Programme Brochure / Festival ARTONOV 2022 by Festival ARTONOV

PROGRAMME PROGRAMMA

La huitième édition du Festival ARTONOV est placée sous le signe de la liberté de création dans l’architecture. Pouvons-nous revendiquer une architecture libérée de la fonction utilitaire pour offrir une expérience de l’espace ? La performance d’un artiste en son sein peut-elle accentuer ce sentiment de liberté et ouvrir de nouvelles dimensions ? Les choix architecturaux proposés dans cette édition ont en commun une interaction subtile entre intérieur et extérieur ; l’expérimentation autant que la théorie, le savoir et la technologie permettent de révéler une démarche délibérément poétique.

Le fil rouge du Festival, Art nouveau et Art déco, reste bien présent avec une ouverture nouvelle à l’architecture contemporaine. Depuis quelques années, Bruxelles présente des inspirations architecturales novatrices. Donner une identité forte à la ville dans le futur est plus que jamais un défi.

L’humain ne se sent jamais chez soi dans l’infini. La maison est notre coin du monde, elle est notre premier univers. Mais elle est aussi, comme le souligne Gaston Bachelard dans son livre sur la poétique de l’espace, une possibilité pour utiliser notre imagination et même pour faire de la poésie. Et la poésie est un peu un phénomène de liberté.

L’espace est un doute : il me faut sans cesse le marquer, le désigner ; il n’est jamais à moi, il ne m’est jamais donné, il faut que j’en fasse la conquête. Perec

Edito HUITIÈME ÉDITION DU FESTIVAL ARTONOV Georges

La Brasserie Surréaliste sera également l’un des nouveaux lieux de cette édition. Brasserie locale et engagée qui fait de son nom un état d’esprit et se développe autour de la transgression et de l’insoumission à la norme. La beauté naîtra désormais de l’inattendu avec la nouvelle création d’Isabella Soupart et Guy Vandromme conçue pour cet espace. Utilisons à nouveau l’agence de voyage imaginaire qu’est le Festival ARTONOV pour savourer ce goût de la liberté et découvrir de nouvelles dimensions poétiques au cours de cette huitième édition !

Cette année, les architectes Philippe Samyn et Olivier Dwek seront mis à l’honneur. Cette édition accordera également une place particulière aux femmes avec les créations d’Isabella Soupart, de Satchie Noro et de Bintou Dembele. Celle-ci proposera un travail à la croisée du hip-hop, de l’art urbain et des danses africaines dans une performance. Les performances de Satchie Noro seront précédées d’un travail approfondi de médiation avec divers publics. L’origami géant de cette artiste en plein centre-ville de Bruxelles sera également l’occasion de se réapproprier l’espace public grâce à l’art. Nous aurons l’opportunité de visiter deux collections hors du commun : celle de la galerie New Hope avec le mobilier de Georges Nakashima et celle d’art contemporain de la famille Vanhaerents. Une présence qui souligne la vision d’ARTONOV d’inclure les collections dans la démarche interdisciplinaire du festival et dans sa programmation.

« La devise du mollusque serait alors : il faut vivre pour bâtir sa maison et non bâtir sa maison pour y vivre. » Gaston Bachelard VINCENZO CASALE Directeur artistique

FREEING ARCHITECTURE

Kunnen wij aanspraak maken op een architectuur die vrij is van utilitaire functies, om zo een andere ruimtelijke ervaring te bieden? Kan het optreden van een kunstenaar dit gevoel van vrijheid versterken en nieuwe dimensies ontsluiten?

De architectonische keuzes in deze editie verwijzen naar de sterke relatie tussen interieur en exterieur, naar het experiment evenzeer als de theorie, kennis en technologie waarop hun poëtische dimensie is gebaseerd. Art nouveau en art deco vormen nog steeds de leidraad, maar tegelijkertijd is er een opening naar de hedendaagse architectuur. Sinds enkele jaren zijn er in Brussel nieuwe architecturale impulsen zichtbaar.

Meer dan ooit is het een uitdaging om de stad een krachtige identiteit te geven.

Editoriaal Georges Perec

De mens voelt zich nooit goed thuis in het oneindige. Het huis is ons persoonlijk hoekje van de wereld, ons eerste universum. Het huis biedt ons ook, zoals Gaston Bachelard opmerkt in zijn boek over de poëtica van de ruimte, de mogelijkheid om de eigen verbeelding te gebruiken en zelfs om poëzie te maken. En poëzie is ook een uiting van vrijheid. De ruimte is iets onzeker: iets wat ik voortdurend moet afbakenen en aanwijzen. De ruimte is nooit van mij, nooit verworven, het is iets wat ik moet veroveren.

ACHTSTE EDITIE VAN HET ARTONOV FESTIVAL

De achtste editie van het ARTONOV festival is gewijd aan de creatieve vrijheid in de architectuur.

Dit jaar zullen de architecten Philippe Samyn en Olivier Dwek in de schijnwerpers staan. Ook vrouwelijke artiesten staan in deze editie centraal, onder andere via de creaties van Isabella Soupart, Satchie Noro en Bintou Dembele. Deze laatste brengt een performance die hiphop, urban art en Afrikaanse dansvormen vermengt. De uitvoering van choreografe Satchie Noro wordt voorafgegaan door workshops waarmee ARTONOV verschillende publieken hoopt aan te spreken.

Gaston Bachelard VINCENZO CASALE Artistiek directeur

“Het motto van het weekdier zou dan zijn: je moet leven om je huis te bouwen, niet je huis bouwen om er in te leven.”

De Brasserie Surréaliste, een nieuwe festivallocatie, is een lokale en geëngageerde brouwerij die van haar naam haar levensmotto maakt en op een eigengereide manier aan de weg timmert. In de voorstelling die Isabella Soupart en Guy Vandromme bedachten voor deze ruimte ligt de schoonheid in het onverwachte.

FREEING ARCHITECTURE

Maak gebruik van het imaginaire reisbureau van het Artonov festival om tijdens deze achtste editie andere vormen van vrijheid en nieuwe poëtische dimensies te ontdekken!

De reusachtige origami van deze artieste in het centrum van Brussel is een poging om door middel van kunst de openbare ruimte terug te winnen.

Het festival biedt de gelegenheid om twee uitzonderlijke kunstcollecties te bezoeken: de New Hope Gallery met het meubilair van Georges Nakashima en de hedendaagse kunstcollectie van de familie Vanhaerents. Vanuit zijn interdisciplinaire benadering wil ARTONOV de verzamelkunst mee integreren in de festivalprogrammatie.

The eighth edition of Festival ARTONOV is dedicated to creative freedom within architecture. Can we free architecture from its utilitarian function and offer an experience of the space itself? Can the performance of an artist in a particular space accentuate this feeling of freedom and open new dimensions? The architectural choices proposed in this edition all share a subtle interaction between interior and exterior and between experimentation and the theory, knowledge and technology upon which their poetic dimension rests.

Space is a doubt: I have constantly to mark it, to designate it, It is never mine, never given to me, I have to conquer it. Georges Perec

Editorial EIGHTH EDITION OF THE FESTIVAL ARTONOV

Art Nouveau and Art Deco remain the guiding thread of the festival but open up to contemporary architecture. In the past few years, Brussels has produced some inspiring architectural innovation. Ensuring that the city maintains a strong identity going into the future is more challenging than ever before.

Human beings never feel at home in the infinite. The house is our corner of the world, our primary universe. But as emphasised by Gaston Bachelard in his book on the poetic nature of space, the home is also an opportunity to use our imagination and even to create poetry. And poetry owes much to freedom. This year, we give the spotlight to architects Philippe Samyn and Olivier Dwek. This edition also highlights in particular the work of women, with creations by Isabella Soupart, Satchie Noro and Bintou Dembélé. The latter will present a crossover of hip-hop, urban art and African dance. The performances by Satchie Noro will be preceded by in-depth workshops with diverse audiences.

Gaston

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FREEING ARCHITECTURE

“The motto of the mollusc would thus be: must live to build house, not build house to live in.” Bachelard

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With Satchie Noro and Silvain Ohl’s giant origami in the centre of Brussels, we will witness the transformation of a public space in the name of art. We will have the chance to visit two exceptional collections, the New Hope Gallery with furniture by Georges Nakashima and the Vanhaerents family collection of contemporary art. This corresponds perfectly with the festival’s vision to incorporate art collections as part of its interdisciplinary approach. The Brasserie Surréaliste also features among the new venues for this edition. A local and responsible brewery that has made its name thanks to a spirit of transgression and deviation from the norm. Here, beauty springs from the unexpected with the new creation by Isabella Soupart and Guy Vandromme, specially conceived for this space. once again invite you to embark on a journey of the imagination with the Festival ARTONOV, to discover the taste of freedom and new poetic dimensions throughout this eighth edition!

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8 PROGRAMMAPROGRAMME

New Hope Gallery Rue Américaine 26-28, 1060 Saint-Gilles Amerikastraat 26-28, 1060 Sint-Gillis La ferme de Stassart, bureaux de Philippe Samyn & Partners Chaussée de Waterloo 1537, 1180 Uccle Waterloose Steenweg 1537, 1180 Ukkel Brasserie Surréaliste Place du Nouveau Marché aux Grains 22, 1000 Bruxelles Nieuwe Graanmarkt 22, 1000 Brussel Queens Brussels Avenue de la Reine 266, 1020 Laeken Koninginnelaan 266, 1020 Laken Vanhaerents Art Collection Rue Anneessens 29, 1000 Bruxelles

Anneessensstraat 29, 1000 Brussel

Place Maurice van Meenen 39, 1060 Saint-Gilles Maurice van Meenenplein 39, 1060 Sint-Gillis Maison Tenaerts / Huis Tenaerts Rue de la Seconde Reine 5, 1180 Uccle Tweede koninginnestraat 5, 1180 Ukkel Centre Belge de la Bande Dessinée / Belgisch Stripcentrum Rue des Sables 20, 1000 Bruxelles Zandstraat 20, 1000 Brussel

8/10 Origami p.10 9/10 - Nuage p.14 - Arpenteuses p.16 10/10 Memory of a Place p.20 12/10 Silence p.24 13/10 - Reflets de cristal p.28 - Rêve d’Égypte p.32 14/10 - Atlas p.38 - Rite de passage solo II p.40 15/10 Nine Bells p.44 15/10 Phantasticus p.53 15/10 Dans l’ombre, 16/10 les yôkai p.48 16/10 Toutes les étoiles sont des soleils p.57 Lieu public à 1000 Bruxelles (communiqué sur nos réseaux sociaux début octobre)

Parc du Cinquantenaire 10, 1000 Bruxelles Jubelpark 10, 1000 Brussel

Musée Art & Histoire, Grand narthex / Museum Kunst & Geschiedenis, Grote narthex

Openbare plaats te 1000 Brussel (raadpleeg begin oktober onze sociale media)

Hôtel de Ville de Saint-Gilles / Stadhuis van Sint-Gillis

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AERIAL ACROBATICS, DANCE, CONTEMPORARY CIRCUS Origami Compagnie Furinkaï Projection, Conception SATCHIE NORO ET SILVAIN OHL Construction SILVAIN OHL ET ERIC NOËL Dance JUSTINE BERNACHON Music FRED COSTA, with the voice of MAIA BAROUH Costumes KARINE DE BARBARIN Saturday 8 October 2022 3516.00min Lieu public à 1000 Bruxelles Openbare plaats te 1000 Brussel (le lieu sera communiqué sur nos réseaux sociaux début octobre) (de exacte locatie wordt begin oktober meegedeeld via onze sociale media)

FR Le container se plie, le corps se meut. Inspiré par l’art japonais du pliage du papier, Origami est un spectacle à couper le souffle où les sections géométriques d’un container se déploient pour créer différentes formes et servir de base aux acrobaties audacieuses de Justine Bernachon. Origami est né de la collaboration entre la chorégraphe Satchie Noro et le constructeur et scénographe Silvain Ohl. Ensemble, ils métamorphosent un container de 12 mètres en une scène aérienne et mobile et insufflent de la poésie et de l’humanité à cet imposant objet mondialisé et mondialisateur.

