julio 2009 // distribuci贸n gratuita www.extravaganza.cl
R U L O //
m i s s g a r r i s o n / m o d u l a r re c o rd s / f o e x
PG 22 // ENTREVISTA CENTRAL
No sólo de Los Tetas y Funkattack ha sabido David Eidelstein. El Rulo nos recibió en su casa para compartir su nutrido anecdotario, teñido de funk y búsquedas personales. Desde que imitaba a Robert Smith en el colegio, pasando por la primera etapa de Los Tetas, hasta los actuales proyectos que encabeza. Esta es la historia de un bajista cuya habilidad ha sabido escapar de los límites de su instrumento.
PG 34 // ENTREVISTA FOEX
No Soy Foex es uno de los discos más ambiciosos de la escena local. Un lanzamiento cuádruple en DVD con tanto material que estimamos conveniente explicarte el submundo de este personaje. De eso se encargó Manuela Ovalle, quien conversó con Foex para contarnos todos los pormenores de este peculiar músico y productor de hip-hop.
PG 38 // DISCOS
Como siempre, nuestro staff se ha preocupado de elegir con pinzas los álbumes más recomendables, para que no te vuelvas loco por culpa del superávit de información que inunda a los melómanos. En esta edición, destacamos a los nacionales Nea y Javier Barría, lo nuevo de los siempre vigentes Dinosaur Jr. y Elvis Costello, y el retorno de Miss Kittin. Imperdibles.
INDEX
STAFF//N° 68 ManuelaOvalle Manuela recién egresó de Periodismo y no quiso esperar la titulación para debutar en nuestra revista, contándonos la historia del rapero Foex. Amante de la música y el arte, además de escribir se dedica a pintar “cosas locas que a veces ni yo misma entiendo, lo único que sé es que vienen desde lo más profundo de mí”. Una pluma con mucho más que palabras por entregar. JOSEMORAGA El responsable de las imágenes de nuestra portada de julio se independizó hace pocos meses, tras ser asistente del renombrado fotógrafo Gabriel Schkolnick. Su afición a la música –en especial al punk– lo lleva a coleccionar instrumentos, independiente de que los sepa tocar o no. Pero, además de estas ocupaciones, José es un amante del skate, con 11 años de experiencia en las tablas. (www. josemoragaphoto.com) JORGERUBIO Este peculiar personaje llegó a las páginas de Extravaganza! directamente desde otra revista: Pólvora, donde es el editor cultural. Pero ésa es sólo una de las vetas de Jorge, quien cuenta en su prontuario con flirteos en el cine, la música y el teatro. Y eso no es todo, porque también dibuja caricaturas y escribe cuentos, mientras se empapa de sicodelia, avant-garde y rock in opposition.
director editorial Fernando Mujica Maureira Representante Legal Francisco Mujica Maureira Gerente Comercial Rodrigo Mahana Editor General Nicolás Castro Dirección de Arte + Diseño Magdalena Domínguez VENTAS Constanza Ugarte Producción Periodística Andrés Panes Colaboradores Soledad Evans Ignacio Franzani Fernanda Arrau Rodrigo Guendelman Martín De Mussy Rodolfo García Aníbal Valenzuela Sergio Díaz Guillermo Drago Víctor Hugo Carvallo Sebastián Arancibia Javiera Rossel Rodrigo Salinas Fernanda González Francisco Reinoso Juan Guillermo Valenzuela Camilo Gil José Pablo Delpiano Javiera Tapia Carlos Mella Rodrigo Hurtado Pablo Rosenzvaig Jorge Rubio Rodrigo Mérida Felipe Arratia Monserrat Lecaros Werner Fett Andrea Calvo Fotografía Daniela León Paola Manfredi Felipe Cantillana Sergio Recabarren Juan Pablo Montalva Jose Moraga Raimundo Barros / práctica profesional Corresponsales Dana Radic (California, Estados Unidos) Eduardo Román (Nueva York, Estados Unidos) Miguel Hiza (Londres, Inglaterra) Marcelo Parada (Bergen, Noruega) Gastón Gabarró (Canadá) Claudio Silva (Buenos Aires, Argentina)
Julio 2009 Edición 68 Fotografía * Jose Moraga
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impresion Quebecor World Chile S.A. CONTACTO Nueva de Lyon 105 local 12A, Providencia, Santiago // Teléfono: 233-3647 www.extravaganza.cl // contacto@extravaganza.cl
EDICION Nº34 JULIO 1997 Morphine
“Los amantes de la música y los buscadores de curiosidades son iguales en todas partes del mundo. Y pienso que ésos son nuestros fans. Parece que tenemos un grupo relativamente feliz de gente que nos sigue: bien asumidos y de sonrisa fácil. Vienen en todas las formas y tamaños, desde adolescentes hasta gente vinculada al mundo del rock alternativo. También gente mainstream y, ocasionalmente, amantes del jazz. Hay de todo tipo de gente y eso es algo que nos alegra mucho”. Francisco Mujica
Daniel Melero
“En este momento estoy dirigiéndome al público que busca, no al público que recibe lo que le dan. Y me interesa mucho la gente que va a una disquerías y se pregunta ‘qué es este disco, quiero ver de qué se trata’, ¿no? Y trato de tocar en lugares en los que haya una cantidad reducida de público, que permita que ocurran situaciones interesantes entre la gente. No sólo que prendan el encendedor en los temas lentos y salten cuando hay un tema fuerte”. Marisol García
ARTÍCULOS Eternamente… Jeff Buckley
Siempre entendió la música como un concepto global, del que es muy difícil escapar. Con guitarra o sin ella, en estudio o en vivo, con o sin banda, su música sobrepasa cualquier sentido; entra por el oído, pero se expande al igual que cada registro sin saber dónde llegará su emoción (o la nuestra). Pablo Rosenzvaig
Fugazi: El ruido destilado de una incansable reunión
Resulta difícil explicar cómo una banda underground puede llegar a ser reconocida internacionalmente, sin tener que mercantilizar su producto. Eso sólo Ian MacKaye lo sabe (…) Pero una buena explicación es que él convivió gran parte de su juventud con los mentores del hardcore-punk, ya sea Henry Rollins, Jello Biafra y sus amigos de Bad Brains, entre otros emblemas.
FLASHBACK
edición nº 34, junio 1997
DISCOS SEÑOR COCONUT
GHOSTFACE KILLAH
RADIOHEAD OK Computer -Parlophone-
Gran Baile con… Señor Coconut -Rather Interesting-
Ironman -Razor Blade-
Se recomienda poner atención a los temas ‘Pisco Control’, ‘Chocolatina’, ‘La Noche Cool’ y ‘Diarios Clave’, ya que en todos ellos se aprecia un trabajo de descubrimiento de los ritmos tropicales y su fácil acomodo a la onda electrónica.
Basta detenerse en el título para entender que OK Computer ofrece, como muy pocos trabajos musicales lo han hecho en el último tiempo, un contundente postulado en un momento social particularmente motivador como tema.
Ironman (…) logra exitosamente embarcar al auditor en un viaje cinematográfico y tridimensional, donde las teorías expuestas sobre bases minimalistas causan todo tipo de epilepsias subliminales. ¡Cuidado! Producto adictivo.
Marcelo Umaña
Marisol García
Sebastián Levine
TECNO LOGIA Por Monserrat Lecaros // 01
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01 Olympus10 E-P1: Si quieres un producto elegante, retro y útil, definitivamente el Olympus10 E-P1 es tu opción. Es una cámara de fotos, video y audio. Tiene un sensor de DLSR, Live View Autofocus, 12 MP, LCD de 3 pulgadas, tarjeta de memoria SD compatible con SDHC y 19 modos de escena. www.olympusamericalatina.com
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02 Data Traveler 410: El Data Traveler 410 posee un software SecureTraveler, que permite crear y acceder a un área protegida por contraseña, llamada “Zona Privada”. De esta forma podrás guardar todo lo que quieras: trabajos, planillas, presentaciones, fotos y videos privados, sin correr riesgos. www.kingston.com
03 LG GM205: Ya está la nueva línea de celulares LG, para aquéllos que quieran llevar la música a todos lados y estar comunicados al mismo tiempo. El modelo LG GM205 posee una pantalla de 2’’, cámara de 2MP con capacidad para graba video en MPEG4, memoria interna de 10 MB expandible a 2GB y radio FM estéreo, con antena integrada. http://cl.lge.com/
04 Samsung S1 Mini: Es un disco duro externo portátil con 120 GB de capacidad, que no supera el tamaño de una tarjeta de crédito. Sus medidas alcanzan los 15 mm de grosor, 62 mm de ancho y tan sólo 87 mm de largo, con un peso de 91 gramos y compatible con usuarios Windows. www.samsung.com/cl
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05 HMX 106: La videocámara compacta HMX 106 posee memoria interna de estado sólido de 64GB, que permite grabar hasta 12 horas de video, y una pantalla LCD de 2.7’’. Incluye sensores full HD y lentes con estabilización óptica de imagen y un puerto de HDMI para conectarla al televisor. Toma fotos de hasta 4 MP. www.samsung.com/cl
06 Cubase 5: Para su nueva versión, el software Cubase 5 ha desarrollado un sistema de afinación para grabaciones de audio analógico, además de incorporar herramientas para composición musical, mezcla y masterización. Esta nueva versión está diseñada para procesamiento de 64 bits en Windows Vista. www.steinberg.net
07 LG GM210: El otro modelo disponible a partir de este mes es el LG GM210. Posee una estética mucho más atractiva, slider, pantalla 2.0, cámara de 2MP, reproduce audio MP3 y WMA. Tiene una memoria expandible hasta 8GB. Además, tiene la capacidad de reproducir música continua por hasta 80 horas. http://cl.lge.com/
08 Flip Ultra HD: es una cámara portátil que graba en formato HD, que funciona en base a pilas AA. Su pantalla no es tan grande, pero sí tiene la capacidad para grabar todo con un simple y vistoso botón. Puede archivar grabaciones de 720p y 4GB (dos horas). www.theflip.com
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URBANA
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01 Adidas: Siempre a la vanguardia y preocupados de la innovación, ahora presentan la colección Tournament, inspirada en uno de los mejores tenistas de todos los tiempos: Ilie Nastase. Chaquetas, polerones, buzos y zapatillas inspirados en la historia deportiva. www.adidas.com
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02 Golla: Tras seis años de éxito mundial, ahora lanzan su primera tienda en Chile. De diseño minimalista, buena iluminación y una atractiva gráfica, es un espacio protagonizado por los productos. Golla te invita a conocer su estilo de vida, creando complementos innovadores para llevar accesorios de tecnología móvil con el máximo estilo y personalidad. Local 01, del Boulevard Drugstore, Providencia. www.gollabags.cl
03 Zoo Men: Aquí podremos encontrar su nueva colección de ropa y accesorios invernales 2009, donde es posible encontrar una amplia gama de combinaciones en colores y motivos, tanto en polerones, chalecos, pantalones y una gran cantidad de accesorios. Dentro de las marcas disponibles están Kangol, Original Penguin, Adidas y Lee Europa, entre otras. Zoo Men, Alto Las Condes, local 3044. www.zooconcept.com
URBANA
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04 Absolut Pop Up: El nuevo formato de este vodka destaca por su diseño inteligente, urbano y minimalista en un elegante maletín que -en su interiorporta una botella y dos superficies desmontables, especiales para situar todos los elementos que se necesitan para preparar un trago. La arquitectura del nuevo packaging está inspirada en una antigua técnica llamada pop up o de relieve, que permite vivir todo un juego de sensaciones. www.absolut.com
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05 La Canaria: La sobria y vanguardista propuesta de esta tienda, propiedad del fotógrafo Nacho Rojas, apunta a la exclusividad en ropa femenina. En este lugar, podrás encontrar carteras, bolsos, zapatos, ropa interior y accesorios de todo tipo. Importaciones y colecciones nacionales conviven en este lugar, que ya tiene varios meses de ruedo. Vitacura 4089, local B. www. lacanaria.cl
cut copy * Robyn ladyhawke van she presets
LABEL
por andrés panes
MODULAR RECORDS
Además de ser rubios, ¿qué tienen Kurt Cobain y Ladyhawke en común? La respuesta es Steve Pavlovic, el primer promotor musical que llevó a Nirvana de gira por Australia y el fundador de Modular Records, la disquera de la taquillera neozelandesa. En otras palabras, un tipo visionario, cuyos aciertos han sido incontables desde que instaurara su etiqueta en 1998. De no ser por él, quizás nos habríamos perdido los deslumbrantes debuts de The Avalanches, Wolfmother y Van She. Bandas que el propio Pavlovic ha descubierto y fichado, generando la reputación de innovador con la que goza el sello y la suficiente credibilidad como para que los oídos del mundo se vuelquen a Oceanía cada vez que Modular lanza un álbum. Además de músicos locales, su catálogo incluye la edición de Yeah Yeah Yeahs, Klaxons y MSTRKRFT, entre otros. De un tiempo a esta parte, el nombre de esta casa disquera se ha transformado en símil de grito y plata, aunque el 2007 reportaron pérdidas por casi seis millones de dólares. Sin embargo, la salida de las últimas placas de The Presets y Cut Copy, junto a la organización de agitadas fiestas (con invitados de DFA y Kitsuné Recordings) han demostrado que los ánimos siguen arriba. A fin de cuentas, las penas se pasan bailando. www.modularpeople.com
NUEVOS SABORES
DEATH CIGARETTES fumar mata (de ganas de bailar) Desde la incansable escuela del dance punk, y la resaca dejada por Yeah Yeah Yeahs, aparece Death Cigarettes, un cuarteto oriundo de la faceta más reaccionaria de la hiperactiva escena de Londres, que actualmente se ha posicionado como una de las bandas más intensas y enfurecidas en vivo. Liderados por una carismática chica llamada Maya, Death Cigarettes se ha ido ubicando como uno de los referentes del electro punk bailable y estilizado. Con su EP Bleed You Dry, producido por Max Dingel (Glasvegas), ya ganaron los elogios de la crítica por la fuerza y carisma con que abordan un género que puede parecer manoseado, pero que cuando es tomado con el ímpetu que propone Death Cigarettes, logra siempre encender los motores del desorden y la entretención. Juan Guillermo Valenzuela Suena como: Yeah Yeah Yeahs, Franz Ferdinand. www.myspace.com/deathcigarettes
