MAYO 2011 // DISTRIBUCIÓN GRATUITA
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Jamie Lidell
el sueño de la casa propia miami horror inverness coachella beastie boys föllakzoid
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extravaganza nº 85
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Inverness Recién llegados de la versión 2011 del SXSW, la banda comandada por Rodrigo Jarque está más afiatada que nunca.
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El sueño de la casa propia Con un gran debut en el 2010, y un nuevo disco, José Manuel Cerda es una de las revelaciones de la electrónica criolla.
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Miami Horror Los australianos se presentaron hace un par de semanas en el aniversario de Club Fauna. Fernando Mujica aprovechó la oportunidad para conversar con ellos.
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Jamie Lidell Justo un día antes de su presentación en Santiago, Javiera Tapia se reunió con uno de los artistas más carismáticos del momento.
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extravaganza nº 85
Carol Bravo Esta publicista dice que prefiere ir a un concierto que a comprarse ropa. A pesar de esto, algo de consumista tiene, pues su mayor adicción son los mercados y las ferias de antigüedades. Colecciona chucherias de todo tipo, siempre que tengan más de cincuenta años. Hoy se encuentra en Extravaganza! ayudándonos con los temas de marketing y ventas (alguien tiene que hacer el trabajo sucio).
Luis Felipe Fuentealba Llegó por un aviso que vio en twitter sobre alumnos en práctica. Así, este egresado de Periodismo de la Universidad Gabriela Mistral se unió al staff y ya lleva dos meses a cargo de las noticias de nuestra página web. En el futuro, quiere dedicarse a su gran pasión: los documentales,especialmente los ligados a la música y otras artes. En este número debuta en papel comentando dos discos nacionales.
director Fernando Mujica Maureira Representante Legal Francisco Mujica Maureira Gerente Comercial Rodrigo Mahana Editor Víctor Hugo Carvallo Diseño Isidora Garcia Lisette Jorquera Producción Periodística Javiera Tapia Colaboradores Andrés Panes Martín De Mussy Rodolfo García Manuel San Martín Aníbal Valenzuela Sebastián Amado Rodrigo Salinas Andrés Venegas Rolando Inostroza Diego Huenchur Gabriel Reyes Manuela Ovalle Jorge Rubio Cristián Carrasco Miguel Ángel Castro Jean Parraguez Felipe Arratia Carlos Torrejón Luis Felipe Fuentealba Pamela Palma Carol Bravo Juan Fco. Guzmán Mauricio Aravena Andrea Von Dessauer José Alfredo Sepúlveda Sofía Villanueva Fotografía Wladimir Rojas Daniela León Ignacio Gálvez Diego Maya Gabriel Quiróz Cristian Sepúlveda impresion Quebecor World Chile S.A.
Mayo 2011 Edición 85 Fotografía * Ignacio Gálvez
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CONTACTO Nueva de Lyon 105 local 12A, Providencia, Santiago // Teléfono: 335-0741 www.extravaganza.cl contacto@extravaganza.cl twitter:@EXTRAVAGANZAmag
tecno logía por sebastian soto & luis felipe fuentealba
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01 LINKSYS E3200 El router perteneciente a la gama E-series de Cisco mezcla un diseño atractivo y diferente al típico de este tipo de productos. No se queda sólo en su aspecto, porque es capaz de alcanzar una velocidad de 300 Mbps, dependiendo del enlace a internet que se ocupe. Utiliza la tecnología 802.11n para crear redes inalámbricas de gran alcance y también cuenta con un puerto USB que facilita la conexión de impresoras y dispositivos de almacenamiento. www.home.cisco.com
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02 SONY XDR-S16DBP Qui-
zás no trae grandes innovaciones, pero la sutileza de la nueva radio digital de Sony se denota por el intento bien logrado de traer lo mejor del pasado con un diseño retro de madera acompañado de algunos avances, como una pantalla LCD y una perfecta recepción de señales estándares (FM y DAB) en la mejor calidad de audio stereo, con 0,8W de potencia. Además, cuenta con conexión de audífonos, alarma y apagado automático. www.sony.co.uk
03 MAXWATT G15R Parte de la familia de amplificadores Hiwatt, construidos con la más alta calidad de componentes y usado por destacadas bandas. Una marca inglesa que se preocupa de fabricar a mano la mayoría de los detalles, basados en diseños de los sesentas. La línea Maxwatt utiliza elementos como transformadores Partridge bobinados y válvulas de gran categoría, capaces de conseguir un sonido armónico y efectivo, tanto en estudio como en directo. www.yamaha.cl
04 NIKE+SPORTWATCH GPS El nuevo reloj de Nike está enfocado en el público que practica deporte. Ahora con tecnología GPS incorporada en el sistema de SportWatch, las personas que gustan de salir a correr podrán iniciar un seguimiento de los caminos recorridos, obtener distancias entre los puntos escogidos y velocidades con precisión. En su correa posee conexión USB para guardar los datos en un computador y cargar la batería del reloj. www.nikerunning.nike.com
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05 IRIG MIC Es el primer micrófono de mano diseñado especialmente para la familia de iPhone, iPod touch e iPad. El dispositivo permite grabar en alta calidad, gracias a que posee un condensador unidireccional y un regulador de tres niveles que se ajusta según el volumen de la fuente del sonido. Con su conector minijack stereo, toda grabación puede ser escuchada a tiempo real. Es compatible con VocaLive, iRig Recorder y AmpliTube. www.ikmultimedia.com
06 GOFLEX SLIM El nuevo disco duro externo de Seagate se destaca por ser portátil y ultra delgado. Mide 12.4 cm. de alto, 7.8 cm. de ancho y menos de 1 cm. de espesor. A pesar de su pequeño grosor, comparable a un lápiz grafito nº 2, posee 320 GB de capacidad y es compatible con sistemas operativos de Mac y PC. Su unidad interna, con 7.200 RPM más la inclusión de conectividad USB 3.0, asegura transferencias de archivos hasta diez veces más rápidas que lo habitual. www.seagate.com
07 DATATRAVELER 101 G2 La nueva gama de pendrives Kingston mezcla diseño, gran capacidad de almacenamiento y resguardo; ideales para archivar música, películas y presentaciones. Además, mediante el software urDrive pueden organizar de forma inteligente los documentos que se guardan. Los dispositivos cuentan con cinco años de garantía y están disponibles en seis colores que varían según su tamaño de memoria, que va desde los 2 a los 32 GB. www.kingston.com/latam
08 ONKYO HT-RC37 El nuevo receptor Onkyo de 7.2 canales, 100W de potencia y compatibilidad multiformato es indispensable para optimizar un home theater. Las imágenes en 3D y un canal de retorno de audio son soportados por sus siete entradas HDMI. Además, cuenta con un Chip Qdeo de Marvell para mejorar la resolución de las reproducciones. A su vez, el procesador Audyssey MultEQ XT permite calibrar los parlantes y facilita la ecualización del sonido. www.us.onkyo.com
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01 BABY-G Esta colección de relojes nace de la línea G-Shock para hombres. BabyG ofrece un aspecto atractivo y moderno con un imponente uso del color. Es un accesorio muy femenino, que no pasa desapercibido. Hay cuatro variedades disponibles: el Estándar Analógico Digital, que incluye iluminación LED, el Estándar Digital, con protección antigolpes, Puppy, una versión con tiernos diseños, y Limitada, que resiste hasta 200 metros bajo el agua.
www.casio.cl
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02 ADIDAS ORIGINALS Te presentamos la nueva colección de adidas dirigida para mujeres. Ésta ofrece ropa, zapatos y accesorios que van desde lo femenino y elegante hasta los atuendos deportivos cotidianos. Women’s Premium Icon rediseña las piezas de archivo clásicas en una forma contemporánea, dando un giro moderno con materiales de lujo y colores especiales. Kawaii es el nombre que recibe una parte de las prendas, inspiradas en la cultura japonesa. La marca de las tres rayas combina sus íconos con imágenes fundamentales de la moda nipona, formulando
una reinterpretación de ésta. Por su parte, Feminine celebra un estilo sobrio y fresco en el día y glamoroso en la noche, usando piedras semi preciosas, tachuelas y lentejuelas. Lo novedoso viene de la mano de Skate Lifestyle, que brinda un look menos delicado y más divertido a las jóvenes. Protagonistas de éste son la vulcanizada Honey Desert W y la Adi Ease Mid W. Para conocer los productos visita las tiendas adidas Originals en Parque Arauco, Alto Las Condes, Mall Plaza Vespucio y Marina Arauco. www.adidas.com/originals
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03 UFO La exitosa marca de jeans inauguró una nueva tienda en el centro comercial Portal Ñuñoa. El espacio está concebido de forma sencilla y funcional, inspirándose en el imaginario de un loft, donde el ladrillo y el hormigón, fusionados con metal y madera, revalorizan la arquitectura antigua, mezclándola con lo moderno. De esta forma, se reafirma la intención de UFO de rescatar el pasado con una mirada puesta siempre en el presente. La tienda se ubica en Av. José Pedro Alessandri Nº 1166, Local 4017. www.ufojeans.cl
04 YESTADT MILLINERY Cyril Foiret y Ani Tzenkova, editores de Trendland -una web enfocada al diseño en todos sus formatos- inauguran una tienda llamada TOUCH, como una forma de celebrar a los diseñadores que han presentado a través de su sitio en la red. El concepto de este nuevo espacio es reunir diferentes artistas que muestren sus productos, la mayoría de ellos hechos de manera exclusiva. Estarán a la venta de forma online sólo por dos semanas. En esta oportunidad, les presentamos los sombreros de Yestadt Millinery.
www.touchconcepstore.com
05 VOLCOM Porque a pesar de que el terremoto y tsunami de Japón fue hace dos meses, el país asiático aún necesita de apoyo. Bajo esta premisa, Volcom lanzó una campaña para ayudar a reconstruir las zonas más afectadas, a través de la adquisición de una línea de poleras especiales por la causa. La marca está haciendo una preventa de las prendas en línea, para quienes deseen reservar una. En Chile, la idea está siendo apoyada por los deportistas Mathías Torres, León Vicuña y la banda Jiminelson. www.volcom.com
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06 AMERICANINO MERI ME RIC RI CAN NIN NO Click + Gallery es mbr bree de lla an nu uev eva a co cole lecc cción de p oleeel nombre nueva colección polemeri me r ca cani nino no Lo Loss fo fotó f Gabriel ras de A Americanino. fotógrafos i k Mario Salazar, Javiera EyzaSchkolnick, guirre, Tomás Reid, Rod, Juan Pablo Montalva, Ignacio Rojas y Simón Pais, crearon una serie de 32 prendas para hombre y mujer con sus respectivos trabajos. Esta línea se presentó junto a diferentes tendencias de la temporada, como chaquetas con pieles y de cuero, jeans y pantalones pitillos, botas y botines bajos, entre otros. www.americanino.cl
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07 LA CAJA DE LECHE E Esta iniciativa conte l la reutilización de las cajas Tetrapak, templa para que, en vez de terminar en la basura, se conviertan en prácticos porta tarjetas. La esencia de La Caja de Leche es con poco, hacer mucho. Trabajan a pedidos con el diseño que el cliente quiera, desde una fotografía hasta papeles de dulces. Quienes estén interesados, pueden visitar el Flickr y la página de Facebook para revisar los modelos disponibles. www.flickr.com/lacajadeleche
08 CARAMEL La creadora de esta idea se llama Alexandra Ahlers, quien luego de estudiar gastronomía en España, decidió especializarse en desarrollar una marca de chocolates con diseño. Una perfecta combinación entre estética y sabor, ya que puedes encontrar combinaciones como Naranja-Azafrán y CarameloMalta. Alexandra vende sus productos a través de encargos por correo electrónico desde su página web, tanto a personas como a empresas y eventos. www.caramel.cl
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09 LEVI’S Juan Pablo Montalva es un fotógrafo chileno radicado en Nueva York hace dos años. En 2010, fue elegido por Levi’s como rostro en la campaña global We All Workers, que apunta al concepto de gente real con un trabajo que inspire al mundo entero y que genere cambios. Actualmente, Montalva se desempeña como asistente del artista Tony Ward para Marie Claire UK y Vogue UK/JP. Sus últimos trabajos han sido producciones para threeASFOUR, Zero + María Cornejo y las editoriales de OAKAZINE. www.levi.cl
10 BURT’S BEES Burt’s Bees llegó a Chile en octubre del año pasado, con la premisa de mejorar la vida de las personas de forma natural. Con una línea de productos que van desde las lociones faciales y una exquisita crema de cutículas de mantequilla de limón, hasta los bálsamos labiales. Son estos últimos los que han tenido mayor popularidad entre las mujeres del país. Disponibles en siete tonos, acondiciona, suaviza y resalta los labios con luminosos pigmentos que provienen de la tierra. Además, contienen vitamina E y aceites de coco y girasol que nutren y humectan.
www.es.burtsbees.com
11 OHMYLOVE BAZAR AZAR Es una tienda ntalla las últionline que traslada hasta tu pantalla atos, mas tendencias internacionales. Los zapatos, ropa y complementos se traen a pedido y son importados desde Inglaterra, Estados Unidos y Asia. Todas las prendas y objetos siguen la línea del animal print, rock y vintage, sin olvidar las indumentarias básicas. Los catálogos son actualizados todas las semanas y para encargar algo, debes pagar la mitad del precio al hacer la reserva. www.facebook.com/.../Ohmylove-Bazar
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12 CORONA Una de las cervezas más populares en Chile ha cambiado su formato. Corona mejoró su presentación, aumentando su tradicional envase de 330 cc. a 355 cc. Esta renovación se llevó a cabo a raíz de la necesidad de estandarizar el producto a nivel global, es decir, encontrarás la misma botella en cualquier lugar al que vayas. Y no te preocupes, los 25 cc. extra son completamente gratis.
