extravaganza junio

index!

extravaganza nº 76

pg 24 * entrevista central

Daniel Riveros –más conocido como Gepe- conversó largo y tendido con Andrés Panes. Hablaron de quiénes y qué música lo ha marcado, acerca de Audiovisión, su tercer disco, y de cómo el proceso de elaboración de este álbum estuvo marcado por el trabajo entre amigos.

pg 32 * reporte estudio

Este mes destacamos a La Reina Morsa, un dúo que luego pasó a trío y ahora se transformó en un quinteto. Mientras preparan su debut –luego de la salida del EP Fiesta Pequeña a través del sello Cazador- Victoria y Juan Fernando cuentan lo que ha sido este proceso, declarándose incluso “una hemorragia de influencias”.

pg 34 * entrevistas

Junio trae a Francia por partida doble. Rodolfo García conversó con Laetitia Sadier y Yann Tiersen en sus respectivas visitas al país. El último contó detalles acerca de su nuevo disco y más, unos minutos antes de su show en el Teatro Nescafé. Por su parte, la ex vocalista de Stereolab, habló de sus proyectos y también de su visión acerca de los nuevos paradigmas musicales.

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staff !

extravaganza nº 76

Rolando Inostroza Es estudiante de periodismo, guitarrista, tiene 23 años y, actualmente, es uno de los practicantes de nuestro equipo.

No puede vivir sin sus audífonos, y una de nuestras teorías para explicar su adicción es que vivir tan lejos del centro de Santiago se traduce en horas y horas de música y discos nuevos; su única compañía en los largos viajes que debe hacer cada día. En esta ocasión debuta con Yukon Blonde en Nuevos Sabores.

Bienvenido.

Janine Aravena Las nuevas adiciones al roster de Extravaganza! son, era que no, melómanos sin remedio. Janine no es la excepción.

Fan a muerte de Zero 7, esta veinteañera estudiante de periodismo lleva años colaborando con el sitio 192.cl. Ahora se ha unido a publicistas, una diseñadora y una fotógrafa para trabajar con bandas emergentes en imagen y difusión. Una mente inquieta más, que ha llegado como practicante a nuestra revista.

Carlos Torrejón Es ingeniero comercial, músico, productor y melómano. Proveniente de la ciudad de Concepción, ha escrito y colaborado en revistas y fanzines como Arritmia de Temuco y Los Superhéroes del Rock.

Además, produjo la última y mítica presentación realizada por Supersordo, antes de su separación definitiva. Ha participado como guitarrista en diversos grupos y actualmente vive en Santiago, dedicando gran parte del tiempo a la música y a su actual agrupación musical.

director editorial Fernando Mujica Maureira Representante Legal Francisco Mujica Maureira Gerente Comercial Rodrigo Mahana Editor General Andrés Panes Dirección de Arte + Diseño Magdalena Domínguez Producción Periodística Javiera Tapia COMITÉ EDITORIAL Fernando Mujica Andrés Panes Javiera Tapia Miguel Ángel Castro Sebastián Amado Víctor Hugo Carvallo Colaboradores Martín De Mussy Jean Parraguez Rodolfo García Sebastián Amado Aníbal Valenzuela Milenka Klaric Víctor Hugo Carvallo Manuel San Martín Javiera Rossel Martín Manríquez Rodrigo Salinas María Francisca Gabler Fernanda González Macarena Lavín Carlos Mella Andrés Venegas Jorge Rubio Diego Huenchur Rodrigo Mérida Manuela Ovalle Felipe Arratia Cristián Carrasco Monserrat Lecaros Mariel Villagra Miguel Ángel Castro Carlos Torrejón Gabriel Reyes Fotografía Daniela León Paola Manfredi Felipe Cantillana Jose Moraga Ignacio Gálvez Claudio Robles Felipe Fontecilla Diego Maya Gabriel Quiróz Pablo Villagra impresion Quebecor World Chile S.A.

Junio 2010 Edición 76 Fotografía * Ignacio Gálvez

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CONTACTO Nueva de Lyon 105 local 12A, Providencia, Santiago // Teléfono: 335-0741 www.extravaganza.cl contacto@extravaganza.cl

edición nº 8 / diciembre de 1993

flashback!

Riot Grrrls: Cuidado con las chicas

Si bien a muchas las han acusado de infantiles e ilusas las chicas están demostrando, que si se cree verdaderamente en algo, los resultados pueden comenzar a verse. Mucho ojo con lo que puedan aportar en materia musical. En las mujeres, hay una expresividad y honradez que pocas veces se encuentra en las bandas formadas por hombres. Si ellos no lloran, ellas sí que lo hacen.

Marisol García

Dinosaur Jr.: Where you been

Realizadores de un ruido agradable, con bastante feedback y melodía en cada una de sus canciones. Siendo las notas, cuerdas y timbales las que hablan por sí solas.

No sería raro que quién los llegase a escuchar ahora por primera vez, diría: Where You Been?, y ¿dónde has estado?...pequeño dinosaurio, que nunca te había encontrado ni escuchado.

Roberto Denegri

Suede: Hasta cuándo

En Chile –sobra decirlo- pasarán más de mil años y mucho más para que podamos tener alguno de sus temas sonando en las radios. Destacable, sin embargo, es el esfuerzo hecho por el sello, que ya ha editado el casette en nuestro país.

Se hace así mucho más accesible la música de un grupo que se ha ganado la oportunidad de ser escuchado; es cierto que quizás no por su esfuerzo, pero sí por su calidad.

Marisol García

Lollapalooza

Cansado de los rígidos esquemas de los recitales en vivo, el cantante Perry Farrell -de los entonces Jane’s Addiction- decidió, en 1991, que en su tour de despedida los acompañara no sólo un telonero, sino todo un grupo de bandas consagradas.

Cuesta creer tanta maravilla junta de una sola vez, pero así nomás han sido los listados del Lollapalooza cada año.

Marisol García

discos Morrissey

The Smashing Pumpkins

Radiohead

Beethoven Was Deaf (EMI)

Pablo Honey (Capitol)

Siamese Dream (Virgin)

Un concierto en París donde se escucha a los franceses hablar en inglés y al inglés hablar very slowly su idioma. El disco es escuchar el Your Arsenal en vivo con un instrumento nuevo: el público.

La conexión que logra Morrissey con los seis mil quinientos franceses que fueron al Zenith en París, es envidiable.

Radiohead con casi cincuenta minutos de sutileza musical, un trabajo espléndido. Las combinaciones de acoples, disonancias, velocidad, distorsión y arpegios son un deleite. Una pacífica y nostálgica aventura, una voz sensacional, una interesante nueva banda. Y un single, ‘Creep’, que te devorará.

Siamese Dream se logra transformar en un álbum demasiado agridulce de digerir.

Creaciones como ‘Today’ o ‘Mayonaise’ se confunden entre el recuerdo de Marc Bolan y la promesa de un nuevo espacio para la creatividad musical. Una banda muy recomendable para los celosos coleccionistas de furia emocional.

Mauricio Cuevas

Osvaldo Orellana

Fernando Mujica

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tecno logía por monserrat lecaros & javiera tapia

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01 Samsung star chat: Un teléfono móvil que viene con cámara de 2.0 megapixeles, radio y reproductor de MP3. Su memoria es expandible hasta 8 GB y posee una tarjeta de memoria de 2GB. Cuenta con pantalla touch y teclado Qwerty deslizable. www.samsung.com

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02 Spiro de Sony Ericsson: Spiro es un teléfono slider que posee una cámara de 2 megapixeles, Bluetooth stereo, memoria micro SD y organizador. Además, cuenta con un conector de audio 3.5 mm. www.sonyericsson.com

03 Samsung H204, Full HD: Esta cámara de video destaca por su pantalla LCD touch, con la que se puede acceder al menú evitando el exceso de botones. Tiene un zoom óptico de 20x y una resolución de 4,7 megapixeles.

Su lente de 37mm permite que las tomas sean más amplias, con lo que los usuarios podrán integrar más objetos. www.samsung.com

04 Audífonos JVC HA-S650: Hecho en base a fibra de carbono, el HA-S650 es un modelo ligero que reduce la distorsión y garantiza una mayor durabilidad. La calidad del audio es impresionante, sin importar si las frecuencias son altas o de gama baja. www.jvc.com/

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05 Sony AVCHD: La videocámara AVCHD posee un sistema de lentes intercambiables. A través de un diseño incomparable, este equipo no sólo entrega calidad en la imagen, sino también estilo en alta definición. www.sony.com

06 Shure PG27USB: Micrófono diseñado con USB para PC. Este dispositivo es plug-and-play, así que no se necesita software de instalación. Además, posee una cápsula cardioide con espacioso diafragma y maneja altos niveles de presión sonora para audio acústico, amplificado y vocal. www.shure.com

07 Notebook Samsung R480: Notebook Samsung R480: Con Windows 7, el R480 cuenta con procesador Intel Core i3 330M. Pesa 2,3 kilos y posee diseño ergonómico y teclado tipo isla que permite fácil limpieza, gracias a la separación entre botones. Además, tiene una pantalla LED de 14 pulgadas que ofrece nitidez y colores vivos. www.samsung.com

08 Audífonos Aviatacor Skullcandy: La conocida casa Skullcandy se ha aliado con Roc Nation para lanzar al mercado los atractivos auriculares Aviator. Se caracterizan por un diseño retro y disponible en tres colores: blanco, negro y dorado. www.skullcandy.com

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ur ba na por javiera tapia

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01 Ropa Converse: Converse es un clásico a la hora de hablar de zapatillas. Pero, ahora, utilizando toda la inspiración que entrega la ciudad de Nueva York, ha puesto su reconocido logo en una colección de ropa masculina que evoca los rincones y la vida nocturna de la Gran Manzana.

Polerones, poleras, gorros, chaquetas y pantalones son los lienzos en los que se estampan las imágenes de esta multifacética ciudad. www.converse.es

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02 Adidas Fafi: Esta temporada, Adidas Originals trae una colección inspirada en Fafi, una graffitera francesa que, desde 1994, empapa las calles de trazos que representan a mujeres sexies y liberadas, siempre con un toque urbano. La colección posee únicas ilustraciones en elementos como chaquetas de cuero y zapatillas, destacando aplicaciones de mostacillas, colores vivos que van completamente de la mano con el estilo que pregona la marca. www.adidas.com/originals

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03 Rocket Design : Esta marca de diseño italiana posee una propuesta fascinante. Utilizando de manera funcional todos los elementos referentes al rock que viven en nuestro subconsciente, promete convertir cada uno de los espacios en un lugar único. La colección incluye estantes y mesas con formas de guitarras y percheros que simulan un ecualizador. Definitivamente, creaciones modernas capaces de reflejar tu personalidad. www.rocketdesign.com

04 Cheap Monday: La marca, nacida hace diez años en un suburbio de Estocolmo, trae para esta temporada, piezas que entregan una visión apocalíptica, pero con un sentido de esperanza del futuro. Cortes y parchados en denim y jersey, diseños con spray de colores y detalles en bruto, siempre acompañados de una paleta de colores acentuados en el índigo, rojo y verde. Una estética relacionada completamente al punk y el futurismo. www.cheapmonday.cl

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ur ba na

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05 Married To The Mob: Married To The Mob es una marca neoyorquina fundada por Leah McSweeney. Sus creaciones buscan plasmar, en diferentes piezas, los objetos fundamentales de la cultura urbana, ligada a la mafia y al barrio. Su punto clave son las camisetas, de colores vivos con mensajes que reflejan a la mujer fuerte y desenfadada, que continuamente busca vestir prendas y accesorios que la distingan del resto de la fauna citadina. www.mttmnyc.com

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06 Puma África: Kehinde Wiley, uno de los artistas contemporáneos más cotizados del mundo, fue el encargado de plasmar su arte en la nueva colección de Puma inspirada en África. Cada pieza está relacionada con trabajos previos del artista, entregándoles el sello de la marca, a través de vibrantes colores y modernos cortes. Destacan los diseños en las zapatillas y poleras, como el modelo Tekkies Heroic Sisters y la Face Tee, respectivamente. www.puma.cl

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07 Wheep-Mail Boutique: Adaptándose a las nuevas formas de consumo, el diseñador gráfico y creativo publicitario argentino Matias Arona creó, en noviembre del año 2009, Wheep-Mail Boutique. Esta es una comunidad de compradores, artistas y diseñadores, que envía mensualmente información sobre tendencias al correo electrónico de sus suscriptores.

Este boletín online ha sido capaz de acercar directamente a los trabajadores visuales independientes con sus posibles clientes. Para ser parte, ingresa a www.wheep.com.ar

08 Wintercheck Factory: Oriunda de Brooklyn, Wintercheck Factory propone una novedosa línea de diseño que incluye ropa, objetos de diseño y accesorios. Su meta es manufacturar productos funcionales, dinámicos y estéticamente agradables, además de ser accesibles en términos económicos. Con líneas originales y colores vibrantes, este conjunto de diseñadores -encabezados por Kristen Wentrcek- promete hacer del uso de cada prenda una experiencia única y divertida. www.wintercheckfactory.com

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label!

por fernando mujica

vermillion sands

effi briest

zola jesus

SACRED BONES En alguno de los cientos de sótanos de Williamsburg (Brooklyn), se esconde el taller de Caleb Braaten, el cerebro de la compañía Sacred Bones. Una empresa independiente que busca dejar una huella singular en la música de esta generación. “No es que tengamos tanto trabajo. Esto lo disfrutamos día a día. Somos un equipo”, comenta a una web local. Con él trabajan Keegan Cooke y el diseñador David Correll, quien se encarga de la mayoría de las portadas. El sello se relaciona con los gustos personales de su creador. Amante del shoegazer, el indie lóbrego y los recuerdos latentes del post-punk, Braaten apuesta con bandas -hasta ahora- de mínima reputación. Zola Jesus (a

quien destacamos en nuestra edición de abril), Max Elliott, Dead Luke, Nice Face, Nerve City, Effi Briest (comentadas este mes en Nuevos Sabores), Daily Void, Gary War, The Pink Noise, Factums o los italianos Vermillion Sounds. “A todos los une la búsqueda, el sonido oscuro y una apuesta progresiva y anti comercial”, advierte. Influencias que bordean los catálogos de Chrome, Cabaret Voltaire, Throbbing Gristle, The Jesus & Mary Chain, los primeros años del sello Wax Trax, Scratch Acid o Killdozer. Y a eso, sumarle además re-ediciones de proyectos ochentenos, como The Cultural Decay o 13th Chime. Un acierto en emprendimiento y un 10 como caza talentos.

www.sacredbonesrecords.com * www.myspace.com/sacredbonesrecords

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nuevos sabores

Aidan Knight el mejor compañero

Aidan Knight es un joven cantautor de la Columbia Británica, que ha tocado con varias bandas del occidente más extremo de Canadá, siempre en un rol secundario, como músico de reparto o acompañamiento. Hasta ahora. Su recientemente editado debut, Versicolour, lo plantea como una de las revelaciones del pop-folk de su país, lugar del que han salido algunos de los más prominentes representantes del género: nombres de la talla de Neil Young o Leonard Cohen. Pero, en el disco, las influencias son muchas más y -a lo largo de sus ocho canciones- diversos estilos y sonidos salen a relucir. Gran parte de esto se debe a una larga fila de colaboradores, la mayoría provenientes de grupos con los que ha colaborado durante los últimos años (The O’Darlins, The Zolas, Counting Heartbeats), quienes le devuelven la mano con excelentes resultados. Algo similar ha ocurrido en algunas de las presentaciones en vivo que el solista ha dado en lo que va del año, compartiendo el escenario con una decena de músicos, en lugares que van desde bares hasta iglesias.

