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Devendra Banhart/
FilosofĂa DIY/Quiero Club/
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Año 4 Número 02 Mar/Abr 2013 Ejemplar gratuito
Revista freim es una publicación bimestral, editada, publicada e impresa por Freim! Publicidad y Marketing. Número de reserva al título en derecho de autor en trámite. Certificado de licitud de contenido en trámite. Domicilio de la publicación: David Alfaro Siqueiros No. 6-A, Col. Campiña de Aragón. C.P. 55130 Ecatepec Edo. de Mex. La información y contenido de los artículos son responsabilidad de los autores. Se permite la reproducción parcial de los materiales siempre y cuando se cite la fuente. El material utilizado, así como las marcas y logotipos son propiedad de sus respectivos fabricantes.
Escriba su título aquí:______________/ Alejandro Altamirano Podría asegurar que cada una de las personas que colaboran en Freim después de haber tenido una publicación musical en sus manos en algún punto de su vida pensó: “Me gustaría ser parte de algo así.” Hoy les quiero agradecer por nunca abandonar ese deseo y ayudar a que sigamos aquí con un nuevo número de Freim para ustedes, queridos lectores. Tomando como referente esta breve introducción, pienso que no podría haber un tema más idóneo para este ejemplar que la filosofía DIY (Do It Yourself), misma que de alguna manera mueve a cada uno de nosotros a salir avante en el día a día. Obviamente esta filosofía ha impregnado muchos ámbitos que conciernen esta publicación, por lo tanto hemos tratado de reunir ciertos temas y artículos que ayuden a comprenderla en una era tan cambiante e influenciada de todo como la nuestra. Hablando de la portada, nos sentimos bastante orgullosos de contar con Devendra Banhart, un artista, en toda la extensión de la palabra, que a pesar de tener ya varios discos de estudio, reconocimiento internacional y una larga trayectoria, se sigue moviendo bajo muchas de las reglas del DIY, además de que no podíamos dejar pasar la oportunidad de que justamente estrena disco en este año. Así como Devendra, también contamos con Quiero Club, una agrupación que también defiende la ideología como muy pocas lo hacen a nivel nacional, hablaremos también de nuevos emprendedores amantes del cine y la literatura que con sus nuevas ideas e ímpetu se mantienen en la trinchera y al margen de lo convencional. Disfruten de este nuevo número, nuestro primer par y la razón por la que esta editorial no tiene título es para que usted mismo se lo ponga.
04. ¿Qué es “DIY”? Por: Ricardo Pineda
07. SAMPLES (Grabación de los ambientes cotidianos) Por: Enrique Gongora
10. Quiero Club Por: Pao Alonso
14. Entrevista: Devendra Banhart Por: Fabián Zugaide
20. Reseña: Mala - Devendra Banhart Por: Francisco Illescas
22. Reseña: El Techo Es El Suelo - Quiero Club Por: Jair López
25. Tinta y letras independientes Por: Alfonso González
26. Proyecciones alternativas Por: Claudia González
28. Game Over : Metal Rising Por: Iván Altamirano
¿Qué es “DIY”?/ Ricardo Pineda Es una muestra de que no hacemos DIY genuino. Cuando en alguna entrevista de radio alguien que quiere sonar muy autogestivo dice “pues nuestro proyecto es muy genuino, muy Do It Yourself”, inmediatamente pienso que se refieren a algo que no son. Algo no cuaja, está hablando de un término, de un concepto, y no de una manera de hacer las cosas, como su obvio término lo indica.
“El asunto creo que es básico detrás de cualquier pose o connotación positiva: no depender de nadie”
de siempre hacer las cosas por nuestra propia cuenta siempre resulta inspirador, el creer en uno mismo y en lo que hacemos, la independencia y la libertad creativa. Es por ello que explicar un contexto del término DIY o empezar a hablar de fanzines, proyectos autosustentables o casos de éxito independiente está de más. Hoy en día, cuando me preguntan sobre esta onda de “hazlo tú mismo” siento que el término está rebasado, es lo que dice y ya, no es sinónimo de que algo sea bueno por el simple hecho de no haber dependido de una empresa, una marca, una ayuda o un amiguismo. El famoso adagio del hábito del monje.
