FILTER Mexico #1

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Coberturas Especiales

Culture Collide (L.A.) Corona Capital (D.F.)

Editorial ™

Bienvenidos…

La música forma parte fundamental del ser humano gracias al papel que ha jugado y juega en todas las culturas del mundo. Es una constante en la historia de la humanidad. Los instrumentos y sonidos podrán cambiar, pero en esencia siempre será expresión de emociones y sentimientos.

México es el punto de enlace entre la música latinoamericana y la estadounidense; somos un país con un gran interés y pasión por la música de todas partes del continente y del orbe. Esa pasión se refleja en las bandas que crean canciones, remixes, covers, en los medios y sobre todo en la audiencia: que asiste a conciertos, busca lo más nuevo, pero que también celebra encontrarse en todo momento con las grandes bandas del pasado.

Hoy, y tras una década de existencia, Filter Magazine, la publicación originaria de Estados Unidos, llega a México para compartir lo más actual y relevante, pero también para impulsar a las bandas referentes cuyo legado siempre está allí… esperando ser descubierto. Así que, es un honor presentarles el trabajo que después de varios meses de planeación se consagra en este primer número de Filter México, que cabe resaltar, será la primera publicación musical gratuita de nuestro país, porque sabemos que el modelo editorial tradicional no es viable para un melómano nómada.

No queda más que darles la bienvenida a este nuevo proyecto que esperamos sea pieza clave en la escena actual y la que viene en camino…

-Staff Filter México

EN PORTADA

32 CSS: El ritmo, los rebeldes

DESTACADOS

22 ST VINCENT Una corta y curiosa historia 26 GUILLERMO DEL TORO Guía para hacer una Película de Horror Escalofriante 28 Platicamos con THE KILLS

F-STOP

30 CECI BASTIDA: Postales de una Mexicana en L.A.

TRIBUTO

38 CILER: Arte Urbano Nacional

PAISAJES SONOROS

14 SUDAFRICA: De The Parlotones a Cape Point: rock en la cuna de la humanidad

LES PRESENTAMOS A…

16 WU LYF 18 TWIN SISTER 19 ANTOINE REVERB

YA DEBERÍAS CONOCER A...

20 ACHERS OF LOAF

REVIEWS 41 RESEÑAS

ENDNOTE

48 por REMERITAS 1.FILTER

™

Publisher Breakfast Media Director Editorial Milton Barboza

milton@filtermexico.com

Editor en Jefe Andrés Díaz Traducción y Redacción Mara Vargas, Anna Stephens, Paulina García, Paola del Castillo Corrección de Estilo Berenice Andrade Coordinador de Arte Oliver Barrón Fotografía Rodrigo Jardón Gerente de Producción & Operación Paola Palazón Seguel paola@breakads.com

Editora Web Paulina García Gerente de Publicidad & Marketing Landy Bustamante landy@breakads.com

ventas@filtermexico.com FILTER México es una publicación editada y publicada por Breakfast Media S.A. de C.V. Mariano Escobedo 498. Piso 10. Colonia Anzures. CP 11590.

México. Teléfonos 6265-0339 / 6265-0366 / 6265-0367 / 6265-0368. Reserva de Derechos al Uso Exclusivo del Título 04-2011-083012492100-102. Certificado de Licitud y Contenido en trámite. Registro de ISSN en trámite. Registro de Padrón Nacional de Medios Impresos en trámite. Todos los Derechos Reservados. Queda prohibida la reproducción parcial o total de cualquier contenido. El contenido y material publicado por colaboradores, columnistas y periodistas es responsabilidad de los autores. Los editores no se hacen responsables por la veracidad de los mensajes contenidos en anuncios. Distribuida por Envíos Profesionales. Impresa en PrePrensa Digital. www.FILTERmexico.com Esta publicación es realizada en conjunto con FILTER Magazine.

PUBLISHERS Alan Miller & Alan Sartirana EDITORIAL Editor-in-chief: Pat McGuire ASSOCIATE EDITOR: Breanna Murphy interns: Clare R. Lopez, Krystle Uy ART LAYOUT DESIGNER: Melissa Simonian DESIGN INTERNS: Allie LaBelle, Leila Tredemeyer CONTRIBUTING ARTISTS & PHOTOGRAPHERS Greg Christian, Daniel Kohn, Clare R. Lopez, Luisa Zá, Heidi Bresler, Shepard Fairey/OBEY Giant, Brantley Gutierrez, Michael Kupperman, Nick Offerman, Craig Thompson, Chad Van Gaalen, Dan Winters SCRIBES A.D. Amorosi, Andrea Bussell, Kendah El-Ali, Jonathan Falcone, Spencer Flanagan, Kevin Friedman, Marty Sartini Garner, Erin Hall, Lauren Harris, Brooks Hays, Mike Hilleary, Patrick James, Jessica Jardine, Taleen Kalenderian, Daniel Kohn, Mary Kosearas, Gregg LaGambina, Kyle Lemmon, Clare R. Lopez, Kyle MacKinnel, Nevin Martell, Kenny S. McGuane, Marissa R. Moss, Kurt Orzeck, Jason Parham, Loren Poin, Adam Pollock, Ken Scrudato, Dom Sinacola, Chris Slusarenko, Zachary Sniderman, Laura Studarus, Colin Stutz, Scott Thill, Tamara Vallejos, Paul Zollo Marketing Samantha Barnes, Mike Bell, Tim Dove, Paul Familetti, Samantha Feld, Holly Gray, Ian Hendrickson, Alyssa Jones, Matt Martin, Wes Martin, Andrea Narvaez, William Overby, Kyle Rogers, Connie Tsang, Jose Vargas For marketing inquiries please email info@filtermmm.com FILTER Magazine is published by FILTER Magazine LLC, 5908 Barton Ave., Los Angeles CA 90038. FILTER Magazine is not responsible for anything, including the return or loss of submissions, or for any damage or other injury to unsolicited manuscripts or artwork. Any submissions of a manuscript or artwork should include a self addressed envelope or package of appropriate size, bearing, adequate return postage. © 2011 by FILTER Magazine LLC. ALL RIGHTS RESERVED www.FILTERmagazine.com

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Eventos

Por MILTON BARBOZA, enviado especial Todas las fotos fueron tomadas por “The School of Photography shooters led by instructor Damian Tsutsumida”

OCTUBRE 6-9 / LOS ÁNGELES, CALIFORNIA

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Con apenas dos ediciones, el Culture Collide comienza a colocarse como uno de los mejores eventos de la zona californiana, gracias a la diversidad de propuestas que se presentan. El festival se desarrolló en distintos escenarios, cercanos entre sí, de la zona conocida como Echo Park, para que los asistentes tuvieran la posibilidad de ver la mayor cantidad de bandas que llegaron de distintos puntos del planeta como Portugal, Dinamarca, Polonia, Brasil, Bélgica, Austria, Australia, Estados Unidos y claro está, México.

Para arrancar Culture Collide se hizo una fiesta de bienvenida a medios de comunicación y bandas que disfrutaron de un DJ set de los neoyorquinos de The Rapture, quienes lograron hacer bailar a los presentes.

Desde la tarde del primer día (martes 6) se realizaron showcases de bandas suizas y canadienses para después dar paso a que en Twonky Chateau del Taix, Origami Vinyl y Echo, se presentaran actos como Buck 65, Midnight Surfer, Kassette, Liam Finn, Los Hollywood, Lindstrøm, entre otros, que dieron por sentado su gran calidad.

El viernes 7 lo más esperado fue la presentación de YACHT en el Echoplex, pero antes nos sorprendimos con grupos holandeses como The Death Letters o Laura Jansen, además de IndigoTree y Paula & Carol desde Polonia. También llegó al escenario de la Iglesia Metodista del Echo Park, Ximena

Eventos

Laura Jansen / Foto Leanna Flecky

Descartes A Kant / Foto Shane Aufdemberg

Foto Spencer Amonwatvorukal

Sariñana, quien tan sólo estuvo acompañada de su teclado y pedales para crear loops. Gustó al público con quien interactuó en todo momento mientras presentaba lo mejor de su disco homónimo y algo de su debut, Mediocre.

Otro grupo interesante que encontramos fue Hands, que bajo un sonido de rock con tintes electrónicos animó el inicio de la velada en el Echoplex. Ya para la media noche y con el lugar lleno, YACHT puso el ritmo para que toda la gente bailara y cantara, con lo que se convirtió en uno de los highlights del festival.

El sábado comenzó con presentaciones de MyBubba & Mi (Dinamarca), Pubes (Estados Unidos), The Lanksies (Francia), De Staat (Holanda) y los mexicanos de Descartes A Kant, quienes tuvieron gran aceptación con su rock lleno de experimentación, 5.FILTER

Eventos

Datarock / Foto Chad Yanagisawa The Asteriods Galaxy Tour / Foto Shane Aufdemberg Blcok Party Keleigh Layton

Origami Vinyl/ Foto Gian Acosta Escenario Block Party / Foto Keleigh Layton

Dapuntobeat / Foto Gian Acosta

CSS / Foto Shane Aufdemberg

Taix Sign / FotoMike Brown 6.FILTER

el preámbulo perfecto para que la noche la cerraran los brasileños de CSS, que gracias a canciones como ‘Alala’ causaron revuelo y ovaciones.

