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Publishers Breakfast Media Héctor Toledo, Carlos Verástegui, Milton Barboza Director Editorial Milton Barboza
milton@filtermexico.com
Editor en Jefe Andrés Díaz Traducción y Redacción Mara Vargas, Anna Stephens, Iván Coronel, Paulina García, Paola del Castillo Corrección de Estilo Berenice Andrade Director de Arte Oliver Barrón Editora Web Paulina García Fotografía Rodrigo Jardón, Óscar Villanueva, Claudia Ochoa Gerente de Producción & Operación Paola Palazón Seguel paola@breakads.com
Ventas Rodrigo de Landa rodrigo@breakads.com
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PUBLISHERS Alan Miller & Alan Sartirana EDITORIAL EDITOR-IN-CHIEF: Pat McGuire MANAGING EDITOR: Breanna Murphy INTERNS: Clare R. Lopez, Bailey Pennick ART ART DIRECTOR: Melissa Simonian CONTRIBUTING ARTISTS & PHOTOGRAPHERS Vincent Peters, Markus + Frode, Marc Lemoine, Mike Bell + Amy Strube, Nicole Nodland SCRIBES Ethan Alley, A.D. Amorosi, Jeffrey Brown, Kendah El-Ali, Jon Falcone, Kevin Friedman, Erin Hall, Lauren Harris, Albert Herter, Mike Hilleary, Patrick James, Jessica Jardine, Taleen Kalenderian, Daniel Kohn, John Laurie, Kyle Lemmon, Clare R. Lopez, Kyle Mackinnel, Nevin Martell, Cass McCombs, Marissa R. Moss, Kurt Orzeck, Loren Auda Poin, Adam Pollock, Jon Pruett, Ken Scrudato, Dom Sinacola, Zachary Sniderman, Laura Studarus, Colin Stutz, Tamara Vallejos MARKETING Corey Anderson, Samantha Barnes, Mike Bell, Sarah Chavey, Andrew Courtien, Tim Dove, Paul Familetti, Samantha Feld, Monique Gilbert, Ian Hendrickson, Alyssa Jones, Wes Martin, Andrea Narvaez, William Overby, Kyle Rogers, Connie Tsang, Jose Vargas For marketing inquiries please email info@filtermmm.com FILTER MAGAZINE IS PUBLISHED QUARTERLY BY FILTER MAGAZINE LLC, 5908 BARTON AVE., LOS ANGELES, CA 90038. VOL. 1, NO. 46, HOLIDAY 2011. FILTER MAGAZINE IS NOT RESPONSIBLE FOR ANYTHING, INCLUDING THE RETURN OR LOSS OF SUBMISSIONS, OR FOR ANY DAMAGE OR OTHER INJURY TO UNSOLICITED MANUSCRIPTS OR ARTWORK. ANY SUBMISSION OF A MANUSCRIPT OR ARTWORK SHOULD INCLUDE A SELF-ADDRESSED ENVELOPE OR PACKAGE OF APPROPRIATE SIZE, BEARING ADEQUATE RETURN POSTAGE. ISSN # 1544-2861 ©2011 FILTER MAGAZINE LLC. ALL RIGHTS RESERVED. FILTER IS PRINTED IN THE USA. FILTERmagazine.com
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T E R M O de lente de cรกmara
Por PAOLA DEL CASTILLO
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Por tercera ocasión, “Moz” regresó a diferentes ciudades del país donde se consagró como un gran artista, aunque no estuvo a salvo de algunos tropezones. Dividiremos esta mini gira de Morrissey en dos partes: la mala y la buena. La primera definitivamente fue una experiencia rara para los que pudieron ver las presentaciones de Monterrey (lunes 5 de diciembre) y la primera fecha en la ciudad de México (miércoles 7), ya que el ex vocalista de The Smiths, cantó algunos temas que terminaron por no emocionar a sus fans. Incluso se podría decir que, fue un setlist que sólo satisfizo a él, dejando a casi todos los asistentes con un sabor agridulce. No faltaron canciones clave como “Meat is murder” o “There is a light that never goes out”, pero no terminó por ser del todo contundente. Tal vez hubo alguna plática por parte de los organizadores con “Moz” para que cambiara un poco las canciones de su show, porque para el jueves 8, en su segunda presentación en El Plaza Condesa del D.F. y el sábado 10 en Puebla, las cosas fueron muy diferentes. Desde “Irish blood, English heart”, pasando por “You have killed me” o “Let me kiss you”, Morrissey logró conectar, ahora sí al cien, con los presentes que en cada fecha llenaron los recintos donde se presentó. Incluso podíamos ver a un cantante más emocionado e incrédulo con la respuesta de la gente que coreó cada uno de los temas. Había gente que pedía éxitos como “Suedehead”, pero para desgracia de muchos es una canción que rara vez canta. Otros salieron molestos por el poco tiempo que duró cada concierto (incluso hubo un conato de pelea al término del primer concierto del D.F. entre público y staff de Morrissey), pero así siempre han sido las presentaciones, incluso cuando vino por primera vez a México en el año 2000 al Auditorio Nacional, el show del inglés sólo duró escasos 70 minutos. Morrissey es uno de los vocalistas más influyentes de todos los tiempos, y como tal debemos respetarlo, pero de igual forma se le debe pedir que complazca con algunas de sus canciones más representativas. Esta mini gira simplemente queda en la larga historia de conciertos de nuestro país por todo lo que vimos y disfrutamos por lo que deben ser puestos entre los mejores de 2011. 6.FILTER
Por IVÁN CORONEL Foto RODRIGO JARDÓN
Desde su llegada a México, Amanda Palmer y Brian Viglione absorbieron a esta ciudad haciéndola suya y convirtiéndose en parte de ella durante un fin de semana, al darnos un concierto de más de tres horas, visitar el mítico Under y rematar con un “ninja gig” sorpresivo en pleno Parque España. Un día antes de su presentación en el Teatro Fru Fru, la banda asistió al concierto de Morrissey en El Plaza, cuya música sin duda fue un elemento presente durante toda su visita, casi un leitmotiv cinematográfico. Una de las primeras señales: Al día siguiente el teclado de Amanda Palmer amaneció con una estampa improvisada de la famosa frase “Je suis Morrissey”. Pocos minutos antes de abrir puertas se sentía una atmósfera especial gracias al entusiasmo de los fans que, siguiendo la convocatoria de Amanda Palmer en Twitter (@AmandaPalmer), llegaron con sus mejores atuendos acompañados de elaborados peinados y minuciosos maquillajes, sin olvidar flores que fueron arrojadas a la banda justo al inicio de su presentación.
El viejo y kitsch Teatro Fru Fru esperaba ansioso por la banda, quien sigilosamente salió al escenario para tocar “Cosmic dancer” (original de T. Rex) que estableció de inmediato un ambiente de intimidad y confianza entre la banda y los fans, llevándolos de un lado a otro como si se tratara de una puesta en escena que iba de la tranquilidad de canciones como “Deliah”, “Sing” o “Missed me”, hasta el frenetismo de “Sex changes” y “Girl anachronism”. Los cóvers desfilaron prácticamente en todos los conciertos, pero pocas veces se había visto una selección tan precisa al realizar reinterpretaciones de canciones de Black Sabbath, The Smiths, Nick Cave, Neutral Milk Hotel, Cabaret y Richard O’Brien. Como toda puesta en escena, el vestuario fue fundamental, Amanda Palmer comenzó ataviada en un kimono que terminó en un corsé, mientras que Brian Viglione vestía un traje fosforescente con su particular bombín, para finalmente quedar con el torso desnudo demostrando ser la base del frenético cabaret punk bostoniano que, irónicamente en el Fru Fru, se sincronizó con el ambiente de cabaret surreal y decadente de “La Tigresa”.