La evolución de las palabras. Ahora, DIY o hazlo tú mismo, lo mismo tiene referencias en manifestaciones culturales como el post punk de la segunda mitad de los ochenta, la autogestión anarcopunk, algo relacionado con el mal llamado indie, y así ad infinitum. El asunto creo que es básico detrás de cualquier Hay mucha sobreproducción pose o connotación positiva: de cosas independientes, no depender de nadie. saber buscar sigue siendo la impronta. Lamentablemente, Ya sea dándole en la nos guste o no, el DIY madre a la industria muchas veces aleja el rigor discográfica, o diversificando y el profesionalismo. De las manifestaciones alguna manera está bien socioculturales, el mensaje comenzar y hacer nuestras
cosas nosotros mismos, pero a veces ocupan la bandera de la independencia para justificar una expresión más bien regular e inconsistente. DIY en voz de la escena artística mexicana, musical, plástica, social y política incluso, denota una dependencia cultural de lo que otros países nos han dicho que son las cosas. Me agrada más cuando habla la obra por sí misma. Claro, se reconoce el entusiasmo y el espíritu aguerrido, pero al final de cuentas la obra es la que habla por sí misma y la que se enriquece de ese triunfar pese a la marea de la imposición y la falta de asideros para desarrollarnos. Sería ingrato con muchos buenos proyectos decir que en este país
se tiende a querer que reconozcan nuestro trabajo porque salió de nuestros esfuerzos más personales, que a dejar que la propuesta sea la que encare los juicios y prejuicios. Sirva este texto mainstream como antecedente de lo muy importante que es hacer las cosas por nuestra propia cuenta, pero que se entienda la gran tarea y responsabilidad que eso implica. Hacerlo bien, hacerlo todos los días, no parar. Lo demás, cae por efectos. Esperemos que las buenas propuestas independientes, com o las que abordamos en este número, sigan sucediendo, en una suerte de cascada incesante de opciones y creatividad. Pero siempre hay que poner atención. ¿Qué es DIY? Una posibilidad más.
SAMPLES. (Grabación de los ambientes cotidianos)/ Enrique Gongora Profesor de Producción de Música Electrónica en CAP Digital TC Con la aparición del MIDI en los 80’s y de o usar las mismas muestras con algunas la Síntesis Digital, nacieron los Samplers variantes en el tono, tiempo y duración. y con ellos una revolución que cambio la manera de hacer música para siempre. En la Música, el anglicismo sampling y también el término muestreo musical Estos instrumentos electrónicos similares hacen referencia al acto de tomar una en algunos aspectos a un sintetizador pero porción o sample (“muestra”) de un sonido que, en lugar de generar sonidos, utilizan grabado en cualquier tipo de soporte grabaciones (samples) de sonidos que para reutilizarla posteriormente como son cargados o grabados en él por el un instrumento musical o una diferente usuario para ser reproducidas mediante un grabación de sonido. Se elabora, así, teclado, un secuenciador u otro dispositivo una mezcla o sucesión de secuencias de para interpretar o componer música. Dado canciones o vídeos que además pueden que estos samples son guardados hoy en estar transformados mediante efectos. día mediante memoria digital su acceso Utilizando esta técnica musical, muchos es rápido y sencillo. El pitch de un sample compositores han realizado trabajos puede modificarse para producir escalas artísticos con inmejorable calidad. musicales o acordes. La era de la creatividad había llegado A menudo los samplers incluyen filtros, y con ella un revolucionario cambio modulación mediante LFO’s y otros en la producción musical. Entre los procesos similares a los de un sintetizador géneros musicales que adaptaron y que permiten que el sonido original perfeccionaron el Sampling estaban el sea modificado de diferentes maneras. Rap y el Hip Hop haciendo uso del “copy La mayor parte de los samplers tienen - paste” crearon música nueva a partir de funciones polifónicas, esto es, pueden fragmentos musicales de canciones en tocar más de una nota al mismo tiempo. acetato o cinta, apoyándose de cajas de Muchos también son multitímbricos, estos ritmos algunos sintetizadores y efectos, pueden tocar diferentes sonidos al mismo hicieron grandes hits. tiempo. Nos permiten manipular muestras de audio previamente grabadas y editadas Un ejemplo es el uso de la introducción con la finalidad de crear nuevos sonidos de batería tomada de la canción ‘When