El domingo las actividades se concentraron en la calle aledaña al Taix, donde se montaron dos escenarios para terminar con todo la segunda edición de Culture Collide. Dapuntobeat de México llegó para prender a la gente en Twonky Chateua gracias a su electro rock. Su presentación preparó la gran fiesta que seguiría en el escenario dos con Datarock desde Noruega, quienes ya son garantía de calidad. V Is For Volume de Colombia también levantaron la mano con su ritmo, además de MEN desde Nueva York, Avi Buffalo de Long Beach, California, Clap Your Hands Say Yeah que regresaron con nuevo disco este año, y de nueva cuenta CSS. Como acto final se presentó Gang Gang Dance que, con su sonido experimental cerraron esta block party y el festival.

Culture Collide regresará en 2012 seguramente con otras buenas propuestas sonoras y Filter México estará nuevamente presente para traer los pormenores de este festival que poco a poco se afianza como uno de los obligados para asistir en Estados Unidos.

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Eventos

Festival Corona Capital 2011 Por STAFF FILTER MÉXICO Foto RODRIGO JARDÓN

Portishead

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Fue la segunda edición de uno de los festivales más importantes de México. Para esta ocasión, los organizadores del Corona Capital atendieron las demandas que los asistentes y melómanos hicimos el año anterior; el resultado fue sobresaliente. Más allá de los malos pronósticos meteorológicos y rumores de posibles cancelaciones por parte de los headliners , el festival estuvo a la altura de una gran y cosmopolita urbe, como lo es la Ciudad de México. La obvia mejoría del sonido ofrecido en los cuatro escenarios, la separación entre cada uno de ellos, además del afortunado clima de ese sábado 15 de octubre.

Eventos

The Strokes

En cuanto al cartel de este 2011, el Corona Capital presentó a las bandas que actualmente destacan por su reciente aparición o por nueva producción discográfica. A pesar de que la gran oferta de agrupaciones extranjeras eran el mayor atractivo para muchos, el talento nacional se hizo notar en todos los escenarios destacando entre las actuaciones el pop de Yellow Yesterday, la presentación en vivo del Bella Época de Torreblanca, la dulzura de Madame Recamier y la comunión entre los asistentes y Austin TV. Entre actos más recientes pero ya bien consolidados, las chicas de Ruido Rosa ofrecieron una sólida presentación dejando claro que son más que cuatro chicas bonitas, y el electro pop de Disco Ruido encendió los ánimos de los presentes con temas como la muy coreada

Torreblanca

“Mrs. Love” y la participación especial de Álvaro y Cristina de El Columpio Asesino, para interpretar un remix de “Toro”.

Wavves rebasó las expectativas en el escenario Bizco Club (en donde también estuvo El Columpio Asesino), para dar cátedra de lo mejor del rock español del momento. Uno de los momentos cumbres y más sorprendentes de la tarde fue la presentación de O.M.D. en el escenario Capital. Los ingleses demostraron que las ganas de tocar las canciones como si fuera la primera vez sigue presente en ellos. Después de un momento de descanso, la grandiosa personalidad de Santigold y su grupo de músicos y bailarinas tomaron el escenario con canciones de su primera y única producción, que

Ruido Rosa

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Eventos

Black Fo

sufrió un par de arreglos dub para retomar la energía que dejó O.M.D. minutos antes. El escenario Capital se convirtió en una fiesta ochentera repleta de público de todas las edades.

Conforme se escondía el sol la versatilidad de géneros se hizo presente; en el escenario Corona la mezcla de rock progresivo y metal de Coheed And Cambria, hizo mover las cabezas a los presentes, mientras que en el Corona Light los brasileños de Cansei De Ser Sexy los hacían brincar y bailar.

El cierre del escenario Bizco Club con The Rapture se vio rebasado en capacidad y energía con una audiencia que no paró ni un solo minuto de bailar al ritmo del cencerro, y haciendo segunda voz a Luke Jenner.

Definitivamente la mejor parte del festival llegó al caer la noche, cuando Beth Gibbons y compañía, Portishead, subieron al escenario Capital para hipnotizar a la audiencia, con un impresionante set que culminó después de una hora y media. Es impresionante la forma en que la agrupación de Bristol logra llegarle al público

Editors

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Moby

con canciones que van desde la tristeza o melancolía hasta la ternura y frenetismo por los grandes riffs de Adrian Utley y las secuencias de Geoff Barrow. Al final nos dejaron una noche inolvidable que se reflejó en la gran sonrisa que traía Beth al finalizar su primera presentación en Latinoamérica.

Finalmente, Julian Casablancas, Albert Hammond Jr, Fabrizio Moretti, Nikolai Fraiture y un enyesado Nick Valensi, es decir, The Strokes, interpretaron temas de su consistente trayectoria. Uno hubiera pensado que el setlist estaría basado en su última producción Angles, pero sólo escuchamos “Under Cover Of Darkness” o “Machu Picchu”. El resto de sus canciones fueron grandes clásicos del Is This It, álbum que acaba de cumplir su primera década de vida y que sigue demostrando que ya es un clásico automático.

Así concluyó uno de los festivales más importantes de nuestro país en la actualidad que combinó buenas propuestas, grandes grupos y un inolvidable concierto por parte de Portishead.

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Usa, juega, disfruta Las Samuel del Dr. Martens Nada más rock que Agyness Deyn, la ex de Albert Hammond Jr., sea la imagen de la nueva campaña de las “Docs”. Luego de 50 años, y de que el médico alemán Klaus Maertens vendiera la patente al fabricante británico, las Dr. Martens no pasan de moda, con el tiempo se han reinventado sin perder la esencia que las hizo tan populares.

En esta edición les recomendamos el modelo “Samuel Boot” de su última colección. Con la ayuda de un P.O. Box puedes recibir tu paquete directo desde UK. www.store.drmartens.co.uk

Marshall más cerca de tus oídos Súper elegantes, plegables, en negro y muy rockstars. Es el modelo “Major” de audífonos Marshall, la icónica marca británica de Jim Marshall usada por grandes como The Who, Eric Clapton y Jimi Hendrix. Algunas de sus partes están hechas del mismo material que los amplificadores, como para trasladar la experiencia más cerca de nuestros oídos; y los detalles están muy bien pensados: desde la propia forma, tamaño y facilidades de traslado, hasta el diseño de la caja.

Estos audífonos serían el detalle perfecto para combinar con las “Samuel Boots”. ¡Retorno a los sesenta con look british!

La tienda en línea de Marshall ofrece envío a México. www.marshallheadphones.com

Para fanáticos de los viniles La fiebre por los viniles regresa; los entusiastas y fanáticos siempre están buscando gadgets y productos nuevos. Un tema súper importante es la limpieza de cada disco, en parte porque de eso depende la calidad de lo que vamos a escuchar. En México existen pocas opciones para los coleccionistas de discos, pero Urban Outfitters –que desde hace unos meses hace envíos al país– tiene en su sección de música un kit muy práctico. ¡Es hora de hacer add to bag ! www.urbanoutfitters.com

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Paisajes Sonoros

SUDÁFRICA De The Parlotones a Cape Point: rock en la cuna de la humanidad

Por PAT McGUIRE Volar de Los Ángeles a Johannesburgo en tan sólo un día es, sin duda, un ejercicio en muchos sentidos, pero sobre todo en cuanto a paciencia e ingeniería. Pensar que un ser humano se puede sentar perfectamente dentro de una enorme pieza de metal para realizar dos viajes de poco más de seis horas y aun así estar a ocho horas de distancia del punto “B”, es alucinante. Para cuando llego al Aeropuerto Internacional de JohannesburgoOliver Reginald Tambo, se ha desvanecido un día completo y también dos estaciones del año.

Localizado en la punta sur del continente africano, Johannesburgo me recibe con noches frías y días cortos, pero también con una de las experiencias más enriquecedoras al que cualquiera en tierra extranjera puede aspirar.

“Jozi” es la ciudad más poblada de Sudáfrica y hogar de muchos iconos que el mundo ha llegado a reconocer: Nelson Mandela, el estadio Soccer City que se convirtió en la cara de la Copa Mundial FIFA el año pasado, y el municipio de Soweto. Es de igual forma hogar de la banda más popular de rock de aquel país, un melódico cuarteto llamado The Parlotones quienes, cansados de abarrotar constantemente el Domo Coca-Cola de, “Jozi”, montaron su más ambicioso show a la fecha: una obra de teatro rockera titulada Dragonflies & Astronauts . ¿Cómo podía perderme esta oportunidad de atestiguar la fusión entre Julie Taymor, Ray Bradbury y The Decemberists (versión africana) en un escenario en vivo?