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NUEVOS SABORES
BRICOLAGE hágalo usted mismo (pero contento) Acaban de debutar con un disco homónimo atestado de melodías pegajosas y sonidos amigables, pero este grupo escocés lleva casi cinco años tocando por todo el Reino Unido. Singles como ‘Footsteps’ y ‘The Waltzers’ hacen de este cuarteto –formado por Wallace Meck, Graham Wann, Darren Cameron y Colin Kearney– una de las buenas cosas aparecidas este año y, al parecer, prometen lograr mucho más de lo que alguien esperó. Con un sonido brit-popero en estado de gracia –en el que los guitarreos imparables, las voces presumidas y las letras irreverentes llevan la batuta–, Bricolage tiende a ser comparado reiterativamente por la prensa británica con Orange Juice y otras bandas del sello Postcard. Sin embargo, ellos parecen no molestarse con esto y reconocen abiertamente a la banda de Edwyn Collins como uno de sus principales referentes. Ahora, dejando de lado los prejuicios, lo cierto es que los oriundos de Glasgow son dueños de un sonido fresco y contagioso, digno de ser comparado con lo mejor del pop rock inglés, que va desde The Beatles hasta Artic Monkeys, pasando por The Smiths, Blur y Franz Ferdinand. Víctor Hugo Carvallo
Suenan como: Orange Juice, The Smiths, Blur www.myspace.com/bricolagetheband
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NUEVOS SABORES
BEAR HANDS el abrazo del oso Desde Brooklyn, y aún sin un álbum editado, Bear Hands tiene el encanto suficiente para destacarse dentro de las nuevas bandas de indie rock. Este cuarteto se inserta en la camada de un cierto post-punk, a través de una mezcla de new wave y sicodelia. Too Pure –el legendario sello inglés que editó a los primeros Mouse on Mars y Stereolab– acaba de publicarles el single ‘What a Drag’, mientras que han estado en gira con artistas emergentes como MGMT, Passion Pit y Vampire Weekend. Poseedores de un EP llamado Golden y respaldados por Eli Janney –de los abrasivos Girls Against Boys, quien grabó sus prometedores demos–, Bear Hands ha comenzado a llamar la atención de algunos medios y a tocar en grandes eventos, como el festival de Reading, en Inglaterra. Ahora, mientras la banda prepara estos recitales, también ha entrado al estudio para grabar su esperado disco debut. Más rockeros que sus compañeros de generación, los Bear Hands tienen todavía bastante por ofrecer. Rodolfo García Suena como: MGMT, Vampire Weekend, TV on the Radio www.myspace.com/bearhandsband
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NUEVOS SABORES
CROCODILES dark city Este dúo de San Diego se ha salvado de la contaminación de la oleada de innumerables bandas revivalistas del post-punk que han salido en el ultimo par de años. Lo suyo es sucio y sincero; las guitarras cargadas de rabia están presentes en la mayor parte de su sonido, a lo que se suman temas desnudos y amargos. La distorsión es su sello y generan esa atmósfera oscura que en algún momento transmitió The Velvet Underground, o los mismos Jesus and Mary Chain. Son de esas bandas que salen sólo una vez cada cierta cantidad de tiempo y no dejan de generar nostalgia, pero de la buena. Rodrigo Mahana Suena como: Echo and the Bunnymen, The Jesus and Mary Chain, The Velvet Underground www.myspace.com/crocodilescrocodilescrocodiles
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NUEVOS SABORES
EAR PWR con un toque de humor Mezlar el pop con las máquinas y darle un toque siniestro de humor ha cobrado mucha vida en el lado independiente de la música. Devin Booze es un ejemplo de ello. Dejó a un lado su proyecto Hide and Seek cuando conoció a Sarah Reynolds, y volcó toda su creatividad tecnológica en canciones inquietas que huelen a pubertad. Carolina del Norte es el lugar en donde el dúo comenzó su carrera. Lo primero, y siempre bajo el nombre Ear Pwr, fue atreverse con un vinilo limitado para FrequeNC, de Chapel Hill, con el que sorprendieron durante el 2007. Tras mudarse a Baltimore y recibir un contrato con la discográfica Carpark –la misma independiente que firmó a Dan Deacon y Beach House–, el dúo se concentró en que su propuesta, por muy satírica que fuera, se transformara en una expresión válida, extravagante y efectiva. La edición de Super Animal Brothers III es una caricatura intensa, que, con su buen rendimiento, ha logrado que tímidamente el dúo se sitúe entre las nuevas caras del indie americano. Fernando Mujica Suena como: Dead Disco, La Roux, Dan Deacon www.myspace.com/earpwr
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NUEVOS SABORES
LONEY, DEAR azucar en los audífonos Loney Dear es de ese tipo de secretos que uno siempre se demora en saber. Allá en el antiguo continente, y en especial en su natal Suecia, sus discos auto producidos, alegres y naïve estaban sonando desde 2003. Pero, para estas latitudes, el pop cálido y orquestado de Loney Dear es una verdadera revelación, que viene a calentar el invierno. Animado, inspirado y cargado de letras divertidas, este rubio nórdico comenzó a aparecer en algunas páginas especializadas, en los blogs más atentos y en las revistas más curiosas cuando lanzó su delicioso Loney, Noir (Sub Pop, 2007). Y este año ha logrado que su reciente Dear John haya comenzado a perfilarse como una de las joyas de 2009. La verdad es que sus créditos nacen de una virtud bastante única: una capacidad melódica para componer que es simplemente escasa, lo que finalmente se traduce en canciones maravillosas, capacitadas para fascinar a verdaderas masas. Pero por ahora dejemos que quede entre nosotros. Martín De Mussy Suena como: of Montreal, Jonathan Richman, Camera Obscura www.myspace.com/loneydear
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RULO con letra negra
Desde el colegio, supo que lo suyo era la música.
Lo
que ignoraba es que, en el camino, iba a
cambiar la guitarra por el bajo y a toparse de frente con la fama prematura, junto a
Los Tetas. Hace más de una década que no publica oficialmente un disco, pero David Eidelstein –Rulo, para los amigos– nunca ha bajado la guardia y este año quiere ponerse al día. Aunque el tiempo corre en su contra, todo lo demás juega a su favor.
Por Andrés Panes Fotografía * Jose Moraga Producción Fotográfica * Jose Moraga, Magdalena Domínguez
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La poesía portuguesa tuvo, en Fernando Pessoa, a una de sus plumas esenciales. Un personaje cuya obra se caracterizaba por la convivencia de varios heterónimos o álter egos. En su interior habitaba un ejército de identidades, cada una con su propia historia y con su propio carácter. David Eidelstein es un admirador del trabajo de este autor y, en cierta medida, un imitador de su desdoblamiento. Pocos reconocen su nombre o saben que es titulado en Literatura, que baila hiphop y que también actúa. De lo que muchos sí se acuerdan es de la más popular de sus encarnaciones, ésa que tocaba el bajo en Los Tetas y que se hizo conocida usando el pelo rojo en el video de ‘Corazón de Sandía’, hace casi ya tres lustros.
mar. “Mi hermana me mostró ‘Boys Don’t Cry’ y quedé loco. Me encantó. The Cure fue mi primera banda favorita. Hasta me disfracé de Robert Smith en un acto con otros compañeros. Yo estaba muy producido, con el pelo parado y los labios pintados”, rememora. “Una vez mi abuela fue a Argentina y le encargué un cassette de ellos, pero no me quisieron traer el Pornography, por el titulo”, cuenta entre risas. Rulo era sólo un niño, pero ya sabía cuál era el camino a seguir. “Desde muy pequeño quise dedicarme a la música. El otro día estaba revisando unos dibujos antiguos, donde salía junto a varios amigos y cada uno estaba personificado con lo que más le gustaba. Yo era el rockero. Siempre supe que haría esto, era mi pasión”, afirma.
David Eidelstein es el Rulo. Y el Rulo es David Eidelstein. La frontera entre uno y otro comenzó a difuminarse desde su más tierna infancia, cuando –por costumbre familiar– entonaba temas en el living de su casa. “Mi papá es ingeniero y mi mamá es secretaria, pero él guitarreaba y ella siempre cantaba. Crecí con Ella Fitzgerald y Violeta Parra. Eso nos marcó tanto que mi hermana y yo salimos músicos”, asevera. Aquella influencia lo acompañó luego en la enseñanza básica. “Yo estudié en el Francisco Miranda, que tenía un enfoque artístico. Era uno de los pocos colegios donde, en la época de Pinocho, podías ir con ropa de calle y usar el pelo largo. Bien hippie. Las primeras veces que vi gente tocando guitarra eléctrica fue en las salas de clases. Yo era súper chico y lo encontraba alucinante”, recuerda.
Las pantomimas infantiles no eran suficientes. Ya no bastaba con caracterizarse haciendo playback sobre una radiocassette: había que hacerlo real. “La primera vez que agarré una guitarra y empecé a tocar fue para sacar ‘Patience’, de Guns N’ Roses, en el colegio, con la ayuda de un cancionero. Después llegué a mi casa y empecé a practicar el solo de Flash, hasta que me salió”, reconstruye. Nada mal para un novato cuya evolución lógica era acoplarse a un grupo. “Como todavía no cambiaba la voz, podía imitar los gritos de Axl Rose, así que llegué a una banda que necesitaba un cantante. Hacíamos covers de los Guns y de Faith No More. Tocamos un par de veces en festivales de colegios medio cuicos, aunque nada muy en serio”, aclara.
Todavía faltaba para que el funk y los ritmos negros tomaran la batuta entre sus preferencias. Quedaban etapas por que-
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El amateurismo no duraría mucho para el Rulo. “En ese tiempo, conocí al Cristián, que estaba armando un proyecto junto a otra amiga, pero él y yo tuvimos más química, así que
ella quedó afuera”, narra. Cristián no es otro que C-Funk, quien desde la pubertad tocaba junto a su padre, el eximio Hugo Moraga, y aventajaba a Eidelstein en cuanto a bagaje. Ambos compartían gustos y el deseo de formar un proyecto, al que se sumaría luego Francisco González (Pepino). “Hicimos como diez canciones, que tenían mucha onda argentina. Nuestros principales referentes eran James Brown y Prince, pero –en español– lo único que conocíamos eran algunas cosas de Charly García o Fito Páez. Ahí yo tocaba guitarra y el bajo era secuenciado”, describe. Apenas unos adolescentes, ninguno de ellos sospechaba que su incipiente agrupación sería una de las más icónicas del Chile noventero. Pero faltaba un ingrediente. “En un viaje a Rapel con mis amigos, apenas llegué me dijeron ‘oye, hay un gallo acá más raro que la chucha’. Era alguien que conocía a una persona del grupo, pero justo esa persona no llegó, así que estaba solo. Tuvimos buena onda al tiro y le mostré un cassette de mi banda. Le encantó y me dijo que rapeaba. Después me llamaba por teléfono para freestylearme, hasta que lo invité a un ensayo”. Con esas palabras, Eidelstein hace memoria de su primer encuentro con Camilo Castaldi, alias Tea Time, quien comenzó a frecuentar al flamante trío y luego fue invitado a presentarse con ellos al escenario, en una tocata en La Tecla. “Esa noche fue la primera vez que usamos el nombre de Los Tetas, la primera vez que estuvimos los cuatro juntos en el escenario y la primera vez que toqué el bajo en público”, recapitula. La posterior sucesión de eventos sería vertiginosa. Un año después, Rulo y los suyos estaban fichados por EMI, preparando
su debut y lidiando con la experiencia de ser profesionales. “No me acuerdo bien de cómo fue eso. Yo estaba en el colegio y grabamos el disco en las vacaciones de invierno. El último domingo, antes de volver, habíamos trasnochado y llamé a mi vieja tipo siete de la mañana, para decirle que no podría ir a clases. Me retó ene. Era bien loco, estaba entre ser escolar y ser músico”, apunta. La bipolaridad del momento se expresaba hasta en los detalles más mundanos. “Mi papá tuvo que firmar mi contrato con el sello, porque yo era menor de edad. El proceso fue tan rápido y espontáneo que nunca fui conciente de él”, reconoce. En 1995, con Mama Funk en las calles, Los Tetas estaban en todas partes. La efervescencia por el cuarteto subía como la espuma, con ventas multiplatino y su inolvidable nombre siendo festinado incluso en rutinas humorísticas de estelares de televisión. Nada de eso sirvió para convencer al –entonces– pelirrojo bajista, quien plantea que el álbum “ni siquiera me gustaba mucho. Yo quería hacer algo más funky, que fuera más perfecto. Mi idea era sonar como Prince o James Brown. Encontré muy inmaduro lo que salió”, confiesa. Lo mismo le ocurrió con su propuesta audiovisual. “La primera vez que vimos ‘Corazón de Sandía’ fue para el estreno en Más Música. Cuando se terminó, quedamos mirándonos en silencio. Me cargó la forma en que nos representaba. Era una imagen demasiado falsa, como de propaganda. Lo encontré ñoño”, admite. Sin embargo, sus juicios se han ablandado con el paso del tiempo. A catorce años del boom de su primera producción, David Eidelstein hace otro balance. “Creo que el disco tenía una mezcla del momento que, en el fondo, era su propia perfección. Lo mismo con el video, ahora lo veo y me gusta. Tiene una frescura que le da otro valor”, reflexiona.