the Levee Breaks’, de Led Zeppelin, en canciones de Beastie Boys, Dr. Dre, Eminem, Depeche Mode, etc. Esta forma de utilizar samples es habitual en la producción de cualquier género musical, por ejemplo en la música industrial, donde a menudo se utilizan frases de películas y programas de televisión, así como en la música electrónica; el hip hop y el R&B. Actualmente el Software ha hecho aún más fácil esta tarea por medio de plugins denominados Romplers (Native Instruments Kontakt 5) ya que estos solo reproducen y no graban sonidos como los Samplers Hardware (AKAI MPC 2000), muchas tiendas y productores venden sus librerías al público en general para complementar su música, de la misma forma muchos productores usan, sobre todo, samples vocales para sus canciones originales y otras grabaciones de sonidos con melodías, armonías y ritmo de alguna canción popular y es ahí donde el Copyright entra a la batalla. No es la primera vez ni la última que pasa esto, no solo en cuanto a grabaciones se refiere sino también en la composición musical de un tema. Esas viejas leyes sobre derechos de autor, ya no tienen lugar en la era de la información, donde todo está al alcance de todos. Es ahí donde la creciente corriente Copyleft, un término que surge en las comunidades de software libre como un juego de palabras en torno a copyright: “derecho de autor”, en inglés (literalmente: “derecho de copia”). Se puede traducir por “izquierdo de autor”. Sus partidarios lo proponen como alternativa a las restricciones que imponen las prácticas tradicionales de los editores y de la industria del entretenimiento al ejercer los derechos patrimoniales que detienen y gestionan para los autores,
a la hora de autorizar hacer, modificar y distribuir copias de una obra determinada. Se pretende así ofrecerle a un autor la posibilidad de liberar una obra, escogiendo una licencia libre que permita su utilización, copia, modificación y redistribución, al mismo tiempo que, mediante el copyleft, se garantiza que se preserven estas libertades para cualquier receptor de una copia, o de una versión derivada. Esta es la nueva propuesta que muchos nuevos artistas sobre todo los independientes apoyamos con el fin de preservar la cultura ya que esta se protege compartiéndola y no en beneficio exclusivo y económico de unas cuantas empresas que poco tienen que ver con el arte y la cultura. Para tener una idea cruda de la realidad en cuanto a leyes, derechos, regalías y uso de samples basta con ver la película “A Remix Manifesto” donde artistas como Girl Talk que usan samples en prácticamente toda su música, nos muestran los pros del Copyleft una idea actual, justa y sobre todo emprendedora de las nuevas disqueras y artistas independientes. En cualquier home studio debe existir una buena colección de sampleos ya sean grabados desde la más baja calidad o comprados en las tiendas dedicadas a esta tarea como www.loopsmasters.com y www.soundstosample.com. Existen no solo tiendas si no empresas dedicadas al sampling con fines y usos comerciales. Incluso muchos cantantes graban librerías de sus propias vocales, paginas como www.looperman.com, hacen posible y facilitan el uso de este tipo de samples grabados y creados por muchos artistas de diferentes géneros con el único fin de promocionar su trabajo complementando la música de otros.
Foto: Fabián Zugaide
Quiero Club/ Pao Alonso Fue en 2006. Un grupo de chicos regiomontanos hacían voltear las miradas hacia ellos, ¿su nombre? Quiero Club. Gustavo, Priscila, Luis Fara, Marcela y Boscop Benavente son los autores intelectuales, las mentes detrás de los designios hechos música.
