extravaganza_67

PG 22// ENTREVISTA CENTRAL

Pedro Subercaseaux tiene una dilatada carrera en la música. Conocido principalmente por proyectos como Hermanos Brothers y CHC, esta vez le llegó la hora de tomarse los escenarios por sí solo. Nicolás Castro conversó con Pedro Piedra sobre todos los procesos que lo llevaron a componer su primer disco solista, en el estilo distendido de Extravaganza!

PG 34// FLORENCIA RUIZ

Rodolfo García compartió con la cantante argentina Florencia Ruiz, en su fugaz paso por nuestro país. No sólo hablaron de música, sino también de su incansable labor académica.

Conoce más de uno de los personajes más auténticos del under trasandino.

PG 36// DISCOS

El año en curso sigue entregándonos excelente música. Volvemos recargados de muchos y muy buenos discos, entre los que destacan el debut de Sonic Youth para el sello Matador; Passion Pit y su esperado debut de pop electrónico; la intimidad de DM Stith; el tercer trabajo de los suecos The Sounds; y el segundo disco solista del ex Pulp Jarvis Cocker.

INDEX

STAFF//N° 67 director editorial Fernando Mujica Maureira

Andrea Calvo

Llegó de improvisto y nos contagió a todos con sus ganas e inquietudes. Salió del Colegio Grange y se dedicó a la Publicidad con mención en Marketing. La música le apasiona y lo mejor, aunque usted no lo crea, es una adicta al indie rock.

Representante Legal Francisco Mujica Maureira Gerente Comercial Rodrigo Mahana Editor General Nicolás Castro Dirección de Arte + Diseño Magdalena Domínguez VENTAS Constanza Ugarte

Fernanda González

Para los que no lo sepan, el cuartel central de Extravaganza! está en el segundo piso de la tienda Sonik, donde Fernanda trabaja diariamente.

Desde ahí, colabora con nosotros y -junto a nuestra diseñadora- intenta moderar a la desordenada mayoría masculina de nuestra revista. Pero sólo un poco. Ella misma es una chica revoltosa, que conserva el mismo espíritu juerguista de cuando era quinceañera y no se perdía ninguna tocata de Pánico.

Ignacio Gálvez

Toca en un grupo de hardcore y trabaja volando por el mundo en una aerolínea. Así de amplia es la vida de este fotógrafo que se ha hecho a pulso y que hoy posee una mirada única de la moda y la música en vivo.

Producción Periodística Andrés Panes Colaboradores Barbara Lüders Soledad Evans Ignacio Franzani Fernanda Arrau Rodrigo Guendelman Martín De Mussy Sofía Aldea Rodolfo García Aníbal Valenzuela Sergio Díaz Guillermo Drago Víctor Hugo Carvallo Sebastián Arancibia Javiera Rossel Rodrigo Salinas Fernanda González Francisco Reinoso Juan Guillermo Valenzuela Camilo Gil José Pablo Delpiano Javiera Tapia Carlos Mella Rodrigo Hurtado Pablo Rosenzvaig Jorge Rubio Rodrigo Mérida Felipe Arratia Monserrat Lecaros Werner Fett Andrea Calvo Fotografía Daniela León Paola Manfredi Felipe Cantillana Sergio Recabarren Juan Pablo Montalva Natalia Silva / práctica profesional Raimundo Barros / práctica profesional Corresponsales Dana Radic (California, Estados Unidos) Eduardo Román (Nueva York, Estados Unidos) Miguel Hiza (Londres, Inglaterra) Marcelo Parada (Bergen, Noruega) Gastón Gabarró (Canadá) Claudio Silva (Buenos Aires, Argentina)

Junio 2009 Edición 67 Fotografía * Felipe Cantillana

06 //

impresion Quebecor World Chile S.A. CONTACTO Nueva de Lyon 105 local 12A, Providencia, Santiago // Teléfono: 233-3647 www.extravaganza.cl // contacto@extravaganza.cl

EDICION Nº17 Enero 1995

Bill Gould: “Éste es mi primer experimento personal”

“El tour agota. Es como un deporte tocar todos los días y tener que recibir en el camarín a gente muy importante del ‘negocio’ que quiere saludarte. La presión hace que el tiempo no alcance para conocer lo que uno quisiera. Encuentro absurdo el que ‘mega artistas’ salgan hablando en sus entrevistas acerca de que les pareció muy interesante el lugar x y su gente, cuando ese interés no existe”.

Fernando Mujica

Jimmy Fernández: Que la Pozze siga

“Me he sentido incómodo. Hay lugares en los que, después de hacer una entrevista, me piden que rapee un pedazo, ¿me entiendes o no? Imagínate, ‘que me rapee un pedazo’. Ellos son capaces de pedirle a cualquier músico que cante un pedacito de cualquier cosa para ir a comerciales o pasar al siguiente video”.

Fernando Mujica

ARTÍCULOS Sebadoh: Melodías perdidas en lo más recóndito

Barlow, el cerebro principal, juega de manera incansable en las letras con tópicos como el amor, la muerte y esencialmente con los sentimientos. Él asegura atravesar por su año más estable, lo que se demuestra en canciones que poseen la dosis necesaria de finura y del actual punk de los noventa.

(Roberto Denegri)

Courtney Love: Con un agujero en el corazón

Sus declaraciones no sólo despiertan una suerte de fascinación en los medios periodísticos, sino que también la transforman en una vocera importante para toda una generación de mujeres que quiere creer que la música puede y debe ser un vehículo importante de expresión, protesta y creación.

(Marisol García)

FLASHBACK

edición nº 17, junio 1995

DISCOS ADORABLE

MOTHER TONGUE

DIGABLE PLANETS SCENE

Fake -Creation-

Mother Tongue -Epic/Sony Music-

Blowout Comb -Pendulum/EMI-

Lo que diferencia a Adorable de los demás es una pronunciación, arrogancia e intelectualidad que los acercan a una corriente “arty” que recuerda las pretensiones de los Smiths y la finura de los Bunnymen.

No se preocupen, no han perdido el sabor original de las raíces propias del ghetto que poseía el primer álbum. Por el contrario, estos trece temas son todos muy densos, profundos, intensos y creo que hasta la música misma te hará filosofar.

Mother Tongue acaba de lanzar su primer álbum homónimo bajo etiqueta Sony y no podemos predecir si serán amos o perdedores, pero sí se puede decir que su primera producción es excelente.

Marisol García

Gastón Gabarró

Fernando Mujica

Por Monserrat Lecaros

01 CMT-LX30iR: Para felicidad de los adictos a la manzanita llega, de la mano de Sony, el nuevo sistema de audio CMT-LX30iR, especial para iPhone, iPod Touch o iPod. Tiene dos altavoces de 5 watts, un lector de CD y radio FM/AM. Incluye un puerto USB y entrada de audio en jack de 3.5mm, para conectar otros reproductores. 02 Lexicon I•ONIX U22: Lo nuevo en grabadoras digitales de Lexicon. Éste es un modelo creado para ser usado entre una pantalla y el teclado.

Tiene dos entradas analógicas y una Hi-Z, para que puedas conectar instrumentos musicales y -además- conexión MIDI. Todo se conecta a través de un puerto USB, compatible con OSX y Windows XP en adelante. 03 LG LH70: LG Electronics presenta la serie de televisores LH70, con modelos que son considerados dentro de los más delgados de su categoría. La serie incluye conexión vía Bluetooth, reproducción de archivos mp3, resolución Full HD y 120 Hz, además de los beneficios de la tecnología IPS, que te permite disfrutar de la imagen con colores 100% auténticos. 04 Nextbeat de Wacom: Este nuevo producto es una mesa de mezclas reducida para DJs, con un diseño compacto, dos canales y controles táctiles en la rueda principal. La mayoría de sus operaciones las realiza de forma independiente, lo que implica una autonomía sobre los computadores.

05 Akai APC40: No requiere de instalaciones de drivers, ya que es compatible tanto para usuarios de Mac como de Windows. Posee 109 botones, 16 codificadores con sus respectivos leds y nueve atenuadores de 45mm. También proporciona un completo control de todos los dispositivos de efectos e instrumentos virtuales.

06 TSX-130: Desktop Audio System : Al igual que la mayoría de los productos que han sido lanzados desde el mismo sector, el diseño del Yamaha TSX-130 también tiene un lector de CDs, pero además puede reproducir música desde un iPod, una memoria USB o la radio FM. Su sistema de sonido está compuesto por un panel de madera, dos altavoces y un subwoofer con una potencia de 30 watts. 07 Axiom Pro 25: Un modelo compacto de 25 teclas, TruTouch semi-contrapesadas, actualización y asignación MIDI automáticas, pantalla gráfica LCD, compatibilidad con aplicaciones de audio como Pro Tools, Cubase, Logic y Reason, además de un fácil acceso a los comandos de teclado de la aplicación huésped. 08 NV-CM001U: Si dabas por perdida toda la música que tenías en cassette, no te preocupes. Para solucionar eso llegó NV-CM001U, un instrumento de conversión analógica a digital que no sólo te dará la posibilidad de pasar a –MP3/WMA o WAV todas tus canciones a través de su puerto USB, sino que también te ayudará a combatir el deterioro de la calidad de sonido.

URBANA

01 LUST FOR LIFE: El vestuario masculino es la premisa de esta tienda, ubicada en el Drugstore. Ropa pensada en rockstars, cuya principal variedad está en jeans y chaquetas de cuero de diferentes largos y colores. También existe un gran surtido de camisas, poleras, corbatas y accesorios, como sus característicos messenger bags de tela y cuero. Drugstore. Providencia 2124, local 50. www.lustforlife.cl 02 adidas: Preparado para el invierno está el equipo de adidas. Además de seguir celebrando sus 60 años de vida, apuestan por el frío con la colección femenina Sneakers, inspirados en las suelas de las zapatillas. Y para hombres, Coastal, que busca sus referencias en los deportes acuáticos extremos. 03 Lomo Chile: Este mes es el vigésimo quinto aniversario de Lomo Lc-A, la mítica cámara rusa de la década de los ‘80 que dio origen a la tomografía. En Chile se han preparado una serie de actividades y sorpresas para celebrar este cumpleaños durante todo el mes. La clásica máquina se encuentra disponible en www.lomochile.cl y en Lomography Embassy Shop. Providencia 2124, galería Drugstore, local 06, subterráneo.

04 Cómodo: No sólo el tradicional diseño se encuentra en la tienda subterránea del Drugstore. En objetos de decoración hay novedosos artículos de cuero importados de Argentina. Y en mascotas, destaca un canguro de cuero que lo hace la gente de Vacavaliente. Esto, entre una extensa y variada oferta de productos. Galería Drugstore. Providencia 2124, local 07. www.comodo.cl 05 oOfelia: Una oficina creativa dedicada a combinar arte y diseño en la fabricación de objetos exclusivos y originales. Su primera apuesta fue abordar el diseño a través de una línea de espejos que habla de una personalidad atrevida y distinta. oOfelia está integrada por cuatro profesionales de diversas disciplinas como la arquitectura, el diseño y las artes. Constitución 183, piso 3, Providencia. www.oofelia.com 06 Galería Oculta: Un nuevo espacio que exhibe propuestas de distintas disciplinas artísticas, integrando el arte urbano, las instalaciones, performances y videoarte en general. Esta muestra presenta lo que el colectivo Madhaus ha plasmado y desarrollado tanto en la plástica como en lo musical y tecnológico. La exposición se presenta en Industria Cultural y permanecerá abierta hasta el sábado 18 de julio. Cueto 1470, Santiago www.oculta.cl

eulogies

silversun pickups

the dears

darker my love

LABEL

por fernando mujica

DANGERBIRD RECORDS

“Armar una compañía es un sueño y en él invierto todo lo que tengo. El dinero corre sólo cuando hay algo que decir. Cuando de verdad uno puede aportar”. Es la teoría de Jeff Castelaz, uno de los socios fundadores de Dangerbird, sello que nació con la idea de “desarrollar el talento de mucha gente anónima que hace grandes canciones”. Desde el año 2004 que Castelaz, junto a Peter Walter, ha estado trabajando en una empresa que cobija y descubre buena música. Un sello con raíces en Silver Lake (Los Angeles, California) que –desde la edición de Carnavas, de los Silversun Pickups, y sus más de 300 mil unidades– logró ocupar un espacio en el competitivo mapa independiente de las casas discográficas. Pero el secreto para ellos es ser más que un sello. Con una economía a escala, apostaron por Dangerbird Management y la asesoría para la producción de videos de directores como Diane Martel, Ace Norton o Michael Palmieri. En lo musical, los límites son amplios y cubren desde la oscuridad de Darker My Love –pasando por Sea Wolf, Eulogies, Bad Veins y Dappled Cities Fly– al pop con eco manchesteriano de The Dears. Incluso el experimento en solitario de un ex Jane’s Addcition (Eric Avery) es parte de un catálogo no muy extenso, pero lleno de caprichos.

www.myspace.com/dangerbirdrecords www.dangerbirdrecords.com

NUEVOS SABORES

THE SUCKERS vanguardia interracial Teniendo en su mano nada más que un EP, recién lanzado este año, este cuarteto de Brooklyn ya merece reseñas en todas las revistas especializadas del orbe. Mezclando una exagerada cantidad de influencias musicales y siendo descarados a la hora de provocar a la audiencia con una actitud bizarra –que raya en lo circense–, Suckers parece ser una de esas bandas propensas a sorprender. Uno de los principales causantes de esto es Quinn Walker, miembro fundador del grupo y artista solista, que el año pasado debutó con Laughter’s an Asshole/Lion Land, un álbum doble que ha dejado a todo el under gringo con la boca abierta. Pero volviendo a Suckers; es tal la cantidad de sonidos que fusionan que su música pareciera estar al borde de la etiqueta world music, recordando los coqueteos que hubo en décadas anteriores entre la no-wave neoyorquina con los ritmos africanos y latinos que llegaron a Estados Unidos en plena Guerra Fría. El EP –que fue lanzado en abril de este año por el sello IAMSOUND– consta de cuatro cortes y es, por ahora, todo lo que existe de esta nueva promesa.

