FILTER México #5

E DI T O R I A L EL RETRATO DEL MES Andrés Díaz Editor en Jefe

Si el tratar de comprender qué está pasando en la música es cada día más difícil como melómano, imagínense cómo será como músico. Día a día jóvenes de menos de 20 años pueden ser tan innovadores que con sólo un par de canciones en Soundcloud pueden poner a temblar la carrera de artistas consolidados. Es por ello que la labor de una publicación musical es dar un retrato de lo que está pasando a través de los ojos de quien escribe, pero sobretodo saber escuchar.

Es por ello que decidimos en este número darle el merecido lugar que The Shins se han ganado al otorgarle nuestra portada y marcarlo como uno de los regresos más emotivos del año, pues James Mercer fue de los primeros en forjar el crecimiento de bandas independientes al marcar un estándar de calidad.

Por otro lado, tenemos a Miike Snow, trío de productores que echan todas las habilidades a la cazuela para traernos su más reciente producción Happy To You. Para completar la trilogía tenemos a Santigold, quien ha marcado una nueva tendencia en el pop al ir de lo más bailable a la perfecta balada contemporánea.

Aparte les hacemos un registro del mes más movido en cuanto a conciertos se refiere, ya que de qué sirve ser melómano si no vives en carne propia la música que te gusta.

C O N T E N I D O ™

32 THE SHINS

www.FILTERMexico.com /FILTERMexico

24 MIIKE SNOW 28 SANTIGOLD

@FILTERMexico

38 VENA2

40 JIMMY CLIFF 22 CHILE 18 PEGASVS 20 YUNA

21 EL COLUMPIO ASESINO 48 VENA2

1.FILTER

™

Publishers Breakfast Media Héctor Toledo, Carlos Verástegui, Milton Barboza Director Editorial Milton Barboza

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Editor en Jefe Andrés Díaz Traducción y Redacción Paola del Castillo, Benjamín Espinosa, Paulina García, Beatriz Pecero, Paola Romo, Anna Stephens y Mara Vargas Corrección de Estilo Berenice Andrade Director de Arte Oliver Barrón Editora Web Paulina García Fotografía Rodrigo Jardón y Óscar Villanueva Gerente de Producción & Operación Paola Palazón Seguel paola@breakads.com

Ventas Sandra Izaza

sandra@filtermexico.com

Dejanira Pimentel

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FILTER México, Año 1, No. 5, (1º de mayo al 15 de junio 2012), es una publicación de una periodicidad de cada 6 semanas editada y publicada por Breakfast Media, S.A. de C.V. Mariano Escobedo 498, Piso 1, Colonia Anzures. CP 11590. México. Teléfonos 62650339 / 62650366 / 62650367 / 62650368. Editor responsable: Carlos Alberto Miguel Hernández Verástegui. Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título No. 04-2011083012492100-102, ISSN en trámite. Certificado de Licitud de Título y Contenido No. 15399, otorgado por la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas de la Secretaría de Gobernación. Registro de Padrón Nacional de Medios Impresos en trámite. Impresa por Compañía Impresora El Universal, Allende 176, Colonia Guerrero, C.P. 06300, México, Distrito Federal. Distribuida por Armando Rodríguez Salgado, ubicada en Oriente 69, 2831-A, Colonia Ampliación Asturias, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06890, México, Distrito Federal. Este número se terminó de imprimir el 27 de abril de 2012 con un tiraje de 25,000 ejemplares.

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VOL. 1, NO. 47, WINTER 2011.

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Fredsobre Perry ruedas

ShitterTwitter

La casa británica Fred Perry se ha caracterizado a lo largo de 60 años por sus diseños deportivos clásicos y elegantes, así como sus ediciones especiales con un toque edgy dentro de las colecciones Laurel Wreath. Como parte de la colección Primavera-Verano 2012, se lanzó una serie de piezas inspiradas en las líneas básicas del ciclismo. Playeras con detalles geométricos, colores altamente contrastantes, polka dots y zippers estratégicamente colocados, así como tenis de piel y una mochila muy práctica para andar en dos ruedas.

Un accesorio más para quienes han hecho de la bici más que un medio de transporte.

www.fredperry.com

Como su eslogan lo dice: Las redes sociales nunca habían sido tan desechables. Basta con registrar una cuenta de Twitter para visualizar tu timeline, o el de alguien más impreso en cuatro rollos de papel de baño. Entre las opciones, puedes elegir entre imprimir tus tweets, el timeline o tus favoritos.

Un gran regalo para quienes no pueden despegarse de Twitter ni para ir al baño. Para hacer uso de este servicio tendrás que pagar sólo $35 USD (más impuestos y gastos de envío).

www.getshitter.com

U S A ///////////////////////////////////////////////////////////// JUEGA Y ///////////////////////////////////////////////////////////// DISFRUTA Por PAOLA ROMO

Almohadas de origami

Vans enlatados

“Geo”, es como la diseñadora Mika Barr titula su primera colección textil. Está inspirada en los patrones geométricos del origami, en la cual utiliza las técnicas del doblado de papel implementadas en telas suaves que adquieren ángulos de materiales rígidos a través de una nueva técnica de manipulación de la tela. Ya sea que las utilices como elementos decorativos o almohadas de verdad, ten por seguro que las visitas se querrán llevar una a casa.

www.talentsdesign.com/ geo-mika-barr-for-talents-design-2011/ Andy Warhol popularizó una lata de Campbell’s durante los años sesenta. Casi cinco décadas después, Vans y Supreme se encargarán de popularizar esta colaboración que incluye distintos modelos de tenis tapizados con la icónica lata, entre los que se encuentran: Authentic, Sk8 Hi y The Half Cab. La fecha de lanzamiento no se ha dado a conocer, esperemos que nos llegue al menos un par a México.

www.supremenewyork.com www.vans.com 4.FILTER

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MARZO 10 CHOLULA, PUEBLA Por MILTON BARBOZA ARRIAGA Fotos RODRIGO JARDÓN AUSTIN TV

FESTIVAL 72810

BLONDE REDHEAD

PETER MURPHY

No cabe duda que Puebla se está convirtiendo en un buen punto de encuentro para la música. Ya lo habíamos platicado a principios de año con la presentación de Morrissey por aquellos lares y ahora, la primera edición del Festival 72810, resultó una grata sorpresa.

Cholula fue el lugar para que este evento se desarrollara, con tres escenarios que se colocaron muy cerca de la Gran Pirámide.

Desde las 12 del día, desfilaron bandas como Urss Bajo el Árbol, Furland, Salón Acapulco, Mexican Dubwiser, Technicolor Fabrics, The Wookies, Felix Da Housecat, Austin TV, además de los más esperados: Blonde Redhead, Peter Murphy, Modest Mouse y Public Enemy.

Cabe resaltar que todos los escenarios estuvieron muy bien sincronizados en cuanto a tiempos se refiere; todos los grupos fueron puntuales, salvo Modest Mouse, que hizo la broma de iniciar 20 minutos después de la hora en que estaba programado su concierto.

Todas las bandas tuvieron buenos momentos, como las mexicanos Furland, Austin TV, Quiero Club (que se unió de último momento al cartel), The Wookies, Mexican Dubwiser y Torreblanca. El acto 6.FILTER

de Kid Sister fue muy plano y terminó por evidenciar que su labor es igual a la de artistas como M.I.A. Blonde Redhead hizo un show excepcional, con mucha fuerza que dejó en claro su calidad de banda consagrada. Peter Murphy, el padrino del gothic rock, regresó a nuestro país para presentar algunas de sus canciones clásicas, demostrando que su potente voz sigue siendo tangible aunque él ya no se mueva mucho en el escenario.

Modest Mouse realmente sólo vino a cumplir, no tuvo momentos tan emocionantes, salvo “Float on” que ilusionó a los fans, pero no tuvo la energía que todos esperábamos.

En el caso de Public Enemy, su líder Flavor Flav se la pasó más que bien y derrochó todo el hip hop que lo caracteriza… sigue siendo un gran show el que da.

Pese a que no llegó tanta gente como se esperaba, quedó sentada la base de que este festival se puede convertir en uno importante en nuestro país; ojalá que la gente le dé la oportunidad y confianza al 72810 para que siga sucediendo y cada año tenga más convocatoria… se lo merece, y con esta primera edición se apunta una estrellita.

MARZO 14 THE MAIN, AUSTIN, TX

FIDLAR

FIESTA

VANS

@ SXSW Fotos CORTESÍA VANS

PENNYWISE

JIMMY CLIFF

CAGE THE ELEPHANT

De los tantos eventos que uno puede encontrar en esta larga exhibición de bandas actuales llamada SXSW, escogimos ir a la que organizó Vans porque existían las condiciones necesarias para que se hiciera un buen concierto: un venue para 800 personas y una gran selección de grupos que posiblemente en este momento no sean las cartas fuertes de festivales, pero que tienen una gran propuesta para poner al público eufórico.

Desafortunadamente las 100 mil personas que vieron el stream en sus casas no pudieron sudar en carne propia lo que estas bandas nos hicieron vivir. Paseamos con el punk de Pennywise, el rock frenético y veloz de FIDLAR y el lado más metalero con The Sword, para después bajarle el ritmo con el reggae de Jimmy Cliff y terminar con un muy sudoroso y energético set de Cage The Elephant.

7.FILTER

MARZO 23, 24 y 25 FORO SOL

Por ANDRÉS DÍAZ Foto RODRIGO JARDÓN

VIVE LATINO 2

0

1

2

El concepto de festival se puede interpretar de muchas formas: desde reunir una marca y algunos talentos en un espacio al aire libre, o realmente tener la meta de volverse el indicador de lo que está pasando musicalmente a nivel Latinoamérica.

que están volviéndose el “artista de la gente”; por otro, las propuestas emergentes que se presentan en foros más pequeños; y por último, las bandas internacionales, quienes fueron ganchos efectivos para atraer más gente al evento.

Este año el Vive Latino logró crear su propio “lenguaje festivalero” al colocar, por un lado, las propuestas nacionales

Es por ello que decidimos clasificar el festival en estas tres categorías para que comprendan mejor lo que sucedió:

A R T I S T A S

I N T E R N A C I O N A L E S

Por primera vez muchas bandas que llenan estadios o arenas en todo el mundo se enfrentaron a un público exigente. Tal fue el caso de Kasabian, quienes a pesar de que vinieron con un buen disco bajo el brazo (Velociraptor!), se convirtieron en los teloneros de Café Tacvba, ya que la gente pedía a gritos a los mexicanos entre canción y canción de los ingleses. A pesar de eso, dieron una excelente presentación con sus ya clásicos hits “L.S.F.”, “Club foot” o “Fire”.

TV On The Radio se distingue por tener producciones discográficas impecables. En vivo el sonido cambia mucho, pero aun así logran darle nueva vida a las canciones, sobre todo a las de sus primeros discos.