Desde siempre han trabajado con los medios que tienen a su alcance, para poder producir su material; el primer impacto que lograron ante el público llevaba el nombre de No Coke, éxito sostenido por las columnas de los mismos integrantes. La canción llegó a la radio hecha con materiales básicos, “Nosotros mismos
sosteníamos los micrófonos, el merchandise lo hacían Pris y Marcela: cintos, bolsas, etc… todo se realizaba en un entorno de tener gusto por hacer algo de tu banda”, mencionó Boscop. Desde sus inicios al presente, No Coke ha sido una de las canciones más pedidas, incluso le abrió las puertas ante la variedad de perspectivas que rodean la escena musical mexicana, con una increíble consecuencia: la invitación al Vive Latino. Esa fue la pauta que marcó el inicio de su carrera. Después del lanzamiento de dicha canción, tuvieron el estés y nervio clásicos que nacen ante la posible tergiversación de su exitoso single en un One Hit Wonder; afortunadamente aprendieron a retar sus propios logros: ellos no quieren vivir sólo de una canción. Así es como poco a poco llegaron Let da music, Backstage Drama, Show Time, entre muchos otros booms musicales. MARCE: “No nos aferramos a seguir exactamente el mismo camino de la canción que ha pegado, sino que confiamos
en el talento de cada uno y decidimos seguir haciendo canciones distintas a No Coke. Creemos en nosotros mismos y en lo que hacemos”. Freim Tv se reunió con Quiero Club, en la casa que los ha visto formar su último proyecto, es por eso que la charla que sostuvimos se vio rodeada por una atmósfera marcada por la felicidad y la expectativa que provocan el lanzamiento de su nuevo material discográfico “El techo es el suelo”. Entre las colaboraciones más destacadas se encuentra la de Mateo Lafontaine (en el tema “No hay nadie”, con el cual se abre el disco), Alec Sander de La Royale y Alejandro Rosso, quien ha tocado en los tres discos de la banda; incluso Marcela afirmó que él es el sexto integrante de la banda. La naturalidad y nula existencia de pretensión, son dos elementos que marcan a Quiero Club; por su parte nunca ha existido una estrategia que tenga como principal objetivo sobresalir: tienen la suerte de que cada uno de los integrantes brilla con su propia luz; además la dedicación y el empeño que ellos ponen en su trabajo son
“Confiamos en el talento cada uno y decidimos seguir haciendo canciones distintas a No Coke. Creemos en nosotros mismos y en lo que hacemos”.
“Somos hijos de la época de Myspace, ya no existían las disqueras cuando nosotros empezamos a tocar. Era una época de transición, de hacerlo nosotros mismos”.
factores determinantes para su trascendencia. Ellos hacen que suceda, sin necesidad de valerse de un protocolo. Desde sus inicios han sido amigos que se juntan a tocar, la diferencia entre el pasado y el presente es que la marcha de los años ha logrado concretar una evolución creativa en su arte, basada en la autoproducción y autosuficiencia. El tiempo y espacio los han llevado a procesos introspectivos, que nacieron en la inocencia y desembocaron en su graduación, en el hallazgo de la esencia de la banda. En cada uno de sus discos hay canciones que suenan a locura, a desequilibrio positivo, a genialidad. “Soy bizarra, escribo bizarro, ahí les va mi canción bizarra”, afirma Marcela. DO IT YOURSELF! La importancia de lo visual, la unificación de su propuesta, la publicación de sus discos y la transgresión natural que les caracteriza, han sido marcados por el espíritu del “hazlo tú mismo”, que ha trascendido a la verdadera
filosofía de la banda. Bajo esta premisa, su carrera ha salido a flote. BOSCOP: “Como productor, siempre le di mucho valor a ese sentido del humor que desde el principio la banda plasmó, a la vez con una seriedad muy fuerte. Los fans a veces llegan y dicen ‘tu canción es divertida y a la vez me está diciendo algo muy fuerte’. Hay un contraste entre la catarsis que provoca la música: el baile y la fiesta que no combinan con la letra, sin necesidad de ser una banda contestataria. Hay un balance entre las cosas fuertes y dulces”. MARCE: “Somos hijos de la época de Myspace, ya no existían las disqueras cuando nosotros empezamos a tocar. Era una época de transición, de hacerlo nosotros mismos” FARA: “Se fueron las disqueras, pero nos heredaron una estructura que sigue vigente: managers, promotores, booking; nosotros mismos nos encargamos de ello en algún momento, pero definitivamente llega un punto en que debes dejar
que alguien más se encargue. Ahora tenemos una manera de trabajar muy distinta a la de nuestros inicios. Hay más orden, hay quienes se encargan de la logística, ahora tenemos un crew, una familia que trabaja con nosotros: somos una pequeña empresa”. A diferencia de sus inicios, ahora hay una formalidad que no bloquea su ideología, ellos mismos se administran y deciden con quiénes trabajar. “Seguimos siendo los mismos pelados que empezaron en 2004, inocentemente, con ganas y sueños”, mencionó Luis Fara con un dejo de nostalgia en la voz.
Su inquietud principal ha sido siempre conocer, entender y descubrir la música. La consecuencia directa de este proceso es la satisfacción de poder plasmar en otro lenguaje lo que todos y cada uno de ellos tiene por decir. Diez años han hablado en favor de Quiero Club, el tiempo ha marcado en ellos un estilo propio, característico y totalmente inconfundible, que se puso en manifiesto desde el primer disco (WOF) con su autosuficiencia creativa, su extravagancia: adjetivo que se manifiesta en su forma de vestir, pensar y musicalizar la vida.