RESIDENCIES

AND CONSTRUCTION VENUES Le Citron Jaune – Centre National des Arts de la Rue, Port Saint Louis du Rhône / Les Noctambules – Lieu de Fabrique à Nanterre / Groupe F – Domaine de Boisviel, Mas Thibert / Ciudad Abierta à Ritoque (Chili).

NL De container ontvouwt zich, het lichaam beweegt. Origami, geïnspireerd op de Japanse kunst van het papiervouwen, is een adembenemende voorstelling. De onderdelen van een container ontplooien zich tot geometrische vormen die als basis dienen voor de gedurfde acrobatiek van Justine Bernachon. Choreografe Satchie Noro en ontwerper Silvain Ohl werkten samen om een 12 meter lange container te transformeren tot een mobiel luchtpodium. Zo geven zij magie en menselijkheid aan dit imposante, geglobaliseerde en globaliserende voorwerp. EN The container folds, the body moves. Inspired by the Japanese art of folding paper, Origami is a breath-taking spectacle that uses sections of a shipping container to create different shapes that form the stage for the daredevil acrobatics of Justine Bernachon. Origami was born of a collaboration between choreographer Satchie Noro and set designer and scenographer Silvain Ohl. Together, they transform a 12-metre container into an airborne and mobile stage and imbue with poetry and humanity this imposing object that has become a symbol of globalisation.

COPRODUCTIONS

Centro Cultural Teatro Container Valparaiso / Les Noctambules de Nanterre / La Briqueterie, CDC du Val-de-Marne / Le Centre culturel de La Norville / Théâtre d’Arles, scène conventionnée pour les nouvelles écritures AVEC LE SOUTIEN DU Conseil Général de l’Essonne et de la Direction Régionale des Affaires Culturelles d’Île-de-France – Ministère de la culture et de la communication AVEC L’AIDE d’Arcadi Île-de-France, Dispositif d’accompagnements / Institut Français de Santiago du Chili / Institut Français Pari. HELP AND SUPPORT Générik Vapeur / Le Citron Jaune – Centre National des Arts de la Rue/ Brand & Nuance / Groupe F / Le Théâtre Brétigny / Sud Side et leur atelier / Taller Litré.

Deze voorstelling die bij de creatie in 2013 door Satchie Noro werd opgevoerd, wordt nu door haar dochter Yumi Rigout hernomen. De luchtacrobate nodigt ons uit om toe te kijken hoe zij zich deze wolk-constructie, ontworpen door Silvain Ohl, op de muziek van Fred Costa toeëigent als een schuilplaats, een nest, een voetstuk, een zeef, een duikplank, een val, een boot... EN Nuage is an installation in choreography for a dancer and a musician and an imaginary cloud. A study in sound linked to the breath and the wind. A study in dance dedicated to the transformation of form and suspension, in a setting imagined by Silvain Ohl. This performance, created in 2013 and first performed by Satchie Noro, has been recreated for her daughter, Yumi Rigout. Accompanied by musician, Fred Costa, the aerial acrobat invites us on an aerial journey that assumes chameleon-like dimensions: a refuge, a net, a nest, a pedestal, a sieve, a diving board, a trap, a lifeboat…

FR Nuage est une installation chorégraphique pour une danseuse et un musicien, autour de l’imaginaire du nuage. Un travail sur la matière sonore liée au souffle et au vent. Un travail sur la danse dédié aux transformations des formes et à la suspension, dans un écrin imaginé par Silvain Ohl. La pièce interprétée à sa création en 2013 par Satchie Noro a été recréée pour sa fille Yumi Rigout.

Accompagnée du musicien Fred Costa, cette acrobate aérienne nous convie à l’appropriation de son agrès: un refuge, une nasse, un nid, un socle, une passoire, un plongeoir, un piège, une chaloupe… NL Nuage is een choreografie en ook een installatie. Het is een performance, uitgevoerd door een danser en een muzikant, rond een nagebouwde wolk. De muziek roept de wind op en de adem, de dans het zweven en het transformeren van een vorm.

AERIAL ACROBATICS, DANCE, DESIGN COLLECTION Nuage Compagnie Furinkaï Conception SATCHIE NORO Dance YUMI RIGOUT Music FRED COSTA Conception and construction SILVAIN OHL COPRODUCTIONS Théâtre d’Arles, Scène conventionnée pour des écritures d’aujourd’hui en partenariat avec le musée Réattu / Centre culturel de Norville / Les Noctambules de Nanterre. HELP AND SUPPORT Le Conseil Général de l’Essonne et la Direction Régionale des Affaires Culturelles d’Île-de-France – Ministère de la Culture et de la Communication. Sunday 9 October 2022 14.00 / 17.00 30 min New Hope Gallery Rue Américaine 26-28, 1060 Saint-Gilles Amerikastraat 26-28, 1060 Sint-Gillis

CCN de Nantes / Le Fourneau – Centre national des arts de la rue en Bretagne / Le Théâtre Louis Aragon, Scène conventionnée pour la danse de Tremblay-en-France, dans le cadre de « Territoire(s) de la Danse » 2017.

EN Arpenteuses is an ephemeral performance that continually folds and unfolds. It convokes three beings that become the architects of a space that never ceases to reinvent itself. Three bodies meld together, melt into chairs, moving them and moving themselves. Bodies that enter, occupy and define the space in a constant quest for balance, tension and dialogue with an object and with another.

NL In Arpenteuses gedragen drie personages zich als architecten van een ruimte die steeds verandert. Drie lichamen die bewegen rond stoelen en versmelten met die stoelen, lichamen die de ruimte verkennen in een voortdurende zoektocht naar evenwicht, spanning en dialoog met het object, de stoel, en met elkaar.

HELP AND SUPPORT Département de la Seine-Saint-Denis / Direction Régionale des Affaires Culturelles d’Île-deFrance – Ministère de la Culture et de la Communication / Arcadi Île-de-France. Satchie Noro is an associated artist at CCNN / direction Ambra Senatore dans le cadre du dispositif soutenu par le ministère de la Culture et de la Communication. Sunday 9 October 2022 15.30, 18.30 35 min New Hope Gallery Rue Américaine 26-28, 1060 Saint-Gilles Amerikastraat 26-28, 1060 Sint-Gillis FR Arpenteuses est une installation éphémère dans un pliage et un dépliage permanents. Elle convoque trois présences s’inventant architectes d’un espace qui se recompose sans cesse. Trois corps qui se mêlent, se fondent aux chaises, les mobilisant, se mobilisant. Corps qui enregistrent, occupent et définissent l’espace dans une quête constante d’équilibre, de mise en tension et de dialogue avec l’objet, avec l’autre.

17 DANCE, CONTEMPORARY CIRCUS, DESIGN COLLECTION Arpenteuses Compagnie Furinkaï Conception SATCHIE NORO Performers NATACHA KIERBEL, FLEURIANE CORNET ET LAURE WERNLY Conception and construction SILVAIN OHL Music CARLOS COPRODUCTIONCANALES

NEW HOPE GALLERY 1

Le focus est mis sur certains grands créateurs de cette époque, principalement danois ou américains, à la fois modernes et indépendants, qui ont su produire un mobilier exceptionnel, résistant à l’épreuve du temps et qui Tous précurseurs, George Nakashima, Paul Evans et Phillip Lloyd Powell, Poul Henningsen, Poul Kjærholm, Finn Juhl, et quelques autres, ont apporté un regard résolument novateur et ont influencé plusieurs générations de créateurs, encore aujourd’hui. Leurs univers nous proposent un éclairage précieux sur notre histoire, individuelle et collective et, au plus près de nos intimités, les promesses de l’amour du bel œuvre et de l’espoir.

La New Hope Gallery est le fruit de vingt ans de passion, de recherches et de travail sur un certain art de vivre à travers la constitution d’un ensemble remarquable de pièces maîtresses de l’histoire du mobilier de

Cette philosophie est également présente dans l’architecture de la galerie qui accueille la collection. Le bâtiment du 19ème siècle a été entièrement transformé et rénové par l’architecte belge Olivier Dwek en 2017 incorporant des matériaux précieux dans un bâtiment passif. C’est une ode à l’architecture moderne. NL New Hope Gallery is ontstaan vanuit een langdurig onderzoek naar en een passie voor een bepaalde levenskunst. Ze omvat een opmerkelijke collectie meesterwerken van de meubelkunst uit de tweede helft van de 20e eeuw. De nadruk ligt op enkele moderne en onafhankelijke Deense en Amerikaanse designers uit deze periode die uitzonderlijke meubels ontwierpen die de tand des tijds hebben doorstaan en eigentijds blijven. George Nakashima, Paul Evans, Phillip Lloyd Powell, Poul Henningsen, Poul Kjærholm, Finn Juhl en anderen waren allemaal pioniers met een resoluut vernieuwende visie op het meubeldesign. Tot op vandaag hebben ze verschillende generaties ontwerpers beïnvloed. Hun universum geeft ons een dieper inzicht in onze individuele en collectieve geschiedenis. Ze verrijken ons met hun streven naar schoonheid en creatie.

George Nakashima, Paul Evans, Phillip Lloyd Powell, Poul Henningsen, Poul Kjærholm, Finn Juhl and others were all pioneers who brought a resolutely innovative vision to furniture design and influenced several generations of designers even today. Their universes offer precious insights into our individual and collective history and, at the most intimate level, the promise of the beauty of creations and hope.

EN New Hope Gallery is the result of twenty years of passion, research and work about a certain art of living through the constitution of a remarkable collection of historic masterpieces from the second half of the 20th century. The focus is on selected Danish and American designers of this period, both modern and independent, who were able to produce exceptional furniture that has stood the test of time and is eternally modern.

