Editorial: Un Adolescente Maduro Por: Alejandro Altamirano
No pienso mentir, en 1998, a mis 14 años, cuando se celebró la primera versión del Vive Latino, en mi lista de prioridades había muchas más cosas que la música, sin embargo, puedo decir que siempre tuve la fortuna de tener amigos, no los de la escuela, sino más bien los del barrio, esos que si son de a “devis”, más grandes que yo y a los que si les importaban ese tipo de cosas. Después de escuchar sus historias durante meses, lejanas de una reseña periodística y llena de detalles etílicos, me di cuenta del impacto generacional de aquel “masivo”. Hoy, después de asistir a varias ediciones y perderme otras que se han pintado como memorables, puedo asegurar que él Vive Latino a sus 15 años es más maduro que cualquiera de sus asistentes. Es un ente que ha nacido con estrella, ha crecido, ha jugado, ha enfiestado sin conciencia, ha arriesgado y la ha cagado, se ha creído el más y otros lo han bajado de la nube de sentón (Corona Capital), ha tenido resaca y arrepentimiento, ha volteado la cara y ha sabido sacar la casta renovándose, y todo eso con tan sólo 15 inocentes años. Los debates sobre su identidad siempre existirán, pero nadie debe dudar que como concepto es uno de los más atinados y maduros, en materia de rock, que nuestro país ha visto y que si no fuera por él Vive Latino muchas cosas en la industria musical mexicana quizá nunca hubieran mejorado. Esa madurez y muchas cosas más son las que debemos ir a festejar en la próxima edición más las que se vayan sumando de este gran festival, hasta que algún día, muy lejano espero, llegue a su fin. 02
EDITORIAL-DIRECTORIO
Directorio Director General Fabián Zugaide @fabozugaide Editor en Jefe Alejandro Altamirano @al__e Consejo Editorial Ricardo Pineda @RAikA83 Cuentas y RP Elena Carlín elenacarlin@revistafreim.com Colaboradores Tai Cornejo, Alan García, J. Ismael Canales, Augusto Lecona, Rafael Paz, Liliana Picos García, Ana Patricia Ortega Reynoso, Emmanuel Lopez, Samantha Blumrosen, JJ Negrete, Karla Morales, Leonardo Ramos, Tania Diego, Tania Juárez, Liliana Mejía, Andrés Reyes Freim en línea Edición web: Ivonne Mota Producción Freim TV: Oscar Sámano Luna Diseño editorial Estudio SUB contacto@studio-sub.com Ilustración de portada Gabriel Pich dibujospirujos.tumblr.com
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Revista Freim es una publicación con una periodicidad de cada 6 semanas, editada, publicada e impresa por Freim Publicidad y Marketing. Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título No. 04 -2013 – 051414374500 - 102. Certificado de licitud de contenido en trámite. Domicilio de la publicación: Tonalá #183 Piso 1. Col. Roma C.P. 06700 Del. Cuauhtémoc, México D.F. La información y contenido de los artículos son responsabilidad de los autores. Se permite la reproducción parcial de los materiales siempre y cuando se cite la fuente. El material utilizado, así como las marcas y logotipos son propiedad de sus respectivos fabricantes.
Año 5 No. 09 marzo / abril 2014, ejemplar gratuito.
Phantogram “Voices”
Por: Ann Ortega Desde sus inicios en 2007, Phantogram se ha caracterizado por el uso de beats intensos, teclados, voces espaciales y sonidos electrónicos que te transportan a otra dimensión. Debutando con su EP homónimo a principios del 2009, seguido de su disco “Eyelid Movies”, el cual fue todo un éxito y que recibió críticas muy favorables, el dúo neoyorquino ahora regresa con una nueva placa titulada “Voices”. El sonido del disco juega con un estilo pop rock denso y bailable con pulso electrónico, la mayoría de sus canciones tiene un tono que los identifica, con un chasquido de percusión punzante que golpea y atraviesa la línea que los mantiene. Entre cada canción el dúo deja que la música respire, por lo que las melodías tranquilas se deslizan a través del piano, para que la siguiente canción tenga mucho más impacto, como es el caso de ‘Black Out Days’. “Voices” es el sonido de una banda conforme y segura de lo que hace, ya que se apodera de todos los impulsos que ha creado para seguirse actualizando. Calificación: 7.6
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SONÓ EN...
††† “Crosses”
Por: Tai Cornejo Chino Moreno (vocalista de Deftones) nos presenta su nuevo proyecto junto a Shaun López y Chuck Doom llamado ††† (Crosses), con el cual el año pasado soltaron sencillos como ‘The Epilogue’ y ‘Bi†ches Brew’, los que en vez de una potencia en guitarras, voces y riffs pesados, fueron tratados con bases tenues de sintetizadores y ritmos de percusiones electrónicas. De los primeros tracks del disco sobresale ‘Thelepathy’, con un ritmo bien logrado, seguida de ‘Thholyghst’, en la cual escuchamos una gran y definida voz por parte de Moreno, a la par de sonidos de elegante frialdad. ‘Trophy’ y ‘The Epilogue’ son canciones que siguen en la misma línea down del disco. Y lo mejor viene después: sobresale con canciones que aluden a fechas como ‘Nineteen Ninety Four’, melancólica y dolida; ‘Option’ sigue con más movimiento a pesar de no ser la más memorable y da paso a ‘Nineteen Eighty Seven’, su contraparte rítmica. Lo que más agrada del disco es la limpieza con la que está hecho, no podríamos pedir menos de este proyecto, sabemos la capacidad creativa de Chino Moreno y podemos decir que este primer material no tiene nada pretencioso, al contrario, cuenta con mucha personalidad y nos llena de atmósferas que nos remiten a la buena música y que nos sacan del ritmo usual de tantas bandas indiepop-folk que suenan igual en estos tiempos. Calificación: 8.2
Beck “Morning Phase”
Por: Tai Cornejo La particularidad de este nuevo disco de Beck, en el que colaboró Jack White en la producción de varios tracks, es que al principio nos remite al pasado y adolorido “Sea Change”, sin embargo el resultado no debe tomarse como tal. La presentación del disco comienza con ‘Morning’, un momento calmado que combina tonos tranquilos; no es hasta el tercer tema, ‘Say Goodbye’ que podemos ver un poco de lo que más nos gusta de Beck, canciones de estilo experimental que se destacan por el empleo de guitarras suaves y coros amenos al oído, una voz con un estilo más soft que en discos anteriores. ‘Unforgiven’ y ‘Wave’ destacan la melancólica mitad de este proyecto, en donde están presentes algunos violines al fondo, después ‘Don’t Let It Go’ cuenta con ese toque que tiene al hacer canciones sustanciosas y con impacto emocional. Los temas con los que finaliza el disco, ‘Turn Away’ y ‘Country Town’ nos siguen dando lo mismo, melodías hermosas que no nos muestran el tan esperado trabajo con este disco, sin embargo Beck es uno de esos artistas, que ha sabido sobresalir más por su ingenio y persistencia que por su aspecto técnico. Quizá en algún momento se vislumbraba un álbum mejor logrado, pero nadie puede negar que el material sea bastante aceptable. Calificación: 7.9
WhoMadeWho “Dreams”
Por: Alan García Los daneses de WhoMadeWho llegan nuevamente a nuestros oídos para presentarnos “Dreams”, la continuación de su penúltima entrega de estudio, en la cual encontramos de manera general, ritmos que se mueven ente lo pop y lo melancólico, esta extraña fusión de entropía y redundancia impacta en tracks en donde podemos escuchar un lado más ligero, como es el caso de ‘Dreams’, ‘Right Track’, ‘The Morning’ o ‘Another Day’. Hundiendo el concepto en algo más profundo, ‘Heads Above’, ‘New Beginning’, para después levantar el ritmo del principio, ‘Hiding In Darkness’ y rematar de forma lenta, ‘You Better Self’, ‘United’. El aspecto negativo del álbum es que puede tornarse un poco plano y aburrido, cayendo inclusive en lo monótono, por lo cual no es recomendable si lo que buscas es dinamita pura y bailar durante toda la noche. A pesar de esto, el material contiene tracks que valen la pena escuchar. Con propuesta fresca e interesante, es como llegan los daneses en este año. Calificación: 7.1
1ºANIVERSARIO Por: Andrés Reyes (Gastv.mx) Entre de los proyectos más destacables dentro la agenda artístico-cultural para este inicio de año en la ciudad de México, se encuentra el proyecto 1 Mes | 1 Artista (1M1A), el cual, durante este mes de febrero, se encuentra celebrando su primer año impulsando la escena local. 1M1A es un proyecto gestionado por la agencia DEAR, y se trata de un espacio para el apoyo, difusión, y promoción para artistas emergentes y/o establecidos, en el que a través de la rotación mensual de expositores invitados, se pretende generar diálogos entre estos y el público de las exposiciones para refrescar el panorama artístico mientras que al mismo tiempo se impulsa económicamente la escena local. El proyecto se presenta en el Café 123, ubicado en Artículo 123 No.123 en la colonia Centro de la ciudad de México. Está abierto al público de lunes a domingo de 13:00 a 20:00 hrs. El primer expositor fue Mauricio Marcin Álvarez con su exposición titulada “Anécdotas y dibujos” presentada en marzo del años pasado. Después de éste, se presentaron Pilar Córdoba Longar (“Nothing really special happened here” – abril), Rubén Ochoa (“Inventory I” – mayo), Gustavo Abascal (“El 06
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color que cayó del cielo” – junio), Pepe Cortines (“Monstruos y prodigios” – julio), Thorsten Englert (“FORMA URBIS ZMCM” – agosto), Inés Da Luz (“Landscapes without humans” – septiembre), Jean Sébastien Ruyer (“La Bastarda” – octubre), Paul Muguet (“Pleromas” – noviembre), Georgina Ávila (“Wherever you go, I wish you good luck” – diciembre) y Lucía Ochoa (“Bestiario Pastel” – enero). El artista encargado de cerrar el ciclo mensual de este primer año de 1M1A es Maximilian Thiel, quien durante este mes, se encuentra exponiendo “El último lugar de descanso (Mausoleo # 1, 2014)”. Thiel es un artista alemán que radica tanto en Berlín como en la ciudad de México. La pieza que presenta se titula el Mausoleo # 1, y se trata de un monumento efímero en el que se da la máxima adoración y apreciación de las ideas representadas en la vida de las personas, por lo que las libera y cambia sus paradigmas. Para los siguientes meses 1M1A tiene programado a Mary Smith para el mes de marzo, a Benedicte Desrus & Celia Gómez Ramos para abril, a Diego Pérez para mayo y a Ariel Orozco para el mes de junio.
