FILTER MÉXICO #4

C O N TEN I D O ™

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Parece que fue ayer cuando arrancaban Los Simpson. La primera impresión al verlos hace más de 20 años, era que estaban locos o que simplemente eran unos personajes que muchos no habíamos visto en alguna serie animada con anterioridad.

La imagen de Homero, Bart, Maggie, Lisa y Marge, de inmediato fue adoptada en la cultura popular de todo el mundo, convirtiendo a estos personajes en culto y parte fundamental para entender una nueva era en cuanto a dibujos animados se refería.

La incongruencia de sus actos, la lujuria de todo Springfield, era el parte aguas de generaciones de telemaníacos que diariamente los veíamos sin falta y no importaba que fuera un capítulo repetido. ¿Cuántas veces no vimos a Homero con los Borbotones? Siempre era triste ver cómo le arrancaban el corazón a Bart y lo tiraban al bote de la basura. Se volvió en lúdico ver a los Ramones cantándole al señor Burns, mientras éste mandaba sacar a los “Rolling Stones”.

Todos esos 500 capítulos definieron parte de nuestras vidas y se convirtieron en un referente para los melómanos porque, si en Los Simpson aparecía una banda, seguramente era porque estaban en un gran momento… Los Simpson también son líderes de opinión, ¿qué no?

En este número de FILTER México, nos honra presentar una entrevista exclusiva con Matt Groening, creador del fenómeno amarillo que hoy es simplemente, parte de nuestras vidas. Bienvenidos al cuarto capítulo de esta revista.

Milton Barboza Arriaga Director Editorial

28 LOS SIMPSON 24 WE HAVE BAND 36 DR. ALDERETE 39 JOHN CALE 21 LONDRES: La ciudad melómana 12 THE ASTEROIDS GALAXY TOUR 13 CLOUD NOTHINGS 14 ELECTRIC GUEST 15 EL MAÑANA 16 FURLAND 17 EL GUINCHO

ES TA C IO N F

18 SHARON VAN ETTEN 48 SONIDO GALLO NEGRO POR DR. ALDERETE

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FILTER México, Año 1, No. 4, (16 de marzo 2012 a 30 de abril 2012), es una publicación de una periodicidad de cada 6 semanas editada y publicada por Breakfast Media, S.A. de C.V. Mariano Escobedo 498, Piso 1, Colonia Anzures. CP 11590. México. Teléfonos 62650339 / 62650366 / 62650367 / 62650368. Editor responsable: Carlos Alberto Miguel Hernández Verástegui. Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título No. 04-2011083012492100-102, ISSN en trámite. Certificado de Licitud de Título y Contenido No. 15399, otorgado por la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas de la Secretaría de Gobernación. Registro de Padrón Nacional de Medios Impresos en trámite. Impresa por Compañía Impresora El Universal, Allende 176, Colonia Guerrero, C.P. 06300, México, Distrito Federal. Distribuida por Armando Rodríguez Salgado, ubicada en Oriente 69, 2831-A, Colonia Ampliación Asturias, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06890, México, Distrito Federal. Este número se terminó de imprimir el 12 de marzo de 2012 con un tiraje de 25,000 ejemplares.

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VOL. 1, NO. 47, WINTER 2011.

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New Era Colores pastel, bolsas adorables y zapatos que remiten a los salones de los años sesenta describen a la perfección a Golden Ponies, una pequeña línea independiente de zapatos, bolsas y accesorios de piel creada por Erandi Gutiérrez. Todos los diseños son hechos a mano en Guadalajara y lo mejor, los precios son realmente accesibles y hay envíos internacionales. Nuestros diseños favoritos: las bolsas tipo satchel y los zapatos repetto de charol.

www.goldenponies.net

Serie 59FIFTY

Las gorras 59FIFTY de New Era se han caracterizado por crear diseños para las ligas mayores y menores del beisbol. En su mayoría, los equipos cuentan con una gorra personalizada con los colores e insignia oficial.

Incluso existen modelos también de equipos de la NBA y NFL, pero los deportes no son el único campo que han abarcado las gorras 59Fifty.

