MARZO 2011 // DISTRIBUCIĂ“N GRATUITA
www.extravaganza.cl
LOLLAPALOOZA llega al parque tortoise // jack endino // milton mahan // the booze // via audio // idealipsticks // piero medone // matanza // como asesinar a felipes //
index
extravaganza nº 83
20 Jack Endino El productor de Seattle estuvo en Santiago grabando lo nuevo de The Ganjas. Entre sesión y sesión, se dio el tiempo para hablar con nosotros.
24 Tortoise En pocos días, la banda norteamericana dará su segundo concierto en nuestro país. En una entrevista exclusiva, John Mcentire habló con Rodolfo García.
32 Milton Mahan El sobresaliente músico chileno nos contó sobre sus proyectos, entre los que destacan Dënver, De Janeiros y Nueva Orleáns.
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Lollapalooza Chile 2011 Fernando Mujica conversó con Perry Farrell sobre el festival más famoso de los noventa, que este año aterriza por primera vez en Chile.
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extravaganza! nº 83
ISIDORA GARCIA Nuestra nueva adquisición egresó el año pasado de la Universidad Finis Terrae e hizo su práctica profesional en la revista Elle de Alemania. Desde ahí llegó a las páginas de Extravaganza! a encargarse del diseño.
DIRECTOR Fernando Mujica Maureira REPRESENTANTE LEGAL Francisco Mujica Maureira GERENTE COMERCIAL Rodrigo Mahana EDITOR Víctor Hugo Carvallo DISEÑO Isidora Garcia Lisette Jorquera
JUAN FRANCISCO GUZMAN Juan Francisco estudio un tiempo Ingeniería en Sonido. También trabajó como DJ en La Trifulca y, últimamente, se ha dedicado a componer música electrónica bajo el seudónimo Nightskin. Este mes debuta con nosotros, comentando lo nuevo de Hercules & Love Affair y Cut Copy.
PRODUCCIÓN PERIODÍSTICA Javiera Tapia
COLABORADORES Martín De Mussy Sebastián Amado Rodolfo García Manuel San Martín Aníbal Valenzuela Martín Manríquez Rodrigo Salinas Macarena Lavín Fernanda González Andrés Venegas Carlos Mella Diego Huenchur Jorge Rubio Manuela Ovalle Rodrigo Mérida Cristián Carrasco Felipe Arratia Mariel Villagra Miguel Ángel Castro Carlos Torrejón Gabriel Reyes Jean Parraguez Rolando Inostroza Juan Fco. Guzmán Andrés Panes FOTOGRAFÍA Wladimir Rojas Daniela León Ignacio Gálvez Diego Maya Gabriel Quiróz Pablo Villagra IMPRESION Quebecor World Chile S.A. CONTACTO Nueva de Lyon 105 local 12A, Providencia, Santiago // Teléfono: 335-0741 www.extravaganza.cl contacto@extravaganza.cl
Marzo 2011 Edición 83 Fotografía * Daniela León
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tecno logía por javiera tapia
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01 BRUGERA 1960 : El staff de esta marca de amplificación pasó mucho tiempo a oscuras escuchando los sonidos que emanaban del Brugera 1960. Finalmente, todo este trabajo logró entregarle al modelo una enorme gama de opciones tonales. Esta vez, han añadido un volumen posterior y un transformador de salida para una respuesta más dinámica y mayor claridad. El códec de FX Loop es ideal para su uso con efectos externos, preamplificadores o procesadores, haciendo que el 1960 posea una versatilidad sin límites. www.brugera-amps.com
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02 ABSOLUT DRINKSPIRATION: Drinkspiration, parte de la campaña de Absolut Drinks, es una aplicación para iPhone y iPad, que mediante una interfaz elegante y fácil de usar, entrega una serie de recomendaciones para seleccionar el cóctel ideal en cada ocasión. Las sugerencias se dan según la hora del día, el clima del lugar, grado de dulzor, amargor o color. Pero, sin duda, el más innovador de todos estos consejos es un listado de recetas según el sonido ambiente, con sólo abrir el micrófono del dispositivo. www.absolutdrinks.com/en/drinkspiration
03 SAMSUNG ST30: Esta cámara se
caracteriza por su tamaño compacto y su auto foco inteligente. Posee un sistema de carga de batería interna, un lente de 28 mm y zoom óptico de 3x. Además, sorprende con una técnica de estabilización de imagen, evitando incluso la más pequeña sacudida, dando como resultado fotografías nítidas sin importar el entorno. Tiene una resolución de 10.1 megapíxeles y se vende en varios colores: plateado, negro, lila, rosado y verde lima. www.samsung.com/cl
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04 NOKIA C7: El Nokia C7 es un teléfono inteligente, elaborado con acero inoxidable y vidrio. Su diseño es plenamente táctil, con una pantalla de 3,5” que es ideal para administrar las cuentas de Facebook y Twitter. Además, tiene acceso directo a las cuentas de correo electrónico más populares. Como todos los smartphones Nokia, este modelo incluye Ovi Maps, que permite descargar gratuitamente mapas de más de 190 países y navegación gratis en modo Drive y Walk. Cuenta con una cámara de 8 MP, doble flash LED y video HD (720 p). www.nokia.cl
05 LG OPTIMUS 3D: Es el primer teléfono móvil con pantalla 3D y con la capacidad de hacer fotos en el mismo formato. Su pantalla es grande, de 4,3 pulgadas, con una resolución de 800 x 480 píxeles. Tiene un procesador de doble núcleo, una cámara de 5 MP, además de una frontal para videoconferencias. Posee conectividad HDMI y DLNA para compartir contenido en tres dimensiones. Para mayor información visita:
www.lg.com
06 KLIPSCH THX® ULTRA2: Este galardonado home theater, lleva a la comodidad del hogar el sonido real del cine. El sistema consta de dos tamaños de altavoces delanteros, un subwoofer y un amplificador para éste. Los modelos se pueden montar en una variedad de combinaciones, ya que fue construido bajo el concepto de la flexibilidad. Cualquiera sean los altoparlantes emparejados, el rendimiento ofrecido no posee fisuras.
www.klipsch.com
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ur ba na por javiera tapia & manuel san martín
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01 BOLSAS DE VIAJE: Es una marca argentina de bolsos y carteras que se reinventa cada temporada bajo un nuevo concepto. Cada pieza se encuentra confeccionada con materiales desarrollados por ellos mismos, como el cuero, correas, herrajes y forrería. Hace un par de meses inauguraron una tienda en Palermo Soho, en la ciudad de Buenos Aires, un lugar que refleja el espíritu y la calidez de cada uno de sus productos. Piensa Simple es el nombre de su nueva colección, que puedes encontrar en Tienda Snog y en su tienda en Jojobazar (Avenida Italia 1295 Local 1 - Palermo Soho - Buenos Aires www.bolsasdeviaje.com.ar
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02 ESI FERNÁNDEZ: Esta es la marca de la diseñadora argentina Cecilia Fernández, quien trabajó durante un año junto a Mariano Toledo, y luego, a partir del verano 2008/2009, decidió emprender su proyecto en solitario, el cual refleja su estilo y la proyecta como una creadora que sabe cuáles son sus motivaciones para crear. En sus prendas se nota una verdadera intención por trabajar con las formas, las estructuras y las líneas, haciendo que cada pieza se fusione con la anatomía de la persona. Para conocer más de sus colecciones, visita su página web. También puedes conseguir sus diseños en Tienda Snog.
www.esifernandez.com.ar
03 NEON: Neon es una marca independiente fundada en Argentina el año 2005 por Sol Tur y Xavier Moreno. Sus colecciones se inspiran de manera importante en el arte, la música y el diseño, combinando prendas básicas con tendencias. Esta vez, la propuesta se basa en vestidos y shorts de algodón con lycra y puntillas, poleras y musculosas rayadas, catsuits de algodón con lycra, bodys escotados y acordonados, camisas sin mangas y minis tubo, entre otras.
www.tiendasnog.com
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04 YAMMY CUPCAKES: Yammy Cupcakes nace el 16 de marzo de 2010, cuando a Andrea Albornoz y Pablo Vivanco se les ocurre mezclar la receta que les encantaba hacer -los cupcakes- con diseño. En este camino se han encontrado con personas que poseen diferentes proyectos, con los que han formado alianzas, elaborando contenidos e interactuando con distintas comunidades. Para los creadores de estas delicias, las redes sociales son primordiales. Tanto así, que próximamente publicarán un nuevo sabor hecho en base a votaciones de su comunidad en Twitter y Facebook.
www.yammy.cl
05 WANAMA: Wanama presenta cuatro conceptos básicos como inspiración. En primer lugar, está el militar, que se caracteriza por ser expuesto de una forma femenina, a través de la mezcla de texturas como encaje y flores con tipología castrense. El navy sigue estando en los percheros, acentuando la silueta femenina a través de formas retro. Otra idea que representa la visión de la marca para este semestre, es el Country Romance, un verdadero paseo al campo de la mano de plisados, puntillas y detalles que están hechos para durar toda la vida. Como última idea, el viaje al Tíbet viene acompañado por una paleta de colores neutra e indefinida para las bases.
06 ROCK & POSTERS: Son un equipo apasionado por el diseño y la música. Ellos se encargan de traer afiches de colección, hechos por importantes artistas, de diferentes tocatas y conciertos alrededor del mundo. Su catálogo contiene alrededor de 200 afiches de muestra. El tamaño de cada uno es de 42 x 50 cm, incluyendo un marco y en su parte posterior, un sellado profesional.
www.russianstandard.com
www.wanama.com
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08 adidas: Para esta temporada, la marca
de las tres rayas pretende sorprender con las líneas Archive Vintage y Adicolor Contemporize. La primera es una colección definida como una combinación entre lo clásico y lo contemporáneo, acorde a los tiempos modernos y que busca impactar hasta convertirse en un indispensable dentro de tu closet. Bajo el mismo propósito, Adicolor se renueva ofreciendo nuevas siluetas y colores.
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Esta línea apuesta por chaquetas, cardigans y poleras con logos inspirados en antiguos modelos de la firma. www.adidas.com/originals 09 REEBOK: Luego del lanzamiento de sus
zapatillas Easy Tone, la marca deportiva decidió incorporar a la familia Toning, una colección de ropa que logra activar la musculatura en zonas claves de la anatomía femenina, sin
alterar la rutina cotidiana. Las prendas cuentan con bandas adheridas a la tela, que están diseñadas para tonificar los músculos, ayudando a promover una mejor postura y mostrando diseños y colores modernos. Descatan las poleras fabricadas para crear resistencia a los músculos superiores y los pantalones que ayudan a tonificar las piernas y glúteos. www.reebok.com/womens
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10 YOT: Llega una nueva propuesta en relojes: YOT, marca brasilera lanzada en 2009, que ha vendido más de 1,5 millones de unidades sólo en su país de origen. Además de su tamaño, variedad de colores y su resistencia al agua, la novedad es que las piezas son desmontables. Esto permite adoptar hasta 625 combinaciones distintas. En Chile están disponibles 24 packs diferentes, con 5 colores de pulsera cada uno. www.casio-latin.com
11 NADIA STUER: Nadia es una diseñadora de indumentaria egresada de la UBA y participante del Semillero de la misma universidad, instancia que le da la oportunidad a jóvenes creadores de desarrollar una colección y presentarla en BAF Week, ante la mirada curiosa de colegas, marcas de la industria, periodistas especializados y expertos del sector. La argentina, fanática del arte callejero, la fotografía y las tendencias vanguardistas, posee
una colección que se destaca por una paleta de colores compuesta por negros, grises, beige, además de una línea con cortes simples y el uso de metales. Para conocer más de su trabajo, visita: www.styleofdesign.com.ar
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12 Capel Ice Mojito :Una nueva y refrescan-
te bebida se incorporta a la familia de Capel Ice. Inspirada en el mojito, el brevaje está hecho en base a destilado de vino y alcohol de grano, suavemente gasificada, con sabor a limón y a hierba buena y sólo con siete grados de alcohol. Puedes encontrar esta nueva propuesta en botellas de 290 cc. y en packs de cuatro unidades. www.piscocapel.cl
13 Sparkling Undurraga:Sparkling Undu-
rraga te invita a que todo el año sea como vacaciones. ¿Cómo? Haz efectivos tus días libres y tómate los fines de semana largos. Practica un deporte. Son formas de romper la rutina y recuperar energías. Contagia a quienes te rodean de buenas energías y obtendrás momentos agradables y espacios armoniosos. Todo esto lo puedes disfrutar en la compañía de un Jack’ n Brut o un Hazel Brut, deliciosos cócteles hechos en base a espumosos de la marca. Para conocer las exquisitas recetas que puedes preparar con Undurraga visita: www.sparklingpeople.cl
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Corona está más fresca y liviana que nunca. Llega al mercado la nueva variedad Light, un producto de sólo 99 calorías, cinco gramos de carbohidratos y cero de grasa. Esto la hace la bebida ideal para quienes se preocupan de mantener una dieta equilibrada. www.corona.cl
15 Optimist:
Optimist es un ron añejo de cinco años que acaba de aterrizar en Chile. Posee un novedoso y original envase, un fiel reflejo del espíritu de la marca. Es un producto innovador, fresco y de sabor excepcional. Un ron que transmite entusiasmo, contagia alegría y te invita a expresar lo que eres. www.ronoptimist.cl
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IDEALIPSTICKS Antes de la edición de su segunda placa en estudio, la prensa europea ya escribía del trabajo de Eva y Jave Ryjlen, pareja que comparte su pasión por un rock & roll crudo y sencillo. “Somos bastante aviejados en cuanto a gustos musicales. Tiramos mucho del hilo hacia atrás. Desde las raíces con Bo Diddley, también el sonido británico con los Rolling Stones, los Beatles, los Kinks y los Who. Música como Velvet Underground y Sonic Youth. Y por supuesto, el sonido Motown”. Así desglosan una parte importante de sus influencias y del norte con el que trabajan. Tras su exitoso debut -el álbum Radio Days (Rock On! Music), votado como uno de los mejores discos del
TRES SON MULTITUD 2009- y haber ganado el festival Rock Villa de Madrid, Idealipsticks se concentraron en lo que es su segundo largo, Sins & Songs (Astromúsica, 2010). En ellos hay una frescura inmediata y un rock de garage con toques vintage que los acercan incluso a lo hecho por Chrysse Hynde, años atrás. En la propuesta, el dúo español juega con la imagen de la chica guapa sobre la estructura visceral de su música y el resultado ha recibido el apoyo del público y la prensa europea. Un camino que han recorrido por años y que, esta vez, debiera dar frutos internacionales. Fernando Mujica
Suena como: The Kills, The White Stripes, The Pretenders www.myspace.com/idealipsticks
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SUGAR & GOLD Todo comenzó con guitarras y rock de garage. Así es la historia que une a Philipp Alberto Minnig y Nicolas Dobbratz. Se conocieron en el colegio en California y ahí armaron su primer experimento: Dura-Delinquent. Rock a destajo con acento punk y mucho libertinaje. Fechas junto a los White Stripes, Chrome Cranks, Make Up y más de algún histórico desmán. De aquellos años quedó la enseñanza y la amistad que los llevó a experimentar con el soul y las máquinas. De ésto nació Sugar & Gold, un híbrido electro pop cargado de un r&b de amigables terminaciones. Una fórmula fácil que recibió el apoyo
Suena como: La Roux, Prince, MGMT www.myspace.com/sugarandgold
DULZURA LIGHT de la prensa de San Francisco (ciudad en la que vivían), considerándolos como “la mejor banda de baile” en el año 2007 y logrando ciertas fechas con Of Montreal, banda para la cual Dobbratz se convertiría en músico de sesión. Tras dos años de trabajo fue lanzado Get Wet (Antena Farm Rec.) durante 2010, un debut que los relaciona con el pop, el minimalismo característico de la electrónica, cierta sicodelia tan en boga y new wave por montones. Circula por estos días el epé Bodyaches (Antena Farm, 2011) y ya proyectan giras interminables para este 2011. Año que debiera hacerles justicia. Fernando Mujica.
