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Magazine interna zionale di design e tendenze arreda mento e stili di vita architettura e arte

Dicembre-gennaio 2022 Anno 33 n. 12-1 € 4,50

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LOS ANGELES Materiali naturali, design d’autore e luce, nella villa progettata da Vincent Van Duysen PEOPLE La casa secondo Marina Abramovic A PARIGI Un nuovo hotel firmato Antonio Citterio Patricia Viel e lo store ideato da Kengo Kuma DESIGN Letti, arredi, complementi per il momento del relax

NATURAL DESIGN

In edicola a gennaio

Hearst Magazines Italia S.p.A. via R. Bracco 6, 20159 Milano - Tel. 02.6619.1

Direttore responsabile

Livia Peraldo Matton

ELLE DECOR 2–2022 + NEXT design architettura protagonisti eventi lifestyle decorazione UNO SGUARDO SULL’ANNO CHE VERRÀ

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by HEARST MAGAZINES ITALIA SPA via R. Bracco 6, 20159 Milano - Italia

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PRECISAZIONI Nel Blow Up allegato a Elle Decor n. 11/2021, a pag. 61 della sezione Bagno, il progetto del resort Casa di Langa è firmato GaS Studio con Parisotto + Formenton Architetti.

A pag. 29 della sezione Cucina, la cappa d’incasso Faber BI-Air si attiva con i classici comandi o tramite App e la funzione K-Link permette di sincronizzarla automaticamente con il piano a induzione.

A pag. 33, il bollitore di Alessi disegnato da Achille Castiglioni si chiama Bulbul.

n. 12/1—2022

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ATTUALITÀ+CULTURA 16 Elledecor.it Contenuti digitali del magazine anche su Facebook e Instagram 25 Password Natural Design. Progetti di interior all’insegna di uno stile di vita disinvolto e personale 27 Elle Decor Likes Luoghi, eventi, oggetti, autori.

I nostri preferiti del mese

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36 Crossing Attivismo craft: architetti, artisti e designer svelano la natura politica del fatto a mano 73 Thinking L’intelligenza sociale come motore di rigenerazione umana.

Ed è subito inclusione 84 In mostra Light & Space: al CC di Copenhagen le installazioni immersive degli artisti internazionali di ieri e di oggi 175 n.b.

Gli appuntamenti di dicembre e gennaio, in Italia e nel mondo

DESIGN+ARCHITETTURA

STILE+DECOR

62 People Marina Abramovic: la ‘warrior’ della performance ci svela la sua relazione con il design 64 Art design Dal Botswana, Peter Mabeo racconta la sua collaborazione con Fendi. Per Design Miami 88 Elle Decor incontra A Milano, il rifugio di Tsukasa Goto: uno spazio colto che ha natali d’autore

43 Decor-Scouting Winter stories: luci che incantano, oggetti d’arte e di design da regalare 150 Quelli della notte Atmosfere rarefatte, poco prima del sonno, nella casa di un collezionista immaginario 159 Inside-Design Idee per rinnovare gli spazi con un tocco di magia 167 Design-Book Letti, plaid e lenzuola: soluzioni per arredare la zona dei sogni 13

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dicembre/gennaio

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108 64 TRAVEL+FOOD

INTERNI

94 Opening/1 Nel Quadrilatero milanese della moda, la nuova esperienza immersiva by Ralph Lauren 103 Opening/2 A Parigi, l’ispirazione green di Kengo Kuma interpreta gli interni del flagship store Grand Seiko

108 A Roma A due passi da piazza Navona, un delicato progetto dello studio MORQ. Tra ‘600 e oggi 120 Los Angeles Vincent Van Duysen firma, per la guru della moda Jenni Kayne, una villa d’ispirazione modernista. Nella natura

130 Nella Ville Lumière Sofisticata e con personalità: l’abitazione parigina dell’architetto Marco Costanzi è un luogo da chiamare ‘casa’ 138 Parigi Il nuovo hotel della Maison Bulgari esporta nel Triangolo d’oro della metropoli francese un’idea autentica di ospitalità 179 English text

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Cover

Servizio a pag. 120 Foto di Stephen Kent Johnson/OTTO Testo di Laura Maggi

elledecor.it Elle Decor Italia è anche sul web con news, video, gallery, focus e reportage in tempo reale

MODA E DESIGN Nel deserto della California, un parco giochi per grandi: dune di sabbia, gradini, archi e piani invitano a un rapporto ludico con la natura e con il paesaggio.

DIGITAL EDITION Puoi sfogliare Elle Decor Italia anche su tablet, smartphone e dispositivi kindle fire. Disponibile su App Store, Google Play e Amazon App-shop anche in versione full English

Instagram Il California Earth Institute ci insegna a costruire casa. Il flagship store di Swarovski, a Zurigo, promette un’immersione nei cristalli. La storia della Vijzelgracht House, ad Amsterdam, restaurata da Benthem Crouwel.

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ELLE DECOR PROMOTION

PENSIERO ED EMOZIONI

Il progetto corale di Minotti consolida la collaborazione con Marcio Kogan e contamina tutti gli ambienti con calde e distintive atmosfere Mid-Century

Del residenziale di ispirazione modernista, Marcio Kogan, è un esperto riconosciuto a livello internazionale. Con intenti contemporanei e su misura ripensa un’eredità ineludibile. Infatti quell’iconico movimento architettonico – che in modo unico in Brasile, fra gli Anni 40 e 60, seppe miscelare modernismo europeo, sensualità brasiliana e tropicalismo – è l’imprinting emozionale di case ed edifici progettati dall’architetto di San Paolo con il suo studio mk27. Una connotante cifra stilistica e costruttiva nella quale non c’è separazione fra interno ed esterno, fra architettura e interior design. Di pari passo, l’inclinazione per un controllo maniacale del progetto ha assecondato il suo personale piacere di disegnare tutto quello che fa dire casa di una casa.

In questo quindi è facile leggere la coincidenza di premesse dalle quali si dipanano i pezzi e le collezioni elegantemente trasversali che disegna per il brand italiano Minotti. Un rapporto avviato nel 2013 e concretizzato nel 2018 quando in occasione dei 70 anni l’azienda, da sempre impegnata nella ricerca di nuove visioni dell’abitare, introduce nella sua proposta un deciso accento multiculturale con designer di varia provenienza geografica. L’innovazione, in fondo, è anche contaminazione fra mondi diversi. Permette la costruzione personalizzata di un habitat in cui vivere e lavorare bene in una logica di ecosistema, con arredi che consentono un comfort fisico e visivo a tutto tondo grazie a forme e matericità sofisticate. “Il nostro rapporto con Minotti non è solo ricco intellettualmente – afferma Kogan – ma anche molto affettuoso. Questo è importante per noi. Avere un grande marchio a supporto del nostro lavoro è un’esperienza unica e diversa. Fin dagli incontri per il primo prototipo contiamo sulla partecipazione di un ottimo team di tecnici di grande esperienza e del caro designer Rodolfo Dordoni”. Così oggi, 2021, la collaborazione si è cementata sullo sviluppo delle famiglie di arredi Brasilia e Superquadra pensati per la zona notte e giorno. Partito dal sistema di sedute Quadrado per l’open-air e seguito da tre progetti di arredo da interni (poltrone Daiki, contenitori Boteco, tavoli e tavolini Linha), il passo per arrivare a un total living è stato breve. Trait d’union i materiali pregiati e naturali – legno, metallo, marmo e pietra – trasmigrati con abile salto di scala dall’architettura. Le proporzioni sono date dal pensiero alle persone, che per Kogan completano ogni progetto.

Marcio Kogan (a sinistra) lavora come un architetto umanista con la forte connotazione brutalista contemporary. Per la 2021 Collection di Minotti (qui in foto in dettaglio) ha scelto essenze di legno pregiate, proporzioni misurate e la mano delicata dei pellami che creano un’accogliente armonia dell’abitare.

A sinistra la Redux House nella campagna di San Paolo.

Progettata con lo studio mk27 e Samanta Cafardo nel 2013, è un’opera emblematica dello stile architettonico di Marcio Kogan.

ELLE DECOR PROMOTION

Trovano spazio in una cornice brutalista, le atmosfere Mid-Century delle collezioni di Minotti firmate da Rodolfo Dordoni, GamFratesi, nendo e Marcio Kogan / studio mk27.

Di quest’ultimo, con Diana Radomysler e Mariana Ruzante dello studio mk27, il sistema di sedute e la poltrona della articolata famiglia Brasilia, la panca e il coffee table Superquadra. Gli arredi offrono versatilità di progettazione, attenzione al comfort e stile couture che, con un imprinting naturale e materiali pregiati, ammorbidiscono le linee squadrate e i volumi decisi.

ELLE DECOR PROMOTION

Senza interruzione, l’estetica flottante e razionalista contagia anche la zona notte con Brasilia Bed dalla base a sommier, i mobili contenitori e la panca della famiglia Superquadra, tutto disegnato da Marcio Kogan con Diana Radomysler e Mariana Ruzante / studio mk27. Il letto ha una testata attrezzata in palissandro Santos tinto Dark Brown che abbraccia la parte imbottita ed è impreziosita da caratteristiche doghe nella stessa essenza. In linea con la libertà di composizione che offre la Minotti 2021 Collection, si inserisce la poltrona Lido di GamFratesi.

PASSWORD

12/01 [Natural design]

Progetti chiari, netti, precisi. Interni definiti dalla luce e dalla scelta di materiali e colori naturali. Architetture in dialogo con il paesaggio, quello costruito di città storiche come Roma e Parigi, o quello verde delle colline di Los Angeles.

Questo l’approccio che lega le case e i luoghi dell’ospitalità raccontati nel magazine.

Un Elle Decor speciale che chiude l’anno e si apre al nuovo, mostrando diversi modi di affrontare il mondo della casa. Dalla residenza di piccole dimensioni, con tutto il fascino della Ville Lumière, alla dimora romana caratterizzata da una sequenza di ambienti continui, affacciati sulla Città Eterna. Interventi di forte personalità dove vecchio e nuovo, storia e presente, trovano la sintesi perfetta, in maniera apparentemente spontanea, naturale. Grazie a un accurato studio dello spazio, della cultura del luogo e dei nuovi modi di abitare. All’insegna di uno stile disinvolto, attuale, ma anche sofisticato e attento alla cura artigianale del dettaglio.

Un tema sviluppato in molte rubriche del numero, dalle quali emerge l’importanza del fatto a mano. Un’artigianalità che viene dalla tradizione ma che ritroviamo, in versione contemporanea, nei progetti di design presentati alla fiera Design Miami, negli oggetti realizzati in collaborazione con la Real Fabbrica di Capodimonte, negli interni firmati dal nipponico Kengo Kuma. Tutti esempi di un modo di concepire il design che guarda, naturalmente, al futuro.

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[1] Caratterizzata da forme sinuose e da un portale definito da una croce di luce, dall’alto valore simbolico, la chiesa di Santa Maria Goretti a Mormanno (CS) è un nuovo edificio sacro nel contesto del Parco del Pollino.

Densa di riferimenti religiosi, la scultorea architettura è firmata da MCA - Mario Cucinella Architects. mcarchitects.it

L’architettura sacra secondo Mario Cucinella Architects

Foto Duccio Malagamba

di Alessio Rosati

Tra i colli del comune di Mormanno (Cosenza) sorge la chiesa di Santa Maria Goretti, architettura vincitrice del premio Progetto Pilota CEI 2011 e oggi fresca di inaugurazione.

Il suo layout, con pochi essenziali elementi che rimandano ai simboli della tradizione cristiana — il portale di ingresso e la croce —, s’ispira alle chiese barocche. “Nello studio delle forme ho cercato l’equilibrio, coniugando i momenti sacri con la fruizione della chiesa”, spiega Mario Cucinella, autore dell’edificio. “I quattro bracci della pianta a croce diventano petali che, attraverso la complicità della luce in dialogo con la struttura, abbracciano e avvolgono lo spazio”. Nella facciata principale, dove leggeri sfalsamenti disegnano linee d’ombra generate dall’intersezione con il portale d’ingresso, una lieve incisione dal forte valore espressivo, dopo il tramonto s’illumina generando l’immagine della croce, simbolico punto di riferimento nella notte. All’interno gli arredi essenziali in legno e acciaio disegnati dallo studio dialogano con l’installazione a soffitto firmata da Giuseppe Maraniello: una scenografica ‘nuvola’ composta da veli opalescenti che riflettono i raggi del sole generando un’atmosfera evanescente. Spazio architettonico e intervento artistico creano uno spazio unitario dal forte valore evocativo. — 27

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Foto Delfino Sisto Legnani

Alcune opere in ceramica e pastello a olio su alluminio create da Ronan Bouroullec e in mostra a ‘The sound of my left hand’ personale, a cura di Sarah Cosulich, in scena fino al 18/3/2022 a Casa Mutina Milano, via Cernaia 1.

A parete ceramica Triangle Small Vert, finitura Glossy, dei fratelli Bouroullec per Mutina. mutina.it

Le opere di Ronan Bouroullec.

Tra design ed espressione artistica di Filippo Romeo

Chi lo segue su Instagram è abituato a osservare il maggiore dei fratelli Bouroullec mentre è intento a disegnare su carta, linee e campiture cromatiche di grande suggestione.

Traducono con svariati mezzi espressivi — dal carboncino al pennarello, dal pastello alla ceramica — il talento di un designer che non ha mai dimenticato la sua passione per l’arte, coltivata fin da piccolo e negli anni degli studi all’École nationale supérieure des Arts.

Una passione che lo ha portato a realizzare pezzi unici, presentati dalla galleria parigina Kreo, ma anche edizioni limitate o in grande tiratura distribuiti da The Wrong Shop.

A Milano, negli spazi ‘domestici’ di Casa Mutina, è in scena ‘The sound of my left hand’, a cura di Sarah Cosulich, prima personale italiana di Ronan Bouroullec che raccoglie opere di piccole e grandi dimensioni, colorate o in bianco e nero, su carta, metallo e in ceramica. “Il rapporto con Mutina è intenso e amichevole, basato su una passione comune e la voglia di fare cose fuori dal comune”, confessa Ronan. Segni, forme e cromie dei lavori in mostra hanno il suo inconfondibile tratto distintivo: astratto, organico, espressivo.

Sullo sfondo, le superfici realizzate con Pico, Rombini, Punto, Pico Bois e Bloc, nuove collezioni disegnate da Ronan insieme al fratello Erwan Bouroullec per Mutina. — 29

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[3] Non più in produzione la celebre R4, icona pop del mondo automotive, fa ancora parlare di sé. Renault e Mathieu Lehanneur, per festeggiare oltre mezzo secolo dalla sua nascita, modificano il concept. Da vedere a Parigi, dal 20 al 24 gennaio, al Parco Esposizioni di Villepinte, durante la fiera Maison&Objet. mathieulehanneur.fr

La mitica Renault 4 rinasce e diventa una suite d’albergo

Foto Jason Yan Francis

di Murielle Bortolotto

Per i 60 anni del bestseller R4, della transalpina Renault, arriva una partnership speciale, quello tra il marchio della losanga e Mathieu Lehanneur. Il progettista francese ha realizzato un’interpretazione originale dell’iconico modello, prodotto in 28 Paesi e venduto in oltre 8 milioni di unità in cento diversi mercati nel corso di trent’anni di onorata carriera.

L’idea del designer è un ibrido tra il mondo dell’automobile e quello dell’architettura: una camera d’albergo, all’aperto, su ruote. Per alloggiare davanti al mare, in mezzo alla campagna o stare in relax mentre si attraversa la metropoli. La concept car Suite N. 4 è in grado di trasformarsi, senza stravolgere i punti di forza del passato (stesse proporzioni e linee). Parte posteriore della carrozzeria e portellone sono stati sostituiti da una vetrata in policarbonato che rende ora il veicolo luminoso come l’atelier di un’artista. Sul tetto una griglia ospita i pannelli solari che lasciano filtrare i raggi del sole e permettono di ricaricare la batteria del veicolo, in sintonia con la transizione ecologica. L’estetica in alluminio lucido effetto cemento dona al prototipo dinamicità. All’interno, velluto giallo e ciniglia a coste rivestono sedili, schienali e cruscotto. Il bagagliaio è in fibra naturale e legno, con un elemento estraibile che amplia lo spazio e diventa all’occorrenza una panchina. — 31

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Foto Carlo Lavatori

La scultura ‘Testa’, 2018-2021, realizzata in marmo Caravaggio da Cleto Munari su disegno di Alessandro Mendini. É una delle opere esposte alla Galleria Antonio Colombo di Milano fino al 12 marzo nella mostra ‘In the Garden of Eden’ curata da Stefano Casciani. colomborate.com

In mostra a Milano il paradiso immaginario di Alessandro Mendini di Germano D’Acquisto

C’è molto di Alessandro Mendini in ognuno degli artisti invitati alla mostra ‘In the Garden of Eden’. Un eclettico ‘paradiso terrestre’ allestito nella galleria milanese Antonio Colombo dove vivono le opere di creativi, architetti, artigiani, musicisti e scrittori che hanno lavorato con il celebre designer. “Ho sempre avuto bisogno di lavorare insieme agli altri, noti o ignoti”, amava ripetere Mendini. “Il colloquio mi è essenziale”. E di ‘colloqui’ in occasione dell’esposizione curata da Stefano Casciani ce ne sono moltissimi.