Esperemos nos deleiten con un larga duración pronto.

Víctor Hugo Carvallo

Suena como: Contortions, Talking Heads, Clap Your Hands Say Yeah www.myspace.com/suckerstheband

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NUEVOS SABORES

BAG RAIDERS caballeros del beat Si existiera una escuela en la que se estudiaran casos de éxito en la industria musical, definitivamente el proyecto formado por los australianos Jack Glass y Chriss Stracey serían parte de una asignatura. Más que por la cantidad de discos vendidos, por el reconocimiento adquirido sin haber sacado larga duración alguno. Podríamos decir que su táctica es componer una buena canción y hacerle un buen video, luego esparcirlo por la red, conseguir 700.000 reproducciones y listo: tenemos un ganador. La diferencia en el caso de Bag Raiders es que su base es la capacidad de tener un excelente olfato. Es así como consiguen desligarse del beat más duro que marcó sus inicios, para dar paso a temas de corte más pop, como el hit mundial ‘Shooting Stars’ que actualmente suena en las radios de todo el mundo. Aparte de sus composiciones, remezclas para otras bandas, sus shows como DJs y haber firmado en el prestigioso sello Modular (Cut Copy, Midnight Juggernauts), estos chicos cuentan con seguidores bastante particulares, siendo Bill Murray uno de los más importantes e inusuales.

Cuando los conoció, el afamado actor admitió: “Esto es lo mejor que he escuchado en mi vida”.

José Pablo Delpiano

Suena como: Cut Copy, Midnight Juggernauts, Miami Horror www.myspace.com/bagraiders

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NUEVOS SABORES

GREEN GO del conservatorio a la pista de baile Ferenc Stenton y Jessica Tollefsen estudiaban piano clásico en un conservatorio de Ontario, Canadá. Su futuro auguraba una vida dedicada a la música docta y a los conciertos de cámara, hasta que ambos decidieron tentar a la suerte y probar otra cosa: pasar de la compostura al alboroto. Para concretar este plan, reclutaron a tres músicos más y armaron Green Go. Con cuotas de dance punk y electropop, más una saludable dosis de groove funkero, el grupo debutó a fines de abril con Borders (Pheromone Recordings, 2009). Un soplo de aire fresco para el cada vez más repetitivo y desgastado rock bailable. Sin reinventar absolutamente nada, el quinteto es capaz de sonar refrescante y efervescente, a través de una avalancha de sintetizadores y de las infecciosas melodías compuestas por la pareja líder. Señores DJs, ya saben a qué grupo recurrir cuando la fiesta decaiga.

Andrés Panes Suena como: Creature, Friendly Fires, The Rapture www.myspace.com/greengomusic

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NUEVOS SABORES

SLEEPY SUN humeantes Santa Cruz, en el estado de California, es un paraíso liberal. Su fama se debe a la gran cantidad de comunidades alternativas que la habitan, convirtiéndolo en un ambiente idóneo para cultivar sicodelia y lisergia. Bien lo sabe el sexteto Sleepy Sun, quienes se empaparon del ambiente de la ciudad para urdir su flotante y aletargado repertorio. Cuando estuvieron seguros de tener algo bueno entre manos, partieron a San Francisco a expandir sus horizontes y ahora es ahí desde donde emiten su humeante música. El sello ATP Recordings (Fuck Buttons, Deerhoof, Jackie-O Motherfucker) lanzó Embrace, su debut, en mayo pasado.

Ocho canciones que demuestran la capacidad de la banda para manejar tanto la lisergia rockera como las melodías delicadas, siendo hipnóticos de principio a fin. Por derecho propio, Sleepy Sun pueden jactarse de ser uno de los principiantes más aventajados del nuevo rock estadounidense.

Andrés Panes Suena como: Spiritualized, Brightblack Morning Light, Spacemen 3 www.myspace.com/sleepysun

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NUEVOS SABORES

SOUND OF ARROWS villancicos bailables The Sound of Arrows es un dúo sueco, integrado por Stefan Storm y Oskar Gullstrand, que explora un pop electrónico nutrido de arpas, samplers, coros, cuerdas y crescendos. Storm viene del house; Gullstrand, de una orquesta clásica. Ambos se encargaron de crear la música que pudiera llenar de alegría y magia a Gävle, una de las ciudades más aburridas de Suecia y su lugar de procedencia. Aunque ya se mudaron a Estocolmo, dicen que aún vuelven allá a visitar a sus familias y a registrar sus temas en discotecas abandonadas. Esta banda se formó para grabar una canción para un concurso navideño, lo que les tomó meses ya que carecían de técnica informática y de sonido. Una vez andando, el proyecto tomó vuelo y debutó el año pasado con el corta duración Magic, para Labrador (el mismo sello de The Radio Dept. y The Mary Onettes). Luego siguió el single ‘Danger’ y, para fines de este año, se espera el álbum debut de The Sound Of Arrows, un dúo que dará que hablar gracias a su pop pegajoso y de mucha clase.

Rodolfo García Suena como: Benni Hemm Hemm, Sambassadeur, Suburban Kids with Biblical Names www.myspace.com/thesoundofarrows

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NUEVOS SABORES

THE OTHER GIRLS a corazón abierto En 1998, un joven músico dejaba su casa en Canton (Ohio), para emprender el vuelo de la independencia. Era Jonah Oryszak quien, con sus discos de Nick Drake y Roxy Music en un bolso, se marchaba a Cleveland. “La música siempre fue una gran influencia. Mi mamá solía hacerles cintas mezcladas a mi viejo. Cuando yo tenía cinco años tuve mi primera grabadora y con ella intenté, a esa edad, compilar mi música favorita”. Con esa convicción en mente, la música sería lo suyo. Conoció a Jay Tousley (de West Park) y con él nacieron sus primeras ideas. Así comenzó la búsqueda del pop perfecto. Miles de factores en contra hicieron que esa dupla en muchos años no cuajara una idea clara de música propia. Fue la inclusión de Dave Wincek la que gatilló el nacimiento de The Other Girls. Nacieron canciones llenas de emoción, pop oscuro y carraspeado que vivió miles de horas de ensayo antes de ver la luz. “No tocamos nunca en vivo durante nuestro primer año y medio de vida. Queríamos mostrar algo depurado y puro”. A.C. Newman, Modest Mouse y Band of Horses se vienen a la cabeza cuando el sufrimiento del trío irrumpe y la voz desgarrada y ácida de Oryszak nos cuestiona mil similitudes, en un océano de influencias que en pleno 2009 aún se rige por cambios. De eso trata Perfect Cities, editado el pasado 9 de junio por Audio Eagle (el sello de Patrick Carney, de los Black Keys). Canciones sinceras, crudas y que desgarran un pop a corazón abierto.

Fernando Mujica Suena como: The Walkmen, Band Of Horses, Superchunk www.myspace.com/theothergirls

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PEDRO PIEDRA Insomnio creativo CHC, Hermanos Brothers, Yaia y Tropiflaite son sólo algunos de los proyectos musicales en los que ha participado Pedro Subercaseaux.

Después de varios años trabajando junto a amigos, un impulsivo viaje determinó su presente. Conversamos con Pedropiedra sobre México, su debut en solitario y, cómo no, de sus diversas y versátiles aproximaciones a la música a lo largo de su carrera.

Por Nicolás Castro Fotografía * Felipe Cantillana Producción Fotográfica * Felipe Cantillana, Magdalena Domínguez // 25

“(En CHC) yo me dedicaba a la parte más musical y de arreglos.

Cada uno componía sus propias letras y coros. Ésa era la gracia de trabajar en equipo. Además, nadie estaba tratando de sabotear al otro. (...) como Sebastián y Gabriel (Díaz) venían del mundo del cine, el proyecto era súper honesto y sin los clichés convencionales del rock. No ha habido nunca un grupo como CHC en Chile, es súper original, honesto, del corazón. Nos fue bien porque no teníamos ninguna pretensión”.

Sábado 20 de diciembre de 2008. La Sala SCD se repleta para ver la primera presentación de CHC en bastante tiempo. Ahí, al fondo del escenario, detrás de la personalidad avasalladora de Sebastián Silva y el resto de los integrantes, Pedro Subercaseaux maneja los hilos rítmicos desde la batería. Casi en las sombras. “Como un arquero”, como define él. Viernes 8 de mayo de 2009. El mismo lugar recibe a casi tanta gente. De terno blanco y banda presidencial, Pedropiedra hace su entrada triunfal. Los aplausos ya no se dividen; ahora son todos para él. A los 31 años, su momento llegó.

Los inicios de Subercaseaux en la música se remontan a la década de los ’80. “Según lo que me han contado, partí de bien chico.

Me aprendía la canción de la Teletón y me ponían a cantarla en la mesa”, recuerda. Habiendo crecido con varios hermanos, no pasó mucho tiempo para que ese niño descubriera la guitarra de palo de su hermana grande. “No sabía afinarla ni nada, pero podía tocar melodías con una cuerda”. A pesar de su admiración por Michael Jackson o GIT, la influencia de un hermano grande hizo que esa melodía fuera ‘Boys Don’t Cry’.

En su familia había varios artistas, en especial por el lado de su papá, un pintor y publicista. A los 10 años, lo metieron a la Academia de Alberto Plaza, para aprender a tocar bien la guitarra. Se aburrió a las pocas semanas. “Me enseñaban canciones… como la Academia de Alberto Plaza, imagínate”, cuenta. Con el paso del tiempo comenzó un incipiente interés por la batería. Casi inconscientemente se encontraba llevando el ritmo con las manos y se le ocurrió que iba a ser fácil tocarla. Armó su primera batería de cartón, hasta con un hi-hat inventado.

Después de formar un grupo de rap junto a amigos de infancia, entre los que se contaba a Vicente Sanfuentes, le regalaron una caja de verdad para su cumpleaños. Para la navidad de ese año pidió un platillo y se apropió de la batería de juguete que le regalaron a su hermano. En esa época formó Wanted, banda de colegio con la que tocaban covers de los Beatles, The Doors o Cream. Aquí ya 26 //

contaba con Jorge del Campo, quien se convertiría en un compañero fiel por el resto de su carrera.

Subercaseaux pensaba que su futuro iba a estar ligado a las artes plásticas. Casi sin pensarlo, entró a estudiar Arquitectura, pero duró sólo una semana. “Me imaginaba algo distinto. Si te pica el bichito de la música, es casi imposible que te dediques a otra cosa”, admite. Con mucho tiempo libre, entró a trabajar en una productora de cine. “Era una especie de goma y me pagaban una miseria. Una vez tuve que inflar como 200 globos y otra tuve que blanquear un esqueleto para un comercial”. Ahí fue cuando empezó a interesarse en componer sus propias canciones.

Al año siguiente entró a estudiar Composición, en la Escuela Moderna, principalmente porque no quería ser músico de Conservatorio. “Creo que nadie te puede enseñar a componer. Había muchos ramos mula, pero ahí me quedé con lo que servía. También había muchos ramos que hacían que por primera vez tuviera ganas de llegar a estudiar a la casa”, cuenta. En la Moderna se reencontró con Jorge Del Campo, su amigo de infancia, con quien formó Tropiflaite, un grupo dedicado a las fiestas y los ritmos tropicales. La inspiración vino de sus primeras experiencias de música en vivo, en las fondas para las Fiestas Patrias.

“Cuando empecé a ganar plata tocando con Tropiflaite, me envalentoné. Me sentí como: ‘Yo no necesito esta huevada’, como medio achorado. Y ahí dejé la Moderna. No le avisé a nadie y dejé de ir, pero con el tiempo me di cuenta de varias cosas que sí me sirvieron, como el uso de las armonías”, reconoce. El proyecto Tropiflaite estuvo cerca de volverse serio: un productor les ofreció un lanzamiento en grande y mandó a masterizarlo a Europa, pero nadie quedó conforme y finalmente el proyecto nunca vio la luz. “Querían que fuéramos como los Backstreet Boys latinos. No nos gustó nada y a nadie le gustó tampoco. Era medio flaite, medio Ibiza. Menos mal, porque tal vez nos hubiéramos encasillado en algo de lo que tal vez nunca hubiéramos podido salir. Todo el proyecto perdió su sentido original”, asume.

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“Estaba súper desamparado. No pertenecía a ninguna escena y así es difícil. Era parte del círculo de chilenos desempleados. (...) No tuve paciencia. Sabía que, para volver a México, tenía que volver mejor armado. Igual está la posibilidad de volver algún día, allá conocí mucha gente y lo pasé la raja”

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PEDRO Y SUS HERMANOS Paralelamente a la existencia de Tropiflaite, Pedropiedra ya estaba creando canciones junto a Vicente Sanfuentes, en el proyecto Hermanos Brothers. Un poco de hip-hop y experimentación trajo un éxito inusitado, ganando un premio MTV. A pesar del éxito, Pedropiedra nunca se sintió muy a gusto en ese formato. “No me sentía cómodo rapeando. Lo hacía porque había que hacerlo. No encontraba que fuera bueno para animar multitudes y para usar todos esos clichés como ‘pongan las manos en el aire’”, reconoce. Además, admite que siempre vio a Hermanos Brothers más como un disco que para salir a tocarlo en vivo: “Hubiéramos tenido que invitar como a 10 personas por tocata”.

