Freim #06 - Breaking Bad by Revista Freim

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SABORES 2

Desintoxicación DIRECTORIO y Ascenso

Director General: Fabián Zugaide / @fabozugaide Editor en Jefe: Alejandro Altamirano / @al__e

Alejandro Altamirano

-CONSEJO EDITORIAL-

Algunos todavía seguimos con los Ricardo Pineda / @RAikA83 escalofríos del bajón, otros quizá todavía sigan saboreando los efectos de la droga Claudia González / @clopekas más elegante que la televisión ha fabricado Jeronimo Luna @jlhmomo en los últimos años: Breaking Bad. Considerada ya por muchos, expertos o no, la mejor serie de televisión de todos los tiempos, Breaking Bad ha logrado tal empatía fuera de la pantalla que sin lugar a dudas a pasado de ser un simple show de tv, que vió su fin apenas el mes pasado, a convertirse en todo un fenomeno mediatico y social. Justamente, ese reflejo social ha sido desmenuzado en uno de nuestros textos centrales, el cual ha sido escrito con sumo cuidado para evitar darle spoilers para los que a estas alturas aun no han concluido las aventuras de Walter White. Por otra parte, es indudable que octubre se ha convertido en un mes muy especial, musicalmente hablando, para la Ciudad de México y otras partes de nuestro país. El Corona Capital, la presentación de Crystal Castles, la cual se debe considerar casi milagrosa y heroica debido al historial de cancelaciones que tiene el dúo electrónico, la primera visita de Atoms For Peace y el regreso de Tame Impala son sólo algunos de los actos que engalanaron y nos harán disfrutar octubre hasta el último día.

-CUENTAS Y RP-

Elena Carlin | elenacarlin@revistafreim.com

-COLABORADORESJ. Ismael Canales, Ivan Altamirano, Augusto Lecona, Rafael Paz, Phersoix Franco, Isaac de la Rosa, Ana Martínez, Omar Lied, Jorge Torres Espinosa

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Revista Freim es una publicación con una periodicidad de cada 6 semanas, editada, publicada e impresa por Freim Publicidad y Marketing. Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título No. 04 -2013 – 051414374500 - 102. Certificado de licitud de contenido en trámite. Domicilio de la publicación: Tonalá #183 Piso 1. Col. Roma C.P. 06700 Del. Cuauhtémoc, México D.F.

Para los amantes de la pantalla grande incluimos un texto que seguramente saciará su gula por el séptimo arte. Se trata del ascenso de Alfonso Cuarón, quien estrenó su filme más reciente “Gravity”. La información y contenido de los artículos son responsabilidad de los autores. Se permite la reproducción parcial de los

Todo eso y mucho más conforman esta materiales siempre y cuando se cite la fuente. nueva Freim, la cual por cierto está a muy poco de cumplir un año más y lo El material utilizado, así como las marcas y logotipos son celebraremos en El Pasagüero, estén propiedad de sus respectivos fabricantes. atentos a las redes sociales ya que estaremos regalando cortesías para que nos acompañen en nuestro festejo. ¡Disfrútenlo y que la caída les sea leve! AÑO 4 No. 06, OCT/NOV 2013, EJEMPLAR GRATUITO.

Estamos con...

¿Quién? Arcade Fire ¿Con cuál? Reflektor ¿Cuándo? 29 de Octubre

Estamos con... ¿Por qué? Hablar de Arcade Fire es hablar de una de las mejores bandas a nivel mundial de la actualidad, una banda que llegó a romper estereotipos musicales y crear nuevos paradigmas sonoros, la banda indie que impactó la industria de tal manera que fueron premiados con el Grammy a mejor disco del año por su anterior placa “The Suburbs”.

de un monstro de la música, el mismísimo David Bowie, que incluso comentó que estuvo cerca de robarse el tema de los canadienses si no se apresuraban con la mezcla final de la pieza. Cabe resaltar el trabajo audiovisual que acompañó a ‘Reflektor’, dos videos del tema fueron lanzados, uno convencional dirigido por Anton Corbijn donde se muestra a la banda realizando un viaje en la oscuridad, y un video interactivo que es simplemente maravilloso, en el cual con ayuda del mouse o un Smartphone y la cámara web de la pc puedes darle tu propio giro, haciendo del video algo más íntimo y único.

Después de mantenerse a las sombras con la única información de que trabajaban en un nuevo álbum con Peter Murphy, líder de LCD Soundsystem, en la producción, los canadienses iniciaron una de las más interesantes campañas promocionales que se han visto. Sin mostrar ningún tipo de relación con el grupo, cientos de círculos con rombos y letras que escribían REFLEKTOR comenzaron a aparecer aleatoriamente en todas partes del mundo, mediante grafitis en edificios, o dibujos de gis en las paredes. Una página de Facebook fue creada y el nombre de The Reflektors comenzó a estar en boga, ¿de qué se trataba? ¿Era acaso una nueva banda?

A este tema lo acompañarán 12 canciones más, distribuidas en un álbum doble que, según palabras la banda, será más bailable que sus antecesores. Una campaña mediática nunca antes vista, la participación de David Bowie y Peter Murphy, el regreso de la banda más innovadora de los últimos tiempos, una canción de casi 8 minutos de perfección, motivos sobran para esperar con ansias “Reflektor” un álbum que promete superar a su antecesor, una labor para nada sencilla.

En medio de la incógnita sobre esta esta campaña anunciaron de la manera menos convencional posible la fecha de salida del álbum, mediante un tweet respondiéndole a un fan: “El 29 de Octubre sale nuestro nuevo disco”. Días después se descubriría que esos extraños círculos eran en efecto parte de la campaña para promocionar “Reflektor”, campaña por la que incluso fueron acusados de vandalismo, debido al uso de marketing de guerrilla

Mientras esperamos “Reflektor” recordemos la trayectoria de Arcade Fire con 7 canciones que ilustran las capacidades de esta gran banda. 7.- Rebellion (Lies) 6.- Crown Of Love

Sin embargo todos estos antecedentes y este show mediático fueron sólo condimentos a lo que seguiría.

5.-Well And The Lighthouse 4.- Sprawl II

El 9 de septiembre a las 9 horas (09/09/09) finalmente pudimos escuchar en su totalidad el primer sencillo que le da nombre al disco. ‘Reflektor’ es un tema de casi ocho minutos de excelente calidad musical, vientos que se combinan con guitarras en el momento justo, armonías espectaculares y la colaboración vocal

3.- No Cars Go 2.- Wake Up 1.- The Suburbs

Al Tanto...

A 20 años de “In Utero”, el álbum que engendró un sonido que inspiró a muchos.

Por: J. Ismael Canales

Trascender es uno de los objetivos del ser humano desde tiempos inmemoriales, y de todos los que hemos habitado la tierra sólo un porcentaje muy pequeño ha conseguido el objetivo.

En el mundo musical el hecho de editar un disco o tener una canción en la radio no garantiza trascendencia, hay miles de one hit wonders y miles de discos olvidados en viejos estantes o bodegas, discos que quizá nunca escucharemos. Por otro lado están los que dejaron huella en la música, grupos aun en activo que pueden ser considerados héroes vivientes y bandas muertas que son recordadas como leyendas, siendo claro ejemplo de esto tenemos a Nirvana.

Al Tanto... Kurt Cobain, Krist Novoselic y David Grohl fueron el estandarte del sonido de Seattle, mejor conocido como grunge; música de guitarras distorsionadas y agresivas, baterías salvajes, voz gutural y letras que exponían el descontento de una generación de inicios de los noventa.

materia consideran más influyente a “In Utero” a pesar de haber tenido menor éxito comercial. Grupos de la escena grunge como Pearl Jam, Alice in Chains, Soundgarden, Hole, entre muchos otros, e incluso bandas que no comparten este género como The Hives, Muse, y Garbage, por mencionar algunas, han aceptado haberse inspirado en la banda de Cobain para hacer música, utilizando muchas bases musicales presentadas en “In Utero”, convirtiéndolo en un álbum que sigue presente directa e indirectamente en nuestros tiempos, un sonido que sirvió de influencia y es parte importante de la cultura auditiva global.

Tres discos fueron suficientes para que se consagraran, siendo “In Utero” el último de ellos lanzado ya hace 20 años, material que musicalmente se encuentra casi a la altura de su obra maestra “Nevermind”. En 1993 la banda de Seattle tenía la difícil misión de lanzar un álbum que pudiera alcanzar el éxito de su predecesor, Nirvana quería que su tercera placa tuviera un sonido más sucio, más visceral, más honesto que sus anteriores obras y para conseguirlo recurrieron a Steve Albini, encargado de mezclar el gran “Surfer Rosa” de Pixies, entre otros grandes álbums, para la producción del material. El resultado no fue satisfactorio para el grupo ni para el sello discográfico DGC, que amenazó con no sacarlo a la luz al no sonar muy comercial, por lo que tuvieron que recurrir a Scott Litt para remezclar las pistas y llegar al sonido que la banda pedía.