Da quelli legati alle riviste Casabella e Domus, di cui Mendini fu direttore, all’esperienza con lo Studio Alchimia e ai progetti per Alessi. Un cocktail di dipinti, disegni, sculture, ceramiche, vetri, mobili e oggetti firmati da star come Michele De Lucchi, Mimmo Paladino, Studio Job e Karim Rashid. “Magazine, gruppi artistici, progetti di architettura, studi professionali sono gli ambiti dove nostro padre ha espresso la visione acuta e profonda di un pensiero libero e senza confini”, raccontano le figlie Elisa e Fulvia. “È insieme agli altri che la sua poetica si trasforma in un progetto corale capace di sedurre per accumulo, affinità e varietà. Le radici di questo giardino si sono intrecciate negli anni e hanno creato innesti dove fiori, frutti e alberi di diverse specie dialogheranno tra loro all’infinito”. — 33

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[5] Pura lana e tonalità vivaci per il tappeto Taimany realizzato in Afganistan. Annodato a mano, è il numero 24 dei 42 selezionati da Amini Carpets. Il marchio conosciuto per la sofisticata tessitura dei filati ha battuto all’asta su Catawiki i pezzi unici per sostenere l’attività di Emergency proprio nel Paese in cui è stato tessuto. amini.it

Dall’Italia all’Afghanistan i progetti solidali sono tessiture preziose di Paola Carimati

Ovunque nel mondo si moltiplicano le iniziative a sostegno dell’Afghanistan. La presa di Kabul per mano dei talebani, avvenuta lo scorso mese di agosto, e il progressivo peggioramento della situazione politica del Paese, scivolato al di sotto della soglia della povertà, hanno scosso il mondo intero. Tra le iniziative locali più strettamente connesse al sistema design, e nate per sostenere la popolazione, soprattutto donne e bambini, ne scegliamo due: ‘Le donne per le donne’, la rete solidale, tutta al femminile che ha deciso di attivarsi con un progetto sociale di supporto al piano di accoglienza dei rifugiati; l’asta benefica ‘Made in Afghanistan’ promossa da Amini Carpets. “La situazione in questo Paese dove abbiamo le nostre radici e dove inizia la nostra storia, ci è sempre stata particolarmente a cuore. Con questo progetto abbiamo contribuito in piccola parte al miglioramento della vita di queste persone”, spiega Ferid Amini, Ceo dell’azienda. Il marchio, conosciuto per la qualità della tessitura dei tappeti, delocalizzata nel Sud-Est asiatico, ha messo in vendita su Catawiki 42 esemplari Taimany, pezzi unici e numerati. Il ricavato della vendita conclusa il 12 dicembre, in tempo per le spedizioni di Natale, andrà a sostenere l’attività di Emergency sul territorio afghano. Insieme si può. — 35

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Foto Serena Eller

Patricia Urquiola — Per Made in Edit, brand che promuove l’incontro tra artigiani e designer, Urquiola ha realizzato, con i maestri e gli allievi della Real Fabbrica di Capodimonte, la serie di oggetti e centrotavola Hybrida, in cui rivisita in chiave visionaria la botanica tipica di questa antica tipologia di porcellane. madeinedit.it

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CROSSING

Attivismo craft Architetti, artisti e designer, nel mondo, svelano la natura politica del fatto a mano. L’artigianato, sempre più impegnato, reinterpreta il progetto in chiave etica e sostenibile di Valentina Raggi

CROSSING

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1.Barber Osgerby — In versione blu per il 25º anniversario, The Loop Table è uno dei primi pezzi del duo, oggi nelle collezioni del V&A di Londra e del MoMA di New York. Progettato per un ristorante di Londra, è stato realizzato da Isokon Plus, fabbrica artigianale del legno che conobbe il boom con Gropius e Breuer ma fallì con la Grande Guerra.

Grazie a questo incarico è ripartita con successo. isokonplus.com 2.K11 Art & Cultural Centre — Il museo di Hong Kong ospita una mostra sulle più prestigiose lavorazioni sartoriali dell’alta moda, curata dal direttore del museo Adrian Cheng con la guru del fashion Carine Roitfeld.

In foto un outfit di Richard Quinn. Fino al 14/02/22. k11musea.com 3.MoMA — A New York, ‘Reuse, Renew, Recycle: Recent Architecture from China’ mette in mostra i progetti di 8 studi di architettura che ripensano la sostenibilità ambientale, sociale e culturale cinese attraverso il craft locale.

Fino al 4/7/22. In foto, lo Jingdezhen Imperial Kiln Museum di Zhu Pei. moma.org 4.Lisson Gallery — La sede di New York ospita ‘The Elements’, pagina accanto, la personale della textile artist colombiana Olga De Amaral che, intrecciando fibre, metalli, legni e gesso rilancia, da 60 anni, l’artigianato locale in chiave artistica. Fino al 18/12. lissongallery.com

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Foto Nicola Tree, Carlo Scarpato/ Gorunway.com

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Le tecniche manuali e artigianali, reinterpretate dagli autori di oggi, diventano manifesti di azione politica. Così il craft è espressione della cultura attuale, fondata su istanze di sostenibilità ambientale, sociale ed economica Tornare indietro, per andare avanti. Savoir-faire antichi rischiavano di andare perduti in assenza di una nuova generazione di mani che ne imparassero le tecniche per rielaborarle con un linguaggio innovativo. Ma l’inversione di rotta è in essere. Nuovi marchi, mostre e pratiche raccontano come numerosi autori — spesso fino a ieri lontani dall’artigianato — si stiano avvicinando al fatto a mano, anche nell’ottica di un più consapevole ‘less is more’. Al MoMA di New York è in scena ‘Reuse, Renew, Recycle: Recent Architecture from China’, che esplora la nuova generazione di progettisti che, dopo anni di boom edilizio nel Paese, tornano a studiare e utilizzare antiche tecniche costruttive locali per uno sviluppo urbanistico più sostenibile. A Hong Kong, il centro d’arte K11 ospita, invece, ‘Savoir-Faire: The Mastery of Craft in Fashion’, omaggio all’alta sartoria delle griffe, co-curato da Carine Roitfeld, già direttore di ‘Vogue Paris’. Nel design tanti nomi noti si accostano al craft in maniera inedita. Alla fiera Edit Napoli, tenutasi nel centro storico della città partenopea e in alcune location spettacolari, Patricia Urquiola ha presentato la collezione Hybrida, frutto della collaborazione con l’Istituto Caselli Real Fabbrica di Capodimonte. Un lavoro durato due anni in cui la designer ha voluto ‘rinverdire’ il tema settecentesco dei centrotavola a tema botanico. “Abbiamo dialogato con la maestria della scuola nell’affrontare la materia”, dice Urquiola: le porcellane sono

state battute all’asta per sostenere il restauro dell’antico giardino didattico del complesso. Ferruccio Laviani, invece, ha cofondato Not.O, un nuovo marchio di design Made in Sicilia.

“Desideravo uscire da una comfort zone e fare mobili cercando di utilizzare una tradizione locale in chiave industriale”, spiega.

Dalla zona confortevole è uscito anche Emmanuel Babled, che ha creato una start up di design con artigiani di Zanzibar.

“Man mano che la tecnologia e l’intelligenza artificiale avanzano in modo esponenziale, c’è un desiderio sotto traccia, ma universale, di autenticità e materialità. Comprendere attentamente come è stato realizzato qualcosa, perché è stato fatto in quel particolare modo e quali sono gli strati culturali intrinseci ci rende consumatori più responsabili. I designer oggi hanno la capacità di creare approcci virtuosi”, dice.

Che l’artigianato costituisca la cultura e il lifestyle di un popolo e possa essere strumento di riscatto sociale lo spiega bene la mostra ‘Call & Response: Craft as a Tool for Activism’ del Museum of Craft and Design di San Francisco, con artisti internazionali che scelgono il fatto a mano come forma di sensibilizzazione ai temi più attuali: dalla libertà di genere all’immigrazione. Non resta che attendere aprile per la nuova edizione di Homo Faber a Venezia, la manifestazione che promuove l’alto artigianato con autori internazionali. Il sottotitolo è ‘Crafting a more human future’, e già spiega tutto. — 39

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CROSSING

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1.Not.O — Ovvero, ‘Not ordinary’, è il brand fondato da Ferruccio Laviani con l’imprenditore Felice Rizzotti, che produce arredi di stampo industriale con interventi artigianali d’ispirazione artistica. 100% made in Sicilia. In foto, elementi dei contenitori Enna, in stile futuristico. notordinary.it 2.Museum of Craft and Design — Con la mostra online ‘Call & Response: Craft as a Tool for Activism’, il museo di San Francisco raccoglie 50 artisti che attraverso le loro opere (tessuti, gioielli, dipinti, sculture…) fanno dell’artigianato veicolo di impegno politico. Come la collana ‘Love Is’ di Kimberly English, in foto, realizzata con avanzi delle tradizionali coperte americane, per far riflettere sul lavoro femminile. sfmcd.org 3.House of Ita — Nome d’arte della textile artist Margarita Aleksievska Sclavi, di origini macedoni, che con ‘Trasposizioni’, presentato alla fiera Edit Napoli, rivisita gli abiti slavo-macedoni in forma di arazzi. Enfatizzando il ruolo della donna nella tradizione delle arti applicate. houseofita.com

© Paolo Abate

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Foto Giulio Ghirardi

Studio Terre — “Nella visione dello studio c’è un forte richiamo alla casa, alla tradizione e alla terra.

Un ritorno alle radici e ai fondamenti della nostra cultura”, è lo statement dei creativi di Trivolzo (Pavia).

Al Fuorisalone, con l’installazione ‘Interazione sperimentale’, in foto, ha presentato oggetti e arredi handmade in vetro di Murano, terracotta, lane sarde e terre crude.

Un ritorno agli archetipi. studioterre.it

decor–scouting Winter stories. Lampade che incantano e brillano, oggetti di design, d’arte e profumi da collezionare o regalare a cura di Murielle Bortolotto

Formato large. Broberg & Ridderstråle sono gli autori di Turner 65 per il brand svedese Pholc.

Una lampada magica che illumina gli ambienti in maniera soffusa, di grandi dimensioni (diametro cm 65) realizzata in cocoon con una struttura esile in metallo. pholc.se

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DECORSCOUTING

Art&craft. Il giovane spagnolo (di Barcellona) Sergio Roger si è ispirato ai canoni di bellezza classica greco-romani per dare vita alle sue Textile Ruins.

Con ago e filo cuce il lino antico e su una base in legno plasma mezzi busti, colonne ioniche e teste coronate. Da Rossana Orlandi. rossanaorlandi.com, sergioroger.com

Double face. Blues ha una scocca e un basamento girevole in morbida e sensuale pelle, mentre lo schienale e la seduta sono rivestiti in tessuto bianco. Un mix di materiali pensati da Giuseppe Viganò per Turri.

Misura cm 78x78x75h. turri.it

Fibre naturali. Papel è una collezione di tappeti in filato di carta tessuto a telaio, firmata àr-o studio (Andrea Steidl e Raquel Pacchini) per Karpeta.

Parte della serie Figure Out, ha un aspetto grafico disegnato da righe ripetute e giochi di colore. L’anima invece è sostenibile. karpeta.com

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Foto Andrea Garuti

Linee arrotondate per la poltrona Hill di Atelier Borella per Quinti, rivestita in candido tessuto bianco su una struttura in metallo. La serie comprende anche un comodo pouf e un coffee table in cemento. quinti.com

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Wishlist/1 — Revival Anni 70 sotto l’albero, con la foto e il piatto d’artista.

E ancora la valigia creativa, lo speaker e l’orologio di design

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Foto Alan Maglio

1. Compie 100 anni la Maison Gucci e per l’importante compleanno ha creato una capsule collection dedicata. In foto, la valigia con parte del testo della canzone ‘The R’ di E. Barrier e W. Griffin (© Sony Music Publishing), fiori e corone su jacquard avorio. gucci.com 2. ‘Il Biondo’ (2019) dalla serie Stop Series di Alan Maglio, montaggio analogico su fotografia originale.

In vendita da Galleria Still, Milano. stillfotografia.it 3. Orologio Diamond Markers Clock di George Nelson, rieditato da Vitra. vitra.com 4. Sul piatto in porcellana di Limonges l’opera Winter Flowers firmata Gilbert & George. In vendita su yoox.com 5. Speaker Beosound Explore di Bang & Olufsen.

Leggero, compatto, impermeabile e in tre colori. bang-olufsen.com 6. Scultoreo il tavolino G Table di Taidgh O’Neill per Exto. In rovere laccato e spazzolato. extoworld.it

Storia e avanguardia. La gallerista Rossella Colombari presenta nel suo spazio milanese, in via Maroncelli 10, Linee di Concetto. Un continuum tra opere d’arte, come De Pictura (La Trinità, 1977) dell’artista Giulio Paolini, e design con pezzi firmati da Josè Zanine Caldas, Carlo Hauner, Karl Mathsson. Lampade di Angelo Lelli e Luigi Caccia Dominioni tra i tanti.

A far da sfondo sulle pareti l’installazione site specific Ricoveri dello stilista Antonio Marras.

Fili neri che come una ragnatela catturano lo spettatore in uno scenario ricercato. galleriarossellacolombari.com 48

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Foto Federico Torra

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Wishlist/2 — Bagliori metallici accendono l’atmosfera e vestono il giradischi, il tavolino d’autore e una lampada cult 1. Musica maestro con il giradischi Grand Class SL-1200G di Technics. Un triplo strato combina un piatto pressofuso in ottone e alluminio su cui poggiare i vinili del cuore. Un braccio ultra sensibile e una tecnologia per il controllo ad alta precisione del motore riproduce note e parole dal suono puro. technics.com 2. La Dama è tra i protagonisti della nuova collezione LCDC, La Compagnia Di Caterina, firmata da Luca Nichetto per Ginori 1735.

Home Fragrance composta da candele profumate in porcellana (in foto), bruciatori d’incenso, diffusori per ambienti. ginori1735.com 3. La lampada Eclisse, icona del design, progettata da Vico Magistretti nel 1965 per Artemide, debutta per le feste nelle nuove finiture in PVD: rame, argento, oro e nera. artemide.com 4. Sgabello/tavolino Morfa No.1 di Lucas Recchia per la galleria brasiliana Firma Casa, in bronzo grezzo e in vendita da Rossana Orlandi. rossanaorlandi.com

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Foto Ruy Teixeira

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Wishlist/3 — Beauty moment. Il packaging si fa sostenibile ed è ancora più prezioso. Pierre Hardy evoca i colori della tradizione, Frank Gehry trasforma il flacone in un’architettura

Sulla punta delle dita ventiquattro (come 24 di Faubourg Saint-Honoré, l’indirizzo parigino della casa di moda dal 1880) sofisticate tonalità di smalto. La collezione Les Mains Hermès è il terzo capitolo della linea Beauté creata dal direttore creativo (calzature e accessori) della Maison Pierre Hardy. Tinte di origine naturale ispirate ai colori tradizionali del brand, ma anche sfumature audaci per non passare inosservate. hermes.com

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Il grande architetto statunitense Frank Gehry progetta per la prima volta una bottiglia di profumo per Louis Vuitton.

Ispirandosi alla versione originale del designer Marc Newson, ne rende le linee più sinuose, trasformandole in curve. Modella il raffinato flacone e lo completa con un cappuccio in metallo lucidato a mano, che evoca la silhouette di un delicato fiore immaginario. All’interno, note di rosa di Grasse, gelsomino sambac, tuberosa dell’India, osmanto della Cina, compongono la fragranza Dancing Blossom. louisvuitton.com

Foto Joaquin Laguinge

100 volte eco. Thomas Du Pré de Saint Maur, Head of Global Creative Resources Fragrance & Beauty, celebra il centenario del mitico profumo Chanel N. 5 con una limited edition speciale.

Packaging totalmente sostenibile, dalla confezione esterna in carta biodegradabile al flacone in vetro riciclato. chanel.com

DECORSCOUTING

Talento. Lui si chiama Conner Ives (classe 1996) e si è da poco laureato alla Central Saint Martins di Londra. Ma le sue creazioni, mentre era ancora uno studente, sono diventate un must have per le star.

Tra le sue fan, la cantante Rihanna e la modella britannica Adwoa Aboah, che ha indossato un suo capo al Met Gala. In foto, un look della The American Dream collection. connerives.com

Evanescente. Incanta il rosso che sfuma nel verde scuro della carta da parati Aura Four ideata da Michele Rondelli per il brand svizzero 4Space. Da scegliere in cinque tonalità su pannelli. 4space.ch

Campi di colore mettono in risalto l’interazione tra lana naturale tibetana, seta e luce sui tappeti Versus di Margrethe Odgaard per il brand danese Ca’lyah. Quattro le combinazioni disponibili: verde e nero, giallo e rosso, oro e arancione, bianco e blu. Misura cm 170x65. calyah.com 54

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Marina Abramovic, in abito Issey Miyake, nella sua casa in Upstate New York. Intorno al tavolo, sedie 4867 di Joe Colombo, Kartell.

Gli chandelier del XVII secolo sono un suo oggetto del cuore.

PEOPLE

Marina Abramovic Stella dell’arte contemporanea, alla fama ha sempre preferito la gente.

La ‘warrior’ della performance si racconta in esclusiva. Svelando la sua relazione con il design, gli oggetti, l’architettura di Valentina Raggi — foto di Weston Wells

La videochiamata inizia, Marina Abramovic dice “Buongiorno!”, in italiano, e si scusa, in inglese, per un paio di minuti di ritardo. É tornata a New York dopo quattro mesi in viaggio. Ultima tappa la Spagna, dove ha ricevuto il premio Princesa De Asturias, prima donna a esserne insignita per l’arte visiva. Tanti i motivi per intervistarla, uno speciale per omaggiarla: a fine novembre ha compiuto 75 anni, di cui oltre 50 di carriera. “Conosco Elle Decor”, confessa, anticipando la nostra prima domanda. Le sue performance, infatti, spesso includono interazioni con oggetti e arredi. Alcuni da lei stessa progettati. Le chiediamo che rapporto ha con il design. Con ironia gira lo schermo del pc e ci mostra una stanza semi vuota.

“Sono nomade. Ogni sette anni circa trasloco e vendo la casa con tutto ciò che c’è dentro. Conservo pochissime cose, degli chandelier del XVIII secolo e un divano.

Un giorno sono entrata nel negozio di Moroso a New York e ho chiesto di mostrarmi i divani più comodi. Ne ho provato uno che era incredibilmente accogliente anche se grigio, un colore che non amo affatto. Mi hanno detto che era di Patricia Urquiola. Beh, Patricia ha vinto, il sofà è ancora qui con me, da anni. Per il resto ho sedie talmente scomode che i miei ospiti preferiscono stare per terra, e non ho una libreria, dovrei costruirla.

Del design amo più il significato del prodotto: un arredo mi piace quando è invisibile”.

Dai mobili alla casa, ‘The House with the Ocean View’ e ‘The Kitchen’ sono i titoli di alcune sue performance. ‘Cleaning the house’ è il nome della pratica, in cui chiede ai suoi allievi di digiunare, contare e separare le lenticchie dai chicchi di riso…

“Il metodo aiuta a fare ordine nella nostra casa corporea, ma credo sia importante anche mettersi in ginocchio a pulire il proprio pavimento, è un’azione spirituale. Ogni mese faccio un gran riassetto della casa.