Sus dos proyectos iniciales estaban comenzando a diluirse. Pero, en el año 2001, empezó a conocer a la gente con la que su creatividad fluiría al máximo. Sanfuentes le presentó a Sebastián Silva, quien se convirtió en su mejor amigo hasta el día de hoy. Junto a él, otros amigos y su hermana, se fueron a vivir a una casa bautizada como Esmeralda. El lugar pertenecía a una agrupación de monjas llamada la “Congregación de Hermanas Contemplativas”. Este concepto fue replicado para formar CHC, una idea que surgió de Silva.

2003 fue el año en el que se lanzó Bastante Real, su debut, luego de casi dos años componiendo canciones y animando fiestas de amigos. La idea de grabar algo surgió de Cenzi, quien había trabajado junto a Makiza y Tiro de Gracia, entre otros. “Al principio era un poco escéptico con CHC, pero después de tener como 10 canciones, me di cuenta de que la última era mucho mejor que la primera”, señala. Las temáticas estaban llenas de momentos filosóficos e irónicos derivados de largas conversaciones en la Esmeralda. El sonido fue catalogado por ellos mismos, con bastante sarcasmo también, como hipi-hop: el hiphop hippie.

Para Subercaseaux, una de las claves para el éxito de CHC fue la definición marcada de los roles. “Yo me dedicaba a la parte más musical y de arreglos. Cada uno componía sus propias letras y coros. Ésa era la gracia de trabajar en equipo. Además, nadie estaba tratando de sabotear al otro”, cuenta, al mismo tiempo que agrega que “como Sebastián y Gabriel (Díaz) venían del mundo del cine, el proyecto era súper honesto y sin los clichés convencionales del rock. No ha habido nunca un grupo como CHC en Chile, es súper original, honesto, del corazón. Nos fue bien porque no teníamos ninguna pretensión”.

Además de ganar dinero haciendo jingles, Pedropiedra siguió canalizando su amistad con Sebastián Silva en la música. Al mismo tiempo de armar What It Is Es lo Que Es, el segundo largo de CHC, trabajaron juntos en Yaia. “Queríamos probar otras cosas juntos, sin que necesariamente fuese el segundo disco de CHC. Yo tengo esa cosa más práctica que ayuda a canalizar todas las ideas que tiene Sebastián”, cuenta. Además, pudo canalizar su veta más rockera en Iwannawin, el proyecto solista de Silva que Subercaseaux ayudó a componer y que tuvo en Iwannawin & Friends su único registro en estudio.

MÉXICO SIN BANDERAS La Cosa, en 2007, vino a confirmar la maduración de CHC como banda. También de Pedropiedra como productor, esta vez compartiendo créditos. Para estas alturas, Sebastián Silva ya tenía una emergente aventura en el cine y Nea Ducci comenzaba a inquietarse por una carrera solista. Justo después de editar su tercer LP, el grupo decide darse un receso indefinido.

Subercaseaux viajó a México, donde tenía amigos desde la época en que vendía canciones para otros artistas, para tratar de mover La

Cosa en el extenso mercado mexicano. Debido a la imposibilidad de llevarlos a todos para tierras aztecas, comenzó a gestarse en él la idea de hacer un disco solista. “No sabía bien por qué me fui. En un principio fue por tres meses, pero me terminé quedando casi dos años.

Estaba en una etapa muy creativa, escribiendo mucho del material que terminó siendo mi disco solista”, admite.

Luego de quedarse un tiempo en la casa de Jorge González –con quien mantiene una amistad desde la época de Hermanos Brothers–, empezó a probar suerte en el mercado. Estaba casi listo en un sello multinacional, pero recibió una ayuda inesperada. “Allá todo es una fábrica de salchichas. Casi firmo con Sony, pero iba a terminar trabajando con un productor que no era de mi gusto. Quería que fuera el nuevo Kevin Johansen. Todo bien con él, pero no estoy ni ahí. No me gusta. Al final terminé sacrificando el megaproyecto por trabajar como siempre lo he hecho: con amigos”, reconoce.

La persona que lo hizo arrepentirse de firmar fue el mexicano Leonel García, conocido como la mitad del disuelto dúo romántico Sin Bandera. Sin cobrarle un peso, le prestó su estudio para la grabación y pagó por la masterización. “Leonel no es un monstruo romántico que se ponga a llorar cuando ve una flor. Se hizo conocido cantando esas canciones, pero aparte de eso es un guatón buena onda. Se portó increíble conmigo. No iba a empezar con ese prejuicio pendejo ni cagando”, admite.

Así se gestó Pedropiedra, su debut en solitario, con letras mucho más personales y un sello propio de “canciones medias pop, pero raras, de ésas que te gustan a la segunda”. Al no poder firmar con ningún sello, empezó a venderlo en tocatas. Vendió cerca de 200 copias. Pero al final, la decisión de volver a Chile pasaba cada vez más por su cabeza. “Estaba súper desamparado. No pertenecía a ninguna escena y así es difícil. Era parte del círculo de chilenos desempleados”, recuerda. A pesar de hacerse amigo de los Bunkers y de un grupo de compatriotas, no estaba ganando dinero y era momento de volver.

Acá sabía que le sería más fácil editar el disco. “No tuve pacienciaSabía que para volver a México, tenía que volver mejor armado. Igual está la posibilidad de volver algún día, allá conocí a mucha gente y lo pasé la raja”, señala. De todas formas, no se arrepiente de su periplo mexicano, ya que el disco “es fruto de haber estado allá. De otra forma hubiese sido distinto”.

Una vez superado el nervio que le produce tener que responder a todos los resultados por sí solo, por primera vez en su carrera, Pedropiedra lo dejó satisfecho. “Es bastante cercano a lo que quería decir.

Además quedé muy contento con varias de las letras, que es algo que me cuesta mucho hacer”, admite.

Para lo que viene, Subercaseaux es igual de sencillo que siempre.

“Tengo ganas de tocar harto y que el disco suene en la radio. Quiero que este disco siente la base para hacer una carrera y grabar al menos dos discos más como Pedropiedra”, adelanta. Esa experiencia de ir evolucionando un proyecto –que hasta ahora sólo ha vivido con CHC– es su principal motivación. Cuenta que ya tiene casi la mitad de su segundo disco escrito y que está bastante “más regodeón. No dejo nada que no me mate”.

Para su segundo esfuerzo en solitario, quiere contar con algún productor que le libere un poco el estrés que le provoca esta labor. En la composición también ha encontrado su mayor pasión. Y también admite que le encantaría volver a grabar un disco con los Hermanos Contemplativos, el proyecto en el que más a gusto se ha sentido. Ése es Pedropiedra, un tipo tan honesto y poco pretensioso como su música. Con una inteligencia creativa que, lejos de estar dormida, vive su período más lúcido. // 29

fotografía * daniela león

fotografía * daniela león

DJs

LVEDA DJ CHINO SEPÚ

S DJ CATA OLIVO

Cristián Sepúlveda Nació el 9 de noviembre de 1980 Toca desde 1999

Catalina Olivos Nació el 12 de febrero de 1983 Toca desde junio de 2007

Partió produciendo fiestas cuando salió del colegio. Para abaratar costos, terminó él mismo frente a un mixer en la Disco Alameda. Su interés por la tecnología, las perillas y los botones –sumado a su afición a la música– lo hicieron llenarse de tornamesas, denons y todo tipo de sistemas novedosos para pinchar discos.

Escucha electrónica hace seis años y empezó a coleccionar discos afanosamente. Luego de escribir un tiempo en Super 45, fue invitada por Cristián Araya a musicalizar las fiestas Dance to the Underground, junto a Pía Sotomayor y Fernanda Arrau. Además de presentarse sola, formó junto a unas amigas el colectivo Leidis Nait, una apuesta femenina y atractiva.

Toca en Amanda, eventos de marcas y todo lugar donde se pueda bailar.

Toca en Bar Constitución, Café Abarzúa, Amanda, Mala Vida y Bar Loreto.

Su estilo es ecléctico, pero con tendencia al indie, tanto rockero como electrónico.

Su estilo es el minimal house y el minimal techno.

En qué club/evento/festival extranjero le gustaría tocar: En el Festival Internacional de Benicàssim.

En qué club/evento/festival extranjero le gustaría tocar: Definitivamente en Mutek, ojalá en Mutek Picnic.

www.flickr.com/photos/musicbook

www.myspace.com/catalapinky

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fotografía * daniela león

fotografía * ignacio gálvez

CAGLIA DJ NACHO BUS Ignacio Buscaglia Nació el 30 octubre de 1976 Toca desde 1999 Partió tocando batería desde pequeño y ahí le tomó el gusto a la música.

Después empezó a ir al Túnel, donde conoció a DJs con los que compartió discos. Un buen día, uno de ellos no llegó y el dueño del lugar le preguntó si podía cubrirlo. Nacho buscó los CDs que tenía en su auto y salvó la noche. Así pasó cuatro años como residente y también hizo lo propio en Casino Royale y Subterráneo. Ha compartido escenario con Los Tetas, Tiro de Gracia, Rock Hudson y Plastilina Mosh, entre otros.

DJ BICICLETAS Eduardo Sarty y Rodrigo González El proyecto nació en 2005 Los dos son DJs desde 1999 Frecuentando lugares como La Casa Club, Planet y La Perrera, desarrollaron su gusto por la música electrónica. Entre las influencias que comparten están las tendencias sónicas y del lado más penetrante del minimal. También les gustan vertientes del house, como el deep, sweet y tech. Ambos tienen interés por la energía en la pista de baile y por lograr un groove especial.

Tocan en Club Declive, Bar Orgániko y son residentes del Bar Central.

Toca en Subterráneo, Gran Central, Surreal y Amorío, entre otros lugares.

Su estilo es el minimal y el tech-house.

Su estilo pasa por la música negra, funk, electro funk, disco, breakbeat y rock.

En qué club/evento/festival extranjero le gustaría tocar: En la Fabric de Londres.

En qué club/evento/festival extranjero le gustaría tocar: Su sueño es tocar con Daft Punk.

www.myspace.com/dbicicletas

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por aníbal valenzuela / fotografía * felipe cantillana

BARCLUBBING

URBANDELUXE lujo urbano Con una decoración de autor, la más variada carta de comida japonesa y muy buena música, este bar –que abrió hace sólo un par de meses– ya se ha transformado en el preferido del mundo del espectáculo.

Ubicado en Bellavista 0875 (justo en frente de Televisión Nacional), y abierto recién en diciembre del año pasado, este bar ya ha dado que hablar en la noche capitalina. Su diseño minimalista, a cargo de la tienda Cómodo, se hace notar desde su sencilla fachada hasta el papel mural, traído directamente desde Alemania. Con una estética “chic”, como definen sus mismos dueños, la apariencia del lugar fue algo que les importó mucho, desde el minuto en que decidieron transformar sus famosas fiestas de Black Music en un bar que acogiera al público que los seguía en cada uno de sus eventos. Fiel a la estética que los acompaña desde hace unos años, los colores que predominan en el lugar son el negro, blanco, rosado y dorado, dándole un aire de elegancia y sofisticación al ambiente. Además, está decorado con lámparas de autor y espejos en las barras. El salón de baile cuenta con un escenario destacado para el DJ y los estilos que oscilan entre los días lunes y

sábados pasan por la música negra, la electrónica y -más recientemente- el dubstep, teniendo siempre reconocidos exponentes de estos géneros, como Andrés Butano, Francisco Allende, DJ Raff y DJ Caso, entre otros. La comida es algo que también se destaca por sí sola: cuentan con una extensa variedad de comida japonesa –con sushis vegetarianos incluidos–, que les ha dado muy buenos dividendos. En los tragos tienen una carta estándar, en la que resaltan dos creaciones: el Deluxe (curaçao, ron dorado y crema) y el Urban Deluxe (ron de coco, jugo de piña y un toque de granadina). En el último tiempo, el local ha sido arrendado para hacer múltiples eventos, que van desde lanzamientos de productos hasta desfiles de moda.

www.urbandeluxe.cl.

DIEGO PERALTA

REPORTEESTUDIO

por andrés panes // fotografía * daniela león

COMO EN LAS PELÍCULAS

Hace más de cincuenta años, una anónima mujer fue retratada a punto de zambullirse en una piscina. Su imagen quedó plasmada en una antigua revista, cuyos ejemplares han pasado de mano en mano a través de los años, hasta que una copia fue a parar donde un veinteañero. Uno que, justo en ese momento, se encontraba inmerso en sí mismo. Era Diego Peralta, quien estaba articulando las ideas de lo que sería su segundo disco oficial (el cuarto, en estricto orden). La empresa no era nada fácil, porque implicaba continuar la ruta comenzada en 2008 con De lo Humano Sin Corazón, su elogiado debut.

El hallazgo de la mentada foto fue providencial. La nueva placa se llamaría Nadar y plasmaría la fase que atravesaba su autor.

“Quedé muy contento con el álbum anterior y eso me llenó personal e interiormente, pero no quería hacer lo mismo otra vez.

Por eso me reinventé. Hice una reestructuración muy cuidada y cargada a los detalles. Estoy trabajando con ideas definidas, que hablan sobre la soledad y la búsqueda del alma”, explica.

“Nadar es encontrarse, sumergirse. Me gusta el nombre porque dice mucho con una sola palabra. Los títulos de las canciones también son así: ‘Frágil’, ‘Dibujar’, ‘Salir’ o ‘Fin’”, cuenta.

Y, aunque huele a obra conceptual, el músico opta por marcar la diferencia. “Prefiero llamarlo ‘disco emocional’. Éste es un puzzle, un rompecabezas que yo mismo he ido armando parte por parte. Ha sido mucho más espontáneo que cerebral”, aclara. La naturalidad con la que se ha tomado esta faena lo llevó, incluso, a tomar riesgos. “Compuse el 80% de las canciones en piano, pero yo ni siquiera sabía tocarlo. Aprendí recién ahora”, confiesa.

