FILTER México #6

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El rodillo islandés…

Muchos podrían pensar que el regreso de Sigur Rós sería con un disco diferente a lo que nos ha tenido acostumbrados la banda islandesa, pero lo cierto es que vuelven a ponernos los pies en la tierra y recordarnos por qué son uno de los grupos más queridos en nuestro país y aclamados en Europa, gracias a esa melancolía que los ha caracterizado.

Debido a la importancia que tiene Sigur Rós, decidimos tenerlos en portada, además de traerles de primera mano lo que piensan sus integrantes, quienes no dejan de soñar y, sobre todo, siguen siendo partícipes de una escena que cada vez nos ofrece más y más propuestas.

Con Valtari (rodillo en español), Jónsi y compañía nos permiten viajar con ellos a un mundo que muchos quisiéramos habitar en estos momentos, donde hay tranquilidad, atmósferas musicales perfectas y un sinfín de buena vibra. Se les agradece.

Asimismo, tenemos una serie de charlas con grupos como Vicente Gayo, con quienes estrenamos sección y por fin regresan con nuevo disco, lo mismo que Alabama Shakes, Grimes, Florence + The Machine y Nite Jewel, entre otros proyectos que están generando ruido —en el buen sentido de la palabra— y que es imprescindible que los lectores de FILTER México conozcan y sigan.

También traemos una exclusiva con Molotov y Olallo Rubio, quienes nos platican de Gimme the Power, este rockumental que se dio a conocer en momentos pre electorales… nada más para recordar de qué van algunos políticos y cómo se ha defendido la escena de nuestro país ante la censura.

No queda más que darles la bienvenida a nuestra sexta edición, en la que sigue prevaleciendo la buena música para tus oídos.

Milton Barboza Arriaga

- C O N T E N I D O EN PORTADA

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SIGUR RÓS

PAISAJES SONOROS

/ 10 /

ESTONIA

LES PRESENTAMOS A…

/ 12 / 13 / 14 / 15

LOS ROMÁNTICOS DE ZACATECAS NITE JEWEL JUAN CIREROL ALABAMA SHAKES

YA DEBERÍAS CONOCER A…

/ 16 /

SUN KIL MOON

ESTACIÓN F

/ 18 /

POLIÇA

DE VISITA CON…

/ 20 /

VICENTE GAYO

PRINCIPALES

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BEAR IN HEAVEN FLORENCE + THE MACHINE GRIMES MOLOTOV

22 24 26 28

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ARTE

/ 38 /

EL GRAND CHAMACO

TRIBUTO

/ 40 /

MCA DE BEASTIE BOYS

1.FILTER

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VOL. 1, NO. 48, SPRING 2012.

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Para ver el resto de los lugares en donde nos encontrarás visita: www.filtermexico.com

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USA JUEGA DISFRUTA

Por PAOLA ROMO

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dickies

Uso rudo pero con estilo

Trabajar no implica tener puesto un overol lleno de evidencias de pintura, pero sí alguna prenda cómoda, algo así como el pantalón de trabajo Dickies Slim Straight Fit. Éste, además de ser realmente cómodo, es resistente a las arrugas y súper fácil de desmanchar. El corte slim se ajusta perfecto al cuerpo de un hombre trabajador que disfruta de la comodidad sin perder el estilo.

www.DICKIES.com

un

USB

muy seguro

A lo largo de la existencia del USB hemos visto cientos de modelos, tamaños, capacidades y figuras distintas. Bulavkus es el nombre que le ha dado el despacho ruso de diseño Artemy Lebedev al aún prototipo de este USB de cuatro GB que está adherido a un pin. Como cualquier otro segurito, se puede colocar fácilmente en la ropa haciéndolo accesible y casi imperdible.

Vans

sabor sandía

www.artlebedev.com

¡Sí! ¡Es primavera, hace calor, nos encanta la sandía y somos fans de Vans!

El modelo Vans Era Watermelon original de 2009 será relanzado esta temporada, y pues sí, ¿quién no quisiera usar el modelo bajo este insoportable calor? El color rojo, la suela verde y las pequeñas semillas harán de estos tenis uno de los objetos más deseados de la temporada. La sandía es tan 2012 y tan fresca que era obvio que regresaría.

www.vans.com 4.FILTER

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Pinball para iPhone

¿Se acuerdan qué divertido era jugar pinball en los salones de juegos? Ya habíamos visto un case para iPad que lo convertía en un auténtico pinball.

Ahora el case está disponible para iPhone con todo y los botoncitos, resortes y luces del clásico juego. Sólo es necesario conectar el iPhone, descargar la aplicación, que es gratuita, y pagar $35 dólares por el caparazón.

Ben Sherman en México

La marca inglesa Ben Sherman, popularizada por skinheads y mods gracias a sus entalladas formas y patrones a cuadrícula, ha llegado a México. Hace unos meses se presentó el showroom en la colonia Roma con el pretexto de la última colección primavera – verano 2012, titulada Brighton to Tokio, en la cual se mezclan elementos de la cultura japonesa con la ya clásica estética inglesa del brit pop. La marca será distribuida en nuestro país por Liverpool, Saks Fifth Avenue y boutiques especializadas.

www.bensherman.com

www.thefancy.com

Cocina como un

Wookiee

Givenchy ama a los rottweiler

Hubert es como Givenchy nombró al querido rottweiler que ha estado presente en muchas de las prendas y accesorios de la colección pre-otoño 2012.

El furioso cachorro ha aparecido en playeras —quizá la prenda más representativa de la colección, que fue popularizada por Kanye West, Rihanna, Usher y Liv Tyler—, tote bags, backpacks, sudaderas y, el último accesorio lanzado, un case para iPad. Algunas de las piezas están disponibles a través de eBay o en las boutiques de Givenchy.

www.givenchy.com The Star Wars Cookbook: Wookiee Cookies and Other Galactic Recipes es un libro de cocina que incluye alrededor de 27 recetas facilísimas. Tanto así, que las páginas son de un material totalmente resistente al agua, por si acaso le llegara a caer algún ingrediente. Entre éstas están las Wookiee Cookies, hotcakes de C3PO, paletas de Jedi, Boba Fett-uccine y Yoda Soda. Seguramente muchos estuvieron cocinando estos platillos el pasado día de Star Wars #Maytheforth. Pueden encontrar el libro en:

www.amazon.com 5.FILTER

ZONDA E VER

qué ¿¿con se come

Y la sustentabilidad

¿

Por BEGOÑA ORTIZ ARIZA de Las Páginas Verdes

La sustentabilidad se come con las manos, disfrutándola, como una manzana jugosa con chile piquín o como el pan recién salido del horno. A la sustentabilidad hay que gozarla, porque ser verde es aprovechar mejor la vida. Y cabe aclarar que ser verde no es ser hippie, sólo es ser un poco más conscientes de nuestras acciones.

Hoy en día, todo el que puede nos recuerda que le hemos hecho mucho daño al planeta y que, por ende, algo tenemos que hacer al respecto. A muchos nos encantaría ir a salvar ballenas a Japón, ser voluntarios para reforestar miles de hectáreas de bosques, e inclusive, recorrer en bicicleta las grandes distancias que hoy pasamos en el tráfico citadino. Todas estas acciones son muy importantes, pero casi siempre se complican demasiado. La buena noticia es que hay una solución mucho más cerca de nosotros.

De hecho, una buena parte de la solución está en la próxima compra que hagamos.

La realidad es que todos vamos a consumir algo en nuestra existencia y muchos no queremos cambiar nuestro estilo de vida 6.FILTER

porque ¡hasta disfrutamos las compras! La propuesta es que cambiemos la manera en la que tradicionalmente compramos por el consumo sustentable. Y te preguntarás: ¿eso qué?

El consumo sustentable es aquel que satisface tus necesidades pero no pone en riesgo la capacidad de otras generaciones para satisfacer las suyas. Es mucho más fácil de lo que parece, sólo debemos sustituir los productos que normalmente utilizamos por otros que no dañen el ambiente o artículos cuya repercusión sea menor que la promedio. Sólo pregúntate lo siguiente: ¿es imprescindible comprarlo o es un caprichito? ¿Compraré un producto que puedo sustituir con algo que tengo en casa? ¿Puedo hacer lo que necesito con algo que sí tengo? ¿Puedo sustituirlo con un producto que cuide el medio ambiente?

Lo que quiero dejar claro con este primer acercamiento a la sustentabilidad, es que no importa si eres un estudiante o un alto ejecutivo, una abuelita o una adolescente, ser sustentable es más fácil de lo que parece y todos deberíamos serlo, porque nos conviene.

7.FILTER

#

party4

Por ESAMIPAU! Fotos RODRIGO JARDÓN

A finales de abril celebramos nuestra cuarta FILTER Party en el Caradura. Los invitados para engalanar el escenario del lugar fueron Los Románticos de Zacatecas, una banda que desde 2007 ha buscado combinar rock con los elementos gruperos y románticos que han distinguido a México durante décadas enteras.

pit. Obviamente dentro de los temas a tocar había espacio para una de las canciones pertenecientes a su nuevo disco Ya Lo Dijo Rufis Taylor. Durante casi una hora, Los Románticos hicieron gozar a su público, que lo único que buscaba era disfrutar de un jueves con baile y música para empezar un fin de semana largo con el pie derecho.

Las personas empezaron a entrar a las 10 de la noche y el Caradura poco a poco se fue llenando de gente ansiosa de ver a esta banda que ha generado numerosos comentarios favorables alrededor de su trabajo. Ya cuando la casa estuvo llena, Los Románticos dieron inicio a un set lleno de rock y ritmo. El público que estaba notablemente alegre, bailó una canción tras otra y formaron un mini-mosh

No nos queda más que agradecer infinitamente a cada uno de ustedes su presencia, al igual que a los chicos de Los Románticos de Zacatecas por haber compartido una noche inigualable. Y por último, al Caradura por brindarnos el espacio. Esta fiesta ha sido todo un éxito para FILTER México. Esperamos que las siguientes sean igual de divertidas y agradables como ésta y las anteriores.

8.FILTER

CON

party5

BENGALA Por MILTON BARBOZA

Fotos JAIME FERNÁNDEZ

De nueva cuenta el bar Caradura de la colonia Condesa en la Ciudad de México vivió una gran noche. La edición número 5 de nuestra ya tradicional FILTER Party hizo que el lugar se llenara de gran forma, gracias a que Bengala se presentó con todo su poder sonoro.

Y la gente lo agradeció, ya que el grupo integrado por Diego, Sebastián, Jesús, Amauri, Marcos y Alexa, colaboradora de la banda en vivo, dio todo sobre el escenario, desde donde se escucharon rolas como “Carretera”, “Miente” y “Cárcel”, así como algunas de su más reciente disco, Sigue.

Todos los presentes cantaron cada una de las rolas junto con Diego, quien incluso (y gracias a la euforia del momento) cayó al estar cerca del público, pero todo terminó con mucha más emoción.

Como siempre es un gusto enorme poder convivir con ustedes y que además puedan disfrutar de las mejores bandas de la escena nacional como se debe: en vivo y en un lugar apto para sentirse entre amigos.

La FILTERParty#6 regresará a finales de junio y seguramente será memorable… muy pronto les compartiremos algunas sorpresas al respecto.

Good music will prevail…

9.FILTER

P A I S A J E S

S O N O R O S

Back to the Baltics 60

h o r a s

en

e s t o n i a

Por MIKE BELL Traducción MARA VARGAS

Después de 15 horas de viaje y una diferencia de horario de siete con respecto a Nueva York, mis aventuras internacionales comenzaron en el aterrizaje en Tallin, Estonia, una ciudad capital de 900 años de edad en el país báltico más septentrional.

Vine para el Tallinn Music Week. Ahora, en su cuarto año, el festival de conferencias y conciertos está claramente acelerando su paso, con más de 180 bandas en 27 escenarios a lo largo de tres días. La mayoría de las bandas eran de Estonia (¿quién habría dicho que son tantas?) y los países vecinos, tales como Finlandia, de donde hubo 15 actos. El verano pasado fui a Letonia para asistir al Festival Positivus, y aunque la capital de ese país, Riga, y Tallin están a sólo cinco horas por tierra, hay muchas diferencias culturales. Lo más notable es que Tallin inmediatamente se sintió un poco menos “post-soviético” en comparación con Riga. Estonia cuenta con una conexión cultural más fuerte a Finlandia que a Rusia, ya que Helsinki está a sólo un viaje de tres horas en ferri (también me dijeron que el idioma finlandés y el estonio son bastante similares, hasta el punto de que hablantes de cada idioma pueden entenderse entre sí).

Al llegar al hotel, después de recoger mi acreditación en el lobby, sólo tenía un par de horas antes de que el autobús viniera por los visitantes para llevarnos al Rock Café. Ahí veríamos a Rubik, banda indie-pop de Finlandia, y a Iris, una dulce y electro banda de Estonia (es ahí donde bebería la primera de muchas cervezas Saku a lo largo de mi viaje). El reloj marcaba que me quedaban 60 horas para absorber la mayor cantidad de cultura báltica posible. Rápidamente dejé mi maleta y me fui al “viejo pueblo”, que estaba a tan sólo unas cuadras.

RUBIK Por TÕNU TUNNEL

10 . F I L T E R

P A I S A J E S

S O N O R O S

IIRIS Por RUTH SOTNIK

Estar en Tallin se sentía como cualquier otra ciudad moderna de Europa: edificios altos, hoteles elegantes, centros comerciales, restaurantes finos y antros. Pero, por otro lado, la parte vieja era como regresar en el tiempo a la época medieval o, como los locales lo describen, “al mundo de los cuentos de hadas”. Mi caminata por esta parte de la ciudad, que fue fundada en 1154, se sentía bastante medieval: las calles de piedra me llevaron a un estrecho pasaje más allá de las casas y tiendas que datan al siglo XIII, a lo largo de la pared que bordea la ciudad hacia un castillo —sí, un castillo de verdad. Extrañamente está a una corta caminata del Depeche Mode Baar —un bar de verdad en el que sólo ponen Depeche Mode y está completamente decorado con memorabilia de la banda (le fue muy bien cuando en 2001 Depeche Mode enfiestó ahí antes de su concierto en Tallin).