Por: Liliana Picos
Beatlemanía 50 años de
Son 50 años de la ‘Beatlemanía’. Se le conoció así al fenómeno creado con la llegada de The Beatles a Estados Unidos, un 7 de febrero de 1964, suceso que cambió el rumbo de la música generando así la invasión británica. Pero fue el 9 de febrero de 1964, en su presentación en el ‘Ed Sullivan Show’ que se consagró su estatus como el grupo de ese momento, pero no sólo quedó ahí, sino que el conocido ‘Fab-Four’ ha sido catalogado como uno de los mejores grupos de la historia musical del siglo XX. Los antecedentes se dieron a inicios de la década de los sesenta, la música pasaba por tiempos difíciles, en especial las personalidades destacadas del rock and roll, como Elvis Presley, quien se enlistó para su servicio militar en Vietnam, Chuck Berry había sido arrestado, Little Richard llegó al tope de su fanatismo religioso, y Jerry Lee Lewis pasaba por el escándalo, al casarse con su sobrina de tan sólo 13 años. Para 1964, Estados Unidos se encontraba con la reciente muerte de su presidente John F. Kennedy, asesinado en noviembre, un año antes.
to Hold your Hand’ sonando en la radio. El éxito comenzó en The Cavern Club, donde el cuarteto conocido por todos como The Beatles se presentaba ahí todas las noches contagiado al país completo gracias a su beat.
Sin embargo en Inglaterra las cosas eran diferentes, especialmente en el puerto de Liverpool, donde cuatro jóvenes ya tenían su primer contrato discográfico y sencillos como ‘Love Me Do’, ‘She Loves You’ y ‘I want
El día fue 7 de febrero de 1964, el vuelo número 101 de la aerolínea Pan Am de Londres, con destino al aeropuerto John F. Kennedy de la ciudad de Nueva York. Ante una bienvenida de más de 4,000 eufóricos admiradores, 200
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Brian Epstein, manager del grupo, fue invitado en varias ocasiones a Estados Unidos, pero rechazó varias de estas propuestas, la razón era simple: no irían hasta que un sencillo fuera número uno en ese país. Esto no tardó mucho, pero nadie imaginó lo que provocaría aquella primera visita.
periodistas y más de cien policías, el hecho fue clasificado como un suceso histórico. Dos días después, su presentación en ‘Ed Sullivan Show’ logró el saltó a la fama. Más de 73 millones de televidentes se registraron para presenciar el acontecimiento más grande de la historia de la televisión americana, musicalmente hablando. El programa fue dedicado al grupo, por lo que se interpretaron temas como ‘I Want To Hold Your Hand’, la cual fue su primer hit, después le siguieron ‘All My Loving’, ‘Till There Was You’, y ‘I Saw Her Standing There’. Alternándose con pequeñas entrevistas con Ed Sullivan, reapareciendo los días 16 y 23 de febrero. Este evento ha marcado a varios músicos como Ozzy Osbourne, Glenn Fray, Don Henley, David Bowie, Phil Collins, Dave Grohl y a Elton John. El mismo Billy Joel ha declarado que la ‘Beatlemanía’ eran las palabras que se escuchaban en su conocida canción ‘We Didn’t Start The Fire’. Para conmemorar ya medio siglo de este suceso, la noche del pasado 9 de febrero, la cadena CBS transmitió un programa especial llamado ‘The Night That Changed America: A Grammy Salute To The Beatles’. Dicho programa contó con la esperada reunión de los Beatles sobrevivientes, Paul McCartney y Ringo Starr, con la presencia de la viuda de George Harrison, Olivia Arias, y la de John Lennon, Yoko Ono. Además, esa noche se hicieron presentes personalidades que fueron intérpretes de grandes composiciones como: ‘All My Loving’/‘Ticket to Ride’ por Maroon 5, ‘Let It Be’ por John Legend y Alicia Keys, ‘Yesterday’ por Katy Perry, ‘Don’t Let Me Down’ por John Mayer y Keith Urban. El
emotivo ‘While My Guitar Gently Weeps’ por Gary Clark Jr. y el guitarrista Joe Walsh, ‘The Fool on the Hill’ por Eurythmics. ‘Hey Bulldog’ por Dave Grohl y Jeff Lynne. La inolvidable balada de Harrison ‘Something’, interpretada por su hijo Dhani Harrison, Lynne y Walsh. El tema ‘We Can Work It Out’ por el legendario Stevie Wonder, ‘Here Comes the Sun’ por Brad Paisley y Pharrell Williams, cerrando con broche de oro, los clásicos ‘Hey Jude’, ‘Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band’ y ‘Yellow Submarine’ por las leyendas vivas McCartney y Starr.
Homenajes en ‘Late Night with David Letterman’ Además de esto, artistas destacados en la actualidad rindieron homenaje al cuarteto de Liverpool con covers, interpretados en el programa ‘Late Night with David Letterman’. Entre ellos, el dueto Broken Bells compuesto por James Merces y Danger Mouse, con el tema ‘And I Love Her’. Sting también fue otro de los que admitió su admiración por The Beatles, interpretando el tema ‘Drive My Car’ que se desprende del álbum ‘Rubber Soul’. Wayne Coyne de The Flaming Lips y Sean Lennon, (hijo de John Lennon) con la psicodélica ‘Lucy In The Sky With Diamonds’ también se hicieron en la serie de homenajes.
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Cinco datos curiosos de la primera visita del cuarteto de Liverpool a EU: 1. George Harrison había pisado suelo estadounidense en setiembre de 1963, una visita a su hermana mayor, Louise Harrison que se encontraba radicando en la ciudad de Benton, Illinois. Una tarde George, decidió salir a comprar algunos discos, aunque su verdadera intención era medir hasta qué punto él como su grupo podían ser reconocidos por cualquier persona o incluso por el vendedor. El resultado fue desalentador. Pasó tan desapercibido como cualquier mortal, y en la tienda de discos no pudo conseguir ni un sencillo de The Beatles. Poco antes, en el mes de junio, Louise había hecho todo lo que estuvo a su alcance para lograr que una emisora local difundiera el sencillo ‘From Me To You’. 2. El término ‘Beatlemanía’ apareció por primera vez en un titular del periódico Daily Mail de Inglaterra, el día 21 de octubre de 1963. El 2 de noviembre, volvió a ser utilizado por el Daily Mirror como leyenda de una fotografía en la que se veía a una chica adolescente gritando. 3. Cuenta la historia que Ed Sullivan tenía por costumbre olvidar los nombres y datos de las personas. Un día que Cronkite emitiera el reportaje sobre la ‘Beatlemanía’ y The Beatles, Sullivan lo llamó para que le brindara mayor información de ellos y tenerlos en cuenta para cuando los presentara, diciéndole: “Walter quisiera que me des más información acerca de esos chicos de los que has hablado, esos… ‘los Insectos’ (beetles)”. Cronkite creyó que se trataba de una broma y sin responderle le colgó el teléfono. 4. Se cree que la primera emisora radial en difundir un disco de The Beatles fue una de la ciudad de Benton, Illinois. 5. Actualmente el estudio de ‘Ed Sullivan Show’ es utilizado para la trasmisión del programa de ‘Late Night with David Letterman’.
