Freim #05 - La Realeza by Revista Freim

DIRECTORIO

“Bigger Than Us”

Director General: Fabián Zugaide / @fabozugaide Editor en Jefe: Alejandro Altamirano / @al__e

Alejandro Altamirano

-CONSEJO EDITORIAL-

De nueva cuenta sean ustedes bienvenidos a un nuevo número de Freim. Como ya habrán podido notar, una vez más hemos cambiado nuestro formato físico, lo que representa para nosotros un nuevo logro en la constante evolución de esta publicación, que ha buscado siempre ofrecerles lo mejor.

Ricardo Pineda / @RAikA83 Claudia González / @clopekas Jerónimo Luna / @jlhmomo

-CUENTAS Y RPElena Carlin | elenacarlin@revistafreim.com

No hay duda que dicha evolución es para nosotros un motivo más para celebrar, y si hablamos de celebraciones no podíamos dejar pasar el hecho de que una de las máximas figuras de la cultura pop mexicana cumple 65 años, nos referimos nada más y nada menos que al “Príncipe de la Canción”, José José.

-COLABORADORESIvonne Mota, Iván Altamirano, J. Ismael Canales, Lalo Martínez, Alfonso González, Denise Ascencio, Alejandra Arteaga, Rafael Paz, Marlon Luna Burgos, JJ Negrete, Arturo Ceballos Alarcón y Mariana Mier.

Colgándonos de dicho nombramiento, o mejor dicho apodo, decidimos buscar a “Su Majestad Imperial”, Silverio, para que nos platicara como le ha ido con su disco más reciente, “Naylons”.

Diseño Editorial y Gráfico: Freim! Publicidad y Marketing en colaboración con Jessica Pérez.. Fotografía de portada: Fabián Zugaide.

En cine, también repasaremos la incursión del “Príncipe” en dicho género, además, como no lo podíamos dejar pasar, hablaremos del Festival Internacional de Cine de Morelia y porqué es considerado el más grande de México.

www.revistafreim.com Escríbenos a administracion@revistafreim.com

Como ya es una costumbre, les tenemos algunas recomendaciones de actividades o lugares a los que pueden ir a pasar un excelente rato. Está la exposición más reciente sobre la pintora Remedios Varo, el Festival Ceremonia y un par de cosas más.

Revista Freim es una publicación con una periodicidad de cada 6 semanas, editada, publicada e impresa por Freim Publicidad y Marketing. Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título No. 04 -2013 – 051414374500 - 102. Certificado de licitud de contenido en trámite. Domicilio de la publicación: Tonalá #183 Piso 1. Col. Roma C.P. 06700 Del. Cuauhtémoc, México D.F.

Por último, también podrán disfrutar de nuestras secciones habituales y algunas sorpresas que tendrán que descubrir por ustedes mismos.

La información y contenido de los artículos son responsabilidad de los autores. Se permite la reproducción parcial de los materiales siempre y cuando se cite la fuente. El material utilizado, así como las marcas y logotipos son propiedad de sus respectivos fabricantes.

Gracias por seguir con nosotros y crecer a nuestro lado.

AÑO 4 No. 05, SEPTIEMBRE 2013, EJEMPLAR GRATUITO.

Estamos con...

¿Quién? Pearl Jam |

¿Por qué? Pearl Jam momento de su carrera en d mucho tiempo para compone disco de un grupo de este ca su décimo disco de estudio q presentó junto con el video d agresivo, duro y hasta rejuven vidual les han refrescado las i de vuelta como grupo cargan preventa “Lightning Bolt”. Imp

Por: Jerónimo Luna / retro a: jeronimo@revistafreim.com

¿Quién? Moby | ¿Con cuál? “In ¿Por qué?

Después de pasar 18 meses encerrado en el estudio de su casa Melville Hall, mejor conocido como Moby, nos presenta mediante un extraño y disponible a partir del primero de octubre en las tiendas digitales. Contrario a intimidad de su casa, el álbum cuenta con varias colaboraciones, empezando por Ma Depeche Mode, Muse, entre otros) y colaboraciones vocales de Wayne Coyne (The Inyang Bassey (quien ya había estado de gira con Moby), así como Cold Specs que “A Case For Shame”, en el cual mantiene la misma estética e imágenes del video d observado por extraños personajes enmascarados que, además, aparecen en la port son los downtempos a los que últimamente nos tiene acostumbrados así como solas el oído. Cabe mencionar que todas las fotografías que acompañan el arte del di la gira de promoción para “Innocents” solo constará de tres fechas en un teatro de L en bicicleta a los conc

Estamos con...

| ¿Con cuál? “Lightning Bolt” | ¿Para cuándo? 15 Octubre.

es una de esas bandas que después de haber sobrevivido a su propio éxito, se encuentra en un donde no hay prisas ni presiones. Su anterior material “Backspacer” salió en 2009, así que han tenido er, escribir, musicalizar, grabar, mezclar y hacer con calma todos los pasos que se requieren para el alibre. De la mano de su inseparable productor Brendan O’brien, Pearl Jam nos trae “Lightning Bolt”, que fue anunciado tras una intrigante y desesperante cuenta regresiva en su sitio web oficial y que se de “Mind Your Manners”, primer sencillo de este nuevo material y en el que se escucha un Pearl Jam necido. Tal parece que los distintos proyectos en los que se han involucrado cada uno de manera indiideas y los ha llenado de energía. Con tracks más largos y profundos, Eddie Vedder y compañía están ndo con ellos, disco, gira, app y hasta una página exclusiva en Itunes en donde ya se puede ordenar en perdible si aun guardas tus camisas de franela y tus Dr. Martens en el ropero.

nnocents” | ¿Para cuándo? 01 Octubre.

a en Los Ángeles, trabajando en su próximo álbum, Richard húmedo video su disco llamado “Innocents”, el cual estará a lo que pensaríamos de este disco por estar grabado en la ark Stent en la producción (ha trabajado con Björk, Keane, e Flaming Lips) Mark Lenagan, Damien Jurado, Skylar Grey, e además aparece en el video del primer sencillo del disco de presentación, con un Moby que flota en agua, rodeado y tada del disco. Otra cosa que también mantiene el sencillo la inclusión de potentes voces femeninas que llenan por si isco fueron hechas por el mismo Moby. Imperdible porque Los Ángeles cercano a la casa de Moby ya que quiere llegar ciertos, así que si no eres su vecino, mejor ve por tu copia.

Al Tanto...

Un Lustro sin la maestra Remedios Varo “La finalidad de los surrealistas es extra literaria e intenta nada más que liberar al hombre de las cadenas de una civilización demasiado utilitaria.”

Por: Alfonso González E.

Son ya 50 años sin María de los Remedios Alicia Rodriga Varo y Uranga, mejor conocida como: Remedios Varo. Mujer romántica, pasional, auténtica pintora surrealista. Nacida el 16 de diciembre de 1908 en Gerona, España, Remedios se inicia en el círculo surrealista de André Breton, gracias al pintor Esteban Francés, en el año de 1935. Cuando Varo se identifica con el movimiento surrealista, se integra al grupo Logicofobista, el cual pretendía representar los estados internos del alma, usando formas sensuales de tales estados. Surrealismo puro. En 1941 después de abandonar Francia, la maestra emigra a México; país que gracias al gobierno de esos años les brindaba hospitalidad a refugiados políticos, los cuales eran velozmente naturalizados y autorizados a desarrollar alguna actividad laboral. Remedios Varo, tuvo intervenciones en otros ámbitos además de la pintura artística. Ella se desempeño laboralmente, decorando a mano muebles e instrumentos musicales. Diseñando vestuario para producciones teatrales, ilustró literatura promocional de la empresa farmacéutica Bayer; también trabajó con la oficina de propaganda antifascista, haciendo dioramas y pequeños escenarios para ilustrar las victorias aliadas de guerra. Su carácter y fortaleza femenina se muestran no sólo en su actitud laboral y artística. En 1942 escribe Lady Milagra, una corta historia sobre el tema de la capacidad mágica de la mujer, y en 1958 participa en el Primer Salón de Arte de la Mujer en las Galerías Excelsior de México, al lado de nada más y nada menos que: Leonora Carrington, Alice Rahon, Bridget Tichenor, y otras pintoras. Durante su estancia en México, la pintora conoció personalmente a artistas como Frida Kahlo y Diego Rivera, aunque estableció nexos de amistad más fuertes con otros intelectuales en el exilio, en especial con Leonora Carrington. Finalmente en 1963 pinta su último cuadro, Still Life Reviving. Muere en la Ciudad de México, el martes el 8 de octubre, de un paro cardíaco, ocasionado quizá por una constante tensión en exce-

so y una fuerte adicción a los cigarros, justo cuando se encontraba en su mejor momento artístico.

“La Dimensión Del Pensamiento”, imperdible exposición-homenaje a Remedios Varo, precisamente expone 39 trabajos en los cuales se pueden apreciar, todos estos simbolismos y personajes místicos solitarios, que parecen participar en una especie de actividades tecnológicas o científicas que trasgreden el ojo y la razón de quien los observa. Al ver el arte de Remedios se vibran elementos que te envuelven en una atmosfera de sueños, espiritualidad, esoterismo y ciencia. Como bien apunta Duplessis Yvonne: “La finalidad de los surrealistas es extra literaria e intenta nada más que liberar al hombre de las cadenas de una civilización demasiado utilitaria. Para sacudir a la humanidad de su apatía era necesario –dicen- insistir en cuanto pudiera arrancarla de sus carriles, volverse deliberadamente de espaldas a la inteligencia y pulsar allá donde las fuerzas, vitales del ser yacen ocultas” Remedios Varo sin duda logra alcanzar este estado de libertad al plasmarlo en su arte.Y no es casualidad que el MAM rinda el homenaje: “La Dimensión del pensamiento”, conmemorando el 50 aniversario luctuoso de la artista. Si es preciso desprenderse de ese camino angosto y recto de la razón para adentrarse en los escenarios fantásticos de la gran Remedios Varo, esta exposición, es sin duda la mejor propuesta.

La Dimensión Del Pensamiento En el marco del 50 aniversario luctuoso de la pintora, a partir del 14 de agosto, el Museo de Arte Moderno exhibe la exposición “La Dimensión Del Pensamiento”, dedicada a los escritores preferidos de la artista, entre los que podemos encontrar a André Breton, Jean Paul Sartre, Herman Hesse, entre otros. Además se muestran 39 piezas acompañadas de libros y textos literarios que influyeron en su obra. Dichas obras fueron recabadas y donadas por Walter Gruen, última pareja de la pintora, y el eje es la literatura e ideas sobre el esoterismo que alimentaron el pensamiento de Varo. Remedios se esforzó siempre para combinar lo mítico con lo científico, lo sagrado con lo profano y los estudios de metafísica. Su motivación fueron también la física, las matemáticas, la ingeniería, la biología, así como su acercamiento con la psicología de Carl Jung y Sigmund Freud. En sus obras se ven reflejadas las horas en que invirtió en estudios de textos como alquimia, geometría sagrada y el I Ching. Exploró las ideas de: Gurdjieff, Ouspensky, Blavatsky, Meister Eckhart, los sufíes, y las leyendas del Santo Grial. 9

Al Tanto...