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“El otro día, estaba revisando unos dibujos antiguos, donde salía junto a varios amigos cada uno estaba personificado con lo que más le gustaba. Yo era el rockero. Siempre supe que haría esto, era mi pasión”
Lograr el éxito en apenas un intento es algo de lo que pocos pueden jactarse, pero también es un arma de doble filo. De personalidad más tranquila que sus compañeros, Rulo observó cómo las luces obnubilaron parte de la humildad de sus amigos y colegas. “La popularidad echó a perder un poco las cosas. A Camilo y Cristián se les subían de repente los humos a la cabeza. Yo me empecé a alejar lentamente de ellos”, revela. Para él, la notoriedad obtenida resultó tan súbita que no pudo opacar su naturaleza, aunque sí alcanzó para hacer que se diera cuenta de que las cosas habían cambiado. “Nunca tuve mucha conciencia de que era yo el que estaba ahí. Mantuve la misma vida, los mismos amigos. Pero había una imagen de mí, gente que pensaba que yo era millonario o que era quebrado, cosas así. Eso pasaba porque en el ’95 todo era muy distinto. No había Internet, ni siquiera celulares. Ser ‘famoso’ era muy diferente a como es ahora”, opina. Contrario a lo que podría pensarse, Los Tetas no dejaron que el impacto causado por su ópera prima acallara sus búsquedas estilísticas, ni los estresara al momento de fraguar una secuela. “Descubrimos un mundo funky y de música setentera que nos alucinó. Nos fuimos a una casa en el campo durante un mes, estábamos en nuestra volada, así que nunca sentimos mucha presión. De hecho, yo creo que por eso La Medicina no fue tan exitoso como Mama Funk, pero no queríamos repetir la fórmula”, sentencia. Pese a estar más conforme que con el disco predecesor, Eidelstein viviría un episodio crítico durante el rodaje del video de ‘La Calma’ que gatilló en su salida del proyecto. “Estábamos en un subterráneo. Era un lugar siniestro, donde habían matado a gente. Muy brígido. Subí al segundo piso y ni siquiera recuerdo lo que me pasó, pero caí de mandíbula al suelo. El golpe me obligó a estar un mes acostado en mi casa y ahí me cuestioné todo. Tenía otros intereses y no sabía si quería seguir, porque no me sentía muy a gusto con la dinámica del grupo. La encontraba viciada”, reconoce. Alejado de su alma máter, Rulo emprendió una ruta incierta. “Estaba muy perdido en mi vida, en general. No sabía bien qué hacer. Como me fui con el Tata, trabajamos juntos, pero nos demorábamos mucho, teníamos muchas ideas y pocos resultados”, reconstruye. Hacía falta un asociado que ayudara a poner orden. “Justo ahí conocí al Go y empezamos a componer como locos, de repente hasta tres temas diarios”, cuenta. Con su nuevo asociado, David formó Rayos, que luego daría paso a Samurai. Ambas agrupaciones dieron a luz discos que nunca fueron publicados, pero que ayudaron a encauzar sus inquietudes, antes de partir el 2001 al Taller de Músics de Barcelona, para perfeccionarse en el bajo. De vuelta en Chile, tras un año de muchas jam sessions junto a instrumentistas de todo el orbe, la madurez adquirida lo llevó a cambiar el rumbo. “Tenía ganas de estudiar Teatro, también pensé en Sonido, pero terminé en Literatura”, explica. “Aproveché 28 //
el tiempo para profundizar en el bossa nova, el folklore y los ritmos árabes, que ya había conocido en España. Pude enriquecerme con otros estilos. Abrirme a las letras me abrió musicalmente y yo tenía esa necesidad por expandirme”, comenta. “No toqué mucho en vivo, pero siempre seguí tocando solo. Me sentía raro, un poco alejado, pero jamás pensé dejar la música”, aclara. Sin ir más lejos, su tesis de grado fue acerca de ‘Construção’, de Chico Buarque, pieza clave del repertorio brasileño, una de las principales fijaciones de Eidelstein tras sus viajes a Río de Janeiro y Bahía. Con calma, el Rulo volvió a tomar las riendas de su carrera artística. Junto a David Vásquez –su camarada de breakdance y ex parte de Goda–, fundó Esencia, tomándose el tiempo necesario para desarrollar sus aspiraciones, siempre cercanas a la cadencia negra. “Ha sido un proceso de búsqueda lento. Armamos un disco el año pasado, pero no nos convenció la versión definitiva. Siento que recién ahora está produciéndose lo que siempre quise. Antes igual pasaba, pero integrar cosas como el reggae, el dancehall y el jazz nos hizo agarrar una onda que nos tiene felices”, declara. De momento, su plan es actualizar el material acumulado y aprovechar la instancia para generar nuevos temas. David Eidelstein ha reflotado su oficio en los más diversos formatos. “Un amigo me dijo que necesitaban un DJ para una fiesta, así que partí para allá. Esa misma semana me llamaron de otro lado y así ha sido hasta ahora. Fue algo que yo no busqué, ser DJ me buscó a mí”, señala. Últimamente ha ampliado esta faceta, presentándose como bajista con Haiti (su compañero de departamento), mientras éste pincha discos. Parece que Rulo es capaz de llevar todas sus experiencias creativas al plano sonoro. En 2008 tomó clases de improvisación actoral con el Colectivo Mamut y ahora aplica esos conocimientos musicalizando la obra Teatro de Gorilas. “Ha sido muy bueno para poder estar presente, agarrado del instante. Si paveas mucho, no funciona”, arguye. Eso sí, pese a su manifiesto interés por las mutaciones, el Rulo ha decidido renovar votos con sus antiguos compañeros de Los Tetas (a excepción de C-Funk) en Funkattack. “Ha sido muy natural, desde mi llegada –primero como invitado– hasta que asumí el rol que dejó el Toly cuando se fue”, apunta. Los otrora adolescentes han cosechado los frutos de su antigua historia, dando conciertos a tablero vuelto y suscitando comentarios cargados de expectación. “Ya tenemos un piso como grupo y un show que funciona en cualquier parte, así que un disco es lo que falta. Nos propusimos tenerlo listo este mismo año como plazo máximo”, esboza. Tal como su admirado Fernando Pessoa lo hizo en el papel, Rulo tendrá que fraccionarse para estar en varios lugares a la vez. A su favor, cuenta con la más indispensable de las herramientas: el ímpetu. “Me siento muy motivado. Llevo años sin publicar nada oficialmente y tengo la necesidad de que exista mi trabajo en forma concreta”, plantea convencido. Que así sea.
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fotografía * daniela león
fotografía * raimundo barros
DJs
no DJ José Delpia José Pablo Delpiano Nació el 23 de mayo de 1982 Toca desde el 2006 En las fiestas de sus amigos, programaba las canciones que subía a nnm.cl, hasta que lo invitaron a los ciclos No-DJ de Super 45. Ahí experimentó con toda la música que se le cruzaba y aprendió a valorar la importancia de la mezcla, para así establecer un discurso en sus sets.
S DJs THE RABBIT Gianfranco Lotito -nació el 4 de mayo de 1983 Sebastian Vicuña -nació el 12 de agosto de 1982Tocan juntos desde el 2006 Siempre fueron melómanos y coleccionistas. Empezaron en cumpleaños de amigos y conocidos, hasta que empezaron a profesionalizarse y los empezaron a llamar de bares y discotecas.
Toca en Bar Constitución, Bar Loreto, Berenjena, Club Extravaganza! y donde sea que la gente vaya a bailar.
Tocan en Bar Constitucion, Amanda, Mala Vida, Mar Bar, Club Normal.
Su estilo es el electro pop, synth pop, nu disco, balear y house.
Su estilo mezcla el indie rockero con lo electrónico.
En qué club/evento/festival extranjero te gustaría tocar: En Say Yes, en Londres, o en alguna fiesta del sello DFA.
En qué club/evento/festival extranjero les gustaría tocar: En el after show de los Rolling Stones.
www.nnm.cl/articulos/mixtapes-nnm
http://therabbits.cl/
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fotografía * daniela león
fotografía * felipe cantillana
gada DJ Felipe Arria pata DJ Claudio Za Claudio Zapata Nació el 14 de febrero de 1975 Toca desde el 2007 Su primera aproximación a la música negra fue gracias a su trabajo en Radio Zero. Luego empezó a averiguar sobre recopilaciones y artistas de soul, funk y hip-hop. También se introdujo en la electrónica, partiendo por el chill out y luego el deep house.
Felipe Arriagada Nació el 26 de abril de 1982 Toca desde el 2008 Partió jugando cuando niño, a fines de los ‘90, en fiestas de colegio. La doble cassettera fue su mejor aliada, así como ahora lo es Traktor. En un nivel más serio, comenzó a animar fiestas hace algunos meses, con sets marcados por su guitarrero gusto personal. Toca en Bar Loreto, Club Mist, POTQ Radio.
Toca en Moloko, Robinsonia y en el Barcelona.
Su estilo fluctúa entre rock, garage y punk.
Su estilo abarca el soul, funk, hip-hop y electrónica.
En qué club/evento/festival extranjero te gustaría tocar: En cualquier bar rockero de Manchester.
En qué club/evento/festival extranjero te gustaría tocar: Sónar, en Barcelona.
www.potq.cl/radio
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BARCLUBBING
por javiera rossel / fotografía * felipe cantillana
AMANDA revive el recuerdo Este sitio con nombre de mujer está revolucionando la escena nocturna capitalina, trasformándose en el lugar ondero, que devuelve la vida a un olvidado punto de encuentro. El Shopping de Vitacura fue todo un hito en los década de los ‘80 y principios de los ’90; un espacio para ir a patinar y divertirse por horas. Ese auge se fue debilitando y, de ícono de andanzas infantiles, pasó a ser uno de los lugares abandonados de la capital. Ahora, y gracias a la iniciativa del Centro Cultural Amanda, parece que comienza nuevamente a brillar. Amanda es una plataforma de difusión cultural, que toma los antiguos cimientos del ex multicine Vitacura para lanzar un proyecto totalmente renovado, acorde con las exigencias del mundo actual. Con un look moderno, pero donde la memoria habita en toda su estructura, se nutre de esa chispa original para reinventarse, manteniendo la misma esencia del recinto. Aquí las artes se fusionan con las fiestas, en un concepto que empieza a sonar fuerte en la vida nocturna santiaguina. En Amanda existe una sala multipropósito, que emerge ante nosotros para integrar bailes, conciertos, talleres y obras, posicionándose como una referencia para la comunidad artística. El diseño es notable, manteniendo el espíritu del cine, con puertas de vidrio y una gran escalera que conecta el hall
central con las dos salas. Una de ellas fue adaptada para exhibir teatro y espectáculos; la otra fue totalmente renovada, obteniendo una apariencia que seduce: cadenas doradas colgadas en el techo con paredes de madera, que le dan una acústica especial para tener espectáculos de primer nivel. Mención aparte merecen las barras. Destacan por la variedad y la conveniencia de sus precios. Lo mismo pasa con la comida, que ha logrado imponerse con una carta arriesgada e interesante, que incluye platos creativos como el tártaro de ciervo o el tiradito de avestruz y mango gratinado. La idea es hacer un lugar para nichos variados, donde pequeños grupos con gustos definidos encuentren su sitio. Un proyecto romántico, que pretende ser el inicio de una gran transformación para el Shopping de Vitacura, para que aquéllos que lo disfrutaron cuando chicos ahora se maravillen de adultos.
www.centroculturalamanda.cl.