La trama futurística acerca de una princesa alienígena y su amante (un robot espacial) se mezcla con las canciones que tocan en vivo los integrantes de

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la banda disfrazados, quienes junto con un grupo de bailarines y actores realizan coreografías a las canciones post-apocalípticas en una escenografía muy bien elaborada.

El resto de mi estancia en Johannesburgo la pasé como un turista. Visité museos, la Old Fort Prison en Constitution Hill, en donde los prisioneros eran llevados durante el Apartheid, el South African Constitutional Court, la oficina de Mandela y Oliver Tambo, y la Reserva Natural de Rinocerontes y Leones (una mezcla entre safari y zoológico cerca del sitio Cradle of Humankind World Heritage).

Nos detuvimos en Soweto, una municipalidad de poco más de cuatro millones de habitantes verdaderamente diversa socialmente, para comer un auténtico buffet africano con cereales (“pap”), chakalaka (chile con carne), dumplings, mariposa emperador (una entrada tan salada que apenas después de tres cervezas pude quitarme ese sabor). En este municipio visité uno de los primeros hogares de Mandela y el Museo Hector Pieterson, ambos han servido para conmemorar la lucha de la comunidad sudafricana negra durante el Apartheid y los horrores que esta nación ha tenido que vivir en tan poco tiempo.

Como me dijeron, un viaje a Sudáfrica no está completo sin hacer una parada en Cape Town, la ciudad portuaria del suroeste del país. Así que después de un vuelo de dos horas me encontré en lo que posiblemente es la metrópoli más hermosa que he visto. Con su dramática y omnipresente vista a Table Mountain y su precioso muelle que me recordó a una efervescente ciudad de Los Ángeles, Seúl o la Ciudad de México. Disfruté de la buena vida

Paisajes Sonoros

Foto Heidi Bresler

nocturna en el famoso restaurante de mariscos Quay 4 dentro del Distrito del Muelle.

La mañana siguiente, realicé una caminata en el Malay Quarter y pagué por una visita al museo Slave Lodge, antes de atravesar la popular Long Street en donde se encuentran muchos restaurantes, tiendas y bares hasta que llegué a Mabu Vinyl, una verdadera tienda de discos indie, cuyos dueños Jaques y Mighty luchan diariamente por difundir la buena música nueva.

Me dirigí al aeropuerto para tomar mi vuelo directo de 17 horas de Johannesburgo a Nueva York. ¿Y saben qué? Recordando los momentos vividos durante una semana en Sudáfrica, por primera vez en mi vida estar sentado en un avión todo un día completo, fue simplemente un gran “placer”.

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Les presentamos a

WU LYF Por KENDAH EL-ALI

En un mundo cada vez más saturado de estímulos e información, nada sobresale más que la sencillez y el silencio. Esa fue la apuesta que un cuarteto hizo cuando se juntaron para crear aquella flama de combustión lenta que se conoce como WU LYF (iniciales para “World Unite! Lucifer Youth Foundation”). Los miembros, Evans Kati, Joe Manning, Tom McClung y Ellery Roberts se han mantenido anónimos ante virtualmente todo: desde entrevistas hasta contratos con disqueras que ansían firmarlos; el único contacto que han tenido con sus fans es a través de su sitio oficial donde anuncian futuras presentaciones y lanzamientos. Este mismo silencio generó muchas especulaciones y rumores, sin embargo, su método resultó efectivo, pues WU LYF ha logrado lanzar su debut a través de LYF –su propio sello-, así como llenar sus calendarios para embarcarse en una gira mundial altamente anticipada. Un resultado nada decepcionante para un colectivo de jóvenes que no llegan ni a los 20 años; sin embargo, lo más raro de todo es que en realidad su modus operandi no tiene nada de misterioso.

“En realidad no abrimos la boca hasta que hubiera algo de qué hablar”, asegura el vocalista y tecladista Ellery Roberts. “Ahora tenemos más cosas de qué hablar… lanzamos un disco.”

“Somos tres personas de 20 y uno de 21 quienes tienen una especie de pandilla” dice Roberts. “A través del apoyo constante de la gente, esto se convirtió en algo un poco más tangible, en un concepto para un disco, en algo para contar.”

Su sonido, liderado por voces rasposas y viscerales, trasciende sin ningún tipo de esfuerzo y es capaz de pintar imágenes que van desde bosques frondosos a terrenos grises e industriales. Puede ser tan tribal como grunge, tan operístico como nihilista, justo como el nombre de Lucifer lo sugiere: con una gran carga de luz y a la vez demoníaco. La banda se refiere a su música como “pop pesado”.

“El pop pesado es algo similar a La Insoportable Levedad del Ser,” explica Roberts. “Existe una noción de lo ligero y lo pesado coexistiendo en un mismo plano. Lo ligero es algo más libre, pero también más superficial.

Sin embargo, la pesadumbre es lo que te inspira a componer”.

Con una metodología militante y estrategias de mercadotecnia directo del futuro (pueden ser parte de su coalición por tan sólo 20 dólares y recibir por correo su música y su arte), no es necesariamente importante el saber ‘quién’ y ‘qué’ es WU LYF. No queda muy claro si ellos mismos entienden el impacto emocional o financiero que su música ha alcanzado y bien podrían estar en la cabeza de un movimiento. Pero sólo el tiempo lo dirá, pues por ahora tan sólo son cuatro jóvenes que les causa gracia cuando les preguntan del significado espiritual de sus composiciones.

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Les presentamos a

TWIN SISTER Por LAURA STUDARUS

En la primavera pasada, la banda de Long Island dejó atrás su vida normal para convertirse en músicos de tiempo completo. El bajista y guitarrista Gabel D’Amico recuerda no haberse arrepentido por perder su trabajo anterior: “Estaba terminando de estudiar. Eric Cardona (guitarrista) y Andrea Estella (vocalista) estaban trabajando en una tienda de arreglos frutales”, ríe mientras dice esto. “Esos eran unos trabajos horrorosos. Bryan Ujueta (baterista) ha trabajado en lugares tan extraños y divertidos como una tienda de sombreros para cowboys o una fábrica de rompecabezas”.

La banda por fin se convirtió en quinteto cuando se les unió la tecladista Udbhav Gupta. Fue un amor a primera vista que se dio al navegar con sus proyectos en la escena de música independiente de Nueva York.

“Los que ahora son mis compañeros son personas que veía y me decía: ‘¡me gustaría estar con ese tipo de personas!’, seguramente ellos sintieron lo mismo”, explica D’Amico.

Con sus EPs Vampires With Dreaming Kids (2008) y Color Your Life (2010), el grupo tomó una gran decisión: rentaron una casa en Hamptons para escribir su primer disco.

“Creo que hacer eso ya estaba en nuestras mentes después de haber leído la experiencia de otras bandas.

“Era invierno y no había nadie cerca”, D’Amico continúa, “fue bizarro pero muy divertido. Me sentía como si estuviéramos en un mundo opuesto ya que se suponía que estábamos en uno de los barrios más prósperos,

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pero no lo era en ese entonces”.

El autoimpuesto campamento de entrenamiento funcionó muy bien. El resultado fue In Heaven, 10 tracks audaces influenciados por un pop retro. Por lo menos esta descripción concuerda con lo que dice D’Amico: “Creo que hubiera sido imposible hacer música sin nostalgia. Nos pegó en un nivel muy inconsciente”, dice esto mientras revisa algunos de los discos de su padre buscando alguna referencia. Finalmente, se rinde mientras se ríe de la derrota. “Creo que la radio comercial es responsable de que sonemos a un millón de cosas al mismo tiempo”.

A pesar del éxito de su primera excursión musical, D’Amico asegura que la banda está lejos de estar satisfecha con su nuevo rol como músicos de tiempo completo.

“Creo que si hubiéramos hecho un álbum que consideráramos perfecto, ¿a dónde podrías ir a partir de eso?”, dice al preguntarles si tienen un ideal a seguir: “¡Nos hubiéramos rendido! Por eso es bueno estar insatisfechos. Totalmente insatisfechos”.

DISCOS QUE INSPIRARON A GABEL D’AMICO A HACER MÚSICA The Velvet Underground & Nico - The Velvet Underground & Nico The Clash – London Calling Pixies - Doolittle

Les presentamos a

ANTOINE REVERB “Hubo un tiempo en que las reseñas de nuestro primer LP sólo hablaban de la diversidad de instrumentos, incluso pensaban que Andy (vocalista) se llamaba Antoine”, nos cuenta Cynthia mientras la banda tapatía ríe sobre su no tan lejano origen, en donde los chelos, banjos, clarinetes y trompetas eran los pilares de Goodbye Victorian Houses. Ahora decidieron dejar ese halo acústico para concentrarse en su aspecto más ruidoso y eléctrico, pero de eso hablaremos más adelante.