Foto: Fabián Zugaide
Entrevista con:
Devendra Banhart/ Fabiรกn Zugaide
Foto: Ana Kras. Cortesía Warner México.
Foto: Ana Kras. Cortesía Warner México.
“En todo el tiempo que pasó desde mi último disco, me dediqué a vivir mi vida”.
Después de su álbum What Will Be, Devendrá Banhart se tomó más de tres años de descanso y no fue sino hasta este 2013 que regresó con un nuevo disco bajo el brazo. Se trata de su nueva producción, que lleva el título de Mala, inspirado en la artista serbia Ana Kras, su actual pareja. Freim! tuvo una pequeña charla con él, en donde nos contó un poco acerca de cómo se hizo el disco usando elementos básicos y aplicando la filosofía DIY. ¿Pasó un buen rato desde que salió tu último disco de estudio? ¿Existe alguna razón en particular? En todo el tiempo que pasó desde mi último disco, me dediqué a vivir mi vida y también al arte, me pasaba dibujando sin parar y lo disfruté mucho. De ahí la portada del disco, yo la pinté, pero en sí creo que no hubo ninguna razón en especial, simplemente las cosas fueron como tenían que ser. ¿Qué nos puedes contar acerca del concepto de “Mala”? ¿Por qué el nombre? ¿Qué cambia respecto a tus trabajos pasados? Mala significa “pequeño” en serbio y se utiliza mucho en Europa del Este como una expresión de cariño, y también está inspirado en mi pareja Ana Kras, que es el amor de mi vida. Acerca del concepto, pues, antes de comenzar a grabar nos hicimos varias preguntas: ¿Qué hacer esta vez? ¿Qué
está en nuestro poder cambiar? Claro que las cosas cambian naturalmente, pero se sentía counter-intuitive. Así que decidimos dar cuatro pasos atrás, justo al primer álbum, el cual grabé yo solo. Así fuimos creando el concepto, construyendo un espacio más pequeño y sencillo como en el pasado; menos gente, menas opciones, etc. “Für Hildegard von Bingen” es el primer sencillo de tu nuevo LP ¿alguna razón por la cual escogiste este tema? La canción comenzó en mi cabeza como una “pequeña película, un universo alternativo en donde Hildegard von Bingen, la cual era compositora, escritora y teóloga del siglo XII está enclaustrada en un convento, y un día se encuentra con un VHS de la época más importante de MTV y eso la enloquece”. Y para que nadie me vuelva a preguntar otra vez, te voy a decir los porcentajes del porqué la escogí: 50% amor y/o quien sabe, 20% objetos inánimes, 30% medieval feministas. ¿Cómo fue el proceso de composición y producción? Fue simple y exactamente como te lo imaginas... grabamos en mi casa con una record machine que conseguimos en una casa de empeño, Noah Georgeson y yo tocamos casi todos los instrumentos. Utilizamos muchas cosas que teníamos a la mano también para hacer sonidos, recuerdo que dejamos caer una cadena por las escaleras y grabamos unos pájaros
cantando, después manipulamos esos sonidos electrónicamente, creo que se pueden hacer muchas cosas con pocos recursos y eso fue justo lo que hicimos.
Foto: Ana Kras. Cortesía Warner México.
¿Vendrás a México a presentar el disco? Sólo voy a donde me invitan, si tú me invitas hoy mismo voy, sería un honor, amo México y me gustaría presentar mi disco allá, de verdad. ¿Cómo fue descubrir en la música tu profesión? Eso no lo sé, no lo he descubierto todavía... Marc Bolan, Caetano Veloso, Os Mutantes, la Tropicalia, Víctor Jara, entre otros, son conocidas influencias
tuyas. ¿Qué actualmente?
música
te
inspira
Claro, todos los que mencionas los conozco y fueron gran parte de mi juventud, abrieron muchas puertas para mi, dentro de mí y los amos mucho, pero hay más, muchos más.... John Cage, Pere Ubu, Swans, The Raincoats, Simón Díaz, Karen Dalton, Vashti Bunyan, Haroumi Hosono, Morton Feldman y Patty Waters también fueron parte importante en mis años “formativos”. ¿Algo que quieras compartir con el público que te sigue en Revista Freim!?
Foto: Ana Kras. Cortesía Warner México.