Para cubrir a un público más amplio, los organizadores del Vive Latino invitaron a la novedad californiana Foster

8.FILTER

The People, quienes con su disco Torches han lanzado un par de sencillos que fueron inmediatamente ubicados por los asistentes, pero ninguno logró ser tan coreado como “Pumped up kicks”, el cual estuvo acompañado por un mariachi (recurso nada nuevo y cliché de muchos).

La quinta visita de The Horrors al D.F. fue igual de ovacionada que el resto. Al igual que la última vez que nos visitaron, descartaron por completo su primera producción Strange House, dándole prioridad a los “discos gemelos” Primary Colors y Skying.

Gogol Bordello es una banda que donde mejor se desenvuelve es en los festivales, ya que su punk gitano es para escucharse y bailarse masivamente. Por otro lado Madness, cubrió esa dosis de nostalgia con su punk y ska noventero.

L A T I N O S

C O N S O L I D A D O S

Si la edición pasada fue recordada por el regreso de Caifanes, ésta lo fue por los argentinos de Illya Kuryaki And The Valderramas, quienes pusieron a bailar a todos con su ya característico sexy funk, plasmado en “Coolo”, “Jennifer del estero” y “Abarajame”.

Cabe resaltar que la participación de los chilenos este año fue notable al traernos a bandas como Dënver, Astro, Caravana, Perrosky, así como Francisca Valenzuela, Pedro Piedra y Javiera Mena.

Molotov mostró el “power mexicano”; su oportuna participación en el Vive coincidió con el lanzamiento de su documental Gimmie The Power y su disco en vivo Desde Rusia con Amor.

Carla Morrison fue una grata sorpresa, quien sobrepasó las expectativas al llenar uno de los escenarios. Justo ese fin de semana fue cuando estrenó su más reciente producción Déjenme Llorar, lo cual hizo que hubiera mucho más emoción por verla.

En la parte mexicana, los mejores exponentes del rock se presentaron: Zoé por un lado mostró los últimos rasgos Unplugged que formó parte de su gira Música de Fondo, en cuyo ensamble participaron Denise Gutiérrez de Hello Seahorse! y Chetes.

Por otro lado, esta edición marcó el regreso de Café Tacvba a los escenarios, luego de años de descanso. Desafortunadamente no cantaron temas nuevos, pero lo que sí hicieron fue darnos un popurrí en homenaje a las bandas mexicanas más recientes como Porter, Quiero Club, Hello Seahorse!, al igual que Kinky, el colectivo Nortec y Plastilina Mosh. A pesar de que su vocalista Rubén estaba lesionado del pie, eso no fue obstáculo para que bailara la coreografía de “Déjate caer”, o que motivara a que todos bailaran descontrolados con clásicos como “El fin de la inocencia”, “Volver a comenzar” o “La ingrata”.

P R O P U E S T A S Desde Los Ángeles, el proyecto Mexican Dubwiser jugó con el tan de moda dubstep con guiños de ritmos latinos, pero sin llegar a los clichés en los que muchas bandas comerciales y norteamericanas suelen caer.

Juan Cirerol ha demostrado que no se debe seguir la tendencia musical para hacerla en grande, ya que él y sus corridos folclóricos lograron llenar la Carpa Intolerante.

Robota, fue una de las gratas sorpresas con su noise endulzado de elementos electrónicos, que saturaron los oídos de los presentes.

Urss Bajo el Árbol también mostró que la música progresiva sigue vigente al ser, de entrada, creada por gente joven que más que hacer un homenaje a este género, lo toma por los cuernos y le da un nuevo sentido a todo este sonido.

La nueva cumbia, orientada a lo electrónico, fue otra de las distinciones de esta edición en donde Sonido San Francisco y Tropikal Forever, dieron el ritmo necesario para poner a bailar a todos.

9.FILTER

MARZO 28 Palacio de los Deportes Por ANDRÉS DÍAZ Fotos CORTESÍA OCESA

Muchas veces perdemos de vista que un concierto está hecho de dos partes: la banda y el público. El regreso de Arctic Monkeys a la ciudad de México fue una muestra de qué tan lejos puede llegar un concierto si estas dos partes conviven y se potencializan a todo, ya que la gente dio el alma y por lo tanto los ingleses nos dieron de vuelta una presentación ejemplar.

Desde antes de que comenzara el concierto, la gente se atiborraba en la pista del Palacio de los Deportes como pocas veces se ha visto, pero una vez comenzado el concierto esos movimientos descontrolados se armonizaron para brincar al unísono con “Don’t sit down ‘cause I’ve moved your chair”, canción de su más reciente disco Suck It And See con el que se sacudieron un poco la monotonía que les dejó su disco pasado Humbug.

Hubo un momento en el que Alex Turner y compañía no nos dejaron descansar ni un poco al aventarnos el excelente combo 10 . F I L T E R

que comenzó con “Library pictures” y que siguió con la potente “Brianstorm”, para seguir con las ahora clásicas de su primer disco “The view from the afternoon” y “I bet you look good on the dancefloor”, para regresarnos a su más reciente disco con “Brick by brick”.

En todas estas canciones la gente no dejó de brincar, dejando a los ingleses con más energía de la acostumbrada. Luego siguió una parte más tranquila con “Do me a favor” y “Suck it and see”; justo en este momento se extrañó “Cornerstone”, una de sus mejores canciones tranquilas.

Para el encore, aprovecharon y grabaron un video en vivo de la canción “R U mine?”, que pueden checar en su canal oficial de Youtube, para cerrar con otro clásico “Fluorescent adolescent” y “505”, el cual fue como el caramelo dulce después de un atasque de buen rock inglés actual.

11 . F I L T E R

ABRIL 12

AUDITORIO BLACKBERRY

Por PAOLA DEL CASTILLO Fotos ÓSCAR VILLANUEVA

Ver a los Sex Pistols, The Clash, o los Ramones en vivo sobre un escenario ya es sólo un sueño. ¿Ha muerto el punk? En cierta forma, pues el verdadero espíritu anárquico de los setenta que daría origen a todo un movimiento generacional podría replicarse, pero nunca igualarse en nuestra época. Sin embargo, los Buzzcocks se mantienen fehacientemente como una de las pocas bandas de los inicios de este género en el Reino Unido.

Los nativos de Bolton, que en sus buenas épocas se codeaban con personajes como Sid Vicious, Ian Curtis y en los noventa con Kurt Cobain (en una gira como teloneros de Nirvana), interpretaron un intenso set como parte de su primera visita a la Ciudad de México, a 34 años de su formación. Esos años transcurridos se notan bien en los rostros arrugados y cabelleras canosas, pero no en la energía a la hora de tocar su repertorio con canciones como la famosísima y muy covereada “Ever fallen in love (with someone you shouldn’t’ve)” o “Harmony in my head”. Por una noche nos transportaron a la Inglaterra de hace unas décadas: jóvenes con vestimentas color negro, estoperoles y cadenas haciendo slam; una chica a la que le sangraba la nariz y se paseaba contenta, tomándose fotos con su nuevo look “hardcore”, e incluso algunos golpes en una pelea que se presentó al final del show entre dos chicos que fueron sacados del recinto sin mayores daños. ¿El punk está vivo? Sí y se encuentra pasándola muy bien.

12 . F I L T E R

ST. VINCENT Por DIEGO ROSAS Y MARA VARGAS Foto ÓSCAR VILLANUEVA

Son pocas las bandas o artistas que suenan mejor en vivo que en el disco. St. Vincent es una de ellas, pues sus conciertos tienen tal fuerza que sus discos pasan a segundo plano.

Annie Clark regresó al DF con un nuevo disco y una nueva banda con un show envolvente. La gira de Strange Mercy, su más reciente producción, es coordinación humana-tecnológica. En el escenario las cosas son bastante diferentes a sus giras pasadas; es más digital y frío, fiel reflejo del nuevo disco. Con Daniel Mintseris en un rol de tecladista/ computadora-humana, toca y envía información MIDI a la guitarra de Annie –liberándola de tener que estar concentrada en pisar pedales– y a los pads electrónicos de Matt Lee Johnsosn, baterista actual de la banda. Es una maestría en coordinación y trabajo en equipo. La otra sorpresa en escena es Toko Yasudo, una talentosa belleza japonesa que utiliza un sintetizador Moog como bajo, lo conoce y maneja como la palma de su mano.

En contraste con su show pasado, se vio una Annie Clark más firme y segura en el escenario. Sin tener que preocuparse por pisar sus pedales y controlar sus efectos, gracias a Daniel, tuvo la libertad de ser una verdadera frontwoman que busca incesantemente la comunicación con el público, ya sea explicando sus canciones o aventarse a la multitud a media canción. Obviamente el público la amó.

En pocas palabras, St. Vincent o Annie Clark sigue avanzando, trae consigo una propuesta realmente interesante, refrescante, original y emocionante que seguro nos seguirá dando de qué hablar y escuchar por muchos años más.

13 . F I L T E R

COA CHe LlA 2012 ABRIL 13 al 15 y 20 al 22

iNDIO, CALIFORNIA

Por PAULINA GARCÍA Fotos PAUL FAMILETTI

14 . F I L T E R

Miles de personas se reunieron en el Empire Polo Club para dar inicio al primer fin de semana del Coachella Valley Music and Arts Festival. A pesar de las malas predicciones del tiempo, la gente se presentó a la cita con los atuendos listos para disfrutar de un día lleno de sol, música y baile.

Uno de los primeros actos en el escenario principal de Coachella fue Hello Seahorse!, quienes presentaron un set con las mejores canciones de la banda para un público que los escuchaban por primera vez. A pesar de esto, la gente respondió favorablemente ante la música de los mexicanos.

Uno de los momentos más esperados fue el set de The Arctic Mokeys quienes han mostrado un crecimiento en todos los sentidos.

Vestidos con chamarras de piel y cabello relamido a la James Dean, Arctic Monkeys hicieron presente su música intercalando éxitos de discos anteriores con sus rolas más recientes, en un concierto galopante y de guitarras grasosas.

Antes de iniciar su presentación, se apagaron las luces generales y los fans de Pulp se comenzaron a juntar mientras un sonido ambiental hacía el llamado a escena. Muy elegantes, como buenos ingleses, uno a uno los miembros de Pulp fueron tomando sus instrumentos y Jarvis Cocker dio inicio a su set con “Do You Remember the First Time?”.

Así dieron un emotivo y divertido recorrido a increíbles canciones que dejaron en claro por qué nunca debieron ausentarse tanto tiempo. Desde “Babies”, “This is Hardcore”, y “Disco 2000” hasta “F.E.E.L.I.N.G. C.A.L.L.E.D.L.O.V.E” y “Sunrise”, Jarvis se paseó por el escenario con la maestría que tiene para interpretar y contar historias.

The Black Keys subieron al escenario y comenzaron a tocar “Howling for You”, una gran manera de subir los ánimos de la gente que se había juntado para verlos tocar. Como viejos lobos de mar, The Black Keys, acompañados de un bajo y una guitarra extra, tocaron canciones de su más reciente producción El Camino. Música perfecta para aullar y maullar por igual.