En vez de proyectar racionalmente este proyecto, Peralta ha elegido dejar que los acontecimientos sigan su curso y que el tiempo lo ayude a forjar su apuesta. “Soy influenciado por todo lo que me pasa. Por ejemplo, hace poco me dijeron que mis letras eran como guiones o storyboards. Eso me quedó dando vueltas y lo encontré cierto. Creo que mis primeros discos son sobre lo que yo mismo escuché antes, pero éste será acerca de las películas que he visto”, afirma.

Nadar encuentra su hilo conductor en el séptimo arte. “Tiene muchas referencias cinematográficas. Quise reflejar la sonoridad de un filme. Ahora todo es más lento y pausado, no tan

inmediato ni melódico”, adelanta. Entre sus referencias, la más potente es Charlie Kaufman, el guionista de Eterno Resplandor de una Mente Sin Recuerdos y ¿Quieres ser John Malkovich?

Los cambios en la metodología son reales, pero no radicales.

“Varias cosas se mantienen. Por ejemplo, todas las letras apuntan al título del álbum y a su idea, para que se pueda sacar una conclusión global de lo que digo”, anticipa el songwriter. Otra cosa que no cambia es el espíritu de camaradería que promueve. “Al principio, este disco iba a tener varias apariciones de toda la camada MySpace, pero armándolo me di cuenta de que tenía que ser más íntimo. La única colaboración que hay son algunas voces grabadas por Astor Keeza”, puntualiza. El ex Fruto Prohibido, durante su visita de enero pasado, se convirtió en invitado del porteño, cuya lista de amistades también incluye a Lisandro Aristimuño.

Con lo que Diego Peralta no transa es con su perfeccionismo.

“Me he tomado mi tiempo para hacer algo meticuloso. Nadar nació en diciembre del 2008, cuando registré la primera canción. Y, a lo largo de todos estos meses, se ha ido armando el resto de la idea”. Lo artístico recibe la atención que merece, pero no acapara toda la energía del músico, quien también se ocupa de los aspectos técnicos. “Yo estudié sonido y tengo manejo de lo teórico, así que sé cómo grabarme con equipos reducidos y sonar con una calidad similar a la de un estudio profesional”, comenta.

Pese a que la alta fidelidad es una de sus metas, el cantautor se inclina por producir en su propio hogar. “Tengo un estudio en el departamento donde vivo. Todo nace en la intimidad de mi dormitorio. En mi pieza nacen canciones, textos, discos. Desde ahí escucho el trabajo de otros y también veo películas. Ahí tengo mi cama, mi computador y mis equipos. Hay varios, en un espacio reducido”, grafica. Sus recursos son tan modestos como sus anhelos, pero no por eso menos gratificantes. Queda claro al escucharlo hablar. “Me gusta la independencia y la autogestión, creo que –para ser más grande– hay que pasar por esto en algún momento. Yo estoy tan contento con Nadar que siento que le irá mejor que a mi disco anterior. Si hice muchos conciertos el año pasado, ahora tocaré el doble”, asegura.

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ENTREVISTA

por rodolfo garcía // fotografía * daniela león

FLORENCIA RUIZ EL CANTO DEL RUISEÑOR Florencia Ruiz es una voz emergente dentro de la Nueva Canción Argentina. Con cuatro álbumes propios y uno a dúo, más casi 10 años de ruedo, lo suyo se acerca a la folktrónica y al pop ambient experimental, una veta que le ha traído relevancia dentro del confidencial mundo independiente. De paso por Chile para realizar una Sesión Improbable, la trasandina explica su particular manera de enfrentar la música y adelanta detalles de su próxima grabación.

A Florencia Ruiz le gusta elegir el té que pide a la mesa. Lo prefiere con leche y azúcar. La cantautora argentina tuvo un día normal ayer en Buenos Aires. Se levantó para ir a hacer clases al jardín de niños de la escuela pública donde trabaja. Luego volvió a casa, empacó sus cosas y tomó el avión para venir a Santiago. Al par de horas, se presentó en un canal de televisión para grabar un late show con algunos temas al aire.

Para esta autora intimista, la vida fluye con naturalidad, la misma con la que aparece junto a su gato en la portada de su disco Cuerpo (2003). Florencia Ruiz explora la calidez y la profundidad a través de elementos simples e hipnóticos.

Tras una trilogía inicial completada por Centro (2000) y Correr (2005) –de canciones nostálgicas, melodías circulares y un sonido envolvente–, la argentina editó un disco de remezclas, Fogón (2006), y Mayor (2007), su álbum más cercano al concepto tradicional de canción. Luego, Florencia publicó Ese Impulso Superior (2008), a dúo con Ariel Minimal (Pez, Los Fabulosos Cadillacs).

Con una veta experimental ligada a la folktrónica, que puede recordar desde Mùm hasta Björk, o una Julie Doiron porteña, Ruiz ha sabido ganarse el aprecio de un público internacional.

Tiene ediciones en Japón, donde el año pasado fue de gira, Darla distribuye sus obras en Estados Unidos y Europa, y en México edita nada menos que por Verdigris, un subsello de Static –la casa matriz de la electrónica house de Murcof y Fax– creado especialmente tras ficharla a ella. Hoy, Florencia se sitúa como una de las mejores voces de la nueva canción trasandina.

Esta intérprete parece vivir su propio universo paralelo, sin estar muy pendiente de lo que pasa allá afuera. “El otro día llegaron los chicos de mi banda a ensayar y me dijeron: ‘¿Por qué no fuiste a Radiohead ayer?’ Les pregunté que cómo era eso de que tocaba Radiohead. ‘Pero si estaba todo el país ahí‘, me contestaron”.

Florencia viene a presentarse en un show solista en plan íntimo (ella y su guitarra eléctrica) en las Sesiones Improbables, producidas por Philippe Boisier, en el salón Cienfuegos. Esta es su segunda visita a Chile, en la que contempla exhibir su mezcla de pop y experimentación contemporánea. Graduada de conservatorio en guitarra y profesora de música, que ha ejercido primero con niños de cuatro y cinco años, Ruiz hace una amalgama impresionante y propia en cada tema.

¿Cómo es hacerles clases a niños tan pequeños?

Bueno, antes les hacía clases a niños más pequeños, de dos años. Empecé a trabajar mientras estudiaba porque tenía que hacerlo. Es muy lindo, porque te obliga a ponerte en otro lugar, a compartir la música de otra manera. Ahora el gobierno argentino fue quitando música de algunos cursos y me quedé con niños un poco más grandes. ¿Cómo fue tu contacto con la música?

Siempre hice canciones, como desde los diez años. Luego, a los 16, mientras aún estaba en la escuela secundaria entré al conservatorio. Me gradúe en guitarra, aunque estudié mucho tiempo composición y bandoneón. ¿Cómo lograste unificar los dos mundos, el docto y el popular, en tu música?

Yo siempre escuchaba canciones en mi casa, desde los seis o siete años, de Charly García y esas cosas. Pero quería hacer otra música, que nunca hubiese escuchado o llegado a mis oídos.

Me gustaba hacer temas raros, que no tuvieran una estrofa o un estribillo. Luego, en el conservatorio, me hicieron tocar cosas muy buenas, más contemporáneas, que nada tenían que ver con las mías, pues estas últimas eran canciones. Eso fue lo mejor que me pudo haber pasado, porque aprendí mucho y lo pude aplicar en lo que estaba haciendo.

Tus canciones todavía tienen mucho de atmósfera…

Sí, siempre. Ahora recién en Mayor me propuse hacer algo más en la línea de la ‘estrofa-estribillo’, aunque en 14 canciones hay un solo de guitarra. Lo que pasa es que antes, muchas veces me contentaba con una sola frase. Ya estaba, dos palabras y ya.

Ahora pude empezar a desarrollar más esta parte en las voces y letras. Generalmente privilegiaba los arreglos, de cuerdas por ejemplo. No me preocupaba mucho de comunicarme de manera más explícita, aunque sí lo hacía de una forma instrumental. Estoy en ese camino, que marcó a Mayor, para el próximo álbum.

Todo un recorrido…

Sí, viste, tras tantos discos de delirio, éstos me sirvieron para desarrollarme y aprender.

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discos

PASSION PIT Manners //(Frenchkiss) La vida es injusta. Hay veces –y vaya que ha pasado– en que los halagos desmedidos crean una presión imposible de llevar. Algunos sucumben y desaparecen; otros, responden. Entre estos últimos está Passion Pit. Con la insoportable etiqueta del “disco más esperado del año”, el quinteto liderado por Michael Angelakos cumple con Manners, su debut en largo. Para contrarrestar esa presión, optaron por una arriesgada apuesta: mantener un solo tema del EP Chunk of Change (Frenchkiss, 2008), siendo ésta muy acertada. Tampoco se pegaron en el sonido precario que tantos créditos les dio, sino que fueron por más. Es así como, hasta el single ‘The Reeling’ –una de las mejores canciones en lo que va del año–, el comienzo es demoledor: melodías irresistibles, arreglos bien seleccionados e incluso el apoyo de un coro literalmente infantil. La segunda cara del disco parece trastabillar, pero ahí aparecen con firmeza ‘Folds in Your Hands’ y, especialmente, ‘Sleepyhead’ (la única que se repitió el plato), dos de los momentos más altos del disco. Ódienlos por populares, sigan repitiendo una y otra vez que están sobrevalorados, pero no cometan la injusticia –otra más– de decir que fallaron. Eso sí que no.

Nicolás Castro www.myspace.com/passionpitjams

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ABE VIGODA Reviver EP (Post Present Medium)

ADA

En cinco canciones, el nuevo EP de Abe Vigoda echa por tierra cualquier duda no resuelta en Skeleton (PPM, 2008). Porque si quedaba algún desconfiado, Reviver terminará por convertirlo a esta nueva religión ruidosa. Simplemente ineludible, la última entrega de este cuarteto de Los Angeles quizás sea su mejor trabajo a la fecha: guitarras intrépidas y baterías a destiempo crean una sonoridad caótica que evoca, a ratos, la perfecta mezcla sónica de My Bloody Valantine (sobre todo en eso de las guitarras variadas y revueltas); a tal punto que pareciera que Juan Velásquez y Michael Vidal –los dos guitarristas del grupo– se pelean descaradamente mientras tocan; cada uno hace algo distinto y al mismo tiempo. También toman prestados elementos de músicos tan variados como Sebadoh (‘Don’t Lie’) o Steve Reich (‘Wild Heart’), pero nunca dejando de reafirmar su original sonido.

Víctor Hugo Carvallo

Debutó con el disco Blondie y en él incluyó una singular versión de ‘Maps’, de Yeah Yeah Yeahs. Lo suyo es la electrónica de finos arreglos, beats sensuales y una constante búsqueda de incrustar máquinas en todo lo que pueda. Se ha ganado el respeto de muchos, incluyendo el sello Kompakt, y sus constantes remezclas, versiones y trabajos de estudio merecían estar en manos de sus seguidores en formato mixtape. Asi nació Adaptions, un mix cd que no tiene como meta hacer bailar, pero que sí es capaz de equilibrar una arista bastante amplia de ritmos. Ada sabe mezclar con suaves toques de micro house, remezcla con el minimal siempre presente y sus sets se caracterizan por alejarse de la obviedad.

En Adaptions es Tracey Thorn quien abre los fuegos, con una nueva versión de ‘Grand Canyon’. Booka Shade, Alex Smoke, Michael Meyer y Raz Ohara son nombres que sobresalen en este acierto de Kompakt que, con acento femenino, logra darle sentido –en 12 cortes– a una electrónica depurada y consecuente.

Fernando Mujica

www.myspace.com/abevigoda

www.myspace.com/kompakt

ALEXI MURDOCH Towards the Sun (Zero Summer)

BURAKA SOM SISTEMA

Si el indie tuviera su cuento de hadas, el inicio de Alexi Murdoch en 2002 sería la historia perfecta. El EP Four Songs, de ese año, contenía una canción llamada ‘Orange Sky’, que duraba más de seis minutos, por lo que ningún sello la quiso editar. Esta independencia obligada lo llevó a editar ese disco por su cuenta y esa canción terminó en Garden State dos años después. Incluso terminó siendo la más famosa de Prison Break.

En vez de aprovechar su fama, sacó un single y guardó silencio hasta su debut en 2006, Time Without Consequence (Zero Summer). Y, luego de tres años, el tiempo comenzó a tener consecuencias. Towards the Sun es un disco que, aunque lo siga emparentando a Nick Drake, tiene una voz demasiado propia y que a la vez es de todos. Towards the Sun es como esas películas en las que buscas excusas para no terminar de verla jamás.

Pablo Rosenzvaig

El baile de los que sobran. Desarrollaron su música en la precariedad de las periferias de Lisboa, al son del kuduro (mixtura del house y el techno gestada en Angola y vista desde una perspectiva ancestral), el funk de favela brasileño, el hip-hop y el drum and bass, vértices sonoros que aunados conforman el set de Black Diamond, el primer largo de Buraka Som Sistema, uno de los nuevos créditos dentro de la vorágine electrónica actual. Adheridos a una coraza del más veraz proselitismo afro (olvídense del ardor oportunista de caretas como Damon Albarn o la receta del boom indie rock de Vampire Weekend), basculando lúgubres beats, apartados grime y un sexual sabor carioca, el cuarteto portugués aterriza con el dialogo perfecto para combatir una escena cegada por las banalidades del divertimento nocturno. Enhorabuena.