Por ser músicos por convicción, deben batallar con trabajos que no necesariamente son los ideales, incluso deben pedir permiso para salir de gira. Andrés trabaja en un bar y a cada rato le piden que cante “Fly me to the moon” de Frank Sinatra. “Llegar a renunciar a nuestros trabajos sería como un sueño”, nos dice.

Armar un conjunto con todas las cualidades que tiene Antoine Reverb, implicó que el destino reuniera muy buenos músicos que compartieran la misma sensibilidad a la música. A pesar de que Antoine es la casa en donde se encuentran, cada uno tiene su proyecto alterno: Benjamín (teclados y voz) tenía un proyecto llamado Volumina, pero ahora está desarrollando otro llamado Doroteo; Andrés está en The Oaths, que es un proyecto más electrónico; Cynthia (teclados y voz) ha estado desde hace siete años en una compañía de teatro llamado Psycho Circo, aparte de dar clases de música y tener un proyecto al lado de Diego (guitarrista) que sigue gestándose y que ha tenido varios nombres. Miguel (percusiones) es el más fiel a Antoine al no tener un segundo hogar, por el momento trabaja en un estudio de grabación y da clases de audio.

El título de esta nueva producción, Everything Is A Foreign Language To Me, proviene de una línea de una

Por ANDRÉS DÍAZ canción. “Es una frase con la que cualquiera puede identificarse”, nos cuenta Benjamín. Son 10 canciones que quedaron varadas de la grabación del EP A Revolt of Sorts. Están envueltas en un arte basado en símbolos y figuras que simulan “los milagritos” que se les ponen a los santos.

Anteriormente las canciones se basaban en la guitarra acústica, pero ahora decidieron hacerlo con base en la eléctrica. “Queríamos que el disco sonara tal cual como sonaría en vivo por lo que simplificamos los instrumentos, pero diversificamos las voces al pasarle Andrés la estafeta a Benjamín y Cynthia”, nos cuenta el guitarrista Diego.

El salto que ahora obtuvieron al unirse a las filas de Arts&Crafts México les ayudará a darse a conocer, pero todavía hay mucho por hacer para que propuestas como la suya salgan de la sombra. “Creo que falta crear una comunidad que apoye. La gente no va a ver propuestas nuevas aunque sólo pague 20 pesos por un concierto. Si no está in, la gente no va”.

Aun así, la banda mantiene una actitud positiva para el futuro: “En el primer tour seguramente perderemos dinero, pero algún día estaremos tocando en Estados Unidos y Canadá, así como Europa y Japón”.

3 DISCOS PARA ESCUCHAR A ANTOINE REVERB Sufjan Stevens – Illinoise Wolf Parade – Expo 86 Furland - Historia De La Luz

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Ya deberías conocer a

ARCHERS OF LOAF

Por MARTY SARTINI GARNER

A excepción de los dos años que pasó enseñando inglés en Taiwán, el vocalista de Archers Of Loaf siempre ha sido un músico trabajador: primero con los titanes del indie rock originarios de Chapel Hill, Carolina del Norte, y después por su cuenta como Crooked Fingers.

Bachmann dice sobre la separación de Archers en 1998: “Simplemente ya no quería formar parte de una ruidosa banda de rock”. Pero justo esa banda –reunida recientemente por ese mismo sonido sólido que los separó– es totalmente una banda de rock ruidosa.

Icky Mettle, el debut del grupo en 1993, es un desorden de sucias guitarras arrojadas con melodía y agallas vocales suficientes para elevar el proyecto entero. El rudo canto a gritos de Bachmann, unido a los coros de Eric Johnson y su gancho de guitarra principal, transforman casi todo en algo en lo que hay creer y tenerle fe.

Aunque la prensa dibujó rápidamente líneas quebradizas entre Archers y los cinco hermanos de California que gobernaron el mundo indie durante la mayor parte de los 90, los sureños presentaron un sonido más grueso, uno más ligado a la densidad rítmica de Mission of Burma, o a la precisión de la guitarra de Television, o la belleza imperfecta de Pavement.

“Realmente trabajamos en las guitarras. No encontramos un bajista o un baterista por un tiempo porque sabíamos que queríamos lograr la parte de la guitarra primero”.

Tras la separación en 1998, Bachmann creó el proyecto Crooked Fingers, produjo a Azure Ray y ha lanzado varias placas bajo su propio nombre. Eric Johnson salió de gira con una banda amiga de Chapel Hill, Super-

chunk, antes de estudiar derecho para convertirse en litigante. El bajista Matt Gentling tocó con Band Of Horses por un tiempo, y el baterista Mark Price es el dueño de un taller de bicicletas.

A pesar del nuevo interés en la agrupación, los Archers no tienen planes de grabar nuevo material.

“No quiero regresar y tratar de recrear algo que no podemos hacer tan bien”, Bachmann explica. “Prefiero hacer algo completamente nuevo y sincero a lo que somos ahora como personas”.

Por ahora, Archers Of Loaf están contentos de trabajar arrastrando un trailer a través de Estados Unidos para tocar, con toda su esencia, para adultos contemporáneos con camisas fajadas y cualquier otra persona que busque convertir en himno lo ordinario.

“Debes trabajar tan duro como puedas en lo que desees hacer”, opina Bachmann. “Es difícil hacer una carrera en la música, pero si lo disfrutas, trabaja duro”.

ERIC BACHMANN ELIGE TRES DISCOS DE ARCHERS OF LOAF QUE YA DEBES CONOCER

Icky Mettle (1993) Vs the Greatest of All Time EP (1994) Vee Vee (1995)

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Sister of Mercy

Principales

Una corta y curiosa historia de

St. Vincent

Por Gregg LaGambina

Fotos Brantley Gutierrez

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Principales

Imaginen: si pudieran meter la mano adentro de una película, la sumergieran hasta el codo y jalaran hasta que las raíces de ésta se soltaran y la tierra se aflojara haciendo que perdiera el balance por la simple física de arrancar algo del suelo. Verían la cosa que tienen en la mano y se darían cuenta de que es música. La película desaparecería por completo y sólo quedaría esta cosa pulsando en la palma de su mano como un corazón arrancado del pecho.

Todo lo que quedaría en su mano es la banda sonora de la película, de alguna manera, fruto de la tierra, como raíz de un vegetal que crece hacia abajo en vez de arriba. No quedaría nada más que el sonido del color de una zanahoria naranja o un corazón rojo. Sería la música de una película que alguna vez estuvo viva en la tierra, como la comida, y que ahora se lo podrían comer. Si pudieran hacer algo así, probablemente serían capaces de hacer algo similar al álbum Strange Mercy de St. Vincent. (¿Habrá algo más compasivamente extraño que arrancar una planta de la tierra y comerla?)

Pero no podemos hacer eso. Ni siquiera St. Vincent puede. Pero a veces suena como que sí pudiera. Escuchen su tercer álbum y si no están de acuerdo, ¿por lo menos podrían aceptar la lógica extraña de alguna manera? Probablemente no hagan un mejor trabajo ustedes. Tienen que estar callados ahora, porque, recuerden, están escuchando música.

(Recapitulando, lo que tienen en su mano ahora es una zanahoria, un corazón y la música de una película volteada al revés para que no la puedan ver. Es probable que volvamos a esto.)

“Estoy acostada cómodamente en un sofá. Estoy viendo una grulla falsa disecada en mi pared“, dice Annie Clark, también conocida como St. Vincent, describiendo lo que ella puede ver desde su posición en su departamento de Nueva York. “El disecado es falso. Es de John Derian. También estoy viendo una pila de libros en mi mesita de noche. Tengo algunos ensayos de Martin Amis. Prefiero sus ensayos a su ficción. Mythologies de Roland Barthes. Es muy bueno. Es una buena persona. ¿Sabías que vivió con su madre hasta que murió? Vivió con ella toda su vida. Escribió un libro sobre eso. Olvidé cómo se llama, pero el chiste es que se debería haber llamado Hijito de Mami. Lo amo. Es un bombón. “ Al comparar a un venerado filósofo francés, crítico y semiólogo, con un dulce cubierto de chocolate, Clark ha revelado accidentalmente un poco de la dicotomía que vive en ella y que denuncia su arte. Una nativa de Dallas se trasladó a Nueva York sólo para sumergirse de manera tan convincente en el tráfico enloquecido de ideas, el ruido, las palabras, la música y la historia. Puede agarrar un teléfono y marcarle en este momento a David Byrne, Kid Cudi, o a Matt Berninger, y si la palabra “Annie” aparece, felizmente tomarán la llamada. Queda un rastro de Dallas en ese “bombón”, y es algo bueno. ¿Cuánto tiempo toma convertirse en un neoyorquino y perder todos los vínculos detectables con los llanos y praderas, para andar en la bicicleta como Lou Reed y ser dueño de una ciudad?