El segundo día de Coachella llegó con un poco más de sol y por lo tanto más alegría para todos los asistentes a este festival californiano.

El día tuvo un muy buen inicio con bandas como The Vaccines, quienes llenaron el Gobi Tent de mucha energía, para revitalizar a aquellos que seguían algo cansados de la noche anterior. Los ingleses recorrieron canciones de su primer disco What Did You Expect From The Vaccines?, y comprobaron que el rock alegre sigue siendo un gran acierto.

Una de las grandes sorpresas de Coachella definitivamente fue Azaelia Banks, una menudita chica con actitud de amazonas que puso a bailar al Gobi Tent, en cuanto se le puso play a la primera pista.

Por otro lado, Buzzcocks le dieron unas buenas clases de punk y actitud a las jóvenes generaciones que creen saberlo todo.

Este clásico inglés se encargó de hacer sonar su escenario como seguramente sonaba en los setenta. Sin mayor interés en escucharse como una banda de punk sofisticado, Buzzcocks saturaron las bocinas y metieron al público en una máquina del tiempo hasta cuando tenían menos canas y menos años.

COA CHe LlA 2012

Ciertamente, el Segundo día en Coachella mostró un despliegue de talento inglés, sobre todo con Kasabian, que, aunque no se presentaron en el escenario principal –como muchos hubieran esperado, crearon su propia arena en una de las carpas del festival. Así, presentaron un set de 50 minutos con canciones emocionantes, un tanto peligrosas y agresivas para dejar al público con la adrenalina hasta arriba.

Por otro lado, The Shins llenó de sol y calor el escenario principal de Coachella cuando ya empezaba a bajar la temperatura. James Mercer al lado de su nueva alineación interpretaron canciones de discos anteriores así como del más reciente Port Of Morrow.

El tercer y último día de Coachella llegó demasiado rápido. Con mucho sol, calor y ánimos, una de las primeros actos en presentarse fue Santigold. La cantante que está cerca de lanzar su segundo disco Master Of My Make-Believe, interpretó canciones nuevas y viejas al lado de dos bailarinas que ayudaron a animar su presentación.

Una de las bandas que más diversión proveen para el público, es sin duda The Hives. La banda, que asistió a Coachella por segunda ocasión, presentó unas cuantas canciones nuevas, además de éxitos como “Main Offender”. Mientras el set progresaba, su carismático vocalista Pelle Alqmvist saltaba de un lado a otro y tomaba cual-

quier pretexto –por más pequeño que fuera– para incitar a que su público gritara y se divirtiera tanto como ellos lo estaban haciendo.

Los alemanes Modeselektor fueron los encargados de cerrar la carpa Mojave, y vaya que lo hicieron con broche de oro. A pesar de que la tendencia del dubstep lamentablemente haya sufrido un giro hacia el estilo agresivo y saturado de productores como Skrillex y Deadmau5, Modeselektor presentó algo de lo más fino de este género. Presentaron una combinación de lo más obscuro en trance, dubstep y beats descompuestos que hipnotizaron a su público quienes pedían más y más… y más.

El resto de los escenarios cerraron sus cortinas relativamente temprano para que todo el festival pudiera presenciar una muy buena parte de la presentación de Snoop Dogg y Dr. Dre, dieron uno de los mejores shows que Coachella ha visto. Además de interpretar clásicos como “The Next Episode”, ambos MCs hicieron un recorrido de sus contribuciones a la historia del rap. La producción del escenario y el sonido fueron impecables; además de eso su lista de invitados incluyó a figuras como Kendrick Lamar, Eminem y hasta el mismo Tupac Shakur quien –literalmente– regresó de los muertos en forma de holograma para sorprender, deleitar e impresionar al público que ya de por sí estaba boquiabierto.

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RA D IO head ABRIL 17 y 18

FORO SOL

Por ANDRÉS DÍAZ Fotos CORTESÍA OCESA

Decir algo de Radiohead puede resultar tan trillado o rebuscado que lo mejor es sentarse y abrir los sentidos para escuchar con atención la meticulosa producción que logran llevar a la perfección en el escenario.

Para muchos, este regreso no fue una gran sorpresa debido a su pasada visita con el gran álbum In Rainbows, ya que muchos se llevaron la errónea idea de que The King Of Limbs es un mal disco (que podríamos traducir como muy clavado para algunos). Es por eso que al ponerlo en un mismo plano con el resto de su discografía, encontramos que complementa muy bien el universo de Radiohead, al cantar casi por completo el álbum.

El inicio fue sorprendente con tres canciones que abren sus respectivos álbumes: “Bloom”, “15 Step” y “Airbag”. No fue de esperarse que a un año de haber lanzado The King Of Limbs, Radiohead se quedara con los brazos cruzados para no seguir grabando nuevas canciones, por lo que en esta gira están aprovechando para probar estos nuevos experimentos; fue así como se dio a conocer “Staircase” (que ya habían tocado en la sesión FromTheBasement), “Supercollider” (que tocaban ocasionalmente en la gira de In Rainbows y que editaron el año pasado por el Record Store Day) e “Identikit” que estrenaron en esta parte de la gira.

Las sorpresas que distinguieron esta primera presentación en el D.F. fueron una versión perturbadora de “The gloaming”, “I might be

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wrong” y “You and whose army?”, en donde Thom Yorke hace unos acercamientos extremos a su rostro en una canción que, al igual que muchas otras de su discografía, tiene cambios de temperamento intrépidos y veloces.

Dos canciones que en particular se ve que tendrán mucho potencial en el futuro de esta etapa de The King Of Limbs fueron “Lotus Flower”, en donde Yorke nos deleitó con su “baile contemporáneo”, que se vio a lo largo del concierto, mostrándonos las habilidades de performance que tiene, aparte de su gran habilidad como músico. La otra fue “Give up the ghost”, que por su sencillez y lugar en el setlist, tuvo un efecto muy bueno en el público.

El cierre fue espectacular con la dupla de The Bends: “Planet Telex” (tocada por primera vez en nuestro país) y “Street spirit (Fade out)”.

Tanto los primerizos como los que ya la habían visto anteriormente estos conciertos, corroboraron que no por nada Radiohead es una de las mejores bandas de los últimos años.

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Les presentamos a...

Melodías y ritmos emitidos por “cacharros”, hicieron que Luciana y Sergio dieran vida a

PEGASVS Por BEATRIZ PECERO

Este dúo formado por Luciana Della Villa y Sergio Pérez es originario de Barcelona, España, en donde ambos tocaban en un grupo llamado Telemáticos, pero se dieron cuenta de que necesitaban desarrollar un proyecto que les permitiera compartir su condición de pareja sentimental.

“Nos apetecía cambiar de aires: por un lado queríamos dejar de lado la batería, guitarra y bajo para utilizar más los sintetizadores. Aparte queríamos un proyecto en el que sólo fuéramos nosotros dos”, comenta Luciana.

Inspirados en grupos de música electrónica de los años setenta, crearon un proceso de composición que surgió de manera innata al hacer improvisaciones. “Normalmente empezamos un poco improvisando a ver qué sale y después ya lo vamos perfilando más a partir de una o dos ideas, las letras las ponemos con base en lo que nos sugiere la música”. Afirma Sergio.

Pegasvs surgió hace dos años y con el paso del tiempo –y gracias a su música– se han

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Foto CHUS ANTÓN

hecho de un nombre dentro de la Península Ibérica, al formar parte de los grandes festivales que se realizan en ese país. Su estilo musical es difícil de definir: “Nos han llamado retrofuturistas, como se imaginaban el futuro en el pasado, es como el magneto nuevo que tenemos: es viejo pero tiene cosas que debía ser muy avanzado en su momento. Es como cuando el walkman sacó el auto reverse”, dice Sergio.

La música surgida de dicha combinación está acompañada por la dulce y enigmática voz de Luciana, donde las letras cortas y repetitivas buscan que cada quien les dé su propia interpretación. “No queríamos ser muy explícitos a la hora de decir alguna letra, quizás esta música que hacemos no queda bien con una letra larga”, Luciana.

Actualmente tienen un LP homónimo con nueve canciones, las cuales ofrecen un recorrido en una montaña rusa situada en la constelación más lejana de la galaxia. El disco se editó también en vinil, lo que hace aun más exquisito el sonido para los oídos de aquellos coleccionistas.

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Les presentamos a...

YUNA Por KENDAH EL-ALI Foto JONATHAN MANNION

Yunalis Zarai, conocida simplemente como Yuna, nació en Malasia, se crió en el distrito de Subang Jaya de Kuala Lumpur y comenzó su carrera musical durante el último año en la escuela de leyes. Tras una serie de espectáculos locales de pequeño formato, sus fans le pidieron un EP. “Eso fue hace cuatro años. Fue un punto de inflexión para mí, porque en ese punto decidí hacer música de verdad, a tiempo completo. Me gradué, pero todavía tengo que seguir una carrera como abogada. Estoy contenta de haber tomado esa decisión y de estar en donde estoy ahora.

mi identidad. Esto es lo que soy. Estoy segura de que es inusual para el público norteamericano ver a una mujer cubierta, pero también es poco común verlo en Malasia. Pero todavía hay chicas como yo, que son conservadoras, pero cool. Trato de encontrar un equilibrio”.

3 ÁLBUMES

QUE INSPIRARON A YUNA A HACER MÚSICA

“Yo estaba obsesionada con las computadoras y la tecnología cuando era joven. Estaba en la construcción de sitios web cuando tenía 13 años y construía códigos HTML y todo”, dijo. “Crecí sabiendo todas estas cosas acerca de las redes sociales. Así que con la música tenía una ventaja de saber cómo poner mi música y mi persona”.

La voz de Yuna ha sido muy comparada con la de Feist por la mezcla de sensualidad y suavidad distinta que cautiva a sus oyentes. Liderada por su guitarra, la música de sus canciones es convenientemente relajante y sumamente encantadora.

Durante el último año fue una de las más afamadas en su país natal gracias a la realización de un LP bajo el sello discográfico Fader, y trabajó con artistas como Pharrell Williams y Chris Braide. Con respecto a eso ella simplemente responde: “Para ser honesta, yo sólo quiero crear. Pero cuando oigo que una chica de San Diego puede relacionarse con mi música, no deja de sorprenderme. Después de todo lo del 11 de septiembre es difícil saltar a la escena musical en Estados Unidos. Sólo hago lo que puedo y mantengo una actitud positiva. Hasta ahora, he recibido una enorme cantidad de apoyo. La música rompe barreras, creo. Realmente no tiene fronteras”.

Cuando se le preguntó cómo el Islam se cruza con una carrera difícil en la música pop, Yuna grita: “¡Wow! ¡Todavía no tengo idea de qué ponerme!”, y agregó un instante después, “obviamente vengo de un ambiente muy diferente a la mayoría del de los músicos. Pero esta es 20 . F I L T E R

COLDPLAY/ X & Y

FEIST/ The Reminder

LAURYN HILL/ The Miseducation Of Lauryn Hill

Ya deberías conocer a...