Víctor Hugo Carvallo Suena como: Kings of Convenience, South San Gabriel, Simon & Garfunkel www.myspace.com/aidanknightmusic

nuevos sabores

Black Feather

ruidosa suavidad

Desde Oslo nos llega este muchacho. Este es el proyecto en solitario del ex Jaga Jazzist, del sello Ninja Tune, el guitarrista Harald Froland. Tiene un disco debut llamado Silhouette, en donde hace gala de toda su creatividad componiendo, organizando y ejecutando metódicamente todo lo que brotó de su cerebro durante el transcurso de dos años. Su música es fresca, pasada a noise y sonidos manchesterianos tipo Joy Division. Es ya en la postproducción del disco en donde se encuentra con sus ex compañeros de banda, quienes colaboran con las percusiones e instrumentos varios que suenan en la obra. Simplemente una pluma negra que debe estar flotando en tus oídos.

Jorge Rubio Suena como: Joy Division, Greg Weeks, The Smiths www.myspace.com/haraldf

nuevos sabores

Devil Eyes

buscar y destruir

Si tuviéramos que definir cuál es el motivo que guía a Devil Eyes, al momento de componer música, seguramente sería alcanzar la potencia necesaria para destrozar todos tus sentidos. Con una historia que tiene su génesis en las frías tierras de Montreal, Canadá, desde el 2006, Matt Lee, Zen y Emilor han entregado una potente descarga de rock en su punto más crudo y primitivo. Capaces de jugar con los sonidos clásicos e incorporar elementos personales, en sólo cuatro años, la banda ha conseguido instaurar su nombre en la escena canadiense y norteamericana como uno de los grandes exponentes en el hard-rock del nuevo milenio. Bajo el alero del sello Signed By Force, han publicado tres LPs y una serie de singles que han sido verdaderas catarsis sonoras de rock, hardcore y blues. Altamente recomendable, Devil Eyes es la nueva máquina del rock canadiense, que se mueve a toda velocidad sin respetar ninguna señalización. Una bestia que tiene todo muy claro: buscar y destruir.

Carlos Mella Lizana Suena como: The Datsuns, Lewd Acts, The Answers www.myspace.com/wehavedevileyes

nuevos sabores

Future Islands

suave colorido

Formados de las cenizas de otra banda (llamada Art Lord & the Self-Portraits) en Greenville, Carolina del Norte, el 2006, este trío está compuesto por estudiantes de arte que se conocieron en la universidad. Acaban de lanzar su segundo álbum oficial llamado In Evening Air luego de firmar por la etiqueta Thrill Jockey el año pasado. Antes de eso, Future Islands ya jugaban con un fresco sonido new wave con toques contemporáneos y un synth pop lúdico en su auto-gestionado Little Advances del 2006 y Wave Like Home del 2007. Además, han grabado dos EPs en formato vinilo y colaborado en splits con Dan Deacon, el 2008, y con Moss of Aura (proyecto paralelo del vocalista J. Gerrit Welmers) en sus inicios. Su más reciente producción quiebra un poco la tónica bailable y fluorescente de sus anteriores trabajos, para explorar un refrescante sonido de corte más chill out y experimental, sin dejar de ser entretenidos y dinámicos. Una nostalgia colorida a la que conviene prestarle atención.

Gabriel Reyes Suena como Dan Deacon, Xiu Xiu, Bibio www.myspace.com/futureislands

nuevos sabores

The Coathangers

delicadamente rudas

En menos de tres años, Julia Kugel (guitarra), Stephanie Lucas (batería), Candice Jones (teclados) y Meredith Franco (bajo) han pasado de ser una banda de amigas que se juntan a tocar por diversión a un grupo de formidables intérpretes. Eso sí, debemos resaltar que no sólo ejecutan esos instrumentos sino que se dan el lujo de cantar todas y hacer una especie de punk de juguete, gritón y adolescente. Además, con la inclusión de diversos aparatos sonoros de sonido infantil hace que realmente pongas oído a estas guapas muchachas. Su álbum Scramble es su segunda creación bajo el alero de Suicide Squeeze Records, quienes poseen un sorprendente catalogo de bandas desconocidas.

Jorge Rubio Suena como: The Ex and Tom Cora, The Tuna Helpers, Pixies www.myspace.com/fuckthecoathangers

nuevos sabores

Drug Rug el dúo dinámico

Cuando Sarah Cronin y Thomas Allen se conocieron trabajando en un bar, hace ya cuatro años, poco se demoraron en ponerse a tocar lo primero que se les vino a la cabeza. Así, Drug Rug empezó teniendo un sonido bastante folky, que con el tiempo ha mutado en una equilibrada fusión entre rock, pop, folk y lofi, nunca dejando de lado una siempre fresca y juvenil actitud punketa y descreída. Provenientes de Cambridge, Massachussets, esta parejita se las ha arreglado para sacar dos álbumes bajo etiqueta Black and Green Records: un debut homónimo en 2007 y Paint The Fence Invisible a mediados del año pasado. Este último ha ido tomando cada vez fuerza, tanto a nivel de prensa como para los nuevos adeptos, que encuentran en este dúo el dinamismo y la desfachatez que, a estas alturas, pocas duplas son capaces de entregar.

Víctor Hugo Carvallo Suena como: The Moldy Peaches, The New Pornographers, Beat Happening www.myspace.com/drugrugdude

nuevos sabores

EFFI BRIEST

casa de brujas

El adulterio de la protagonista de la novela de Theodor Fontane, Las Vírgenes Suicidas se trasforma en música y cobra vida. Un nuevo sexteto de Brooklyn recoge esa oscura mezcla entre lo femenino, lo oculto y la prohibición.

Suena terrorífico, pero es que la apuesta de Effi Briest es sónica, progresiva, inquietante y seductora. El club Union Pool, de Brooklyn, fue el lugar escogido para que estas bellas mujeres estrenaran, el pasado 12 de mayo, su disco Rhizomes. Percusión, guitarras, estridencia, monotonía, gemidos, krautrock y post punk matemático. Es la opción fresca y diferente de esta banda. Si la sicodelia ha sido la apuesta concreta de los neoyorquinos por estos últimos meses, aquí se funde con magia, vanguardia y una Kelsey Barrett que da el toque punk de antaño con su singular voz. Un guiño a la cultura gótica y al pop etéreo de los primeros ‘80. Sus dos videos promocionales (uno de ellos dirigido por Brandan LaGanke) han sido premiados y son su mejor carta de presentación. Hay gira local, disco split con Peaches (haciendo tributo a Suicide) y una fuerte campaña de difusión en los próximos meses. Todo acorde con la extraña mística de estas seis mensajeras.

Fernando Mujica Suena como: Telepathe, Ipso Facto, The Slits www.myspace.com/effibriest

nuevos sabores

Yukon Blonde

accidentes con la nostalgia

Canciones hechas en la parte trasera de una fría van y gustos musicales compartidos desde la infancia son parte de los ingredientes que han enlazado Jeff, Brandon, Adam y Graham. Desde el 2005, el cuarteto vivió su florecer como banda local en Vancouver. Prosperidad que, bajo el nombre de AlphaBaby y con 2 EPs en su historial, llegó sólo hasta el 2008. Todo cambió durante su gira canadiense: un accidente en la carretera, la salida de su tecladista, el inevitable paso al folk rock y un necesario cambio de nombre derivó en lo que hoy es Yukon Blonde. Con el EP Everything In Everyway, lanzado en 2009, el cuarteto dejó escuchar cómo los matices del rock armónico sesentero escapan de sus poros. Así lo reafirma su reciente LP homónimo, un álbum que los tiene girando por todos lados, desde el SXSW hasta una extensa tanda por Estados Unidos, al menos durante los próximos seis meses. Declarados fans de Tears for Fears y Rolling Stones, su trabajo termina siendo la suma de sus influencias, donde rescatar sonidos y melodías nostálgicas se convierte en una tarea llena de incidentes con la modernidad. Tarea difícil, pero al menos estos cuatro canadienses ya se lo han propuesto.

Rolando Inostroza Suena como: The Fleet Foxes, Local Natives, Dr. Dog www.myspace.com/yukonblondeband

GEPE rendición total Audiovisión, el nuevo álbum de Gepe, fue la excusa para visitarlo en su departamento y sentarnos a conversar en el living durante una tarde sabatina..

Por supuesto que nos contó pormenores del reciente lanzamiento, pero también desempolvamos recuerdos de los discos y personajes de infancia que marcaron su camino como cantautor.

Por Andrés Panes Fotografía * Ignacio Gálvez

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Nadie conoce su propia dirección, si no sabe en qué lugares ha estado. Esa premisa es la que tiene a Gepe encaramado en el sitial de honor que ocupa, con su nuevo álbum convertido en comentario obligado sobre los lanzamientos nacionales del año y cada uno de sus movimientos documentado por la prensa. Audiovisión, la tercera placa del cantautor, es una vuelta de tuerca en un engranaje que funciona desde mucho antes de que lo conociéramos, con Taller Dejao, a comienzos de la década pasada. La génesis de Daniel Riveros como músico data de su infancia durante los noventa, cuando percutía con lo que encontrara su paso.

“Mis papás pensaron que sería una buena idea regalarme instrumentos, así que lo primero que me dieron fue una batería midi, a los seis años, comprada en una tienda de Carmen con Victoria en Avenida Matta. Aprendí a tocarla siguiendo cassettes de GIT, que es la primera banda a la que fui a ver en vivo, Xuxa y Scorpions.

Después tuve teclado, el mismo que usé para Gepinto, y guitarra”, recuerda. Otro pariente cercano e importante en ese proceso fue un señor que ahora tiene 94 años y se llama Sergio Sepúlveda. El abuelo materno del solista.

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“Era la persona más sensible de la familia, con opinión, anticatólico absoluto en una familia muy creyente. Oveja negra, pero muy respetuoso. Hacía esculturas súper bonitas. Él me iba a cuidar, me enseñó a amarrarme los zapatos usando una cuerda en un árbol.

Tenía un taller atrás en su casa donde todo estaba hecho por él, desde la lámpara hasta las herramientas que usaba, su hacha, su martillo, su taladro. Ese espíritu creativo e intuitivo se me contagió. Muy análogo, artesanal y chasquilla. Y súper educado, leía muchos libros y me inculcó la música”, cuenta Gepe.

No sólo sus consanguíneos ayudaron a definir a Daniel Riveros como artista. En plena pubertad, a los doce años, un pacto selló buena parte de su esencia. “Cuando chico, era súper dogmático y con mi mejor amigo de ese tiempo hicimos una promesa: nunca decir garabatos, ni tomar drogas, nunca ser muy tristes o muy alegres, siempre intentar quedarse lo más neutro posible. Eso me marcó. Hasta ahora, trato de mantener distancia, sin ser frío ni hermético, sino dejar las cosas pasar y usar lo que me gusta, que salgan de una manera natural. Es mi forma de vida, mi ideal, apuntar a los objetivos con la mentalidad abierta, permanecer obser-

Ahora todas las defensas cayeron, estás rendido, todos volvimos al Bachata Rosa de Juan Luis Guerra, a Thriller y Bad de Michael Jackson. Están en nuestra sangre, en un lugar súper íntimo

vando. Nunca asumir, ni siquiera en el vestuario, una postura muy abanderada. Ser liviano, pero crítico, trabajar, investigar, aprender, pero nunca de una forma obsesiva”, explica.

La importancia que el solista le otorga a su niñez se condice con el sonido que logra: jamás le ha hecho la desconocida a sus influencias, que son un conjunto rico en diversidad y desprejuicio.

Su comportamiento lo avala. Apenas recibió a Extravaganza! en su departamento, el cantautor comenzó a preguntar qué discos de este año valía la pena bajar y también compartió su gusto por Soldier of Love, el último álbum de Sade. La placa corriendo en el notebook conectado a los parlantes y el café cargado en la mano fueron los testigos de esta conversación, en la que Gepe se explayó -con nombres y apellidos- sobre la producción artística ajena que ha ido absorbiendo durante su vida.

“Creo que a todos nos está pasando que escuchamos esa música del tiempo en que teníamos 12 ó 13, las canciones que se nos metieron en el cerebro cuando éramos ingenuos y no emitíamos un juicio crítico prejuicioso. A mí entraron sin filtro Santana, GIT,

mucho del Sábado Taquilla, Simple Minds y Guns N’ Roses. Con Blur tomé conciencia, pero del ‘94 hacia atrás tuve la mente súper prístina, ingenua. Muchos están en ésa. Ahora el tema es masajear el alma, no pasa tanto por la cabeza, sino por la guata y la inspiración infantil. Amo a Michael Jackson”, afirma.

La lista suma y sigue. “Me mato por Mazapán, aunque tenga esa connotación ochentera de derecha, había mucho barroco adentro de todos esos compases. Estoy seguro de que todas esas minas estudiaron eso: la danza, los arreglos y el clavicordio. Me influyeron mucho, se me olvida decirlo a veces; igual que El Volantín y La Vorágine de Los Jaivas, cosas que están a un nivel superior. Para mí, los greatest hits chilenos son Tobías Alcayota, lejos lo mejor del mundo; Bongo Bongo; los dos primeros de Jorge González solo; Corazones de Los Prisioneros y Congregación Viene. Puros discos para matarse, no se pueden someter a crítica, pasan al tiro a otro lado”, asegura Riveros.