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THE BOOZE Hace medio siglo, la llamada “invasión británica” azotaba sin piedad los Estados Unidos de costa a costa, cortesía de grupos que vendieron a raudales melodías forjadas en esas mismas tierras. Ahora, en pleno siglo XXI, la historia parece volver a repetirse, aunque a la inversa. Se trata de The Booze, una banda de muchachos criados en Atlanta, Georgia, cuya música es un compendio que remite al período dorado de los años sesenta. Con cuatro discos editados a la fecha, de los cuales el último es el recién lanzado At Maximum Volume (Un-
Suena como: The Kinks, Freepeace, The Zombies www.myspace.com/thebooze
A LOS MAESTROS, CON CARIÑO derrated Records, 2011), los referentes del quinteto son claramente inglesas -sí, los mismos que eran influenciados por norteamericanos-. Su trabajo está guiado por muchas guitarras que no habrían desentonado en cualquier pista de baile londinense o liverpuliana de aquella época. Ideal para nostálgicos interesados en recordar tiempos mejores, cuando la isla nos daba sus primeras leyendas. Jean Parraguez.
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VIA AUDIO Si hubiera justicia en el mundo, Via Audio estaría sonando en radios a lo largo y ancho del planeta. Basta con escucharlos una vez para que las razones queden de manifiesto. Lo suyo son temas de gancho automático que se quedan en la memoria con asombrosa facilidad, cortesía de un sonido completamente ajeno a lo que se podría esperar de un cuarteto oriundo de Brooklyn, Nueva York. Producidos por Jim Eno (Spoon) y con dos discos ya a su haber -Say Something (SideCho, 2007) y el más reciente Animalore (Undertow, 2010)-, no tienen
ELEGANCIA RADIAL problema en comulgar en simultáneo con elementos de este tiempo y fórmulas reminiscentes de hace más de dos décadas. Y como prueba, ahí está su último álbum: una arremetida de hits que se dejan disfrutar desde la primera oída. Melodías elegantes, composiciones pletóricas de estilo, canciones que exigen ser el soundtrack de los mejores lugares y situaciones. Pop de la mejor cosecha para nuestras barricas musicales. Sebastián Amado C.
Suenan como: Spoon, The Silent League, Everything Everything www.myspace.com/viaaudio
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LAUREN PRITCHARD Ceñirse a fórmulas compositivas comprobadas puede transformar artistas en meros productos en un abrir y cerrar de ojos. Ecuación simple, herramienta útil para explicar varios “fenómenos” de breve y olvidable existencia. A veces -pero con mucha menos frecuencia- ocurre lo contrario y ése es el caso de la estadounidense Lauren Pritchard. Darle play a su primer disco, Wasted in Jackson (Republic, 2011), es aceptar una invitación abierta a intentar comprender cómo es que el pop, el soul y el country se pueden entrelazar y alternar con tal
CUANDO LA SINCERIDAD SUPERA CUALQUIER FÓRMULA facilidad. Una rareza cuya explicación se encuentra en esta misma ópera prima, diario de vida cuya sinceridad y espontaneidad permite esas mezclas sonoras. Producida por Eg White y con la colaboración de Marcus Mumford, sus canciones destilan una frescura sin números de serie. Melodías que, a punta de piano y guitarra, invitan a mantener los audífonos puestos. Aunque sólo sea por un repeat más. Sebastián Amado C.
Suena como: Candi Staton, Amy MacDonald, Jonathan B. Wright www.myspace.com/laurenpritchardmusic
JACK ENDINO // EL DELICADO SONIDO DEL TRUENO
Por Víctor Hugo Carvallo Fotografía * Ignacio Galvez
El mítico productor de Seattle estuvo en Chile hace pocos meses, grabando lo nuevo de The Ganjas. Tratando de pasar desapercibido, conversó en exclusiva con Extravaganza! sobre su trabajo, su música y sus mil historias
Si a alguien no le suena el nombre de Jack Endino, no es tan terrible. Pero definitivamente se ha perdido de algo, o simplemente no ha leído los créditos (nada raro en el reino de su majestad, el mp3). Pero lo cierto es que este nombre aparece en muchos de los discos más destacados de una generación completa. Soundgarden, Mudhoney, Tad, Mark Lanegan y Nirvana son sólo algunos de los muchos que trabajaron con Endino como productor y sonidista. Además, su propia banda, Skinyard, quedó registrada en los anales del rock al ser, sin ninguna duda, una de las primeras bandas de la ciudad de Seattle (junto a Green River, Melvins y los ya mencionados Soundgarden) que implantó ese sonido tan especial, mezcla de punk rock, trash metal y unos Beatles en cocaína. Algo que con el tiempo se conocería como gunge. Pues bien, este mismo señor anduvo paseando por Santiago este verano. Y si alguien creyó haberlo visto rockeando en algún show, no se equivocó. Era él. Su visita se dio porque vino a trabajar en lo que será el sexto álbum de estudio de The Ganjas. “Los muchachos me contactaron por Internet. Creo que fue por myspace, no estoy seguro. Fue hace meses. Me mandaron algo de su trabajo y me gustó, así que vine hasta acá”, dice el productor, acostumbrado ya a viajar por el mundo. “He trabajando en doce países, aunque muchos prefieren ir a visitarme a Seattle. Tengo bandas de Suiza, Irlanda, Alemania y Canadá. He estado en Brasil trabajando con Titâs cuatro veces. También estuve con ellos en Argentina, por un show. Pero nunca había venido a Chile”. El cuartel general de Jack Endino se llama Soundhouse Recording Studio y está ubicado en la misma que, hace exactamente dos décadas, fuese el epicentro del rock. La misma ciudad que entregaría bandas de la talla de Nirvana y Pearl Jam. Bandas que revolucionarían el adormilado negocio de la música y en especial del rock. Pero en su visita a Chile, Endino se instalo junto a The Ganjas en el estudio de Algo Records. “Me he sentido muy cómodo. Es como una versión más chica de Soundhouse. Algo así como Soundhouse Jr. Tenemos el mismo tipo de consola. Usamos el mismo sistema de Protools, aunque este es más pequeño, pero es el mismo software. Los mismos altavoces, los mismos micrófonos. Todo se me hace muy familiar, pero a una escala menor. Así que ha sido muy agradable, salvo por el calor. Pero es mejor que estar en Seattle en esta época del año. Allá llueve todos los días”. Pero antes de Soundhouse estuvo Reciprocal. Desde ahí Jack Endino despacharía maravillas al mundo. “Fue una época muy loca”, dice el productor, y luego se explaya: “En los ochenta sólo era una escena local underground. Había buenas bandas pero no muchos discos que se vendieran. Fue la prensa británica la que se fijó primero, y después Soundgarden firmó con un sello grande y luego Mother Love Bone; y eso se tornó en una avalancha. Al poco tiempo teníamos a cuatro bandas dentro de todos los rankings musicales del país: Nirvana, Pearl Jam, Alice in Chains y Soundgarden. Screaming Trees y Mudhoney también tuvieron su momento. Pero lo interesante era
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que esos discos no estaban hechos para convertirse en éxitos comerciales. Así que eso era lo que nos hacía pensar que estábamos haciendo las cosas bien”.
Endino a la guitarra Pero no sólo de mover perillas vive el hombre. Skinyard, la banda en donde Jack tocaba la guitarra y componía entre mediados de los ochenta y principios de los noventa, también jugó un rol importante en la escena de Seattle. “Nuestro último disco salió en 1993, pero la banda se separó un año antes. Habíamos hecho cinco discos a esas alturas y ya estábamos cansados. Nuestro cantante tenía otro grupo llamado Gruntruck y estaba muy entusiasmado. Yo quería dedicarme a producir porque parecía que eso era lo que el mundo quería de mí”. Y si bien, Skinyard no alcanzó a ser parte del boom del grunge, dejó una marca en todas esos bandas que, en la misma época que Skinyard se separaba, alcanzaron un arrollador éxito comercial. “No se gana mucha plata tocando, ¿sabes? Skinyard iba más o menos, pero no es lo mismo. Yo trabajaba en Reciprocal Recordings y después trabaje como freelance en varios estudios. Eso fue cuando Nevermind (DGR, 1991) salió y mi teléfono no paró de sonar”. Además, Endino ha lanzado tres álbumes como solista. El último, Criminal Fatal Error (Wondertaker Records) es de 2005. “Ahí trabajé con Barret Martin en la batería. Él estuvo en los últimos tres discos de Skinyard y después se fue a los Screaming Trees. Recuerdo que Mark Lanegan me llamó preguntándome si era verdad que nos habíamos separado, porque no quería ser el culpable de la disolución del grupo, y yo le dije ‘sí, llévenselo no más’. Después hizo el disco de Mad Season y ganó bastante dinero con eso”. Últimamente, Endino ha estado tocando la guitarra en Kandy Coded, con quienes grabó un disco, Fell For The Gift (Volcom Entertainment), el año pasado.
Post Grunge “Por 1998, todo cambió. El Grunge estaba acabado y empecé a trabajar mucho con bandas de Punk y de Metal. Trabajé con Zen Guerrilla, hice dos discos con The Makers; dos discos con Zeke. Hice un disco para Therapy? y he trabajado con muchos más. Ha sido una época interesante”, confiesa Endino, quién hace rato dejó de trabajar sólo con un tipo determinado de banda (en su larga lista desfilan nombres que van desde Bruce Dickinson hasta 3 Inches of Blood). “Por alguna razón que no comprendo me llegan muchas bandas de Metal. Me buscan. Pero me da igual, para mi son todos grupos de rock. Dicen que les gusta mi sonido de guitarras”. Así fue como llegó a The Ganjas, con quienes, asegura, a pasado un muy buen rato, tanto en el estudio como fuera de él. “Los chicos me han mostrado un montón de discos de cosas chilenas, algunas bastante antiguas, como de los sesenta y los setenta. Cosas que para mi sería muy difícil encontrar y que nunca había escuchado. También les pedí que me mostraran discos que les
gustaran, para tratar de leerles la mente. Me dicen ‘hazlo sonar a tu manera’. Ellos quieren mi sonido, pero yo quiero entender el sonido de ellos y tratar de hacer lo mejor con eso”. Y cuando se le pregunta acerca del nuevo disco, responde: “Lo que pueden esperar es un disco que suene exactamente como The Ganjas. Porque eso es lo que trato de lograr en el estudio. Trato de conseguir la realidad, el corazón de lo que están haciendo y capturarlo en la grabación. No estoy tratando de conseguir mi propia versión de los Ganjas, o la versión Seattle o grunge de ellos. Estoy tratando de escucharlos y conseguir el disco que ellos están intentando hacer. Mi trabajo es ayudarles a lograrlo”. “La banda me recuerda a Crazy Horse y a The Wipers. Pero ellos tienen su propio sonido. Son lo suficientemente originales como para haberme hecho viajar todos estos quilómetros. Si sonaran exactamente igual que alguien más, no me habría interesado trabajar con ellos. No me pegaría un viaje de 18 horas por una banda que no me gusta. Me gusta su sonido y me gusta como cantan. Las armonías que hacen cuando cantan son geniales. Y estaban preparados. No tuve que arreglar nada. Sólo tuve que capturar lo que estaba ahí y hacerlo sonar lo mejor posible”.