Levanta la mano con el próximo trago y dile al cuarto: “¡SE METE POR EL CULO, Y SALE POR TU BOCA, PRIMERO TU DINERO, Y DESPUES TU ROPA!”
Foto: Ana Kras. Cortesía Warner México.
RESEÑA
Mala - Devendra Banhart Sello: Nonesuch Records. Distribución: Warner México. Fecha de lanzamiento: 12 de marzo 2013. Francisco Illescas
Quizá muchas veces hemos querido buscarnos en algún lejano lugar, encontrarnos con nuestro espíritu y echar un vistazo en nuestras entrañas. De esta forma fui llevado a esos terrenos íntimos al escuchar el nuevo material del músico venezolano estadounidense Devendra Banhart. “Mala” es el nombre que recibe esta gran obra, y que por cierto no hace referencia a la palabra en castellano, sino a una palabra serbia que significa “pequeño”. Un material rústico, con matices especiadas como los buenos vinos, que con el paso del tiempo maduran y adquieren un sabor a madera fina, logro de la experimentación y el talento de Banhart. Cabe mencionar que el disco se grabó en Los Angeles con un equipo prestado y con una grabadora vintage Tascam que fue sacada de una casa de empeños, al mero y puro estilo antiguo. Es así como se fusiona la atmósfera que envuelve a este álbum, que lo llena de misticismo, caprichos y puntos intermedios que llevan a callejones sin salida y a un continuo diálogo con la serenidad y lo contemporáneo. La seriedad y armonía musical se muestran en ‘Golden Girls’ y ‘Daniel’, los dos primeros tracks de este material que al escucharlos nos llenan de un maquillaje inspirado en paz. Rasguidos de una cuidadosa y delicada guitarra que a cualquier serio trovador podría enamorar. Después siguen ‘Für Hildegard von Bingen’ y ‘Never Seen Such Good Things’
que se vuelven un poco más fuertes en sonido, y las favoritas ‘Mi Negrita’ y ‘Mala’ que muestran un sonido mas formal y antiguo. Para realizar un trabajo tan estupendo que abarca composiciones en hasta cuatro idiomas distintos y que van del folk al Lo-fi, son necesarios el esfuerzo, el esmero y la exótica mezcla de ideas que vagan por la cabeza de este artista, que nos deja claro que sabe bien cómo hacer su trabajo. Con este nuevo proyecto, Banhart apuesta seriamente a un cambio en su estilo musical, ya que es difícil poder encasillar completamente el cuadro en el que se desenvuelve este material. Un sinfín de nombres, un sinfín de adjetivos, un sinfín de sentimientos en plena explosión, es así el nuevo disco de Devendra Banhart: “Mala”.
Tracklist: 1.- Golden Girls 2.- Daniel 3.- Für Hildegard von Bingen 4.- Never Seen Such Good Things 5.- Mi Negrita 6.- Your Fine Petting Duck 7.- The Ballad of Keenan Milton 8.- A Gain 9.- Won’t You Come Over 10.- Cristobal Risquez 11.- Hatchet Wound 12.- Mala 13.- Won’t You Come Home 14.- Taurobolium
Sonidos con diferente tonalidades y sabores, en momentos tan obscuro, en otros con sonidos alegres y en todo momento bailable, así es el ‘El techo es el suelo’, el nuevo disco de Quiero Club. Un disco en el que muestran madurez en su música, ejemplo de ello, es el tema con el que abre esta nueva obra, ‘No hay nadie’, con un toque sombrío, diferente a lo que nos tenían acostumbrados pero que combina bien con el concepto del disco. Y es que las nueve canciones que componen el ‘El techo es el suelo’ conectan bien entre ellas a pesar de que algunas contrastan en sonidos y géneros, supongo que es el resultado de las grandes colaboraciones con la que contaron para esta producción, entre ellos, uno de los precursores de la música electrónica nacional, Mateo Lafontaine, otro es Rosso de Plastila Mosh y uno de los nuevos genios, Alexander de La Royale, quien colaboró en ‘Ciudades’, y en la que embarra su toque para hacer una armoniosa pieza que se completa de mejor manera con las voces femeninas que a más de uno nos han enamorado desde su single ‘No Coke’. Canciones que muestran su clásico sonido siguen apareciendo. ‘Dias Perfectos’, el primer sencillo que se desprende de este disco, es el claro ejemplo, pero que muestran en su letra la madurez a la que han llegado los regios.