www.corona.com
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13 VIÑAMAR Viñamar lanza su nueva presentación Premium Brut, en un formato individual de 375 cc., cómodo y perfecto para beber en cualquier momento. Ideal como aperitivo, acompañado de ensaladas verdes o frutos del mar, jamón crudo y quesos ahumados, o para darse un gusto en cualquier ocasión. www.vinamar.cl 14 GRAND BRUT ROSE Es la nueva apuesta de espumantes de Valdivieso dirigida al público femenino. De color rosa pálido, con reflejos brillantes y aromas florales, guinda y cassis. A base de Pinot Noir, Chardonnay y Semillón, esta champaña apuesta por la calidad, el glamour y la frescura. Un producto para deleitar los sentidos, inspirado especialmente en ellas, que ya se encuentra disponible en los principales supermercados del país. www.yhoyporqueno.cl/ 15 KUDELL Esta empresa cervecera fue
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creada a finales del año 2008 como un hobbie, inicialmente. Luego, al recibir buenos comentarios de parte de familiares y amigos, sus impulsores decidieron emprender el camino en serio. Así nace Kudell. Producida en Santiago, cuenta con tres variedades: Golden Ale, Scotish Ale y Stout. www.cervezakudell.cl
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16 SOMA Hace dos años, siete profesionales de distintas áreas se unieron en torno al interés por crear un alimento donde la calidad sensorial fuese lo primordial. Actualmente, producen una cerveza artesanal que alcanza las seis mil botellas mensuales y ofrecen tres variedades: Alfa Brown Ale, Beta Sweet Stout y Gama Pale Ale. La puedes encontrar en Café 202 (Barrio Lastarria), Santo Barrio (Barrio Brasil), Kalafate (Providencia) y la Cervecería Nacional (Barrio Yungay), entre otros lugares. www.cervezasoma.com
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SEAPONY Esta banda originaria de Seattle -ciudad clásica llena de misticismo musical- ya tiene una buena tropa de seguidores, pues con la campaña que han tenido en su página de internet, en donde se presentan en bandcamp, han obtenido una gran cantidad de descargas. Estamos hablando de un grupo que explota un pop sumamente delicado, pero que siempre está al borde de la simpleza clásica del indie verdadero. Lo destacable es que, sin quererlo, suenan como muchos pero no son idénticos a nadie, tornándose en su propuesta como unos entes originales y saludables para los tímpanos. Ellos mantienen la cabeza gacha y comienzan a flotar en un universo
DELICADEZA LLUVIOSA lleno de pelotas de colores, burbujas y suciedad, pues su estilo no es para nada pulcro, sino cochino, lluvioso, acongojado, que se mantiene en la penumbra, pero que amenaza con un amanecer bello e iluminado. Todo esto sin dejar de lado la sutileza y la melancolía. Se solicita estar atentos a su trabajo de larga duración, que por lo que se vislumbra en sus epés, tendrá un sonido óptimo para musicalizar el invierno, que ya se cierne sobre nuestras cabezas. Su primer disco sale este mes bajo la tutela del sello norteamericano Hardly Art Records. Jorge Rubio
Suena como: Belle and Sebastian, Joanna Newsom, My Brightest Diamond www.myspace.com/seaponyband
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MIND SPIDERS Un olorcito británico con ciertas dosis stoner y cariz rockanrollero, pero que también duerme con los primeros discos de Ramones bajo la almohada. Eso es Mind Spiders, una banda que recién se forma el 2009 y ya es reconocida por su sonido exploratorio. Tienen un estilo que podría pasar fácilmente por una banda freak de finales de los años cincuenta. Psicodelia pura, glam y sequedad de boca es lo que transmite la voz de Mark Ryan, el cantante y guitarrista de The Marked Men; todo esto en orden de lo que dicta la lisergia. Es inevitable no recordar, en algunos espacios, lo que fue el inicio de David Bowie o parte de la zona sónica de unos principian-
Suena como: The Ramones, David Bowie, Pink Floyd www.myspace.com/mindspiderstx
VIAJE EN EL TIEMPO SOBRE UNA GUITARRA tes Pink Floyd, con Syd Barrett a la cabeza. Es música sincera, visceral, lúdica y muy pesada; que va lento por tu cerebro, consumiendo cada rincón de él, como una araña que teje poco a poco y con paciencia su tela para atrapar cada una de tus neuronas. Cabe resaltar que lo que oyes te golpea, causando tal impresión que corres como un alma perseguida por el diablo, a buscar de inmediato información y más melodias creadas por estos muchachos oriundos de Fort Worth, Texas. Una apuesta interesante, como para levantarte con ánimos de locura por la mañana. Jorge Rubio
nuevos sabores
MARTIAL CANTEREL El pasado miércoles 9 de febrero se llevó a cabo una fiesta muy singular en el Home Sweet Home, un pequeño local de Nueva York. Era una celebración íntima del sello Weird. El nuevo álbum de Sean McBride y su proyecto Martial Canterel estaba ya en la calle. Tercera producción en estricto rigor de este activo integrante del dúo Xeno & Oaklander, quien hace ya algún tiempo había editado sólo en formato cassette los elepés Sister Age (Xanten,2004) y Drilling Backwards (Xanten,2006), reunidos tiempo después en un solo y casero CD: Refuge Underneath (Wierd Records,2007). Es que en la factura independiente y de bajo perfil de McBride, se esconde una pasión desenfrenada por tiempos pasados. Una
Suena como: Coldcave, Xex, Gang Gang Dance www.myspace.com/martialcanterel
ATRAPADO SIN SALIDA historia que comenzó en bares de poca monta y fiestas de amigos en el Brooklyn del año 2002. Teclados, máquinas y la oscuridad perfecta de cuando el post punk definía la moda en el Soho londinense. Un sonido que parece flotar en vinilos de fines de los setentas y en la new wave mas lóbrega de la Europa marchita. Revivalismo puro. En Martial Canterel, alter ego y máscara perfecta para nuevas aventuras, hay mucho de art rock progresivo y generación synth del año 1981. Impresiona el beat constante y el cómo logra en You Today (Wierd Records,2010), su último disco, imaginar lo que en un garage hacían Soft Cell o Joy División, aún en pañales. Fernando Mujica
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THE MOONDOGGIES En la biografía de The Moondoggies que aparece en su sitio Myspace, se puede leer que ellos explican su sonido como “un samurái buscando venganza”. Pero lo cierto es que la música de esta banda oriunda de la cuidad de Seattle es mucho más amable que un tipo con una catana a punto de cortarle la cabeza a alguien. Lo que realmente define a este cuarteto es el folk rock que practican y que los ha llevado a componer dos álbumes de estudio: Don’t Be a Stranger (Hardly Art, 2008) y Tidelands (Hardly Art, 2010), que están dispuestos a llevar a quien los escuche por distintos parajes sonoros repletos de nostalgia. Esto no quiere decir que sus canciones
CANTANDO BAJO LA LLUVIA se aten a algún lugar en especial, sino precisamente lo contrario, es un deambular por historias y emociones que no se pueden registrar como si fueran operaciones matemáticas. La armonía que despliegan en sus performances es lo que realmente destaca en ellos, siendo la gran interpretación del guitarrista y vocalista Kevin Murphy la que les da un elemento que los distingue dentro de sus similes norteamericanos. Un grupo cuyas composiciones parecen ideales para escuchar bajo la lluvia, sin remordimientos. Andrés Venegas
Suena como: Grizzly Bear, Band of Horses, Department of Eagle www.myspace.com/themoondoggies
Qué cuatro años no es nada (se supone)
BEASTIE BOYS
El mismo mes que salía a la venta el premiado Hello Nasty (Capitol, 1998), Alejandro Alaluf conversó con el trío de hip hop compuesto por blancos más famoso del mundo. En este flashback, y aprovechando el regreso de los neoyorquinos, rescatamos esta entrevista de los archivos de Extravaganza! En gran medida, se debe al tremendo éxito que amasaron con Ill Communication (Capitol,1994), el disco que los posicionó definitivamente. Con él pasaron de ser una mera banda de hueveo, que lograba mezclar exitosamente rap vieja escuela, funk y hardcore, a convertirse en un trío único y tremendamente influyente en la creación del hip hop contemporáneo. La llegada, lógicamente, tenía que ser amplia. Pero esto tuvo un gran aliciente: el manejo audiovisual. O sea, sin sus videos, los Beastie Boys quizás no serían tan exitosos. Imposible es resistirse a temas tan infecciosos como ‘Sabotage’ o ‘Sure Shot’, y mucho menos cuando están amparados por producciones audiovisuales tan delirantes, cortesía del experimentado Spike Jonze.
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durante el verano, así que teníamos que terminar y entregar el disco en una fecha precisa. Los últimos días pasamos mucho en el estudio, hasta ocho y doce horas diarias. Trabajamos muy duro en nuestra sala de L.A., por lo que tuvimos muy poco tiempo para nosotros. De todas formas, todos nuestros discos pasan un gran tiempo cocinándose, así que no fue una gran sorpresa.
Pues bien, en la sala de prensa de las oficinas de Capitol Records en Manhattan, están Mike D y Adam Yauch respondiendo con cara de aburridos a las preguntas de media docena de periodistas latinoamericanos. La conversación, por turnos, fue más o menos así:
Hay muchos samples en el disco, ¿no? ¿Tuvieron problemas con eso? Hay algunos pocos. Pequeños pedacitos repartidos a lo largo del disco, pequeños sonidos en donde la velocidad fue alterada. Antes era mucho más fácil trabajar con samples. Ahora todo el mundo hace escándalo por ellos. Te dicen: “Mira, nos deben el 30% de la canción, porque aparecemos ahí”, pero cuando eso sucede, lo sacamos. Hoy todo el mundo lo hace, no sólo el hip hop. Cuando sampleas, hay bandas que les da lo mismo e incluso se alegran. Otras, no.
Ustedes estuvieron dos años grabando el disco… harto tiempo. ¿Cómo fue esa relación? Hacia el final se tornó un poco tediosa debido a la apretada pauta que teníamos. Habíamos aceptado participar en muchos festivales
Ustedes ocuparon un sample de una canción chilena, ‘El Rey’ de los Ángeles Negros. ¿Dónde encontraron esa canción? ¿Es chilena?
edición nº 44 / julio de 1998
Es una vieja canción de los setenta… No teníamos idea. Es decir, sabíamos que era de un grupo latino, pero pensábamos que era mexicano o de Los Angeles. Fue a través de un amigo, Rob Perlman. Apareció por el estudio y nos mostró este disco, que se suponía tenía este ritmo funky, pero por la carátula no lo parecía. El segundo tema tenía este beat realmente funky… ¿Quién lo diría? ¿Qué música los inspiró para hacer el disco? Creo que eso es muy variado. Mal que mal, estuvimos cuatro años grabándolo. Escuchamos muchas cosas distintas. Escuchamos muchas bandas latinas. Su nuevo single, ‘Intergalactic’, tiene un tono muy futurista. ¿Alguien les ayudó a manipular estos sonidos? En verdad, pensamos que son sonidos viejos. Algo así como Kraftwerk, Afrika Bambaataa o cualquier grupo que utilizara un vocoder. Lo tomamos como sacar algo del ático. ¿Y cómo ven el futuro del hip hop? No sé, hemos estado haciendo lo que queremos y jamás nos imaginamos, allá en 1986, que estaríamos siendo esta banda importante. Esta longevidad la vemos más como el tiempo que hemos estado haciendo música que me gusta. Y queremos continuar siendo una parte de eso. ¿Cómo le está yendo a Grand Royal, su sello independiente? Muy bien. Lo veo como otro trabajo y hay cosas buenas que están saliendo, como el disco de Sean Lennon y el de Buffalo Daughter. ¿Cómo seleccionan las bandas? Es una cosa de azar. Generalmente es gente que conocemos. Como Luscious Jackson, que son nuestras amigas desde hace años. ¿Tienes planes para algún video del concierto Free Tíbet? Sí, es un video documental que tratará sobre el concierto en San Francisco. Será dirigido por Sarah Gorossy. ¿Han tenido buenos resultados con estos conciertos? Sí, seguro. Cada vez la cosa está progresando más. Pero yo no voy a estar satisfecho hasta que el Tíbet esté libre. ¿Qué opinan de las películas sobre el Tíbet que ha estrenado Hollywood? ¿Es un mero aprovechamiento? Acá los muchachos se incorporan y muestran más interés. Puede que haya algo de eso, pero igual ayuda. Ha educado a un montón de personas sobre lo que está pa-
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sando allá. A pesar de que la cosa sea mainstream, creo que está bien. Pienso que Scorsese hizo una película maravillosa: Kundun. También, gracias al concierto hay cada vez más bandas interesadas en el tema, al igual que el público. ¿Han pensado en desarrollar los conciertos por el Tíbet como una especie de Lollapalooza? Sí, definitivamente. Hemos pensado en la idea de tener varios conciertos simultáneos alrededor del mundo, pero aún no hemos podido lograrlo. No sería como Lollapalooza en el sentido de ser un evento itinerante. Sería una cosa más específica. ¿En qué momento se interesaron por la causa del Tíbet? Creo que fue en 1992. Estaba en Nepal, viajando, y conocí unos refugiados tibetanos que recién habían escapado. Me contaron lo que estaba pasando y desde entonces me interesé en su situación. Ustedes ya no pueden tocar en China… Sí, es lo oficial, según un representativo del consulado chino. ¿Han tocado allá antes? No, pero creo que es positivo que estemos censurados allá. Es una forma muy concreta de evidenciar lo que está pasando. ¿Qué pasa con las bandas del concierto? Se supone que ninguna banda que participe en el concierto puede tocar allá. Ni siquiera pueden visitar China o el Tíbet. En su concierto, al igual que en Lollapalooza, se presentaron verdaderos monjes tibetanos. ¿Cómo se sintieron? Me imagino que bien. Aunque siento que habrían estado más cómodos en sus monasterios. Pero creo que fue interesante y lo pasaron bien. ¿Tienen planeada una gira mundial? Sí, comenzaremos el 14 de junio, en Washington D.C., en el Concierto Por El Tíbet. Luego vamos a Europa y de regreso a América. ¿Cómo describirían el sonido de Hello Nasty en comparación con sus trabajos anteriores? No sé si lo podríamos describir. Fue un momento en el tiempo para nosotros; los últimos cuatro años, de hecho.