Anche traslocare è un rituale salutare. Del resto la mia più grande ispirazione è l’elenco delle cose necessarie per i monaci buddisti: un vestito per l’inverno, uno per l’estate, una ciotola, un materasso, un ombrello e un paio di occhiali, se ne hai bisogno. ‘That’s it’, perfetto!

Io sono per l’essenziale. Il mio corpo è la mia casa”.

L’architettura è un’altra protagonista. Nella sua biografia ‘Attraversare i muri’ racconta di investimenti immobiliari e, appunto, tanti traslochi. Nel 2013 a Hudson, nello Stato di New York, sceglie un edificio come futura sede del Marina Abramovic Institute e chiede a Rem Koolhaas di riprogettarlo.

Poi le cose cambiano. “Si trattava di un fundraising impegnativo.

E poiché la performance è un’arte immateriale, ho pensato che

se il MAI fosse stata un’istituzione itinerante avrei portato le sue attività ovunque. Così ho venduto l’edificio e mi sono liberata”.

Un’altra storia di arte e architettura è la recente inaugurazione del suo ‘Crystal Wall of Crying’ al Memoriale dell’Olocausto di Babyn Yar, in Ucraina. “Si tratta di un muro nero con incastonati cristalli di quarzo, le persone si avvicinano e riflettono sul passato, per non ripetere in futuro. Sono pietre con poteri energetici con cui realizzo anche i miei ‘Transitory objects’ e i ‘Pillows’, sculture minerali da appendere al muro. La mattina, prima di prendere un espresso, ci si accosta con la fronte, il cuore e lo stomaco. Si medita un po’ e si inizia la giornata.

Non abbiamo mai tempo di riflettere, siamo sempre distratti, soprattutto dalle tecnologie: non ho nulla contro, ma attenzione a come ci relazioniamo a esse”.

Non è un caso che, da straordinaria interprete dell’attualità, nella sua carriera sia passata dalle performance a un progetto con WePresent, piattaforma digitale di WeTransfer.

“Sono curiosa di tutte le possibilità che offre la contemporaneità. Negli Anni 70 se avevo trenta spettatori era un successo, con WeTransfer ho raggiunto 80 milioni di persone unite da un’esperienza condivisa. Così invece di giocare con stupidi videogame la gente contava il riso”, dice soddisfatta. “È una questione di stato d’animo, ogni media è valido”. Alla soglia dei 75 anni, una riflessione sul mondo?

“Tutto cambia e nulla cambia, stesse cose ma con un nome diverso. Siamo tutti responsabili, è inutile criticare, l’importante è elevare la parte buona di sé. Io mi chiedo in continuazione quali messaggi comunicare come artista.

Ghandi diceva: se tu cambi puoi cambiare gli altri.

E diceva anche: prima mi hanno deriso, poi ignorato, poi combattuto, e alla fine ho vinto io. È la storia della mia carriera. Compiere 70 anni è stato uno shock, 75 non mi fa effetto, ma gli 80 saranno un successo”.

Ha molti progetti in essere. Tra questi l’opera teatrale ‘The Seven Deaths of Maria Callas’, di cui è ideatrice, interprete e scenografa, con Willem Dafoe e costumi dell’amico Riccardo Tisci. In Italia arriverà al Teatro San Carlo di Napoli il prossimo maggio.

Nel 2023 la Royal Academy of Arts di Londra le dedicherà una grande personale. Qualche anticipazione? “Sono molto scaramantica, a tavola non porgo mai il sale nelle mani dell’altro e attendo che passi qualcuno se vedo un gatto nero. Sono molto italiana, dunque non dirò nulla. Ma in 250 anni dell’istituzione sono la prima donna a esporre nella sala maggiore”.

Allora diciamo qualcosa noi: buon compleanno Marina! — 63

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CRAFT DESIGN

Courtesy of Fendi

Un ritratto intenso di Peter Mabeo, l’uomo che nel 2006 a Gaborone, la capitale del Botswana, ha fondato la sua azienda.

Dopo una breve pausa, torna al mondo del design con Fendi, la maison per la quale, insieme a una comunità di artigiani, ha realizzato la collezione di arredi Kompa.

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ATTUALITÀ

Mabeo is back

Da un villaggio estremo del Botswana, l’illuminato creativo torna per scardinare le regole del sistema design.

E innescare la sua rivoluzione: fare insieme e con le mani Courtesy of Fendi

di Paola Carimati

CRAFT DESIGN

Courtesy of Fendi

Il villaggio è nel cuore dell’Africa australe, non ha sbocco sul mare.

La terra è arsa dal sole, ma ricca di risorse naturali. Legno, terra cotta, metalli primitivi sono alcuni dei materiali che Peter Mabeo, designer-artigiano fondatore del marchio Mabeo, ha scelto per comporre la collezione Kompa per Fendi. Accanto, la struttura della seduta Shiya, in legno Panga Panga. Sotto, attorno al paesaggio molto wild, le fasi di lavorazione della poltroncina Foro.

Il virtuosismo della linea è ottenuto grazie all’accoppiamento di essenze africane e terra locale.

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CRAFT DESIGN

Courtesy of Fendi

Un moodboard di colori, paesaggi e materiali ci aiuta a comprendere la natura corale di Kompa, il nome dell’artigiano più saggio della comunità, scelto perché rimanda al tema della collaborazione. Ma Kompa indica anche la circolarità del fare, perché ogni singolo pezzo è realizzato a più mani e con più tecniche. Come la scultura Gabi, in metallo (immagine in basso): una sinuosa seduta che diventa gioco per bambini. Multitasking e polifunzionali, gli oggetti esprimono il valore corale del progetto. Fanno comunità.

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L’idea di fare comunità facendo leva sulla sapienza artigianale delle maestranze del villaggio si concretizza in questi pezzi in legno Panga Panga. Dall’alto in basso: la poltroncina Maduo, quasi un trono domestico, che all’occorrenza offre il piano come appoggio; lo sgabello Loma, che aprendosi sdoppia la sua funzione; la seduta Foro, la cui sinuosità è scolpita dall’uso sapiente della terra cotta; il sofa Shiya, le cui curve sono veri virtuosismi del craft.

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Tutto ha inizio a giugno, quando, in una giornata romana di inizio estate, Peter Mabeo, rivoluzionario creativo africano, e Kim Jones, direttore artistico prêt-à-porter e couture della Maison Fendi, decidono di collaborare. L’obiettivo è presentarsi insieme a Design Miami, la fiera internazionale di art design più conosciuta. E insieme, spontaneamente, scrivere una nuova pagina di alto artigianato nella parte più estrema dell’Africa australe. Come nelle migliori sinossi, sono i protagonisti, con le proprie attitudini, a stabilire ritmo e intensità del racconto.

Il piano sequenza inquadra i colori arsi del paesaggio: siamo in un villaggio poco distante da Gaborone, la capitale del Botswana: “Ci siamo spostati qui dalla città”, dice Peter Mabeo includendo nell’inciso tutta la sua comunità. Lui è un imprenditore dall’età indefinita e dall’intuito poliedrico: un po’ designer, un po’ artista e un po’ artigiano, una manciata di anni fa ha stregato il sistema made-in-Italy con le sue collezioni made-in-Africa.

A ogni design week, sfidando lungaggini e inciampi burocratici, ha raccolto nelle gallerie di Milano e Stoccolma, ovunque esponesse nel mondo, oggetti scultorei e autenticamente primitivi.

Omaggi di famosi architetti come Patricia Urquiola e Vincent Van Duysen, a una cultura tanto lontana, da risuonargli per paradosso incompresa. “In questo ultimo periodo ho pensato molto a come lavoriamo, al rapporto con il mercato e con il marketing”, ci spiega raggiunto via Teams seduto nell’abitacolo della sua auto. Fuori, l’eco del rumore sordo degli attrezzi meccanici: Peter stava infatti finalizzando Kompa, la collezione che sancisce il patto di partecipazione ‘con e per’ Fendi.

“La nostra occasione di mettere in scena una nuova idea di fare artigianato”, racconta, T-shirt verde impolverata e sorriso felice.

“Mi riferisco al craft-mind, ovvero a quell’attitudine, meno commerciale e del tutto speciale, di allineare creatività, sistema produttivo e bisogni reali”, avendo come riferimento uno scenario meno globale e più a chilometro zero. “Produrre in questa modalità, con l’obiettivo di soddisfare le necessità reali della propria ‘gente’, rende l’intero processo più onesto”. E comprensibile. Fare le cose lentamente, poi, consente di inserirle, secondo necessità, nel mercato locale. ‘Peter is making his mark by slowing things down’, ha titolato recentemente il quotidiano americano ‘The Wall Street Journal’. Uno strillo che suona bene, in tutti i sensi. Mabeo parla di senso, lo stesso che ha catturato l’attenzione di Kim Jones, un passato trascorso in Africa, in viaggio con il padre geologo. “Mi interessa molto collaborare con uno studio basato in Botswana”, confida il direttore artistico, “il suo mondo è una dimensione familiare che mi ricorda la mia infanzia”. Di quei luoghi riconosce patrimonio e talento: valori unici e pieni di tradizione. “Dai guerrieri Masai alle tribù Afar: ogni volta che torno in Africa mi lascio affascinare dal modo in cui i giovani si fanno carico della tradizione, per interpretarla sempre in modo diverso”. Dalla manifattura alle tecniche di lavorazione, dai grandi saggi ai materiali che offre la terra: l’artigianato è un valore educativo da preservare. “E questo è un messaggio molto importante da trasmettere e comunicare”.

Quello per Fendi è un progetto circolare ‘from local to local’: è un movimento che nasce e si nutre della tradizione. “Ma non in modo romantico, estetizzante”, precisa Peter, “al contrario è molto concreto: io parto da ciò che è a disposizione”. Ovvero le persone, con la loro esperienza e la loro generosità: “Gli oggetti per me sono il mezzo per coinvolgerle e creare relazioni”. Terra, cotta e cruda, legno e metallo sono i materiali scelti per Kompa, proprio perché suggeriscono un approccio condivisivo.

“Fare insieme vuol dire fare comunità”. A tutte le latitudini. —

Courtesy of Fendi

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THINKING

Progetto inclusione Le esperienze di creativi, maker e senatori (come Renzo Piano) che condividono il proprio talento per una causa comune. Quando l’intelligenza sociale è motore di rigenerazione umana

Foto Alessandro Lana

di Paola Carimati

La casetta costruita nel giardino del carcere di Rebibbia è un progetto di ‘manutenzione emotiva’. Un gesto di attenzione per le donne che vogliono ritrovarsi come madri e con i figli.

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Foto Alessandro Lana

Modulo per l’Affettività e la Maternità — A Roma, nel carcere di Rebibbia è planato un iconico prefabbricato rosso. Si tratta di una casetta in legno di 28 mq completa di cucina, living e bagno: un nido che si fa luogo caldo da abitare, dove la madre torna a fare la madre. Oltre gli stereotipi, la relazione tra la donna e i propri figli è un ruolo, per chi sconta una pena detentiva, da riconquistare. Nato dalla sinergia tra la Sapienza di Roma, il Dipartimento di Amministrazione Penitenziaria del Ministero di Giustizia e il senatore a vita Renzo Piano, il progetto di Attilio Mazzetto, Martina Passeri e Tommaso Mareci per G124 è la risposta a questo preciso bisogno. Dall’idea alla costruzione: attorno ai giovani architetti una comunità che ci ha messo cuore e mani. renzopianog124.com

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THINKING

Render Rino Sistenti, ritratto Paolo Tonato per Gaia Ceccaroli

Centro TOG Carlo De Benedetti — Milano Dergano, è qui che sorgerà la nuova sede di TOG — Together To Go Onlus, la Fondazione che dal 2011 offre cure gratuite a bambini e ragazzi con gravi patologie neurologiche. Il progetto, firmato Ciro Noja e Maurizio Milan, ruota attorno a un edificio di tre piani (con facciate rivestite da una maglia metallica trasparente e copertura destinata a parco fotovoltaico), che ospiterà anche il fablab del collettivo OpenDot. Si tratta di un laboratorio focalizzato sulla progettazione di ausili che rispondono alle specifiche esigenze dei piccoli ospiti. Tra stampanti 3D e materiali biologici, lo spazio si apre all’accoglienza di maker, terapisti, medici e studenti universitari. Che hanno voglia di dare e imparare. togethertogo.org

Gaia Ceccaroli — Volontaria da sempre, ha trasformato la sua vocazione in professione: oggi, a Los Angeles, dove vive e lavora come ‘digital fundraiser’, può contare su un network glamorous e generoso. “Parlo la lingua delle persone che voglio coinvolgere, che poi sono la mia comunità”, fare rete è un talento, che ha a che fare con l’intelligenza sociale. Non è un caso che la sua pagina Ig rifulga di celebrities.

Se il fascino è il mezzo per sensibilizzare l’opinione pubblica, il fine comune è generare un impatto benefico. Tra le immagini, uno scatto che la ritrae al St. Joseph Center, al fianco di Alessandro Del Piero mentre consegna pacchi alimentari agli homeless. “Qui la rete sociale è fragilissima, nel 2020 i senza tetto sono aumentati del 14,2%”.

Assistere è un dovere. @gaiaceccaroli

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Helen Nonini — “Più che adattarmi al tempo che passa, preferisco affrontarlo, perché vuol dire andare incontro agli altri”, ne è convinta la donna che ha fatto del turbante la sua cifra identitaria.

Sarà per via del contesto multiculturale in cui è cresciuta, ma i cliché non le si addicono, al contrario, cerca di scardinarli. Nel 2014 l’ex problem solver decide di svoltare e dedicarsi al no-profit. “Ogni volta, con il mio staff — una struttura agile di sette persone che si apre a fisarmonica —, sposiamo una causa diversa, ma simile per sentimento”.

Airc, Banco Alimentare, Istituto Mario Negri, dalle associazioni a sostegno delle minoranze al tema oncologico: “Non chiamiamole opere di carità”. Helen lavora sull’empowerment. helennonini.com 76

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Ritratto Francesco Dolfo per Helen Nonini

Axo, l’assolotto di tessuto — Manifesto di rinascita della materia, della manualità e dello spirito, l’animaletto di stoffa, che ricorda un armadillo, è stato disegnato da Elena Salmistraro, volto amato del made in Italy, e cucito dalle donne del carcere di Bollate, con Il Laboratorio di Quarto Oggiaro e la comunità Fiori all’Occhiello di Baranzate. Il progetto, coordinato dalla Cooperativa Alice, vede il coinvolgimento del marchio di Giulio Cappellini, partner in crime, che ha condiviso preziosi scarti di tessuto. In primo piano sia il tema dell’impatto dell’industria tessile sull’ambiente sia l’importanza della rigenerazione socio-culturale che si traduce nel re-inserimento delle detenute. Per offrire loro una nuova opportunità di vita: i dati confermano che il 70% di chi sconta una pena detentiva, se ben formato, si libera delle logiche criminali. cooperativalice.it

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Foto di Margherita Cenni e Fabio Demitri

Homo Faber & San Patrignano — Quella del 2022 sarà un’edizione speciale perché accoglierà un’idea di fatto a mano dalla bellezza più rotonda. “Nel titolo, ‘Crafting a more human future’, l’intento: sostenere chi, con talento, originalità e passione, crea ‘beni’.

Ovvero oggetti di valore perché con la qualità svelano le storie delle persone”, dice Alberto Cavalli, direttore della Fondazione Cologni dei Mestieri d’Arte. Ritratto tra gli artigiani del DesignLab di San Patrignano — la squadra coordinata da Sandro Pieri, maestro dalla visione lungimirante —, anticipa la loro partecipazione all’evento.

Nell’immagine in basso, Francesca, Lisa, Andrea: i volti di un impegno che ha conquistato anche Bulgari e Peter Marino, tra i committenti più appassionati della comunità. Altri ne arriveranno. sanpatrignano.org

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Riprendere in mano le redini della propria vita e trasformare il talento in professione che genera bellezza è nel Dna del saper fare italiano A flame for research — Voluto da Daniele Mingardo, titolare dell’omonimo brand conosciuto per la lavorazione del metallo (in foto) e a cura di Federica Sala, il progetto è nato a supporto della ricerca scientifica condotta dal Mario Negri nella lotta contro il cancro. Dieci i designer di fama internazionale coinvolti nell’operazione di charity: il ricavato della vendita dei loro candelabri è stato poi devoluto all’istituto milanese. marionegri.it

“Saper coniugare mani e pensiero è l’essenza del made in Italy, il suo punto di espressione più alto”, in qualità di presidente della cooperativa Sociale Alice, Caterina Micolano lo sa bene.

Insieme alle donne delle carceri di Milano e Monza, da trent’anni attraverso il lavoro promuove inclusione. “Il design è una efficace pratica formativa: quando ben impiegato, allena senso di responsabilità e restituisce dignità a chi merita riscatto”.

In una parola: riabilita. L’arte del fare, anche nei luoghi di fragilità, non è solo testimone di un approccio filantropico, ma produce valore e qualità. ‘Oltre ogni manufatto c’è un essere umano’, che crea bellezza in dialogo con la sua comunità.

“Principio alla base della pratica di co-progettazione”. Pensieri alti, quelli emersi in occasione della presentazione di Axo, l’assolotto di stoffa disegnato da Elena Salmistraro e realizzato dalle ospiti della struttura detentiva di Bollate con i tessuti di scarto di Cappellini. “E con i laboratori di Baranzate e Quarto Oggiaro: la sartoria è un’attività terapeutica che genera, rigenera e promuove connessioni. Il risultato della rete è un piccolo compagno, morbido e bellissimo”. Definite sostenibili e solidali, start up e iniziative di matrice partecipativa a sostegno di autorevoli fondazioni come la Francesca Rava, TOG e Franca Fund e Istituti di ricerca come il Mario Negri si fanno sempre più numerose, soprattutto fra i giovani. Tanto da suggerire percorsi formativi universitari e professioni dedicate. Helen Nonini, talento italiano dall’irrinunciabile turbante, gioca il ruolo di ‘facilitatrice di adesioni’, alle giuste cause: Adi Airc, Ieo Monzino, Save the Children per citare le più recenti. Deve la sua vocazione al padre: “Sono figlia di un alpino e gli alpini, si sa, sono dotati di un particolare spirito di abnegazione”.