EL COLUMPIO ASESINO EL

Por ANDRÉS DÍAZ Foto ÓSCAR VILLANUEVA

Gracias al fenómeno “Toro”, los españoles por fin lograron poner la estaca que los sujetara definitivamente en el gusto del público mexicano, a pesar de que ya habían venido anteriormente. “Estábamos expectantes por cómo reaccionaría la crítica y los fans con Diamantes, porque este disco quizás sea el más popero por las melodías y por lo tanto es el que más éxito ha tenido”, nos cuenta el baterista y cantante Álbaro Arizaleta.

Quizás una da las razones por la cual se dio esta expansión musical se debe a la aportación de Cristina a este disco, quien junto con Álbaro han desarrollado la parte vocal del grupo. “No hay un punto de vuelta con las colaboraciones de Cristina, porque ella se ha apropiado de un espacio en el grupo que ha sido bien recibido por parte del público. Yo nunca tuve dotes de cantante, me encontré cantando en la banda porque la formé con mi hermano y al momento de ponerle voz al grupo nos preguntamos: ¿Quién va a cantar? Y yo me aventé y así quedé desde entonces. Agradezco que Cristina vaya ocupando el espacio de vocalista, y hay que reconocer que lo hace mejor que yo”.

Mientras que su primer disco trataba de unir sonidos y conceptos musicales aparentemente opuestos como Pixies o Sonic Youth con

Air y una electrónica más atmosférica, Diamantes es un disco más sencillo y menos recargado; más directo y limpio.

Un gran momento en este material es “Cisne de cristal”, de la cual Álbaro nos explica por qué la incluyeron: “Queríamos hacer un versión de una canción que nos gustase mucho y que no fuera tan conocida. Esta canción de John Cale nos cuadraba por la admiración que tenemos hacia él y The Velvet Underground. A la hora de traducirla, la letra no encajaba al español y a la melodía, por lo que hice una nueva letra basándome en los sentimientos que me dictaba la canción, como la melancolía y la tristeza. El álbum Paris 1919 de Cale es muy romántico y barroco”.

El Columpio Asesino ya comenzó a aterrizar ideas y textos para lo que vendrá, aunque aún no tienen una idea certera hacia dónde irán. “Haremos festivales de verano y después del cierre del disco entraremos al estudio en primavera del año que viene. Nos cuesta mucho trabajo grabar un disco, hay momentos en donde no sabes a dónde dirigir la canción, se encalla y por lo tanto te desesperas, pero nosotros valoramos sobre todo esos momentos mágicos donde todo fluye”.

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PAISAJES SONOROS

CHILE Por ANNA STEPHENS Fotos LOTUS PRODUCCIONES Y ANNA STEPHENS

A pesar de que se recomienda volar de noche para no cansarse tanto, viajar a Santiago de Chile desde la Ciudad de México es sin duda un vuelo agotador. Para aquellos que no podemos conciliar el sueño tan fácilmente, la aerolínea ofrece una larga lista de películas, series, caricaturas, documentales, música y hasta videojuegos en cada asiento del avión. Un vuelo lleno, en donde podemos encontrar toda clase de personajes: familias de hasta ocho integrantes que no cesan de tomarse fotos, vecinos platicadores, niños llorando y hasta los Arctic Monkeys. El motivo personal de este viaje es asistir a la segunda edición del festival Lollapalooza en Chile. Dos películas y un par de copas de vino chileno, fueron suficientes para dormitar un poco.

Después de todo, desde el asiento asignado y en vuelo nocturno, jamás lograré ver ni un piquito de los Andes. La turbulencia indica que estamos cerca de nuestro destino. Aunque el aterrizaje no fue tan bueno, los viajantes aplauden al piloto… o tal vez, al hecho de que por fin llegamos a Santiago.

Una vez en el aeropuerto de Chile, se nos pide a los mexicanos que paguemos un impuesto de ingreso equivalente a $25 dólares. La respuesta diplomática a la inexistente visa chilena. El aeropuerto es pequeño y eso hace que el ajetreo sea más obvio. Con todo, logré localizar de inmediato a la persona que me recogería para llevarme

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al hotel. En el trayecto me pregunta que a cuál artista del cartel del Lolla me emociona ver. Mi respuesta inmediata: Foo Fighters. Le hice la misma pregunta, a lo que él contestó: MGMT. En Santiago estamos en hora pico. Son las ocho de la mañana de un viernes y la avenida por la que transitamos (que equivaldría al Periférico del D.F.), está llena de túneles de al menos cinco minutos de recorrido en velocidad promedio. Sin embargo, los tacos –que es la forma que tienen los chilenos para referirse al tráfico pesado– obligan a que esos recorridos de cinco minutos en túneles, se extiendan hasta los 20. Esto a su vez nos obliga a abordar las preguntas de rigor: ¿cuántos habitantes hay en la Ciudad de México?, ¿cuántos son en todo el país?, ¿qué tan grave es la situación del narcotráfico?, ¿qué tan segura es la Ciudad de México? Y viceversa: ¿cuántos habitantes hay en Santiago?, ¿cuántos en todo Chile?, ¿qué tan lejos es ir a la playa?, ¿qué tan lejos es ir a las montañas? Ambas partes expusimos lo poco que nos conocemos y lo mucho que le creemos a los medios.

Santiago es una ciudad limpia, ordenada y cuyos habitantes son exageradamente amables, respetuosos unos con otros y de confianza en los demás. Cincuenta minutos después llegamos al hotel, en

PAISAJES SONOROS

CHILE

BJÖRK FOO FIGHTERS

donde, para mi sorpresa, se hospedaban Gogol Bordello, Illya Kuryaki & The Valderramas, The Gipsy Kings, Systema Solar y Hoppo! Ante la noticia de que debía esperar cinco horas por la habitación ya que aún no estaba lista, se decidió una caminata por Las Condes, el barrio en donde me encontraba. Altos edificios habitacionales y de oficinas, hoteles cinco estrellas y un centro comercial grande, me remiten a Santa Fe en la Ciudad de México.Ya que contaba con habitación, acreditaciones para el festival y una siesta de veinte minutos, regresé al centro comercial para una cena con vino chileno al aire libre.

Por fin llegó el sábado. Primero de dos días de Lollapalooza Chile en su edición 2012. El Parque O’Higgins es un sitio grande. Cuenta dentro de sí con una arena para conciertos (idéntica por dentro y por fuera al Palacio de los Deportes, pero de menor capacidad) y en un terreno conjunto se encuentra el parque de diversiones “Divertilandia”. La seguridad en los accesos al festival fue impositiva. No olvidemos que recientemente el gobierno chileno se ha enfrentado a manifestaciones de universitarios, que han obligado a los carabineros a poner mucho más control y atención a ese sector.

El festival tenía prohibida la venta de alcohol y en el único lugar donde se podía encontrar era en camerinos o en el VIP, lugar que se convirtió en el “Divertilandia” de los patrocinadores, en donde por haber pagado un poco más para poder tener acceso, uno podía comer fruta, frituras, sushi y brownies gratis; beber agua y refrescos al por mayor; beber dos cervezas y dos whiskeys por cada día del festival; ir a baños limpios; acostarte bajo la sombra en el pasto, las sillas, los pufs y camas que habían, además de poder participar en activaciones de las marcas. Desde el VIP uno podía disfrutar de la comodidad además de ver ambos escenarios principales. Pero el festival no sucede en el VIP. Con un cartel cuyos actos en su mayoría ya han visitado México, lo interesante era saber cómo vive Chile este festival. La organización fue impecable. Resaltó la puntualidad en cada escenario, la gran cantidad de voluntarios que mantienen el festival limpio y (de nueva cuenta), la amabilidad de los chilenos. Sorprendió la forma en la que los asistentes reaccionaban ante las bandas. En la mayoría de los casos sólo observaban al artista; aplaudían entre canciones, bailaban un poco y ya. Los más acérrimos fanáticos se encontraban hasta adelante, pero su reacción no era tan alejada de los otros. Para

el primer día lo más celebrado fueron Los Jaivas, Arctic Monkeys, Calvin Harris y Björk, quien anteriormente ya había visitado Chile al menos en un par de ocasiones.

Según se comentó, el segundo día sería el mejor que ha tenido el festival en su corta historia. Todos esperaban a Foo Fighters. Para poder lograr esta visita de los Foo, Perry Farrell tuvo que hacer una exhaustiva labor de convencimiento, que derivó en que también fuesen el acto principal del primer Lollapalooza Brasil y en que para México, volvieran los rumores de su posible visita al Corona Capital. Sin duda el segundo día tuvo más asistentes. Lo más comentado fue el regreso de Illya, la gran presentación de Joan Jett y la bailadera con MGMT y Skrillex. La buena racha que llevaba el festival se opacó un poco con la falla en el sonido de los Foo. La voz de Dave Grohl estaba oculta detrás de las guitarras. Esto no nos importó en absoluto ante el apoteósico y cómico concierto de dos horas y media que ofrecieron. Se aseguraron de interpretar todos y cada uno de sus hits, así como de las canciones que saben que los fanáticos recordarán como momentos épicos. Foo Fighters se mostraron sorprendidos ante la cálida recepción que obtuvieron, con lo que evidenciaron la falta que les hace venir a México.

Lollapalooza Chile es un festival pequeño cuya rápida madurez lo llevará a ser uno de los más destacados en Latinoamérica. Su organización, su gente y el empeño que día con día blogs, músicos, bandas, sellos independientes, radiodifusoras y melómanos, tienen no sólo por la música que importan, sino por sus propios artistas, lo acercan cada vez más a ese rango. Resultó difícil responder a los chilenos: “¿por qué las nuevas bandas mexicanas como Chikita Violenta no vienen a tocar a Chile?, ¿cómo le hizo Café Tacvba para poder estar a ese nivel?, ¿cómo le hacen en México para mantener una escena musical pujante y viva?, ¿es cierto que nuestros artistas chilenos se presentan en México con gran éxito en lugares abarrotados?”.

En el vuelo de regreso a México me di cuenta del porqué Chile exporta tanto talento bueno a nuestro país. La constante preparación, la inquietud y experimentación, son factores esenciales, pero no olvidemos que cuentan con menos lugares en donde tocar en vivo, menos medios a los cuales llevarles su música y muchos menos oídos a los cuales llegar, y que nunca dejan de aspirar a más, sin perder de vista el piso.

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PRINCIPAL ES

L A R E ALI DAD APESTA

ADENTRO DE LA IMAGINACIÓN DE

MIIKE SNOW POR Loren Auda Poin FOTOS Mathias Sterner / MINK MGMT 24 . F I L T E R

PINCIPALES

MIIKE SNOW Estás en Suecia. Tú y tu banda acaban de lanzar un nuevo y excitante álbum con sus propias manos que se convierte en una medicina musical; es un poderoso filtro que puede desmaterializar el cuarto en el que estás intercambiando tu aburrido mundo con risas y canturreos, envolviendo el lugar con colores brillantes que brotan alrededor mientras pensamientos bizarros y quejumbrosos invaden tu mente con una gran habilidad.