LA VIDA ES UNA DISCOTECA A lo largo de los años, Jack Endino ha producido a un centenar de bandas. Además, su carrera como músico también ha tenido grandes aciertos. Aquí, algunos de sus discos más recordados: Deep Six (C/Z Records, 1986) El primer compilado grunge. Skinyard, la primera banda de Jack Endino, aporta dos canciones. Además, aparecen Green River, Melvins y Soundgarden.
Mudhoney, Superfuzz Bigmuff (Sub Pop, 1988) El EP debut de Mudhoney que se convirtió en el primer clásico de la escena de Seattle. En 2008 Sub Pop lanzó una edición doble, celebrando su aniversario.
Nirvana, Bleach (Sub Pop, 1989) El disco más conocido de Jack Endino. “Era sólo un disco más de indie rock al que ni siquiera le fue bien”. Hoy, lleva más de cuatro millones de copias vendidas.
“No estoy tratando de conseguir mi propia versión de los Ganjas, o la versión Seattle o grunge de ellos. Estoy tratando de escucharlos y conseguir el disco que ellos están intentando hacer”.
Mark Lanegan, Whiskey for the Holy Ghost (Sub Pop, 1994) El segundo álbum solista del vocalista de Screaming Trees. Endino además produjo su debut y un disco de su banda.
Hot Hot Heat, Make Up the Breakdown (Sub Pop, 2002) Su mejor trabajo en años. Endino se la jugó con el debut de esta banda canadiense y dio en el clavo.
Jack Endino, Permanet Fatal Error (Wondertaker Records, 2005) El tercer álbum solista de Endino y una de sus mejores entregas desde los días de Skinyard.
Flipper, Love (FLIPPER, 2009) El retorno de los punk rockers Flipper. Contó con la participación de Krist Novoselich, un viejo conocido de Endino.
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LAS MARAVILLAS DEL SONIDO MESTIZO Por Rodolfo Garcia Fotografía * Thrill Jockey Records
Tortoise vuelve a tocar en Chile tras 12 años de ausencia, este 25 de marzo en el Teatro Nescafé. Una banda que es un emblema vivo de la cultura del mestizaje y la experimentación. Donde todos los recursos son válidos para lograr una propuesta vanguardista y desafiante. Desde Chicago, John McEntire promete repasar en vivo lo mejor de su carrera.
La música de Tortoise es tan única como apasionante. Dedicados a la experimentación incansable durante veinte años de carrera, esta banda emergió en una época dominada por el rock con un concepto radicalmente distinto, gracias a un segundo disco que sería definitorio y que los lanzó a la fama: Millions now living will never die (Thrill Jockey,1996). Mezclando sin tapujos influencias del jazz, el rock, la electrónica, lo étnico y el dub, este conjunto de Chicago se propuso desde sus inicios trabajar con fórmulas inhabituales. Primero, democráticamente: Tortoise es un colectivo de veteranos del indie (todos tocaron en grupos de punk rock previamente), donde abolieron los egos para aceptar ideas de cada uno de sus miembros. Segundo, por su line up: dos bajos, dos baterías, más guitarra y teclados, sin vocalista ni líder aparente. Tercero, por sus temas instrumentales basados en la improvisación, los que pueden desplegar ideas narrativas que van de los tres a los veinte minutos. El baterista y tecladista John McEntire es, además, ingeniero de sonido y ha grabado todos los discos de Tortoise. Desde su estudio Soma Electronics, en Chicago, el músico contesta esta entrevista exclusiva. La banda ha estado ausente de Chile desde su hermoso show de 1998, el que demostró la calidez y la experiencia mística que resulta al verlos tocar en vivo, comunicarse entre ellos a través de sus melodías y ritmos, e intercambiarse instrumentos con total relajo y devoción. ¿Qué canciones tocarán en Santiago? Vamos a tocar casi entero nuestro último álbum, Beacons of ancestorship (Thrill Jockey, 2009), más dos canciones de cada uno de los otros discos.
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¿Cómo fue la experiencia de tocar en Chile con Tortoise la otra vez? Fue alucinante. Quedamos maravillados con la recepción que tuvimos. Pensamos, por un instante, que éramos estrellas de rock. Fue totalmente distinto a lo que vivimos en Europa, ustedes proveyeron el mejor público que encontramos. ¿Cómo es que en Tortoise mezclan elementos distintos, como rock, jazz y electrónica? Es tan sólo algo en lo que hemos estado interesados siempre, desde los inicios más remotos de la banda. Yo estaba tratando de alejarme de toda clase de formas estrictas y reglas impuestas, que trataban de determinar lo que fueses a hacer de manera estilística. Entonces, todo esto es sólo un asunto de experimentación, y tratar de ver qué es lo que funciona y suena interesante. Eso te lleva, en última instancia, a darte cuenta de cuáles son tus ideas realmente, e implica tomar cosas disparatadas y juntarlas, y hacerlo. ¿Cómo ha sido la experiencia de tocar en Tortoise por veinte años? Era mucho más intenso a mediados de la década de los noventa, cuando vivíamos todos juntos y empezábamos a ganarnos una suerte de público. Ahora, todo va muy rápido. Me cuesta creer que los últimos años hayan pasado, se fueron de manera tan rápida. Estamos muy entusiasmados con el último disco que grabamos, y las giras que hemos hecho han sido fabulosas. Creo que ahora estamos en una buena posición como para poder seguir adelante. En principio una propuesta confidencial, Tortoise logró conquistar a una audiencia que se estaba abriendo a otros sonidos. Corría la mitad de los noventas y el grunge iba cuesta abajo. Mientras, surgían el hip hop del sello Mo’Wax o la electrónica ‘inteligente’ de Warp (Autechre, Aphex Twin). Ello fue toda una revolución, y a los de Chicago se les emparentó a otras bandas experimentales como Labradford y Stereolab, recibiendo el movimiento el nombre de post rock. ¿Cómo fue la experiencia de vivir esos explosivos noventas? Era increíble, ibas a los clubes cada semana y encontrabas algo que te volaba la cabeza. Era impresionante, como estar descubriendo cosas nuevas a cada rato. ¿Cómo ves la escena indie ahora? No lo sé. La verdad ya no me preocupo mucho por lo que está pasando. Ya no tengo mucho tiempo libre, pues trabajo un montón
en el estudio. Es difícil estar atento y parece que hay tantas cosas saliendo todo el tiempo. ¿Sabes? como treinta discos salen por semana y es difícil imaginarse siquiera si dentro de ésos alguno va a estar bueno (se ríe), entonces… ¿Ustedes vivían todos juntos en un loft en Chicago donde improvisaban todo el día? (Risas) No sé si hacíamos largas jams improvisadas durante todo el día, pero sí vivíamos todos juntos. ¿Cuán grande era el cuadro de John Coltrane que dominaba esa sala de ensayo? No recuerdo bien, pero era bien grande. Creo, si mal no recuerdo, que era de cuatro metros y medio de alto por cuatro metros y medio de ancho. ¿Ahora ya viven en distintas casas? Sí, ahora cada cual se ha casado o vive en una relación con hijos y eso, cada uno en su propia casa. Vivimos aún en Chicago, todos en el mismo barrio. ¿Ensayan mucho? No, justamente a causa de todos los niños que han nacido y han entrado al baile, es muy difícil coordinar nuestros horarios. Aún así, tratamos de ensayar lo más que podemos, especialmente antes de irnos de gira. Cuando queremos prepararnos para entrar al estudio, nos juntamos y empezamos a darle forma a las ideas en curso, antes de encerrarnos a grabar. Pero, sabes, es bastante poco común que nos juntemos a ensayar si no tenemos algo entre manos.
Ustedes trabajan mucho la post producción en el estudio. ¿Cuánto tiempo les toma por álbum? Es algo difícil de estimar ya que la mayor parte de las canciones las vamos escribiendo en el proceso. No lo sé, pero tal vez nos pasamos, en total, dos meses y medio grabando y mezclando Beacons of Ancestorship, pero eso estuvo esparcido en un lapso mucho mayor de tiempo. Entrábamos al estudio por una semana, luego, unos meses más tarde, íbamos de nuevo por un par de días, o algo así. Sin contar la compilación A lazarus Taxon (Thrill Jockey, 2006), ¿por qué pasaron seis años entre sus dos últimos discos de estudio? Bueno, nos tomamos bastante tiempo para poder armar el compilado (de remezclas y rarezas) y, al lanzarlo, estuvimos girando mucho para promocionarlo. En esos años, también, hicimos el disco colaborativo con Bonnie “Prince” Billie, The brave and the bold (Overcoat, 2006). Aparte, hemos estado de gira todo el tiempo, todos los veranos tocamos en festivales y cosas así. Entonces, supongo que el tiempo se fue más bien rápidamente. O sea, hemos tocado más en vivo que en el estudio. ¿Dónde han estado tocando desde su primer show aquí, en 1998? No hemos ido a Sudamérica hace tiempo, pero hemos estado tocando en absolutamente todos los otros lugares: Japón, Australia, Europa, probablemente seis veces a lo largo de todo Norteamérica, Turquía, Rusia…Sí, hemos andado por todas partes.
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reportaje Por Fernando Mujica Fotograf铆a * Daniela Le贸n
LOLLAPALOOZA EN CHILE//
SEMBRANDO AL SUR DEL MUNDO
La tarde del miércoles 30 de julio fue húmeda y calurosa -como suele ocurrir en Nueva York durante ese mes-. Aquella jornada del año 2003 era importante para Farrell y la organización de Lollapalooza. Se volvía a apostar por un proyecto itinerante, que en la década de los noventa había dejado momentos dulces y amargos. Mooney Suzuki hacía arder la pista alternativa de este festival, que poco tenía de cultural y multirracial. Con sólo dos escenarios y muy poca diversidad culinaria, esa versión, aunque logró reunir a monstruos del rock como Incubus, Queens Of The Stone Age, Audioslave y los propios Jane’s Addiction (que algo pretendían con su deslavado Strays), terminó por sufrir la humillante cancelación al año siguiente. “Cuando el evento no se pudo realizar en 2004, quedé choqueado. Quería llorar. Me acababa de casar y le dije a mi mujer, ‘ándate en busca de otro hombre, eres joven, yo estoy derrotado’”, recuerda el mismo Farrell ocho años después, con una copa de vino en mano, buen desplante y el anecdotario de estar en Chile.
El primer fin de semana de abril se realizará en Santiago el festival Lollapalooza. Perry Farrell, genio y creador de esta aventura, pasó por nuestro país, recordó viejos tiempos y adelantó ciertas coordenadas del evento. Todo lo que guarda relación con su historia, sus grandes momentos, su triste quiebre y los detalles de su primera versión internacional.
El ex líder de Porno For Pyros volvía a pisar suelo chileno y esta vez la prensa hacía fila por él en el Ritz de Apoquindo. “Más allá de todo el negocio que pueda haber involucrado en esto, para mi es una fiesta. Una celebración. Lo que yo hago es tratar de que todo resulte como una gran noche. Otra cosa es el negocio que ahora montamos con Live Nation, ellos son la industria en sí. Siempre miro la reacción de la gente y veo como ellos disfrutan la música de la que gustan. Busco entregarles ese espacio necesario para que salgan de sus casas, dejen el computador por un momento y vayan a celebrar, a olvidar, a pasarlo bien”. Es la esencia de un mega evento que nace en 1991, como excusa para promocionar un segundo disco de Jane’s Addiction. Una joven banda que quería llevar su Ritual de lo Habitual por toda Norteamérica. Y qué mejor que buscar socios (por aquellos años fue la productora Goldenvoice) y saciar el hambre de música que tenía la generación X. “Ahora vivimos definitivamente en un mundo distinto. En aquellos años no había computadoras personales. De hecho, en 1991 comenzó todo el tema con Internet al mismo tiempo que nosotros. Hubo muchas dificultades y muchos peros en el camino. El arte en sí ha mutado. Pero continuar con eso me ha dado la razón. Ignoré bastantes cosas. Amo la música y me gusta relacionarla con el día a día de la gente. En ese sentido, mi nombre siempre ha estado vinculado con todo esto. A veces bromeo, pero sin la música me habría suicidado”.