Bocconiana la ‘digital fundraiser’ Gaia Ceccaroli: volontaria da 78

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sempre, è stata inserita da ‘Forbes’ nell’elenco degli italiani buoni.

A Milano, dove ha studiato, e a Los Angeles, dove vive e lavora, può contare su una comunità glamorous e generosa. Non è un caso che la sua pagina Ig rifulga di celebrities: se il fascino è il mezzo per sensibilizzare l’opinione pubblica, il fine comune è generare un impatto benefico. Assistere, donare, cooperare sono doveri etici e morali. Ma cosa può dirsi davvero etico oggi e soprattutto come riconoscere quelle realtà che davvero fanno della coralità una pratica di eccellenza? Un’idea arriva da Alessandro Merletti De Palo, regista e ricercatore indipendente che studia la ‘scienza della cooperazione’, ovvero la disciplina che misura quanto siamo inclusivi. La sua sperimentazione analizza altruismo ed egoismo come fossero forze vettoriali: sono direzione e intensità a determinare le buone e le cattive dinamiche di gruppo. “Per trovare il punto di equilibrio occorre capire come guidarle, perché è nel loro bilanciamento cha sta la collaborazione”, puntualizza sfidante lo scienziato. “Fisica a parte, sarebbe sufficiente rispettare le sette condizioni della corretta cooperazione: diversità, comprensione, libertà, trasparenza e informazione, cura, fiducia, equivalenza”. Come a dire: se condividi responsabilità e bellezza, riduci le problematiche di aggressività. Questione di numeri, la scienza non mente. Così anche l’architettura: pre-occuparsi di un luogo e di uno spazio ha un valore fortemente educativo. Il Modulo dell’Affettività e della Maternità, costruito nel giardino del carcere di Rebibbia dal gruppo G124, è un esempio virtuoso. Pensato per donare alle madri del penitenziario il tempo da trascorrere con i propri figli, questo prefabbricato di 28 mq è la testimonianza concreta di come e quanto un progetto di ‘manutenzione emotiva’ sia in grado di attivare il senso civico che c’è in tutti noi.

“Piccoli progetti che diventano grandi motori di innovazione sociale: arrivano a compimento perché le persone ci credono, sono ingaggiate”, dice Pisana Posocco, docente di Progettazione architettonica alla Sapienza di Roma. Per conto dell’Ateneo e del senatore a vita Renzo Piano, insieme al Dipartimento di Amministrazione Penitenziaria del Ministero di Giustizia, ha coordinato il progetto: “A volte si è portati a credere che lavorare con realtà ai margini sia un gesto di generosità”, ma sbaglia chi pensa che queste esperienze funzionino solo per la bontà delle persone. Alberto Cavalli, direttore generale della Fondazione Cologni dei Mestieri d’Arte, è convinto che abbiano successo perché sono votate alla ricerca della qualità. Non a caso è al DesignLab di San Patrignano, guidato dal maestro Sandro Pieri, che ha commissionato la wallpaper disegnata da Michele De Lucchi per la prossima edizione di Homo Faber alla Fondazione Giorgio Cini di Venezia (dal 10 Aprile al 1 Maggio 2022): “Qui, persone straordinarie fabbricano oggetti straordinari”, puntualizza felice. C’è tanto da imparare. —

Into the light

L’installazione luminosa immersiva di James Turrell, ‘Ganzfeld APANI’, 2011. In mostra al CC-Copenhagen Contemporary nell’esposizione ‘Light & Space’, fino al 4/9/2022. copenhagencontemporary.org 84

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L’America degli Anni 60 la sceglie come nuovo mezzo creativo. Ma ancora oggi la luce è protagonista di installazioni immersive, poetiche, sorprendenti, firmate dagli artisti più celebri. In mostra al CC di Copenhagen di Piera Belloni

Courtesy James Turrell and Hausler Contemporary Zurich, foto Florian Holzherr

ARTE E LUCE

C’è un filo rosso che collega la West Coast americana e l’Europa. E a partire da questo mese, fino al 4/9/2022, ci fa viaggiare — oltre che fra i continenti — anche nel tempo.

Al CC-Copenhagen Contemporary, apre ‘Light & Space’, dedicata all’omonimo movimento nato in California alla fine degli Anni 60, che ha ispirato molti creativi contemporanei.

I lavori esposti raccontano le prime sperimentazioni di artisti che, utilizzando i mezzi offerti dalle innovazioni tecnologiche e trattando la luce come un materiale vero e proprio, hanno cambiato il modo di percepire l’opera d’arte: non più focalizzata sull’oggetto — il dipinto o la scultura —, ma capace di coinvolgere e costruire lo spazio intorno a sé, creando situazioni percettive inedite per lo spettatore. Il CC, istituzione fondata da poco, ma già celebre per la qualità delle mostre e la vivacità degli eventi in programma, si trova dal 2018 sull’isola di Refshaleøen, area ex industriale e oggi nuovo distretto culturale della città, sede di gallerie, giovani imprese, ristoranti stellati e dello Street Food Market. Situato in un edificio prima adibito a cantiere navale, ha al suo attivo esposizioni dedicate a Bruce Nauman, Ragnar Kjartansson, Bill Viola, Carsten Höller, solo per citarne alcuni.

‘Light & Space’ è curata dalla direttrice Marie Nipper, in precedenza curator alla Tate Liverpool e all’ARoS, Aarhus Art Museum. “Volevamo presentare questo movimento, sottolineando quanto abbia influito su alcuni degli artisti contemporanei europei più significativi”, ci spiega. “Mentre il Minimalismo emerso a New York negli Anni 60 ha guadagnato grande

attenzione internazionale, gli artisti di Light and Space non hanno avuto la stessa risonanza. In più volevamo anche ampliare la selezione degli autori del movimento, come alcune artiste che, al contrario degli uomini, hanno atteso anni per essere riconosciute. Così abbiamo incluso nuovi nomi, mai presentati prima al grande pubblico”. 27 i protagonisti dell’esposizione, con opere allestite su una superficie di 5.000 mq. Tra le installazioni da non perdere, opere storiche come ‘Aftershock’ di James Turrell, uno dei suoi spazi immersivi che avvolge lo spettatore in un ambiente evanescente, realizzato ad hoc, fatto di luce e colore. E poi le altrettanto famose installazioni di Robert Irwin, presente con una monumentale parete lunga 16 metri, composta di 115 tubi fluorescenti, e di Doug Wheeler, che ricrea un illusorio orizzonte luminoso lungo la piega del pavimento del museo. Tra i lavori dei nomi contemporanei, emozionante l’ipnotico black void di Anish Kapoor, buco nero che assorbe la luce in una cavità di cui non si percepisce il fondo, e le ludiche esplorazioni sensoriali di Ann Veronica Janssens, l’autrice belga che nel 2023 sarà protagonista di una importante retrospettiva al milanese Pirelli HangarBicocca. E ancora, opere di Jeppe Hein e Olafur Eliasson, “perché dagli Anni 80 fino a oggi, una generazione di artisti europei ha continuato l’eredità del movimento attraverso inedite interpretazioni filosofiche ed estetiche del tema”, spiega Marie Nipper. In un percorso dove la luce torna a essere protagonista immateriale dell’arte dei nostri tempi. Fra poesia e ricerca di nuove percezioni sensoriali. —

Courtesy Helen Pashgian and Lehmann Maupin New York, Hong Kong, Seoul and London, foto Alix Spence - © Doug Wheeler, Courtesy David Zwirner, foto Tim Nyswander - Courtesy Ann Veronica Janssens and Louisiana Museum of Modern Art, foto Kim Hansen Courtesy Lita Albuquerque and Peter Blake Gallery - Courtesy Olafur Eliasson and neugerriemschneider, Berlin, foto Olafur Eliasson

ARTE E LUCE

In ‘Light & Space’ opere storiche convivono con installazioni di oggi firmate, tra i tanti, da Olafur Eliasson, Jeppe Hein, Ann Veronica Janssens, Anish Kapoor

A destra, Ann Veronica Janssens ‘Blue, Red and Yellow’, 2001 (installazione al Louisiana Museum of Modern Art, Humblaek, 2020): l’artista belga sarà nel 2023 in mostra a Milano al Pirelli HangarBicocca.

Sotto, da sinistra, di Lita Albuquerque, una delle protagoniste del movimento californiano Light and Space, ‘Untitled’, 2021, e di Olafur Eliasson, ‘Your emotional future’ (installazione al PinchukArtCentre, Kiev, 2011). Pagina accanto, da sinistra, due opere di autori storici: ‘Untitled’, 2000, di Helen Pashgian, e ‘LC 71 NY DZ 13 DW’, 2013, di Doug Wheeler.

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Protagonista, il centro tavola in rete di filo di ottone Metabolism e i contenitori Dressing Cement, frutto di un impasto con petali di fiori e semi di piante.

Nella pagina accanto, il progettista ritratto nello studio.

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Tsukasa Goto A Milano, il progettista giapponese apre a Elle Decor il suo rifugio: uno spazio colto che ha natali d’autore. E punti di contatto con il design di Roberta Brambilla — foto di Nathalie Krag — testo di Porzia Bergamasco

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“Prima di pensare, vorrei sentire.

Prima di disegnare, vorrei toccare.

Da piccoli impariamo usando in modo intuitivo e primitivo mani, occhi, naso...

Senza l’esperienza dei sensi cosa potremmo mai capire? Proteggiamola” Tsukasa Goto

Sopra, la famiglia di Tsukasa Goto gioca nello spazio condominiale della palazzina progettata a Milano nel 1968 dagli architetti Gabriele D’Alì e Giacomo Scarpini.

L’appartamento era stato disegnato a pianta libera come un contenitore funzionale, il cui living ne è ancora il cuore pulsante. A destra, nella zona pranzo, attorno al tavolo sedie di Artek e Fritz Hansen, a sospensione lampada di Anastassiades per Flos. Alcuni oggetti di Facendo – Experimental objects, fra i quali Round Wooden Rods, Case 02, Cork Stopper e Archetipo. Pagina accanto, in alto il living con il divano William Sofa di Damian Williamson per Zanotta e il tavolino SO table di Goto per EO. Le sedie per autoproduzione di Enzo Mari, sono ridotte in scala a misura di bambino dal padrone di casa..

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Da sinistra, il centrotavola Agricultural, che traduce in decoro la visione aerea di un campo coltivato. Il corridoio: spazio di raccordo, con un ramo svela l’attenzione alla natura.

Se è vero che le nostre case ci somigliano e rispecchiano le nostre aspirazioni, Tsukasa Goto lo conferma: “L’appartamento ci ha conquistato al primo incontro. Era bello così com’era. Con le sue vetrate continue, la logica circolare della pianta, la continuità con l’esterno, gli arredi fissi in muratura, come il letto.

E il volume ribassato della stanza matrimoniale, accanto al living, che crea un inedito piano di appoggio”. Il ‘ci’ si riferisce alla moglie, l’architetto Elena Naldi. Si sono incontrati anni fa nello studio David Chipperfield Architects Milano dove Tsukasa, dal 2018, è ormai associato e responsabile del team dei modellisti.

Lei, dopo una quinquennale esperienza con lo studio di Michele De Lucchi, dal 2015 prosegue la sua attività in modo indipendente. “Ci sono piaciuti gli spazi non vincolati che abbiamo lasciato nella loro distribuzione e configurazione originaria, puri e vuoti, per dare spazio alla libertà del quotidiano. Con il tempo e con la crescita della nostra famiglia hanno preso colore, trasformandosi continuamente per diventare un racconto del nostro abitare”. Un modo libero e disinvolto di scoprire la bellezza delle cose, lo stesso che ritroviamo nella attività parallela di Goto, il design di oggetti e pezzi di arredo presentati nel 2014 al SaloneSatellite. Li notiamo nella libreria del suo studio e negli spazi della casa, insieme a opere e mobili di altri designer. “Siamo spesso circondati da segni decorativi, ma a volte dimentichiamo il senso della bellezza come esperienza”, osserva. “Quando penso un oggetto ne definisco la 92

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forma, ma lascio la funzione aperta alla personalizzazione. Mi piace l’idea che chi lo sceglierà possa utilizzarlo per scopi diversi, reinventandolo all’infinito”. Per questo la giovane famiglia ha apprezzato l’appartamento che, come un contenitore vuoto, era perfetto per essere reinterpretato. L’ha trovato al confine fra Dergano e l’area dell’ex Scalo Farini, a Milano.

Lì Goto e consorte si sono imbattuti nello strambo edificio firmato da Giacomo Scarpini e Gabriele D’Alì nel 1968: una torre di cemento a vista, sovrapposta a una preesistente villa a due piani, disegnata per accogliere appartamenti in cui combinare dimensione familiare e sociale. La forza e la matericità delle superfici in calcestruzzo hanno conquistato la coppia.

“Lavoro in un luogo dove si apprezzano i materiali”, ci racconta il designer riferendosi allo studio di David Chipperfield.

“Ne sono affascinato. Mi piace la sensibilità del lavoro manuale che rende unico ogni oggetto e stimola la curiosità tattile e visiva”. Lo comprendiamo a partire da Daydream, collezione di bottiglie comuni trasformate in pezzi metafisici grazie a un semplice processo di molatura che dona a ciascun pezzo la patina del tempo. O, ancora, dai Round Wooden Rods che assemblano in forme nuove singoli elementi di legno, “passando da geometrie bidimensionali a una diversa bellezza tridimensionale”, spiega Goto, confermando l’attitudine alla ricerca e alla sperimentazione. Non a caso ha chiamato i suoi oggetti ‘Facendo – experimental objects’. Più chiaro di così. —

La facciata dell’edificio in via della Spiga 5, a Milano, con l’ingresso al nuovo flagship store Ralph Lauren e al The Bar. Pagina accanto, la colazione servita nell’accogliente sala interna con sedute in cuoio, boiserie in legno e tocchi di ottone.

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American beauty A Milano, nel Quadrilatero della moda, nasce una nuova esperienza immersiva di shopping, food e lifestyle. Made in USA di Francesca Benedetto — foto di Max Zambelli

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Al bancone con piano in marmo e ottone, i mixologist preparano i cocktail d’autore amati da Ralph Lauren, come il celebre Ridgway Margarita. Sotto il pergolato, la zona pranzo outdoor con divani e sedute in ghisa e vimini, cuscini in tartan e pavimentazione in cotto.

Lungo la scala interna del flagship store, una collezione di quadri e fotografie. The Polo Bar Burger, un vero must della tradizione.

Pagina accanto, l’aperitivo servito sulla terrazza del primo piano che affaccia sul giardino.

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Ogni ambiente dello store ha l’atmosfera di un’antica residenza. In foto, un camerino al piano uomo, con tende e pareti rivestite in tartan, poltrona in cuoio e fotografie in bianco e nero dall’archivio di Ralph Lauren.

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Outfit da sera, linea Purple Label Made-to-Measure e, a destra, uno scorcio della sala interna del The Bar, aperto dall’ora di colazione alle 22. I divanetti e le sedute in cuoio, i pannelli in legno scuro e la collezione di fotografie e dipinti, molti dei quali a tema equestre, caratterizzano l’ambiente.

Dicembre. Nel Quadrilatero della moda, le file davanti alle boutique sono più ordinate, rispettose della distanza e, tra un acquisto e l’altro, si ritrova il piacere di una sosta relax davanti a un buon caffè o per il rito dell’aperitivo.

Tra i fashion addicted c’era grande attesa per l’opening del nuovo flagship store di Ralph Lauren, che ha trovato casa al numero 5 di via della Spiga. Un ritorno in grande stile per il brand americano, che oggi propone un’esperienza immersiva che parte dallo shopping per arrivare all’accoglienza.

Lo spazio di 1.500 metri quadri, che occupa i cinque piani di un edificio del secolo scorso, ha il fascino di un’elegante residenza. Una scelta fortemente voluta da Ralph Lauren in persona, che sottolinea il suo legame con la città: ”C’è qualcosa di Milano che mi coinvolge profondamente, la sua bellezza senza tempo, le sue strade lastricate, l’eleganza delle facciate dei palazzi antichi. Ma anche il suono delle campane che segnano le ore e un modo di vivere intriso di tradizioni, fra passato e futuro”. Un tributo alle atmosfere meneghine sottolineato dalla campagna in formato cinematografico della Maison, girata proprio nella capitale della moda italiana e ripreso negli interni grazie alla scelta di materiali tradizionali come la pietra calcarea anticata e il cotto, i pavimenti in legno di recupero, i pannelli in rovere con accenti di bronzo e ottone. Una scala in ferro battuto conduce l’ospite alla scoperta delle linee moda: al suo debutto in Italia, l’iconica RRL che occupa il piano terra, Polo uomo 100

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e accessori al primo piano e, al secondo, Purple Label con l’esclusivo servizio Made-to-Measure. Infine gli ultimi due livelli, luminosi e decorativi, dedicati alle collezioni donna.

Ad ambienti ampi e di maggior respiro si alternano veri e propri salotti, più intimi, domestici, arredati con tappeti, poltrone in cuoio, candele, libri e oggetti per la casa, idee regalo.

La cura per il dettaglio si ritrova persino negli ampi camerini rivestiti in tartan o in tessuto gessato, alcuni dei quali con vista sorprendente sui tetti. Ma è tornando all’ingresso che il tempo per lo shopping si dilata per offrire all’ospite un assaggio di autentico lifestyle americano. The Bar è uno spazio intimo e accogliente con i divanetti in cuoio, la boiserie in legno scuro e le fotografie alle pareti che rendono omaggio al mondo equestre, cifra distintiva del brand. Qui la colazione servita con stoviglie e tazze vintage dai decori floreali evoca atmosfere d’altri tempi. Per un light lunch o l’aperitivo, la cucina si ispira ai piatti preferiti di Ralph Lauren, con il classico hamburger e gli iconici mini lobster rolls da accompagnare a vini d’annata.