Por: JJ Negrete | Foto cortesía Festival Internacional de Cine de Morelia.

El Caluroso

Monarca: Festival Internacional

de Cine

Morelia

Existe una gran y diversa cantidad de festivales que se llevan a cabo en México, fiestas cinéfilas que buscan la difusión de la mejor oferta cinematográfica mundial, proporcionando nichos de los cuales se busca calmar la insaciable sed por curiosidades, joyas ocultas, transgresiones, subversiones, exuberantes espectáculos o la estoica calma contemplativa. Se recurre a historias reales, ficticias, increíbles, austeras, confusas, irreverentes, proverbiales, sardónicas, impresionistas, verité, pornográficas, sutiles, conmovedoras o sucias. Esta búsqueda debiera encontrar armonioso balance en una fiesta de dimensiones épicas que tenga tal consideración por el cine en toda su polifacética versatilidad.

Afortunadamente contamos con festivales tan eclécticos y con una programación de comprehensiva hondura como la casi ficticia realidad que ofrece a caudales Ambulante, la belleza salvaje de una bestia como el FICUNAM o la suntuosa celebración de la industria en festivales como el de Guanajuato. Pero el tan acariciado balance entre ingenua frescura e indulgente rigor, férrea disciplina y juego artístico, sin duda encuentra su nicho en la capital del estado de Michoacán, específicamente en el Festival Internacional de Cine de Morelia, que desde su primera edición en 2002 ha construido un sólido punto de encuentro, en el que emprenden frenética danza la bohemia cinéfila y el docto negocio peliculero. El equipo de programadores, comandado por la prestigiosa crítica Daniela Michel, nutre un programa en el que las nuevas tendencias del cine mexicano siempre encuentran cabida. La selección oficial del FICM estrena pomposamente lo mejor de la producción nacional, al tiempo que muestra una considerable cantidad de cortometrajes de factura nacional, una fértil programación de documental (género que goza de amplia popularidad para hacerse en México) y la selección de trabajos michoacanos. En Morelia, el cine de casa se mide con los visionarios consagrados a nivel internacional. Con una programación que se esfuerza en traer los highlights de los festivales más importantes de la industria, conformado por la tercia BerlínCannes-Venecia (este último a punto de ser desbancado por el cada vez más titánico Festival de Cine de Toronto), Morelia rara vez decepciona con su selección de cintas de calibre, no sólo por su tamaño, sino también por su calidad. El año pasado solamente vio el estreno nacional de cintas

tan anticipadas como The Master de Paul Thomas Anderson, Post Tenebras Lux de Carlos Reygadas y como cada año, la ganadora de la Palma de Oro, que en ese caso fue Amour de Michael Haneke. También en Morelia se puede ver toda la selección de la prestigiosa Semana de la Crítica en Cannes (que de acuerdo a algunas voces opositoras, cada vez se aparta más de su misión original), así como el ciclo, sugerido por el director francés Bertrand Tavernier en una visita al Festival, de México visto por el cine mundial, que el año pasado vio parte de la vigorosa filmografía del cineasta norteamericano Sam Peckinpah conformar su selección. Están los filmes, pero también están los cineastas. El calor y la intimidad que se generan en las pequeñas calles de Morelia, donde uno puede ver con facilidad a críticos, audiencia, estrellas y cineastas pasearse con relativa tranquilidad, estas son hordas hechas por figuras como Bela Tarr, Quentin Tarantino, Abbas Kiarostami, Todd Haynes, Alfonso Cuarón, Guillermo del Toro o Werner Herzog, quienes comparten con el público el proceso creativo que los ha llevado a lugares difícilmente imaginados.

Al Tanto...

y Lea Seydoux), Inside Llewyn Davies de los Hermanos Cohen,Venus in Fur de Roman Polanski, La Danza de la Realidad de Alejandro Jodorowski, Les Salauds de Claire Denis, Like Father, like son de Hirozaku Kore Eda o Camille Claudel 1915 de Bruno Dumont.

Las master classes, conferencias, talleres, ruedas de prensa, presentaciones de libro y demás no se hallan relegadas a la periferia como podría pasar en cualquier otro lugar, sino que se insertan orgánicamente en el desarrollo del Festival. Por otro lado, los vericuetos del negocio también tienen un papel central en el desarrollo del Festival. Supuestos casos de lobbysmo, arreglos cuestionables, nepotismos, favoritismos, decisiones controversiales, manejos ocultos y voces que critican la “libertad” del festival se han dejado escuchar desde distintos rincones, tanto dentro del medio como fuera de él, cuestionamientos a los que cualquier festival podría verse sometido. Quizá voces que buscan denostar la participación de la cadena de exhibición Cinépolis, que ha visto un desempeño satisfactorio para los números bajo el liderazgo de Alejandro Ramírez, quien además funge como presidente del Festival. Este año, la programación se apetece tan extensa y ecléctica como lo es cada año. En este momento sólo podemos especular pero es probable que en octubre próximo estemos disfrutando de cintas como La Vie d´Adele de Abdellatif Kechiche, cinta que se colgó la Palma de Oro junto a sus dos hermosísimas protagonistas (Adele Exarchopoulos 11

Una ciudad que constantemente se ve flanqueada por la inseguridad y el pánico generado por la violencia que, paradójicamente, puede encontrar un necesario oasis de oxígeno en un espacio cerrado. Morelia nos ofrece lo mejor de su cultura a quienes se dan el tiempo de ver la historia o no historia que sucede fuera de la sala de cine, un escapismo puro que, bien aprovechado, puede enriquecer con facilidad los sentidos y estimular la acción. Afortunadamente para nosotros, la audiencia, la relevancia recae en lo que vemos en la pantalla, el febril espectáculo que abarca desde el incauto hasta el más sofisticado paladar en el que año con año se dan cita un cada vez mayor número de espectadores procedentes de toda la república para celebrar el oscuro ritual escoptofílico, aquello que llamamos “ver una película en el cine”. Honremos el ritual, en toda su majestuosa opulencia, contemplando la enorme muralla blanca.

Al Tanto...

Del Mito Mediático a Las Páginas Con Sustancia: Diez Años Sin Bolaño

Por: Ricardo Pineda.

“Bolaño es como el rock and roll, al lector le da una sensación de revolución, de energía sexual, de pecado floreciente”. Patti Smith

Y entonces, sucedió el fenómeno. Tras su fallecimiento el 15 de julio de 2003, el mito del escritor Roberto Bolaño como fenómeno literario comenzó a ocurrir como una avalancha, la editorial española Anagrama hizo de la obra del chileno una de las cartas fuertes de su catálogo, todos empezamos a leer Los Detectives Salvajes y el éxito mediático estalló como una suerte de Cortázar del Siglo XXI, convirtiendo la narrativa del escritor en lectura imprescindible y un referente de la literatura universal que sigue avanzando. Para los fans más aguerridos de la obra del autor de las novelas Nocturno de Chile (2000) y la póstuma 2666 (2004), el éxito mediático que ha recibido el chileno genera la misma aversión que genera la sobreexposición del japonés Haruki Murakami, una suerte de escozor que acompaña a los autores que se ponen de moda. En tanto, para los puristas y exquisitos literarios, Los Detectives Salvajes es una obra sobrevalorada, que no merece ser equiparada con la poderosa Rayuela de Julio Cortázar y también se cuentan a carretadas los detractores de la pluma del autor de Las Putas Asesinas (2001). Sin embargo, más allá de fanatismos y críticas severas, lo cierto es que bien dicen que cuando el río suena es

Al Tanto... porque agua lleva. La obra de Roberto Bolaño no sólo es importante por su tino y estilo, nutrido, contundente y siempre vivaz. Si algo hay que hacer notar en la extensa gama de escritos que dejó el escritor chileno es la constancia y el trabajo, siempre meticuloso y comprometido consigo mismo, el corpus literario de Bolaño conlleva en sus lógicas más intrínsecas la impronta de alguien que no hacia otra cosa sino seguir escribiendo, depurar un estilo y dar un paso siempre adelante en la refinación de sus formas. El autor Difícil tarea es la de disociar la vida de Roberto Bolaño de su obra, quizá sea por eso que Los Detectives Salvajes es la novela que mejor define y que siempre se recomienda como primera opción para entrar de lleno al estilo del autor de Entre Paréntesis (2004). Hijo de un boxeador y camionero, Roberto Bolaño se muda a México en 1968, en plena efervescencia social, derivado de los constantes conflictos al interior del seno familiar, época y lugar que serán cruciales no sólo para el estilo y forma que daría pauta a Los Detectives Salvajes, sino que marcaría profundamente a Bolaño para el resto de su carrera. Para 1975, tras un breve regreso a Chile, Bolaño y 18 poetas más dan inicio al movimiento poético del Infrarrealismo en México, donde también figuraron artistas de la talla de Mario Santiago y José Vicente Anaya. Posteriormente, Bolaño se muda a España, país que lo acogería y sería algo así como su segunda o tercera patria, como se le quiera ver, hasta el día de su fallecimiento derivada de una insuficiencia hepática. Tras el nacimiento del primero de dos hijos, Lautaro, en 1990, Bolaño deja descansar la poesía para dar rienda suelta a la narrativa, forma literaria que lo catapultaría en los círculos literarios de habla hispana, mismos que comenzarían a hablar de él a partir de 1998. De personalidad sosegada, tímida y más bien de perfil discreto, Bolaño generó una fama entre sus cercanos, por ser una personalidad poética en sí misma, afable y amigable, que no fue elemento para ir casi siempre a la contra de sus círculos de comodidad, siempre críticos e incisivos. Su obra Se dice con frecuencia que Los Detectives Salvajes 13

es una de las novelas que mejor retratan la ciudad de México, cosa que genera mueca en muchos detractores que se niegan a aceptar que un chileno defina mejor a su país que ellos mismos. La novela, con coqueteos siempre autobiográficos y humanamente cercanos al mexicano capitalino, narra las aventuras y desventuras de un grupo de poetas que viven poéticamente, que se reúnen en torno a la poesía, pero que irónicamente no escriben poesía. El texto es célebre también porque guarda fiel testimonio de una escena literaria mexicana en ciernes, que comenzaba a dejar ver sus mafias y colmillos, tan comunes ya hoy en día. Las referencias a personajes culturales casi intocables como Octavio Paz y Carlos Monsiváis son simplemente entrañables, muy certeras y críticas. De antología. Difícilmente encontraremos una obra tan sólida y contundente del estilo Bolaño, como lo es Los Detectives Salvajes, sin embargo, detrás de la extensa obra del chileno hay joyas que no se deben dejar pasar, como la ya mencionada y extensa 2666, Nocturno de Chile, Una Novela Lumpen (2002) y el fabuloso compendio de ensayos Entre Paréntesis. Si se quiere encontrar un lugar cercano, afable, visceral y terrenalmente fascinante, la obra de Roberto Bolaño es el sitio idóneo, uno donde la sencillez (que no simpleza) y el músculo narrativo de prosa fluida son sinónimos de calidad y aprendizaje de vida. Putas, bares, amores, desencuentros y nostalgias a cuestas son algunos de sus elementos más efectivos, mismos que nos invitan a seguir leyendo una página más dentro de un mundo digital, en donde el papel parece relegado a un tiempo de vida contado. A diez años de su fallecimiento, la obra de Roberto Bolaño parece que apenas agarra vuelo para estar en los ‘grandes anaqueles’ de la literatura universal (cualquier cosa que eso signifique). Más allá de si su literatura es sólida y vale la pena en su totalidad o no, más allá de cualquier fan ciego de moda o detractor amargado, la literatura de Roberto Bolaño será lectura obligada para el hispanoparlante contemporáneo, literatura que tiene carnita, de esa que hipnotiza por su cercanía y sustancia. Buen viaje a los lectores de Bolaño y larga vida a su obra.