Francisco Reinoso

www.myspace.com/aleximurdoch

www.myspace.com/burakasomsistema

Mixtape #1 (Kompakt)

Black Diamond (Fabric/Sony BMG)

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discos

The Eternal SONIC YOUTH //(Matador) Las reconciliaciones también pueden ser abrasivas. Veinte años tuvieron que acontecer para que los hijos ilustres del no wave, ese injerto anti rock and roll, volvieran al regazo de una casa independiente (Matador). En The Eternal confluye una cercanía vintage difícil de no relacionar con sus abrumadores cuadros ochenteros, esas contorsionistas colecciones sónicas de pinturas abstractas que los convirtieron en íconos subterráneos. Si uno de los créditos de Rather Ripped (Geffen, 2006) fue su excitante gancho melódico, el universo musical de este flamante capítulo de Sonic Youth se afirma en la reconstitución de derivaciones hacia las guitarras cortantes y disonantes, tanto como la fiereza instrumental primigenia de su histórico periplo en SST. Momentos de ‘Sacred Trickster’, ‘Anti-Orgasm’ o ‘What We Know’ llegan a ser verdaderas lecciones para novicios. El alto rendimiento continúa.

Francisco Reinoso / Fotografía * Ignacio Gálvez www.myspace.com/sonicyouth

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CÓMO ASESINAR A FELIPES Un Disparo al Centro EP (Potoco Discos)

DIRT CREW Blow (Moodmusic)

DJ VADIM U Can’t Lurn Imaginashum (BBE)

La sugerencia es explícita desde el primer minuto: éste es un álbum de reflexión. Señalados por cinco medios especializados como la revelación nacional 2008, Cómo Asesinar a Felipes no se entera de la presión del segundo disco. En este epé de apenas 22 minutos, el quinteto redobla su apuesta de jazz y hip-hop, con un elemento inédito en su estilo: la presencia de la Orquesta Sinfónica Juvenil en estos siete tracks, que operan como obra conceptual. Entre la cadencia de ‘Nunca Será lo Mismo’ y la tensión de ‘Un Disparo al Centro’, cuerdas, clarinetes, tubas y trombones se entremezclan con los samples de DJ Spacio y la base rítmica de Seba y Felipe, todo bajo los arreglos del pianista Marcos Meza. “Un sacrificio más nunca será en vano”, frasea Koala Contreras. Tiene toda la razón. Una experiencia única y arriesgada, digna de oídos exigentes.

Felipe Arratia

Con elegancia y cordura, la dupla Dirt Crew ha terminado por imponer una sabrosa cruza de electro y house emotivo. Moodmusic, su casa discográfica, lo sabe y pretende seguir explotando esa receta. Desde la edición, a comienzos del 2004, de Rock the House (bajo prensaje MBF) que Peter Gijselaers y Felix Eder han construido una rítmica perfecta, contagiosa y de buen gusto. En Blow las influencias van desde el dub electro más oscuro de Inglaterra, la fuerte escuela que Chicago marcó en la dupla y pulsaciones deep house que bien logran hacer de este álbum algo amigable. Blow es un disco que bien puede abrir la noche.

En ‘Rough Roads’, los beats (algo de Metro Area hay aquí) generan impulsos de sensualidad y, bajo cierta vestimenta techno, la métrica instrumental se hace sensual y fácil. Sintetizadores, samples y un insistente midtempo que termina por contagiar y que no necesita ni de clímax ni estadillos exagerados. Dirt Crew trabaja bien eso.

La sobriedad y una instrumentación que atrapa y que –de igual forma– deja la puerta abierta a nuevas sensaciones.

Fernando Mujica

Una vez más Vadim, el gran DJ ruso que desarrolló su talento bajo el alero de Ninja Tune, vuelve para regalarnos un álbum lleno de ideas frescas a costa de viejas influencias. Éste es un disco elegante, de ADN hip-hop, pero que en algunos momentos coquetea con el soul y el R&B; en otros, con el reggae y el dub; e incluso en uno con el de moda electro ochentero, para después convertirse en un breakbeat finísimo.

Tampoco deja de lado su arista más experimental, con varias pistas instrumentales en las que muestra todo su virtuosismo en las tornamesas. Aquí hay bajos hipnotizantes, baterías con quiebres geniales y sintetizadores que se deslizan sobre ellos sin contratiempos. A todo eso se suma un batallón de invitados de lujo imposibles de incluir en estas líneas, pero –para hacerse una idea– acá hay canciones en inglés, portugués y francés. Un trabajo que sus fanáticos agradecerán y, los que no lo conocen aún, le agarrarán el gusto inmediatamente Cristóbal Nakeye

www.myspace.com/cftpa

www.msypace.com/comoasesinarafelipes

www.myspace.com/dirtcrewrecordings

www.myspace.com/djvadim

FANFARLO

GENTLEMEN LOSERS

GRAHAM COXON

IGGY POP

Reservoir (Rough Trade)

Dustlands (City Centre Officers)

The Spinning Top (Transgressive)

Préliminaires (Astralwerks)

Bajo la produción de Peter Katis (Spoon, Interpol, The National), Fanfarlo da génesis a un disco amable, dulce y melódico. Comenzando agradablemente con ‘I’m a Pilot’, uno de los mejores temas del disco, que da cuenta del cálido registro de Simon Baltasar, recordando a David Byrne (eso sí, bastante más reposado). Otros momentos altos son ‘Fire Escape’, que salió como adelanto, y ‘Harold T. Wilkins or How to Wait for a Very Long Time’. Con arreglos bien construidos, orquestados y buena composición, los suecos afincados en Londres arman un disco que emociona y transcurre entre pianos, guitarras y mandolinas. Todas las canciones de Reservoir podrían ser singles. El disco es en momentos épico y termina jugando con nuestros estados de ánimo. Uno de los grandes álbumes en lo que va del año.

Rodrigo Mahana

Los hermanos fineses Samu y Ville Kuukka editan su segundo disco, tras su debut homónimo (Buro, 2006).

Ellos se encargan de hacer una sugerente y misteriosa propuesta musical basada en el uso de electrónica e instrumentos convencionales; un cruce entre ambient, música incidental y post-rock, que remite a la obra de Labradford, Stars of the Lid o –más puntualmente– al score de Neil Young para la película Dead Man, de Jim Jarmusch. La contemplación y la placidez son los estados que resumen el efecto del sonido creado por este dúo.

El trabajo con la guitarra procesada, y la inclusión de teclados en gran parte de los temas, son las claves para lograr el desarrollo de pasajes de buena factura musical. Pasajes que llevan a zonas desérticas y a peregrinajes errantes en contacto con los elementales de la naturaleza. El título del disco es muy significativo, por lo demás.

El mundo indómito de las tierras de nadie suena como esto.

Rodrigo Salinas

La vida tiene muchas vueltas y Graham Coxon lo sabe bien. Mientras los fanáticos de Blur no paran de hablar sobre la reunión de la banda, él revisa su correo para ver si ya le llegaron las botas de cowboy que encargó para celebrar la llegada de The Spinning Top, su séptimo disco solista. Un trabajo de quince canciones inspiradas en la vida y la muerte, en el que Coxon cambia la guitarra eléctrica por la acústica, amarra una uñeta a su pulgar derecho e invita a participar a instrumentos con nombres como jori, dilruba y esraj, para mostrar una nueva faceta de su inquieta personalidad musical.

Atrás quedó su época Barrett; hoy es el turno del folk tipo Davy Graham.

Mañana vuelve a los escenarios junto a Damon Albarn y después, nadie sabe lo que vendrá. Por algo este disco se llama El Trompo.

Rodrigo Hurtado

Cuando Iggy Pop dice que ama las baladas, y que se cansó de las guitarras distorsionadas, es natural pensar en David Bowie cantando ‘Thursday’s Child’ o en Lou Reed con ‘Perfect Day’, pero pocos se hubieran atrevido a imaginar que el ex líder de los Stooges iba a sacar un disco con covers de Edith Piaf y Astrud Gilberto.

El responsable de que Pop se haya vestido de crooner francés se llama Michel Houellebecq, el novelista que en 2005 escribió La Posibilidad de una Isla, una historia que inspiró la mayoría de las canciones de este disco. Un álbum de carácter sexual que será deleite de los que buscan nuevos sonidos para voces que, a primera vista, parecen repetidas. De hecho, un buen ejercicio es ponerle play a ‘Les Feuilles Mortes’ y preguntar en voz alta “¿Adivinen quien es?”. Todos conocen bien a Iggy Pop, pero nadie lo reconocerá.

Prueba.

Rodrigo Hurtado

www.myspace.com/fanfarlo

www.myspace.com/thegentlemanlosers

www.myspace.com/gcoxon

www.iggypop.com

CASIOTONE FOR THE PAINFULLY ALONE Vs. Children (Tomlab) El indie pop norteamericano parece estar en un estado de coma desde la aparición impetuosa y devastadora de The Postal Service, con su estupendo Give Up (Sub Pop, 2003). Desde entonces, unos pocos destellos recuerdan que aún queda gente que adhiere a esa etérea etiqueta de pop independiente. Casiotone for the Painfully Alone es uno de esos destellos que recuerdan que todavía hay buenas bandas que –desde la simpleza de las melodías cantadas sobre teclados sencillos y ritmos amistosos– logran un sonido completo para canciones que no necesitan más de lo que tienen. Vs. Children es el esperado quinto disco del proyecto de Owen Ashwort, que cumple todas las expectativas en pequeños himnos como ‘Man O’ War’ o ‘Killers’. Y, mientras musicaliza el invierno, nos recuerda que aún hay vida para el pop en el mundo de la indietrónica.

Juan Guillermo Valenzuela

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discos

Heavy Ghost DM STITH //(Asthmatic Kitty) El del tipo brillante y atormentado es uno de los perfiles más llamativos en el vasto espectro actual de cantautores. Y si el año pasado todos fuimos presa de la angustia de Bon Iver, ahora es DM Stith quien nos adentra en un pasadizo adornado de conflictos existenciales y arreglos intrépidos. Cubierto de atavíos orquestales, este norteamericano amante del piano debuta con un disco impecable, de milimétrica factura y –aun así– estremecedora cercanía.

Heavy Ghost es el reflejo de su creador. Una placa donde oboes, guitarras, marimbas y coros espectrales asisten a la versátil voz de Stith en su labor de crear una atmósfera de intimista desolación. La mayoría de las canciones del disco exploran dimensiones profundas y oscuras, abordando tópicos desde la religión hasta el fracaso amoroso. Una sugestiva mirada hacia el entresijo de un ser errante, en pleno momento de introspección.

Andrés Panes www.myspace.com/dmstith

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lo nuevo de placebo

BATTLE FOR THE SUN JAPANDROIDS Post-Nothing (Unfamiliar)

KEVIN BLECHDOM Gentlemania (Sonig)

Cualquiera podría decir que el formato de dúo garagero con guitarra y batería está gastado, que los White Stripes ya lo hicieron todo y que no hay nada nuevo bajo el sol. A Japandroids no les importó si eso era cierto o no. Y la verdad es que Post-Nothing, partiendo por la ironía de su título, es un debut que muestra un completo desinterés por la originalidad y lo suple con una exquisita premura. En gran parte del disco, David Prowse y Brian King tocan como si fueran hombres bomba a punto de estallar. Pistas como ‘Wet Hair’ y ‘Young Hearts Spark Fire’ avalan con aceleración su adolescente imaginario, mientras que ‘Sovereignty’ y ‘Crazy/Forever’ lo hacen con una imponente intensidad. Con apenas ocho canciones y 35 minutos de duración, Post-Nothing es un disco despojado de grandes ambiciones, pero que –sin alarde alguno– se instala cómodamente entre lo más selecto del catálogo 2009.

Andrés Panes

A ver. No es llegar y tirarse un piquero con un tipo como éste y aventurarse a dar una sentencia respecto a su trabajo. Es bastante más complicado.

Es que el alter ego de Kristin Erickson no deja de sorprender, pues su obra es tan escurridiza que se escapa de toda definición. El noveno registro de Blechdom nos demuestra que la insanidad de una persona perfectamente puede ser canalizada a través de un trabajo creativo. Sin embargo, las influencias de diversos íconos pop –tales como Queen, The Pretenders, incluso Burt Bacarach– nos acerca de manera familiar a su propuesta musical, la que nos hace pasar un buen rato y hasta esbozar más de alguna sonrisa, pues Gentlemania es especial para amenizar la salida insípida del sol por entre las nubes, dando la hidalguía para enfrentar el día con un rostro nuevo.

Jorge Rubio

www.myspace.com/japandroids

www.myspace.com/kevinblechdom

KONRAD BLACK

MAWASHI

Watergate 03: Konrad Black (Watergate)

Mawashi (Sello Azul)

A un lado del río Spree, uno de los más importantes de Alemania, se encuentra uno de los clubes más emblemáticos de ese país: el Watergate. Como pasa con todo buen club (ya tiene cinco años), su compilación de DJ set no se ha hecho esperar. En su tercer volumen, Konrad Black acierta con un set pluralista y de finos detalles. Fue fundador del sello Wagon Repair y su estilo –oscuro y purista– lo ha catapultado como el mejor de su clase. Uno de los productores más obsesionados con la constante transformación de la electrónica y en su mix deja en claro que su elección está al servicio de la búsqueda más que de la complacencia. Temas de Alex Corter, Loco Dice, Ben Block, Matthew Dear o Matthew Jonson se llevan bien en un trabajo que no está pensado para la pista de baile. Aquí, Konrad Black genera un festín de fríos y calculados ritmos que, cubiertos de un irresistible micro house, dan rienda suelta a la más inteligente de todas las electrónicas.

Fernando Mujica

“Electro-Rock-House-Techno-Funk”.