MUSIC, DIGITAL ART, LIGHT Memory of a Place Circus Memory Audiovisual artist, composer OFER SMILANSKY Cello JEAN-PAUL DESSY Mezzo-soprano COLINE DUTILLEUL Costume design HAYA SMILANSKY Production NICOLAS ROZIECKI Technical support: sound VCL PRODUCTIONS laser LSEMonday 10 October 2022 19.30 / 21.00 40 min Guided tour 18.30 (FR/NL) max 20 pp La Ferme de Stassart, bureaux de Philippe Samyn and Partners Hoeve de Stassart, kantoor van Philippe Samyn and Partners Chaussée de Waterloo 1537, 1180 Uccle Waterloose Steenweg 1537, 1180 Ukkel © Ofer Smilansky

FR Une performance audiovisuelle pour voix, violoncelle, électronique, laser, lumières diffuses et brouillard. Dédiée à l’architecture des bureaux de Philippe Samyn and Partners, la pièce convoque la mémoire du lieu par la lumière, le son et le mouvement ; ce qu’il était, ce qu’il est maintenant mais aussi ce qu’il pourrait être et pourrait devenir. La composition lumineuse et musicale évoque le passage du temps, avec les détériorations et les transformations qu’ils entraînent. Les vagues de son et les rayons de lumière mettent à nu des couches de mémoire. Les artistes déambulent dans l’espace et le remplissent de leur présence d’une manière qui évolue vers une sorte de rituel. Avec Memory of a Place, Ofer Smilansky approfondit son intérêt pour l’art audiovisuel in situ et propose une pièce qui célèbre le contour rectiligne de l’ensemble architectural dans une ambiance à la fois sobre et mystérieuse. NL Een audiovisuele performance voor stem, cello, elektronica, laser, licht en mist. Deze voorstelling, gewijd aan de architectuur van de kantoren van Philippe Samyn and Partners, roept door middel van licht, geluid en beweging de herinnering aan het verleden van deze plek op. Wat het was en wat het nu is, maar ook wat het zou kunnen zijn, wat het zou kunnen worden. De licht- en muziekcompositie suggereert het verstrijken van de tijd, met de aftakeling en andere evoluties die er deel van uit maken. Geluidsgolven en de lichtstralen leggen verschillende lagen van herinneringen bloot. De kunstenaars dwalen door de ruimte en vullen die met hun aanwezigheid op een wijze die een soort ritueel wordt. Met Memory of a Place verdiept Ofer Smilansky zijn belangstelling voor site-specifieke audiovisuele kunst en maakt hij een stuk dat de rechte lijnen en de sobere maar mysterieuze sfeer van deze architectuur in de verf zet. EN An audiovisual performance for voice, cello, electronics, 2 lasers, diffused lights and Dedicatedhaze.tothe architecture of the Samyn and Partners offices, the piece summons the memory of the place through light, sound and movement: what it used to be and what it is now but also what it could be, what it may become. The light and music composition evokes the passing of time, with the deteriorations and transformations it brings. The waves of sound and the rays of light are exposing layers of memory. The artists wander around the space and fill it with their presence in a way that evolves into a sort of ritual. With Memory of a Place, Ofer Smilansky pushes his interest for in situ audiovisual art further and composes a piece that celebrates the straight outline and sober yet mysterious atmosphere of the architectural ensemble.

La ferme construite par le Baron de Stassart vers 1830 fut utilisée telle quelle jusqu’à la fin des années 1960. Elle devint ensuite le restaurant “La Ferme” puis la boîte de nuit “Le Circus” pour être finalement livrée à la spéculation immobilière. Samyn et Associés acquièrent ce bien de 3200 m² en novembre 1991 dans le but de restaurer la ferme encore dans son état d’origine et de la transformer pour y accueillir ses bureaux. Situé à l’entrée sud de Bruxelles, le bâtiment côtoie la Forêt de Soignes et est entouré de propriétés arborées. Deux bâtiments situés à angle droit, comprenant trois niveaux, sont complétés par un bâtiment bas à un seul niveau en forme de L de manière à former une cour intérieure dans laquelle est disposé un plan d’eau.

L’ensemble est traité avec sobriété, murs en maçonnerie apparente et planchers en béton armé lisse peints en blanc, menuiseries intérieures et extérieures ainsi qu’escaliers et planchers surélevés en merbau.

Le bâtiment est conçu de manière à pouvoir être utilisé demain à une autre fonction que celle d’un bureau d’architecture, telle que par exemple du logement. Une attention toute particulière a dès lors été portée à la circulation intuitive dans les espaces et à l’ergonomie. © Ch. Bastin et J. Evrard

FR LA FERME DE STASSART, BUREAUX DE PHILIPPE SAMYN AND PARTNERS

LA FERME DE STASSART

The farm built by Baron de Stassart around 1830 was used as such until the late 1960s. Thereafter, it housed the restaurant “La Ferme” and then the nightclub “Le Circus”, before becoming the subject of intense real Samyn and Partners acquired control of the 3200 m² farm site in November 1991 with the aim of restoring and transforming the farm for their own use. Located at the southern tip of Brussels, the farm borders the Sonian Forest and is surrounded by large green private properties. Two rectangular wings at right angles, of 1000 m² each and comprising three levels, are completed with a single level L-shaped building of 600 m² so that together they enclose an inner court with a reflecting pond. The building is treated with sobriety, with all visible masonry, vaults and new concrete floors painted white; all the woodwork (window frames, doors, stairs and raised floors) is merbau. The project is conceived to facilitate other architectural uses in the future, such as residential housing. Special attention was therefore given to the morphological organisation.

Samyn and Partners verwierf het goed van 3200 m² in november 1991 met het oog op de restauratie van de hoeve in zijn oorspronkelijke staat en de huisvesting van zijn kantoren. Het gebouw bevindt zich aan de zuidelijke toegang tot Brussel, naast het Zoniënwoud en wordt omringd door bosrijke eigendommen. De compositie van de hoeve bestaat uit twee rechthoekige gebouwen in een rechte hoek met 3 niveaus. Een nieuw L-vormig gebouw werd aan de bestaande structuur toegevoegd, zodat ze samen een geheel vormen met een binnenhof die de reflecterende vijver omsluit. Het geheel werd aangepakt met een zekere soberheid. Zo liet men het metselwerk van de muren zichtbaar, werden de gladde betonnen vloeren wit geschilderd en het binnen- en buitenschrijnwerk, alsook de trappen en verhoogde vloeren, in merbau hout uitgevoerd. Het gebouw is zo ontworpen dat het in de toekomst voor andere doeleinden kan gebruikt worden, bijvoorbeeld voor huisvesting. Om die reden werd er bijzondere DE STASSART FARM, OFFICES OF PHILIPPE

© Danny Willems DANCE, MUSIC, URBAN ART Silence Isabella Soupart Concept & choreography ISABELLA SOUPART Dancers JOHANNA WILLIG ROSENSTEIN, AMINE MAZHOUD, ABIGAIL ALEKSANDER, ELENI ROBERTS, ELSA TAGAWA, LOREDANA GARGANO, MACARENA BIELSKI LOPEZ, MARITA SCHWANKE Musical direction GUY VANDROMME Sound design SILAS BIERI Musicians OLIVIER TASKIN Drums, GUY VANDROMME Keyboards & piano, GASPER PIANO Electric guitar Research & dramaturgy ISABELLA SOUPART, GUY VANDROMME Artistic assistant BÉRENGÈRE BODIN Light JIM CLAYBURGH Technicians FESTIVAL ARTONOV Tour manager ANNE DECHENE / DANIEL VERHEYDEN Production MADE IN BRUXELLES / ACT2 CO-PRODUCTION Festival Artonov 2022, Concertgebouw Brugge, In-discourse (SE) HELP AND SUPPORT Service Général de la Création artistique (Fédération Wallonie - Bruxelles), Vlaanderen Verbeelding werkt, and Muziektheater Walpurgis Wednesday 12 October 2022 18.30 / 20.30 1h30 Brasserie Surréaliste Place du Nouveau Marché aux Grains 22, 1000 NieuweBruxellesGraanmarkt 22, 1000 Brussel

FR Silence, la nouvelle cré ation de la choré graphe Isabella Soupart, plonge au cœur du livre 21 Lessons on the 21st Century de Yuval Noah Harari. Pour ce spectacle, elle poursuit sa collaboration avec le pianiste Guy Vandromme et invite le concepteur sonore suédois Silas Bieri. La chorégraphe analyse dans cette œuvre les d é fis technologiques de demain, les médias sociaux, les enjeux politiques, la façon dont nous gérons le désespoir et l’espoir. Silence explore, dans un monde numérique et analogique, les notions d’espace-temps, d’immobilité et de mouvement. Avec Silence, la choré graphe conçoit un ballet électro-contemporain où neuf danseurs/performeurs jouent avec les codes de la danse contemporaine, dans la mouvance de la culture pop-rock-punk. Une performance dans laquelle les interactions entre individus sont au cœur du processus de création et tentent de donner un nouveau tournant à ce 21ème siècle multiple et mondialis é. NL Voor haar nieuwe creatie Silence nam choreografe Isabella Soupart het boek 21 Lessons on the 21st Century van Yuval Noah Harari als uitgangspunt. Ze besloot samen te werken met pianist Guy Vandromme en nodigde de Zweeds-Zwitserse

Silas Bieri uit voor de sound design. In dit werk analyseert ze de uitdagingen van de technologische evolutie, zoals de impact van de sociale media en de bijbehorende politieke kwesties. Ook kijkt ze hoe we omgaan met wanhoop en hoop. Silence verkent de kneedbaarheid van tijd, de onbeweeglijkheid en de iconografie van beweging in een digitale en analoge wereld. De choreografe creëert een hedendaags elektroballet: negen dansers/performers spelen met de codes van de hedendaagse dans, in het kielzog van de pop-rock-punkcultuur. De voorstelling tast af hoe inclusiviteit een antwoord kan betekenen op deze geglobaliseerde 21e eeuw. EN Silence, the new creation by choreographer Isabella Soupart, delves into the heart of the book 21 Lessons on the 21st Century by Yuval Noah Harari. For this production, she continues her collaboration with pianist Guy Vandromme and invites the Swedish-Swiss Silas Bieri to curate the sound design. In this work Isabella Soupart analyzes the challenges of contemporary technology, the impact of social media, political issues and the way we show resilience in handling despair and hope. Silence explores the malleability of time and the immobility and the iconography of movement, based on our digital and analogue world.

With Silence, the choreographer designs a contemporary electro ballet, where nine dancers/performers play with the codes of contemporary dance, in the spirit of pop-rock-punk culture. A performance in which the inclusiveness of this world is offered as a quest and response to the globalisation of the 21st century.

La Brasserie Surréaliste est un lieu de vie qui participe au dynamisme du quartier. Sur près de 1500 m², on trouve une micro-brasserie, un bar, une boutique de bières artisanales, un restaurant et un espace dédié à la promotion de jeunes artistes surréalistes.

BRASSERIE SURRÉALISTE

« Être surréaliste, c’est bannir de l’esprit le déjà vu et rechercher le pas encore vu. » disait René Magritte.