“Estuvimos tanto tiempo escuchando con el ego, como el grunge, que tiene que ver con el ‘yo, con esta idea, quiero que mi actitud

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Me gustaría que la gente cayera rendida, comunicar, que no importe si tocas el tema en guitarra, piano o acompañado de toda la Filarmónica de Londres

sea tal y tal manera’. Ahora todas las defensas cayeron, estás rendido, todos volvimos al Bachata Rosa de Juan Luis Guerra, a Thriller y Bad de Michael Jackson. Están en nuestra sangre, en un lugar súper íntimo. Es como querer a la mamá: te puedes enojar con ella, odiarla dos días, pero toda tu vida la vas a amar. Cuando te prepara tu plato favorito o cuando te llama para tomar once en la casa, no puedes hacer nada. Aunque la reniegues por mucho tiempo, ahí está”, compara el cantautor.

EN CONFIANZA Desde el 2008, después del EP gratuito Las Piedras, sabíamos que el nuevo álbum de Gepe se llamaría Audiovisión. Un nombre que amalgama dos conceptos poderosos y representa la búsqueda del solista. “Lo que te proyecta una canción pop es como una referencia a imágenes, cuando escuchas desde Aluminum Group hasta Britney Spears, tú te imaginas cosas. Por ejemplo, en Merriweather Post Pavilion de Animal Collective, más que instrumentos, escuchas colores, masas, estrellas fugaces, acciones. Te conecta rápidamente, igual que los olores. Ahora recibí más influencia de películas, como WALL-E, que de música. Quería hacer un disco que dejara patente la experiencia global, sin ser pretencioso, sólo tratando de hacer lo mejor posible para que se notara la intención”, explica.

Pese a que la idea de la placa estaba en la cabeza de Riveros, no se quedó como una noción estática y cobró dinamismo. El proceso fue ayudado por un ambiente de trabajo entre amigos, en confianza. Tanto así, que con el productor Cristián Heyne pasaron horas conversando sobre asuntos extralaborales y compar-

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tiendo suculentos festines de comida de supermercado, jugando con los sabores de la pizza y los sándwiches, junto con degustar las bondades de la cocina árabe. Con el estómago satisfecho, el multiinstrumenta se dedicó a seguir complaciendo a las entrañas, protagonistas de su recién salido trabajo.

“Mi música es más del instinto. Es que yo creo que, al principio, siempre está la canción. Tiene que llegarte a algún lado o si no, no sirve. A mí me fascina Tortoise, Chicago Underground Duo, Neils Cline y cosas más cerebrales, como post rock. Pero creo que lo mío va más por la canción. Que sigas la melodía, que te agarre. No siempre me funciona, pero ahí es donde quiero llegar. Lo que me importa es trabajar a nivel emotivo, lo más a la vena posible, no siendo nostálgico, ni muy triste, ni muy alegre, ni nada. Que sean un ejercicio de sensibilidad en comunión con el potencial escucha.

Me gustaría que la gente cayera rendida, comunicar, que no importe si tocas el tema en guitarra, piano o acompañado de toda la Filarmónica de Londres”, sentencia Gepe.

Ha sido casi una década desde que conocemos al solista, primero como batero de Taller Dejao y luego en formato individual, el 2004, cuando su EP debut fue editado y sus canciones comenzaron a ser compartidas en Ares y Soulseek. “Para mí, un disco siempre es una instancia distinta. En 5x5 no me sentía músico, pensé hacer un álbum mateo y dedicar todo el tiempo a que resultara lo mejor posible, nunca había grabado tocando guitarra y piano.

Lo hicimos de a poco, probando miles de cosas, puta que lo pasé bien. Fue la primera vez, la más ingenua. Y se parece mucho a lo que hicimos en Audiovisión, porque en Hungría mandamos todo a

Yo intento establecer, de la manera menos invasiva y prepotente mi lenguaje, dejar que ocupe su espacio, conviviendo con el resto

la mierda, pedimos pizza y sacábamos todo de una, también lo pasamos la zorra. Pero lo nuevo empezó el 2008 y el año anterior ya existía el nombre. Lo pensé trabajando una línea”, afirma.

“Con Heyne nos juntamos mil veces a escuchar los demos, nunca había hecho maquetas y ahora hice montones. Estaba completamente programado al comienzo, era súper electrónico, se parecía a Gorillaz. Eso fue tipo octubre, noviembre, diciembre del año pasado.

Después empezamos a grabar todo con instrumentos reales de por acá y por allá, y los bajos a cargo de Pedropiedra. Resultó un sonido cálido, noble”, cuenta Riveros. Además de los mencionados, su nueva placa incluye colaboraciones de Javiera Mena, Jorge González, Felicia y Danae Morales, Fakuta, Valeria Jara, Gonzalo Canales y la participación no acreditada de Cristian Araya (de Radio Duna y Super 45) haciendo palmas en ‘Alfabeto’.

Entre amigos, delegando trabajo y sin dar órdenes, Gepe estableció un ambiente apto para producir un disco de pop tan plácido como efectivo. El mismo espíritu fue transmitido en la portada del álbum, cuyas fotos son de la autoría de Mauricio Díaz, un chico de 14 años que capturó al cantautor jugando con distintos elementos. En lo que remite a las canciones, Audiovisión tuvo momentos de extrema fluidez a la hora de componer. “’Ayelén’ fue el primer tema que hice luego de ser papá, con la idea de que no me importaba nada. Más que esa canción represente tener un hijo, siento que significa lo que es quedar sin defensas. Igual que ‘12 Minerales’, estaba muy libre.

Antes también me había pasado. ‘Los Barcos’ la hice en 5 ó 10 minutos, muchas veces me ha pasado eso, que salgan las cosas al tiro.

‘No te Mueras Tanto’ fue lo mismo”, recuerda.

Desde que se aventuró en formato individual, Daniel Riveros ha generado reacciones a su paso, un hecho comprobable en las plataformas virtuales donde su nombre encabeza algún posteo.

Muchos aplauden su trabajo, otros también lo despedazan, pero el solista no sufre al respecto. “Yo intento establecer, de la manera menos invasiva y prepotente mi lenguaje, dejar que ocupe su espacio, conviviendo con el resto. No quiero ser predecible tampoco. Cuando uno se muestra tal cual es, cierta gente se siente atacada, es la actitud de los noventa. Me gusta cuando se dispone el espacio para decirte cualquier cosa, como en internet, yo siempre leo todos los comentarios. Pero, al final, con esas personas vamos a las mismas fiestas y terminamos de amigos”, confiesa.

Sin falsas modestias de por medio, Gepe reconoce el valor de su propio trabajo y de la puerta que abrió para otros cantautores, desde un prisma crítico: “Yo sé que significo algo en la historia, un poquito. Es bacán haber llevado la bandera de la sensibilidad acústica cuando yo estaba apestado de que toda la mierda fuera puro rock. Y no es que yo sea un enemigo de esa corriente, lo que pasa es que creo que es lo más simple del mundo y que es un poco fome también, siento más interesante y con más mensaje a lo que está afuera de eso. No entiendo cómo dicen rock chileno, en vez de música chilena, si hay cosas que no caben dentro de esa etiqueta, como Camila Moreno, Nano Stern o Deplasticoverde. Me gusta ser uno de los primeros que estuvo contra eso, planteando otro tipo de estética, medio naif, pero con personalidad. Me agrada, me siento cómodo, voy a defenderlo y seguiré haciéndolo”.

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djs by puma fotografía * diego maya

DJ Pérez Daniel Pérez Nació el 23 de abril de 1988 Toca desde 2005 Se sintió atraído por el sonido en la punta de los dedos. No conocía a ningún DJ, pero manipular la música lo introdujo.

Toca en fiestas, eventos y tocatas de hip-hop en distintos lugares, como Cine Arte Alameda, Sala Master, entre otros.

Su estilo de música es netamente hip-hop y experimental.

En qué club/evento/festival extranjero te gustaría tocar: en algún campeonato de DMC. www.myspace.com/msdperez

DJ Meison Nois Daniel Liberona Nació el 8 de agosto de 1982 Toca desde 1997 Comenzó a poner música en fiestas caseras con cassetes y tornamesas prestadas, profesionalizándose hace cuatro años.

Combina ritmos desde el soul hasta el house, pasando por el hip-hop, el pop y el funk. Le encantan los mashups.

En qué club/evento/festival extranjero te gustaría tocar: Cualquiera donde haya buena vibra y buen sonido. www.myspace.com/meison1

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fotografía * diego maya

Ha tocado en Santería, Surreal, Subterráneo, Amorío, Club Forestal, Club Caramel, Massivo, Cdj y ciclos Puchajensap.

fotografía * cristián jeldres

Moustache!

Nicolás Arancibia Nació el 17 de octubre de 1986 Daniel Varas Nació el 30 de septiembre de 1986 Tocan juntos desde 2008 Comenzaron improvisando electrónica con una batería acústica y un teclado Casio. Tocaban house, drum and bass y breakbeat, entre otros ritmos. Finalmente, terminaron haciendo un DJ set a dos laptops, creando música y remixes.

Tocan en Bar Loreto, Bar Constitución, Club Amanda, Club Surreal, Teatro Caupolican, Blondie, Sala SCD de Bellavista y Santería.

Su estilo es una mezcla de electrónica con elementos que van desde sonidos distorsionados hasta orgánicos.

En qué club/evento/festival extranjero te gustaría tocar: En Coachella. www.myspace.com/moustacheproyect

DJ Stereotrasher Cristián Jeldres Vidal Nació el 16 de agosto de 1983 Toca desde 1999 Comenzó cuando iba al colegio y tenía un grupo de hip-hop, en el que hacía las pistas inspirado en el estilo de Slum Village. Luego empezó a pinchar en la discotheque Pan de Azúcar y en cuanta fiesta de amigos hubiese. Al tiempo subió de BPM’s y se puso a crear beats drum and bass y mininal electro.

Actualmente, pincha drum and bass y minimal electro. Aun cuando su estilo es variado: le gusta mucho el indie y también el punk.

En qué club/evento/festival extranjero te gustaría tocar: Jungle Juice de Francia. www.myspace.com/upthetrashers

fotografía * diego maya

Toca en fiestas privadas, en lugares al aire libre, universidades y en uno que otro bar.

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reporte

estudio

por sebastián amado// fotografía * daniela león

la

reina morsa bienvenido a la jungla

Tres palabras y un nombre que suenan cada vez más en el circuito chilensis. De dúo a trío, y ahora como quinteto, éste es un proyecto nacido de la catarsis y el entusiasmo. De la necesidad de hacer música, sin categorías, compromisos ni métodos convencionales. Un animal que busca rascarse con sus propias uñas.

Todo partió como una broma. El día en que Victoria Cordero (20) y Juan Fernando Rubilar (21) subieron a Internet sus composiciones, grabaciones precarias registradas en sencillos reproductores de mp3. Era mayo o junio del 2009. Ella tocaba en Los Cosmonautas, él en Los Delis, y este puñado de temas no calzaba con lo que hacían sus bandas. Tomaron una hoja de papel con una lista de nombres y escogieron el que creían menos malo.

Casi un año después, con Bob Marley sonando de fondo mientras Leo Saavedra (25) le hace cirugía de urgencia a una guitarra eléctrica, Victoria y Juan Fernando recuerdan ese momento. Se conocieron el 2008. Ella, recién llegada desde Punta Arenas; él, desde Los Ángeles. Ambos bajistas, ambos con algunas canciones propias.

“Nos hinchábamos con que deberíamos tocar juntos y nos reíamos”, dice la vocalista con una sonrisa perenne. “Y fue un arranque de un día, en verdad. MySpace tiene la culpa”.

El detalle de sus ciudades de origen no es menor, pero interpretan su influencia más allá de los clichés. “Sí, se ve un poco en las canciones, la añoranza de la tranquilidad. Pero también, en nuestra forma de trabajar, le dedicamos mucho cariño a lo que hacemos”, afirma ella, mientras Rubilar asiente con la cabeza y continúa la idea.

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“También pasa que el músico de regiones, que se instala en Santiago, tiene un instinto de supervivencia distinto. Si le va mal, se tiene que volver”. Según Victoria, existe una creciente reticencia en los artistas de provincias por probar suerte en la capital: “llegas aquí y hay un millón de bandas que suenan como la tuya, en la radio y en escenarios más grandes. Hay mucha competencia, es como llegar a una jungla. Welcome to the Jungle: tienes que valerte por tus propios medios, nomás”.

Así lo hicieron ellos. Primero solos, y ahora de la mano del sello Cazador, La Reina Morsa siempre ha sido un proyecto autogestionado, sin manager ni estudios de grabación. Por lo mismo, las expectativas son muy honestas. “Esto ha salido a flote mucho más de lo que pensábamos. Nuestro ánimo de trabajo era grabar en la casa, y si tocábamos, bacán. Todo ha sido espontáneo”. Para Victoria es un asunto simple: “si tenemos sello, bien. Si no, no importa. Y no nos interesa sonar. No es una postura anti todo, sino que tratamos de ser realistas. Exagerando, incluso, para no caernos después”.

En un mundo en que grupos nacen y mueren todos los días, ellos no quieren caer en esa lista. Mucho menos ahora, tras encontrar la combinación de factores que los satisface. “Cuando ya armamos

reporte estudio

la banda completa, con el Leo y dos amigos más (Felipe Castro y Boris Ramírez), fue a fines del año pasado. Ahí agarramos sonido, arreglamos los temas como queríamos”, cuenta Fernando.

Es precisamente por esos días que lanzan su primera producción, el EP Fiesta Pequeña. Tres temas que, en sus palabras, tienen “un poco de todo. Son un híbrido entre lo que había cuando empezamos los dos y lo que viene ahora, con el disco”. Un trabajo que (desde septiembre a la fecha) graban por sus propios medios, con el computador de Felipe, a la velocidad que les permiten sus compromisos con otros grupos y estudios universitarios. “Una mierda”, es como resumen su sentir al respecto.

La ópera prima aún no tiene nombre, pero no por falta de ideas.

En una tocata, sugirieron un concurso para bautizarlo. Una broma que derivó en propuestas por Facebook y gritos entre los temas. “El único que recuerdo es Obedece a la Morsa. Y no le pondría así a nada en mi vida. Me perturba”, rememora Vicky. ¿Influencias a la hora de grabar? “Fleet Foxes, en cuanto al sonido de la mandolina, no muy fuerte pero siempre presente. Y los Beach Boys. Las canciones más hermosas de la historia”, afirma, por su parte, el compositor.

Aún cuando son una banda joven (y relativamente novel), ya se han visto enfrentados al fenómeno de la categorización. Fue la gente de La Batuta quien primero los clasificó en un flyer como pop naif. “La primera impresión fue, ¿qué es esto? Y la segunda, mucha risa”, dice Cordero. Y claro, no es el único bautizo que han recibido.