REPORTEESTUDIO
por juan guillermo valenzuela // fotografía * ancla (alvaro puentes)
miss g a r r i s o n exhibicionismo premeditado
Algo pasa cuando una banda como Miss Garrison aparece, sin avisar, y se impone como uno de los grupos que provocan mayor interés en el público más atento a la movida local. Y no porque los escenarios se sistematicen bajo una lógica del momento, ni tampoco porque exista una fórmula que seguir, sino que –afortunadamente– por todo lo contrario. Así es como vemos que, actualmente y más que nunca, se cuenta en Santiago con un nutrido, amplio y ecléctico listado de bandas activas, que han ido barnizando con diferentes propuestas tanto los escenarios como al público. Es en ese humeante hervidero que asoma con presencia y decisión Miss Garrison, un power trío que –desde el fervor transpirado del post-punk y un histrionismo tan provocador como contagioso– ha conseguido ubicarse en poco tiempo como una excelente apuesta, que pretende demostrar con su disco debut, Tire y Empuje. Con sólo un año y medio de trayectoria, con una gira por Buenos Aires incluida, Matías López (guitarra), Tomás Rivera (bajo) y Francisca Straube (batería y voz) ya se sienten preparados y con la necesidad de dar el salto que los lleve desde la promesa a la confirmación. Para eso entraron al estudio a grabar lo que será Tire y Empuje, con el que pretenden redondear la fuerza de un sonido que vienen mostrando en vivo desde hace un tiempo, siempre con la visceralidad provocada por los matices del ruido, en una fórmula que la banda ya parece dominar con cierta soltura. “Hicimos un par de demos el año pasado, con gente que nos ofreció grabar por la buena onda, pero nunca quedamos muy contentos con los resultados. Es complicado cuando se graba así. Es bueno porque es gratis y siempre es bueno hacerlo y ver qué pasa, pero ahí el problema es que todo es muy rápido. Nunca alcanzamos a cuajar el sonido que buscamos, porque no había tiempo. Para el disco, creemos que la tercera grabación es la vencida y nos tomamos un buen tiempo para hacerlo lo mejor posible, con las ideas claras y tratando de no dejar detalles sueltos, de lograr el sonido que estamos buscando. Lo que nos importa es que resulte como queremos”, cuenta López. Para lograrlo acudieron a Claudius Reith, quien además de ser uno de los principales gestores de los Estudios Triana y el bajista de Los Ex, resultó ser vecino de la casa que comparte Miss Garrison. “Fuimos a Triana a hablar con Chalo (Gonzalo González), a ver qué onda y él nos recomendó a Claudius, que lo
ubicábamos por los Ex, banda con la que creo que tenemos un espíritu parecido. Cuando lo vimos, descubrimos que también era nuestro vecino nuevo; vive en el departamento de abajo de nosotros. Antes de juntarnos a conversar, lo invitamos a una tocata, porque queríamos que nos escuchara en vivo para que entendiera de qué se trata Miss Garrison. Le gustó bastante, después fuimos al departamento y conversamos. Se embaló con el proyecto y también se armó una onda muy buena entre nosotros, que es algo que nos importa mucho”, relata Rivera. Durante este último año y medio, Miss Garrison se ha encargado de decantar su sonido hacía lo que buscaban desde un comienzo, influenciados por bandas como Yeah Yeah Yeahs, Blonde Redhead, The Rapture y todo ese revivalismo post-punk que se han encargado de provocar en su articulado sonido en directo. “Lo principal en el disco ha sido tratar de mantener el sonido que logramos en vivo”, cuenta Straube. “Por ejemplo, en las grabaciones yo tocaba batería y cantaba al mismo tiempo, pero nunca antes había grabado así y cambia, es mucho más cercano a lo que sale en el escenario, más espontáneo. Varias partes fueron grabadas así, en una sala de madera alta y esperamos que logre sonar como lo hacemos en vivo. Es difícil encontrar un sonido y definirlo. Cuando tocamos siempre tenemos la libertad de probar cosas; Matías con la guitarra o yo con la voz y la batería, pero ahora las canciones van a quedar plasmadas y así son, así es como lo va a escuchar la gente”. Miss Garrison se ha desarrollado también como un concepto, una idea construida como un producto de la presuntuosa frivolidad plástica del pornoshop, adornado con luces de neón flúor e interpretada por una muñeca inflable llamada Miss Garrison, cuya historia será relatada en un video que la banda ya grabó y que pretenden estrenar junto con el lanzamiento del disco. “Nos decidimos a hacer algo más profesional, por eso dejamos los demos y grabamos un disco y también un video. Ya teníamos el guión, que salió cuando inventamos la idea de Miss Garrison y cuando la empezamos a presentar junto a nosotros en el escenario. También se relaciona con las letras que componemos. Entonces, el video cuenta su historia y es como una declaración de principios suya”, concluye López, para demostrar que no se quedan atrás y que, con Miss Garrison, algo interesante siempre podrá pasar.
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f o e x la entrada de un grande Sólo tiene 27 años y ya ha hecho cosas inimaginables: es dueño y creador de Potoco Discos, productor de importantes bandas del hip-hop nacional y acaba de lanzar su nuevo trabajo, No Soy Foex. Pero en su cabeza no sólo hay espacio para rimas y samplers, sino que también deambulan influencias ligadas al jazz, al soul y también al rock. En ellas, encuentra la inspiración para encaminarse por rutas más abiertas y probar así nuevos matices. Eran los años ‘90 y el rap circulaba por los rincones de Santiago Centro. En la esquina de Santa Rosa con Diez de Julio, un joven de 15 años descubría sus letras delirantes, mientras observaba cómo el cassette de Cypress Hill daba vueltas en su personal estéreo. Aún no conocía bien la melodía, pero existía la certeza de que algún día él haría lo mismo. Sólo el destino lo llevaría a un mundo repleto de samplers, beats, tornamesas y vinilos.
ENTREVISTA
por manuela ovalle // fotografía * daniela león
Así pasan las cosas. De un momento a otro, ocurren cambios fulminantes. Nicolás Carrasco, mejor conocido como Foex, jamás pensó que su camino se definiría por la música, hasta ese momento en que apretó play para reproducir su primer cassette de rap. Sabía que quería llegar alto, pero no sabía cómo. Fue algo fortuito, que se estrelló con su camino sin avisarle a nadie. Fo, como lo llamaban sus amigos de barrio, vivió toda su vida entre San Ramón y Cerro Navia. Su padre tenía una lavandería y su madre, una dueña de casa, encendía la radio constantemente para entregarle un ambiente cálido al hogar. Fue en ese tiempo cuando conoció a un personaje que se transformaría en el emblema de su carrera: Pato, un amigo de barrio. Él, un erudito en el mundo del hip-hop, comenzó a llevarlo a tocatas donde la gente gozaba por el sólo hecho de escuchar melodías. “Allí bailaban, había gente pintando y yo aluciné. Me gustaba la música, ya había entrado en onda y me había creído el cuento. Y ahí empecé a conocer a todos los personajes con que trabajo hasta ahora. Entre el 97 y el 98 conocí a la Anita (Tijoux), a los FDA (fue su primera agrupación hip-hop, integrada por él junto a Enzo Miranda, DJ Dacel y Freddy Olguín) y a varias personas que en ese momento querían hacer cosas grandes”, explica entre sonrisas. Pero Carrasco traía otra carta bajo la manga. Él, además de interesarse por la música, era un experto en computación. Cuenta que, cuando chico, quería estudiar Ingeniería en Informática y que su mamá se esforzó y juntó hasta el último peso para comprarle un computador. “En ese tiempo yo sentía que el futuro estaba ahí, en la informática y los cables. Por esos años era súper escaso y, después de haber ido a las tocatas, se me abrió el mundo con estos programas para hacer música. Y la idea era crear. Como yo era computín, me picó el bichito y me puse a investigar hasta que empecé”, concluye. Desde ahí, los acontecimientos se sucedieron unos a otros. Finalmente se matriculó en la universidad, para estudiar Ingeniería en Sonido, mientras continuaba “jugando” con los ruidos envolventes del hip-hop. Pronto vinieron otras influencias musicales, como el soul, el jazz y hasta el rock, los que –mezclados con baterías y samplers–, creaban armonías complejas, que ahondaban en el lado más oscuro del camino hip-hopero. Por esos días, Foex andaba con la cabeza alborotada: un tercio de Radiohead, un cuarto de The Microphones y un poquito de Portishead. Todas estas amplias influencias las conoció
en la universidad, mientras intercambiaba opiniones con sus nuevos compañeros. Luego de editar su primer disco, Cuarto Precario (2003), y de colaborar en Casino Royale (2005), de Makiza, a Foex le llegó uno de los primeros grandes aplausos de su carrera. Se convirtió en el productor musical de la serie infantil Los Pulentos, cuyo trabajo obtuvo el Disco de Oro en 2006. “Con Los Pulentos nunca viví una fama en el aspecto mediático, pero sí cambió mi vida en el sentido de la plata. En ese momento me fui de la casa, me cambié de Cerro Navia a Plaza Italia. La gente leía mi nombre”, explica Carrasco. Así fue como la producción musical comenzó a llenar cada espacio de su vida. Potoco Discos –sello que había iniciado hace algunos años atrás y que actualmente está en su propio departamento– iba tomando fuerza. Pero el momento de Potoco llegó cuando Foex produjo el disco Entre lo Habitual y lo Desconocido, del rapero Hortadoj. “Pienso que el sello tiene que funcionar como una personalidad más. Tiene sus tintes jazz, sus rasgos souleros y sus matices raperos. Al final, la música negra nos llama mucho la atención, pero a la larga no me defino como productor de música negra, porque aunque elija esos acordes, si me toca elegir cosas más rockeras, lo voy a hacer”, cuenta. El éxito y el futuro Los últimos años han sido de gloria para la vida de Nicolás Carrasco. Después de convertirse en la luz creadora en cuanto a efectos, distorsiones y post-producción de una de las revelaciones del 2008, Cómo Asesinar a Felipes, en junio de este año sacó su propio disco: No Soy Foex, un DVD compuesto por cuatro discos, cada uno con una personalidad distinta, que varía desde melodías rápidas –como el drum and bass– hasta armonías melancólicas. Cada trabajo está acompañado por visuales, las que, según el músico, “texturizan el material musical”. De ahora en adelante, lo que viene tendrá que basarse en su inmensa experiencia. “Hoy tenemos un proyecto que está estacionado. Es un trabajo que hice junto a Anita Tijoux. Son interpretaciones de canciones de Violeta Parra, todo rapeado y utilizando sus mismas letras. Tenemos ganas de sacarlo a fin de año, pero por el momento es algo que está guardado”, cuenta Foex. Carrasco no sabe si lo suyo fue suerte o trabajo. Sin embargo, su repentino cambio de vida lo lleva a pensar en una sola cosa. El esfuerzo es el único elemento capaz de crear escaleras que conduzcan a un mundo más alto. “Ayer vi un programa en la tele donde decían que al final el ejemplo siempre va a ser tu familia y la mía empezó desde abajo. Yo tengo técnicamente la misma aspiración, que es crecer. Pero no busco popularidad, tampoco las pegas millonarias. Ser famoso es súper banal para mí, yo busco calidad de vida”, concluye.
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christina rosenvinge
vida de soltera
Luego de tres discos en inglés y de haberse hecho un nombre en el circuito indie norteamericano, Christina Rosenvinge acaba de editar Tu Labio Superior. Este disco marca no sólo su regreso al mercado iberoamericano y a volver a cantar en español, sino que también sella una etapa difícil, marcada por la separación de su ex marido, el escritor Ray Loriga.
ENTREVISTA
por rodolfo garcía // fotografía * warner music
Al teléfono desde un Madrid primaveral, Christina Rosenvinge contesta desde su casa en una tarde soleada, mientras aquí en Santiago llueve. Su último disco, Tu Labio Superior (Warner, 2008), acaba de salir en Chile y representa la vuelta de la cantante al castellano. Diez años de letras en inglés le habían granjeado las simpatías de los círculos indie en Estados Unidos, pero la habían alejado de su tierra natal, España, donde se había destacado en la adolescencia, con el dúo pop Alex y Christina. Tras la disolución de los exitosos Christina y los Subterráneos, a mediados de la década pasada, y un par de discos como solista para Warner Bros., la rubia Rosenvinge se mudó a Nueva York y empezó de cero. La estrella de rock volvía a comenzar en un ambiente donde nadie la conocía. De grandes escenarios, como el de Viña del Mar, pasó a pequeños clubes en la Gran Manzana. Pero, en estos últimos, se codeaba con parte del politburó de la música independiente. “Fue hace años atrás. Le comenté a Ray (Loriga, su ex esposo) que podría usar ‘Bull in the Heather’, de Sonic Youth, para su primera película, La Pistola de Mi Hermano. Entonces, los contactamos y nos conocimos en un viaje a Nueva York”, recordaba Christina años atrás, respecto a su relación con uno de los pilares de la escena indie y arty norteamericana. Su posterior amistad con Lee Ranaldo y Steve Shelley derivó en una colaboración artística. Ésta se planteó en los dubitativos esfuerzos tempranos de la española como solista, aún grabando para Warner, en castellano. Con el traslado de la familia Loriga-Rosenvinge de Madrid a Nueva York, a fines de los ‘90, vino el cambio definitivo. Christina empezó a componer en inglés y a cantar junto a Tim Foljahn y Steve, en Two Dollar Guitar, y prestó su voz para el álbum Weak Beats and Lame Ass Rhymes, grabado en 1999 y editado el año siguiente. Participó en las presentaciones en vivo y comenzó a ser captada de inmediato por el ojo clínico del público neoyorquino. “¿Que te recuerdo a Nico? Eso me lo dicen mucho en Estados Unidos”, responde Christina respecto a su particular manera de vocalizar en inglés, cercana a la musa de Velvet Underground. Fue cuestión de tiempo hasta que Rosenvinge se decidiera a componer temas propios y estrenarlos en vivo y ante sus ami-
gos. “Tal vez debe ser porque en el canto tengo mucha inspiración europea, como la francesa, aunque la música es más bien indie rock americano”, destaca la rubia. El pop que solía hacer había quedado atrás, para dar paso a una aproximación intimista y de autor. Y aunque ya no contaba con multitudes coreando sus temas, ahora tenía a su venerado Lou Reed entre la selecta audiencia que acudía a sus shows, al borde del secreto. El primer fruto de estos nuevos y confidenciales comienzos fue Frozen Pool (2001). Este disco lo editó Smells Like Records, el respetado sello de Steve Shelley, y cuenta con su participación en la batería, además de las guitarras y voces de Ranaldo y Foljahn. La anterior apadrinada del batero había sido Cat Power. Con Frozen Pool nacía una nueva estrella, que se había hecho un nombre propio: Christina Rosenvinge. En esta misma línea seguirían Foreign Land (2002) y Continental 62 (2007), aunque este último representa un punto de inflexión. De vuelta a España tras el periplo en NY, Christina ya incluye un par de temas en castellano, idioma dominante en su nuevo Tu Labio Superior. ¿Por qué volviste a España? Porque con dos niños (Willen y Kay), se hacía muy difícil la locura que significa vivir en Nueva York. Para mí es mucho más fácil irme de gira o a grabar viviendo en España. Lo encuentro un mejor lugar para criar hijos. ¿Cómo compusiste el último álbum? Estaba destrozada con lo que estaba viviendo, la separación. Sentía que estaba en el suelo y que todo era negro. Hacer estas canciones fue terapéutico y me hizo salir adelante. ¿Cómo resultaron algunos temas tan eróticos o sugerentes? (Risas) No sé, simplemente salieron así y yo ni siquiera me di cuenta. Fue tan sólo al momento de llegar a Nueva York, para grabar el disco con mi banda allá (con Shelley y el talentoso Chris Brokaw, esta vez), en que ellos me pidieron que les tradujera las letras. Fue ahí cuando vine a caer, y no sé, quería de pronto disimular algunas estrofas que me hacían sonrojar. Supongo, también, que es porque he retomado mi vida de soltera.