Le majestueux bâtiment Art déco datant de 1932, qui abrita à l’époque les Ateliers Coppens et qui fut laissé à l’abandon pendant près d’une décennie, retrouve enfin l’affectation qu’il mérite. Face à la place du Nouveau Marché au Grains et au croisement de la rue de la Braie et de la rue du Houblon, c’est un retour aux sources que de voir naître une nouvelle brasserie en ces lieux. Par le passé, le quartier abritait un grand nombre de brasseries avant de connaître une période d’exode des Bruxellois et ainsi la disparition progressive des petites brasseries locales.

Cette citation inspire la philosophie et les valeurs de la Brasserie Surréaliste que nous pouvons résumer en 3 mots : surprendre, créer et expérimenter. Le visuel des bouteilles illustre également la philosophie “disruptive” de la brasserie. La bière étant le meilleur ambassadeur belge et le surréalisme l’emblème du rayonnement artistique de notre pays à l’étranger, l’association de ces deux symboles ne peut que stimuler l’imaginaire.

Brasserie Surréaliste is a bustling space that contributes to making the neighbourhood more dynamic, with an area of almost 1500 m² housing a micro-brewery, a bar, a craft beer shop, a restaurant and an art space promoting young surrealist artists.

déjà vu uit je geest bannen en op zoek gaan naar het nog niet geziene”, zei René DitMagritte.citaat

“To be a surrealist is to banish déjà vu from your mind and to seek the unseen,” said René Magritte.

This quote inspires the philosophy and values of the Brasserie Surréaliste, which aims to surprise, create and experiment. The graphic design of their labels illustrates the “disruptive” philosophy of the brewery. Beer is the best Belgian ambassador and surrealism is the emblem of our country’s artistic influence abroad. The combination of these two symbols cannot but stimulate the imagination.

inspireert de filosofie en de waarden van de Brasserie Surréaliste, die wil verrassen, creëren en experimenteren. De grafische vormgeving van de flessen illustreert de “ontwrichtende” filosofie van de brouwerij. Bier is de beste Belgische ambassadeur en het surrealisme is het embleem van de artistieke invloed van ons land in het buitenland. De combinatie van deze twee kan de verbeelding alleen maar stimuleren.

Brasserie Surréaliste is een levendige plaats die wil bijdragen aan de dynamiek van de wijk. Op bijna 1500 m2 vindt u een microbrouwerij, een bar, een ambachtelijke bierwinkel, een restaurant en een kunstruimte waar jonge surrealistische kunstenaars worden “Surrealistgepromoot.zijnishet

The majestic Art Deco building from 1932 that once housed the Ateliers Coppens and remained empty for almost ten years is finally getting the makeover it deserves. A brand new micro-brewery has popped up opposite the Nouveau marché aux grains, and ironically at the intersection of the Rue de la Braie and the Rue du Houblon. A true homecoming, since the district was home to many breweries in the past!

MUSIC, HISTORY Reflets de cristal Thomas Bloch Glass harmonica THOMAS BLOCH Thursday 13 October 2022 18.00 / 19.00 35 min Guided tour 17.15 (NL), 19.45 (FR) max 15 pp Queens Brussels Avenue de la Reine 266, 1020 Laeken Koninginnelaan 266, 1020 Laken Possibilité de visiter l’exposition de Sébastien Forthomme (p 36) Gelegenheid om de tentoonstelling van Sébastien Forthomme te bezoeken (p 37)

FR ARTONOV vous invite à une rencontre musicale exceptionnelle avec Thomas Bloch, un des très rares glassharmonicistes professionnels au monde. Une occasion unique d’entendre les sonorités cristallines de cet instrument insolite et méconnu. Composé de 37 verres qui tournent sur un axe, frottés par les doigts mouillés, le glass harmonica fut inventé en 1761 par Benjamin Franklin, qui entendit un musicien jouer sur des verres à pieds posés sur une table. Il décida alors d’en améliorer le principe. Mais après avoir irrité certains de ses contemporains, l’instrument fut interdit par la police et disparut vers 1835. Un médecin aurait même suggéré, dans un ouvrage daté de 1804, qu’il relâchait tous les nerfs du corps et pouvait abattre l’homme le plus robuste en moins d’une heure. Heureusement, d’autres personnes se sont intéressées à l’objet comme Paganini qui l’avait surnommé l’orgue angélique. Ainsi, grâce à la virtuosité qu’il permet, des compositeurs comme Mozart, Beethoven, C. P. E. Bach, Weber, Donizetti, pour ne citer qu’eux, ainsi que des auteurs contemporains (Dusapin, Benjamin, Connesson…) se sont laissés séduire. Le milieu du cinéma l’a également adopté par l’intermédiaire de compositeurs de musiques de films comme Philippe Sarde, Gabriel Yared, Nino Rota ou encore Alexandre Desplats.

Johann Abraham Peter Schulz (1747-1800) Largo Thomas Bloch (1962) Hot Dog Vladimir Tosic (1949) Voxal Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) Adagio K 617a

MUSICAL PROGRAMME

Johann Julius Sontag von Holt Sombach (1962) 1ère Suite Michel Redolfi (1951) Quelques songes sur pont suspendu Gareth Farr (1968) Kembang Suling Karl Leopold Röllig (1754-1804) Zwei Tonstücke Thomas Bloch (1962) Christ Hall Blues

EN ARTONOV invites you to an exceptional musical encounter with Thomas Bloch, one of the very few professional glassharmonists in the world. A unique opportunity to hear the crystalline sounds of this unusual and little-known instrument. Composed of 37 glasses that turn on an axis, rubbed with moistened fingers, the glass harmonica was invented in 1761 by Benjamin Franklin, who had previously heard a musician play on wine glasses arranged on a table. He thereafter decided to improve upon the principle. Unfortunately, his efforts aggravated certain of his contemporaries to the extent that the police banned the instrument, which subsequently disappeared around 1835. A doctor even suggested, in a text dated 1804, that the instrument could slacken all the nerves in the body and could bring to their knees even the most robust of men in under an hour. Happily, he was able to convince others of its merits, including Paganini who attributed it the nickname the ‘angelic organ’.

NL ARTONOV nodigt u uit voor een uitzonderlijke muzikale ontmoeting met Thomas Bloch, een van de zeldzame professionele glasharmonisten ter wereld. Een unieke gelegenheid om de kristalheldere klanken van dit ongewone en weinig bekende instrument te beluisteren. De glasharmonica, die bestaat uit 37 glazen die om een as draaien en met natte vingers worden gewreven, werd in 1761 uitgevonden door Benjamin Franklin, die een muzikant hoorde spelen op wijnglazen die op een tafel waren geplaatst. Hij besloot het principe te verbeteren. Het instrument irriteerde sommige van zijn tijdgenoten in die mate dat het door de politie werd verboden en rond 1835 verdween. Een arts beweerde in een boek uit 1804 zelfs dat het voorwerp de meest robuuste man in minder dan een uur kon doden. Gelukkig kon Franklin anderen overtuigen, onder wie Paganini die de naam ‘engelenorgel’ gebruikte. Dankzij de virtuoze mogelijkheden van dit instrument hebben onder anderen Mozart, Beethoven, C.P.E. Bach, Weber, Donizetti, maar ook hedendaagse componisten (Dusapin, Benjamin, Connesson...) zich erdoor laten verleiden. Ook kreeg de glasharmonica een plaats in de filmmuziek, met dank aan Philippe Sarde, Gabriel Yared, Nino Rota en Alexandre Desplats.

The instrument’s potential for virtuosity was recognized by Mozart, Beethoven, C.P.E. Bach, Weber and Donizetti among others, as well as by contemporary composers such as Dusapin, Benjamin and Connesson. It has also featured in film music by Philippe Sarde, Gabriel Yared, Nino Rota and Alexandre Desplats.

MUSIC, HISTORY Rêve d’Égypte Thérèse Malengreau Piano THÉRÈSEThursdayMALENGREAU13October 2022 120.30hour Guided tour 19h45 (FR) max 15 pp Queens Brussels Avenue de la Reine 266, 1020 Laeken Koninginnelaan 266, 1020 Laken Possibilité de visiter l’exposition de Sébastien Forthomme (p.36) Gelegenheid om de tentoonstelling van Sébastien Forthomme te bezoeken (p.37) © Queens Brussels

Claude Debussy (1862-1918) - Pour l’Egyptienne (Épigraphes antiques, 1914) - Pour la danseuse aux crotales (Épigraphes antiques , 1914) - Canope (Préludes , livre II, 1913) - Khamma (1910-1913)

Cyril Scott (1879-1970) Marche funèbre du Grand Ramsès (Égypte, 5 impressions , 1913)

Giuseppe Verdi (1813-1901), Franz Liszt (1811-1886) Danza sacrale e duetto finale d’Aïda (transcription-paraphrase, 1871 / 1879)

Carol-Bérard (1881-1942) Le Sphinx dans le soir (Suite Égypte) (1913)

Félicien David (1810-1876) Souvenir d’Égypte (Les Minarets, 3 fantaisies) (1845)

FR Rêve d’Égypte, un rêve musical dans un espace onirique! Ce concert de Thérèse Malengreau, pianiste et historienne de l’art, retrace l’histoire de l’orientalisme dans la musique et l’art par le biais de l’égyptomanie ; phénomène unique dans l’histoire de l’art occidental, il décrit la fascination pour la culture et l’histoire de l’Égypte antique et pharaonique. À une période où l’occupation et la domination de l’Égypte ont été le fait des puissances françaises et anglaises, beaucoup de musiciens, peintres et écrivains ont rêvé l’Égypte. C’est vers la moitié du 19ème siècle, que des compositeurs européens participent à des expéditions à caractère ethnographique et s’inspirent de la musique du monde arabe pour donner naissance à l’orientalisme. La génération suivante renforce cet engouement pour l’Orient et en offrent des connaissances plus justes et plus précises qui définissent une égyptomanie musicale distincte de l’exotisme arabe fantasmé, bien que toujours procédant d’une démarche européano-centriste. Une autre illusion musicale du pays mythique, contemporaine du Queens Brussels, ancienne maison personnelle du bourgmestre Émile Bockstael, se retrouve dans la musique impressionniste qui prolonge le courant ésotérique lié à l’Égypte ancienne, celui de La Flûte enchantée. (Th.M.)

MUSICAL PROGRAMME

NL Rêve d’Égypte, een muzikale droom voor een gedroomde ruimte! Een concert van de Belgische pianiste en kunsthistorica Thérèse Malengreau die het oriëntalisme in muziek en kunst blootlegt aan de hand van een uniek fenomeen: de Egyptomanie. In de context van de Franse en Engelse bezetting en overheersing van het land, droomden zowel musici, schilders als schrijvers van Egypte. In het midden van de negentiende eeuw namen Europese componisten deel aan etnografische expedities en in hun werken lieten ze zich inspireren door de Arabische muziek, waarvan ze soms integrale stukken overnamen. De volgende generatie ontwikkelde een exotisme gebaseerd op pseudo-antieke formules die het oude Egypte suggereerden. Deze componisten creëerden een ware muzikale Egyptomanie anders dan het Arabische of meer algemene oriëntalistische exotisme, maar ook vertrekkend van een Europees georiënteerde benadering. Deze muzikale illusie van het mythische land, uit dezelfde periode als die waarin het huis van Emile Bockstael werd gebouwd, is ook te vinden in de impressionistische muziek, die de esoterische stroming voortzet die verbonden is met het oude Egypte, die van De Toverfluit. (Th.M.)