Detrás de la consola:
the record plant Por: Leonardo Ramos | Cap Digital
Existe un estudio icónico que cambió la forma y confort de los de las salas de grabación a partir de 1968. Estoy hablando de Record Plant, este estudio fue fundado por el ingeniero y productor Gary Kellgren y Chris Stone en la ciudad de Nueva York. En 1967, Kellgren se desempeñaba como ingeniero de grabación en varios estudios de NY, incluyendo el Mayfair que se localizaba en el 701 de la avenida siete, al borde de Times Square. Cabe resaltar que ésta era una oficina monótona y sin chiste, que constaba de una sola habitación en donde se llevó a cabo el único sistema de mezcla de ocho pistas que existía hasta ese momento en esa misma ciudad; Kellgren trabajó con artistas de la talla de Frank Zappa y Jimi Hendrix. A finales de ese mismo año, Kellgren coincide con Stone gracias a que su esposa Martha estaba embarazada de seis meses y Gloria la 12
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pareja de Stone acababa de dar a luz, amigos comunes deciden presentarlos para que las parejas pudieran compartir sus experiencias de ser padres y aliviar la preocupación de Marta. No tardaron en hacerse buenos amigos, aunque eran antítesis uno de otro, Stone era administrador egresado de la escuela Anderson de UCLA y representante nacional de ventas de Revlon cosméticos. Stone, convencido de la creatividad y el talento de Kellgren le propone iniciar un nuevo estudio de grabación que tuviera un mejor ambiente para la creatividad con salas de estar, que fuese más como lobby del hotel y con servicios a la altura de los artistas y así comienzan a
construir Record Plant al inicio de 1968 con 100,000 dólares, obtenidos de Johanna “Ancky” Revson Johnson, ex modelo y ex esposa del fundador de Revlon cosméticos. Para marzo de ese mismo año, Record Plant estaba abriendo sus puertas con un estudio de 12 pistas en el 321 West y la calle 44. Cuando el estudio estaba por concluirse, el productor Tom Wilson persuadió a Hendrix y al productor Chas Chandler para reservar el Record Plant desde el 18 de abril hasta principios de julio, para la grabación del álbum “Electic Ladyland”. Kellgren realizó las primeras cintas hasta que llegó de Londres el ingeniero de cabecera de Jimi Hendrix, Eddie Kramer. En 1969, Kellgren y Stone vendieron la operación del estudio en NY a TVC Comunicaciones con el fin de obtener dinero para la expansión de un segundo estudio en Los Ángeles California. La siguiente encomienda grande que aceptó el estudio fue la mezcla de las pistas grabadas en el festival de Woodstock, que tardaron más de un mes en hacerlo ya que la grabación había sido muy primitiva y tenían sólo voz e instrumentos en un mismo track. En 1970, el estudio A se convirtió en el primer estudio especial para mezcla con un sistema de sonido cuadrafónico, y para el primero de agosto de 1971 hicieron sus primeras grabaciones remotas en el concierto para Bangladesh celebrado en el Madison Square Garden. Durante toda esa década, los ingenieros residentes de Record Plant Shelly Yakus y Roy Cicala dieron a muchas bandas locales y emergentes la donación de tiempo y materiales de sesión para la producción de sus demos, y en enero de 1972 Warner
comunicaciones compró las instalaciones de TVC y a su vez el ingeniero Cicala se las compró a Warner. Para el invierno de 1973, el ahora legendario grupo Aerosmith comenzó a grabar su segundo álbum titulado “Get Your Wings” bajo la tutela del también ya famoso Bob Ezrin, conocido por producir éxitos para Alice Cooper y NY Dolls, pero el ingeniero Jack Douglas puso tanto en el proyecto que terminó siendo llamado el sexto integrante de Aerosmith. Así, en 1975 la banda regresó a Record Plant a grabar “Toys in the Attic”, pero esta vez con Douglas como único productor y escribiendo el tema ‘Walk this Way’ al lado de la banda sin Steven Tyler. Existe también un dato espeluznante alrededor de Record Plant. John Lennon se encontraba grabando el tema “Wallking on thin ice” el día en que fue asesinado (8 de diciembre de 1980). En ese mismo estudio se grabó uno de los discos más emblemáticos de la música pop de los ochenta, “Ella es tan inusual” de la debutante Cyndi Lauper entre el 1 de diciembre de 1982 y el 30 de junio de 1983; en 1987 el estudio Record Plant de NY fue comprado por Sir George Martin, cerrando sus puertas poco tiempo después. Algunos lugares nacen con cierta mística que los envuelve con un halo de misterio y personalidad propia, que hacen que se conviertan en iconos de la industria, y pese a que ya no existan siguen dando de qué hablar y nos inundan de nostalgia y admiración, dando ejemplo de que la pasión por estas sagradas profesiones de la producción y la ingeniería en audio logran trascender de una manera u otra siempre “detrás de la consola”.
Estuvimos en:
Disclosure
Texto: Tai Cornejo Foto: Fabián Zugaide Cuándo: 7 de febrero de 2014 Dónde: José Cuervo Salón, México D.F. Sorpresa: El show de luces sobre el escenario ambienta al cien por ciento la música que están interpretando. Momento Clave: Cuando salieron al escenario y tocaron su famosa ‘When a Fire Starts To Burn’ y en medio del concierto al interpretar la esperada ‘Lacht’. Calificación:
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ESTUVIMOS EN
Estuvimos en:
Carnaval de Bahidorá 2014
Texto: Augusto Lecona Foto: Emmanuel Lopez www.tacondeoro.com Cuándo: 15 de Febrero de 2014 Dónde: Parque Natural Las Estacas, Morelos. Sorpresa: Hubo muchas actividades que son de sorprender, pero lo que robo mi atención fue que, si no tenías dónde acampar solo bastaba con ponerse buzo para agarrar cama. Momento Clave: La Bomba Estéreo incendiando en el escenario, sin dudarlo fueron el ombligo perfecto del Carnaval. Calificación:
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ESTUVIMOS EN
Entrevista:
Por: Fabiรกn Zugaide
Clubz
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PLATICAMOS CON...
¿Quién produce el EP Texturas? -Nosotros (Coco Santos y Orlando Fernández) El año pasado conocimos la canción “Celebrando” ¿Los otros 6 temas del
EP ya los tenían o los compusieron después de la aceptación de su sencillo? - No, de hecho las primeras ideas que ya existían desde hace unos años eran la de ‘Paracaídas’, ‘Intento’ y ‘Golpes Bajos’. Cuando nos juntamos por primera vez para ver qué onda con este nuevo proyecto compusimos la de ‘Hoy No’. Conforme fuimos ensayando, fuimos puliendo las ideas que ya teníamos y fueron saliendo canciones nuevas como ‘Celebrando’, ‘Nudos’, ‘Visiones’ y otras tres más que no incluimos en el EP. ¿Cómo es el proceso de composición de Clubz? Normalmente siempre nos estamos compartiendo música nueva o que no conocíamos, y cuando nos juntamos empezamos a rebotar ideas haciendo beats, jugando con efectos hasta que logramos manifestar y transmitir la vibe que buscábamos. Orlando es como la parte inocente y yo (Coco) la parte seria. Cada uno tenemos cualidades diferentes, hasta ahorita eso nos ha funcionado muy bien y hace que la composición sea muy cómoda y rápida. Este año los invitaron a dos grandes festivales: NRMAL y Vive Latino
¿Esperaban que su música tuviera tanto impacto en tan poco tiempo? Estamos muy contentos por haber sido considerados para formar parte de estos grandes festivales. Fue algo muy loco; en un principio sólo hicimos Clubz como un ‘side project’ de nuestra banda Husky y subimos al Soundcloud nuestro primer sencillo, con la mentalidad de “a ver qué pasa” y nos llevamos una sorpresa. Hemos hecho nuevos amigos y hemos estado en contacto con mucha gente muy chida que nos ha estado apoyando.