Mentre al bancone interno, con il piano in marmo e ottone, le mani esperte dei mixologist preparano cocktail d’autore, come il Ridgway Margarita, il Manhattan o l’Old-Fashioned, serviti anche sulla piccola terrazza al primo piano. Ma la vera chicca è il giardino segreto sul retro: sotto un pergolato, le poltrone in vimini e i divani in ghisa con tanti comodi cuscini rendono la zona pranzo outdoor the place to be. Un perfetto angolo d’America, tutto da scoprire, al centro di Milano. —

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L’essenza del tempo L’ispirazione green di Kengo Kuma interpreta gli interni della prima boutique europea d’alta orologeria nipponica. Dal Giappone a Place Vendôme testo di Flavia Giorgi — foto di Max Zambelli

Affacciato su una delle piazze storiche più eleganti della Ville Lumière, il negozio Grand Seiko propone l’intera collezione di alta orologeria del celebre brand giapponese.

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Quinte semitrasparenti realizzate con esili bacchette di bambù sono il motivo conduttore all’interno del negozio, che si estende su una superficie di 190 mq sviluppata su due livelli.

Il piano terreno, a destra e nella pagina accanto, è pensato per l’esposizione degli orologi iconici di Grand Seiko; il primo piano, qui sopra, si sviluppa come area di vendita con vista su Place Vendôme. Luce e leggerezza sono la cifra impressa dall’architetto giapponese al progetto di interior, che si avvale di materiali naturali: oltre al bambù per le superfici verticali, legno di rovere e pietra di Vals per i pavimenti.

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I materiali della tradizione giapponese e il linguaggio del design segnano il tempo insieme a capolavori dell’orologeria Chi visita Place Vendôme, gioiello secentesco voluto da Luigi XIV per accogliere la Biblioteca Reale, rende omaggio alla storia, tessuto di eventi di cui è artefice l’uomo. Lo ricorda, con napoleonica determinazione, anche la colonna al centro della piazza ottagonale, vessillo del trionfo francese ad Austerlitz.

Sotto le arcate dei palazzi monumentali si insinua ora da Oriente il vento di un pensiero opposto, che sull’uomo riconosce il primato della natura. Celebrandola con l’allestimento di un nuovo spazio di vendita nell’enclave dei più rinomati gioiellieri di Parigi. Ne è autore Kengo Kuma, che con cifra inconfondibile ha dato forma agli interni della prima boutique europea – la più grande al mondo – di Grand Seiko. Inaugurata in occasione del 60º anniversario del brand, numero fortunato nella cultura nipponica perché simbolo di rinascita e di innovata energia, è l’espressione di un progetto ambizioso, “far diventare Grand Seiko uno dei marchi leader nel mercato degli orologi di lusso a livello internazionale così come lo è già in Giappone”, confessa Shinji Hattori, Chairman & Group CEO di Seiko Holdings Corporation. È proprio la natura il terreno d’incontro tra progettista e committente: l’uno ne ha fatto l’essenza del design, l’altro la musa ispiratrice di una filosofia basata sul senso del tempo come parte del mondo fisico naturale e dei suoi cicli. Non è un caso che sia stato Kuma a disegnare il nuovo atelier del brand a Shizukuishi, uno spazio dove maestri orologiai

selezionati lavorano al minuzioso montaggio artigianale dei modelli meccanici e dove si formano le nuove leve. Al numero 7 di Place Vendôme l’architetto ha lavorato con grande leggerezza e uso sapiente della luce. Un linguaggio molto personale che si esprime nel sistema di pannelli, composti da sottili elementi verticali: canne di bambù che rivestono le pareti, schermano le vetrine, suddividono lo spazio come sipari evanescenti, senza impedire all’occhio di guardare oltre. Minimalismo e poesia si intrecciano in un sottile gioco di equilibri, dove la tradizione del Sol Levante è osservata con occhio contemporaneo. “Volevo creare una boutique dove fosse possibile percepire la cultura del Giappone, la sensibilità del suo popolo”, spiega Kengo Kuma.

“Mi sono concentrato sulla scelta dei materiali, attraverso i quali dimostrare la cura estrema che il lavoro artigianale pone nei dettagli”, continua svelando l’essenza del progetto. Accanto alle quinte di bambù, pareti realizzate con carta Washi, tappeti Tatami, ma anche elementi attuali e non rituali, come il rovere e la pietra di Vals per i pavimenti. Una scala sospesa si snoda tra i due livelli del negozio. Al piano terreno teche trasparenti mettono in mostra l’intera collezione del marchio: orologi dalle linee pure e dai particolari curati, oltre ai modelli speciali creati per l’anniversario e a due segnatempo in limited edition di 10 esemplari realizzati in esclusiva per la sede parigina. Sotto il loro quadrante, con motivo ‘pavés parisiens’, il battito della natura. — 105

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VIEW [dicembre/gennaio 2022]

108 ROMA. A due passi da piazza Navona un delicato progetto, tra ‘600 e oggi, dello studio MORQ. 120 NATURAL LIFE. Sulle colline di Los Angeles, Vincent Van Duysen firma, per la guru della moda Jenni Kayne, una villa d’ispirazione modernista.

Concepita per vivere a contatto con la natura. 130 OBJET TROUVÉ. Sofisticata, accogliente, con personalità. L’abitazione parigina dell’architetto Marco Costanzi è frutto del desiderio di trovare, anche Oltralpe, un luogo da chiamare ‘casa’. 138 ESPRIT ITALIANO. Debutto a Parigi per un hotel di charme. Nuovo gioiello di una Maison del made in Italy che esporta nel Triangolo d’oro un’idea autentica di ospitalità ed eccellenza. 150 QUELLI DELLA NOTTE. Atmosfere rarefatte, poco prima del sonno, nella casa di un collezionista immaginario. Dove gli ambienti accolgono pezzi eclettici e sorprendenti. Da scoprire.

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A DUE PASSI DA PIAZZA NAVONA UN DELICATO PROGETTO, TR A ’600 E OGGI, DELLO STUDIO MORQ di Rosaria Zucconi - foto Max Zambelli

Nel soggiorno più intimo della casa, divani Milano in pelle color mirtillo, design Paola Navone per Baxter. Su disegno, la libreria sospesa sulla parete in lame di alluminio brunito. Pagina accanto, vedute sulla Città eterna dall’altana del ‘600. Inquadrata dagli archi, la cupola di S. Agnese a piazza Navona.

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Il grande ingresso è stato suddiviso da una parete in rame spazzolato che lascia vedere il soffitto seicentesco.

Si tratta di uno spazio che accoglie, nasconde e contiene: l’ingresso, lo studio dell’attore Alessandro Roja, la cabina armadio di Claudia Ranieri, un nuovo passaggio alla zona notte. Pagina accanto, il salotto centrale con arredi vintage di Decò Design, Roma.

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La parete in rame nell’ingresso capta la luce e la diffonde; in primo piano, Claudia con la piccola Dorotea.

Pagina accanto, la sala da pranzo, cuore della zona giorno, con tavolo centrale. Lampada a sospensione in ottone di Juniper lighting, tessuto in lino di Illuminami. Alle finiture murarie originali si accostano delicate pitture a calce, dalle tonalità in accordo, di Bauwerk.

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Lo studio MORQ reinterpreta lo spazio in chiave autoriale: la patina impalpabile del passato e le superfici materiche, di nuova progettazione, restituiscono alla casa un’atmosfera senza tempo. Decisamente attuale

Nel cuore di Roma, a due passi da piazza Navona, in una strada laterale di via dei Coronari, l’appartamento occupa per intero il quarto piano di un edificio storico noto per la splendida altana, con affacci sui quattro lati che offrono una varietà di scorci panoramici. “Le meraviglie del passato fanno parte del mio quotidiano, mi incantano”, ci racconta la proprietaria Claudia Ranieri. “Non avverto più le scomodità di un palazzo del Seicento, il caos nelle strade strette, la noncuranza del decoro urbano. Non mi stanco di guardare e fotografare monumenti, piazze e fontane che vivono di una luce speciale, di curiosare nelle vecchie botteghe di artigiani e di antiquari, di alzare lo sguardo sui palazzi nobiliari”. Claudia, libera imprenditrice e consulente nel settore della comunicazione, con l’attore Alessandro Roja, danno priorità ai figli ancora piccoli, Orlando e Dorotea, che hanno bisogno di tempo per loro. Così, alla base del progetto di ristrutturazione dello studio MORQ c’è la ricerca di coniugare il carattere storico degli ambienti con le esigenze quotidiane di una famiglia moderna.

La sfida era nel ridefinire le ampie stanze caratterizzate da una disposizione in sequenza e prive di corridoi di distribuzione. Già nel grande ingresso si percepisce l’estensione dell’appartamento, grazie alla lunga parete in rame spazzolato, su progetto, che capta la luce, la diffonde e crea un nuovo spazio per accogliere ma anche nascondere e contenere. Varie le funzioni: l’ingresso, lo studio di Alessandro, la cabina armadio segreta di Claudia, collegata con la zona notte.

L’intervento contemporaneo non copre l’intera altezza degli spazi per lasciare a vista il soffitto a cassettoni, elemento del ‘600 come la pavimentazione in cotto riportata alla sua finitura originaria e rimontata a formare un pattern policromo. Dall’ingresso scopriamo il primo soggiorno con caminetto, fulcro della zona giorno; il secondo, più spazioso e riservato con una libreria su disegno, si apre su una corte interna con alberi di banano e rigogliose piante tropicali, da cui si intravede il giardino del Gianicolo. Altro ambiente nodale è la sala da pranzo, connessione fra i soggiorni e la cucina. L’attenzione dello studio MORQ nella scelta delle superfici, materiche, sabbiose, scure, riflettenti, determina un equilibrio fra tradizione e presente.

Materiali come il metallo acidato per la consolle della zona pranzo, l’ottone che incontra il legno fossile in quella del soggiorno, dove esplode il color mirtillo dei divani in pelle. Su progetto, la libreria sospesa in lame di alluminio brunito che definiscono una figura geometrica aperta a nuove integrazioni. —

Curare il set up della tavola è una delle passioni della padrona di casa, collezionista di piatti, vetri e ceramica.

Su disegno dello studio MORQ, la consolle di contenimento in metallo acidato, con terminali curvi. Emozionante l’esile lampada lineare di Juniper.

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Dorotea nella sua stanza, arredata con la mini Vanity di Poltrona Frau, tavolino con sedie di Maison du Monde, letto di Carla Bruzzesi.

Pagina accanto, sulle divisioni interne della camera di Orlando tessuto di Fornasetti. Distanziati dalle pareti, in alluminio brunito, gli elementi tecnici di Renzo Serafini rispettano la storia.

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Attraverso la cabina armadio, su progetto, uno scorcio della camera padronale. Tendaggi decorati di Mulberry, collezione Flying Ducks, Chaise Longue design Charles & Ray Eames per Vitra. Pagina accanto, letto in velluto Ombra di Rubelli, sedia e lampade di Retrò Design, pavimento in legno di recupero da travi secolari posato a canestro.

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L’ingresso della residenza di Jenni Kayne a Brentwood, Los Angeles. L’interno è definito dalle vetrate e da pavimenti e soffitti in legno. In primo piano, sedia di Dienst + Dotter Antikviteter e un olio su tela di Tomoharu Murakami. Sulla parete di fondo, ‘Gammon’, opera di Sam Moyer. Pagina accanto, l’angolo relax con arredi su disegno si apre su un salotto outdoor.

A parete, un’opera di Erin Shirreff e, sulla destra, chaise longue di Bruno Mathsson.

NATURAL LIFE Sulle colline di Los Angeles, Vincent Van Duysen firma, per la guru della moda Jenni Kayne, una villa d’ispirazione modernista. Concepita per vivere a contatto con la natura testo di Laura Maggi — foto di Stephen Kent Johnson/OTTO

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Un’imponente parete vetrata apre l’ampio soggiorno sulla natura circostante in un dialogo sapiente tra in e out. Sul fondo, si staglia una scultura di Beverly Pepper (galleria Kayne Griffin Corcoran). Divani e poltrone sono rivestiti con tessuti di Larsen e di Molly Isaksen Interiors. Poltroncine Anni 50 di Gösta Jonsson e tavolini di Sven Larsson.

A pavimento, un grande tappeto di Mansour.

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In questa pagina, in alto, la cucina su disegno è organizzata attorno a un lungo tavolo con sgabelli rivestiti in corda di Doug McCollough, elementi La Cornue, lavello e accessori Waterworks. Al centro, posto auto coperto con soffitto a doghe in cedro. A sinistra, la scultorea scala elicoidale, su disegno di Vincent Van Duysen, abbina la finitura a intonaco alla calda tonalità del rovere degli scalini. Pagina accanto, in alto, un altro punto di vista della zona conversazione con chaise longue di Bruno Mathsson, applique di Serge Mouille e un’opera di Erin Shirreff. In basso, nel bagno padronale una lampada vintage di Bertil Brisborg è sospesa su una vasca freestanding di Urban Archaeology con rubinetteria Waterworks. A destra, in camera da letto Pacific Bed di Jenni Kayne, rivestito in lino, e abat jour Victoria Morris.

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Definito in ogni dettaglio, il progetto è il frutto di un dialogo intenso fra la committente e il progettista belga

L’architettura della villa caratterizzata da volumi sfalsati rivestiti in mattoni dipinti tipici dell’edilizia belga. Ampie vetrate e finestre verticali definiscono l’involucro della residenza aperta al paesaggio verdeggiante delle colline di Los Angeles.

“Il mio intento era quello di creare una casa-rifugio, dove architettura e interior si fondono con l’esterno” Vincent Van Duysen

Un dialogo perfetto tra natura e paesaggio, tra interno ed esterno: l’architettura progettata sulle colline di Los Angeles dall’architetto belga Vincent Van Duysen risponde pienamente alle richieste di Jenni Kayne, guru californiana della moda e di un lifestyle naturale. Lasciata la casa di Beverly Hills in cerca di un luogo più autentico, la stilista con il marito Richard Ehrlich e i tre figli, Tanner, Ripley e Trooper, hanno trovato a Brentwood, nella zona ovest della città, la dimensione di vita ideale: circondati dal verde, tra querce, lecci e sicomori, nei pressi di un canyon nascosto alla vista. Il progetto di Van Duysen ha assecondato i desiderata di Jenni, incontrata a New York nel 2015: il nuovo edificio, in una giustapposizione di volumi che definiscono spazi interni fluidi, ha grandi vetrate a tutta altezza da aprire completamente per trasformare alcune zone del living in veri padiglioni all’aperto. Come l’ampio soggiorno, un grande ambiente dotato di finestre scorrevoli per abbracciare l’esterno abitato da un boschetto di querce. Qui la panca lineare che corre lungo la parete vetrata, come se fosse una sorta di estensione del paesaggio, ha la funzione di accompagnare lo sguardo verso l’esterno. “L’open space crea un’atmosfera informale”, ci spiega Van Duysen. “Il fluire degli spazi trasforma gli interni in un’esperienza continua dove la famiglia e gli ospiti trovano il proprio comfort, esplorando le diverse aree lounge, sedendosi nei luoghi migliori per godere della luce del mattino o del tramonto”.

Fil rouge del progetto è “il rapporto con la natura circostante perché il mio intento era quello di creare un rifugio modernista, dove architettura e spazi si fondano con l’esterno. Ho adottato una palette di colori chiari, dalle finiture ai materiali.

Ho rivisitato lo stile architettonico tipico della West Coast, dandogli una nuova svolta attraverso l’uso di mattoni finiti a calce, legno di quercia, sfumature e tocchi di colore attenuati”, riprende l’architetto belga, al suo terzo progetto residenziale negli Stati Uniti e altri in corso d’opera. Fin dall’inizio della sua carriera, la cifra distintiva del modo di progettare di Vincent Van Duysen è stata la relazione fortissima tra involucro architettonico, spazio interno e arredi, su disegno o in produzione. Il tutto a determinare un risultato unitario, senza eccessi di stile, di grande forza poetica. Con le ali disposte intorno al cortile centrale, vero cuore della casa, l’edificio ha una

facciata in mattoni, che cita la tradizionale tecnica costruttiva belga, e si sviluppa su un solo livello che accoglie spazi e funzioni in una sequenza fluida. L’unico volume più alto è quello dello studio, un luogo dove ritirarsi e staccarsi dagli impegni quotidiani, affacciato su una piccola collina popolata da querce. Vi si accede da una scala elicoidale in muratura disegnata come una scultura sinuosa, vero coup de théâtre.

A un livello inferiore del giardino che circonda la casa, si trovano le scuderie e la piscina con la pool house, incastonata tra due gruppi di platani rigogliosi. L’interior decoration nasce dalla collaborazione tra l’architetto, la padrona di casa e lo studio Molly Isaksen Interiors.

“Un’attenzione particolare è stata data ai materiali naturali e tattili, alle tonalità e alle trame più morbide in armonia con i pezzi di design vintage e le opere d’arte apparenti alla collezione di Jenni”, precisa Van Duysen. “Ne è risultato uno spazio di grande calore, unico nel suo genere, dove lo stile della proprietaria si fonde perfettamente con il mio modo di fare architettura e interior design”. Si è trattato di un incontro di affinità elettive: “Jenni Kayne conosce l’estetica delle Fiandre, che è complementare al suo lifestyle. É una grande ammiratrice della cultura fiamminga, attenta all’uso di colori desaturati e alla selezione delle materie prime, solo per citare alcuni elementi caratterizzanti. Io, invece, sono sempre stato un estimatore degli architetti della metà del Novecento, dei modernisti europei e dei maestri che hanno progettato capolavori anche in California”. Il senso di continuità tra indoor e outdoor si deve a Christine London, incaricata del landscape design, mentre l’accurato studio della luce è stato definito con l’aiuto di Sean O’Connor Lighting.

Gli architetti di Kovac Design Studio si sono occupati di coordinare l’imponente team di lavoro e supervisionare l’accurata realizzazione di un progetto così delicato e complesso.

Una nota particolare: Jenni Kayne ha pubblicato di recente il suo secondo libro, ‘Pacific Natural at Home’ (Rizzoli International), con introduzione di Vincent Van Duysen. In oltre 250 pagine l’autrice racconta storie di case sull’oceano, nel deserto, in montagna, in città, ma anche le donne che le hanno disegnate o volute. Perché l’identità di un progetto è spesso il frutto anche della personalità della padrona di casa. Come qui. — 127

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Nella zona pranzo, le sedie di Pierre Jeanneret (Galerie Half) circondano un tavolo in rovere della galleria specializzata in design scandinavo Dienst + Dotter Antikviteter. Pagina accanto, una parete con funzione di quinta scherma la scala curvilinea che conduce all’home office collocato al piano superiore.