Aunado a eso, el disco nunca se ha dejado de vender o descargar de la red, el tiempo no parece afectar a la obra de Nirvana y para complacer a todos los fans de antaño y los que quizá no habían nacido cuando este material vio la luz, se ha lanzado una versión conmemorativa del 20° aniversario, que consiste en 3 discos: uno con el disco íntegro y remasterizado, el segundo con los lados B de esta placa, donde destaca la aparición de ‘Forgotten Tune’, tema inédito de la banda, y el tercero grabado en vivo durante una presentación en el Paramount Theatre de Seattle.

El producto final fue una gran obra, que plasma a la perfección el sonido de Seattle con guitarras rasposas, voz desgarrada y una batería salvajemente perfecta.

Nirvana sigue vivo, de eso no hay duda, la importancia de esta banda radica en que han trascendido tiempo y espacio, llegando a los oídos de personas en todas partes del mundo y miles de adolescentes que ya no lograron ver a la banda en activo.

Pero a todo esto ¿Es “In Utero” un álbum importante en la música de las últimas décadas? ¿Tiene relevancia aun hoy, 20 años después de su lanzamiento?

En palabras de David Grohl: “Una de las razones por las que “In Utero” todavía suena bien hoy en día es porque es el sonido de tres tipos normales. Es lo que es. Hay imperfección e inconsistencia. No lo pulimos ni limpiamos para presentarlo. Lo grabamos, muchas veces en una toma, y entonces decidimos que eso era lo que necesitabas oír porque era real en esa forma. Cuando oigo una canción de “In Utero” en la radio entre otras grabaciones modernas destaca porque suena a nosotros, la única gente que sonaba como nosotros, éramos nosotros. Así debería ser un músico”.

El 13 de septiembre de 1993 esta placa vio la luz, colocándose en el número uno de Billboard al vender 180,000 copias en su primera semana, a pesar de la censura que tuvo en cadenas comerciales estadounidenses como Walt Mart y KMart, que no lo vendieron debido a su polémica contraportada que era una collage de fetos, obligando que el sello discográfico lanzara otra edición con un empaque distinto. Fue recibido por la crítica de gran manera, pero nunca dejó de situarse a la sombra de “Nevermind”, aunque hoy en día expertos en la

Al Tanto... Por: Augusto Lecona | @elcadavere

Arena México: 80 Años de Lucha Continua Tenía unos 5 o 6 años de edad, frecuentemente siempre acompañaba a mi mamá al tianguis que cada viernes se instala cerca de mi casa, mi intención era definida, pues además de ayudar a cargar alguna bolsa ella podía comprarme un dulce y mejor aun… En aquel mercado ambulante; entre frutas, verduras y legumbres nunca faltaba un puesto de juguetes, los mejores juguetes que un niño puede tener, esos que tienen una hechura de plástico firme en la misma posición (un brazo arriba y uno abajo) y que se despintan con el sudor de las manos después de tanto, si, tu también tuviste uno, son los héroes de carne y hueso que se inmortalizan cada domingo en el cuadrilátero que dice tener circo, maroma y teatro.

El Día que sea Luchador…

Al Tanto... Fotos: Ana Martínez

De Carne y Hueso Abrí el cajón, tome mi mascara plateada, mi capa y calzoncillos, salí a la calle, ahí estaba un auto clásico esperándome, antes de ir a la arena me dispuse a dar una vuelta rápida por la ciudad, quizá algún maleante, un zombie o unas momias necesitaban un escarmiento real, iba disfrutando del camino, algunos rayos de sol aun caían sobre la ciudad de México, note que varias personas me miraban y se amontonaban sobre la avenida Reforma, por ahí en las rejas de Chapultepec, pensé que quizá había un problema en el que podía ayudar… La Exposición Entonces vi que no pasaba nada grave y pensé: ¿Quién no quiere vivir la lucha libre al máximo en este país? Tome mis manos hacia mis ojos, los rasque y cuando las quite todos estaban mirándome con asombro, pues no era el verdadero Santo, no tenía ninguna lucha en la Arena y mi auto no era un clásico, era una Brasilia naranja con varios golpes y rayones, estaba mal estacionada sobre Reforma, detrás de ella un sinfín de autos y mentaderas de madre eufóricas, casi veía volar un vaso con orines sobre mí, todo como en las luchas.

Un recorrido entre llaves, vuelos, dimes, diretes, gritos, pasión, euforia, íconos y mucha lucha es lo que presenta la exposición “Arena México: 80 años de Lucha Continua del Consejo Mundial de Lucha Libre”, un aproximado de 60 imágenes expuestas en las ya mencionadas y bien montadas galerías abiertas de las rejas de Chapultepec en el D.F. y que estarán del 9 de septiembre al 31 de enero de 2014. Termine el recorrido, recomendable y excitante, volví a casa donde mire mi altar de luchadores, sus caras aun diferencian sus personalidades; unos rudos, otros técnicos, todos en la misma posición, solo falto yo, el sueño de siempre, pero sé que cuando el CMLL me descubra, mi foto brillara en la exposición y en mi repisa también.

Al Tanto...

Bushwick: un lugar en el que el graffiti, vino a cambiarlo todo. Por: Phersoix Franco. Editora en Not So Under (http://notsounder.wordpress.com/)

Uno de los tipos de arte en el que más se puede ver reflejado este factor, es en el arte urbano. Cabe mencionar que dentro de éste, hay diferentes formas de expresión y tratar de comparar cual es mejor es sólo una pérdida de tiempo. Desde un tag en la calle (nombre con el que se le conoce a la firma de un graffitero) hasta un mural tienen diferentes características y propósitos, y lo único que comparten es el factor que hace que la gente los haga.

artistas están obligados a mejorar ellos como tal y brindar más allá de pieza de arte, una experiencia para toda la comunidad, e incluso mejorar la calidad de vida de la misma. Aunque esto pareciera imposible, en los últimos años, una comunidad de Nueva York ha sido ejemplo de que esto se puede conseguir, a base de forjar una unión entre todos los habitantes de la comunidad y el impulso a hacer del lugar en donde vives, un mejor espacio.

En la mayoría de los casos, el arte urbano forma parte de la protesta hacía un acto previo, la mayoría de las veces, es la reacción en contra de la misma incongruencia de que aunque las calles sean “un espacio público” en realidad no lo son.

Bushwick es un barrio dentro de Brooklyn, el cual hace algunos años, era uno de los lugares con la peor calidad de vida para todos los que habitaban ahí, los problemas eran principalmente causados por el alto nivel de delincuencia, haciéndolo además de peligroso, un poco (muy) inhabitable.

También han existido muchos casos en los que las mismas “acciones de la ley” o la ausencia de ellas, han sido las que hacen que los artistas busquen en las calles un medio para expresar su inconformidad, haciendo que la misma comunidad se apropie de su espacio y sean ellos mismos que exijan y protejan lo que los artistas hagan.

Joe Ficalora, quien radica desde hace muchos años en ese espacio, vivió personalmente los estragos de aquella situación al perder a sus padres por la falta de seguridad del lugar. Primero su padre fue asaltado a mano armada y asesinado fuera de la estación Jefferson (una de las más cercanas a Bushwick) y posteriormente su madre murió de cáncer un año después.

Esto es muy importante, ya que cuando consigues una reacción de esa magnitud en las personas, los

Al Tanto...

Perder a su familia fue un hecho complicado para Joe, pero el apoyo de sus amigos y de los padres de éstos, el amor por el lugar en donde había crecido y la plena necesidad de mejorar la situación del mismo, para que ningún otro niño volviera a vivir lo que él sufrió en su infancia, fue lo que hizo que encontrara en el arte urbano el medio exacto para mejorar su hogar. Así fue como, a través de invitar a diversos artistas y graffiteros a intervenir los muros de aquel lugar, logró que la misma comunidad se uniera e hicieran de Bushwick, un espacio más seguro y mucho más disfrutable. A través del proceso curatorial que Joe empezó a realizar, muchos artistas se interesaron en recuperar aquel lugar a través de su arte. Así fue como Nychos, Pixel Pancho, Obey, Vihls, The Yok, Seryo, 123klan (por mencionar

algunos) se unieron para transformarlo. El resultado es tangible, hoy Bushwick es más que un espacio habitable, un espacio lleno de cultura y arte que se ha logrado mantener gracias al apoyo de la gente y los artistas o colectivos involucrados. Si bien anteriormente para crear arte, sólo era necesario contar con un talento especial y las ganas de crear algo que fuera “bello” para los espectadores y otras veces sólo fuera con el objetivo de registrar algún hecho histórico; hoy los objetivos y factores que los caracterizan se han transformado totalmente. Hoy, con el paso del tiempo, hay una cualidad en especial que ha permanecido en cualquier tipo de obra o disciplina que se quiera crear: el factor humano.