¿Planean lanzar algo de larga duración y en físico? Sí, es lo que tenemos en mente y estamos trabajando en más canciones, aunque nos ha pasado por la cabeza que puede estar muy chido estar sacando discos cortos, o a lo mejor un disco de larga duración por partes para, al final, poderlo recopilar todo y lanzarlo de manera física. Hay tanta música que a veces ni a los artistas más reconocidos les da el tiempo para escuchar su disco de larga duración completos. ¿Cuáles son sus expectativas para Vive Latino? Conocer a nuevas personas, tener nuevos amigos, disfrutar el show y dar lo mejor de nosotros mismos para dejar un buen sabor de boca. ¿Qué grupos quieren ver en VL? Helado Negro, Siete Catorce, Calle 13, Daniel Maloso, Little Jesus, TF. ¿Qué grupos de la escena independiente ven fuertes para salir con todo este año? Hay muchos artistas hispanos que nos gustan como Pional, Extraperlo, El Último Vecino, AJ Dávila, Alex Anwandter, Javiera Mena, B-Flecha, Siete Catorce, Los Blenders, Hawaiian Gremlins, Little Jesus, Tony Gallardo ll, Los Mundos, por mencionar algunos. ¿Qué planes tienen para después del Vive Latino? Empezar a producir y grabar el próximo disco y estar tocando en donde nos inviten :) ¿Podrían decirnos 5 canciones que hayan escuchado durante la grabación de su EP? Part time · Cassie (Won’t you be my Doll?) Radio Dept · Closing Scene Lotus Plaza · Remember our days Ducktails · Letter of Intent Los Encargados · Orbitando
5 discos QUE DEFINIERON EL SONIDO DE 1998
Massive Attack – “Mezzanine “
Por: J. Ismael Canales
En 1998 se llevó a cabo la Primera edición del Festival Iberoamericano de Cultura Musical, Vive Latino, un evento que sería parteaguas en la realización de conciertos masivos en Latinoamérica. Para comprender un poco el contexto auditivo de la época, volvimos en el tiempo quince años para recordar los cinco discos que definieron el sonido de 1998.
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REPISA
Después del lanzamiento de “Protection”, álbum que no fue bien recibido por la crítica, Massive Attack deseaba volver al nivel de calidad que conocimos en su álbum debut “Blue Lines” con su nueva producción “Mezzanine”. El 27 de abril de 1998, la tercera placa de los británicos vio la luz, capturando al instante las miradas de la crítica especializada, quienes lo calificaron como un gran trabajo y se apoderó del número uno en la lista de popularidad británica. Este disco marcaría el nuevo rumbo de la banda, los sonidos obscuros, el coqueteo con el rock, los sampleos a grandes bandas como Led Zeppelin, The Cure, The Velvet Underground, Quincy Jones, entre otros, y la influencia del hip-hop significaron una evolución para el sonido de la banda y una gran innovación en el terreno del trip-hop. “Mezzanine” es un álbum que traspasó la barrera del tiempo, sus temas han sido utilizados en diversas cintas y series de televisión como Matrix, Smallville, Snatch, y quizá el más importante, House MD, donde ‘Teardrop’ fue el tema de apertura de la serie durante sus ocho temporadas.
Pulp – “This is Hardcore”
Así como Massive Attack y el trip hop se consolidaban con fuerza en el Reino Unido, el britpop vivía sus últimos días. Pulp venía del éxito arrollador de “Different Class” en 1995 y las esperanzas por la supervivencia del brit estaban puestas en el nuevo material de Jarvis Cocker y sus muchachos. “This Is Hardcore” resultó ser un álbum difícil de digerir, una mezcla entre temas desesperanzadores y grandes canciones. Un disco que no alcanzó a explotar como se había pensado y que podemos considerar fue el último latido del britpop. Aun así, Pulp encontró en este disco la realización de su más grande tema, ‘This Is Hardcore’, la canción perfecta con un ritmo sensual que nos atrapa desde el inicio, arreglos de vientos exacto, un piano que resalta por su simpleza y una letra provocativa. En conjunto, un tema sensualmente perfecto, que por su calidad le dio la vuelta al mundo y llevó a este álbum a ser uno de los más importantes del 98, el año en que el britpop murió.
Air – “Moon Safari”
En 1997, Daft Punk y su álbum debut “Homework” hizo que la mirada de los melómanos se dirigiera a Francia, dejando en claro que también en el país de la torre Eiffel se hace buena música. Un año después, Air lanzaría su álbum debut “Moon Safari”, un gran material que fusionaba los sonidos tradicionales y sumamente románticos del país galo, con un toque de sintetizadores y voces celestiales que creaban un sonido único en su tiempo, al cual después llamarían spacepop. Quizás el impacto mediático no fue el mismo que generó Daft Punk, pero “Moon Safari” fue una obra adelantada a su tiempo, un álbum que podemos escuchar hoy en día y aún conserva esa frescura y elegancia que sólo Air pudo conseguir.
Beastie Boys – “Hello Nasty”
Cuatro años después de su última producción discográfica, los Beastie Boys estaban de vuelta en el juego con “Hello Nasty”,un disco irreverente, divertido y de una calidad tal que era respetado por la gran hermandad de raperos negros que dominaban el mercado. Ahí nomás: 681,000 copias vendió este material en su primera semana en el mercado, fue número uno en las listas de popularidad de Estados Unidos y Reino Unido, y ganó el Grammy al Mejor álbum de Música Alternativa. La expectativa que se generó con este álbum fue demasiada, y en gran parte se debe a la ingeniosa forma en la que el trio de MC´s blancos de Nueva York promocionaron esta placa: un infomercial. El corte de 30 minutos, producido y protagonizado por los músicos, cuenta con diversas secciones que son una parodia a los diferentes tipos de infomerciales estadounidenses de la época, anunciando un número de teléfono al que realmente podía llamar el público para pre-ordenar el álbum del grupo. 22
REPISA
Manú Chao – “Clandestino”
Después de la disolución de Mano Negra en 1995, José Manuel Arturo Tomás Chao Ortega decidió comenzar su carrera como solista, bajo el nombre de Manú Chao, lanzando su primer álbum solista en 1998. “Clandestino” fue una obra multilingüe, donde conviven en armonía el español, el francés, portugués e inglés, y los sonidos provenientes de todas las latitudes de Hispanoamérica, aderezados de sampleos de canciones típicas, narraciones de partidos de futbol y programas de televisión que le dan una personalidad en extremo latina a la obra. Las letras, en su mayoría de crítica social, lograron que gran parte de la sociedad se sintiera identificada con la ideología del músico franco-español y tomara los temas de clandestino como himnos que pedían justicia en un mundo hispano con una paranoia pre fin de siglo. Un álbum de un franco-español que condensó la esencia latinoamericana.
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Vive Latino en retrospectiva Por @Raika83 Ilustración Gabriel Pich dibujospirujos.tumblr.com
Ahora que volteamos para atrás, parece que se fue nuestra vida y dinero en el Vive Latino: torres de cerveza, cientos de bandas, inclemencias del tiempo. El que hoy por hoy aún sigue siendo el festival de música iberoamericana más grande del continente, ha pasado por muchos embates para consolidarse. Han sido años de prueba y error, de aciertos y defectos que ha pagado el público, las bandas y los organizadores.
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REPISA
Sin embargo, y pese a toda diatriba y pesar, el Vive Latino es el referente y termómetro de la música que escucha el grueso de la población mexicana, en buena medida es una impronta efectiva (cada vez más certera) de los gustos y arraigos de distintas generaciones adeptas a la música en México, no sólo del rock, ya que este año veremos con más fuerza lo que comenzó en emisiones pasadas, con la inclusión de grupos de música vernácula, hecho que sin duda ha despertado acaloradas discusiones bizantinas al respecto. Cada año, el Vive Latino intenta sorprender con algo más: más días, más artistas, más escenarios. Parece que el límite aún no es conocido por la organización de este mounstro de festival. En Freim recordamos año por año que ha sido lo más memorable de cada emisión, hoy a la distancia, al cumplir unos ambiguos XV años.
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Los noventa estaban por terminar, MTV se estaba poniendo las pilas con ser un espejo de la escena local, aunque los reallities ya amenazaban con invadir los contenidos televisivos. En ese contexto se comenzó a promocionar mucho el Vive Latino, lo que para muchos de los que llevábamos tiempo acudiendo a festivales masivos era sólo “un masivo abriendo a las bandas feas, quitando el contexto social y encareciendo el boleto a cambio de un PA más profesional”, con un logo y nombre horrendos. Para otros, era sólo una puntada mercadológica, una insanidad melómana iberoamericana más. Pero para muchos esa primera emisión fue de antología: Tijuana No en su mejor momento, bandas hoy extintas como Flor de Lingo, Titán, La Dosis, etc. El talento local comenzaba a sonar distinto y la conexión con América Latina, aunque aún tímida ya era más reconocida. Originalmente, el Vive Latino era invernal: 28 y 29 de noviembre.
1999
Roma no se hizo en un día, y había muchísimo por aprender de una primera emisión algo extraña pero de alguna manera efectiva. Aún no sabemos por qué motivo, la edición del 99 no se llevó a cabo.
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Recordamos que este año, el Vive Latino comenzó a tener un tinte más de compromiso social, que de cita musical. El público se amplió y diversificó de una forma brutal. ¿Por qué nos acordamos de él? Porque la gente “despegó” el piso que protegía el césped del Foro Sol y comenzó a amedrentar al grupo español Dover. Fue el año definitivo del ska y el rap-core: Sekta Core!, Ska-P, Desorden Público, Resorte, Panteón Rococó, Todos tus Muertos, Auténticos Decadentes, Fabulosos Cadillacs y Los Pericos castigaron durísimo. Mención aparte la actuación de Los Tetas, de las más memorables que han dado.