Actualmente existen modelos de Marvel Comics e incluso hay una línea que rinde homenaje al boxeador Muhammad Ali, así como variantes de las ya tradicionales gorras de Baseball.

www.neweracap.com

Por PAOLA ROMO

Como parte de la nueva línea de Diesel, Noise Division, la marca realiza una incursión en el territorio auditivo en conjunto con Monster. Después de haber colaborado con artistas como Dr. Dre, Nick Cannon y Lady Gaga, el diseño esta vez corrió a cargo de la firma italiana dando forma a los audífonos plegables Vektr On-Ear. Por si la excelente calidad del audio fuera poco, los audífonos cuentan con un cable que no se enreda, control hands free y un estuche súper protector.

www.monstercable.com

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Vans Half Cab Celebra Anos Si saben de skate, seguramente entienden que los Vans Half Cab han sido el icono más representativo del skateboard a nivel mundial desde los años ochenta, cubriendo la necesidad de tenis cómodos para practicar este deporte.

Lo que deben saber es que este 2012, como parte de su vigésimo aniversario, la marca estará lanzando una edición limitada de Half Cab cada mes.

En México la celebración y ediciones limitadas estarán vigentes en abril y mayo, en la la temporada Primavera/ Verano 2012.

Sigan a Vans en sus redes sociales para enterarse más de la celebración de los Half Cab. #followmyvans @VANSoficialMX

www.vans.com.mx

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Por ANDRÉS DÍAZ Fotos CORTESÍA OCESA

Parecería obvio, pero muy pocas bandas tienen la suerte de Bombay Bicycle Club para crecer proporcionalmente y dar a conocer su música fuera del Reino Unido; y es que lejos de ser bautizados por algún medio británico o etiquetarlo como una “Banda para ver”, ellos se han ganado a pulso el lugar que tienen ahora y con el que están avanzando a paso firme.

Los asistentes de esta presentación, que sí entendieron y apoyan su crecimiento, fueron testigos de su primer contacto con un país latinoamericano en donde por fin se quitaron de especulaciones y vivieron en carne propia lo amable y cálido que es el público latino. Los lazos con México ya existían desde antes, ya que el video de la canción “Lights out, words gone” fue grabado en La Ciudadela, lugar en donde gente de la tercera edad edad baila danzón, por lo que una de las primeras cosas que hicieron al pisar suelo mexicano fue ir a verlo personalmente: “Fue como estar viviendo nuestro video”, dijo el vocalista Jack Steadman al presentar la canción.

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Con tan sólo tres producciones, Bombay ha logrado crear una buena gama de canciones que van desde un rock más acústico que reflejaron en su disco Flaws, hasta un rock más rítmico en su última producción A Different Kind Of Fix, que en vivo cobró vida de forma inmejorable poniendo en el ambiente del concierto un toque de alegría en los presentes… podría sonar cursi pero eso se justificó al voltear a ver a todos bailando al unísono o coreando canciones como “Shuffle”, “Leave It”, “Cancel On Me” o “Lamp Light”.

Creemos que un fenómeno parecido que se vivió esa noche sucedió en la primera presentación de Two Door Cinema Club, en donde fuera del hype que pudieran sufrir ambos, demostraron ser una excelente banda en vivo, en donde se incluyó su colaboradora, amiga y telonera de la noche Lucy Rose. Esto se vio reflejado en el número de canciones, ya que en promedio tocan 16 y para la noche en El Plaza Condesa fueron 20. Ojalá que la promesa que dieron al final de volver se cumpla.

Enero 27 El PLAZA CONDESA

Por ANDRÉS DÍAZ Fotos CORTESÍA OCESA

BranVan 3000 Este tipo de conciertos podrían considerarse “de nicho” porque reunió especímenes que normalmente no se verían en los conciertos “de moda”: en 2002 hubiera sido lo más hipster del momento, pero no en 2012.