Mucho que recordar
Se hace camino al andar
Entre el 18 de julio y el 28 de agosto de 1991, se reunían por primera vez nombres como Siouxsie & The Banshees, Nine inch Nails, Living Colour, Ice T, Butthole Surfers, Rollins Band, Fishbone y Jane’s Addiction. La prensa caía rendida a los pies de una idea brillante. El mismo 18 de julio del año siguiente y hasta el 13 de septiembre, Red Hot Chili Peppers, Ministry, Ice Cube, Soundgarden, Pearl Jam y los Jesus & Mary Chain repetían la hazaña. Estados Unidos levantaba la bandera del triunfo y lo alternativo se transformaba en parámetro de medición para todo. El milagro seguiría en 1993. Desde el 18 de junio al 7 de agosto, girarían Primus, Alice In Chains, Dinosaur Jr, Fishbone, Front 242, Arrested Develeopment y Rage Against The Machine. Todo fue festejo y novedad para una cultura americana que veía los festivales como algo exportado desde Europa. La gallina de los huevos de oro volvía a arrojar sonrisas en 1994 (7 de julio al 5 de septiembre) con nombres como The Smashing Pumpkins, Beastie Boys, George Clinton, The Breeders, A Tribe Called Quest, L7, Nick Cave y Green Day. La fórmula casi perfecta -aunque sin concretar a Nirvana en sus filas- volvía a salir de paseo en 1995, con Sonic Youth, Cypress Hill, Pavement, Sinead O’Connor, Elastica, Beck y Jesus Lizard.
En su paso por Santiago lo acompañan productores de la empresa C3 que, junto a WME, están encargados de que todo salga a la perfección. “Así como cambiaron muchas cosas, hubo condiciones que no pude seguir aceptando. Continuar con todo el montaje de ciudad en ciudad fue cada vez más complejo. Estuvimos con Clear Channel y Live Nation, entre otras. Muchas opiniones y al final todos con el dedo hacia arriba por volver a dejarlo fijo en un lugar: un parque de Chicago, el Grant Park”. El 23 de julio de 2005 se volvía a creer en aquella fórmula exitosa de 1991, esa que vivió sus peores días en 2004. Se suponía que Morrissey, Wilco, PJ Harvey, The Flaming Lips y The Killers serían parte de algo que nunca sucedió. Aquel 2005, el festival regresaba con palmas en alto y el acierto de haber dado un vuelco en la forma de hacerlo, de enfrentarlo. Una gira que por primera vez pretende realizarse fuera de Norteamérica. “Es que Chile me sorprendió desde un principio. Tienen un país que me gusta, es largo como un spaghetti. La patagonia es alucinante y es perfecto para el surf y el snowboard. Muchas cosas me agradaron y me convencieron de que éste debía ser el lugar. La gente de la productora Lotus me recordó cuando comencé en ésto. Es un equipo que ha bookeado buenas bandas, se nota que no sólo están en esto por el negocio”, afirma un Farrell que pretende reinventar su cruzada.
Las críticas comenzaban y los cuestionamientos al cartel explotaban con la llamada gira de la testosterona. El año más rockero y cuestionado de todos llegaba en 1996 en manos de Metallica, Soundgarden, Ramones y Rancid. La chispa comenzaba a perder intensidad. Las ventas bajaron y el último aliento por demostrar democracia llegó en 1997, recibiendo el verano con una extraña mezcla de nombres: Orbital, Devo, The Prodigy, Tool, Snoop Dogg, Porno For Pyros, Tricky, Korn, los hermanos Julian y Damian Marley, junto a unos tímidos Eels. Todo parecía llegar a su fin. “Siempre estuve metido en todas las decisiones de la gira. Cuando joven me relacionaba todo el tiempo con la música. Escogía bandas y apostaba por la creatividad. En aquellos años había otra vibra. La escena, si se quiere, era distinta. Ahora no lo puedo negar, es otra cosa, me siento algo viejo. La industria ha cambiado mucho. Los músicos, para ser honesto, están ansiosos todo el tiempo… desesperados por tocar. Muchas cosas cambiaron, pero al mirar los años pasados quedo con la tranquilidad de haberlo hecho. No sólo una vez, sino por veinte años”.
Detalles cuidados y minuciosos. Todo fríamente calculado. La producción estadounidense dando visto bueno a recintos, clubes y hoteles. Que todo funcione para recibir a los casi cuarenta artistas internacionales que se esperan. “Siempre ha sido una celebración y lo seguirá siendo. Hay momentos en que la atención se focaliza en los diferentes estilos de música, pero a la larga es un todo. Un conjunto de gente entregándonos su arte. Y qué mejor si eso lo disfrutamos juntos”, concluye. Será la gran opción de vivir algo que aquella tarde de julio de 2003 se perdió. Aquel Lollapalooza de Jones Beach que desgastó el formato, dejando a una de las fiestas culturales más importantes de los últimos veinte años a punto de apagarse. Hoy, mejor posicionados que nunca, preparan su arribo al cono sur y qué sutileza que comiencen por casa.
Lo que los afiches no cuentan Paraderos de micro con imágenes de Kanye West, The Killers y Jane’s Addiction. Internet rugiendo con Deftones, The Flaming Lips y Cat Power. Todo el mundo repasa los nombres que vienen y recomiendan imperdibles, mientras revisan mapas y horarios. Pero poco se sabe de los preparativos que se están llevando a cabo, a sólo días de un evento sin precedentes en este lado del globo. Aquí te contamos algunas de las claves de Lollapalooza Chile 2011.
- Las agencias WME y C3 Presents (Austin City Limits, Lollapalooza Chicago), están coordinando Lollapalooza Chile con sus pares nacionales. Éstos últimos, de hecho, acompañaron a Perry Farrell en su reciente visita a Santiago, el pasado mes de febrero. - Se estima que más de siete mil personas viajarán desde el extranjero para estar en nuestro país el 2 y 3 de abril. Argentina, Colombia, Perú, Brasil y Australia venden paquetes turísticos, así como también las agencias norteamericanas Carlson Wagonlit y Jet Setter. - Medios de todo el mundo buscaron acreditarse para este cónclave musical. Sin embargo, sólo 150 -entre nacionales e internacionales- recibieron el visto bueno para estar presentes. - La productora Glovox (los mismos de las fiestas Sundeck) estará a cargo de las barras. La comida será diversa: Habrá un mix de operadores como Telepizza, Bravísimo y California Burritos, entre otros. Tendrá opciones vegetarianas, orgánicas, helados artesanales y más variantes. Aproximadamente, se deberían usar treinta toneladas de comida en los dos días de festival. Habrá más de 200 metros de barra y una combinación de productos no alcohólicos: jugos, agua, bebidas isotónicas y energéticas. - Más de 400 personas estarán trabajando desde el 23 de marzo en el montaje de toda la infraestructura requerida para este magno evento. - Los cierres de las calles, y los horarios de los mismos, se están coordinando con Carabineros y la Intendencia. Sin embargo, ya es un hecho que los accesos oficiales serán a través de las calles Tupper y Viel. Sebastián Amado
Fotograf铆a * Daniela Le贸n
entrevista
// EL MAPAMUNDI DE
MILTONMAHAN Multidisciplinario de excepción, Milton Mahan es como un personaje escondido de videojuego. Su nombre, convertido en garantía de calidad, está escrito en algunos de los emprendimientos locales más atrayentes de la actualidad como músico, productor y director de videos. Por Andrés Panes Fotografía * Daniela León
En cuanto a música pop chilena, 2010 pasará a la historia como el año en que Cristián Heyne asesoró los álbumes de los artistas más aplaudidos: Javiera Mena, Gepe y Dënver. Los dos primeros, confirmaciones de talento; los últimos, una revelación a todas luces, pese a contar con una entrega anterior (Totoral de 2008). Y es en el dúo de San Felipe, que goza de su mejor pasar gracias al disco Música, Gramática, Gimnasia, donde milita el otro personaje clave de la temporada pasada del escenario independiente nacional: Milton Mahan. La contraparte masculina de Mariana Montenegro en Dënver compartió labores de producción, junto a Heyne, en la reverenciada última placa del tándem. Un elepé en el que también compuso, trabajó en arreglos corales y mezcla, además de cantar y tocar guitarra y bajo. Liberado online a fines de octubre, vía Sello Cazador, el larga duración venía precedido por el video del single ‘Lo que quieras’ y ha coronado su notoriedad con el posterior clip de ‘Los Adolescentes’. Ambos, dirigidos por él y Bernardo Quesney, acumulan casi 300 mil visitas en YouTube. “Es una forma de continuar el imaginario de la canción desde el interior y no como una reinterpretación, que es como se suele hacer”. Nada mal para un músico autodidacta y realizador audiovisual sin formación teórica, aunque reconoce haberse “colado en alguno que otro cursillo”. A los 12 años, Milton Mahan empezó a practicar guitarra comprando cancioneros y tuvo su primera banda cuando era un quinceañero. “Hacíamos un punk melódico bien simplecito, nos llamábamos Malkriados”, recuerda. De ahí en más, el sanfelipeño ha ido recolectando influencias y expresándolas en diversas iniciativas. Aparte del dúo con el que editó Música, Gramática, Gimnasia, el veinteañero músico juega en solitario bajo el nombre de Nueva Orleáns y también integra otro dueto, De Janeiros. ¿Por qué todas sus bandas tienen nombre de ciudad? “No lo sé, me di cuenta harto después de esa coincidencia, alguien me la dijo. No era la idea, buscaba sólo una intención fonética, ahora no deja de ser divertido porque todos creen que hay algo detrás de eso y me gusta esa relación con la mitificación y la mentira”, responde. Las disimilitudes afloran al revisar, por separado, cada uno de los grupos. “En Dënver comparto la composición con Mariana y en verdad es todo bastante formal, en el sentido de que son canciones pop de lo más tradicionales. Me demoro mucho en dar con esa sencillez pop, nada puede fallar, ni la letra ni la música, eso no quiere decir
que sea infalible. Nueva Orleáns es al revés, me di cuenta de que sin tantas manías también salían canciones y que eran de otro tipo, a esas canciones les puse Nueva Orleáns. Ahora, nunca tengo claro si compongo para lo uno o para lo otro, eso se decide después. Y De Janeiros es un proyecto que comparto con Pablo Muñoz (de $990) y que está enfocado básicamente en la producción, quería olvidarme de las letras y tener un proyecto que buscase únicamente un sonido”, explica en detalle. Para Milton Mahan, 2010 partió con la edición el mismísimo 1 de enero -a través del netlabel nacional Michita Rex- del disco Plateado de De Janeiros y las casi inmediatas comparaciones con Animal Collective, de parte de una prensa musical escasa de referencias para hablar sobre la propuesta del álbum. “No me parece que tengamos mucho en común, la principal diferencia, creo, es que ellos son mucho más ‘sicodélicos’ y nosotros somos más ‘espaciales’. La verdad, nunca los tomamos como referencia a la hora de hacer los temas, pero el que crea eso, bien. De todas formas, son una gran banda”, declara. “Lo bueno es que con Pablo, además, producimos otros discos. Entonces entramos en una faceta que al menos a mí me encanta, trabajamos masterizando el último EP de María Perlita, ayudamos a los chicos de Michita Rex y ahora estamos full terminando de producir el LP de Fakuta”. A los pocos meses de lanzar Plateado, el multidisciplinario artista estrenó el video para ‘Música y Discos’, un single bajo el nombre de Nueva Orleáns junto a Fakuta. Mientras, el clip del sencillo ‘Montreal’ de De Janeiros ya aparecía en blogs indie que se rendían a los pies de cualquier cosa que llevara el nombre y apellido del sanfelipeño. Beneplácito justificado en terreno, al que también cedió Manuel Elgueta (alias Maifersoni) quien le envió material vía MySpace para que lo revisara. “Yo sólo había oído de él por Super 45, pero no estaba mayormente interiorizado, me mandó unas maquetas de lo que estaba trabajando, lo bajé, me encantó y le dije que nos juntáramos”. Así, los dos finiquitaron el disco Telar Deslizante, otro acierto de Milton Mahan como productor, su rol favorito. “Es el momento musical que más disfruto”, confiesa. Con las credenciales obtenidas, el veinteañero puede reírse tranquilo de cuando recién llegó a Santiago, después de haber congelado la carrera de Arte en Valparaíso, y del tiempo que pasó trabajando en un local de donuts (“me explotaban, pero era feliz porque comí tantas como había soñado toda mi vida”, cuenta). Asimismo, alista la edición en formato físico de Música, Gramática, Gimnasia en España, por el sello Federación de Universos Pop. En tierra ibérica, el dúo es visto como plato fuerte del indie chileno, con menciones destacadas en los bullados artículos que el diario El País y el sitio Jenesaispop. com publicaron sobre el pop independiente criollo. “Es fome que muchos medios locales sigan teniendo que esperar que venga el reconocimiento de afuera para poner atención en lo que se hace acá, me parece que hay mucha pereza en el medio periodístico, con algunas excepciones, claro”, opina Mahan, consultado al respecto. “Este buen momento lo vivimos trabajando mucho, ha implicado una logística bastante mayor a la que estábamos acostumbrados, así que ahí vamos agarrando el ritmo. No podría decir necesariamente que los buenos comentarios hagan de esto un negocio rentable, hace falta algo más. Sobre todo porque la escena es pequeña y en muchos lugares, como el mismo San Felipe, lo que hacemos sigue pareciendo demasiado extraño, pero ahí uno se las va ingeniando, creo que de eso se trata”.