A la mañana siguiente, los dos días de conferencia, parte del Tallinn Music Week, los abrió un discurso del presidente estonio Toomas Hendrik Ilves, que muchos delegados consideran el presidente más cool de la historia. Trabajó en Radio Free Europe en los ochenta, sabe mucho de música y es conocido por citar a sus artistas favoritos —Jello Biafra y los Ramones— en sus discursos. ¿Cuál será su siguiente movida: cantar las noticias?

IIRIS Por TÕNU TUNNEL

El siguiente día y medio pasó rápido, pero estuvo lleno de buena música en vivo alrededor del pueblo viejo. Lo más destacado fue Alina Orvola (Lituania), una dramática sirena, el dúo de rock experimental Mona De Bo (Letonia) y Diver (Austria) un trío folk. La gente del Tallinn Music Week me cuidó muy bien durante el fin de semana (muchas gracias a Helen, su equipo y todos nuestros nuevos amigos en Estonia), y sin darme cuenta, mis 60 horas se habían terminado; o en la nueva forma en la que voy a medir el tiempo, habían pasado cinco vueltas al catálogo completo de Depeche Mode. Gracias, Estonia, me cambiaste para siempre.

11 . F I L T E R

Les presentamos a...

LOS

ROMANTICOS deDEde de

ZACATECAS

enviarlalo

Por MILTON BARBOZA Fotos ANAIRAM

A lo largo de su historia musical, México se ha caracterizado por tener lugares muy específicos de donde salen la mayoría de los grupos. La centralización se ha convertido en un tema recurrente porque, en todos los ámbitos, la Ciudad de México funciona como el centro medular del país. Para fortuna de la escena, poco a poco dichos estándares han cambiado y hoy por hoy, bandas de diversos estados de la República se han posicionado como parte fundamental de la música creada en el país. Tal es el caso de Los Románticos de Zacatecas, quienes a lo largo de su corta pero fructífera carrera han enarbolado el rock creado en su estado y tenido muy buena respuesta en el ámbito nacional.

Toño, baterista, y Gerber, bajista de la banda, están conscientes de lo que significa salir adelante para dar a conocer su música. “Ya Lo Dijo Rufis Taylor es un disco que sacamos nosotros solos, es totalmente independiente; lo grabamos en León y lo mezclamos en el D.F. con Tito Fuentes (Molotov) en Topetitud. El arte lo armó Manzanas (vocalista del grupo) y tiene que ver completamente con Zacatecas; Rufis Taylor es un pregonero de la región que en la década de los setenta anunciaba obras de teatro y toquines. Además, el disco trae samplers que grabamos del mercado y de sucesos de la calle, los cuales metimos entre rola y rola”, afirma Toño sobre el segundo álbum de la agrupación.

El segundo material de Los Románticos mantiene el sonido que los ha caracterizado, en donde el punk rápido y certero genera dinamismo al momento de escucharse. Para Gerber, la esencia del grupo sigue siendo la misma. “El disco pasado fue el reflejo de lo que estábamos viviendo en ese momento musical y líricamente; éste representa un poco más las vivencias de venir mucho al D.F. y añorar la casa. No hay tanta diferencia en lo musical sino en la forma en que lo hicimos, porque nadie nos dijo cómo hacerlo o cuándo entregarlo, nos tardamos más o menos un año en terminarlo. Y no salió hasta que tuvimos el disco que queríamos”, explica el bajista.

El tema de la centralización es algo tan emblemático de nuestra sociedad, que no cambia —ya lo apuntaba Alan Riding en su libro Vecinos Distantes (1985) — que hoy sigue siendo una realidad y que en la música ha funcionado para afianzar el trabajo. Gerber explica la razón por la que hace un tiempo decidieron venir a la capital para fortalecer su carrera: “La cultura en México no es rockera. Entonces llegas al D.F. porque hay mucha gente para todos los gustos, gracias a eso podemos tener dos o tres shows buenos al mes. En Zacatecas podíamos hacer uno cada tres meses debido al funcionamiento de la ciudad, que te la acabas en poco tiempo. Y como aquí están centralizados los medios, se hace un parteaguas para que la gente te identifique”.

Toño también lo confirma: “La Ciudad de México es un boom debido a los medios, que te dan difusión para que puedas tocar fuera del D.F.; sin embargo, ahora pasamos por una época difícil en provincia porque no hay foros. A Zacatecas vamos y venimos porque se nos hace más fácil componer fuera del D.F. y allá tienes chance de palomear, pero nunca hubo, hay, ni habrá tantos foros. Siento que los lugares se están acabando por todo lo que sucede y por eso ahora tenemos a muchas bandas por acá”.

Ya Lo Dijo Rufis Taylor resulta una aventura por el proceso de buscar la trascendencia por medio de la calidad, de las ganas de triunfar en cualquier lugar. “Si quieres hacer algo lo puedes lograr, nunca tires la toalla. Este disco es muestra de ello, porque mucha gente se unió para que llegara lejos”; concluye Gerber sobre este trabajo que define a Los Románticos de Zacatecas como una nueva apuesta del Bajío mexicano por descentralizar el rock.

12 . F I L T E R

NITE JEWEL Les presentamos a...

Por PAMELA ESCAMILLA Fotos MATHEW SCOTT (CORTESÍA SECRETLY CANADIAN)

Nite Jewel es el proyecto de Ramona Gonzalez, quien se dio a conocer a través de MySpace hace algunos años con grabaciones que hizo en un cartucho de ocho pistas. En entrevista, la compositora definió su música como “una combinación de lo sensual y lo anguloso”, mientras que para el productor Damon Dash ella hace “música para tener sexo”.

“Es a la vez fría y caliente. Creo que mis lazos con la música electrónica alemana, así como con la música negra de Estados Unidos son una rara combinación, pero también son culturas que han lidiado con muchas adversidades”, explica Gonzalez sobre sus influencias.

Ramona también estudió filosofía y se ha desempeñado como artista multimedia. “Creo que mi música suena mejor cuando mi mente está pensando en arte y conceptos metafísicos. Encuentro las instalaciones muy inspiradoras para crear música”, reconoce la autora de temas como “Suburbia”, “She’s always watching you” y “One second of love”, quien también ha conformado una dupla creativa con su esposo, el productor y músico Cole M. Greif-Neill.

“Sus ideas sobre los tiempos y el ritmo se han infiltrado completamente en mi interior y se han convertido en una parte de mí”, reconoce la cantante.

Tanto ella como Cole son fans de Kraftwerk e inclusive interpretaron el Computerwelt en el Hard Rock Cafe de Hollywood el verano pasado. Esta influencia se nota sobre todo en One Second of Love, segundo LP de Nite Jewel, en el que asegura haber contado con más colaboraciones, mientras que Good Evening —su primer material de larga duración— fue algo más personal. “Trabajé mucho entre esos álbumes, había mucho que cambiar, grababa constantemente y me presentaba todo el tiempo. Estuve escuchando mucha música nueva también. Creo que fue en ese periodo en el que me di cuenta de que me podía convertir en una artista seria en la música y eso significa mucha experimentación y toma de riesgos”, aclara Ramona, quien actualmente escucha a Tears for Fears, Robert Palmer, Louis Armstrong y un poco de Daughn Gibson.

Dos viniles, tres EPs y dos LPs después de haber iniciado su carrera musical, Nite Jewel por fin se presentará en el Distrito Federal (Pasagüero) este 7 de julio, pero no te dejes llevar por el electro suave y cuidado de sus grabaciones, ya que Gonzalez asegura que en vivo —con una banda de cuatro integrantes— su música tiene mucho más punch y vísceras, así que promete hacerte bailar.

13 . F I L T E R

Les presentamos a...

JUAN

CIREr rol Por ANDRÉS DÍAZ Foto ÓSCAR VILLANUEVA

Uno tarda en darse cuenta de qué es lo que ha hecho hasta que se para y reflexiona sobre esto. Juan Cirerol hizo una reflexión con respecto a su radical cambio de vida al dejar una banda de punk para tomar una guitarra y componer canciones en las que narra lo que vive.

Ofrenda al Mictlán, su disco debut, comenzó como un homenaje a la ciudad de México y terminó siendo su entrada triunfal a la misma gracias a una serie de conciertos que nos recordaron lo básico de la música: alguien que se expresa por medio de canciones. A pesar de tocar en donde pudiera —desde pulquerías hasta bares—, su nivel de exigencia ha ido en aumento, pero no por rockstar: “Antes tocaba en la calle pero nadie me conocía. Ahora busco darle respeto a la gente, darles el mejor show”.

A un año de ese lanzamiento —y de ganar como Mejor Disco Solista y Folclore en los Indie-O Music Awards (IMAS) — lanzó Haciendo Leña, el cual tiene que ver más con el significado que le dan en el norte del país (algo así como patear traseros): “Grabé 25 canciones para este disco. Hay algunas que estaban compuestas desde antes y las saqué ahora porque hubieran dejado de retratar el tiempo que estoy viviendo”. Y la tendencia de grabar constantemente seguirá, ya que tiene pensado lanzar dos discos al año: “Me compré un bajo sexto, muy distintivo de 14 . F I L T E R

la música norteña, con el que estoy componiendo canciones aún más graves, incluso con mi voz”.

Juan está muy consciente de la creciente exposición que ha tenido, pero eso le ha ayudado a buscar un nuevo e interesante rumbo: “Me he dado cuenta de que hay mucha gente que consume lo que hago porque le gusta, por lo mismo he sentado los pies en la tierra. Estoy aquí para componer música y andar de fiesta, para vivir y escribir canciones netas y poéticas”.

Otra manera (filosófica, por así decirlo) en la que se ha planteado el papel que tiene como músico, ha sido la de no pensar en nada, porque nada tiene sentido: “Me han llegado indicios, al escuchar halagos, de cuál es la misión de mi vida. Prefiero pensar en que nosotros no servimos para nada y que lo que hacemos es sólo por gusto o por casualidad. Pienso que soy un artista del siglo XXI porque antes sólo lo hacían para vender discos, ahora no. Antes todos eran como dioses y ahora, gracias a internet, puedes hablar con ellos. Todo se bajó al nivel en el que se nos da el poder de hacer todo. Sabiendo eso, ¿qué tan especial puede ser uno? Ya nada es misterioso en estos días. Como artista lo que debo hacer es ser un carnal que les toca canciones”.

Les presentamos a...

ALABAMA SHAKES Por A.D. AMOROSI Traducción ANNA STEPHENS Foto AUTUMN DE WILDE

fue el momento en el que se dio cuenta de que Alabama Shakes alcanzó éxito con su escalofriante garaje R&B, responderá con otra pregunta: “¿alcanzamos el éxito?” Menciona la añadidura de “Alabama” al nombre original de su banda, The Shakes, y contesta que “se trataba de una pesadilla de un booking agent. Además, añadir “Alabama” era apropiado —es el lugar en donde la mayoría de nuestros recuerdos personales y como banda se encuentran.

Quedaba muy bien, ya que todas nuestras canciones hablan de nuestras experiencias de crecimiento”, contesta. “Muchas de las canciones hacen referencia a Alabama”.

Las sentimentales canciones de crecimiento y madurez de su EP homónimo editado en el 2011, y su primer álbum Boys & Girls son la caja de chocolates más añorada de nuestros sueños adolescentes y ruines experiencias narradas a través de la voz tipo Janis Joplin/ Poly Styrene de Howard. “Es un aullido y requiere de mucha energía”, se refiere a su habilidad.

Existe algo muy peculiar sobre la manera en que Brittany Howard de Alabama Shakes ve al mundo a partir de lo que describe como sus inspiraciones musicales. La afroamericana cantante de soul, guitarrista y compositora, gustaba de David Bowie, Bob Dylan y Bon Scott de AC/DC durante su adolescencia, porque cada uno de ellos eran excelentes narradores de historias. Cuando era una niña, Howard escuchaba a James Brown “por su forma de desenvolverse en el escenario”, afirma.

“En aquel entonces me gustaba eso, ahora también.”

Pero cuando discute sobre Famous L. Renfroe y su espeluznante álbum Children de 1968 –del cual poco se sabe, Howard se concentra en el individualismo a ultranza de Renfroe de cara a la soledad. “Fue el evangelio de este hombre lo que me aseguró que está bien saber hacer las cosas a tu modo.”

“Hold on” es un monólogo de su protagonista a través de sus problemas. “Estoy tratando de mantenerme bien, pero al mismo tiempo estoy cansada de esperar a que las cosas mejoren”, dice Howard sobre su lamentación. “I ain’t the same” habla de cuando te das cuenta de que ya no eres un niño y que nunca volverán a ser las cosas tan sencillas. “Un día trataba de recordar cuándo fue la última vez que me sentí libre de preocupaciones, y no pude recordar”, dice su compositora. “Me sentí muy triste porque sabía que era una etapa del crecimiento y ésta era mi forma de lamentarlo”.

Hasta ahora las canciones parecen autobiográficas. Cuando le preguntas sobre “You ain’t alone” y la forma en la que su narrador habla sobre el miedo, no podemos resistirnos a preguntarle a Howard acerca de sus propios temores y en quién pensó al componer esta canción. “Eres la primera persona en preguntarme eso”, dice Howard. “Esta canción fue escrita para mí”.

3 DISCOS

QUE INSPIRARON A ALABAMA SHAKES A HACER MÚSICA

Sin el afán de ser una Frank Sinatra o una Sid Vicious, “a su manera” es la única forma en la que Brittany Howard entiende cómo hacer las cosas.

La originaria de Athens, Alabama, de 23 años de edad es –como la mayoría de sus compañeros de banda– una punk rocker con rasgos del soul. Bandas como Kerosene Swim Team eran de su dominio y Howard encontró los músicos y colaboradores ideales para alcanzar su objetivo ruidoso.