De entrada, esta presentación fue la primera del colectivo canadiense en años. Una de las últimas que dieron fue frente a miles de personas en su natal Montreal, por lo que decidieron quitar las pausas prolongadas entre sus producciones para salir de gira nuevamente. Por lo mismo, este concierto fue un reencuentro en donde la emoción –y cierta ingenuidad por retomar las riendas– estuvieron presentes.

El paseo musical de reggae, trip hop, rock, soul y dance que dieron fue grande. Ellos lo hacían de manera muy natural desde antes de que las bandas “indie” supieran que mezclar géneros era una obligación para estar en la onda.

Lástima, dieron una versión “popurrí” de “Love Cliché”, pero eso no opacó a “Astounded” y su cuestionable one hit wonder “Drinking in LA”.

FEBRERO 24 JOSÉ CUERVO SALÓN

GIRLS

Era la segunda vez que la dupla de San Francisco, Girls, se presentaba en México. Las expectativas eran moderadas puesto que sólo cuentan con dos álbumes de estudio en su discografía. Sin embargo, ver su desempeño en vivo resultaba elemental, debido a que su debut, Album (2009), los posicionó como una de las bandas a seguir de aquel año, y con Father, Son, Holy Ghost, pasaron el reto del primer disco de las bandas primerizas, otorgando una placa con buenas críticas.

Una presentación de Torreblanca –planeada sólo unos días antes del show– resultó una grata sorpresa gracias al disfrutable set con canciones de su disco Bella Época. Al ritmo de teclados, bajo, acordeón y trompetas, la agrupación mexicana demostró, con temas como “Dejé de ser yo”, que es una de las mejores propuestas actualmente en nuestro país. Concluyeron con su afamado primer sencillo, “Lobo”, y Juan Manuel Torreblanca y compañía dejaron el recinto listo para Christopher Owens, Chet “JR” White y su banda.

Por PAOLA DEL CASTILLO Fotos TONI FRANÇOIS Cortesía LOS AMATEURS

Cerca de las diez de la noche, los californianos subieron a un escenario decorado con f lores artificiales, recordando la portada de su primer disco. El set incluyó temas de ambos álbumes, y los momentos cumbre llegaron con los sencillos “Laura” y “Lust for life”, cuando los asistentes –en su mayoría de entre 20 y 25 años– saltaban agitando sus cabelleras al ritmo de la música.

En las bocinas sonaron también “Morning light”, “Alex”, Hunny bunny” entre otras, pero fue posiblemente con “Vomit”, primer sencillo de su segunda producción, que llegó su mejor interpretación.

Sin muchos matices en el concierto debido a la evidente similitud de sus canciones y falta de emotividad en la actuación, las horas pasaron satisfaciendo a sus fans pero dejando poco que desear de su desempeño en vivo. No hubo interacción entre la banda y su público y el audio estuvo mal ecualizado. Una presentación promedio que esperamos evolucione junto con sus integrantes 7.FILTER con el paso de los años.

LA

Por ANDRÉS DÍAZ

Para demostrar que no sólo estamos en el papel, dimos a nuestros lectores una segunda prueba de realidad al hacer la segunda FILTER Party, que tomó al Caradura como recinto.

La noche comenzó con El Mañana, un proyecto de la ciudad de México que tiene una extraña fijación por los triángulos y por la música ruidosa muy inspirada en grupos como Sonic Youth. Las guitarras distorsionadas se prolongaron al unísono durante su presentación. Este tipo de proyecto hace que la gente se acostumbre a nueva música, sobre todo a la instrumental, y ayuda a expandir los horizontes de los escuchas con canciones como “Isóceles” o “Muy feo”. Los fans de My Bloody Valentine estuvieron muy a gusto con esta banda, la cual puso en un mood muy especial a los asistentes.

Siguió La Banderville, quienes están por estrenar su nueva producción Mutante Adolescente, bajo la producción del tacvbo Joselo, quien trabajó anteriormente como productor de proyectos como Renoh. A pesar de que sólo han dado dos adelantos de este material –“Uhhh!!!” y “Olmo” – no les costó nada de trabajo mantener la atención de sus fans, al contrario, estuvieron muy atentos de lo que esta nueva etapa les traerá. No pudieron faltar los clásicos como “A la distancia” o “Súper pasto”.