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discos
Farm DINOSAUR JR. //(Jagjaguwar) Algo intrigante ocurre con la formación original de Dinosaur Jr. Firmaron juntos una trilogía dorada entre 1985 y 1988 y, como si nunca se hubiesen disuelto (ni peleado hasta el cansancio), regresan a repetir el truco. Beyond fue el primer eslabón y ahora Farm es su complemento. El noveno disco de los norteamericanos da para reflexionar sobre el misterio de la afinidad creativa. Lo que ocurre cuando J. Mascis, Lou Barlow y Murph entran a un estudio es un fenómeno sin igual, capaz de generar delicias del calibre de este álbum. Una placa que engloba lo mejor de Dinosaur Jr. en 60 minutos de riffs gloriosos, estribillos perfectos y la implacable mole rítmica que los caracteriza. Farm conjuga inmediatez (‘Over It’, ‘Pieces’) con languidez (‘Plans’, ‘Said the People’) en la medida justa para crear un robusto monstruo sónico. No escatimen elogios: he aquí un clásico instantáneo. Andrés Panes www.myspace.com/dinosaurjr
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ANDROMEDA MEGA EXPRESS ORCHESTRA Take Off! (Alien Transistor) Música que brota del cerebro insano de un tipo lleno de complejos. Eso es lo primero que se viene a la mente al oír este disco. Sin embargo, y con el pasar de las pistas, aflora una gran obra. Estos muchachos de Berlín son gente que sabe qué hacer frente a las partituras, pues no caen en el clásico sonido de la Big Band. Esto es gracias a la mente del compositor, Daniel Glatzel, quien con sólo 25 años nos sorprende con este trabajo, que se complementa con la amalgama del jazz pasado a Zappa con videojuegos, polifonías renacentistas y música de ascensor, lo que le da un toque lúdico y bastante cinematográfico. No estamos sólo ante notas y sones estructurados para una orquesta de 20 jóvenes de diferentes nacionalidades, sino que ésta es una especie de declaración de principios nerd, asumiendo una condición que muchos de nosotros tenemos, pero que no tomamos en cuenta y no llevamos como estandarte de vida. Jorge Rubio
DREDG
The Pariah, the Parrot, the Delusion (Ohlone) La justicia aún se avizora distante. ¿Cuanto más tendrá que esperar Dredg para que el mainstream le abra sus brazos? Ya van cuatro discos de envidiable inventiva y el ruido aún no es suficiente. Haciendo oídos sordos a la predominancia radio friendly del tremendo Catch Without Arms (Interscope, 2005), la formación angelina se reencuentra con el barniz progresivoinstrumental de su obra maestra, El Cielo (Interscope, 2002), y logra un reconfortante balance para comprender diez años de arte marciano. Aunque en aisladas apelaciones –como ‘Information’ y ‘I Don’t Know’– se mantiene la cepa inmediata de hit, la columna vertebral que identifica a The Pariah… se construye a partir de estructuras intrincadas, con adornos melódicos que nuevamente resaltan el majestuoso timbre vocal de Gavin Hayes. Icónicos. Francisco Reinoso
www.myspace.com/andromedameo
www.myspace.com/dredg
DUSTY KID A Raver’s Diary (Boxer)
EELS
“¿Recuerdas el momento en que acabas de entrar a la fiesta? ¿Ese primer bajo en tu pecho? ¿El primer beat, el primer flash? Esa experiencia es Dusty Kid”. Así reza el comunicado que promociona A Raver’s Diary, placa que Paolo Alberto Lodde (alias Dusty Kid) editó a fines de abril de este año en Europa. El italiano, que era conocido como la mitad de Duoteque, apuesta por un techno puro y sin complejos. Canciones como ‘Here Comes Techno’, ‘Lynchesque’ o ‘The Underground Persistence’ son abiertamente seductoras y contagian gracias a su estructura simple, pero agresiva. Dusty Kid provoca y hace ruido con canciones que van desde un pop instrumental, sufren el paso del electroclash y se transforman en destellos de hard tech bastante crudos. Su electrónica es estricta, bailable y de gusto masivo. Un pequeño genio de la electrónica, que a muy temprana edad sorprendió con su estilo y que, probablemente, gracias a este “diario para ravers” se codee con los grandes. Fernando Mujica
La dejadez sonora es para débiles. En el séptimo trabajo de Eels, Mark Everett (su alma máter) juega a ser un licántropo en luna llena. Hombre Lobo es un deslumbrante escrito que usa el deseo como piedra angular, además de unir –con tremenda prestancia– los caminos del pop volátil y la música americana en clave tradicional. Prosiguiendo con la versatilidad profesada desde el tormentoso Beautiful Freak (Dreamworks, 1996), y cuando el titánico Blinking Lights and Other Revelations (Vagrant, 2005) aún suena fresco, el retorno de formas atestadas en testosterona (‘Lilac Breeze’) o sucias apelaciones blueseras (‘Tremendous Dynamite’) enfocan descollantes novedades. Eso sí, la balanza también se inclina a los bellos encuadres; diamantes como ‘The Longing’ dan fe de aquello. Valió la pena la tediosa espera. Francisco Reinoso
www.myspace.com/dustylittlekid
www.myspace.com/eels
Hombre Lobo (Vagrant)
Fotografía: Pamela Albarracín
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discos
Introducción a la Geometría JAVIER BARRÍA //(Infanta Terrible) El nuevo disco de Javier Barría tiene muchas aristas. Con justa razón, puede ser visto como un debut en las grandes ligas o como la pequeña consagración de una carrera subrepticia. Independiente de la postura que se adopte, lo cierto es que Introducción a la Geometría es un paso adelante, porque logra concatenar todas las virtudes que han convertido a este cantautor en pieza clave del paisaje nacional reciente. Su pericia para elaborar melodías y coros tan simples como atractivos puede ser degustada a lo largo de todo el álbum. ‘2 AM’, ‘Venditas’ o ‘Foto Movida’ son extractos de un repertorio impecable y teñido de autobiografía camuflada en metáforas, que conforma un imaginario en el que el romanticismo se expresa con más que cursilerías acarameladas. Barría le da una vuelta de tuerca a las canciones para enamorados y, de paso, establece que ya es un artista dueño de sí mismo. Dos pájaros de un tiro. Andrés Panes www.myspace.com/javierbarria
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FERNANDO MILAGROS & THE FALSOS Por Su Atención Gracias (Armónica/Oveja Negra) No fue hace mucho tiempo cuando por primera vez escuchamos el nombre de Fernando Milagros. Era un cantautor joven que debajo del brazo traía un delicado primer disco, grabado en la intimidad de su casa con un computador y una guitarra. Ya en esa época, demostró que tenía la pasta suficiente para hacerse de un nombre y las ganas necesarias para no dejar de tocar. Los frutos están a la vista y su segunda entrega es vivo retrato de eso. Armado hasta los dientes –y con la estupenda compañía de The Falsos, la banda que lo acompaña en vivo hace un buen rato–, Milagros contraataca con un álbum rebosante de vida, donde la ciudad y las historias de aquéllos que habitan en ella son las verdaderas protagonistas de una película imaginaria, que lleva por banda sonora una incansable marcha de títulos, como ‘Elizabeth Fritzl’, ‘Estatua de Sal’, ‘Song for Judas’ o ‘Avenida Perú’. Víctor Hugo Carvallo
FRANZ FERDINAND Blood (Domino) Ojo, que aquí hay clase: uno de los grupos que revitalizó el rock inglés del nuevo siglo se deja seducir por las bases rítmicas, la electrónica y el olor a cannabis para entregar Blood, una atrevida –y entretenida– versión de su excelente Tonight (2009) en clave dub. ¿Extraño? Sí, seguro, pero también efectivo. De la mano de Dan Carey, pupilo de Mad Professor, el combo de Glasgow queda sonando como una máquina aceitada, artificial y fiestera, que viene a dejar en claro que lo de ellos nunca ha sido el camino tradicional. Es cierto que antes, Damon Albarn había hecho algo muy similar con su propuesta dub para Gorillaz (Laika Come Home), pero eso no quita el mérito. Kapranos y compañía no quieren que nos aburramos y, mientras afilamos el colmillo para un nuevo álbum, Blood se deja querer como un buen intermedio. Martín De Mussy
www.myspace.com/fernandomilagro
www.myspace.com/franzferdinand
GRIZZLY BEAR
GUISO
Veckatimest (Warp)
Guiso (Oveja Negra/Algo Records)
Definitivamente después de la fantástica recepción de Yellow House (2006), los integrantes de este combo –oriundo de Brooklyn– deben haber dormido felices, pero también preocupados. Porque la vara con ese engendro de neo folk rock orquestado, único y vicioso, quedó muy en alto para poder superarla. Aun así, los muchachos no se achicaron y se la jugaron por entregar un trabajo que busca texturas sicodélicas y nuevos espacios sonoros, logrando una verdadera joya. Veckatimest es una pieza repleta de canciones complejas, construidas delicadamente en armonías vocales, instrumentaciones perfeccionistas y detalles sabrosos, que -con un poco de oído y mucha calma- se puede disfrutar como una de las delicias del 2009. Un placer para hacer sonar sin falta durante las tardes de invierno por estas latitudes. Ahora sí que debe estar complicado el cuarteto; superar esta gracia no va ser tarea fácil. Martín De Mussy
Tanto en la música como en la cocina, hay muchas formas diferentes de deleitar paladares. Y aunque tocar un instrumento con destreza no es lo mismo que preparar un bocado sublime, para ser bueno en cualquiera de las dos cosas se necesita atrevimiento y paciencia. El disco homónimo de Guiso llega cuando la banda de los hermanos Alejandro y Álvaro Gómez, Bernardita Martínez y Álvaro Guerra está bordeando los diez años de trayectoria. Una década donde han evolucionado desde el garage desprolijo hasta su sonido actual, uno de excelentes guitarras y canciones con posibilidades de llegar a la radio, como ‘Deja Tu Camino’. Una invitación que llama la atención, sobre todo porque viene de una banda que ha buscado el sabor original y siempre ha sabido que lo más fácil es seguir una receta probada, pero que es mucho mejor inventar la propia. Rodrigo Hurtado
www.myspace.com/grizzlybear
www.myspace.com/guiso
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discos
MISS KITTIN AND THE HACKER Two //(Nobodys Bizzness) Nueve años después de esa primera colaboración –que incluía temas ya convertidos en clásicos, como ‘Frank Sinatra’ o ‘Stock Exchange’–, la francesa Miss Kittin y su compatriota The Hacker (Michel Amato es su nombre real) publican Two, una continuación que sólo se queda en el papel, pues esta vez no es el electro el sonido que tiñe las once canciones. Lejos lo más oscuro que ha hecho hasta la fecha Miss Kittin, en este disco son el trance y el techno los estilos que mandan. Por eso, a diferencia de trabajos como Or, que hizo en dupla con Golden Boy; su más reciente disco solista Batbox (2008); o el mismo debut con The Hacker, en 2001, Two requiere más de una escucha para entenderlo y admirarlo. Es más sucio, más difícil, carece de canciones oreja como ‘1234’ o ‘Rippin Kittin, pero sin duda resistirá mejor el paso del tiempo que muchas de las buenas cosas que ha hecho Carolina Hervé en este nuevo siglo. Rodrigo Guendelman www.myspace.com/kittinmusic
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lo nuevo de placebo
BATTLE FOR THE SUN HOT CHIP A Bugged Out Mix (New State Music)
IN FLAGRANTI Brash & Vulgar (Codek)
Con la habilidad de pocos y el espaldarazo que significa ser Hot Chip en el mercado, los ingleses sacan aplausos en su paso por la serie A Bugged Out, que ya había logrado aciertos con gente como Klaxons, Erol Alkan, Miss Kittin o Boys Noize. La hipnosis es eterna, certera y muy rítmica. En un trabajo triple, Hot Chip busca el beat perfecto y se sumerge en un set contagioso, lleno de muestras de no más de tres minutos y en el que la electrónica se olvida de los ingredientes orgánicos y aprieta el acelerador, con la pista como único objetivo. Beats progresivos, que se suceden uno tras otro como si tratara de un capítulo del Global Underground más clásico. Disco, new wave, perillas y el pop más adecuado para bailar por largas horas. Sorpresa causa el disco dos, apostando durante varios minutos por ingredientes kitsch, que sólo enriquecen la oferta. Fernando Mujica
En contraposición a lo que postula la frase que da nombre al disco –Brash & Vulgar, algo así como descarado y vulgar–, lo que encierra la segunda placa de estudio de los neoyorquinos In Flagranti es una sexy y elegante mezcla de texturas, que unen con gracia la inventiva propia y el revival. La mezcla de diversos estilos –como el deep disco, el deep house y el punk–, consigue un disco que reboza frescura en lo diferente de cada uno de sus cortes. Siendo parte de una camada de bandas neoyorquinas obsesionadas con revivir, tanto en forma como en fondo, el prolífico pasado de música de baile de Nueva York, lo de Gloor y Crnobrnja no sólo es muy interesante como planteamiento musical (tienen más de veinte 12’’ y dos larga duración), sino que es igual de rico en el plano visual, con una gráfica anclada en la pornografía suave y en los excesos de los ’70. Todo este audio e imagen resaltan en una de las bandas, y discos, más interesantes de lo que va del año. José Pablo Delpiano
www.myspace.com/buggedoutclub
www.myspace.com/inflagranti
IRON AND WINE
JULIAN MARLEY
Around the Well (Sub Pop)
Awake (Tuff Gong)
Con un disco doble se asoma San Beam, para volver a presentar su prolífico espíritu compositor. Con etapas claramente diferenciadas, la primera corresponde a una serie de grabaciones domésticas, sin arreglos productivos ni trabajo de edición, que datan de la época previa a la aparición de su debut. Temas en solitario, que grafican la génesis lo-fi de un estilo personal que ha ido en evolución. La segunda parte, en tanto, se constituye de una serie de rarezas, descartes, lados B y covers, del período del segundo álbum hasta el último. Llamativo y curioso es oírle versiones a temas de New Order, The Postal Service y The Flaming Lips. Acá sí que la cosa van con producción y trabajo en estudio. Esta revisión no sólo sirve para completistas, sino para cualquiera que guste del buen folk del siglo 21. Un ejercicio de progresión, en un personaje que, a estas alturas muestra madurez y una preparación de terreno para el nuevo álbum, que está próximo a salir. Rodrigo Salinas
En esta nueva entrega de los Marley, la familia dorada del reggae mundial, Julian trae un sonido que se pasea a ratos por el hip-hop, muy fiel al estilo de su hermano Stephen. Precisamente este último colabora en ‘Little Too Late’, mientras que Damian –otro de los hermanos– hace lo propio en ‘Violence in the Streets’. Pero Julian también recorre también los caminos del reggae más clásico, que a ratos evoca a su padre por la similitud de su timbre vocal y la participación de muy buenas coristas en algunas de las pistas, dándole un aire más roots al álbum. Dentro de esta entrega, de 16 canciones, destacan ‘Sharp as a Razor’ y ‘Things Ain’t Cool’, entre otras. Si ya te han gustado los otros miembros de la dinastía Marley, de seguro vas a disfrutar este disco. Aníbal Valenzuela
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15 de Junio. Pre venta exclusiva en Funtracks, reserva tu disco y llévate la polera oficial de Placebo.