2001
Nadie experimenta en cabeza ajena, y los errores comenzaron a notarse en el recorte y planificación de la oferta musical: el festival se redujo a un día, se aumentó un escenario y el talento mexicano superaba era de casi el 80% del elenco. El Vive Latino más flojo para la mayoría, ya que muchos repetían: La Lupita, Zurdok, Desorden Público, Los Pericos y Resorte. Ese año, Save Ferris no prendió tanto como se tenía planeado, la carpa electrónica debutó con Nortec Collective y Nopal Beat, y Moderatto fue el mejor chiste roquero para muchos en mucho tiempo.
2002
La continuidad del declive se veía venir, y los rumores de su desaparición eran fuertes. 2002 tampoco vio la luz del VL.
2003
Pese a que este año el talento local volvió a dominar de forma bárbara (sólo cinco grupos no eran mexicanos) y a que se llevó a cabo en un día, igual al de 2001, el Vive Latino, con uno de sus carteles más aburridos logró romper récord de asistencia, cambió de fecha y dejó en claro que el hip hop y la electrónica comenzaban a dejar de ser underground en México.
2004
El año del boom: mayor producción, tres escenarios, diseño gráfico temático por primera ocasión. El Vive Latino tenía una identidad marcada y hubo la primera incursión de bandas parcialmente anglosajonas (The Mars Volta y Ill Niño). Ese año comenzó a escucharse con más fuerza que muchos artistas repetían, que algunas ya no tenían el mismo arrastre y la “mala fama” del Vive Latino como experiencia musical comenzó a tener mayor eco en ciertos sectores de público más adepto al rock extranjero. Recordemos que aún no figuraba en el mapa el Corona Capital.
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REPISA
2005
El fatídico sexto Vive, en donde el agua se agotó, donde abril no se dejaba por el calor, y en el que hubo por primera vez banda sorpresa (Café Tacvba). Los argentinos comenzaban a ganar mayor terreno en el cartel y fue la última ocasión en la que se llevó a cabo: Los Látigos, unos aún buenos Babasónicos y unos jovensísimos Austin Tv fueron de los actos más memorables.
2006
De regreso a la edición de dos años, ahora en mayo, y con uno de sus mejores y más extensos carteles a la fecha: Brujería, Los Planetas, Los Super Elegantes, Turf, Niña y los exitosísimos Porter. Ese año se puso de moda la “víbora” con el IMS.
2007
El año de la consolidación y las discrepancias. Los latinos veían mal a los anglosajones, que aumentaban de a poco, y los fans de música en inglés veían insuficiente y muy “latino y tropical” al festival, que se pulió en su profesionalización, logística y sonido. Este año, el Vive Latino se exportó a Chile, con poco éxito. Pese a las críticas y la lluvia, actos como los de Calle 13, El Columpio Asesino, Gustavo Cerati, Pastilla o The Magic Numbers detonaron una entrega total. Olía a una nueva generación, con bandas más jóvenes y diversas en su sonido. Uno de los más memorables, sin duda.
2008
Los primeros 10 años, muchas bandas de la primera edición repitieron, y Argentina tuvo la mayor presencia de todas las ediciones pasadas, destacando el regreso de Todos tus Muertos, Ratones Paranoicos, Los Cafres, Dante Spinetta, El Otro Yo y Emmanuel Horvilleur. Mención aparte una de las últimas grandes presentaciones de Santa Sabina, el poderío rocker de Black Rebel Motorcycle Club, la maravilla chicana de Los Lobos y la decepción de los que pensaban que la reunión de los Illya Kuryaki era inminente.
2009
Debido a la alerta sanitaria de la influenza, el Vive Latino se movió de mayo a junio, para dar un cartel primordialmente mexicano, con la fórmula de grupos anglos como una marca ya tradicional: ¿Lo mejor? Marky Ramone, el pandemónium de baile con Nortec, Zoé instaurándose como la nueva gran banda mexicana y el reconocimiento del sector urbano con la Banda Bostik.
2010
El primer intento del Vive Latino por extenderse a tres días, con la ópera rock de José Fors en torno a la figura de Frankenstein, no del todo exitosa. Ese año, España tuvo un papel importante con Corcobado, Nacho Vegas o Vetusta Morla al frente, Argentina igual seguía nutriendo y EU estaba presente con Calexico, Deftones, Rise Against o Monte Negro. Los australianos Empire of the Sun también se presentaron.
2011
La locura: tres días, muchas bandas, muchos países, muchas inconformidades con la experiencia, y sin embargo una de las ediciones más exitosas: La Mala Rodríguez, Anita Tijoux, Sepultura, Jane´s Adiction, El Guincho y sobre todo el sueño vuelto realidad para muchos: The Chemical Brothers. The National también dejó en claro que tenía fans furiosos en México, y el aire pop y vernáculo se percibía como una extraña premonición.
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REPISA
2012
Otra vez tres días, con una mirada más cercana a las bandas emergentes: URSS Bajo el Árbol, Suave as Hell o Vicente Gayo fueron la delicia de la carpa Intolerante, dedicada a las propuestas más arriesgadas. El Vive Latino consolida su carácter más diverso en sonido, imagen y propuesta, quitando un poco de etiquetas que a muchos divide en lo superfluo pero que logra un sincretismo como pocos festivales: de Gogol Bordello a Foster The People, de Fatboy Slim a Madness, de Tropikal Forever a The Horrors. La rechifla se ha callado de a poco y tanto público como bandas han crecido y cambiado.
2013
Pese a lo equilibrado y bien curado del Vive Latino del año pasado, con bandas bien importantes como Violadores del Verso, Los Macuanos, Japandroids o Tame Impala, la edición 2013 tiene un nombre en su memoria: Blur. Nada más, nada menos. Una de las mejores ediciones, pese a la cancelación de Morrissey y la tercera fecha.
2014
16 años teóricos que son 15 en el papel y que pudieron ser catorce reales, nadie sabe cómo estuvo el criterio, pero este año el Vive Latino celebra XV años e intenta lo imposible: cuatro días de música en fuertes dosis. Sin duda alguna el Vive Latino es una parte ineludible, no sólo de la tradición musical latinoamericana, sino cultural también.
Será de menos interesante ver cómo sigue mutando el Vive Latino, cómo reacciona la gente ante polémicas inclusiones con cosas como La Changa o Los Tigres del Norte. El reconocimiento de la música popular puede figurar como un paso saludable hacia el reconocimiento de una identidad más cercana a lo “latino” y a un desvanecimiento de los prejuicios culturales. Habrá que escucharlo y verlo muy de cerca.
CUMBRE
TAJÍN
Por: Samantha Blumrosen
Rumbo a 15 años de diversidad cultural y musical. Hablar de la Cumbre Tajín es hablar de uno de los mejores festivales, no sólo de México, sino de todo el mundo; donde su tradición, cultura y entretenimiento lo convierten en uno de los espectáculos más esperados anualmente. El estado de Veracruz le abre sus puertas y se viste de gala cada año, desde el inicio de milenio para entregarles lo mejor de este lugar y sobre todo, difundir la Ciudad Sagrada de El Tajín, así como el pueblo Totonaca. Este año se volverá a lucir ya que se cumplen 15 años de este festival que pone en alto el nombre de México por todo el mundo, puesto que personalidades como Pet Shop Boys o Björk han quedado anonadados con lo maravilloso que es presenciar el equinoccio de primavera en el Parque Temático Takilhsukut, la Zona Arqueológica de El Tajín. 30
REPISA
Durante estos 15 años ha logrado ubicarse entre los más prestigiados festivales del mundo, porque ha recibido múltiples reconocimientos por parte de la UNESCO. Papantla es el único lugar en el mundo con tres patrimonios culturales: Centro de las Artes Indígenas, la zona arqueológica de Tajín y la Escuela de Voladores de Papantla, ésta última es un gran logro, ya que los totonacas que han participado en alguna edición de la Cumbre se siente sumamente orgullosos de formar parte de esta tradición, y sobre todo de la grandeza de este pueblo mágico. Socialmente hablando, Cumbre Tajín tiene como principales características el impulsar, en primer lugar el turismo en esta región, puesto que cada año crecen las visitas; este año se esperan más de 500 mil visitantes del 20 al 24 de marzo.