Así concluyó una noche más de las FILTER Party, que mes con mes presentará lo más nuevo de la escena independiente mexicana, así como algunas nuevas propuestas que FILTER México irá desenterrando para ustedes.

8.FILTER

Fotos ÓSCAR VILLANUEVA

Por ANDRÉS DÍAZ Foto RODRIGO JARDÓN

Luego de un tibio enero con pocos conciertos, llegó el canarión El Guincho para llenar de nuevo las noches vacías en los calendarios de los melómanos.

Cabe mencionar que este es el primer concierto oficial de El Guincho en el DF: La primera vez que vino fue como parte del cartel del MX Beat, luego tuvo un fallido intento de concierto, y el año pasado vino al Vive Latino, del cual Pablo DíazReixa recuerda poco por los intensos dolores de estómago que sufrió durante su presentación.

Por ello, y a pesar de que en esta ocasión tenía una ligera gripa, el concierto fue el pago de todas estas adversidades.

Luego del acto de apertura por parte de Little Ethiopia, un dueto muy joven que abrió el Corona Capital del año pasado y que poco a poco va perfeccionando su rock electrónico, El Guincho tocó como se debe en el kitsch Teatro Fru Fru.

Acompañado de dos músicos, Pablo se notó muy contento desde un inicio en el que Pop Negro, el hermano mayor de Alegranza –con el que logró tener un impacto en Estados Unidos a pesar del idioma– se mimetizó a la perfección con sus ritmos de pop sicodélico con aires caribeños.

A pesar de que no se llenó el Fru Fru, los asistentes corearon y bailaron al ritmo de “Soca del eclipse”, “Palmitos Park” o “FM Tan Sexy” (la cual Pablo, al presentarla, destacó el aprecio que incluso en México que se mantiene por el medio radiofónico). Las más coreadas definitivamente fueron “Novias” (recientemente se actualizó con las voces de Javiera Mena) y “Bombay”, que ya se está volviendo un clásico.

El calor caribeño que se creó gracias a las prolongadas canciones que decidió poner al final del concierto se fue disipando conforme todos los asistentes, se fueron acercando al frío concreto de las calles del Centro Histórico del DF.

9.FILTER

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party3 Por PAULINA GARCÍA Fotos RODRIGO JARDÓN

Todos los días nos emociona poder compartir música con ustedes. Ya sea para conocer novedades o para recordar a personajes clave dentro de la historia musical, nuestra única meta desde el primer día ha sido endulzar sus oídos con melodías y acordes que difícilmente olvidarán. Después de dos inolvidables y divertidas fiestas en las que nos han acompañado, el pasado 23 de febrero pudimos llevar a cabo nuestra tercera FILTER Party al lado de muchos, muchos de ustedes.

El bar Caradura empezó a llenarse desde las 22 horas cuando los invitados a la FILTER Party que llegaron temprano ingresaron al recinto. Mientras escuchaban buena música y disfrutaban de unos tragos de la barra libre –cortesía de Azul Centenario y Burn– la gente con buenos ánimos de festejar esperaban que los regios de Quiero Club subieran al escenario.

Pasadas las 23:30 horas, Quiero Club tomó sus instrumentos y llenaron de alegría a quienes los esperaban desde hacía un par de horas. Desde el primer acorde la gente se mostró contenta de ver a los regios y bailaron con ellos canciones como “Las propiedades del cobre”, “Días perfectos”, “Música”, “No coke” y “Minutos de aire”.

Al terminar la presentación de Quiero Club, muchos se quedaron en el Caradura para seguir celebrando y pasándola bien con la música que el lugar tenía preparada para sus invitados. Lamentablemente hubo varios que no pudieron ingresar al lugar debido a que éste ya se encontraba completamente lleno, pero eso no quiere decir que no queremos que se ausenten de nuestra cuarta FILTER Party; más bien los invitamos a que tomen sus precauciones y lleguen temprano ya que, como saben, el Caradura tan sólo permite el acceso a unos cuantos.