Sonó en freim...

White Lies “Big Tv” Por: Lalo Martínez.

Para sorpresa de varios, el tercer disco de la banda londinense White Lies, nombrado “Big TV”, resulto ser la placa más sentimental de todos sus trabajos anteriores, realizando una leve renovación en su sonido sin perder el estilo característico de la banda. Letras entonadas por el vocalista Harry McVeigh, otorgan el elemento clave aunado a los sonidos pegajosos y que provocan mover alguna parte del cuerpo al ritmo que nos marca. Sin duda, el trabajo discográfico que llevará al grupo a los grandes escenarios del mundo para demostrar esa madurez que han conseguido musicalmente hablando. Realizado por el famoso productor Ed Buller, con quien trabajaron en su disco anterior, “To Lose My Life”, el grupo trata de seguir con la esencia de su música pero al mismo tiempo llega a nuevos niveles. Comenzamos con la canción que le otorga el nombre a esta placa, con bases rítmicas de sus pasadas discografías, sonidos que nos llevan a la vieja escuela del rock, el uso de sintetizadores y el marcado ritmo que dejan las baterías son la formula usada en la mayoría de las canciones, y que es claramente escuchado en este primer track. ‘There Goes Our Love Again’, es una de las pegajosas, acompañada de grandes coros, y donde se demuestra el gran poder vocal que tiene MCveigh, para expresar y mostrar el sentimiento de la can-

ción. ‘Space I’ y ‘Space II’, sirven como preludios que nos preparan para la mitad y cierre del material. Continuamos con ‘First Time Caller’ y ‘Mother Tongue’, tal vez canciones que podrán pasar desapercibidas para algunos, pero tampoco hay que marcarlas como los peores tracks. ‘Getting Even’, primer sencillo que la banda mostró y ‘Be Your Man’ dan la sensación de estar escuchando alguna canción realizada en los ochenta, ritmos pegajosos y sintetizadores muy marcados. La canción que tal vez rompa con el estilo del disco es ‘Change’, una combinación entre balada y un pop dulce y agradable, en la que la voz se vuelve la protagonista, otorgando emoción y esa sensación de romanticismo en su máxima expresión. Terminamos con tres canciones, ‘Tricky To Love’, ‘Heaven Wait’ y ‘Goldmine’, las cuales bien podrían servir como himnos de guerra y amor. Tal vez este tercer disco de White Lies no sea uno de los más sobresalientes del año, pero si el mejor y más simbólico para la banda. “Big TV” es la mezcla y el equilibrio perfecto entre amor y rock. Sin ningún problema, varios de sus temas serán coreados y ovacionados en los escenarios más importantes de todo el mundo, incluyendo claro, la próxima edición del Festival Corona Capital.

Sonó en freim...

Babyshambles “Sequel To The Prequel” Por: J. Ismael Canales.

Si ustedes rozan los 30 años de edad, sabrán lo que se siente dejar los veinte. Dejar toda esa energía, todos esos deseos de poder comerte el mundo, toda esa impulsividad propia de la juventud y se habrán convertido en alguien mucho más calculador, más racional y más responsable…. Pues justamente esto le pasó a Pete Doherty y sus muchachos. Babyshambles nos traen una nueva placa, alejada de los temas energéticos de sus anteriores discos. La voz de Pete ya no se desgarra en las canciones, los riffs rápidos y las baterías furiosas han sido cambiadas por tiempos más lentos, melodías bien elaboradas (así, a secas) y buenos arreglos, que nos remiten al sonido clásico del BritPop. ‘Fireman’ inicia el álbum y nos remite a esos Babyshambles debutantes de hace ocho años, esos que hicieron de ‘Killamangiro’ y ‘Fuck Forever’ un par de himnos en el lejano 2005. El segundo tema, ‘Nothing Comes To Nothing’, tiene toda la esencia del brit de los noventa, una mezcla entre Oasis y Travis con la característica voz de Doherty, pero fuera de eso no tiene nada innovador, es la fórmula que los británicos ya tienen ensayada cuando quieren hacer una buena rola, a secas, son 3 minutos con 12 segundos de esencia británica estándar. Dejando a un lado este par de temas, la primera mitad del disco suena a la parte tranquila de los Babyshambles, esa faceta que conocimos en temas como ‘Unstookie Titled’ y ‘Albion’ (y en ocasiones suena hasta monótono). La segunda parte del álbum es la mejor, desde ‘Sequel To The Precuel’, tema que tiene todos

los elementos de los “rockcillos” clásicos de los 60’s, luego viene ‘Dr. No’, cuya línea de bajo es un jazzeado muy interesante que junto con las armonías vocales repitiendo el título de la canción nos llevan a una escena de película antigua. ‘Penguins’ es un tema que va creciendo poco a poco, añadiendo a una balada lenta guitarras distorsionadas y coros, convirtiéndola en una de las mejores canciones del álbum. Los violines que acompañan de fondo a ‘Picture Me In A Hospital’ y las guitarras acústicas le dan un toque campirano/ country a este tema, algo nuevo en los británicos. ‘Seven Shades Of Nothing’ es de nuevo uno de esos temas “genéricos” de los Babyshambles, usan la fórmula que ya conocen y dominan. En cambio el tema que cierra el álbum, ‘Minefield’, es una canción oscura con una guitara fría y un acompañamiento al estilo de Nick Cave, un tema que nos muestra que estos muchachos ya no son unos veinteañeros… Lo malo de llegar a los treinta es que en ocasiones no sabes cómo tomarlos, puedes ser esa persona madura, reflexiva, metódica, perfeccionista o puedes caer en la paranoia y sentirte sin fuerzas, cansado, tedioso y aburrido, como un anciano. Eso es lo que pasa con este disco, a pesar de tener buenos chispazos y momentos, principalmente en la segunda parte, “Sequel To The Prequel” no es un álbum que nos demuestre el nuevo camino de Doherty y compañía, tampoco es el gran regreso que todos esperábamos después de 6 años, más bien es un disco que deja más dudas que aciertos, ¿Será que Babyshambles ya se están volviendo viejos?

Estuvimos en...

Festival Antes

Texto: Denise Ascencio | Foto: (Nazareno el Violento) Mariana Mier.

Salón Los Ángeles Agosto 03

El pasado 3 de agosto se dieron cita en El Salón de los Ángeles cientos de almas dispuestas a nutrir sus mentes y oídos de la mezcla de ritmos de una amplia gama de propuestas, dando como resultado la fusión de nuevos talentos nacionales con un público entregado en fuerzas y tiempo. La intriga y expectación fue saciada por presentaciones cargadas de energía que robaban miradas y generaban aplausos: Los Blenders,WYNO, Los Esquizitos, Dani Shivers, Los Macuanos fueron algunas de las bandas de un cartel repleto de talento, donde todas y cada una de ellas se encargaron de hacer constatar junto con la audiencia presente, que la vida consiste en perseverar y arriesgarse, por que el ser humano es realmente autentico y por lo tanto libre, cuando crea y comparte a través del arte. Sin duda alguna la segunda edición del Festival Antes De Que Nos Olviden perdurará en la memoria, en la anécdota de boca en boca, en las marcas de un cuerpo cansado y satisfecho, pero sobre todo perdurará en el recuerdo de un tiempo pasado, donde el silencio fue remplazado por sonidos emergentes en un mar de ambiciones independientes.

Estuvimos en...

Texto y Foto: Fabián Zugaide.

Mala Rodríguez El Plaza Condesa Agosto 29

Acompañada del Dj Jeckey, La Mala nos compartió su potente voz y esa capacidad que tiene de rimar sus letras entre varios estilos musicales durante casi dos horas de concierto, repasando cada uno de sus éxitos hasta llegar a su más reciente producción “Bruja”, el cual presentó con un set poderoso, enérgico y sobre todo impecable, dejando bien clara su posición como una de las representantes más importantes del hip hop de habla hispana.

Estuvimos en... Texto: Ivonne Mota | Foto: Fabián Zugaide.

Peter Murphy Teatro Metropólitan Agosto 08

Fueron casi dos horas las que disfrutamos de música y ambiente gótico quienes estuvimos presentes en el regreso de Bauhaus, con un lleno total en el Teatro Metropólitan de la Ciudad de México. La asistencia al concierto de una de las bandas dedicada a un género clásico y puro, aquella noche del 8 de agosto de 2013 fue de carácter obligatorio. Moicanas pelirojas, botas acharoladas, medias rotas, uñas negras, labios carmín y góticos de todas las edades, chocaron sus manos una y otra vez para dedicar un aplauso eterno al poeta nocturno Peter Murphy. La old school gótica se hizo presente, coros unificados cantando “The Passion Of Lovers”, airados con el aleteo de “Bela Lugosi´s Dead” y la presencia de una delineada silueta pálida, vestida de traje negro nos hipnotizaba con su buen español “Gracias México” al compás del clásico “Cuts You Up”.

Repisa...

ofia Coppola es la retratista de lo ostentoso. Desde pequeña, la cineasta estuvo en contacto con la fama y el glamour en torno al cine: protagonizó la tercera parte de la famosa película”El Padrino,” dirigida por su padre Francis Ford, fue diseñadora de vestuario para el director Lucas Reiner, es prima de Nicolas Cage y se convirtió en la esposa del realizador Spike Jonze. Su cercanía con la crème de la crème de la industria cinematográfica es una de las razones por las que Coppola escogió a la vida opulenta y el retrato de personajes turbulentos como tema principal para toda su obra cinematográfica. En su primer largometraje, “Las Vírgenes Suicidas” (1999), Coppola muestra el estilo que la definirá como cineasta: tomas pausadas, personajes solitarios que enfrentan crisis existenciales, y el minuciosamente bello retrato de sus mundos. El filme es una adaptación de la novela de Jeffrey Eugenides sobre las cinco hermanas Lisbon, quienes atrapadas por la rutina y la sobreprotección de sus padres deciden perder la vida antes que seguir viviéndola en el encierro.