Sonó en freim...

Babasónicos “Romantisísmico”

Por: @Raika83

dorado de la tanga demoniaca, al ras de la piel de seis vírgenes descalzas. Eso ya es cosa del pasado. En “Romantisísmico”, la analogía está supeditada a la comparación obvia, rayando en lo “Arjonesco”, la fórmula está gastada y se aferra a querer repetirse. Babasónicos es una gran banda, dinámica y muy disciplinada para mantener el paso de grabación y presentaciones en vivo constantes, no debería juzgárseles tan severo por hacer un disco tan mediano como “Romantisísmico”. O ellos debieron relajar un poco más el paso, depende de quién lo vea. Incluso “Carolo”, el Lados B de “Jessico” publicado el año pasado es más interesante que éste.

¡Esperen! ¡Bajen sus armas! Antes de juzgar mal, otra vez, al nuevo disco de los Babasónicos, “Romantisísmico”, hay que situarlo en su justa dimensión. Hubo un tiempo en el que Babasónicos tenía letras realmente fumadas, sexuales y abigarradas, prácticamente incomprensibles, que mamaban del surrealismo, la psicodelia, Aleister Crowley y Thomas Pynchon, entre un montón de referencias que pocos conocíamos.

Doce cortes que se pasan volando, que no atrapan, que son amor pacheco y sexualoso, guitarrita acústica para luego ‘treparlo’ (‘Aduana de palabras’), el tema rock de rigor con ‘El Baile de Odín’, vamos, los temas más sustanciosos del disco son el sencillo que abre el disco, ‘La Lanza’ y el cierre tranquilo con ‘Celofán’. Ni un giro de tuerca, cero contundencia, coqueteo a otros horizontes, nada. “Romantisísmico” no trae nada, y parece que al menos éste y los dos discos pasados nos los pudimos haber ahorrado o sacar un aceptable disco de nueve temas con los tres.

Con “Romantisísmico”, onceavo disco oficial de estudio del grupo argentino comandado por Adrián Dárgelos, Babasónicos parece reafirmar el declive creativo mostrado discos atrás. Con los argentinos, la cosa es clara: “Miami” (1999) fue el final de una época loca y autocomplaciente para entregarse a las masas de “Jessico” (2001) hasta nuestros días. De a poco, el público de los Babasónicos fue más joven, multitudinario y heterogéneo, su mezcla de boleritos kitsch refrescados les vino bien. Habían evolucionado hacia un pop más digerible, sin embargo la maldad y el doble mensaje seguían intactos.

A estas alturas de la vida, uno ya no espera nada de los Babasónicos, los fans de “Pasto”, “Trance Zomba” y “Vórtice Marxsista” se fueron hace ya muchísimo tiempo, ya crecieron, se murieron o se rehabilitaron. Desde “Infame” (2003), el sexo salvaje, las drogas y los paisajes oníricos parecen más amables, casi infantiloides. Ahora lo han logrado, si uno fue fan de Babasónicos o le entró con “Jessico” a inicios de sus veinte años, con “Romantisísmico” es momento de decirles adiós.

Pero con “Anoche” (2005) y sobre todos con sus dos anteriores trabajos (“Mucho” y “A Propósito”), parece que el conjunto se volvió complaciente con lo faciloide y lo soso. Lejos han quedado los temas que había que escuchar más de una vez para agarrarles el malévolo hilo

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Moby “Innocents” Por: J. Ismael Canales es necesaria para que empecemos un viaje al interior de nosotros. Las revoluciones suben un poco, y el piano deja de ser gris para darnos notas alegres y se escuchan coros muy góspel en ‘The Perfect Life’, tema en donde colabora Wayne Coyne de The Flaming Lips y que brinda de ese misticismo que lo caracteriza. Moby ha vuelto con la fórmula que domina, sentimientos opuestos que se funden en un ritmo.

Conforme avanzan los temas el álbum nos atrapa más, ya sea en momentos de amena relajación con ‘The Last Day’ y ‘The Dogs’, en instantes donde quieres mover el cuerpo al ritmo de la música como en ‘A Long Time’ y ‘Saints’, en situaciones donde la sensualidad esté presente puede ser acompañada con ‘Don’t Love Me’ y cuando todo parezca estar perdido será el momento perfecto para que nos acompañe ‘The Lonely Night’.

Después de una serie de discos medianos y quizá imprescindibles, Moby está de regreso en el juego con “Innocents”, su nueva producción discográfica. Doce pistas conforman un álbum que tiene un sonido que nos recuerda los primeros trabajos del estadounidense, ya no opta por los beats y ritmos propios de una discoteca nocturna, ya no son esos sonidos vivos y felices de sintetizadores, hemos vuelto a la etapa triste, reflexiva, romántica y tranquila, la mejor faceta del músico.

Canciones en In Crescendo constante, un coqueteo con las cajas de sonidos características del Trip Hop, unos beats que pasan a segundo término, opacados por los excelentes arreglos vocales, e instrumentales es algo de lo que podemos encontrar en este material.

“Innocents” es un álbum que dé inicio no nos dice mucho, el tema que lo inaugura, ‘Everything That Rises’, genera un sentimiento de confusión al iniciar con un extraño sonido que se repite una y otra vez pero toma forma cuando los demás instrumentos se le unen, terminando como la antesala perfecta para lo que sigue. ‘A Case For Shame’ se presenta con un combo de piano y voz femenina al que se le suman unos vientos que crean una atmósfera nostálgica perfecta.

Moby ha vuelto con su fórmula secreta, con esas mezclas perfectamente realizadas donde las emociones se liberan, “Innocents” contiene la esencia de “Play” y en momentos la nostalgia y melancolía de “18”, sus dos más grandes obras, es un álbum que quizá ames al instante o sea difícil de digerir, todo depende el mood en el que lo escuches, pero sin lugar a dudas, es un disco que nos demuestra que la electrónica emotiva del estadounidense está más presente que nunca.

De la nostalgia pasamos a la tranquilidad con ‘Almost Home’, donde los sintetizadores que crean sonidos de instrumentos de viento son los protagonistas. Con ‘Going Wrong’ volvemos a decaer, el piano aparece de nuevo y la voz no

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Kings Of Leon “Mechanical Bull” Por: J. Ismael Canales

Los temas de este disco nos llevan por una montaña rusa de emociones, ‘Wait For Me’ y ‘Tonight’ son temas lentos y también tenemos unos más rápidos, como ‘Temple’ y ‘Coming Back Again’. Ya no encontramos guitarras estridentes ni riffs simples, en esta placa hay música más elaborada y un disco muy bien cuidado en la producción.

‘Supersoaker’ anuncia el inicio fuerte y melódico del álbum, la batería marca el ritmo de unos bien elaborados riffs y una agradable melodía en la característica voz de Caleb Followill.

Cerrando la placa nos encontramos con ‘On The Chin’ otra balada con guitarras acústicas que suenan muy folk y a la vez muy campiranas, de una lírica conmovedora y toques eléctricos que sirven de perfecto complemento a la canción, otro de los grandes temas que cierra de muy buena forma este disco.

Después nos encontramos con ‘Rock City’ una gran canción, con una guitarra marcando todos los acordes a la perfección y otra realizando arreglos y bends up que le dan un toque de oldschool rock a la canción, con un solo sencillo pero interesante y una voz que le da más vitalidad el tema. Le sigue ‘Don’t Matter’ canción que nos recuerda el lado garage rock de la banda.

“Mechanical Bull” es una experiencia diferente en lo que a discos de Kings Of Leon se refiere, quizá es difícil digerirlo al inicio porque se nota un gran cambio en su forma de hacer música, ya no son esos novatos audaces de canciones rápidas y sencillas como ‘Red Morning Light’, en sus composiciones actuales notamos más fuerza lírica, guitarras menos salvajes y más precisas, canciones más lentas pero más elaboradas. Sí, es un disco que requiere escucharlo más de una vez para dejarnos flechado, es el disco donde Kings Of Leon mejor se han proyectado.