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Con tres años de existencia, ya nadie podría negar que son una banda afiatada y no sólo el grupo detras de Rodrigo Jarque. Su último disco se perfila como uno de los mejores de la temporada y gracias a sus colaboraciones con Matías Bize han adquirido una exposición pública inesperada. Con fuerza y autogestión y recién llegando del SXSW, Inverness se ha transformado en uno de los proyectos más interesantes del país. 24 //
“La melodía manda”. Tal ha sido la premisa, que los Inverness han querido grabársela en la cabeza mientras tocan y componen, al punto de escribirla en un cartel en su sala de ensayo. A tres años de su fundación, esta banda ha crecido tanto en integrantes como en sonido y público. Incorporaron al guitarrista Washington Abrigo, que ayudó a darle más texturas a la música flotante del grupo, y dejaron de ser sólo el proyecto solista de Rodrigo Jarque (voz, guitarra y teclados). El conjunto lo completan Rodrigo Soto en batería y Angelo Agurto en bajo. El sonido de Inverness es flotante y etéreo, pero con peso y profundidad. A veces, estos músicos golpean lento para pegar más fuerte, siendo los crescendos épicos de sus temas una marca registrada. Ya sea con pianos que dibujan una atmósfera brumosa o con cuerdas que brillan cristalinas como luz en medio del frío, las canciones del grupo pasan de enfrentar la rabia a la nostalgia, e invitan a la introspección o a maravillarse. “Si bien las guitarras suenan más esfumadas y shoegaze, el bajo y la batería tienen mucho de rock y jazz, algo más cercano a Led Zeppelin”, señala
INVERNESS //LA MELODÍA MANDA
Agurto, y da en el clavo: el envoltorio del cuarteto son estas nebulosas que giran en torno al ruido, mientras que el tronco es mucho más enérgico y sólido. Fuegos Distantes, su segundo álbum, acaba de salir a mediados de semestre, haciendo gala de un sonido avasallador e intenso, emotivo e incandescente. Éste bien puede ser el mejor disco de rock editado en Chile en lo que va del año, gracias a su sonido pulcro, de capas múltiples y sutiles, además de su firmeza compositiva. Su slogan es definitorio. Mientras tocan, parece ser la melodía la que los guía a través de rápidos, cascadas, aguas mansas o tempestuosas, en un movimiento líquido que ellos no parecen capaces de controlar. Rodrigo Jarque y Angelo Agurto contestan esta entrevista sentados en el Parque Bustamante durante una tarde otoñal, tranquila y soleada, a cuadras de donde resgitraron su último trabajo, de donde viven, y de donde ensayan. ¿Cómo se formó Inverness? Jarque: Primero, yo empecé con el disco Monstruos Bajo la Cama, el
Por Rodolfo Garcia Fotografía * Ignacio Galvez
2006. Lo grabé solo y fue algo muy personal. Un proceso de dos años, al final de los cuales entré en contacto con quienes serían, después, Inverness. Ellos alcanzaron a tocar temas de Monstruos en vivo, aunque yo ya tenía la idea de armar un grupo, en 2008. Ahí cerré el proceso del disco, y el 2009 formamos Inverness. Agurto: Luego, en mayo de ese año, sacamos Illuminaciones, nuestro primer álbum. Lo último en la etapa del Monstruos fue musicalizar Lo Bueno de Llorar, la tercera película de Matías Bize. ¿Cuál es la relación entre Bize y la banda? J: Yo le pasé Monstruos Bajo la Cama a Matías con la intención de que lo usara en la banda sonora de En la Cama. Pero, en el proceso, el material tomó fuerza como disco y preferí lanzarlo como tal. Luego, pasó a formar parte de Lo Bueno de Llorar. Y después le pasamos Illuminaciones para que estuviera en La Vida de los Peces, su última película. A: Le pasamos dos temas de ahí, ‘Illuminaciones’ y ‘Nubes’. J: La relación con Matías surgió en un carrete, donde nos conocimos. Él
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recién estaba pensando en una primera etapa creativa de En la Cama. Ahora ya somos amigos. Es una relación de confianza. Él nos muestra incluso las ideas de películas que tiene, o nos pasa sus guiones para que los leamos. Nosotros también le mandamos nuestras maquetas y, de estar en Chile, siempre nos va a ver tocar en vivo. Hay una simbiosis muy bonita entre nosotros.
nos ayudó bastante a hacernos más conocidos. Antes estábamos a un nivel y la cinta nos transportó a otro. J: A veces esto agota, ya que siempre los dueños del local te cuestionan quién eres y te exigen, mínimo, cien personas. Las que llegan, afortunadamente. Y son cada vez más, muchas veces gracias al boca a boca... y a la película.
TEMPORAL palabras. Es algo fonético Ell nombre de Inverness vieneSÓNICO de un juego de pa p
Ya al volver del festival South by Southwest, en Estados Unidos, donde tocaron en medio del showcase chileno, los Inverness llenaron El Clan. Su presencia en el evento fue una casualidad, tal vez del destino. Lautaro Vera, de Intimate Stranger, andaba en auto con el productor inglés de la selección de bandas chilenas que irían al encuentro, Derek Woodgate. De pronto, empieza a sonar Inverness en el programa EP de Radio Horizonte. El británico quedó maravillado y los contactó. El grupo debía autogestionar su ida a Austin, la sede de SXSW, y para ello postuló a un fondo del gobierno, el que ganó. “Estuvimos trabajando en el proyecto que presentamos durante cuatro meses, como si fuera una tesis”, explica Jarque.
más que de sentido, aunque hay una intención clara de referirse al invierno y a lo denso. Del mismo modo, les resulta natural el cantar algunos temas en inglés. Rodrigo Jarque posee un grado en literatura inglesa, idioma con el cual trabaja como profesor y traductor. “Hay veces en que hablo y escribo todo el día en inglés, entonces me es muy normal cantar y hacer letras en este idioma”, señala el vocalista, y agrega: “Además, es algo de fonética, que suena bien, y de economía del lenguaje. Es decir, que se pueden contar más cosas usando menos sílabas”. “A veces nos critican por ello, pero Kashmir, por ejemplo, son de Dinamarca y no cantan en danés”, explica el bajista. “Aún así, eso pasa sólo en un cuarto del total de nuestras canciones”, replica Jarque. La lírica se subordina a la melodía (la que manda, una vez más, para ellos) y surge después. La masa instrumental de Inverness, la que aparece en Fuegos Distantes ya sólidamente compenetrada, la forjan los cuatro individuos que la componen.
¿Cómo es esto de funcionar solos? J: Mira, nos hemos sacado la mugre varias veces y cometido varios errores. ¿En qué sentido? En que de repente cobrábamos tan poco en algunos shows que ni siquiera cubríamos los gastos mínimos. Otras veces, en que jurábamos poder hacer dos cosas en el día y terminábamos dejando alguna de lado. O en qué cosas decir y cuáles no en una entrevista.
Cada a uno u un no tie n tie ieene n e un u tra tr trasf trasffo trasfo fo fond fondo ondo nd nd o musica musical m mu usicall dist u dis d distin i ti istin tin ntto. o. Eso o Es E o nos ssa salva lva va de d e ser una ban b nba da que da que se que qu queda qued q ueda ue ed da a ssólo ólo ól o en un u e esti stilo stilo
Por otro lado, decidieron lanzar esta placa en Concepción, por un motivo o de descentralización. Y bastante saben ellos de este asunto; p porque, q sii bien Rodrigo Soto y Angelo Agurto son de Santiago, Jarque se se crió cr ó en en Punta Arenas y Washington Abrigo aún vive en Curicó.
¿Cómo logran tocar juntos? A: Washington viaja a Santiago. Lo conocimos en Talca, mientras ntras éll estant ntras esta ba en una banda de guitarras noise, muy “súper loca”. J: Nosotros lo rescatamos del caos. A: Lo que hacemos es más mateo, pero, al mismo tiempo, él ha ap aportado po portad portado p ortad do mucho con sus sonidos locos en la guitarra. Nos ha desordenado orden ordena rdena na ado a d u do un poco. ¿Ese es el gran paso de Fuegos Distantes? J: Sí, y el hecho de estar grabando mejor, también. Tuvimos os má os máss ttiem m tiemp tiempo mpo o en en el estudio y agarramos un ritmo para trabajar mejor las canciones.
¿Cómo construyen sus temas? J: Me pasa de llegar con ideas en bruto, sin trabajar, y eso es lo bonito: cómo con el grupo le vamos dando cuerpo a esta masilla informe. Cada uno tiene un trasfondo musical distinto. Eso nos salva de quedarnos sólo en un estilo.
FUEGO EN EL HIELO La lejanía es una de las sensaciones claves de Fu Fuegos Distantes. Algo que parte desde la foto de portada del álbum, la que logra un equilibrio frío y de otro mundo. “Es de un artista belga, a quien le pedimos una foto y nos mandó varias para elegir”, comenta Jarque. Con un ritmo de ensayos metódico, Inverness se ha auto impuesto una disciplina que se refleja en su sonido. Aunque aseguran no tocar tanto como quisieran. Para ellos, lo ideal sería ensayar todos los días media jornada. Pero deben subsistir y, como banda independiente, esto resulta difícil si se basan en la música como oficio. “Más aún en Chile”, precisan. Por eso, la autogestión ha sido la base para este trabajo constante, en sus dos años de existencia. ¿Cómo ha sido este proceso? J: Ha sido difícil. Hemos hecho todo esto nosotros solos y, además, no conocemos a nadie. Cada vez que gestionamos un concierto tenemos que partir de cero con el local en cuestión. Siempre nos preguntan quiénes somos y qué es lo que hacemos. A: Ahora, con La Vida de los Peces, eso ha menguado mucho. La película
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¿Ustedes tienen un sello? A: Sí, lo usamos como plataforma para sacar nuestros discos y tenemos un par de amigos que publicamos. ¿Qué aprendieron de SXSW? J: Muchas cosas, el poder estar con bandas como Low, verlas en vivo y compartir con ellas, fue relevante. El saber cómo se manejan, qué cosas les importan y cuáles no a la hora de tocar. Lo de Low fue en una iglesia presbiteriana, donde el único requerimiento era no romper los vitrales. Para eso tenían limitadores y el sonido fue increíble. Había dos mil grupos en una semana, era enorme. Luego, nos invitaron a tocar en otro festival, el Artist by Artist, con algunas de las bandas más importantes de Austin, como The New Year. Algo universitario de unos veinte grupos. Aparte de humildad, aprendimos cosas de gestión y llegamos con energías nuevas. La grabación de Fuegos Distantes duró dos meses en el estudio Agarta de Santiago, a cargo de José Jara, y se masterizó en el estudio Masterdisk de Nueva York. Y en una exploración constante, ellos definen su proceso citando a Miguel Ángel, quien decía que esculpir era quitarle las partes sobrantes a la roca. Del mismo modo, Inverness busca elaborar su música empezando desde lo mínimo, desde el silencio. Luego, como no se cansan de repetir, ‘la melodía manda’, y ella los va guiando hacia lo que hay que sacar o lo que hay que repetir. “Así trabajamos y yo creo que para el próximo disco vamos a seguir en esa línea, para no quedarnos pegados e ir haciendo cosas nuevas”, concluye Jarque.
De e guitarras y queques eques PPor RRodrigo d i JJarque
Que la inspiración (o la suerte) te encuentre trabajando. Esa ha sido la premisa con la que siempre hemos actuado en Inverness. Y fue precisamente lo que nos ocurrió ese domingo de octubre de 2010. Habíamos estado grabando el teaser de Fuegos Distantes con nuestro gran amigo Patricio Ventura-Juncá, arriba en la cordillera, todo el día. Teníamos hambre y sueño. Llegué a mi casa al atardecer, cansado, quemado y sucio. Abrí mi correo y ahí estaba. Un mail de un productor inglés invitándonos al Festival South by Southwest. Él andaba de paso en Chile y recién había escuchado a Inverness en la radio, mientras manejaba. Tuve que leer las pocas líneas varias veces para convencerme. Era una invitación formal a participar en uno de los festivales más grandes de Estados Unidos. Al principio, después de la sorpresa inicial, nos dio un poco de susto. No sabíamos muy bien a qué íbamos ni qué pasos había que seguir. La recibimos como una responsabilidad enorme, un reconocimiento a nuestro trabajo, pero al mismo tiempo nos daba una inevitable sensación de pequeñez. Fue un proceso largo de varios meses de preparación, hasta que empezamos a sentirnos más cómodos con la idea, a entender qué cosas estaban en juego y cómo era ese monstruo de SXSW, con esas siglas casi impronunciables que inhiben a cualquiera. SXSW es, a mi juicio, al menos en convocatoria y magnitud, el festival más grande en Estados Unidos. Ningún otro tiene a casi dos mil bandas tocando en noventa escenarios, en horario continuado, durante una semana, en toda una ciudad. Y lo otro que lo hace inmenso, ahora en sentido figurado, es que es un festival pensado para las bandas. Pudimos comprobarlo apenas pisamos suelo en Austin, Texas (después de un periplo de magnitudes homéricas y duración dantesca): las calles estaban llenas de gente. Habían músicos de todo el mundo, muchos con instrumentos en mano, con cara de perdidos. Algunos sentados en cualquier parte, comiendo un burrito o tomando cerveza. Mientras caminábamos al lugar de nuestra primera presentación (Dart Music International House, sobre 4th Street), se nos acercó un fotógrafo del New York Times y nos preguntó de dónde veníamos. “De Chile”, le dijimos. “Oh, bienvenidos al infierno”, nos respondió, con una risilla que no puedo definir muy bien. Nos estrechó la mano y desapareció entre el gentío. Ante nosotros, se extendían hileras de personas: fotógrafos, periodistas, curiosos, charlatanes, personajes como sacados de video juegos ochenteros, remolques de hot dogs y cerveza, artistas ultra producidos, turistas, mendigos, payasos…y sí, éramos unos pequeños peces en la mitad de una tormenta transatlántica.
Tuve la oportunidad de hablar con Martin Atkins un par de días después, y me dijo algo que me dejó pensando: “No se trata de qué puede hacer SXSW por ti y tu grupo, pregúntate más bien, qué puedes hacer tú por SXSW”. Esas palabras quedaron resonando como campanas en mi cabeza. Evidentemente hay algo que hace de este festival una experiencia única para las bandas. Quizás sea su magnitud, la cantidad de ojos que ves mirándote cuando estás arriba del escenario o algo como esas añoranzas de vivir por unas semanas una verdadera historia de rock, destruyendo cuartos de hotel y aviones, yéndote de parranda y tomando más de lo que puedes asimilar. Pero para nosotros fue algo distinto. Fue una experiencia extracorporal, en el sentido que pudimos vernos desde fuera. Como cuando flotas sobre tu cama y te ves durmiendo. Entendimos que éramos una más entre miles de bandas, que se necesita trabajar muy duro y ser creativos para diferenciarse. Pero también pudimos comprobar que Inverness tiene sus propios colores. Somos un pez pequeñito, pero nuestras escamas reflejan la luz de manera única y eso nos dejó muy felices. Y había grandes peces. This Will Destroy You y Low, con quienes pudimos compartir, son agrupaciones que pueden enseñarte una o dos cosas con respecto al ego y lo inútil que es. The Strokes, en esa hermosa tarde sobre el césped en Riverside con el Long Center atrás, parecían verdaderos fantasmas (el viento de Austin se encargaba de llevarse las ondas sonoras, de manera tal que parecía que un niño estaba jugando con el ecualizador) y mostraron un show masivo a orillas del río. Contaría las consecuencia nefastas que tuvo ese queque que compramos cándidamente casi al caer la noche y que (en sentido figurado, claro está) nos puso en menos de cuarenta minutos en medio de Pánico y Locura en Las Vegas, doblada al ruso y con subtítulos en vietnamita, pero creo que no es la ocasión para hacerlo. En un festival que este año creció en un 40% y que hizo colapsar al contingente policial y hotelero, la cantidad de actos, charlas, muestras y música callejera era infinita. Nuestros favoritos: Low, This Will Destroy You, James Blake, Asobi Seksu, Twin Shadow e Intimate Stranger. La presentación de la armada musical chilena la noche del 19 de marzo en Maggie Mae’s (sobre 6th Street, la calle más taquillera de la ciudad), demostró que nuestra música está viva, que llama la atención a oídos extranjeros y que podemos compartir escenario con bandas de cualquier parte del mundo sin sentir que somos de mimbre. Fue un honor compartir con Gepe, Fran Valenzuela, Fernando Milagros, Intimate Stranger y Chico Trujillo. Ojalá más grupos chilenos puedan visitar SXSW y verse, al fin, flotando sobre sus camas a velocidades inconmensurables. Ah, y si van, no compren queques en la calle.
entrevista
EL SUEÑO DE LA CASA PROPIA LO POPULAR NO SE PUEDE FALSEAR // Con su primer disco de remixes recién saliendo del horno, José Manuel Cerda ya prepara la continuación a su impecable debut del año pasado. Y si bien la vara quedó alta, nada hace más feliz a este hombre que crear su propia música, pues a ella le debe la vida.