Legno naturale e tinte écru, per pareti, arredi e opere, caratterizzano lo stile luminoso e accogliente del progetto.

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OBJET TROUVÉ

Sofisticata, accogliente, con personalità. L’abitazione parigina dell’architetto Marco Costanzi è frutto del desiderio di trovare, anche Oltralpe, un luogo da chiamare ‘casa’ testo di Paola Maraone foto di Max Zambelli

In questa foto, il soggiorno della casa di Marco Costanzi a Parigi, dove lavora per riprogettare gli interni della nuova sede di Dior.

A parete, un antico paravento giapponese è stato trasformato in mobile contenitore. Pagina accanto, un ritratto dell’architetto.

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Nel living, a destra, poltrone di lana di ispirazione svedese Anni 50.

A sinistra, divano di Am.pm a destra del quale, sul tavolino, è poggiata una lampada Lesbo di Angelo Mangiarotti. Sopra il camino, specchio di Flavio Favelli; a terra, tappeto di Sartori.

A sinistra, in bagno, il lavabo in marmo e il mobile sottostante sono su progetto. Rubinetteria Newform. A destra, un’altra veduta della zona pranzo, dall’ingresso; a parete, un’opera di Andrea Ferrari. Pagina accanto, il cortile interno dell’abitazione.

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Di città in città, inseguendo con gioia un lavoro che è anche una passione e che gli permette di (ri)abitare i luoghi in modo ogni volta diverso. A Imola, dove è nato, Marco Costanzi si era scelto per studio un antico mulino; a Roma ha vissuto in un’officina riconvertita, alla Garbatella. “In quel caso Pietro Beccari, all’epoca CEO di Fendi, mi aveva affidato l’incarico di riprogettare il Palazzo della Civiltà Italiana, detto Colosseo Quadrato, trasformandolo nel quartier generale del brand”, spiega. E sempre Beccari, cui lo lega un rapporto di fiducia e di stima, è tornato a chiedergli di occuparsi degli interior dei nuovi headquarters parigini di Dior, del quale nel frattempo è diventato presidente. Un progetto lungo un triennio, “un grande lavoro di creatività e logistica. Molto complicato e molto affascinante”, commenta Costanzi. “Accettato con entusiasmo e con una consapevolezza: la professione spesso ti porta a vedere i luoghi solo superficialmente. Prendi un volo all’alba, arrivi presto in cantiere, lavori moltissimo e non hai tempo per vivere il posto.

Così un giorno per scherzo con mia moglie Francesca, passeggiando nel Marais, ci siamo detti: ‘E se ci trasferissimo qui?’. Ho cominciato a guardare gli annunci e dopo un anno di ricerca una volta che ero a Parigi di passaggio ho preso di malavoglia appuntamento con un’agenzia per vedere una casa le cui foto non mi convincevano. Una vecchia carta da parati a righe, sgraziati pavimenti in ceramica... ma la posizione era fantastica”. Svariati mesi (e una pandemia) più tardi, eccoci qui, 136

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nell’8°Arrondissement, vicino al luogo dove la nuova futura sede di Dior occupa un edificio storico: il primo hotel edificato sugli Champs Elysées, un tempo di proprietà dell’Orient Express. “Ci arrivo a piedi in 15 minuti. Amo questo quartiere borghese, poco fashion, dove la nostra abitazione occupa parte del secondo piano di un edificio classico, ma non iper decorato, affacciata da un lato su una stradina che porta all’Eliseo, dall’altra su una corte interna dove si respira una quiete straordinaria”. 50 mq appena, è però quella che i francesi definiscono casa ‘traversante’: “Un piccolo ingresso che ho mantenuto tale, soggiorno e pranzo sulla sinistra, bagno e camera sulla destra. La doppia esposizione la valorizza, come le 12 finestre che la inondano di luce, anche troppa, al punto che abbiamo dovuto chiuderne due”. Gli stucchi ai soffitti sono un altro dettaglio prezioso, come il camino ottocentesco in pietra e il parquet originale in una stanza.

“Il resto l’ho eliminato, sostituendolo con un vecchio pavimento francese recuperato anni fa, e tenuto da parte in un deposito”; in cucina e in bagno, invece, il piede si poggia su un marmo scuro dalle striature bianche. Quanto agli arredi, sono un mix di buon design, di mobili disegnati da Costanzi e memorabilia “scovati con Francesca nei mercati delle pulci, in viaggio, e portati fin qui”. Anche il più autentico dei globetrotter ama sostare in un luogo chiamato casa. Tanto più se a lambire le finestre della stanza da letto sono le foglie di un grande faggio e al mattino, evento raro in città, a darti la sveglia sono i trilli degli uccellini. —

In camera, letto di Maxitalia; a parete, opera di Francesca Pasquali. Pagina accanto, a sinistra, nella zona pranzo, tavolo su progetto e sedie Anni 60 di Gastone Rinaldi, rivestite con tessuti Dedar. Sospesa, lampada Candela di Vals di Viabizzuno. A destra, dettaglio della scala dell’edificio.

Il bar del Bulgari hotel con la parete di fondo in onice retroilluminata. Pavimento in granito nero e laccature craquelé realizzate dall’Atelier Midavaine di Parigi. Poltrone Happy, design Antonio Citterio per Flexform, lampada da terra Equatore, FontanaArte. Accanto, la vista sulla Tour Eiffel dalla penthouse.

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ESPRIT Debutto a Parigi per un hotel di charme. Nuovo gioiello di una Maison del made in Italy che esporta nel Triangolo d’oro un’idea autentica di ospitalità ed eccellenza di Francesca Benedetto — foto di Matthieu Salvaing

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In primo piano, le pareti craquelé profilate in ottone e realizzate da artigiani parigini, danno carattere all’ambiente del bar.

In primo piano, sedute Happy di Antonio Citterio per Flexform, piantana di FontanaArte.

Sul fondo, nella lounge, divano e poltrona Feel Good, tavolino Diola, tutto design Antonio Citterio per Flexform.

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“I nostri alberghi sono luoghi ‘pensati con amorevole cura’ in cui le persone pranzano, si divertono e respirano un’atmosfera energizzante di grande glamour” Silvio Ursini

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Accanto, il Ristorante-Niko Romito, con pavimenti in rovere e acero e lampadari di Barovier & Toso, affaccia sul giardino interno, adiacente al bar (sotto); piattini Oriente Ginori 1735 per la collezione di dolci curata dallo chef. Pagina accanto, nella lounge, il gioco di linee a soffitto riprende quelle del pavimento in noce ed è ispirato al design di una pochette Bulgari. Sedute e arredi di Maxalto e Flexform, tappeti di Altai, lampade di FontanaArte e Oluce; la parete del bar in onice retroilluminata.

Accanto al camino della lounge, Silvio Ursini, Executive Vice President di Bulgari e lo chef pluristellato Niko Romito.

La Penthouse Suite occupa gli ultimi due piani dell’edificio e una superficie totale di 1.000 mq.

Sul fondo, arazzo Filikli in angora di Altai e poltrona di Antonio Citterio per Flexform.

Pagina accanto, la sala da pranzo con terrazza affaccia su Avenue George V. Tappeto antico di Altai, tende in seta traforata di Dedar, chandelier di Barovier & Toso. Tavolo e sedie collezione Mirto di Antonio Citterio per B&B Italia, piatti Ginori 1735, bicchieri di Salviati e argenteria Bulgari.

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Milano nel 2002. E poi, in quasi vent’anni, Bali, Londra, Dubai, Pechino e Shanghai.

La collezione dei Bulgari Hotels & Resorts ha traslato nel mondo dell’accoglienza l’identità del brand, sinonimo di un’eleganza italiana, autentica e senza tempo. Alla parure si è appena aggiunto un altro gioiello, nel Triangolo d’oro di Parigi, più precisamente in Avenue George V. Durante il nostro shooting, poco prima dell’inaugurazione, si respira già l’atmosfera frizzante del luogo e lo stile che identifica tutte le strutture della Maison, caratterizzato da un servizio impeccabile ma disinvolto. “Conosciamo il contesto, abbiamo aperto il primo negozio parigino nel 1970, ma la sfida era grande, siamo nella capitale mondiale dell’hotellerie di lusso, della gastronomia e della gioielleria”, ci racconta Silvio Ursini, Bulgari Group Executive Vice President, alla curatela di tutti gli hotel del gruppo. “Qui ci sono i grandi Palais che perpetuano il sogno parigino, decorativo, i francesi in questo campo sono dei veri maestri. Penso ai grandi classici ma anche all’Hotel Costes che ha scritto una nuova pagina dell’ospitalità, diventando un luogo aperto alla città”. Così tutto il progetto, firmato dallo studio di architettura Antonio Citterio Patricia Viel, e seguito dal project director Roberto Mariani, è stato pensato come un incontro tra l’eccellenza italiana e la bellezza di Parigi. L’edificio degli Anni 70, rinnovato dai progettisti milanesi in collaborazione con i francesi Valode & Pistre, all’origine appariva incongruo tra i palazzi haussmanniani, ma aveva in realtà delle caratteristiche uniche: dai generosi spazi del basement che ospitano oggi la grande spa con piscina semi-olimpionica di 25 metri, una rarità per Parigi, al patio interno trasformato in un piccolo bosco a servizio del bar e del ristorante. Fino al tetto con il giardino sospeso della Penthouse Suite, che offre una spettacolare vista sullo skyline, dalla Tour Eiffel al Sacre Coeur. La facciata ha acquisito una nuova eleganza grazie all’estensione delle aperture delle finestre a due piani che rimandano ai palazzi del Rinascimento in Italia, e all’uso della pietra che cita i principali monumenti locali. Pur nel rispetto del genius loci, si ritrova “l’identità estetica, il tono di voce, il gusto per i colori che contraddistinguono la Maison”, ci spiega Patricia Viel. “In un’architettura non interessata a creare trofei, ma che guarda a una capacità rigenerativa, oltre il progetto stesso, per creare esperienze uniche.

Una reinterpretazione del concetto di lusso che si fonda su una nuova percezione della qualità, 146

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dalla scelta dei materiali fino al design degli arredi”. Con uno stile tutto italiano e attento al dettaglio ma che strizza l’occhio alla città e all’artigianato francese. Così, nel vestibolo, l’imponente cupola rivestita in seta color zafferano, tinta iconica di Bulgari, è illuminata da un’installazione in vetro di Murano, e nella lounge le geometrie del soffitto ‘duplicano’ quelle del pavimento in noce nazionale, riprendendo il pattern di una pochette storica. Nel bar, il bancone in onice retroilluminato si riflette sulle pareti con laccatura craquelé realizzate da maestranze locali mentre la pergamena e il prezioso intarsio di paglia, scelti per alcune delle suite, ricordano la cifra dell’interior francese Jean-Michel Frank. Ma il vero fiore all’occhiello è la capacità di anticipare i desideri dell’ospite che il personale acquisisce con un attento training e che rende unica l’esperienza. Dalla cerimonia del disfare e rifare i bagagli, al servizio lustrascarpe in collaborazione con Berluti, fino allo speciale programma di allenamento Worskshop Gymnasium ideato dal celebre personal coach Lee Mullins, tutto concorre alla costruzione di un benessere totale. Un piacere che culmina a tavola, nel ristorante aperto al pubblico del pluristellato Niko Romito che, dal 2017, firma l’offerta gastronomica di tutti i Bulgari hotel. “Amo realizzare piatti con materie prime riconoscibili, dove forma e sostanza coincidono perché oggi i ‘fronzoli’ non sono più sostenibili. Credo che la grande impresa per un brand dell’alta gamma risieda nella capacità di coniugare creatività e sostenibilità. Così il concetto di lusso si riconosce in un grande spaghetto al pomodoro o in un antipasto all’italiana; piatti in cui la coerenza con la tradizione si esprime attraverso una concezione moderna di cucina fatta di ingredienti poveri ma nobilitati dalle tecniche di trasformazione innovative e dalla magia di accostamenti che ne esaltano i sapori”. L’atmosfera del Bulgari Hotel di Parigi racconta una storia di glamour ed eccellenza, testimoniata dalle foto d’archivio con le dive del cinema esposte nelle zone comuni.

E ribadita dalla selezione di oggetti e opere d’arte che arredano lo spazio. “Quando ci siamo imbattuti nella straordinaria collezione di ceramiche originali di Gio Ponti, che gli valse il Grand Prix all’Esposizione internazionale di arti decorative e industriali moderne di Parigi nel 1925, abbiamo pensato che fosse perfetta per questo luogo”, conclude Ursini.

Quasi a suggellare un riuscito dialogo tra il saper fare italiano e l’indiscussa eleganza francese. —

La camera da letto della Penthouse Suite con vista sulla Tour Eiffel. Lampada da terra di Flos, biancheria di Rivolta Carmignani, coperta di Enzo degli Angiuoni. Pagina accanto, nel giardino pensile dell’attico, querce, magnolie, cespugli di ribes rosso, alberi di mele e pere.

Nello spogliatoio, wallcovering di Elitis e moquette di Pierre Frey su disegno che riprende il parquet alla francese. Scrittoio e pouf di Maxalto. L’hotel dispone di 76 camere e suite dotate di balconi o logge coperte.

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Nella spa di 1.300 mq, aperta anche agli ospiti esterni, la piscina di 25 metri in mosaico è una vera rarità a Parigi. Le pareti sono in pietra di Vicenza con tracce di fossili e antichi sedimenti.

Sul fondo della vasca Vitality, la decorazione a mosaico riprende il motivo a ventaglio delle Terme di Caracalla a Roma.

Pagina accanto, il bagno della Penthouse Suite interamente rivestito in marmo arabescato.

Applique Versaille di Astrolight.

QUELLI DELLA NOTTE Atmosfere rarefatte, poco prima del sonno, nella casa di un collezionista immaginario.

Dove gli ambienti accolgono pezzi eclettici e sorprendenti. Da scoprire di Murielle Bortolotto e Tamara Bianchini — artwork di Massimo Colonna

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Sala pranzo. Scenografico il tavolo Allure’O di Monica Armani per B&B Italia, nella versione rettangolare con angoli smussati e piano in marmo (bebitalia.com). Sopra, bicchieri Sferico di Joe Colombo e brocca Glass Carafe di Aldo Bakker entrambi prodotti da Karakter (karakter-copenhagen.com).

Intorno, tre sedie Corinne di Roberto Lazzeroni per Baxter, con struttura in frassino tinto wengè (baxter.it). Sospese,

due lampade Koinè firmate Mandalaki per Luceplan.

Da scegliere in nero, bianco o alluminio (luceplan.com).

Madia Float di Zaven per Novamobili, disponibile quadrata, rettangolare alta o bassa (novamobili.it).

Sulle pareti, vassoi e pannelli decorativi di Fornasetti (fornasetti.com). Porta Exit in bianco extra lucido di Ferrerolegno (ferrerolegno.com).

Zona living. In pelliccia ecologica il divano Cipria firmato dai fratelli Campana per Edra.

Nove morbidi cuscini sono agganciati a una struttura in tubolare metallico (edra.com).

Naso all’insù per ammirare Interstellar, lampada di Dimorestudio per Dimoremilano, in metallo verniciato nero opaco (dimoremilano.com). Color ruggine la libreria Helsinki di Caronni + Bonanomi per Desalto, un best seller del brand in tre misure (desalto.it). Poltrona Discovery di Studio Mamo per Zanaboni Edizioni, in giunco naturale e corde intrecciate (zanaboni.it). Accanto l’iconica Coupé di Joe Colombo per Oluce, nella versione ad arco (oluce.com). In primo piano, due tavolini Brink di Rodolfo Dordoni per Minotti, con piano irregolare materico arricchito da un inserto in ottone satinato (minotti.com), vaso Verso nella nuance terracotta di Ferm Living (fermliving.com).

A terra, tappeto Folding Ribbon del duo Campbell-Rey per Nordic Knots (nordicknots.com).

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Angolo studio. Protagonista è lo scrittoio Arki-Desk di Pedrali con gambe a cavalletto in acciaio da scegliere tra trentacinque tonalità (pedrali.com), di spalle la sedia girevole 360° di Konstantin Grcic per Magis. Regolabile e in matt color black (magisdesign. com). Pouf Disco firmato Nidi con tessuto tartan, diametro 78 cm (nidi.it). Sulla parete, lampada Swan in alluminio nero opaco di Bernhard Osann per Nemo Lighting (nemolighting.com) e tre serigrafie: Agnellino, Due Oche e La Volpe di Enzo Mari, riedizione Danese (danesemilano.com). A terra, corre in entrambe le stanze il tappeto multirighe Fourways di Ritva Puotila per Woodnotes (woodnotes.fi). Pagina accanto, lavabo freestanding Ovvio di Nic in ceramica glossy color Amazzonia (nicdesign.it), rubinetto So di Fima (fimacf.com), e in metallo la lampada Tiny di Ferm Living (fermliving.com).

Sovrapposti, in blu, i contenitori Componibili di Anna Castelli Ferrieri per Kartell (kartell.com).

Per guardarsi lo specchio Aspe0l2l di Benedini Associati per Agape (agapedesign.it).

Illuminano la scena due Lampadina di Achille Castiglioni per Flos (flos.com).

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Stanza da letto. Avvolgente il letto matrimoniale Jill firmato zanellato/bortotto per Bolzan Letti (bolzanletti.it). Sopra, plaid di Hermès (hermes.com).

Accanto due tavolini/pouf Esagono in lacca caraibica di Armani Casa (armani.com).

Coppia di lampade cromate Topo di Joe Colombo per Stilnovo, altezza cm 140 (stilnovo.it).

Gradazioni di blu e verde per il tappeto Spectrum

di Jan Kath (jan-kath.com) e per la poltrona con pouf Frame di Francesco Rota per Paola Lenti (paolalenti.com).

Appeso, Metal Wall Relief Sun disegnato da Alexander Girard nel 1966 per Vitra, in ottone e diametro 60 cm (vitra.com).

In tutti gli ambienti pareti e pavimenti dipinti con Marine Blue e Canton di Little Greene (littlegreene.com).

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inside–design Superfici creative e materiali per rinnovare gli spazi.

News per il bagno, idee multitasking che non rinunciano alla magia a cura di Tamara Bianchini e Murielle Bortolotto

Settantasei nuove texture per i film adesivi 3M DI-NOC, progettati per durare a lungo e semplici da installare. Diverse le declinazioni: legno (in foto) e materiali come stucco, malta e terracotta.