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TEATRO FRU FRU Por ANDRÉS DÍAZ Fotos ÓSCAR VILLANUEVA
El anuncio de la visita de la canadiense a nuestro país se dio desde hace un año, cuando el ahora extinto colectivo Broken Social Scene dio una presentación en el Lunario con Leslie Feist como invitada. Los afortunados de aquella ocasión tuvieron un adelanto de lo que posteriormente fue una realidad al cantar “I feel it all”. Hoy, luego de un año y con un disco bajo el brazo que marcó su regreso discográfico, Feist nos deleitó con una pequeña temporada en el exótico Teatro Fru Fru, que pocas veces se ve tan lleno de vida (y gente) reviviendo sus épocas de esplendor. Con el simple hecho de que la canadiense se haya animado a abrir cuatro fechas, ya era una señal de que había muchas expectativas y emoción por lo que pasaría. Es por ello que decidió traer su show completo con una banda que hasta las mismas Julieta Venegas y Natalia Lafourcade –presentes en la primera noche– desearían tener. El inicio corrió a cargo de Mountain Man, que muy al contrario de lo que su nombre indica, son tres chicas quienes entrelazaban sus relucientes voces para crear diferentes armonías que iban desde un folk americano a cantar a capella. Estas chicas reaparecieron minutos después como apoyo vocal para Feist, quien desde que puso un pie en el escenario estuvo muy interesada en conocer e interactuar con su público al pedirles sus coros o traducciones más coloquiales para palabras que no se encontraban en su pequeño diccionario de bolsillo. En estas presentaciones Feist logró encarnar a la perfección el contenido de Metals, álbum que se distingue por regresar a sus orígenes en donde la sencillez, exactitud y precisión de intensidad de instrumentos y voces lograron que la audiencia inmediatamente se percatara de que era una presentación en laque cada pequeño elemento que se escuchaba no era grabado, sino que una persona totalmente entregada estaba tocando en ese preciso instante. Un momento en el que se hizo notar esto fue con la nueva canción “A commotion”, una joya secreta de su último disco. Para los que aún seguían nostálgicos por The Reminder, Feist les hizo una jugada muy inteligente: entregó versiones totalmente diferentes respetando la esencia de sus canciones, pero compartiéndolas con su banda actual para que se las apropiara; por lo que pareció que estábamos escuchando nuevamente y por primera vez “Sea lion woman”, “My moon my man” o “I feel it all”. Feist siempre mostró su interés por compartir ese momento al hablar con la audiencia, desde dedicarle una canción al fantasma que habita el Fru Fru, invitar a unos dudosos fans al escenario que sólo buscaron tener su “momento Facebook” al tomarse fotos con la cantante, hasta hacer un cierre “de canción de cuna” –como ella misma dijo– con “Intuition”. Dio gusto recuperar un foro y ver cómo se debe a una de las mejores cantantes en la actualidad.
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Por ESAMIPAU!
Después de meses de arduo trabajo y ya con el primer número de FILTER México en la calle, era momento de hacer la presentación oficial de la revista e invitarlos a una fiesta donde pudieran celebrar con nosotros a mitad de la semana... porque somos bien punk. Mientras empezaba a llegar la gente, se invitó a los asistentes a tomarse fotos en la alfombra azul de FILTER México y Dickies para tratar de ganar un outfit –cortesía de la marca– a la foto que tuviera más likes en nuestro Facebook. Para cuando estaba la fiesta en su punto, se abrió el telón de El Imperial para develar a una mujer con una venda ensangrentada en los ojos que entonaba una canción: Descartes a Kant estaba listo para hacer lo suyo. La banda de inmediato se llenó de energía y fuerza para tocar sus instrumentos con la estridencia suficiente y lograr entrar en el personaje que sus atuendos dictaban: muñequitas y soldaditos de porcelana provenientes de alguna empolvada tienda de antigüedades. Los fans de Descartes a Kant de inmediato se hicieron presentes y no dejaron de bailar hasta que la banda terminó de tocar su última canción. Para unirse a la celebración, los chicos de Descartes a Kant invitaron a algunos miembros
Fotos CLAUDIA OCHOA
de Vicente Gayo a subir al escenario, además de Elis Paprika, quien repartió la alegría navideña entre burbujas y bolitas que simulaban nieve. Al terminar la presentación de Descartes a Kant, nuestros invitados ya estaban calientitos y con ganas de fiesta, entonces, después de una breve pausa, la autora de esta reseña subió al escenario para hacer un set que garantizaría mucho baile. Entre “24 hour party people”, “Killing an arab”, “Dreaming of you”, “Private Idaho”, entre otras (muchas), la gente reía, brindaba, bebía y bailaba como si en realidad fuera fin de semana. La fiesta de FILTER México terminó con un DJ set de Milton Sound Machine que mantuvo a los más necios aferrados al inmueble. Probablemente ellos sean los que al día siguiente sufrieron las consecuencias de esa noche más que cualquiera. Así terminó una noche de mucha alegría para el staff de FILTER México. Esperamos que ustedes también hayan disfrutado tanto como nosotros, aunque además de eso, también tenemos que agradecerles por acompañarnos, por ser parte de este proyecto y sobre todo, por unirse a la familia de FILTER México.
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Por BERENICE ANDRADE
Foto ÓSCAR VILLANUEVA
Cuando Emily Haines y Jimmy Shaw comenzaron a interpretar una versión acústica de “Combat baby”, la última del concierto, el Auditorio Nacional sonó como si hubiera estado en su máxima capacidad. Al igual que hace casi cuatro años, cuando a Metric le tocó la mala suerte de tocar el mismo día que Groove Armada en la Alameda Poniente, la banda liderada por Emily Haines no dejó espacios en blanco: tocó con la energía casi incansable de uno de esos grupos coreográfico-musical de los noventa. Abrieron con “Black sheep”, canción que fue parte de la banda sonora de Scott Pilgrim Vs. The World, y siguieron con un set armado principalmente con canciones de Fantasies, cuarto disco de la banda. Fue hasta “Poster of a girl” que el público se contagió de esa energía, y para “Empty” (en la que se incluyó el coro de “Fight for your right” de los Beastie Boys) el público estaba totalmente entregado, sobretodo en “Stadium love”, la cual sonó como si efectivamente hubiera sido tocada en un estadio.
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Al final Emily Haines le pidió al público que la dejaran cantar el cierre de la versión acústica de “Combat baby”, ese que dice: “How I miss your ranting / Do you miss my all time lows?”.
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México se ha convertido en un imán gigante que ha atraído a bandas que tienen una gran trayectoria, además de propuestas emergentes que en unos meses formarán parte de la caravana de festivales de verano. En definitiva, un gran momento es el que vivimos en cuanto a conciertos se refiere y, claro está, además existe la posibilidad de ir a otros países y disfrutar de festivales ya clásicos en los que debemos estar. Por eso te damos a conocer una mini guía de los conciertos que hasta ahora se han confirmado y en los cuales Smirnoff te recomienda estar:
Nota: Por los juegos olímpicos se suspende este año Glastonbury. Así que ya sabes, si de música se trata y Smirnoff te lo recomienda, definitivamente… Be There.
conocer es no excederse 11 . F I L T E R
Por ANDRÉS DÍAZ
Foto RODRIGO JARDÓN
Como resultado de la migración y de la absorción de géneros entremezclados que se ha dado, la música latinoamericana ha dejado atrás muchos clichés al dejar de ser sólo ritmos de salsa o mariachi. Ahora nuevas generaciones de músicos han aprendido a traducir las raíces de la música latina a un nivel más contemporáneo, por lo que lo “latino” ha permeado en la escena independiente norteamericana. “Mi música es latina porque es lo que soy, nunca lo negaría o pretendería que fuera otra cosa porque yo crecí bailando salsa en Miami con mi madre. Pienso que hago música latina contemporánea”, comenta Roberto Carlos Lange, hijo de migrantes ecuatorianos pero criado en Estados Unidos y quien se pone el disfraz de Helado Negro para subir al escenario al lado de un excelente percusionista. Roberto fue firmado por Asthmatic Kitty, sello discográfico donde colabora Sufjan Stevens, gracias a unos remixes que hizo. “Ellos tienen mucho coraje y amor a lo que hacen, ya que editar un disco en estos tiempos de música francesa hecha en África es muestra de que creen en la música”. Canta Lechuza marcó su regreso discográfico, pero para hacerlo decidió aislarse en una cabaña en medio del bosque. “Estar ahí fue la oportunidad perfecta para explayar mi mente y mi música. En un estudio te rodeas de cosas ya
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Diseño LÉMUR LIMÓN
hechas para crear música, en este caso tenía a mi disposición muchos juguetes, por lo que mis pensamientos me dictaron qué podía hacer con ellos”. Este disco representó una inversión de tiempo que se convirtió en una cápsula en la que Roberto se sentía cómodo al escucharlo a solas, pero, según cuenta, cuando alguien más se acercaba se sentía algo incómodo porque fue un proceso muy íntimo para él. “Fue una introversión en vez de extroversión; en mi primer disco (Awe Owe) trataba que todos estuvieran involucrados, en este disco hice todo por mi cuenta”. El corazón del sonido de Canta Lechuza lo encontramos en la canción “Calculas”. “Tardé semana y media en hacerla, me costó mucho trabajo porque traté de crear una estética a partir de esta canción; gracias a ella supe cómo quería que sonara el resto del disco al compartir la misma emoción por lo que se podría decir que el resto son hijos, primos y hermanas de esta canción”. Con respecto al título del disco, el canto de la lechuza fue un mito que él mismo creó como una forma de ahuyentar cosas que lo tenían muy viciado. “Fue como poner barreras a una catedral para evitar que las palomas no se pararan en las fachadas”.
Por ANDRÉS DÍAZ
Este proyecto se derivó de Soho Riots, una ruidosa y explosiva banda que se presentó en el emergente festival MtyMx, que en 2010 llevó a la ciudad regia algunos de los actos de SXSW. “Éramos demasiados en Soho y era difícil ponernos de acuerdo y sincronizar el tiempo de todos para grabar un disco, por lo mismo fue más fácil crear este proyecto porque éramos nosotros dos, nos veíamos diario y porque somos novios”, comenta Lorena Quintanilla (Lorelle), quien junto a Alberto González (The Obsolete) decidieron mudarse de Guadalajara para radicar en la ciudad de México debido al crecimiento que ha tenido la escena independiente. En esas primeras maquetas ambos pudieron verter todas sus influencias de My Bloody Valentine, The Cramps y Black Mountain, y en las que Alberto grababa baterías y teclados, mientras Lorena llegaba con varias ideas de las canciones y tocaba la guitarra y bajo. “En Soho Riots sólo tocaba la batería y yo quería involucrarme en otras cosas, no podía hacerlo porque podía herir los sentimientos de los demás y pensarían que estaba tomando control del proyecto”, nos dice Alberto.
