FILTER México #2

THE BLACK KEYS . THE RAPTURE . DAVID CRONENBERG . DORIAN . PETER HOOK . THE DRESDEN DOLLS

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EN PORTADA

32 Bajo el sombrero de TOM WAITS

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PRINCIPALES

22 THE BLACK KEYS: Una breve historia de cómo lo lograron 26 DAVID CRONENBERG: Explotando el ego 28 THE RAPTURE: El renacimiento

ARTISTA DEL MES 20 THE DRESDEN DOLLS

TRUBUTO

44 PETER HOOK: Lo que no sabías del Unknown Pleasures de Joy Division

PAISAJES SONOROS

12 SUECIA: Way Out West Festival de Suecia

LES PRESENTAMOS A… 14 REAL ESTATE 15 GOTYE 16 LINDSTRØM

YA DEBERÍAS CONOCER A… 18 DORIAN

ENDNOTE

46 CAMERON CROWE y su fijación por los setlists

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Publisher Breakfast Media Director Editorial Milton Barboza

milton@filtermexico.com

Editor en Jefe Andrés Díaz Traducción y Redacción Mara Vargas, Anna Stephens, Paulina García, Paola del Castillo Corrección de Estilo Berenice Andrade Coordinador de Arte Oliver Barrón Fotografía Rodrigo Jardón Gerente de Producción & Operación Paola Palazón Seguel paola@breakads.com

Editora Web Paulina García Ventas Miguel Ángel Gómez mgomez@breakads.com FILTER México, Año 1, No. 2, (15 de diciembre 2011 a 31 de enero 2012), es una publicación de una periodicidad de cada 6 semanas editada y publicada por Breakfast Media, S.A. de C.V. Mariano Escobedo 498, Piso 1, Colonia Anzures. CP 11590. México. Teléfonos 62650339 / 62650366 / 62650367 / 62650368. Editor responsable: Carlos Alberto Miguel Hernández Verástegui. Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título No. 04-2011083012492100-102, ISSN en trámite. Certificado de Licitud de Título y Contenido No. 15399, otorgado por la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas de la Secretaría de Gobernación. Registro de Padrón Nacional de Medios Impresos en trámite. Impresa por Milenio Diario S.A. de C.V. ubicada en Caravaggio 30, Colonia Mixcoac, Delegación Benito Juárez, C.P. 03910, México, Distrito Federal. Distribuida por Armando Rodríguez Salgado, ubicada en Oriente 69, 2831-A, Colonia Ampliación Asturias, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06890, México, Distrito Federal. Este número se terminó de imprimir el 13 de diciembre de 2011 con un tiraje de 25,000 ejemplares.

Las opiniones expresadas por los autores no necesariamente reflejan la postura del editor de la publicación.

Queda estrictamente prohibida la reproducción total o parcial de los contenidos e imágenes de la publicación sin previa autorización del Instituto Nacional del Derecho de Autor.”

PUBLISHERS Alan Miller & Alan Sartirana EDITORIAL EDITOR-IN-CHIEF: Pat McGuire MANAGING EDITOR: Breanna Murphy INTERNS: Clare R. Lopez, Krystle Uy ART ART DIRECTOR: Melissa Simonian CONTRIBUTING ARTISTS & PHOTOGRAPHERS Danny Clinch, Cameron Crowe SCRIBES Ethan Alley, A.D. Amorosi, Jeffrey Brown, Kendah El-Ali, Jon Falcone, Kevin Friedman, Erin Hall, Lauren Harris, Albert Herter, Mike Hilleary, Patrick James, Jessica Jardine, Taleen Kalenderian, Daniel Kohn, John Laurie, Kyle Lemmon, Clare R. Lopez, Kyle Mackinnel, Nevin Martell, Cass McCombs, Marissa R. Moss, Kurt Orzeck, Loren Auda Poin, Adam Pollock, Jon Pruett, Ken Scrudato, Dom Sinacola, Zachary Sniderman, Laura Studarus, Colin Stutz, Tamara Vallejos MARKETING Corey Anderson, Samantha Barnes, Mike Bell, Sarah Chavey, Andrew Courtien, Tim Dove, Paul Familetti, Samantha Feld, Monique Gilbert, Holly Gray, Ian Hendrickson, Alyssa Jones, Wes Martin, Andrea Narvaez, William Overby, Kyle Rogers, Connie Tsang, Jose Vargas For marketing inquiries please email info@filtermmm.com FILTER MAGAZINE IS PUBLISHED QUARTERLY BY FILTER MAGAZINE LLC, 5908 BARTON AVE., LOS ANGELES, CA 90038.

VOL. 1, NO. 46, HOLIDAY 2011.

FILTER MAGAZINE IS NOT RESPONSIBLE FOR ANYTHING, INCLUDING THE RETURN OR LOSS OF SUBMISSIONS, OR FOR ANY DAMAGE OR OTHER INJURY TO UNSOLICITED MANUSCRIPTS OR ARTWORK. ANY SUBMISSION OF A MANUSCRIPT OR ARTWORK SHOULD INCLUDE A SELF-ADDRESSED ENVELOPE OR PACKAGE OF APPROPRIATE SIZE, BEARING ADEQUATE RETURN POSTAGE. ISSN # 1544-2861 ©2011 FILTER MAGAZINE LLC. ALL RIGHTS RESERVED. FILTER IS PRINTED IN THE USA. FILTERmagazine.com

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Usa, juega y disfruta Yo regalo, tú regalas, todos regalamos, a todos nos regalan. FILTER México te ayuda a que sorprendas a tus amigos, chica, chico, familiares o que te des un gusto a ti mismo. ¡Felices fiestas!

Por PAOLPS Remeritas x Eduardo Caudillo x FILTER México “Noise sounds better with you” fue el mensaje que colocó Eduardo Caudillo en el brazo de la chica que ilustró la última página de nuestra edición anterior. Luego, la marca mexicana Remeritas la convirtió en una de las prendas de su nueva colección. Y es así como FILTER México tiene su propia playera.

Esta edición limitada de tan sólo 30 piezas está disponible desde finales de noviembre en Remeritas Store (Durango 151-A. Roma Norte). Cada una tiene un costo de $300.

El clásico pantalón Original 874 de Dickies para chicos es uno de los favoritos de FILTER México. Sin pinzas, ni pliegues y de bota recta. Su corte y estilo nunca pierden la esencia de la marca, manteniendo a la vez un tono moderno. Además, no se arruga y es fácil de desmanchar: es perfecto para guerrear en festivales, conciertos y demás encuentros fiesteros y musicales.

Espéralos próximamente en México. www.dickies.com

Torreblanca

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¡Chicas, a morir de ternura! Este año Hello Kitty se ha aliado con marcas como Vans, Friends With You, Forever 21 y Sephora, para lanzar productos muy divertidos. Aquí los dos destacados de FILTER México.

La edición limitada de Vans x Hello Kitty que fue lanzada a mitad de año en otros países, y está desde noviembre en México. Los modelos están disponibles en las tiendas de la marca, en las grandes departamentales. www.vans.com.mx

Las fanáticas de Malfi y de los productos de Friends With You amarán esta nueva colección. El case para la compu es nuestro favorito. Sólo es cuestión de tener un P.O. Box y picarle al add to bag. www.friendswithyou.com

Usa, juega y disfruta

Vestir al Iphone es tan divertido como descargar aplicaciones o jugar Angry Birds, y este case bigotón es un hit. Lo mejor de todo: desde que NORDSTROM anunció su nuevo servicio de envío a México, se pone más interesante el asunto.

Se puede ordenar y en pocos días está el pedido en puerta. Este case cuesta $570 y se consigue en su página oficial. www.nordstrom.com

La onda Quadrophenia está de regreso: italian look, cascos, música y la elegancia mod de los 60 en nuestras calles. Una moto puede ser además del juguete de navidad que siempre quisiste, una salida al tráfico del que tanto nos quejamos.

Desde 2008, la empresa india LML tiene la patente para fabricar motos scooter con el mismo diseño de las clásicas PX de Vespa, obvio con un costo para el consumidor más bajo. La LML Star 4 de 150 cc ronda por los $36 mil 990. Desde la segunda semana de diciembre está disponible en azul, marfil y negro en Moto Altavista (Palmas 530, Lomas de Chapultepec). www.motoaltavista.com.mx

de colección Uno de los mejores discos de este año puede ser un grato regalo. Urban Outfitters está promocionando una edición exclusiva del LP Hurry up, We’re Dreaming de M83 con dos discos: uno rosa y uno azul. El precio es $24.98 dólares y, por supuesto, UO ofrece envíos a México. Para aprovechar y sacarle jugo al shopping, vale la pena encargar de una vez el vinyl de Torches de Foster de People ($23.80 dólares). Sería una buena forma de empezar a calentar motores para su visita en México. www.urbanoutfitters.com

59 FIFTY… AMERICAN ICON Hablar de New Era y en particular de su modelo 59Fifty, es hacer referencia a una emblemática gorra que además es símbolo de uno de los deportes más reconocidos y queridos de Norteamérica, el Béisbol. La 59Fifty se ha convertido en parte fundamental de la moda de generaciones, ya que New Era tiene 90 años en el mercado gracias a su calidad y diseño que ya es un clásico. Nos enorgullece darles a conocer que New Era llega a nuestro país y en FILTER México les tenemos unos pequeños regalitos, así que ingresen a FilterMexico.com y ganen una de estas maravillosas gorras. http://neweracap.com 5.FILTER

Does It Offend You, Yeah?

12 & Super MASH Bros

Noviembre

Por PAOLA DEL CASTILLO Fotos RODRIGO JARDÓN

Después de mucha expectativa, el mundo se unió con motivo del Smirnoff Nightlife Exchange Project en una noche por medio de una serie de fiestas y eventos simultáneos. Con una mezcla de ansiedad, emoción y ganas de divertirse, los invitados llegaron listos para viajar a Dubai y disfrutar lo mejor de su vida nocturna: desde una impresionante decoración estilo árabe, cocteles inspirados en ese país, kebabs, belly dancers entre otros detalles alusivos a una de las ciudades más importantes del Medio Oriente en la actualidad.

Después de un DJ set de Anna Stephens, llegó el turno de Does It Offend You, Yeah? de subir al escenario para ofrecer su primera presentación en México. Los originarios de Reading, Inglaterra, iniciaron un explosivo set con “Wrestler”, preparando a los asistentes para temas de la misma intensidad como “Yeah!”, “The monkeys are coming”, “Dawn of the dead” y, probablemente la más bailada de la noche, “We are rockstars”, canción que los hiciera mundialmente famosos con su disco You Have No Idea What You’re Getting Yourself Into.

Sin embargo, el ambiente fiestero no impidió que sonaran también algunas de las piezas correspondientes a la faceta más tranquila y melosa de los liderados por James Rushent, como “Epic last song” y “Pull out my insides”.

Entre las sorpresas del concierto se encontraron un cover de “Aneurysm” de Nirvana y “Survival of the thickest”, bonus track de la edición británica de su último disco Don’t Say 6.FILTER

We Didn’t Warn You. Tras un set de aproximadamente 75 minutos, los ingleses se despidieron del público mexicano envuelto en una ola de euforia a la cual su frontman se dejó llevar, rompiendo un teclado que lo acompañó durante el concierto. La noche continuó con mash-ups a cargo de Super Mash Bros, quienes dieron una cátedra de cómo fiestear tal y como se hace en su natal Los Ángeles. Los californianos no dejaron de agradecer al público por la oportunidad de estar ahí mientras que mezclaban canciones de todos los géneros y para todos los gustos resultando en una de las noches más extraordinarias del año.

Entrevista

Por ANDRÉS DÍAZ

Un fenómeno interesante que ha pasado con las nuevas bandas inglesas es que, a pesar de la sobrepoblación que hay, muchas insisten en ser la próxima portada de las revistas musicales para ampliar su tiempo de vida en conciertos y medios de comunicación. Los integrantes de la banda originaria de Reading, Inglaterra, opinan lo contrario, ya que con sólo dos materiales – Don’t Say We Didn’t Warn You el más reciente– han logrado presentarse en gran parte del planeta sin necesidad de tener un sencillo número uno en las listas de popularidad.

Platicamos con James Rushent, Dan Coop y Rob Bloomfield antes de que subieran al escenario del Smirnoff Nightlife Exchange Project.

Ustedes se han mantenido con un bajo perfil a diferencia de otras bandas que buscan salir a como dé lugar en las portadas de las revistas. ¿Se consideran parte de la nueva generación de bandas inglesas?

Dan Coop: Nunca hemos sido parte de la escena londinense. Estamos viviendo épocas oscuras porque no nos conectamos tanto a internet, sólo nos enteramos de qué está pasando al ver bandas nuevas en conciertos. Sentimos que por el fácil acceso de información se ha fragmentado la música demasiado.