Al leer sobre ellos, la palabra indie se repite bastante. A ratos, cruzada con eso que se denomina shúper. Fernando, de frentón, no lo comprende: “¡Si esa hueá no existe! Ser shúper es algo que, en verdad, no es nada”. ¿Y folk? “Una moda. El folclore es una cosa muy distinta al folk, que es muy gringo. Dylan, Cash. Los respeto muchísimo, pero no puedes decir que somos folk. Un poco acústicos, tal vez. Pero también hay cosas eléctricas, y se te acabó la etiqueta”.

Ante la pregunta cliché inminente, se adelantan y responden: “no somos amigos de etiquetas, ojalá no existieran. No sabemos cómo clasificarnos. Son muchas cosas… y a la vez, nada. Una hemorragia de influencias”, afirman entre risas. La intención, claro, es pop accesible, de fácil llegada. “Sería triste tocar sólo para gente que sepa de música”, acotan.

Independiente de su fecha de edición, tienen claro lo que quieren con su debut en largaduración: aportar. Sin importar ventas ni repercusión. Prefieren pensar que son jóvenes, y sus expectativas son acordes al respecto. “Crecer, aprender para la otra. Sentir que no es material que va a quedar botado: que alguien lo va a escuchar, le va a dar vueltas, lo va a estremecer y va a decir ‘puta, que bacán es vivir’. ¡Eso es!”, dicen con una sonrisa. Satisfacción personal, sin importar críticas. “Sería increíble que alguien llegara y nos dijera qué le falta al disco”, dice Juan Fernando. La condición, según su compañera, es una sola: “alguien que se merezca mi respeto, por favor”.

Simple y sincera. Como su espíritu, como ellos mismos.

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yann

tiersen ecos del mar bretón

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Yann Tiersen vino a tocar a Chile, en Santiago y Concepción. Con un set magnífico nutrido de electricidad, un pop poderoso y pasajes experimentales y expansivos, el francés adelantó lo que será su próximo disco. El álbum que siempre quiso hacer: Dust Lane. Unos minutos antes de su show en el teatro Nescafé, contestó esta entrevista, rompiendo sus propios mitos.

por rodolfo garcía // fotografía * daniela león

entrevista

Yann Tiersen está a punto de cumplir cuarenta años. Tras inicios discográficos ligados al minimalismo y los instrumentos acústicos, la música que interpretó en Chile se basan en una banda de rock, con guitarra eléctrica, teclados, Moog, bajo y batería. Las voces se hicieron presentes en varios temas, mientras él y su banda alternaban pasajes de oscuridad lacerante, dignos de un cruce entre Slint y Piazzola, con unos temas largos, luminosos y expansivos, cercanos a Mogwai y Sigur Rós, con canciones de pop ruidoso y cargado de electricidad.

sin tocarlo en vivo. Estamos de gira desde abril 2009 con este material. Cambié de sello, ahora será un sello americano, pero no te puedo decir cuál, porque todavía no está sellado. Más por superstición que por otra cosa.

Éste fue un anticipo en vivo de lo que será el disco que, confiesa, siempre quiso hacer, y al fin lo logró: Dust Lane. Este álbum reúne en sí mismo todas las experiencias musicales de Yann, condensadas y expandidas. Este bretón se siente aparte en Francia, la mitad de su banda en vivo es inglesa y él asegura haber crecido mirando, del otro lado del canal de La Mancha, hacia el Reino Unido y su manantial de sonidos.

¿Supongo que más cosas de rock que clásicas?

En lo clásico, no sé, aunque sí, de todas maneras, de forma subconsciente. Es lo que hacía antes de tocar rock, y me permitió leer y componer partituras, y tocar el violín. Eso es genial y estoy muy contento de ello. De hecho, si quisiera, podría escribir piezas para una orquesta entera y estoy muy orgulloso de ello.

Luego, me dio esta pulsión con el rock y la gente me pregunta por qué cambié, aunque en realidad, siempre he hecho esto.

¿Cómo es que hay tanta diferencia entre lo que haces en estudio y tus presentaciones en vivo?

En realidad, eso era muy cierto antes aunque, ahora, hace un año que estamos tocando en vivo la placa nueva, y éste sonará muy similar a lo que estamos presentando sobre el escenario. Sale en octubre. Aparte, no me interesa hacer lo mismo en escena que en los discos. ¿Grabaste con tu banda?

No, lo hice solo. La única persona que me acompaña es el baterista. Hay muchas voces, también. Cantamos varios e hicimos coros, no hay realmente una voz principal, excepto para un tema.

Entre los cantantes está Matt Elliott. ¿En serio?

Sí. Estuvimos de gira con Matt, y ha tocado con nosotros desde hace bastante tiempo. El abría para nosotros y, además, formó parte de la banda. Me gusta mucho lo que hace, bajo su propio nombre y como The Third Eye Foundation. Con este último proyecto está pronto a sacar material nuevo. De hecho, yo tenía que tocar con ellos en vivo, pero no pude, por la gira. ¿Sientes que, en temas nuevos como ‘Dust Lane’, te haz acercado al rock de guitarras, con temas más expansivos?

Sí, los temas nuevos son más largos, sobretodo. Lo que pasa, es que cuando empecé a hacer música, lo hice en un grupo de rock, y de repente me hastié de la electricidad. Como reacción, hice cosas más acústicas. Era la época, también, mediados de los noventa. Ahora, estoy haciendo el camino inverso. En todo caso, y para mí al menos, lo de ahora es lo que siempre quise hacer. El disco que voy a sacar ahora. ¿Cómo es tu relación con tu banda en vivo?

En el estudio, tengo la necesidad de estar solo. Pero, en vivo, necesito estar con más gente, y disfruto mucho el tocar con la banda. Ahí, cada cual es libre de tocar los temas a su manera.

Ahora, grabé este disco el año pasado y no concibo grabar algo

¿Cuáles son tus influencias, citabas a Joy Division y Nick Cave por ahí?

Sí, Joy Division me encantaban cuando empecé y Nick Cave aún me gusta mucho.

¿Qué te gusta de lo clásico? ¿Los franceses, como Debussy?

No, incluso en la música clásica me gustan cosas bastante rock como Stravinsky y Prokofiev. ¿Y en el rock?

Slint, la Velvet Underground, los alemanes: Can, Faust, Kraftwerk, también Silver Apples. Escuché mucho un grupo sicodélico de los sesenta que se llama Electric Prunes. ¿Cosas actuales?

Hay un montón de proyectos buenos, actualmente. Sam Amidon, por ejemplo, Dirty Projectors, Animal Collective, Battles… ¿Hiciste un disco con Shannon Wright?

Sí, todavía hablamos y nos vemos bastante. Sucede que, un verano, yo escuché mucho sus discos y ella, los míos. Cenamos juntos y decidimos hacer cosas los dos, sin la presión de hacer un álbum. Pasamos una semana, nos gustó mucho y luego seguimos medio mes más. ¿Tienes poca relación con la escena francesa?

Hay cosas buenas, como Cinemator, que tocan en un disco mío, y un par de grupos más. Pero la escena francesa como tal, la encuenro aburrida. Creo que no hay mucha cultura musical en Francia. Sucede que nací en Bretaña y me vi mucho más influenciado por lo anglosajón. Iba mucho a un festival de allá, que se llama Les Transmusicales. ¿Conoces? Ahí vienen grupos de todo el mundo y eso me influenció mucho más que las cosas francesas, que no son de mi gusto para nada. ¿Grabaste una vez con Elizabeth Frazer?

Sí, me encanta lo que ella logra con su voz. Fue la primera vez que grabé con alguien que admiraba, ya que era ultra fan de los Cocteau Twins. Mis otras colaboraciones han sido encuentros en el camino, pero ésta, para mí, fue darme un gusto, de alguien a quien admiré desde pequeño.

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LAETITIA SADIER la elegancia de lo natural

La francesa, ex vocalista de Stereolab, present贸 tres conciertos en Chile en los que mostr贸 su trabajo solista. Una ocasi贸n perfecta para conversar con ella, uno de los 铆conos del indie pop.

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por rodolfo garcía // fotografía * diego maya // retoque digital * magdalena domínguez

Laetitia Sadier se muestra amable y comparte bromas con naturalidad. Sin poses de rockstar. La simpleza y la elegancia son dos de sus características principales, a primera vista. Alta, de un metro ochenta, con una estructura ósea firme y un cuerpo esculpido por la natación, la francesa posee una belleza innata que luce sin maquillaje, ya que viene llegando de Brasil y no ha tenido tiempo para arreglarse.

Con 21 años de carrera musical en el cuerpo, Laetitia comenzó cantando en McCarthy, la banda de su novio inglés, Tim Gane.

Pronto, ambos fundarían Stereolab, grupo que exploró los límites de la música pop en una mezcla improbable entre el shoegaze, la electrónica, la canción francesa, la bossa nova y el post punk, convirtiéndose en un emblema del avant-garde dentro de la música indie. Su show en Santiago, a tablero vuelto el año 2000, es uno de los más recordados de la década.

En paralelo, Sadier empezó a componer sus propias canciones y dio forma a Monade, un proyecto que tomó fuerza tras la disgregación de Stereolab, que perdió su intensidad tras la muerte de la guitarrista y vocalista Mary Hansen, además de la ruptura matrimonial entre Laetitia y Tim. Tras instalarse en Burdeos y formar una banda, la francesa vuelve a Londres para continuar sola con su guitarra, formato de la gira que la trajo a Chile, adelantando temas de su nuevo disco que sale en septiembre: The Trip.

Sus tres shows en el país fueron muy bellos e intimistas. Su voz fue capaz de cautivar a la audiencia, de mecerla como si fuese una canción de cuna. Oscilando entre tonos bajos y agudos, ésta es su herramienta principal, en canciones de una desnudez cristalina y etérea. ¿Cómo es que te fuiste de Francia para irte a vivir a Inglaterra?

Huí de Francia a los 21 años para instalarme en Londres. Me fui a juntar con Tim. De todas maneras, lo hice esperar un año luego de enamorarnos. Durante ese tiempo me dediqué a trabajar y economizar, ya que no quería llegar a Inglaterra y tener que ocuparme en un empleo miserable. ¿Estabas en la universidad?

Estuve tres meses en la facultad. Lo que tomé eran más bien idiomas: francés, inglés y alemán; se trataba de cursos de economía y derecho en estas lenguas. Mi profe de alemán nos preguntó a todas (hubo un solo hombre en la clase, que se fue a los dos días) qué queríamos ser. Yo le dije que cantante y me respondió que ésa no era una clase de canto. Le contesté que tenía razón, me fui y no volví nunca más. ¿Alcanzaste a hacer música en Francia?

No realmente, nunca pude dar con las personas apropiadas, había como un bloqueo creativo en el país. Ahora ya no es así, los músicos se juntan y hacen cosas. Antes, nos reuníamos y

entrevista

discutíamos mucho, sin nunca hacer nada. La escena francesa se basaba más en escupir sobre los grupos de al lado que de hacer música. No era nada divertido. Para mí, quedaba claro que quería partir a Inglaterra. Allá se hacía música y justo estaba todo el período del post punk.

Laetitia explica la formación de Stereolab, que pasó por distintos integrantes manteniendo el eje fundador de Sadier y Gane. La vocalista indica que ella era ‘moogista’ y que un día llegó a conocer al inventor de este instrumento analógico, Robert Moog.

“Estábamos de gira por Estados Unidos, mi teclado se enfermó y se lo llevé para que se mejorara. Él le dio unos golpes con el puño y ya estaba. Me reí y le conté que yo hacía lo mismo”, comenta la cantante.

La mención de la muerte de Mary Hansen casi hace colapsar la entrevista. Ella era una gran amiga de la cantante gala, quien tiene que contener el llanto mientras mira con tristeza las hojas otoñales en la terraza del Salón Cienfuegos. “Fue una gran pérdida, todavía lo es”, murmura. La francesa reconoce que Stereolab perdió mucho de su fuerza con ella y que ése fue el principio del fin. ¿Cómo surge Monade?

Era un proyecto que quería mantener activo, pero a mi ritmo, sin prisas. En Stereolab no podía escribir temas, yo tenía mis propias canciones y deseaba producirlas. Resultó algo muy natural, siempre en una óptica de desarrollo de mis capacidades de escritura y como músico. Como yo me colgaba de lo que pasó después del punk, el espíritu era “si tienes algo que hacer, hazlo”. Más que hablar sobre ello, o de esperar a estar mejor, el asunto era llevarlo a cabo y mejorarlo en el camino.

Más que buscar grandes músicos como colaboradores, la idea fue integrar a personas en este mismo proceso, para que fuese homogéneo y que pudiésemos progresar juntos. Ahí Monade se volvió una banda, grabamos discos, hicimos conciertos un poco por todos lados…Luego, me junté con otra gente, que tocaba mejor, para elevar el nivel, y resultó el último disco: Monstre Cosmic. ¿Crees que tu generación hacía música más desafiante que los grupos de moda, como MGMT o Vampire Weekend?

Creo que siempre es bueno plantearse metas. No sé cuáles son las reglas hoy en día. Creo que, en cada generación, hay desafíos para no estancarse. En la actual, creo que el reto es ser comercial, cómo ser perfecto, seductor y gustarle a todo el mundo de manera inmediata. Eso es lo que veo en general, aunque, por suerte, siempre hay gente que hace cosas distintas. Es cierto que con Stereolab, Tortoise y toda esa generación, veníamos del punk y la meta no era ser comercial, sino hacer algo interesante. No son los mismos objetivos. Logramos un cierto reconocimiento, aunque no masivo, y pudimos hacer una carrera. No era algo que buscáramos, pero tampoco le hicimos asco.

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relajo

por rolando inostroza // fotografía * daniela león

lovit

creaciones del vecindario

Traer ideas y productos de los más destacados diseñadores independientes de Latinoamérica es la tarea de LoviT. Un espacio que dice “basta” a los referentes europeos, norteamericanos y asiáticos para mostrarnos lo que esta nueva casta creativa tiene que decir.

LoviT lleva 3 años funcionando. El proyecto, en noviembre del año pasado, dio el salto grande desde la web al espacio físico, para incorporarse en el Drugstore de Providencia. Una de las más connotadas galerías comerciales relacionadas con el diseño en Santiago.

Para “Nolo” Chacón, fundador de la tienda(junto a su pareja, Yas Barahona), era común viajar y traer los más novedosos productos. Una tarea que con el tiempo pasó de gusto personal y filantropía (llegar con regalos para los amigos se transformó en un clásico) a una actividad de importación directa. Así nació todo, pasando de los obsequios a las

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ventas por internet y combinando lo último del arte joven e independiente, a nivel de artículos y creaciones gráficas.