Foto BRUNO DARÍO
Cuando fueron juntando el suficiente material se dieron cuenta de que, de entrada, tenían un propio proyecto al cual bautizaron como Lorelle Meets The Obsolete bajo la influencia de uno de los enigmáticos capítulos de La Dimensión Desconocida y un chiste de Seinfield. Una vez terminadas estas espesas canciones llenas de shoegaze y un reverb que oculta estratégicamente las voces, las empaquetaron bajo el nombre de On Welfare y lo mandaron a algunas disqueras para ser editado y distribuido. La disquera norteamericana Captcha Records –quien también tiene firmados otros proyectos mexicanos como Ratas del Vaticano– fue quien decidió adoptarlos en todo el sentido de la palabra, ya que a pesar de la distancia han estado muy al tanto de lo que han hecho. A la par de que este material debut ha ido evolucionando al ser tocado en vivo en algunos escenarios del D.F. y Guadalajara, decidieron mantenerse activos creativamente grabando más temas, por lo que lanzaron recientemente un EP titulado Ghost Archives previo a su segundo disco, el cual está contemplado que salga en marzo para apoyar su participación en el SXSW. 13 . F I L T E R
Por MIKE HILLEARY Foto MARKUS & FRODE
La oportunidad de hacer algo diferente e intercambiar ideas con alguien que no fue una pieza clave en su pasado musical, es lo que llevó al vocalista de Shout Out Louds, Adam Olenius, acercarse a su compatriota y artista musical Markus Krunegård (de Laakso). “Es difícil juntar a dos vocalistas para trabajar juntos”, dice Krunegård. “Al tener estos egos juntos, debes poner algunas reglas”. Al principio, Olenius y Krunegård establecieron una serie de reglas para grabar entre los dos una sola canción en el transcurso del día. Entre sus políticas, el dúo prometió que tratarían a su tiempo en el estudio como un trabajo de todos los días, por lo que no podía haber trabajo extracurricular fuera del estudio. “Fue bueno que tuviéramos un límite de tiempo para cada día”, dice Krunegård. “Todos los días estábamos un poco apurados, como ‘Oh, mierda, ¡tenemos que grabar la parte del coro!’ Estuvo bien. Porque tenías que trabajar sobre sentimientos instantáneos en vez de analizar las cosas. Creo que ése es el problema con mucha de la música nueva, algunas personas no tienen límite de tiempo”. El LP resultante, titulado Criminal Heaven, está repleto de una alegre y afortunada libertad que normalmente se reservaría a chicos propensos a jugar con amigos imaginarios. Con algunos rastros tomados de bandas como The Stone Roses y Panda Bear, el álbum se divide a sí mismo en capas de texturas brillantes, armonías vocales a dúo y melodías exuberantes y simples. “Queríamos tener un sonido muy juguetón muy inspirado en la universidad”, dice Olenius.
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Inspirándose en himnos religiosos, las canciones de Serenades fueron hechas originalmente para seguir el diseño de un mantra espiritual, repitiendo una sola frase o línea con cambios evolutivos en su entrega. En algún momento, Olenius y Krunegård sintieron durante el proceso de grabación que este tipo de estructura alienaría a la mayoría de los escuchas, y empezaron a construir esas líneas iniciales al mismo tiempo que mantuvieron el sentido general de positividad y alegría de la canción. Con el disco planeado para salir a la venta para la primavera de 2012, Olenius cree firmemente que mientras Serenades se convirtió en una nueva plataforma para dos artistas buscando algo nuevo, Criminal Heaven trata sobre escapar de las normas. “Es sobre viajar muy lejos”, dijo. En relación a ello, Krunegård comentó que las actividades suelen ser limitadas en Suecia. “Hace frío y está oscuro. O haces muchos hijos o mucha música”.
3 ÁLBUMES QUE INSPIRARON A SERENADES A HACER MÚSICA
George Michael – Faith The Gun Club - Fire of Love The Stone Roses - The Stone Roses
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Por MARISSA R.MOSS
A pesar de que Caroline Polachek, vocalista de Chairlift, llega un poco tarde a nuestra cita en la taberna The Pencil Factory en Brooklyn, el hambre no puede esperar y compra una pizza del local de en frente. “¿Quieren un pedazo?”, Polachek pregunta. Minutos más tarde regresa con medio pay y Patrick Wimberly (amigo y multi-instrumentalista de la banda). La razón por la cual tiene tanta hambre se debe a que han estado todo el día en el estudio trabajando en el concepto del video de “Sidewalk Safari”, segundo sencillo del álbum Something. Polachek tiene las uñas pintadas del mismo color del traje que usó para el video de “Amanaemonesia”, una rara interpretación davidlyncheniana del ballet de Maurice Béjart, en donde realiza una rutina de danza moderna, en la cual podemos observar su delgada figura balancearse entre lo sexy y lo inquietante. Esta canción, llena de letras sin sentido, es una antítesis de “Bruises”, pieza que les otorgó algo de fanfarrias populares cuando fue seleccionada para un comercial de iPod. Pero regresando a su nueva canción: ¿Qué es amanaemonesia? “Es una enfermedad inventada causada por la sobre estimulación de navegar en internet que da como resultado el olvido y la irresponsabilidad”, dice Polachek. 16 . F I L T E R
Fotos MARC LEMOINE
“¿La padeces?”, le pregunto. “Viene y va”, responde Polachek. Chairlift es una banda para la generación amanaemonesiaca. Su música moderna de synthpop, se extiende a ambos lados de la electrónica impulsada y experimental con canciones con sonido disperso, que sólo puede existir aquí y ahora, con un guiño nostálgico a sus pioneros de dos décadas atrás. Para Something, la banda se mudó al estudio londinense de Dan Carey (productor de Hot Chip), un lugar del que en rara ocasión salían mientras grababan, a excepción de cuando iban a clubes de hip-hop alemanes. Después de salir de Columbia Records con la edición de Does You Inspire You en 2008, la presión fue menor respecto a un sello grande y mayor por parte de la audiencia que espera a escucharlos nuevamente. Este álbum fue concebido durante las primeras horas de la mañana: “Está cargado de café, porque estábamos en un estilo de vida de adulto; dependiendo del café, trabajando de día y llegando a casa por la noche,” afirma Wimberly quien termina su cigarro y lo tira por la ventana para despedirse con un abrazo, mientras afuera el cielo se oscurece. Polachek se para y se pone su chamarra. “Finalmente”, dice, “se siente como si fuera de noche.”
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Por MIKE BELL
Foto MIKE BELL + AMY STRUBE
Después de la emoción que me dejó el festival Culture Collide de Los Ángeles, el siguiente paso para este neoyorquino fue ir muy al norte del planeta para tranquilizarme en el Iceland Airwaves de Reikiavik. Con más de 100 bandas tocando en los alrededores del centro de la ciudad, el festival subártico me dio un auténtico escape en la tierra de los vikingos, volcanes, manantiales calientes y, por supuesto, buena música. Para empezar, querido viajero, no es tan difícil llegar a esta isla como uno pensaría; el viaje en la aerolínea Icelandair desde Nueva York dura lo mismo que un viaje en autobús a Boston. Debido al reciente colapso económico el precio de todo ha bajado, así que para hacer gastos locales no tendrás que romper el cochinito. La muy barata cerveza Kaffibarinn es más fácil (y deliciosa) de probar que un High Life de cinco dólares en casa, así como visitar la famosa Laguna Azul (un spa geotérmico calentado por capas de lava cercanas) que a pesar de costar en euros, es una visita obligada.
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Por la duración de un fin de semana extendido, el organizado festival presenta una ecléctica muestra de talento islándico como Amiina y la-próxima-a-ser-tu-favorita Lára, así como un cartel diverso estelarizado por Angel Deradoorian (Dirty Projectors), Dan Deacon, Hercules & Love Affair, James Blake, Nive Nielsen and The Deer Children, The Antlers y Toro Y Moi. El escenario FILTER del festival (sí, así se llamaba) empezó el sábado con los locales de The Esoteric Gender y para cuando Neon Indian subió al escenario el lugar estaba completamente lleno hasta el final del día –que fue alrededor de las 4 de la mañana. A esas horas necesitaba algo que comer, por lo que me recomendaron que fuera a un tesoro culinario local en el restaurante más popular en todo Islandia: un puesto de hot dogs llamado Bæjarins Beztu Pylsur con más de 70 años de antigüedad. ¿Quién diría? Algo importante que obtuve de este viaje es un dicho que la gente de Islandia dice: “Si no te gusta el clima, espera sólo 15 minutos porque el sol y la lluvia tienden a alterar varias veces al día con un poco de calor”. Entonces, si no puedes confiarte de los pronósticos de tiempo islandeses, puedes contar con amabilidad local de gente a quien le gusta la buena música y un entusiasta y festivo (por lo menos el fin de semana que fui) estilo de vida. ¡Takk por todo!