Por: Alejandra Arteaga

Coppola se toma su tiempo para retratar el mundo de las hermanas suicidas de Detriot. En su opera prima, la directora delinea poco a poco la soledad de cinco adolescentes con una mirada contemplativa a sus hábitos, las pequeñas distracciones que las mantienen vivas y que muestran sus intereses y dudas sobre el mundo. Para el filme, ambientado en los años 70, Coppola confeccionó perfectamente un soundtrack antaño, popero, beatlesco y rompecorazones, que además complementó con el OST que los franceses Air le hicieron y cuya gran aportación es el maravilloso track ‘Playground Love’, del que aprendimos que un sonido básico, ambientado con un toque electrónico y una letra poderosa es una combinación ganadora. Mientras las chicas Lisbon reflexionan sobre su vida asfixiante poderosos tracks como ‘By The Horizon’ o ‘The Good in Everyone’ de los olvidados canadienses Sloan llenan el ambiente de un pop muy al estilo beatlesco. Además de los talentosos solistas del irlandés Gilbert O’Sullivan, con ‘Alone Again’ (Naturally), el poderoso mood R&B de Al Green o la rompedora ‘So Far Away’, de Carole King, una poderosa neoyorkina sesentera que Amy Winehouse regresó a la escena con el cover que le hizo a su ‘Will You Still Love Me Tomorrow’. Coppola llega a la fama con su multipremiada “Per22didos en Tokio” (2003), ganadora del Oscar al me-

Repisa...

jor guión y catalogada una de las mejores películas por el New York Times, en la que la cineasta dirige con elegancia a Scarlett Johansson y a Bill Murray a través de una historia llena de soledad y turbulencia existencial al paso que dos personajes conflictuados se encuentran, uno a través del otro, frente ese cambio que necesitan sus rutinarias vidas.

za, fue el cuadro perfecto para que Coppola dibujara un lienzo de tonos pastel en el que retrata con fidelidad su gusto por lo ostentoso.

María Antonieta es una cumbre estética en la que se unen las frivolidades en la vida de la realeza, los adornos brillantes y pulcros, los paisajes por demás pintorescos para formar un retrato clásico -en el sentido más literal de la palabra- de las costumbres sociales de la clase más elitista existente. Al mismo tiempo, el escenario esteta no palidece al lado de la trama, en la que una mujer descubre y comprende la soledad en la vida que le tocó vivir.

La cineasta ha logrado en este punto manejar con facilidad la cámara para retratar, y no sólo para narrar, las historias que cuenta. La diferencia es que al construir con detalle el mundo en el que están inmersos sus personajes hace posible que el espectador sienta lo que el protagonista está viviendo. Su cine, debido a esos largos y pausados mapeos del interior, tiene características más europeas que estadounidenses, pues las producciones gringas prefieren dar mayor peso a la acción en la historia que a su valor estético, contemplativo e incluso humano. En una de las escenas más icónicas de “Perdidos en Tokio”, Scarlett Johansson usa una pequeña peluca rosada mientras canta ‘Brass in Pocket’ de The Pretenders en un pequeño karaoke de paredes azules en la agitada ciudad de Tokio. El contraste de colores, la sensualidad de Scarlett, la fuerza de la canción compuesta con la agresiva lírica de Chrissie Hynde y los ojos de Murray perdido en la belleza de su pareja de soledades son los elementos que hacen de una escena que pudiera parecer vulgar, una secuencia de elegancia, glamour y seducción. Tanto para sus personajes como para la directora, “Perdidos en Tokio” es una transición hacia el estilo pulcro en el que se logran empatar las emociones y las vidas de sus protagonistas con el mundo contemporáneo del que los espectadores somos parte. Uno de los elementos más notorios de ese cambio es la elección de un soundtrack muy variante que pone de fondo a artistas de la vieja escuela como a Nick Lowe, cuya canción más famosa canta Murray en el karaoke, o “More Than This” de Roxy Music, pero también el rock electrónico de Peaches, Phoenix, Death in Vegas, etc. Es como si Coppola trazara un puente musical entre dos generaciones adornándolo elegantemente con el sonido pop avant-garde de Haruomi Hosono. Si la narrativa europea contemplativa y el dominio musical fueron los mejores logros de Coppola en sus primeros dos filmes, la maestría estética se demuestra en “María Antonieta” (2006), película que retrata la dramática historia de la reina de Francia desde su adolescencia hasta la madurez. Un filme de época narrado desde la perspectiva de la reale-

Para la película “En un Rincón del Corazón” (2010), la cual es la historia de un famoso actor que enfrenta una etapa atribulada de su vida y busca en la ternura de su hija una respuesta. El filme conserva el triple combo del sello Coppola: turbulencia y crisis existencial, retratada en largos y estéticos planos, que buscan mostrar mundo contemporáneo recargado en la soledad de un hombre colmado de dinero y mujeres. Para este punto, Coppola ha logrado dominar sus recursos, la prueba de ello es la facilidad con la que la directora puede pasar de una escena erótica en la que el actor Johnny Marco contempla desde su cama a unas gemelas rubias bailar en tubos paralelos al ritmo de ‘My Hero’ de los Foo Fighters y, después, sumirnos en un mundo de ternura cuando vemos a Marco contemplar a su pequeña hija Chloe practicar su rutina sobre hielo mientras ‘Cool’ de Gwen Stefani suena de fondo. En “Ladrones de la Fama” (2013), último filme de la directora, Coppola retoma la historia que la periodista Nancy Jo Sales publicó en la revista Vanity Fair sobre un grupo de adolescentes que asaltaron las casas de celebridades como Paris Hilton y Rachel Bilson para extraer sus exclusivos outfits. El filme es la máxima expresión de la excentricidad, la insistente búsqueda por la identidad y los excesos consumistas estadounidenses. El último filme de la directora parece llevar al extremo su gusto por el retrato de lo ostentoso, la frivolidad y el consumismo como única idea de sobrevivencia social, pues ahí donde había un espacio para la crítica se representó una historia en la forma del materialismo publicitario. Sin embargo, el soundtrack es adecuado a la idea hiper consumista con el flow raperesco de ‘Money Machine’ de 2 Chainz, la ‘Gucci Bag’ de Reema Major, ‘Super Rich Kids’ de Frank Ocean con Earl Sweatshirt y ‘Power’ de Kanye West.

Repisa...

No Nos Dejes Ahora. 65 Años De José José Por: Alejandro Altamirano.

en e puede manifestarse medad muy común, qu fer en ntes a un ere dif es las los en ido s te nera recurren ma de El síndrome de los falso tar no a se on nd es y sociales, da distintas esferas cultural expresiones del arte. y de ndes epidemias que mu México ha padecido gra a, de sic o mú rer la feb de de bro 17 ru nacer un Especificamente en el amente nuestro país vio ad tun . or lar Af . pu tar po n bro ció a can vez en cuando vuelven los padecimientos de la que sirven para aliviar s esa de a ur fig a un a 1948

Repisa... dice así de fácil, y quien lo dude, es que no se ha mecido en el aire con alguna de sus canciones.

Condenado Indiscutiblemente este es uno de esos casos del tipo: La sangre llama; hijo de un tenor de la Ópera Nacional de México y una concertista de piano, parecia que José Romulo Soza Ortíz, mejor conocido como José José, llevaba de manera natural el gusto por la música.

José José es el amante insaciable, ese que todos hemos citado, el que siempre sabe que decir en las situaciones más dolorosas y emotivas, aquel que nunca renuncia al amor, el que ha vivido los peores desamores y aun así no ha dejado de creer en el romance, ese que se ha undido y perdido en adicciones, el que aunque les pese a varios tiene el mejor disco tributo de rock que ha dado México; José José es de ese grupo selecto de necios que nace, vive y muere para los escenarios, José José es y será para siemre “El Príncipe De La Canción”, así de fácil.

Aunque al principio fue algo duro encontrar el rumbo adecuado, gracias a la disciplina, la entrega, los deseos y sobre todas las cosas, el talento nato, no había duda, José José estaba condenado a convertirse en una figura inigualable e irremplazable dentro de la historia musical. José José ha tenido tantos reconocimientos, ha roto infinidad de records de ventas y ha sacudido la industria tantas veces que me quedaría corto con cualquier tipo de elogio que le pueda dar. Vale La Pena Intentarlo Conciente de su don natural para la interpretación, José José caminó iluminado, cual farolero, por casi todos los géneros de la música popular: bolero, swing, ranchero, balada romantica, trío, bossa, música disco e incluso, en más bien un acto desesperado, hasta pudimos escucharlo en una especie de engendro del reggaeton, logrando así una envidiable carrera de casi una treintena de discos editados, valiendole el innegable titulo de “El Príncipe De La Canción”. El Día Más Triste Del Mundo Aun así, todos estos reconocimientos, lamentablemente, de alguna manera se han visto opacados por el muy manchado otro lado de la moneda: la vida personal de José José. Es bien sabido que el Príncipe vivió como nadie y su principal vicio, el amor, hizo que se entregara de manera desmedida a sus pasiones. Los descuidos, la vida llena de altibajos y las desdichas sufridas poco a poco menguaron su condición vocal a tal grado que tuvo que suspender su carrera. El volcán se había apagado… En estos últimos años ha intentado regresar pero no cabe duda que sus mejores tiempos han pasado. De todos modos, sus seguidores se sienten contentos de observar como su infinita pasión lo sigue manteniendo de pie en un escenario, fortaleciendo su legado y el recuerdo inmortal que ha plantado en todos los que alguna vez lo han escuchado. Así De Fácil Considerar a José José dentro de los 5 mejores interpretes mexicanos de toda la historia, se 25

Me Basta Todo lo anterior más los incontables mitos que se han creado en 65 años de vida y 50 años de carrera alrededor de José José, son suficientes para dedicarle un merecido reconocimiento en este número, por lo tanto, de manera un tanto ingenua, intentaré compartirles algunas, porque son muchísimas, de sus interpretaciones más representativas y que indudablemente han dejado huella a través del siguiente playlist: Más Preso Desesperado El Triste O Tú o Yo Lo Dudo Almohada s Tiempo Vamos A Darno Condenado Sólo Tú Ojos Quémame Los Me Basta uerer El Amar Y El Q e Menos D r ha Ec Me Vas A ra ho A as ej D Si Me e No Será Fu o N ue Q Lo do Lo Pasado Pasa a m lo Pa o Gavilán ue Te Vas Q as ig D e No M ¿Y Qué? Volcán Piel De Azúcar Soy Así A Ti He Renunciado Disimula Él (Him) Payaso lvido La Nave Del O

Foto: Deni Ă lvarez | @deniletus

Fotos y Entrevista por FabiĂĄn Zugaide.

Foto: Fabián Zugaide.

Repisa...