James Rushent: Cuando era chico, durante los noventa, seguir a una banda o un movimiento musical era como seguir una religión, había un sentido colectivo de que estaba sucediendo algo. Ahora no puedes estar al tanto de todo lo que pasa, incluso muchos dudan de “el sabor del mes” que nos dan publicaciones como NME. Mucha gente no experimentó movimientos como el grunge o trip hop, es por eso que el dubstep se ha vuelto algo tan grande porque

la gente se ha identificado con él. Antes la gente se formaba afuera de la tienda de discos a media noche para tener el disco de su artista favorito, ¡ahora lo puedes tener dos semanas antes de que salga! Para mí los discos están muertos, es una lástima pero es así. A nosotros nunca nos interesó vivir de los discos, sino de tocar en vivo.

Considerando la situación actual de la industria musical, ¿qué es lo que hacen para ser felices?

Rob Bloomfield: Nos encanta poner a la gente loca en cada concierto. Es como South Park, ellos pueden hablar o hacer lo que quieran porque son South Park. Nosotros podemos hacer lo que queramos siempre y cuando no nos lleve a un lugar incómodo.

James Rushent: Muchos creen que tocar en Inglaterra es lo mejor, en nuestro caso hemos dado nuestros mejores conciertos en países como China o Australia. Hay muchas bandas inglesas que llenan estadios o arenas en Inglaterra, pero en cuanto salen de la isla no son conocidos.

Nosotros somos afortunados porque no somos tan famosos, pero somos lo suficientemente conocidos para tocar en cualquier lado.

Checa el resto de la entrevista en filtermexico.com 7.FILTER

KINGS OF

5 DE NOVIEMBRE / UNIVERSIDAD IBEROAMERICANA

Por ESAMIPAU!

NOVIEMBRE 1 Y 2 JOSÉ CUERVO SALÓN Por MARA VARGAS

Fotos RODRIGO JARDÓN

Son pocos los conciertos en los que el público realmente se conecta con el artista o la banda, no como ídolo/fan, sino en una intimidad casi de cómplices. Así fue el concierto de Kings of Convenience, quienes alcanzaron la máxima capacidad del José Cuervo Salón por dos ocasiones. Erlend Øye mantuvo un diálogo constante con la audiencia, no como el semi dios parado en el altar idolatrado por cientos de fanáticos, sino como una persona que simplemente quería tocar.

Kings of Convenience es un dueto noruego conformado por Erlend Øye y Erik Glambek, conocido por hacer música acústica con voces suaves y melodías dulces, quienes tocan el género que algunos llaman twee. El setlist de los conciertos fue un perfecto ensamblaje de canciones extraídas de sus tres discos: Quiet is the New Loud, Riot on an Empty Street y Declaration of Dependence. Los mejores momentos de la noche fueron cuando el público se unió al dúo para interpretar algunas de las canciones como “Know how” y “Boat behind”.

Otro momento memorable fue cuando salieron dos mariachis junto con Bosco y Luis Fara de Quiero Club a tocar con Erlend y Erik, cuando la euforia y el baile finalmente explotaron en una especie de catarsis, sobre todo en “I’d rather dance with you”.

Es un hecho que la música de Kings of Convenience es para escucharse en la tranquilidad de un cuarto, en silencio, dejando que la música nos envuelva. Lo mismo aplica en un concierto, el volumen del audio no es alto para enmudecer los gritos de los eufóricos fans, es bajo al igual que las voces y se puede perder el detalle de las notas con el simple murmullo del público. Ese fue el conflicto en ambos conciertos, los fans pasionales externando su emoción con gritos y chiflidos y un músico buscando el silencio para poderse concentrar en dar un buen concierto para ellos. A pesar de los constantes “shhhh’s”, fue un concierto memorable en el cual los músicos junto con el público dieron lo mejor de sí.

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Fotos RODRIGO JARDÓN

La parte del estacionamiento de la Universidad Iberoamericana conocido como “La pirámide” fue el espacio designado para que se presentaran bandas mexicanas que han mostrado tener muy buena recepción por parte del público como Vicente Gayo, Dapuntobeat, Los Daniels, She’s A Tease, La Gusana Ciega y el Instituto Mexicano del Sonido.

Uno de los momentos más entrañables de cada set de las bandas de la tarde fue ver cómo estas agrupaciones han logrado crecer en el escenario y cómo logran dominarlo en cada presentación con todo y público. She’s A Tease, Vicente Gayo, Dapuntobeat y el Instituto Mexicano del Sonido fueron capaces de hacer que cualquiera que bailara a su ritmo se olvidara del cortante frío de Santa Fe. La noche cayó y los miembros de Black Rebel Motorcycle Club se presentaron ante una multitud algo escasa pero completamente fiel. Las densas atmósferas de las canciones hicieron buena mancuerna con el clima y para la hora en la que se presentaron. Éxitos de todos sus discos como “Spread your love”, “Stop”, “Beat the devil’s tattoo” y “Love burns” fueron coreados por los asistentes hasta culminar con un emotivo cierre cortesía de “Open invitation”.

El Ibero Fest concluyó como un evento tal vez no tan afortunado para los organizadores; sin embargo, aquellos que tuvieron la oportunidad de ver a todas estas bandas como lo hicieron el pasado sábado 5 de noviembre gozaron de una grata experiencia y, sobre todo, de un día lleno de música.

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PEARL JAM

NOVIEMBRE 24 EN EL FORO SOL Por PAOLA DEL CASTILLO Fotos CORTESÍA OCESA (SALVADOR BONILLA)

Ya con las luces prendidas del foro tuvo lugar el mejor momento de todo el concierto: “Rockin’ in the free world”, canción original de Neil Young Seis años pasaron desde la última vez que Eddie Vedder, Stone Gossard, Jeff Ament, Matt Cameron y Mike McCready trajeran su contribución al sonido de Seattle de los noventa a México. Seis años en los que la emoción de los fans de la banda pareció incrementar con cada año transcurrido hasta lo vivido en el Foro Sol el 24 de noviembre de 2011, con la tercera visita de Pearl Jam a la ciudad de México. .

Primero fue el turno en el escenario de los californianos X, legendaria banda de punk rock formada a finales de los setenta, quienes ofrecieron un breve pero sólido set, el cual concluyó con una participación especial de Eddie Vedder como invitado en las voces.

Cuando las luces volvieran apagarse, la agrupación que celebró 20 años de trayectoria con esta gira hizo su aparición inicial con “Release”, tema al que le siguieron otros éxitos como “Given to fly”, “Elderly woman behind the counter in a small town”, “Even flow”, “Daughter”, “Better man”, “Porch”, entre otras. Como es usual en los conciertos de los de Seattle, se vivió una total y emotiva entrega tanto de parte de los asistentes, quienes coreaban cada una de las canciones entre saltos y hasta lágrimas, como de la agrupación, quienes no dejaron de agradecer a nuestro país por su calidez, asegurando que si en la visita de 2003 no hubieran tenido el recibimiento que tuvieron de parte de sus fans mexicanos no hubieran hecho giras por el resto de Latinoamérica.

Pero lo mejor llegó en la segunda mitad de la presentación que en total duró aproximadamente 2 horas 40 minutos. El primer encore comenzó con “Just breathe”, la cual Vedder dedicó a amigos del 10 . F I L T E R

staff de la banda que pronto se casarán, así como para “todas las personas que están enamoradas, Los afortunados”. Los mejores momentos de este primer encore llegaron con “Black”, con una entrega vocal de Vedder casi tan poderosa como la de aquella interpretación del tema en el MTV Unplugged de 1992, mientras que los presentes encendían y apagaban sus encendedores al ritmo de la música, a lo que el cantante comentó “ahora sí sabemos que estamos en la ciudad de México”, y con “Spin the Black Circle” en la cual Vedder tomó una bandera de México con la que “toreó” a McCready.

Después de “The fixer”, “Jeremy” y “Why go”, el frontman presentó a la banda, incluyendo a Boom Gaspar, quien toca con ellos en vivo desde hace ya unos años y comentó que aún tenían que tocar mucho más por ser una noche especial: la última fecha de este año de su gira Pearl Jam Twenty.

En este segundo encore se hicieron presentes uno de sus cóvers más famosos, “Last kiss”, una de las sorpresas de la noche, “Leash”, seguida de “Alive”.

Ya con las luces prendidas del foro tuvo lugar el mejor momento de todo el concierto: “Rockin’ in the free world”, canción original de Neil Young a la cual invitaron a X para tocar con ellos mientras que el público llegó a una comunión máxima, lanzando hacia arriba vasos vacíos de cerveza, resultando en una imagen impresionante e inolvidable para todos los que lo vivieron.

Finalmente, con “Indifference” y “Yellow ledbetter” la banda se despidió de las 55 mil personas que asistieron con un sentimiento compartido de gratitud y admiración, como aquellas despedidas de grandes amigos, en las que duele la partida pero todo vale la pena por el próximo reencuentro.

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Paisajes Sonoros

Way Out West de Suecia

Por ETHAN ALLEY Fotos MICKE SANDSTRIM

No estaba seguro de lo que pasaría en mi primera visita a Suecia. Si los rumores y los estereotipos eran ciertos, comería albóndigas y dulces en forma de pescados o visitaría el Ikea local o rockearía en un Volvo al ritmo de ABBA. La realidad se alejó mucho de mi fantasía. Cuando llegué a Estocolmo fui recibido por cinco filas de taxis. El primer chofer de cada fila levantaba la mano saludando muy entusiasta. Algunos más animados que otros. Esta situación resultó muy confusa después de un viaje de 18 horas. Finalmente me decidí por el tipo guapo del Volvo blanco (palomita al primer estereotipo sueco), echó mi maleta a la cajuela y nos fuimos.

La razón de este viaje de verano sueco fue para asistir a uno de los festivales más hablados de Escandinavia: Way Out West. Este año, el festival de tres días contaba con una de las alineaciones más increíbles y eclécticas de Europa: Prince, Kanye West, Fleet Foxes y Pulp encabezando los escenarios donde también tocaron muchos nombres más. Esto en Gotemburgo, un pueblo universitario situado en el suroeste del país.

Con tan sólo 48 horas para llegar al lado opuesto de Suecia decidí conocer la cultura pasando la noche tomando todo el whiskey posible en todos los lugares que Estocolmo tenía que ofrecer para luego llegar en tren bala a Gotemburgo.

Pronto me enteré que la vida nocturna de Estocolmo no es la más prendida en un miércoles por la noche, como yo esperaba, y al mismo tiempo me informaron que al no haber comprado mi boleto de tren con antelación me vería obligado a encontrar otra manera de llegar a mi destino.

El viaje de seis horas en un coche rentado no me ofreció muchas atracciones –sólo un buffet de pescado en la carretera–, pues resulta que el 90 por ciento de Suecia es el bosque, que fue precioso aunque un poco monótono. Me tomé el tiempo para fotografiar algunas señalizaciones de cruces de alces y buscar una buena cena de mariscos.

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Paisajes Sonoros para oficiar el juego. Se me explicó en más de una ocasión que cuando uno tiene nueve meses de oscuridad casi interminable, como en Suecia, cada vez que sale el sol, hay que salir a disfrutarlo.

En su quinto año, Way Out West ahora consiste en shows nocturnos en antros (conocidos como “Stay Out West”) y el festival como tal. Eran más de diez lugares en toda la ciudad que contrataron a la mayor cantidad de talento durante el fin de semana, para tratar de superarse unos a otros con las filas más largas y las formas más escandalosas para ganar dinero extra: en un lugar había guardarropa obligatorio, mientras que en otro había mesas de blackjack.

Con ese cartel, los organizadores podrían vender 60 mil entradas, pero se han negado a hacerlo. ¿El resultado? No hay colas para comprar cerveza o en los baños; siempre hay salchichas y alcohol; y lo mejor de todo, se ve perfecto en todos los escenarios. Qué buen concepto. Después de experimentar el placer de Way Out West, me di cuenta de que los festivales también han sucumbido a la teoría de “más es mejor.” Contrata bandas más grandes, vende más entradas y más cerveza y la gente es feliz, ¿verdad? No siempre.

Si existe un punto medio en la estructura del festival, los suecos parecen haberlo descifrado con exactitud. El confort y la camaradería no excluyen a bandas grandes (o viceversa), y ¿qué más podría pedir un extraño en una tierra extraña?

Gotemburgo es una ciudad universitaria, así que no hay escasez de jóvenes aficionados a la música listos y dispuestos a hacer fila durante horas para ver a sus bandas favoritas, y este año, los tesoros nacionales de Suecia, Little Dragon y Those Dancing Days, se encontraban entre los que jugaron conciertos del club para el deleite de los lugareños.

Los suecos se vuelven locos en el verano.