Esta trilogía brinda al álbum de una gran personalidad, y nos hace creer que será un disco energético, pero no es así. ‘Beautiful War’ es una balada que baja las revoluciones, bueno, a decir verdad es una balada que nos baja el ánimo, un tema bastante emotivo que alcanza su punto máximo en el coro. Avanzando en el álbum nos encontramos con otro gran tema ‘Family Tree’ que nos sorprende desde el inicio con un ritmo de batería y bajo muy funk al que se la van sumando rasgueos esporádicos de guitarra, una línea vocal muy estilo del rock sureño, e incluso un coro muy góspel, es decir, una fusión perfecta de géneros.

Detrás de la consola...

5 aplicaciones móviles para hacer música

Por: Omar Lied

sampleos realizados por la Orquesta Sinfónica de Londres; incluyen sonidos de guitarra por Neil Zaza, sampleos de banjo por Victor Wooten y sonidos de baterías por Futureman Wooten. Puedes conectar tu controlador MIDI a tu iPad para tocar los instrumentos y crear tu Partitura de una manera muy sencilla.

Hemos llegado a un punto tecnológico en donde creemos que se puede tener prácticamente todo a la mano como en un Smartphone con las llamadas APPS. Ellas vienen a resolver situaciones, momentos en nuestras vidas de una manera fácil, portátil y de alguna manera económica en comparación al hardware. Hablando de aplicaciones musicales, éstas nos ayudan a desarrollar nuestra creatividad en el momento, cuando esa idea viene a la cabeza, sin tener que llegar al estudio o a casa para desarrollar lo que se nos ocurrió. Además de esto, nos ayudan a compartir en el instante nuestras ideas con amigos y colegas, subirlas a la red o hacer lo que nos plazca.

4.- ProKeys: Puedes tener un teclado polifónico desde tu dispositivo, generando diferentes timbres de piano y otros sonidos como rodhes, órganos, acordeones, cuerdas, baterías, etc. Puedes tocar los sonidos desde su teclado virtual o conectando un teclado MIDI, además puedes grabar tus ideas e incorporar la voz de un cantante en la grabación. Cuenta con pitch bend, efectos, un loop player, entre otras interesantes herramientas.

Aquí te presentamos 5 aplicaciones que te ayudarán en el proceso creativo musical.

5.- Auto-Tune Star: En esta aplicación podemos encontrar funciones que nos ayudarán a corregir la afinación en la melodía de una voz, siempre y cuando no se abuse de la cantidad de efecto que se le aplique a la voz desafinada, ésta puede, mediante Auto-Tune sonar afinada de una manera natural (entendiendo que Auto-Tune tampoco hace milagros). Cuando se le aplica una mayor cantidad del efecto a la voz, ésta sonará afinada pero sin inflexiones y se hará más tosco el movimiento entre las notas de la melodía, creándose ese sonido con el que la cantante Cher vendió millones de discos con la canción Believe no hace tanto tiempo. Dependiendo el sonido que busques, la corrección de tono puede tener grandes resultados en una producción musical. El resultado depende de la paciencia y buen gusto hasta encontrar la idea correcta y natural de una voz, sin sonar artificial restando tiempo, cansancio y dinero. Muchos de los artistas que crees que no necesitarían esta herramienta tienen este efecto plasmado en sus discos.

1.- Guitar tool kit: Esta APP ideal para guitarristas con un iPhone, iPad o iPod tiene un gran número de herramientas como afinador cromático, metrónomo, sintonizador de precisión, un conjunto de más de 2 millones de acordes, escalas y arpegios para guitarra, bajo, banjo, ukulele y mandolina. Te ayuda a crear tus propias progresiones partiendo de su banco de acordes y agregando arpegios mientras usas los instrumentos virtuales para crear la base de tus guitarras, ya sea con un efecto limpio o con los emuladores de distorsión. 2.- Garage Band: Con su fácil manejo y amplias posibilidades, uno puede volverse un tanto loco si te adentras en su entorno. Sus amplias posibilidades MIDI, sintetizadores virtuales y un grabador multitrack, en donde puedes acomodar tus pistas con su secuenciador, hacen de Garage Band tu estudio de creación portable y no solo eso, además a través del puerto Bluetooth o WiFi puedes interactuar con otros músicos y grabar tus sesiones en tu iPad.

Si quieres conocer o usar algunas de estas APPS sólo pon el nombre de éstas en tu buscador. Ten en cuenta que también hay muchas otras opciones que puedes descargar de manera libre, sin tener que pagar ni un peso, algunas de ellas bastante útiles y otras que solo usarán un espacio inútil en tu dispositivo.

3.Notion: Esta aplicación se enfoca especialmente a la creación de partituras, aunque funciona también como editor y de igual manera para escribir y componer música. Tiene una librería de sonidos de gran calidad, reuniendo instrumentos virtuales que encontraríamos en una orquesta. Estos sonidos provienen de

Estuvimos en...

Por: Jorge Torres Espinosa (@Jorgeel13)

Crystal Castles en Cholula, Puebla. Después de meses y meses de espera (ya que el concierto había sido anunciado desde Enero), llegó el día.Ya no importaba si se había pospuesto tanto tiempo, si los boletos comprados desde abril ya estaban algo desgastados, ni que el clima fuera factor con las lluvias que habían caído con fuerza en la Angelópolis, ni mucho menos el poder escuchar una vez más el chiste trillado de la confusión de la banda con Cristian Castro. No. La gente sólo quería bailar con el 8-bit pegado en su oído, dejando que el noise y el synth también fuera parte de la penetración auditiva.

del Molino estallara para recibirla, sin tener en cuenta la cantidad de sudor que soltarían durante todo su espectáculo. La cabellera rubia de Alice se dejó ver, giraba y se alborotaba de un lado a otro, era un baile frenético lo que traía ella, dejando embobado al que lo tenía presente, levantando sus brazos y azotándose de un lado al otro de la plataforma, con su mirada perdida y una que otra extraña y sombría sonrisa. Sólo había dos momentos para lo que abría la boca: para tratar con crueldad al micrófono y para dar muerte a su botella de whiskey.

El sonido local guardó silencio, las luces empezaron a bajar de intensidad, todas las personas se dejaron caer sobre la vaya que hacia la división frente al escenario aunque ni siquiera había empezado a sonar lo que Ethan Kath tenía programado. De pronto, entra el productor seguido de su asombroso baterista y se empieza a hacer el ambiente previo para que Alice Glass, con su irreverencia, oscuridad y estilo violento, tome el escenario cubierta con su gabardina, haciendo que su voz hiciera que Bodegas

La barba y greña alborotada de Ethan, haciendo que el sintetizador distorsionado y el ruido nostálgico de nuestras viejas consolas de videojuegos estuvieran en nuestros recuerdos y pies, en conjunto con el virtuoso Christopher Chartrand, que le da un toque especial a sus shows en vivo y que provoca grandes emociones desde su batería, hacían que la noche en la capital poblana fuera perfecta.

Estuvimos en... Todo el mundo se torna agresivo al ritmo de la música que están ofreciendo, ya no sólo es el baile, son los saltos, la furia, los gritos, el cansancio y todavía la gente quiere más. Llega el encore, hasta parece que de tanta emoción el escenario se podía caer con sólo lo que destalla público. Pero lo que sí se cayó fue una valla, provocada por la forma en que la canadiense decide realizar una visita de cerca ante los poblanos. Más locura y Alice simplemente sonríe por el detalle. Acaba el concierto, definitivamente. Seguimos esperando que salgan una vez más, pero no lo harán. Ya no hay necesidad de que lo hagan aunque lo queramos con todo el corazón. Simplemente fue bruscamente perfecto. Alegría feroz es lo que sueltan los que fueron testigos de esto. Uno puede irse a dormir con el zumbido y despertar con él, al igual que la sonrisa otorgada.

Setlist: ‘Plague’ ‘Baptism’ ‘Suffocation’ ‘Wrath of God’ ‘Crimewave’ ‘Telepath’ ‘Celestica’ ‘Alice Practice’ ‘Vanished’ ‘Untrust Us’ ‘Black Panther’ ‘Not In Love’ 23

Estuvimos en...

Por @Raika83

Desgarbado no necesariamente es malo: Atoms for Peace en México La Ciudad de México hecha un caos por la lluvia y el tráfico, fans furiosos de Radiohead y un lugar que sigue sin cuajar en su acústica (el Pepsi Center) fueron la antesala de la primera y expectante de dos fechas de Atoms for Peace, supergrupo integrado por Thom Yorke, Flea de los Red Hot Chili Peppers, Nigel Godrich, Joey Waronker y Mauro Refosco.