Su Majestad Imperial Silverio es un personaje único dentro de la escena, polémico, cínico, extravagante y exhibicionista que nos ha hecho bailar más de una vez con su “música para bombear, música electrónica de la era de las cavernas nasales” como el mismo la denomina. A partir de su primer éxito en el 2002, ‘Yepa Yepa Yepa’, Silverio se ha dedicado a sorprender a propios y a extraños alrededor del mundo, siempre provocando una mezcla entre pasión y confusión por parte de los espectadores. Tuvimos la oportunidad de platicar con él y esto es lo que nos respondió.

Repisa...

Ya tienes bastante tiempo en la escena y todos te conocen como “Su Majestad Imperial” ¿Podrías decirnos de donde o como es que surge ese apodo?

tengo la culpa de que sean ignorantes. Silverio me sigue sorprendiendo a mí mismo y me gusta, soy la prueba viviente de que el rock no está muerto. Es por eso que ninguna me caga, es un honor y un orgullo al igual que encontrar mi discografía pirata.

No hay mucho trasfondo en el mote, realmente cuando empecé mi carrera fui bautizado así por mis súbditos debido a mis majestuosas presentaciones.Y pues me gusto: al patrón con respeto.

Qué opinas de la realeza. La de España me encanta, dan buena nota, están a mi altura y categoría periodística.

Sabemos que has presentado Naylons en algunas partes de Sudamérica ¿Cómo ha sido la aceptación de tu nueva placa en tus presentaciones aquí y allá?

Y qué opinas de los “mireyes”. Los mirreyes me pelan el camote, la elegancia se lleva por dentro.

Como de costumbre me fue de maravilla por allá, el recibimiento siempre ha sido caluroso y apasionado, el disco ha tenido muy buena aceptación como debe ser. Los aborajuacos subdesarrollados de estas tierras tercermundistas tragan camote a granel.

Estamos en mes patrio ¿Cuál es tu personaje favorito de la independencia de México? Definitivamente Peña Nieto!

Tu segundo sencillo titulado “Perro” ya cuenta con video ¿Como fue la grabación de este?

¿Cuáles serían tus tres rolas más chingonas para dar el grito?

Una experiencia bellísima, fue rodado en la paradisiaca y post-apocalíptica Barra de Coyuca en la hermosa costa de Guerrero. El video clip fue patrocinado por la secretaria de turismo del estado y nos invita a gozar tanto de los paisajes naturales, la arquitectura y la belleza femenina de la región y nos demuestra una vez más que la realidad rebasa a la ficción. Como dato curioso cabe mencionar que Rambo 2 fue filmada en esta locación.

Aquí no gritamos, pura caricia a discreción y enjuague de lóbulo. ¿Tienes preparado algo para finalizar el año? Claro, una verbena en bolas para toda la familia mexicana transmitida por el canal de las estrellas con Lucerito como co-conductora. ¿Has pensado alguna vez en patentar la mítica trusa roja?

¿Cómo es el proceso de composición de tus canciones?

Ya esta patentada, y acabo de sacar Naylons en presentación disco-calzón de edición limitada a 150 copias. Un nuevo formato en la industria del entretenimiento musical.

Bien pinche aburrido, quítale aquí ponle allá, horas nalga básicamente. Sabemos que te han censurado varias veces ¿Cuál ha sido la vez que más te ha cagado?

¿Cuál es el futuro de Silverio y la disquera Épico?

Pues mira yo voy a todos lados pero me cancelan a la hora que ya empezaron los guamazos, me habrá pasado unas diez veces. En Oaxaca pensaron que el show se me había salido de control, pero es que no entendieron el concepto, hay que educarlos, pero eso lleva bastante tiempo y yo no

Las bases de Silverio permanecerán y creo que eso es lo importante. No estoy interesado en evolucionar eso lo hicieron los primates hace mucho tiempo. Respecto a Épico !La pura gozadera! 29

Palomitas... Por: Rafael Paz osé José es una de las grandes voces en la mayoría de las veces esté fuera de tono. historia de la música en México. Punto. Es innegable su influencia en la cultura popular mex- {BUSCO LA PRISA LOCA DE TU MENTE, LA icana, desde que comenzara a tener éxito a finales LENTA ENTREGA DE TU CUERPO} de los años sesenta. Canciones como ‘El Triste’, El correr del celuloide siguió con otra colabo‘La Nave del Olvido’, ‘Amar y Querer’, ‘Amnesia’, ración con Rubén Galindo, también del 72, “Un ‘Almohada’, ‘Volcán’, entre muchas otras, forman sueño de amor”. Aquí, encarna a un niño bien, con parte del inconsciente colectivo y no es raro en- unos padres millonarios, una mansión paradisiaca, contrar que aun aquellos que niegan conocerlo, gusto por el golf y los sacos de gamuza morada, de con unas copas encima conocen de pe a pa toda nombre David Granados. La intriga arranca en una su discografía. ostentosa fiesta donde la madre de David (Beatriz Como muchas figuras del ambiente musical, Aguirre) trata de presentarle a dos lindas muchanuestro estimado José Rómulo Sosa Ortíz –ver- chas y él las rechaza. Descubriremos que el probdadero nombre de El príncipe de la canción– su- lema es que su mente y corazón están ocupados cumbió al canto de las sirenas y aceptó incursionar por el recuerdo de Graciela (Sasha Montenegro en el mundo del séptimo arte. La lista de estrellas con la ropa siempre puesta), a quien vemos en que dieron el paso incluye nombres tan disímiles unos brumosos flashbacks. como Frank Sinatra, Vicente Fernández, Raphael, La cosa cambia con la aparición de Caritina Serge Gainsbourg, Mariah Carey o agrupaciones (Verónica Castro), que embelesa con su belleza a de la talla de Magneto, Kiss, las Spice Girls o The David. Hipnotizado y obsesionado con la muchaBeatles. cha, David intenta una y otra vez conquistarla sin Como muchos, falló en lograr convertir su tal- resultados. El giro de tuerca es que ella es ciega y ento vocal en actoral. Si la carrera de José José cree que el amor de David se debe a la lástima, por en celuloide tiene pocos títulos se debe más a su otra parte, el muchacho chicho de la película gacha acartonado y poco convincente desenvolvimiento se siente culpable por haber encontrado de nuevo ante la cámara que a su popularidad con el res- el amor sin poder olvidar a Graciela. petable. El cantante tiene un registro limitado y sus Al final es un trabajo de Rubén Galindo y el remejores momentos llegan cuando está cantando o sultado, gracias a la edición, vuelve a ser confuso. haciendo de borracho, un papel que se dedicó a El drama se dilata al grado que el conflicto sentiperfeccionar con ahínco fuera de cuadro. mental de David no tiene resonancia. El puchero permanente de José José tampoco ayuda, ¿ya les {QUÉ TRISTE, TODOS DICEN QUE SOY} dije que el personaje de Verónica Castro se llama El corpus cinematográfico de José José inició en Caritina? 1972 con “Buscando una sonrisa” de Rubén Galindo. JJ interpreta a José, un joven humilde, soñador, {COMO UNA FLOR, TU CORAZÓN AL SOL LE responsable, cariñoso y un poco acomplejado, que MOSTRARÁS, UNA MAÑANA} tiene un solo objetivo en la vida: sacar a su madre Es probable que de haber tenido otro mentor que de trabajar y comprarle una casa con harto már- no fuera Rubén Galindo, la parquedad casi graciosa mol. Un trágico giro del destino provocará que de José José hubiera sido aprovechada en favor de nuestro protagonista pierda a su progenitora e sus papeles. Pero no. Para su tercera película, el inicie un periodo oscuro en su vida. Una luz apa- cantante se volvió a juntar con Galindo y el resulrecerá en su camino el día que conoce a una linda tado tiene un aliento artístico parecido a la saga güera en la playa y se enamora perdidamente. Los del Chanfle o una cinta de Capulina. complejos se desatan cuando José descubre que su amada es millonaria y él siendo pobre siente La carrera del millón del 74 bien pudo ser filmada back to back junto a “Buscando una sonrisa”. Amque no la merece. bas tienen escenas en Acapulco, la misma mansión El nudo principal de la trama es un ir y venir del para la gente rica y a Fernando Luján robando cápersonaje principal entre estar enculado sin reme- mara. La diferencia es que la primera trataba de dio, y su orgullo ciego por tener dinero y ganarse ser un melodrama y la segunda es un pueril ina la chica que ya tiene en el bolsillo, maltratándola tento de comedia con un guión simplón y poco sin intención. Las grandes fallas de la cinta son cul- desarrollado. pa de Rubén Galindo, que no consigue imprimirle un ritmo decente a la trama, así mismo es incapaz La guapa Nubia Martí interpreta a una chica emde hacer convincente el amor entre José José y la pecinada en casarse con su novio, un interesado actriz Nadia Milton. Su mejor acierto es conver- hijo de papi encarnado por Luján. Dos tíos son los tir a un joven Fernando Luján en un hippie que encargados de cuidar su dote, ya que es huérfana; cambia de postura política como veleta, aunque la uno dice que sí, el otro se niega. ¿Su solución? Un

Palomitas...

rally con dos campeones que luchan por el amor y la mano de la chica, el underdog es José José, un mecánico de buen corazón. Es una comedia romántica, así que ya saben qué sucede al final. {FUI DE TODO Y SIN MEDIDA} Probablemente el trabajo más conocido de José José en cine, la autobiográfica “Gavilán o paloma” (1985) de Alfredo Gurrola. La historia es bastante conocida: José Sosa venía de un hogar con problemas, joven encontró la fama y la fortuna gracias a su privilegiada voz, también encontró el amor en los brazos de Anel (Christian Bach). Pero tanto lujo y tanto dinero, junto a unas compañías nada gratas, provocaron que cayera en adicciones y casi perdiera su carrera.

la matrona del burdel en que trabaja. {SOY ASÍ, ASÍ SOY YO} La actuación más convincente del intérprete de ‘Quiero perderme contigo’ llegó en 1995 con “Perdóname Todo”. Sin ser descaradamente biográfica como “Gavilán o Paloma”, es evidente que la vida de su protagonista se coló al guión. José José da vida al exitosísimo y conflictivo cantautor Ricardo Alfaro. Un hombre que compone hits al mismo ritmo que enamora jovencitas. Su nueva conquista es la talentosa Alejandra Montes (Alejandra Ávalos), con la que se casa. El infierno se desata porque este no puede dejar la bebida y la juerga, afectando su vida amorosa y laboral.