Cumbre Tajín ha impulsado el crecimiento económico del país, y es que, ha creado alrededor de 200 empleos fijos, así como la posibilidad de que durante su duración se habrá oportunidad de que trabajen miles de personas ahí, lo cual hace que este espectáculo sea uno de los mejores en todo aspecto. A tan sólo unos días de la décimo quinta edición de la Cumbre Tajín, el secretario de Turismo de la entidad, Harry Grappa, informó que la derrama económica que dejará este festival será superior a los 200 millones de pesos. Sin embargo, lo más importante de este magno evento es el fortalecimiento de la cultura totonaca y el reconocimiento a nivel mundial de esta región; antes de su primera edición en el año 2000, las comunidades indígenas vivían en pobreza extrema, por ello, desde que se tiene una continuidad en este proyecto se ha podido implementar estrategias de desarrollo social y económico. Ahora bien, esta Cumbre inspiró a Chile para organizar su propio festival, el cual llevó como nombre Chile Mágico 2014, el cual se celebró los días 7 y 8 de febrero. Igual que en nuestro país, este festival contó con programa actividades artesanales y shows musicales en presencia de líderes indígenas. Estamos seguros que muchos países hermanos seguirán nuestros pasos y próximamente veremos más realizando este tipo de eventos. En años anteriores el festival ha contado con la presencia de agrupaciones que han dejado un grato sabor de boca, como en la séptima edición que se presentó El Tri. Café Tacvba no podía faltar en este gran evento, donde ya ha sido partícipe en varias ocasiones, la más actual en 2012, edición que contó con artistas de la talla de Björk, Sinead O’Connor y Caifanes, sin embargo la décimo cuarta edición no se queda atrás, dándole paso a un grupo norteño altamente reconocido en el país: Los Tigres del Norte, y como si esto fuera poco los legendarios Pet Shop Boys estuvieron presentes, además de Fat Boy Slim, Calvin Harris y The Smashing Pumpkins. Esta edición es de suma importancia pues se cumplen 15 años del festival y dentro de las actividades musicales estará uno de los grupos más esperados por el público mexicano, nos referimos a Tool, banda comandada por Maynard James Keenan, quien actuará al lado de Primus, veteranos del rock alternativo experimental, así como también Puscifer y Tomahawk, quienes se presentarán con la banda de origen tzotzil, Vayijel. Pero no sólo estarán grupos estadounidenses, para el 22 de marzo uno de los mejores grupos de rock argentino deleitará a los espectadores, su nombre: Babasónicos, quienes tocarán junto a Funker, Los Amigos Invisibles, Fobia e Illya Kuryaki and The Valderramas. Es por eso que este año Cumbre Tajín será una experiencia única donde la diversidad cultural de México se convierte en algo completamente mágico, combinando como ningún otro festival en el mundo la música con la cultura.
y su marca en el cine Por: JJ Negrete (Butaca Ancha) Además de ser el año en que se llevó a cabo la primera edición del Festival Vive Latino, 1998 también dejó huella en el cine, así que haciendo un pequeño ejercicio, hemos recopilado lo más relevante del séptimo arte a través de los Festivales de Cine y premiaciones de la industria.
¿Qué dejó La Berlinale? The Big Lebowski
de Joel y Ethan Coen
Cube
de Vincenzo Natali
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PALOMITAS
La expectativa era enorme para el nuevo trabajo de los Coen después de su arrollador éxito con Fargo (1996), pero en lugar de seguir la línea y presentar una propuesta “más segura”, la dupla creó un filme bizarro, de inspiración noir bajo una óptica neo-hippy de situaciones inverosímiles que lo mismo entremezclan el mundo de los bolos, la guerra contra Irak en 1991, arte vaginal, nihilistas, enigmáticos y parcamente sabios vaqueros, en resumen los ingredientes de un explosivo filme de culto. El maestrazo Jeff Bridges interpreta a Jeffrey “Dude” Lebowski, un holgazán bolichista que se ve envuelto en el secuestro/rescate de la esposa de un tirano millonario, tocayo de Lebowski. Plagada de actuaciones memorables por parte de Bridges, Steve Buscemi, Julianne Moore, Phllip Seymour Hoffman y el legendariamente varonil Ben Gazzara, quién se lleva las palmas es John Goodman como Walter Sobchak, una volátil mezcla de empatía y sociopatía. Este curioso filme de ciencia ficción en el que siete completos extraños de diversas personalidades y extravagantes características de personalidad son puestos contra su voluntad en un laberinto de oscuras cualidades que contienen trampas mortales. Dentro de este cubo, inspirado por el Castillo de Kafka, se desarrolla una historia tensa, un thriller bastante outré que encontró repudio y vitoreo por igual, convirtiéndose rápidamente en una cinta de culto que tuvo una corrida relativamente breve en cartelera cinematográfica y que halló mejor suerte en los videocentros locales, convirtiéndose en una de las más rentadas, cuando menos en el que yo rentaba sí.
¿Qué dejó el Óscar? Bastante se ha escrito del legado de diatribas, débiles defensas, apabullante éxito económico e innegable status cultural del coloso de James Cameron, quién habría de destronarse a sí mismo con la épica y artificial organicidad de su Avatar (2009). La megapopular cinta que inició con el pie izquierdo en taquilla, rápidamente se convirtió en un fenómeno mediático que convirtió a Leo DiCaprio y a Kate Winslet en superestrellas, dejando en el camino una cosecha de 14 candidaturas y 11 peloncitos de oro. Esa noche, el Titanic llegaría a salvo a cargo, la magna celebración de una vacua, pero contundente, catástrofe.
Titanic
de James Cameron
¿Qué dejó Cannes? En medio de una cosecha que dejó inconmensurables legados artísticos como Dong de Tsai Ming Liang o Khrustalyov, mashinu! del finado maestro ruso Aleksei German, este pasado viaje inspirado en los escritos del ampliamente imitado pero jamás igualado, Hunter S. Thompson (un todavía inspirado Johnny Depp), que se embarca en panegírico y absurdo viaje con su psicótico abogado, el Dr. Gonzo (magistral Benicio del Toro) que habrá de culminar en esa capital de nihilismo vulgar llamada Las Vegas. Con apariciones de Lyle Lovett, Tobey Mcguire y Gary Busey (¡!), este ácido viaje del gran cineasta británico Terry Gilliam, rápidamente se entronó en un nicho por el que muchos han pasado, pero que rara vez suelen visitar de nuevo.
Fear and Loathing in Las Vegas
Cuando se piensa en los filmes que definieron la entrada de la etiqueta “cine de arte” en nuestro país, particularmente en los expendios de discos, VHS y DVD, siempre se viene a la mente el seminal filme del danés Thomas Vinterbeg, Festen, que rápidamente se convirtió en una sensación en el Festival de Cannes por su despiadada concepción de la familia que devela crueles verdades y pecadillos durante el sexagenario del patriarca, Helge. Junto a Happiness de Solondz, también presente en Cannes ese año, el filme presentó una nueva imagen familiar y descomposición y podredumbre en el umbral del nuevo milenio.
Festen
de Terry Gilliam
de Thomas Vinterberg
¿Qué dejó Hollywood? Armaggedon
Pocas películas realmente ejemplifican lo que implicaba ser un blockbuster veraniego antes de la invasión de los superhéroes en el año 2000, como la bombástica absurda del espectáculo del hábil Michael Bay. Armaggedon es la historia de un grupo de astronautas, hombres del vulgo y científicos que partirán el pan para partirle su mandarina a un cometa que amenaza con destruir nuestro cómodo estilo de vida. Con una ecléctica mezcla que incluía a los “popu” Bruce Willis y Ben Affleck con actores de cuadro como Billy Bob Thornton (¿qué fue de él?), Steve Buscemi y Jason Isaacs, monumentales efectos especiales y el cañonazo de la canción de Aerosmith, Armaggedon no redefinió el género, simplemente lo distendió.
There´s something about Mary
Esta salvaje comedia se convirtió en un popular éxito que canonizó a su bella protagonista, la actriz cubano-americana Cameron Diaz, con todo y su icónico copetito tieso, en la historia de una mujer que se convierte en la obsesión de un tipo dolorosamente ordinario (Ben Stiller) que contrata a un detective (Matt Dillon) para investigar al objeto de sus chapuceras fantasías, pero no cuenta con el hecho de que TODOS se enamoran de Mary. Rebosante en escatología tan corrosiva como aquella de los clásicos ochenteros, el filme de los Farrelly mezcla la agilidad de los clásicos con la suciedad e impacto de lo nuevo.
de Michael Bay
de Los Hermanos Farrelly
¿Qué dejó el cine mexicano? La Otra Conquista
de Salvador Carrasco
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PALOMITAS
En un año relativamente flojo para el cine nacional que vio pocos éxitos en taquilla y crítica, como ¿Quién diablos es Juliette? de Carlos Marcovich, vino una interesante (y hasta cierto punto, rentable) por parte de Salvador Carrasco con su filme La Otra Conquista, una polémica visión de la Historia de la Conquista Espiritual desde una óptica indígena. Acusada por muchos de imparcial, folklorizada y falsa, mientras que era aclamada por otros como un sensible y artístico retrato de sincretismos culturales. El filme de Carrasco tuvo relativo éxito gracias a estas divergencias, de las cuales sale librado el atmosférico trabajo de Jorge Reyes en la banda sonora.