“Esa es una buena pregunta”, dice Clark, tomándose su tiempo para pensarlo. “Toda mi familia está en Texas.

Siempre será mi hogar. Ahí puedo respirar y me puedo relajar. Pero mi mejor amigo de la secundaria y yo sabíamos que teníamos que irnos de ahí y que vendríamos a Nueva York. Era nuestro Oz. Esta ciudad es algo de lo que casi te enamoras adictivamente. Es realmente adictiva y parcialmente destructiva. Te vuelves loco viviendo aquí. Pero como estoy enamorada de ella, no puedo imaginar estar en otro lugar. “ Lo reconozca o no, Clark es muy organizada. Strange Mercy es su tercer álbum. Tiene 28 años. Su disco debut, Marry Me, fue lanzado cuando ella tenía 25 años en el 2007. Le siguió Actor, el cual lo terminó en el 2009. Si han leído hasta este punto, van a escuchar su nuevo material. No necesitan que nadie se los describa. (Recuerden: ustedes ya tienen la carga de una zanahoria, un corazón, y una banda sonora para una película invisible en sus manos.) Deberían tener la libertad de crear una opinión propia acerca de su sonido, lejos de estas páginas.

Si ponen atención al track “Surgeon” de Strange Mercy –una especie de súplica porque la abran quirúrgicamente para sangrar– probablemente noten que suena a una vieja canción suya llamada “Laughing with a mouth of blood,”, o incluso “Marrow” –ambas parte de Actor–, ya que las tres juegan con imágenes de una anatomía dañada. Le deben su efecto no sólo a lo que dicen (esa mezcla de juego y horror), sino también en la forma en que se entregan.

Sus composiciones sacuden y asustan, susurran in crescendo. Escuchen su voz en el primer track del disco, “Chloe in the afternoon” y podrán escuchar el tipo de respiración que haría una persona sorprendida por un fuerte “¡Buu!”. El placer de estar asustado, es lo que los psicólogos explican sobre por qué vemos películas de terror. Está ahí, en su forma de cantar. Pero no hay absolutamente nada imponente o aterrador en Annie Clark. Tiene un gran corazón. Tiene la voz para leer-

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Principales

un filme francés de Éric Rohmer ( Chloe in the Afternoon) que pasa rápidamente en una explicación muy chistosa de una película pornográfica de art-house que accidentalmente vio, pensando que la protagonizaba Amy Adams.

“Yo pensaba: ‘he oído hablar de esta película. Es con Amy Adams o algo así.’ Y entramos a verla y fue horrible.

Esta mujer se mete cada vez más y más en el sadomasoquismo y ves cómo se va desarrollando, desde que pide que la ahorquen mientras tiene relaciones sexuales hasta que se hagan pipí encima de ella. Es una excelente película, en realidad. Pero yo estaba como: ‘¿cuándo se enamora Amy Adams del irlandés? ¿Qué está pasando aquí?’ Es muy incómodo, pero la deberían ver. Nada era falso. Digo, de verdad se hicieron pipí encima de ella.”

le un cuento a un niño pequeño. Lo sorprendente es que no suena calculado. Todo es tan natural como una verdura creciendo de arriba para abajo. Cosas que se encuentran en la tierra, que podría ser raro pero están ahí, ella las desentierra para que puedan verlas. Ella las ve también asombrada. “¿Sabes? Estaba pensando en que mi meta definitivamente no es hacer música que manipula. No como: ‘espera, hay un monstruo en la esquina’. Estaba pensando en esto hace poco, y creo que probablemente se deriva de un lugar bastante natural: empecé a tener ataques de pánico cuando era chiquita. Así que para mí era muy normal que las cosas estuvieran perfectamente bien y que de repente me invadiera el miedo, una especie de pánico. Luego sólo esperaba a que se pasara.

“Por lo tanto, para mí, hacer música en la que de repente aparece una nube negra es normal. Es la forma en que mi cerebro ha trabajado durante muchos años. Ya no es así ahora. Lo tengo un poco más controlado, un poco más dominado. Nunca ha sido con la intención de jugar con la mente de las personas, para nada. Es más una extensión natural de mi mente.” ¿Y qué pasó con esa zanahoria, corazón, y película sin imágenes, todos enterrados en algún lugar de la tierra? ¿De dónde vino todo eso? Hablando con Annie Clark es evidente que realmente no importa. Pueden hablar de cualquier cosa. Esto se aprende cuando desvía una pregunta sobre el nombre de una canción basada en

Lo que uno aprende de Annie Clark es que todo está permitido. No hay nada fuera de los límites, siempre y cuando sea interesante. Así que lo que sea que haya en su música que podría haber conjurado estas zanahorias y corazones, esta suciedad, y las películas borradas, excepto por la música, no importa. (Que los tengan en sus manos a lo largo de este artículo probablemente sea innecesario.) Lávense las manos y regresen. Hay cosas que hacer, como escuchar Strange Mercy, un álbum que podríamos llamar una obra maestra, pero la referencia “obra maestra” se ha convertido en una palabra como “genio”. (Hoy en día, encontramos en todas partes a un genio y a su obra maestra dando un paseo por la calle de su hermosa ciudad como un peatón cualquiera.) Esto es otra cosa. No lo has oído aun después de haberlo escuchado. Va a cambiar con el tiempo. Y como todo lo bueno, grande y duradero, esta continua transformación también le permitirá enfrentar el paso del tiempo.

“No quiero que esto suene presumido o falso”, nos dice Clark, tratando de ayudarnos a llegar a algún tipo de conclusión (que en realidad no hay ninguna, a excepción de las limitaciones impuestas por esta misma página). “Pero cuando estoy realmente inspirada, pienso en colores. No pienso en notas. Todo eso se escapa por la ventana. Cuando estoy tratando de llegar a algo musicalmente, estoy pensando en los colores, fotos e imágenes y trato de pintar con eso. Una canción debe tener una base y una verdad emocional. No me importa la verdad de algo siempre y cuando el núcleo emocional quede intacto. Me voy más por cómo quiero que me haga sentir cuando lo escuche, que por cómo me siento en el momento. Primero tienes que creer en ella, de lo contrario nunca convencerás a nadie de nada.”

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F-Stop Principales

PELICULA DE HORROR Por PATMcGUIRE

Guillermo del Toro probablemente es lo más cercano que nuestra generación estará de una figura como Alfred Hitchcock. Al igual que el maestro (del cual Del Toro ha escrito un libro, literalmente), las películas de Del Toro son espeluznantes, terroríficas, parecen de otro mundo y están llenas de suspenso; pero también son inteligentes, chistosas, sorprendentes, fantásticas y siempre tienen un personaje femenino embestido de poder. El maestro mexicano ha escrito y dirigido películas como El Laberinto del Fauno, Hellboy (con todo y secuelas), Cronos y Mimic; ha escrito otros títulos (como los próximos largos de los Hobbits), también es dueño de una productora y ha incursionado en el rubro de los prostéticos y caracterizaciones. Su proyecto más reciente como escritor y productor es Don’t Be Afraid Of The Dark, una película protagonizada por Katie Holmes, Guy Pierce y Bailee Madison, que se perfila para ser un clásico instantáneo entre casas encantadas y batallas con criaturas que terminan en matanzas.

EN PALABRAS DE GUILLERMO DEL TORO: He pasado décadas de mi vida literalmente leyendo, viendo, escribiendo y filmando horror, exclusivamente. Vivo en una casa que tiene siete bibliotecas con miles de libros y por lo menos un tercio de ellos son de este género. He visto todas las películas de horror por lo menos hasta la década de los noventa y trato de tener un sistema para ellas: la primera vez que veo una película, lo hago por gusto, si me gusta entonces la vuelvo a ver dos o tres veces más para estudiarlas.

En mi lista personal de las mejores películas de miedo de todos los tiempos están –sin un orden en específico–: The Haunting, The Innocents, The Shinning, Alien, Jaws, la versión japonesa de The Ring, The Uninvited y Night Of The Living Dead. Debe haber más, pero ésas son las primeras que vienen a mi mente. Todas son clásicos. El momento en The Ring donde el fantasma cruza de la pantalla de televisión a la sala… estaba en un avión viendo la película y me dieron ganas de salir corriendo por la puerta.

Yo no creo hacer tantas películas de miedo, más bien son películas raras. Hay momentos en ellas –como la escena de la botella en El Laberinto del Fauno– que han afectado a mucha gente, y eso es genial. Pero la verdad no he hecho tantas películas de miedo. Estoy muy contento con Don’t Be Afraid Of The Dark, porque lo que quería era ir a contracorriente.

Las mujeres en la mayoría de las películas de miedo no son más que personajes gritones y sin chiste, y me he esforzado mucho por crear personajes femeninos que resulten mucho más interesantes que los masculinos.

Tengo una gran confianza con Don’t Be Afraid Of The Dark –sólo me involucro en películas que realmente quiero apoyar y que tienen el suficiente sustento para garantizar su éxito.