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Principales
La cantante de 25 años de edad, que ha forjado el análisis de un público exigente –y de las publicaciones que les gusta decirles qué escuchar– está tratando de resolver el problema de su ascenso a la fama: ¿Dónde termina el personaje y empieza la persona? La respuesta: “Me interesan esas historias”, dice Del Rey al comprender la curiosidad que ha provocado, pero quizá en cierta forma lo admite: “Son algunas de mis lecturas favoritas.” A continuación, algunos hechos sobre ella: Elizabeth Grant nació en la meca turística de Lake Placid, Nueva York, y comenzó a cantar a muy temprana edad en la escuela y en la iglesia. Cuando cumplió 18 años se mudó para comenzar a cantar por las noches bajo el nombre de Lizzy Grant. Desde el principio, Del Rey construyó un mundo en torno a un nombre a través de un alias bañado en lujo. “Pudo haber sido cualquier “cosa”, “dice Del Rey cuando se le preguntó acerca del nombre que escogió, el cual evoca al glamour hollywoodese, los clubes de playa de los años cincuenta y un origen étnico anestesiado. “Pudo haber sido cualquier cosa. Sólo algo hermoso.” Ella comenzó a trabajar en
las canciones que la comprometieron a hacer su álbum debut, arrastrando los arreglos orquestales anclados por beats. Además de las canciones, hizo videos para acompañar a los tracks: “Estaba haciendo versiones aun más escalofriantes de los videos que hago ahora con menor narrativa”, dice acerca de sus primeras obras visuales. Para entender su siguiente paso es importante reconocer que es igualmente una artista visual que una sonora. “Me encanta escribir y cantar, pero normalmente me impresionan cosas, si veo algo bello, lo proceso en mi interior.” Sin una intención clara en mente, Del Rey se puso a trabajar armando un complemento visual a “Video games”, una aturdida canción de amor que suena a una Cat Power vampiresa, o una Hope Sandoval menos tranquilizada. Sobre la historia de una relación pasada de Del Rey, contada en tiempo presente y cargada de nostalgia como si estuviera pasando, dice: “Yo llegaba a casa, él llegaba a casa, y se ponía a jugar juegos de video. Nada estaba mal, y eso hacía que estuviera bien. Se sentía romántico que no estuviera pasando nada horrible, simplemente disfrutar de estar en compañía de alguien.” 20 . F I L T E R
Principales El video en sí es una serie de personas corriendo, cayéndose y enamorándose: “Nunca pensé que sería lo que ayudó a la situación”, dice Del Rey sobre lo que sucedió después. En poco tiempo se encontró con seguidores, un contrato discográfico y un nivel de análisis que nunca pudo haber anticipado al darse cuenta de que el tema de la canción era sobre un momento en el cual carecía de ambición; ahora se está dando cuenta de que con todas las entrevistas y la atención lo que comenzó como un proyecto de arte podría leerse justo como eso. “La gente asume que hubo un salto del 2008 a ahora, que asumí una identidad y una personalidad diferente. Era más bien como un proyecto de arte para mí, no un cambio en mi persona”, dice Del Rey. Ella decidió usarse como una extensión de su música, elegir un nombre cargado de nostalgia y una imagen que parece vista a través de un lente borroso. Tal vez sea por los suaves labios y grandes ojos o porque todavía quedan espacios vacíos en el lienzo que Del Rey comienza a llenar, tal vez es porque tiene un gusto por los sound bites, pero a la gente le ha costado trabajo ubicarla y entenderla. Con el lanzamiento de su álbum Born To Die, Del Rey espera resolver estas preguntas. Escrito en los últimos dos años, el álbum representa esta polaridad. “Siempre he visto la belleza en todo. Creo que ahí viene mi influencia cinematográfica al igual que algunos MCs por la forma en que cuentan sus historias sobre beats fuertes. Necesito el apoyo de algo fuerte y duro para permanecer por debajo de mí misma –es una yuxtaposición muy importante para mí.” Con el lanzamiento de un álbum completo, habrá un mayor análisis sobre la historia Lana Del Rey y menos espacio para los grandes proyectos de arte. Pero a estas alturas eso no le preocupa: “Sé que todo va a estar bien. Soy exactamente la misma persona. Me llevo a mí misma a donde vaya. En realidad nada cambia.”
“Me encanta escribir y cantar, pero normalmente me impresionan cosas, si veo algo bello, lo proceso en mi interior”
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Por ANDRÉS DÍAZ
Fotos cortesía ARTS & CRAFTS
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Podríamos pensar gráficamente en la forma en la que los movimientos musicales comienzan a convivir hasta recubrir a los que los anteceden, al ver los anillos de un árbol partido a la mitad, en donde cada anillo se va expandiendo comprendiendo a los más chicos que a su vez representan una época. Algo así sucedió en los noventa cuando había un tremendo crossover entre la nostalgia de la música de sintetizadores plásticos y los guitarrazos de jóvenes deprimidos.
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En medio de esta transición hubo otro movimiento abanderado por la disquera Elephant 6 que en cierta forma dio pauta al sonido que comenzó a dominar a principios del siglo XXI. Bandas como The Olivia Tremor Control, Neutral Milk Hotel o The Apples in Stereo vieron que más allá de la guitarra, bajo y batería se podían involucrar instrumentos de viento, cuerda e inclusive algunos inventados por ellos mismos, para crear nuevos sonidos y composiciones más armónicas por el rango de instrumentalización. No fue extraño que una banda como Of Montreal se incluyera en este movimiento gracias a la habilidad de Kevin Barnes (mente maestra de Of Montreal y maestro de ceremonias de cada concierto) de hacer música juguetona y divertida que fácilmente va de lo infantil y circense a lo esquizofrénico, cuya influencia proviene de esa simple (pero a la vez compleja) música de Beach Boys o The Beatles que tenían la habilidad de imaginarnos surfeando en playas californianas así como darnos un paseo en campos de fresas con personajes dignos de un cuento de Hans
Christian Andersen. “Era una época en que teníamos en común la inquietud de hacer algo diferente y a pesar de que desafortunadamente fue una ilusión que terminó más pronto de lo que pensábamos, le mostramos a la gente que podía imaginar cosas diferentes con la música”, nos comentó Kevin. Luego de diez discos de estudio, Kevin Barnes ha adquirido la destreza necesaria para volverse un gran organizador de sonidos, tanto así que se ha convertido en el productor de gran parte de la discografía de la banda. Para su última producción, Paralytic Stalks, se retó a sí mismo empujando aún más sus límites sónicos para crear nuevos sonidos y experimentaciones sonoras más desafiantes, por lo que se asesoró con Jon Brion, músico y amplio productor musical que ha trabajado desde Kanye West hasta Brad Mehldau. “Jon me enseñó a trabajar por fragmentos la música para al final crear un gran mosaico atmosférico, es decir, fue como ir creando pequeños ladrillos que a la larga resultaron ser una casa llamada Paralytic Stalks”.
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Afortunadamente para Kevin, el estudio estaba en su casa y como no había una fecha límite de entrega del disco, pudo trabajar en él todo el tiempo posible con jornadas de hasta 10 horas o incluso de algunos minutos. “Me volví muy meticuloso por lo mismo y regrabé gran parte del disco hasta que quedara justo como lo imaginaba. Siento que me conecté mucho con las canciones y transmití muchos significados personales. Como gran parte del disco lo hice instintivamente –e incluso siento que estuve hipnotizado por la música– hay partes que vuelvo a escuchar y me sorprendo por las letras de las canciones que escribí. Tal vez por eso sea menos digerible, pero aún así tiene más texturas y paisajes que anteriormente no me había atrevido a experimentar”.