Finiture metalliche e ancora feltro, pietra e mattoni. Su pellicole sottili e flessibili per trasformare con estro gli interior. 3mitalia.it

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INSIDE DESIGN/WELLNESS

Oggetti pratici o indispensabili nella zona bagno.

Prodotti dalle vocazioni multiple e un tocco magico

Singoli o da comporre insieme per un effetto unitario i pezzi firmati Galassia.

Con base circolare, in due altezze e in due diametri il lavabo Core. Piano/mensola Tabulae in ceramica sottile da abbinare al mobile (della stessa linea) in legno laccato bianco, nero, grigio matt, sabbia, fango e moka. ceramicagalassia.it

A portata di mano Equilibrium di Stilhaus nasce come supporto per salviette, asciugamani, rotoli... Un complemento d’arredo funzionale con una base in marmo e portaoggetti in cromo, oro rosa, nichel nero nelle finiture matt o lucida. stilhaus.it

Quarzo/resina. Il brand Okite® propone 8052 Calacatta Oro, un agglomerato pensato per rivestire le superfici dall’effetto tridimensionale grazie alla venatura passante.

Su grandi lastre, misura 163x2x322h cm. okite.com

Placca gioiello. Due millimetri di spessore per linea Blink di Oli, caratterizzata da un doppio scarico per l’acqua e dall’elegante finitura acciaio oro. Da scegliere anche in sette scintillanti varianti. oli-world.com 160

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Boule de neige griffata. La Medusa, simbolo iconico della Maison Versace, si riveste di soffice neve all’interno di Virtus Holiday. Sfera in vetro con base in porcellana decorata dal pattern Animalier Tiger e da motivi floreali Barocco. versace.com

INSIDE DESIGN/KITCHEN

Elementi multifunzionali per provetti e aspiranti chef.

E per i gentlemen il cioccolato dark dal gusto speziato

Doppia funzione. Ikona Maxxi Pure di Fabrizio Crisà è la novità di Elica, in grado di migliorare la qualità dell’aria che respiriamo in casa. Rimuove odori e vapori durante la cottura, mentre il purificatore integrato con Combo Pure Filter (filtri HEPA e carbone che catturano particelle) libera l’ambiente da allergeni e inquinanti rilasciati da muffe e prodotti per la pulizia. elica.com

Anche in uno spazio piccolo il sistema cucina b1 di Bulthaup racchiude tutta la funzionalità, l’eleganza e il comfort indispensabili per pranzi e cene gourmet.

Elettrodomestici integrati nelle colonne, con frontali laccati, e piano di lavoro in bianco alpino. bulthaup.com

Cioccolato fondente Amedei, storica azienda italiana con sede a Pontedera, Pisa, propone la tavoletta Toscano Black 70.

Gusto deciso, venato da sentori di tabacco, malto tostato e legno di cedro. amedei.it

Un look déco ed elementi in cristallo multicolor (trasparente, nocciola, lime, melanzana, oceano) compongono il vassoio Fontana del brand danese Reflections Copenhagen.

In due versioni e due misure. reflections-copenhagen.com Rinnovati. La linea di forni combinati Excellence di V-Zug, distribuiti da Frigo2000, sono facili da usare e consentono di ottenere risultati di cottura perfetti, sia per cuochi esperti sia occasionali. Touch display, timer, 12 funzioni e un app dedicata per scegliere anche da remoto la modalità di cottura o un’intera ricetta. frigo2000.it

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INSIDE DESIGN/MATERIALI

Calore e atmosfera. Due camini, due radiatori firmati e una city car portalegna per l’inverno

Plissé sospeso. Ritmo alle pareti e calore con il radiatore Roads di Mariano Moroni per Cordivari. In alluminio estruso verniciato a polveri nelle finiture matt, special, standard, classic e texture. cordivaridesign.it

Focolare domestico. Oltre alla doppia combustione con tecnologia 02 Ring (per l’abbattimento delle emissioni), Ecomoblocco WT 16:9 di Palazzetti è dotato di Wood Combustion Control.

Un sistema di regolazione dell’aria brevettato che facilita anche l’accensione del fuoco. All’esterno, una panca in marmo e inserti metallici. palazzetti.it

Elettrico Prelude di Olmar ha una tecnologia che utilizza i raggi infrarossi in grado di sanificare l’ambiente grazie all’effetto degli ioni d’argento. Disponibile in gold, silver, bronze e black. olmar1957.it

Dettaglio grafico per Book disegnato da Marco Piva per Caleido. Termoarredo realizzato da una lastra sottile in acciaio verniciato con una lieve piegatura alla sua estremità.

In bianco, nero, rosso e in tre misure. caleido.it

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Contenitore su ruote. Woody, design Lucio Curcio per Formae è in acciaio e ha una comoda maniglia per portare la legna ovunque, all’interno e all’esterno.

Nei colori azzurro, arancione, bianco, rosso e giallo, misura 60x35x40h cm. formaecollection.com

design–book Letti d’autore, plaid per stare accoccolati, lenzuola di design e un materasso artigianale. Soluzioni per arredare la zona dedicata ai sogni a cura di Murielle Bortolotto e Tamara Bianchini

Foto Omar Sartor

Gentleman, si chiama così il letto disegnato da Marcel Wanders studio per Poliform.

La testata e la base sono imbottite con un rivestimento sfoderabile in tessuto Agadir crema, rulli in pelle Nabuk moka e base brown nickel lucido. Da abbinare al comodino della stessa serie, in olmo nero con top in laccato opaco bronzo e piedini brown nickel lucido. poliform.it

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Super warm. Due letti di carattere e, intorno, pezzi scintillanti in metallo ed essenze pregiate

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1. Twin One e Twin Duo, specchi di Michele di Fonzo per Frag.

Il profilo metallico, di forma ovale o tonda, incornicia la superficie riflettente quadrata o rettangolare. frag.it 2. Kilty 1, carta da parati con motivo scozzese di Adriani e Rossi. In due varianti cromatiche. adrianierossi.com 3. Kim, firmato da Stefano Spessotto per Ditre Italia.

Letto matrimoniale rivestito in tessuto, pelle o entrambe le finiture. ditreitalia.com 4. Como SC53, lampada da tavolo portatile di Space Copenhagen per &Tradition. In tre versioni (ottone, nera, bronzo), misura diametro 15,6x21h cm. andtradition.com 168

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DESIGN BOOK/ZONA NOTTE

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1. Janed di Emilie Cathelineau per Cvl Luminaires. Piccola e da parete, è in metallo con vetro opalino. Disponibile con e senza cavo, in otto finiture, misura diametro 12 cm. cvl-luminaires.fr 2. Wood 2, wallpaper vinilica di Adriani e Rossi, in due tonalità. adrianierossi.com 3. Symphony, collezione di madie firmate Emmanuel Gallina per Poliform. Caratterizzate da una forma ellittica, valorizzata dalla finitura legno, in altezze e misure diverse nella versione alta, media e bassa. poliform.it 4. Edoardo di Andrea Parisio per Meridiani. Struttura in legno massello e testiera in cuoio intrecciato. meridiani.it 5. Hue Iris Gold di Philips, con luce bianca o RGB controllabile da remoto. In limited edition. philips-hue.com 169

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Coperte e plaid in pura lana vergine e in soffice cachemire.

Definiti da frange, pattern grafici o in tonalità che sfumano [2] [1]

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1. Moonrise di Hutte. Plaid in lana superfine e alpaca con effetto sfumato.

In foto, nella nuance Tabasco + Juniper, disponibile in altre tre tonalità. hutte.it 2. Tailor firmato Rivolta Carmignani, in cachemire e in lana merino. Prezioso, da portare anche in viaggio e rifinito con eleganti frange. rivoltacarmignani.com 3. Dye disegnata da Michele Rondelli per il brand svizzero ZigZagZurich.

D’ispirazione ikat è in cento per cento lana neozelandese e fa parte della linea Artist Wool collections. zigzagzurich.com 4. Duke della collezione Lane & Plaids di Somma 1867, in cachemire e in lana merino australiana. In foto, nella variante degradè, anche monocolore, misura 130x180 cm. gabelgroup.it

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DESIGN BOOK/ZONA NOTTE

Pure e Chains. Due le proposte di Frette per l’inverno. A sinistra, la coperta con frange Pure in tinta unita Amarillis e in cento per cento cachemire. A destra, Chains realizzata a mano in lana vergine. Sui bordi l’iconico motivo, a catene intrecciate, del brand. eu.frette.com

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DESIGN BOOK/ZONA NOTTE

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1. Chromo di Gabel. Tinte unite pastello per la serie Basic: lenzuola e federe in puro cotone. gabelgroup.it 2. Bold Boudoir federa firmata Frette.

Colori a contrasto su una base morbida e lucente in raso di cotone a fibra lunga. In foto, la variante Amaryllis-Camel. eu.frette.com 3. Senza Tempo di Society Limonta.

Collezione di federe in ramié stampato, plaid in lana e lenzuola in cotone extrafine. societylimonta.com 4. Specchiera, pezzo raro degli Anni 80 firmato di Ico Parisi.

In tubolare metallico smaltato bicolore rosso corallo e grigio. Realizzato per Brugnoli Mobili, Cantù, è in vendita da Eredi Marelli. eredimarelli.it 5. Florens di Gabriele e Oscar Buratti per Lema. Volume monolitico per il contenitore laccato opaco o lucido, in foto, nella versione a tre cassetti o a settimanale. lemamobili.com

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Tenera è la notte con lenzuola, federe e copripiumini.

Scelti in cotone purissimo, extrafine o in raso

1. It’s Black di Simmons, materasso della serie Beautyrest Black, disponibile in una gamma di finiture vastissima, risponde a tutte le esigenze di comfort. Lavorazioni artigianali, con cuscinetto (Pillow-top e Eurotop), rivestimento sfoderabile e Smart Pad rimovibili. Imbottiture naturali in cashmere, pura lana vergine, lino, cotone organico e fibre di bambù. simmons.it 2. Chromo Print firmato Gabel. Completo copripiumino double-face stampato su puro cotone da 58 fili. In foto, la versione matrimoniale. gabelgroup.it

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n.b.

Dicembre/gennaio — Mostre, appuntamenti e opening. Il meglio dell’arte contemporanea e dei nuovi linguaggi, in Italia e in Europa

Courtesy Fondazione per l’Arte Moderna e Contemporanea CRT

a cura di Piera Belloni

30 anni d’arte. La GAM di Torino fa il punto sullo stato della creatività internazionale con ‘Una collezione senza confini’. Un percorso che attinge al patrimonio del museo, esponendo lavori dagli Anni 90 a oggi di autori come Boltanski, Grasso (qui, ‘Neon’, 2011), Lambie, Moffat. gamtorino.it

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N.B. DICEMBRE / GENNAIO

Courtesy Galerie Tschudi, Zuoz, and Richard Long, © photo Gert van Rooij - © Urs Lüthi & VG Bild-Kunst, Bonn - Courtesy Zanele Muholi and Stevenson, Cape Town/Johannesburg and Yancey Richardson, New York - © Caroline Corbasson - foto Monkeys Video Lab_Galleria Nazionale

Leuven. Richard Long, ‘Heaven and Earth Circle’, 2002.

Installazione al De Pont Museum di Tilburg, 2019

Land Art a Leuven — La cifra creativa di Richard Long abitualmente si esprime con interventi sul paesaggio, ma per la sua personale al Musée M l’artista britannico si adatta agli spazi museali, proponendo fino al 20/3 una serie di opere create con pietre e legno, alcune site-specific in fango, destinate a sparire, oltre a testi e foto. mleuven.be Materiale e immateriale a Milano — É aperta a Palazzo Reale fino al 30/1 ‘Corpus Domini. Dal corpo glorioso alle rovine dell’anima’, curata da Francesca Alfano Miglietti. 34 gli autori presenti con le loro raffigurazioni tra materia e spirito, fra cui AES+F, Luthi, Gormley, Gina Pane. palazzorealemilano.it Personale a Berlino — Al Gropius Bau è di scena Zanele Muholi, artista e attivista sudafricana, che da circa 20 anni racconta con la fotografia storie LGBTQI+. Fino al 13/3 in mostra 200 scatti, fra cui molti autoritratti. berlinerfestspiele.de/en/gropiusbau Collettiva a Hornu — Se musica, letteratura e arte hanno trovato ispirazione nei fenomeni cosmici, il design e l’architettura non sono stati da meno: a questa conclusione arriva il CID Grand Hornu con la mostra ‘Cosmos’, che fino al 27/2 propone lavori fra il concettuale e il poetico di circa 40 autori. cid-grand-hornu.be Omaggio a un Maestro a Roma — Con ‘Ettore Spalletti. Il cielo in una stanza’, la Galleria Nazionale di Arte Moderna e Contemporanea trasforma i suoi spazi in un luogo quasi metafisico, abitato dalle opere monocrome provenienti dallo studio dell’artista e dalla collezione del museo.

Per un’esperienza emozionale, dove domina uno dei colori d’elezione dell’autore, l’azzurro. Fino al 27/2. lagallerianazionale.com

Milano. Urs Lüthi, ‘Low Action Game II’, 2001, collezione Paolo Brodbeck

Berlino. Zanele Muholi, ‘Ntozakhe II, Parktown’, 2016

Hornu. Caroline Corbasson, ‘JWST’, 2016

Roma, Galleria Nazionale.

‘Ettore Spalletti. Il cielo in una stanza’ 177

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DECEMBER/JANUARY 2022

The Cover Natural Life. It’s a perfect interaction between nature and landscape, between interior and exterior: the architecture in the Los Angeles hills designed by Belgian architect Vincent Van Duysen, fully meets to the expectations of Jenni Kayne, the Californian fashion designer and natural lifestyle guru. Photos by Stephen Kent Johnson/OTTO. Text by Laura Maggi.

English text 36 Craft activism. 62 Marina Abramovic. 64 Mabeo is back. 84 Into the light. 103 The essence of time. 120 Natural life. 130 Object Trouvé.

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Craft activism — p. 36

Craft activism — p. 36

by Valentina Raggi

International architects, artists and designers reveal the political nature of the handmade. Craftsmanship is ever-more committed, reimagining projects from an ethical and sustainable angle. Here’s how.

Going back to move forward. In the absence of a new generation of ‘hands’ that would learn how to rework the methodologies in an innovative way, ancient know-how was at risk of being lost. But a change of course is underway. New brands, shows and practices tell of how many makers – many until recently unrelated to craftsmanship – are taking an interest in the handmade, even with the conscientious view that ‘less is more’. The MoMA in New York is currently staging ‘Reuse, Renew, Recycle: Recent Architecture from China’, which explores a new generation of designers who, following the years of the country’s urban expansion, have returned to studying and implementing ancient local building techniques for a more sustainable development. In Hong Kong, the K11 art centre hosts ‘Savoir-Faire: The Mastery of Craft in Fashion’, a tribute to the haute couture of brands, cocurated by Carine Roitfeld, former director of ‘Vogue Paris’. In design, many renowned names are approaching craftsmanship in an unprecedented way. At the Edit Napoli fair, held in the Neapolitan city’s historic centre and other spectacular locations, Patricia Urquiola presented the Hybrida collection, resulting from a collaboration with the Istituto Caselli Real Fabbrica, in Capodimonte. A project that lasted two years, in which the designer wanted to revive the 18th century theme of botanical centrepieces. “We discussed how to tackle the subject matter with the school’s experts”, says Urquiola: the china was auctioned to fund the restoration of the institution’s ancient educational garden.

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Ferruccio Laviani, on the other hand, cofounded Not.O, a new design brand Made in Sicily. “I wanted to get out of my comfort zone and make furniture trying to apply local tradition to an industrial scale”, he explains. Emmanuel Babled also left the comfort zone to create a design start-up with craftspeople in Zanzibar. “As technology and AI develop exponentially, there is an underlying, yet universal desire for authenticity and materiality.

Carefully understanding how something was produced, why it was made in that particular way, and what its intrinsic cultural layers are, makes us more responsible consumers. Designers today have the capabilities to create ethical methodologies”, he says. That craftsmanship can embody the culture and lifestyle of a people and be an instrument for social good is made clear in the exhibition ‘Call & Response: Craft as a Tool for Activism’ by San Francisco’s Museum of Craft and Design, which hosts international artists who chose the handmade as a form of awareness about the most current issues: from gender rights to immigration. All that’s left to do now is wait for April and Venice’s new edition of Homo Faber, the event promoting superior craftsmanship and international artisans. The caption reads, ‘Crafting a more human future’, and that says it all. –

Marina Abramovic — p. 62

by Valentina Raggi – photo by Weston Wells

The star of contemporary art has always preferred people to fame. The ‘warrior’ of performance art speaks to us exclusively. Revealing her relationship to design, objects and architecture.

The video call begins and Marina Abramovic says, “Buongiorno!”, in Italian, then apologises in English for being a

ENGLISH TEXT

couple of minutes late. She’s back in New York after four months on the road. The last stop was Spain, where she received the Princesa De Asturias prize; the first woman to be awarded in visual arts. There are many reasons to interview her, a special one to pay her tribute: at the end of November, she turned 75, of which her career spanned over 50 years. “I know Elle Decor”, she confesses, anticipating our first question. In fact, her performances often include interactions with objects and furnishings. Some of which she designs herself. We ask her about her relationship with design. With irony, she pivots the computer screen to shows us a half-empty room. “I’m a nomad. About every seven years, I move and sell the house with everything in it. I keep very few things, some 18th century chandeliers and a sofa. One day I walked into Moroso’s shop in New York and asked them to show me their most comfortable sofas. I tried one that was incredibly cosy albeit grey, a colour I don’t like at all.

They told me it was by Patricia Urquiola. Well, Patricia won, the sofa has been with me for years. However, I have chairs that are so uncomfortable that my guests prefer to sit on the floor, and I don’t have a bookcase, I should build one. I love a product’s meaning more than the design: I appreciate a piece of furniture when it’s invisible”. From furniture to home, ‘The House with the Ocean View’ and ‘The Kitchen’ are the titles of some of her performances. ‘Cleaning the house’ is the name of a practice in which she requires her students to fast, count, and separate lentils from rice grains...“The method assists in tidying up our corporeal house, but I also believe it’s important to get on one’s knees and clean one’s floor, it’s a spiritual action. Every month I do a big reorganisation of the house.