En LoviT podemos encontrar libros, revistas, poleras, carteras, accesorios y artículos de decoración, entre otros objetos únicos de los mejores diseñadores de Chile, Brasil, México, Argentina, Colombia, Perú y Venezuela. Sin duda, un lugar para echar un vistazo a las creaciones del vecindario y -a la vezhacerse de alguna verdadera exclusividad.

Las Urbinas 23, Local 25A http://lovit.cl/

discos

PIER BUCCI

Amigo (Maruca)

El magnetismo, la magia y la sofisticación están presentes desde los primeros acordes de ‘La Cortina de Hierro y el Pájaro Cantor’. Una suerte de fábula hipnótica que abre la puerta al misterioso Amigo, el nuevo álbum de Pier Bucci. Frescos están los recuerdos de Familia, su último trabajo. En este nuevo álbum, el tinte latino está presente, tal cual lo han conservado sus pares Luciano y Ricardo Villalobos. El elemento orgánico se funde, casi sin cicatrices, para transformarse en un minimalismo extremo. Rítmico, tribal, contagioso. Un beat profundo y perfecto para la pista, pero que en la dulzura de la francesa Armelle Pioline de Holden encuentra el mejor aliado. Es ‘Canto Libre’, una de esas canciones que lo hará diferenciarse de la avalancha electrónica europea; en cómo, rítmicamente, se van contando las historias. Colaboran Jorge González y Macha (La Floripondio, Chico Trujillo), con destellos de maestría en muchas canciones. Pero, en lo esencial, la métrica de su electrónica logra correr con gracia por las venas abiertas de Latinoamérica. Todo un mérito.

Fernando Mujica www.myspace.com/buccipier

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AIR FORMATION

Nothing To Wish For (Nothing To Lose) (Club AC30) Air Formation son uno de los más fieles emblemas del nuevo shoegaze. Nothing to Wish for (Nothing to Lose), aunque no presenta grandes variaciones a lo hecho previamente, sigue enganchando con ganas a quienes encuentran en ellos una continuación representativa de sus ancestros. El colchón de guitarras, las voces lánguidas, las atmósferas sónicas son recursos típicos que ellos saben usar apropiadamente. Claro que puede discutirse la falta de evolución en la propuesta o que se van a la segura.

Tal vez por ello en el título dicen no tener nada que perder. El único pero vendría por ese lado, porque musicalmente este trabajo suena muy bien, algo más suave que los anteriores y quizás más purista también, si lo conectamos con la esencia del estilo. Hay una dosis de emotividad y estructuras melódicas que le asientan muy bien y que, en propias palabras de la banda, lo ha hecho su mejor disco.

Rodrigo Salinas www.airformation.com

CRYSTAL CASTLES

ARMY OF THE PHARAOHS

The Unholy Terror (Enemy Soil/Babygrande)

BROKEN SOCIAL SCENE

BAUCHKLANG

Forgiveness Rock Record (Arts & Crafts)

Signs (Autoedición)

El sueño de Vinnie Paz de congregar a lo más granado del underground de la Costa Este, llevarlo a las grandes ligas y no perder credibilidad callejera, parece cuajar lento -pero progresivo- tras cada una de sus entregas.

Con Jedi Mind Tricks como tarjeta de presentación, el supergrupo de irrecordable formación (un miembro más y ya tienen para hacer un equipo de futbol) ruge para decirnos que la suciedad y el frío neoyorquino de los noventa puede estrujarse tanto o más que el hype bailable, o que el neo hip-hop de Flying Lotus y compañía.

Tienen respeto y skills. Ahora hay que ver si el formato de megaformación les permite elaborar otro hilo que no sea sólo cuadrar a 10 ególatras en una composición. Aun así, lo exuberante de la oferta hace que valga la pena cada peso que llegues a pagar por el disco. Si es que todavía los compras.

Miguel Ángel Castro

El cuarto álbum de los canadienses Broken Social Scene implicó la dinámica habitual: juntar gente, dejar fluir las ideas y que el talento rebase todo.

Feist, Metric, Pavement, nombres relacionados en alguna forma a este trabajo, cuyo resultado a ratos parece sacado del baúl de los ‘90. Sea por los arreglos de vientos à la World Party o por canciones como ‘Forced to Love’. Sin embargo, esto no hace más que enriquecer una producción sólida de principio a fin. Constante, mas no plana (‘Sweetest Kill’ es un tema de acordes simples que jamás aburre). Al contrario: está llena de detalles, minucias sonoras que, en casos como los últimos dos minutos de ‘Ungrateful Little Father’, derechamente son ambrosías auditivas. ‘Me and My Hand’, que puede o no ser una oda onanista, cierra Forgiveness Rock Record. Uno de los discos necesarios del 2010.

Sebastián Amado C.

El sonido del beatbox, alejado de las casillas del hip-hop, puede tener dimensiones impresionantes. En Signs, el grupo austríaco Bauchklang crea atmósferas profundas que, con las colaboraciones vocales, logran secuencias de gran fineza que se pasean por estilos como el trip-hop, new wave y drum n bass. Sin embargo, no se alienan completamente de su origen rapero, entregando piezas que suenan potentes al evadir la repetición secuencial de beats, sino que se enfocan en la evolución del tema con la incorporación de intensidades y transiciones que completan el concepto. Este álbum tiene la diversidad necesaria para ser escuchado en la oscuridad de una habitación o romper los parlantes en una fiesta.

Las bocas sintetizadoras hablan de la capacidad humana de emular a la perfección en contra de las máquinas que siempre tenderán a imitar la superioridad humana.

Rodrigo Mérida

www.myspace.com/armyofthepharaohs

www.myspace.com/brokensocialscene

www.myspace.com/bauchklang

DAVID BYRNE/FATBOY SLIM

DEADBEAT

DE PHAZZ

Crystal Castles (Fiction)

Here Lies Love (Nonesuch/Todomundo)

Radio Rothko (The Agriculture)

Lala 2.0 (Phazz-a-Delic)

El dúo canadiense Crystal Castles mantiene su distorsionada visión del dance de baja fidelidad, en su segundo álbum homónimo. El tándem está de regreso, armado con teclados de 8-bits, procesadas bases, retorcidos sonidos y una carismática Alice Glass (quien muestra sus distintas facetas y efectos vocales a lo largo del disco).

Contrastan temas como la digital hardcore ‘Doe Deer’, los apacibles -pero ácidos- paisajes bailables de ‘Suffocation’ y ‘Celestica’, ‘Year of Silence’ (que incluye un sampleo del tema ‘Inní Mér Syngur Vitleysingur’ de Sigur Rós), concisos riffs en ‘Birds’ y el track que resume todo el mundo sónico de Crystal Castles: ‘Baptism’. Un disco que bien podría ser el alma de la fiesta como, a la vez, un claro grito de batalla bajo la bandera del noise dance.

Cristián Carrasco

El ex líder de Talking Heads haciendo un musical con Faboy Slim sobre la vida de Imelda Marcos - la señora del dictador filipino Ferdinand Marcosacompañados además de gente como Cyndi Lauper, St. Vincent o Santigold. ¿Raro? La verdad es que no tanto. En el fondo, algo de sentido tiene que dos de los músicos más inquietos y busquillas de distintas generaciones quieran hacer algo único, divertido e insólito juntos. El resultado es un disco doble que, si se toma con la suficiente ligereza, puede ser verdaderamente genial, armado con canciones que huelen a Las Vegas, Carmen Miranda, Rei Momo y Barry Manilow con una buena dosis de ironía. En Here Lies Love, Byrne pone lo mejor de su gusto por la opera y lo tropical mientras Norman Cook va construyendo con sutileza el piso para que el álbum suene a musical lounge del siglo XXI. O sea, un extraño disco para gozar.

Martín De Mussy

Existen grandes CD mixes en la historia de la electrónica. Decks, EFX & 909 de Richie Hawtin o Live at the Liquid Room, Tokyo de Jeff Mills podrían citarse como ejemplos notables.

Radio Rothko no está a la altura de tales obras seminales, pero si se les acerca en cuanto a calidad y maestría compositiva. El canadiense-alemán Deadbeat definitivamente sabe qué y cómo mezclar. Fiel a su raíz dub techno berlinesa, elige con pinzas algunos himnos del género y un poco del minimal más orgánico, en este set donde destacan Basic Channel, DeepChord, Monolake y Rhythm & Sound.

También proyectos contemporáneos cómo Pendle Coven, Quantec, Intrusion y temas de su propia autoría. Lo que resulta es un viaje meditativo por lo más granado del techno profundo y subacuático, seleccionado con habilidad y manipulado de manera sutilmente épica.

Gabriel Reyes

www.davidbyrne.com/here_lies_love

www.myspace.com/ deadbeatcomputermusic

Al igual que en los instrumentos convencionales, el virtuosismo en la experimentación electrónica se adquiere con la composición y práctica. Esto se plasma en LaLa 2.0 que, tras los ensayos en su predecesor Days of Twang (donde se inmiscuyeron más allá del nujazz), ahora consigue una amplitud sonora que los aleja de la monotonía de los samples con el fin de generar no sólo sets de canciones, sino que un álbum coherente con identidad, contenido lírico y personalidad musical. El flujo de aristas musicales, se vierte en el placer de tener un disco ilimitado, pero sellado con timbres sobre la cera caliente con el logo de De Phazz. Estos alemanes abren diciendo que no son ingenieros, sino artistas creando algo más que archivos de mp3. Lo expresan de la mejor manera, irónicamente, en el track ‘Just a File’. La sorpresiva, pero certera, inclusión de instrumentos nos habla del sabor que trae su álbum y del alma inconfundible que tienen sus canciones.

Rodrigo Mérida

www.myspace.com/crystalcastles

www.myspace.com/dephazz // 43

discos

LALI PUNA

Our Inventions (Morr Music)

Un silencio de seis años que nutre de pureza y perfección el regreso de una de las mejores apuestas de la electrónica alemana. Lali Puna es, en sí mismo, un capítulo de la música moderna. Responsable, junto al sello Morr Music, de que el pop hecho en una computadora personal representara fielmente a toda una generación. Parientes directos del sonido de The Postal Service, múm, Au Revoir Simone, The Notwist (de hecho, Markus Acher es parte del grupo y hace un dúo con Valerie Trebeljahr en ‘Remember’), The Go Find y Ms. John Soda. Our Inventions, cuarta producción en estudio del cuarteto, es simple, amigable, agridulce y se baña de un sonido mucho más familiar que lo propuesto en su anterior trabajo, Faking The Books. Sus canciones se hacen amables y fáciles de digerir, aunque nunca pierden ese infinito revestimiento tan típico de la indietrónica.

Un disco a ratos oscuro en pasajes como ‘Out There’ (junto a Yukihiro Takahashi de los Yellow Magic Orchestra) o ‘Rest Your Head’. Positivo y abiertamente pop en ‘Everything Is Always’ y ‘That Day’ y que no descansa en buscar fronteras nuevas (‘Move On’ se acerca al beat étnico de M.I.A.). Ya es un favorito del 2010.

Fernando Mujica www.myspace.com/theonlylalipuna

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ESENCIA

FUTURE ISLANDS

Presencia (Autoedición)

In Evening Air (Thrill Jockey)

El sólo nombre no basta. Esencia llevaba seis años funcionando, pero recién ahora encontró la sustancia definitiva para configurar su ópera prima: un grupo cohesionado de músicos, el sonido preciso, las canciones correctas y el momento exacto para estrenar Presencia. Un debut aplazado en varias ocasiones por la dispersión perfeccionista de Rulo y sus compañeros, pero trabajado con inusual esmero por el quinteto. No emprendieron la tarea solos: durante el disco pasean ilustres como Pedro Foncea (De Kiruza) en ‘No sé por qué’, el jazzista Lautaro Quevedo (Jazzimodo, Ensamble Quintessence) y Juan Sativo de Tiro de Gracia en ‘Bailamos’. La gran fortaleza de la banda radica en su experticia amalgamando capacidades, hasta conseguir una aleación uniforme y bien definida, en la que nada importa más que la búsqueda de la conexión entre África y Latinoamérica. Un lugar imaginario del que bien podrían ser nativos.

Andrés Panes

In Evening Air es el nuevo disco de Future Islands y su primero en formato trío. Las capas de teclado y las programaciones de J. Gerrit Welmers dominan las composiciones con aires a ratos épicos y en otros, nostálgicos como ese hálito vespertino que evoca el título del álbum. Lo acompañan las líneas de bajo de William Cashion y las voces de Samuel T. Herring.

Con una tendencia que llaman postwave, los norteamericanos combinan la sensibilidad de la new wave con la energía intensa del post punk. La placa puede evocar a unos Animal Collective más retro, por su utilización de capas esfumadas de sintetizadores en trance, pero la verdad es que suena como si New Order hubiese contado con Ian Curtis o como si los Joy Division se hubiesen encaminado aun más por el camino de los teclados y el pop. La banda posee la poesía, la música y la actitud y se ha transformado en uno de los buenos grupos del momento desde su tribuna escondida, pero abierta a quien la quiera conocer.

Rodolfo García

www.myspace.com/esenciapresencia

www.myspace.com/futureislands

GABIN

HIGH ON FIRE

Third and Double (Universal)

Snakes For The Divine (E1Music)

Tercera y doble es la propuesta para la entrega de estos italianos que han movido la escena del nüjazz. Clary Side es el nombre de la primera sección, en ella el dúo se desprende de los samples para realizar una conjunción de elementos orgánicos decorados por algunos sintetizadores y beats que endulzan a las energizantes guitarras acústicas. Sonidos con olor a blancas arenas y brisas de ocaso. Sin embargo, dejan en claro que su esencia no ha cambiado y los swings electrónicos dan consistencia a la placa. A diferencia de lo soul que puede sonar la primera tanda, Bottini Side es el cierre que abre la posibilidad de ampliar los sonidos a todas las aristas del jazz y donde Mia Cooper hace de las suyas con grandes interpretaciones vocales.

Posiblemente sea uno de los discos que hay que cargar para que el sol se haga paso entre las oscuras nubes.

Rodrigo Mérida

La quinta placa de estudio de High On Fire es como el motor V8 de un auto musculoso, es decir, pura potencia y virtuosismo. Snakes For The Divine es un fierrazo directo al cráneo, compuesto por ocho canciones frenéticas que no dan espacio a la respiración o al descanso. La apuesta se abre con el corte que le da nombre al disco de casi ocho minutos y medio, en la cual un punteo endiablado de la guitarra de Matt Pike nos muestra que lo que viene es una tormenta sin misericordia. ‘Bastard Samurai’ pareciera que viene desde densas profundidades, pero la canción levanta con una gran performance del batero Kensel y la desgarrante voz del ex Sleep. El álbum cierra con los riffs potentes de ‘Holy Flames Of The Fire Spitter’, demostrando que se puede mantener un ritmo delirante sin perder creatividad. Este nuevo álbum del trío norteamericano es metal crudo y abrasivo, que debe ir directo a la vena.