Recuerda, estás en Suecia. Tu banda, con sus armas sónicas de felicidad en mano se preparan para volar a través del mundo para, sobre todo en Texas, demostrar esta nueva fuente de energía en frente de miles de dementes, probablemente viajeros, reporteros y huraños hipsters. Las luces estarán brillantes y los tacos brillarán de forma sugerente. De hecho esto ya has vivido antes, sólo que ahora es… más complicado. Mucho más complicado.

“Le agregamos muchos retos…” Ese es el vocalista, neoyorquino y portador de una barba exquisita, Andrew Wyatt, quien reflexiona sobre los potenciales

obstáculos con los que se enfrentará Miike Snow al tocar su nuevo opus titulado Happy To You. Pontus Winnberg —quien junto a Christian Karlsson es la mitad del grupo compositor interestelar de synthpop Bloodshy & Avant— termina el pensamiento de Wyatt: “Hay partes que estamos tratando de averiguar cómo le haremos. En esta ocasión estamos personalizando todo como si estuviéramos construyendo un edificio, por lo que trabajamos en específico por nuestros propios motivos”.

Wyatt nos da más detalles: “Ahora nos estamos concentrando particularmente en ser capaces de hacerlo todo en vivo. En otras palabras, no usaremos pistas a pesar de que hay más instrumentos en el álbum. Por eso creamos trucos de ingeniería para quitar esas partes sin enlatar esos elementos”. Los miembros de Miike Snow toman en cuenta esto en cada paso del proceso –sólo los ingredientes más orgánicos son considerados para ser parte del caldo que servirán, y vaya que lo dicen chefs consumados. El énfasis está siempre en hacerlo ellos mismos, directamente, con el más delicado cuidado y pureza de intento. Enlatar no es una opción, es una blasfemia.

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Peinado y maquillaje: SophiaEriksen / Agent Bauer; Stylist: ElinEdlund / Link Details

“TRATAMOS DE CREAR UN UNiVERSO EMOCIONAL PARA QUE LA GENTE VIVA EN ÉL”

PINCIPALES

MIIKE SNOW Seguramente te preguntarás constantemente por qué tantos procesos vocales, por qué profundizar conceptualmente con estas canciones, por qué este disco suena más libre que el pasado o por qué suena cinematográfico, dinámico y teatral.

La respuesta siempre será la misma: “Fue lo que surgió”.

Con dos álbumes bajo el nombre de Miike Snow, estos tres jóvenes tienen un profundo y secreto entendimiento de su proceso creativo. Saben lo que hay dentro de ellos y saben cómo sacarlo, ponerlo en una cinta y hacerlo sonar ante masas de gente expectante.

“Ahora tenemos una identidad como banda, y lo que tratamos de crear con nuestra propia música es un universo emocional para gente que viva en él para darse cuenta de lo que significa”, Wyatt dice.

Más que estudiar o inspeccionar de cerca el mecanismo que transmite y recibe ondas creativas, los chicos de Miike Snow están concentrados exclusivamente en que su sintonización sea exacta y la energía siga fluyendo constantemente. También saben que el atascarse en el pensamiento mutila la acción. Y acción es lo que quieren.

“La inspiración viene de donde sea. La mayor parte de las veces nos influenciamos de nuestros amigos. Es como chocar contra alguien, como cuando la conversación con un amigo causa en ti que cheques algo que no habías visto, lo cual nos llevó a crear estas canciones”, dice Pontus.

Wyatt finaliza este pensamiento: “La gente que conocemos son amigos que hacen música, el hecho de que los conozcas, hace que la música sea más fácil de asimilar y entender por qué te gusta.

Que te guste esa persona facilita que te guste la música, al ser conmovida por ella y ver ciertas cosas en ella que son cool… justo como la persona”.

Esto lo dice con la experiencia y ese tono de voz con una articulación fluida de una persona que le ha dado una pensada a este tema.

Karlsson y Wyatt confiesan la forma en que socializan al conocer a colegas obsesionados en las

giras y estudios de grabación para después establecer relaciones con ellos. Otras cabezas musicales prefieren en estos días plantarse en frente de una computadora a buscar joyas perdidas en las profundidades abismales de los datos musicales que hay en Internet, cosa que Miike Snow evita hacer.

“Es parte de la experiencia”, dice Pontus sobre las relaciones musicales. “Es una gran diferencia si alguien que conoces y respetas te da algo a diferencia de alguien más. Te afecta de forma diferente”.

Tal vez la insistencia de tener conexiones directas y reales con gente real, abra el paso a sumergirse en una súper realidad en la música. “Hay partes del disco en donde hablamos de cosas personales y reales que nos pasaron. Pero nuestra banda trata sobre la imaginación y odiar la realidad en vez de tratar de vivir en ella. Es sobre la emoción en vez de tratar de contar historias reales”, dice Wyatt.

Miike Snow están muy contentos de habitar este bello e imperfecto mundo. Pero su fijación por el poder y la importancia que le dan a la imaginación que encontramos en Happy To You, lo convierten en un triste, divertido y escalofriante viaje semejante a la personalidad de Willy Wonka.

El balance de estar de gira y en el estudio permitió que las canciones en Happy To You tomaran un equilibrio entre un descarado vértigo de fuentes pop que resultan más familiares y los estallidos alienígenas que aún no han sido descubiertos por las máquinas. Es el mismo balance en la lírica entre los remordimientos del sufrimiento humano y el grandioso y etéreo aparato poético que nos sacó de lo mundano y lo increíble.

Los integrantes de Miike Snow, como en un viejo adagio, son fieles a sí mismos: “En un punto, sólo eres esclavo de lo que está dentro de ti”, dice Wyatt. Lo que sea que domine a estos tres colegas, lo que sea que gane la admiración entre ellos al mantener su amistad, esperemos que continúe así”.

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SAN TIG

OLD Por A.D. AMOROSI

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Fotos SEAN THOMAS

Antes de que existiera Santigold, Santogold y su gruñido de funk que llena su nuevo y esperado álbum Master Of My Make-Believe, estaba Santi White, una niña buena de los suburbios de Filadelfia de Mount Airy, quien hacía un ska-pop que pondría verde de envidia a No Doubt.

Esa mujer de ojos amplios de la banda Stiffed, hoy en día sigue presente en la música de Santigold, pues aún podemos encontrar un aire inocente y conmovedor que llena Master, su primer álbum lanzado por Stateside de Atlantic. También hay un cinismo maniático que busca ser encontrado en el rostro de la falsa celebridad y la ferocidad en la debilidad de la Tierra que encontramos en Master, junto a su positivismo. “Las cosas son muy drásticas allá afuera”, dice Santigold entre risas.

Mientras varios de sus antiguos amigos de producción –Swith, Diplo– forman parte de ese ruidoso nuevo proyecto como lo hicieron en Santogold de 2008, ellos (como Santi) se volvieron parte de una máquina dance pop más grande, trabajando al lado de Beyoncé, Christina Aguilera y Usher. (Santigold ha tenido una larga carrera como compositora desde sus inicios). Mantener las cosas frescas y extrañas fue un aspecto crucial de Master Of My Make-Believe al igual que reclutar nuevos amigos de los Yeah Yeah Yeahs y TV On The Radio.

Dicho esto, Master es un álbum con unidad, carnoso y que salta de un género a otro, que logra mezclar las entrañas y la corteza cerebral. Santigold estaba por su cuenta como productora ejecutiva y supervisora. Aquí verán cómo sostuvo el proceso.

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PRINCIPALES

SAN TIG

OLD

Has crecido mucho desde Stiffed y el EP Sex Cells. ¿Aún queda algo de esa mujer joven que vivía en Mounty Air? Por supuesto. Sólo han pasado muchos años que me han dado experiencia. Eso no me ha distanciado de mí misma. ¿Pudiste haber sido feliz como compositora que ocasionalmente cantara, como Linda Perry? En tus inicios mencionabas que no te sentías cómoda en el escenario…

No lo creo. No me apego a las cosas que no me hacen feliz. Creí que me sentiría incómoda hasta que estuve en el escenario. Luego me di cuenta de que hay formas totalmente diferentes de comunicar una idea.

Hablando de tu segundo álbum, ¿crees que tu sello, Atlantic, te subestimó? Sé que en un inicio querían hacerte crecer como escritora de hits.

Bueno, eso fue en la transición que tuve entre Downtown y cuando Atlantic quería invertir en mí. Se estaban preguntando sobre cómo debían manejarme. Yo no puedo ser fácil de manejar. Eso fue antes de que alguien de Atlantic se sentara conmigo, o de mi primer disco. No sabían qué hacer con lo que tenían en frente. Ahora me tienen y han sido geniales. Creo que buscaban formas únicas de manejarme en vez de adecuarme a una idea ya hecha. Nadie puede ni debe tratar de meterme en alguna caja.

En tu último álbum tenías a John Hill, tu compañero y colaborador, como tu guía sónica. En este álbum estás apostándole a hacerlo tú misma. ¿Cuáles son las cosas buenas y malas de esta situación?

Del lado bueno me forzó a construir mis propios niveles de confianza como productor y en mí misma como nunca lo había tenido. “¿Funcionará? Ah, sólo hazlo y deja de cuestionarte a ti misma”. Experimenté mucho.

No sabes lo que pasará. La fe se vuelve ciega.

Es bueno. Lo malo es que es un proceso solitario y te deja con muchas dudas. No tienes a alguien que comparta tu visión e ideas ni con quien bromear. Tuve que cargar toda la responsabilidad… y las preocupaciones. Ni siquiera tuve a alguien de la disquera cerca porque estaban en Londres. Me quedé sola con mis instrumentos.

Eres amiga de Diplo y Switch desde antes de tu último álbum.

Han crecido considerablemente. ¿Fue un problema que se enfocaran en tu próximo álbum?

En cuanto más conozcas a alguien, conoces los aspectos más íntimos de sus vidas. Tienes una versión más certera de sus vidas en vez de un productor que aparece o desaparece.

Eso también pasa con el arte. He tenido las mejores canciones con estos tipos. Las vidas de todos han cambiado mucho desde el último disco. Hemos estado comunicándonos desde entonces como personas, por lo que debíamos trabajar en algo nuevo. Diplo y Switch deben tener un balance entre lo que les demandan y el ser ellos mismos. En otro nivel, fue difícil meterlos al estudio. Deben aprender a manejar eso. ¿Tuviste algún bloqueo mental durante el proceso de hacer Master Of My Make-Believe?

De hecho no, por las metas que me puse con el disco pasado. Quería avanzar esas metas por mí misma y no tanto para un consumo público. La presión fue mejorarlo por mi cuenta. En cuanto terminaba algo, no era lo suficientemente bueno. A decir verdad, estuve de gira por dos años antes de lanzar el disco, creo que debe haber un tiempo en el que procesas todo lo que has hecho y aprendido. Pude haber tenido más tiempo para interiorizar todo. Dicho esto, fui a escalar el monte Kilimanjaro antes de la gira y empezar el disco. Las melodías vinieron rápido. Las letras de las canciones tomaron minutos.