Don’t Be Afraid Of The Dark la escribí para mí mismo hace muchos años y estuve muy pendiente de la producción. No la llamaría “mi película” al cien por ciento, pues el director siempre pone mucho de su parte, pero ciertamente hay mucho de mí en ella y estoy muy orgulloso.

Aquí mis secretos para hacer una película que sí de miedo…

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Features

Utiliza el recurso de lo que no se puede ver.

Con esto quiero decir que puedes tener presencia de una criatura tan sólo con sus sonidos, o puedes convertir un momento en algo tenso usando solamente pasajes que pongan nerviosas a las personas, y no tienes la necesidad de mostrar nada.

Si hay algo que crees que vale la pena mostrar, no dudes en mostrarlo.

Creo que hay un constante estire y afloje entre lo que se ve y lo que no. Si se trata de una película de miedo, uno trata de dar a entender muy al principio que hay una criatura a través de indirectas para después llegar al momento culminante donde ésta se revela, pero no se hace en el mismo momento. En Don’t Be Afraid, podemos verlas: se ven sus sombras en movimiento, sus ojos que brillan en la oscuridad y siempre está el clásico momento debajo de las sábanas. Cuando niño siempre las cobijas de mi cama eran como un refugio, como un el lugar más íntimo dentro de la casa, y me parece que ese es un gran momento para develar a la criatura. Sin embargo lo hacemos de forma gradual y después damos la sorpresa.

Diseña una buena Criatura El secreto en diseñar a un buen monstruo es que siempre se puede ver diferente. Cuando mostramos a estas criaturas a distancia, se mueven con rapidez –casi como roedores-. Cuando están cerca, tratamos de resaltar algún detalle importante en la primera toma y enfocarnos en otro cuando hacemos el close-up. Estos se diseñan de una forma que la gente no se canse de verlos. Si son inteligentes al respecto se pueden mostrar de formas muy abiertas.

Creo que hay muchas criaturas que faltan por diseñar y que hay muchas otras que aún podemos descubrir.

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Principales

The

KILLS Por ANNA STEPHENS Foto RODRIGO JARDÓN

The Kills es un dueto que pertenece al conjunto de bandas sucias, intensas, sexuales y engañosas. La ronca voz e impulsiva actitud de Alison Mosshart embona perfectamente con la ecuánime y elegante presencia de Jamie Hince. La música de The Kills siempre decadente, pesada y peligrosamente seductora, los trajo de vuelta a la Ciudad de México, pero ahora en calidad de músicos internacionalmente reconocidos.

Ante la poca credibilidad y desarrollo que actualmente tiene el rock, Blood Pressures es un álbum que se destaca por recuperar un poco de esa actitud y pasión del género. Jamie recuerda qué fue lo que le apasionó cuando comenzó a escuchar música.

“Me encantó todo lo que sucedió con las riot grrl, Bikini Kill y Huggy Bear, entre otras bandas. Me encantó. Todo era muy natural y radical. Algo similar ocurrió cuando comenzamos The Kills. Se trataba de querer hacer lo nuestro, sin poses ni apariencias.”

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Principales

Mosshart agrega: “Mantener esa actitud es algo que le da credibilidad a las bandas. En lo personal me gusta conocer a la gente con la que viajo, con la que trabajo concierto tras concierto. Esas cosas no son fuente de inspiración para mí y es algo que reflejamos en el escenario: la actitud de que somos los mismos arriba y abajo del escenario.”

Blood Pressures se editó en abril pasado. El álbum se grabó en Benton Harbor, Michigan, en un estudio llamado Keyclub dirigido por dos muy buenos amigos del dueto. Ahí han grabado ya tres discos. Esto le da confidencialidad a The Kills y los coloca en una zona de confort, lo que podría resultar peligroso para la propuesta musical.

“De alguna manera, el ambiente está totalmente alejado de todo. Podemos componer, ensayar, tocar y grabar a la hora que nos dé la gana. Preferimos tener esta libertad de no tener horarios fijos. Eso nos limita mucho. Por eso hemos vuelto ahí desde No Wow ”, explica Hince.

“A pesar de este confort”, complementa Mosshart”, “la nueva producción cuenta con elementos diferentes: incluimos cantantes de gospel, hay piano y otros instrumentos que no utilizamos comúnmente.”

La honestidad de la que hablan The Kills se refleja en el momento en que los vemos arriba de un escenario, cuando nos invitan a ser parte del espacio que ocupan para convertirnos en el tercer elemento, no en discordia, sino en tensión pasional sublime.

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Estación F

Ceci Bastida

Una de las cualidades de los que viven en la frontera con Estados Unidos, en especial los tijuanenses, es la dualidad que tienen en cuanto a la identidad nacional, ya que por vivir en un país en donde todo se centraliza en el Distrito Federal, hace que en estos terrenos fronterizos la gente busque las oportunidades que tengan más cerca.

Es por eso que grupos como Tijuana No! ofrecieron un sonido diferente a lo que el rock mexicano de los noventa tenía, ya que habiendo una escena tan fructífera como la californiana a la vuelta de la esquina, era obvio que tendrían mucha influencia de ella.

Ceci Bastida sabe muy bien de esa dualidad y la ha aprovechado para crear una carrera versátil que la llevó a ser parte de Tijuana No!, ser colaboradora de su amiga Julieta Venegas, y después crear su propia carrera como solista.

“Todo empezó con mi mamá porque ella tocaba el piano y me parecía maravilloso cuando lo hacía. A los 15 años me invitó a tocar un amigo en una banda que terminó siendo Tijuana No!. Todo se fue dando de una forma muy natural”, nos comenta previo a que supiera que formaría parte del cartel de Lollapalooza 2011.

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Postales de una mexicana en L.A. Por ANDRÉS DÍAZ

Luego de iniciarse artísticamente con la banda creadora de clásicos como “Pobre de ti”, se fue a estudiar la universidad y estuvo dando clases en una secundaria.

“Empecé a probar otras cosas porque empecé muy joven y no me di oportunidad de hacer muchas más.

Luego me di cuenta que la música era lo mío y fue justo cuando empecé a tocar con Julieta Venegas por más de ocho años desde su disco Bueninvento”.

Para comenzar su carrera artística, dejó de participar con Julieta Venegas después del Unplugged. Se fue a su casa de Los Ángeles para empezar a componer demos muy básicos, pero con ideas muy claras. “ Veo la marea es el resultado de muchos años de escuchar música. No hay ska, pero en cuanto a las letras de las canciones definitivamente están influenciadas por Tijuana No!, porque hablo de cosas que a uno le afectan como ser humano”.

Sobre sus futuros planes de grabar un nuevo álbum comentó que no se quiere presionar mucho porque el último material salió en Estados Unidos a finales de 2010, pero el plan es seguir componiendo pronto.

Endnote

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En portada

Foto UniversalMusic/Andreas Laszlo Konrad

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RITMO, REBELDES

EL LOS

Por DANIEL KOHN

En los últimos años, CSS se han convertido en una de las bandas más comentadas del mundo aunque sus integrantes no lo hayan notado. “Hemos visto las reseñas del principio de nuestra carrera y decían que éramos ‘la banda de moda del 2006.’ ¡Nunca me di cuenta de esto!”, dice la vocalista Lovefoxxx. Los originarios de São Paulo, Brasil, han ganado una gran base de fans internacional a través de giras interminables y álbumes aclamados por la crítica, que finalmente se han traducido en éxito en su país de origen.

La banda, formalmente conocida como Cansei de Ser Sexy, recientemente lanzó su tercer álbum La Liberación, y el proceso de grabación se diferencia de cualquier otro proyecto en el que el grupo ha trabajado. Les tomó casi tres años completarlo; produjeron 24 canciones entre las que tuvieron que elegir, finalmente, las 11 que componen el disco. “Lamentablemente hemos tenido que dejar un montón fuera que nos gustaban mucho”, dice Lovefoxxx. “Sin embargo, lo bueno es que ahora tenemos muchos lados B.”

La Liberación es un paso adelante para el quinteto ya que la conocida combinación de CSS de pop dance, reggae y punk se ha expandido para incluir elementos de indie rock. La participación de varios invitados especiales en el álbum –que incluyen a Ratatat, Bobby Gillespie de Primal Scream y el pianista Mike Garson–, junto con la voluntad de la banda para experimentar con música nueva, ha hecho de este su disco más maduro hasta la fecha.

Filter se reunió con Lovefoxxx en su día libre dentro de su gira en el Reino Unido, donde platicamos de su amor por el arte y lo que diría si tuviera la oportunidad de charlar con la persona “cansada de ser sexy” que le dio el nombre a la banda: Beyoncé.

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¿Qué los llevó a grabar La Liberación de forma tan diferente a los álbumes anteriores?

No fue una decisión consciente. Teníamos mucho tiempo y no había plazos que cumplir ni restricciones por parte de la disquera. Esto lo grabamos durante un par de años y entre un montón de giras.