José Manuel Cerda actualmente tiene 37 años y aún conserva su sello punk. Tiene un tatuaje de una araña en el dedo índice de la mano derecha, que se lo recuerda a diario. Pero más que eso, es su actitud. En el pasado traficó cocaína y estuvo inmerso en una adicción que casi lo mata. El hombre es un sobreviviente que viene de vuelta, y por eso hay que olvidarse del estereotipo hipster cuando hablamos de El Sueño de la Casa Propia, su nombre en la electrónica. Si se pasea por los principales locales de vanguardia en Santiago, también lo hace casa a casa. Ahora no vende pero sí reparte. Es cartero y vive en Av. Matta con Lira, en una casona, dentro de su pieza. Posee una cama, un computador y un controlador que le sirve de interface. Prepara su segundo disco, el cual planea sacar a fin de año. En cierta medida cree que ya se salvó. Ahora, cuando conozca a más personas de las que ya ha visto, podrá decir que es un músico. “Historial de Caídas es un disco de un perdedor que se está
reivindicando. Uno en la vida tiene que exhibir trofeos y es triste, porque cuando tienes cierta edad a la gente le importa ver qué hiciste, a quién le ganaste. Y es la música la que más me llena de orgullo, porque me ha servido como terapia”, confiesa. “Hice muchos viajes en los que me escapé. Cuando estás en esa situación es un infierno donde no puedes dormir. Es una conciencia de tu dolor que no te da descanso. Nunca estudié nada. Tengo 37 años y me cuesta adecuarme a los esquemas, porque fui un cacho desde chico. La música ha estado presente toda mi vida. La tecnología apareció después y me di cuenta que podía hacer lo que siempre había querido, ahorrándome la paja de aprender guitarra. Ahora estoy contento porque hago lo que me llena. Tengo este escape, esta isla donde puedo ser feliz. Mi lucha es sacar crédito, poder dedicarme a full. Por eso las alianzas: no descartar
cualquier cosa, avalado por lo estético. Y si yo no puedo escribir letras, me encargo de darle un título bueno y así generar una conversación”. Pero, al escuchar el álbum, queda la sensación que de estético tiene bastante. ¿Es esto una contradicción? Y Cerda responde: “Para nada, porque es innegable que el disco posee esa característica. Pero, por ejemplo, una canción como ‘En la medida de lo posible’, contiene mucho de nuestro país. Esa frase significó que Pinochet nunca se iba a ir preso. Me gusta decir cosas que rayan en la postura política, pero en ningún caso transformarlo en un discurso. La idea es que la canción quede abierta y así la gente pueda interpretarla. De proselitismo, no tiene nada”. El Sueño... se demoró un año en terminar su debut y lo hizo con los ojos bien abiertos, porque fueron más bajos que altos los que vivió para realizar una placa que está por sobre los 100 bpm. “Hace un tiempo atrás, para hacer este disco, tuve que volver a la casa de mi vieja en Valparaíso. Fueron mis problemas los que gatillaron la decisión de empezar a crear música y hacerlo de manera profesional”. Paradójicamente a lo que se pueda pensar al escuchar Historial de Caídas, éste es un disco electrónico que fue elaborado con una intencionalidad pop: “Me gusta el proceso creativo experimental, pero quiero desmarcarme de esa escena. Mi música no es popular pero su estructura es de pop y melodías reconocibles, a base de estribillo y puentes. Yo hago los ritmos, el resto son samples de cualquier cosa”. En cambio, el recién lanzado Historial de Caídas Remixes (Pueblo Nuevo, 2011), que cuenta con una multiplicidad de voces como De Janeiros, Dementira y Miopec, se hizo más rápidamente: “Contiene nuevos matices al disco original. La mayoría de los temas se alcanzan a reconocer. Hay uno o dos que son nada que ver, pero la mayoría se parecen. Todo nació por e-mail y messenger. A los músicos chilenos que participan los conozco y como la mayoría también me conocía, de nombre por lo menos, ninguno me dijo que no. En cuanto a la elección, me basé exclusivamente en la no repetición de canciones. No tengo la intención de circunscribirme a este círculo. Me sale lo que llevo en el corazón y me cuesta mucho hacer algo más accesible. No quiero forzarlo. Muto acordes según mis intereses. Me encantaría ver a una señora haciendo el aseo con mi disco de fondo. No me interesa el mundillo de tipos con lentes y bigotitos, cómodos y burgueses. Lo popular nace, es espontáneo y no podría falsearlo”.
Por Mauricio Aravena Fotografía * Diego Maya
ninguna posibilidad. Aquí, más que la buena onda con los periodistas no va a haber. Me gustaría salir del país y hacer mi música afuera. No tengo muchas esperanzas en este país. En el extranjero simplemente hay más gente, mercado y por lo tanto, más plata”. Así como en Sputnik, Mi Amor (novela de Haruki Murakami) los personajes pueden observarse en situaciones que nunca se habían imaginado, El Sueño de la Casa Propia posee características bidimensionales en la esfera de la no ficción: “Mi música es totalmente auto referente. Es mi vida personal. En el fondo quiero mostrarme siempre y hablar de mí, aunque sea a través de samples”. Y de eso va Historial de Caídas (Pueblo Nuevo, 2010). No es casualidad su nombre, menos los títulos de las canciones. “Mi idea es cargar de sentido los temas. En este mundo indie hay mucho postmodernismo y, en alguna medida, es vacío. Porque te permite decir
Para fin de año estará la continuación de su aplaudido debut y Cerda adelanta que las diferencias con éste serán del orden melódico: “Va a ser más variado y ondulante. Historial es muy compacto en cuanto a sonido: siempre está arriba. Por lo tanto, quiero que el nuevo disco sea irregular. Ya agarré un ritmo de trabajo en el que no me demoro nada. Llevo cinco canciones listas de un total de quince. Después seleccionaré cuales irán. Encontrar la temática es el trote que tengo, el resto se me despliega solo, porque ya están las canciones en mi cabeza. El fondo va a seguir siendo el mismo: el tema de la autobiografía, de las vivencias”. En cuanto a su show en vivo, quiere evolucionar hacia una puesta mucho más completa: “Apunto a algo más enérgico que contemplativo. De a poco quiero ir desvinculándome de eso que la gente me observe con tanto interés, enterrados en la butaca. Quiero algo más fiestero. Ése es el próximo paso”.
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FÖLLAKZOID // NUESTRA DIMENSIÓN
DESCONOCIDA Por Martín De Mussy Fotografía * Daniela León
La psicodelia revive en gloria y majestad en manos de este cuarteto chileno, que nace de la investigación del tiempo y lo desconocido. Una maquinaria del trance que conoce su propio peso y que luego de ser editado por el sello neoyorquino Sacred Bones se prepara, con lo mínimo, para construir su nuevo capítulo. Aquí, los dueños del espacio y el silencio.
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Fue la primera vez que Föllakzoid se juntó en una sala de ensayo. Se conocían y cada uno sabía lo que quería ofrecer. Pero el inicio fue azarosamente minimalista, dejando cualquier otro plan por el suelo. Alguien estaba afinando su instrumento en una nota y los demás se fueron sumando para improvisar más de cien minutos sólo en base a ese sonido. Fue el primer manifiesto de un combo que ya se ha mantenido durante casi cuatro años, a pesar de las salidas y llegadas de algunos integrantes, los descubrimientos sonoros que entrega el tiempo, algunas giras fuera del país y el propio éxito de haber sido editados en Estados Unidos por el sello de New York Sacred Bones con un aplaudido EP de 12”. Hoy, la historia la escriben Domingo García Huidobro (guitarras), Juan Pablo Rodríguez (voces y bajo), Diego Lorca (batería) y Alfredo Thiermann (teclados). Cada uno aporta desde su propia instrucción, que va desde el cine hasta la arquitectura, recogiendo algo de la psicología, el arte y la fotografía. Y eso se nota en el fondo del sonido que ya han presentado en su primer elepé, en su 12” y en las canciones del próximo trabajo que entregarán. Paisajes sonoros monocordes y extendidos, psicodelia espacial de largo aliento y una búsqueda por abarcar nuevas experiencias desde lo básico son pilares que mueven a una banda que tiene tanto de Matilde Pérez como de Neu en su espíritu. Y eso no es decir poco. “Neu y el krautrock fueron algo muy cercano y obvio para nosotros. Cuando lo conocimos nos dimos cuenta de que era algo coherente con lo que hacíamos, pero nuestras fuentes van más allá de un referente específico”, dice Domingo con precisión. “Incluso lo que se llamaba peyorativamente krautrock desde Inglaterra, los alemanes del mismo movimiento lo denominaban en
reporte estudio
verdad kosmiche musik y tiene que ver con la búsqueda de un espacio sonoro, algo relacionado con el universo y otras nuevas ideas”, ataja en decir Alfredo, que desde sus raíces germanas sabe de lo que habla. Por esa misma búsqueda nace también una relación con el mundo de las artes, que tiene una implicancia directa con el sonido de Föllakzoid y lo que están construyendo para el próximo disco. “Compartimos con las artes visuales la temática del espacio en general con las todas manifestaciones visuales que hablan de lo desconocido. Nosotros apelamos al espacio, esa gran cosa extraña que está cerca de lo humano y lo mismo hace el arte cinético o gente como Javier Toro Blum, Benjamín Ossa o Martín Kaulen; que con sus trabajos evocan ese espacio de conciencia desconocido, lo que se mueve cuando tú no te mueves. El trance que hay en eso, nosotros también lo evocamos”, cuentan seguros. En el nuevo sonido que están trabajando en las canciones -o más bien dicho en los pasajes sonoros- de su próximo larga duración, el cuarteto tiene además un punto de vista melódico con el cual quieren llegar a lo mínimo y lo esencial. “Para nosotros es al inverso de lo tradicional. En vez de ir agregando cosas, las vamos sacando y vamos depurando lo que hacemos, llegando a lo básico” explica Juan Pablo. “Queremos operar ocupando el mismo conocimiento y el mismo espacio con menos elementos. En Föllakzoid reducir es avanzar, es hacernos más claros”. Y la llegada de Alfredo, en los teclados desde el año pasado, ha servido para conformar un ejercicio que va por esa línea. Como cuenta Domingo: “Musicalmente Alfredo ha traído un martillo opuesto a lo que hacíamos. Un tipo de código binario sobre lo que estábamos grabando. Si nosotros éramos uno, él agregó los ceros y reestructuró todo lo que estábamos haciendo”.
De esta forma la mecánica de trabajo que han ido creando se alimenta de un conjunto de fuerzas puestas en un buen orden para convertirse en algo único, aunque con varias raíces que se dejan sentir. “Hay otras bandas que editaron música en los últimos años y se transforman en una validación de lo que hemos venido haciendo, como el Third de Portishead, lo de Psichic Ills en Nueva York o See Feel desde el sello Warp. También es referente Brian Eno con su Another Green World y sus paisajes atmosféricos o incluso los sonidos tribales que han estado desde siempre”, explican entre todos. Pero Domingo lo resume con un acercamiento algo más metafísico: “Se trata de estar comunicando algo que nos pasa, más allá de algo que planeamos hacer, usando patrones ya escritos para pararnos a mirar lo nuevo”. Sentados en el estudio de su sello Blow Your Mind Records (BYM) en el corazón de Santiago, la conversación entre cervezas, vinilos y sintetizadores parece cada vez más cercana a un congreso de investigadores y astrónomos que a una discusión sobre la movida independiente nacional, pero aún así es este mismo sello el que ha logrado levantar una escena psicodélica y musicalmente transgresora (que también la comparten otras bandas como Watch Out!, La Hell Gang o Holydrug Couple), la cual cada vez tiene más seguidores en Europa y Norteamérica, pero que por estas latitudes aún cuesta descubrir. Con la mira puesta en el objetivo de una gira durante el segundo semestre en Estados Unidos y luego de paso por algunos países europeos, Föllakzoid tiene razones de sobra para seguir nadando en la dimensión desconocida de la música, ofreciendo una experiencia que va más allá de escuchar simples canciones. “Se trata de disfrutar un viaje colectivo, un trance que sea diferente a todos los demás”. Una invitación arriesgada, como ellos.
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COMPLETAMENTE EXPUESTO
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Un minimalista salón del Centro Cultural Amanda fue el escenario propuesto para conversar con el inglés. Un momento compartido en el que brotaron temas como la creación de Compass -su último trabajo-, la influencia otorgada por Prince y George Clinton y el silencio de Super Collider, quizás su relación más directa con Chile. Por Javiera Tapia Fotografía * Ignacio Gálvez
Una sala recubierta de piezas en blanco y negro nos aguardaba. Al sentarnos, el cantante mira unas ediciones antiguas de Extravaganza! Una portada dice abril de 1995, con una foto de Bjork impresa a página completa, al igual que otra de diciembre de 1998, con PJ Harvey de perfil y una expresión que sólo ella logra, con la que derrite, invita e hipnotiza a quién la mire. “Esto es genial, me encantan las revistas antiguas. Éstas me recuerdan mucho a lo que era Melody Maker. El papel, la impresión”, comenta Lidell. A sus 37 años y con una carrera que supera la década, el inglés se ha transformado en una de las voces más potentes de la música independiente, desde la vereda del soul y la electrónica, dos estilos que ha logrado aunar de forma impecable en cada una de sus producciones. Para él, este camino ha variado con el trote del tiempo. “Han habido cambios. Musicalmente hablando, en un comienzo no ocupaba tanto mi voz como lo hago actualmente. Además, ya entiendo un poco más el negocio, viajando mucho, haciendo tours, lanzando discos. Ahora sé lo que es ir a festivales, sonar en la radio o la televisión. Es una probada de la industria, finalmente. He estado trabajando duro, creando mi música. Lo que no ha cambiado es la pasión por lo que hago, se mantiene firme. Me siento muy afortunado por tener la oportunidad de dedicarme a esto”.
Ha compartido escenarios con Elton John, Duffy, Björk y acompañó a Beck en 2006. Si es por reconocimiento, también llega desde sus pares. Y es esa voz, que acompañada de sonidos clásicos y vanguardistas, la que se ha transformado en el principal instrumento de Lidell, especialmente, en Compass (Warp, 2010). “Creo que los cambios tienen que ver con el tipo de canciones que quiero escribir. Cuando hice Multiply tenía ciertas cosas rondando en mi mente, cosas que quería decir que son muy distintas a lo que me planteo ahora. Deseaba que éste fuera un álbum personal, y qué mas personal que la voz. Es la forma en que deseo expresarme y creo que hay ciertos arreglos e ideas que salen mejor cuando canto. Esta vez quería explorar cosas distintas, tanto en sonidos como en letras, y me mantuve bastante abierto frente a las posibilidades. No quería pensar ‘ah, no puedo hacer esto’. No, todo es posible. Creo que es un buen lugar en el que estoy para componer”, asegura.