FAMOUS L. RENFROE / Children

El bajista Zac Cockrell fue el primero cuando los dos estudiaban en el mismo colegio. “Inicialmente quería tocar con Zac porque él era el único bajista que conocía”, dice Howard. “Le gustaba música muy interesante, considerando nuestro entorno rural: Modest Mouse, At The Drive-In, T. Rex. Zac no tenía expectativas de nada y sólo quería tocar: era el elemento perfecto.”

THE ROLLING STONES / Sticky Fingers

Presiona a Howard un poquito más y pregúntale por las primeras personas que realmente contaban con lo que ella quería; responderá sin dudar: “Zac, Steve [Johnson, baterista de Alabama Shakes] y Heath [Fogg, guitarrista y último en unirse al grupo].”

Ellos fueron los primeros integrantes de la banda y, a juzgar por la manera en la que se expresan, serán los únicos. “Hasta que la muerte nos sacuda, ¿sabes?”

Howard es divertida y autocrítica. Si le preguntas cuándo

LED ZEPPELIN / Houses of the Holy

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Ya deberías conocer a...

Sun Kil Moon Por KYLE LEMMON Traducción benjamín espinosa Foto GABRIEL SHEPARD

Un atractivo de la música es que las canciones sobre el dolor y aislamiento ayudan a sentirnos mejor. En San Francisco, desde hace más de veinte años, Mark Kozelek ha proporcionado una salida para esos pensamientos. Fue el líder callado de Red House Painters, una de esas bandas que etiquetas como “slowcore”, hasta que puso ese proyecto a descansar. Desde entonces ha llevado una carrera en solitario como Sun Kil Moon.

Inspirado por su homónimo, campeón mundial de boxeo en dos divisiones, Kozelek admitió cambiar su nombre artístico para despertar la atención de los críticos. Pero también hay un significado más profundo. “Creo que hizo clic conmigo, es que es un deporte solitario” dice Kozelek. “Los boxeadores tienen a su equipo de esquina, pero es el cuello [del boxeador] el que está en juego. Parte de mi filosofía es que lo que vivo son las cosas que he recogido de los boxeadores y entrenadores como Teddy Atlas, Freddie Roach, Cus D’Amato y Floyd Mayweather”.

Fuera de ese cuadro alentador, Freddie Roach es el que inspira de forma particular a Kozelek. “Se levanta todos los días con su enfermedad de Parkinson y viaja por el mundo para entrenar a los combatientes. Pienso en eso cuando estoy cansado y me da fuerza. Tú lees libros sobre músicos, gente que se refugia todo el tiempo en hoteles y drogas. Uno lee sobre los boxeadores, chicos disciplinados con la ética de trabajo sólida”.

La conexión de Kozelek entre el boxeo y la música encaja en su última aventura. La quinta producción de Sun Kil Moon, Among the Leaves, se centra en la transición, una observación extrema, cómica y profunda de la naturaleza de mirada fija en las líneas amarillas sobre el pavimento.

Kozelek hace con amor sus canciones, algo ya escuchado sobre Admiral Fell Promises (2010), pero con un mínimo en la configuración de la grabación. “Para Among the Leaves, la puesta en marcha era una guitarra clásica Ramírez y ocasionalmente una de flamenco Yamaha, un micrófono vocal y uno para la guitarra”, dice Kozelek. “Me he simplificado en los últimos años. Grabamos directamente en ProTools. Me he cansado de las sesiones de grabación tradicionales, reservando un estudio”.

De la intimidad y la instrumentación analógica con la guitarra española, en Among the Leaves también hay reflejo en sus letras inquietantes. Las canciones pintan una representación dramática de un hombre desesperado atrapado entre los recuerdos de su casa en la bahía y los flashes de brillantez mientras jugaba 16 . F I L T E R

con sus devotos fans. Kozelek canta: “I’m half man, half alley cat”.

Es tanto declaración ruidosa como sentencia de muerte.

Por otra parte, la luminosa “Sunshine of Chicago” sigue a Kozelek como la consentida. En una melodía, él se agita con los recuerdos de las groupies en los noventa y de las enfermedades de transmisión sexual que molestan a su difunto padre. Hay un toque de humor negro en el disco. Kozelek no sufre o se preocupa de las críticas de la gente acerca de sus severas canciones, y eso es parte de su encanto cascarrabias.

Las historias se centran en fans que interrumpen, músicos que mueren jóvenes en su propia nostalgia. Sus letras en muchos álbumes se llenan de observaciones macabras. De hecho, Among the Leaves con “Song for Richard Collopy” se centra en la muerte. Una melodía hermosa, conmovedor tributo a un amigo de Kozelek de San Francisco, reparador de guitarras. “Trabajar con Richard fue tirarse los dientes, la verdad. Él realmente se tomó su tiempo.

Pero era un buen tipo y mi mejor recuerdo fue cuando recogí mi Gibson L-00. Él se fue pero la trajo de vuelta a la vida”.

El camino puede ser difícil para un guitarrista en 2012, pero Kozelek sabe que las giras, ventas de camisetas y concesión de licencias son las formas de ganar dinero. “Los CD probablemente se acaben para 2014, por lo que tendremos que acostumbrarnos a eso”, dice. “Las personas ya no compran música”.

Un trovador cansado toma todo esto hoy en día, al igual que sus fans lo hacen. Es su inspiración para seguir. “Me acuerdo de Cus D’Amato, entrenando a Mike Tyson y diciendo: ‘eres un profesional. ¡Tienes que salir allí, adaptarte y sacar lo mejor de la situación te sientas como una mierda o no!’ Nunca voy a olvidar esa cita. A veces estoy tocando en algunas circunstancias de mierda y quiero caminar fuera del escenario, pero creo en esas palabras y sigo”.

3 DISCOS

de Mark Kozelek que debes tener

Red House Painters / Old Ramon (2001)

Mark Kozelek / White Christmas Live (2001)

Mark Kozelek / Noches LP (2008)

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ESTACIÓN

LAS HISTORIAS FANTASMAS DE

POLIÇA Por Lauren Harris Traducción mara vargas Fotos Marc Lemoine

Comenzó con una serie de beats, clics, pausas y espacios que cuatro personas se tenían que aprender de memoria y a partir de ahí seguir construyendo. En sus coches y en su cuarto, a los miembros de Poliça –antes de que los conocieran como tales– les fue dado el andamiaje y, sin discutirlo, crearon su álbum debut, magníficamente áspero y salpicado de R&B, Give You the Ghost.

La vocalista Channy Leaneagh, los bateristas Ben Ivascu y Drew Christopherson y el bajista Chris Bierden solían ser más un grupo de estrellas que una banda. Los unió el productor Ryan Olson, quien había creado los beats de los cuales salieron estas canciones, algunos desde hace 15 años. Olson conoció a los integrantes a través de varios amigos músicos de Minneapolis Roma di Luna, Vampire Hands, GAYNGS y Bon Iver. Con el tiempo fue reclutándolos, uno por uno, y presentándoles los once tracks. En cada miembro, Olson reconoció algo intrínseco y necesario para el sonido que tendría Poliça. Aunque la formación de Poliça parezca más la de una boy band que de un proyecto artístico, Leaneagh se encarga de aclararlo: “Suena como si hubiéramos sido fabricados, pero sólo queríamos hacer canciones juntos. Fue muy orgánico”.

“Conocíamos esos beats”, explica Leaneagh acerca del proceso poco convencional en la creación de Ghost. “Todos estamos conectados a él. Todos estábamos reaccionando a esta misma cosa”. No fue hasta que habían terminado el disco, en el primer ensayo de la banda, que todos sus integrantes estuvieron en el mismo espacio al mismo tiempo. Los nervios desaparecieron una vez que empezaron a tocar. “En el momento que empezamos a tocar y vi cómo [Channy] se conectó con la música y empezó a bailar, me di cuenta de que esto sería algo interesante”, dice Christopherson.

Mientras hacer música en algo vacío puede sonar como un reto, fue un alivio para Leaneagh, quien por años había estado en la banda marido-mujer, Roma di Luna, con su ex esposo, Alexei Caselle. La banda se disolvió y con ella, su matrimonio, esto dejó a Leaneagh emocionalmente agotada, por lo que una nueva forma de colaborar le fue muy atractiva.

“No tenemos las bases o la historia de un una amistad,” dice ella. “De alguna forma es un ambiente donde nos queremos llevar bien todos porque trabajamos juntos.” Libres de ciertas dinámicas impersonales que pueden hacer que la vida en una 18 . F I L T E R

banda sea difícil, el resultado es un objetivo mucho más claro.

“Hay una sensación de que estamos juntos porque tenemos que cumplir una misión”.

Tanto en su construcción como en las emociones que trasmite, Poliça (se pronuncia polisa, y quiere decir “política” en numerosos idiomas del este de Europa) se está convirtiendo en algo más primitivo que la inteligencia que ha venido a caracterizar mucha de la música independiente. A veces, Leaneagh es una seductora, otras es un hermoso frenesí invocando un pozo de emociones, por eso es casi irreconocible cuando te habla la educada pixie de Minnesota. La decisión de vaciar la voz de Leaneagh en Auto-Tune en casi todas las canciones suma los escalofríos que produce Ghost y crea una mayor distancia entre la Leaneagh del disco y la que conoces conversando.

La brecha no es intencional, dice Leaneagh. “Grabé la mayor parte del disco sentada en mi sofá, fumando cigarros a las dos de la mañana”, dice ella aludiendo al estado emocional en el que estaba mientras escribía las letras de las canciones del disco. “Estaba en otro estado mental, como un alter ego o algo así”. Mientras Leaneagh es clara sobre no querer regresar a ese tiempo y espacio, hay un sentimiento de pérdida en sus palabras, sobre el hecho de que no podría regresar aunque quisiera, una nostalgia por un espacio en el que vivió y su simplicidad.

“Muchas de las canciones son sobre estar en una relación, y el no poder darle más a ésta, pero sí puedes darle tu fantasma.”

Aunque los miembros de la banda eran casi desconocidos cuando empezaron a tocar juntos, hay una fuerte vibra de intimidad entre ellos y una veneración del espacio emocional de donde vienen estas canciones. “Es una cápsula de tiempo,” dice Christopherson, “es un disco sobre un lugar en tu vida al que no puedes volver”.

La banda está consciente de las condiciones en las cuales fue creado Ghost, y lo que puede significar para el próximo álbum de Poliça. Hay una habilidad inherente para crear esas circunstancias una vez más, pero la banda no está preocupada –están emocionados de trabajar juntos, de crear juntos en vez de aislados. “Me mueven mucho estos beats, estos bateristas y este bajista,” dice Leaneagh. “Hemos llegado a conocer la configuración un poco mejor, y apenas estamos rascando la superficie de lo que podemos hacer como banda.”

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Les presentamos De visita con... a...

Por PAMELA ESCAMILLA Fotos RODRIGO JARDĂ“N

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Justo el día que se dio a conocer “Interpretaciones sin razón”, primer sencillo de la segunda producción de Vicente Gayo, la banda —Armando, para ser exactos— abrió las puertas de su cuarto de ensayo a FILTER México.

Gracias a esta oportunidad, les presentamos la primera entrega de esta sección, en la que se abarcarán temas que van más allá de la música de las bandas más representativas de la escena local.

De acuerdo con los integrantes del grupo, ese lugar al que hicieron suyo en la colonia Roma es como su segundo hogar, ya que ahí pasan todo el día, todos los días. En este estudio-cuarto de ensayo antes vivía la abuela de Alan y Josué. Ahora es utilizado por ellos y otras agrupaciones para practicar y componer. “Hay personas que piensan que es una casa en la que viven muchos. También usamos este lugar como una oficina”, comentó Alan mientras Pablo Romero, integrante de la banda argentina Árbol, trabajaba en la mezcla del más reciente material —hasta ese momento sin nombre— de la banda.

Una vez que mostraron su felicidad por estar ubicados en una zona tan céntrica —aunque a Josué también le gusta el ambiente de Coyoacán— nos contaron que lo que más les late del área de la ciudad que los adoptó es el ritmo de vida, y que hay una buena cantidad de restaurantes que no son franquicias y paulatinamente han salido adelante, así como tiendas de discos.

“Hay gente que se está arriesgando con otras propuestas de comida. Nosotros crecimos en el Estado de México y llevamos unos años aquí en el D.F. y creo que hay una gran diferencia en cuestión de espacios para tocar. El uso de la bicicleta es algo que se empezó a fomentar y está chido, mucha gente dice que es moda,

pero es algo positivo. Lo hagan por moda o no, favorece”, agregó Javier, quien también gusta de ir a lugares en donde venden cosas usadas, como el mercado de Santa Martha Acatitla.

Una vez que salimos a la calle debido al calor que se sentía en el cuartel de Vicente Gayo, no faltó el vendedor de rosas que debido al look “rockero” de la banda asumió que portaban (y compartirían) “algo qué fumar”. Después de unas cuantas risas, y de que el susodicho también les preguntara sobre algún cuarto para rentar en esa calle, continuamos con nuestro camino aún sin destino.

Tenían hambre, pero no todos y no tanta, así que fuimos a la Plaza Río de Janeiro a que se despabilaran de estar todo el día metidos en el proyecto. Ya un poco más relajados nos contaron que eso no sería algo que harían en sus actividades cotidianas y que de hecho no es común que salgan a comer juntos, con excepción de cuando van a la fonda. Continuamos el camino.

Mientras Alan —el más hambriento— pedía algo de comida china, los demás nos platicaban que partían en dos sus ensayos, para que así les diera tiempo tanto de continuar con la posproducción de su nuevo álbum como de ensayar para los próximos conciertos, entre los que destaca su participación en Rock al Parque (del 30 de junio al 2 de julio de 2012, en Colombia). “Hay planes de tocar en toda la República ya que esté el disco e ir a Los Angeles en octubre. Posiblemente el viaje de Colombia se extienda un poco más porque hay un par de invitaciones después del festival.