EN Rêve d’Égypte – a musical dream for a dream space! With the befitting backdrop of Emile Bockstael’s house, Belgian pianist and art historian Thérèse Malengreau proposes a recital retracing the history of Orientalism in music and art through the unique phenomenon of Egyptomania. In a context where the French and English occupation and domination of the region was in full flight, musicians, painters and writers alike dreamt of Egypt. Towards the middle of the nineteenth century many European composers had taken part in expeditions of an ethnographic nature, and in their works made allusions to Arabic music, either by grafting authentic material or by adopting motifs perceived or interpreted as oriental. The next generation elaborated on this exoticism drawing on pseudo-antique forms suggestive of ancient Egypt that developed into a type of musical Egyptomania, distinct from Arab exoticism or general Orientalism, yet always adhering to a Europe-centric approach. Another musical illusion of the mythical land, contemporaneous with the construction of Emile Bockstael’s house, can be seen in the work of the Impressionists who continued the esoteric vein linked to ancient Egypt, that of The Magic Flute

Exposition Sébastien Forthomme S ébastien Forthomme est un photographe aventurier. Le médium est à la fois sujet et processus. L’expérimentation et l’exploration picturale font partie de ses préoccupations principales. Sans pour autant laisser tomber définitivement la figure, il se dirige vers une abstraction et des recherches personnelles sur la forme, la couleur et le flou. Par petite touche, il révèle son affinit é avec le pictorialisme et son envie de voir la photographie non pas comme une reproduction de la réalit é mais comme une nouvelle façon de percevoir le monde. © Queens Brussels

QUEENS BRUSSELS 4

Queens est un lieu hors cat égorie qui s’ouvre à trois projets principaux: une galerie d’art, une ré sidence d’artistes et un lieu de concert. Queens célèbre l’art en respectant l’esprit et l’histoire de ce lieu hors du commun en proposant des expositions multi-disciplinaires. L’ambition de la galerie est d’être un espace où les gens peuvent se rassembler autour de multiples médiums artistiques. L’atmosphère particulière du bâtiment, le cadre chaleureux et intime et son salon de style Louis XVI, se prêtent parfaitement aux concerts intimistes.

FR Queens est un ancien hôtel particulier de style néoclassique datant de 1876. Il fut la propriété d’Emile Bockstael, bourgmestre de Laeken, de 1887 à 1920. Vue de l’extérieur, la maison a une façade néoclassique. À l’intérieur, on pénètre dans un univers particulier. La cage d’escalier est décorée de peintures égyptiennes réalisées en 1920. Le salon est, lui, de style Louis XVI. La salle à piano est bordée de tapisseries à scènes villageoises. L’orangerie est, quant à elle, peinte d’un décor floral Art nouveau sur ses murs.

De orangerie heeft florale Art Nouveau motieven op de muren. In dit atypisch kader worden drie verschillende projecten ontwikkeld: een kunstgalerie, een kunstenaarsresidentie en twee Hetconcertruimtes.doelvanQueens is om kunst te tonen op een uitzonderlijke plek met respect voor de eigenheid en de geschiedenis van dit herenhuis en dit door middel van multidisciplinaire tentoonstellingen. Neutrale witte ruimtes zullen aangevuld worden met minder conventionele ruimtes, om zo de relatie tussen kunst en de ruimte in vraag te stellen. Queens wil bovendien de relatie tussen kunstenaar en zijn publiek versterken door middel van vier verschillende ruimtes met telkens een andere artistieke bestemming. Tentoonstelling Sébastien Forthomme Sébastien Forthomme is een avontuurlijke fotograaf. Het medium is zowel onderwerp als proces. Hij verkent hierbij grenzen en mogelijkheden. Dit onderzoek voert hem langs de mens, over abstractie en eindigt steeds weer bij het licht. Het licht als vormgever en muze van zijn werk. Hier ontdekken we zijn affiniteit voor het picturalisme en het verlangen om de fotografie niet te zien als een weergave van de werkelijkheid maar een nieuwe manier van kijken naar de wereld.

Queens is a neo-classical mansion dating from 1876. It was formerly owned by Emile Bockstael, mayor of Laeken, from 1887 to 1920. From the outside, the house has a classical facade. Once inside, we enter a very particular space. The stairwell is decorated with Egyptian murals dating from the 1920s. The living room is in the Louis XVI style. The piano room is lined with tapestries of village scenes. The walls of the orangery are painted with an Art Nouveau floral decoration. This atypical setting houses three primary projects: an art gallery, a residency and a concert venue. Queens’ objective is to showcase art in an original setting, while respecting its authenticity and the history of the mansion with multi-disciplinary exhibitions. White and neutral spaces will be completed with less conventional spaces, inspiring a relationship between the art and the hosting space. Queens can thus be a mediator in the rich dialogue between the past and the present. Through the four different spaces of expression, Queens wants to promote interaction between artists and their audience.

Exposition Sébastien Forthomme S é bastien Forthomme is an adventurous photographer. The medium is both subject and process. He explores its limits and possibilities. This research takes him past man, through abstraction and always ends up with the light. Light as the designer and muse of his work. Here we discover his affinity for pictorialism and the desire to see photography not as a reproduction of reality but as a new way of looking at the world.

MUSIC, CONTEMPORARY ART Atlas SPECTRA Conducted by FILIP RATHÉ Live-electronics WANNES GONNISSEN Violin PIETER JANSEN Viola BRAM BOSSIER Cello PETER DEVOS Cello FRANCIS MOUREY Flute SOFIA GANTOIS Clarinet DRIES TACK Percussion BJÖRN DENYS Percussion KAJA FARSZKY MUSICAL PROGRAMME John Cage (1912-1992) Atlas Eclipticalis (1961) Cartridge Music (1960) Karlheinz Stockhausen (1928-2007) Tierkreis (1974-75) Dirk Veulemans (1956) Voyager I & II (2012) Friday 14 October 2022 4518.30min Vanhaerents Art Collection Rue Anneessens 29, 1000 Bruxelles Anneessensstraat 29, 1000 Brussel © Wim Piqueur

FR Le concert d’un ciel étoilé : SPECTRA met en musique la fascination pour le firmament.

SPECTRA répartit huit musiciens et des haut-parleurs aux quatre coins de la Vanhaerents Art Collection. Pour Atlas Eclipticalis , John Cage s’est inspiré de la collection de cartes d’étoiles publiée en 1958 par l’astronome tchèque Antonín Becvár. Il a littéralement pris ce livre comme point de départ : sur les cartes, il a placé des douelles sur lesquelles il a dessiné des points plus ou moins grands, en fonction de la luminosité de la lumière. La Cartridge Music de Cage est le fil conducteur ici. Pour Tierkreis , Karlheinz Stockhausen se base sur l’astrologie et propose douze mélodies caractéristiques des signes du zodiaque. La composition Voyager I & II de Dirk Veulemans est née de la fascination de l’espace et de la capacité de l’homme à envoyer deux sondes spatiales (Voyagers 1 et 2) au-delà du Système solaire.

NL Een sterrenhemel in concert: SPECTRA zet de fascinatie voor het firmament om in muziek. In een op maat gemaakte setting verdeelt SPECTRA acht muzikanten en luidsprekers over de breedte, lengte en hoogte van de Vanhaerents Art Collection. Voor Atlas Eclipticalis liet John Cage zich inspireren door de in 1958 gepubliceerde verzameling sterrenkaarten van de Tsjechische astronoom Antonín Becvár. Hij nam dit boek zelfs letterlijk als uitgangspunt: bovenop de kaarten plaatste hij notenbalken waarop hij – afhankelijk van de helderheid van het licht – grotere of kleinere punten tekende. Het resultaat klinkt als een veelheid van subtiel gonzende klankstippen in een klinkend uitspansel. Cage’s Cartridge Music is hierbij de leidraad. Voor Tierkreis baseerde Karlheinz Stockhausen zich dan weer op de astrologie. Twaalf melodieën karakteriseren de tekens van de dierenriem.De compositie Voyager I & II van Dirk Veulemans is ontstaan vanuit het ontzag voor de ruimte en de verbazing dat de mens in staat is om twee onbemande ruimtevaartuigen, de Voyagers 1 en 2, naar de interstellaire ruimte te sturen.

EN A starry sky in concert: SPECTRA renders a unique interpretation of our fascination with the firmament. In an adaptation specially made for this setting, SPECTRA positions eight musicians and loudspeakers over the length, breadth and depth of the Vanhaerents Art Collection. In his work Atlas Eclipticalis , John Cage was inspired by the collection of sky maps published by Czech astronomer Anton í n Becvár in 1958. He literally took this book as a point of departure: on top of the star charts, he placed staves on which he drew larger or smaller dots according to the stars’ brightness. The result is a murmuring multitude of subtly buzzing dots in a sonorous firmament. Karlheinz Stockhausen on the other hand departed from astrology for his Tierkreis Twelve melodies characterise the signs of the zodiac. Dirk Veulemans’ composition Voyager I & II arose from the awe of space and the amazement that humans were capable of sending two unmanned spacecraft, Voyagers 1 and 2, into interstellar space.

NL In het uitzonderlijke kader van de Vanhaerents Art Collection presenteert danseres en choreografe Bintou Dembélé haar nieuwe creatie, Rite of Passage - Solo II . Daarin laat ze danser Meech ‘une danse marronne’ dansen, die de koloniale erfenis in vraag stelt. Historisch gezien is ‘marronnage’ de term die gebruikt werd om de ontsnapping van Afrikaanse slaven uit de slavenplantages te beschrijven. In de kunst en filosofie werd de term overgenomen om een ruimte van vrijheid aan te duiden, los van de beperkingen die door een systeem worden opgelegd.

EN In the exceptional setting of the Vanhaerents Art Collection, the dancer and choreographer Bintou Dembélé presents her latest work, Rite de Passage – solo II and imagines a “Maroon” dance for the dancer Meech that questions colonial heritage. Whilst historically, “marronage” refers to the flight of African slaves from the plantations that held them in captivity, the term has come to signify, in art and philosophy, a space of liberty in the face of constraints imposed by a system.

FR Dans le cadre exceptionnel de la Vanhaerents Art Collection, la danseuse et chorégraphe Bintou Dembélé présente sa nouvelle création, Rite de passage – solo II et imagine une danse « marronne » pour le danseur Meech qui questionne l’héritage colonial. Si le marronnage a historiquement qualifi é la fuite des esclaves africains loin des plantations esclavagistes qui les maintenaient en captivité, le terme en est venu à d é signer, en art comme en philosophie, un espace de liberté face aux contraintes imposées par un système.