Amok, o lo pareja que lució la primera parte. Sin embargo, el postre vendría para después de las 22:00 horas, cuando estalló el sencillo de Yorke, la poderosa “Harrowdown Hill”. A partir de ahí, la banda y el público por fin entró en calor y comunión; la gente bailaba de forma tribal, hipnotizados por la energía de Flea, quien tiene el poder de dotar a los temas más medianos del vocalista de Radiohead, de un ritmo elegante y preciso, le dan más onda de alguna manera, es un gran bajista que sin atascarse ni mostrar el protagonismo que lo caracteriza redondea muy bien las canciones, las hace más interesantes.

Cerca de las 21:30 horas aparecieron los autores de Amok (2013, XL REcordings) para arrancarse de lleno con casi todo el material del álbum. La abridora “Before Your Very Eyes” fue el inicio contundente de un menú lleno de síncopas, ritmos contrapunteados y beats electrónicos deconstruidos, con una escenografía luminosa muy atractiva visualmente, que simulaba la mecánica de chips electrónicos. La gente soltó el tremendo grito sin saberse aún los temas, los cuales aún en vivo sonaban como una revisitación más sólida de los trabajos de The Eraser (2006), el álbum de solista de Yorke.

¿Una banda inflada? ¿Un evento sobrevalorado debido a la fama de sus integrantes? Tal vez, lo cierto es que en vivo parecen funcionar más los temas rítmicos (el toque brasileño de Refosco ayuda bastante) que los abstractos, “Cymbal Rush” fue prueba de ello, por ejemplo. Thom Yorke acaba de cumplir 45 años apenas hace unos cuantos días (7 de octubre), luce vivaz y maduro en el escenario, con ganas de desaburrirse un poco del dramatismo Radiohead a base de baile y canciones menos sólidas que las del conjunto de Oxford.

Resulta interesante cómo el fanatismo de la gente no repara ni un segundo pese a la acústica deficiente del Pepsi Center, lo repetitivo y plano de muchas de las canciones que componen

Fotos Cortesía Lulú Urdapilleta/Ocesa

Estuvimos en...

Un concierto algo desgarbado en su primera fase, pero contundente en su contraparte, en la cual vendrían las sorpresas de la noche con “Rabbit in your Headlights” del mítico Psyence Fiction de UNKLE (1998), “Paperbag Writer”, lado B de Radiohead y hasta un cover de Marvin Gaye que no estaba en el programa (Got to Give it Up!), las cuales sellaron la entrega total del público, que de por sí ya estaba dada a los bolsillos del grupo. Las casi dos horas de conciertos cerrarían con “Amok”, el sabroso y sutil tema que da título al debut de la banda que no sabremos si continuará grabando o sólo se quedará como un alto en paralelo a la trayectoria de Yorke con Radiohead. “Atoms for Peace” fue la antesala del final, una de las favoritas de Yorke como solista, para terminar por amarrar los 18 temas de la noche con “Black Swan”, excelente cierre para un miércoles grato y memorable. No se esperaba menos.

“I Am The One Who Knocks”:

¿Por qué Heisenberg es el amo? 26

Por: Isaac de la Rosa Foto: CortesĂa AMC Networks 27

Repisa... Gabriel Berelleza se alista para salir al escenario en un camerino de los estudios Warner en Burbank, California. Él y su banda, pertenecientes a un movimiento de música norteña conocido como “sierreño”, son el acto musical del show del presentador estadounidense Conan O’Brien. El conjunto hace honor a sus orígenes con su nombre: Los Cuates de Sinaloa. Lejos ha quedado aquel día en el que los primos Berelleza fueron descubiertos en una banqueta de San Diego, California, donde tocaban sus destartaladas guitarras para conseguir dinero para comer, objetivo que no lograban cumplir algunos días. Hoy, los primos Berelleza pueden jactarse de haber sido parte de una de los fenómenos más grandes de la historia de la televisión. Este fenómeno se llama “Breaking Bad”, la serie de televisión estrenada en 2008 que ya es considerada una de las mejores escritas de todos los tiempos, la número 13, de acuerdo a la Writers Guild of America; y ha sido nominada para un total de 151 reconocimientos por parte de medios especializados, de los cuales ha ganado 50.

sólo una muestra del gran impacto que esta serie ha tenido en millones de espectadores. Bryan Cranston, el actor que interpreta a Walter White en “Breaking Bad”, declara en cada entrevista que ha concedido, que éste es el papel más importante de su carrera, y que el éxito del show se debe en gran parte a que su papel está perfectamente escrito. Es bien sabido que no fue fácil para él obtener el rol protagónico de la serie, toda vez que cargaba con la imagen del personaje de padre de familia, torpe e inocente, al que daba vida en la serie “Malcom in the Middle”. Pero, Vince Gilligan, creador de la serie, ya tenía conocimiento de los alcances histriónicos de Cranston, ya que en 1998 trabajaron juntos en un episodio de The X-Files, show para el que Gilligan trabajó durante más de 5 años. Walter Hartwell White se nos presenta en un inicio como un hombre completamente rebasado por las circunstancias. Un profesor de secundaria, que recién cumple 50 años, es diagnosticado con cáncer pulmonar. La figura de un hombre común y corriente, que ha renunciado a sus sueños y se ha sacrificado por su familia parece ser algo con lo que más de uno puede identificarse. Ver al mismo hombre ser diagnosticado con cáncer pulmonar nos estremece el corazón y nos hace desarrollar empatía hacia él, y justificar todas sus decisiones, con lo que queda claro que otra de las claves del éxito de la serie es el grado de identificación que tenemos con los personajes.

“Negro y Azul” es el nombre del tema que Los Cuates de Sinaloa interpretaron en el show de Conan O’Brien. Se trata de un narcocorrido que cuenta la historia de un capo de la metanfetamina llamado Heisenberg, tema que fue utilizado por primera vez en un capítulo de la segunda temporada de “Breaking Bad”. El crossover cultural que presenciamos, una banda de narcocorridos tocando para las audiencias estadounidenses, cerrando el episodio especial de “Breaking Bad” para uno de los presentadores más populares de Walter White se levanta de la televisión norteamericana, es tan madrugada, no puede conciliar

Repisa... el sueño, se queda a un paso de lograrlo, como todo lo demás en su vida. Una pequeña placa en la pared certifica su colaboración con un equipo que se hizo acreedor al premio Nobel de química gracias a su trabajo de investigación. Su cuñado Hank, agente de la DEA, suele meterse con él al señalar que su vida necesita un poco de emoción. Incluso su hijo, que sufre de parálisis cerebral, le mira con cierto desdén. Su esposa, Skyler, se impone a la voluntad de Walter, quien parece haber perdido toda capacidad de decidir sobre los actos más cotidianos de su vida. “Breaking Bad” nos cuenta la historia de un hombre bueno que toma malas decisiones. Un profesor de secundaria que al verse en una situación crítica, decide cocinar metanfetamina. Pero lo que en realidad nos ha mantenido al filo del asiento durante cinco temporadas es seguir la transformación de ese personaje, y si hay una escena que puede ilustrar el comienzo de este cambio, es esa en la que su socio y ex alumno, Jessie Pinkman, le cuestiona sobre su decisión de introducirse a ese mundo, a lo que Walt contesta “I am awake” (Estoy despierto). Dentro del universo de “Breaking Bad”, México juega un papel importante y existen varias referencias a la narco cultura de nuestro país. Existe un poderoso cartel mexicano que tiene inferencia sobre las decisiones de Gus Fring, creador de un imperio de producción y distribución de metanfetamina que ante la sociedad es un ciudadano ejemplar. También se le rinde culto al santo Malverde, una figura trascendental dentro del mundo del narcotráfico en México. Estos elementos nos ayudan a

comprender de una mejor manera la historia y nos hace identificarnos con lo que en ella se vive. ¿Recuerdan aquella vez que una persona se metió frente a ustedes en la fila? o ¿Qué tal el automovilista que nos corta el paso en pleno periférico?, ¿Una manifestación te ha hecho perder una cita de trabajo?, ¿De repente recordaste que Alejandra Guzmán le abrió a los Stones?, ¿Pueden percibir esa vaga sensación de venganza iracunda que empieza a recorrer su cuerpo?, ¿Qué hace falta para que nos dejemos llevar por esa rabia súbita que logramos dominar justo a tiempo?, ¿Qué hace falta para que nos dejemos guiar instintivamente y comencemos a actuar sin medir las consecuencias? “Breaking Bad” nos hacía una entrega semanal de ese alivio. “I am the one who knocks” pasará a la historia como una de las frases más representativas de la sensación liberadora que es tener la situación bajo nuestro control. Así, después de que la serie finalizó el mes pasado, “Breaking Bad” aún se siente fresca y viva, debido a que fue marcando un montón de íconos y referencias en nuestra vida. Nunca más podremos acudir a un establecimiento de pollo frito sin mirar con recelo al dueño, una pizza en el techo de una casa ya no nos tomará por sorpresa, el desayuno ya no será lo mismo sin el encanto natural con el que Walter Jr solía disfrutarlo, nunca más podremos ver a un abogado sin imaginarnos las 500 metáforas que Saul Goodman usaba para sugerir que alguien tenía que ser asesinado (“Send Him On A Trip To Belize” es mi favorita). Walter White se convirtió en un hombre malo y nosotros con estuvimos con él.