También queremos ir a ciudades de Estados Unidos a las que no fuimos con el disco pasado, así como a Argentina, Europa, Chile…” concluyó Javier antes de pasar por tortas y empanadas al local de al lado del estudio, en donde nos despedimos para dejarlos continuar con su quehacer musical.

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PRINCIPALES Por ESAMIPAU! Foto shawn brackbill

La falta de anhelo y su amor por México 22 . F I L T E R

Una buena banda es aquella que se preocupa por todos los detalles.

Tal vez la creencia común sea la contraria y la mayoría de los músicos sólo quieren dedicarse a componer e interpretar sus canciones. Pero no los culpemos a ellos, apuntemos el dedo a quienes muchas décadas atrás asumieron que el único papel del artista era convertirse en una máquina de éxitos que no se preocupa por nada más.

PRINCIPALES

Afortunadamente existen bandas como Bear in Heaven, que reconocen el peligro que corre la música hoy en día. Ante la sobreoferta de bandas que hay y la facilidad de conseguir lo que sea gracias a internet, a ellos no les importa desafiar oídos ajenos y ponerlos a trabajar con música que tal vez de inicio no sea tan amigable, con tal de lograr algo de permanencia en la memoria colectiva. Para promocionar su más reciente producción, I Love You, It’s Cool, la banda decidió habilitar un stream en su página oficial hace unos meses. ¿El chiste de esto? El nuevo disco solamente daría una vuelta desde el día uno hasta la fecha oficial de lanzamiento. El resultado fue casi un experimento sonoro donde una nota podía durar horas enteras.

En una plática en exclusiva para FILTER México, Jon Philpot —quien inició Bear in Heaven en su habitación— habló de varios temas, entre los que destacaron la falta de anhelo en torno a la música hoy en día, su peculiar stream y cómo México ha sido una de sus mejores experiencias en lo que a festivales se refiere.

Se han presentado en festivales alrededor del mundo. ¿Cuál es la mejor experiencia que han tenido?

Definitivamente el Indie-O Fest. En verdad, no miento, fue una experiencia increíble. Claro, hay otras, pero tocar en el Polyforum Siqueiros fue algo muy chido: el piso que se mueve, la energía y el público que atendió nos volaron la cabeza.

Empezaste a hacer música en tu casa, ¿cómo crees que formar una banda hizo que hubiera un cambio en tu sonido?

Cuando empecé a hacer música no sabía mucho sobre el tema y luego tuve la necesidad de compartir con más gente. Sin embargo, no es fácil estar en una banda, hay gente que busca vivir de esto y las influencias de todos son diferentes, así que siempre hay puntos de vista variados. Una de las grandes ventajas de estar en una banda es que siempre debes escuchar a tus compañeros, aunque pienses que son estúpidos, porque es muy probable que termines con algo mucho más interesante a que si lo hubieras hecho tú solo. ¿Piensas entonces que tu música es ahora más interesante que la que hacías en tu cuarto?

Seguro. Y la verdad es que solamente hice un EP por mi lado. He estado en una banda mucho más tiempo que solo.

Pienso que si hubiera seguido por ese camino, la música sería completamente diferente; probablemente sería mucho más tranquila, tan sólo por el hecho de que no sé tocar la batería.

Hablando del nuevo disco y la forma que han encontrado para que las personas lo “escuchen” antes de su lanzamiento, ¿cuál es tu opinión acerca de cómo se distribuye la música actualmente?

Hemos llegado a un punto en la música donde ya no existe un anhelo real gracias a tanta inmediatez. Recuerdo muy bien cuando tenías que aventurarte a las tiendas en busca de un disco, y ahora sólo hay que introducir el título en un buscador y listo, lo tienes. Así que como todo está al alcance de tus dedos (con sus excepciones), hay que esfor-

zarse por darle algo diferente a la gente, con contenido. Se tiene que establecer una postura de lo que estás haciendo y por qué es importante que la gente ponga atención a tu trabajo. Así que tienes que hacer algo de relaciones públicas subliminales donde le digas a la gente “te vamos a mostrar algo que no es tan ligero ni tan fácil de digerir”.

Entonces el stream de su disco 400 mil por ciento más lento fue su respuesta a eso…

Lo que sucedió con esto fue que no sólo tuvimos la oportunidad de dar nuestra postura al respecto, también hicimos algo nuevo, en lugar de tener una reacción violenta al marketing musical moderno. Me parece que el stream que está en nuestra página es bastante agradable y, si le dedican algo de su tiempo, verán que les dará lo que buscan. ¿Existe algún tipo de sonido/textura que siempre hayan querido recrear y que no han perfeccionado?

Creo que la música se rige por la pasión de lograr componer la canción perfecta, lo que es difícil. Estamos orgullosos de este nuevo disco, suena muy chido y es el primer material en el que hacemos las cosas bien: nos sentamos a componer juntos, grabamos en un estudio por primera vez y hay muchas cosas importantes que lo rodean. Definitivamente ha habido cambios en nuestro sonido, pero no creo que hayamos escrito la canción perfecta todavía, aunque me parece que eso es lo que mantiene a la gente haciendo música: el poder un día decir de verdad “amo esta canción más que TODAS las canciones del mundo”. ¿Cómo fue su primera experiencia dentro de un estudio?

Fue estresante, pues confrontas tus habilidades de una manera muy cruda. Hay un calendario que hay que cumplir y dices “bueno, tengo tanto tiempo para grabar todo esto con lo que sé hacer. ¿Cómo lo hago antes de que se termine el tiempo?”

El trabajo de estudio no es fácil… no es apto para los débiles.

En cuanto a la parte visual de Bear in Heaven, da la impresión de ser coherente con su música. ¿Crees que todas las bandas deberían preocuparse por cómo la gente “ve” su música? ¡Definitivamente! Si eres músico tu forma de hablar con la gente es editar un disco, así que deben prestar atención a todo lo que proyectan. Creo que con la cantidad de esfuerzo que se le invierte a un disco, la finalidad de la banda no debería ser nada más tocar las rolas que componen; deberían tratar de darle a la gente algo en qué pensar, hacerlos sentir bien… o mal… algo. ¿Quién hace el arte de sus discos?

Tenemos amigos que colaboran con nosotros. El arte del nuevo disco lo hizo Sadek Bazarra, un ex miembro de Bear in Heaven, lo cual me parece fantástico. Él tocó los teclados durante un tiempo, pero antes de salir para la gira del disco pasado, dejó la banda. Es un gran artista, músico, filósofo y diseñador gráfico, hace un poco de todo; y la verdad es que es increíble tenerlo en la banda de una u otra forma. Él se ha encargado de toda la parte visual desde el primer disco, así que sigue presente y queremos mantenerlo tan cerca como podamos.

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PRINCIPALES

FLORENCE + THE MACHINE El llamado de la sirena Por DANIEL KOHN Traducción Anna stephens Fotos TOM BEARD

Los últimos tres años han sido un torbellino para Florence + The Machine. A lo largo de este periodo, el contagioso indie pop de Florence Welch y su banda se ha expandido como incendio forestal. Ha lanzado dos discos que conquistaron múltiples listas de popularidad, ha estado de gira por todo el globo y ganó el BRIT Award por mejor álbum y un premio NME como mejor artista solista. No ha sido un mal comienzo para una pelirroja del sur de Londres.

Se dio a conocer con “Dog days are over” de su álbum debut Lungs y la banda ya es un elemento básico en la radio de rock alternativo. Cuando esa canción comenzó a sonar y fue parte del soundtrack de series de televisión como Glee, Gossip Girl, Community y Grey’s Anatomy, Welch se proyectó ante un público mayor, lo que dio como resultado una gran expectativa ante un próximo lanzamiento. El otoño pasado, con Ceremonials, la banda comprobó que es más que una moda.

Al éxito de sus producciones discográficas debemos sumar que las presentaciones en vivo de Florence

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+ The Machine son de las más comentadas en la industria. La intensidad y legendario nivel energético de Welch se ha ganado el respeto de la audiencia y ha catapultado a la banda a otras esferas.

Para incrementar su legado, Florence + The Machine tocaron recientemente para un episodio de MTV Unplugged, que incluyó a Welch y a otros tres integrantes de la banda, junto con un coro gospel de diez personas. Grabada a finales del año pasado, la sesión Unplugged se compone de versiones desnudas de sus éxitos, así como un cover a la canción de Otis Redding, “Try a little tenderness”, y un dueto con el vocalista de Queens of the Stone Age, Josh Homme, para la clásica de Johnny Cash, “Jackson”.

Antes de embarcarse a Estados Unidos para una serie de conciertos, platicamos con Welch —vía telefónica desde Newcastle, momentos antes de que ofreciera el último concierto de su gira por el Reino Unido— sobre su forma de tocar ante un público cada vez mayor, y si es que la ex estudiante de arte tiene tiempo estos días para bocetar más que canciones.

PRINCIPALES

¿Cuando grabaste Lungs, esperabas que fuese

¿Has comenzado a componer canciones nuevas para tu próximo álbum?

¡No, de ninguna manera! Es un disco extraño, ya que es como el diario de una adolescente. Existen partes de mi vida que se reflejan en él. Se sentía como un cuaderno de bocetos y que tanta gente se relacionara con ello fue increíble. Jamás esperé que fuese tan reconocido y bien recibido.

Aún no he podido estar en el estudio, pero me encantaría. Nos gustaría tener un estudio móvil, para componer mientras estamos de gira… como demos.

Así fue como surgió “No light, no light”.

tan exitoso como resultó ser?

Con ese álbum disfrutaste del éxito masivo, ¿fue difícil escribir material nuevo para Ceremonials?

No estaba segura del álbum que quería hacer, pero esperaba que fuera una obra completa, un esfuerzo de trabajo lineal. Al grabar en los mismos estudios (Abbey Road Studios en Londres) nos dio esa cohesión de sonido que no alcanzamos del todo en el primer disco. En ese sentido, fue algo más fácil. ¿Cómo fue que el trabajo con el productor Paul Epworth te ayudó a darle forma a tu sonido?

Él realmente te ayuda dentro del estudio respecto a qué hacer y cómo hacerlo. Tengo la tendencia de entregar mi mayor esfuerzo de un solo golpe y él te dice cómo debes guardar energía para cada cosa. Constantemente tiene beats y secuencias de cuerdas. Es muy prolífico y tenaz, yo soy más soñadora y distraída. ¿Estudiar arte antes de convertirte en músico te ayudó a componer tus canciones?

Definitivamente. También influye mucho mi madre.

Ella es historiadora de arte. La música para mí es algo muy visual y es como crear un retrato en la cabeza de alguien. Me gusta pensar que soy mejor cantante que pintora. ¿Recientemente has tenido tiempo para dibujar o pintar?

Sí. Llevo conmigo cuadernos para bocetar y cosas así. Me gusta hacerlo de vez en cuando. Es chistoso.

Generalmente lo hago cuando tengo jet lag. Cargo con un libro de pinturas del siglo XV y dibujo copias de las pinturas cuando no puedo dormir bien. ¿Cómo te ha ido en la gira?

Nos ha ido bien. La gente ha sido impresionante, especialmente si tomas en cuenta que el público británico es muy reser vado. Hemos tenido una atmósfera festivalera en cada concierto. Queremos que la gente se deje llevar con lo que hacemos.

Tomando en cuenta los increíbles artistas que han pasado por el escenario de MTV Unplugged, ¿qué representó para ti la experiencia?

Tratas de no pensar en eso y volverte loco al preocuparte sobre lo icónico que es. Estaba tratando de tocar para la gente que estaba ahí. Fue un espacio hermoso y lo hizo emocionante. ¿Qué te hizo decidirte por hacer un cover a “Jackson” de Johnny Cash a dueto con Josh Homme?

Fue una de las primeras canciones que grabé años atrás en un pequeño estudio del sur de Londres. Salía con un chico de una banda y en una ocasión entré al estudio y grabé algunos covers de Johnny Cash.

Siempre he sido una gran fanática suya, pero también soy una gran admiradora de Queens of the Stone Age. Queríamos hacer algo que estuviese acorde con nuestras voces, ambos somos fans de Cash y sabemos la canción. Parecía algo que podría salir bien. Josh es un gran tipo. Nos invitó a cenar en Nueva York la noche previa a la grabación. Es exactamente como esperas que sea: un gran, amigable y caluroso personaje. ¿Cuál es tu MTV Unplugged favorito?

Nirvana. Para mí es por mucho el MTV Unplugged más icónico. Me encantaría ver el de Kanye. Fue a uno de nuestros conciertos y me comentó que su Unplugged iba a ser en realidad Plugged! Lo que sea que haga, me encantaría verlo.

Algunos músicos asistieron a la grabación de tu Unplugged. ¿Qué significa para ti que músicos contemporáneos muestren respeto a lo que haces?

¡Increíble! Salir a tocar y ver en primera fila a Kanye involucrado durante toda la presentación… fue un gran honor tenerlo presente. Es uno de mis héroes y un genio, en verdad. ¿Podríamos esperar una colaboración con él en algún momento?

¡Me encantaría! Es un tipo muy ocupado, así que ya veremos.

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PRINCIPALES

EL BRUTAL Y HERMOSO -Arte de-

GRIMES Por Kendah El-Ali Traducción PAULINA GARCÍA Foto TOMMY CHASE LUCAS Arte GRIMES

No resulta extraño que Claire Boucher tenga los cuatro símbolos de las piedras de El Quinto Elemento (1997) tatuados en los dedos. Tan visualmente atractiva como Milla Jovovich corriendo en su vestuario diseñado por Jean Paul Gaultier –y claramente no menos alien que la diva azulada–, Boucher es la viva imagen de amor puro y energía positiva que estos símbolos representan.

A pesar de que el color del cabello de esta heroína es siempre cambiante, una cosa es segura: ella hace música por amor a crear. Ella es real, nadie inventó a Grimes más que la misma Boucher.