Agradecemos infinitamente la presencia de todos y cada uno de ustedes que bebió, cantó, bailó y disfrutó con nosotros. Éstas son tan sólo unas cuantas razones por las cuales seguiremos organizando fiestas mes con mes para quien quiera pasar una noche llena de diversión y, sobre todo, buena música.

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Les presentamos a...

Foto sigurd grünberger

Algunas bandas trabajan por años en antros sucios para hacerse notar. Otras arman cancioncillas retro soul para ser llamadas por una figura pop y empezar a vender boletos para sus shows antes de haber lanzado un álbum.

The Asteroids Galaxy Tour tenían unos meses de existencia cuando fueron invitados por Amy Winehouse a tocar con ellos en el verano de 2007, gracias a la fortaleza que había en su demo. El problema era que Mette Lindberg y el multi instrumentista Lars Iversen no tenían una banda de apoyo, por lo que se encerraron con algunos amigos para ensayar el set que presentarían ante mil 500 personas en Copenhague.

Su fama creció exponencialmente después de ese show. No pasó mucho tiempo y para su segunda fecha los daneses fueron firmados por el manager de Robbie Williams. En septiembre de 2008 una de sus canciones fue usada para un comercial de iPod. Para cuando salió su álbum debut, Fruit, su freak funk se había establecido firmemente.

Antes de su éxito, él estaba tomando clases en una escuela de arquitectura y ella lavaba platos en un hospital y trabajaba en un bar.

A pesar de que ya habían colaborado antes, sucedió algo diferente cuando Iversen trabajó en unos demos en 2007. “Ahí me di cuenta de que las melodías que Lars tenía en su cabeza eran las mismas que yo tenía”, Lindberg dice.

Mientras Fruit era una pastilla de cafeína con pop soul, su siguiente producción, Out of Frequency, era más desordenada por estar casada con armonías sicodélicas con instrumentos de viento, algunos momentos de película de espías y exóticos temas líricos. “Vivimos en una pequeña ciudad europea, por lo que soñábamos con grandes edificios, buenos carros y gángsters en medio de un romance de fama y dinero. Así creamos nuestros personajes por lo que necesitábamos un buen soundtrack para ellos”, comenta Lindberg.

Linberg se convirtió en una muñeca que odias o amas, gracias a esa energía adolescente similar a la que Kate Pierson de The B-52’s tenía con un alto rango vocal al estilo de Cyndi Lauper. “Soy una

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pequeña chica blanca así que no me confundan con una cantante soul. Prefiero ser original y directa que una chica tonta y guapa”.

Su sencillo “The Golden Age” fue utilizado para un comercial de Heineken, por lo que fueron catapultados a un público que bien podrían ser tus padres. Muchos creen que se volvieron “una banda para comerciales” pero Lindberg no se disculpa al respecto: “Queremos que la gente escuche nuestra música y aparte necesitamos dinero para pagar nuestra renta”.

Es claro que el grupo está jugando este papel para que, cuando menos lo piensen, comiencen a patear traseros.

3 ÁLBUMES

QUE INSPIRARON A THE ASTEROIDS GALAXY TOUR A HACER MÚSICA

BEASTIE BOYS / Ill Communication

DAVID BOWIE / Hunky Dory

PARLIAMENT / Mothership Connection

Les presentamos a...

Por A.D. AMOROSI Foto RYAN MANNING

Hay cierto romanticismo de chico presuntuoso en las grabaciones de Cloud Nothings hechas en casa –sencillos y EPs lanzados únicamente en casete, grabados en 2009 y convertidos a CD para la compilación Turning On– mientras que su primer álbum de estudio denota la edad de Baldi (aún no cumple los 20 años), a pesar del lamento más notable de las letras de ese disco: “Envejezco muy rápido”, dice entre risas Dylan Baldi al recordar las letras de esas canciones.

“Me siento joven dentro de todo”, bromea. “Un par de giras y grabaciones no me hacen más inteligente o interesante”.