Ejemplo de esto, un día saliendo de un antro a la una de la mañana vi que había un partido de fútbol en pleno clímax: el estadio estaba iluminado; los aficionados golpeaban tambores y hasta había un equipo completo de árbitros 13 . F I L T E R

Fotos MICKE SANDSTRIM excepto esquina inferiro derecha

Ese puede ser uno de los secretos del éxito de Way Out West, la gente realmente aprovecha la oportunidad para absorberlo todo. Cada año, 30 mil llegan a Slottsskogen Park con toda la emoción y el entusiasmo como si fuera Navidad. Pero al final, están ahí por una razón: sus bandas favoritas. Siempre es fascinante ver cómo a una banda por quien no dabas un varo en el disco puede tener un sonido increíble en un gran escenario, alimentándose de una multitud de miles de personas emocionadísimas.

Janelle Monáe, quien venía de una gran gira por Norteamérica con Bruno Mars, fue una de las que probaron que siguen siendo un éxito, junto con los nacionales Robyn y The Hives.

Les presentamos a...

Por KYLE MACKINNEL Foto SANDY KIM

“Brooklyn está saturado de bandas, pero parece que hay una razón para eso”, dice Martin Courtney, guitarrista de Real Estate, “si quisieras hacerlo, podrías tocar varias veces a la semana, lo que hemos estado haciendo por un rato”.

En efecto, la mayor parte del año después de la universidad, Courtney, el guitarrista Matt Mondanile, el bajista Alex Bleeker y el ex baterista Etienne Duguay, hacían su viaje semanal desde su base suburbana en Ridgewood, Nueva Jersey, a la ciudad para tocar. Esta perseverancia y dedicación dieron frutos cuando debutaron con su álbum homónimo en 2009 con la disquera Woodsist. Para cuando sacaron su segundo álbum para Domino, Days, los chicos de Real Estate ya habían trasplantado sus raíces y se hicieron regulares en Brooklyn.

En ninguna parte se puede ver mejor el vínculo entre ellos más que en el resplandor de humo en su after show. La banda acaba de tocar un set como parte de la serie de conciertos que ofrecen como teloneros de Bright Eyes para su gira de verano en el Williamsburg Waterfront.

Canciones destacadas del Days, incluyendo “Green aisles” e “It’s real”, fueron bien recibidas por el público. Este lugar al aire libre ofrece una vista espectacular del horizonte de Nueva York y los ánimos están, por ende, hasta arriba.

En su presente alineación Courtney hace la mayor parte de las letras, puliendo nostalgia suburbana y las progresiones sutiles de la vida.

Mondanile también escribe y toca solo como Ducktails, también junto con Duguay en Predator Vision. Maureen toca el teclado en Family Portrait y trabaja con Michael McGregor (también conocido como Chocolate Bobka) cuando 14 . F I L T E R

quiere. Bleeker tiene su propio escaparate en Alex Bleeker And The Freaks, con Courtney en el bajo, Mondanile en la batería y el alquimista avant garde Julian Lynch (también nativo de Ridgewood) en la guitarra principal.

Todos ellos pueden cantar. Todos saben cómo grabar. Con ese talento tan versátil, las permutaciones para el éxito son innumerables. No es de extrañar que cuando estos amigos tocan juntos, suena como si todos compartieran el mismo cerebro de una forma tranquila y empapada de reverberación. Courtney considera que esto es resultado de un solo factor: tiempo bien invertido.

“Personalmente, siento que funciona muy bien porque Matt, Alex y yo, nos conocemos desde hace mucho tiempo”, dice Courtney. “Nos hemos escuchado y hemos tocado lo que los otros hacen por años. Yo creo que eso ha ayudado a que seamos una banda cohesiva. Puedo traer una canción y la mayor parte del tiempo ellos ya saben la vibra que tengo en mente antes de articularla”.

3 DISCOS QUE INFLUENCIARON A MARTIN COURTNEY

The Microphones - The Glow Pt. 2 Paul McCartney - McCartney II Yo La Tengo - Painful

Ya deberías conocer a...

Les presentamos a...

Por KENDAH EL-ALI Foto KANYE HIBBARD

Nacido en Brujas y criado en Australia, la carrera musical de De Backer –mejor conocido como Gotye– cuenta con diez años de solidez, pero no fue el prestigiado premio ARIA (el equivalente australiano al Grammy) que ganó en el 2007 el que impulsó su música más allá del continente en el que nació.

“Después de 10 años de trabajo independiente, me llevé una gran sorpresa en YouTube con una canción pop que logró hacer el crossover”. La canción a la que se refiere es “Somebody that I used to know”, una colaboración con su amiga y estrella australiana, Kimbra. Muchos músicos estarían embelesados con obtener cinco discos de platino y más de 11 millones de reproducciones en YouTube, pero a De Backer le gusta ver de reojo los fuegos artificiales.

Comenzó a tocar la batería con bandas de la secundaria, pero fue una cotidiana crisis adolescente la que probablemente salvó el futuro de su carrera musical. “Pasé tres años decidiendo que no quería convertirme en un baterista encerrado en su habitación,” confiesa con una amplia sonrisa. “Me enamoré del sampleo, y escuché mucha música que no había escuchado antes, me sorprendió la sensación de tener acceso a un enorme mundo de sonidos y cambiar la dirección de las canciones”.

Fue ese desencanto de la batería que llevó a De Backer al salvaje mundo de la experimentación con una caja de ritmos. De hecho, el álbum del 2006, Like Drawing Blood, fue creado exclusivamente con sampleos provenientes de su colección de acetatos viejos. Su más reciente álbum, Making Mirrors, es un audaz intento de impulsar construcciones digitales a territorios humanos. El resultado es un exitoso matrimonio que va del dub al sonido Motown, una grabación de una instalación de arte de Outback llamado Winton Musical Fence y sonidos robados de una grabación promocional del año 1970 de Cathay Pacific Airways. “Me toma tiempo hacer canciones y hay muchos elementos sueltos que voy reuniendo poco a poco,” explica. “Hay sampleos de instrumentos acústicos y lugares de los que puedo sacar mis sonidos.”

“Pasé tres años decidiendo que no quería convertirme en un baterista encerrado en su habitación”

Con la ayuda de la estación de radio australiana Triple J (reconocida por abrirle la puerta al éxito desde Nick Cave and the Bad Seeds a The Bumblebeez), pudo emerger de ser alguien que grababa sus discos en la casa de campo de sus padres a actuar en vivo en la Sydney Opera House. En cuanto a su capacidad de reunir una mezcla de estilos que no suene como un mash up, él simplemente dice: “es en parte el aburrimiento y en parte el interés. Estoy eternamente fascinado por la música. Lidio mucho con la toma de decisiones, así que quiero tratar de incluir todas las ocurrencias e ideas que tengo”.

3 DISCOS QUE INSPIRARON A WALLY DE BACKER A HACER MÚSICA

The KLF - The White Room

TOMITA - The Planets

LES BAXTER - Tamboo!

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Ya deberías conocer a...

Por KENDAH EL-ALI Fotos LIN STENSRUD inyectar una sensación de cantante-compositor en lo que normalmente sería un affair solitario y creativo (aparte de los remixes). De hecho, en la pasada edición de Culture Collide fue la primera vez en su carrera en la que ha compartido el escenario con alguien.“Como DJ, realmente no tocas con otras personas o compartes crédito, así que fue divertido estar con bandas ahí”, comentó. ¿Cuál es el resultado de todos estos datos inusuales? Algo que nunca deja de quitar el aliento. Tal vez el secreto del éxito de Lindstrøm es la magia que se ha originado de tantas fuentes musicales extrañas. Tal vez tiene algo que ver con la música country noruega. De cualquier forma, su sonido mantiene a la gente queriendo más.

Inusual es lo primero que viene a la mente al hablar acerca de Hans-Peter Lindstrøm. Originario de un pequeño pueblo productor de aceite en la costa oeste de Noruega, fue criado con una dosis de música country y western. Comenzó en un coro góspel y después terminó en bandas rock y country. Antes de hacer lo que parecía ser una movida inteligente al mudarse a Oslo y empezar a producir música electrónica, no tenía conocimiento previo sobre la música dance.

El multi instrumentalista ha lanzado sus inigualables éxitos de space disco por casi una década, pero fue “I feel space” de 2005 y la compilación que lo siguió, It’s a Feedelity Affair, los que aseguraron al guapo y sencillo escandinavo un lugar cálido en los corazones de escuchas de este lado del planeta.

Prepararse para la música disco puede sonar dramático, pero hay mucho más detrás de este artista, tanto musicalmente como en referencia a su lugar en la escena dance internacional. Después de todo, saltar de música country noruega a música dance no es un proceso sencillo. A diferencia de muchos DJ/productores, Lindstrøm toca batería, teclados, bajo y guitarra en muchos de sus temas.

También se hace cargo de su propia disquera Feedelity en Oslo. Conocido por sus colaboraciones frecuentes con Prins Thomas y Christabelle, nuevamente añade un giro inusual a la música disco al

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Después de haber pasado la mayor parte de 2010 en el estudio, Lindstrøm terminó recientemente de grabar su nuevo LP, el cual verá la luz en febrero de 2012. “Ya terminé mi parte”, dijo.

“Así que el resto ya depende de los demás”.

El nuevo álbum será lanzado en conjunto por Feedelity y Smalltown Supersound, otro sello de Oslo cercano a pequeños pueblos productores de aceite, el cual es dirigido por Joakim Haugland, con quien Lindstrøm ha colaborado muchas veces en el pasado.

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Les presentamos a...

DORIAN

La gente jamás tendrá suficientes canciones que por inercia hagan bailar, y aparentemente los barceloneses de Dorian tienen esto muy en claro.

Por ESAMIPAU! Fotos RODRIGO JARDÓN

A pesar de que Dorian es una banda nueva para los oídos mexicanos, la agrupación catalana tiene tres discos de estudio: 10,000 Metrópolis, El Futuro No Es De Nadie y La Ciudad Subterránea. Con esta última producción lograron no sólo consolidarse como una banda importante en su natal España, sino también encontrar la entrada al gusto del público mexicano, uno de los más fieles en el mundo.

La primera experiencia de Dorian en un escenario de México fue al lado de dos de las bandas más significativas de este país: Zoé y Café Tacvba, quienes fungieron casi como sus padrinos. Gracias a esta presentación, se dio el contrato con la disquera Terrícolas Imbéciles que se ha encargado de presentarlos en distintas ciudades de México. Y aunque afirman que todas han sido grandes experiencias, aseguran que la más importante ha sido la del Vive Latino. “Tuvimos la oportunidad de enfrentarnos a un público muy abierto a la banda ya que el disco de Ciudad Subterránea llevaba varios meses en la calle y la gente conocía las canciones.

También ya estaban familiarizados con la liturgia de nuestros conciertos, que es convertir cada concierto en una fiesta colectiva y eso se materializó en el Vive Latino”. Por otro lado, afirman que el público de Barcelona, de donde son originarios, es probablemente el más difiícil y a la vez el más culto. Sin

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embargo, enfrentarse a públicos nuevos no es un impedimento para ellos, al contrario, lo toman como una invitación para volverse a ver con ojos críticos y los anima a ser cada vez mejores.

Uno más de sus aciertos fue lanzar una versión de “Simulacro de emergencia” con León Larregui, con quien tienen una gran relación de amistad y que además le aporta un color muy particular a la canción pues como comenta el vocalista Marc, “es nuestra canción favorita, entonces sabíamos que no le iba a costar nada entender la esencia de la canción ya que es una canción obscura y hay que entenderla para saber interpretarla. Habla de una ruptura entre dos amigos que dejan de hablarse, y León y yo jugamos un poquito a eso, así que quedó muy bien.”

La gente jamás tendrá suficientes canciones que por inercia hagan bailar, y aparentemente los barceloneces de Dorian tienen esto muy en claro. Ya sean cortes con tintes obscuros o aquellos cuya ligereza te obligan a emprender un simulacro de vuelo mental, Dorian tiene lo que necesitan para sentir la música hasta en el último zurco de sus huellas digitales.

Sean nuevos o ya estén familiarizados con Dorian, ellos siempre recibirán a todos aquellos quienes quieran dejarse ver amanecer con sus canciones.

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ARTISTA DEL MES

THE

DR E SDEN D OLLS “Tocábamos todos los días, dormíamos poco, viajábamos a ciudades diferentes y sabíamos que teníamos que parar, sin embargo en el fondo no queríamos Por ESAMIPAU! Foto Cortesía de ACHE PRODUCCIONES Ellos no son sólo un dúo originario de Boston, integrado por Amanda Palmer y Brian Viglione; The Dresden Dolls es un estado mental donde ambos se pintan la cara de blanco, toman sus instrumentos y dejan salir aquellas composiciones esquizofrénicas que van desde un murmullo inocente hasta el alarido de una criatura maligna en menos de un parpadeo.

The Dresden Dolls son parte de un pequeño sector de músicos que retoman la estética del cabaret, escriben letras sombrías, fuera de lo común y llenas de humor negro, y ponen especial atención a sus puestas en escena, como lo hace el trío The Tiger Lilies, cuyo cantante vivió durante su infancia arriba de un burdel. Ahora, con su rostro maquillado de mimo maligno, canta temas cuyos personajes principales son prostitutas o pervertidos blasfemos que buscan satisfacción sexual a como dé lugar.