Grimes es igualmente artista visual que músico, además de visionaria, la canadiense de 24 años se encuentra en una colina cuesta arriba. Ella produce su propia música (incluyendo su tercer álbum, Visions, editado por 4AD) y porta un look nada usual para una diva del pop. También es capaz de hacer las ilustraciones más intricadas y extrañas que resultan tan tenebrosas como fascinantes, además de grabar videos perturbadores con sus amigos. En el escenario se hace acompañar por una banda de hombres con torso desnudo, y su música los hará bailar como locos. Cita a Jenna Jameson como su fuente de sabiduría e inspiración y es la sacerdotisa de una secta surrealista que se centra en la burocracia (donde nunca pasa nada porque siempre hay demasiado papeleo). Considera la hiena como su animal de poder y 26 . F I L T E R

dice que el 8 es su número de la suerte. Grimes representa la definición actual de girl power que se alimenta de un manejo de la realidad poco usual para una persona de su edad. A pesar de ser tímida, también es una chica cálida, chistosa y, sobre todo, adorable.

Boucher creció en Vancouver en una casa donde predominaban los hombres, y su dieta creativa consistía en ballet y comics. Su madre es política y sus abuelos le enseñaron cómo disparar una pistola –“en el caso de un repentino desastre mundial”, explica Boucher. A pesar de haberse ido de su casa para entrar a la Universidad, al poco tiempo la expulsaron de McGill University, ubicada en Montreal.

El nacimiento de Grimes fue producto de que su duende interno tenía que hacerse notar, y afortunadamente –para nosotros– Boucher atendió su llamado. El paisaje musical de hoy sería mucho menos colorido si Grimes no estuviera en él.

FILTER México se reunió con Boucher en el Bowery Hotel de Nueva York. Recién salida de una sesión fotográfica –con todo y bindi sobre su tercer ojo–, se sentó a platicar sobre su arte, de ser una pacheca y, en sus propias palabras, cómo intenta combatir “ciertas banalidades de la música pop de hoy”. Lo sentimos Leeloo [Dallas] has sido derrocada. Grimes es el futuro real. ¿Mientras crecías te visualizabas como músico o artista?

Primero fui artista. Empecé con el arte porque estaba muy clavada con los cómics y el manga y quería dibujar mi propio cómic. Creo que eso ya no es parte de mi vida pero se refleja mucho en mi estilo de dibujar. Soy fan de Charles Burns, Dan Clowes y todo lo que traiga ese estilo de gráfica moderna. Artísticamente, siempre busco representaciones surrealistas del infierno donde todo se viene encima, pero al mismo tiempo también es una imagen estática que puede permanecer en un cuadro. Siento que hace mucha referencia al estilo de Burns, lo lamento si suena algo raro.

Cuando hago arte, casi siempre sucede cuando estoy muy pacheca. Generalmente cuando fumo mota, me gusta ver películas de horror y dibujar durante horas.

PRINCIPALES Muchas veces solamente llego al punto donde estoy muy triste y consternada, e inmediatamente se convierte en un asunto serio. De la misma forma hago música… desaparezco y trabajo durante 15 horas seguidas.

Por lo general estoy muy deprimida cuando hago arte, pero para cuando termino ya me encuentro muy, muy contenta. Es increíblemente catártico para mí, lo uso para poner mi mente a trabajar. Tengo mucha energía, así que si no la saco –ejercitándome o dibujando– me vuelvo loca. Siento que es tan solo una vida: PUM. La verdad es que quiero sacarle el mayor jugo posible a todo, hasta a lo peor…. ¿cuál era tu pregunta?

En un principio estudiabas filosofía y neurociencia en la Universidad de McGill. ¿Cómo es que nace Grimes en medio de un camino poco musical?

La escuela perdió todo sentido para mí. Sí quiero regresar pero ahora no es el momento. Estaba estudiando dos carreras: filosofía y sicología, además de ruso y electroacústica, que es una rama de la neurociencia en McGill, es de cómo el cerebro procesa la música. Me inscribí en esa materia porque quería hacer música, pero claro que no tenía nada que ver con eso. Alguien me enseñó cómo usar Garage Band y así empecé, de forma muy natural. Pienso que entonces es en realidad lo que se supone que tenía que hacer, pero nunca lo había intentado. En cuanto empecé a hacer música, supe que tenía que hacerlo lo más seguido posible. Consumió mi vida por completo.

Tanto tu música como tus presentaciones en vivo combinan diferentes elementos que rara vez se ven en artistas femeninas. Es una mezcla extraña de un set techno, una banda de punk de chicas y los sollozos de Mariah Carey…

GRIMES

Sobre todo, soy productora. Pero es verdad, mi show en vivo requiere de muchas cosas. Entre los chicos y yo siento que apenas cubrimos lo básico con los pedales que tenemos. Generalmente uso un sampler y dos pedales diferentes, uno para loopear y otro para efectos, pero es muy importante para mí seguir haciendo esto.

No me gustaría que la gente pensara que no soy yo la que hace los beats y la música. Eso es lo que me importa, canto porque, pues estoy yo. No me cuesta trabajo y puedo hacerlo como yo quiera.

Todo ese asunto de ser la “estrella de pop” me dio un poder social y musical que no esperaba y mucho tiene que ver con el “branding” personal. El pináculo de lo que he hecho hasta hoy es un remix de “Unthinkable” de Physical Therapy, que a su vez es una versión ruidosa, perturbadora y medio bailable de una rola de Alicia Keys. Pensé que debería haber una canción de R&B que tuviera estas características y, ¿por qué no hay?, y ¿por qué no hay una cantante pop que produzca sus propios tracks? De esa forma uno está en control de todo. ¿Por qué dejar que alguien más lo haga? Aunque es un hecho que en los últimos años han salido más mujeres con sus composiciones. Y no son sólo mujeres al frente de una banda. Esto es un ambiente bastante masculino y generalmente yo soy la única chica, pero de verdad creo que eso está cambiando.

En el último año has recibido mucha atención, pero recientemente más. ¿Qué piensas de cómo han avanzado las cosas?

Las personas que más admiro han dejado su marca en la cultura. Mi meta en la vida, si pudiera lograr algo, sería eso. Si hacerlo viene acompañado de exposición –que es un hecho– entonces, está muy bien; es justo ahí donde quiero estar. Me importa un bledo la fama y el dinero, lo que de verdad me interesa es tener el respeto de la gente y que puedan verme y decir: “¡Ah! Sí, lo que ha hecho ella es musicalmente/artísticamente relevante”. Me encantaría y estoy en el mejor punto de mi vida. Todos los días hago arte y soy yo quien decide por donde llevarlo, y la gente está escuchando. Está chido porque además tengo la oportunidad de ayudar a muchas personas. Mi única otra opción en esta vida era trabajar en Tim Horton’s.

Tienen MSG en su oficina, eso lo hace increíble. ¿Qué sigue?

Más videoarte. Empecé a trabajar en algo con mi amigo Calvin McElroy, de la banda Kuhrye-oo. Es como un grupo de baile llamado The Ballet Militia. Se llama así porque nos gusta el concepto de la belleza, el dolor y la severidad. Nos colamos a Six Flags y grabamos un video de ballet colgando de los juegos y sólo puedes ver nalgas, botas de combate y camuflaje. El proyecto trata de meterse a lugares, bailar ballet y filmarlo. Hay una estética pero estamos definiéndola bien. El video de “Be a body” [del Visions] es justamente de Ballet Militia.

Mi historia con el ballet es larga y complicada. Ahora que lo veo desde la distancia, puedo volver a acercarme a él.

Es algo doloroso y es un arte que implica muchísimo rigor y algo de crueldad, pero eso es lo que lo hace grandioso.

Es intenso, punzante y severo. También involucra pies ensangrentados, he ahí su belleza.

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principales MOLOTOV Y OLALLO RUBIO

Por MILTON BARBOZA Entrevista Molotov JUAN CARLOS FIGUEROA Fotos CORTESÍA AMATEUR FILMS Y UNIVERSAL MUSIC

“No hay futuro”… es una pequeña frase que tiene un gran significado, sobre todo en este país que día a día busca emerger de las cenizas que, de manera cíclica, quedan con el paso del tiempo en todos los ámbitos: político, económico y social.

Esa falta de futuro y expectativas poco a poco ha sido borrada de nuestras mentes, al darnos cuenta que como sociedad sí podemos funcionar, sin importar las instituciones políticas que cada día nos demuestran que no cambian. A lo largo de nuestra historia como país hemos sufrido infinidad de altibajos que nos han fortalecido.

Pero, dejemos de lado la política y sus actores, mejor hablemos de la música, ésa que algún día tuvo un nacimiento bajo el influjo del rock y que nuestros padres vivieron en la década de los sesenta… era la época de Avándaro, de los hippies, de bandas como los Dug Dugs o Three Souls in my Mind.

Ese momento histórico llevó a los jóvenes a buscar nuevas alternativas de expresión, con todo y la censura patrocinada por gente como Gustavo Díaz Ordaz o Luis Echeverría, un dúo que, más que dinámico, era diabólico, maquiavélico y autoritario.

Pero los tiempos fueron cambiando para bien a partir de finales de los ochenta y principios de los noventa, no por el sistema, sino por las ganas de salir adelante

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de los músicos que estaban en pleno crecimiento.

Caifanes, Maldita Vecindad y los Hijos del Quinto Patio, Botellita de Jerez y Café Tacvba son sólo algunos de los nombres que comenzaron a sonar en la escena mexicana y que poco a poco ganaron adeptos en todas las clases sociales.

Ya para los noventa, la camada de rockeros era impresionante y, pese a la falta de difusión en medios de comunicación, muchos no se quedaron de brazos cruzados… este es el caso de Molotov que, sin tener un disco en forma, hace ya 17 años buscaban darse a conocer en donde se pudiera. Randy, baterista de la banda, así lo recuerda: “Antes de que saliera ¿Dónde Jugarán las Niñas? habíamos grabado demos que estaban rolando por diferentes estaciones; de hecho “Gimme the power”, en su versión acústica, llegó a ser número uno en una estación de radio de Houston, lo que nos ayudó a tener mucha apertura antes de que saliera el disco”. ¿Dónde Jugarán las Niñas? (1997) es un disco ya clásico del rock mexicano que despertó polémica, de entrada por su portada y después por las rolas incluidas. Tito, guitarrista de Molotov comenta sobre la salida de este material:“Lo grabamos y la primera reacción de gente cercana fue: ‘no, no van a vender su disco porque la portada está muy gruesa’. Nos salimos a la calle a vender el disco porque no conocíamos cómo funcionaba el mundo disquero”.

MOLOTOV Y OLALLO RUBIO Y fueron estas ganas de trascender las que ayudaron a que se abrieran las puertas de algunos medios que vieron en Molotov una propuesta realmente interesante y que debía ser escuchada. Paco, bajista de la banda asegura que “tal vez las circunstancias de ese entonces nos pusieron como punta de lanza, pero era algo que iba a pasar a huevo. Nunca nos hemos adjudicado el qué tanta influencia tuvimos, somos parte de una camada de propuestas musicales de nuestra generación que apoyaba esa nueva ola del rock”.

Alguien que fue muy cercano a la banda es Olallo Rubio, quien en aquel entonces era uno de los locutores más afamados de la Ciudad de México y se convirtió en buen amigo de la banda. Rubio siempre se consideró amante no sólo del rock, sino también del cine y entre los proyectos que tenía en la mira se encontraba precisamente un trabajo con Molotov. “En realidad se me ocurrió formalmente en 2003. Mis dos grandes pasiones son el cine y el rock, obviamente siempre había querido hacer un rockumental. Me tocó vivir el fenómeno de Molotov en primera fila porque en esa época yo trabajaba en

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Radioactivo y los entrevistaba desde antes de que grabaran sin tener canciones para complementar las entrevistas, entonces poníamos a los Beastie Boys o los Chili Peppers, Illya Kuryaki and The Valderramas. Tenían un demo, pero no era radiable, porque eran puras groserías y en esa época la censura estaba cabrona, entonces me tocó ver ese fenómeno y es curioso, porque ellos estaban dentro de la burbuja de Molotov y no veían tanto sobre lo que estaba pasando alrededor”.

EL ROCKUMENTAL La propuesta formal de realizar este trabajo llegó apenas el año pasado, según apunta Olallo: “se los propuse el 6 de mayo y se empezó hacer en octubre.

Había hecho mucha tarea antes, años de investigación; escribí un guión de 30 páginas y me tardé un día, ya era como muy claro todo y estos episodios de los que hablamos en la película los había estudiado con calma durante mucho tiempo, por el gusto de conocer cosas y fenómenos que habían ocurrido”.

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MOLOTOV Y OLALLO RUBIO

Realizar un trabajo cinematográfico que incluya historia, datos duros y, además, rock, parece una labor titánica y así resultó de momento para Rubio, quien tuvo que recopilar también entrevistas con diferentes personalidades del periodismo como Javier Solórzano, especialistas en música como Rulo o Warpig, escritores como Xavier Velasco y Juan Villoro, así como músicos de la talla de Alex Lora, el Mastuerzo y el productor Gustavo Santaolalla, quien jugó un papel crucial en la primera etapa de Molotov. Y para culminar con el análisis, entrevistó al que posiblemente sea “El Carnal de las Estrellas”, el productor de televisión Luis de Llano, a quien se le ubica por haber producido el festival Avándaro y, en el extremo, ser el creador de artistas pop juveniles como Timbiriche.

“Quería abordar muchos más temas. El primer corte fue, si no me equivoco, de dos horas con 45 minutos y lo dejamos en una hora. Quedó mucho más comprimido, ágil, concreto, aunque yo quería decir más cosas, explorar muchos temas, pero obviamente no se puede.

Dicen que las películas duran 90 minutos porque es el tiempo que puedes retener líquidos en la vejiga… en ese sentido la película quedó tal cual como me la imaginaba, salvo por todos los capítulos que tuvimos que quitar, pero dejamos lo indispensable”.