Even moving is a healthy ritual. After all, my biggest inspiration is the list of necessary things for Buddhist monks: an outfit for winter, one for the summer, a bowl, a mattress, an umbrella and a pair of glasses, if you need them. ‘That’s it’, perfetto! I’m for the essential. My body is my home”. Architecture is another protagonist. In her biography, ‘Walk through walls’, she recounts real estate investments and, indeed, many moves. In 2013, in Hudson, in upstate New York she chose a building as the future headquarters of the Marina Abramovic Institute and asked Rem Koolhaas to remodel it. Then things changed. “The fundraising proved challenging. And then, since performance is an intangible art, I thought that if the MAI were a traveling institution, I could take its activities anywhere. So I sold the building and set myself free”. Another story about art and architecture is her recent launch of the ‘Crystal Wall of Crying’ at Babyn Yar’s Holocaust Memorial in Ukraine. “It’s a black wall set with quartz crystals, people approach it and reflect on the past to avoid repeating it in the future. These are stones with energetic powers, with which I also create my ‘Transitory objects’ and the ‘Pillows’, mineral sculptures to hang on the wall. In the morning, before having an espresso, you approach it with your forehead, heart and stomach. You meditate a little then start the day. We never have time to reflect, we’re always distracted, especially by technology: I have nothing against it, but beware of how we relate to it”. It’s no coincidence that, during the course of her career, this extraordinary commentator of the present has moved from performances to a project with WePresent, the WeTransfer’s digital platform.“I’m curious about all the possibilities that

Marina Abramovic — p. 62

Mabeo is back — p. 64

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Mabeo is back — p. 64

contemporary life offers. In the 1970s, if I had thirty spectators it was a success, with WeTransfer I have reached 80 million people united by a shared experience. So, instead of playing stupid videogames, people counted grains of rice”, she says satisfied. “It’s a matter of state of mind, every media is valid”. At age 75, any thoughts about the world? “Everything changes and nothing changes, same things but with a different name. We’re all responsible, there’s no point in criticism, what counts is elevating our good parts. I constantly ask myself what messages I can convey as an artist. Gandhi said: if you change you can change others. And he also said: first they laughed at me, then they ignored me, then they fought me, and in the end I won. It’s the story of my career. Turning 70 was a shock, 75 has had no effect on me, but 80 will be a success”. She has many projects in place. Amongst them the play, ‘The Seven Deaths of Maria Callas’, of which she is the creator, interpreter and set designer, starring Willem Dafoe, with costumes by friend, Riccardo Tisci. In Italy, it will be staged next May at the Teatro San Carlo in Naples. In 2023, the Royal Academy of Arts in London will devote a large solo exhibition to her. Any previews?

“I’m very superstitious, at the table I never place the salt into the hands of another and, if I see a black cat, I wait for someone else to go by. I’m very Italian, so I won’t say anything. Nonetheless, in the 250 years of the institution, I’m the first woman to be exhibited in the main hall”. In that case, we’ll say something: happy birthday, Marina! –

Mabeo is back — p. 64

by Paola Carimati

From a remote village in Botswana, the enlightened creative returns to break design system’s rules. And trigger his revolution: to make together and by hand.

Into the light — p. 84

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ELLE DECOR

It all began in Rome, on a day in June when African revolutionary creative, Peter Mabeo, and Kim Jones artistic director of prêt-àporter and couture at Maison Fendi, resolved to collaborate. The goal was to do a presentation together at Design Miami, the most famous international art design fair, and together, spontaneously, write a new chapter on superior craftsmanship in the most remote region of southern Africa. It’s the protagonists and their attitudes that establish the rhythm and intensity of the story, as happens in the best synopses. A long take frames the burnt colours of the landscape: we’re in a village not far from Gaborone, the capital of Botswana. “We moved here from the city”, says Peter Mabeo, including his entire community. He’s an ageless entrepreneur with a multifaceted intuition: a bit designer, a bit artist and a bit artisan, a handful of years ago he bewitched the made in Italy system with his made in Africa collections. At every design week, defying bureaucratic delays and bungles, he collected sculptural and authentically primitive objects in the galleries of Milan and Stockholm, and wherever in the world he exhibited. Tributes of famous architects such as Patricia Urquiola and Vincent Van Duysen to a culture so distant, paradoxically sounded to him like a misunderstanding. “Lately, I’ve been thinking a lot about how we work, about our relationship with the marketplace and

ENGLISH TEXT

marketing”, he explains to us via Teams, sitting inside his car.

Outside, the echoing thud of mechanical tools: Peter was in fact finalising Kompa, the collection that sanctions the participation agreement ‘with and for’ Fendi. “Our chance to stage a new idea for making handicrafts”, he says, with a dusty green tee-shirt and a happy smile. “I’m referring to craft-mind, that is, an attitude that’s less commercial and very special, aligning creativity, production methods and actual need”, as a reference, using a less global scenario and a more zero-miles scenario. “Producing this way, with the aim of meeting the real needs of one’s ‘people’, makes the whole process more honest”. That’s understandable.

Doing things slowly, then, permits one to place them as needed in the local market. ‘Peter is making his mark by slowing things down’, was a recent headline that ran in ‘The Wall Street Journal’. An assertion that sounds good in every sense. Mabeo speaks of meaning, the same that caught the attention of Kim Jones, with a past spent traveling through Africa with his geologist father. “I’m very interested in collaborating with a studio based in Botswana”, confides the artistic director, “that world has a familiar dimension that reminds me of my childhood”. Of those places he recognises heritage and talent: unique values filled with tradition. “From Maasai warriors to Afar tribes: every time I return to Africa, I’m fascinated by the way young people take charge of tradition, always interpreting it differently”. From manufacturing to processing techniques, from the great sages to the goods of the land: craftsmanship is an important value to be preserved. “And this is a very important message to convey and disseminate”. For Fendi it’s a circular project ‘from local to local’: it’s a movement created from and nourished by tradition. “But not in a romantic, aestheticizing way”, Peter points out, “quite the opposite, it’s very concrete: I start with what’s available”. That’s people, with their experiences and generosity: “For me, objects are a means to involve people and build relationships”. Earth, baked and raw, wood and metal are the materials chosen for Kompa, precisely because they suggest a shared approach. “To make together means to make community”. At any latitude. –

Into the light — p. 84

by Piera Belloni

1960s America embraced it as a new creative medium.

Still today, light remains the protagonist of immersive, poetic, surprising installations bythe most famous artists.

On display at the CC in Copenhagen.

There’s a thread connecting the American West Coast to Europe.

And from this month, until 4/9/2022, it prompts us to travel – as well as between continents – also in time. Opening at CC (Copenhagen Contemporary) is the show ‘Light & Space’, dedicated to the movement by the same name that emerged in California in the late 1960s, and which inspired many contemporary creatives.

The works on display recount the story of the first experiments by artists who used the materials made available by technical innovation, and who approached light like an actual medium; thereby changing the way we perceive the work of art: no longer

focussing on the object – painting or sculpture – but involving and building the surrounding space and creating new perceptual situations for the viewer.

The newly founded CC, which is already renowned for the quality of its exhibits and the compelling calendar of events, since 2018 is housed on the island of Refshaleøen, a former industrial zone now the cultural precinct of the city, home to galleries, young businesses, award-winning restaurants and the Street Food Market. Located in a building previously used as a shipyard, it has already hosted exhibits dedicated to Bruce Nauman, Ragnar Kjartansson, Bill Viola and Carsten Höller, just to name a few.

‘Light & Space’ is curated by director Marie Nipper, former curator of the Tate Liverpool and ARoS, Aarhus Art Museum.

“We wanted to show this movement by highlighting how much it influenced some of Europe’s most significant contemporary artists”, she explains.

“While Minimalism, which emerged in New York in the 1960s, garnered great international attention, the Light and Space artists did not resonate the same way. Additionally, we also wanted to expand the selection of authors in the movement, such as some female artists who, unlike men, had to wait years to be recognised. So, we included new names, who were never before introduced to the general public”.

The exhibition comprises 27 artists with works set up across an area of 5000 sqm. Amongst the must-see installations are historical pieces such as ‘Aftershock’ by James Turrell; it’s one of his immersive spaces, which envelops the viewer in a purposely built, transient environment, made of light and colour. As well as the equally famous installations by Robert Irwin, who has a monumental, 16-metre-long wall comprised of 115 fluorescent tubes; and Doug Wheeler, who recreates an illusory, luminous horizon along the crease of the museum floor.

Amongst the work of contemporary names, Anish Kapoor’s hypnotic Black Void, a light-absorbing black hole inside a bottomless cavity, is exciting; as well as Ann Veronica Janssens’ playful sensory explorations; in 2023, the Belgian artist will star in a significant retrospective at the Pirelli HangarBicocca, in Milan. And also, pieces by Jeppe Hein and Olafur Eliasson, “because from the 1980s until now, a generation of European artists has kept the legacy of the movement alive through unprecedented philosophical and aesthetic depictions of the theme”, explains Marie Nipper. A journey where light returns to be an impalpable protagonist of the art of our times. Between poetry and the search for new sensory perceptions. –

The essence of time — p. 103 words by Flavia Giorgi — photos by Max Zambelli

Kengo Kuma’s green inspirations define the interiors of the first European high-end boutique of Japanese watchmaking. From Japan to Place Vendôme.

Those who visit Place Vendôme, a 17th century jewel commissioned by Louis XIV to house the royal library, pay homage to history, the fabric of events of which humans are the architects. Reminding us of this with Napoleonic determination, 183

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The essence of time — p. 103

is the column at the centre of the octagonal square, a monument to the French triumph at Austerlitz. Beneath the arcades of the monumental palaces, from the East the wind ushers in a new and different outlook, which recognises the primacy of nature over man and celebrates it by setting up a new retail space amid the enclave of Paris’ most renowned jewellers. Its author is Kengo Kuma, who with his unmistakable touch has given shape to the interiors of Grand Seiko’s first European boutique – the largest in the world. Launched on the occasion of the brand’s 60th anniversary, a lucky number in Japanese culture as it symbolises rebirth and innovative energy, it’s the expression of an ambitious project, “to turn Grand Seiko into a leading international brand in the luxury watch industry, like it is already in Japan”, confesses Shinji Hattori, Chairman & Group CEO of the Seiko Holdings Corporation. Nature is the common ground between designer and client: one has made it the essence of design, the other the muse of a philosophy based on the perception of time as part of the natural physical world and its cycles. It’s no coincidence that it was Kuma who designed the brand’s new atelier in Shizukuishi, a space where selected master watchmakers work on the punctilious handcrafted assembly of mechanical watches, and where new recruits are trained.

At number 7 Place Vendôme, the architect worked with a soft touch and a sage use of light. It’s a very personal language expressed in the system of panels comprised of thin vertical elements: bamboo canes cover the walls, shield the windows, divide the space like evanescent curtains, without preventing the eyes from seeing beyond. Minimalism and poetry are intertwined in a subtle game of balance, giving a contemporary twist to the tradition of the Rising Sun. “I wanted to create a boutique where one could sense Japan’s culture, the sensitivity of its people”, explains Kengo Kuma.

“I focused on the choice of materials, using them to showcase the craftsmanship’s extreme care for detail”, he goes on, revealing 184

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the essence of the project. Next to the bamboo partitions are walls made of washi paper and tatami mats, but also current and non-traditional elements such as oak and Vals quartzite floors.

A floating staircase winds between the two store levels.

On the ground floor, transparent display cases showcase the brand’s entire collection: watches with pure lines and thoughtful details besides the special models created for the anniversary, two timepieces in a limited edition of 10 items realised exclusively for the Parisian store. Beneath the dials with the French cobblestone motifs is the pulse of nature. —

Natural life — p. 120 words by Laura Maggi — photos by Stephen Kent Johnson/OTTO

In the Los Angeles hills, Vincent Van Duysen dreamed up a modernist-inspired villa for fashion guru Jenni Kayne.

Designed to live in touch with nature.

It’s a perfect interaction between nature and landscape, between interior and exterior: the architecture in the Los Angeles hills designed by Belgian architect Vincent Van Duysen, fully meets to the expectations of Jenni Kayne, the Californian fashion designer and natural lifestyle guru.

Having left her Beverly Hills home in search of a more authentic location, the designer, her husband Richard Ehrlich and their three children Tanner, Ripley and Trooper, found the ideal lifestyle in Brentwood, west of the city, surrounded by nature, amongst oaks, holm oaks and sycamore trees, next to a canyon hidden from view.

Van Duysen’s project has followed the wishes of Jenni, whom he met in New York in 2015: the new building, in a juxtaposition of volumes defining fluid interior spaces, has large floor-to-ceiling windows that can be completely opened to transform some of the

ENGLISH TEXT

living areas into actual outdoor pavilions. Like the large living room, an ample space with sliding windows that embrace the exterior, populated by an oak grove.

Here, the straight bench running along the glass wall, almost like an extension of the landscape, serves to lead the gaze outward.

“The open space creates an informal atmosphere”, Van Duysen explains.

“The flow between the spaces transforms the interior into a consistent experience in which family and guests can be comfortable, exploring the different lounge areas, sitting in the best spots to enjoy the morning light or the sunset”.

The common thread of the project is “the relationship with the surrounds, because my intention was to create a modernist refuge, where architecture and space merge with the outdoors. I adopted a light colour palette, from finishes to materials.

I revisited the typical architectural style of the West Coast, giving it a new twist with the use of lime brick wash, oak wood, soft shades and touches of colour”, continues the Belgian architect, who’s at his third residential project in the U.S. with more on the agenda. Since the start of his career, Vincent Van Duysen’s distinctive approach to design has been a strong relationship between the architectural envelope, the interior space and the furnishings, bespoke or in production.

All this determines a uniform outcome, with no over styling and great poetic strength. Arranged around the central courtyard, the true hearth of the house, the structure has a brick façade referencing traditional Belgian building techniques, and spreads across a single level that accommodates spaces and functions in a fluid sequence.

The only higher volume is that of the studio, a place in which to retreat and detach from daily commitments, overlooking a small hill covered in oak trees. It’s accessed by a helical masonry staircase designed like a sinuous sculpture, a true coup de théâtre.

On a lower level of the garden that surrounds the house, are the stables and the swimming pool with a pool house, set between two groups of lush plane trees. The interior decoration resulted from the collaboration of the architect, the owner and the Molly Isaksen Interiors studio. “Special attention was given to natural and tactile materials, to softer shades and textures compatible with the vintage designer pieces and the artwork in Jenni’s collection”, Van Duysen explains.

“The result is a space with great warmth, unique in its kind, in which the owner’s style blends perfectly with my way of doing architecture and interior design”.

It was a meeting of kindred spirits: “Jenni Kayne knows the aesthetics of Flanders, which is complementary to her lifestyle.

She is a great admirer of Flemish culture, responding to the use of muted colours and the selection of raw materials, just to mention a few characteristics. On the other hand, I have always admired mid- 19th century architects, the European modernists and the masters who also designed masterpieces in California”.

The connection between indoor and outdoor is due to Christine London, who was in charge of the landscape design, while the careful light design was achieved with the help of Sean O’Connor Lighting.

The architects of Kovac Design Studio coordinated the sizeable

Natural life — p. 120

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Object Trouvé — p. 130

work team and supervised the careful execution of this delicate and complex project. A special note: Jenni Kayne recently published her second book ‘Pacific Natural at Home’ (Rizzoli International) with an introduction by Vincent Van Duysen. In over 250 pages the author tells stories of houses on the ocean, in the desert, in the mountains, in the city, but also of the women who designed or commissioned them. Because often the identity of a project results from the owner’s personality. Like here. —

Object Trouvé — p. 130 words by Paola Maraone — photos by Max Zambelli

Refined, welcoming, with personality. Marco Costanzi’s home, in Paris, is the result of constant search for a place to call ‘home’, even beyond the Alps.

From city to city, he joyfully pursues a profession that is also his passion and allows him to (re)live places in a different way every time. In Imola, where he was born, Marco Costanzi chose an ancient mill as his study; in Rome he lived in a converted workshop at Garbatella. “In that case Pietro Beccari, at the time CEO of Fendi, entrusted me with redesigning the Palazzo della Civiltà Italiana, known as Colosseo Quadrato (square colosseum), to transform it into the brand’s headquarters”, he explains. And still Beccari, to whom he is bound by a relationship of trust and high esteem, came back to request he takes care of the interiors of Dior’s new Parisian headquarters, of which in the meantime he has become president. A three-year project, “a great work of creativity and logistics. Very complicated and very fascinating”, comments Costanzi. “I accepted enthusiastically, aware that work often leads one to only know places superficially; one boards a flight at dawn, arrives early at the 186

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construction site, works hard and has no time to experience the place. So, one day, walking through the Marais with my wife Francesca, we jokingly said to ourselves: ‘What if we moved here?’ I started looking at the ads and after a year of research, as I was passing through Paris, I reluctantly made an appointment with a realtor to look at a home the photos of which hadn’t convinced me. Old striped wallpaper, ungainly ceramic floors… but the location was great”. Several months (and a pandemic) later, here we are, in the 8th Arrondissement, close to the historic building that will house Dior’s new headquarters: it’s the first hotel built on the Champs Elysées and once owned by the Orient Express. “I get there on foot in 15 minutes. I love this bourgeois, unfashionable neighbourhood. Our home occupies part of the second floor in a classic but not overly decorated building that, on one side, overlooks a lane leading to the Elysée and, on the other, an internal courtyard that’s remarkably quiet”. Just 50sqm, it’s what the French call a ‘traversant’ (with double orientation) home. “There’s a small entrance that I left untouched, living and dining on the left, bathroom and bedroom on the right. The double orientation enhances it, as do the 12 windows that flood it with light, even too much of it, so much so we have to shut two of them”. The stuccoes on the ceilings are another precious detail, such as the 19th century stone fireplace and the original parquet in one room. “I got rid of the rest, replacing it with an old French floor I salvaged years ago and kept in storage”; while in the kitchen and bathroom, the feet rest on dark marble with white streaks. As for the furnishings, they are a mix of well-designed furniture by Costanzi, and memorabilia “I found while traveling with Francesca at flea markets and brought here”.

Yet even the most authentic globetrotter likes to stay in a place called home. All the more so when the bedroom windows are lapped by the leaves of a large beech tree and, a rare event in the city, the twitter of birds wakes you in the morning. —