La idea generalizada es que la “vida de maleta” es el indicador de que una banda es exitosa.

Pero son muy pocos los que ven los choques de carácter que las extensas giras crean en los músicos. Amanda Palmer recuerda que éste fue uno de los motivos que los obligó a cesar actividades durante muchos años: “Tocábamos todos los días, dormíamos poco, viajábamos a ciudades diferentes y sabíamos que teníamos que parar, sin embargo en el fondo no queríamos. Fue entonces que me agoté física y emocionalmente

y colapsé. Llegó un punto en el que nos estábamos haciendo mucho daño y se volvió necesario parar y tomarnos un descanso”.

A pesar de sonar como una ruptura trágica, lo que en realidad pasó fue que la atención de Amanda y Brian para el proyecto se fue dispersando: mientras Brian colaboraba con The Human Line, Amanda se enfocó en su material como solista con la ayuda de Ben Folds. Con el acuerdo en mente de reunirse cuando surgieran ofertas que les parecieran atractivas, regresaron a presentarse en vivo en 2010.

Con ánimos de hacer un regreso divertido, buscaron reintegrar los performances a sus presentaciones en vivo: “Por lo general alguien se me acerca y me pregunta si podemos incluirlo en el show. Si nadie se ofrece, entonces busco talentos para incluir artistas cuyo concepto vaya con nuestra música. Me gusta la propiedad espontánea y experimental de estos performances pues nos permiten reaccionar ante lo que encontramos”, cuenta Amanda.

Siempre es bueno salir de la zona de confort para ir encontrando pequeñas joyitas en el camino. Permitir que The Dresden Dolls entren a sus oídos es una experiencia que sin duda ampliará su espectro musical y visual al grado de querer pintarse el rostro de blanco y vivir por siempre en el imaginario de Brian Viglione y Amanda Palmer.

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UNA BREVE HISTORIA DE DICKIES

Han pasado casi 90 años desde que en la localidad de Fort Worth en Dallas, Texas, se formó lo que a la larga se convertiría en una importante marca de ropa que hoy está entre las más codiciadas.

Nos referimos a Dickies, esta línea de ropa que se caracteriza por su gran calidad y durabilidad, precisamente el valor agregado a todo lo que esta empresa ha producido desde que nació en 1922, con tan sólo 35 empleados y de la mano de Nathan y Don Williamson, así como el Coronel E.E. Dickie.

Esta fórmula resultó la más acertada para comenzar con la producción de nuevos modelos de ropa ideal para diferentes actividades, como la labor de las fuerzas armadas de los Estados Unidos, a las cuales Dickies proveyó más de nueve millones de uniformes en la Segunda Guerra Mundial.

De igual forma, Dickies ha tenido apariciones en la cinematografía al ser utilizados algunos de sus clásicos jeans por legendarias personalidades del cine como Humphrey Bogart, Frank Sinatra, Henry Fonda, Tom Hanks, Harrison Ford, Morgan Freeman y John Cusak, quien usó una t-shirt de la marca en el filme clásico y referente para cualquier melómano, High Fidelity.

Además de todo esto, Dickies es parte fundamental en la actualidad para la gente que gusta de los deportes extremos como el skateboarding, ya que para las innumerables caídas que tienen, resulta lo mejor por la durabilidad.

Los mismos jóvenes han buscado estar a la moda con la ropa de Dickies, toda vez que han encontrado una nueva estética bajo la marca, que no se limita a realizar ropa de temporada, sino que produce su línea según vayan creando lo que se cree conveniente en el momento; eso la diferencia de otras marcas, haciéndola parte fundamental en esta etapa de la industria.

Dickies ha logrado a lo largo de su historia ser parte de la cultura popular y ahora llega a México refrendando que además de grandes diseños, es de las marcas con mayor calidad en su manufactura, ideal para cualquier deporte extremo como ser “rockstar”.

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Principales

“Ésta es la primera vez que hemos hecho un disco en un estudio que no fuese en los alrededores de la ciudad o en un sótano”

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Principales

EL TRABAJO DE

UNA BREVE HISTORIA DE CÓMO LO LOGRARON Por BREANNA MURPHY Fotos DANNY CLINCH

“El año pasado fue un año en el que nos dimos a conocer masivamente, que es casi lo contrario de lo que le ha sucedido normalmente a las bandas. Normalmente, irrumpen en el primer par de años y luego se trata de un lento declive. Nuestra historia ha sido un poco diferente.”

Pat Carney ya nos contó el final de la historia, pero tienes que conocer cómo llegaron ahí.

Y así comienza: toma una banda y colócala en un sótano repugnante en West Akron y los dejas allí sin nada más que una batería, unas cuantas guitarras, una grabadora prestada de la década de los ochenta y una ridícula Tascam.

Thickfreakness, segundo disco de The Black Keys, inicia con una extensa nota de guitarra eléctrica que puede recordarte a Jimi Hendrix o tal vez a Eddie Van Halen. La nota colapsa bajo su propio peso en un riff de blues junto a la batería de Pat Carney mientras la voz de Dan Auerbach simula gemidos maravillosamente ininteligibles.

En los créditos de Thickfreakness hay una mención curiosa sobre la historia de la grabación del álbum: “todas las canciones grabadas y mezcladas en diciembre de 2002 por Patrick Carney en Akron, Ohio, en el Studio 45, bajo su técnica de grabación patentada llamada ‘fidelidad media’.

“Eso es debido a que éramos estúpidos”, dice Carney. “Yo tenía como 22 años y no sabía nada.

No había manera de aprender a hacer cosas a menos de que seas autodidacta.” Las grabaciones hablan por sí solas, la banda no tenía dinero ni conocimientos, pero sí tenían fuerza.

“Lo que es peor en el buen sentido” nunca fue promocionado como “lo-fi” o “hágalo usted mismo” a pesar de que es exactamente el entorno con el que Auerbach y Carney lidiaron durante la grabación de sus primeros dos discos. Rubber Factory del 2004 fue nombrado así por el lugar de grabación. Era una planta de energía en donde quemaban carbón.

Con el poco dinero que recibieron por adelantado por parte de su sello independiente, Fat Possum, Auerbach y Carney compraron equipos de segunda mano para grabar y se embarcaron en un recorrido por todo Estados Unidos, en una camioneta destartalada.

La mentalidad de la banda es siempre hacer lo mejor con lo que tenemos”, dijo Carney.

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SIGUIENTE: dale a una banda una estructura, que aprendan de sus seres queridos. Pero que no confundan admiración con lealtad. Dale a una banda una estructura, y déjalos que la ignoren completamente.

“Cuando empezamos estábamos totalmente desorientados y no sabíamos qué putas hacíamos”, dice Auerbach con franqueza. “No sabía cómo escribir una canción, ni siquiera había pensado en ello.”

Entre Rubber Factory y el siguiente LP Magic Potion de 2006, The Black Keys editaron el EP Chulahoma: The Songs Of Junior Kimbrough. Los cóvers no eran nada nuevo para la banda, ya contaban en su catálogo con canciones como “She said, she said” de The Beatles en The Big Come Up, “Everywhere I go” de Kimbrough en Thickfreakness, así como “Actnice and gentle “ de The Kinks en Rubber Factory.

“Muchas personas sólo copian nota por nota. Para los cóvers, eso es muy extraño. Hemos hecho cóvers de un montón de canciones en las que ni siquiera tocamos los acordes correctamente. Ni siquiera estamos cerca de lograrlo”, Auerbach ríe.

Para Auerbach y Carney, tocar las canciones que les gustan, no se tratan tanto de un tributo, sino de tomar las composiciones y destruirlas; improvisación completa. Y los covers de The Black Keys son algunas de las canciones más reconocidas. Auerbach no pudo haber escrito la letra de “Have love will travel,” pero la canción se convirtió en suya tan pronto como apretaron el botón para grabarla.

Magic Potion sería el primer álbum de la banda para una nueva disquera: Nonesuch, subsidiaria de Warner.

Lo grabaron y auto-produjeron en un estudio perteneciente a Carney llamado Audio Eagle en Akron. Ningún cóver apareció en el álbum, lo que significó composiciones en su mayoría sin estructura. Un puñado de sencillos con un éxito mediano irrumpieron en el colectivo imaginario, con “Your touch” y “You’re the one”.

ENTONCES: saque a la banda de Akron y póngala de gira. Que se hagan de algunos amigos y conspiradores. Los talentosos. Invítelos al estudio. A uno bueno, se lo merecen. No cambie nada, pero deles todo…

The Black Keys fueron abordados por Brian Burton (mejor conocido como Danger Mouse) para trabajar en una colaboración con Ike Turner. Burton ya tenía fama de ser un maestro de resultados exitosos (con Cee Lo Green en Gnarls Barkley y MF DOOM en Danger Doom), así como en la producción (Beck, Gorillaz, The Rapture). Al momento de la prematura muerte de Turner en 2007, el proyecto con Auerbach y Carney se dejó de lado, pero para entonces, Burton había establecido una relación con The Black Keys tan buena, que aceptó el papel como productor de su quinto álbum.

“Queríamos trabajar con la persona adecuada que pudiera integrarse a la banda de una manera no tan intrusiva”, dice Carney. “Nos convertimos en amigos al instante, nos llevamos bien y confiamos en el instinto del otro.”

“Dijimos, ‘¿Por qué no? Hemos hecho suficientes discos por nuestra cuenta’”, añade Auerbach. “También fue la primera vez que fuimos a un estudio real. Y era enorme. De repente, parecía que podríamos tener canciones que sonaran en la radio.”

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Principales

“Para Brothers, fue la primera vez que realmente compusimos canciones, mas allá de la improvisación. A decir verdad, el 90% de las veces cuando hacemos música, no hay estructura. No hay nada”

Attack & Release fue entonces el disco más grande de The Black Keys.¿Pulido? Sí, ésa es una palabra para describirlo. Habían perdido toda la improvisación y fueron capaces de aplicar todo lo que habían aprendido a través de la autosuficiencia junto con un productor de culto y experiencia. Aunque, en verdad, no mucho había cambiado en absoluto.

Como Auerbach dice bruscamente: “somos lo que somos, eso no va cambiar con el formato o la forma en la que grabemos. Hemos llegado a la conclusión de que cuando Pat y yo tocamos juntos tenemos un sonido y la certeza de lo que éste es.”

Attack & Release fue aclamado por la crítica y llegó a la lista Billboard. Fuera del sótano, de hecho.

En este punto, debe tenerse en cuenta que The Black Keys no pierden el tiempo: ni el suyo, ni el nuestro, ni el de nadie. Después de una gira de promoción del disco, y los proyectos paralelos de los dos miembros (Carney integró Drummer y Auerbach lanzó su primer álbum en solitario, KeepIt Hid), la banda pasó el 2009 preparándose para Brothers. Volvieron a grabar en un estudio solos, aun que Burton prestó su talento para el sencillo “Tighten up”.

“Nos gusta trabajar de la manera en la que Brian lo hace, pero también nos gusta trabajar por nuestra cuenta”, dice Carney. “Nuestro ritmo es más rápido y mucho más casual”.

Auerbach, por su parte, cavó profundamente para dar un nuevo sentido de la composición a las canciones de Brothers. “Antes era una especie de, no sé, dejarse llevar. Crear sonidos en el estudio más que en realidad crear canciones”, dice.” Para Brothers, fue la primera vez que recuerdo que The Black Keys realmente compusimos canciones, mas allá de la improvisación. A decir verdad, el 90 por ciento de las veces cuando hacemos música, no hay estructura. No hay nada”, dice Carney.

Para todo lo que le había ocurrido antes a una banda que tituló su debut The Big Come Up, Brothers significó estar en las nubes. El disco debutó en el número tres en el Billboard 200, fue certificado oro y ganó un par de Grammys al Mejor Álbum Alternativo. Burton ganó en la misma ceremonia como Productor del Año.

The Black Keys, aquellos niños ruidosos con el kit de batería de hojalata, guitarras de segunda mano y una grabadora de los ochenta, encerrados en las profundidades de un sótano, se habían encontrado seis discos más tarde en la más prestigiosa ceremonia de premios

musicales del planeta, recibiendo un trofeo en el escenario. Sin tener que sacrificar una sola cosa. ¿Y ahora qué sigue?

Auerbach simplemente dice ”realmente me gusta hacer discos. No sé lo que me gusta más: dar conciertos o grabar discos. Si tuviéramos más tiempo libre, probablemente haría dos álbumes al año. Las bandas solían hacer dos discos al año. No sé cuando cambió todo a hacer solamente uno cada tres o cuatro años. Es una estupidez para mí.”