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A pesar de la complejidad que encontramos en canciones como el sencillo “Spiteful intervention” o “Ye, renew the plaintiff” (en donde compiló varias canciones en una), se sigue percibiendo esa fijación por el pop. Pero regresando a esta involuntaria –hasta donde dejó entrever– exposición de pedazos ocultos de sí mismo, salieron a relucir algunos de una forma cinematográfica y atmosférica en la canción de casi ocho minutos “Exorcismic breeding knife”, la cual probablemente ha puesto el alfiler más alejado dentro del mapa sonoro de Of Montreal. “Este disco ha sido un muy buen ejercicio en el que quería sentirme vivo. En cada canción veo una parte feliz, otras triste, enojada o de dolor de mi ser. Hacer música es como crear arte y estoy contento porque he hecho canciones que se pueden sincronizar con mucha gente en momentos que se sientan al límite de sus vidas”, revela Kevin. De primera impresión, el disco parece una compleja maqueta arquitectónica de un rascacielos diseñado por Gaudí, por lo que construirlo cada noche en su gira que no parará ni un sólo día hasta mediados de abril será una labor minuciosa, mas no titánica: “No vamos a reproducir el disco tal cual. Las canciones se van a ir acomodando solas en los conciertos y van a ir diciéndonos cómo quieren que se toquen. Hemos estado ensayando las canciones desde ahora y haremos algo diferente para presentar este disco al ser más provocativos y visuales, a lo mejor será algo más abstracto pero a la vez será más cautivador”. Esperamos con ansias cómo este ser vivo llamado Paralytic Stalks va a ir creciendo para acomodarse en tu discoteca y en tus oídos. 27 . F I L T E R
Los largometrajes de David Lynch retratan constantemente algo amenazador y perturbador que normalmente combina lo mundano con lo surreal, con lo cual logra llegar a la médula del mal. Mientras el film noir tradicional limitó el tema de la violencia en grandes urbes, Lynch, a través de Twin Peaks probó que el bosque era igual de amenazante que una selva de concreto. Con Blue Velvet probó que ni los suburbios se salvaban de los asesinatos, el incesto, ni las violaciones. Sin embargo no olvidó la ciudad y a través de una trilogía situada en L.A. conformada por Lost Highway, Mulholland Drive e Inland Empire, logró demostrar que este tipo de sentimiento puede ser escalofriante y fascinante al mismo tiempo. Generalmente Lynch deja a un lado la narrativa ordinaria de las películas para dar paso a un punto de vista que se asemeja mucho más a un sueño. Puede ser brutal tanto con sus personajes como con su audiencia, al hacerlos testigos de secuencias tortuosas que aparentemente nunca tienen una solución, pero también es experto en crear escenarios misteriosos de una forma exquisita. Los largometrajes más abstractos de Lynch no están planeados para ser fácilmente digeribles, en su lugar, Lynch prefiere desafiar a la audiencia al dejar que resuelva e interprete las historias por su cuenta. Después tenemos a The Kills, un dúo vampírico al cual sin duda Lynch invitaría si quisiera hacer una
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película amarillista y violenta de un grupo. Su música es la banda sonora perdida de una película de la era de la Nueva Ola francesa; son el equivalente musical de Sailor y Lula de Wild At Heart donde se usan las pistolas y coches en lugar de guitarras y micrófonos. Los labios de la cantante Alison Mosshart sobresalen de su largo fleco que esconde unos ojos tan obscuros que expresan bondad a pesar de que eso no sea lo evidente. La palidez del guitarrista Jamie Hince sienta bien con su estilo de pantalones de tubo, botas y chamarra de cuero clásico de un músico inglés respaldado por sus riffs bluseros. Minimalistas y potentes, The Kills les permitirán escuchar un poco de su arte cerrado y privado, aunque después les vuelvan a dar la espalda para seguir creando; y si les gusta que bien. Si no, también. Recientemente David Lynch diseñó el Club Silencio en Montmartre, París, que se encuentra a seis pisos bajo tierra, y permaneció muy fiel a su estilo al conceptualizar hasta los muebles. También acaba de lanzar su primer disco Crazy Clown Time que es igual de hipnotizante que sus películas. No es raro saber que Lynch y The Kills comparten una atracción pues recientemente el director le preguntó a la banda si estaban dispuestos a tocar en el Club Silencio y de inmediato aceptaron. FILTER se reunió con ellos en esa fecha para conversar con los tres en los confines del club a más de seis metros bajo tierra.
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¿Pueden hablarnos de la vez que conocieron el trabajo el uno del otro? DAVID LYNCH: La primera vez que escuché a The Kills fue en la radio. Después vi su presentación en el programa Live at Abbey Road, y ahí fue cuando me convertí en un gran admirador. Simplemente son una gran banda con muchísimo poder—un poder muy complicado y minimalista; la rudeza en sus guitarras y también su habilidad para tocarlas de la manera más cool. Y a eso hay que agregarle la belleza que aporta Alison. ALISON MOSSHART: Yo lo conocí con Mulholland Drive que después me llevó a una obsesión con Twin Peaks, siempre lo veía en el tour bus. Tiene una estética increíble y los diálogos realmente me llegan. JAMIE HINCE: Yo diría que mi primer acercamiento fue con Twin Peaks. Siento que es algo que siempre ha estado dentro de mí. Siento que él ha logrado crear un mundo real. Lo primero que la gente percibe es lo tétrico y raro de sus películas, aunque la música que usa ayuda a crear una experiencia tanto sonora como visual. Parece que un punto central en el trabajo de ambos son las atmósferas. ¿Cuáles son los ambientes que les gusta crear? HINCE: Siempre me ha gustado el sentimiento de grandeza y triunfo en las canciones, como cuando has estado llorando durante una hora y después de eso sientes euforia. Me gusta contrastar la obscuridad y el cielo despejándose. MOSSHART: También existe el triunfo de cuando tu corazón toma el control y ejecuta una idea mejor de lo que tú podrías hacerlo aunque fueras el mejor
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guitarrista o vocalista. Cuando se logra eso con la música, es ella quien te dice que ambientes crear. LYNCH: Yo me guío más por ideas de las que a veces me enamoro. Cuando tienes una idea, la escuchas, la ves y la sientes y después la traduces. Así que una atmósfera viene de una idea, que más adelante se manifiesta en un sonido o de un color. ¿Podrían decir que el sexo y la violencia son una influencia? HINCE: Tanto en el cine como en la literatura y la música son cosas que los seres humanos gravitan. Tal vez porque son la forma más sencilla de tratar de entender la vida, la muerte y el amor. Además, esos son dos de los instintos o pasiones animales más vitales que aún nos quedan. LYNCH: Toda historia tiene algo de violencia y siempre hay un morbo hacia lo sexual. Estaba viendo cómo mataron a Gaddafi en la tele, y era como una manada de lobos atacando a su presa; era increíble. Es un elemento recurrente en su trabajo. ¿Por qué es un tema tan fuerte? LYNCH: Es parte de la naturaleza humana. Muchas veces ni siquiera intentas integrarla a la historia, solamente es parte de ella; es parte de una serie de sucesos. HINCE: Es algo completamente crudo e increíble ver a dos personas teniendo sexo o ver a alguien siendo linchado. Es extraño. MOSSHART:Es algo que jamás perderá vigencia. Siempre será algo interesante para todas las generaciones.
¿Cuáles son las diferencias entre sus figuras públicas y las artísticas? HINCE: No puedes vivir tu vida de la misma forma que el personaje del escenario. Y no es un personaje tal cual, pero tanto Alison como yo somos algo introvertidos en la vida normal. Cuando nos conocimos, Alison era tan tímida que casi ni hablaba. Pero cuando la vi en el escenario era evidente que se sentía mucho más cómoda. MOSSHART: Creo que debes tener algo de ambos lados para poder ser así en un escenario. Siento que todo lo que hago en mi vida es simplemente prepararme para salir a escena y darlo todo. Siempre termino exhausta y sólo quiero irme a acostar. LYNCH: La gente piensa que soy obscuro, raro y violento, pero en realidad soy como un niño de primaria. Pero existe una contradicción entre aquel niño scout de Montana y el director de películas violentas y perturbadoras. ¿Cómo es que esas dos contrapartes existen? LYNCH:Pues es sencillo: me gusta trabajar, quedarme en casa y registrar mis ideas. A veces me enamoro de ideas que se convierten en películas. Me gusta adentrarme en esos mundos y experimentarlos, lo disfruto mucho. ¿De dónde viene esa obscuridad? ¿Qué lo inspira? MOSSHART: Si pones atención, está en donde quiera que vayas, no es tan difícil de encontrar. Solamente depende de qué tanto estés dispuesto a ver. HINCE: Soy observador y entrometido. Me gusta lo sucio que hay detrás de las cosas Con eso en mente, describan el Club Silencio para alguien de fuera. MOSSHART: Cuando entré, sentí como si hubiese entrado a un pasadizo secreto. Es increíblemente hermoso. Hay mucho oro y espejos y es algo obscuro. Hay muchos libros y lámparas pequeñas. Es muy curvilíneo. LYNCH: Todavía no conocen el lugar entero, estoy esperando a que Alison vaya al baño. Estoy muy orgulloso de ese lavamanos. HINCE: Es una obra de arte. Hay diferentes atmósferas en cada rincón, y es hermoso ver un club que no está diseñado como los demás. La gente vendrá porque es muy bello, como de ensueño. ¿Un club nocturno con una biblioteca? ¡Vamos! ¿Hay algo que les gustaría preguntarse entre ustedes? HINCE: David, ayer recibí tu disco y comencé a escucharlo. Después lo escuché otra vez… y otra vez. Las canciones son como pasajes sonoros con muchas capas. ¿Cómo fue que lo empezaste? LYNCH: Todo es un experimento. No toco la guitarra de una forma ordinaria. Dean [Hurley] y yo empezábamos a improvisar o a veces usábamos letras que ya tenía escritas —a veces llegan después de la música. Es un mundo muy bello el de la música. HINCE: ¿Crees que el proceso de plasmar una idea en una canción es similar con las películas? LYNCH: Creo que la pintura es más cercana a la música que el cine. Para el cine generalmente tengo una idea y el guión se elabora con base en eso. Pero la pintura es una acción que provoca una reacción. Lo mismo con la música, crece basado en reacciones de lo que acabas de crear y eso te da pie a lo que sigue.