41 DANCE, CONTEMPORARY ART Rite de passage –solo II Bintou Dembélé Conception, choreography BINTOU DEMBÉLÉ Initiate MICHEL « MEECH » ONOMO Music CHARLES AMBLARD Sound mixing VINCENT HOPPE Sound Engineer VINCENT BOISSONNET Costumes ANNIE MELZA Administration, production ANNE ROSSIGNOL, SALOMÉ KLEIN, TIPHAINE AUSIAS in’8 circle • maison de Productionproduction COPRODUCTIONRUALITÉ Les Ateliers Médicis, CND Centre National de la Danse HELP AND SUPPORT Résidence au T2G Théâtre de Gennevilliers – CDN, Centre de la danse Pierre Doussaint, Antre-Peaux [Emmetrop]. CROSS SEARCH Villa Médicis, Villa Albertine (Chicago), Fonds de dotation Francis Kurkdjian. Friday 14 October 2022 5020.30min Vanhaerents Art Collection Rue Anneessens 29, 1000 Bruxelles Anneessensstraat 29, 1000 Brussel

À l’occasion de son dixième anniversaire, la Vanhaerents Art Collection a décidé de modifier radicalement la manière dont elle présente ses collections au public. En liant de manière expérimentale la présentation et la gestion quotidienne des œuvres d’art, elle opte pour le format d’un dépôt de visionnage dans lequel l’esthétique et la fonctionnalité s’entremêlent naturellement.

VANHAERENTS COLLECTION

ART

La collection d’art Vanhaerents occupe un local industriel de trois étages datant de 1926. L’ancien entrepôt sanitaire, d’une superficie totale de 12000 m2, a été réaménagé en un espace d’exposition, de stockage et de bureaux par le cabinet d’architecte belge Robbrecht et Daem.

Les origines de la collection d’art Vanhaerents remontent aux années 1970, lorsque le jeune Walter Vanhaerents a commencé à acquérir ses premières œuvres d’art. Rassemblant des pièces considérées comme extrêmement farouches et radicales à l’époque, il a établi les bases d’une collection qui compte aujourd’hui parmi les plus prestigieuses du monde. La collection reflète profondément la diversité et la vitalité des pratiques artistiques actuelles. Des artistes établis et émergents sont représentés, à travers divers médias, notamment la peinture, le dessin, la sculpture, l’installation, la photographie et la vidéo.

FR La Vanhaerents Art Collection est une collection unique d’art contemporain, rassemblée par Walter Vanhaerents et ses enfants Els et Joost. Elle bénéficie de l’approche de collectionneur très personnelle de ses fondateurs, ainsi que de leur passion commune pour l’art novateur et provocateur.

De Vanhaerents Art Collection is gehuisvest in een industrieel pand met drie verdiepingen uit 1926. Het voormalige sanitaire magazijn, met een totale oppervlakte van 12.000 m², werd door het toonaangevende Belgische architectenbureau Robbrecht en Daem omgebouwd tot een loftachtige tentoonstellings-, opslag- en kantoorruimte. Naar aanleiding van haar tienjarig bestaan

The collection profoundly reflects the diversity and vitality of current art practices. Both established and emerging artists are represented in its holdings, with works in various media, including painting, drawing, sculpture, installation, photography and video.

The origins of the Vanhaerents Art Collection date back to the 1970s when a young Walter Vanhaerents began amassing his first works of art. Gathering pieces that were considered extremely fierce and radical at the time, he laid the groundwork for a collection that nowadays ranges among the most prestigious worldwide.

zijn eerste kunstwerken begon te verzamelen.

On the occasion of their tenth anniversary, the owners of the Vanhaerents Art Collection decided to radically alter the ways in which they present their holdings to the public. Experimenting with

Door voornamelijk stukken te kopen die destijds werden aanzien als extreem en radicaal, tekende Vanhaerents de blauwdrukken uit van een collectie die nu tot de meest prestigieuze ter wereld behoort. De collectie geeft een kernachtig overzicht van hedendaagse kunstrichtingen en evolueert voortdurend: zowel gevestigde kunstenaars als jonge opkomende artiesten vinden er een onderkomen, met werken in allerhande media, waaronder schilderkunst, tekenkunst, beeldhouwkunst, installaties, fotografie en video.

The Vanhaerents Art Collection occupies a threefloor industrial premises built in 1926. The former sanitary warehouse, covering a total surface of 12,000 m², was repurposed into a lofty exhibition, storage and office space by the leading Belgian architecture firm Robbrecht and Daem.

The Vanhaerents Art Collection is a unique and comprehensive collection of contemporary art, assembled by Walter Vanhaerents and his children Els and Joost. It reflects its founders’ individual approach to collecting, as well as their shared passion for new and provocative art.

Narthex Parc du Cinquantenaire 10, 1000 Bruxelles Jubelpark 10, 1000 Brussel La visite de l’exposition ‘Shin hanga’ est incluse dans le ticket (fermeture du musée à 17.00). Het bezoek aan de tentoonstelling ‘Shin hanga’ is inbegrepen in het ticket (het museum sluit om www.artandhistory.museum/en/shin-hanga17.00).

NL In Nine Bells beweegt Aya Suzuki als een Japanse butō-danseres tussen negen metalen klokken. De Amerikaanse componist Tom Johnson schreef niet alleen de noten neer, maar ook de te volgen paden doorheen het instrument. Resultaat is een bezwerend en repetitief ritueel. Aya Suzuki gebruikt Johnson’s originele klokken uit 1979. Dit optreden vindt plaats in het kader van de opening van de tentoonstelling Shin hanga - De nieuwe prenten van Japan (1900-1960) in het Museum Kunst & Geschiedenis. EN In Nine Bells , Aya Suzuki moves among an array of nine metal bells like a Japanese Butoh dancer. American composer Tom Johnson not only set down the notes of this piece, but also the path the performer has to follow through the instruments. The result is a repetitive, hypnotic ritual for the eyes and ears. Aya uses Johnson’s original bells from 1979. This performance will take place on the occasion of the opening of the exhibition Shin hanga - The new prints of Japan (1900-1960) at the Art and History Museum.

MUSIC, BUTOH DANCE Nine Bells Aya Suzuki Percussion AYA SUZUKI MUSICAL PROGRAMME Tom Johnson (1939) Nine Bells Saturday 15 October 2022 14.30 / 15.45 40 min Musée Art et Histoire, Grand Geschiedenis,MuseumNarthexKunstengrote

FR Dans Nine Bells , Aya Suzuki se déplace comme une danseuse de butō japonaise entre neuf cloches en métal. Le compositeur américain Tom Johnson a quant à lui non seulement écrit les notes, mais également les chemins à suivre sur l’instrument. Il en résulte un rituel incantatoire et répétitif à la fois visuel et sonore. Une des particularités de la performance est l’utilisation des mêmes cloches que Johnson en 1979. Nine Bells est programmée dans le cadre de l’ouverture de l’exposition Shin hanga - les nouvelles estampes du Japon (1900-1960) au Musée Art & Histoire.

MUSÉE D’ART ET HISTOIRE – GRAND NARTHEX © DYOD 6

The construction of the Jubilee Park was linked to the fiftieth anniversary of Belgium. To add lustre to this event, a national exhibition of works of art and industrial products was organized in 1880 as well as a retrospective exhibition of ancient art in the spirit of the South Kensington Museum in London, opened in 1857. As the venue for this event, architect Gédéon Bordiau designed a building consisting of two wings connected by a semicircular

NL MUSEUM VOOR KUNST EN GESCHIEDENIS – GROTE NARTHEX

La construction du Parc du Cinquantenaire est liée au 50ème anniversaire de la Belgique. Pour donner du lustre à cet événement, une exposition nationale d’œuvres d’art et de produits industriels est organisée en 1880, ainsi qu’une exposition rétrospective d’art ancien dans l’esprit du South Kensington Museum de Londres, ouvert en 1857. Pour accueillir cet événement, l’architecte Gédéon Bordiau a conçu un bâtiment composé de deux ailes reliées par une colonnade semi-circulaire, interrompue au milieu par un gigantesque arc de triomphe, qui devait souligner la perspective sur la rue de la Loi. L’une de ces ailes est maintenant le Musée Art & Histoire. Le Grand Narthex, ou ancienne Salle de la grande Tapisserie, a été rénové en 199495 dans le cadre d’une campagne de rénovation plus large. Les hiboux en fonte d’origine et la balustrade ditto ont été libérés du revêtement en tôle pour permettre à la lumière naturelle d’entrer par le toit en verre. La performance d’Aya Suzuki viendra illuminer cette salle pour l’ouverture de l’exposition Shin Hanga - Les nouvelles estampes du Japon (1900-1960).

Een van die vleugels is nu het Museum Kunst en Geschiedenis. De grote Narthex, of voormalige grote wandtapijtenzaal werd gerenoveerd in 1994-95 als deel van een ruimere renovatiecampagne. De oorspronkelijke gietijzeren uilen en dito balustrade werden vrijgemaakt van de plaatsteren bekleding. Zenitaal licht valt binnen via de glazen overkapping. In deze ruimte vindt de performance van Aya Suzuki plaats, aansluitend bij de tentoonstelling Shin hanga. De nieuwe prenten van Japan (1900-1960).

De bouw van het Jubelpark is verbonden met de vijftigste verjaardag van België. Om dit evenement extra glans te geven, werd er in 1880 een nationale tentoonstelling georganiseerd van kunstwerken en industriële producten enerzijds en een retrospectieve tentoonstelling van oude kunst in de geest van het in 1857 geopende museum van South Kensington in Londen anderzijds. Als plaats voor dit gebeuren ontwierp architect Gédéon Bordiau een gebouw dat bestond uit twee vleugels die verbonden waren door een halfronde zuilengang, in het midden onderbroken door een reusachtige triomfboog die het perspectief op de Wetstraat moest benadrukken.

EN ART AND HISTORY MUSEUM – GREAT NARTHEX

/ 17.30 1FRhour - max 15 pp Guided tour included in ticket (FR) Maison Tenaerts Huis Tenaerts Rue de la Seconde Reine 5, 1180 Uccle Tweede koninginnestraat 5, 1180 Ukkel

FR Le conteur Stéphane Ferrandez nous fait découvrir – en joignant habilement le geste à la parole – le rakugo, un art de la scène japonais né il y a 400 ans. Une installation scénique minimaliste, quelques accessoires, un exceptionnel jeu de mimiques suffisent au conteur, invariablement assis, pour vous embarquer dans des univers imaginaires.

Chaque performance sera suivie d’une visite guidée par Massimo Minneci, propriétaire de la Maison Tenaerts.

NL Door beweging en verhaal ingenieus te combineren laat Stéphane Ferrandez ons kennismaken met rakugo, een Japanse podiumkunst die 400 jaar geleden ontstond. Met een minimalistische toneelopstelling, een paar rekwisieten en een bijzondere mimiek neemt de verteller, die neerzit, je mee naar denkbeeldige werelden.

tour

RAKUGO, MUSIC Dans l’ombre, les yôkai Author SANDRINE GARBUGLIA Narrator STÉPHANE FERRANDEZ Violin ELSA DE SaturdayLACERDA15October & Sunday 16 October 2022

Venez vous rafraîchir au frisson de la peur, et peutêtre croiser votre premier yôkai, grâce aux histoires traditionnelles du folklore japonais.