“Compass Compass se trató de tener un mo momento, sentir algo y atraparlo, trata tratar de no pensar mucho en ello. De estar abierto a todas las ideas. Es mi disco más espontáneo, creo” Entonces, ¿podríamos decir que te sientes cómodo con tu método para crear? -replico-. “Sí, además, fue la oportunidad para trabajar con Beck y otros grandes artistas, entonces la forma en que se dieron las cosas fue distinta a otros álbumes. Cada uno de ellos tiene una historia y un sentimiento diferente. d Compass se trató de tener un momento, sentir algo y atraparlo, tratar de no pensar mucho en
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ello. Es sobre estar abierto a todas las ideas”, y remata: “Es mi disco más espontáneo, creo”.
¿Por qué elegir uno, si puedes tener ambos?
discografía los guiños a grandes del de funk y el soul, A lo largo de su discografía, como George Clinton y Al Green no pasan desapercibidos. Quien desee comprobarlo, puede escuchar cómo ‘Green Light’, canción de Jim ( Warp, 2008), se alza cual ofrenda religiosa al monstruo de la música negra, oriundo de Arkansas. Así como estas influencias están patentes en la obra de Lidell, hay muchas otras que, al comenzar a desmenuzar, hacemos peligrar el cronograma temporal de la rueda de prensa. “Podríamos estar todo el día hablando de ello, pero se me viene a la cabeza la idea de una rocola. Crecí en los ochentas y escuchaba la música que mi hermana oía. Ella es cinco años mayor que yo, entonces podía costear los discos y tenía un estéreo. No había internet, la radio era una mierda, entonces tenías que conocer a alguien que te mostrara música o tener el dinero para poder hacerlo por ti mismo. Me crié escuchando The Human League, Prince, Erasure. Todo lo que ella escuchara. Crecí con los sonidos electrónicos y máquinas de batería de los ochenta, que finalmente, me hicieron lo que soy. De pronto el espectro musical comenzó a crecer, porque conocí, poco a poco, a las bandas que recomendaban los artistas que seguía. El soul y el noise también son parte de mi identidad. Luego llegó internet y fue más fácil tener un gusto ecléctico. Ahora puedes agarrar cosas de todos lados, entonces tu playlist se vuelve enorme. La forma en que hago música recolecta eso. No soy soul, no soy
electrónica, me gusta mezclarlo todo. Es algo bien honesto en realidad, creo, porque te intentan poner en una categoría y eso es difícil porque me gusta todo. Es como ir a un restaurant y decir que un día quieres comer pasta y al siguiente pie, ¿por qué elegir uno si puedes tener ambos?”. Los créditos de su última obra cuentan con una lista de verdaderas leyendas y jóvenes talentosos, como por ejemplo, James Gadson, percusionista y baterista que ha trabajad con Marvin Gaye y Ray Charles, Chilly Gonzales en el piano, además de Nikka Costa y Leslie Feist en las voces. Como si esto fuera poco, la producción del álbum comenzó de la mano con Beck. “Yo participé en una gira con él en 2006 y lo pasamos muy bien. En febrero de 2009 me sorprendió diciéndome ‘oye, ¿quieres hacer un álbum? estaría muy feliz de colaborar’. Así que empezamos a producir y fue una muy buena experiencia. Fue una partida brillante comenzar a trabajar juntos. La forma de componer de ambos es muy distinta. Él es bastante tradicional, empieza con su guitarra y luego le da esos locos cambios que son su sello distintivo. No es la forma en la que escribo yo. A veces comienzo con la voz, muy lento y tomándome mi tiempo. Pero él era como ‘hey, hagamos una canción entera en un día’ y me hacía pensar que podía, pero tenía mucho en mi mente así que era difícil expresarme cuando estábamos en la misma habitación. Él es de un espíritu muy poderoso. Me costaba tener la confianza de decir quiero hacer esto o aquello. Entonces comencé a trabajar solo, haciendo las canciones que quería hacer. Ahora que ha pasado tiempo, creo que era un proyecto bastante personal, entonces debía concentrarme en mi método. Hacerlo a mi manera. Así que le dije ‘muchísimas gracias, esto ha sido brillante, pero creo que
tengo que encargarme de esta experiencia yo mismo’ y así lo hice”. Pero luego de aquellas sesiones, de tomar el pulso a su trabajo y direccionarlo, el compositor decidió darle una nueva oportunidad a las colaboraciones. Chris Taylor de Grizzly Bear era el elegido, y dentro del proyecto funcionó como co-productor, bajista y flautista, entre otros instrumentos. “Grizzly Bear es una de mis bandas favoritas. Llegó un momento en que le pregunté a Chris si quería ayudarme y el aceptó. No trabajamos tanto tiempo juntos, porque fue casi al final, pero sí me dio muchas ideas”, reflexiona. Además de su trabajo solista, Jamie es conocido por Super Collider, un proyecto nacido en 1998 junto al chileno Cristian Vogel, del cual nacieron dos discos. “La verdad es que con Cristian no hablamos mucho actualmente, pero no porque nos llevemos mal, sino porque nuestras vidas cambiaron, hacemos cosas distintas. Él crea música para performances y piezas de arte. Es su trabajo soñado y es muy feliz haciéndolo, así que sería muy difícil que hiciéramos un disco nuevo. Encontrar el tiempo y espacio para ello, es complicado. Además, yo y mi novia nos estamos mudando a una casa en Tennessee, donde tendré un estudio. Eso será interesante. Me haría muy feliz que Cristian pudiese ir y quedarse, hacer una parrillada y crear un disco con él. Cristian es increíble, me encantaría que volvieramos a trabajar juntos. Además, es chileno. Así que imagínate si un día vuelvo con él a Santiago y tocamos”, fantasea. Finalmente, soñar es gratis.
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MIAMI HORROR // LA HORA DEL RECREO
De paso por Chile y con gran ánimo, los cuatro integrantes de Miami Horror se juntaron con Extravaganza! horas antes de partir a Por Fernando Mujica casa. Amor excesivo por sus seguidores chiFotografía * Ignacio Galvez lenos, desenfreno por la fiesta, orgullo de su disco debut y pasión por el trago local. Entre bromas y carcajadas, los australianos intentaron tomarse esto en serio.
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entrevista A muy pocas horas de haber celebrado su tercer paso por Chile, el cuarteto australiano intentaba poner su mejor cara para que Ignacio Gálvez, nuestro fotógrafo, captara una imagen seria del grupo. Imposible, los muchachos estaban en Santiago para festejar y así lo dejaban en claro desde la primera palabra en español que intentaban reproducir. “¡Pisco sour!, ¡pisco sour!” era el grito de guerra. Es que los Miami Horror son parte de una exitosa generación de músicos de Melbourne, gente muy joven que hoy goza de un boom inesperado. “Aunque no todas las bandas estemos totalmente relacionadas, hemos hecho muy buena música que hoy junta las miradas sobre nuestro país”. Su aspecto es sencillo, su ánimo es el mejor. Tras un almuerzo de varias horas, el grupo se ríe a carcajadas y constantemente discute cada una de las respuestas. El sour ya había hecho efecto. “Creo que algo que nos alegra y nos hace felices es saber que la gente comienza a apreciar de verdad lo que hacemos. Estamos conscientes de que hay un rol en el cómo hacemos nuestras canciones. Al parecer el indie electrónico escrito en Australia es definitivamente más fiestero que en otras partes. Y es porque somos muy alegres, disfrutamos lo que hacemos y eso nos trae a lugares como este país”. La historia del cuarteto es breve y se desarrolla en torno a la creatividad de Benjamin Plant. “Durante mucho tiempo hay quienes han pensado que éste era un proyecto personal”, aclara él mismo y trata de que los demás no se den cuenta. “Yo, probablemente, he tenido la culpa al hacer presentaciones como dúo o DJ”. Ése rol que ya le habíamos conocido en las fiestas de Club Fauna y NNM. “Vengo haciendo cosas hace bastante tiempo. Recuerdo algo similar a Crystal Castles que hice para un videojuego. Sintetizadores bien arriba y ese gusto que he tenido siempre por las drum machines más antiguas, las primeras que salieron. Con esas hice muchos demos”. Y cuando pronuncia la palabra sintetizadores, los demás integrantes retoman la conversación y asienten con un “Siempre nos gustó el pop. Cosas como Prince, Supertramp o Abba. Bailar y pasarlo bien con los discos de los papás es algo muy típico de nuestra época”, y vuelven a reír como si se tratara de una sala de clases sin el profesor de turno. “Nos sentimos muy bien acá y creo que esto recién es el día uno. No nos creemos conocidos ni hemos logrado fama”, aclara uno de ellos y los demás tratan de llevar la conversación al orden con declaraciones como: “Somos sinceros, es grandioso tener algo físico en la calle y en él ver todo lo que hemos logrado. Es lógico que gracias a él vas viendo como construyes algo”, pero antes de que Josh Moriarty, Aaron Sanan y Daniel Whitechurch conserven la calma, declaran: “Nos permite estar borrachos en otro país y dar entrevistas”, y las carcajadas vuelven a imponerse. Plant trata de dejar en claro con su mirada que es el único sobrio. “Hemos logrado cosas importantes y desde que salió el álbum, en agosto del año pasado, no hemos parado de tocar. Friendly Fires, Simian Mobile Disco o Phoenix han compartido escenario con nosotros. Además de festivales que para Australia son muy importantes, como Field Day, Big Day Out o Good Vibrations”.
mos un DJ set. Nos encantaría armar una gira por Chile la próxima vez que vengamos, estoy seguro de poder encontrar más lugares y públicos que gusten de nuestro trabajo”. Algo que no es tan difícil, pues son gestores de un rock bailable con fuerte influencia disco. Una fórmula que combina lo amistoso del pop, la destreza técnica del new wave y las agallas del indie rock más estricto. “Somos hijos de la web y eso nos ha ayudado mucho. Gracias a Roberto ‘Mono’ Parra y NNM, acá la gente ya sabe quienes somos. En eso Internet ha cambiado las opciones de muchos artistas”. Y continúan: “Pareciera que una banda ya no necesita de un compacto y que sólo basta con colgar canciones en la red, pero nuestro álbum nos ha servido mucho. Hay una arte, un concepto de simetría en el nombre, el interior de su carátula, etcétera”. “Hace cinco años, la música de clubes se transformó en algo tan popular que cualquier persona terminaba bailando Daft Punk a altas horas de la madrugada y no sólo en nuestro país pasó eso. Bandas como The Avalanches fueron una gran influencia en gente que terminó haciendo cosas como Cut Copy”, sentencian con la idea de justificar una camada que hoy acapara las páginas de revistas musicales en todo el mundo. “Es verdad que en los noventa no pasó mucho. Hubo bandas que imitaban, que se creían grunge y no aportaron en nada. Fue la música electrónica que llegó en el momento exacto para transformarse en influencia. El rock se hizo bailable y nacieron muchos referentes. Ya ves el caso de Midnight Juggernauts, por ejemplo”, declara Plant. Las risas vuelven cuando entre todos intentan mantener la cordura y saben que tras aperitivos y bajativos, su concentración es mínima. “¡Que diga el nombre de la chica que Benjamin conoce en Chile!” y vuelven a desordenarse. Acompañados del staff del sello EMI, responsables de la edición en Chile de Illumination, los Miami Horror quieren seguir la fiesta aunque faltan horas para tomar el vuelo que los llevará de regreso a Melbourne. “Es lo máximo estar acá. Hay mucha pasión, el público es muy energético. Perdona, pero aunque parezcan cosas que dicen todos, es la verdad”, afirman antes de agradecer la hospitalidad y bromear con el largo viaje y la chance de tomar más en el avión. Es que el grupo está de fiesta y su visita confirma la honestidad de esta escena, que sabe muy bien que lo suyo es la entretención.