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discos
ELVIS COSTELLO Secret, Profane & Sugarcane //(Hear Music) Costello no para. Ahora le tocó el turno a su pasión por el country y el folk. Y lo hace con la ayuda de T-Bone Burnett en la producción, un viejo camarada con el que comparte –además de un par de álbumes perfectos como King of America (Columbia, 1986) y Spike (Warner Bros. 1989)– una nominación al Oscar en 2004 por la canción ‘The Scarlet Tide’, escrita a medias para una película del fallecido Anthony Minghella. Para los que ya están acostumbrados a la habilidad que Costello tiene para componer y tocar lo que se le antoje (rock, pop, folk, country, jazz, música clásica), ninguna extrañeza causará el escuchar a este inglés cantando acompañado de banjos y violines, en pistas como ‘Down Among the Wines and Spirits’, ‘I Felt the Chill Before the Winter Came’ o ‘I Dreamed of My Old Love’. Menos asombra que lo haga tan bien, pues con Secret, Profane & Sugarcane, Costello vuelve a lucirse, entregando un disco redondo, bien hecho y bien ejecutado. Otra joyita para un catálogo impecable. Víctor Hugo Carvallo www.myspace.com/elviscostello
46 //
KASABIAN West Ryder Pauper Lunatic Asylum (RCA/Columbia)
LITTLE BOOTS Hands (Atlantic)
La ambición rinde sus frutos. Desde su debut, en 2004, Kasabian se plantó como una banda que venía a tomar por asalto la escena británica. Tras un pequeño bajón con Empire, la agrupación regresa con el álbum más logrado de su carrera, West Ryder Pauper Lunatic Asylum. La placa bebe de los mejores: beats de Primal Scream, ambientes de Spiritualized y guitarras de The Verve. Puro pastiche noventas. Todo viene orquestado por Sergio Pizzorno, quien compuso la placa de principio a fin. Rico en matices, West Ryder… es pródigo en bajos gruesos y beats distorsionados, pero combina con sutileza el frenesí electro de ‘Underdog’ y ‘Fast Fuse’ con la intimidad acústica de ‘Thick as Thieves’, pasando por los aires orientales de ‘Take Aim’ y los pasajes instrumentales de ‘Swarfiga’. Para ser el supuesto soundtrack de un manicomio, Kasabian parecen tenerlo todo muy bien pensado. Rutilante. Felipe Arratia
El pop puede estar tranquilo. Como si de la piel de un reptil se tratara, el género siempre se regenera y, este 2009, es Little Boots quien toma la posta. La rubia, nacida como Victoria Hesketh, salió del proyecto Dead Disco y –tras dos epés y comparaciones con Ladyhawke y Lady Gaga– por fin nos muestra su primer largo: Hands, una colección de tracks diseñados para mover el cuerpo. Los teclados vintage, como el Minimoog y el Roland SH, dominan la placa, como se hace evidente en ‘Earthquake’ y ‘Click’; pero ella también se permite jugar a ser Duffy (‘Meddle’) o Donna Summer (‘Stuck on Repeat’). En ‘Symmetry’, Little Boots se luce haciendo un dueto con Phillip Oakey, de The Human League, y exhibe claramente su moral: esto no es pasado ni presente, no es indie ni pop. Es sólo buena música. Con eso basta y sobra. Felipe Arratia
www.myspace.com/kasabian
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MANCHESTER ORCHESTRA
MARK KOZELEK
Mean Everything to Nothing (Favorite Gentleman)
Lost Verses Live (Caldo Verde)
Alumnos prodigios. Se lo deben todo a Weezer y su otrora incomprendido Pinkerton (Geffen, 1996) pero lo espetan con orgullo castrense. Desde sus primeros intentos, la honestidad de Manchester Orchestra respecto a sus espejos estilísticos era todo un lema. Ahora, pensar que dichos manifiestos escudan una fotocopia genérica, tras escuchar un largo tan vitalista como Mean Everything to Nothing, sería una antológica desfachatez. Redondos registros, de la estirpe de ‘Shake It Out’ o ‘I’ve Got Friends’, epatan por una mirada integral que coloca en la juguera a Nirvana, Modest Mouse o algo tan contemporáneo como Brand New. Hay dosis fulminantes de energía, como la ofertada en ‘My Friend Marcus’, y odas a la languidez emocional (‘I Can’t Feel a Hot One’) para regocijarse a pleno. Aquí hay sustancia de sobra. Francisco Reinoso
Lost Verses Live contiene registros en vivo de giras acústicas del líder de Red House Painters y Sun Kil Moon, Mark Kozelek, acompañado por el guitarrista Phil Carney, durante 2007 y 2008. En un ambiente íntimo, el cantautor de 42 años sabe desplegar lo mejor de sí, con una voz que envuelve e hipnotiza, junto a acordes circulares en bellas tonalidades. El folk de Kozelek, despojado aquí de todo artificio, suena profundo y clásico, con reminiscencias de John Denver y Cat Stevens. Construido principalmente en torno a las canciones del impresionante álbum April, editado en 2008 bajo el nombre de Sun Kil Moon, Lost Verses Live recuerda cuán hermoso es este disco y cómo en vivo suena estremecedor. Mark Kozelek sabe lograr un recogimiento cálido, con su particular manera de cantar, y cómo cautivar a su público. El álbum incluye, además, versiones a Modest Mouse y al estándar ‘Send in the Clowns’. Rodolfo García
www.myspace.com/manchesterorchestra
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¿se te pasaron? discos que debes escuchar...
Medicine Her Highness / (American, 1995) Perdido en la escena shoegazer y dream pop de los ‘90 se encontraba este clásico, el tercero de esta banda, salido el 95. Aunque rescatan elementos de My Bloody Valentine y Cocteau Twins, este disco no deja de ser único, capturando y canalizando el ruido y el caos -tan propios de su época- en atmósferas intensamente ensoñadoras y melódicas. (R.M.)
Josef K The Only Fun In Town / (Boutique Nl, 1981) Corría 1981 cuando estos escoceses, con una mezcla anfetamínica de post-punk y funk, sacudieron al mundo con un álbum cargado de guitarras para la pista de baile. Josef K generó un gran número de descendientes, con sus coterráneos de Franz Ferdinand entre los principales. (R.M.)
The Saints Eternally Yours / (Harvest, 1978) Estos australianos contemporáneos de The Ramones vienen generando descargas de punk con actitud desde 1976, pero este álbum -salido en 1978- es una verdadera joya. Guitarras afiladas, acompañadas de potentes letras; crudo y directo, Eternally Yours es un registro latente de su época. (R.M.)
SIX BY SEVEN The Things We Make / (Beggars Banquet, 1998) Esta banda inglesa logró eclipsar a los medios que buscaban a la nueva promesa británica. Una cruza de shoegazer, post brit-pop y la sicodelia justa que caracterizó a la generación de Kevin Shields. Después vendrían otros álbumes, pero el debut azul transformó a Chriss Olley en héroe. (F.M.)
THE SOUND Jeopardy / (Korova, 1980) The Sound fue una banda de post-punk que existió durante la década de los ’80 y que se mantuvo en las sombras de un movimiento que generó otras luminarias. Éste es su disco debut, que muestra una urgencia más ligada al punk de fines de los ’70, pero que incluso hoy suena muy actual. (N.C.)
My Teenage Stride Ears Like Golden Bats / (Becalmed, 2007) My Teenage Stride es un viaje en el tiempo y el espacio hacia etapas clave del cancionero británico. La influencia de Bowie, The Smiths y el post-punk se respira en ésta, su tercera placa. Ears Like Golden Bats es una prueba más de que la originalidad no importa cuando se es auténtico. (A.P.)
Whitley The Submarine / (Dew Process, 2007) Pasar del frenesí de bandas punk a convertirse en solista no fue fácil, pero Whitley comprobó que su opción era la correcta al debutar con este disco. The Submarine es folktrónica en su expresión más sublime y accesible a la vez, elaborada con la simpleza de quien confía en sus buenas ideas melódicas. (A.P.)