Andrés Venegas

www.myspace.com/myspacegabin

www.myspace.com/highonfire

discos

FLYING LOTUS

Cosmogramma (Warp)

Al californiano Steve Ellison le quedaron chicas todas las etiquetas que se le colgaron cuando lanzó el excelente disco Los Angeles, bajo Warp Records, hace dos años atrás.

Nacido del hip-hop y divagando en la experimentación y la electrónica inteligente, Flying Lotus se ha ganado el apelativo de vanguardista. En Cosmogramma hay groove, humor y sapiencia: las fronteras de su paleta sonora se amplían aún más en un trabajo compositivo tan ambicioso cómo audaz y generando 18 tracks de improvisación y una especie de dinámico collage donde incluso se oye la influencia del jazz. El sonido del norteamericano resulta una exótica fusión de su cálida y sabrosa raíz negra con la frescura y eclecticismo de la escuela del sello británico, hecho que lo tiene encumbrado como uno de los más respetados artistas electrónicos en la actualidad.

Gabriel Reyes www.myspace.com/flyinglotus

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JAMES TEEJ

LOS PLANETAS

Evening Harvest (Rekids)

Ópera Egipcia (Sony BMG)

Después de 14 años en el negocio de la música electrónica, el canadiense James Teej logra coronar su carrera con un gran álbum. Aunque no lo pareciera, Evening Harvest es su estreno en largaduración. Lo suyo es el deep techno con guiños elegantes al house. Recuerda a Atjazz, Herbert, Phonique o Trentemoller. Su abanico es amplio, respeta el formato canción (con aciertos como ‘Late Blooming’ o ‘Monaco Villa’) y genera atmósferas que denotan talento y experiencia en la producción. Su obsesión comienza en 1995 en Alberta y se relaciona con sus primeros años de piano y guitarra. En 1997 debutó con un epé para su propio sello Reflection (bajo el nombre James T.) y tras mudarse a Toronto terminó remezclando a grandes del negocio. Su música es profunda, rítmica y logró cautivar incluso el rooster de Cocoon con la edición en 2009 de su single ‘Spending Life’. Y ahora se reinventa como James Teej.

Más vale tarde que nunca.

Fernando Mujica

El patronímico “Ópera Egipcia”, según el vocalista J, era empleado por los gitanos para catalogar lo superlativo, lo que escapa más allá de cualquier elogio pronunciable en este mundo. Con esas palabras, el artista ibérico quiso explicar el nombre del último disco de Los Planetas que, lamentablemente, no llega a estar completamente a la altura de su apelativo. Los motivos no los encontrarán escudriñando las doce canciones; ya que todo lanzamiento de los granadinos contiene una cantidad suficiente de gemas (‘La llave de oro’, ‘La pastora divina’, ‘Virgen de la soledad’). Sin embargo, el quinteto nuevamente sumerge su cabeza en la tarea de mezclar flamenco y ritmos gitanos con rock, cuyo primer conato (La Leyenda Del Espacio, del 2007) arrojó estupendos dividendos. Pero, en este tercer golpe, asoman los primeros síntomas de que un giro direccional no vendría nada de mal. Ya lo han demostrado en otras ocasiones.

Jean Parraguez

www.myspace.com/jamesteej

www.myspace.com/losplanetas

MOOD FU

MORENO + LATA

Mood Fu (Universal Music)

Mo(L)r(a)en(ta)o (Autoedición)

Las fiestas y la calle son el escenario que pone a sonar los beats del dúo Mood Fu. Desde el barrio mexicano de Coyoacán, los hermanos Pitha y Hassel (a.k.a Broducers) presentan su primer EP con cinco temas de un electro hip-hop cálidamente latino, que juega sin parar con el dialecto chilango-spanglish en rimas coloridas y alivianadas. Influenciados por el funk soul negro y por bandas sudamericanas que brillaron hace una década en este estilo (como IKV o Los Tetas), crean una atmósfera desenvuelta y encendida. Dos colaboraciones, una con la Niña Dioz (‘Boom Bap’), MC de la nueva escuela mexicana, y otra junto al gran Armando Manzanero (‘Cosas del Alma’), con una dulce orquestación y el maestro incorporándose al juego del rap, suman al debut de estos nuevos talentos que -con buenos pasos de baile heredados de su madre- en vivo son la fiesta.

Mariel Villagra

Mo(L)r(a)en(ta)o es un disco de remezclas de temas de Moreno (Giancarlo Landini), a cargo de Lata (Andrew Collyer). Los originales, de corte folk e indie rock, son transmutados hacia terrenos electrónicos, con beats y texturas propias del dub. Las intervenciones alternan entre la alegría, la sorpresa y la nostalgia. O, como dicen ellos mismos, “entre la ciudad y la playa, entre el surf y el skate”. Algunos temas recuerdan la electrónica de juguete de Bibio, con guitarras acústicas en ecos cristalinos y un montón de loops. La alternancia incluye pop y elementos bailables; el material de base lo proveen los álbumes Broma, Pica y el aún inédito Polaroids. El segundo de ellos ya había sido una de las buenas ediciones del año pasado, con sus aires de indie rock cercanos a la electricidad de Guided by Voices y los primeros Dinosaur Jr. Estas versiones adquieren vida propia, dándole un toque de humor y divertimento a las canciones de Moreno.

Rodolfo García

www.myspace.com/moodfu

Descarga gratis en: www.extravaganza.cl

devil presley

fotografía * marcelo leyton

DEVIL PRESLEY

Relámpago (Eje del Mal) Para muchos, los factores extramusicales son irrelevantes. Pero, al revisar el nuevo disco de los Devil Presley, cobran vital importancia. Relámpago tiene más de lo que se escucha, es un disco de aura pendenciera y agresiva, como si un matón del bajo mundo pudiese convertirse en rock. Y no cualquier matasiete, sino uno con la sabiduría callejera suficiente para redactar un decálogo de canciones que asoman garras y colmillos, aunque sea versionando a Neil Sedaka (‘One Way Ticket’) y Abba (‘Bang-A-Boomerang’). Eso sí, en el estricto plano sonoro, el cuarteto de Lo Errázuriz muestra avances significativos respecto a sus tres álbumes anteriores. Aunque grabaron en Sade con el productor JP Donoso, como acostumbran, ahora el grupo logró temas de estructuras sumamente accesibles, sin olvidar sus principios. Basta con escuchar ‘Puta’, ‘En la vida hay que pelear’ o ‘Huérfano’ para convencerse de que las guitarras duras y las voces aguardentosas jamás pasarán de moda.

Andrés Panes www.myspace.com/devilpresley

N3P7UNO

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NEW YOUNG PONY CLUB

N3P7UNO (KSN FAM)

The Optimist (The Numbers)

Ceaese y Drindoor son N3P7UNO, dos MC’s de armas tomar si se trata de montar fiesta en cualquier momento y lugar. DJ Sien y DJ Dzol son New Kids On The Noise, una de las más cotizadas parejas de pinchadiscos chilenas, capaces de convertir un velatorio en carnaval. Como es de suponer, una colaboración entre ambos equipos es la panacea contra el tedio de la rutina y el gris de Santiago. Este álbum homónimo es hedonismo de alta definición y a todo color, para celebrar los placeres que profesan las 25 canciones que incluye el disco: chicas, baile, sexo y marihuana en cantidades industriales. Rap electrónico, fabricado en base a crunk y house, animado por fluorescentes beats hipnóticos que invocan al divertimento. Con canciones como ‘Universo Paralelo’, ‘Lonely People’ (con sample de ‘Eleanor Rigby’ incluido) u ‘Ocultos’, cualquier día es viernes por la noche. El perreo no es patrimonio exclusivo del reggaeton.

Andrés Panes www.myspace.com/n3p7uno

NEW YORK ART QUARTET

PHILIPINA BITCH

Old Stuff (Cuneiform)

Eine Langsame Abend (Tue Tue)

Cuando aparecieron con su EP homónimo, hace cuatro años, este combo inglés sonaba como una mezcla precisa de Le Tigre, Ladytron y Tom Tom Club calculada para la pista de baile. Fresco, simple y entretenido. Hoy en el 2010 mucha agua ha pasado bajo el puente y lo que se espera de su segundo elepé no puede ser más de lo mismo, sino un trabajo que les haga avanzar. Y se puede decir tranquilamente que cumplen con el encargo. The Optimist destaca desde el primer acercamiento como un álbum con nuevos referentes, desde la imaginería à la Scott Walker, en la portada, hasta el contenido musical, que suena más oscuro y denso sin perder la coquetería glam (‘Chaos’, ’Stone’ o ‘Dolls’), tal como lo hizo hace 37 años Roxy Music con su For Your Pleasure.

Lejos de quitarle identidad a New Young Pony Club, resulta una comparación para sentirse verdaderamente orgulloso.

Martín De Mussy

Es difícil comentar un disco de free jazz. Estamos tratando con un estilo musical poco comprendido por algunos especialistas, ya que estamos oyendo sones sin estructura fija, en que los instrumentos muchas veces suenan desordenados y el caos reina en los audífonos. Sin embargo, en medio de todo ese campo minado sensorial le encontramos un sentido claro a lo que nos quieren decir bajo una mirada experimental, original y desquiciada. Con una larga trayectoria que comienza en 1964, sorprende que New York Art Quartet posean sólo tres trabajos previos a éste, pero se explica por la postura de mantenerse siempre con un bajo perfil. En todo caso, estos veteranos del Jazz saben cómo meter bulla y con alevosía. En un formato en vivo que da la frescura y la instantaneidad de una fotografía, pero una ruidosa, muy ruidosa.

Jorge Rubio

Después de cosechar buenos comentarios con Vecindad Maldita, su segunda placa, Philipina Bitch nos ofrece una visita guiada por las sesiones de ese disco. Eine Langsame Abend es un EP de rarezas y descartes, en el que los penquistas invitan a pasar al living de su casa y sentarse con ellos a escuchar qué sale mientras tocan. En México, usarán la misma portada y la traducción al español del título en alemán (es decir, Una Tarde Lenta), pero con un tracklist recopilatorio de su catálogo.

Para los chilenos, el trato es diferente.

Felipe Ruz y Sebastián Orellana, junto al batero Iván Molina, desclasifican sus registros en un acto de loable transparencia. Las canciones pueden ir desde lo absurdo de ‘¿Qué Pasó Felipe?’ y ‘Después de Almuerzo’, hasta la épica enajenación de ‘Viadil Quería Casarse (Toma 1)’. Que entren los curiosos: las puertas se hallan abiertas de par en par. Estamos en confianza.

Andrés Panes

www.myspace.com/newyoungponyclub

www.myspace.com/cuneiformrecords

www.myspace.com/philipinabitch

PICASTRO

Portugal

Become Secret (Monotreme)

Viajes de Memoria (La Somba)

Picastro es una curiosidad por donde se le mire, desde su nombre en adelante.

Un trío canadiense cuya estructura (guitarrista, cellista y baterista) parece más bien propia de algún tipo de música de cámara. Sin embargo, su sonido (que bautizaron como sleep rock, en indirecta alusión a influencias de bandas como Cocteau Twins) es una historia distinta.

Mezcla de lo ya mencionado con pianos y sintetizadores ocasionales, la suma de todas las partes se hace oscura hasta la saciedad. Son los arpegios, los acordes de piano. Es el tempo lento, el espíritu de atmósferas nubladas y la voz de Lyz Hysen, que suele ser breve y un poco quebradiza, pero tremendamente atractiva. Como una femme fatale en el ocaso de sus días, perturbadora y fácil a la vez.

Become Secret, si se quiere, es tierra fértil en un mundo aparte: aquí no hay pastiches, clichés ni fórmulas. Sólo simplezas, nueve temas y media hora en una burbuja envolvente, en un secreto bien guardado.

Sebastián Amado C.

En un mundo subyugado ante las emociones, Portugal serían amos y señores.

Viajes de Memoria, el debut del grupo, hace de la sensibilidad un deporte extremo. Mariano Hernández, letrista único y productor del álbum (junto a Matías Figueroa y Pepe Lastarria de Drogatones), aparece como autor intelectual de las canciones de la banda y principal culpable de que el disco sea una prueba de fuego. Y es que, si cortes como ‘Nuestro Momento’ o ‘Donde Debo Estar’ no logran conmoverte, estás en problemas: perdiste la ternura. Pero, si ése es el caso, este quinteto nacido en San Antonio podría devolvértela a golpe limpio. Son 10 temas de factura impecable, esquemas impredecibles y temáticas confesionales, casi dolorosas. El piano de Valentino Baos le hace un flaco favor a los apáticos, imprimiéndole a este trabajo una atmósfera íntima y ensoñadora que será el deleite de los introspectivos.

Una placa sumamente endulzada, pero con azúcar de la mejor caña.

Andrés Panes

www.myspace.com/picastro

Descárgalo gratis en: www.extravaganza.cl

RATATAT

ROSAMARI

LP4 (XL)

Rosamari (Autoedición)

Una leve tendencia étnica, que se filtra entre los beats afilados a los que nos han acostumbrado. Un aumento considerable a las intervenciones de instrumentos orgánicos (cuerdas, vientos, percusiones, sampleos de voces) en sus temas. Dos novedades patentes, constantes que enriquecen el regreso de Ratatat. Desde ‘Bilar’, el track que abre LP4, se hacen evidentes los nuevos juguetes compositivos, que se unen de forma natural con su música. Nuevos elementos e influencias, todos al servicio de un álbum en que su lúdico sonido habitual, ya perenne a estas alturas, a ratos parece haber sido embadurnado con matices de dureza. Y es que, si bien siempre han tendido a la sicodelia, nunca antes habían coqueteado con el trance como en esta entrega. Quizás es más oscuro de lo que muchos hubieran esperado después de ‘Mirando’, pero tranquilos: éste es un disco que no decepciona.

Más bien, te puede dejar pegado.

Sebastián Amado C.

Son tres, se conocen desde el colegio y todos están empezando a degustar ser veinteañeros. El trío Rosamari debuta con un LP de 10 canciones que exteriorizan su paisaje interno, pintado con influencias elegidas por su fijación en las guitarras (de hecho, una de las mejores canciones del disco se llama ‘Stella Sonic’ y recuerda a la clásica ‘Accelerate’ de Sonic Youth).

Como primer álbum, esta placa homónima –grabada y mezclada por Pablo Giadach de The Ganjas y Casino- cumple porque deja proclamada la buena nueva: esta banda tiene carácter. Y mucho. De poder sortear los avatares del camino y conservar su desgarbo, al grupo santiaguino le espera un futuro que se atisba en las inyectadísimas ‘Alen’, ‘Novena’ y ‘Al Frente’, donde transpiran un rocanrol capaz de animar el espíritu de cualquier tocata. Juventud, divino tesoro.