El no tener una fecha de lanzamiento definida, ¿hizo que fuera más fácil grabar este álbum?

Era muy cómodo, pero al mismo tiempo era muy difícil porque no podíamos dejar de cambiar las canciones. Por momentos deseaba que tuviéramos un plazo para ya terminarlo de una vez. Pero viendo hacia atrás, estoy feliz de que había mucho tiempo.

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¿Planean lanzar todos los lados B? Ya lanzamos algunos. Hay un bonus track en iTunes y hay una canción extra en la versión japonesa. Siempre nos gusta tener material extra porque sentimos que nunca tenemos suficientes canciones.

La Liberación introduce lo que se le puede llamar “rock indie” en un disco de CSS. ¿Qué artistas escucharon durante la grabación del álbum?

No sé de los demás, pero yo estaba escuchando mucho a Dinosaur Jr. Hay una canción llamada “Cat” que no terminó en el álbum, y que sin duda suena a Dinosaur Jr. Queríamos que el conjunto de las canciones fuera coherente con el título. Creo que una canción como “Rhythm to the rebels” representa el sonido del álbum. Hay una mezcla de artistas que amamos como Shakira, Erasure y Built To Spill, que echamos en una licuadora y de ahí salió nuestro sonido.

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Foto Luisa Zá

En portada

Lovefoxxx en Corona Capital 2011 Foto Rodrigo Jardón

¿Qué aprendiste al trabajar con veteranos como Bobby Gillespie, Ratatat y Mike Garson?

Siempre habíamos querido tener invitados y funcionó porque tuvimos tiempo para hacerlo. Por lo general toma mucho tiempo que una persona responda, así que tener tiempo de nuevo funcionó para nosotros. Fue increíble tener a Mike en el piano, ¡ahora estamos a un paso de David Bowie y dos pasos de Iman!

El arte juega un papel muy importante en la definición de CSS como banda, ¿cuál es la inspiración que te atrae a diferentes formas de arte visual?

Me gustan mucho las cosas hechas a mano. Yo antes trabajaba diseñando y cuando alguien de una banda me pedía que hiciera cosas para ellos, me emocionaba muchísimo. No importaba si se trataba de carteles o volantes, todas estas cosas eran originales y divertidas de hacer. ¿Has tenido problemas para traducir el éxito que han tenido en el extranjero a su natal Brasil?

Hemos tenido muchos conciertos [en Brasil], pero nunca fueron tan populares ahí como en el extranjero. Las personas están empezando a notarnos más ahora, porque hablan de nuestras giras internacionales.

Tus letras abordan temas muy personales pero son capaces de tener un significado más amplio para llegar a una mayor audiencia. ¿Es una decisión inconsciente o escribes a propósito sobre las cosas que te han pasado con las cuales se pueden relacionar otras personas?

Estoy 100 por ciento de acuerdo contigo. Nuestros fans han madurado con nosotros y parece que nuestras letras han crecido con ellos. Tenían 16 cuando empezamos y ahora están en sus veintes, que para nosotros significa que no sólo son fieles, sino que se identifican con lo que estamos haciendo.

Está documentado que la banda obtuvo su nombre de una cita de Beyoncé. ¿Has tenido la oportunidad de conocerla?

Una vez, en Japón. Ella estaba con Solange y la vimos cuando salía y grité, “Solange, ¡Te quiero!” Ella comenzó a reír y fue muy divertido. Me encanta Beyoncé. Vi su show en Brasil, es increíble. Ella es especial y me alegra que nuestro nombre se relacione con ella porque es realmente genial.

Culture Collide trae bandas de todo el mundo a Los Ángeles para tocar en un fin de semana ecléctico en una ciudad culturalmente diversa. ¿Qué te emocionó de tocar para un público tan diverso?

Creo que es genial y es muy similar a como es en Brasil. Es chistoso porque todos en la banda somos completamente diferentes y creo que es bueno tener tantas bandas de todos lados y tener un sonido y presencia única. Estoy contenta de ser parte de un festival que mezcla culturas y música, sin embargo, cada elemento es en sí mismo, como una especie de ensalada de frutas.

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Tributo

arte urbano nacional Por ANNA STEPHENS

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Tributo Alexis Mata (Ciler), proviene de San Pedro de los Pinos en la Ciudad de México, y actualmente vive en la colonia Roma.

Mata comenzó su carrera en el arte urbano con la intervención de paredes y espacios públicos de la capital mexicana.

De formación autodidacta y proveniente del mundo del diseño, Ciler desarrolló un estilo único a través de procesos creativos en los que hace observaciones de su entorno. Para Mata, la calle es un gran formato de expresión y considera que todo artista debe experimentar en el arte urbano en algún momento de su desarrollo profesional.

El estilo de Ciler se ha transformado y ha abarcado otro tipo de arte y técnicas como la escultura, fotografía, ilustración, pintura, instalación, collage, dibujo, diseño gráfico y aerosol. Sus obras se caracterizan por una constante preocupación por el ser humano, sus miedos, sentimientos, la locura y la muerte. Actualmente se ha concentrado en el arte visual popular contemporáneo.

Lo grotesco e incluso violento de sus piezas –en constante alusión al humano– hace que lo superficial de una modelo, de una marca de moda, se reinterprete como una reflexión de la muerte y permanencia del ser.

Entre sus muestras más recientes se encuentra “Replicant Memories”, expuesta en Yautepec Gallery, en donde “traza una post-realidad en la cual ambos, cuerpo y mente –el último se enlaza con lo real en una cultura basada en la imagen– se absorben y se refabrican dentro del imaginario del simulacro, como memorias colectivas futuras de un pasado que nunca pasó, un corto circuito masivo del eterno retorno.”

Ciler ha formado parte de diversos proyectos curatoriales, intervenciones en lugares como el Centro Cultural de España, Centro Cultural Border, y exposiciones colectivas en la galería Muca Roma.

Además ha colaborado con Kid Robot, entre otras marcas y organizaciones.

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Reviews

FEIST Metals

Universal Music

84%

Para informar correctamente acerca de las condiciones de un corazón roto se requiere una enorme cantidad de sinceridad y franqueza; y más, si se van a escribir canciones al respecto, es muy importante encontrar el acompañamiento más sincero para fungir como la banda sonora de las relaciones que llegan a su fin. Quien se encarga de llevar estos mensajes de culpa y desamor es Leslie Feist.

Para Metals, Feist y su eterno compañero Chilly Gonzalez y Dominic Dalole (músico y amigo que colaboró en The Reminder), viajaron a Big Sur para la grabación. El tiempo y el contexto fueron clave para los trabajos de Feist –sobre todo si se trata de la relación entre personas y lugares–, y se ven reflejados en su música, donde melodías pop han sido reemplazadas con arreglos de cuerdas y un piano impaciente. Metals no es necesariamente un disco fácil de escuchar, ya que a pesar de que el mensaje se mantiene igual, la forma de expresarlo es lo que ha cambiado. Para este trabajo, Feist tomó el papel de narradora en lugar de ser quien confiese, por lo que es difícil creer que todas esas historias tan acertadas puedan ser ajenas; y si es verdad que todas esas historias se basan en simples observaciones, entonces los comentarios son hechos

trágicamente ciertos (“A good man / and a good woman / can’t find the good in each other”).

Feist explora una vena un poco más gótica a la hora de relatar historias: resucita temas que murieron en el pasado para enfrentarlos en el presente para escalar obscuras y desagradables ramas de árboles familiares, mismos que se combinan con un cuerno francés y un gran coro para surtir el efecto deseado. La naturaleza también cobra vida en las canciones sugiriendo que las trampas de la vida no son únicamente para los humanos: “Cicadas and Gulls” es una canción folk de cómo el escarabajo de las costas tiene que tocar su canción hasta que todos los pájaros vuelen no tan lejos de casa.

El tono y la música de Metals se inclinan hacia lo sombrío y a la vez poético, para comunicar sus palabras a través de un elemento que se completa con la música. A lo largo del disco, Feist abre varios cofres de soledad, errores y la constante lucha con el pasado, pero no es hasta después del sube y baja emocional del disco que uno finalmente puede ver cómo se esclarece el panorama para bien: “Get it wrong / Get it wrong / Get it wrong / Get it right / Get it right / Get it right” BREANNA MURPHY 41 . F I L T E R

obedece al arte ¿Cómo comparar la temperatura musical de hoy en día con la de antaño? Para hacerlo escogimos varias portadas diseñadas con base a las ilustraciones que hizo Shepard Fairey (Obey) a lo largo de los años.