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Parece que “Somebody that I used to know” de Gotye será una de las canciones más versionadas de este año (tal cual pasó con “Rolling in the deep” de Adele en 2011). Gracias a su simplicidad y coro contagioso, la canción captó la atención de Robbie Furze y Milo Cordell para ser los siguientes en elegirla como tema para coverearla. La ocasión: interpretarla en vivo para el programa de la BBC Radio 1’s Live Lounge en donde tendrán sólo una oportunidad para presentarla frente a miles de personas, por lo que los nervios y la incertidumbre inevitablemente llegaron ante la idea de interpretar mal un tema ajeno. “Me encanta tocar en vivo, pero esta presentación me tiene muy asustado en estos momentos. Es una canción de alguien más, es en vivo y sólo tengo una oportunidad, si sale mal lo escucharán como cuatro millones de personas. Es mucha presión tocar un tema por primera y única vez frente a millones”, cuenta Robbie desde su estudio después de ponerle play a un pequeño fragmento del cascaron de sintetizadores que tienen hasta el momento. Por un lado se siente cierta inseguridad sobre si van por el camino correcto, por el otro, es inevitable imaginar a un niño pequeño mostrando emocionado su nuevo juguete, resaltando ese particular sentimiento de un músico al crear una nueva pieza. “Primero nos encargamos de hacer los beats, sintetizadores y todo eso. Después pasaremos dos o tres días ensayándola, tratando de descifrarla junto a una banda y en una semana la tocaremos en vivo”.
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Robbie se encuentra en su estudio en el sótano de la parte trasera de su casa en Londres, un lugar donde pasa gran parte de su tiempo, creando música sin interrupciones (casualmente, a favor de su creatividad –y en contra de las entrevistas por teléfono– la señal telefónica en ese lugar es deficiente). Fue en este pequeño estudio donde Future This fue creado, en la comodidad e intimidad de su casa, lejos de la majestuosidad de los legendarios Electric Lady Studios de Jimi Hendrix en Nueva York, por los cuales pasaron figuras de la talla de John Lennon, Led Zeppelin, David Bowie, The Clash y donde The Big Pink grabó su álbum debut. “Escribimos todas las canciones en el estudio de mi casa. De hecho lo hicimos bastante rápido porque teníamos un conjunto enorme de canciones –y de ideas– sobre cómo queríamos que sonara. Además estábamos muy felices de grabarlo en casa, porque llevábamos casi tres años fuera. Fue muy bueno estar aquí, junto a nuestras mascotas y cerca de nuestras familias. Lo tratamos como un trabajo formal, y aunque seguíamos con nuestras vidas le dedicábamos mucho tiempo, sobre todo en las noches, cinco días a la semana. Realmente nos gustaba estar ahí y convertir todas esas ideas en realidad”.
Llegaron a los reproductores digitales y a adquirir cierta fama gracias al contagioso coro de “Dominos”, canción que rápidamente fue usada en anuncios publicitarios, series de televisión y convertida en casi un himno, de esos que pueden ser coreados por estadios. “No sé realmente qué se necesita para que una canción sea considerada un himno. Supongo que debes de poder identificarte con la letra. Es muy importante mantener las cosas simples. Creo que mientras más compliques la letra y la música, puedes acabar diluyendo el mensaje. También necesitas tener suerte”, bromea el cantante con cierta ingenuidad, denotando que ni siquiera ellos mismos están completamente seguros de por qué su sencillo explotó con tal magnitud. Sin embargo, en este nuevo material discográfico caminaron por esa misma senda, buscando mantenerse en la línea de canciones ideales para musicalizar desde una fiesta a altas horas de la madrugada hasta enormes campañas publicitarias. Su arma secreta: Paul Epworth. El brillante productor de fenómenos pop como Adele y Friendly Fires ya había metido su cuchara anteriormente en los temas “Dominos” y “Stop the world”, pero esta vez se convirtió en el guía de tiempo completo del dueto británico en su camino hacia el futuro.
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“Esta vez queríamos trabajar con un productor para todo el disco. Queríamos hacer una especie de disco pop artístico y él es la persona indicada para ello. Tiene la mezcla perfecta de música rara, abstracta y electrónica con una sensibilidad especial hacia el pop y su estructura. Ha trabajado con muchas estrellas pop y sus antecedentes son muy variados. Nos hizo mucho sentido trabajar con él. Además sabía de dónde veníamos con nuestro primer disco”. Para su primera placa, los ingleses optaron por trabajar solos produciendo ellos mismos sus temas, lo cual fue una tarea familiar para Cordell ya que su padre, Denny Cordell, fue responsable de producir grandes éxitos de los sesenta y setenta para Procol Harum, The Moody Blues, Joe Cocker, entre otros. Sin embargo, lograron una buena mancuerna con Epworth, tal vez inspirados por la fama y éxito que les trajo su sencillo más conocido. “Probablemente los momentos más memorables del disco fueron originados por haber trabajado con Paul. Los momentos más emocionantes eran cuando lográbamos encontrar los coros para las canciones, en específico recuerdo cuando sacamos los coros de “Rubbernecking” y “Give It Up”. Escuchábamos varias veces los demos sin saber hacia dónde ir y Paul nos decía de pronto qué hacer y lográbamos terminar las canciones”.
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En general no hay un gran cambio entre A Brief History Of Love y Future This: el dúo se mantiene en la misma zona que exploraron anteriormente, disfrutando del lugar en donde se encuentran. ¿Qué si la mezcla de techno y rock sólo funciona a la larga si eres Radiohead o Beck (como escribió hace unos años Pitchfork sobre The Big Pink)? “Creo que hemos probado lo contrario. Creo que hay situaciones difíciles de lograr como mezclar bien una batería eléctrica con una batería en vivo… pero me parece que lo hacemos bastante bien”. Se mantiene cierta familiaridad entre “Dominos” y “Stay Gold”; las canciones mantienen la simplicidad y carisma que mostraban los tracks de su anterior producción. “Es importante ser sutiles. Nuestras canciones son muy sencillas, pero a la vez están compuestas por muchas capas y detalles. Es como pintar un cuadro; aunque la esencia del cuadro sea muy simple, si te puedes identificar con la imagen y retratar lo que quieres, eso es lo importante.” Y probablemente esa es una de las principales cualidades de esta banda: su sencillez y actitud positiva, evidentes en el tono atento y amigable con el que Robbie contesta a las preguntas (aunque para este punto se escucha como si fuera manejando en coche), ese tono que te hace sentir como si
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fuera alguien transparente, que conoces desde hace años. Canciones como “Hit the ground (Superman)”, “Jump music” y “Lose your mind” reflejan esto. “Somos gente muy positiva. Nos gusta hablar en nuestras canciones sobre creer en ti mismo en la vida, y este disco es como una celebración acerca de esas ideas. Somos personas felices y queremos expresar eso. En general el disco tiene esta idea central de ser fuertes, mantenerse unidos y lograr lo que quieres”. Robbie y Milo se dejan llevar por sus corazonadas, dejan fluir sus decisiones sin darles muchas vueltas. Su disco no es, ni pretende ser, futurista. El nombre proviene simplemente de otra casualidad espontánea. “Nos gustó el juego de palabras. Milo sacó la frase de un viejo anuncio de patinetas que se encontró, no sé dónde. Es como decir que esto es nuestro futuro actual, nuestro nuevo disco”. El momento más personal de Future This se presenta en la forma de un tema que habla sobre la muerte: “77”, el cual hace alusión a 77 maneras de decir adiós. “Es de Milo para su hermano Tarka, (productor, escritor y músico quien se suicidó en 2008). Milo leyó en la canción un extracto del libro Ask The Dust de John Fante, el cual también leyó en el funeral de su hermano. Fue un pequeño tributo que le hicimos”. Además, otra pieza literaria inspiró otro de los temas; “Stay gold” viene de la frase “Stay gold, Ponyboy” del libro de S. E. Hinton The Outsiders (llevada después al cine por Francis
Ford Coppola). “Es sobre encontrar la luz a través de la oscuridad”. En cuanto a su canción favorita del disco, Robbie cuenta que se trata de la más diferente de los diez temas del material. “Me gusta mucho ‘Lose Your Mind’. Usamos un sampleo de Siouxie & The Banshees para ella y tiene una vibra muy ochentera y pop pero a la vez tiene una esencia garage. Además es la única canción a la que le he incluido un solo de guitarra. Nunca me había atrevido a grabar uno, pero por fin lo hice y fue divertido. Si no metes bien un solo puedes arruinar la canción pero me parece que quedó bien”. En la recta final de nuestra conversación, Robbie insiste que quiere regresar a México para volver a tocar en un escenario mexicano después de aquella primera presentación que tuvieron en el Indie-O Fest de 2010. “Me encantó tocar en México. He ido varias veces de vacaciones porque me encanta el país; me cae muy bien la gente y amo la comida mexicana. ¡Por favor llévenos de regreso a México!” Contrario a lo que Robert Frost diría en el poema Nothing Gold Can Stay, The Big Pink parecen declarar con esta nueva placa que son plenamente felices con lo que han logrado hasta llegar al punto donde están ahora. ¿Volverán a escalar a la cima? ¿Caerán abruptamente? El futuro es incierto, pero ellos no tienen miedo construyen su futuro disfrutando cada paso que dan en el presente.