Repisa...

Corona Capital 2013:

Phoenix

Por: Ricardo Pineda / Fotos: Fabiรกn Zugaide

tu festival a veces no es mi festival

Queen Of The Stone Age

Repisa...

Lo interesante de lo que en apariencia conocemos como diversidad, es la capacidad de los individuos para ver de distinta manera un mismo fenómeno, de tal manera que si hablamos del festival Corona Capital del pasado 12 y 13 de octubre, por ejemplo, lo divertido será darse cuenta que la subjetividad es la reina que evidencie lo grande y heterogéneo de su naturaleza misma.

dentro y fuera del evento, que reflejan lo mucho que falta por asimilar una cultura cívica de convivencia ideal (con frecuencia nos quejamos que no tenemos un festival ‘de primer mundo’, pero un par de razones y motivos vienen de nosotros mismos como público). Pero amén de haber aclarado lo anterior, quien esto escribe debe insistir en que depende cómo hayas vivido el festival o a qué bandas y géneros te ciñas, es probable que tu evaluación del mismo sea diametralmente opuesto al de esta reseña.

¿A qué reseña te vas a apegar más? ¿Al enfoque serio y sociológico de La Jornada o a la desfachatez e ‘irreverencia’ de los textos de Vice? ¿A quién le vas a creer que fue un gran festival? ¿A tu amigo que sólo fue a ver a los Queens of the Stone Age y al que sólo le gusta el ‘rock de hombres’? ¿O a tu cuate que sabe hasta como se llama el bajista de Ice Age? ¿Qué festival vio cada uno?

Para Freim, la edición 2013 del Corona Capital fue una en la que sus partes eran igual o más grandes que las de ediciones pasadas, pero que el día de su exposición resultaron en un todo menos contundente que en otros años. ¿Por qué? Habían fuertísimas cartas que fueron satisfacción garantizada: Travis, Phoenix (quien es fuerte contendiente a lo mejor del sábado 12), White Lies, incluso Arctic Monkeys o Vampire Weekend cumplieron más que bien, dándole a la gente lo que deseaban, saciando las ganas de buen show y sonido impecable.

Quizás eso sea el lado más luminoso y positivo del Corona Capital: multitud, diversidad de públicos, variedad de gustos y formas de percibir la música. Una festividad, precisamente. Sin embargo, lo negativo siempre está ahí aunque no se diga con frecuencia: público que toma un festival de música como pasarela social o antro al que se puede ir a tratar a los vendedores de forma prepotente, excesos y demás eventualidad,

No es que el número considerable de cancelaciones en el cartel haya manchado

Travis

Repisa...

Repisa... Los puntos débiles del 12 de octubre fue la decepción parcial de M.I.A., que si bien prendió y fue llamativa en su show, se percibió como una presentación a la que le faltó más artista y menos parafernalia. A la distancia y en comparación, su set en el Mx Beat de Toluca de 2008 estuvo por demás más fresco y propositivo. Recordemos la subjetividad: que le haya ido muy bien a Blondie no significa que haya sido un set épico. Me recordó mucho el entusiasmo de la gente con la medianía de MGMT en el Motorkr Fest de 2008.

su desarrollo durante sus dos días, de hecho habría que resaltar lo profesional que se está volviendo la organización en cuanto a manejo de horarios y operación logística. Pero para algunos, muchos en realidad, el #CC13 estuvo un tanto desmembrado como experiencia total, desangelado y mediano para muchos. Por ejemplo, pese a que la deuda que tenía Sigur Rós con el público mexicano quedó saldada y muchos fans quedaron contentos, la crítica a la duración de su set y su ubicación de horario fueron cuestionadas por muchos. Un cartel irregular, que siempre se va tornando difícil de cumplir debido a las inclemencias del clima y las distancias que hay que recorrer entre un artista de otro.

¿Los puntos fuertes del domingo? Aunque más contundente que el cartel del sábado, el domingo 13 de octubre también tuvo un solo protagonista: Queens of Stone Age. Brutales, bárbaros, poderosos, entregados, roqueros, impecables; una hora 45 minutos de rock de guitarras, bajos obesos y baterías tronadoras. De antología, lo mejor de todo el festival para más de uno.

Lo que es cierto es que el día sábado, pese a la fuerte afluencia y lo entusiasta de la gente, las cosas no se tornaron interesantes hasta después de las 18:00 horas, tiempo en el que The Dandy Warhols, Kurt Vile, White Lies y Toy mostraron las tablas del resto de sus predecesores de escenarios. Mucho cansancio para un día honestamente irregular, que fue salvado por un sobrevalorado pero efectivo The XX y por el público que fue más fiel a su nostalgia que al gastado desempeño en el escenario por parte de Blondie.

Un domingo arriesgado en su sonido (Fuck Buttons le costó al público ajeno digerirlos, pero lograron poner la atención y saber disfrutarlo), en el que Savages, Jamie XX y Jake Bugg demostraron ser de lo mejor del panorama musical actual. La nostalgia sólo hizo su agradable aparición con unos Stereophonics que siempre han sido parcos pero efectivos, con The Breeders, tocando el disco de culto ‘Last Splash’, y quizás un poco con los Jimmy Eat World, que tiene a un público que ya no es tan emocional pero sí igual o más fiel que nunca.

El balance ¿Los puntos fuertes de ambos días? El sábado, el consenso silencioso tuvo un solo nombre: Phoenix. Si hay una palabra que defina al show de los franceses es precisión, aunque la pulcritud y el carisma son parte inherente de los autores de “Lisztomania”.

¿Los puntos débiles? Unos The Black Angels que son muy buena banda pero que les falta contundencia y mayor presencia escénica, una Grimes a la que todo le aplauden pero que sigue siendo inconsistente en el escenario, al igual que unos sobrevalorado pero muy amados y ya mencionados Sigur Rós. En esa misma cancha aparece otra vez la ambigüedad: la entrega de la gente ante un artista efectivo pero barato, Miles Kane. Kane lo tiene todo: buen sonido, carisma, potencia, efectismo, contundencia. El público

Un fin de nostalgia, en el que la escases de público en el set de los grungeros Dinosaur Jr., no impidió que la misma fuera legendaria, de culto e inolvidable. Recordar lo grandioso que sigue siendo en nuestro corazón Travis, o lo mucho que recordamos con los beats anquilosados de The Crystal Method imperó como lo mejor del primer día.

Vampire Weekend

Blondie

Repisa...

mexicano se le entregó entero, pero el tipo exacerba su buena suerte, como alguna vez lo hiciera Liam Gallagher en los noventa. El tiempo le dará la razón a Kane, y no sus recursos de aplausos constantes, de “eh, eh, eh”, ni de ponerse el uniforme de la Selección Mexicana.

Sí, se extraña el slam y ese halo de peligrosidad en los conciertos, pero los tiempos cambian, las bandas y el público que va al Corona Capital no sólo son acólitos de Ibero Radio y Reactor, también son chavos de menos de 20 años que sólo quieren ver de qué va, que se quieren divertir, que están conociendo la música y que para fortuna o desventura no reconocen el valor histórico de un disco como Last Plash o de una banda como Dinosaur Jr. Ojo: no están obligados a hacerlos y también tienen el derecho de ir a un festival de calidad.

Los Arctic Monkeys y Giorgio Moroder se cuecen aparte de estas menciones: sabíamos que iban a estar brutales, los vimos, lo esperábamos, los disfrutamos. No hay sorpresas pero el que haya sido acorde lo planeado y esperado se agradece muchísimo. El mejor de los días sin duda alguna.