Sin ser un genio, ni nada parecido, el oficio de Gurrola es suficiente para sacar el barco a flote. Los golpes de pecho son continuos y la actitud de “entiéndeme, tomo porque sufro” permea toda la trama. Lo sabemos Pepe, tú no tienes la culpa de nada. Lo mejor, un irreconocible Jorge Ortiz de Pinedo como el ayudante homosexual del intérprete. Todo un placer culpable. {SI EN EL AIRE LAS COMPONES}

En esencia, “Perdóname Todo” es un descarado anuncio de Alcohólicos Anónimos. Al igual que en la vida real, el personaje de José José es víctima de las circunstancias y la presión laboral, nunca es directamente responsable de sus acciones. Es mejor que su biopic porque al final no hay una redención completa y Raúl Araiza lleva las riendas del circo. Como bonus, Claudio Brook da en la cinta una de sus últimas actuaciones. {DICEN QUE SOY UN PAYASO}

Por si su propia biopic no fuera suficiente, en “Sabor a mí” (1988) es la historia de la vida del cantautor mexicano Álvaro Carrillo. La cinta abre y cierra con el accidente automovilístico –chafisímamente recreado– en el que Carrillo perdió la vida. De casi dos horas de duración y dirigida por Ricardo Cardona Jr., la película se pierde en conflictos sin suficiente fuerza dramática y los intentos de José José por mostrar un rango actoral más amplio ensayando un acento que nunca cuaja y lo hace parecer borracho 24/7. Roban cuadro Angélica Aragón como la sufrida esposa del compositor y una melancólica Carmelita Salinas como

José José tiene un par de cameos en otras cintas. Uno en la irreal e involuntariamente hilarante “Siempre en Domingo” (1984), en un número musical. En el melodrama sobre inmigración, “Sueño” (2005), donde la hace de músico misterioso. Y, aunque no hay mucha información, tendrá una participación en “Clean Sweep” de León Rodríguez que está en post-producción. “Casi todos sabemos querer, pero pocos sabemos actuar”.... 31

Por: Marlon Luna Burgos | Director Académico en CAP Digital Training Center.

Detrás de la Consola: 10 Productores influyentes en el Rock

El trabajo de un productor no se debe tomar tan a la ligera puesto que a pesar de que no luce en primer plano para los fans es pieza fundamental para obtener un buen disco. Básicamente su tarea es la de dirigir en muchos sentidos el sonido que va a tener un disco, desde la idea y el arreglo musical que se busca, hasta la grabación de instrumentos, la organización y logística de los músicos invitados, la mezcla y la masterización del disco. Debe de tener una visión bastante amplia de la música y las tecnologías ocupadas para la realización de la producción en general, de hecho principalmente son músicos y/o ingenieros participando a veces hasta ellos mismos grabando (un instrumento o voz) y mezclando alguna canción o todo el disco. Es muy complicado mencionar solo a 10 de los mejores Productores que nos ha dado el Rock de una lista de nombres impresionante, sin embargo a continuación mencionare algunos de los más importantes Productores de la Historia del Rock por su gran trabajo que han hecho para la evolución del género. Cabe mencionar que no hay un orden cronológico o de importancia en la lista.

George Martin

Sir George Martin (nombrado Sir por la Reina de Inglaterra en los 90´s) nació el 3 de enero de 1926 en Londres, Inglaterra y es conocido principalmente como el Quinto Beatle por haber producido casi la totalidad de los álbumes de los Beatles. Uno de los productores más emblemáticos en la escena musical, hizo historia con The Beatles llevándolos a niveles creativos insuperables (que incluían arreglos de cuerdas, nuevas técnicas de composición y experimentaciones sonoras con diversos estilos e instrumentos). Además de ser un revolucionario en la técnica: fue el primer productor en el Reino Unido en utilizar ocho canales de grabación (en dos consolas de cuatro canales cada una) para el disco “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” (1967). Al dejar a The Beatles en 1970, Martin produjo trabajos de gente como Shirley Bassey, America o Bernard Cribbins, Paul McCarney,Yoshiki (X Japan), Cilla Black, The Mahavishnu Orchestra, Jeff Beck, entre otros. Fue introducido al Salón de la Fama del Rock en 1999.

Actualmente es uno de los productores más respetados de la historia de la música popular, a pesar de no estar en actividad en la actualidad.

Terry Date

John Leckie

John Leckie es uno de los productores británicos más exitosos en la escena del rock ingles de los últimos tiempos, ha trabajado con bandas como Cast, The Cult, Kula Shaker, Folks, Los Lobos, New Order, Suede y XTC entre otros. Dentro de sus trabajos más sobresalientes están el “The Bends” de Radiohead, “Showbiz” y “Origin of Simetry” de Muse, “All Things Must Pass” de George Harrison, “The Stone Roses” de The Stone Roses, “A Storm in Heaven” de The Verve y los primeros discos de Simple Minds.

Rick Rubin

Considerado para muchos como el productor más importante en la escena del rock de los últimos 20 años. Rubin ha sido ganador numerosas veces del Grammy por sus trabajos relacionados con el Rap y el Heavy Metal. A pesar de ser fan de AC/DC y Led Zeppelin, comenzó su carrera de productor con artistas de Rap. Sin embargo, logro unir a grandes bandas de Rock con raperos teniendo un éxito inmediato fusionando el Rap con el Hard Rock y siendo pieza fundamental en géneros nuevos de Rock y Metal alternativo. El inicio de todo fue cuando mezclo a Aerosmith con Run DMC con la canción “Walk this way”.

Productor estadounidense especializado en rock y metal. Reconocido por detallarse en el bajo y las baterías de sus producciones. Produjo el disco “Cowboys From Hell” de Pantera llevándolos a conseguir su primer disco de Platino vendiendo más de 1,000,000 de copias vendidas y llevando a Terry a ser parte de los productores más cotizados dentro del género permitiéndole trabajar con artistas como White Zombie, Pantera (obviamente) y Limp Bizkit. Algunos trabajos y artistas con los que ha trabajado son: Pantera, Deftones, Incubus, Slipknot, Staind, Limp Bizkit, Korn, Smashing Pumpkins, Alice In Chains, Dark Angel, Dream Theater, Ozzy Osbourne, entre muchos otros. Además produjo los soundtraks de Matrix Reloaded, Tony Hawk’s Pro Skater 3 y Big Daddy.

Butch Vig

Bryan “Butch” Vigorson, Músico y Productor. Baterista de la banda Garbage, fue el productor del famoso disco “Nevermind” de Nirvana en 1991, que para muchos es el punto clave en el cual Cobain y compañía ponía fin a la era del Glam Rock y el Pop de los 80’s para dar paso con un sonido desgarrador y particular a lo que se llamaría la música Grunge.

La lista de discos y artistas con los que ha producido es muy larga y si te gusta el Rock es indiscutible que tengas por lo menos un par de discos producidos por él en tu colección. Algunos de sus mejores trabajos son los siguientes: “Blood Sugar Sex Magik” de Red Hot Chili Peppers, “Big Gun” de AC/DC, “American Recordings” de Johnny Cash, “Toxicity” de System of a Down, “Californication” de Red Hot Chili Pappers, “Audioslave” de Audioslave, “Born Free” de Kid Rock, “Licensed to Ill” de Beastie Boys, “Reign in Blood” de Slayer, entre otros. Y algunos de los artistas con los que ha trabajado son: LL Cool J, Beastie Boys, Run DMC, Slayer, AC/DC, Mick Jagger, Johnny Cash, The Smashing Pumpkins, System of a Down, Tom Morelo, Limp Bizkit, The Mars Volta, Linkin Park, Metallica, ZZ Top, Weezer, Adele y hasta Shakira, entre muchos más.

A partir de éste disco comienza la popularidad de Nirvana, del Grunge y del propio Vig haciéndolo un productor dentro del género bastante solicitado por bandas como Smashing Pumpkins, Sonic Youth, Soul Asylum, Green Day, Foo Fighters, Blink 182, Muse y obviamente produciendo los discos de su propia banda Garbage.

Brian Eno

Músico, compositor y productor ingles. Su carrera comenzó tocando con el grupo Roxy Music y tras abandonar el grupo comienza su carrera de solista y a producir a otros artistas de Pop y Rock, incluyendo a U2, Ultravox!, Camel, Travis, Coldplay, Depeche Mode, James y ganando en un par de ocasiones el premio BRIT como “Mejor Productor” en los años 1994 y 1996 posteriormente. Ha colaborado con David Byrne (Talking Heads), David Bowie, Robert Fripp (King Crimson), Robert Wyatt, Cluster y con su hermano Roger Eno

como músico, arreglista, letrista y productor. Considerado un visionario y un innovador en muchos campos de la música, es alguien muy preocupado por el resto de las disciplinas artísticas, en especial de las instalaciones.

Bob Rock

Principalmente reconocido por darle el sonido casi perfecto de “The Black Album” de Metallica y de allí en adelante trabajar con ellos en sus siguientes producciones discográficas: “Load”, “ReLoad”, “Garage Inc.”, “S&M” y “St. Anger”. Además le dio el sonido característico a Mötley Crüe y Metallica en los 90’s. Algunos de los artistas con los que ha trabajado son: Aerosmith, Bon Jovi, Cher, The Cult, David Lee Roth, Skid Row, Veruca Salt, Nina Gordon, Our Lady Peace, The Tragically Hip, Lostprophets, American Hi-Fi, The Offspring y Simple Plan, entre otros.

Eddie Kramer

Eddie Kramer Ingeniero de Audio y Productor de bandas tan grandes como Led Zeppelin, Kiss, Jimi Hendrix, Los Beatles, AC/DC, Rolling Stones, Davie Bowie, Santana, Anthrax, entre otros. Hizo su incursión en el mundo de la música estudiando jazz en la Universidad. Con 19 años se mudó a Inglaterra y empezó a grabar a bandas de jazz en su propia casa, hasta que en 1964 se unió a los PYE Studios y desde entonces todo fue viento en popa. Ha trabajado en los siguientes discos: “Carly Simon” de Carly Simon, “Cry of Love” de Jimi Hendrix, “Alive!”, “Rock and Roll Over”, “Love Gun”, “Alive II” y “Alive III” de Kiss, “The Art of Control” de Peter Frampton, “Future World “ de Pretty Maids, “Among the Living” de Anthrax, “Frehley’s Comet” y “Trouble Walkin’” de Ace Frehley, “Another World” de Bryan May y “Led Zeppelin” de Led Zeppelin, entre muchos otros.

Nigel Godrich

Ingeniero de Audio y Productor inglés, considerado el “sexto miembro” de Radiohead por su complicidad como ingeniero y productor de la banda. El primer disco de Radiohead producido totalmente por él fue “OK Computer”, disco clave en el Rock alternativo de los últimos tiempos y con el cual alcanzo la fama absoluta como productor. Después del éxito de “OK Computer” Godrich comenzó a trabajar con artistas como R.E.M., Na-

talie Inbruglia, Beck, Travis (impulsándolos principalmente con su disco “The Invisible Man”), Thom Yorke, U2, Air y Paul McCartney, entre otros. También en el 2004 produjo el sencillo con fines benéficos de la Band Aid 20, incluyendo contribuciones de Danny Goffey de Supergrass, Paul McCartney, los miembros de Radiohead (Thom Yorke y Jonny Greenwood), Noel Gallagher de Oasis, Chris Martin de Coldplay, Bono de U2 y Sugababes, Godrich había sido nominado varias veces por el Grammy en la categoría “Productor del Año no clásico” pero en 2004 junto a Darrel Thorp, ganó en la categoría “Mejor álbum producido” por el disco de Radiohead “Hail to the Thief”.