COMO EN CASA En Chile el grupo ha creado una audiencia importante. Su difusión en radios y blogs locales ayudó a esto. “El show del sábado estuvo impresionante, nos gustó mucho. Hemos venido un par de veces a tocar en vivo y también hici-
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ur discos ba na
LOW
C’mon (Sub Pop)
Vamos, han vuelto los mormones de Duluth con un disco d di que nuevamente han grabado en una iglesia. Y ese sentido más litúrgico se hace notar, ya que si en su trabajo anterior la proclama era de protesta contra el ánimo bélico del mundo, esta vez retornan a la alabanza espiritual y el recogimiento. Y dentro de aquello, se abalanzan con una batería de recursos: juegos vocales, efectos de guitarras, percusiones que buscan la conmoción y el uso de instrumentos sutiles que le dan ese sello pastoral. El arranque con ‘Try To Sleep’ es de lo más encantador y tierno, aunque igual dan cabida a orquestaciones potentes y piezas de honda intimidad, como ‘Done’ o ‘$20’. En ‘Nothing But Heart’, inicialmente, hacen guiños al folk, para terminar en una canción de estadio, tal vez el punto más alto de todo. Un álbum que será del agrado de los seguidores de su sonido más clásico. Rodrigo Salinas myspace.com/low
TV ON THE RADIO
Nine Types Of Light (4AD) Los de Brooklyn pueden anotarse en el selecto puñado de bandas que siempre emocionan y nunca fallan. Una verdad que muy pocos pueden mostrar, pero que aquí no es exagerada. Nine Types Of Ligh es un trabajo lustroso que muestra un lado único de la música contemporánea; uno que puede mezclar el avant garde, el pop e incluso el gospel para engendrar un sonido propio. El cuarto álbum de este combo mutante se separa un poco de sus antecesores, mostrando un lado más lúdico y vitalizado para hablar del amor y la locura, rescatando influencias de lujo que se sienten por cada lado: ´Killer Crane` y ´Forgotten` suenan beatlescas en todo sentido, ´You´ y ´Will Do` huelen a Bowie y ´Caffeinated Consciousness` parece una versión sobreexcitada de ´U-Mass` de Pixies. Raíces necesarias que sirven para levantar algo totalmente nuevo. Martín De Mussy myspace.com/tvontheradio
ELBOW
THE FEELIES
CHIODATA
ABOUT GROUP
Build a Rocket Boys! (Polydor)
Here Before (Bar/None)
Copla (Cocodriller)
Start and Complete (Domino)
El Mercury Prize es un galardón tan prestigioso como portador de cierto recelo dentro de la música inglesa. Las razones esgrimidas para ese calificativo cuentan que quien lo gana, nunca vuelve a repetir el éxito experimentado en dicho momento. Esta explicación puede ser empírica o abiertamente exagerada, pero si hacemos hincapié en ello, debemos decir que Elbow -que se hicieran acreedores de la presea en 2008- le torció la mano a tan oscuro designio con el lanzamiento de Build a Rocket Boys! Acá, los oriundos de Manchester colmaron las expectativas a lo largo de once tracks, que se tejieron en medio de evocaciones -‘Lippy Kids’-, largos pasajes etéreos -‘The Birds’- y optimistas declaraciones de principios -‘With Love’-. Con la voz de Guy Garvey llenando cada espacio, los británicos pueden jactarse de que la “maldición” no les tocó en lo más mínimo. Jean Parraguez
Pocos regresos son tan satisfactorios como éste. Y es que las expectativas con una banda así siempre son superiores. En 2008, The Feelies volvía a los escenarios tras años de ausencia y en muy buen estado. Here Before lo confirma y justifica. Dos décadas exactas han pasado desde Time For A Witness (A&M, 1991), trabajo cúlmine del progresivo acercamiento al pop que los caracterizó durante sus últimos años. En este nuevo álbum encontramos la continuación de esa ruta: un disco de pop desenfadado, de melodías sencillas y guitarras desafinadas, que mantiene a la perfección la carga intelectual, inocente, nerviosa, y adolescente -aunque de esto último poco les quede- que ha tenido la banda desde sus inicios. No por sonar fuera de época, sino por todo lo anterior, podemos decir que estamos frente a un disco que bien podría haberse editado 1992. Sofía Villanueva
La música digital de Chiodata sugiere las pausas en el ritmo agitado de una ciudad, cuando ésta ya está cansada y se detiene al caer la tarde. Algo así como Los Ángeles de Blade Runner, pero en un futuro con vegetación y luz solar. De una concepción minimalista, la propuesta ambient de Claudio Cisterna (Jon Claudio) se acerca incluso a un refinamiento japonés en su juego de claros y sombras, de timbres, sonidos y silencios. Copla es un disco pulcro y acabado. Los cuatro cortes breves iniciales funcionan como una respiración, como un concepto único en sí. Luego, los timbres pulsados se convierten en largas capas de teclados en tonos shoegaze, cercanos a lo último de Mika Vainio (Pan Sonic) en Ohm. Un disco meditativo, perfecto para reponer energías en medio del estrés cotidiano. Una suerte de bálsamo para salir en óptimas condiciones. Rodolfo García
Una apuesta interesante resulta ser esta agrupación, que ofrece una especie de refrito de otras bandas que se unen para dar vida a un elepé que suena en vivo, directo, sucio y conmovedor. Sones teatrales que brotan de la garganta del vocalista de Hot Chip, Alexis Taylor, quien une sus inquietudes creativas a Charles Hayward de los Monkey Puzzle Trio y a John Coxon de Spiritualized, buscando una sonoridad particular que pasa por los acordes del experimental Derek Bailey. Un verdadero hallazgo, donde se puede oír dos sintetizadores atizándote el cerebro y una voz quejumbrosa que se inclina ante el dolor de los amores perdidos. Start and Complete no es un álbum fácil de digerir, no es un disco que a cualquiera le pueda gustar, pues estamos hablando de una placa única, una obra de arte en exposición, cosa que a estas alturas del partido, se agradece. Jorge Rubio
myspace.com/elbowmusic
myspace.com/thefeeliesband
myspace.com/chiodata
www.dominorecordco.com
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FLEET FOXES
Helplessness Blues (Sub Pop) La altísima vara que dejaron los Fleet Foxes con su homónimo disco debut, plasmó en sus integrantes un obsesivo deseo por alcanzar con su segunda placa la idea más próxima de perfección. Y es que luego de que anunciaran su lanzamiento para principios de 2010, Robin Pecknold, líder y compositor de la banda, consideró necesario reeditar cada uno de los temas que hoy dan forma al esperado Helplessness Blues. Aunque basados en el mismo estilo góspel actualizado, los reinventores del folk rock consiguieron extralimitar su genialidad, para elevarse a un estado subliminal. Melodías que actúan como un canto profundo, que se complementan con la dulce y a ratos desesperada intensidad de las guitarras, violines y hasta un delirante solo de clarinete. Un viaje espiritual del que es difícil desconectarse. Todo en 48 minutos celestiales. Pamela Palma myspace.com/fleetfoxes
FOO FIGHTERS
EXPLOSIONS IN THE SKY
BURIAL, FOUR TET & THOM YORKE
TOMATES ROCKY
Wasting Light (Sony)
Take Care Take Care Take Care (Sonic Ranch)
Ego / Mirror (Text Records)
De Malloco a su Mesa (Armatoste Brazo Discográfico)
Luego de la salida de Wasting Light, muchos se lanzaron a decir que éste era un trabajo que recordaba lo mejor del grunge. Quizás hay algo de cierto en eso, pero lo realmente destacable es que Dave Grohl y su banda nos entregan un disco que está entre lo más recomendable dentro de la carrera del grupo. Sí, es cierto que el ex Nirvana Krist Novoselic colabora en ‘I Should Have Known’ y que hay canciones que se pueden interpretar como alusiones a Kurt Cobain. No obstante, en esta creación se percibe plenamente la mano de un Grohl lúcido, quien incluye las experiencias musicales que ha ganado en colaboraciones con Queens of the Stone Age o Them Crooked Vultures. Acá ninguna canción sobra y es difícil destacar sólo un puñado ya que, en su integridad, este álbum encuentra la llave para pasar a la posteridad como uno de los más destacados del rock de este año. Andrés Venegas
Take Care Take Care Take Care es, para manifestarlo de alguna manera, el perfecto ejemplo para explicar qué es el post rock. Todo lo que antes estaba dentro del mismo saco, debe ser desechado, pues esta placa nos demuestra que nada está escrito y que todo puede ser pisoteado para dar génesis a un nuevo concepto. Explosions In the Sky nos toman de la mano y nos llevan a las bases del género, para apoyarse en la extracción de la más pura esencia de la música, demostrando que el rock instrumental es un sonido válido, incluso más que el vocal. Este es un álbum que posee muchas capas de guitarras, subidas y bajadas imprevisibles, un sonido puro, limpio y sincero, aplicado a un dinamismo propio de los ritmos instrumentales. Música orgánica y palpable, familiar y espontánea. Melodías que llevan a estados meditativos, capaces de colmar el alma. Jorge Rubio
Cuando el músico británico Kieran Hebden, alias Four Tet, se reunió en 2009 con el enigma del dubstep, Will Bevan -más conocido como Burial-, para lanzar los singles ‘Moth’ y ‘Wolf Cub’ bajo su sello Text, la idea y el resultado parecieron demasiado buenos como para volver a repetirse. Dos años más tarde, Four Tet reinventa la fórmula con la adición de Thom Yorke, el cual había sido remezclado antes por los otros dos músicos en la versión de remixes del disco solista del frontman de Radiohead, The Eraser (XL, 2006). ‘Ego’ y ‘Mirror’ son dos noctámbulas composiciones donde los gruesos beats, el bass sound y la atmósfera sombría se deben a Burial. Four Tet colabora con dulces timbres y pianos, mientras que la voz de Yorke le imprime frescura e innovación a la obra, resultando algo más cercano al pop, pero cargado de profundidad, misterio e inteligencia. Gabriel Reyes
El debut de Tomates Rocky es una gran apuesta impulsada por Armatoste Brazo Discográfico, nuevo netlabel que comienza a especializarse en la difusión de bandas independientes nacionales. De Malloco a su Mesa, por su parte, brilla con luz propia. Acá, los teclados llevan el ritmo de canciones pegajosas y simples, a veces con sonidos cercanos a los 8 bits -‘Sandokän’, ‘Por qué me dejaste’- que hacen recordar otras décadas, cuando ese tipo de ritmos musicalizaban video juegos y programas de televisión, siendo sencillos, pero muy contagiosos. Otra particularidad es que la mayoría de los cortes dejan en segundo plano las voces, optando por un formato más melódico e instrumental. Todo esto mezclando con distintos estilos, que de a poco toman la velocidad del rock psicodélico, con tintes de ska y una actitud completamente punk rockera. Luis Felipe Fuentealba
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ur discos ba na
KURT VILE
Smoke Ring For My Halo (Matador)
En la segunda entrega de Kurt Vile para Matador, podemos d ver cómo ó este cantautor ha crecido en sus cuatro discos, hasta convertirse en el placer culpable de Kim Gordon. Gracias a un folk profundo, acústico y a una voz rasposa, Vile ha sabido crear uno de los mejores álbumes de la temporada. Su tono, entre Bob Dylan, Lou Reed y Leonard Cohen, lo transporta de inmediato hacia el fulgor de los clásicos, con canciones que suenan tan emotivas como atemporales. “Quiero una chica, pero estoy siempre corriendo”, canta. De melodías sencillas y al hueso, Smoke Ring For My Halo es una obra ideal para degustar tranquilo, al lado de un vaso de licor y un cigarrillo, dejando que lo pasajero se esfume al ritmo de esta guitarra con dejos de psicodelia. Una gran noticia, aunque no para todos: Bon Iver y Sam Amidon acaban de ser destronados. He aquí el nuevo rey. Rodolfo García myspace.com/kurtvileofphilly
PEDROPIEDRA
FUJIYA & MIYAGI
Cripta y Vida (Quemasucabeza)
Ventriloquizzing (Full Time Hobby)
Con sonidos acústicos y letras misteriosas que hacen honor al título del álbum, PedroPiedra regresa con su segundo material de estudio: Cripta y Vida. Éste representa una evolución en la carrera del artista que, pese a seguir en la misma línea pop rock de su homónimo de 2009, muestra un trabajo más profundo que justifica la larga espera entre las dos placas. En un principio -‘Vacaciones en el más Allá’- parece no haber muchos cambios, pero a medida que se avanza por los diez tracks que forman este elepé, los arreglos musicales y las temáticas se hacen más siniestras -‘Occidental’, ‘En Esta Mansión’- y con una doble lectura. Eso sí, sin dejar de lado la ironía que caracteriza al ex CHC y Hermanos Brothers, quien sigue progresando en su proyecto individual, sin perder sus ingeniosas historias, las bases funk y esas melodías ultra pegajosas. Luis Felipe Fuentealba
Mientras Kraftwerk continúa girando por el mundo, sus herederos siguen haciendo de las suyas. Ventriloquizzing de Fujiya & Miyagi fue uno de los primeros lanzamientos interesantes de este 2011 en lo que a electrónica se trata. Casi cuarenta minutos en que jamás se abandonan los manuales del krautrock ni los códigos aprendidos de Aphex Twin; pero, al mismo tiempo -y aquí está el truco-, el ahora cuarteto siempre suena a una banda completamente segura de sí misma. Como buenos herederos del sonido británico, los bajos están a la orden del día en este compendio de temas que coquetea con el funk de principio a fin. Pero no ése que hasta el día de hoy suele brillar bajo las luces de neón, sino uno mucho más oscuro, con textura de concreto y olor a cul-de-sac. Pianos y vientos, inesperados y bienvenidos, completan este cuadro. Oscuro, pero tremendamente atractivo. Sebastián Amado
myspace.com/pedropiedras
myspace.com/fujiyaandmiyagi
BEARSUIT
AUTUMN’S GREY SOLACE
The Phantom Forest (Fantastic Plastic Records)
Eifelian (Projekt Records)
Con la épica de un juego en 8 bits y la potencia de una banda post punk inglesa, los chicos de Bearsuit se lanzan a la caza de un sonido retro, pero totalmente renovado y llevado a un nuevo extremo. En cada uno de los doce cortes que contiene The Phantom Forest, los oriundos de Norwich pelean una batalla a la que no deberían estar acostumbrados, pero salen ganando con creces. ‘When Will I Be Queen’, su último single, es el mejor ejemplo. Pero en el álbum se mezcla la dinámica lírica de bandas revelación tipo Everything Everything, con la melodía rítmica de proyectos como YMCK, quienes han dominado el uso de los sonidos “a la Nintendo” hasta convertirlo en arte. Acá la licuadora no para, pues, las guitarras asesinas y las voces poderosas son un complemento infaltable.¿Un poco de originalidad? Ésta es la cuota que estabas esperando. Ahora sírvete y rememora. Diego Huenchur
Sexto álbum de una de las bandas norteamericanas más representativas del sonido Darkwave/Ethereal. En Eifelian, Autumn’s Grey Solace crean el ambiente adecuado para ser los amos y señores: oscuridad, paisajes construidos por hermosos arpegios de electroacústicas guitarras, se funden con el letárgico ritmo de una batería sumergida en el rever. Todo ese soporte sonoro es para el cortejo que custodia a la armoniosa, celestial e hipnotizante voz de Erin Welton, una auténtica sirena de mares vírgenes. Sus sueños y esperanzas, son plasmados en varios temas sólo por vocalizaciones, lo que hace más cautivante su canto (‘Unfamiliar Spirits’ o ‘Faint Young Sun’). Ahora, este dúo regresa a los sonidos de sus primeras dos producciones; paisajes góticos, pulidos por dóciles riff de shoegaze, son el ingrediente final de este sombrío banquete. Cristián Carrasco
myspace.com/bearsuit
myspace.com/autumnsgreysolace
BEASTIE BOYS
Hot Sauce Committee Part Two (Capitol) Nada puede vencer a los chicos bestia y hoy esta premisa se hace irrefutable, mientras el trío desfila con una chapa de veteranos de guerra a más no poder. Luego de haber pasado por un complicado diagnóstico de cáncer para Adam Yauch –MCA- y verse frustrada la creación de esta misma placa durante el año 2009, la porfía y el aguante de los neoyorquinos pudo más, dejando salir de sus entrañas este Hot Sauce Committee Part Two. Un conjunto de perfectas sincronías entre el hip hop, el funk, la electrónica y una serie de acompañamientos de lujo -entre ellos NAS y Santigold-, que resultan en el trabajo más llamativo y notable de la agrupación desde 1998. Las palabras están de más, hay que dejar que ellos mismos las disparen y disfrutar como si de un solo de Hendrix se tratara. No por nada siguen siendo los raperos con más rock & roll en la sangre. Clásicos y punto. Rolando Inostroza myspace.com/beastieboys
VIVIAN GIRLS
ILIJA RUDMAN
J MASCIS
TIM COHEN
Share the Joy (Polyvinyl)
The Reveal (Bear Funk)
Several Shades of Why (Sub Pop)
Tim Cohen’s Magic Tricks (Captured Tracks)
Editado tras la incorporación de la baterista neozelandesa Fiona Campbell, Share The Toy es a priori un disco mucho más armonioso que los anteriores. Sin embargo, esto pasa sólo por asuntos de grabación y mezcla, ya que las distorsiones, voces twee, letras pesimistas y los aires post punk garageros que las hicieron conocidas, se encuentran en su máximo esplendor. Los coros vuelven a ser un factor importante, y la producción del álbum permite disfrutarlos en toda su magnitud. Resulta paradójico también que el trabajo más oscuro de Vivian Girls tenga un nombre tan feliz y es que parece que el whisky, el fanatismo por Patti Smith y la presencia del productor Jarvis Taveniere -de Woods- han germinado una flor de la mejor calidad. Y en honor al arte o al fetiche, la recomendación a adquirir el 7’’ de ‘I heard you say’, primer single del disco, queda hecha. Sofía Villanueva