Poder escuchar algo que está bien establecido y en lo que se trabajó bajo plano puede convertirse en algo pretensioso, viciado y aburrido, pero cuando se mezcla con lo improvisado logrando un equilibrio, el resultado es un sonido danceable y coqueto, así es el nuevo disco de este cuarteto (tras la salida de Gustavo Mauricio). No es una obra maestra, porque seguro ni ellos buscaban que así lo fuera pero si es algo con lo que podrás cantar, bailar, brincar y sudar, en resumen un conjunto de sonidos que te mantendrán divertido, el problema lo veo en sus nueve canciones y que una ves que termine ‘Weather Talks’, la última rola del disco querrás más. Esperar dos años valió la pena y agradecemos que estén de regreso y que no se hayan estancado, ¡no aguanto más! ya quiero bailar una pista de Quiero Club en uno de esos lugares fresas de la ciudad o saltar empapado en sudor en alguna de sus presentaciones en vivo.
Tracklist: 1.- No hay nadie 2.- Cuerpo 3.- El techo es el suelo 4.- Bite a coin, s**t some gold 5.- Días perfectos 6.- Ciudades 7.- Buena amiga mala influencia 8.- Cuentos 9.- Weather talks
RESEÑA
Quiero Club - El Techo Es El Suelo Sello y distribución: Casete México. Fecha de lanzamiento: 19 de febrero de 2013. Jair López
Tinta y letras independientes/ Alfonso González Elizalde “Do it Yourself”… son la palabras primordiales del movimiento o filosofía “DIY”. Y es que hacer las cosas por sí mismo crea una cierta independencia y grado de satisfacción alto; aunque no genera muchos ingresos, si hablamos económicamente. En sus inicios el pensamiento “DIY” era más bien un reflejo de ciertos pensamientos anticapitalistas y relacionados con la contracultura punk. La personalización, el hecho de que un objeto sea único y lo hayas fabricado por ti mismo es la base de la filosofía DIY. Distintas vertientes: música, teatro, cine, literatura; en México, han adoptado lo “indie” como una forma novedosa y creativa de salir a la luz; de dar a conocer sus expresiones artísticas. En el caso del mundo editorial, en México se contabilizan un total de 60 editoriales independientes, según cifras de la Asociación de Editores Mexicanos Independientes (AEMI). Se les conoce como independientes porque no pertenecen a una gran empresa editorial, y por porque la mayoría de los libros que publican estas casas editoras son artesanales. ¿Qué más es lo que define a una editorial independiente? Lo que hacen las editoriales independientes es apostar por una serie de textos, de autores, colecciones que no son los “best sellers” que se encuentran en las
editoriales trasnacionales; sin embargo hay una total convicción de que el título y/o el autor merecen ser publicados… En México, identificar el número de editoriales independientes que existen es un trabajo difícil, ya que nacen y perecen constantemente, sin quedar registradas ante algún tipo de organización como la AEMI, que hasta hoy es la única que lleva un registro de estas empresas. Desde su creación en 2005, la AEMI se ha dado a la tarea de agrupar editoriales independientes, con un total de 60 editoriales a la fecha. De las editoriales independientes en México encontramos a: Trilce Ediciones, que nació en 1991 apostando por libros de arte y Sexto Piso; que inició editando cuatro libros en 2002 y ahora edita 32 cada año. Otras Casa editoriales son: La Caja de Cerillos Ediciones, Ediciones Arlequín, Ficticia Editorial, Libros Magenta, Dïéresis y Elephas, que nacieron en septiembre y octubre de 2011. Cabe destacar que muchas de las Editoriales independientes coexisten con grandes conglomerados empresariales del libro como Santillana o Random House, y sobreviven de manera “Amateur” o en otras palabras por amor al libro. La mayor parte de las editoriales independientes apuestan por la creatividad y contenido de calidad no por la producción en masa de ideas rebuscadas o repetitivas.