Poco más de un año ha pasado desde el éxito entre la crítica y el público de Brothers, el mayor reconocimiento y atención que se les ha prestado a The Black Keys, y hasta el momento no buscan descanso. Ha habido, sin embargo, más cambios en sus métodos imperfectos pero, naturalmente, no demasiados. Se mudaron a Nashville, donde ningún sótano o una fábrica de goma los ha solicitado para la realización de su siguiente álbum. Auerbach tiene su propio estudio, Easy Eye Sound, donde Burton se reunió con la banda tiempo completo para las grabaciones de El Camino.

“Pasamos 38 días en el estudio, que es el doble de lo que hemos pasado. Dicho esto, ésta es la primera vez que hemos hecho un disco en un estudio que no fuese en los alrededores de la ciudad o en un sótano”, dijo Carney. “Pero cuando estás trabajando en un sótano, deseas largarte de ahí lo más pronto posible, así que creo que eso tendió a acelerar el proceso. En este caso había mucha más comodidad, porque es en la misma calle de mi casa y es también la casa de Dan.” Para una banda que previamente grababa tan pronto como les fuese posible, el tiempo extra y los recursos para El Camino están bien invertidos. Las canciones del nuevo disco son rápidas y melódicas y sin aparente estructura, como siempre lo han sido. Para todo lo que han ganado The Black Keys en sus más de diez años de carrera, se han mantenido igualmente agradecidos, sólo que heredando nuevas herramientas para el mismo trabajo. La banda aún se basa sobre todo en la química y no la tecnología, para entrar en el estudio (o en el sótano) con nada más que un sentimiento.

“Es muy importante conseguir todo en la primera o segunda toma y no tratar de perfeccionarlo porque puede arruinar el alma de la canción o la intención original”, dice Auerbach, en un momento de profundidad. “Cuando estás cómodo, se traslada ese sentimiento a la grabación. Como si no tomaras tus riesgos. Nunca ensayamos, nunca practicamos.

Hacemos un disco, y va a ser lo que va a ser. Siempre hemos hecho eso.”

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EXPLOTANDO

EGO

LAS PELÍCULAS DE

DAVID CRONENBERG THE FLY: ATTILA DORY/20TH CENTURY FOX; VIDEODROME: UNIVERSAL STUDIOS

Por JESSICA JARDINE David Cronenberg es responsable de algunas de las escenas más escalofriantes en la historia del cine. El escritor y director residente de Toronto, ha creado un canon profundamente reverenciado en la industria. Sus primeras películas trataban de cómo los humanos interactuaban con la tecnología. Lo más reciente ha explorado el vasto terreno de la manera en que los humanos interactuamos unos con otros. Proyectos aclamados por la crítica como A History Of Violence no sólo le han dado a Cronenberg su musa, el actor Viggo Mortensen, sino que también lo han ayudado a trasladar su temática de los chips de computadora a los rincones más extremos de la mente humana.

Su película más reciente, A Dangerous Method, narra la historia real del joven psicoanalista Carl Jung, interpretado por Michael Fassbender, y su mentor, Sigmund Freud, interpretado por Mortensen, mientras transitan por una relación turbia y sexualmente cargada con un paciente que se convirtió en psicoanalista, Sabina Spielrein, interpretada por Keira Knightley. Basada en la puesta en escena del 2002, TheTalking Cure, escrita por el guionista ganador al Oscar, Christopher Hampton, la película se ubica en la víspera de la Primera Guerra Mundial y la conformación del campo de estudio del psicoanálisis. Aunque obviamente, carece de los insectos encarnados, la película conserva la oscuridad desafiante y la actitud que caracteriza a los mejores trabajos de este director.

La historia de A Dangerous Method se basó en el acceso de Christopher Hampton a las cartas escritas entre Jung, Freud y Sabina Spielrein. Eso debió ofrecer mucha información al proceso de filmación.

Todo el proyecto fue para mí lo que me gusta llamar como la resurrección artística y quería que [los personajes] fuesen tan exactos y tan fieles a sí mismos como fuese posible. La única manera de hacer eso, además de fotografías, es a través de sus cartas. Eran personas muy obsesivas, su atención al detalle sobre quién dijo qué, dónde estaban, lo que llevaba puesto y lo que comían era increíble, incluso con lo que soñaban.Tenemos grabaciones muy íntimas y exactas de lo que realmente dijeron y de cómo fueron sus relaciones, así que tratamos de mantenernos fieles a eso.Todo el mundo cree saber que dirigir una película es decir “acción” y “corte”, pero, en realidad, la dirección comienza mucho antes que eso. Es cuando estás teniendo tu primer debate con los actores. Incluso en un drama de época como el que estamos tratando con personajes históricos, todavía hay 26 . F I L T E R

DAVID CRONENBERG

mucho margen de maniobra: ¿Qué tipo de zapatos? ¿Cuál será el peinado? ¿Qué gafas? Hablar con los actores de esas cosas es acercarlos cada vez más al personaje que traerá a la serie.

¿Cómo desarrollas la colaboración con Howard Shore?

Howard es de Toronto y nos conocemos desde niños.

Hice mis dos primeras películas con música pregrabada, no compuesta especialmente para los filmes.

Es realmente difícil describir y tener una conversación sobre la música porque es algo muy emocional. Además, cada persona tiene asociaciones diferentes. Con el compositor tienes que confiar en su comprensión de la película y lo que ésta necesita. Con Howard llego a un entendimiento de que la música puede ser algo diferente, la música puede ser casi un personaje más de la película.

La tecnología sin duda ha hecho más fácil para los cineastas crear y distribuir sus propios trabajos e ideas.

En otras palabras no sólo el acceso a las herramientas es suficiente. Todo el mundo tiene acceso a estas herramientas, pero no todo el mundo puede ser un director y filmar en alta definición con su iPhone y editarlo en iMovie. Eso está increíble, pero hacer una película es cada vez más difícil. Realmente lo es.

Has hablado antes sobre internet y tu percepción sobre cómo acerca el arte a todos. ¿Eres alguien que usa internet para investigar respecto a ideas y cuestiones artísticas que te interesan?

Esas discusiones tuvieron mucho que ver con la idea de la lucha entre los fabricantes de computadoras, ya que muchos de ellos quieren que uses internet en tu televisor mientras estás sentado en la sala de tu casa.

Ciertamente lo uso cada vez más. Es interesante ver cómo la industria del cine se ha vuelto más orientada hacia él. Por ejemplo, yo hago todos mis castings a través de internet y hemos tenido grandes resultados al igual que los efectos visuales. Puedes estar en cualquier lugar. Ahí es donde las películas se encuentran actualmente: orientadas a internet.

FOTO INFERIOR DERECHA SCANNERS: AVCO EMBASSY PICTURES FOTO SUPERIOR DERECHA EASTERN PROMISES: PETER MOUNTAIN/FOCUS FEATURES.

FOTO SUPERIOR IZQUIERDA A DANGEROUS METHOD: LIAM DANIEL/SONY PICTURES CLASSICS; SPIDER: TAKASHI SEIDA/SONY PICTURES CLASSICS

Tú y Viggo Mortensen tiene una historia muy impresionante de colaboración juntos.

Hacemos un montón de investigación en conjunto y luego él hace un gran trabajo de investigación por su cuenta y me trae los resultados. Por ejemplo, yo diría que hemos intercambiado unos 20 correos electrónicos respecto a los puros de Freud. ¿Cuántos fumaba al día? ¿De qué tipo eran? ¿Eran siempre los mismos o variaba?

talentoso. Creo que la gente tiene que ser honesta, ya que sé que muchos jóvenes quieren ser directores o guionistas sin saber realmente en qué consiste o si están realmente dispuestos a hacer el trabajo. Ellos sólo quieren ser una estrella de rock inmediatamente. Y creo que necesitan una buena dosis de realidad y de entendimiento del trabajo duro que se requiere hacer.

Debes ser abordado por jóvenes directores y guionistas constantemente, ¿qué tipo de consejo les das?

Los tiempos y las cosas son muy diferentes ahora que cuando empecé. En realidad ayuda si eres realmente 27 . F I L T E R

PRINCIPALES

Por ANDRÉS DÍAZ Fotos cortesía UNIVERSAL MUSIC

¿Qué pasa cuando el crecimiento orgánico de una banda se ve interrumpido estrepitosamente? The Rapture podría ser el mejor caso clínico que explique el resultado de varios factores negativos del destino, como el choque de egos derivado de no encontrar un enfoque en común hacia dónde ir, un proyecto solista fallido y el reencontrarse con una vida familiar después de la pérdida de seres queridos –y que por ende provoque un cuestionamiento más profundo sobre su función en la banda.

Alguien que tuvo que ver con que In The Grace Of Your Love pudiera ver la luz (a pesar de que no estuvo creativamente envuelto) fue James Murphy del recién fallecido LCD Soundsystem, ya que cuando Luke Jenner (ahora personaje principal de la banda) decidió dejar a sus compañeros para empezar un proyecto solista, le pidió consejo a James para emprender este viaje solitario. Éste lo terapeó para que se diera cuenta de que eso no era necesariamente la mejor opción. Por otro lado, Matty Safer, quien le diera un toque más lúdico a la banda, dejó de sentir esa hermandad que alguna vez lo unía a The Rapture y decidió abandonarlos.

Para tener un testimonio de todos estos movimientos que dieron como resultado uno de los discos más importantes de este año, platicamos con Vito Roccoforte, que luego de tener una exitosa presentación en México ve todas estas dificultades con la distancia necesaria como un aprendizaje y encuentra el lado positivo de las adversidades.

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Principales

"EL RENACIMIENTO ES JUSTAMENTE LO QUE BUSCﾃ。AMOS CON ESTE DISCO" 29 . F I L T E R

PRINCIPALES Este disco es un renacimiento en muchos sentidos, desde el tener una nueva alineación a incorporar nuevos aspectos a su música.

El renacimiento es justamente lo que buscábamos con este disco.

Dicen que cuando uno está por perder todo, valora lo que tiene…

Sí, nos dimos cuenta de que al tener a tus amigos cerca y hacer lo que más te gusta puedes llevar aun más lejos tu música. Nos encanta estar en la banda ya que es uno de los mejores trabajos que uno podría tener.

Uno podría pensar que después de tener tantos problemas la banda tendría un sonido más oscuro, pero In The Grace Of Your Love es bastante optimista el disco Estábamos muy conscientes de eso. Para llegar al sonido final del disco tuvimos que atravesar por caminos tortuosos o negativos, y llegamos a la conclusión de que eso no se debía reflejar en las canciones, sino que debía reflejar el optimismo por haber superado esas barreras de una forma artística, como lo han hecho artistas como Stevie Wonder.

Para lograr esto tuvieron a un buen padrino como Philippe Zdar de Cassius. Muchos podrían pensar que no tiene mucho que ver con su sonido, pero la lógica musical es casi la misma. Él es muy bueno en ver lo mejor de las bandas y lo explota. Él nos hizo ver ese amor que estaba escondido en las nuevas canciones. Escogió 20 canciones de todos los demos que preparamos, los cuales, según nosotros, estaban bastante avanzados y completos, pero él tenía el sentimiento de que se podían hacer mucho mejores. A nivel producción logró amplificar la emoción de cada una de ellas. Técnicamente es brillante, pero lo que logró emocionalmente con el disco nos encantó porque se mantuvo muy positivo durante todo el proceso.

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PARA LLEGAR AL SONIDO FINAL DEL DISCO TUVIMOS QUE ATRAVESAR POR CAMINOS TORTUOSOS O NEGATIVOS, Y LLEGAMOS A LA CONCLUSIÓN QUE ESO NO SE DEBÍA REFLEJAR EN LAS CANCIONES

PRINCIPALES

“DURANTE LA GRABACIÓN DE ESTA CANCIÓN ESTUVIMOS ESCUCHANDO MUCHOS VINILES DE MÚSICA QUE NO NECESARIAMENTE TE HACEN BAILAR, SINO SENTIRTE BIEN AL ESCUCHARLO”

En este disco trasladaron su forma de hacer música bailable a otros terrenos, un buen ejemplo de esto es “Never die again” en donde se nota esa influencia de Stevie Wonder que comentabas.

Nos encanta la música bailable. Cuando empezamos a tocar era como conquistar terrenos musicales que nos gustaban. El primero que logramos dominar fue el bailable. Con el tiempo hemos explorado otros lugares, por lo que hemos encontrado otras formas de llegar a lo bailable. Durante la grabación de esta canción estuvimos escuchando muchos viniles de música que no necesariamente te hacen bailar, sino sentirte bien al escucharlo.

Desde una perspectiva latinoamericana podría decirte que la canción “Come back to me” tiene un sampleo de música folclórica colombiana, pero al checar los créditos del disco me di cuenta que proviene de África…

Es de Likambo Ya Ngana, artista del oeste de África; y sí coincido contigo en que puede llegar a confundirse con sonido latino. Ha sido curioso que dependiendo del país en el que estemos, piensan que este sampleo es de su país; por ejemplo, en Francia pensaron que por el acordeón era francés. Nos gustó usarlo porque nos llevó a un lugar muy diferente del que estábamos acostumbrados. Gabriel encontró este sampleo porque siempre ha sido un fan de la música africana, fue interesante llevarla a terrenos más bailables.