Suena a muchos estilos, pero se sintetiza en una sola palabra: Mawashi. Ésa es la nueva propuesta del cerebro de Funkreal, Bruno Borlone, en sociedad con el ubicuo guitarrista Pancho G (Funk Attack, Zaturno, Bitman). La dupla hizo carne su devoción a la Santa Iglesia de Daft Punk y debutan con este álbum diseñado exclusivamente para la pista de baile. En las once invitaciones al hedonismo, el desfile de invitados es non stop: Latin Bitman, DJ Raff, Tea Time y hasta el mismísimo Juan Antonio Labra dejan su impronta tras el inefable vocoder. Lejos de ocultar sus referentes, la dupla homenajea a sus inspiradores y evoca a Justice con eficacia e inventiva. Pone play e intenta no mover la patita: dura tarea tendrás.

Felipe Arratia

www.myspace.com/konradblackprodukt

www.myspace.com/mawashis

15 de Junio.

Pre venta exclusiva en Funtracks, reserva tu disco y llevate la polera oficial de Placebo.

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discos

JARVIS COCKER Further Complications //(Rough Trade) Uno de los representantes más trascendentes del brit-pop se hace presente con su segunda placa como solista, luego de un tibio y errático debut homónimo (Rough Trade, 2006), considerando la consistencia que tuvieron sus últimas entregas con Pulp, que han envejecido bien para convertirse en clásicas. Lo cierto es que en este registro, Cocker –con la producción de Steve Albini– nos sorprende con un trabajo redondo y versátil. El inicio esta dado por el tema que le da nombre al disco, marcado por potentes guitarras, al igual que el primer single, ‘Angela’ (tratándose de Jarvis, no podía faltar el tema dedicado a una chica), en este caso con una estructura más revivalista de los ’60, recordando bastante a los Kinks. Otros temas, como ‘I Never Said I Was Deep’, mantienen esa genialidad en las letras, con un desencanto por la vida implícito. Al final del disco, con ‘You’re in My Eyes’, incursiona en el soul más hot, con claras reminiscencias a Barry White. Por todo esto, Further Complications es un disco amplio y agradable, de buen pop, en el que se respira mucha libertad en su gestación.

Rodrigo Mahana www.myspace.com/jarvspace

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METRIC Fantasies (Metric/Last Gang)

MONO Hymn to the Immortal Wind (Temporary Residence)

Fantasies es el nuevo trabajo de la banda canadiense Metric y el cuarto en su carrera. Este trabajo ha sido marcado por una etapa de transición dentro de la banda, en la cual Emily Haines, su líder, decidió refugiarse en la vecina ciudad de Buenos Aires para buscar nuevas experiencias y sobre todo inspiración. Manteniendo su raíz de rock pop, cada una de sus melodías logra mantener la línea musical que Metric ha impuesto en sus discos anteriores, si dejar nunca atrás el uso de sintetizadores y la dulce voz de Haines.

Aquí destacan canciones como ‘Help I’m Alive’, la bien estructurada balada ‘Collect Call’ y ‘Gimme Sympathy’, su primer single, que para algunos de sus fanáticos es visto como una pérdida y para otros como una oportunidad de abrirse a nuevos mercados. Finalmente, éste es un trabajo que debiera dejar a todos tranquilos, ya que mantiene su propuesta habitual, pero además lo hace atractivo para nuevos potenciales oyentes.

Fernanda Arrau

Si la mayor parte de la obra del grupo japonés puede considerarse como apocalíptica y desoladora, este nuevo disco es la redención y la esperanza.

Y es que la belleza sinfónica y magnificencia de esta mole musical hacen parecer que estamos en presencia de lo más sublime que ellos han podido alcanzar. Nuevamente bajo la dirección de Steve Albini, aquí cuentan con la participación de una orquesta de 28 músicos, que consigue una mezcla perfecta entre piano, metalófono, los instrumentos de cuerda clásicos y los que componen una banda de rock, pudiendo considerar a ésta como una muestra patente de neoclasicismo.

El tono de banda sonora para los días iniciales de una nueva civilización post cataclismo, con los consabidos sube y baja sónicos, va conformando una obra íntegra que crece y crece. Un disco capaz de ser la bandera del nuevo despertar de la escena post-rock con nuevas ínfulas. Si el butoh tuviese score, Mono sería la banda ideal. Inmensos.

Rodrigo Salinas

www.myspace.com/metric

www.myspace.com/monojp

MULATU ASTATKE & THE HELIOCENTRICS

NEW YORK DOLLS

Inspiration Information (Strut) Es raro. Pasa muchas veces que, cuando escuchas un disco, te transportas a diversos parajes, dejándote llevar por las melodías. Con el señor Astatke es imposible evitar que eso ocurra. Es que estamos ante una obra alquímica de 14 sones pincelados de hip-hop, funk, jazz, sicodelia y vanguardia, todo esto de la mano de los ingleses de The Heliocentrics, quienes conspiran para que el rito de iniciación sea lo más placentero posible. Esta placa, parte de una serie de discos para el sello Strut (ésta es la tercera entrega), consiste en encerrar en un estudio por cinco días a un grupo de músicos nuevos junto a su ídolo musical, dando como resultado obras de gran calidad, fluidez y originalidad. Aquí, Astatke se da el lujo de reformular su sonido y modernizarlo, regalándonos un registro único, lleno de improvisación y amalgama de ritmos que oscilan de lo salvaje a lo citadino, provocando el bien apreciado sincretismo entre dos culturas alejadas territorialmente, pero que se comprenden en un solo idioma: la música.

Jorge Rubio www.myspace.com/mulatuastatke

‘Cause I Sez So (Atco) David Johansen y Sylvain Sylvain, los únicos dolls originales que van quedando parados, tuvieron la buena idea de reunirse para este disco con Todd Rundgren, el productor de su influyente y esencial debut. El resultado –a pesar de todos los augurios– felizmente sorprende. Con paseos por las raíces blueseras (‘Ridiculous’, ‘Lonely So Long’), boleros cabaretescos (‘Temptation to Exist’) y reversiones de sí mismos (‘Trash’), ‘Cause I Sez So es un trabajo entrañablemente New York Doll, lo que significa que es entrañablemente decadente. Pero esa falta de estilo y técnica es la que terminó siendo la mayor gracia de Johansen y compañía, un grupo que, con más de 35 años de historia, siguen teniendo la actitud y la desvergüenza de unos Stones B-Sides.

Ese lado que le gusta a los que saben.

Martín De Mussy

www.myspace.com/newyorkdolls

PEACHES I Feel Cream (XL Recordings)

PET SHOP BOYS Yes (Astralwerks)

PETE DOHERTY Grace/Wastelands (Parlophone)

SILVERSUN PICKUPS Swoon (Warner)

Lo de la canadiense Merrill Nisker es pura madurez. En I Feel Cream, su nuevo disco como Peaches, grita menos, baja la intensidad del vocabulario sexual, se olvida por un rato de que es la chica más mala del vecindario y deja guardadas las guitarras en la bodega. Son las máquinas las que se toman las doce canciones de su cuarto disco y, con ayuda de varios amigos en la mezcla, Peaches da un salto cuantitativo en su carrera. Para lograrlo, trabajó con la banda Simian Mobile Disco, quienes mezclaron la gran mayoría de los tracks, salvo ‘Talk to Me’ –que fue mezclada por Soulwax–; ‘Mommy Complex (por Digitalism); y ‘I Feel Cream’, que le correspondió a Shapemod. Entre las joyas del disco está justamente ‘Talk to Me’, que pelea con ‘Downtown’ (2006) por ser el mejor single de Peaches. La canción homónima es fibra pura, una mezcla de rapeo sensual con sonidos electro y disco. En los 41 minutos que dura el disco, casi no hay puntos bajos. Sólo crema. Y muy dulce.

Rodrigo Guendelman

Vamos a lo concreto: el nuevo disco de la dupla glamorosa del electropop es un cóctel certero de canciones sencillas, directas y alegres que recuerdan lo mejor de su historia. No son temas profundos, complejos ni muy elaborados, pero quién le puede pedir eso a Tennat y Lowe, cuando sus mejores obras han sido emblemas que retratan lo más divertido de la superficialidad.

Con eso ya sobre la mesa, es posible apreciar Yes como un muy buen trabajo, que sirve para motivar incluso a las pistas de bailes más decadentes. Si a eso le sumamos sampleos de Tchaikovsky, guitarras afiladas de Johnny Marr en un par de canciones y arreglos de Owen Pallet –colaborador de Arcade Fire y The Last Shadow Puppets– en otras más, lo que queda es un disco que, con cada escucha, se hace más relevante a pesar de su sencillez. Pop básico, banal y de muy buena cepa.

Martín De Mussy

Distantes están los días de gloria de los Libertines. Cuando pocos ponían sus fichas en Pete Doherty, en especial por su comportamiento fuera de los escenarios, este músico inglés nos sorprende de la mano de Stephen Street (The Smiths, Blur) en la producción y colaboraciones de, entre otros, Graham Coxon. Grace/Wastelands es un álbum directo y honesto, con arreglos sencillos y guitarra acústica como principal protagonista, como en el dúo con Dot Allison para la suave ‘Sheepskin Tearaway’. Hay algo de nostalgia y folk (‘Through the Looking Glass’), con un romántico desencanto (‘Last of the English Roses’ y ‘New Love Grows on Trees’), e incluso con algo de jazz (‘Sweet By and By’). La melancolía está presente en la mayor parte del álbum, que parece más un ejercicio de catarsis y un hijo de los días que vive el cantante. El resultado es un inesperado y reconfortante reencuentro con la música, sin apelar a clichés o fórmulas probadas. Como para volver a creer.

Rodrigo Mahana

Secuela redonda. Paso a paso, Silversun Pickups añade atributos para escapar de la languidez de los viudos que añoran una vuelta a la forma de los Smashing Pumpkins. Aunque aún yacen latentes las quiméricas melodías de las calabazas predilectas de Chicago, tan marcadas en el correcto Carnavas (Dangerbird, 2006), el remozado cuarteto se descuelga de sus ataduras de novicio e impone una pegada contorsionada por estribillos difíciles de resistir, todo apoyado en el andrógino y sensual tono de Brian Aubert. Hay concisas ambientaciones en sintetizadores, bajos distorsionados, frescura y, por sobre todas las cosas, vitalidad en un set de creaciones que supera por todos los ángulos lo aventurado en su primera travesía en largo.

Swoon alcanza cotas de pop recatado (‘Substitution’) hasta navegar por ampulosidades rítmicas, como las de ‘The Royal We’, o la efectividad astronómica de su primer sencillo, ‘Panic Switch’. Ni Corgan lo puede creer.

Francisco Reinoso

www.myspace.com/peaches

www.myspace.com/petshopboys

www.myspace.com/gracewastelands

www.myspace.com/silversunpickups

SONIDO ÁCIDO

ST. VINCENT

THE DECEMBERISTS

THE LEGENDS

Sonido Ácido & los Funky Frescos (Feria Music)

Actor (4AD)

The Hazards of Love (Rough Trade)

Over and Over (Labrador)

Cuando Sonido Ácido y los Funky Frescos decidieron hacer este trabajo, una de las mejores decisiones que tomaron fue rodearse de la gente que más sabe sobre funk y hip-hop en Chile: Cee Funk, Original Hamster y Chalo G. ¿El resultado? Una fusión única y original entre el ex Makiza, sus colegas de banda y una dupla de productores (Chalo G sólo masterizó el disco) que sin duda dejan entrever sus años de experiencia en la fabricación de buenas canciones. Teclados setenteros, ochenteros y futuristas, guitarras que recuerdan a Los Tetas, coros pegajosos y la rima inconfundible de Sonido Ácido hacen que temas como ‘Dame una Señal’, ‘Funky Morena’ y ‘Decálogo’ se conviertan en hits bailables apenas se escuchan.

Sonido Ácido & los Funky Frescos juntó los mejores elementos del funk y el hip-hop y los dejó registrados en este excelente disco.

Aníbal Valenzuela

Annie Clark, la persona tras St. Vincent, es una guapa y talentosa instrumentista de tan sólo 26 años. Con Actor, su segundo disco, ya nos deja muy en claro qué significa el pop de la nueva generación. Con orquestaciones arriesgadas, letras inteligentes que hablan de lo cotidiano y una colección de detalles precisos y necesarios, que potencian cada canción de este disco, esta ex legionaria de los Polyphonic Spree nos ofrece un álbum que se siente como lo que debería ser la música que verdaderamente quiere apostar por lo nuevo. Con referencias sonoras que provienen de joyas como Hunky Dory, Tilt o Funeral, la base de Actor se siente y se disfruta como una mezcla perfecta de melodías naïves, cuerdas con actitud y sicodelia pop.

Pero, a fin de cuentas, es la mente inquieta y la voz preciosa de Annie Clark lo que hace de este trabajo una obra única. Un placer extraño que se disfruta con muchas ganas.

Martín De Mussy

Luego de haber construido un cuadro de melodías evocadoras con Picaresque (Kill Rock stara, 2005), Colin Meloy (voz, guitarra y composición) requería con urgencia una transición para asimilar el revuelo macro. The Crane Wife (Rough Trade, 2007) fue un fruto amargo, de complicada digestión, pero que con el tiempo sería contextualizado como la dosis necesaria para realzar el rumbo y no hundir a la formación de Portland en la irrealidad del raudo reconocimiento. The Hazards of Love se aferra al riesgo, escapa del folk-rock acústico de lente británico y propone libretos de opereta rock que miran, con la audacia de un alumno aventajado, los primeros trabajos de Queen y Jethro Tull. Un lujo con arrebato de clásico y prosa encandiladora. Primer acto, segundo acto, tercer acto… El teatro abre sus puertas nuevamente y la épica historicista es caldo de cultivo.