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// LA HORA DE LA
MATANZA Por Aníbal Valenzuela Fotografía * Ignacio Galvez
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Rescatar las sonoridades de las culturas ancestrales latinoamericanas y mezclarlas con ritmos actuales, es la forma que tiene Matanza de reivindicar y mantener viva la historia musical de los pueblos originarios. Venganza en forma de zampoñas al ritmo de música electrónica, que los tiene próximos a sacar su segundo EP en el extranjero.
reporte estudio
Cuando Luis Gálvez (Spectro) y Vicente Vásquez (Bassquez) decidieron dejar las tornamesas de lado y cambiarlas por máquinas para hacer música electrónica, varias personas –que los seguían donde tocaran con su proyecto Mátenlo- parecieron sorprendidas con el giro. Finalmente, la mejor explicación vino cuando el dúo mostró su nueva cara: una que combinaba los beats más prendidos con ritmos originarios de distintas partes del mundo. Pero llegó un punto en que los artefactos no bastaban por sí solos y sintieron que la reivindicación de las culturas ancestrales debía ser más marcada y evidente. Los instrumentos de cada región debían ser incorporados en vivo para que todos supieran que el legado de esas tierras no había sido del todo aniquilado, sino que seguía despierto. Fue ahí cuando nació Matanza, una propuesta donde la necesidad de incorporar nuevas sonoridades a la música se volvió indispensable. Ya no bastaba un cencerro o un tambor mezclado con beats acelerados, ahora necesitaban las quenas, las zampoñas y todos los demás instrumentos que le dieron vida a nuestra identidad latinoamericana. Fue ahí cuando se sumó el tercer elemento, Rodrigo Gallardo (Loli), el que llevaba un buen tiempo con su propio proyecto, cayendo parado debido a su polifuncionalidad. Una vez que los tres ya estaban viviendo juntos, era sólo cuestión de tiempo que el proyecto terminara de tomar forma, y luego de una respuesta favorable de la gente en el Festival Maquinaria -en noviembre- y la salida de su EP debut, Amerindio, por el sello Anabatic de California -en diciembre-, todo vaticina que este 2011 será el año de su despegue a nivel internacional, ya que acaban de ser confirmados como el número de cierre en la noche inaugural del Festival Gottwood de Inglaterra -en julio- y participarán en el Festival Goliat de México -en noviembre-. A lo que si se le suma la inminente salida de un nuevo EP bajo etiqueta Antartek de Amsterdam, este mes de marzo y otros posibles lanzamientos durante el año -como el EP por DubNoirMusic de Inglaterra en abril-, no sería sorpresa que, luego de las giras que pretenden armar tras sus incursiones en los ya nombrados escenarios, se quedaran dando vueltas por un tiempo en esas tierras.
Cuando se les pregunta de dónde nace la idea de mezclar electrónica con ritmos latinoamericanos, todos tienen una respuesta. “Son las historias personales de cada uno”, dice Loli, y luego lo explica: “Desde chico que hago esa música y de ahí siempre la integré a la que fui conociendo después. El ‘Spec’ también, desde chico escuchaba a los Illapu porque su papá era el sonidista. Y el ‘Vicho’ (Bassquez) también. Tiene familia colombiana, tiene el ritmo en la sangre”. Bassquez, por su parte, agrega: “Cada uno siempre estuvo ligado, no sólo musicalmente, sino políticamente. Son nuestras historias familiares, ciertos estilos musicales, cierto pensamiento y lo que esto representa. Yo siempre me he sentido cercano a la cumbia, la profundidad que tiene, es el canto de dos razas oprimidas. Cuando disjoqueaba hip hop o drum & bass, los ritmos tropicales y tribales también se hacían presentes, entonces para nosotros es súper natural lo que está pasando”. Todo ese background, más la fuerte influencia del hip hop o del house, ayudaron a fortalecer el lenguaje del trío. “Nos acomodó el formato y como que toda la música que estábamos haciendo la metimos en este estilo más housero. Y era como hacer un DJ set de tu show. Más un viaje que puras piezas”, comenta Spectro. Porque es precisamente la mixtura de todos estos sonidos lo que produce una reacción lisérgica en la audiencia. Como lo que se dio el pasado 27 de febrero, cuando Matanza teloneó a LCD Soundsystem en el Teatro Caupolicán. “El motor del house son los loops, los samples loopiados, y con eso vas generando ese trance. Y la música latinoamericana, la tribal, de todos lados, también funciona en base al mismo concepto: lograr el trance a través de repeticiones”, explica Loli. Pero también hay en Matanza una necesidad de mostrar esas raíces que nos unen y que muchas veces olvidamos. Una especie de cruzada cultural que estos chilenos han decidido llevar a cabo, juntando ritmos y cantos amazónicos, venezolanos o peruanos. “Nos damos cuenta de que todo eso sigue latiendo. Entonces, tenemos que mostrarla, que reinventarla, hacer que siga viva”, dice Bassquez y concluye: “Cuando niños vivimos conciertos míticos de Illapu y de Inti Illimani. Es importante conocer de donde vienes, la cultura de tu tierra y la de tus hermanos. Porque al final, todas estas fronteras son sólo cicatrices”.
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ur discos ba na
CÓMO ASESINAR A FELIPES
COLORES Y CADÁVERES (Potoco)
“La banda de mierda, cagándote el esquema”. En la boca de Koala Contreras, estas palabras no son mera bravata. Son una invocación, un conjuro sagrado bajo el cual los cinco elementos que conforman Cómo Asesinar a Felipes vuelven a juntar sus espíritus inquietos para despacharse otra bofetada sonora de difícil clasificación e innegable categoría. Grabado en un sólo día, Colores y Cadáveres es prueba fehaciente e innegable de que este engranaje melódico es clase aparte. Músicos extraordinarios cruzando rap y jazz con conceptos y compases propios, ahora acompañados por tres nombres que se acoplan con fluidez al todo: Álvaro España, Epicentro (de Calambre) y Raimundo Santander. Este asesinato es, de principio a fin, una increíble y macabra obra de arte; pero no del que nace sólo para ser expuesto y contemplado, sino del que te golpea en la cara y te recuerda lo que pasa allá afuera. Un nuevo manifiesto del recurso humano. Sebastián Amado C. www.myspace.com/comoasesinarafelipes
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Fotografía * Natalia Elis
SONIC ONIC YOUTH
Simon Werner A Disparu (SYR) Siguiendo con la tradición de SYR y sus Perspectivas Musicales, la banda de Thurston Moore y Kim Gordon comienza el año con este soundtrack. Se trata de la música incidental para una película francesa que, a su vez, se destaca dentro de lo más acertado que ha hecho Sonic Youth en el contexto de su propio label, que a la fecha lleva nueve entregas. Esta vez, diversas épocas del grupo surgen en la memoria a medida que avanza el disco, como en ‘Jean-Baptiste à La Fenêtre’ y ‘Escapdes’, donde se evoca ese sonido denso y oscuro de Evol (SST, 1986) y Bad Moon Rising (Homestead, 1985). O en ‘Alice et Simon’ y ‘Chez Yves (Alice et Clara)’, dos instrumentales que perfectamente podrían haber sido parte de The Eternal (Matador, 2009). Una pieza ineludible, tanto para fanáticos como para cualquier interesado en sonidos rupturistas, alejados de las concesiones radiales. Víctor Hugo Carvallo www.myspace.com/sonicyouth
ASOBI OBI SEKSU
JAMES MES BLAKE
AT T DEVIL DIRT
MOGWAI
Fluorescence (Polyvinyl)
James Blake (Atlas Recording)
At Devil Dirt (Corvus Discos)
Hardcore Will Never Die, But You Will (Sub Pop)
La banda neoyorquina de Yuki Chikudate y James Hanna tiene un sonido que llama la atención de manera inmediata. Es quizás el shoegaze que hace que te sientes a oírlos con calma, o quizás sean los sones indie pop que cautivan hasta la médula. No lo sabremos nunca, sin embargo, la singular influencia de Cocteau Twins hace que también cataloguemos lo que escuchamos como dream pop. Lo que ocurre es que esta es una obra que aborda diferentes poses al momento de ser fotografiada y analizada. Es un disco que se presenta con melodías irregulares, pero encantadoras, de gusto refinado, expansivo y ruidoso. Lo bucólico se manifiesta entre el enlazamiento del pop con el cambio de ritmo de la batería que progresa en ‘Leave the Drummer Out There’, el relajo y la contemplación en la bella ‘Ocean’ o el sonido netamente radial de ‘Trance Out’. Un disco que, muy probablemente, estará en la lista de los mejores del 2011.
Desde que William Bevan lanzó su primer álbum bajo el seudónimo de Burial en 2006, el mundo de la electrónica cambió para siempre. El nativo de Londres de solo 22 años, James Blake, es uno de los músicos influenciados por esta revolución y en su debut demuestra una maestría poco habitual, que lo consolida como un nombre de alto respeto. El británico se atreve a plasmar su privilegiada voz de profundo estilo soul (al contrario de Bevan y otros músicos que usan samplers) como sostén de un disco que tiene tanto de dubstep como de pop y vanguardia. ‘Limit to your Love’ (cover de Feist) y ‘Wilhelms Scream’ sumergen la canción tradicional en una atmósfera narcótica, y las minimalistas ‘Unluck’ y ‘To Care (Like You)’ mezclan al cantante romántico con la experimentación y el mutismo. ¿Es Blake el nuevo Burial? Sólo el tiempo lo dirá. Gabriel Reyes
El rock posee ciertas características que para algunos llega a transformarse en religión. Una de ellas es la consecuencia. Es ir en busca de algo no importando los resultados, ni menos las adversidades. Y Nestor Ayala de eso debe saber bastante. Proyectos como Duna, Jada o Gatostar, han quedado en el curriculum de un músico que hoy explora en terrenos mas fangosos, íntimos. Definitivamente más lóbregos. Rock árido, polvoriento, sucio; en manos de este soldado del grunge chileno, que aquí comparte créditos con Francisco Alvarado. At Devil Dirt, disco homónimo, mezcla inglés y español, conjugando en sus doce canciones stoner rock, elementos clásicos y hasta guiños al doom británico, si de etiquetas se tratara. El disco es visceral, lento, crudo e intenso, y de paso confirma el postulado de Ayala: en el rock hay que morir con las botas puestas. Fernando Mujica M.
Ya el nombre lo dice todo. Mogwai, con Hardcore Will Never Die, But You Will, propone una experiencia mística y casi religiosa, que sobrepasa al mero individuo en pos de un ideal. Estamos, quizás, frente al mejor disco de Mogwai desde Rock Action (Matador, 2001), liberados ya de sus acercamientos al metal en Mr. Beast (Matador, 2006) y The Hawk Is Howling (Matador, 2008). El sonido de este nuevo disco, en ejemplos como el single ‘Mexican grand prix’, es bastante mecanizado, como una maquina que se ejecuta por sí sola, incluso en temas más cercanos al rock como ‘Raro pano’. También hay algo de Kraftwerk en este concepto, sin caer necesariamente en lo frío, porque los de Glasgow han sabido reinventarse con mucho teclado, como si hubiesen escuchado a todo dar los primeros discos de Stereolab. Estamos, quizás, frente a no sólo uno de los álbumes del año, sino de la década. Pues Hardcore Will Never Die… tiene esa solemnidad que sólo los grandes discos pueden alcanzar.