Proyecciones alternativas/ Claudia González Cuando se quiere crear exclusividad muy a los 50 y adaptarlo a la actualidad, en el arte más comercial del mundo, la es una de las mejores ideas que un grupo de chavos pudo haber tenido. Más allá independencia es la mejor opción. de la novedad y la fama, nos ofrecen una Aunque la idea principal es proyectar una opción para fanáticos de películas que ya película, el contexto hace la diferencia. no están en carteleras de las cadenas más Estoy hablando de gente altamente conocidas. creativa, con ideas alternativas que rebasan, en muchas ocasiones, la calidad Otro innovador recinto es el “Cine Tonalá” donde la música, el teatro y el cine son de los cines comerciales. parte del concepto independiente. La A continuación menciono algunos lugares, interacción con directores, la creación que bajo esa línea independiente, hacen de talleres, pequeños conciertos y de sus pantallas y recintos, algo innovador. obras de teatro hacen de éste, un foro multidisciplinario que no encontrarás en Si no has ido al “Autocinema Coyote” no has otros lugares. Además cuenta con una vivido la experiencia que probablemente selectiva barra en donde los cocteles nuestros abuelos o padres disfrutaron del que ofrecen tienen nombre de películas; auge cinematográfico. El haber rescatado imaginen pedir un refrescante “Macario” la idea del autocine con decoraciones con una pizza artesanal.
¿Ya conocen “La Casa Del Cine”? Es todo un concepto cinematográfico. Se trata de un cineclub el cual, no sólo proyecta películas comerciales actuales, sino que cuenta con una videoteca con más de 140 películas libres de derechos para exhibiciones públicas (la mayoría nacionales), también ofrece talleres para todos aquellos que quieran conocer el arte de la creación audiovisual. Además su biblioteca está totalmente dedicada al cine con poco más de 900 libros.
Éstas son sólo 3 opciones de muchas otras que puedes encontrar en la Ciudad de México para disfrutar de una excelente sesión del séptimo arte; las cuales debido a su naturaleza, han sido muy buenos exponentes de la filosofía DIY. Así mismo, nos hacen recordar la importancia de consumir ideas producidas por mentes y manos nacionales que buscan sacarnos del aburrimiento de la cotidianeidad.
GAME OVER
Iván Alamirano Metal Gear ha regresado y quizá esta sea la última vez que lo veamos en esta generación de consolas de mesa. En “Revengeance” seremos Raiden y ejercemos de escolta, junto a otros miembros de un robusto equipo de seguridad, en lo que parece ser una misión rutinaria de un importante VIP. La situación se tuerce por la irrupción de una serie de cyborgs que atacan el convoy y sacan a la luz el lado más peligroso y violento de Raiden.
hasta el extremo. Aquí la importancia de los botiquines, ya que la salud del protagonista no se regenera de forma automática, y sobre todo prepárate para convertirte en mejor luchador.
Al comienzo estaremos algo limitados, pero el progresar de los niveles no sólo nos dará puntos de experiencia que podremos invertir en un sin fin de mejoras de armadura, alcance o habilidades, sino A partir de ahí comienza una trama que nos también nos irán brindando nuevas armas lleva por el mundo conociendo a distintos que podremos equipar. personajes, e infiltrándonos en abundantes bases enemigas fuertemente defendidas. La vivacidad es clave de los QuickTime Events con bastante acierto no sólo para El control es la verdadera clave de lo rica y resolver determinadas rectas finales de atractiva que es la experiencia. Un botón para combates, sino también para ofrecernos la el ataque fuerte y otro para el ataque ligero posibilidad de, si somos lo suficientemente son los dos únicos pilares sobre los que se rápidos, poder restablecer nuestra edifica la experiencia de manejo, la fortaleza energía arrancándoles partes vitales de su se basa en las combinaciones que llevamos a organismo a nuestros mecánicos enemigos. cabo tirando del gatillo derecho de nuestro pad, y que nos permiten activar o no un modo La música simplemente sensacional, en las de combate para movernos a toda velocidad escenas de acción el resultado no puede ser por el escenario con los mismos tipos de mejor: con mención especial a cómo mutan golpeos aunque aplicados de distinta forma. en los combates contra los jefes finales en función del contexto. Juego subtitulado para A esto tenemos que sumar el modo Katana, los que son amantes del idioma extranjero y con el que podemos usar nuestra espada para no se pierdan el audio. cortar exactamente por donde deseemos. Juégalo si: Eres fan de la franquicia pero Tiene tres niveles de dificultad y uno más quieres más acción y te gusta partir todo y a que se libera al terminar éstos. El juego en todos los que se pongan en frente su desarrollo normal de los niveles contra las tropas estándar ofrece una oposición No lo juegues si: Si no te gusta correr y razonable, sin embargo contra los jefes finales eres solo fan del género shooter en primera se dispara todo lo que tiene que ver con la persona. resistencia y su capacidad para causar daño