Francisco Reinoso

El quinto álbum de The Legends es, sin duda, la carta más arriesgada que se han sacado de la manga hasta ahora. Jugándosela por el noise de The Jesus and Mary Chain y unas oleadas de bajo dignas de Peter Hook (Joy Division, New Order), Over and Over es un disco mucho más agresivo en comparación con los trabajos anteriores de la banda. Pero lo que realmente llama la atención de estos suecos es cómo la huella de grupos tan poco relevantes a nivel mediático en su momento, son hoy en día el status quo del rock emergente. Si hablamos de las canciones, ‘Seconds Away’, ‘Always the Same’ o ‘Dancefloor’ siguen muy bien la senda de grandes próceres, en un ejercicio tal vez un poco efectista, pero implacable a la hora de sonar a todo volumen en cualquier parlante.

Víctor Hugo Carvallo

www.myspace.com/sonidoacido

www.myspace.com/stvincent

www.myspace.com/thedecemberists

www.myspace.com/heknowsthesun

THE STRANGE BOYS And Girls Club (In the Red)

THE VON BONDIES Love, Hate and Then There’s You (Majordomo)

Revivalismo al pie de la letra. Eso es And Girls Club, el primer elepé oficial de The Strange Boys, tras una seguidilla de grabaciones que sólo vendieron en conciertos. Ese training de tocar en vivo se respira en este álbum, que goza de dos virtudes: cohesión y diversión entre sus miembros. Elementos claves del rock and roll de vieja estirpe, que este cuarteto de veinteañeros tejanos toman prestados para darle una leve cobertura lo-fi y garage. Desde que ‘Woe Is You and Me’ abre los fuegos, el disco se convierte en una máquina del tiempo con rumbo a los cincuentas y sesentas. Los únicos atisbos de modernidad reposan en las ácidas letras que Ryan Sambol dispara, entre las que destacan la aventura infiel de ‘Heard You Wanna Beat Me Up’ y la sugerencia hacia Mark Chapman llamada ‘Should Have Shot Paul’. Como para musicalizar una noche en el Jack Rabbit Slim’s.

Andrés Panes

Cinco años han pasado desde Pawn Shoppe Heart (Sire, 2004) y, si bien The Von Bondies nunca alcanzó a convertirse en una banda fundamental, bastante se les echó de menos en este rato. Con un acto que compartía algunas semejanzas con The Cramps (manteniendo las distancias, obviamente), los que alguna vez fueran los ahijados predilectos de Jack White lograron sacar un par de buenos álbumes, catapultando su corta fama con el single ‘C’mon C’mon’, muestra innegable de talento garagero, thrash y radial al mismo tiempo. Pero ya nada es igual: ni Carrie Smith ni Marcie Bolen, las dos musas del cuarteto, siguen en la banda y, en una sospechosa jugada, fueron remplazadas por otras dos linduras. Sin embargo, en Love, Hate and Then There’s You podemos encontrar joyitas como ‘Pale Bride’ o ‘Shut Your Mouth’. Aunque quizás la mejor del lote sea ‘Earthquake’, la canción que más trae a la memoria tiempos pasados y mejores.

Víctor Hugo Carvallo

www.myspace.com/thestrangeboys

www.myspace.com/vonbondies

TORTOISE

TOSCA

Beacons of Ancestorship (Thrill Jockey)

No Hassle (G-Stone/!K7)

Beacons of Ancestorship encuentra a Tortoise navegando al rescate de una antología impresionante de géneros y estilos. El quinteto de Chicago se pasea desde las aguas tranquilas y misteriosas de Ennio Morricone y el jazz de Isotope 217, hasta temas fuertemente procesados con sintetizadores vintage y de capas densas. Las aventuras de la tortuga marina incluyen escaramuzas con un funk marciano y toques del electro más primitivo, en su rastreo por encontrar sus orígenes. En su quinto disco –el primero en cinco años, sin contar el escape tributo junto a Will Oldham–, la banda de John McEntire suena madura y, al mismo tiempo, vigente. Tras inicios experimentales y a tientas, Tortoise suena muy sólido y tenso en Beacons of Ancestorship, donde aplican lo absorbido de las últimas tendencias en la electrónica junto a su propio y extenso bagaje musical, que abarca desde Derrick May hasta Autechre, además de dub, punk e indie rock.

Rodolfo García

Cuando llega el invierno, es necesario refugiarse del clima bajo un buen disco. Precisamente así es como se presenta No Hassle, clasificado por sus autores como una “percepción de todo”. Cada canción del quinto disco de este dúo de Viena es idónea para instancias invernales, como el buen café cortado y los paseos de tardes lluviosas. No Hassle oscila entre sonidos lounge con pasajes oscuros, canciones cercanas al trip-hop más clásico y secciones en que los contrabajos toman un rol activo para entregar momentos nü jazz. Las canciones ‘Raymondo’ y ‘No Hassle’ poco a poco van creando la ilusión de fluir desde un sonido completamente electrónico, para desencadenar en períodos en los que las piezas sonoras parecen estar siendo interpretadas por un jazz quarter. Esta misma magia se va repitiendo a lo largo del álbum, pero en distintos ambientes musicales.

Rodrigo Mérida

www.myspace.com/tortoise

www.myspace.com/toscak7

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discos

Crossing the Rubicon THE SOUNDS//(Original Signal) El Rubicón es un pequeño río ubicado en Italia. En el año 49 AC, Julio César lo cruzó junto a su ejército, en un acto que desencadenó una guerra. Tradicionalmente, y desde entonces, se habla de cruzar el Rubicón cuando se hace algo que genera repercusiones irreversibles. Eso es lo que parece haber entendido el quinteto sueco The Sounds, que –en su tercer disco– sabe que su sello no tiene vuelta atrás. Si el new wave con toques de punk fuese el Rubicón, The Sounds ya lo cruzó en Living in America (New Line, 2003), su atractivo debut. De ahí en más, la fórmula se ha repetido con buenos resultados. Su gracia radica en que, además, la han ido perfeccionando, para llegar a dominarla con asombrosa facilidad.

Hoy son uno de los referentes de su género y tienen en Maja Ivarsson a una carismática y talentosa frontwoman. Además no están solos: rápidamente se viene a la cabeza Metric o, más recientemente, The Ting Tings. Y, aunque a muchos les duela, hasta los Yeah Yeah Yeahs giraron en esa dirección. Sí, señores, la guerra parece estar ganada.

Nicolás Castro www.myspace.com/thesounds

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VARIOS ARTISTAS Not Given Lightly (Mörr Music)

WET COOKIES Soul Protection (Cat N’ Roof)

Para su nueva compilación, Thomas Mörr eligió el pie forzado de rendirle un homenaje a la influyente escena de indie rock australiana y neozelandesa de inicios de los ‘90. Artistas como Chris Knox, The Clean, The Jean Paul Sartre Experience, Tall Dwarfs y The Chills dejaron una impronta en el pop lo-fi que se desarrolló luego con The Magnetic Fields, Pavement y Yo La Tengo. La disquera alemana revive la experiencia previa de compilaciones dedicadas a Slowdive y The Smiths.

Las melodías dulces y profundas de los originales australianos calzan perfecto con los arreglos a manos de American Analog Set, Bobby and Blumm, Lali Puna, Electric President, Sin Fang Bous y Guther, entre otros. A modo de celebración de Mörr Music, Not Given Lightly contiene un disco de covers y otro de material nuevo de las distintas bandas que participan.

Un festín de instrumentos acústicos, canciones pop y software naif.

Rodolfo García

En un disco de funk, basado en las líneas de improvisación del jazz e innovaciones electrónicas, se obtiene un resultado rico en atmósferas sonoras clásicas, pero cromadas por lo actual.

Soul Protection, la segunda placa de Wet Cookies, es un álbum que trae de vuelta la magia e intensidad de los bronces en un sonido setentero, pero que gracias a los aportes electrónicos se erige como una propuesta renovada, respetuosa por el jazz y el soul. Las notorias influencias de Miles Davis y Earth Wind & Fire que están presentes en estos oriundos de Viena, aportan canciones sensuales y de alta demostración de virtuosismo interpretativo.

El sutil jamming se retrata en tracks como ‘Inspired’ o ‘Unwind’, logrando excelentes transiciones de vientos pasando sin contratiempos a rítmicas secuencias de piano.

Rodrigo Mérida

www.myspace.com/morrmusic

www.myspace.com/wcookies

WOODS

ZWICKER

Songs of Shame (Shrimper)

Songs of Lucid Dreamers (Compost)

El cuarto disco de Woods parece ser el que finalmente los está llevando a la consolidación en la escena norteamericana, ubicándolos como una de las revelaciones del actual pop sicodélico con olor a madera. En Songs of Shame, Woods mantiene una coherencia perfecta entre la baja fidelidad y la sicodelia de temas como ‘September with Pete’, al tiempo que desata una vertiente de folk naturalista y animoso en canciones como ‘Gypsy Hand’ o ‘Echo Lake’. Con todo, Woods transita desde cerca la senda dibujada por Fleet Foxes y esa alegría de fogón compartido, todo adornado por música que –con un sonido simple y honesto– logra provocar la solidez y contundencia necesaria en un disco que se perfila desde ya como uno de los mejores del año.

Juan Guillermo Valenzuela

Estar consciente de la música, incluso en profundos sueños, es toda una experiencia. En base a este concepto se levanta Songs of Lucid Dreamers, de Zwicker, que en cada canción propone una historia de romance o críticas del entorno. Para estos efectos se vale de la colaboración de voces como Matthew Didemus (Junior Boys) y Olivera Stanimirov, entre otros, consiguiendo un disco de pop ligero que se pasea, sin traspiés, por el trip-hop y el nü jazz. ‘Who You Are’ es la canción que abre la puerta con reverencias para esta placa, dejando entrever el mundo de sueños melódicos. A ratos pareciera ser un disco de Kylie Minogue, pero los quiebres estéticos con teclados de synth pop generan una atmósfera distinta, propia de una apuesta asertiva de una primera producción. Son doce tracks con distintas líneas de beats dentro de la electrónica.

Rodrigo Mérida

www.myspace.com/woodsfamilyband

www.myspace.com/zwickermusik

¿se te pasaron? discos que debes escuchar...

FLAKE MUSIC When You Land Here, It’s Time to Return / (Omnibus, 1997) El mundo no es el mismo después de The Shins. Al menos, eso nos dijo una película. Pero cuatro años antes estuvo Flake Music, un proyecto que sólo editó este disco cercano a la perfección, y en el que los mismos integrantes de The Shins comenzaron a pulir el sonido que los hizo conocidos la década siguiente. (N.C.)

MICE PARADE Mokoondi / (Bubble Core, 2001) Cómo la instrumentalización post-rock, el jazz, el dub y los teclados pueden convertirse en un trozo de arte inesperado y libre. Es Adam Pierce, un neoyorquino genio que ya había sorprendido como Swirlies o Him. (F.M.)

SPOOZYS Astral Astronauts / (Jetset, 2000) Se convirtieron en leyenda. Japoneses que, con influencia de Devo, terminaron por transformarse en el mejor referente pop noise de Japón. Un trío de Tokyo que en este disco suena inocente y ruidoso. (F.M.)

HYMIE’S BASEMENT Hymie’s Basement / (Lex, 2003) Yoni Wolf y Andrew broker; Why? y Fog; Anticon y Ninja Tune. Lo mejor de dos mundos, unido en un solo proyecto.

Hymie’s Basement fue un dúo de veloz nacimiento y fugaz existencia que, sin embargo, logró gestar un disco denso en el que ambos músicos crearon un engranaje que funcionaba con lo mejor de sí mismos. (A.P.)

JACOB’S MOUSE No Fish Shop Parking / (Frontier, 1993) Un trío británico que se disolvió en 1995. Una singular cruza de indie rock, elementos del rock británico furioso y una marcada influencia americana del corte Nirvana o Dinosaur Jr. Garage y rock post ‘80 en una sola marca. (F.M.)

HAZLE Toreador Of Love / (Sub Pop, 1995) En marzo de 1995, el productor Jack Endino sorprendió con el disco del cuarteto de Portland, Hazle. Un golpe punk lleno de acidez, melodías agridulces y una convicción tan clara como la de Kurt Cobain. Jody Bleye desde la batería y Peter Krebs haciendo sudar su guitarra. (F.M.)

AM/FM Getting into Sinking / (Polyvinyl, 2001) Brian Sokel y Michael Parsell sorprendieron en octubre de 2001, con canciones grandes de pop con dejos de amargura.

Aires de Leonard Cohen en una apuesta que también bordea el lado más complejo del indie pop. (F.M.) // 49

Nanometrajes2009 BLOG Music Is Art

Intensidad fugaz Internet como nuevo soporte de participación, que permitirá abrir las puertas a trabajos extranjeros, son algunas de las novedades que traen los nanometrajes, en su sexta versión. por Javiera Rossel

¿Cómo un blog personal puede convertirse en uno de los sitios musicales mejor comentados de la red?

Danielle, la única persona detrás de este proyecto, es una melómana empedernida y amante de las artes visuales. Su ejercicio de combinar ambos gustos dio como resultado esta página. Una ventana mediante la que ella –sin contar con una trayectoria destacada en medios, ni nada por el estilo– ha hecho de sus recomendaciones y gustos la adicción de sus visitantes. En Music Is Art conviven, armoniosamente, imágenes poderosas y canciones igualmente expresivas en formato mp3 (descargables en forma directa). Su autora reconoce que el único filtro para aparecer en esta suerte de bitácora es conmoverla. Nada más.

Además de tracks sueltos, en esta web podemos encontrar recomendaciones de discos y listados con lo mejor del mes. Por ejemplo, el catastro de lanzamientos que destaca Danielle en mayo y que incluye los álbumes de The Horrors, Grizzly Bear y St. Vincent, entre otros.