www.myspace.com/jamesblakeproduction
www.myspace.com/atdevildirt
www.myspace.com/mogwai
Jorge Rubio www.myspace.com/asobiseksu
Rodolfo García
BRIGHT EYES
The People’s Key (Saddle Creek Records) Rompiendo todos los esquemas de una espléndida tradición folk, Conor Oberst vuelve a brillar en su octavo disco como Bright Eyes. Esta vez, con una propuesta mucho más desatada, cargada de alta literatura, parajes de psicodelia, rock y destellos del mundo del pop. Una idea a ratos curiosa, que parte con un retorcido y existencialista monólogo, interpretado por la voz del guitarrista Denny Brewer, para dar inicio a un profundo y marchadito primer acto:’Firewall’. Los próximos temas se desenvuelven en escenarios diferentes y disputan entre estados nostálgicos y alegres, estampados en canciones como ‘Approximate Sunlight’ o ‘Jejune Stars’, las que alcanzan una sólida administración en la búsqueda de buenos sonidos. Son diez temas que convergen en la desinhibida línea de The People’s Key, un álbum que fusiona poesía y frecuencia y que estalla en una verdadera manifestación del más exquisito art rock. Pamela Palma www.myspace.com/brighteyes
BRAVEYOUNG
PABLO BOLIVAR
BRITISH SEA POWER
CAROLINE
We Are Lonely Animals (The End Records)
Motion: The Ambient Works (AvantRoots)
Valhalla Dancehall (Rough Trade)
Verdugo Hills (Temporary Residence)
He aquí la muestra de una obra que huele a conceptual por sus cuatro costados sin necesariamente pretender serlo. Desde hace más o menos un lustro que el cuarteto Braveyoung está en activo y en ese período se han ocupado de pulir sus armas para entregar, en este primer trimestre, su primera acometida. Con un nombre tan inquieto como perturbador, We Are Lonely Animals contempla la evidente individualidad y egoísmo humano para ir más allá. Los nombres dentro de esta cofradía (‘The Weight Of Loss Is Whole’, ‘How Each Friend Departed’, ‘Dark Days, Including After Midnight’) no sugieren dobles lecturas, son sentencias directas. Y aunque el maquillaje sonoro es plácido, calmado y abiertamente sobrecogedor, no hay que engañarse: éste es un disco tan desgarrador que, al terminar de oírlo, sentirás que estás innegablemente más solo que antes. Jean Parraguez
Al pensar en música ambient, grandes nombres como Brian Eno, Tangerine Dream y Aphex Twin se vienen a la mente. Un género de inagotable exploración que ha sido abordado desde añejas técnicas analógicas y modulares hasta la digitalización total de un laptop en la actualidad. El músico electrónico español, Pablo Bolivar (también miembro del dúo Pulshar), siempre ha infiltrado piezas ambientales en sus álbumes propios, y en este trabajo se recopilan las mejores. Desde el año 2000 hasta la actualidad, y pasando por los discos Anjanas (Regular Label, 2006) y Recall (Regular Label, 2009), más algunos EP’s, Motion toma elementos clásicos y cierta frescura contemporánea para generar una travesía invernal, aérea y elegante por paisajes auditivos de sutil delicadeza, que sirven de banda sonora para aquellos estados emocionales meditativos. Gabriel Reyes
Obviando el soundtrack Man Of Aran (Rough Trade, 2009), lo último que había rondado por nuestros oídos de British Sea Power databa del 2008, una espera de tres años que felizmente llega a término en los albores de este 2011. Producido en conjunto por la banda y Graham Sutton, Valhalla Dancehall es un camino sin fin, que no es fijo y que apunta a varias direcciones. Puedes llegar al indie rock con las sugerentes ‘Who’s in control?’ y ‘We Are Sound’, transitar con tranquilidad absoluta con ‘Once More Now’, aumentar la velocidad del trayecto en ‘Thin Black Sail’ y ‘Stunde Null’, o detenerse en la berma de la carretera para contemplar el horizonte escuchando la emotiva ‘Baby’. El sexteto liderado por los hermanos Yan y Neil Wilkinson han sabido despegarse de todo tipo de presiones y disfrutar el viaje se ha convertido en su único propósito. Sabia decisión. Jean Parraguez
Una hermosura. Esa es la primera y última impresión que deja el segundo disco de Caroline Lufkin, donde menudas capas de electrónica minimalista son adornadas por delicados sonidos de cajas de música. Las preciosas tonalidades de esta japonesa se hacen sobrecogedoras en cada uno de los diez temas, que en su conjunto no superan los cuarenta minutos. Como una tímida sirena emerge para crear un mundo propio, lleno de sueños y miedos, jugando y plasmando tiernas historias que encantan al punto de ser escuchadas una y otra vez, cada una con un sello propio. Caroline alcanza en Verdugo Hills algo que Bjork perdió en el camino: plasmar emociones con sencillez, acompañándolas con una enigmática y cautivante voz. Sorprendente. Cristián Carrasco F.
www.myspace.com/obraveyoung
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www.myspace.com/britishseapower
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A HAWK AND A HACKSAW
Cervatine (L.M. Duplication) Un paseo por los Balcanes y tierras turcas es la invitación que nos hace esta banda norteamericana. Directamente desde Albuquerque (Nuevo México), llega este dúo compuesto por la violinista Heather Trost y el acordeonista Jeremy Barnes; quienes, con clara experticia, se hacen dueños de un sonido que hace dudar, incluso de su nacionalidad. Con cinco discos en su currículum, más la colaboración en el primer disco de Beirut, nos traen una obra gitanesca, juguetona, imaginativa y sabrosa; alejada de la melosidad pop y dueña de una experimentación sutil que encanta. Con un dominio sorprendente en cada uno de los instrumentos, que le dan un sonido equilibradamente mediterráneo y alejado del clásico indie norteamericano, tienen una vitalidad que se agradece y se hace oíble en el desarrollo de la placa. Cervantine es una creación colorida y dotada de elocuencia que incita a la conversación y las sonrisas.
Jorge Rubio
...AND YOU WILL KNOW US BY THE TRAIL OF DEAD
Tao of the Dead (Superball) Bastaron sólo diez días para que el renovado cuarteto de Austin armara su séptima placa. Quizás uno de los más elaborados, no por el tiempo requerido, sino por los sesos impresos en cada uno de los momentos del disco. Desde el arte que adereza la portada hasta la división conceptual de los temas, separados por afinación en dos partes: la primera en Re (11 movimientos iniciales) y la segunda en Fa (los 5 restantes). Una forma de hacer las cosas que Conrad Keely, voz de la banda, heredó de los álbumes de su niñez, como el Dark Side of The Moon (Harvest, 1973) de Pink Floyd o el Hemispheres (Anthem, 1978) de Rush. Tal inspiración se renueva con una fusión de noise y agudeza conceptual que no da permisos para presionar el maligno botón shuffle. Es como poner al más bruto de los hijos del grunge a leer filosofía. Retorcido e inesperado.
Rolando Inostroza
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BEN FOLDS & NICK HORNBY
BEADY EYE
Lonely Avenue (Nonesuch Records)
Different gear,still speeding (Beady Eye)
A estas alturas, no saber quién es Ben Folds o Nick Hornby parece una aberración. Sobre todo tomando en cuenta que son dos de los más importantes exponentes de sus géneros: Música y literatura, respectivamente. Acá, en un ejercicio de once canciones y casi 45 minutos de duración que decidieron bautizar como Lonely Avenue, ambos artistas se lucen entregando un pop rock de calidad certera, agradable y a ratos rabiosa, matizada con cuerdas, vientos, pianos y sonidos atmosféricos. Además, y por su propia línea, las palabras juegan un rol preponderante, haciendo que cada pieza suene única y logre colarse en lo más hondo de nuestros sentimientos personales. ¿Las temáticas? Trabajo, familia, tropiezos. La vida misma. Un reflejo certero de una sociedad que se mueve rápido, pero que tiende a caerse más de lo necesario; todo visto desde un cariz a ratos sarcástico y a ratos melancólico.
Se acabó el tiempo de las bravatas y las declaraciones ególatras. Después de que Liam Gallaguer predijera un disco mejor que todo lo hecho por Oasis, sólo quedaba -intentando ignorar la vehemente verborrea de quien busca titulares- dejar que la música se defendiera sola. ¿El resultado? Un primer álbum que a ratos parece un intento de continuar ese proyecto y ese espíritu previos. En ocasiones con resultados brillantes -el hit absoluto que es ‘Four Letter Word’-; en otras, sonando como una copia barata -‘Millionaire’-. Lo interesante viene cuando Archer, Bell y Gallaguer realmente se prueban otras ropas, como el rocanrol de ‘Bring the Light’, el pop amable de ‘For Anyone’ o la sicodelia acústica de la gloriosa ‘The Morning Son’. La misma que cierra Different Gear, Still Speeding, el comienzo de una historia que vale la pena seguir. Aunque, como profeta, Liam se muere de hambre. Sebastián Amado C.
Diego Huenchur C. www.myspace.com/benfolds
www.myspace.com/beadyeyetheband
RADIOHEAD
OH NO OH MY
The King of Limbs (XL))
People Problems (Independent Records)
Tratar de definir con precisión el estilo musical de Radiohead es un ejercicio titánico y a la vez inútil, porque encasillar todas las influencias del quinteto de Oxford es como tratar de capturar todas las gotas de la lluvia. En este contexto, y tras el elogiado In Rainbows (XL, 2007), Radiohead nos presenta The King of Limbs, un larga duración que es más bien sucinto al contar con ocho temas, pero que no defrauda a la hora de cuantificar la calidad artística. Eso sí, es justo decir que la placa es una continuación de lo que la banda ha venido haciendo en el último tiempo, privilegiando las melodías ambientalistas y cargadas de sonidos electrónicos. Quizás estas características hagan del elepé una experiencia menos amigable, pero, a pesar de esto, canciones como ‘Little By Little’, ‘Lotus Flower’ o ‘Separator’ son capaces de sacar aplausos de cualquiera. Andrés Venegas
Cuatro chicos de Texas. Cuatro miradas distintas que se unen en una sincronización común. Luego de lanzar su disco homónimo en 2006, era obvio que Oh No Oh My iba a seguir haciendo lo que mejor saben hacer: canciones de parque. Esas melodías perfectas para días soleados, donde los rayos se cuelan entre las hojas de los árboles más altos. Mucho más dinámico, armónico y alegre que su placa anterior, People Problems es una mirada positiva a una problemática común, una forma de darle un giro a la situación cotidiana. En este nuevo intento, el cuarteto estadounidense se reencuentra con los sintetizadores, las guitarras eléctricas y esa típica voz aguda, pero potente. Esa misma que caracteriza a agrupaciones como The Spinto Band y que las hacen tan especiales. Evidentemente, este nuevo elepé es un reflejo de un mejor momento, un instante más tranquilo. Una prueba de que al segundo intento la fuerza se mantiene, pero la experticia aumenta. Diego Huenchur C.
www.myspace.com/radiohead
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DISAPPEARS
CAPAZ FERNANDEZ
Guider (Kranky)
Ultimo Cigarro (BOA)
Lo de Disappears es un asunto curioso. Tras lanzar su debut Lux (Kranky, 2010), el batero se va. Los músicos restantes le piden a Steve Shelley de Sonic Youth que tome las baquetas y éste acepta. Una suerte de superbanda que incluye, además, a miembros de 90 Day Men y The Ponys, los Disappears vienen de Chicago con mucho rock y sicodelia en las venas. Con inspiraciones como 13th Floor Elevators, el Spacemen 3 más desbocado y la misma juventud sónica, esta banda viene a probar que el rock & roll primigenio no ha muerto, sólo andaba de parranda: Las canciones son cortas y precisas. Al hueso. Hasta llegar a esa jam session pegada y lisérgica llamada ‘Revisting’, de 15 minutos, situada al final del álbum, con latigazos de electricidad impactando la piel del auditor. Un disco sólido y mordaz, lleno de distorsión, feedback y ecos que alteran la conciencia. Rodolfo García
Las ideas vienen así, sin pedir permiso, y hay que anotarlas donde sea. El último cigarro, antes de la muerte, aquel que se consume como la vida misma, es testigo de la reflexión final de Rafael Fernández en una mueca casi operática, en donde busca convertir a Capaz en un personaje mítico, como si se tratara de la historia fundacional del protagonista de un comic oscuro, utilizando sus más que probadas habilidades en Hablando en Plata Squad: escupiendo flows, dramatizando conceptualmente el momento de su muerte y las circunstancias que la rodean. ¡Qué gran lección de estilo! La frescura de las estructuras métricas, su original forma, es la nota más alta del álbum dentro de un promedio sobresaliente. La excelencia de Big Hozone, hoy por hoy, el productor más cotizado en tierras españolas, más la fineza de las colaboraciones (Elphomega, Kase O, Keith Murray del supergrupo Def Squad, entre otros), hacen que todo luzca redondo. Un intocable. Miguel Angel Castro
www.myspace.com/disappearsmusic
www.myspace.com/hablandoenplatasquad
THE STREETS
Computers and Blues (679 Recordings) Colgar los guantes después de ganar la mejor pelea es un acto reservado sólo para los campeones. Y esta vez, Mike Skinner los noquea a todos dando por cerrado el ciclo de su proyecto emblema, con el mejor disco que pudieron haber parido las circunstancias. Aquí recoge aquella sensibilidad de clase media y los bríos de juventud que le valieron el amplio reconocimiento de sus dos primeros trabajos, modula esa frivolidad forzada de los dos álbumes últimos, y consolida el gusto y la frescura que cede la instrumentalidad del UK Garage, citando largamente al french touch, al pop de los noventa y a la electrónica inglesa de siempre. Hablar con tanta naturalidad de la vida actual y de lo que pasa dentro de ti, permite transitar de la risa irónica a la emotiva confesión con celeridad. Es la castiza sensibilidad nueva, la del culto al ocio, de las redes sociales y las urbes displicentes. Una verdadera postal de su tiempo. Miguel Angel Castro www.myspace.com/thestreets