INJUSTICIA DORADA: LA NOCHE DEL
OSCAR Por: Rafael Paz (Butaca Ancha)
Nada me disgustaría más moralmente que recibir un Oscar. -Luis Buñuel
Cada año las nominaciones y posterior entrega del Oscar dejan descontentos a muchos. Que si la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas (Academy of Motion Picture Arts and Sciences) de Estados Unidos se vio mocha, que son puros viejitos votando, que no hay arriesgue, que Meryl Streep está nominada todos los años, que no premian al mejor y un extenso etcétera. Con la mira puesta en la 86º ceremonia del Oscar y pensando en que muchos quedarán insatisfechos, Freim se dio a la tarea de recapitular las injusticias más grandes de las últimas diez entregas:
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PALOMITAS
85º - 2013:
J-Law sobre madame Riva
84º - 2012:
Emmanuel Lubezki muerde el polvo, otra vez
83º - 2011:
Un rey sin red social
La narrativa lucía perfecta. El día de su cumpleaños número ochenta y siete, la academia tenía la oportunidad de reconocer a Emmanuelle Riva (Hiroshima mi amor, Tres colores: Azul), una de las grandes actrices francesas de todos los tiempos, por su brutal y desgarrador trabajo en Amor (Amour, 2012) de Michael Haneke. El premio fue a dar a las manos de Jennifer Lawrence por una de esas actuaciones que la Academia siempre parece preferir: loca, gritona de gran corazón –además del empujoncito de Harvey Weinstein. Era un trabajo sólido, pero lejos del espectacular desempeño de madame Riva. Este año el famoso “Chivo” parte como favorito para obtener el Oscar a Mejor Fotografía por su trabajo en Gravedad (Gravity, 2013) de su amigo Alfonso Cuarón. Con esta, sería su sexta nominación en total. Durante la ceremonia de 2012 también era uno de los preferidos para llevarse el premio a casa gracias a su sublime desempeño en El árbol de la vida (Tree of Life, 2011), sin embargo acabó vencido por el nostálgico retrato scorsesiano La invención de Hugo (Hugo, 2011), con su linda fotografía en tercera dimensión. Cuando se estrenó La red social (The Social Network, 2010) de David Fincher, una gran parte de los críticos la calificó como la película a vencer en la carrera de premios. La noche de los premios terminó vencida por un pequeño y encantador esfuerzo británico: El discurso del rey (The King’s Speech, 2010). Y no fue la única, ese año compartían la terna otras cintas que lucían más merecedoras: El cisne negro (Black Swan, 2010), El origen (Inception, 2010) o Toy Story 3 (2010). El discurso del rey no es mala per se, pero es un buen ejemplo del comportamiento de la Academia: premiar al cine más accesible y bonachón, sobre aquellos ejercicio más arriesgados.
82º - 2010:
Sin butacas para los monstruos
81º - 2009:
El joker bajo la manga
80º - 2008:
No hay lugar para el petróleo
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PALOMITAS
Éste fue el año en el que la Academia decidió expandir su categoría de Mejor Película de 5 a 10, después del “escándalo” provocado un año antes por la no-nominación de El caballero de la noche (The Dark Knight, 2009). El movimiento, se pensó, ayudaría a reconocer trabajos que salían del canon o no tenían la fuerza monetaria para hacer una campaña millonaria para obtener una nominación. Ni así uno de los mejores proyectos de ese año logró colarse, Donde viven los monstruos (Where the Wild Things Are, 2009) no alcanzó nominación alguna. *Inserte carita triste. Con la trágica muerte de Heath Ledger ocupando los titulares de todos los periódicos del mundo, era imposible que los miembros de la Academia no lo eligieran para llevarse el premio a Mejor Actor Secundario por su interpretación del Guasón. Y quizá haya sido la opción más adecuada, sin embargo mi corazón siempre tendrá un espacio para el Kirk Lazarus de Robert Downey Jr. en Tropic Thunder (2008), papel que terminó por marcar su regreso a las grandes ligas. Suck my unit! Paul Thomas Anderson pasó un par de años tratando de hacer la épica perfecta norteamericana, enfocándose en el tamaño del reparto y no en la trascendencia del tema a tratar. Todo eso cambió cuando presentó Petróleo Sangriento (There Will Be Blood, 2008). La noche del Oscar parecía ser suya, pero los favoritos sentimentales –los Coen– terminaron llevándose las palmas por una película igualmente meritoria, Sin Lugar Para los Débiles (No Country for Old Men, 2008). Seguramente PTA tendrá otra oportunidad para hacer buenos los pronósticos.
79º - 2007:
My name-a Borat
78º - 2006:
Un olvidable ganador
77º - 2005:
76º - 2004:
El fin del Señor de los Anillos
En ocasiones, la Academia decide pagar deudas. Durante varios calendarios le negaron el premio grande a Martin Scorsese, hasta que llegó el momento de poner su nombre en el sobre. Fue una noche donde arrasaron Los infiltrados (The Departed, 2006), aunque fue en la categoría de Mejor Guión Adaptado, donde su victoria lució menos contundente. Los libretos de Borat: Cultural Learnings of America for Make Benefit Glorious Nation of Kazakhstan (2006) o Niños del hombre (Children of Men, 2006) parecían opciones, al menos, más atrevidas. ¿Alguno de ustedes se acuerda de Alto impacto (Crash, 2005)? ¿No? No los culpo, la cinta de Paul Haggis (In the Valley of Elah, Red Hot) debe ser unas de las nombradas a Mejor Película menos populares de la historia y más convencionales. Las críticas de homofobia no se hicieron esperar por relegar Secreto en la montaña (Brokeback Mountain, 2005) o Capote (2005), películas con mejor recibimiento en el público y la crítica. Sorpresivamente, este año la ceremonia lució bastante equilibrada con unos premios bien repartidos. Jorge Drexler se negó a interpretar en vivo Al otro lado del río, por eso Carlos Santana y Antonio Banderas se encargaron de destrozarla sobre el escenario. Drexler sí pasó a recoger su Oscar. Al final de la noche El señor de los Anillos: El retorno del rey (The Lord of the Rings: The Return of the King, 2003) se llevó 11 premios, arrasó sin ningún problema. Éste es uno de esos casos donde parece reconocerse más a la trilogía completa que a una de las películas en solitario. Como un todo quizá tenían méritos para ganar, la última parte en solitario… no tanto. American Splendor (2003) en la categoría de guión o Sofia Coppola con Perdidos en Tokio (Lost in Traslation, 2003) merecían mejor suerte.
¿Cuál será la injusticia de este año?
MEET Y O U THERE BABE Créditos: Coordinadora de moda: Liliana Mejía Fotografía: Tania Diego Asistente: Tania Juárez Modelo: Mayte
Tank top: Gyks Falda: Ilsemiamor Sandalias: Bermuda Sandals de Nasty Gal Bolsa: Garage Art 40
MODA
Blusa y mochila: Gyks Shorts: Pull & bear Zapatos: Valtierra
Archivo
María Izquierdo Una exposición íntima de una de las figuras más destacadas de la plástica mexicana. Luego de ochos años desde que el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) adquirió el archivo de María Izquierdo, el Museo de Arte Moderno (MAM), -el cual ahora maneja el acervo- le brinda al público la oportunidad de conocer el contexto en el que la pintora desarrolló su obra. De acuerdo con autoridades del MAM, el archivo de María Izquierdo muestra a una mujer muy humana, feminista, y exalta su formación como artista. La puesta se divide en tres núcleos temáticos de los diferentes perfiles de la vida pública, privada y profesional de la pintora. El primero, dedicado a sus ideales feministas, el segundo frente a la crítica, en la que se encuentran las pinturas que hizo desde 1929 hasta 1955 y, el último, presenta a la pintora como crítica de arte y promotora cultural. María Cenobia Izquierdo Gutiérrez nació en 1902 y es originaria de San Juan de los Lagos, Jalisco. En 1948 padeció un ataque de hemiplejia que le paralizó la mitad de su cuerpo y murió en la Ciudad de México en 1955. De su ciudad natal absorbió los colores y costumbres que la caracterizarían a lo largo de su vida y que plasmaría en la mayor parte de su obra, la cual fue catalogada como “primitiva” en su mayor parte por la 42
PA’ DONDE
del Museo de Arte Moderno Por: Karla Morales
temática popular mexicanista y el folclor, los cuales derivaron a veces en el surrealismo. Su propuesta plástica presenta dos vertientes que conformaron sus vivencias y emociones. Su talento la llevó a exponer su arte en los más importantes museos y galerías de México, Nueva York, San Francisco, Chile, Panamá, Brasil Bombay, Tokio y Paris, entre otros, convirtiéndose en la primera pintora mexicana que expuso en el extranjero. El MAM presenta una parte del archivo, en una exposición conformada por cerca de 150 documentos y más de cien fotos, donde se incluyen papeles personales, cartas, fotos de su familia, telegramas y escritos suyos mecanografiados. El Museo de Arte Moderno se encuentra en Paseo de la Reforma y Gadhi s/n, en el interior del Bosque de Chapultepec. Horario: martes a domingo de 10:15 a 17:30 horas, desde el 3 de enero al 13 de abril de 2014. Admisión: 25 pesos o entrada libre con credencial de estudiante, profesor e INAPAM. Domingo: Entrada libre. Metro: Chapultepec/Auditorio Informes: (55) 5553-6233
JAKE BUGG
EN MÉXICO Por: Alan García
Desde hace algunos años atrás hemos visto como el regreso de la música Folk está impactando dentro de la escena musical una vez más. Bob Dylan y su sonido de los sesentas vuelven e inspiran a nuevos expositores del género que cada vez son recibidos de mejor forma por el público, uno de estos es el británico Jake Bugg, quien con sus 19 años tiene dos álbumes en los cuales ha demostrado ser un buen compositor y un gran interprete, razón por la cual se ha ganado el aprecio de muchos.