Un niño que juega con un barco de papel y lo hace navegar en el desierto o un Super Mario Bros que, a través de diferentes etapas del videojuego, nos relata la historia oficial de Chile, no necesitan más de treinta segundos para ser contadas, porque en este breve lapso de tiempo aumenta la creatividad. Así son los nanometrajes.

Andrés Panes

Como el ganador no es siempre el video más popular, los espectadores tendrán voz y voto, ya que podrán elegir a sus favoritos haciéndolos merecedores del “Premio del Público”.

http://musicisart.ws/

Mezclando la fugacidad de un nanómetro –la millonésima parte de un metro– con lo audiovisual nació, en el año 2004, ‘Nanometrajes Urbanos’, bajo la inquieta creatividad de los chicos de revista Plagio, los mismos que sumaban buenos resultados con ‘Santiago en 100 palabras’.

La idea original fue creciendo rápidamente, recibiendo más de 600 participantes en cada convocatoria. Es por esto que, hace un par de años, los nanometrajes dejaron de limitarse solamente a lo urbano, para convertirse en relatos con temática y técnica libre.

Este año se celebra su sexta versión, con varias sorpresas y novedades. Lo más notorio es que se abrió Internet como soporte de participación, permitiendo que el concurso trascienda y se transforme en una plataforma mundial, con la incorporación de la categoría “Mejor Nanometraje Internacional”, siendo así un espacio que tiene una legitimidad que traspasa las fronteras de los realizadores chilenos y abre sus puertas al mundo.

Entre el 28 mayo y el 20 de julio se recibirán los videos (a través del sitio web www.nanometrajes. cl). Los interesados deben enviar un archivo Quicktime con un peso máximo de 12MB. Esta nueva modalidad supone que la convocatoria aumente, gracias a la inmediatez de Internet como herramienta que facilita y complementa el trabajo audiovisual.

En todas sus versiones, el mecanismo de elección del ganador cambia. En esta ocasión existirá un jurado estable, compuesto por María Elena Wood (directora de Programación de TVN), la cineasta Alicia Scherson (directora de la película Play) e Ignacio Arnold (director de Plagio). Ellos tendrán la misión de escoger al primer lugar, seis menciones honrosas y al mejor nanometraje extranjero.

Para el director de Plagio, y creador del concurso, el extender la convocatoria a nuevos países “es dar un gran paso. Es un orgullo que le hace bien a la realización local. Será una buena instancia para poder mostrar los trabajos chilenos en otros lugares y para conocer más de lo que se hace afuera”.

Los finalistas serán anunciados en octubre y competirán por llevarse una estatuilla que, si bien no es el Oscar, resulta ser un galvano bastante peculiar: la ‘Hormiga de Cobre’. Además, los trabajos seleccionados estarán en las parrillas programáticas de TVN y MetroTV. Los premios son bastante atractivos: $2.000.000 para el primer lugar; $1.000.000 para el premio del público; y USD$2.000 para el premio especial al mejor nanometraje extranjero.

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LEVI’SFREETHEMUSIC Hoy en día, música e internet son dos conceptos ligados íntimamente. La web se ha convertido en el principal canal de difusión para los artistas del mundo y fenómenos como MySpace no son casos aislados, sino los indicios de un profundo cambio cultural.

Una transformación de la que Levi’s se hace parte a través de la innovadora campaña Free the Music.

La iniciativa incluye a seis bandas de rock nacional, quienes –en alianza con la marca– han liberado material exclusivo para su descarga gratuita y han sido retratados vistiendo la nueva colección Levi’s. Los nombres involucrados en este proyecto son Los Ex, Teleradio Donoso, The Ganjas, Francisca Valenzuela, Jiminelson y De Saloon. Todos ellos han dispuesto nuevas canciones en formato mp3, a través del sitio oficial de Free the Music. Además, la página incluye columnas de personajes ligados a la música, como Alfredo Lewin y Verónica Calabi. www.levismusic.cl

liv e HIGH PLACES

Sábado 9 de mayo Industria Cultural Fotografía * Raimundo Barros

fumiya tanaka Jueves 14 de mayo Cerro Bellavista Fotograf铆a * Daniela Le贸n

liv e MOZAMBIQUE

Viernes 22 de Mayo La Berenjena FotografĂ­a * Raimundo Barros

VIVANCO

Miércoles 13 de mayo Santo Remedio Fotografía * Natalia Silva

LOS COLERICOS Martes 19 de mayo Sala SCD Fotografía * Natalia Silva

liv e

OASIS

Martes 5 de mayo Movistar Arena FotografĂ­a * Paola Manfredi

liv e ALAMEDAS

Viernes 22 de mayo Sala SCD Fotografía * Natalia SIlva

GUI BORATTO

Miércoles 20 de mayo Industria Cultural Fotografía * Raimundo Barros

CONGELADOR Jueves 28 de mayo Sala SCD de Bellavista Fotograf铆a * Daniela Le贸n

liv e CASSANDRA WILSON Sábado 23 de mayo Teatro Oriente Fotografía * Felipe Cantillana

GEORGE CLINTON Martes 26 de mayo Industria Cultural FotografĂ­a * Felipe Cantillana

Francisco Javier Gaete 25 Años Músico y productor • Martín Buscaglia – El Evangelio Según Mi Jardinero • Luis Alberto Spinetta – Para los Árboles • David Gilmour – On an Island • John Coltrane – Coltrane for Lovers • Christián Galvez – Imaginario • Guillermo Vadala – Bajo Piel • John Mayer – Continuum • Ed Motta – Poptical • Cornelius – Point • Smoking with Superman – Full Price

CONECTADOS

Catalina Frávega 27 años Diseñadora Gráfica • Slumdog Millionaire – OST / • Crystal Castles – Crystal Castles / • Los Labios – Cumbia Lulu / • The Knife – Deep Cuts / • Minipop – A New Hope / •Passion Pit – Chunk of Change EP / • Phoenix – Wolfgang Amadeus Phoenix / • Sia – Buttons (The Remixes) / • Vampire Weekend vs. Miike Snow / • Blue & Exile – Below the Heavens

Macarena Márquez Araya 30 años Diseñadora Gráfica • Mystery Jets – Twenty One • Neon Neon – Stainless Style • Phoenix – Wolfgang Amadeus Phoenix • Foals – Antidotes • Friendly Fires – Friendly Fires • Morrissey – Years of Refusal • Franz Ferdinand – Tonight: Franz Ferdinand • Andrew Bird – Weather System • Arcade Fire – Neon Bible • Lemonheads – Varshons

Francisco Ortega 35 años Periodista (Editor Alfaguara/Aguilar) • Depeche Mode – Sounds of the Universe • Leonard Cohen – Live in London • Pet Shop Boys – Yes • The Decemberist – The Hazards of Love • Pink Floyd – Magic Encounters (Bootleg 1974) • Steve Wilson – Insurgentes • King Crimson – The ConstruKction of Light • ELO – Live at Wembley 1978 • Bruce Springsteen – Working on a Dream • Recoil – SubHuman

Jaime Cornejo 22 años Publicista • Daedelus – Love to Make Music to • Gastr del Sol – Camoufleur • The Horrors – Primary Colours • Low – Drums and Guns • Mission of Burma – Vs. • Moderat – Moderat • Mr. Oizo – Lambs Anger • Rush – Fly by Night • Television – Marquee Moon • The Whitest Boy Alive – Rules

Víctor Almendra 18 años Estudiante Comunicación Audiovisual • Röyksopp – Junior • Joanna Newsom – The Milk Eyed Mender • N.A.S.A. – The Spirit of Apollo • The Asteroids Galaxy Tour – Fruit • Ratatat – LP3 • Little Boots – Little Boots • Empire of the Sun – Walking on a Dream • Why? – Alopecia • Passion Pit – Manners • Gang Gang Dance – Saint Dymphna

Betsabé Ortíz 24 años Estudiante de Diseño Industrial • The Yardbirds – Where the Action Is • Ten Years After – Ten Years After & Alvin Lee • Blind Faith – Blind Faith • David Bowie – Aladdin Sane • Pixies – Trompe le Monde • Free Kitten – Inherit • La Marraqueta – La Marraqueta III • Van Der Graaf Generator – Pawn Hearts • Caravan – If I Could Do It All Over Again • Rush – Moving Pictures Ignacio Soto-Aguilar 29 años Publicista y dibujante • Oasis – Dig Out Your Soul • The Rolling Stones – It’s Only Rock n’ Roll • Pete Doherty – Grace/Wastelands • Morrissey – Years of Refusal • Yeah Yeah Yeahs – It’s Blitz!

• MGMT – Oracular Spectacular • This Co. – This Co. • Sonic Youth – Daydream Nation • The Killers – Hot Fuss • NINJA – NINJA Pablo Antil 21 años Estudiante Diseño Industrial • Daedelus – Denies the Day’s Demise • Arto Lindsay – Noon Chill • Alif Tree – French Cuisin’ • Dot Allison – We Are Science • Quiet Village – Silent Movie • Bosco – Paramour • Jazzanova – Of All the Things • Bostich + Fussible – Tijuana Sound Machine • Susumu Yokota – The Boy and the Tree • Lambchop – Damaged

Cristián Verscheure 33 años Periodista •Television – Television / • Bob Dylan – Blood on the Tracks / • Phil Spector – Back to Mono / • John Coltrane - Live in the Village Vanguard / • The Replacements – Tim / • Mercury Rev – See You in the Other Side / • Towes Van Zandt – Flying Shoes / • The Byrds – Fifth Dimension / •Miles Davis – Porgy and Bess / • Laura Nyro – New York Tendaberry

10 CANCIONES QUE DEBES DESCARGAR CAMERA OBSCURA – FRENCH NAVY Los escoceses vuelven a la carga con My Maudlin Carreer, su cuarto disco y el primero para el sello inglés 4AD. Éste, su primer single, demuestra que el talento para componer melodías pop azucaradas sigue intacto.

CAMILA MORENO – MILLONES El primer single de Almismotiempo, el debut de nuestra portada de abril: Camila Moreno. La comprobación de por qué centramos la atención en esta joven cantautora nacional, capaz de convertir una canción en una auténtica declaración de principios.

BAG RAIDERS – SHOOTING STARS Estuvieron en nuestro país y pocos lo notaron. Mal por ellos. Los australianos, tal y como te contamos en los Nuevos Sabores de este mes, están sonando en todo el mundo con esta canción. Y eso que todavía no han sacado su disco debut.

TUNE-YARDS – SHE’S NOT JAMAICAN Una de las revelaciones lo-fi de la temporada, en una de las mejores pistas de su disco BiRd-BrAiNs. Una batería que flirtea con el reggaetón, el sampleo de la tos de un niño y una guitarra incesante convergen en esta interesante y potente canción.

CROCODILES – I WANNA KILL Con una mezcla de post-punk y sicodelia, esta banda –con el mismo nombre de unos de las mejores placas de Echo and the Bunnymen–, nos entrega un hitazo ennvuelto en guitarras.

PEACHES – I FEEL CREAM La canción que da nombre al cuarto disco de la irreverente y provocativa canadiense, que demuestra que su actitud no se ha perdido en lo absoluto. Simplemente estaba dándonos tiempos para un golpe de gracia.

OFFICIAL SECRETS ACT – MAINSTREAM Porque es la canción new wave más honesta de la temporada. Porque es el mejor tributo a lo que las generaciones han heredado de tanto teclado, pop y lacra en el pelo. Olor a Soft Cell, pero con la energía de The Rakes o Mystery Jets.

EVELYN FUENTES – ACOMPÁÑAME El regreso a las pistas de Evelyn Fuentes ha sido sigiloso, pero firme. Sin una gran maquinaria de promoción, la ex cantante de Christianes ha logrado que Sin Culpa –su acústico debut solista– gane cada vez mejores comentarios. Ésta es una de las razones.

TRACEY THORN – GRAND CANYON (ADA REMIX) A falta de Everything But the Girl, Ada logra llevar al clímax esta canción, dándole un toque de oscuridad y electro a uno de los singles del Out of the Woods, de Thorn en solitario.

THE HORRORS – WHO CAN SAY Una de las grandes sorpresas del año es Primary Colours, el shoegazer álbum con el que The Horrors enmienda los errores de su debut. ‘Who Can Say’ es el segundo single del disco y –al igual que ‘Sea Within a Sea’, su antecesor– cuenta con un video dirigido por Douglas Hart, el ex bajista de The Jesus and Mary Chain. Mención aparte para el spoken word de la canción, tomado de la antiquísima ‘She Cried’ de Jay and The Americans.

MGMT – KIDS Es extraño que recién ahora salga el video para una canción que hace meses es un hit de marca mayor. Desde la fiesta más under hasta el matrimonio más exclusivo, todos corean esta canción, con saltos incluidos. La talentosa Joanna Newsom actúa aquí, como una despreocupada madre (Britney, no eres la única) en un sinfín de situaciones bizarras.

PATRICK WOLF – HARD TIMES The Bachelor es el nombre del último disco de Patrick Wolf. Un regreso controvertido y que ha causado una enorme cantidad de comentarios, tanto a favor como en contra. Su segundo single es ‘Hard Times’, cuyo fluorescente video fue dirigido por el californiano Ace Norton. El mismo responsable de ‘Big Ideas’, de LCD Soundsystem, y de ‘Creator’, de Santigold. Coreografías y androginia al por mayor.

. . . 3 videos que debes ver

10 CANCIONES/03VIDEOS

VERY INTERNACIONAL LOVE – ICE PARTY Es parte de su reciente producción, Fire and Ice. Y lo mejor, pertenece al catálogo de uno de los sellos más curiosos y frescos de este 2009. De Portland, Oregon, llega esta cruda y fresca forma de hacer new wave, con máquinas y sentido del humor.