DESOLATE
GORILLAZ
HERCULES AND LOVE AFFAIR
HOME VIDEO
The Invisible Insurrection (Fauxpas Musik)
The Fall (EMI)
Blue Songs (Moshi Moshi Records)
The Automatic Process (Defend Music)
El músico alemán Sven Weisemann es conocido en Europa y el mundo por su elegante sonido que se mueve entre el tech house, el dub y el ambient. Su nombre propio le ha dado reconocimiento como creador de ritmos para ser oídos en el club, pero también se le identifica por explorar una variante más experimental. En esta búsqueda, Weisemann se internó en las claves del dubstep, tomando inevitables referencias del notable músico inglés Burial, e incorporando elementos de su propio lenguaje. Así nació Desolate y el LP debut del proyecto paralelo del germano, The Invisible Insurrection. Con un aura misteriosa, el disco transita entre una metálica y profunda percusión, los gélidos samples de voz y una capa espesa de sensuales texturas. La oscuridad se encuentra con la electrónica en estos días y este álbum es un fiel ejemplo de eso. Gabriel Reyes
Damon Albarn se ha convertido en el ejemplo de lo que significa ser un hombre renacentista del nuevo siglo. Parece no dormir y vivir más de la cuenta, sacando piezas brillantes para Gorillaz, yéndose de gira o reuniéndose con sus colegas de Blur. Pero entre todas esas labores, el inglés se dio el tiempo para armar una bitácora musical que nace de sus días en la ruta con Gorillaz durante 2010. Un ejercicio de canciones hechas en el camino, con mucha inspiración y sólo un iPad. Sí, eso. Sólo con un iPad. Por eso mismo The Fall suena limitado y contenido, pero también con un aire a roadtrip mutante que lo hace único. Con eso sobre la mesa, se puede decir que éste no parece un álbum propiamente de Gorillaz, sino más bien una búsqueda sonora que nace de la curiosa cabeza de Albarn, pero que aún así sirve como una justa contraparte de lo que significó el demoledor Plastic Beach (EMI, 2010). Martín De Mussy
Digamos que es la vuelta gloriosa de Andy Butler, el DJ Neoyorkino detrás de H&LA. Fiel a la mezcla de funk, minimal orgánico y voces llenas de Soul, nos entrega un disco que contrasta con su título, porque Blue songs tiene de todo para ofrecerte, y quizás hasta más cool que blue. Acá encontramos varios temas ligados a lo primero, como es el caso de ‘Falling’, ‘My House’ o la extraña pero disfrutable ‘I Can’t Wait’. Pero también hay canciones que le dan esa gama azul que nos propone de entrada (‘Boy Blue’, ‘Blue songs’ o ‘It’s Alright’) y que posesionan esta placa en un lugar más íntimo que su debut de 2008. Se trata de un disco exquisito, elegante y lleno del espíritu particular de H&LA, capaz de transportarnos a ese lugar retro galáctico en el que se encuentra la mirada al fututo de los tiempos que quedaron atrás. Juan Francisco Guzmán
Búsqueda de identidad. Esta característica de la adolescencia también trasciende a noveles bandas que, en el afán de ir “a la segura”, generalmente terminan pisándose la cola. En el caso de este dúo de New York, se hace demasiado evidente la influencia del Radiohead post Kid A (EMI, 2000), particularmente en la interpretación de Collin Ruffino, su vocalista. Sin embargo, no por ello hay que despreciar este llamativo segundo álbum tras el debut No Certain Night Or Morning (Defend Music, 2006). Indietrónica pura, que llamó tanto la atención del sello Warp que editaron sus dos primeros Ep’s; o de Blonde Redhead, que los eligieron de teloneros hace algún tiempo. Sus composiciones son de calidad y el potencial lo tienen, pero no deben ahogarse en la parodia, ya que perfectamente podrían tomar distancia y ganar mucho en su propuesta. Como en ‘Every Love That Ever Was’, donde ganan bonos y crecen. Habrá que esperar entonces el difícil tercer disco para ver si maduran. Rodrigo Salinas
www.myspace.com/desolateproduction
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CUT COPY
Zonoscope (Modular recordings) El pop viene por ti. Y lo hace en una ola de añoranza, melodías lujuriosas, sonidos new wave y coqueteos con el shoegaze. Todo eso encontrarás en el último elepé de Cut Copy, banda australiana conocida ya por su synthpop de alcoba, que esta vez se aventura en días de playa y sol con temas como ‘Where i’m going’, o el festejo moderado e inocente de ‘Pharaohs & Pyramids’. Una exquisita amalgama de nostalgia y psicodelia, melodías que sorprenden y coros para cantar a viva voz. Porque se trata de un disco amable, en el que se pueden encontrar puntos comunes con sus trabajos anteriores, pero en una apuesta audaz y diferente. Esta vez, sin dejar de lado los sintetizadores, incorporan percusiones que parecen hechas con artefactos sacados de un ático, guitarras de garage y, por supuesto, esas voces lejanas, fundidas en la catedral del culto a la música popular. Juan Francisco Guzmán www.myspace.com/cutcopy
PJ HARVEY
LA FOCA
STEFFI
R.E.M.
Let England Shake (Island))
Dos Mentes Son El Mundo (Yo no fui, doña)
Yours & Mine (Ostgut Ton)
Collapse Into Now (Warner Bros.))
A estas alturas del partido, hay una afirmación que el tiempo no cesa de comprobar: todo trabajo que lleve la firma de Polly Jean Harvey suena a ella, pero ninguno es igual a otro. Ahora, secundada por John Parish e inspirada por el fallecido Captain Beefheart, lanza su octavo álbum en solitario. Let England Shake es una obra tremendamente ambiciosa en su aparente simpleza. Porque éste es un álbum melódico, casi tarareable -como bien demuestra su glorioso primer single, ‘The Words That Maketh Murder’-. Pero a ratos también es opaco y ambiguo, retratando su personal visión de una tierra natal que ama y odia a partes iguales. Oda y crítica toman turnos sin jamás traicionar a su autora, mientras sus canciones siguen haciéndose grandes lejos de las referencias sonoras que caracterizan a sus coterráneos. Derecho y sin apelaciones a cuanta lista haya este año, he aquí el primer gran disco del 2011. Sebastián Amado C.
La foca del Uruguay presenta su cuarto elepé tras una masificación considerable, recibida gracias a ejecutar la banda sonora de Excursiones, la última cinta del director argentino Ezequiel Acuña. El grupo de Montevideo, liderado por Federico González, propone un indie rock clásico, el mismo que ha cultivado desde mediados de los noventa. Seam, Congelador, Los Planetas y The Cure son los referentes que vienen de inmediato a la mente al escuchar estos temas dinámicos, explosivos y melancólicos, con una estructura siempre en un crescendo sónico que termina por estallar -‘Triqui’ y ‘Guonders’-. Dos Mentes Son El Mundo es el fruto de un trabajo de introspección digno del secreto mejor guardado de Latinoamérica, con la superación de los miedos y la complejidad de las relaciones interpersonales como los ejes centrales de este disco, que ha sido toda una sorpresa, tanto por su calidad emotiva como sónica.
El mundillo de la música electrónica ya la había aplaudido por su single Kill Me (ostgut ton, 2010) junto a Elif Bicer. Ahora es momento de tomar ubicación y disfrutar de su álbum debut. Un viaje personal, hipnótico y muy intenso. La estrategia de Steffi es simple y efectiva: Largos loops de baile, cadencia y electrónica bien lograda. Sintetizadores análogos y beats de mid tempo se transforman en vedettes de un espectáculo sobrio. Hay dos canciones en que su amiga Victoria se hace cargo de las voces. Ella ya colaboró con Steve Bug y Abe Duque y su aporte aquí gatilla el sabor más cándido en la producción. Un pequeño guiño a los años dorados de Naked Music, sazonados de una electrónica minimalista y un balance perfecto entre lo clásico y lo actual. Aunque no haya nada nuevo en los beats de Yours & Mine, Steffi deja abierta la puerta a que el house minimalista se siga reinventando.
Stipe, Buck y Mills vuelven a la carga. Este es su disco número quince y ha pasado mucha agua bajo el puente, pero esta vez se siente nuevamente que el verdadero articulador detrás de estas canciones es Mike Mills y su infinita gama de instrumentos, composiciones y segundas voces. Buena noticia. No lo veíamos poniendo las cosas en orden desde hace ya diez años (Reveal, 2001), sino más bien dejando espacio para que Stipe comandara las composiciones con una cansada nostalgia (Around the Sun, 2004) o para que Buck retomara el filo guitarrero de sus inicios con buen gusto (Accelerate, 2008). Pero lo que se revive en Collapse Into Now es diferente y más cómodo para lo grande que es hoy el grupo: Canciones directas y sencillas de una banda inteligente y energética. Aquí se siente ese legado de la mejor manera posible, en un brillante retorno a la buena formación. Martín De Mussy
www.myspace.com/pjharvey
Rodolfo García http://www.myspace.com/hoytocalafoca
Fernando Mujica www.myspace.com/steffiklakson
www.myspace.com/rem
LES ONDES MARTENOT
DEERHOOF
Dos (Ponk Records)
Deerhoof vs Evil (Polyvinyl)
Cuando se está en silencio, el tiempo no pasa en vano. Luego de siete años en hiato, la banda nacional Les Ondes Martenot decidió volver con energías renovadas, sonidos frescos y una experticia abrumadora. En Dos, su segunda placa de estudio, la agrupación se tomó las cosas mucho más en serio a nivel musical, centrándose en lograr una mixtura finísima de violines, chelos, acordeones, cuerdas, diversos vientos y letras perfectamente armadas. Todos estos, elementos que juegan como perfectos conocidos, como amigos que buscaban ser desempolvados y puestos en la cancha para una pulcra interpretación. Así, esta placa da cátedra de buen pop, de sintonía fina y de arreglos sublimes, dejando a Alejandra Vaca entre las voces más privilegiadas de la escena pop nacional. He aquí una de las mejores reuniones de la temporada. Que a usted no se le pase. Diego Huenchur C.
Deerhoof se ha convertido en una pequeña banda pop que esconde muchas cosas. Un trío mucho menos inofensivo de lo que parece. Dentro de sus iniciales melodías simples y juguetonas, empiezan a aparecer estructuras progresivas, deconstrucciones musicales y riffs cargados a la distorsión que hacen de cada canción un punto de partida nuevo. Deerhoof vs Evil, su flamante álbum, no es la excepción en esa búsqueda. Aquí hay canciones que brillan por su propio caos (‘Let`s Dance the Jet’, ‘Behold a Marvel in the Darkness’), otras que mueren y reviven diferentes en menos de tres minutos (‘Must Fight Current’, ‘No One Aasked to Dance’) y alguna que otra joyita inundada de detalles maravillosos (‘Hey I Can’). Un trabajo luminoso que sirve para recordar que el pop también puede ser espinudo y endemoniadamente entretenido. Martín De Mussy
www.tinyurl.com/ondesmartenot
www.myspace.com/deerhoof
THE INSANE WARRIOR
YUCK
We are the doorways (RJ’s Electrical Connections)
Yuck (Fat Possum)
Nada mejor que la imaginación de un insano para comenzar una jornada de trabajo, y como muestra de aquello nos adentramos en una obra ficticia, una banda sonora para películas del giallo Italiano, tipo Dario Argento, pero que nunca ha existido. Eso es lo que nos entrega el proyecto alterno de RJD2, DJ con cierto bagaje basado en el jazz, el soul y el funk, y que, a pesar de su trayectoria en el hip hop, se destaca por la delicadeza de sus creaciones, siendo éstas obras serias y meticulosas a nivel musical, algo que lo ha alejado un poco de sus camaradas y que lo ha convertido en una especie de bicho raro dentro del mainstream hiphopero. Un proyecto que rememora soundtracks de los setenta a base de loops, delays, beats y sintetizadores que, a su vez, crean en el auditor dos posibles reacciones: el crispamiento de los pelos o el baile al compás de los pies. Sin duda, un álbum digno de sonorizar una noche de terror. Jorge Rubio
Yuck, la banda londinense que dio que hablar desde sus primeros demos (por culpa de una notable y felizmente accidentada resurrección del noise noventero), estrena al fin su primer larga duración. Una placa homónima y autoproducida, que trae a la memoria las melodías de Neutral Milk Hotel y Dinosaur Jr, quizás desprovistas de la virtuosidad del guitarreo frenético de J. Mascis, pero con una simpleza que entrega la luz necesaria para darse a entender en la primera escuchada. Un disco que da saltos entre temas acústicos y ruidosos, noqueando en ambas vías. Tracks como ‘The Wall’ y ‘Operation’ son la respuesta a los miles de fans acumulados con el tiempo. Todos ellos encontrarán en Yuck momentos para reencantarse con un sonido que no tropieza con una fecha de vencimiento y que hace ver a este quinteto de veinteañeros como unos veteranos de la nueva nostalgia. Rolando Hinostroza
www.myspace.com/theinsanewarrior
www.myspace.com/yuckband
discos perdidos DR. OCTAGON Dr.Octagoecologist (Bulk/Dreamworks, 1996)
Este fue el debut del genial Keith Thornton, más conocido como Kool Keith. Rapero que escondido en diferentes alias, aportó con fantasía, magia y grandes beats al negocio de la música negra en los 90’s. Este ginecólogo que provenía del planeta Júpiter, apostaba por un hip hop matemático y complejo, que gracias a la brillante producción de Dan “The Automotor” Nakamura, se convirtió en capítulo obligado para el rap.. Fernando Mujica
SCHEER Infliction (4AD, 1996)
Con una docena de singles y un par de álbumes en tan solo 6 años, Scheer logró el meteórico viaje que muchos ya se lo quisieran. Bajo el alero de 4AD, asombraron con este contundente y bien estructurado debut, el cual desbordaba once himnos litigados por desafiantes guitarras, baterías concisas y letras llenas de incomprendidos amores. Todo adornado por la dulce pero atrevida voz de Audrey Gallagher, quien da la energía necesaria para pulir un rock bien cuidado en todos sus detalles. Cristián Carrasco F.