Ervaar de spanning van deze traditionele Japanse folkloreverhalen vol bovennatuurlijke wezens, wie weet ontmoet je een yôkai-monster. Na elke voorstelling volgt een rondleiding door Massimo Minneci, eigenaar van Huis Tenaerts. EN Stéphane Ferrandez presents Rakugo, a Japanese theatrical art born 400 years ago that skilfully combines gesture and spoken word. It takes no more than a minimalistic set, a few props and the artful mimics of the storyteller, invariably seated on the floor, to transport you into an imaginary universe. Come experience the thrill of these chilling traditional tales from Japanese folklore and perhaps even come head-to-head with your first yōkai. Following each performance will be a guided given by Massimo Minneci, the owner of the Maison Tenaerts. 14.30 16.00

NL HUIS TENAERTS

EN TENAERTS HOUSE Built in 1933 for Valentin Marit, a designer, this little house has a dramatic façade alternating round elements and straight lines and a spectacular window over two floors. Louis Tenaerts conceived here one of his most emblematic buildings in an Art Deco style with a touch of modernism on a relatively small plot of land. The open plan was very avant-garde for its time. Indeed, the architect created a house almost entirely devoid of halls and passageways where most of the square footage is actual living space. Remarkably, the house’s interior is still intact.

Construite en 1933 pour Valentin Marit, dessinateur de son état, cette petite maison offre au passant une façade très graphique, faite d’arrondis en saillie et de lignes droites ainsi qu’une spectaculaire verrière dessinée sur deux étages. Louis Tenaerts réalise ici une de ses constructions emblématiques du style Art Déco mâtiné de modernisme sur un terrain relativement exigu. Dans l’art la contrainte est un instrument pour aller plus loin. La création naît souvent de là. Le plan ouvert, très avant-gardiste pour l’époque, réduit l’espace dévolu aux pièces de passage afin d’accorder un maximum d’espace aux pièces de vie. Louis Tenaerts a créé ici une maison innovante très loin du plan classique à deux ou trois pièces en enfilade. La maison présente encore aujourd’hui un intérieur intact.

Dit kleine huis werd in 1933 gebouwd voor ontwerper Valentin Marit en heeft een uitgepuurde voorgevel met ronde elementen en rechte lijnen, en een spectaculair raam over twee verdiepingen. Louis Tenaerts realiseerde hierop een betrekkelijk klein stuk grond een van zijn meest emblematische gebouwen in een Art Deco stijl met een vleugje modernisme. De open plattegrond was zeer avant-gardistisch voor zijn tijd. De architect ontwierp een huis dat bijna geen hallen en doorgangen bevat en de ruimte maximaal aan leefruimtes besteed wordt. Het interieur van het huis is nog steeds intact.

MUSIQUE, NŌ DANCE Phantasticus Ensemble Ausonia Violin MIRA GLODEANU Violone JAMES MUNRO Harpsichord and musical direction FRÉDÉRICK HAAS Nō dancer MASATO MATSUURA Saturday 15 October 2022 5019.00min Guided tour 18h00 (FR/NL) max 20 pp Hôtel de Ville de Saint-Gilles / Stadhuis van Sint-Gillis Place Maurice van Meenen 39, 1060 Saint-Gilles Maurice van Meenenplein 39, 1060 Sint-Gillis © Romain Jacquot

Masato Matsuura’s choreography, based on a very pure tradition of Nō and infused with astonishing beauty and mysterious intensity, reveals here the hidden dance-like dimensions that are the lifeblood of all baroque music, present even and perhaps especially in the freest music of the period.

Les chorégraphies de Masato Matsuura, fondées sur une tradition très pure du Nô, nous interpellent par leur beauté et leur mystérieuse intensité. La danse Nô révèle des compositions chorégraphiques cachées qui lient toutes les musiques baroques, surtout les plus libres. La musique du compositeur baroque Heinrich Biber dialoguera avec celles de Froberger et Weckmann, tous maîtres de ce Stylus phantasticus dont la modernité nous surprend.

FR Dans cette performance, la danse Nō fait écho à la force vitale invoquée par le Stylus Phantasticus, un style musical unique né en Occident au 17ème siècle où toutes les libertés semblent admises. Chaque instant devient surprise, émotion, jeu, ou encore méditation.

Heinrich Ignaz Franz Biber (1644-1704) Rosenkranzsonate I, “Die Verkündigung” (+ Jurokomai dance)

Johann Jakob Froberger (1616-1667) Suite X in A minor: Allemande – Gigue – Courante – Sarabande Heinrich Ignaz Franz Biber (1644-1704) Rosenkranzsonate VI, “Jesus am Ölberg” (+ Ranbyoshi dance) Johann Jakob Froberger (1616-1667) Tombeau fait à Paris sur la mort de Monsieur Blancheroche Heinrich Ignaz Franz Biber (1644-1704) Passacaglia a violino solo

Matthias Weckmann (1616-1674) Toccata in D minor

Matthias Weckmann (1616-1674) Toccata in A minor

NL In deze voorstelling belichaamt de Noh-dans de levenskrachten die worden opgeroepen door de Stylus phantasticus, een unieke muziekstijl die in de 17e eeuw is ontstaan en die alle vrijheid lijkt toe te staan. Elk moment wordt een verrassing, een emotie, een spel of een meditatie. De choreografieën van Masato Matsuura, gebaseerd op een zeer zuivere Noh-traditie, ontroeren door hun schoonheid en mysterieuze intensiteit. De Noh-dans onthult de verborgen choreografische dimensie die alle barokmuziek, zelfs de meest vrije, kenmerkt. De muziek van Biber gaat in dialoog met die van Froberger en Weckmann, allen meesters van de Stylus phantasticus met zijn verrassende moderniteit.

The music of Biber engages in dialogue with that of Froberger and Weckmann, all masters of the strikingly modern-sounding Stylus Phantasticus.

MUSICAL PROGRAMME

EN The Japanese art of theatre and dance Nō echoes the very life force invoked by the Stylus Phatasticus, a unique Western musical style born in the 17th century, in which all liberties seem permissible. Each moment brings about surprises, emotions, playfulness or even meditation.

FR HÔTEL DE VILLE DE SAINT-GILLES - Salle de Mariages

Le sculpteur Julien Dillens et l’architecte Dumont dirigent les travaux de sculpture et coordonnent l’aménagement du luxueux intérieur. La décoration intérieure de l’Hôtel de Ville est, par le choix des artistes et la qualité des œuvres, un véritable manifeste de l’art belge du début du 20ème siècle.

Le somptueux Hôtel de Ville fut construit à l’initiative du bourgmestre Maurice Van Meenen qui donna son nom à la place qui l’abrite. Il s’agissait, avant tout, de donner une image forte de la commune. Celle-ci organisera un concours remporté en 1898 par l’architecte Albert Dumont, proposant un bâtiment inspiré des châteaux de la Renaissance française, témoignage d’une époque où la société se laïcise et où l’humanisme se développe.

L’exécution des peintures monumentales a été confiée aux artistes représentatifs du Symbolisme belge: Albert Ciamberlani, Emile Fabry, Omer Dierickx et Fernand Khnopff. La salle des mariages au 1er étage fut décorée par Fernand Khnopff, ainsi que par Isodore et Hélène De Rudder. Le plafond, peint par Khnopff, se compose de différents panneaux. Au centre figure le Jour et le Nuit portant le cercle du Zodiaque. Les panneaux intitulés ‘La Force de l’homme éloigne le Malheur’ et ‘La Grâce de la femme attire le Bonheur’, sont disposés symétriquement à chaque extrémité. Les murs sont ornés de tapisseries en soie exécutées par Hélène et Isidore de Rudder.

HÔTEL DE VILLE DE SAINT-GILLES7

maatschappelijke

The magnificent City Hall was built on the initiative of mayor Maurice Van Meenen. Above all, he wanted to give the municipality a strong image. In 1898 there was a competition organised by the architect Albert Dumont (1853-1920), proposing the construction of a building inspired by French Renaissance castles, paying testimony to a time of a secular society and where humanism developed. Sculptor Julien Dillens and architect Dumont led the creation of sculptures and coordinated the designing of the luxurious interior. The interior decoration of the City Hall is, owing to the choice of the artists and the quality of the works, a true manifesto of Belgian art from the beginning of the 20th century. The creation of these monumental paintings was entrusted to some of the finest proponents of Belgian Symbolism: Albert Ciamberlani, Emile Fabry, Omer Dierickx and Fernand Khnopff.

The wedding hall on the first floor, was decorated by Fernand Khnopff, Isodore and Hélène De Rudder. The ceiling, also painted by Khnopff, is composed of different panels. In the center is the Day and the Night displaying the circle of the Zodiac. The panels entitled “La Force de l’homme éloigne le Malheur” and “La Grâce de la femme attire le Bonheur,” are symmetrically arranged at each end. The walls are ornamented with 55

voor dat geïnspireerd was op de Franse kastelen van de Renaissance, getuigen van een tijdperk van secularisering en de ontwikkeling van het humanisme. Architect Dumont en beeldhouwer Julien Dillens leidden de sculptuurwerken en coördineerden tevens de binneninrichting. De binnendecoratie van het Stadhuis is door de keuze van de kunstenaars en de kwaliteit van de werken, een echt manifest van de Belgische kunst uit het begin van de XXste eeuw. De uitvoering van de monumentale schilderijen werd immers toevertrouwd aan de kunstenaars die representatief zijn voor het Belgisch Symbolisme: Albert Ciamberlani, Emile Fabry, Omer Dierickx en Fernand Khnopff. Het plafond van de trouwzaal op de 1e verdieping werd versierd door Fernand Khnopff en bestaat uit verschillende panelen. In het midden ziet men ‘De Dag en de Nacht die de dierenriem dragen’. De panelen genaamd ‘De Kracht van de man verdrijft het Onheil’ en ‘De Sierlijkheid van de vrouw trekt het Geluk aan’ zijn op elk uiteinde

CITY HALL OF SAINT-GILLES - Wedding hall

MUSIC, SCIENCE Toutes les étoiles sont des soleils Oxalys Violin SHIRLY LAUB, FRÉDÉRIC D’URSEL Viola ELISABETH SMALT Cello DIDIER POSKIN Double Bass KOENRAAD HOFMAN Flute, Piccolo TOON FRET Clarinette, Bass Clarinet NATHALIE LEFÈVRE Horn BART CYPERS Harp ANNIE LAVOISIER Percussion TITUS FRANKEN Composer PATRICK LETERME Lecturer, Philosopher & Scientist ETIENNE MUSICALKLEIN PROGRAMME Patrick Leterme (1981) Cosmos Neuf pour ensemble instrumental A partnership with the Belgian Comic Strip Center Sunday 16 October 2022 1h15FR20.00 Centre Belge de la Bande Dessinée / StripcentrumBelgisch Rue des Sables 20, 1000 Bruxelles Zandstraat 20, 1000 Brussel

EN Each star is a sun similar to our own. And in infinite space, an infinity of stars are home to an infinity of worlds, invisible to the naked eye…

WORLD PREMIERE

A declaration of love for the beauty and the mystery of the Universe that constantly proves bigger and “more infinite” than we ever imagined, this concert-conference brings together the physicist, philosopher and well-known advocate of science, Etienne Klein with the musicians of Ensemble Oxalys. The musical creation by Patrick Leterme is inspired by the contemplation of the emerging cosmos that surrounds us, from intuition to Nowdiscovery…morethan ever, it is time to raise our eyes poetically to the stars and to feel once more an expansion of the limits of the Universe in which we believe we live.