“Frijolero”; la censura en la tele con “Rastamandita”.

Como que él va narrando la historia de la política en México con nuestras rolas”.

Miky: “Sale mucho material viejo de nosotros tocando hace un chingo; periodistas, compañeros de la música, incluso gente que era muy marcada en Televisa. Está muy bueno, les va a gustar”.

El resultado de Gimme the Power es una película de poco más de 90 minutos y busca dar a conocer lo sucedido en este país en diferentes contextos, sin olvidar la importancia que tiene Molotov en la historia musical del país.

“Creo que la gran virtud de esta película es que me puse muy al servicio del espectador y también, en ciertos aspectos, al servicio de Molotov; entonces eso me ayudó a no ser autoindulgente”, afirma Olallo Rubio sobre este nuevo proyecto que se estrenó en cines el 1 de junio.

¿Cuál fue la percepción de Molotov sobre este rockumental hecho en su honor?

Cabe resaltar que Molotov también lanzó recientemente el DVD titulado Desde Rusia con Amor, en el que se capta parte de la gira que hizo la banda por aquellas lejanas tierras, en donde —lo que no es de sorprender—Molotov es muy aclamado y la gente que no habla español canta las rolas disfrutándolas al máximo.

Tito, siempre tan honesto, opina: “es el punto de vista de Olallo de la historia política de México en los últimos veinte años y cómo se relacionan las movidas sociales con respecto a nuestra música”.

Randy: “Exacto, el wey habla de la libertad de expresión y pone “Puto”; habla del gobierno que es una mierda y pone “Gimme the power”; la migración,

¿Y sobre la actualidad de la música? Desde su punto de vista, Tito apunta algo muy cierto: “ahorita hay tanta oferta que está cabrón innovar, hay de todo para todos y accesibilísimo. Falta una banda nueva chida, parteaguas, que tenga alguna particularidad, porque todo es medio homogéneo, muy parecido. Se volteó la tortilla, ¿no?”

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Un lugar remoto Por Breanna Murphy Traducci贸n PAMELA ESCAMILLA Fotos Lilja Birgisd贸ttir

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odo comienza con un zumbido resonante en tus oídos. Lenta y tristemente, las cuerdas comienzan y después de un crescendo se conectan con un estribillo palíndromo que suena como si estuviera centelleando bajo el agua. La estructura deja sin aliento, se desvanece y continúa hasta la llegada de una sonora y determinada respiración que vierte un emotivo verso legato de sílabas y palabras desconocidas. No tienes idea de lo que la voz dice, está en un lenguaje que nunca has escuchado, pero de alguna manera sabes exactamente lo que la música significa. Es triste. Es hermosa. Es asombrosa. Es alegre. Es toda rompecorazones también. Cuando un ensamble de metales se une a la lastimera celebración puedes romper en llanto. Para el momento en el que el débil sonido de fuegos artificiales suavemente se resquebraja en el fondo, probablemente estás sonriendo. Un millón de emociones en seis minutos y medio y no tienes idea de lo que la voz dice. Pero lo ves en tu cabeza, lo sientes en el alma. Y es real: se llama “Starálfur”.

Visitar el universo complicado y misterioso de Sigur Rós es tan intrínsecamente sencillo como lo es escuchar una de sus canciones. Cada álbum es una oportunidad para un viaje. Presiona el botón, activa el interruptor o baja la aguja en cualquier parte, en cualquiera de sus discos y te transportarás a todos los lugares a los que estás destinado a ir. Inicia un zumbido y un lugar comienza a tomar forma. Está borroso al principio, aparece en destellos —la voluble manera en la que la luz se comporta al alba y al anochecer— y entonces se enfoca repentinamente en la realidad y te invita justo en la entrada. La música de la banda es exuberantemente cinematográfica, coros sin palabras pintan escenas vívidas y las piezas construyen miles de visualizaciones emocionales ascendentes y descendentes, de la contemplación solemne al triunfo extático a la furia del ruido. Es difícil librarte de lugares a los que Sigur Rós te lleva, aun mucho después de que la música haya terminado y el silencio vuelva.

Durante 18 años —hasta ahora seis álbumes, dos películas y cientos de notables presentaciones en vivo— el cuarteto islandés de Jón Þór Birgisson (Jónsi), Orri Páll Dýrason, Georg Hólm

(frecuentemente llamado “Goggi”) y Kjartan Sveinsson ha construido mundos imaginarios dentro de las cabezas de sus escuchas. Con cada lanzamiento exitoso, los paisajes se expanden y se agregan nuevos y hermosos detalles a un universo siempre adaptable que ocupa el espacio desde una oreja hasta la otra. Tan subjetiva como pueda ser la experiencia, también es universal; la popularidad internacional de la banda está clara.

Pero los efectos de su música, aunque comunes, no necesariamente son comprensibles. Sigur Rós es una banda velada por su mismo misterio e imagen, ambos reales e imaginarios. Para todos los que no son de Islandia, la banda es de un país extraño y desconocido, hace discos con títulos impronunciables y compone música cuyo género no es identificable y letras que no se pueden conocer a fondo. Su música es citada frecuentemente como “inaccesible”, lo que probablemente se relaciona con su naturaleza enigmática y experimental —sin mencionar que la mayoría de sus canciones son cantadas en islandés (un complicado y hermoso lenguaje nórdico, hablado por menos de medio millón de personas) o en hopelandic (un lenguaje inventado, hablado por nadie). La “alteridad” la diferencia de todas las demás bandas, esa naturaleza única también le da al público de Sigur Rós una hoja en blanco sobre la cual pueden trazar su imaginación y emociones desde las experiencias musicales.

La imagen que tienes en la cabeza es sin duda viva, pero es también un destino que existe en ningún lugar y en todos lados.

Es extraño y familiar, ajeno y acogedor. O, tal vez en el mundo real, es un lugar mucho más de opuestos en donde los volcanes hacen erupción y luego son congelados con capas de hielo vetusto; donde los días algunas veces nunca terminan, y en otras ocasiones nunca comienzan; donde lo moderno es forzado a adaptarse y cohabitar con el viejo mundo, y no al contrario.

“Es como ir a la luna”, es como Islandia me fue descrita justo antes de aterrizar en el aeropuerto más grande del país: Keflavík, que cuenta con dos pistas y una terminal central construida

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originalmente por la Fuerza Aérea Americana durante la Segunda Guerra Mundial. La base militar, una colección de edificios brillantes y coloridos, fue abandonada por los Estados Unidos en 2006, dejando su presencia como la OTAN de la Guerra Fría llamada Fuerza de Defensa de Islandia. El país no cuenta con un ejército del cual hablar.

Durante el viaje de casi 50 kilómetros hacia Reikiavik, la capital del país y metrópolis más habitada (con alrededor de 120 mil personas, un tercio del total de la población), los viajantes pasan a través de la segunda y tercera ciudad más grandes, Kópavogur (de aproximadamente 30 mil ciudadanos) y Hafnarfjörður (con poco más de 25 mil), respectivamente. Los paisajes que se desplazan por la ventana son de otro mundo, alarmantemente bellos y no se parecen a nada de este tiempo: los aún muy activos volcanes que se levantan de las cordilleras nevadas disfrazadas de montañas y el terreno de gruesa lava congelada (ahora cubierta de musgo denso y de un verde brillante) que rodean todo son la única pista de la delicada y variable paz que la naturaleza mantiene aquí. Afuera, la primavera temprana es de 1.5°C (“No está muy frío, no hay problema,” mi chofer, Skæri, asegura mientras toca el medidor de temperatura), y al respirar profundo, la frescura golpea los pulmones con ímpetu. La naturaleza es abrumadora, pero el hombre está presente también.

Edificios vacíos, construidos tan rápidamente para que haya quien los llene, y la gigante marca industrial de la planta Rio Tinto Alcan Aluminum son intrusos siniestros en la prístina vista con milenios de antigüedad —constantes y modernos recordatorios del colapso bancario de 2008, un golpe devastador para el país que había vivido un crecimiento rápido antes de la crisis económica. En Islandia, los viejos estándares y las nuevas maneras están en constante representación, un acto de balance que mantiene al país fiel a sus tradiciones a la vez que es una de las naciones más progresistas del mundo.

Para aquellos que nunca tendrán la oportunidad de experimentar este país para ellos mismos, Sigur Rós y su música son los embajadores internacionales de esta extraña tierra de contradicciones, un país que, para muchos, permanece como una extranjera y misteriosa entidad flotando “en algún lugar” al norte del Reino Unido e Irlanda. Cuando imaginas fuerzas opuestas, la complejidad y la belleza de la música de Sigur Rós es una elección obvia para creer que el retrato musical refleja su patria lejana.

“Es hermoso. Es crudo y duro, pero tan bello de esa manera”. Alex Somers sirve más mate caliente y sonríe.

En la acogedora casa de madera de Alex y Jónsi, ubicada en el centro de Reikiavik, en el estudio donde el más reciente disco de 34 . F I L T E R

Sigur Rós, Valtari, se terminó, Alex y yo hablamos de varias cosas, en especial de las circunstancias que rodean al nuevo álbum. De alguna manera, aunque —por supuesto— el tema ha tomado un desvío y se ha aventurado en la innegable belleza del país. Alex, productor y músico norteamericano, ha vivido en Islandia con Jónsi siete años; ambos comparten un hogar y sus vidas, pero todavía más, comparten un historial de colaboraciones discográficas que se extienden a lo largo de los últimos cinco años. Como un outsider al interior, por decirlo de alguna manera, Alex aún es capaz de revelar la unicidad de los exquisitos y poco convencionales alrededores de Reikiavik.

“La naturaleza aquí es realmente poderosa e intensa: cascadas, glaciares y volcanes. Cuando miras hacia afuera, es como si pudieras ver dinosaurios”, se ríe.

Mirando alrededor del pequeño espacio del estudio, los dos han acumulado una colección curada con interesantes instrumentos vintage de todo el mundo. Junto al sofá hay un baúl de instrumentos musicales infantiles; contra el muro hay varios pequeños pianos antiguos; desde la esquina, Alex trae un instrumento de cuerdas con una serie de martillos de madera llamado Marxophone (“Me hace pensar en Aphex Twin”, dice). Hasta abajo de una escalera, en la sala, Jónsi acomoda con entusiasmo un carillón de campanas con la emoción de un niño que desenvuelve regalos en navidad —el instrumento fue comprado recientemente a un coleccionista en Beverly Hills, una llegada a la casa que coincidió con la mía. Varias de las chucherías acumuladas en el loft fueron usadas de alguna manera u otra en Valtari.

“Nunca había trabajado con Sigur Rós,” explica Alex. “Me involucré con este álbum demasiado tarde; la banda estaba trabajo en él durante varios años, y fue sólo a finales del año pasado que parecía que querían probar algo diferente. Tenía sentido darle una oportunidad.”

De acuerdo con la banda, las grabaciones que se convertirían en éste, su muy esperado sexto álbum, fueron comenzadas en sesiones desde 2006, después del lanzamiento de Takk, su aclamado por la crítica cuarto álbum. Pero el viaje de Valtari no es tan simple como algo complejo construido de manera constante durante varios años; ésta es la historia de un álbum que casi no se hace.

En mayo de 2009, seis meses después del final de la gira mundial de la banda para el juguetón Með suð í eyrum við spilum endalaust de 2008, Sigur Rós anunció en su sitio web que habían empezado a trabajar en el disco siguiente. Incluso fueron tan lejos que dijeron que su esfuerzo estaba “cerca de ser completado” y advirtieron un cambio

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de dirección con respecto a Takk y Með suð, describiendo el nuevo material como “melódico pero mucho menos ruidoso.” Sin embargo, pasó casi un año completo sin noticias ni lanzamiento y para enero de 2010, la banda daba entrevistas en las que sugería que a pesar de las sesiones que habían sido grabadas previamente, lo habían estado dejando de lado y el grupo no tenía planes futuros de grabar.

“Siempre encontré ‘hiato’ como una palabra seria,” dice Georg Hólm pensativamente mientras bebe una pinta de cerveza.

“Cuando llegó, yo ni siquiera sabía lo que eso significaba: ‘hiato,’” dice Jónsi, riendo, vacilando sobre el término extranjero por un momento en su marcado acento. “Nunca había escuchado esa palabra antes.”

Al hablar con la banda en el cuarto común de un hostal en Reikjavik entre la comida, café y cervezas, ésta es una de las primeras entrevistas que el cuarteto dará sobre los detalles, procesos y perspectivas del nuevo álbum. Recordando su estado creativo en 2009, todos expresan una cierta sensación de cansancio y tedio en esa época.

“No estábamos agotados por exceso de trabajo, pero los diez años antes de ese hiato fueron algo intensos. Creo que se vale,” Kjartan Sveinsson explica un poco a la defensiva —aunque nadie pretende discutir contra su lógica.

“Queríamos un descanso y no sabíamos exactamente cuánto demoraría. Fue más inocente, creo”, Georg opina. “La creatividad, tal vez, al menos así lo sentía por mí… me estaba cansando cada vez más. Ya no podía sentir la energía”.

Pero para los fans que habían estado esperando con entusiasmo un nuevo esfuerzo del cuarteto, las palabras “hiato indefinido” señalaban incertidumbre. Después de más de una década del ciclo constante de grabación de álbumes, de gira por el mundo, después otro proyecto —llámese libro, documental, soundtrack o cualquier otra cosa con la que la banda hubiera soñado— y repitiendo

el proceso una y otra vez, Sigur Rós levantó la aguja de su disco perpetuamente en rotación y descansó durante casi cuatro años.

Georg, Kjartan y Orri tuvieron hijos en el transcurso de 2009 y 2010 y se asentaron en la vida familiar. Jónsi, sin embargo, mantuvo una ética laboral impresionante, y se aventuró fuera de Sigur Rós, primero con Alex en el disco instrumental de 2009 Riceboy Sleeps, después para su álbum debut como solista, el descrito como “flotante” Go, lanzado el siguiente año. Se fue de gira con ambos discos y luego colaboró con el director Cameron Crowe en el soundtrack de la película We Bought a Zoo (Un Zoológico en Casa) en 2011.