Empezaron con DFA y luego fueron a una trasnacional pero ahora volvieron a sus orígenes “indie” con DFA, ¿qué aprendieron al estar en una trasnacional?

Tuvo que ver con nosotros y el ambiente por el que está pasando la música hoy en día. Para muchos músicos llegar a firmar con una trasnacional es toda una meta para darse a conocer en el mundo y así alcanzar a millones de personas. Nos dimos cuenta de que a pesar de que te conozcan en todos lados no vale la pena si no eres feliz. Regresamos a DFA porque queríamos ser más independientes porque empezamos siendo unos artistas DIY como todas las bandas punk solían serlo, pero sentimos que esas ideas de tener una banda y salir de gira lo habíamos perdido y queríamos recuperarlo. Creo que lo logramos.

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Por pat m c guire • FOTOS danny clinch

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“Éste es el Oeste, señor. Cuando la leyenda se convierte en hecho, la imprimes.”

- de El hombre que mató a Liberty Valance de John Ford

¿Qué pasaría si todo fuera cierto? ¿Qué pasaría si todas las historias sobre el capitán enano de un brazo, la encarcelación de prostitutas de Minnesota o los piromaniacos que odian a los perros, fueran reales? ¿Qué pasaría si alguien llamado Sergio compartiera tu cama y tuviera una mala tos? ¿Si las trampas suicidas, gitanos altos y delgados, bailadores fuera de horario de trabajo, tíos transexuales, presentadores de circo omnipresentes, huérfanos, carniceros, albañiles y ladrones, todo eso fuera real? ¿Qué hay sobre un tipo en un bar sentado sobre una periquera a tu lado, con una voz de lija, con sombrero de bombín, que sorbe un elixir secreto de una bolsa de papel, hilando estos estambres?... ¿Crees que sepa karate o vudú? ¿Qué pasaría si fuera cierto?

Pero, a pesar de todo, ¿si no fuera cierto?

De acuerdo con Tom Waits, no importaría si fuera cierto. Imprime el mito, respeta el misterio, protege la inocencia –éstas son las verdades con las que él vive. Como él dirá más de una vez en este día, los ingredientes de las canciones son códigos.

Además, de acuerdo con él, las canciones son sólo tributos –son prestados, robados, canibalizados, olvidados, hechos, dejados, soñados y armados a la medida. ¿Y? No parece estar dentro de nuestra diversión.

La leyenda Waits es bien sabida ahora: sus primeros días en el sur de California, perfeccionó lo imperfecto, el acto de un cantante de bares con desagradables personajes de Los Ángeles en los años setenta; conoció a su esposa escritora y productora Kathleen Brennan mientras trabajaba algunas canciones para la película One from the Heart de Francis Ford Coppola; su inminente unión y cómo cambió de ser un actor lounge a un conquistador sónico; los nacimientos de sus tres hijos y su retiro hacia una vida familiar; sus poco frecuentes pero iluminadoras incursiones en presentaciones de sus propias canciones alrededor del mundo; su insistente impulso de hacer las cosas a su manera.

Como artista, y también como un hombre de negocios, actor y –su mejor habilidad– como ciudadano, Waits mantiene un control completo de su imagen y vestimenta; sea con un sello discográfico o manteniéndose independiente, él decide cuándo y dónde hará una presentación en vivo. No es muy común que en estos días escoja salir de las sombras, salir de las metafóricas montañas del sur de California en el condado de Sonoma para adentrar-

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se de nuevo a la luz. Cuando lo hace su presencia es notoria, dejando una marca de creatividad en su despertar.

Para Waits, hasta un lugar en donde uno desnuda su alma como el escenario puede ser un feudo. En el mundo de Waits un escudo traslúcido se extiende del escenario hacia la gente. Su línea telefónica contiene un filtro, sus músicos de estudio firman un acuerdo de no divulgación, por lo que los magos enmudecen. Para él, vivimos en un tiempo –desafortunadamente– donde las cámaras espías vuelan siempre alrededor nuestro, donde la información permeada son trofeos por ganar. Para anunciar su nuevo disco, Bad As Me, el primero luego de siete años, Waits dio una fiesta privada en línea para escucharlo, la cual fue frustrada por una llamada de su sello discográfico: “Tenemos un problema”, le dice a la cámara mientras apaga la música. “Aparentemente ya no existe la privacidad como antes. Es un tema de internet”. Es una súplica para el resto de nosotros que no estropeemos la sorpresa, al no traicionar la maravilla del cuestionarse; la ironía es que el video en sí mismo daba mucha información en internet con toda la intención. ¿Es paranoico o simplemente prudente?

En el clip la solución que Waits tomó fue, naturalmente, un timo; una sesión uno a uno en un viejo automóvil con la inscripción “BAD AS ME OCT. 25 ’11” en el espejo retrovisor, mientras el cantante maneja como un vigilante. Su satisfecha sonrisa y el guiño hacia la cámara lo dice todo: su camino, o autopista, es siempre el único y el mismo. Como dice en “Pay me” de Bad As Me: “El siguiente paso es en el que estoy / Tendrá ruedas”.

La búsqueda del compositor es ser recordado en una veloz vida que nunca termina, pero para Waits todo es solamente dibujos hechos con los dedos en un coche sucio. “¿No sientes eso de repente?”, se pregunta. “¿No has pensado en que escribir sobre el clima es como escribir en la tierra con un palo?”

De un lado tienes a una persona de 61 años que ha estado cantando, escribiendo y actuando por más de 40 años –y todavía se atreve a lanzar la mejor música de su carrera–. Por otro lado, está todavía el hombre de 61 años tratando de terminar con la idea de que todo lo que ha hecho hasta ahora puede estar en la sombra de la caducidad. En el tema de edad se revela con un nuevo estrés por cada década: “Los 29 fueron duros. Los 39 fueron duros. Los 49 fueron duros. ¡Los 59 fueron duros! Los pueblos

fronterizos son duros”. Es reflexivo, nadie lo duda, pero también hay un aire triunfante; sigue ahí, malo como siempre. Hay canciones sobre la mortalidad en Bad As Me –“Soy la última hoja del árbol”, declara en “Las leaf”– él sabe a dónde va, algún día, pero no piensa irse silenciosamente.

Si Swordfishtrombones y Rain Dogs señalaban una magnífica nueva dirección de Waits en los ochenta, en los noventa Mule Variations y Real Gone de 2004 probaron que no ha colgado el sombrero, sino que apenas estaba empezando a cocinar realmente. Bad As Me es un trabajo supremo de un artista lo suficientemente sabio para señalar exactamente lo que hace mejor a la par del gran talento que ha recolectado a lo largo de los años de sus amigos y familia, todo esto condensado en tres minutos concisos de belleza y delirio. Ellos evocan la atracción de un Corvette con la eficiencia de un Corolla. El cuerno y bajo que aparecen en la apertura de “Chicago” ponen un ritmo frenético que regresa pocas veces a lo largo del álbum, incluyendo las muestras blues en “Satisfied” y “Raised right men” y el gritón punto decisivo del track que le da nombre al disco; otras canciones como “Pay me”, “Back in the crowd” y “New year’s eve” suenan con una dulce, triste y lenta sinceridad gracias al increíble trabajo en la guitarra. Pero la verdadera estrella del show es, como siempre, la voz de Waits; entre todos sus talentos incomparables, la maestría de ese instrumento interior sigue siendo el mejor. Simplemen-

te no hay nada en la Tierra que se le parezca; las metáforas que uno podría utilizar para describir las variadas encarnaciones de Bad As Me podrían sobrepasar todas aquellas escritas por una clase de estudiantes de poesía en la universidad.

En “Hell broke Luce”, el vértice del álbum, escuchamos un furioso y cacofónico lamento de guerra donde Waits –en medio de riffs explosivos– anuncia triunfalmente junto a una metralleta: “Escucha al general, cada maldita palabra”, es un malicioso ataque para aquellos que dan órdenes políticas, seguramente, pero también refleja la forma en que hace sus canciones. “Un disco no es una democracia”, dice. “No en mi libro”. Aun así, sigue estando relajado al momento de trabajar con Brennan y con aquellos de suficiente confianza que ha invitado a su sagrado estudio a grabar: Keith Richards, Flea, Marc Ribot (un colaborador de mucho tiempo), David Hidalgo de Los Lobos, Les Claypool, el maestro en la armónica Charlie Musselwhite, su hijo Casey en la batería, así como unos seleccionados más.

“Pones demasiado de ti en un cuarto con personas que pueden curarte”, nos dice. “Trabajo con grandes personas, sé que lo hago”.

Al referirse a sí mismo como un conjurador, él destapa verdades sobre el origen del porqué usamos la palabra “hombre” al referirnos sobre otra persona y su propia “falsa” historia familiar, también nos da trivias cinematográficas e inventa escandalo-

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sos nombres de bandas sacados de su sombrero. Tom Waits existe para entretener. A lo largo de nuestra llamada telefónica, él cambia de personajes sin ningún esfuerzo y sin cuidado, manteniendo una comunicación con él mismo, riendo ruidosamente, desafiándome como si fuera una cacería. Las luces pueden apagarse, pero él siempre estará en el escenario.

Cuando me asegura en nuestra conversación que “la verdad está sobrevalorada”, lo dice tan serio advirtiéndome: “Voy a tolerar tus preguntas, pero no voy a seguir tu juego. Confía en mí, es lo mejor para ambos de esta forma”. Siguiendo las reglas de Waits al decirnos “ésta es la verdad”, ¿seremos lo suficientemente tontos para creerle? ¿Importa realmente? A veces, para entender a un artista, lo mejor que uno debe hacer es pararse y tomar un boleto para el viaje. ¿Tuviste tiempo de hacer algo emocionante hoy en la mañana antes de que te ataran a la línea telefónica?

Me bañé en esperma de ballena y pipí de camello. Así me relajo.

Ah, lo normal. ¡Sí! Lo normal.

Estoy sentado en Los Ángeles, tu vieja tierra, pensando en tu disco y me pregunto, ¿qué quiere decir “malo” para ti, conceptualmente?

Mmm… no he pensado en eso realmente. ¿Te siguen atrayendo los personajes malos?

Mala comida, mal camino, sí. Malos personajes… esos ya no me los llevo a casa. Ya no tengo 23. No se permite. Solía serlo sólo por ser cabrón. Pero bueno, en cualquier caso, malo es bueno, sabes. Hoy en día, el caló cambia constantemente, pero “malo” siempre se ha mantenido constante. Las canciones suceden rápido, en algunos casos no son necesariamente las más elaboradas, sobre todo una canción como ésa.

Pues así le pusiste al disco, así que me preguntaba si había un significado más profundo.

Originalmente le íbamos a poner Satisfied (Satisfecho) pero sonaba demasiado suave. “¿Satisfecho? ¿Qué quiere decir que está satisfecho? No quiero oír eso. ¿Significa que ya todo está hecho?”. Si eres malo, eres malo. No creo que la gente quiera que yo esté satisfecho. Para entender una canción, tienes que empezar a pensar como canción. Ellos quieren creer que todavía estás un poco crudo, un poco contrariado, un poco insatisfecho, que tienes los nudillos lastimados, el sombrero puesto al revés, buscando algo que encerrar para entregarlo a todos a tu alrededor. De la misma manera que quieres que el consultorio de un doctor parezca el consultorio de un doctor, quieres que el artista se vea, suene, se sienta y viva de cierta forma, porque la verdad siempre es otra cosa. Decimos que queremos saber el fondo de las cosas, pero en realidad no. Es como preguntarle a un mago: “¿Cómo hiciste ese truco?” Y entonces te enseña cómo lo hizo, y deseas nunca haberle preguntado eso. Me gustaría volver para quedarme con la duda. Una vez que te han dicho la verdad sobre algo, no puedes seguir preguntándote.

Considerando que eres una persona famosa que protege celosamente su vida privada, los fans siguen pidiéndote información porque eres alguien que quieren conocer. Tú eres un fan de la música, se supone que has tenido músicos favoritos. ¿Alguna vez quisiste saber cosas personales de tus héroes o siempre has respetado ese elemento de misterio?