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Pรกg.
Por ESAMIPAU!
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Foto GILBERTO HERNร NDEZ
Originario de Monterrey y residente de varias partes del mundo, Jaime Martínez es uno de los artistas más prometedores de este país. Tal vez varios de ustedes no ubiquen su nombre de inmediato, pero si les damos la pista de que él fue el responsable de esos geniales gifs en 3D que M.I.A. usó para promover su tercer disco /\/\/\Y/\, es probable que emitan un pausado pero prolongado “Aaaahhhhh”; pero sepan que el talento de Jaime va mucho más allá que tan sólo las fotos hechas a la británica. Como toda persona apasionada por las artes, Jaime cuenta que desde siempre quiso dedicarse a la fotografía. Como todo inicio en esta profesión, Jaime mandó su portafolio a bastantes galerías sin recibir respuesta, “hace algunos años estaba obsesionado, pero me estresé mucho y casi todas las galerías a donde iba no me hacían caso, y no contestaban mis mails. Entonces pasé de eso a relajarme y nunca volví a pedir que me dejaran exponer en algún lado y empecé a concentrarme en hacer cosas; la gente lo vio y fue al revés, ahora ellos me están buscando para invitarme a exponer. Entonces creo que no debería preocuparme por hacer algo, sino por sacar lo que tengo, que es mi inquietud por sacar ideas”. Es esa necesidad de crear, explorar y experimentar la que ha llevado a Jaime a no querer encasillarse en un solo formato. De hecho, su inquietud por el video se inició al mismo tiempo que la fotografía; desde los 18 ya experimentaba con una cámara de
cinta. Dejó el video a un lado por un tiempo, hasta que en 2005 con su cámara digital lo retomó, y es que dice sentirse atraído por este formato, pero no siente la misma confianza como con sus fotografías. No obstante, se muestra ansioso por dejar atrás esa inseguridad, y tal vez esta razón lo llevó a realizar dos videos musicales para bandas mexicanas: Mentira Mentira y Lorelle Meets The Obsolete. Estos videos surgieron por un interés genuino de Jaime por ilustrar las canciones de los proyectos de sus amigos que más le gustan. “A partir de los gifs me entró mucho más la inquietud del movimiento de la imagen. Ese es un punto medio entre la foto y el video, esto me está llevando a querer alargar su tiempo a través del video. Este año me quiero dedicar más a él, y dejar en pausa los gifs. No quiere decir que vaya a dejarlos completamente, sólo hacerlos a un lado de momento.” Jaime es un tipo cuya sola presencia te hace querer guardar silencio y escuchar lo que tiene que decir. Todo lo que expresa Jaime Martínez habla de una persona sensata que es completamente sensible a lo que su necesidad por crear le pide. Y si bien por momentos prefiere reservar sus palabras, para tener una conversación con él tan sólo es necesario contemplar sus imágenes. Ya sea foto fija, en movimiento o gif, Jaime habla con los ojos, por medio de composiciones en exterior o en interior, que en cuanto se crucen por la vista del espectador, éste comprenderá todo lo que Jaime Martínez quiere decir.
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Por ANDRÉS DÍAZ
“Me gusta tanto el hip hop cuando es tonto y estúpido como cuando es activista, del tipo que hizo Public Enemy; no importa si se trata de hacer algo serio con este género, el objetivo es lograr comunicarlo”, nos comentó Josh Davis en su pasada visita a México. Y vaya que su opinión cuenta, ya que lleva más de 20 años usando las tornamesas como instrumentos, además de que le tocó vivir la época dorada del hip hop a finales de los ochenta y ver cómo este género ha pasado por diferentes facetas: desde la política a la meramente divertida.“También hubo mucho rap político malo porque había muchas bandas que querían copiar el intelecto de Chuck D, el ingenio de Flavor Flav o simplemente sus habilidades musicales, lo que no sabían era que cada elemento tenía una función esencial que los hacía perfectos. Hoy en día la técni40 . F I L T E R
Fotos cortesía UNIVERSAL MUSIC
ca en el hip hop ha mejorado. Soy muy fan de Kanye West porque se mantiene firme en sus convicciones, ya que hoy en día internet hace que todos marchemos al mismo paso y dirección. Él es uno de los pocos humanos entre un mundo de robots”, nos comenta DJ Shadow. Josh tiene un muy envidiable y amplio registro discográfico gracias a que ha recolectado viniles por más de 30 años, por lo que al comenzar a trabajar en nueva música es como hacer una excavación profunda en donde encuentra tesoros que sabe que nadie ha descubierto. “Si un crítico descubriera un sampleo de los miles que utilizo, lo consideraría muy inteligente porque hay demasiadas cosas que vienen de materiales que nunca se editaron”.
Después de haber hecho discos como Endtroducing… o The Private Press se dio cuenta, a partir de la colaboración que tuvo en el disco de UNKLE, Psyence Fiction, que invitar a alguien más en su trabajo daba unos resultados muy interesantes ya que hacía que su música evolucionara. Con Outsider quiso regresar a la modalidad de hacerlo todo él mismo, incluso The Less You Know, The Better iba a ser totalmente instrumental, pero a última hora decidió que muchas canciones funcionaban mejor si involucraba a alguien más. “Originalmente no quería que fueran tantos invitados, pero a final de cuentas entraron algunos conocidos y nuevos amigos que no solamente colaboraron, sino que se engancharon al proyecto. Pude haber buscado sampleos vocales, pero había canciones como “Warning call” que necesitaban voces porque sólo así sería una mejor canción”. El ejemplo más claro de cómo ha desarrollado la amistad a través de la música es Little Dragon, ya que conoce a Yukimi Nagano desde hace varios años, incluso desde antes que estuviera en este proyecto.“Me gusta la banda y establecí una relación con ellos más allá del trabajo. Cuando colaboró con Gorillaz me sentí celoso porque quería hacer algo similar, pero cuando escuché lo que me mandó para la canción “Scale it back” era algo diferente y encajaba perfectamente con lo que quería”. Regresando a la labor como creador de sonidos a partir de sampleos, la charla recayó en “Otis” de Kanye West y Jay-Z, la cual posiblemente contiene el sampleo más caro en toda la historia de la música al incluir “Try a little tenderness” de Otis Redding, por lo que al preguntarle a DJ Shadow cual utilizaría sin importar lo que valiera nos dijo: “Es una auto censura que me impongo porque sé que habrá muchos problemas si uso uno que de antemano no tengo el permiso, es por eso que evito a los grandes nombres; por ejemplo, “I’m excited”, la colaboración que hice con Afrikan Boy, la tuve que quitar del disco porque estábamos en el proceso de que nos aceptaran la autorización”. Hoy en día al hablar de DJs también aparecen nombres de mashuperos como Girl Talk, el cual dista mucho de la labor de un DJ por hacer un trabajo más “quirúrgico” al crear las canciones: “Para mí los mash ups son como la comida rápida de la música. Hacerlos es muy cansado. En el hip hop no es algo nuevo, son sólo combinaciones que involucran una habilidad para que funcionen dos melodías o voces diferentes por medio de una computadora. No estoy diciendo que gente como Soulwax, 2ManyDJs o Z-Trip sean poco creativos, al contrario, han hecho cosas interesantes pero a mí no me traería mucha satisfacción creativa hacerlos”. Con respecto a la oleada dubstep, considera que es uno de los pocos géneros que ha sido bien explotado y que ha sobrevivido entre tantas tendencias. “Posiblemente haya alguna influencia en este disco, pero personalmente no escucho algo en mi discografía que suene así. Entre más experiencia tengas, podrás tener más herramientas para combinarlas, el dubstep es sólo una de 50 que he ido incluyendo a lo largo de mi carrera”. 41 . F I L T E R
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THE SMITHS Complete [compilation] Rino
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At the record company meeting… / Oh, the plans they weave / And oh, the sick eninggreed.—“Paint a Vulgar Picture” Complete. Es un golpe maestro porque recolecta el material de The Smiths que necesitas tener… que es todo. Si faltara sólo una canción te sentirías engañado. Hay una versión digital de este lanzamiento para los incultos, CDs para los fans y viniles para aquellos que leen poesía en cementerios. ¿Por qué? Punto. No hay otra entidad musical que haya estado cerca de representar un diseño tan literal para vivir. Más que definir una era musical, hicieron la concepción de l’art de vivre para una generación entera que se opone a los repugnantes mensajes de conformistas que fácilmente podrían golpearlos por sus peinados, sus ediciones rústicas de libros de Camus, por una gladiola que sale del bolsillo trasero de sus jeans. The Smiths. Confundidos por miserables vendedores ambulantes gracias a despistados pontífices, en donde irónicamente hicieron música gloriosa. “Meat Is murder” volvió los derechos animales en un fenómeno cultural. “The Queen is dead” retrata a Su Alteza Real con su cabeza en un cabestrillo. (“It sounds like a wonderful thing!”). Y “Shop lifters of the world unite”
le da a un insignificante crimen su elogio correcto. Morrissey. Él posiblemente sea el maestro que une millones de almas (“I am human and I need to be loved…”), pero si no tienes el suficiente humor no podrás entenderlo. “Sweet and tender hooligan”, “Vicar in a tutu”, “Bigmouth strikes again”… el fantasma de Oscar Wilde se ha de haber erizado por celos gracias a su habilidad y veneno lírico. Johnny Marr, Mike Joyce, Andy Rourke. Ellos conjuraron el drama sónico de la falta de esperanza de la Inglaterra de Thatcher. Marr escribió melodías y ritmos en la guitarra así como Nabokov escribía oraciones. Tiene la música más triste (“Reel around the fountain”), la más brillante (“Barbarism begins at home”) y el pop más tormentoso (“There is a light that never goes out”) jamás hecho. Complete. Es, de hecho, el único documento histórico aceptable del fenómeno incomprensible de The Smiths. No retoma sólo a la banda, sino documenta el fin del ideal de juventud, una creencia valiosa de cómo la música podría ser un estandarte en contra de la última catástrofe y derrota de la asimilación social. Complete. Ahora ya sienten lo que Juana de Arco llegó a sentir. KEN SCRUDATO
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De sur a norte y de este a oeste, los grupos conformados por sĂłlo dos integrantes siempre han existido, aunque no todos han sido talentosos. Decidimos buscar a las mejores duplas y parejas para hacer un debate de los integrantes que van desde los socios perfectos a los mĂĄs inestables en la historia de la mĂşsica.