Necesitaban reposar. Me frustré, pero inmediatamente pensé que eso empeoraría la situación, por lo que meditaba. De repente, las palabras comenzaron a fluir.

Hay un centro espiritual en “This isn’t our parade” y “God from the machine”. Más allá de la meditación, ¿hay un Dios para ti?

Puedes llamarlo como quieras. No soy una persona religiosa, pero sí hay algo, un espíritu fuera de mí, un ser superior. Fui a una escuela en Filadelfia de la Sociedad Religiosa de los Amigos. No hay mucha religión ahí excepto por una semana en donde en vez de adorar a alguien, te sientas y meditas. Si sientes que debes decir algo, te paras, lo dices y te sientas. Era más sobre reflexionar. Si había algo que enseñar era que Dios estaba en cada uno, y que cada uno tiene el potencial.

“Le imploro a la gente que diga lo que piensa y camine sus propios caminos. Yo construi el mundo en el que queria vivir.

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SAN TIG

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A pesar de toda la meditación, hay momentos tormentosos en el álbum – “The keepers” habla sobre una casa que se quema, “Disparate youth” habla sobre la rabia de la gente. ¿Cuál fue la mentalidad general en el disco?

Estoy viviendo el mundo. Es muy duro sin importar la meditación que hagas. Hay muchas cosas que están pasando – como el clima. El petróleo se derrama y hay proliferación nuclear. Luego tienes cierta tranquilidad de los reality shows y programas en donde cantan. Las cosas se están destruyendo. Quería ponerle un punto final a todo.

Sigues siendo una niña a tus 35 años, pero en “Disparate youth” hablas sobre jóvenes creando su propio universo sin basarse en lo que ha habido antes de ellos. En “Big mouth” le dices a los niños que formen sus propios valores. ¿No los quieres de tu lado?

Sí, pero los niños deben seguir su propio camino para que tengan sus propios cambios. No deben seguir ninguna sombra. En “Big mouth” le imploro a la gente que diga lo que piensa y camine sus propios caminos. Eso fue lo que hice – construir mi mundo en el que quería vivir. Date cuenta de quién eres, no te preocupes sobre la falsa realidad que puedes construir en Facebook o Twitter. Sé capaz de entregar lo que reclamas.

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l a b a n d a d e u n s o l o H O M B R E Por KEVIN FRIEDMAN Fotos FRANK OCKENFELS

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SHINS

Al acercarte a la casa Victoriana de dos pisos de James Mercer, te das cuenta de que la propiedad pintada de blanco inmaculado en la que vive, es una obvia señal del éxito obtenido por el músico, algo a lo que muchos sólo podríamos llegar a tener acceso por medio de nuestros sueños. La hermosa mujer que abre la puerta se disculpa y explica que su hija está dormida, por lo que nos indica ir a buscar a su esposo en su estudio, el cual se ubica en la parte trasera de la casa, un granero remodelado con acabados de madera oscura y natural, con una escalera de caracol que nos lleva a un estudio lleno de instrumentos y equipo igualmente impresionante. Mercer abre la puerta y nos recibe amablemente. Viste una camisa de franela gastada, un gorro de invierno y tiene una barba de varios días.

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Desde el último álbum de The Shins, el nominado al Grammy, Wincing The Night Away, que debutó en el número dos de las listas pop de Billboard en 2007, Mercer ha sido un hombre ocupado. Con Danger Mouse, colaboró en el proyecto de Broken Bells; una placentera fusión de instrumentos programados y grabados en estudio y el estilo de manufactura de canciones de los Shins, lanzaron un álbum en el 2010 y un EP el año siguiente. Ha echado mano de su interés por la actuación y apareció en el filme independiente Some Days Are Better Than Others, así como un cameo para la famosa serie de televisión Portlandia.

Se escribieron canciones, se vendieron discos, se compraron casas y nacieron niños. Ahora The Shins están de regreso, pero con algunos cambios.

A pesar de las malas noticias en la prensa, en cuanto al reemplazo de Jesse Sandoval, Marty Crandall y Dave Hernandez (todos ellos miembros fundadores de la banda), Crandall y Hernández aparecen en el nuevo álbum de los Shins, Port Of Morrow; y de acuerdo con Mercer, continúan siendo amigos. Sin embargo, Mercer enlistó el apoyo de luminarias del indie como Janet Weiss (Sleater-Kinney, Wild Flag, The Jicks), Joe Plummer (Modest Mouse, The Black Heart Procession), Nik Freitas (músico de gira de la banda de Conor Oberst: Mystic Valley Band y Broken Bells) así como el productor Greg Kurstin. Ahora cuenta con Plummer, Yuuki Matthews (Crystal Skulls), Jessica Dobson (Deep Sea Diver, Beck) y Richard Swift como integrantes de apoyo.

Mientras Mercer sostiene que The Shins es una banda, también deja en claro que es y siempre será su banda, con elementos ensamblados para presentar sus canciones e ideas.

Durante la conversación, Mercer voltea la cabeza y aleja la parte superior del cuerpo; cuando comienza a responder a una pregunta, se vuelve y contesta con los ojos muy abiertos y sin pestañear. Aparentemente ésta es su primera conversación con una persona no involucrada con

U N A

la realización de Port Of Morrow y que ya ha escuchado el álbum por completo. Está genuinamente emocionado y curioso mientras discutimos cuáles canciones destacan.

Inspirado en su propia experiencia con la depresión de su pre-adolescencia, “It’s only life” es un mensaje de esperanza y confort; “September” invoca a la influencia del que el cantante de country y padre de Mercer tuvo en él. Otros grandes himnos que celebran la música pop son “Simple song” y “For a fool”, quizá la mejor del álbum y excelente ejemplo de la habilidad compositiva de Mercer.

Port Of Morrow resplandece como una producción brillante que más que ser un mixtape que cambiará tu vida, ocupará un lugar privilegiado en las listas de popularidad de la radio. A diferencia de los discos anteriores de The Shins, este álbum fue lanzado a través del propio sello de Mercer –Aural Apothecary– en vez de Sub Pop. En esta producción encontramos numerosas canciones con una profundidad de emociones, construidas en torno a melodías pegadizas. Los fanáticos en busca de cambios, encontrarán muchas cosas que amarán en esta nueva producción en la que en muchos aspectos es y siempre ha sido, la banda de un solo hombre.

C O N V E R S A C I Ó N c o n

JAMES MERCER ¿Existe alguna temática en Port of Morrow?

Los temas en este disco son el amor y la muerte. “Simple song” es una canción de amor. “September” también lo es. Existe otro tema, que puede ser sobre la depresión o gente atravesando por momentos difíciles y el cómo es que sales de todo eso. “It’s only life” trata acerca de eso – tener a un amigo que lucha por mantenerse positivo. “Fall of ‘82’” trata de cuando era niño y pasé por un periodo muy malo de depresión.

“It’s Only Life” sobresale porque tiene un sonido clásico de los Shins. Es como esa impotencia que tienes al ver a alguien pasar por un mal momento y desearías sacudir para que saliera de ahí. Pero realmente no hay nada que puedas decir. Para mí es más un cambio fisiológico lento.

Cuando finalmente sales de ahí te das cuenta de que no sucedió automáticamente o por alguna estúpida frase religiosa que alguien te dijo, sino porque tu cuerpo cede o la química de tu cerebro se ajusta.

En “For a fool” hablo sobre una persona frustrada, no sólo porque su relación tronó, sino porque siente que su confianza se hizo añicos y porque siente que lo han utilizado un millón de veces y de millones de maneras

distintas. Ha sido estafado, engañado por la sociedad en general. Creo que en ciertas frases me refiero a mí mismo. ¿Cómo es que sientes que eso te ha sucedido?

Es una dramatización en cierto grado, pero veo a ese personaje como alguien que ha sido engañado, que fue orillado a seguir un trayecto en una relación donde acaba siendo botado. Me gusta la idea de que en algunas ocasiones eso nos pasa a todos. He notado que algo estremece mi confianza –algo en algún momento de mi vida– y de repente, de manera extraña otros momentos de mí comienzan a dudar de ciertas cosas. Así que este personaje tiene esta tremenda preocupación existencial acerca de la vida en la que siente que en cierta forma se comportó como un imbécil. ¿Qué nos puedes decir sobre las canciones del álbum que hablan de la muerte?

Una línea de la canción “Port of Morrow” terminó siendo el título del álbum. Utilicé esa frase para representar a la muerte –ese punto de partida que todos tenemos a futuro. No sabemos exactamente a dónde nos lleva, pero tenemos algunas ideas sobre esto. Port Of Morrow es de hecho ese lugar. Es ese horrible sitio industrial.

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en portada

SHINS Cuando terminamos la gira, pasamos por este lugar camino a Oregon. Hay un pequeño letrero que dice: “Port of Morrow “, y había algo de ese pequeño letrero, que desató mi imaginación. Para mí, terminó siendo una metáfora de la muerte.

Escogí “The rifle’s spiral” para que fuese la primera canción, porque es mi favorita. Leí un artículo acerca de un hombre joven que fue reclutado como un terrorista suicida. Estuve pensando en todo este asunto y lo que debe significar y lo desesperado que debes estar –aparte de todo lo perverso que envuelve a este tema. La idea de la violencia religiosa es tan oscura y fascinante. ¿Estos temas están en todo tu material, desde tus primeros discos con Flake, Flake Music y el material de inicio de los Shins, hasta ahora?

Al parecer pienso mucho en lo que significa el ser humano que piensa y duda y tiene conflictos con la mortalidad. Para mí es fascinante cómo la gente se crea sus propias ideas respecto a estos temas y cómo es que suceden. Estoy encantado con las personas a las que no les importa la verdad. Siento como si fuera una de las pocas cosas que los humanos podemos hacer y que hace la diferencia del resto del reino animal. Me sorprende que haya tan poca gente interesada en esto.

Tuvieron cambios de alineación hace un par de años y los integrantes originales fueron reemplazados, teniendo como resultado algunas notas de prensa negativas. ¿Consideras que esto fue una respuesta injusta?

Si eso fuera cierto entonces Dave y Martin no serían

mis amigos. Una de las cosas importantes es que han pasado cuatro años, ha sido un largo tiempo. Fue difícil para ellos mantenerse al tanto, el estar esperando.

Es difícil para mí. Después de trabajar con Broken Bells y salir un poco de mi caparazón con otros músicos, yo no quería dejar de lado todo eso. Realmente sentí cierta liberación haciendo eso y creo que lo necesitaba. Creo que tenía que emocionarme de nuevo por tocar y componer música. Así que esa es otra razón para ello. Por otra parte, Dave y Martin parecían entender que éste siempre ha sido mi proyecto musical y que íbamos a trabajar juntos cuando tuviese sentido.

Platícame de la transición de Flake a The Shins. ¿Es básicamente la misma banda, no?

Terminó siendo eso. Primero éramos nada más Jesse y yo, eso era The Shins. Recuerdo que en nuestro primer concierto abrimos para Cibo Matto.