VELVET CRUSH Teenage Symphonies To God (Creation, 1994)
En plena década de los noventa, este trío de power pop neoyorquino editó su obra maestra: una cruza que recordaba a los Uncle Tupelo, con unos primeros Soul Asylum y bastante de Teenage Fanclub. Este fue su segundo álbum, un disco que no tuvo tanto éxito pero que logró quedar entre las joyas pérdidas del dream pop guitarrero. Un gran acierto de Paul Chastain y Rick Menck. Fernando Mujica
vitrina
SADDO JDERO Saddo Jdero es un artista rumano radicado en Berlín, que en estos momentos se encuentra dedicado a plasmar sus trabajos en distintos objetos, como ropa, patinetas, galerías y la calle, su lugar favorito. Es un ilustrador influenciado por la ciencia ficción, temática que enriquece a través de la brillante paleta de colores que utiliza. http://flickr.com/photos/saddo
CATHERINE BROOKS Esta joven diseñadora estadounidense posee una fascinación por las leyendas y los cuentos que se han transmitido, a través de la subida y caída de los imperios, a lo largo de la historia. Es una artista apasionada por la forma en que los relatos son erosionados y enriquecidos a través de la tradición oral y los cambios culturales. Sus pinturas son parte de un relato, prisioneras en un diario de ciencia ficción rico en símbolos. Sus ideas referentes al amor, la memoria y la nostalgia se plasman en cada uno de los trazos. Si bien no son autoretratos, son las manisfestaciones físicas de lo que habita dentro de la artista. thearborgeistproject.tumblr.com
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SARAH BEREZA Esta pintora -oriunda de Michigan y radicada en Brooklyn- se especializa en misteriosos retratos de mujeres, caracterizados por una clara y profunda narrativa. Siempre en tonos pasteles, y coronados por originales marcos, estas pinturas sumergen a su espectador en el mundo interior de sus protagonistas. La posición del cuerpo, las expresiones faciales e incluso, los objetos que las rodean, son una invitación a intentar averigüar qué se esconde dentro de cada una.
www.sarahbereza.com
TABÚ LATINOAMÉRICA Durante este mes de marzo, National Geographic mostrará cómo, a pesar de vivir en un territorio similar y compartir el mismo idioma, los códigos, normas y tradiciones varían en todo el continente. Tabú Latinoamerica es una serie documental, destinada a retratar historias y costumbres contemporáneas en México, Colombia y Argentina. Relatos que se alejan del estereotipo de los habitantes de estas tierras. Transformaciones en el cuerpo, tribus urbanas y personas que luchan por tener un estilo de vida diferente.
www.natgeo.tv/tabu
i-D 1980-2010 Como una manera de celebrar los treinta años de i-D, publicación de vanguardia sobre moda y tendencias, Terry Jones, fundador de la marca, edita un libro recopilatorio de todas las portadas icónicas de la revista, desde sus inicios hasta la actualidad. Estas imágenes están acompañadas por interesantes relatos y anécdotas del fuera de cámara de las fotografías. Cada página aporta a construir un verdadero diario, lleno de memorias y magia, que hasta ahora fueron parte de un mundo secreto. www.i-donline.com
vitrina
CONCIERTO VISUAL Concierto Visual, Un Registro con Espíritu Análogo, es una publicación inédita del fotógrafo Juan Pablo Quiroz. Una recopilación que registra los conciertos más importantes desarrollados en Chile durante los últimos doce años. Consciente del valor documental de este trabajo, Radio Futuro lanzó Concierto Visual, Al Aire, un micro espacio destinado diariamente a revisar recitales en el territorio nacional. Además, en conciertovisual.cl es posible descargar podcast y galerías fotográficas de eventos musicales inmortalizados por Quiroz. www.conciertovisual.cl
JASON EDMISTON Edmiston es ilustrador desde el año 1996. El soporte favorito para desarrollar sus obras es la pintura en acrílico sobre papel de acuarela y paneles de madera. Estos elementos, combinados con su afición por la cultura popular, dan como resultado pinturas que van desde el realismo a la exageración. Trazos que hacen hincapé en la figura y con una dosis de humor, dándole a sus personajes una dimensión caricaturesca. Sus principales fuentes de inspiración son artistas como Frank Frazetta, Ron English y The Hildebrandt Brothers, mientras que los objetos que lo mueven son los libros de cómics, los empaques de juguetes, los posters de películas, la publicidad retro y el arte de los álbumes de heavy metal.
www.jasonedmiston.com
audiovisual //PIERO MEDONE Efectividad Visual Por Vicor Hugo Carvallo Fotografía * Ignacio Galvez
Piero Medone agarró la cámara cuando todavía era un niño. Su pasión siempre estuvo aferrada a los videoclips y sus primeros intentos en este formato vinieron en la época del colegio. “En tercero medio hice un video para Sinergia, cuando ellos no eran conocidos. Sentí que era capaz de hacer cosas pero que me faltaba muchísimo por aprender. Me decidí a estudiar Cine en UNIACC, pero nunca con la intención de hacer películas sino de tener una formación que me permitiera hacer todo lo demás”. Su primer video dirigido de manera profesional fue para la canción ‘Las Palabras’ de Shogun en 2005 y desde ahí no ha parado. A la fecha, a trabajado en más de cuarenta videos, habiendo dirigido una veintena de éstos. “Me gusta trabajar con distintos artistas, no me importa el estilo que tengan. Nunca he tenido problemas por la música. He tenido una o dos malas experiencias pero ha sido por la calidad de las personas. En el fondo, lo más importante es la gente”. Su estilo se caracteriza por trabajar conceptos de arte que buscan la efectividad sobre todo. De esta manera, su cartera de clientes se ha ido ampliando en los últimos años “Por lo general me piden que yo invente algo, porque llegan confiando en el trabajo. Ya saben qué es lo que hago: Un tipo de videos que se ve bien, que es comercial y que lo van a dar por la tele”, dice Medone, que entre sus influencias enumera a Sophie Miller y Mark Romanek, considerándose a sí mismo un hijo de los canales de música. “Pasé de Cartoon Network a MTV y quedé rayado. Lo mío son los videos. Por ejemplo, no he visto Star Wars. No tengo mucha capacidad para ver películas de dos horas pero sí videos de cuatro minutos”.
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liv e MATHIAS KADEN Sábado 29 de enero Club del Sol Fotografía * Wladimir Rojas
CALIFORNIA ORANGE Miércoles 19 de enero Club Mist Fotografía * Daniela León
ALEX KAPRANOS Sábado 29 de enero Discotheque Blondie Fotografía * Diego Maya
liv e CARLOS CABEZAS Miércoles 19 de enero Opera Catedral Fotografía * Daniela León
LATIN BITMAN Sábado 15 de enero Heineken Room en Apart Hotel Strandvagnen
NITZER EBB Martes 7 de diciembre Discotheque Blondie Fotografía * Daniela León
CUT COPY Sábado 1 de enero Año Nuevo Club Fauna - Industria Cultural Fotografía * Wladimir Rojas
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DËNVER Miércoles 5 de enero Centro Cultural Amanda Fotografía * Wladimir Rojas
MAYER HAWTHORNE Jueves 6 de enero Teatro La Cúpula del Parque O Higgins Fotografía * Wladimir Rojas
DILATED PEOPLES Miércoles 15 de diciembre Teatro Caupolicán Fotografía * Ignacio Galvez
liv e MAD PROFESSOR Sábado 5 de febrero Bar El Clan Fotografía * Wladimir Rojas
COMO ASESINAR A FELIPES Viernes 28 de enero Centro Cultural Amanda Fotografía * Ignacio Galvez
YAJAIRA Jueves 6 de enero Bar Loreto Fotografía * Ignacio Galvez
liv e MICHAEL MAYER + NICK CURLY Sábado 8 de enero Cumbre Cerro San Cristóbal Fotografía * Wladimir Rojas
BAHAMADIA Miércoles 15 de diciembre Teatro Caupolicán Fotografía * Ignacio Galvez
DONAVON FRANKENREITER Miércoles 26 de enero Sanük Sound Sessions en Mall Sport Fotografía * Ignacio Galvez
Red Bull Music Academy ODISEA ORIENTAL por javiera tapia
El pasado lunes 28 de febrero, en Salón Cienfuegos, se llevó a cabo la quinta Info Session que se ha realizado en Chile: un evento en el que se reunieron más de cien músicos y productores en busca de un cupo para el Red Bull Music Academy de Japón. El espacio tuvo como objetivo dar a conocer la Academia. Su historia, sus metas y sus logros. Una instancia basada en la arquitectura musical, en resaltar el cómo creadores de todo el globo se pueden reunir, una vez al año, a compartir ideas y aprender de profesores de alto nivel. En Chile estuvo Toy Selectah, de los mexicanos Control Machete, quien realizó un taller informativo, contestó preguntas e hizo demostraciones de la música en la que hoy está trabajando. Junto a él, Ankatu Alquinta (Los Jaivas), Patricio Salinas (DJ Tressor), Andrés Salinas (DJ Wask), nuestro director Fernando Mujica y Galambo, ex participante chileno del Red Bull Music Academy, compartieron su experiencia con los músicos asistentes. Se explicó paso a paso el sistema de postulación a través de la web (www.redbullmusicacademy.com), donde los interesados deberán llenar el formulario de aplicación para ser uno de los sesenta músicos afortunados en viajar a Japón. Las postulaciones están abiertas a cualquier músico o productor. Los formularios se reciben hasta el lunes 04 de abril. Los talleres, se realizarán en los meses de octubre y noviembre de 2011 en la ciudad de Tokio y culminarán con la grabación del material trabajado durante el transcurso de la Academia.
diez canciones CRYSTAL FIGHTERS – AT HOME (BEROU & CLANBASTER REMIX) La misma percusión l que apostaron t l Vampire V i Weekend, W k d llevada ll d all desenfreno. d f B por la los Baile, ritmos sincopados, voces etéreas y un suave envoltorio pop que lima cualquier aspereza. THE HUMAN LEAGUE – NEVER LET ME GO (AEROPLANE REMIX Aunque hayan tenido
b ell año pasado, d lla marca registrada d d l un quiebre de A Aeroplane sigue intacta. Y en lo nuevo de Philip Oakey y compañía, resalta aun más ese noviazgo entre electro pop y aromas disco, tan propio de sus remezclas. IDEALIPSTICKS – I CAN’T DENY IT Es el single promocional de la segunda placa de este dúo español, d l que reviste sus composiciones de rock crudo y provocativo, con guiños al garage y una calculada actitud punk (revisa en Nuevos Sabores). EXPLOSIONS IN THE SKY - TREMBLING HANDS Corresponde al primer corte del quinto disco de la banda oriunda de Texas. Con el sonido que los caracteriza, la agrupación entrega un material de primera, a través de una batería arrolladora que mantiene la tensión. PERROSKY - NO PIDAS NADA Rocanrol de guitarra y batería a la vena. El segundo sencillo de Tostado es una nueva muestra de cuánto valió la pena para Perrosky cumplir el sueño del pibe y grabar con el mismísimo Jon Spencer en Nueva York. BEATAUCUE – DISQUE OH! Sonido francés en manos de dos jóvenes productores. Escuela Ed Banger y saturación modelo Justice. Es fiesta a destajo con bajos pronunciados y capas sobrepuestas, más ese toque francés de los nuevos tiempos, gentileza sello Kitsuné. ILJA RUDMAN – VICTORY 2010 Una muy interesante fusión de dubstep, experimentación bó l que propone este proyecto solista desde Nueva York. El EP See y misticismo robótico, es lo Birds es su lisérgico y ambicioso debut.
Guiños a Rush, Porcupine Tree y Them Crooked Vultures se mezl con ell propio sonido d d clan de Foo Fighters para dar forma a ‘Rope’, el tremendo e inesperado primer single de su séptimo álbum, Wasting Light.
FOO FIGHTERS – ROPE
PETER BJORN & JOHN – BREAKER BREAKER
Suenan más desgarrados y rústicos que antes. Con una batería y un rasgueo saturado, la velocidad de ‘Breaker Breaker’ los transforma en una receta pop punk de subterráneo, que en apenas un minuto y medio causa efecto.
THE KILLS – SATELLITE ¿Dub de cochera? ¿Garage jamaiquino? El regreso de Alison Mosshart y Jamie Hince llevará por nombre Blood Pressures, saldrá en abril y este es su nuevo, corrosivo e hipnótico single. Ten el repeat a mano.
tres videos THE NATIONAL - CONVERSATION 16 El tercer single de High Violet (4AD, 2010) llega a las pantallas. El corte está protagonizado por John Slattery -Roger Sterling en la serie Mad Meny Kristen Schaal de The Daily Show. Decir que es una idea atractiva sería poco.
AIR WAVES - KNOCKOUT Una verdadera gema pop con aderezos folk. Un video donde cada imagen es rescatada de los más tiernos recuerdos de infancia de la actual generación de los veinte y algo. Composiciones con olor a vacaciones, amigos y juventud.
STAR SLINGER - MORNIN’ Darren Williams es el nombre detrás del proyecto Star Slinger, uno de los secretos mejor guardados del hip hop británico. ‘Mornin’, su nuevo caballo de batalla, es una mezcla de etéreas imágenes y composiciones sacadas de un caleidoscopio.
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