Aunque Jónsi permaneció como maniaco de la música, Sigur Rós no ha tocado en vivo desde el final de su gira internacional para Með suð en 2008 —para todo intento y propósito, habían abandonado el ambiente pintoresco que habían construido por años. En esa ausencia hubo silencio. Para llenar el vacío, en 2011 la banda (con el director Vincent Morisset) lanzó un filme y álbum en vivo llamado Inni, en el que se documentaban dos noches en el Alexandra Palace en Londres (noviembre, 2008). Inni contrasta con lo presentado en Heima, documental musical de Sigur Rós’ en 2007. En vez de vivos y coloridos paisajes representando a la banda en varias escenas islándicas, Inni es una visión saturada, claustrofóbica y en blanco y negro de cuatro individuos al unísono como uno. Raramente hay tomas de la banda completa, y cuando las hay son desde un punto lejano.

“Queríamos registrar cómo era en esa época porque creo que ya estábamos pensando en hacer algo diferente después de eso. Hablamos de la ‘macro sensación’ de eso, dándole a la audiencia en el escenario detalles que normalmente no verías durante nuestro show, que nadie nota,” dice Georg.

“Sólo éramos nosotros cuatro, no teníamos cuerdas ni metales, y queríamos capturar eso,” dice Orri, explicando la salida de Amiina, quienes acompañaban a la banda desde mucho tiempo atrás.

“Fue como el final de una era,” señala Kjartan.

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El filme y el álbum encapsularon la energía de las legendarias presentaciones en vivo de Sigur Rós, pero no dieron indicios de lo que deparaba el futuro. Sin que lo supiera el público, para la época de la premier de Inni en el Festival de Cine de Venecia, Sigur Rós ya trabajaba en nueva música juntos después de tres años, aunque eso traería otra serie de espectáculos, también.

no, no está pasando,’ darnos por vencidos y luego regresar a esto y decir ‘no, aquí hay algo, es bueno,’ y luego rendirnos de nuevo”, se ríe. “Creo que siempre es bueno dar un pequeño paso hacia atrás para que cuando vuelvas a lo que estabas haciendo te des cuenta de cosas que no notabas antes. Aclaras tu cabeza y luego regresas y piensas ‘oh, sí, es realmente agradable’”.

Para Valtari, la banda decidió conciliar algunas de sus grabaciones de 2006 y otras, aparte de la gran cantidad de 2009.

Entraron al estudio Sundlaugin, en donde habían grabado cada álbum desde ( ), de 2002, y retomaron todo desde donde lo habían dejado.

“Es un álbum raro”, admite Jónsi. “Lo empezamos tantas veces y lo pusimos en suspenso y luego lo volvimos a empezar —es definitivamente extraño”.

“Cuando comenzamos a hacer un nuevo material, no pensamos en el último”. indica Kjartan. “No nos estamos forzando a ir hacia cierto paisaje sonoro, porque tenemos cierto sonido, y es muy fácil entrar en él.”

“Tratamos de no pensar en un camino a seguir, es algo que toma forma en el proceso,” sostiene Orri.

“Siempre hemos sido súper colaborativos en todo lo que hacemos. Trabajamos así en nuestro espacio de ensayo. Sólo nos juntamos y escribimos canciones juntos,” dice Jónsi mientras se encoge de hombros.

Al hablar con los cuatro integrantes sobre cada uno, el tono y la camaradería que expresan —ambos con y sin palabras— hacen sumamente claro que, más allá de ser una banda, Sigur Rós es una familia. “Siempre ha sido de esa manera, hacemos todo juntos”, continúa Jónsi. “Creo que es cool, me gusta que se sienta como una unidad. Todos estamos juntos en esto por las mismas razones”.

Y la longitud del tiempo pasado fuera de las canciones que generó una ruptura en primer lugar, resultó ser una bendición.

“Creo que [el descanso] era realmente necesario porque apuntábamos hacia esto,” explica Georg. “Sentíamos como ‘[suspira] 36 . F I L T E R

“Las cambiamos [las grabaciones de 2009] mucho, sólo porque lo sentíamos”, dice Orri. “Pusimos la carne en los huesos”.

Todavía, a finales de 2011, la banda llegó a otra barricada creativa —tal vez por invertir mucho tiempo en eso. Alex estaba encomendado a mezclar su primer disco de Sigur Rós, que resultó ser mucho más instrumental.

“En muchas maneras, Alex como que lo salvó. Era muy difícil trabajar con música como esa durante mucho tiempo,” declara Georg con franqueza sobre las dificultades que representaron las composiciones de Valtari. “Tiene la paciencia de sentarse y sólo escuchar una de esas canciones durante horas. Y nosotros no, así que entrábamos y salíamos y hacíamos una que otra parte. Pero él siempre estaba ahí.”

“Ahí en el estudio”, Alex responde con humildad y franqueza. “Todas las canciones eran muy buenas desde la primera escucha. Pero les faltaba cierto tipo de estructura. Aunque hubiera una estructura ambiental, necesitaban algún tipo de forma. Todos trabajábamos juntos en encontrar eso,” explica. “Creo que los chicos son realmente espontáneos por naturaleza. Normalmente el que ellos escribieran una canción pasaría rápido, pero creo que se estaban aburriendo de este álbum. Creo que por eso era bueno que trajeran a alguien más y le diera nueva vida al proyecto. Creo que ayudó a todos a emocionarse con éste de nuevo porque es realmente bueno”.

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“Este disco pasó por un proceso difícil, pero aun así, fue disfrutable al mismo tiempo. Estoy muy feliz con el resultado.

Escucho algo diferente cada vez que lo escucho. Creo que es muy hermoso.”—Georg Holm, bajista

La banda pasó seis semanas con Alex en el estudio, donde las grabaciones eran cortadas, ajustadas y rearregladas. Los miembros de la banda venían en pares e individualmente a hacer overdubs en este espacio íntimo, a agregar pianos, percusiones, la característica guitarra con arco de Jónsi y utilizar “todo tipo de cosas raras” de las colecciones de Jónsi y Alex, todo mientras dejaban sus zonas de confort al intercambiar instrumentos.

cuatro.” Hace una pausa, mientras se asoma una sonrisa.

“Creo que todos están estresados. Como Goggi, él tenía esta pesadilla sobre subir al escenario y no recordar las canciones y ser abucheado. Así que está realmente nervioso,” se ríe.

“No ha tocado su bajo en cuatro años, así que está como ‘¿tengo que aprenderme todas las canciones de nuevo? ¡No recuerdo ninguna!’ Sólo nos hemos visto una vez para practicar, eso fue ayer, y sólo tocamos una canción.”

El resultado es Valtari, descrito por sus creadores como “raro,” “diferente” y “muy hermoso.” Con las atmósferas puramente instrumentales de “Hafsól” (Von), la simplicidad acústica de Ágætis byrjun, la construcción y el asalto sónico de “Untitled 8”, de ( ), y el éxtasis orquestal de “Hoppípolla” (Takk) o la rapidez y el placer sin complicaciones de “Gobbledigook” (Með suð): Valtari el siguiente viaje sónico. Diferente a cualquier otro álbum de Sigur Rós, el sexto combina ambiente con antigüedad teñida de sepia. Pianos e idiófonos a través de la atmósfera; notas de cuerda hasta el cansancio; la decadencia de la cinta crepita dentro y fuera de un delicado fondo estático. Todo esto podría surgir de la profundidad de un gramófono si cierras los ojos por suficiente tiempo.

Mientras el álbum fue el que necesitó de más tiempo para ser terminado, seleccionado de los fragmentos de diferentes épocas, suena como si pudiera haber sido el primero, en el inicio de un siglo que nunca ha existido. Y para toda la construcción que su música inspira en el cerebro o el alma de uno, Valtari reafirma, también, que ellos mismos son arquitectos de su arte.

“El ensayo de ayer es la cura a mis pesadillas. Me di cuenta de que esto no va a ser tan difícil como lo pensé,” señala Georg riéndose. “Cuando regresé a casa comencé a escuchar discos en vivo de nuestra música y lo realmente raro fue que cerré mis ojos y podía ver mis manos en el bajo, las notas que estaba tocando. Fue claro y bizarro a la vez. Memoria muscular.”

“Es sólo el sonido que estos cuatro chicos crean —y no es como guitarra-bajo-batería-piano o como sea,” dice Alex mientras sonríe. “Creo que da un buen ejemplo a las bandas para que no se encierren y piensen mucho sobre ser músicos.

Es más sobre ser creadores de música.”

En este momento, Sigur Rós finalmente se está preparando para volver a poner la aguja sobre el groove con Valtari como el catalizador que los trae de vuelta a nosotros. Ahora, los destinos que quedan por delante para el cuarteto son los extranjeros y los extraños, mientras se preparan para viajar por el mundo durante varios meses por primera vez en años.

“Lo esperamos. Es muy emocionante,” dice Jónsi con el rostro iluminado. “No he ido de gira en un largo tiempo. La última vez que lo hice fue hace dos años; con los chicos, hace

“Estábamos hablando sobre lo divertido que es cuando estás estresado y luego tomas tu instrumento y empiezas a tocar, y entonces automáticamente das en el acorde correcto,” asegura Jónsi.

Mientras mi auto recorre la misma ruta que me trajo a Reikiavik dos días antes, la experiencia es parecida a despertar y abrir los ojos —o ponerle pausa a la música. Es momento de volver a la realidad, a otra existencia. Dejar Islandia es aventurarme fuera de un cómodo sentido de balance, donde una tradición culinaria ancestral como hákarl (carne podrida de tiburón, esencialmente) se mantiene cerca a su identidad nacional mientras se adopta una reforma social en el nombre del progreso y el bienestar de su gente. El aire fresco, lagos y ríos termales y hermosos paisajes se empiezan a desvanecer en el retrovisor. Pero, la misma naturaleza de partir siempre significa regresar algún día.

Pronto, también Sigur Rós partirá; dejando un país extraordinario para viajar a docenas de otros y darles la música que los transporta, por sí sola, a lugares lejanos.

“Un buen show, para mí, es cuando estoy como en la zona de salida,” describe Georg su experiencia en el escenario. “Es casi como meditar. Se siente como energía natural. En un mal show, me siento muy consciente de mí mismo. ‘Oh. Estoy aquí.’ ¿Sabes? Un buen show es cuando apenas notas que lo estás haciendo —sólo escuchas la música.”

Y dejas que te lleve.

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-Humor a través de la imagenPor ESAMIPAU! Imágenes CORTESÍA DEL ARTISTA

El Grand Chamaco es un diseñador mexicano que desde muy temprana edad se sintió atraído por la imagen y tardó poco en darse cuenta de que de esa manera se expresaría el resto de su vida. “Siempre he sido muy malo para hablar y conversar, esto me llevó a tratar de comunicarme de otra forma, decir cosas que no se podían decir literalmente.

Descubrí que podía comunicarme, de alguna manera, con el dibujo y que esta era una forma mucho más libre y atractiva para expresarme”.

Más que tener una carrera universitaria, El Grand Chamaco aprendió mucho desde su pasión por el dibujo y a través de personajes como el escritor Ignacio 38 . F I L T E R

Solares, quien le enseñó muchísimo sobre las bases de la identidad mexicana. “En lo personal, fui más de práctica y aprendí mucho de las personas que conocía, pero también creo que es muy importante tener conocimientos básicos de las teorías”, sin embargo, en su lista de influencias El Grand Chamaco nombra los carteles del Chango Cabral, además de encontrar inspiración por medio de la música. “La música también es de gran ayuda, acostumbro hacer playlists especiales para cada proyecto”.

Al mismo tiempo, El Grand Chamaco es uno de los artistas cuyo trabajo ha sobresalido gracias a las redes

A R T E sociales. “Aparte de mi página web, son el único medio que tengo para exponer y dar a conocer el trabajo que hago día a día. Es impresionante la facilidad de exponer tu trabajo en Instagram, Twitter, Facebook, Behance, etcétera, y que al instante tengas una reacción de las personas que lo ven”.

Su cuenta de Twitter (@sedibujantuits) es probablemente una de las más divertidas en esta red, pues ante la poca facilidad de expresarse con palabras pero, atraído por el ingenio que habita en Twitter gracias a varios usuarios, El Grand Chamaco sacó esos 140 caracteres de la rigidez del texto y los convirtió en imágenes que aportan humor al contenido.

Pero esto no termina ahí. Una de las grandes ventajas de su trabajo es que según El Grand Chamaco es muy versátil: “Independiente de las formas, narices, ojos, bocas y cruces, puedo usarlo con diferentes técnicas y en diferentes medios sin complicarme tanto. Puedo

invertir muchas horas en un 3D muy detallado para un proyecto y mañana estar dibujando con los dedos en el iPhone sin que se vean como estilos divorciados.” Esto mismo lo ha llevado a entrar a convocatorias para diseñar carteles musicales, fue invitado por Sprite para intervenir un camión en el marco del festival urbano All City Canvas y recientemente fue publicado en el libro de Pictoplasma.

Mantener la identidad propia anónima siempre resulta atractivo, sobre todo si se trata de dejar que tu trabajo hable por ti. Ya sean ilustradores, artistas urbanos o músicos, esta “técnica” permite que la gente que sigue sus creaciones esté al pendiente de cada paso que se da a través de una imagen o canción.

No sabemos si ésta sea una estrategia adoptada por El Grand Chamaco (cuyo nombre permanecerá sin ser revelado) con ese propósito, pero en realidad, eso es de poca importancia pues sea como sea estamos muy al pendiente de su sentido del humor único para enfrentar el día a día.