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GARY NUMAN Dead Son Rising Self-released 83%
DAVID LYNCH Crazy Clown Time Sunday Best/Pias 80%
LOU REED AND METALLICA Lulu Warner WTF%
Desde que la música hecha por bandas jóvenes puede ser categorizada como “acústico cariñoso”, “electrónico cariñoso” o “retro cariñoso”, parece que recae sobre los hombros de un músico renombrado hacer discos que no suenen a Paul Simon. Gary Numan, conocido por su “aún-sigue-sonando-moderno” hit “Cars”, ha estado editando álbumes consistentes desde finales de los setenta. Dead Son Rising es un experimento oscuro que nos recuerda por qué Trent Reznor es su fan; voces como si fueran suspiros sobre un piano con notas bajas siempre funcionarán si quieres que tu resultado deseado sea “escalofriante”. La canción que abre (“Resurrection”) canaliza la sintética violencia de The Prodigy, aun así hay muchas canciones bailables y momentos melódicos que dejará a los mayores de 40 años recordando sus noches en los clubs. La gira del aniversario del disco The Pleasure Principle comprobó que Numan no está tan lejos de estar fuera de moda, incluso comprueba que sigue en aumento. ADAM POLLOCK
David Lynch no es lo suficientemente raro. Por lo menos no lo demostró en su primer disco como músico. Esperarías que hubiera secuencias con cerdos, zumbidos de instrumentos de dentistas o detonaciones de armas de fuego. Aun así, estas canciones tienen ritmos y melodías y, en algunos casos, se adhieren a la estructura de verso-coro-verso. Angelo Badalamenti le proveyó a Lynch música inolvidable y cautivadora para sus películas. Crazy Clown Time es un intento de Lynch por igualar su habilidad de compositor al de director. (Posiblemente haya más halagos a Badalamenti que a Lynch). Cuando no usa su vocoder del estilo de Kraftwerk, la voz de Lynch luce herida e intrigante, particularmente en “Football game”, en el que seguramente se inyectó novocaína en el rostro. El álbum como un todo no es tan loco o divertido como sus fans esperarían. Aun así cuando él decide cantar, debemos escucharlo. KURT ORZECK
Es difícil tratar de explicar Lulu sin que alguien lo escuche completo, por lo que los datos duros funcionarán mejor: Un Lou Reed maduro escribe un montón de canciones inspiradas por una par de obras alemanas de 1900 sobre una bailarina que fue abusada, luego Reed junta a los iconos de heavy metal de Metallica para ponerle música. Desafortunadamente es un disco que no hará felices a sus fans de antaño. Como un disco concepto, requiere más pensamiento que el contexto que la mercadotecnia pudiera promocionar de esta colaboración. Un problema que Lulu tiene es que, para que realmente funcionara, Metallica tuvo que haber dado sus mejores canciones posibles, pero no pudieron o quisieron hacerlo. Tampoco sirve que la duración promedio de cada canción sea de nueve minutos… Después de cinco minutos de Reed y James preguntándose “¿Por qué me estafo a mí mismo?” (en la canción que sorpresivamente se llama “Cheat on me”/”Me estafo a mí mismo”) el escucha desea que supieran el por qué, pero la canción no está ni a la mitad de su trayecto. Aun así Reed canta –o mejor dicho dice– en “The View”: “I attract you and I repel you/Yo te atraigo y yo te repelo.” Hay algo en Lulu que es intrigante, sólo lo descubrirás si soportas el tiempo para escucharlo. JEFFREY BROWN
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Una de las disqueras que le dieron un gran empuje a la música electrónica en México desde inicios de este milenio fue Static Discos, quien este año llega a su primera década de vida. Para celebrarlo decidieron editar esta recopilación, el número 40 en su historia, de algunas piezas que han sido las más representativas en su historia. Entre las sorpresas que encontramos es Fax con su canción “Impala”, Kampion con “Moscomonoblock”, Macario con “Algunos Días Son Largos” (que tiene una influencia muy marcada al Vangelis de Blade Runner) y VARIOS ARTISTAS el minimalismo de AAM con “Motorik Bitch (Cubenx’s Deep Rework)”. Muy Residual Stock Static Discos recomendable para los que gustan del electrónico ambiental que para nada llega 82% a terrenos para “antrear” ni a lo suficientemente abstracto para escucharse sólo en galerías. ANDRÉS DÍAZ
No hay duda de que si hay algo que Lindstrøm domina es la pista de baile. Antes de terminar el año, el sencillo “De Javu” fungió como carta de presentación para un álbum de disco house cósmico que en tan sólo 7 tracks los hará bailar tanto que quedarán exhaustos. Éste es un claro ejemplo de que una buena producción no necesita tener más de 10 temas, ni arreglos musicales dignos de una orquesta sinfónica para que sea de calidad. No hay un solo momento en Six Cups of Rebel que Lindstrøm deje que el escucha pierda el interés; todo lo LINDSTRØM contrario para el track 5 la emoción es tal que cuando entra el beat en acción Six Cups of Rebel recordarán porqué nuestros ancestros bailaban hasta el amanecer. ESAMIPAU! Smalltown Supersound 90%
El músico y productor canadiense, terminó con 2011 su trilogía de mixtapes que se convirtieron en todo un suceso. Primero fue House Of Balloons, luego Thursday y ahora Echoes Of Silence, el cual acapara la atención ante el gran trabajo creativo que contiene. En todo momento se escucha ese R&B bien logrado que le ha dado a The Weeknd reconocimiento en poco tiempo y que deja más que claro que su carrera, aunque joven, apunta para ser una de las más respetadas de esta década. Maravillosas resultan canciones como “Montreal”, THE WEEKND “Same old song”, el primer sencillo, “Initiation” y la que le da nombre al disco, Echoes Of Silence Independiente que de igual forma cierra con broche de oro este trabajo redondo de nueve 78% temas. MILTON BARBOZA
JUAN MACLEAN Everybody Get Close DFA 76%
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Con el eje de la DFA, James “LCD Soundsystem” Murphy, medio retirado del juego, es momento de que, con toda la intención, los actos como de The Rapture y John “Juan” Maclean pongan orden a las pistas de baile. En su mayoría, Everybody... trata sobre cortes remasterizados, remixes y tomas poco escuchadas de sus previas sesiones eléctricas. Si no has oído esas grabaciones (el pop llamay-responde de “Find a way”; la canción techno-mecánica “The robot”; o los pitidos dub de “Deviant device”) el esfuerzo de Juan Maclean y Nancy Whang es tan nuevo como suena. Este olvidado hermano de la familia DFA ha producido beats tan innovadores como cualquiera que haya hecho Murphy, y canciones como la que le da el nombre al disco probaron por qué su funk curvilíneo tiene inspiraciones de Roger Troutman. Aparte de eso, Everybody... vale la pena sólo por escuchar “Fell so good” de la serie de DJ Kicks con beats grabados por el baterista Jerry Fuchs. A.D. AMOROSI
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La primera vez que tomé fotos al dueto francés Kap Bambino fue la primera vez que vinieron al D.F. a finales del 2007. Me sorprendió mucho la potencia y energía de su acto porque no lo esperaba de un grupo que no fuera de rock ni punk precisamente, sino uno más electrónico. Emocionaban tanto como si hubiera guitarras y baterías en el escenario. Desde ese momento se convirtió en uno de mis grupos favoritos para fotografiar en el escenario. En 2009 tuve oportunidad de verlos nuevamente en el festival SXSW en Austin donde conocí a Caroline y nos hicimos amigos. Poco después me escribió para pedirme un par de fotos de ese concierto para ilustrar el arte de su penúltimo LP, Blacklist. Esta foto se las tomé la última vez que vinieron al D.F., a finales de ese mismo año, donde me invitaron a tomarles fotos desde el escenario.
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