Bear Funk es un sello de Londres que lleva bastante tiempo en el space disco y los sonidos balearic beat con tildes psicodélicos. Entre sus filas destacan nombres como Todd Terje, Idjut Boys, Chicken Lips o Bottin. Tal vez por eso Ilija Rudman lo eligió para sacar The Reveal, una exquisita muestra de disco revival elaborado con maquinitas antiguas como synthes Roland Jupiter 4 y 8, Minimoog, Roland SH2, Juno 60 y las apreciadas drum machines Linn y Oberheim DMX. Rudman proviene de Croacia y ha sido parte de toda ésta escena, teniendo más de cincuenta lanzamientos en sellos como 2020 Vision, Compost Records o Red Music –su propia casa disquera-, logrando un estilo retro, mezclado con ritmos electrónicos y algunas voces cafichonas del funk más nigga. Un álbum alegre, donde se advierte el alma en las notas, que flota en cada movimiento. José Antonio Sepulveda
Igual que un robusto monstruo, la maquinaria de Dinosuaur Jr siempre se percibió como un ente desafiante, sin escrúpulos y dispuesto a echar abajo todo obstáculo sonoro con un poder que sigue siendo insuperable. Pero como dicta la ley natural, hasta las criaturas más atemorizantes guardan su lado frágil, que aparece en contados instantes, quizás para espantar tanta rabia o mover un poco la balanza cuando el ying y el yang no se encuentran en armonía. Para saciar esa necesidad, J Mascis se despoja de todo adorno eléctrico y nos entrega este hermoso decálogo acústico, que ya no ruge desde el parlante, sino que se agazapa en los rincones para otorgar letras confesionales, en carne viva, que no esperan ningún corte o edición, sino que se someten a la primigenia necesidad de exteriorizar la inquietud tal como viene, que es cuando más sinceridad acarrea. Jean Parraguez
El personaje en cuestión es un hombre multifacético. Un tipo con problemas de grandilocuencia que le han llevado a catalogarse como el nuevo mesías o el mismísimo anticristo. En su nuevo álbum nos transporta en un viaje mágico por un universo desquiciado, irreverente, irracional, pero musicalmente exquisito. Un disco que no dejará a nadie indiferente dentro de los que se atrevan con este coloso musical. Ya lo había demostrado en trabajos anteriores como Laugh Tracks (Captured Tracks, 2010); Cohen es dueño de una versatilidad sorprendente con su habilidad de crear historias y contarlas, a través de acordes y mutaciones sonoras, que quedan más que confirmadas y aprobadas por la mente del que se atreva con este individuo. Canciones sinceras, alocadas e hipnóticas, especiales para aquellos que poseen pensamientos volátiles. Jorge Rubio
myspace.com/viviangirlsnyc
myspace.com/ilijarudman
myspace.com/jmascis
myspace.com/timmycohen
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ALELA DIANE
MORENO
Alela Diane & Wild Divine (Rough Trade)
Humano Pequeño (Casa Joven)
Manteniendo la esencia clásica del folk rock y fusionando el country con soul, Alela Diane lanza su tercer disco. Sin grandes variaciones, en relación a sus trabajos anteriores, la californiana se sumerge en un ambiente bastante íntimo, en donde su padre -el guitarrista Tom Meing- y su esposo -el bajista Tom Bevitori-, consiguen familiarizarse, literalmente, con el introspectivo sonido de Alela. En esta ocasión, canciones como ‘To Begin’, ‘Elijah’ y ‘White Horse’, se transforman en un excitante recorrido de susurros, respiraciones y gritos que, sutilmente, logran desgarrar a una de las más dulces y doradas gargantas del mundo indie. Y así, bajo este ambiente, la melancólica poesía se funde en la voz agridulce que envuelve y da fuerza a cada uno de los diez temas que conforman este álbum sencillo, pero no menos mágico. Pamela Palma
Humano Pequeño es el nuevo disco instrumental de Moreno. Hasta ahora, el proyecto de Giancarlo Landini se había dedicado con éxito al indie rock más clásico, en sus previos Pica (Casa Nueva,2009) y Polaroids (Casa Nueva,2010). Pero acá la guitarra acústica es la base de todo y si bien Moreno acostumbraba circular entre la playa y la ciudad, ahora lo hace en el parque, al medio de la urbe y en el bosque, al lado del mar, con los árboles filtrando la luz del sol. Tranquilo y melódico, este álbum resulta introspectivo, cercano al trabajo de Papa M o de Pullman, y evoca, por momentos, lo que haría Mogwai tocando en este formato. En esta faceta despojada y acaso más ingenua, la música de Moreno alcanza sus mejores logros. Una sorpresa total, entonces. La propuesta de Humano Pequeño ofrece calidez en tiempos de apremio. Rodolfo García
myspace.com/alelamusic
myspace.com/morenoysuonda
EULOGIES
I’M FROM BARCELONA
Tear The Fences Down (independiente)
Forever Today (EMI)
Una eulogía es una especie de discurso, cargado de emoción, sentimiento y espiritualidad, que se escribe cuando un ser querido ha fallecido. Una especie de último adiós, pero en clave literaria. Tear The Fences Down, disco compuesto en su totalidad por Peter Walker, líder de Eulogies, funciona en la lógica de carta de despedida, catarsis y liberación personal. Acá, cargado de saturación, voces lejanas y melodías a ratos inconsistentes, el frontman deja entrever su dolor, sus gritos ahogados y sus esperanzas tratando de recobrarse. Que el cáncer te quite un hermano no es, bajo ninguna circunstancia, algo apreciable, pero, para nuestra suerte, el músico supo canalizar y enfocar. Quizás es cierto eso que se dice siempre: “De las emociones más fuertes, nace el mejor arte”. Lección cumplida. Diego Huenchur
I’m From Barcelona puede definirse en palabras sencillas: una gran banda. Primero, porque son 30 integrantes -algo no menor-, y segundo, porque sus canciones son piezas pop de calidad perfecta. Con cada tonada, cada golpe de xilófono y cada acorde maravillosamente ejecutado, los suecos saben que lo están haciendo bien. En Forever Today, placa que sucede a Who Killed Harry Houdini? (Mute, 2008) y al original ejercicio de composición de 2009, titulado 27 Songs From Barcelona, donde cada integrante hizo una canción -disponible para descarga desde su página-, la agrupación juega con los ambientes fiesteros, pero con globos y serpentinas. Acá la felicidad es un arma tibia, que calienta hasta al corazón más frío y que invita a mover los pies aunque se sea un ente de corazón oscuro. La refinación elegante llevada al terreno del barroque pop. Diego Huenchur
myspace.com/eulogiesmusic
www.imfrombarcelona.com
CATÁLOGO EXTRAVAGANZA!
SEEFEEL
DAVID MAYFIELD
Seefeel (Warp Records)
The David Mayfield Parade (9th Grade Records)
Warp nos vuelve a entregar un disco difícil de obviar. El cuarteto Seefeel, logra mezclar sonidos del IDM, post punk y shoegaze, entre otros géneros, para dar vida a su cuarto álbum. Si bien la banda existe desde 1992, siempre cultivando el mismo sonido, en esta última entrega logra una obra retorcida, complicada, pero deleitante. En temas como ‘Step Up’ o ‘Gzaug’ se desarrolla el interés por los ciclos, generando complicados mantras sumergidos en sonidos lisérgicos. En la otra cara de la moneda tenemos ‘Dead Guitars’ y ‘Rip-Run’ mostrando el lado amable y pop de un álbum multifacético. También cabe destacar ‘Airless’, que es algo así como la síntesis de la placa completa, en la que logran una delicada aura de voces, que pasean dentro de guitarras bañadas de efectos y una batería no menos calculada y estricta. Un disco que no deja de sorprender. Juan Francisco Guzmán
El sonido de las regiones siempre deja huellas en los artistas que ve nacer. En David Mayfield, productor y músico desde hace un par de décadas, el paisaje de Nashville supo matizar sus composiciones, tornándolas en melodramas escritos a punta de lápiz, papel, corazón y guitarra. Sus tonadas son como él: sencillas, con barba y un poco de sobre peso. El sonido robusto de cada una de sus canciones convierte esta placa en un elepé de esos que hay que disfrutar de principio a fin, sin saltarse ningún track, porque los matices son los que se encargan del camino empedrado. Acá juegan de local los tempos de paso relajado y los tintes de rock & roll y country, que siempre han caracterizado a los interpretes estadounidenses apegados a sus raíces. Acá se baila, se disfruta y se sufre, pero, el que salga del granero, se queda sin la última pieza. Diego Huenchur
myspace.com/seefeelmyspace
thedavidmayfieldparade.com
MARK E
PHUTUREPRIMITIVE
Stone Breaker
Kinetik (Native Harmonix)
(Spectral Sound/Ghostly International)
LUNES A VIERNES 22.00 HRS
Mark E, en su adolescencia, se enamoró del sonido house de Chicago viviendo en Manchester, donde estudió y, además, conoció la cultura rave. Actualmente con base en Birmingham, este DJ y productor llamó la atención de la gente del label especializado Ghostly International, quienes le ofrecieron publicar su primer elepé bajo el alero del sub sello Spectral Sound. Así nace Stone Breaker, un álbum emotivo con un beat envolvente que se mueve entre los 105 y 115 bpm, creando viajes hipnóticos con ritmos percusivos y melodías espaciales. En el disco, también podemos encontrar una paleta de ritmos muy elegantes, que van desde el slow techno más cósmico de ‘Belvide Beat’, al funky tipo Prins Thomas en ‘Quatro’, o a marchas de robot a lo vieja escuela, con aires a Carg Graig en ‘Black Country Saga’. Un trabajo fresco y altamente recomendable. José Antonio Sepulveda
Rain, músico oriundo de Portland, nos presenta su segundo álbum bajo el pseudónimo Phutureprimitive. Después de la aceptación general de su primera placa, Sub Conscious (Waveform, 2004), la cual alcanzó el nivel de culto para los familiarizados con el dub step, nos trae un set de temas mucho más ácidos que su entrega anterior. En este disco, el norteamericano da una clase magistral del uso de sintetizadores, creando texturas llenas de poder y evolución, dejando de lado el gusto a world beat de su entrega anterior. Acá nos deleita con temas amigables y alegres, como ‘Rapid Cognition’ o ‘High Rez’. El plato fuerte viene de la mano de ‘Xotica’, donde podemos prácticamente escuchar hablar al bajo, y ‘Predatory Instincts’, que a ratos nos recuerda algunos momentos de Prodigy. Un trabajo oportuno, absolutamente hijo de nuestra época. Juan Francisco Guzmán
www.ghostly.com
myspace.com/phutureprimitive
NEW YORK DOLLS
ANNA CALVI
Dancing Backward In High Heels (Atco)
Anna Calvi (Domino Records)
La tarea no era fácil, pero la actitud siempre ha estado. Por eso mismo, Dancing Backward In high Heels funciona y hasta emociona. ¿Cómo? Luego del retorno de los Dolls en 2004, el combo de David Johansen trató de mantener viva la garra y el espíritu garage que años atrás sirvieron para marcar el inicio del punk. Lo lograron con algunos pasajes de One Day It Will Please Us To remember Even This (Roadrunner, 2006) y `Cause I Sez So (Atco, 2009), pero no se podía seguir contando el mismo chiste. Por eso, y justo a tiempo, el retorno en forma viene de la mano de un álbum verdaderamente transgresor: doce canciones construidas casi sin guitarras, guiadas por teclados y orquestaciones que van en la búsqueda de un pop psicodélico, sin perder el aire travestido y decadente que ya es un sello propio. Un disco que sobrepasa por mucho las expectativas que nos iban quedando. Martín De Mussy
El debut de Anna Calvi para Domino Records, es un asunto de proporciones. Algo retro futurista, ya que los tonos vanguardistas de la cantante aparecen al reinterpretar material que bien podrían ser la banda sonora de algún spaguetti western épico. Entre el gótico sureño de Calexico y PJ Harvey, Ennio Morricone y Frank Sinatra, Calvi provee canciones impregnadas de una sofisticación rara para la época, gracias a ese clasicismo pretencioso que la hace incluir arreglos de orquesta -coros incluidos- en sus anacrónicos y apasionados temas. Lograr recuperar todo este material con un tono fresco e intenso transporta a la intérprete a lo más granado del avantgarde. Cuando la voz de Anna alcanza ribetes líricos, lo hace con una naturalidad que la convierte en un canal perfecto para las emociones de esta estrella indie naciente. Rodolfo García
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discos perdidos 3 LB. THRILL VULTURE (SONY,1995)
ALL ABOUT EVE SCARLET AND OTHER STORIES (PHONOGRAM, 1989)
DEVOTCHKA
DUCKTAILS
100 Lovers (ANTI-)
Ducktails III: Arcade Dynamics (Woodsit)
A veces, una sola decisión puede hacer o deshacer la carrera de una banda. En el caso de DeVotchKa, esa fue musicalizar una película independiente que llevaba por nombre Little Miss Sunshine. Flashforward un año: la cinta se transforma en un éxito rotundo y su soundtrack pasa a sonar en radios de todo el planeta. El grupo que lo firma jamás fue del montón, pero ahora su público potencial es mayor que nunca. Y ellos, fieles a su historia, no se duermen en los laureles y se despachan un álbum inmenso. Su folk -que a estas alturas, en su sétpimo disco, ya es marca registrada- a ratos se torna rock, a momentos toma cuerpo de orquesta, se efectiza, se acelera e incluso se disfraza de tango. Parecen capaces de componer la canción que se les ocurra, por larga, corta, gigante o mínima que sea. Ahora, el mundo escucha. Y en 100 Lovers, las razones para oírlos sobran. Sebastián Amado
Si con Real State, Matthew Mondanile no logró hacer discos pop que dieran para hablar más de un año, sí lo hizo con este álbum bajo el nombre de Ducktails, proyecto unipersonal de Mondanile vigente desde el 2009, donde sin dejar del todo aislada la experimentación, nos muestra su faceta más hogareña. Y no es coincidencia que sea Noah Lennox de Panda Bear o miembros de Woods los que salen a la luz en esta producción. Un disco registrado durante el invierno que nos suena a verano; psicodélico y de melodías suaves, caramelizadas con el lo-fi ya característico de los aventureros de Woodsit. Y para los que creen que Ducktails ha dejado las jams por adecuarse a las reglas de la casa discográfica, puede que tengan muchísima razón, ya que gran parte de estas canciones son maquetas de largas sesiones de improvisación adaptadas para el disco. Sofía Villanueva
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BOWERY ELECTRIC LUSHLIFE (BEGGARS BANQUET, 1999)
QUIET VILLAGE SILENT MOVIE (STUDIO !K7, 2008)
El debut de 3lb. Thril contiene un puñado de canciones adictivas, aunque su tema más rotado fue ‘Something Will Come’. Una mezcla de rock plácido y melodías reescuchadas, pero recordables y queribles. Su sonido se emparenta a la rama más suave del grunge. Trece tracks que se disfrutan y hacen recordar los mejores noventas, para quienes gustan de grupos como Our Lady Peace y Live, este es un disco que, necesariamente, debes degustar auditivamente. Carlos Torejón
All About Eve tuvo una corta carrera, con un gran reconocimiento en las listas de éxitos del Reino Unido. Acá logran mostrar en plenitud su concepción musical, desmarcándose, así, del encasillamiento de los medios, que los asociaban a The Mission y Cocteau Twins. Un disco sombrío, melancólico y, a veces, épico; como en ‘Pieces of Our Heart’ o ‘Road to Your Soul’. Plagado de un aura nebulosa e intensa. Carlos Torejón
Al final de una época de oro para el trip hop, aparece lo último de Martha Schwendener y Lawrence Chandler, un dúo opacado por el éxito de sus coetáneos. A diferencia de artistas como Portishead o Sneaker Pimps, Bowery Electric entregan la simpleza de una noche con frío o de la soledad indolente de una ciudad sin gente en un disco perfecto y tristemente pasado por alto. Juan Francisco Guzmán
Con claras referencias al easy listening, blues, soul, reggae, y new age, Joel Martin y Matt Edwards (Aka Radio Slave) nos entregan un viaje fascinante entre imágenes, historias y emociones, con piezas que nos recuerdan nombres como Bobby Womack o Ennio Morricone -e incluso un pequeño tributo a Alan Parsons Project en ‘Pillow Talk’-. Es el único disco que hicieron y, tal vez, el único que necesiten para quedar impresos en la memoria del oyente. Juan Francisco Guzmán
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vitrina
DR. MORTIS El cómic nacional está tomando nuevos bríos con publicaciones underground y realizadores chilenos que son destacados fuera del país. Es en este marco donde el mítico Dr. Mortis vuelve a las librerías, revivido por el guionista Miguel Ferrada y el dibujante Ítalo Ahumada. La novela gráfica contará con 112 páginas bajo el nombre de Mortis, Eterno Retorno. Para realzar el ambiente de misterio se usó pincel y tinta china sobre papel, sin retoques digitales, con mucho juego de claro oscuro para dar vida al siniestro personaje creado por Juan Merino en 1945. Según el guionista, quienes se adentren en Mortis podrán encontrar historias más maduras, que están lejos del estigma infantil que tienen los cómics. Así que quienes gustan de las historietas de colección no pueden dejar pasar esta oportunidad de conocer a un ícono de las viñetas nacionales. retorno.mortis.cl
DESPUÉS DEL ROCK Desde las columnas de Melody Maker, The Wire, Spin y Rolling Stone llega una serie de artículos y ensayos escritos por Simon Reynolds, uno de los críticos de rock más sobresalientes de Inglaterra en las últimas décadas. Después del Rock: Psicodelia, Postpunk, Electrónica y Otras Revoluciones Inconclusas es la primera compilación de su obra traducida al español, gracias a Pablo Schanton, compilador y escritor del prólogo de esta antología, quién es quizás uno de los referentes más conocidos de la crítica de rock en Argentina. A través de su punzante pluma característica, uno de los puntos centrales puestos en el debate es la fatiga creativa en la producción musical nacida en los albores del siglo XXI, además de los paradigmas estéticos que ejercen fuerza sobre distintas corrientes como la psicodelia, el vogue y el hip hop, entre otras. El libro se encuentra disponible en Librerías Qué Leo y, para mayor información, visita la página web de la editorial.
