica Boromello Iluminación Juan Gómez-Cornejo Vestuario Almudena Rodríguez Música Luis Miguel Cobo

Producción

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