Flake salió de gira y nos reunimos aquí en Portland.

Dave Hernández, que estaba en una banda llamada Scared Of Chaka, me preguntó en ese momento: “¿Puedo tocar el bajo en tu banda?”. Le respondí: “Claro. Adelante.” Así lo hizo durante algún tiempo hasta que se mudó a Nueva York. Así que llegó Neal (Lagford) en su lugar, y antes de que me diera cuenta, fue de nuevo Flake. Pero era sólo para tocar en vivo. Durante las grabaciones teníamos invitados y algunas de las canciones las hice yo completamente.

Así es como han sido The Shins. Aunque siempre traté de que pareciera como una banda. Como oyente hay algo en esa idea del cantautor que no es tan atractiva para mí, en comparación con algo como The Beatles. Yo no quería que pareciera como si yo fuera un cantante y compositor que salía de gira con una banda de músicos.

Quiero conocer la verdad. Es una de las pocas cosas que los humanos pueden hacer y que nos hace especiales y diferentes al resto del reino animal.

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¿Aún te sientes así?

Sí, aún me siento así. Con los que estoy ahora, les digo “escuchen el disco. Existen ciertas cosas que queremos que sucedan. Pero tenemos que interpretar y hace cóvers de las canciones”. Los músicos de apoyo realmente cambian las cosas y se apropian de ellas y eso me encanta. Así que es una banda que experimentas cuando nos ves tocar en vivo. Siempre ha sido así, incluso desde el primer disco. Nos escuchamos como una banda de cóvers del álbum. ¿Cómo difiere la forma en la que escribes y grabas con The Shins a la manera en la que lo hiciste con Broken Bells?

Principalmente, me siento y escribo todo. Con Broken Bells comparto estas labores con Brian (Danger Mouse).

Cuando estaba componiendo en la guitarra o el piano, yo cantaba y trataba de encontrar una buena melodía. Fue básicamente Brian y yo tocando todos los instrumentos.

En cuanto a The Shins, puedo usar a quien yo quiera. ¿Fue un alivio tener a alguien quien te ayudara con la composición de las canciones?

Lo fue. Con Flake escribíamos todas las canciones juntos mientras bebíamos cervezas en el sótano. Fue en verdad una banda de garaje. Todos nos reuníamos para presentarle a los demás lo compuesto y expresábamos nuestras

opiniones y luego componíamos juntos, lo que era bastante divertido. Pero no fue tan exitoso para nosotros.

Lo fue cuando realmente sudé y trabajé en las canciones; y me aseguré de que las cosas fluyeran de una manera placentera en la cual tuviera éxito con ellas. ¿Tienes algún compositor favorito?

Tendrían que ser de bandas británicas de la década de los sesenta. The Beatles eran estupendos, así como The Zombies. Incluso The Rolling Stones son mejores escritores de lo que yo creía. Yo crecí escuchando la música country.

Mi padre era cantante de un club nocturno y tocaba canciones country. No sé cuántas noches me quedé dormido en una cabina en un bar, rodeado de humo y alcohol. En secreto, deseo y espero que algún día una de mis canciones se convierta en un cóver versión country. ¿Existe algo específico que quieras que la gente sepa de The Shins y esta nueva producción?

Espero que la gente la escuche con una mente abierta y que no se preocupen demasiado por los cambios de alineación que han ocurrido en los últimos cuatro años, que entiendan que The Shins siempre ha sido esta cosa que gira en mi entorno y que involucra a personas de todos mis círculos amistosos.

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A R T E

La búsqueda del conocimiento y la inocencia Por ESAMIPAU!

El mundo se divide en dos: investigadores científicos y pensadores originales. Entre estos dos grupos, obviamente existe el gran punto medio (o el lugar común); sin embargo, son aquellos personajes que habitan en los dos extremos que se muestran como chispazos de luz, los cuales nos deslumbran como si se reflejaran directo en un espejo.

y realizaba proyectos en su estudio, donde un muy joven venado ayudaba; “en mi mente siempre era lo mismo el hacer arte y diseño. Él como fotógrafo hacía foto comercial y su propio rollo. Cuando entré a la carrera, me trataron de decir que el diseño no es arte… y yo no les creí mucho”.

En lugar de quedarse en la superficie, Vena2 se ha encargado de sumergirse en un mundo de mitologías, símbolos universales, semiótica y explicaciones a fenómenos que muestran algo más allá del mundo científico. Pero sobre todo, Vena2 busca llevar un mensaje de paz que pueda cambiar la conciencia colectiva.

Recién iniciada su carrera, Vena2 decide mejor ir a conocer una escuela de animación en Los Ángeles que le llamaba la atención. Así terminó en Tijuana con su prima, cuyo esposo lo llevó a dar una vuelta por el barrio: “¿A qué quieres ir a Disneylandia? ¿Los Ángeles, qué? Aquí está Disneylandia, aquí está todo. Justo en ese entonces, él estaba iniciando con sus cuates Nortec, acababan de hacer la primera canción”. Ese tío político es Fritz Torres, quien desde el principio se ha encargado de la parte visual del colectivo tijuanense. Entonces, se dio cuenta de que su interés estaba más ahí que en la animación, pues se acercaba mucho más a lo que había estado expuesto toda su infancia: aquella delgada línea entre el diseño y el arte.

Desde muy pequeño, Vena2 recuerda sentirse atraído por el dibujo y aquel sentimiento que él denomina como “comezón creativa”. Aunque muchos docentes del diseño insisten hasta el día de hoy que el diseño no es arte y viceversa, Vena2 siempre vivió en esa línea donde ambas disciplinas conviven, gracias a su padre que era fotógrafo

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A R T E

Como buen artista/diseñador, Vena2 empezó a buscar referencias visuales que le resultaran atractivas y justo se encontró con personas como Shepard Fairey (Obey) o Geoff Mcfetridge, cuyos trabajos tenían ciertos cuestionamientos detrás. “Mcfetridge pertenecía a un grupo de artistas que empezaron a hacer una exposición llamada ‘Beautiful Losers’, que hace poco tuvo una proyección en la Cineteca. Cuando todo este movimiento empezaba, yo vivía en Los Ángeles y vi cómo ellos armaban sus propias exposiciones. Fue entonces que yo decidí armar las mías.”

Más adelante conoció a Edoardo Chavarín (creador de NACO) y bajo su dirección diseñaron discos de Liquits, Molotov y Juanes. “El 2000 fue mi primer Coachella, en ese entonces no era tan grande y fui con mis amigos de Tijuana, porque fuimos a ver a Nortec. En 2003, colaboré con Edoardo en el merchandising del festival.” Una ventaja que tuvo Chavarín fue que podía poner un stand de NACO donde vendían los productos de esta marca.

Entonces surgió la idea de incluír una colección de playeras diseñadas por algunos artistas que admiraban.

Vena2 regresó a México en el 2006 y desde entonces ha expuesto en Border (D.F.), Tokio, Nueva York (con el proyecto

Honesty); hizo otro disco para Liquits (Kimono en llamas y el regreso de los insectos); y un proyecto para la fuente del nuevo Monumento a la Revolución que desafortunadamente no se logró concretar.

Actualmente Vena2 trabaja en tres proyectos que ocupan la mayor parte de su tiempo: Orugas Generadoras de Alimentos (una suerte de Chia Pets gigantes llenas de nutrientes para las plantas, que se realizan en talleres para niños); una exposición con mandalas florales que en realidad son recetas para sanación; y Soy Paz. Esta última una campaña a nivel nacional que busca fomentar la paz en México con una teoría muy interesante acerca del agua y como nosotros, en efecto, somos agua (ver End Note). Entre todas las acciones que Vena2 busca incluir en Soy Paz está colocar un mural hecho de espejo en cada ciudad violenta de nuestro país.

Es así como Vena2, este diseñador oriundo de León, ha ido construyendo un discurso gráfico propio basado en sumergirse un poco más en la profundidad del mundo y observar cómo se refleja en espejos, cuyo poder le permite ver una realidad que él puede moldear a su gusto, para después mostrársela a quien esté dispuesto a cambiar de conciencia.

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TRIBUTO

Renacer una plática con

Jimmy cliff Por KEN SCRUDATO Foto GREG WATERMANN

La película The Harder They Come lanzada en 1972 catapultó al fenómeno musical de 24 años, Jimmy Cliff, al reconocimiento internacional. Cliff llegó a tierra inglesa en 1964. Una generación de jóvenes de la post guerra, electrificados por el rock and roll y entusiastas por sacudirse la estirada y recalcitrante cultura (sin mencionar su racismo) de la vieja guardia, tomó los sonidos del reggae con un desenfrenado fervor.

Cuarenta años después, Cliff es una leyenda mundial y uno de los pocos artistas de reggae en el Salón de la Fama del Rock and Roll. Su influencia impregna a la música moderna, la política y espiritualidad, gracias a sus canciones que han sido retomadas por Keith Richards, Paul Simon, New Order, Madness, Bruce Springsteen y Rancid. Lo último de Tim Armstrong trajo de vuelta a Cliff de la hibernación musical luego de siete años. El resultado es un exuberante y edificante álbum titulado Re. Birth.

Con Armstrong como productor, Re. Birth es un documento veraz del largo camino musical de Cliff, una creación retromoderna que retoma a “The guns of Brixton” de The Clash, una canción que seguramente lo inspiró, mientras brinda una versión de “Ruby soho” de Rancid, la cual, en cierto sentido, lleva a Cliff a este mundo de justicia torcida (“Children’s bread” sentencia la codicia de Wall Street) y lo balancea con mensajes de júbilo sobre la esperanza, como lo hace en la canción “Blessed love”. La crujiente producción de Armstrong atiende brillantemente el primer trabajo de Cliff, sin llegar a empalagar por ser retro. ¿Re. Birth(rencimiento)? Cliff probablemente asegura que lo tendrás si realmente lo quieres.

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TRIBUTO

una plática con

Jimmy cliff Cuando te mudaste a Londres, ¿sabías que los ingleses estaban aceptando el reggae?

Cuando fui a Inglaterra toqué en muchos clubs y descubrí que había mucha gente interesada en el reggae.

Y después las bandas punk te citaron como una influencia. ¡Sí! Influenció a muchas bandas como The Clash. Una de las últimas canciones que Joe Strummer grabó fue conmigo en mi último álbum.

Fuiste la última persona que trabajó con él. ¿Cómo se comprometía con los demás?

Bueno, no tuvimos realmente la oportunidad de sentarnos y hablar antes de grabar. Sólo unimos nuestros caminos.

Los disturbios del año pasado en Londres sucedieron cuando estabas grabando el disco. ¿Escribiste “World upside down” reaccionando a ello?

Fue algo que me conmovió por vivir en Londres. Soy muy sensible a ese tipo de cosas. Pero no fue sólo ese incidente el que inspiró la canción. Yo escribo pensando en mí mismo, en el centro escuchando el eco de las voces de la gente.