Cabría esperar que con el clima de reformas y ajustes financieros, los precios ni la calidad del cartel se desborden o pierdan la calidad que han mostrado hasta ahora, que las engorrosas situaciones de bloqueo de señal, limitada oferta gastronómica y logística de acceso siga mejorando para bien de una experiencia óptima y total. Larga vida al Corona Capital, y una veladora en pro de un público más crítico y respetuoso.

Giorgio Moroder

Grimes

Un festival diverso a más no poder, variopinto, algo desgarbado, masoquismo para melómanos y fanáticos de la música actual, pero no por ello menos inolvidable y propositivo. El Corona Capital sigue siendo a tres años de haberse instaurado en la curva Autódromo Hermanos Rodríguez, como el termómetro de lo actual, lo popular y el rock que marcó tendencia en alguna época perdida de los ochenta hacia acá.

Repisa...

Palomitas... Probablemente el menos conocido de los Tres Amigos, Alfonso Cuarón Sólo con tu pareja (2001) Tomás Tomás (Daniel Giménez Cacho) es un publicista con un apetito sexual insaciable, no deja monte sin bandera. Un buen día, una de sus tantas conquistas y desamores decide vengarse: cambia su examen de VIH de negativo a positivo. El acabose para cualquier chupamirto. Acompañado por dos de sus colaboradores de cabecera, su hermano Carlos en el guión y Emmanuel Lubezki en la cámara, Cuarón debuta con un retrato del amor yuppie en la Ciudad de México lleno de clichés y estereotipos, aunque no por eso menos gozoso. Tiene sus fallas como la mayoría de las óperas primas, aunque ya era posible observar algunos de los rasgos más característicos de su cine: buena dirección de actores, atención al detalle, etc. La princesita (A Little Princess, 1995)

Un estilista chilango en Hollywood: Alfonso Cuarón

Por: Rafael Paz

Sara (Liesel Matthews) termina en una escuela para señoritas cuando su padre se enlista en el ejército para participar en la Segunda Guerra Mundial, ahí colisiona con la represiva directora del lugar. Las cosas se complican cuando su padre desaparece en acción y todos sus bienes son incautados por el gobierno británico. Las creencias (toda niña es una princesa) y la creatividad desbordada de Sara se

Palomitas... pondrán a prueba.

después con la llegada de Cuarón. En las primeras dos entregas, la aventura infantil imperaba. Para El prisionero de Azkaban, el cineasta mexicano logra hacer creíble el crecimiento de los personajes, logra retratar de manera convincente ese paso llamado pre-pubertad.

Cuarón logra hacer un relato desde una perspectiva infantil sin menospreciar a sus personajes o infantilizarlos, además es uno de sus trabajos más logrados visualmente. Es el primer paso de lo que vimos después en Harry Potter 3.

El maguito salvador de la humanidad (Daniel Radcliffe) debe enfrentar su tercer año de escuela mientras un misterioso mago escapa de la cárcel para cobrar venganza… y él parece ser su objetivo. En su primera incursión con un gran presupuesto –unos 130 millones de dólares–, Cuarón salió bien librado con la crítica y el público.

Grandes esperanzas (Great Expectations, 1998) La clásica novela de Charles Dickens se ha adaptado en diversas ocasiones a la pantalla grande y chica, posiblemente la más famosa sea la de David Lean del 46. La versión de Cuarón traslada la acción a nuestros días para darle un toque moderno al relato. El huérfano Finn (Ethan Hawke) se enamora de la evasiva rubia perfecta (Gwyneth Paltrow), pero su posición social le impide ser más lanzado con la morra. Un misterioso mecenas convertirá a Finn en un popular artista citadino, ¿será merecedor de los favores de la doncella soñada?

Niños del hombre (Children of Men, 2006) Podríamos decir que Niños del hombre es la consagración de Cuarón como auteur, su boleto de entrada a las ligas mayores. En el año 2027 la humanidad se ha vuelto infértil y el panorama luce oscuro. En medio del caos, una mujer se embaraza de forma milagrosa. Theo (Clive Owen) es un hombre acosado por su pasado, apático y solitario, inesperadamente es la persona encargada de escoltar el tesoro más grande del planeta a un lugar seguro.

El principal problema de la cinta es su guión –escrito por Mitch Glazer–, la mayoría de los personajes carecen del desarrollo necesario para hacer caminar la historia y por momentos se enfoca demasiado en la trama romántica. Ante eso, Cuarón opta por hacer viñetas de las situaciones recargado en la hermosa fotografía de Lubezki.

Aderezada con un soundtrack increíble, sólidas actuaciones y detalles que nutren la trama principal –como ese tributo al Animals de Pink Floyd–, Niños del hombre es un relato convincente sobre el fin del mundo. Uno que llega lenta y dolorosamente, a diferencia de los explosivos apocalipsis que Hollywood acostumbra entregar.

Y tú mamá también (2001) En su regreso a territorio nacional, Cuarón nos llevó de road trip y de paso nos entregó una de sus cintas más flojas –de nuevo con guión de su hermano–. Potenciada en la taquilla por el morbo de los desnudos y los besos charolastras, la película tiene como protagonistas a un par de adolescentes calienturientos, Julio (Gael García Bernal) y Tenoch (Diego Luna). El primero pertenece a una familia de clase media y el segundo es hijo de algún político influyente, en una fiesta conocen a Julia (Maribel Verdú) y la convencen de hacer un viaje a una utópica playa mexicana.

Gravedad (Gravity, 2013) La trama de la cinta más reciente de Cuarón no podría ser más simple: después de ser impactados por desechos espaciales, dos astronautas quedan a la deriva y a merced de la inmensidad del vacío. ¿Lograrán sobrevivir?

El libreto nunca se decide entre ser una aventura sexual o apunte social, la mayoría de las ocasiones la narración –hecha por Daniel Giménez Cacho– anota detalles en potencia más interesantes que la historia de los dos amigos y su turista extranjera. La mano de Alfonso Cuarón se nota, sin eso el largometraje bien pudo ser una versión mexicana de American Pie.

Sin alcanzar la resonancia filosófica de Niños del hombre, Gravedad es un emocionante film de aventuras apuntalado por arrebatadores efectos especiales –nunca el espacio había lucido tan real– y la preciosa fotografía del maestro Lubezki. Algunos han tildado a Gravedad de poco ambiciosa, de no ser la nueva Solaris o 2001: Odisea del espacio, pero ese nunca fue el objetivo de Cuarón. Este es un proyecto pequeño, personal, en el envase de un blockbuster gringo. Uno que no necesita de aliens o complicada ciencia ficción para ser sobrecogedor.

Harry Potter y el prisionero de Azkaban (Harry Potter and the Prisoner of Azkaban, 2004) La franquicia de Harry Potter tuvo un antes y un

Platicamos con...

Madame

Recamier Por: Fabiรกn Zugaide

Platicamos con... Gina Récamier, mejor conocida como Madame Récamier, se ha ido abriendo paso en la escena para posicionarse como una de las propuestas frescas de “Pop Alternativo”. A sus 26 años cuenta ya con un vive Latino, un Corona Capital y dos discos de estudio. Tuvimos una plática con ella en donde nos contó acerca de la promoción del álbum “imagina” y sus proyectos a futuro. Tu último disco “ImaGina” se estrenó a principios de año ¿Seguirás con la promoción o ya estás trabajando en algo nuevo?

la Gusana Ciega, Daniel de La Banderville, Flor Amargo, con diferentes artistas que de repente nos llamamos y trabajamos juntos y es bien divertido.

El disco fue grabado en Monterrey con Chetes, fue un trabajo en equipo muy bonito y realmente acabo de presentarlo oficialmente con toda mi banda en el Lunario, estuvo mágico. Sigo chambeando en la promoción.

¿Cómo es la faceta de Madame Recamier en versión showcase?

Es un formato más electrónico, un show especial para eventos chicos que consta de secuencias, una interface, controladores, algunos instrumentos digitales, un buen de efectos y mi voz. Me gusta estar jugando con los gadgets y con las canciones originales de los discos, pero con un arreglo un poco más de estudio.

Siempre estoy componiendo, buscando diferentes estilos y temas para nuevas canciones y estar como renovando y reinventando todo, entonces si hay cosas ahí cocinándose para el próximo disco, pero todavía no estoy pensando en eso como algo formal, como que simplemente estoy echando ideas todavía.

Respecto a tus videos ¿Cómo es la producción? ¿Quién pone la idea? ¿El vestuario?

¿Qué evolución notas entre tu primer disco y este último?