Phil Spector

Músico y Productor estadounidense, conocido sobre todo por su técnica de orquestación, el “muro de sonido”, consistente en grabar múltiples pistas de acompañamiento, superponiéndolas hasta crear un sonido compacto y algo apabullante. La técnica de Spector ha tenido una gran influencia en otros músicos que han experimentado con el estudio como instrumento musical, como The Beach Boys quienes por influencia de Spector usaban la técnica del “muro de sonido”, y The Beatles (que lo llamaron para hacerse cargo de las grabaciones de “Let It Be”). Spector comienza a producir especializándose en grupos femeninos como The Crystals y The Ronettes. Sus producciones de esta época tienen un sonido muy característico, fruto de la técnica del “muro de sonido”. A mediados de la década de los sesenta, produce dos sencillos especialmente ambiciosos: “You’ve Lost that Lovin’ Feelin” (1964), de los Righteous Brothers y “River Deep, Mountain High”, de Ike y Tina Turner (1966). Tras ellos se retira durante algunos años del negocio discográfico, al que regresa (no sin polémica) cuando John Lennon le encarga en 1970 dar forma publicable a las grabaciones del proyecto “Let it be”. Spector modifica el sonido de varias canciones, enriqueciendo el acompañamiento con múltiples pistas de instrumentos y coros. En los años setenta, Spector produce a artistas como John Lennon (“Rock ‘n’ Roll”), Leonard Cohen, George Harrison y los Ramones. Tras esto, abandona casi absolutamente la actividad artística, convirtiéndose en una leyenda viva pero inactiva.

10 años surfeando con Los Elásticos. Este 2013, la banda de surf garaje Los Elásticos está cumpliendo 10 años montando las olas de los escenarios citadinos, llevando a sus adeptos y curiosos un poco de esa rebeldía que caracteriza el espíritu del surfer, así como esa energía y poder que es propia de los enmascarados del ring. Haciendo historias de buenos, malos y bellas mujeres en peligro que se han vuelto su sello personal y los ha mantenido en el gusto de un público fiel al género. Los Elásticos platicaron para Freim un poco de la historia de la banda, sus inicios, sus influencias y algo más de lo que traen bajo la máscara para celebrar esta primera década de música y surf. Esto nos dijeron: ¿Qué hay de nuevo con Los Elásticos? Los Elásticos: Estamos cumpliendo 10 años de carrera y además estamos presentando disco y videos. ¿Como han sido estos 10 años de carrera para Los Elásticos? Sangre, sudor, lágrimas, mucha chamba, preparación, experiencias y sobre todo mucha diversión. También lo que ha pasado a lo largo de estos años es un crecimiento musical como instrumentistas y eso se ve reflejado en nuestro nuevo material “Dr. Malicia”.

Platíquenos un poco sobre los orígenes de la banda. Los Elásticos se forman en el 2003 cuando Flanger conoce a Corsario Jr. estudiando en la escuela de música del INBA y coincidimos en el gusto por la música instrumental. Entonces un día dijimos, vamos a formar una banda, obviamente instrumental. Poco después se agregó Passenji que ya era amigo de Flanger. En el caso de Satanic, primero nos midió y ya que vió que teníamos talento decidió unirse a la banda. ¿Y por qué decidieron tomar como género musical el surf? Una de las razones es que este ritmo es muy noble y pegajoso que auditivamente agrada a todo tipo de personas, grandes y jóvenes, además de que nos gusta mucho. Cada uno por su lado había experimentado con otros géneros musicales, pero al final el surf es en el que coincidimos. Es muy noble, muy rico y se presta para hacer fusiones, que es una de las cosas que más nos agradó. Es como ir a las luchas, vamos a divertirnos y a sacar la furia. Hablando de las luchas, y sus personajes enmascarados ¿No han tenido que lidiar con comparaciones con bandas como Straitjackets? ¡Mas bien a Straitjackets los compararan con nosotros! (Risas)

Foto y Entrevista: Jerónimo Luna.

Platicamos con...

Platicamos con... Comparaciones siempre va a haber pues además de los los Straitjackets están Lost Acapulco, Sr. Bikini que son bandas que llevan muchos años tocando. Cuando comenzamos a formar la banda hicimos un consenso para ver si era conveniente hacer una banda más de enmascarados, pero debido a que entre nosotros si hay sangre de luchador (el padre de Corsario Jr. fue luchador y Satanic entrenó lucha y el abuelo de la primera chica elástica fue el Murciélago Velázquez, primer luchador enmascarado) decidimos seguir con el concepto y crear personajes propios con personalidades bien definidas y además siempre teniendo un gran respeto por la máscara, como los luchadores profesionales, portándolas siempre y tratando de guardar nuestra identidad a costa de todo y eso también ha hecho que el CMMLL nos apoye. Las máscaras las vamos a perder en el escenario o en el ring. Después de 5 discos de estudio ¿Cómo ha evolucionado el sonido de Los Elásticos? Lo principal en el sonido de la banda es que no hacemos covers, siempre hemos dicho “estarán feas las rolitas pero son de corazón”. Hemos experimentado con varios ritmos siempre teniendo como estandarte el surf, involucrando los gustos musicales con los que cada quien llegó antes de formar la banda, que es lo que hace que nuestro surf sea más rudo, más citadino. Por ejemplo, en el cuarto disco “Cuatro Vs Cuatro”, metimos unas rolas cantadas por amigos de la banda, que van desde el rockabilly, el indie, sonidos balcánicos y cosas como una cumbia surf o un metal surf. Siempre hemos tratado de experimentar, nunca nos hemos cerrado y dicho que no se puede a algo y eso es lo que ha hecho que a lo largo de estos 10 años hayamos obtenido un sonido propio. Hablar de surf, es hablar de playa, sol, arena, Zihua, Puerto Escondido, etcétera. ¿En la Ciudad de México existe una escena y un mercado para el surf? Se ha dado gracias al mismo círculo de bandas. En este momento no tenemos conocimiento de que haya bandas de surf que vengan de la playa, el movimiento se está dando desde aquí. Alguna vez platicando llegamos a la cuenta de que hay como unas 50 bandas de surf en activo en la ciudad, algunas conocidas y otras no tanto. En el 39

D.F. somos tantos que se crea la necesidad de escuchar música nueva y diferente. El mercado es el rock, pues hasta nos ha tocado alternar con bandas de metal o de indie. La gente ya está más abierta a escuchar todo tipo de música. Incluso dentro de la alineación del Vive Latino siempre hay un representante del surf. “Dr. Malicia” es su nuevo disco. ¿Qué tenemos que saber de él? Es la conjunción de los más representativo de la banda, con algunos temas nuevos y la inclusión de dos videos. A diferencia de nuestro primer disco en el que no contábamos con la experiencia ni los medios para hacer una producción más en forma, en este disco ya podemos mostrar y sonar como lo hubiéramos querido desde el principio. Contamos con mejor producción, edición, musicalización, etc. y eso hace que sonido del disco en general sea muy bueno. Para los videos que acompañan este material contamos con la colaboración de Kami Studio, quienes también nos apoyaron con el arte del disco. A la par de estos lanzamientos también estamos festejando la puesta en marcha de nuestra página oficial en internet, en donde van a poder encontrar toda la información referente a la banda, tocadas, discos, videos y todo lo que se genere alrededor de Los Elásticos. Por último. ¿Qué sigue en la carrera de Los Elásticos? La intención es seguir creciendo y madurando como banda. Convertirnos en el referente del género a nivel nacional, que cuando la gente piense en surf, piense en Los Elásticos. También queremos buscar dar el salto hacia un mercado internacional en el que podamos comenzar a vender nuestra música en mercados como el gringo o en Sudamérica, ir a festivales y hacer giras en el extranjero. Seguir chambeando hasta que el cuerpo aguante. La fiesta por los primeros 10 años de existencia como banda de Los Elásticos continuará por lo que queda de este 2013, así que si tienen la oportunidad de encontrarlos en una tocada, festival o cuadrilátero, no pierdan el momento y déjense llevar por la cadencia, el frenesí y las olas psicodélicas de su música.

Pa’ donde...

Por: Claudia González.

El Palenquito: Porque el mezcal es tradición, no moda.

El mezcal ha dejado su etiqueta de moda para volver a convertirse en tradición. Es por eso que si lo tuyo es aventurarte por distintos lugares, bajo un mood relajado, para probar dicha bebida, entonces seguro debes darte una vuelta por El Palenquito. Ubicado en la Roma, bastante discretón, olor a madera, todo a media luz, y con una selección musical que combina con todo, seguro tendrás una noche que no podrás olvidar (ad hoc para un ligue sin complicaciones). Con ese ambiente único y lleno de secrecía, creerás que estás en algún lugar de Guerrero ó Oaxaca, deleitando el sabor de un buen mezcal. En la carta podemos encontrar distintos mezcales, desde los suaves para precopear o algo fuerte para encender la noche de inmediato y terminar con todo. Y por si esto fuera poco, también tienen una amplia variedad en coctelería (todo es mezcal), donde no puedes dejar de probar el famoso Té Chai con mezcal reposado. Además todas estas bebidas pueden ser acompañadas de botanas tradicionales de este tipo de lugares como: queso, chapulines, rodajas de naranja y chalupitas de lentejas, etc. Algo que le da un plus a este lugar es que es Pet Friendly, por lo tanto si sales a dar la vuelta con tu mascota y de pronto se te antoja un mezcalito no sufras y pásale a El Palenquito sin pena. Quizá hasta tu pequeño amigo consiga cita. Dirección: Álvaro Obregón 32, entre Frontera y Mérida, col. Roma Norte

PaÂ´donde...

Recomendamos...

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Letras...