El reggae señala tanto las injusticias como las cosas positivas…

Absolutamente. Si apuntas hacia algo que no es justo, debes tener algo con qué reemplazarlo. Debes señalar algo positivo por medio de un mensaje positivo.

TIM ARMSTRONG CON JIMMY CLIFF DURANTE LA GRABACIÓN DE RE.BIRTH

Tu cover a “The guns of Brixton” de The Clash habla sobre los disturbios de 1981. ¿Ves algún paralelo entre lo que pasó en ese entonces y ahora?

Sí, pero esto no sólo sucede en Londres, sabes. “The guns of Brixton” puede ser “Guns of Miami” ahora. Por eso decidimos regrabar este tipo de canciones. ¿Cómo fue el trabajar con Tim Armstrong?

Fue muy inspirador porque se siente como si el disco lo hubiéramos grabado en los sesenta o setenta. Olvidé muchos de los sonidos e instrumentos que usaba en ese entonces, así que los trajimos de vuelta. ¿Te rehúsas a usar mucha tecnología?

Sí. Cuando me di a conocer internacionalmente había muchas expectativas en mí, especialmente en Inglaterra.

Me fui a los estudios Muscle Schoals para grabar algo completamente diferente. Por eso creo que hay un capítulo incompleto en mi carrera. Por eso volví a él. ¿“Our ship is sailing” trata sobre revitalizarse artísticamente?

Definitivamente. El álbum trata sobre el renacimiento como artista y hombre y también sobre el mundo, porque veo que estamos entrado a una nueva era de energía. Había una canción (del musical Hair de 1967) llamado “Aquarius”, y ese era sólo el amanecer. Ahora realmente estamos viviendo ese cambio. Estamos a punto de entrar en una nueva era, una nueva energía.

Foto Bonita Pietila

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REVIEWS

THE SHINS Port Of Morrow

Sony

82%

Port Of Morrow es una transición para The Shins. El cuarto álbum de este ensamble de Portland al que le encanta jugar con la arquitectura pop, es el primero en cinco años y el primero que editan fuera del que fuera su hogar discográfico, Sub Pop. También es el primero en donde participa el tecladista Richard Swift (junto a otros nuevos miembros) y el que marca el regreso del Shin principal, el cantautor James Mercer, de su viaje espacial soul en Broken Bells al lado del productor Danger Mouse. Mercer trajo algo de ese nuevo aire y de percusiones metálicas de Broken Bells a Port Of Morrow, pero no lo suficiente para quitarle a The Shins su toque indie distintivo en la guitarra. Aún queda la lírica y la forma triste de cantar, pero está inyectada de energía eléctrica (que se nota en el sencillo “Simple song”), así como un nuevo sentido de escalas (sobre todo en “September”). Lo que Mercer quiso decir en sus canciones puede ser ocasionalmente críptico, pero no comete errores en su profundidad emocional, como sucede en la elegante “It’s only life.” A.D. AMOROSI

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REVIEWS

DESCARTES A KANT Il Visore Lunatique Intolerancia 80%

Se ha perdido la tradición de comprar un CD cuyo arte esté armonizado con todo el concepto musical de un álbum. Esto se debe en gran parte por la música digital, por lo que es difícil encontrarse con esfuerzos que realmente valgan la pena comprar o simplemente escuchar. Descartes a Kant aprovechó todos los obstáculos que se le atravesaron para llegar a su segunda producción para ir puliendo y detallando a la perfección su Il Visore Lunatique, el cual está primordialmente inspirado en textos de la escritora independiente estadounidense Victoria Dickens, en cuyo blog escribe algunos párrafos que en general tratan sobre las ventajas de ver la vida a través de locura. Bajo esta línea crearon un paquete auditivo y visual que no niega su herencia ruidosa y que le agrega algunos elementos de musicales de Broadway; parte de esto se debe a que entre sus planes está el transformarlo en una pieza escénica. ANDRÉS DÍAZ

Este disco es otra destacada entrega del proyecto electro de los originarios de Brooklyn.

I Love You, It’s Cool es un hábil viaje –tan difícil de llevar como lo incómodo que puede provocarte el título del disco. Es un empujón a la pista de baile gracias a “The reflection of you”, la cual te lleva a una pared de percusión con sintetizadores influenciados por los ochenta. ¿Qué podemos decir de las altas ambiciones de este álbum? “¡Descontrólate!” justo como lo pide su líder Jon Philpot en “World of freakout”. No se preocupen si lo hago. LAURA STUDARUS BEAR IN HEAVEN I Love You, It’s Cool Dead Oceans /Hometapes 88%

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REVIEWS

CARLA MORRISON Déjenme Llorar Intolerancia 75%

THE MAGNETIC FIELDS Love At The Bottom Of The Sea Merge 85%

LEE RANALDO Between The Times & The Tides Matador 86%

A manera de despedida de su vida privada y de los recuerdos que la venían atormentando, Carla decidió grabar en su natal Tecate, Baja California, un álbum que mostrara directamente lo que sentía, no sólo en cuanto a letras, sino musicalmente también al mantenerse en una auto-limitación de instrumentos para reemplazarlos con lo que pudiera y así aumentar la creatividad musical. Para lograr este gran reto, se acompañó de Juan Manuel Torreblanca y del chileno multiinstrumentista Andres Landon. El disco es una sacudida emocional de relaciones fallidas y de ver hacia delante, ya que al cerrar ese capítulo de su vida, se mudó la ciudad de México para crecer a tal nivel que recientemente tuvo una fecha en España al lado de Natalia Lafourcade, como resultado de llenar recintos cada vez mayores en el D.F. Carla logra exponer sus sentimientos como nadie más, de ahí que sus fans sean muy aguerridos y que haya una relación honesta y directa con ellos por medio de canciones como “Eres Tú”. ANDRÉS DÍAZ

The Magnetic Fields podrían estar destinados a vivir por siempre debajo de la sombra de su álbum icónico 69 Love Songs; sus últimos álbumes tratan conscientemente de hacer algo diferente en cuanto a concepto y sonido, provocando opiniones diversas en sus escuchas sobre qué tan exitosos son estos discos. Con Love At The Bottom Of The Sea, Stephin Merritt trata de frenar esos pensamientos para concentrarse en lo que hace mejor –escribir canciones infectadas de pop– mientras regresa a su sonido de sintetizadores, del cual la banda se distingue. No está tan lejos de esta sombra, pero no opaca a este álbum ni un poco. JEFFREY BROWN

Este disco estuvo hecho totalmente con la mentalidad guitarrera del integrante de Sonic Youth, Lee Ranaldo, pero aún así no escucharás la variedad de sonidos que provienen de su guitarra de seis cuerdas que esperabas. A veces suena como si Hendrix utilizara un theremín, el resto del tiempo suena como un llanto lúgubre de satélites solitarios. Ranaldo y su séquito de amigos extraños emiten chirridos frenéticos gracias a sus pedales a través de atmósferas nubladas creadas por una increíble banda. Las canciones son completadas por turnos entre una furia melodiosa que resulta muy atractiva. LOREN AUDA POIN

Durante su muy diversa carrera, Yann Tiersen nos ha provisto de inolvidables ambientes que han derivado en la película Amélie, así como en colaboraciones con iconos como Jane Birkin y Liz Fraser de Cocteau Twins. El nuevo álbum del francés lo ubica en un estado très existencial ya que se percibe en sus canciones, hermosas tormentas de tiempos inquietos (“Another shore”, “The gutter”). La labor de mezcla del productor de Sigur Rós, Ken Thomas, se mezcla mágicamente con las capas aurales y densas de Tiersen, haciendo cada canción un viaje a través de un bosque de emociones. KEN SCRUDATO YANN TIERSEN Skyline Anti82%

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REVIEWS En su tercer álbum homónimo, el quinteto de San Diego lleva la energía vibrante de su rock enardecedor a un nuevo nivel. Ascendiendo de cuatro partes de armonías sobre sampleos de baterías eléctricas y elevadas guitarras, hacen que valga la pena el ataque que una vez fue familiar y atemporal. Hay algo de Springsteen en los coros, algo de Neil Young en sus momentos más tranquilos. Si se supone que estas canciones te harán sentir bien, seguramente funcionarán para ello. ANDREA BUSSELL DELTA SPIRIT Delta Spirit Rounder 85%

Desde su formación en 2003, la agrupación folk rock de Toronto ha hecho cuatro discos de larga duración, de los cuales ninguno fue realizado en un estudio de grabación, ya que optaron por grabar en graneros abandonados, iglesias, lugares históricos y castillos renovados. Para esta quinta producción, la banda por fin rompió la tradición. El resultado es un álbum placentero, pero no hace lo suficiente para sobresalir del resto en un mapa donde hay muchas bandas del mismo género. MIKE HILLEAR GREAT LAKE SWIMMERS New Wild Everywheret Nettwerk 74%

THE MARS VOLTA Noctourniquett Warner Bros.

67%

Anticipando la reunión de At The Drive-In, es mejor pensar que la sexta producción de The Mars Volta es la última depuración antes de que el vocalista Cedric Bixler-Zavala y el guitarrista Omar Rodríguez-López, se junten con su anterior banda. O tal vez es mejor no pensar sobre eso después de todo. Como sus antecesores, Noctourniquet es un álbum concepto sobre fregaderos de cocina y pésimos baúles que no tienen sentido en lo absoluto. Es un desastre –a excepción de algunos pedazos (“The malkin jewel” es una decepción que era de esperarse como el mismo título lo describe), pero lo que es mejor es que estas canciones pueden ser los últimos gritos de dolor de la identidad desinhibida de estos chicos. DOM SINACOLA

Si buscas algo para bailar, no lo hagas más y escucha a Tanlines, aunque los resultados puedan resultar un tanto diferentes. El álbum debut de Eric Emm y Jesse Cohen de Professor Murder, tiene muy buenas canciones para una agresiva y larga fiesta (o travesía); tal vez sea por el valor de producción exquisito de las manos de sus creadores y del ingeniero de mezcla, Jimmy Douglass (Timbaland, Aaliyah). Es difícil saber qué es lo que más nos gusta de toda la colección de ritmos parcialmente-nublados-después-del-atardecer e influenciado de los ochenta. KENDAH EL-ALI TANLINES Mixed Emotions True Panther 75%

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END NOTE

SOY PAZ

Texto e Ilustración:

Vena2

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Es un movimiento para incentivar la Paz en México. Es una campaña nacional para despertar conciencia donde la naturaleza del agua y su capacidad transformadora son la base para el cambio de ésta.

Diversas investigaciones alrededor del mundo demuestran que el agua es sensible a los estímulos. Siendo agua más del 70 por ciento de nuestro cuerpo y de nuestro planeta, somos en esencia lo mismo, somos agua.

El símbolo universal de la Paloma nos recuerda el anhelo de vivir en paz; el agua es el espejo de la naturaleza, por eso esta paloma invita a reflejarnos en la paz; por ello la afirmación de SOY PAZ. Te invito a conocer el proyecto en www.soypaz.mx.