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TR IB U TO

Por: MANUEL ‘LA GRAN EME’CARRASCO / @graneme_og Fotos CORTESÍA EMI MISIC MÉXICO

Dentro de la realeza del hip hop, las muertes trágicas de Biggie y 2Pac forman parte del evangelio del género. Después de ellos Eazy-E, Guru, Big L y J Dilla se han unido a la lista de deidades en la iconografía santa de los beats y las rimas. Siendo un género aún muy joven (no olvidemos que cuenta con sólo unos 35 años), las pérdidas tienen un impacto profundo entre los aficionados. Podemos decir que a esta generación nos ha tocado enterrar a los héroes que siempre estuvieron ahí, que antes de ellos “La Palabra” no se había manifestado; son ellos los que participaron en el génesis del género.

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Con pena, nos enteramos de que un tercio de una de las bandas favoritas y más queridas de las últimas décadas ha dejado de existir: MCA murió el 4 de mayo de 2012.

Adam Yauch de los Beastie Boys ha fallecido, con lo que se puso punto final a la exitosa y legendaria carrera del trío seminal. El que, al menos en apariencia, era el más pulcro y serio de los beasties, pero que detrás de bambalinas era poseedor de un humor que durante los primeros discos de la banda funcionó como combustible para las influyentes grabaciones del Licensed

to Ill y el clásico Paul’s Boutique. También es recordado por su compromiso con la liberación del Tíbet, que lo llevó a organizar festivales en favor de esta causa. Para muchos, Adam Yauch era el catalizador del éxito de la maquinaria Beastie.

Musicalmente fue un bajista que bien podía atacar su instrumento con la violencia de su ídolo Darryl Jenifer o la cadencia de Bootsy Collins. Su talento lo podemos apreciar en los temas instrumentales jazzy/funk y en los más duros lapsos de hardcore punk que delatan los orígenes de la banda. Es precisamente en estas pistas donde podemos apreciar la trascendencia e influencia de Yauch en la banda desde su concepción. MCA tenía las herramientas para ejecutar desde temas influenciados por los grandes jazzistas Jimmy Smith o Lou Donaldson, hasta pistas que podían sonar al punk más duro de Bad Brains o Black Flag.

A través de los años, la generación hip hop vio crecer a los Beastie Boys de ser un trío de adolescentes irresponsables hasta convertirse en uno de los actos más respetados en la música popular. Presenciamos cómo los Beasties, en particular MCA, ofrecieron disculpas públicas si en algún momento sus letras habían sido ofensivas y evitaron a toda costa utilizar lenguaje soez en sus grabaciones, con lo que dieron un paso hacia adelante, combatieron complejos muy arraigados dentro del género y reafirmaron su integridad como artistas. Esta postura confirmó que para ‘mantenerlo real’ no era necesario

abusar del lenguaje y colocó a la banda en ese especial nicho de compromiso con el mensaje que enviaban a su audiencia y al resto de la comunidad hiphopper.

Afortunadamente MCA, acompañado de Mike D y el Rey Adrock, nos ha dejado un vasto recuerdo de su existencia a través de sus discos. Himnos como “Shake your rump”, “Sabotage” o “Rhymin’ & stealin’” permanecerán en la memoria de todos aquellos que atesoramos la obra de los Beastie Boys y, por qué no decirlo, en la historia de la música popular. Siempre podremos referirnos a los videos que el trío realizó —algunos de ellos dirigidos por el mismo Adam— y que ayudaron a apuntalar la imaginería del grupo, muchos con gran rotación en los canales dedicados a los videos musicales.

Todos hemos sido testigos de cuando en alguna fiesta los primeros acordes de “So what’cha want”, “Intergalactic” o “Sure shot” comienzan a sonar y los asistentes estallan en júbilo. Ése es el efecto que los Beasties generan y seguirán provocando aun después de esta terrible pérdida.

Adam Yauch se une a una lista de recientes decesos que entristecen a la comunidad musical. Los tributos no se dejarán esperar. Le sobreviven los otros dos miembros de los Beastie Boys, su esposa y su hija, además de millones de fans alrededor del mundo que nunca lo olvidaremos.

Recordemos y celebremos el legado del originario de Brooklyn al escuchar su vasta obra.

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REVIEWS

Santigold

Master of My Make-Believe DOWNTOWN/ATLANTIC

86% A los 35, Santi White tiene ya una trayectoria haciendo música, desde sus primeros días en una banda de punk hasta su trabajo más conocido bajo el nombre de Sant(o/i)gold, cuyo debut de 2008 aún se puede escuchar en los mejores lugares. Sin embargo, curiosamente, la tendencia moderna para los que gustan de llamar la atención —y que creen que más es más— aún necesitaba filtrarse para estar en sintonía con la increíble y sucia nube en la que la señorita White vivía, por lo que, mientras, seguíamos esperando un disco sucesor.

Tras desaparecerse por unos años, el 2012 parece ser un gran año para Santigold. Sus presentaciones en SXSW iniciaron un tsunami de alabanzas por sus shows de fiesta —e invitados especiales como Karen O en un concierto en Williamsburg en enero — que generaron millones de reacciones, las cuales predecían bien lo que venía con su nuevo disco, Master of My Make-Believe.

En nuevas fotos se ve, obviamente, más grande que la agresiva (y de alguna forma sonriente) hipster que conocimos en la época de “L.E.S. artistes”. La mujer segura y madura que pide nuestra atención ahora nos atraviesa con una mirada que sugiere que ahora es ella misma (y no porque no lo fuera también a los 29).

No se tiene que conocer sus antecedentes musicales para disfrutar su nuevo trabajo —se mantiene de pie por sí solo— pero el informarse sobre los orígenes de donde viene Make-Believe hace bien a los escuchas. Además, se siente menos como un ambicioso segundo álbum, como era de esperarse, y más como un avance dramático hacia la relevancia, de nueva cuenta.

El disco abre con una vibra ochentera de la dulce pero sombría en letras “Go!”, hasta que, la antes mencionada señorita O invita a algunas oscuras nubes a la fiesta. Ésta no será la primera vez que esta reseña haga referencia al new wave, Bow Wow Wow (busquen el significado, chicos), Malcolm McLaren o The Clash.

“People want my power, and they want my station”, dice el coro.

Es un inicio dramático.

A partir de ahí, los once tracks en Master of My Make-Believe se columpian entre moderna y gloriosa música inspirada en varios países y una caminata por el new wave, lo cual resulta en algo nuevo, familiar y retro a la vez. Dejando de lado la tentación de formar parte de los primeros puestos mainstream (aunque puede que aún tenga algunos de esos espacios reservados para el futu-

ro), Santigold ha ido directo hacia un ambicioso y significativo sucesor; piensen en Sandinista! vs. London Calling.

“Disparate youth,” la primera canción seria, sigue a “Go!” e inmediatamente llama la atención hacia el interplay entre “The guns of Brixton”. (El video también conjunta lo salvaje con lo maravilloso, mientras nuestra chica conduce una moto y navega —y no exactamente en el estilo refinado de Duran Duran— hacia una isla misteriosa con todo y vida salvaje y habitantes con caras pintadas).

“God from the machine” es la canción más funk que Leslie Feist podría hacer y “Fame” tiene el estilo al que estamos acostumbrados del sonido de M.I.A. —bajos sexys preparan los platos para cenar mientras Santi gime, “We are the fame”. Ruda.

“Freak like me” provee el cénit de una centellante primera mitad con voces sobre beats y otros sonidos que crean un hipnotizante ritmo.

No es un secreto la influencia ochentera de Santi, y son notables las referencias al estilo de esa época en sus canciones, tanto viejas como nuevas. A la lista mencionada anteriormente, agreguemos el poder de los Beastie Boys, las melodías de Peter Gabriel, la actitud de chica ruda de Salt-n-Pepa y —aunque al referirnos a esa década solemos hablar de cajas de ritmos y teclados, la verdad es que también había mucho soul en ese entonces— el soul de los grandes Phil Collins y The Eagles.

La segunda mitad de Master se adueña por completo del distorsionado retro estético de Santigold. “This Isn’t Our Parade” es un tema mid-tempo que llega hasta el corazón, aunque las letras no son reveladoras. Le sigue “The Riot’s Gone”, una adorable pieza que parece ser más sobre una relación que sobre un disturbio.

“The Keepers” levanta maravillosamente su melodía de “Little Red Corvette” de Prince, lo cual es suficiente que decir sobre ella. Gran tema. Pero nuestra chica aún no termina de agregarle funk al asunto; eventualmente Santi deja el melodrama y cambia de mood para el gran final. “Look at these hoes” tiene el mismo enojo que un mosh pit molesto, empujando a cualquiera que se interponga en su camino; jadeo igual a miedo. “Big Mouth” aligera todo con sus cantos, logrando un final esperanzador y abriendo las puertas de par en par al regreso de Santigold.

ADAM POLLOCK Traducción PAOLA DEL CASTILLO 43 . F I L T E R

REVIEWS

HERE WE GO MAGIC A Different Ship Secretly Canadian 83%

El tercer disco de Here We Go Magic es como una llamada a armarse de creatividad, siguiendo el ejemplo del compositor Luke Temple. Como en el caso de sus predecesores, A Different Ship es propenso a mostrar diferentes géneros, una escuela basada en Phish, (“Make up your mind”) y floreciendo sobre crestas lo suficientemente suaves como para hacer estática (“Over the ocean”) pasando de turquesa a azul marino. La tesis hace énfasis en “I believe in action” y con su actitud de demuestra-no-cuentes: “Don’t Imagine anything at all”.

KYLE MACKINNEL

Brent Knopf está muy enojado y —esperen, no es cierto. En el segundo álbum de Knopf como Ramona Falls, el ex miembro de Menomena barre casi todo el enojo que tenía su banda con una muestra sorpresivamente optimista en su característico rock cargado de jazz. Aún hay rastros de depresión burbujeando hacia la superficie.

“Sqworm” incluye una de sus guitarras más furiosas a la fecha, donde demuestra que no debe de gritar para hacernos sentir su dolor.

LAURA STUDARUS RAMONA FALLS Prophet Barsuk 80%

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REVIEWS

BRIGHT EYES Fevers and Mirrors (Reissue) Saddle Creek 77%

NITE JEWEL One Second of Love Secretly Canadian 82%

JACK WHITE Blunderbuss Third Man/Columbia 90%

Fue un gran acierto que Saddle Creek relanzara este año una serie de discos de Bright Eyes con el colérico Fevers and Mirrors del 2000 como cereza del pastel. Pero, aunque ahora es un paquete de dos LPs, no hay campanas extra ni silbidos de los cuales comentar. Lo que sí ofrece es una oportunidad de escuchar a un chico desesperado: antes de que Conor Oberst se convirtiera en un monstruo del folk, sufría con demonios que se aparecían en los lamentos y gritos de Fevers, particularmente en canciones como los ahora clásicos “Haligh, haligh, a lie, haligh” y “Something vague”. Apostamos a que a Oberst no le gusta revivir su tormento, pero a nosotros sí nos gusta hacerlo de vez en cuando… aunque hubiera sido bueno obtener algo extra para nuestros problemas. Todo ese enojo no es fácil de sobrellevar.

MARISSA R. MOSS

Desde su debut en 2009, Ramona Gonzalez nos ha dado beats de disco etéreo y lento, pero su música se opacaba por la producción lo-fi que estaba tan de moda antes de esta década. One Second of Love es R&B; es un disco que es lento en todas las formas correctas.

Con un sencillo homónimo que vas a querer poner en cada after de una noche new wave, el ritmo animado de la batería eléctrica y sintetizadores le dan un gran peso a las canciones de amor. Lo que es increíble del álbum es el efecto transformador de la mezcla entre R&B y escuela de arte (“Mind and eyes”), una combinación que surgió desde el EP Am I Ready?

Gonzalez explota su rango vocal al máximo (suena casi como Debbie Harry en “Memory man”) jugando con nuevas armonías. Aunque en el pasado no fue más que algo estético, aquí es pura atmósfera tratando de apegarse a la rareza de la ciencia ficción (“Unearthly delights”) que adoptó desde el inicio. taleen kalenderian

Existen muchas formas de pensar a Jack White. Muchos esperaban que se deshiciera de Meg White desde el inicio, otros lo prefieren con The Raconteurs, algunos piensan que es mejor produciendo y la mayoría sigue lamentándose la desaparición de The White Stripes. Todos serán felices con Blunderbuss. Por un lado, es muy personal. “Missing pieces”, la canción que abre el álbum, es una travesía melancólica sobre la disolución de una relación, la experiencia es tan visceral que él se siente desaparecer. Establece el tono para meditar, desde todos los ángulos, acerca del amor y la pérdida, con las herramientas musicales de White: Detroit, Nashville, Memphis y riffs de guitarras. Pero es también divertido y acelerado: “Sixteen saltines” es un ácido acoplado de los Stripes; “I’m shakin´”, un perverso cover de Rudy Toombs. Cada canción es una sorpresa, cada canción con el sello característico de White. Así que cualquier cosa que creías que extrañarías en esta producción, no existe. Familiar pero emocionante. Blunderbuss es una introducción magistral a un hombre al que todos hemos conocido desde hace mucho tiempo.

MARISSA R. MOSS

Producido por Danger Mouse, después de la colaboración que tuvieron juntos en Rome el año pasado, Little Broken Hearts de Norah Jones podría ser como la parte dos, si tomamos en cuenta el sonido vintage al que nos tiene acostumbrados. Algunas canciones sólo contienen momentos mágicos gracias a su voz, como “She’s only 22”. En estos momentos, no sabes exactamente qué es lo que podemos esperar de Jones, pero sí sabemos que será maravilloso.

JON FALCONE NORAH JONES Little Broken Hearts Blue Note /EMI 82% 46 . F I L T E R

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END NOTE

EL GRAND CHAMACO

Título de la pieza: Día de muertos

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Descripción: Para mí es muy especial el día de muertos y cada 2 de noviembre hago una ilustración especial con esta temática. Ésta es la versión 2011 y espero que vengan muchísimas más.

LOCK UP THE LOOK. THE NEW ERA 59FIFTY ®

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