El video siempre es una parte bien divertida de la música porque es como la extensión visual, me gusta mucho jugar con toda mi imaginación y todas las ideas que se me ocurren. Siempre voy con el director y le platicó más o menos que es lo que quiero, hacemos una lluvia de ideas y el se encarga de enaltecer toda la creatividad y vemos que presupuesto tenemos para llevarlo a cabo. Incluso ahora estamos buscando fondos a través de www.fondeadora.mx para mi próximo video que se llama “Me Marcho a la Guerra”, pueden entrar ahí y checar la idea, si fondeas te puedes llevar a cambio algo, puede ser un disco, un show o una canción que yo te hago y además puedes estar presente durante toda la grabación.

Bastante, la evolución es muy grande, creo que ahora en “ImaGina” se escucha un sonido mejor definido, en “Chocolate” la tirada era más experimental, jugaba con muchos sonidos y con mi voz. ¿Con quién has colaborado?

Este año estuvo padre porque tuve la oportunidad de colaborar con Alex Sintek, hicimos una canción juntos titulada ‘Be The Rocket’ para su nuevo disco “Sintek más Sintek”, también hice una canción con Luis Humberto de Enjambre, que se llama ‘Luz Verde’, la cual es el segundo sencillo del “ImaGina”. También he estado trabajando con Daniel de

Sigue a un

Instagram Por: Zissou

Neil Krug

Bienvenidos a una nueva sección dentro de Revista Freim. En “Sigue un Instagram”, les recomendaremos una cuenta por número para que puedan ver cosas que creemos son interesantes y de las cuales somos fans. Para inaugurar la sección, les dejamos la cuenta del artista visual estadounidense con base en Los Angeles, Neil Krug. Neil ha trabajado con artistas musicales como: Ratatat, Justice, Devendra Banhart, Ladytron, Boards of Canada, The Horrors, Scissor Sisters, Tame Impala, Jim James, Bat for Lashes, Gonjasufi, Foals, Crystal Fighters, Hot Natured, First Aid Kit, Onra, Canyons y My Chemical Romance, además de modelos profesionales y otras personalidades. Neil Krug ha exhibido su material en Alemania, Los Angeles y Philadelphia, próximamente editará su nuevo filme “Insivible Pyramid”. Encuéntralo en Instagram así: @neilkrug

Gánate un par de Coastal Cruiser Otoño-Invierno. Tenemos un par para chico y un par para chica y lo único que debes hacer para concursar es: seguir en Twitter a @ReefMexico y @revista freim, buscar información de Reef dentro de www.revistafreim.com y contestar las siguientes preguntas: 1. Nombra dos actividades del programa Reef Redemption. 2. ¿Cuál fue el último documental producido por Reef ? 3. ¿Cuál es el nombre de la chica Reef México? Envía tus respuestas correctas, un screenshot de que nos sigues en Twitter, nombre completo y talla de tenis al correo administración@revistafreim.com Si eres de los primeros en responder acertadamente ganarás uno de los dos pares que Reef y Revista Freim tienen para ti. ¡Participa ya!

Revista Freim, y Futura Estrella Blanca te llevan al Cervantino Tenemos 5 viajes redondos en Futura Estrella Blanca y lo único que tienes que hacer para ganar uno es: seguir en Twitter a @estrellablanca y @revistafreim, enviar una foto tuya mostrando un cartel en donde expliques el porqué quieres ir al Festival Cervantino al correo administración@revistafreim. com junto con un testigo de que nos sigues en Twitter y nombre completo. Los primeros 5 ganan un viaje redondo.

Pa’ donde...

Por: Augusto Lecona | @elcadavere

En mis propias palabras… FISCUM Festival y la verdadera independencia musical en México. El Festival Independiente de Sonoridades y Cultura Musical o abreviado “FISCUM” es una muestra honesta de lo que sucede frente a los ojos de quienes somos músicos, de esos alejados del mainstream y que incluso “Pagaríamos por tocar” en alguno de los muchos foros de esta tremenda ciudad de México, así también, hemos intentado acercarnos a diferentes plataformas “abiertas” a todas las alternativas, pero todas nos cierran la puerta en la cara, muchas veces ni la abren, ni si quiera se asoman a preguntar ¿Quién es? De los músicos para los músicos

¿Dónde, cuándo y a qué hora? FISCUM 13 DF tendrá lugar el sábado 26 de octubre en las instalaciones del Teatro Juan Ruiz de Alarcón de la Delegación Cuauhtémoc ubicado en: Virginia Fábregas entre Circuito Interior y San Cosme, Col. San Rafael, Cuauhtémoc, Distrito Federal (entre metro San Cosme y Normal) FISCUM13 Zapopan, se llevará a cabo en el mes de noviembre. ¿De a cómo?

En 2012, un dúo de hermanos y músicos independientes preocupados por lo que sucede en la “escena” (si es que la hay) donde se desenvuelven crean FISCUM, arrancando de manera aventurada una gira de cinco conciertos que portaban el estandarte de “El Festival Nómada”, desde el D.F. a Guadalajara se presentó el festival con un éxito mediano, pues no hay una “BANDA GRANDE”, no hay presupuesto y a pesar de abrir los foros no hay escena, no hay unión, aun así, debe existir un festival verdadero. FISCUM 13 “El Festival que se escucha y también se lee”

Un libro en buen estado que pueda ser reciclado y que será donado a las bibliotecas e instituciones que más lo requieran en la Delegación Cuauhtémoc y Zapopan. ¿Quién lo organiza? Colectivo #SeHaceRuido, El Cactus, Delegación Cuauhtémoc, Más Música, Menos Balas Guadalajara y Produche son los encargados de la realización de FISCUM 13. ¿Dónde contactar con FISCUM? Facebook.com/FISCUM

“La música independiente, así como la lectura deben tener alas y si no las tienen debemos buscar la manera de dárselas para hacer llegar las notas y las letras a todas partes, de eso se trata” Por eso FISCUM 13 vuelve con entusiasmo para brindar una plataforma real que no se encasille en mostrar un solo género o a las bandas de los amigos, (como en muchos festivales en nuestro país) o que pidan alguna cantidad a los grupos por tocar.

@fiscumfestival fiscumfestival@gmail.com Tres razones importantes para ir a FISCUM 13? Para que dejes de escuchar lo que siempre escuchas en festivales y en la radio.

Dos sedes, una en Zapopan, Jalisco y la otra y principal en el Distrito Federal albergaran a casi 30 propuestas de diferentes géneros.

Para fomentar la lectura y la música independiente. Porque #SeHaceRuido

Game Over...

Game Over... Por: Ivan Altamirano

El sabor dejado por Liberty City tras aquella locura que supuso el viaje a San Andreas fue demasiado insípido. Fue un gran juego, de eso no cabe duda, pero no un gran GTA.

le dejan sin opciones. La calificación por edades tiene ahora más sentido que nunca, más por algunas escenas especialmente crudas que por los genitales virtuales que Trevor saca a pasear, así que espero que las asociaciones se ahorren esta vez los sermones y disfruten de la historia de mafiosos que el cine no tiene valor de brindar.

GTA V retoma lo mejor de ambos títulos; un guion interesante, inteligente y plagado de humor negro de la “cuarta” entrega, y la variedad y ritmo de San Andreas. Las misiones de paseo o encargos absurdos pasan a un difuminadísimo segundo plano y el mayor problema que puedes llegar a tener es el de desplazarte de una punta a otra del mapa.

Difícil hablar de GTA V y no tener una sonrisa de oreja a oreja continuamente. No sólo es una de las opciones que por calidad, precio y durabilidad, es compra obligada. Diría que hay que jugarlo.

Por suerte, incluso en esos momentos seguirás disfrutando del juego gracias a las conversaciones que, por teléfono o en persona, mantendrán los protagonistas. Hay que reconocer que ahí ayuda bastante que tanto Michael como Trevor tengan un carisma brutal y aunque Franklin sea el que menos te interese del trío, al acercarse la aventura a su final ya habrás guardado un pequeño hueco en tu memoria para el aprendiz.

Un juego que tendrás que tener en tus manos si quieres realmente vivir una experiencia nueva dentro de los mundos abiertos ya que no solo bastará vivir una aventura por triple de diversión, sino que también el inicio una vez más de un nuevo género multifuncional.

Plataformas: PS3, Xbox 360

Aunque hay que vivirlo para entenderlo, el universo de GTA V es lo suficientemente rico para convertirlo en el mejor de la saga. Aquí incluso los protagonistas de DLC están abocados a besar los pies de las nuevas estrellas. Si Niko tenía potencial para coronarse como personaje de la generación, la entrada en escena de Michael, Franklin y Trevor, sobre todo Trevor,

Desarrollador: Rockstar Games Compañía: Take Two Interactive Lanzamiento: 17 de septiembre de 2013