MIKA MIKO We Be Xuxa (Post Present Medium)
MIRIODOR Avanti! (Cuneiform Records)
De la novedosa y estimulante camada de bandas surgidas de Los Ángeles, California –entre las que se puede destacar a No Age o Wavves–, que se ven decididas a retomar las claves manejadas por el punk y el noise de comienzos de los ’90, como Bikini Kill o The Breeders, Mika Miko aparece con We Be Xuxa, un disco que invita a mover la cabeza en todo momento, empapado de nerviosismo punk que se sacude mientras el quinteto, casi completamente femenino, se encarga de demostrar que saben pasarlo bien y provocar una buena dosis de exaltación, con un sonido que ellas definen como “pony punk”, pero que puede entenderse como un punk despreocupado y hedonista, cercano al ruido que hacen sus camaradas de Vivian Girls y que desde la actitud desinteresada, explosiva y honesta, recuerda que en la simpleza del ruido se construyen grandes trabajos. Juan Guillermo Valenzuela
Esta agrupación es parte del nuevo catalogo del sello europeo Cuneiform. Lo singular es que estos muchachos no pertenecen al Viejo Continente, sino que son canadienses. En su séptima placa integran un sonido bastante electrónico, pero lo que los caracteriza es la mezcla del jazz y rock in opposition, que se hace presente durante el desarrollo del álbum, dándole un tono diverso a cada una de las pistas, siendo todas independientes dentro de su ambiente. Precisamente esa gelidez que brota por los parlantes es un factor atrayente, pues el hielo se va derritiendo poco a poco, nota a nota, despejando la bruma y aclarando el lugar de la mente en donde se cobijan las pesadillas. Esto se provoca gracias a la experimentación con samples, voces raras, juegos constantes entre el saxo y las cuerdas, determinando todo con una verdadera conjugación de sonidos envolventes, que no te sueltan hasta que el último track deja de gritar. Jorge Rubio
www.myspace.com/mikamiko
www.myspace.com/miriospace
PAULO MONTERO QUINTETO
RINÔÇÉRÔSE
Variante (CFA)
Futurino (Cooperative Music/Universal)
El terreno del jazz luce inhóspito para quienes, influenciados por opiniones ajenas y retrógradas, no se atreven a caminar por él. Pero basta recorrer un poco para encontrarse con discos tan afables como éste. Variante es la primera aventura de Paulo Montero en calidad de cabeza de serie, tras sus colaboraciones con Taulis y Zeraus Quartet. También es un juego derivado de otro, como su nombre lo indica. Pero ahora no se trata de ajedrez, sino de bop rejuvenecido y transformado en una atractiva propuesta. La destreza y desenvoltura de Montero como saxofonista (toca soprano, tenor y alto) son tan magnéticas como la fuerza que mantiene cohesionados a sus secuaces: otro saxo, guitarra, piano, contrabajo y batería. Un colectivo compacto, capaz de plasmar con maestría las composiciones de su líder y de recordarnos que la música de elite es sólo un invento. Andrés Panes
La quinta producción de estos franceses continúa con el pop sin culpas. Totalmente insolente, sin respetar estructuras de canciones oreja, pero cuyo resultado final –como mosaico de riffs pegajosos y bits ácidos– funciona para ser el disco del año usado para cantar con amigos. En Futurino siguen repitiendo la fórmula de composiciones sicodélicas, pero que en su interior integra momentos house, dance e incluso del trance noventero, aun cuando las guitarras mantienen el poderío. Las colaboraciones de Ninja y Mark Gardener en las voces son recursos para dar fuerza a esta banda, que en su corte ‘Time Machine’ reafirma que los sonidos electrónicos están para más que fiestas y vinilos de DJs. Los 10 tracks de la placa de Patrice “Patou” Carrié (bajo) y Jean-Philippe Freu (guitarra), mantienen una línea en la que todos podrían ser sencillos efectivos para incitar a las pistas, pero que también deben estar dentro de la lista del reproductor de música. Rodrigo Mérida
www.myspace.com/juanpaulomontero
www.myspace.com/rinocerose
ÖDLAND The Caterpillar (Aerotone)
PATRICK WOLF The Bachelor (Bloody Chamber Records)
Ödland es un fantasma acústico en una era digital, surgido en Lyon, Francia. Con una inspiración en movimientos del siglo XIX, como el impresionismo francés (Satie, Debussy), el ragtime norteamericano (ancestro del jazz) y el romanticismo ruso (Tchaikovski), The Caterpillar representa un universo paralelo. Las canciones son guiadas por el piano de Lorenzo Papace, al que se suman la voz de la comediante Alizée Bingödü, el ukulele y los juguetes de Isabelle Royet-Journoud, además del violín de Léa Bingölü. Si bien lo clásico otorga el contexto para las aventuras narrativas de la banda de Papace, ellos hacen más bien un folk experimental con aires retro, que se nutre de lo antiguo sin ser reaccionario, a la manera de Rachel’s. The Caterpillar es una de las piezas musicales más frescas y atractivas en emerger del panorama independiente, y posee más de alguna afinidad con The Black Heart Procession y CocoRosie. Rodolfo García
El niño maravilla de la escena indie londinense no se ha quitado ni el maquillaje ni las lentejuelas. Muy por el contario, ha exacerbado aún más su imaginería glam y opulenta en el flamante The Bachelor, un álbum entretenido, ecléctico y compulsivamente orquestado, que se disfruta de principio a fin. Entre canciones que suenan como melodías medievales del siglo 21 (‘Damaris’ o ‘Thickets’) y ejercicios de electrónica lúdica (‘Count of Casuality’ o ‘The Messenger’), Patrick Wolf se presenta como un autor que quiere hacer algo único y diferente: pop contemporáneo con fijación en el medioevo. Divertido y raro, una mezcla que cuando funciona se agradece. Otro punto a favor en la corta carrera de este niño con ínfulas de caballero, que sirve para enseñarnos que a veces creerse el cuento puede ser una muy buena virtud. Martín De Mussy
www.myspace.com/odlandmusic
www.myspace.com/officialpatrickwolf
SCALLYMATIC ORCHESTRA
SCRIMSHIRE
Annie Get Your Gun (Flyin’ High)
Along Came the Devil (Wah Wah 45s)
Los holandeses de la Scallymatic Orchestra son el eslabón perdido entre el jazz old school y el nü jazz, disponiendo de una sonoridad completamente ácida, en canciones concebidas a partir de la improvisación practicada durante ocho años antes del lanzamiento de Annie Get Your Gun. Este álbum entrega un dosis exacta para la participación de cada instrumento, sin volverse en abusos de solos, sino que manteniendo lo melódico del acid jazz, matizando el bossa, soul y grooves funkeros, generando la evolución y diversidad ideal. Es el caso de ‘Groove Couple’, que parte como una novela en Brasil y termina siendo sintetizada por sonidos fusión al estilo de Pat Metheny. Otra sección del disco son las cuatro intervenciones vocales, en las que se acentúa la adaptación a las distintas formas de composición, aportando para destacar la voz como un instrumento más y no sólo como un sustento rítmico, logrando así un menú musical completamente satisfactorio. Rodrigo Mérida
Excelente fusión de cuerdas acústicas, que traen a la memoria los primeros coqueteos de la electrónica con el jazz. Esta placa es fundamentalmente hecha a mano, pero las máquinas pulieron las astillas, creando una pieza de colección con sabor melancólico folk o trip-hop, digno de Zero 7 o The Funky Lowlives. La colaboración entre Rob Hynd y Lill Aker contribuye con intensidad vocal a canciones que a ratos suenan rústicas, entregando poder a letras de contenido vivencial. ‘People We Spoke To’, ‘Springtime’ y ‘Mistaken’ van desarrollando un recorrido por diversos estilos, incluso dentro de las mismas canciones que –en base a percusiones tribales– dan paso a puentes electrónicos, para terminar con improvisaciones jazz o en atmósferas oscuras, gracias a la experiencias de Scrimshire como DJ y al apoyo de una banda que incluye vientos y guitarra acústica en sus líneas. Rodrigo Mérida
www.myspace.com/scallymaticorchestra
www.myspace.com/scrimshire
Fotografía: Daniela León
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discos
A lo Hecho, Pecho NEA DUCCI //(Qué Sé Yo Records) Hay cosas que caen por su propio peso. Afortunadamente, el talento y el esfuerzo son dos de ellas. Un buen ejemplo es ver qué ha pasado con las caras más visibles de CHC, después de la pausa que se tomaron hace un tiempo. Sebastián Silva está triunfando en el cine y Pedropiedra acaba de editar uno de los mejores lanzamientos nacionales de la temporada. Y Nea Ducci no podía ser menos. Tomándose el tiempo suficiente para sacar un trabajo de calidad, finalmente llega A lo Hecho, Pecho, su esperado debut solista. Como una estrella que esperaba para brillar por sí sola, Ducci entrega nueva joyas del electropop, que se acercan más a la colaboración con Pol en Efectos Espaciales (‘Why?’) que a cualquier creación con los Hermanos Contemplativos. Su característica voz es la protagonista en una obra llena de sintetizadores y bases programadas, que son potenciadas gracias a la prolija producción de Cristóbal Carvajal (Holden). Y, casi colado, destaca el single ‘Volando Bajo’, llevado por una suave guitarra acústica. Porque el talento de Nea Ducci no sólo reniega de encasillamientos y moldes, sino también del conformismo y la mediocridad. Ya era hora de que se dejara caer. Quedan avisados. Nicolás Castro www.myspace.com/neaducci
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THE DEAD SEA The Dead Sea (Autoeditado)
THE DEAD WEATHER Horehound (Third Man)
Son un trío de Sydney, Australia, que se formó en 2006. Su álbum debut es homónimo y suena impecable. Ojo con ellos, que dentro de la revitalización del post-rock, son una buena carta. El misterio puede ser uno de los sustantivos que define su sonido; una amalgama que bien supieron explotar, ya que acompañan sus presentaciones con proyecciones de películas, instancia que aprovecha Tim Bruniges, voz y guitarra, para explotar también su faceta de artista visual. El comienzo del disco suena algo más indie, con voces y patrones más clásicos; luego va decantando en caras que tienen más que ver con el shoegaze y hasta el ambient. En líneas generales, son más melódicos que estridentes. El planeo sónico distiende una tensa calma, que en algún momento se resquebraja, aunque no por completo. Como punto de referencia, nos podemos remitir a las aproximaciones más pausadas de Godspeed You! Black Emperor o Mogwai. Valiosos e interesantes. Rodrigo Salinas
Para Jack White, las vacaciones generalmente son sinónimo de nuevos proyectos. Mientras otros pasan los días libres buscando el sol y las tardes primaverales, él piensa en cómo reinventar su carrera. Para eso recluta a Alisson Mosshart (The Kills), Jack Lawrence (The Raconteurs) y Dean Fertita (Queens of the Stone Age) para matar el tiempo con The Dead Weather, un cuarteto donde el líder de los White Stripes cede la voz y la guitarra para reencontrarse con su instrumento original: la batería. Horehound es un trabajo que seguramente dejará conformes a los seguidores de Jack White y es probable que también logre sumar nuevos adeptos a su candidatura de “músico de la década”. En tiempos donde todas las fórmulas parecen agotadas, viene bien un disco que revela una de las grandes claves para sobrevivir en los tiempos modernos: siempre es bueno evolucionar. Rodrigo Hurtado
www.myspace.com/thedeadseamusic
www.thedeadweather.com
THE FIERY FURNACES
I’m Going Away (Thrill Jockey)
WILCO Wilco (The Album) (Nonesuch)
El octavo disco de los Fiery Furnaces, titulado I’m Going Away, viene a confirmar varias cosas que ya estaban más o menos claras en sus trabajos anteriores. La banda de los Freidberger confirma aquí que son prefieren quedarse en un convencionalismo propio que los lleva a veces a sobrecargar las canciones, como ocurre en ‘Charmaine Champagne’, una buena canción, pero estresada en la ejecución. Por otra parte, confirman que –cuando se inspiran– pueden ser completamente explosivos, como en la canción que titula al disco, o alegremente reflexivos (‘Even in the Rain’). Esa gracia, la de moverse con soltura y propiedad por diferentes tipos de matices, es lo que destaca de su disco, por la honestidad con que se entregan a un sonido ya apropiado y que, siendo común, todavía puede sorprender. Para quienes los siguen, puede ser uno más de la cosecha anual de la banda; para los recién iniciados, un placer inmediato. Juan Guillermo Valenzuela
Llega un punto en la carrera de ciertos artistas en el que ya no tienen la necesidad de probarle nada a nadie. Esos artistas están en una liga distinta y esa condición es ganada disco a disco. Wilco, la banda, está en esa categoría. Con algunos de los mejores discos de los últimos años en la tradición americana, saben perfectamente dónde están, de dónde vienen y para dónde van. En Wilco, el álbum, se dan el lujo de ironizar con el título, la carátula y una declaración de amor a sus fans, en el primer single: ‘Wilco’ (sí, la canción). Acá no hay espectacularidad, pero sólo porque Jeff Tweedy y los suyos saben que ya no tiene que haberla. Wilco (The Album) es un juego de melodías agradables que rozan la perfección, compendiando lo mejor de su catálogo. Éste es el testimonio de una banda que, finalmente, encontró su camino y lo transita con asombrosa facilidad. Y nosotros los seguimos. Así no más. Nicolás Castro
www.myspace.com/thefieryfurnaces
www.myspace.com/wilco
Cabeza deRATÓN Un espacio para nuevos talentos Cada vez se vuelve más gratificante ver cómo las nuevas generaciones renuevan los aires locales con propuestas creativas. Cabeza de Ratón es un concurso para ellos, ya que busca dar a conocer a talentos jóvenes de las artes visuales de nuestro país, artistas profesionales o aficionados menores de 35 años. El objetivo principal del concurso es incentivar y promover la creación e innovación artística, a través de una plataforma de proyección, constituyéndose en un importante lugar para mirar el arte desde las generaciones emergentes, entregando variadas y novedosas propuestas visuales. Los seleccionados exhibirán sus obras en una exposición en el MAVI y podrán ser ganadores de atractivos premios, como una parcela en la VI Región o tres millones de pesos. Lo interesante es que no es un concurso que excluye, sino que invita a todo aquel que tenga ideas novedosas a participar. El 23 de agosto es la fecha límite para enviar proyectos. Un dibujo, una escultura o cualquier obra visual con un significado potente puede quedar seleccionada. Más que puro talento, es una cuestión de actitud, de atreverse a decirle al mundo: “Ésta es mi visión”. Javiera Rossel 52 //
GOLPEDEGRACIA
CIUDADCOLOR
La extraña belleza de un montón de piedras
¡Gracias ciudad color por favor concedido!
Este paisaje de Rodrigo Zamora no podemos ubicarlo en ninguna parte específica de nuestra ciudad, sino sólo en la suma de recuerdos de los espacios transitados cotidianamente. Aparecen como lugares que muchas veces consideramos faltos de interés, de nulo valor estético, en ocasiones simplemente ignorados. Pero, gracias al ojo de Zamora, se convierten en paisajes seductores y enigmáticos. La imagen, al estar dividida en pequeños cuadrados, produce un efecto de descalce que se profundiza con la intensa luz que de ella emana. Se respira atmósfera de irrealidad en la pericia de esta acuarela casi fotográfica.
CIUDAD COLOR es un colectivo de intervenciones urbanas que se ha encargado fielmente de hacer en nuestra gris ciudad lo que su nombre indica. Su modus operandi consiste en llenar con cerámicas de colores los muros de hormigón de alto tránsito en nuestra capital. Uno de sus trabajos más legendarios es el que se ubica en Kennedy con Manquehue, un estallido de cuadrados y rectángulos de colores que son capaces de alegrarle el día a cualquiera. No deja de ser notable que esta intervención haya hecho movilizarse a otras personas a intervenir el muro, eso sí que no con los mismos felices resultados de Ciudad Color. Hace algún tiempo, nos sorprendieron con un nuevo ataque al muro de Avenida Santa María con Los Conquistadores, con un estilo cinético de líneas zigzagueantes. Otra de sus intervenciones está en Lira frente a la Clínica Universidad Católica, la que termina por mezclarse con la cuneta a modo de mosaicos.