Creo que siempre he respetado el misterio. La gente trata de decir cosas sobre ciertas personas, y dices: “¡Ah, no me digas!”. Había un libro que se llamaba When I Was Cool y era sobre la generación Beat; mi esposa estaba fascinada leyendo acerca del chico que andaba en Naropa con Ginsberg y Corso y todos esos tipos, y reveló –filtró– todas estas cosas acerca de ellos. Solía leérmelas en voz alta en el coche –”No, no lo hagas!”– Ginsberg solía enviarle su ropa por correo a su mamá, que estaba a 3 mil kilómetros de distancia, para que se la lavara y se la mandara de regreso. ¡No me digas eso! Quiero saber que usaba la misma ropa durante tres meses. Como yo lo hago. No, es broma. ¿Qué es lo que realmente importa, excepto que te gusta imaginar cosas para luego tejerlas cuando estás escuchando? A veces la experiencia es mucho más satisfactoria cuando no sabes. Yo prefiero preguntarme. Porque una vez que sabes, no podrás no-saberlo. Por eso creo que es muy importante inventar cosas.

La mayoría de los ingredientes de las canciones son códigos. Estás protegiendo a los inocentes, de verdad.

Muchas canciones no se pueden cantar hasta envolverlas en algún tipo de misterio o hasta cambiarles los nombres. Las familias son muy protectoras de la información dentro de la familia. No se puede decir eso del tío Bill. Por un lado, ya no es el tío Bill; ¡es la tía Sheila! Y no es Miami; ¡es Bangor, Maine! Y él no se cayó de la parte trasera de un camión; le dispararon en la cabeza durante la guerra mientras trataba de quitarle la pistola a un soldado alemán. Siempre estamos tratando de ocultar las cosas, ¿no crees?

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Habiendo dicho eso, crees que compartir –una parte esencial de lo que te ganas la vida– es una parte del proceso que disfrutas?

Compartir qué. ¿Agujas?

Compartir agujas o cucharas. Si hubiera una manera de sobrevivir en un mundo sin esa interacción pública compartida –desde hablar con la gente como yo en el teléfono, o salir de tour, o incluso lanzar la música que haces– ¿lo harías o te gusta que tus canciones estén fuera en el mundo?

Bueno, eso es más como mi esposa, a ella le gusta el manto del misterio. A ella le gusta el backstage, no le gusta la atención. Yo soy diferente. Soy perverso en el sentido de que me gusta lo burlesco y me gustan todas esas cosas. El escenario está lleno de asombro también porque todo está realmente sucediendo detrás de él escenario. Es sólo otra manera de construir un muro más alto que te rodea. El público cree que estás explorando algo, realmente sintiendo y exponiéndote, pero es posible que sólo te estés escondiendo más.

Una gran cantidad de canciones se inspiran en otras canciones, pero siguen siendo la mierda que queda fuera: inventadas, robadas, prestadas, canibalizadas, mal recordadas, soñadas o que cambió de forma. ¿Confías en la gente?

No. Sí. Siempre [ríe]. ¿En quién?

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Gente que está en el cuarto contigo cuando estás haciendo música, gente que conoces en la calle, el Tío Bill…

Que se alejen. Porque yo tampoco soy digno de confianza. Entonces asumo que todos son como yo. Cuando estás haciendo un disco debes tener cuidado. Hoy en día todo el mundo tiene una cámara espía, que son fáciles de ocultar, te toman fotos sin que lo sepas... ¿Cuál era la palabra “confianza”? ¿Confío en la gente?

No. Hay un aviario en Arizona, donde tienen a unos pequeños robots asesinos del tamaño de insectos, unos toman fotos, unos emiten gases tóxicos, y los controlan con un control remoto a distancia y son del tamaño de una mosca, entonces los mandan a una habitación, como en Goldfinger, y todo el mundo piensa que es una mosca mientras hablan de la guerra. Entonces, toda la tecnología que creemos que está aquí para nosotros, para que hables con tu novia y le enseñes tus partes en la computadora, tu piensas que está ahí para ti? ¡No! Es para que te observen, y sepan lo que estás haciendo. ¿Qué opinión te interesa cuando estás trabajando?

La de mi esposa. ¿Porque es tu esposa o porque es tu compañera de escritura?

[Ríe] Eres bueno. ¿Estás casado?

No, no lo estoy.

Pues por eso no sabes. Mira, si los dos saben lo mismo, entonces uno no es necesario, ¿verdad? Pero hay que tener a alguien en cuyas opiniones confíes, de lo contrario es como El traje nuevo del emperador todos los días. Mi esposa es más como una escritora de opio: tiene libros y libros llenos de sueños. Yo soy básico, supongo. Ella tiene que esperar a que el sueño llegue. Yo salgo y lo busco. Tienes que confiar en la persona con la que escribes, de lo contrario, no puedes escribir con ellos. Es por eso que es muy difícil encontrar a alguien con quien escribir. ¿Cómo comparten opiniones tu y Kathleen cuando trabajan? ¿Es natural como una conversación durante la cena o se preparan emocionalmente, en especial si se van a decir cosas que se pueden tomar como negativas?

Creo que esas son estupideces. Todos son familia, ¿sabes?: “Ay no, no uno de esos otra vez!”. Todos tienen influencias diferentes y por lo tanto todos tienen perspectivas diferentes. “Creo que has estado escuchando mucho a Peggy Lee. No has escuchado suficiente Mancini, tienes que sentarte y escuchar más Morricone o un poco de Miriam Makeba. Es más, escoge diez personas que su nombre empieza con ‘M’ y escúchalos, luego ven y platicamos”. ¿Kathleen va a tus conciertos?

Claro, si salimos de tour vamos juntos. No creas que le emociona ver cada concierto. Es crítica de muchas cosas y siempre da su opinión. Es brillante. Confío en ella. ¿Cómo aprendiste a trabajar con otra gente? ¡No he aprendido!

No has aprendido. ¿Entonces si le pregunto a Flea, Mark, David y a todos esos tipos dirían lo mismo?

[Ríe] Bueno, eso no es del todo cierto, sí he aprendido a trabajar con otra gente. Siempre hay comodidad o confianza con ciertas personas, pasa en todos los negocios: desde limpiadores de chimeneas, gente que pone azulejos o gente que arregla relojes. Hay gente con la que puedes trabajar y gente con la que no. “No puedo volver a trabajar con él, nunca se cambia los shorts, discute todo lo que le pido, no tiene idea de cómo tomar órdenes.” Un disco no es una democracia, al menos no para mí.

“Escucha al General, cada maldita palabra,” ¿correcto?

Correcto, así es. ¿Siempre estás trabajando o escribiendo? ¿Puedes desconectarte cuando lo necesitas?

Claro que puedo. Tengo que hacerlo. Sí tengo un estado en el que vivo. Es por eso que nadie sabe nada de mí. [Ríe] Pero este negocio que llamamos espectáculo es bastante absurdo a veces cuando realmente lo

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piensas; piensas que estás haciendo cosas que van a estar ahí siempre, pero en realidad estás haciendo paletas de hielo que se quedan en los asientos de autobús en Florida en el verano y se derriten. Eso es lo que estamos haciendo. Nada de esto está diseñado para permanecer salvo lo que recuerdes de él. La primera vez que escuché “Papa’s got a brand new bag” ¡hombre! Sí se te queda algo de esta música que te exprimen en el oído. Algunos se quedan, otros no. O crecen o no.¿Y qué me dices de esos nombres? ¿The Slacks? Al momento que oigo una banda llamada así, pienso que probablemente se irán al olvido con The Bras, The Slippers, The Buttons, The Underwear y The Collars. Chance sea un festival o nombres de bandas.

No te involucraste con ninguna de ésas.

No tuve por qué. Ojalá me hubiera cambiado el nombre cuando entré al negocio. Te hace más limpio. Este soy “yo”, ése es el ventrílocuo y éste es el muñeco. Ojalá y me hubiera puesto otro nombre. Bill Brassiere and the Sleepwalking Assassins, Beaumont Zipperhorn and the Canadian Ankle Fans, Jihad Gingerpoodle and the Shoehorn Orchestra. Para que veas la diferencia entre tú y el verdadero tú. Alvin Trickleshirt and the Belvedere Shinolas. Sólo una noche. Estoy imparable.

La gente habla de los cambios en el sonido de tus discos: cuando cambiaste de disquera cambió el sonido, cuando conociste a Kathleen cambió el sonido, ¿qué te llevó de Real Gone a Bad As Me? No lo sé. Hay cien cosas. ¿Quién sabe cuáles son los ingredientes para las melodías cuando todo empieza a tomar forma y se convierte en un disco? De nuevo, quieres saber pero realmente no quieres saber, porque si te digo y no es interesante vas a decir: “Ah, Jesús”. En otras palabras, cuando tienes la verdad y tienes el mito, imprime el mito. “Chicago” tenía el número de sílabas correcto para esa canción. Inténtalo con Reno o Miami. Bern, Switsgerland. No sirvió. O hay muchas o pocas. Ésta fue justo lo correcto, como los Tres Ositos. Chicago. Chicago. Cuando lo dices deja de sonar como una ciudad y empieza a sonar como una palabra de conjuro, como abracadabra.

Fue la solución mágica…

Fue para ese momento. Es sólo música viajera para los inmigrantes. Mira, la verdad es ésta: definitivamente queríamos hacer 12 canciones de tres minutos. No es broma. Pensé que era una buena idea. Ahora que existen los CDs, puedes poner 19 de ellas, me encanta. Eso no siempre es la mejor idea. Así que 13 no está mal. Me presionaron para una más. Algunas de esas canciones eran realmente largas y tuvimos que cortarlas. “New year’s eve” era muy larga. Es una canción que se trata de una noche en la que todo sale mal. Así que piensas: “Bueno, ¿cuánto contamos?”. Fuimos a comer, Marge se intoxicó, Stan incendió el sillón, el perro se escapó, el coche se lo llevó la grúa, los vecinos llamaron a la policía... ésa es una canción.

Tienes que sacar las malas hierbas y lavar los platos. ¿Conoces a las personas de estas canciones?

No, es un código ¿recuerdas? Proteger a los inocentes. Te lo dejo a ti el decidir si es un “Sergio” de verdad o no, porque en realidad no importa. Sólo es una canción, es la lógica de las canciones. Es la ley. ¿Me podrías decir qué quiere decir ser un “raised right man” (un hombre bien criado)?

Lo sabrás cuando te cases. Sabrás que no eres uno, y que necesitas serlo pero no estás listo. Y sabrás por qué hay un sillón en la sala. No te has tenido que parar frente a Dios para justificarte.

Cuando trabajas con otros músicos, ¿te ves como un conductor o como un facilitador?

Tal vez un poco más de un conjurador. Es como llevar a tu serpiente mascota al veterinario: “No sé, doctor, ha estado ahí echada semanas. Ni siquiera puedo lograr que me muerda. ¿Qué cree usted que tenga?” [Ríe] Y todo el mundo tiene derecho a dar su opinión sobre lo que está mal: “No sé, Tom, hay demasiado bajo”.

“Creo que le falta bajo”. “Bueno, ¿qué es?” “Vamos a volver empezar”. “La canción es una mierda”. “No, no lo es”. Tienes grandes canciones mediocres. La radio está llena de ellas y viceversa. Las malas ejecuciones de las buenas canciones nadie las llegará a escuchar. Tiene que tenerlo todo.

Algunas ideas tienen orígenes humildes: me dejaron plantado en una cita, mi perro se murió, mataron a mi papá en la guerra... Te pones en un cuarto con curanderos y entidades. A veces, si vas ahí con alguien con quien nunca has trabajado antes, pasa algo sorprendente. Si todos ya han trabajado juntos antes, muchas veces sólo van a perseguir a la gallina por la playa todo el día y terminarán cansados y con hambre.

A veces se necesita a alguien que piense diferente. Y tienes que confiar en la gente con la que entres, al igual que un reparto en una obra de teatro o una película. He trabajado con gente increíble, lo sé porque tengo un instinto que me lo dice. Les Claypool, grande. Ribot, grande. Flea, grande. Dave, grande. Keith,

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grande. Casey Waits, grande. Charlie Musselwhite, indispensable. Charlie lleva como 600 armónicas a un concierto. “Jesús, Charlie, no podemos usar todas ésas!” Pero él sabe que si no las trae, seguro las vas a necesitar. Eso pasa en cada sesión.

No sé cuánta gente quiera saber lo que sucede en el estudio. Yo no sé hasta qué punto estos chicos quieren ser conocidos. Algunos de ellos les encantaría contarte, inventar cosas, o decirte lo que realmente pasó. El hecho es que yo hago que firmen un... ¿cómo se llama? ¿Un acuerdo de confidencialidad? ¡Eso! Esto era un asunto privado, lo que pasa aquí se queda aquí. Claro que no pasa, pero fingimos que sí. Ésa es la parte divertida de la música, si realmente te dejes ir, encuentras algo. “El bajista se tenía que ir a las nueve, entonces no hay bajo en esta canción.” Y bueno, ¡salió mejor! Una vez más, sigo pensando que estamos dibujando en la tierra con un palo, que es parte de la emoción; además hay cierta energía en la habitación cuando estás haciendo eso. No estamos encontrando el hilo negro, hay un montón de ellos, sólo estamos beneficiándonos de ella. Tienes que sentir que lo que estás haciendo es algo único, a pesar de que no hay nada nuevo bajo el sol. Lee Eclesiastés y aprenderás todo acerca de eso. Todo se presta, se olvida, se inventa, se deja de lado, se canibaliza, todo el mundo lo hace, así es este trabajo. En la canción “Bad as me”, cuando me pongo a hacer esa cosa de hablar... “¡Eso es de Screamin’ Jay Hawkins!” ¿Y qué? Es un homenaje a Screamin’ Jay. Se murió, me quito el sombrero. A veces es sólo eso.