Con un sonido entre el folk y country, que nos recuerda mucho a los primeros trabajos del legendario Johnny Cash, este joven originario de Nottingham tiene en su repertorio grandes canciones como ‘Two Fingers’, ‘Broken’ y ‘What Doesn´t Kill You’ que sin duda serán coreadas por sus seguidores. En la pasada edición del Festival Corona Capital, tuvimos la oportunidad de escuchar al británico, quien animó a los asistentes y dejó con un buen sabor de boca a aquellos se acercaron al escenario, en gran parte por su energía e impecable ejecución en vivo de la mayoría de los temas de sus dos producciones discográficas. Jake Bugg se presenta nuevamente en nuestro país para continuar la gira de promoción de su más reciente álbum, “Shangri La”. El José Cuervo Salón será el recinto encargado de albergar a los fanáticos del cantante, quien se presentará el próximo 26 de marzo. Los boletos están disponibles desde el pasado 1
de febrero y realmente no pueden dejar pasar el espectáculo de la nueva joya inglesa. Día: 26 de marzo Lugar: José Cuervo Salón Precios: General - $480 (precios sin cargo extra) ¿Por qué no debes perderte a Jake Bugg? -Su estilo e influencia musical lo convierten en una propuesta innovadora que se disfruta cuando está en los escenarios. -A pesar de su corta edad sabe entretener y animar al público como un veterano de la escena. -Tiene la habilidad de sostener un show solamente con su voz y su guitarra, un recurso que del que pocos artistas pueden presumir. -Su corta carrera está llena de furiosos éxitos. -Pinta para ser uno de los conciertos más recordados de este año.
Franz Ferdinand en México Por: Ann Ortega
El éxito del indie rock regresa a México Parece como si fuera ayer cuando cuatro hombres que habían tenido participación en diferentes bandas en los noventa se unieron para formar una nueva agrupación, la cual los llevaría a obtener éxito. Franz Ferdinand, banda escocesa formada por Alex Kapranos, Nick McCarthy, Robert Hardy y Paul Thomson debuta en 2002 y durante más de diez años han sabido mantenerse en el gusto de sus seguidores y proponiendo ideas frescas en sus discos. Con siete años de trayectoria, cuatro discos de estudio, más de tres millones de discos vendidos en todo el mundo, ganadores del Mercury Music Prize en 2004 y dos Brit Awards, Franz Ferdinand es reconocido como uno de los mejores actos indie rock de la década. Después de su exitosa presentación ante 60,000 personas en el Corona Capital 2012, Franz Ferdinand regresa a México para presentar su cuarto álbum de estudio, “Right Thoughts, Right Words, Right Action”. La banda tendrá dos presentaciones y los boletos están disponibles desde el pasado 29 de enero a través de Ticketmaster. 44
PA’ DONDE
Primera presentación Día: Sábado 3 de mayo Hora: 20:00 horas. Lugar: Palacio de los Deportes, Ciudad de México Precios: -Pista: 580 pesos. -Sección D: 300 pesos. Segunda fecha Día: Domingo 4 de mayo Hora: 19:00 horas. Lugar: Auditorio Banamex, Monterrey. Precios: -Beyond: 680 pesos. -Perfiles: 500 pesos. ¿Por qué no puedes perderte a Franz Ferdinand? -Franz Ferdinand es de las pocas bandas que sigue la línea del arte de grupos de rock como Duran Duran, The Beatles, The Rolling Stones, The Who, Roxy Music, Sex Pistols, Wire, Travis y Blur. -En cada presentación promete grandes espectáculos. -Continúa con la cadena de los grandes conciertos de este 2014.
THE
CUPCAKE PROJECT
Hace no mucho se dio un extraño boom de los cupcakes. En la mayoría de las celebraciones o reuniones, uno podía encontrar este singular postre. Había, por supuesto, de todos los colores, sabores y sobretodo formas, algunos hasta simulaban personajes de caricaturas, iconos culturales o personalidades de la farándula aunque al final el sabor se sacrificaba significativamente. Hoy parece que aquella euforia ha disminuido, aunque para muchos, los que anteponen sabor ante todo, los cupcakes siguen siendo sagrados, y es aquí donde los verdaderos artesanos de estos pastelillos buscan complacer a sus exigentes clientes. Justamente aquí es donde The Cupcake Project encuentra su lugar. Ubicado en el corazón de Polanco, este pequeño pero acogedor lugar ofrece varias de las mejores opciones de sabor e ingredientes en cuanto a cupcakes en el DF se refiere. Entre sus opciones se encuentran unos deliciosos Muffins de plátano, manzana con canela y chocolate, pero sin duda la especialidad son los cupcakes, entre los que podemos encontrar de cookies & cream, zanahoria, plátano con chocolate y zanahoria, opciones disponibles todos los días,
Por: Alejandro Altamirano
pero además, The Cupcake Project cuenta con sabores especiales dependiendo el día y así es como podemos encontrar tesoros culinarios de sabor té Chai, chocolate con Nutella, cherry mocha y los de temporada como el Christmas Red Velvet. No duden ni un momento en visitar a The Cupcake Project, quienes además escuchamos por ahí están pensando en abrir otra sucursal, ojalá sea cierto. Dónde: Horacio 522 local A, entrada por Lamartine, Col. Polanco, 11560 México, D. F. Facebook: thecupcakeproject Twitter: @cupcake_project Pedidos: 01 55 5203 8857
Sigue a un
Por: Zissou
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Candice Swanepoel, Kate Winslet, Kim Basinger, Jennifer Lopez, Naomi Campbell, Christina Aguilera, Cameron Diaz, Elizabeth Hurley, Janet Jackson, Nicole Kidman, Britney Spears, Keira Knightley, Lindsay Lohan, Madonna, Kate Moss, Gwyneth Paltrow, Julia Roberts, Meg Ryan, Robert Downey Jr. y Catherine Zeta-Jones. Patrick Dempsey y Emma Watson, y en su cuenta oficial de Instagram constantemente comparte parte de su trabajo actual.
MARIO
TESTINO Mario Testino es un reconocido fotográfo de moda peruano con residencia en Londres, lugar donde aprendió de fotografía y comenzó a hacer sus primeros trabajos dentro de la industria. Cuenta con más de 35 años de expriencia y ha trabajado para las publicaciones más prestigiosas de moda a nivel mundial como Vogue o Vanity Fair. En su carrera ha publicado diez libros especializados en fotografía de moda, siendo el último, el dedicado especialmente a la modelo Kate Moss. Bajo su lente ha desfilado personalidades como Taylor Swift, Lady Gaga, Rihanna, Miley Cyrus, Gisele Bündchen, Coco Rocha,
Si ustedes son amantes de la moda y fotografía, no duden en seguir la cuenta de Mario Testino y seguir paso a paso el trabajo de uno de los más grandes de la industria. Encuéntralo en Instagram así:
@mariotestino
Little
Jesus
En nuestro numero pasado platicamos con Santiago Casillas, vocalista y líder de Little Jesus, banda que se estará presentando en el Festival Vive Latino 2014, y que cuenta con varias nominaciones de los premios IMAS, incluyendo mejor banda del año y artista nuevo. Santiago se dio a la tarea de compartir este pequeño playlist de 5 canciones que estuvo escuchando durante el año pasado y que lo acompañaron durante la trayectoria de Little Jesus.
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PLAY PLAY PLAY
Jesse and forever – Bubbles MGMT – Mystery Disease Strfkr – Say To You Sinkane – Jeeper Creeper Onda Vaga – Rendición Recuerden que pueden escuchar este y otros playlist en
www.revistafreim.com