Impureza de sangre Por: Arturo Ceballos Alarcón. Los ojos, apenas entreabiertos por la franca sonrisa que le abulta los pómulos, dejan ver un hermoso rasguño azul. Está alegre y apoya su cuerpo en el de su esposo, quien la toma por el talle sin quitarle la vista de encima. En su mano, lleva un ramo de rosas blancas, muy parecidas a las que decoran el encaje del vestido, también blanco, entallado y de diseñador. A simple vista, es una mujer linda, sin exceso de aditivos en el rostro. De no ser por la corona que le ciñe la cabeza, y por el escudo de armas que lleva en el pecho su “radiante” marido, podría decirse que se trata de una mujer ordinaria. Ella, Magdalena de Suecia, princesa, acaba de contraer matrimonio, y acapara la portada de la revista ¡Hola! en una de sus más recientes ediciones. En la parte inferior derecha de la portada, un breve texto enfatiza la relevancia del suceso, sobre todo, por corresponder a una familia real. Pero y él ¿quién es? Chris O’Neill, de 38 años, no pertenece a la nobleza, al menos no a la que correspondería la aplicación estricta del término. Se trata de un financiero estadounidense, hijo de una familia acomodada e influyente,

Letras...

que tras varios estudios en Europa y una certera carrera profesional, conoció a la que ahora es su esposa. Aunque la relevancia de lo hasta aquí escrito es nula; y la información, frívola y olvidable, existe un interesante detalle que cada vez se torna más común en las bodas reales: sólo uno de los contrayentes es de sangre real. La idea de que los príncipes sólo se casan con princesas, y de que las casas reales de unos u otros países, ajustan cuentas políticas, bélicas y económicas, a través del matrimonio entre sus vástagos, está perdiendo vigencia. Entre otras cosas, porque la batuta que rige el rumbo de las naciones, ha pasado de la mano de un rey o reina, a la de un presidente, primer ministro o grupo político, y de éstos a la de los accionistas de una gran transnacional, o a la del dirigente en turno del Banco Mundial o del Fondo Monetario. En una época tan convulsa e inestable, ya no hay porqué arreglar matrimonios entre linajes reales. La pérdida de poder político por parte de los reyes constituye un factor con mayor peso específico que el de la igualdad entre los hombres, la dignidad humana y los derechos humanos, a la hora de que las nuevas generaciones de la realeza eligen su propio destino marital; seguramente aún existen reservas, pero ya no están obligados a revisar el color de la sangre de quien será su próximo consorte. Ejemplos, muchos; los más mediáticos por citar algunos: el príncipe Carlos y Diana Spencer, Raniero III de Mónaco y Grace Kelly, Estefanía de Mónaco y Adans López Peres, Felipe de Borbón y Letizia Ortiz, príncipe Guillermo Alejandro y Máxima Zorreguieta. Y no se trata solamente de una noble concesión brindada a los herederos reales por parte del establishment real, sobre todo el de las casas reales europeas, también hay algo, o mucho, de voluntad, de libre albedrío, de conquista arrebatada a los viejos y anquilosados paradigmas. Después de todo, no es descabellado pensar que muchos de los cánones aristocráticos europeos,

son considerados por las nuevas generaciones de la realeza, no sólo un freno, sino también una mutilación. Los monarcas tendieron por muchos años, a depositar su validez, su función y su derecho de existencia, sobre la honorabilidad, el designio divino y la pureza de sangre. Hoy en día, todos estos argumentos están en duda, y más palpable aun, la pureza de la sangre. Quizá ningún episodio de la historia de la humanidad, ha sido tan iconoclasta como el que actualmente vivimos, y ante ello, la realeza, para no sucumbir, ha preferido entrar por su propio pié a la vitrina de la extravagancia humana. En esa vitrina caben con todo y coronas, báculos, onerosas manutenciones, caballeros de armadura, castillos encantados, traiciones, míticos dragones, rampantes corceles, barbas de catedral y cutis de seda. Un artículo atractivo, pero inservible. De colección. En esa vitrina, retozan a gusto ante los flashes de los paparazis y de los turistas que ven en la realeza un curioso pedacito de la milenaria historia humana, un pedazo que se desmorona ante las ráfagas de los nuevos tiempos, un pedazo que, aunque les pese a muchos, pronto dejará de existir. Los herederos reales buscan, afanosamente, bajarse del escaparate, conocer a las masas, platicar con el vulgo y, por qué no, enamorarse de un plebeyo. El paradigma está cambiando. Magdalena de Suecia, bella mujer, con modales de niña fina y una luna por sonrisa, se suma a la lista de los vástagos reales que desean que el mediodía de su vida los encuentre rodeados de sangre nueva, entre voces, sueños y miedos comunales. Es una excelente clave para que cuando llegue la noche, y se acerque el momento de volverse uno con las estrellas, las de verdad, no las que son meros reflejos de diamantes; cualquier mano, cualquier lecho, cualquier par de labios, cualquier bendición, tenga vocación de hogar. ¿Que dónde quedó la pureza de la sangre? Seguramente en la misma vitrina donde quedaron los dragones, las guillotinas y los castillos encantados.

SEPTIEMBRE 17 - Iron Maiden 18:30 / Foro Sol 20 - Madame Récamier 09:00 / Lunario del Auditorio Nacional 20 - Miami Horror y McAllister 19:00 / Vive Cuervo Salón 26 y 27 - Love of Lesbian 21:00 / Lunario del Auditorio Nacional 28 - “Prudence Fest 2013” 13:00 / Pepsi Center

OCTUBRE 04 - CRYSTAL CASTLES 21:00 / José Cuervo Salón 05 - Alice In Chains 21:00 / José Cuervo Salón 07 - Duncan Dhu 20:30 / Auditorio Nacional 09 y 10 - ATOMS FOR PEACE 20:30 / Pepsi Center WTC 12 y 13 - Corona Capital 2013 13:30 / Curva 4 del Autódromo Hermanos Rodríguez 18, 19, 20 y 22 - Muse 19:00 / Palacio de los Deportes

Game Over...

Por: Iván Altamirano.

‘Mario & Luigi Dream Team Bros’ llega a las tiendas y lo hace despreocupado. Lo bueno de Nintendo y sus desarrollos es que prácticamente nunca tienen que demostrar nada a nadie, porque el que se acerca a uno de sus juegos, en este caso la cuarta entrega de la saga desarrollada por AlphaDream, ya sabe lo que le espera. Siempre hay hueco para las sorpresas, para comprobar que la pantalla del futuro aún no ha demostrado su potencial, y para dejar claro una vez más que la evolución de un género es casi tan importante como la creación de otros nuevos. Si ya tenías intención de comprarlo no hay nada más que hablar, si probaste alguno de los juegos anteriores ya sabes qué te vas a encontrar, para bien y para mal. Si no sabes a qué atenerte, aquí tienes algunas pistas para conocer en esta ocasión. Como en los casos anteriores, ‘Mario & Luigi: Dream Team Bros’ resulta ser la mezcla perfecta del universo Mario. Estamos ante un RPG, sí, pero también está presente ese amor por las plataformas que vio nacer a la pareja de hermanos. El salto

de ambos siempre está disponible, ya sea mientras estamos en el mundo real, presentado con una vista cenital, o en el mundo de los sueños, siguiendo el esquema clásico de scroll lateral. La excusa para esos cambios la pone la pereza de Luigi, convertida aquí en arma para liberar a los habitantes de Isla Almohada de la cárcel onírica creada para mantener a raya al enemigo de turno. Tocará recorrer la isla para encontrar puertas de entrada a ese mundo, presentadas en forma de almohadas de piedra que, una vez liberadas del encantamiento, se convertirán en los antiguos seres del reino. Será en el paso a esos sueños de Luigi donde ‘Mario & Luigi: Dream Team Bros’ brillará con más luz, ya que el surrealismo perpetrado por el cerebro de Luigi dará para ataques especiales tan divertidos como vistosos, así como otras vías con las que superar las zonas de plataformas. Lo vemos al conseguir que un centenar de estrellas se transformen en idénticos Luigi, creando una columna capaz de despejar a monstruos de un plu-

Game Over...

mazo o ayudarnos a alcanzar zonas antes demasiado altas para nuestro salto básico, pero también con estornudos que muevan plataformas (rascando la nariz de Luigi con la pantalla táctil mientras duerme) o estirando su bigote para usarlo como catapulta usando el mismo sistema. En el mercado hay pocos RPG que nos presenten los combates de una forma tan simple como divertida, lo que acaba ayudando a que seas tú el que busques los encuentros con enemigos. Nunca importa un combate más porque, a menos que tengas controlado al milímetro su sistema de ataque, siempre hay un margen de error capaz de pegarte algún susto. Aquí todo está estrechamente relacionado con los botones A y B, uno para cada hermano, ya sea a la hora de saltar, y habrá que hacerlo a la vez con ambos bigotudos, como a la hora de atacar o esquivar con precisión casi milimétrica. Ese timing se convierte en nuestro mayor aliado, y es que dominándolo no sólo haremos más daño con cada uno de nuestros ataques, también nos permitirá solventar combates sin recibir ni un sólo punto de daño, aprendiendo las pautas de ataque de cada enemigo y usándolas a nuestro favor para que el salto, la esquiva de sus agresiones, acabe con un contraataque en el que nuestros pies caigan sobre la cabeza del enemigo. A los clásicos saltos, apoyados aquí por las estadísticas que podremos aumentar con experiencia o un sistema de objetos tan básico como limitado, se sumarán otras armas, pero eso lo tendrán que descubrir por ustedes mismos. El remate, lo que nos insta a continuar a través del juego más allá de lo que nos pueda interesar la historia, lo pondrán en juego ataques especiales conseguidos al encontrar distintas piezas que pueblan cada zona. El preciosista diseño de escenarios y personajes de AlphaDream se suma al potencial del 3D para dotar a dichos ataques de mayor espectacularidad, siempre jugando con el horizonte con, por ejemplo, ataques combinados en los que patear caparazones Koopa con cada uno de los hermanos. Por fin alguien ha entendido que casar el movimiento de Nintendo 3DS con el sistema 3D de su

pantalla superior no es una buena idea, por lo que a la hora de movernos sobre una inmensa bola de Luigis que irá creciendo conforme pasemos sobre ellos (usando los sensores de movimiento de la consola) se nos dará la opción de desactivar la vista 3D simplemente pulsando un botón. Se agradece porque, a pesar de la pérdida de luminosidad de la pantalla con el 3D activado, jugar ‘Mario & Luigi: Dream Team Bros’ con el botón de profundidad al máximo es altamente recomendable. Al afirmar que estamos ante el juego que mejor uso hace de este sistema, convirtiendo cada uno de los momentos del título en algo mucho más espectacular. La historia puede tener sus más y sus menos, inevitablemente atados por esa intención de contentar a cualquier tipo de usuario que se ponga a los mandos, pero los chistes de guión pierden la gracia y borran la sonrisa cuando se te explican las cosas tres veces o pierdes un tiempo precioso escuchando unas directrices que muy probablemente habrías aprendido por tu cuenta. ‘Mario & Luigi: Dream Team Bros’, como el resto de juegos apadrinados por Nintendo, tiene tomada la medida a las sorpresas para que siempre sepas qué te vas a encontrar sin llevarte decepciones. Pasar un minuto escuchando explicaciones sobre un sistema que ya has probado por tu cuenta segundos antes puede acabar fácilmente con tu paciencia, pero la recompensa tras esa travesía por el desierto bien vale la pena el esfuerzo. Alabar quejándonos es una combinación que podrían ahorrarse con unas simples directrices, pero que eso no impida que ‘Mario & Luigi: Dream Team Bros’ bien merece esos aplausos.

Plataforma: Nintendo 3ds Desarrollador: alphadream Distribuidor: nintendo

3 horas con modem y hasta 7 horas con telĂŠfono inalĂĄmbrico.