www.cajanegraeditora.com.ar
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Joaquín Torres García y Manolita Piña, en la Colección de Emilio Ellena La está compuesta por 33 dibujos de Torres García creados entre 1906 y 1947, más cuatro pinturas de su esposa Manolita Piña que datan de 1906 y 1910. Pertenecen a la colección del especialista norteamericano Emilio Ellena, quien investigó las obras del artista uruguayo y creó una estrecha amistad con su viuda. Ellena ha curado varios ejemplares que ha adquirido con el paso de los años, y algunas de sus piezas más destacadas serán parte de esta exhibición. Abierta desde el 14 de mayo hasta el 11 de junio en Galería Animal.
www.galeriaanimal.cl
LO QUE EL SIDA SE LLEVÓ: YEGUAS DEL APOCALIPSIS El fotógrafo Mario Vivado comparte una muestra que nace hace 24 años, cuando dos estudiantes de literatura ingresaron desnudos montando a caballo a la Universidad de Chile. Se autodenominaron Las Yeguas del Apocalipsis y una de sus performance más recordadas es Lo que el Sida se llevó. Un archivo de fotografías en la Galería D21, sirven para revivir a uno de los colectivos más innovadores que ha tenido la escena artística nacional. Desde el 29 de abril hasta el 31 de mayo. www.departamento21.cl
HUMANILLO Jorge Quien es el alterego de Jorge Opazo, historietista chileno radicado en Argentina. En dicho país ha mostrado su trabajo en diversas publicaciones dedicadas al comic y ha sido seleccionado en varias ocasiones por la revista Fierro, quizás la más importante de éstas. En Humanillo, el autor reúne códigos de las artes visuales y la literatura, exponiendo una mirada personal sobre la creación artística. Las obras son los originales del libro del mismo nombre, publicado en septiembre de 2010 en el país trasandino por Editorial La Pinta. La muestra estará presente desde el 21 de mayo al 26 de junio en Galería Plop! (Merced 349 Local 7, Barrio Lastarria) www.plopgalería.com
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audiovisual
// PATRICIO ALFARO Cámara en mano Por Andrea Von Dessauer Fotografía * Diego Maya A sus 23 años, Patricio Alfaro nunca imaginó que de una tarea académica saldría el proyecto que hoy lo posiciona como uno de los fuertes exponentes de la escena audiovisual en Chile. La Vitrola nace como un concepto para todo público, que pretende generar escenarios frescos, con una acústica única y limpia para cada artista. Reflejándolos tal y como son, lejos de las locaciones prefabricadas y los atuendos sobrecargados. “La idea de no conocer los lugares de las tomas, corresponde a una búsqueda espontánea que posee La Vitrola”, explica Alfaro, quien pretende seguir reinventándose mediante nuevos espacios, con una sonoridad aún más pura. Inspirado en los videos de Vincent Moon, Patricio inició La Vitrola TV para un ramo de su universidad. “Era una investigación sobre industrias culturales, queríamos ver si una iniciativa audiovisual sin fines de lucro se podía sustentar con el tiempo”. Objetivo cumplido: hoy el sitio es uno de los portales de clips de artistas nacionales más visitados, quizás por su simpleza inherente.
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Sin discriminar estilos, la página está abierta a todo tipo de artistas. Hasta la fecha han trabajado con gente como Dënver, Prehistóricos, Matías Cena y Zaja y Mazhiel, entre otros. La ausencia de montajes predispuestos parece ser la premisa básica de este colectivo, que por base utópica no busca ser rentable: todos los gastos corren por cuenta del equipo. “Antiguamente nosotros contactábamos a los músicos. Hoy, por el contrario, hay una lista de nombres en espera para que los grabemos, pero todo sin fines de lucro. Acá nadie paga”, aclara el estudiante de quinto año de cine y televisión de la Universidad de Chile, quien se desempeña como montajista, camarógrafo y productor de los videos, junto a cinco amigos más. En alta definición, con colores nítidos y una idea sólida, este sitio nos entrega frescura mediante su constante rotación de locaciones. “Siempre estaremos en la búsqueda de nuevos escenarios. No nos cerramos a ninguna posibilidad”.
liv e OH MARGOT! Viernes 1 de abril Bar Loreto Fotografía * Diego Maya
MOTÖRHEAD Sábado 9 de abril Teatro Caupolicán Fotografía * Roberto Vergara, Trucko
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DEAD ELVIS Viernes 15 de abril Bar Loreto Fotograf铆a * Daniela Le贸n
PERROSKY Viernes 15 de abril Bar Loreto Fotograf铆a * Daniela Le贸n
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CHINOY Y LOS NIﾃ前S PREFERIDOS DEL RUIDO Miﾃｩrcoles 13 de abril El Living Cine Arte Alameda Fotografﾃｭa * Diego Maya
THE VERSIONS Miércoles 27 de abril Bar El Clan Fotografía * Daniela León
liv e THE HUMAN LEAGUE Viernes 8 de abril Teatro Caupolicán Fotografía * Wladimir Rojas
MIAMI HORROR Sábado 16 de abril Club Fauna Fotografía * Wladimir Rojas
THE SOUNDS Sábado 16 de abril Club Fauna Fotografía * Wladimir Rojas
BAG RAIDERS Sábado 16 de abril Club Fauna Fotografía * Wladimir Rojas
co liv ac e he lla
YELLE Sábado 16 de abril Indio, California Fotografía * Cristián Sepúlveda (paniko.cl)
PJ HARVEY Domingo 17 de abril Indio, California Fotografía * Cristián Sepúlveda (paniko.cl)
LAURYN HILL Viernes 15 de abril Indio, California Fotografía * Cristián Sepúlveda (paniko.cl)
THE DRUMS Viernes 15 de abril Indio, California Fotografía * Cristián Sepúlveda (paniko.cl)
INTERPOL Viernes 15 de abril Indio, California Fotografía * Cristián Sepúlveda (paniko.cl)
EMPIRE OF THE SUN Sábado 16 de abril Indio, California Fotografía * Cristián Sepúlveda (paniko.cl)
THE STROKES Domingo17 de abril Indio, California Fotografía * Cristián Sepúlveda (paniko.cl)
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DURAN DURAN Domingo 17de abril Indio, California Fotografía * Cristián Sepúlveda (paniko.cl)
THE STROKES Domingo 17 de abril Indio, California Fotografía * Cristián Sepúlveda (paniko.cl)
THE BLACK KEYS Viernes 15 de abril Indio, California Fotografía * Cristián Sepúlveda (paniko.cl)
SUEDE Sábado 16 de abril Indio, California Fotografía * Cristián Sepúlveda (paniko.cl)
ARCADE FIRE Sábado 16 de abril Indio, California Fotografía * Cristián Sepúlveda (paniko.cl)
THE CHEMICAL BROTHERS Viernes 15 de abril Indio, California Fotografía * Cristián Sepúlveda (paniko.cl)
diez canciones PANDA BEAR-SURFERS HYMN PANDA BEAR - SURFERS HYMN...Excelente canción extraída del último disco de Noah Lennox, aka Panda Bear, donde se funden de manera perfecta lo experimental con lo melódico, todo gracias al uso certero que hace el miembro de Animal Collective de sonidos orgánicos y digitales. CARAVANA-RECONOCER..........Rodrigo Santis, alma máter de Congelador, vuelve como solista de CARAVANA - RECONOCER la mano de Caravana, su nuevo proyecto. El disco acaba de ser lanzado y ya se perfila entre lo mejor de la cosecha nacional 2011. Puedes descargarlo de manera gratuita desde nuestra página. ADELE - ROLLING IN THE (JAMIE XX REMIX) Maravillosa colaboración entre dos ADELE-ROLLING IN THE DEEPDEEP (JAMIE XX REMIX)............ artistas que poco tienen en común por separado. Acá, el soul pop de Adele se mezcla con arreglos semi industriales y minimalistas, de la mano del productor inglés Jamie Smith, miembro fundador de The XX. PEDROPIEDRA - VACACIONES MÁS ALLÁ PEDROPIEDRA-VACACIONES ENEN EL EL MÁS ALLÁ.......El primer corte del nuevo álbum de
Pedro Subercaseaux hace gala del genial sentido del humor de este autor chileno, que vuelve después casi tres años de su debut. Además, la canción cuenta con un video que ocupa variados cementerios como locaciones. THE CARS-SAD SONG........Rick Ocasec está de vuelta y lo hace dando clases de estilo. Después de THE CARS - SAD SONG casi un cuarto de siglo de su última placa, este mes lanzan Move Like This, un disco que promete, y cómo no, si su adelanto es esta canción. PEARL THE BEARD-SWEETNESS...............Con aires a The Dodos y a unos Young Marbel Giants PEARLAND AND THE BEARD - SWEETNESS postmodernos, Pearl and the Beard rescata, en este tema, toda la frescura y el relajo del mejor pop independiente. Perteneciente a Killing The Darlings, lo más reciente de estos neoyorquinos. Bill - Riding- For The Feeling.........................Una vez más el compositor demuestra por qué BILLCallahan CALLAHAN RIDING FOR THE FEELING es uno de los mejores exponentes mezclando sonidos íntimos con letras acertadas. Cada estrofa implica casi un estudio, para entender y aprender. BETH JEANS HOUGHTON - DODECAHEDRON Beth Jeans Houghton - Dodecahedron...........................Con una voz que recuerda un poco a Feist, la cantautora inglesa nos suelta en medio de un paisaje invernal. Gris, frío y casi dramático, que sólo se ve aunado por los coros, que generan un poco de calor dentro del gélido panorama. ..................................................Esta canción, extraída del glorioso Helplessness Blues, es FLEET FOXES - SIM SALA BIM sólo un ejemplo más de la calidad de Robin Pecknold y compañía, que con esta nueva placa, se acaban de catapultar como una de las bandas fundamentales de nuestra época. Pequeña Orquesta de.......................................... - Caramelos de lim.. Esta canción coPEQUEÑA ORQUESTA DE TROVADORES -Trovadores CARAMELOS DE LIMÓN rresponde al quinto corte del cuarteto pop folk oriundo de Buenos Aires, Argentina. Melodías edulcoradas se combinan con voces que recuerdan un poco a The Moldy Peaches, dando la corazonada de que la afinación no es tan importante cuando se canta desde el alma.
tres videos ODISEA-CASA LATINA La nueva entrega de Alex Anwandter, a casi un año de la salida del álbum, tiene formato audiovisual, y nos recuerda la excelencia de su debut como Odisea. En este video, dirigido por él mismo, el chileno nos refriega en la cara, una vez más, que su propuesta es hacer un pop descarado, pero de melodías geniales. VIVIAN GIRLS-I HEARD YOU SAY Un sencillo pero carismático video acompaña la salida del primer single de Share the Joy, lo último del trío de Brooklyn. Una mezcla entre Nancy Sinatra en diazepam y surf rock, todo en clave riot grrrl, hace de ésta una canción adictiva. Más si va acompañada de las lindas Vivian Girls. BEASTIE BOYS-FIGHT FOR YOUR RIGHT (REVISITED) Éste hilarante video de treinta minutos tiene de todo: estrellas de la comedia gringa y caras conocidas por doquier -entre los que más destacan Seth Rogen, Elijah Wood y Danny McBride-, recuerdos ochenteros, alusiones a las drogas, a la parranda y situación loquísimas. Si a alguien no le dan ganas de portarse pésimo al ver esto, mejor que regrese al convento.
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