La belleza de la imagen se presenta fugaz, como una ruina que se yergue pasajera, producto de la construcción de un juego de niños en la plaza de nuestro barrio. En esta capacidad de desarticular la forma común de ver y pensar el espacio público, de señalar lo poético que contiene, radica la fuerza de las acuarelas, óleos y videos de este artista. Golpe de Gracia, hasta el 14 de julio en galería Florencia Loewenthal. Ana Luisa Prats 903, Providencia. Stella Salinero
Stella Salinero // 53
liv e BRETT ANDERSON Martes 16 de junio Teatro Caupolicán Fotografía * Daniela León
JENS LEKMAN Sábado 20 de junio Industria Cultural Fotografía * Solange Reyes * Paola Manfredi
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liv e BIOHAZARD
Domingo 21 de junio Teatro Novedades Fotografía * Ignacio Gálvez
BANDA DE TURISTAS Mi茅rcoles 24 de junio Bar Constituci贸n Fotograf铆a * Daniela Le贸n
liv e NO AGE
Jueves 4 de junio Industria Cultural Fotograf铆a * Daniela Le贸n
GUTTER TWINS Sábado 4 de julio Teatro Oriente Fotografía * Paola Manfredi
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liv e THE KOOKS
Sábado 13 de junio Teatro Caupolicán Fotografía * Paola Manfredi
GEORGE CLINTON Martes 26 de mayo Industria Cultural FotografĂa * Felipe Cantillana
10 CANCIONES QUE DEBES DESCARGAR Sébastien Tellier – Kilometer Su disco 2008, Sexuality, fue uno de los más aplaudidos en el pop europeo. Sus aires de dandi post moderno y la producción de un Daft Punk hacen de ‘Kilometer’ un hit fresco y seductor. En manos de Aeroplane, la mezcla queda perfecta para musicalizar “la previa”.
Oasis – Falling Down Un Noel Gallagher llevado al extremo del breakbeat ruidoso. ¿Cómo? Es la remezcla que Liam Howlett hizo de uno de los singles promocionales del último trabajo de Oasis. ‘Falling Down’ se comporta a la altura de un clásico de The Fat Of The Land. SPOON – GOT NUFFIN Dos años después del exitoso Ga Ga Ga Ga Ga, el cuarteto texano vuelve con el EP Got Nuffin. Esta canción abre el disco y demuestra que la voz de Britt Daniels sigue intacta, junto con la capacidad de los norteamericanos de armar excelentes melodías. WE WERE PROMISED JETPACKS – ROLL UP YOUR SLEEVES Otro gran descubrimiento proveniente de Escocia. Originario de Edimburgo, el cuarteto acaba de lanzar These Four Walls, por el sello FatCat, el mismo de sus amigos Frightened Rabbit, con el cual compartir una ética y estética. Con canciones como ésta, seguro darán bastante de qué hablar.
Mew – Introducing Palace Players Después de cuatro años de silencio, los daneses regresan a las pistas con No More Stories EP, un adelanto de su quinto álbum. Su primer single es ‘Introducing Palace Players’, una sorpresiva colaboración con Damon Tutunjain de Swirlies. HOLY GHOST! – I WILL COME BACK Está claro que, hoy, el sello DFA se ha abierto a distintas vertientes sonoras. Dentro de la corriente más ligada al disco están los neoyorquinos de Holy Ghost!, que acá muestran un adelanto de lo que será su disco debut, luego de exitosas remezclas a distintos artistas. Por lo que se escucha aquí, esto promete.
THE ANTLERS – BEAR The Antlers es un trío de Brooklyn, que funciona principalmente con el imaginario de Peter Silberman. Ahora, con el apoyo de nuevos miembros, entregan un sonido más completo, en la línea melódica de Arcade Fire. ‘Bear’ es el segundo single.
The Gossip – Heavy Cross Se acostumbraron a un beat que cruza a la perfección el baile y la guitarra indie. Con el esquema clásico de Franz Ferdinand, Beth Ditto aprueba con nota alta con este himno con reminiscencias a su ya clásico ‘Listen Up’. Chacho Brodas – Date Cuenta Lo nuevo de Griffi y los suyos iguala en candencia a su debut, pero hace aún más difusas las fronteras estilísticas. ‘Date Cuenta’, el tema homónimo del disco, es el primer single. Otro cóctel de beats, funk, rap y soul para hipnotizar a los sentidos.
Fever Ray – Triangle Walks Tétrico, sofisticado y de refinada fotografía. Lo nuevo de la chica de The Knife se llama ‘Triangle Walks’, es el tercer sencillo de su debut homónimo y está bañado en colores verde oscuro con su clásico tono de voz que mantiene el misterio ahora en movimiento: su rostro jamás se muestra en su totalidad. La dirección estuvo a cargo de Mikel Cee Karlsson, colaborador habitual de José González. Wavves – No Hope Kids Treinta horas de grabaciones, realizadas en Europa durante febrero, se condensaron en poco más de dos minutos en el video de ‘No Hope Kids’. El responsable del clip es Peter Ohs, quien cuenta con trabajos previos junto a Arcade Fire y The Fiery Furnaces. Su minucioso trabajo logra mostrar a Wavves como una banda que, además de tocar, también sabe cómo divertirse en conjunto. God Help The Girl – Funny Little Frog Con la elegancia que supone Stuart Murdoch y la estética revival de Belle & Sebastian, Marisa Privitera logra dirigir una estilizada historia en el segundo sencillo de este nuevo proyecto. Dave Crampton suma imágenes y ambos humanizan el proceso de grabación en Escocia de este comentado regreso.
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10 CANCIONES/03VIDEOS
Florence and the Machine – Rabbit Heart (Raise It Up) Lungs es el debut de Florence and the Machine y esta canción es una de sus mejores credenciales. ‘Rabbit Heart (Raise It Up)’ es una emotiva y poderosa muestra de la capacidad de Florence Welch para ponerle los pelos de punta a cualquiera.
Ricardo Pinto Neira 33 años Periodista • The Fireman – Electric Arguments • Franz Ferdinand – Tonight • Pet Shop Boys – Yes • Bruce Springstein –Working On A Dream • Ximena Sariñana – Mediocre • Starsailor – All The Plans • Morrissey – Years Of Refusal • The Police – Certifiable • David Byrne & Brian Eno – Everything That Happens Will Happen Today • The Pretenders – Break Up The Concrete Fernanda Nazir 22 años Estudiante de Diseño de Vestuario • Los Ex – Pistola de Plástico / • Babasónicos – Mucho / • Soundtrack – Death Proof / • Yo La Tengo – Summer Sun / • Fother Muckers – Justo y Necesario / • PJ Harvey – White Chalk • Dj Bitman – Latin Bitman / • The Hives – Tyrannosaurus Hives / • Ben Harper & The Innocent Criminals – Lifeline / • Pánico – Subliminal Kill Bárbara González A. 18 años Estudiante de Psicología • Oasis - Dig Out Your Soul • Oasis - Live From Manchester • John Mayer – Continuum • John Mayer - Room For Squares • Jamie Lidell - Jim • Fundación Tony Manero - Que No Pare El Beat • Austin TV - La Última Noche Del Mundo • Jamie Cullum - Catching Tales • Gavin Degraw – Free • Lily Allen - It’s Not Me, It’s You
CONECTADOS
Álvaro Guerra 29 Años Músico • Black Lips - 200 Million Thousand / • Psychic Ills - Mirror Eye /• Thee Oh Sees – Help / • Roxy Music - Siren / • Harlem Shakes - Technicolor Health / • Whitest Boy Alive - Rules • Soundgarden - Badmotorfinger / • Lee Ranaldo - From Here To Infinity / • Bat For Lashes - Two Suns / • Jenny Wilson - Hardships!
Felipe Vila Vicencio 26 años Geógrafo • Bad Brains - Bad Brains • Scott Weiland - Happy • Groove Armada - Essential Mix • Justice - Essential Mix • Slayer - South Of Heaven • Mr.Oizo - Lambs Anger • Sebastian - Ross Ross Ross • Sonic Youth - Goo • Millencolin - Same Old Tunes • Black Label Society - Mafia
Patricio Prado Cano 30 años Encargado de Comercio Exterior • Yelle - Pop-Up • Telefon Tel Aviv - Fahrenheit Fair Enough • Fatal Bazooka - T’As Vu ? • Air - Live at the BBC • The Isley Brothers - Between The Sheets • The Isley Brothers - Harvest For The World • Soundtrack – Slumdog Millionaire • C-Funk - Joya • Solo Di Medina – Hembras de Marte • Nirvana - Bleach 1989
Leonardo Kendall Morales 34 años Diseñador Gráfico • The Gathering - The West Pole • Jonna Enckell - Siren On • Agua de Annique - Pure Air • Ihsahn - Angl • Diamanda Galas - Guilty Guilty Guilty • The Voluptuous Horror Of Karen Black - A National Healthcare • Pestilence - Resurrection Macabre • The Last Shadow Puppets - The Age Of The Understatement • Dead Head - Depression Tank • Candlemass - Death Magic Doom
Gianfranco Lotito 26 años Abogado • Simian Mobile Disco - Sample And Hold • The Ting Tings - We Started Nothing • Of Montreal - Skeletal Lamping • Digitalism - Idealism • MSTRKRFT - Fist Of God • Does It Offend You, Yeah? – You Have No Idea What You’re Getting Yourself Into • Cansei de Ser Sexy - Donkey • TV on the Radio - Dear Science • Budai & Vic – Inside All Of Us • The Whitest Boy Alive - Rules
Camila Mora 29 años Coreógrafa y Bailarina Profesional • Michael Jackson - Number Ones • Rick Ross - Deeper Than Rap • Keri Hilson - A Perfect World • Chrisette Michele – Epiphany • Mos Def - The Ecstatic • Method Man & Redman - Blackout • Musiq Soulchild – On My Radio • Kanye West - 808s & Heartbreak • John Legend - It’s Over • Q-Tip - The Renaissance
Trinidad Gutiérrez 27 años Traductora, Intérprete y Profesora de Inglés • U2 - No Line On The Horizon / • Linkin Park - Live in Japan / • Frank Sinatra - The Platinum Collection / • Beirut - Gulag Orkestar / • Bajofondo - Mar Dulce / • King Of Leon - Only By The Night / • Jack Johnson - Sleep Through the Static / • José Gonzalez - In Our Nature / • Thievery Corporation - Radio Retaliation / • Magic Numbers - Those the Brokes
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una revista / un afiche / un blog
Women are heroes: no nos olvidemos de Africa Siempre he tenido la sensación de que hacer documentales de lugares con “riesgo social” o “urbanamente perifericos” son auto-nutridos visualmente por esa realidad que desconocemos y en el inconcientemórbido de todos nosotros, nos gusta ver. En resumen: lugares (audiovisuales) comunes. En este caso, Jr. (chief-editor-maestro) tiene una propuesta un poco más fresca con un resultado, para mi, notable. Este es el vínculo de este teaser de este docu-proyecto-afiche-itinerantecrudo-increíble-video. http://www.dailymotion.com/video/x4lv1b_ trailer-women-are-heroes_creation
Absolut No Label: a quien le importa la etiqueta? Absolut, lanza una botella sin etiqueta ni logo, para manifestar la idea de que no importa como se sea en el exterior, porque lo realmente importante está en el interior. Es una forma de ofrecer apoyo a todas esas personas que soportan toda su vida las etiquetas que otros les ponen, Absolut, no necesita etiquetas para ser reconocida, gracias a su icónica botella. Y es que tenemos una manía increíble de etiquetarlo todo. Basta ya de etiquetas. “Absolut no label”, estará disponible en junio en los establecimientos Duty Free de los principales aeropuertos internacionales
The Powers of Three: perfecto! Este es un documental que realmente supera a cualquier película o corto que haya visto de este género y sobre todo supera la realidad a la que estamos acostumbrados del surf y lo que rodea a este deporte. Cero sol, cero calor, cero mujeres en bikini. Muchos cojones y mucha pasión, asi defino esta pieza que realmente conmuve. Un documental que tiene aires de Siguros y que realmente toca el soul de cada uno de los protagonistas de esta historia que se escribe en las remotas tierras de Irlanda. Un imperdible en este día lunes de bajas temperaturas. Música, edición e imagen perfecta! http://www.relentlessenergy.com/films/view/ powers-of-three
CANON SELPHY: lo nuevo en impresoras portatiles Canon ha presentado sus dos nuevas incorporaciones a su gama de impresoras fotográficas Selphy. Son la compacta Selphy CP780, que viene en tres colores -rosa, azul y plata- y con la que en menos de un minuto podrás obtener tus fotos impresas con todo el colorido perfecto e inalterable por un largo tiempo; y la Selphy CP790, diseñada pensando en ser siempre lo más fácil y cómoda de utilizar. Para ello han incorporado en este modelo la rueda “Easy-Scroll” con la que podrás configurar de manera rápida y eficaz los diferentes ajustes, y gracias a su función de Corrección Automática, tus recuerdos permanecerán más intactos sobre el papel que en tu cabeza.
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