Andrés Panes

www.myspace.com/ratatatmusic

www.myspace.com/rosamarichile

SAGE FRANCIS

SAM AMIDON

Life (Epitaph)

I See The Sign (Bedroom Community)

Los elementos de Life son como distintos hijos adoptivos de un excéntrico padre. Guitarras melancólicas, indie, folk.

Beats que no van con la línea del clásica del hip-hop, más bien son downtempo.

Finalmente parafraseos y líricas del rap vieja escuela, pero con la contingencia ácida que amerita este tiempo. Warhol, si fuese adepto a las rimas, aplaudiría este disco. Tiene un sabor lluvioso que la velocidad de los versos no quiebra.

Cada palabra destaca la presencia de los acordes y riffs del álbum, que entrega mucho más que la acostumbrada crítica concienzuda y va más allá, aportando buenas canciones, llenas de quiebres, intensidades, momentos en los que se reconoce que las notas estás puesta para iluminar las letras que componen el verso. Los arreglos, que afinan el folk de los guitarreos, toman los tracks para subir a Sage Francis un peldaño hacia lo que se llama innovación.

Rodrigo Mérida

Desde Nueva York nos llega este muchacho cantautor, quien ha tenido participación en diversos compilados de músicos independientes para los sellos Talitre Records y Vicius Circle. Éste es su quinto disco, siempre en la misma línea melódica de sus obras anteriores: temas llenos de simpleza y sentimiento. No es nada nuevo lo que nos propone Amidon, pero es algo que posee un cariz delicado en que sus letras nos transportan a parajes románticos o hacia algún lugar en la oscuridad de la nostalgia. Hay que insistir en que no estamos frente a la promesa del indie lento y romanticón; eso sí, se sabe sostener en medio de todos los que propulsan este estilo. Es en el correr de la placa cuando nos percatamos de que estamos dentro de una estela de niebla que no nos deja cambiar el disco hasta el final, pues nos encontramos frente a alguien que sabe poner una canción con bonitas letras en tus oídos.

Jorge Rubio

www.myspace.com/sagefrancis

www.myspace.com/samamidon

SCUBA

SIMPLIFIRES

Triangulation (Hotflush)

The Flavour of Been (Tamarindo)

Paul Rose, alias Scuba, es dueño de Hotflush records y uno de los nombres que hace más interesante y versátil el término dubstep en la actualidad. Luego de lanzar el más ortodoxo A Mutual Antipathy el 2008 y una compilación de artistas llamada Sub: Stance este mismo año, el británico radicado en Berlín se consagra con uno de los discos electrónicos más notables del último tiempo. A Rose no le interesa el dubstep pesado de club: lo suyo es la profundidad, la atmósfera y el punto de encuentro con el techno. Triangulation yuxtapone con detalles y pinceladas, lo oscuro, lo inteligente y lo sensual de manera perfecta. Es música meditativa más que energética, más sensitiva que visceral, como se nota en la misteriosa ‘Minerals’, la intensa ‘Three Sided Shape’ o el final épico de ‘Lights Out’. Una obra visionaria, balanceada e irresistible.

Gabriel Reyes

El fenómeno de los mexicanos angloparlantes se produce luego del descenso de la oleada del rock latino noventero y el cambio en las estrategias de la industria musical. Simplifires no es la excepción; se forman en el D.F. con Shine, Rodrigo y Alex jugando de locales y el irlandés Dave O al frente en la voz. Para ellos, hacerlo en inglés tiene una razón de ser: es la lengua natural del cantante y sus letras fluyen por estructuras musicales alternativas y complejas, con timbres y fraseos que transportan al folk de su tierra natal. Rock de cadencia profunda, indie actual, emparentado a la sonoridad de Radiohead, U2 o The Killers, nos muestran -en este EP de cinco canciones- su segunda publicación, mezclada por John O’Mahony (Guns N’ Roses, Coldplay) en Electric Lady Studios, NY. Se nota un desarrollo con respecto al primer disco: hay madurez, concentración y muchas horas de trabajo. Buenos ingredientes para un plato de rock internacional.

Mariel Villagra

www.myspace.com/paulhotflush

www.myspace.com/simplifires

THE DEAD WEATHER

THE GET UP KIDS

Sea of Cowards (Warner)

Simple Science (Simple Psyence) (Vagrant Records)

La expectación era grande por conocer cómo sería el nuevo hijo de The Dead Weather y la banda conformado por Mosshart, White, Fertita y Lawrence nos traen una placa de 11 temas que –fácilmente- estará dentro de los destacados del rock de este 2010. Y es que Sea of Cowards es la combinación perfecta de las pretensiones de estos músicos, en un mundo alimentado con sonidos retros y sicodélicos en el que predominan las texturas, en parte gracias al teclado del miembro de Queens Of The Stone Age. De hecho, parte con un tridente espectacular conformado por ‘Blue Blood Blues’, ‘Hussle and Cuus’ (con una gran interpretación de la vocalista de The Kills) y ‘The Difference Between Us’. Pero es ‘Gasoline’ el track que se roba gran parte de la atención, gracias a un ritmo zigzagueante y a la interpretación de la fémina del grupo, que es simplemente descollante. Un disco que puede arreglar cualquier clima y que no se puede parar de escuchar. Digno de un supergrupo.

Andrés Venegas

En el 2005, The Get Up Kids tomaron como medida dar un paso al costado y, tras diez años, inauguraron un cese en sus actividades como banda. Eso duró hasta mediados del 2008, cuando interrumpieron el hiato para celebrar la década de Something To Write Home About con una gira que los embarcó por diversas partes del mundo. Al parecer, el hecho de recomponer el vínculo los entusiasmó de tal modo, que decidieron grabar nuevas canciones. El punto cúlmine de esta reformación se puede escuchar en Simple Science. Un trabajo que consta de cuatro canciones que no difieren mucho del estilo que los transformó en un combo modelo para grupos como Blink 182, Jimmy Eat World o Fall Out Boy, algo efectivo y absolutamente reconocible para los fans. Además, Matthew Pryor y los suyos planean lanzar dos EPs adicionales en el transcurso de este 2010, lo que a fin de cuentas es un claro rasgo de buena salud.

Jean Parraguez

www.myspace.com/thedeadweather

www.myspace.com/thegetupkids

THE NATIONAL

THE NEW PORNOGRAPHERS

High Violet (4AD)

Together (Matador)

High Violet, el quinto trabajo de The National y el primero publicado bajo 4AD (emblemático sello y casa de Cocteau Twins, Pixies y Dead Can Dance, entre otros), más allá de cumplir las altísimas expectativas que lo acompañaban, es una colección de buenas canciones con inspiradas letras y enormes arreglos, sin la necesidad de apelar a efectismos como aventurarse en grandes expediciones sonoras. Comenzando con la intensa y contenida ‘Terrible Love’, con la profunda y solemne voz de Matt Berninger -casi incorporándose como un instrumento más- sigue con la obscura y nostálgica ‘Sorrow’. Sin caer en el drama excesivo, más pop y potente, ‘Bloodbuzz Ohio’ pasa a ser el perfecto single; otros puntos altísimos son la sutileza de ‘Conversation 16’ y la encantadora ‘England’. Cada uno puede hacer su propia lectura e incluso pensar que éste puede ser un disco continuista, pero es una obra redonda y lo mejor en lo que va del año.

Rodrigo Mahana

El quinto disco de este supergrupo de estrellas indies (Neko Case, A.C. Newman y Dan Bejar, entre otros) sigue con firmeza la veta alegre, expresiva e inteligente de sus primeros álbumes. Pero acá se nota que hay algo más: cada uno ha traído algún descubrimiento de sus exploraciones en solitario para darle un carácter diferente al equipo. Y eso se agradece. Aunque la mayoría de las canciones de este combo canadiense están compuestas por Newman, es Case la verdadera inspiradora de Together. Está lo mejor de ella en canciones como ‘Crash Years’ o ´My Shepherd´, que suenan casi tan grandes como ‘Hold On, Hold On’, su joyita en solitario. Al final, es esa sensación de colaboración conjunta, que da espacio para que los demás se luzcan, lo que hace que éste no sea un simple equipo, sino una verdadera selección en su mejor momento.

Martín De Mussy

www.myspace.com/thenational

www.myspace.com/ thenewpornographers

fotografía * camila peña

discos

DENST

El Hombre Ilustrado (Autoedición)

Imagínate una sala de clases llena de raperos. Los hay fiesteros, agresivos y rebeldes, pero en el rincón está el nerd del curso, ése que pasa las horas haciendo dibujos en su cuaderno. Se llama Jean Pierre Dinamarca, en la calle le dicen Denst y todos lo conocen por sus dotes como muralista. Pero no sólo sus manos pintan, también lo hace su lengua, apoyada por una imaginación casi orate que convierte a El Hombre Ilustrado en un devaneo estrafalario. Después de dos maquetas y un EP, el oriundo de Conchalí por fin debuta y de qué manera: barriendo el piso con la monotonía. El disco es cualquier cosa, menos aburrido. En él, podemos encontrar alegatos por el precio de los tarros de spray, personalidades múltiples e impagables imitaciones a otros MC’s, entre decenas de sorpresas más, como la colaboración de Movimiento Original o el delirante ‘Interludio 1: Análisis del Capitalismo según Froyd y mi compare El Tormenta’. Bienaventurados sean los locos.

Andrés Panes www.myspace.com/denst_

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¿se te pasaron? por carlos torrejón

THE SOULJAZZ ORCHESTRA

THE VERY MOST

Rising Sun (Strut)

A Year with The Very Most (Indiecater Records)

Desde su creación el 2002 en Ottawa, Canadá, la Souljazz se ha convertido en una de las bandas más potentes en su territorio. Tomando como influencias a la vena un estilo que, sin esfuerzo, nos remonta hasta algún sitio entre los años ‘60 y ‘70.

Con el alma regocijada de fusión del jazz, el afro y los ritmos latinos en su música, además de ir de la mano con el plan de seguir la vieja escuela del buen Fela Kuti, Mulate Astatke o los mismos Hypnotic Brass Orchestra. A pesar de sonar como los recién nombrados, cabe resaltar lo actualizado de su sonido, sin dejar de lado el gustillo análogo del cambio de las notas. En Rising Sun, estamos presentes ante un disco que tiene la particularidad de estar grabado con la ejecución de más de treinta instrumentos diferentes, lo que crea un cuadro rico en sones jazzeros, pero no del clásico, sino uno mundial: siempre marcado por fuertes ritmos africanos.

Jorge Rubio

Cada estación del año tiene su ritmo.

Cada temperatura, su sintonía personal. The Very Most, en un ejercicio indie pop de factura exquisita, quiso poner esto en canciones. En su tercer disco de estudio, los chicos de Idaho, Estados Unidos, decidieron no dejar nada al azar. Cada canción está dispuesta como el sinónimo de una estación. Desde los sonidos alegres, frescos y reconfortantes de la primavera hasta la introspección relajada y positiva del invierno; toda estación tiene lo suyo, con su sonido particular. Un álbum con alegría desbordante, que incluye guitarras, pianos, sintetizadores, castañuelas y voces sutilmente relajadas. Un suspiro de año completo. Un verdadero “disco del año”. No por nada lleva por título A Year with The Very Most.

Diego Huenchur

www.myspace.com/souljazzorchestra

www.myspace.com/theverymost

THIEVES LIKE US

Tying Tiffany

Again and Again (Shelflife)

Peoples Temple (Trisol)

Seguramente, los hijos de Kubrick se sentirán felices de que una banda esté logrando una odisea profunda, sintética y agresiva, sin caer en el abuso de samples innecesarios. Thieves Like Us proyecta la tendencia new wave de la electrónica en los últimos años, pero nos entrega algo más que luces de neón o flúor. Tienen la delicadeza que propuso Erlend Øye cuando apostó como solista.

Electrónica que va más allá de un paseo por los efectos de un programa o las funciones del sintetizador, la idea es realizar música en función de un contenido creativo, que se acompaña por la intensidad que entrega el teclado. La canción ‘The Walk’ permite entender la utilidad de las máquinas, que no pasan de ser sólo un instrumento y bien utilizadas aportan de sobremanera al objetivo del discurso en la composición. Again and Again es una película de muchas estrellas, en la que cada componente actúa con carácter para mejorar el producto final.

Rodrigo Mérida

Haber sido la encargada de telonear a personalidades como Iggy Pop, Tiga, Alec Empire y Pennywise, teniendo tan buena aceptación como ellos, logró la influencia necesaria en Tying Tiffany para conseguir el sonido de su tercer álbum. En Peoples Temple, encontramos electro-post punk al 100%. Con residuos de lo que dejó el electroclash, la italiana se pasea desafiante, con actitud y desbordando sensualidad extrema; ésa de látex y metal. Oscuras texturas como en ‘Miracle’ y ‘Storycide’, los destellos góticos de ‘Cecille’, las maquinales bases (sin caer en lo industrial) de ‘Border Line’ y un perfecto digital hardcore en ‘Show Me What You Got’. En 10 tracks, esta chica (quien es también DJ, actriz y modelo de Suicide Girls) nos ordena una sola cosa: ella es la que está al mando.

Cristián Carrasco

www.myspace.com/thieveslikeus

www.myspace.com/tyingtiffany

discos que debes escuchar...

Failure Fantastic Planet (Slash Records, 1996)

Corrían los noventas en Norteamérica y -en medio del bombardeo mediático de las multinacionales por promover los últimos estertores del grunge- surge una camada de grupos que, mayoritariamente, sólo cuentan con difusión en las radios college de la época. Uno de los representantes de este sonido, mezcla de melodías agridulces con atisbos de intelectual universitario y guitarras saturadas, es Failure. Trío que logró un mediano reconocimiento gracias a su tercer disco, Fantastic Planet, editado en 1996 por Slash Records. Un álbum que recoge mucho de Pixies y Sonic Youth; dándole a sus canciones un toque grandilocuente, jugando al límite con melodías que mezclan el ruido y la elegancia. Gracias a su single ‘Stuck on You’, lograron destacarse sobre la media junto a grupos como Hum, Swell y Drop Nineteens. Lamentablemente, el cuarteto pasó desapercibido por culpa de la sobrepoblación de bandas de sonoridades similares y dudosa calidad. Por tales motivos, esta placa se convirtió en una de esas joyas que, con el paso de los años, se aprecian cada vez más.