Con o sin código, parecen haber pistas sobre el reconocer la mortalidad o a lo mejor la inmortalidad como en “Last leaf”. ¿Es un tema que te acecha cada vez más?

A veces un cigarro sólo es un cigarro. A veces la última hoja es sólo la última hoja. Es otoño. Y queda una hoja en ese árbol y no se va a ir. ¿Ves algún punto en tu carrera donde ya no quieras hacer esto?

Pues, no sé, sí, seguro, probablemente. Necesito hacer cosas diferentes. Quién sabe a dónde te lleve. Si supieras exactamente a donde vas no sería divertido, ¿o no? Acabas dibujando jirafas con salsa Tabasco en la parte de atrás de los portavasos con la uña. Podría venderlos por una buena lana.

Estoy seguro que sí, Tom. Aquí está mi última pregunta: ¿a qué suena tu casa cuando eres el único despierto?

Es raro que este lugar esté vacío o en silencio y yo esté despierto. Pero sí creo que es fascinante las cosas de las que te das cuenta cuando tratas de estar en silencio –si estás tratando de hacer huevos a las tres de la mañana y abres el cajón donde están las ollas y cacerolas y sólo escuchas a qué suena. Trato de pensar en eso cuando estoy en el estudio porque es así, estás aislando sonidos, los estás tomando y los estás poniendo en un lugar donde sólo son sonidos y de la nada son incorpóreos, y es interesante lo que puede hacer un micrófono –las cosas que pasan sólo porque hay tanto silencio que las notas y te las quieres quedar.

Muchas veces el momento más interesante del concierto es cuando la orquesta está afinando. No tenían ni idea que iba a ser tan emocionante, ni siquiera sabían que estaban haciendo música. Así que si traes a los músicos y ellos están jugando un poco antes de tocar, muchas veces tienes que poner atención a lo que están haciendo antes de empezar a tocar con una “T” mayúscula. No tienen idea de lo interesante que era lo que estaban haciendo antes de que supieran que estaban haciendo algo. La actuación es lo mismo, estás atrapando a la fauna silvestre.

Necesitas uno de esos robotcitos que parecen mosca para captarlo todo.

Cada día los hacen más chiquitos. Tengo parientes en la CIA, por eso tengo esa información. El tío Bill. Arriesga su vida cada vez que me habla.

Y se lo acabas de decir a un hombre con una grabadora ¡Oh por Dios! Ahora me vas a tener que prometer que nunca vas a publicar esto.

Está bien. Ésta es la última pregunta que te tengo: hay una línea que se ha dicho más que cualquier otra línea en la historia del cine ¿sabes cuál es?

Me voy a ir por: “¿Qué va a ser?” “¿Qué va a ser?” No, no. Pero es muy buena, la verdad. Te refieres a cuando un hombre entra a un bar y el mesero le pregunta: “¿Qué va a ser?” ¡Muy bien! Probablemente esté en el top, pero no es ésa. No te puedo dar el premio.

Entonces ¿cuál es la línea número uno más dicha en el cine?

Ahí va, ¿estás listo? “Vámonos de aquí”. Es ésa. Vámonos de aquí.

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TRIBUTO

PETER HOOK

Durante el soundcheck de su pasada presentación en el DF, Hookie mostraba una personalidad fuerte y exigente con las solicitudes que pedía, pero a final de cuentas era lo mejor para dar una presentación memorable –la cual fue así– en donde el fantasma de Ian Curtis poseyó a Hook para deleitarnos con la breve pero muy concisa historia de Joy Division.

Si a esta fuerte personalidad le sumamos que algunos lo consideran oportunista al sacar ventaja de la historia de Joy Division al salir de gira por su parte, la plática con uno de los mejores bajistas del rock británico pintaba por ser breve y monosilábica; afortunadamente fue todo lo contrario, incluso aun mejor de lo que pensábamos.

Hookie se mostró muy accesible y amable al volverse un confidente y fiel fuente de algunos de los secretos que están detrás de Unknown Pleasures de Joy Division las cuales compartirá 44 . F I L T E R

Lo que no sabías del Unknown Pleasures de Joy Division Por ANDRÉS DÍAZ Fotos RODRIGO JARDÓN

en un libro que tiene planeado publicar, en donde hablará más detalladamente de Joy Division.

“El álbum fue grabado en cinco días a diferencia de Waiting For The Sirens’ Song de New Order, que tomó tres años. Lo hicimos muy rápido y me sentía muy feliz cuando lo hice y muy infeliz cuando lo escuché porque sentía que sonaba a Sex Pistols o The Clash. Martin Hannett nos dio un magnífico trabajo, pero en ese entonces era muy joven para valorarlo. Eso es parte de la magia del disco, ya que lo escuché año y medio después y me dije: ‘Qué mal estaba cuando pensé que era malo’; eso es parte de ser joven el pensar que tú estás bien y todos están mal”, nos confiesa Peter Hook.

Una de las partes más impactantes del magnífico documental Joy Division de Grant Gee es cuando el resto de la banda afirma que no se dieron cuenta de que Ian Curtis estaba dando avisos de su muerte en las letras de sus cancio-

TRIBUTO

“ESCUCHAR CANCIONES DE AMOR ES NECESARIO PARA LOS SERES HUMANOS PORQUE TE DAN ESPERANZA. APARTE SUENAN MUCHO MEJOR CUANDO DICES ‘TE AMO’ EN VES DE ‘TE QUIERO COGER’”

nes, a lo que Hook contesta: “No fue tan impresionante darse cuenta de eso porque fue todo un proceso”. En ese momento saca una libreta con las letras de las canciones corregidas por él mismo y basadas en los escritos originales de Ian. “Es maravilloso adentrase en las letras de sus canciones, Ian era un gran compositor porque sabía usar las palabras y hacer trucos con ellas, por ejemplo en “Insight” dice: “Reflects a moment in time / A special moment in time / Yeah, we wasted our time / We didn’t really have time”, él usa la misma palabra pero con un sentido totalmente diferente y no te das cuenta porque está escrito en rima para una canción.

En “Digital” comienza con dos “Feel it closing in”, en la segunda estrofa dice “I feel it closing in” y desaparece la frase en la tercera; es un truco sencillo y muy inteligente. También le gustaba poner los coros al final en vez de ponerlos en medio y le gustaba economizar las palabras.

Era un bastardo muy listo”.

La grabación de Unknown Pleasures fue grabado a la DIY (do it yourself ), es decir, por ellos mismos, porque no tenían una presión por comerse al mundo ya que querían crecer orgánicamente. Hoy en día muchas bandas hacen lo mismo con la finalidad de buscar un éxito más rápido. Al respecto Hook nos dice: “La diferencia es que cuando yo lo hice, mis padres pensaban que era un idiota, que estaba desperdiciando mi vida y que debería parar. En mis épocas los músicos eran como leprosos, todos los odiaban. Ahora los padres se emocionan por ello. Ya no es una rebelión, es una parte aceptada de la cultura. Ahora hacer música es más fácil por las computadoras, pero qué me dices de las letras de las canciones, es un arte como el escribir un libro o una obra de teatro, por lo que no todos lo pueden hacer bien. Es

interesante que ahora la música se enseñe en las escuelas de Inglaterra, pero no se enseña cómo escribir canciones, el cual es el aspecto más importante en la música”.

En este punto de la conversación era inevitable preguntarle sobre el abuso de la palabra amor en las canciones pop de hoy en día, a lo que él defendió: “Todos se enamoran y es muy importante hacerlo, desde las niñas de 16 años hasta las parejas de edad avanzada. Es la única emoción que se necesita tener en la vida porque nadie quisiera no ser amado en la vida. Escuchar canciones de amor es necesario para los seres humanos porque te dan esperanza. Aparte las canciones suenan mucho mejor cuando dices ‘te amo’ en ves de ‘te quiero coger’”.

Recientemente se publicó la recopilación FAC. DANCE con las primeras grabaciones del legendario sello discográfico inglés, Factory Records. Aquí encontramos a bandas como Shark Vegas que tiene una innegable influencia de New Order. Hookie ha tenido una cercana relación con la disquera en últimos años por lo que su opinión de este acoplado es de mucho peso: “Me hubiera gustado que incluyeran más lados B y rarezas en vez de incluir otro remix de “Transmission” o “Blue Monday”, faltó poner a bandas como Stockholm Monsters, quienes traían un sonido muy diferente a las bandas de ese entonces”.

Antes de despedirnos tuvimos que preguntarle sobre el reencuentro de New Order sin él, lo único que nos pudo dar a entender es que no estaba muy contento y que necesitaba sentarse con el resto de la banda para discutir si estará en la gira que tienen planeada para el próximo año.

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ciones de los conciertos.

Amo las listas de las can me encanta, generalmenSi un concierto realmente te del escenario y busco te me cuelo hasta enfren pegada en el piso del escualquier cosa que esté e tour manager, quien deb cenario. Si fallo, busco al r ene obt a . He aprendido tener la lista de canciones con es o pas nte El siguie estas listas a hur tadillas. una go ten que por en firm seguir que los artistas la arto mi casa. Se llama el “Cu colección en el baño de l. en españo de Baño del Set List”, así

Este se encuentra en el The Wiltern, L.A ., 200 8. toda mi vida. Un show top tres de conciertos en o, lleno de gracia y rad spe ine e completament mis canciones favode con una gran selección ocidas. El público con nos me s una alg ritas y de n familiar. Le di un nió reu una se sentía como en kstage y le dije: bac el en plumón a Eddie Vedder tó: “lo haré”. tes con me y ”, erlo “tengo que hac

Hice el booklet de su disco de grand es éxitos.

Ella hace muchos de sus escritos en cuadernos de papel amarillo con su inconfundib le letra.

Me preguntó que si quería que me paga ra por el trabajo, y le dije: “Nunca, pero me en cantaría que escribieras un set list de cancion es y lo firmaras”. Lo hizo. Éste tiene un lugar de honor.

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Esto es de un impo nente concier to de My Morning Jacket en The Roxy de Los Ángeles en el 20 03. Gran show, lleno de espa cios y crescendo, y una hoja de set list con una for ma única también.

Consejo para coleccionistas pri ncipiantes: los set lists de MMJ o de Pearl Jam a me nudo tienen las ca nciones que no se tocaron. Las dos bandas cambian a veces el rumbo del conc ier to, sacan y meten canciones conforme van tocan do, haciendo del se t list original una especie de bo rrador fascinante.

Pero estoy divagando en detal les. Continuemos…

Este fue el concierto que probablemente le dio la temática centrada en los fans de nuestra película, PJ20. No había visto a la banda en varios años, y en el 2006 los vi en el Forum. Fue una revelación. El público cantó con ellos cada canción; la banda estaba más entusiasmada que nunca. Su segunda vida había empezado. Un show muy emotivo. ¡Plumón! La nota de Eddie Vedder respondía a las elecciones que se acercaban: “Dame un poco de verdad… ¡Por favor!”

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Uno de mis favoritos. Simon y Garfunkel se reunieron en la Beneficencia de Neil Young para la Bridge School. Los dos se encontraban en diferentes áreas del backstage, hablando con los peces gord os. Pensé que en vez de molestar al deli cado recién reunido dúo, les pasaría una pluma discretamente junto con la lista para dejarlos seguir platicando. Lo cual hice . Y funcionó, aunque Paul Simon me echó una mirada de: “¿quién eres y por qué esto y firmando esto?”. Garfunkel se tomó un momento, vio el set list y dijo: “Lo hicimos bien esta noche”, y así fue.

su Después de Almost Famous, U2 y ron invita nos iness McGu manager Paul en a Nancy y a mí para ver su concierto uis, Arizona. Nos vimos en el Sunset Marq nos y uerto aerop al ón cami tomamos un fuimos a Phoenix. Cuando íbamos de el regreso, Bono secretamente pidió que s.

Vega Las en da para avión hiciera una alay Estando en el Red Square del Mand ra. firma lo que para list set el di le Bay, a Le hablé como Elvis y le dije: “Rey, voy antes necesitar que me firmes este set list y lo de que te vayas al Strip”. Bono se rió plo. firmó, y los demás siguieron su ejem Viva U2… y los set lists en general. itor Cameron Crowe, cineasta y escr o de ganador de un Óscar y un Glob son Oro. Algunas de sus películas MaSay Anything…, Singles, Jerr y Sky y lla Vani ous, Fam ost Alm e, guir el documental Pearl Jam Twenty.

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