FR Chaque é toile est un soleil semblable au nôtre. Et dans un espace infini, une infinit é d’ é toiles abrite une infinit é de mondes, invisibles à nos yeux…

D éclaration d’amour face à la beaut é et au myst ère de cet Univers qui s’avère à chaque fois plus grand et... « plus infini » que prévu, ce concert-conf érence rassemble le physicien, philosophe et célèbre vulgarisateur scientifique Etienne Klein, les musiciens de l’ensemble Oxalys et une large création musicale de Patrick Leterme inspirée par la contemplation de ce Cosmos Neuf qui se dessine aujourd’hui autour de nous, d’intuition en intuition et de d é couverte en d é couverte…

Il est plus que jamais temps de lever po é tiquement les yeux vers les é toiles et de sentir reculer encore les limites de l’Univers que nous pensons habiter. NL Elke ster is een zon die op de onze lijkt. En in een oneindige ruimte biedt een oneindig aantal sterren onderdak aan een oneindig aantal werelden, onzichtbaar voor onze ogen... Deze voorstelling is een liefdesverklaring aan de schoonheid en het mysterie van het heelal, dat altijd weer groter en oneindiger blijkt te zijn dan verwacht. Het is een concert en een voordracht, gegeven door natuurkundige en filosoof Etienne Klein en het Oxalys Ensemble. De musici brengen een muzikale creatie van Patrick Leterme, geïnspireerd door de contemplatie van de Nieuwe Kosmos die vandaag om ons heen vorm krijgt via intuïtie en ontdekking. Het is meer dan ooit tijd om op poëtische wijze naar de sterren te kijken en te voelen hoe de grenzen van het heelal dat wij denken te bewonen, verder vervagen.

FR LE CENTRE BELGE DE LA BANDE DESSINÉE Le Centre Belge de la BD met en valeur son cadre prestigieux, un splendide magasin Art Nouveau conçu par l’architecte Victor Horta. Inauguré en 1906, l’édifice abritait autrefois les magasins du grossiste en textile, Charles Waucquez. Cette époque (fin XIXe-début XXe siècle) coïncide également avec les débuts de la bande dessinée moderne. En 1975, l’architecte Jean Delhaye, qui fut un élève et un collaborateur de Victor Horta, attira l’attention des pouvoirs publics sur les anciens magasins Waucquez, devenu un chef d’œuvre en péril. Grâce à son intervention, le bâtiment fut classé.

THE BELGIAN COMIC STRIP CENTER

Le Centre Belge de la Bande Dessinée réunit en effet tout ce qui traite de la bande dessinée européenne, depuis ses origines prestigieuses jusqu’à ses développements les plus récents.Si les expositions temporaires et permanentes contribuent à faire de ce temple un lieu vivant, dynamique et attrayant, cet outil au service de la promotion de la BD (associé à la création du Parcours BD de Bruxelles, à l’émission annuelle de timbres BD, etc.), ambassadeur culturel de la Belgique, de ses régions et communautés, outil de référence réputé sur la planète BD, est aussi un centre de documentation unique au monde. Le CBBD produit également, pour de nombreux partenaires, des conférences, des ouvrages, des ateliers créatifs et leur sert de conseiller. © Daniel Fouss - CBBD

Charles Waucquez waren ondergebracht, werd ingehuldigd in 1906. Dat tijdperk (eind XIXe - begin XXe eeuw) valt ook samen met de opkomst van het moderne stripverhaal. In 1975 vestigde architect Jean Delhaye, leerling en medewerker van Victor Horta, de aandacht van de overheid op de oude warenhuizen Waucquez, een meesterwerk dat in gevaar was. Dankzij zijn tussenkomst werd het gebouw geklasseerd.

gebouw, waarin daarvóór de warenhuizen van textielgroothandelaar

Located in the heart of Brussels, in a majestic Art Nouveau building, created by Victor Horta in 1906, the Belgian Comic Strip Center (BCSC) opened its doors to the public on October 6th 1989. The building originally served as a warehouse to textile baron Charles Waucquez. This period (late nineteenth - early twentieth century) coincides with the beginnings of modern comic strips. In 1975 architect Jean Delhaye, a student of Horta’s, succeeded in bringing the Waucquez warehouse, which had become an endangered masterpiece, to the attention of the state. The building was listed. The BCSC assembles anything that deals with European comics, from its prestigious beginnings to its latest developments. Temporary and permanent exhibitions have transformed this Art Nouveau gem into a living and attractive temple. It is a dynamic and exciting place where everything is done to promote the Ninth Art (associated with the creation of the Brussels Comic Strip Route, the issue of Comic Strip stamps, etc...). It is also a cultural ambassador for Belgium, its regions and communities, a reference in the world of comics

Op meer dan vierduizend vierkante meter verenigt het Belgisch Stripcentrum alles wat met het Europese beeldverhaal te maken heeft, van zijn prestigieuze oorsprong tot zijn meest recente ontwikkelingen. De tijdelijke en permanente tentoonstellingen dragen ertoe bij om van deze tempel een levendige, dynamische en aantrekkelijke plek te maken. Ze vormen een uniek kader voor de promotie van het stripverhaal. Het Stripcentrum speelt de rol van cultureel THE BELGIAN COMIC STRIP CENTER

VAN SATCHIE NORO Een divers publiek bereiken is altijd al een prioriteit geweest voor het ARTONOV Festival. Ook dit jaar zetten we ons in voor culturele bemiddeling. Deze keer hebben we choreografe Satchie Noro, die ook met twee voorstelling deelneemt aan het festival, uitgenodigd om creatieve workshops aan te bieden in het woonzorgcentrum Anne Sylvie Mouzon in Saint-Josse. Sillas (stoel in het Spaans) biedt een bijzondere ervaring waarbij dit alledaagse voorwerp de basis vormt voor een collectieve choreografie. In deze workshops ontwikkelen de deelnemers een participatieve en collectieve taal, gebaseerd op alledaagse gebaren en handelingen, muzikale signalen, geometrische of willekeurige bewegingen. De workshops zijn bestemd voor de bewoners van het woonzorgcentrum en hun familie, en voor het personeel. Bovendien nodigen wij studenten van de Maximiliaanschool – de talenschool van het Burgerplatform voor steun aan vluchtelingen – uit om eveneens deel te nemen aan de workshops en aan de voorstelling die de workshop-week afsluit.

CULTURAL MEDIATION EN WORKSHOPS RELATED TO THE PROJECT

Ils s’adressent aux résidents de la maison de retraite et à leurs familles, ainsi qu’au personnel. De plus, nous invitons les étudiants de l’École Maximilien – école de langue de la Plateforme citoyenne de soutien aux réfugiés – à participer aux ateliers ainsi qu’à la présentation du résultat d’une semaine de travail.

For the ARTONOV Festival, audience outreach has always been a priority. This year we are inviting choreographer Satchie Noro, who will also perform two shows during the festival, to conduct creative workshops at the Anne Sylvie Mouzon retirement home in Saint-Josse. These workshops will be aimed at developing a participative and collective performance style, based on daily sitting gestures, actions, musical signals, and geometrical or random movements. They are aimed at the residents of the retirement home and their families, as well as the staff. In addition to this, we shall invite students from the École Maximilien – a language school run by the Plateforme citoyenne de soutien aux réfugiés – to participate in the workshops and in the presentation of the final result of an intense week’s work.

60 MÉDIATION CULTURELLE FR RÉALISATION D’ATELIERS QUI DÉCOULENT DU PROJET SILLAS DE SATCHIE NORO

SILLAS OF SATCHIE NORO

CULTURELE BEMIDDELING

Pour le Festival ARTONOV, s’adresser à tous les publics a toujours été une priorité. Cette année encore, nous continuons notre engagement de médiation culturelle en invitant la chorégraphe Satchie Noro, par ailleurs présente avec deux spectacles dans le festival, à proposer des ateliers créatifs au sein de la maison de retraite Anne Sylvie Mouzon de Saint-Josse. Sillas (chaises en espagnol) est une expérience unique dans laquelle cet objet du quotidien devient support d’une chorégraphie à la fois collective et singulière.

Ces ateliers permettent le développement d’un langage scénique participatif et collectif, créé à partir de gestes quotidiens d’assise, d’actions, de signaux musicaux, de déplacements géométriques ou aléatoires.

NL WORKSHOPS ROND HET PROJECT SILLAS

62 Tickets PRÉVENTE Prix plein 18€ Tarif réduit* 13€ SUR PLACE Prix plein 20€ Tarif réduit* 15€ VOORVERKOOP Basisprijs 18€ Verminderd tarief* 13€ TER PLAATSE Basisprijs 20€ Verminderd tarief* 15€ PRE-SALE Full price 18€ Reduced price* 13€ AT THE VENUE Full price 20€ Reduced price* 15€ PRIX STANDARD - STANDAARD PRIJZEN - STANDARD PRICES * -26, +65, chercheurs d’emploi / werkzoekenden / job seekers PRIX SPÉCIAUX - SPECIALE TARIEVEN - SPECIAL PRICES Origami Gratuit / gratis / free Nuage 13€ ɤ Arpenteuses 13€ Nine Bells 22 € (exhibition included) ɤ Reflets de cristal 13€ OÙ ACHETER - VERKOOPPUNTEN - WHERE TO BUY BIP Brussels Info Place Rue royale 2-4 Koningsstraat, 1000 Brussels Grand Place - Grote Markt, 1000 Brussels VISITES GUIDEDGELEIDEGUIDÉESBEZOEKENTOURS Online www.festival-artonov.eu Memory of a place AtlasRêveSilenced’Égypte Solo II – Rite de passage Dans l’ombre, les yôkai ToutesPhantasticuslesétoiles sont des soleils

63 Info CONTACT www.festival-artonov.eu+32+32manager.artonov@gmail.com493424101486445725 FOLLOW US @festivalartonov Réalisé avec l’aide de la Fédération Wallonie-Bruxelles Administration générale de la Culture, Service de la Musique Avec le soutien de visit.brussels et de la Région de Bruxelles-Capitale Ne pas jeter sur la voie publique ILLUSTRATION Riccardo Guasco GRAPHIC DESIGN Mr. Clinton ED. RESP. V. Casale, Rue de Praetere 14, 1050 Bruxelles Nous respectons les mesures sanitaires en vigueur au moment du festival. Tijdens het festival respecteren we de geldende veiligheidsmaatregelen. We follow the public health measures in effect at the time of the festival.

Programme Brochure / Festival ARTONOV 2022

Articles inside

14/10 - Atlas - Rite de passage

Arpenteuses

solo II

9/10 - Nuage

Rêve d’Égypte