90%

Tom Petty & The Heartbreakers The Live Anthology (2009)

86%

Led Zeppelin Mothership (2007)

82%

Sage Francis Li(f)e (2010)

80%

Anthrax The Greater of Two Evils (2004)

76%

Jello Biafra and the Guantanamo School of Medicine The Audacity of Hype (2009)

70%

Stone Temple Pilots Stone Temple Pilots (2010)

67%

Smashing Pumpkins Zeitgeist (2007)

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Reviews

MASTODON The Hunter Reprise 71% El álbum más accesible –hasta ahora– de Mastodon encuentra a los ATL-iens tan perdidos como siempre –y sin gasolina. The Hunter no es un cometa potente encaminado hacia un destino en específico, sino que sólo flota en el espacio. Los indie rockers que no estén familiarizados con el repertorio de los sludge-slingers encontrarán una luz verde aquí. Puede que confundan esto con una versión más-pulida-pero-de-menor-calidad de algo que Queens of the Stone Age podría haber hecho en sus inicios. Los fans del metal, por otro lado, se molestarán.

KURT ORZECK

BJÖRK Biophilia Universal Music 87% El título de este nuevo proyecto multimedia proviene de la teoría del biólogo Edward O. Wilson sobre la sensibilidad innata de los humanos hacia los seres vivos en medio de una época de aniquilación ambiental y violencia civil. Era de esperarse encontrar hablando a esta diminuta diosa bailarina en terrenos donde la tecnología termina y el arte empieza.

Biophilia es un tributo a cómo los logros humanos pueden intensificar nuestro entendimiento de lo conocible, pero también desconociendo y aterrorizando al mundo natural, el cual hace posible nuestra existencia. Es una obra maestra del anti nihilismo.

KEN SCRUDATO

THE FIELD Looping State of Mind Kombat 84% El hecho de que el título de la tercera producción de The Field se llame Looping State of Mind no resulta comprensible. Sin embargo, lo que en realidad llamará la atención son los patrones que Axel Willner crea en cada canción y que hacen que el disco funcione. Estos paisajes sonoros, casi cinematográficos, no sólo permiten que un corte y otro se entrelacen a la perfección mientras cada uno conserva elementos propios que los diferencian uno de otro, desde el emotivo piano de “Then it’s white” hasta las vocales escasas de “Burned out”. CLARE R. LOPEZ

M83 Hurry Up, We’re Dreaming Mute/Elektra 92% Anthony Gonzalez es un sintetizador humano. Él puede lograr crear canciones inspiradas en My Bloody Valentine, Vangelis, el shoegaze noventero o en películas de John Hughes apropiándoselas como ningún otro artista independiente. Su sexto disco está condimentado con ambientes electrónicos y paisajes de ensueño que se entrelazan en dos discos musical y temáticamente: desde el sencillo “Midnight city” hasta la influenciada por Peter Gabriel en “OK pal”, harán que se desgarre tu corazón como una hoja de papel. Gonzalez ha creado una colección de memorias borrosas, nostalgia, melancolía reflexiva y experimentación pop que le implora al escucha convertirse en las historias y lugares que viven en nuestros sueños. KYLE LEMMON

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Reviews

DJ SHADOW The Less You Know, the Better Verve 87% The Outsider (2006), el desafiante álbum de DJ Shadow, estaba cargado con una producción impecable pero con temáticas que dejaban mucho que desear. Ahora en este disco logra trascender géneros musicales con una experimentación mucho más madura.

Desde cortes instrumentales y sicodélicos como “Enemy lines” y “Sad and lonely” que se parte en dos capítulos, hasta la veloz “I’m excited” (con la colaboración de Afrikan Boy), el espectro musical de DJ Shadow es increíblemente amplio. SCOTT THILL

CASS McCOMBS Humor Risk Domino 82% Cass McCombs es uno de los compositores americanos más prolíficos. Después del emocional Wit’s End, su segunda producción en este año, Humor Risk, es un disco mucho más positivo y con muchas imágenes mentales. Este disco es una mezcla del aterciopelado rock alternativo, americana, blues y folk. Cass McCombs mantiene una energía alta al contrario del disco anterior. Si uno los junta, ambos discos son la continuación perfecta para su obra maestra del 2009, Catacombs. KYLE LEMMON

CLASS ACTRESS Rapprocher Carpark 77% Lo soleado de Los Ángeles no necesariamente inspira cuentos de la paranoia que dejó Ultravox. Aquí encontramos a Class Actress con Elizabeth Harper lamentando horrores contemporáneos como tener que levantar su trasero para ir a trabajar. (“¡Que ya venga el fin de semana!”, dice ella). Aún así, la música está viva con todo su toque synth pop con una orquestación lúgubre y sintética, así como una lúgubre y desfigurada melodía y una base maciza de funk. Ahora se reubicó en Brooklyn, en donde uno desea encontrarse a Carlos D en la librería Ballard con una polvorienta botella de vodka, sin saber cuál será el resultado. KEN SCRUDATO

JUSTICE Audio, Video, Disco Warner Music 85% Los fans de este dueto francés que están esperando bailar ahora tendrán un disco más suave y asoleado. Atrás quedaron “Phantoms,” “Stress” y “Waters of Nazareth”. Ahora tenemos “New lands,” “Parade” y “Horsepower” que sustituyen el terror bíblico que profesaba su primer álbum. Este disco aún tiene conflictos y las referencias barrocas, pero con un toque humano de baterías vivas, guitarras al estilo de Ratatat y sampleos que no necesariamente destruyen el infierno. El resultado es tal vez menos bailable, pero podemos empezar a reconocer su propio sonido. Audio, Video, Disco a lo mejor no pateará traseros, pero le da esperanza al futuro. ZACHARY SNIDERMAN

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Reviews

TWIN SISTER In Heaven Domino 82% Ellos permanecieron el invierno pasado encerrados en una casa rentada de los Hamptons escribiendo su primer disco de larga duración, luego de una serie de EP’s en 2008 y 2010.

In Heaven es lo que uno podría esperar que proviniera de una casa de verano en medio del invierno: soñador y bendito, pero a veces solitario e inquietante. Llevados por el romántico y arrullador canto de Andrea Estella, estas diez canciones permiten que el quinteto de Long Island cruce la distancia de su encantadora mezcla de indie pop que va de los sintetizadores (“Daniel”), funk (“Bad street”) a la abstracción idílica (“Kimmi in a ricefield”).

En el cielo, de hecho. ILANA BERGER TORREBLANCA Bella Época Arts & Crafts México 81% Debemos agradecer que en la escena mexicana hay una gran diversidad de géneros musicales, esto se debe a grupos como Torreblanca, quienes nos han enseñado a escuchar otro tipo de música dentro de lo “indie” al incluir instrumentos como el piano, sax o acordeón. En este primer LP exploran mejor lo que hicieron en su primer EP Defensa. En este disco destaca la comunicación que tienen como músicos, ya que hay unos excelentes arreglos gracias a los coros de Andrea, los metales de “El Tío”, así como el bajo cortesía de “El Abuelo” Zavala, la batería de Jerson y la distintiva voz de Juan Manuel Torreblanca, por lo que nos da como resultado un todo muy bien coordinado. Destacan “Si”, “Lobo” y “Dejé de ser yo”. ANDRÉS DÍAZ THE DRUMS Portamento Univeral Music 77% El EP Summertime! , sumado a su exitoso debut, le dio a la banda la oportunidad de darse a conocer en la escena. Ahora entrega su segundo lanzamiento compuesto por depresión y melancolía bailable. Portamento, un término musical italiano del siglo XVII que denota una diapositiva vocal entre dos tonos (también significa anticipación), tiene sentido como título del álbum, ya que el grupo todavía está en un viaje de transición desde que perdió a su guitarrista y obtuvo una nueva y sutil dirección en su sonido. Su base pop ganó otra capa gracias a que el guitarrista Jacob Graham pasó al sintetizador, esto creó un sonido más completo para que coincidiera con las letras pegajosas inspiradas en la vida mundana de todos los días (“Quiero comprar algo / pero no tengo dinero”). A pesar de la nostalgia en las palabras, hay alegría que pinta un resquicio de esperanza en medio de un futuro algo nublado y poco claro. No hay duda de que tienen tiempo para descifrar adónde van con su música si continúan por este camino de altas expectativas. MARY KOSEARAS EL COLUMPIO ASESINO Diamantes Terrícolas Imbéciles 85% Estamos frente al álbum que definirá el sonido del rock español este 2011, considerando que este año han sonado grandes propuestas como Odio París, Pony Bravo y Hola A Todo El Mundo. Esta producción se caracteriza por su crudeza, sencillez y cierta oscuridad que resulta atractiva y desconcertante para los oídos. Prueba de ello es su potente sencillo “Toro”, el cual tiene una progresión tan deliciosa que no habíamos oído desde “Sea within a sea” de The Horrors. También destaca el cover a “On the floor” de We Are Standard, así como una magnífica versión de “The endless plain of fortune” de John Cale en la canción “cisne de cristal” a cargo de la vocalista Cristina. A sus 10 años de carrera, han creado su primer álbum clásico. ANDRÉS DÍAZ

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Eduardo Caudillo X Remeritas X Filter Magazine 48 . F I L T E R