Catherine Sorry (TVT Records, 1994)

Catherine es un grupo de canciones luminosas, aunque a veces sus letras sean ácidas y en otras ocasiones, definitivamente lastimeras. En ellos, el fulgor de las melodías es lo preponderante. Provenientes de la ciudad de Chicago, contaron con la bajista de Smashing Pumpkins, D’arcy, como madrina musical. Y era que no: su música va por el lado sónico de sus coterráneos, con un estilo que destaca por el fuzz y medios tiempos. Ya, en el arte de Sorry, dejan ver su declaración de principios con la frase en inglés “better living through noise” (“mejor vivir a través del ruido”). Esta placa se acerca mucho a Gish en intención y cantidad de drive en los pedales, pero no logra la sutileza de Corgan y compañía. No obstante, es un disco emotivo por donde se le mire. Uno de esos trabajos que te atrapa desde el principio y no te suelta hasta su último tema. Muy recomendable para alumbrar esas oscuras tardes de lluvia que se nos vienen.

vitrina

CEREBRO. PALPITANTE Benjamín Ossa es un artista de la camada sub 30 que está dando qué hablar. Con premios recientes en exposiciones del MAC, el Bellas Artes y la UC, ha dejado en claro que -aunque su trabajo sea cerebral e intensa- no deja de sorprender entre los que saben y disfrutan del arte actual. Con inspiraciones que nacen desde el movimiento minimalista, la Bauhaus y la propia naturaleza, lo de Ossa es una nueva forma que va más allá del concepto habitual de pintura, ofreciendo trabajos y objetos que hacen involucrarse al espectador desde la mirada del volumen, el color y el movimiento. “Quiero que quien vea la obra sea un agente activo; que participe de mi investigación”, dice él con tono de invitación. Un convite que se puede aprovechar en la Galería Artespacio o recorriendo su catálogo online. Y que, de paso, sirve para reconocer cuán bien avanza la escena chilena que pocos se atreven a descubrir. www.artespacio.cl Martín De Mussy

LA TIERRA que HABLA Alejandro Quiroga –pintor, grabador y músico- se ha caracterizado a lo largo de su carrera por desarrollar una experimentación constante entre lo sonoro y lo visual. Fue uno de los miembros fundadores de Radio Ruido, colectivo que expuso la primera muestra de arte sonoro en el Museo Nacional de Bellas Artes, y también ha tocado con bandas como The Ganjas y Tsunamis.

En estos momentos se encuentra exponiendo, en Galería Animal, la muestra Fine Tunning Vol. V / La tierra que habla. En ella, a través de temáticas puestas sobre el papel, entrega una propuesta que se mueve entre lo fotográfico y lo pictórico, siempre en el marco de una búsqueda gráfica. Usando como unidad de producción la mancha, es capaz de producir escenas que van de lo realista a lo abstracto.

Los ejemplares hablan de la naturaleza, la relación entre el hombre y el entorno, entre otras temáticas.

Estos son lugares comunes dentro del imaginario colectivo, reales o no, que verdaderamente producen una resonancia en el espectador.

La muestra comenzó el 18 de mayo y se extenderá hasta el 19 de junio en Galería Animal, en Alonso de Córdova 3105, Vitacura. www.galeriaanimal.cl Javiera Tapia Flores

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felipe santander: Tener algo que contar Estamos acostumbrados a ver obras consumadas, edificios construidos y todo en su momento final. Pero, ¿alguna vez te has preguntado qué es lo que pasa por la cabeza de los artistas en ese momento de inspiración?

Es sobre esta incertidumbre que Converse lanza su nueva campaña, junto a un grupo de pintores, poetas, músicos, actores, ilustradores, fotógrafos, constructores, diseñadores e individuos creativos capaces de ver las cosas más allá de lo que realmente son.

En Chile, el escogido es Felipe Santander, quien realiza una técnica manual que ha denominado “gráfica textil”, que consiste en crear imágenes con recortes de retazos textiles mediante una máquina de coser.

La vida de Santander siempre estuvo ligada a este campo. Por una parte, su padre trabajaba en imprentas, mientras que su madre ocupaba su tiempo en máquinas de coser como las que él usa. “Esos dos universos siempre me estuvieron acompañando, lo que hice durante los años siguientes fue alimentarme de referentes (películas, música, lugares, libros, y muchas cosas más), tengo una extraña fascinación por el mundo en términos visuales”, afirma Felipe.

Luego de pasar por diseño gráfico, trabajó en agencias de publicidad y estudió artes plásticas. Aquí es cuando, a través de las clases de serigrafía, el diseñador comienza a experimentar con su técnica de gráfica textil.

Javiera Tapia

Para Santander, el uso de los componentes se resume en que “cualquier cosa que mi máquina pueda coser, me sirve. Sin embargo, mi línea está mucho mas orientada al pop y a los colores planos. Por eso es que los plásticos y todo tipo de material sintético está más relacionado de manera conceptual con las imágenes que me interesa abordar”, destaca.

Su producción parte de un principio básico: tener algo que contar.

“Terminada la investigación, el proceso de manufactura parte por la elaboración de cada pieza en forma digital, a través de ilustraciones vectoriales, así que cuando tengo los patrones para empezar a cortar y coser, a darle vida con todas sus texturas, tengo la seguridad de que la obra será exactamente como la imaginaba”, declara el diseñador. ¿Y qué sigue a continuación? Felipe se encuentra trabajando en su próxima exhibición, que tendrá como título So Broken. “Toda la muestra recoge referentes musicales, de hecho, el título es un tema de Björk y cada una de las piezas tienes alusiones a letras de canciones. Paralelo a esto, trabajo en las ilustraciones de un libro objeto con poemas de la escritora Andrea Ocampo, para la editorial Ripio.

El concepto del libro está inspirado en un grupo de niñas que siguen a Michael Jackson, por lo que estoy escuchando toda su discografía, viendo algunas películas y muchas fotos”.

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Waajeed

Club Subterráneo Jueves 27 de mayo Fotografía * Diego Maya

Laetitia Sadier Centro Cultural Amanda Viernes 30 de abril FotografĂ­a * Diego Maya

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ESENCIA

Salón Cienfuegos Jueves 13 de mayo Fotografía * Diego Maya

Tunacola

Centro Cultural Amanda Viernes 21 de mayo Fotografía * Wladimir Rojas

ZZ Top

Movistar Arena Martes 18 de mayo FotografĂ­a * Pablo Villagra

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We Have Band Industria Cultural Viernes 28 de mayo FotografĂ­a * Diego Maya

Chinoy

Teatro Normandie Sábado 15 de mayo Fotografía * Javiera Tapia

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Yann Tiersen

Teatro Nescafé De Las Artes Viernes 28 de mayo Fotografía * DIego Maya

CJ Ramone

Teatro Caupolicán Jueves 27 de mayo Fotografía * Pablo Villagra

conectados

Javiera Sanhueza Ramonet * 21 Años * Estudiante de Diseño Industrial •MGMT – Congratulations / • Portugal. The Man – American Ghetto / • Gepe – Audiovisión / • Beach House – Teen dream / • Caribou – Swim / • Florence + The Machine – Lungs / • The XX – XX / • Two Door Cinema Club – Tourist History / • Hot Chip – One Life Stand / • New Young Pony Club – Optimist

Paula Tejeda Alfonso 27 Años Estudiante de Publicidad • Ray Charles - The Very Best of Ray Charles • Regina Spektor - Far • Arctic Monkeys - Favourite Worst Nightmare • Los Ex - Pistola de Plástico • Interpol - Antics • Interpol - Our Love to Admire • Pulp - Different Class • Bill Withers - Just As I am • The Notwist - Devil, You + Me •. Coldplay – Viva la Vida or Death and All His Friends

Julio Palma Guzman 27 años Cesante Ilustrado • Pink Floyd – The Wall • Pink Floyd - Live on Pompeii • Pink Floyd – The Dark Side of the Moon • Nirvana - Nevermind • Iron Maiden – The Best of the Beast • Sepultura - Roots • The Doors – Morrison Hotel • Jimi Hendrix - Experience Hendrix • Pearl Jam - Ten • Pink Floyd – See Emily Play

Fernando Plá 36 Años Músico • Portishead - Third • Radiohead - In Rainbows • The Supersónicos - Hola Estática • Dj Raff - Travelling Partners EP vol. II • Fernando Milagros - Por Su Atención, Gracias • Echo & the Bunnymen - Ocean Rain • Living Colour - The Chair in the Doorway • Editors - An End Has a Start • Gorillaz - Plastic Beach • The Cure - Disintegration

Isidora Durán Ossa 21 Años Estudiante de Diseño de Vestuario • Pulp - This Is Hardcore • Sonic Youth - Dirty • Supernova - Supernova • Crystal Castles – Crystal Castles • Yeah Yeah Yeahs - Fever to Tell • Yeah Yeah Yeahs - It´s Blitz!

• Alaska - Alaska y sus Canciones de la Movida • Los Ex - Cocodrila • Los Ex - Caída Libre •.Vurus - Greatest Hits

Pedro Fernández Pérez 22 años Estudiante Ingeniería Civil • The Dodos – Visiter • Wolfmother – Wolfmother • Delorean – Subiza • The Blue Van - The Art of Rolling • Broken Social Scene - Forgiveness Rock Record • Kings of Convenience - Riot on an Empty Street • Watch Out! - To Live and Leave • Yeasayer - Odd blood • The Decemberists – Picaresque •. Disco Drive - Things To Do Today

Álvaro Rodrigo Gutiérrez Reyes 22 años Estudiante de Ingeniería en Sonido • autoKratz - Always More • Fukkk Offf - Remix Is King • Kavinsky - Nightcall (EP) • Kraak & Smaak - Plastic People • Mouse On The Keys - Sezession (EP) • Nas - It Was Written • Portugal. The Man - The Satanic Satanist • Quiero Club - Nueva América • Soulwax - 50 Milion Soulwax Fans Can’t Be Wrong • Shinichi Osawa - Teppan-Yaki A Collection Of Remixes Martín Jerez Fuguet 18 Años Estudiante de Periodismo • Sonic Youth - The Eternal • The Verve - A Storm in Heaven • The Verve - Verve EP • Spacemen 3 – The Perfect Prescription • The Stone Roses - Second Coming • Sigur Rós - Von • Slowdive - Souvlaki • Neutral Milk Hotel - In the Aeroplane Over the Sea • Springlizard - Dreams of the Wolf • Marillion - Fugazi

Lautaro Emilio Rebolledo Canales * 22 años * Estudiante Universitario • Radiohead - Kid A / • Radiohead - Amnesiac / • Cut Copy - In Ghost Colours / • Travis - Singles / • Blur - 13 / • Albert Hammond Jr. - Yours to Keep / • Beck - Odelay / • Devendra Banhart - What Will We Be / • The Rapture - Pieces of the People We Love / • . The Rapture - Echoes Andrés Martorell Henríquez 21 Años Estudiante de Fonoaudiología • Opeth - Blackwater Park • CocoRosie - Gray Oceans • Cómo Asesinar a Felipes - Un disparo al centro • Tricky - Maxinquaye (Deluxe Edition) • Latin Bitman - Colour • Ulver - Blood Inside • Tool - Lateralus • Melvins - The Bride Screamed Murder • Conspirazión - Apaga la Tele!

•. Johnny Cash - Ultimate Gospel

10 canciones que debes descargar WE HAVE BAND – HONEYTRAP Aromas de Devo, new wave perdida del año ‘81 y actitud post punk contagiosa. Acaban de pasar por Chile y su disco WHB recién fue editado. Es una muestra de su potencia. ‘This is your choice, it’s time we choice’. Un himno generacional, aunque muy fresco aún.

ASPASIA – THE MAD PROPHET OF THE AIRWAVES Corte que abre El Último Hombre, segundo experimento de Aspasia, que mimetiza post-rock y hardcore en nueve odas instrumentales que retratan de forma inclemente y crítica nuestra sociedad actual. Lo mejor de todo, puedes descargarla gratuitamente en su MySpace.

TORO Y MOI – LISSOMS La forma en que se mueve y se desenvuelve este Causers Of This, discazo de Chazwick Bundick (Toro y Moi), se ve reflejado en esta canción. Mil capas sobrepuestas en ritmos sincopados que no pertenecen a la vida real.

FM BELFAST – PUMP El downtempo, el pop de computador y la electrónica inteligente se nutren del humor y la ironía de tres islandeses que rehacen el clásico de Technotronic para su brillante debut de electro punk How To Make Friends.

CLARA MOTO – DEER AND FOX Ganadora de un Redbull Music Academy, esta rubia se aventura con un trabajo minimal y muy contagioso. Aquí la acompaña Mimu y este beat de carretera es uno de los puntos altos de su disco debut, Polyamour.

JJ – Let Go Con la imagen latente que Marianne Faithfull dejó en los ‘60, el dúo de rubios JJ apuesta por un pop atmosférico y de terciopelo, en apenas tres minutos de miel barroca.

New Young Pony Club – Oh Cherry New wave en todo su esplendor. El cuarteto británico grafica una madurez inesperada y en Optimist suenan limpias, contagiosas y matemáticamente rítmicas. ‘Oh Cherry’ se suma a su coreado single ‘Chaos’.

Booka Shade – The Door Atrás quedaron las religiosas barreras entre las etiquetas electrónicas.

En More, los alemanes mezclan de todo y su beat electro house, de pulida sincronización, encuentra su clímax en ‘The Door’.

JÓNSI – TORNADO Go es su primer paso en solitario y quedó claro que no pretende dejar a un lado el frenesí religioso que logra como Sigur Rós. Parajes indescifrables, notas altas y los atributos de sobra para ser banda sonora en sí misma. ¿Qué siente y qué pasa por la cabeza de Jón Þór Birgisson?

Audio Bullys – Only Man Parece que los años no agotan la fórmula del dúo londinense. Con el mismo beat de hip-hop eléctrico de Ego War, su álbum debut, los Audio Bullys apuestan por un corte promocional directo cargado de funk rock sintético.

3 videos que debes ver Foals – Spanish Sahara Grabado en Inverness, Escocia, este video de casi siete minutos da un vuelco total en cuanto a lo que nos tenía acostumbrados esta banda. Un trabajo totalmente introspectivo y gélido, pero aun así rítmico, parte de la esencia de Foals.

Slow Club – Giving Up On Love Con el comediante británico Mackenzie Crook en primer plano, Slow Club nos muestra un video tragicómico y visualmente contradictorio, un ambiente frío con una máquina colorida y brillante, que es uno de los puntos en el que radica su riqueza.

CocoRosie – Lemonade Bianca y Sierra nos entregan un trabajo surrealista. Una elipsis temporal brillante, que se enaltece con la combinación de voces y sintetizadores que, sin duda, hacen de ‘Lemonade’ una de las mejores canciones de Grey Oceans.