Aun así, no puede negar que hay cierto peso alrededor de su álbum más reciente, Attack On Memory, producido por el afamado Steve Albini, productor de Nevermind de Nirvana, entre otros. Mientras que su sonido anterior podía ser catalogado como una mezcla ostentosa entre Wavves y The Jesus And Mary Chain, Attack On Memory tiene un rock más denso (piensen en The Replacements debajo del agua) sin perder su desenfadado estilo melódico. “Hay más peso sobre mis hombros. Es importante crecer”, admite Baldi.

El nativo de Cleveland siempre ha querido que todo lo que haga suene diferente a lo que haya hecho anteriormente. Aunque sus letras juegan con personajes solitarios, es el sonido y estado anímico de sus canciones lo que resulta más crucial para él.

“Los tres álbumes son diferentes porque quería un sonido específico para cada uno”.

“Estaba más preocupado por el ambiente de cada disco. Están levemente saturados pero no distorsionados. Quería que fueran ligeros”. Los EPs y sencillos que forman parte de Turning On muestran claramente sus deseos. Las melodías se volvieron más robustas, pero mantuvieron su sonido pequeño y confinado.

Su enfoque cambió cuando tuvo rápidamente que juntar a una banda para tocar en Manhattan. “Ese concierto en Nueva York llegó súbitamente, así que le hablé a algunos amigos que conocía de la escena musical de mi ciudad. Nunca me han dado la espalda y han estado ahí desde entonces, expandiendo la dinámica de Cloud Nothings, tanto con las viejas canciones como con las nuevas”.

“Pasé de hacer todo yo mismo a permitir que estos chicos tocaran lo que les correspondía, de la forma que quisieran”. Tener una banda permitió que cada proyecto mostrara una personalidad única. Tal y como a Baldi le gusta.

“Es más divertido hacer canciones así, en vez de hacerlas solo, sentado en mi cuarto”, confiesa Baldi. “Grabarme a mí mismo hora tras hora se volvió algo aburrido. Este álbum es muy emocionante”.

3 ÁLBUMES

QUE INSPIRARON A DYLAN BALDI DE CLOUD NOTHINGS A HACER MÚSICA

RAMONES / Ramones

AC/DC / Back In Black

WIPERS / Youth Of America 13 . F I L T E R

Les presentamos a...

Por LAURA STUDARUS Foto NOAH ABRAMS

Ellos produjeron una canción para Charlotte Gainsbourg, compusieron la música del cortometraje Dick in a Box de Saturday Night Live y trabajaron con el productor más solicitado de los últimos tiempos. Curiosamente el éxito de Electric Guest, dueto oriundo de Los Ángeles, empezó con una dona. Bueno, en parte.

“Había una tienda de donas cerca de donde vivía”, comenta el vocalista Asa Taccone sobre los orígenes de la banda que se remontan a su época adolescente en Berkeley, California. “Había una mujer de edad avanzada muy extraña que trabajaba ahí, y con quien tenía largas conversaciones metafísicas. La última vez que la vi me dijo ‘quiero que recuerdes que eres un huésped eléctrico (electric guest) del universo”.

Notablemente descontento con la escena musical del norte de California, Taccone fue a Los Ángeles en donde conoció al baterista Matthew Compton. “Sentí desde un inicio que seríamos grandes amigos. Tocaba música diferente a lo que solía hacer, pero me sentí bien y cómodo . Embonamos a la perfección”, comenta Compton.

Para combinar sus muy diversas influencias –que van desde el R&B y el pop sesentero a la Marvin Gaye, que se reflejan de inmediato en su EP Mondo, hasta hip hop poco comercial y el rock de Archers of Loaf– la banda necesitaba un hábil productor que eliminara esas líneas divisorias entre géneros. Por eso se reunieron con Brian Burton –mejor conocido como Danger Mouse– quien ha trabajado con The Black Keys, Beck y Jack White. Este encuentro se remonta mucho tiempo atrás: “Siempre llamaba por teléfono a mi hermano (el miembro de The Lonely Island, Jorma Taccone) cuando vivía en L.A. y le tocaba pequeñas canciones que componía. Un día le toqué una canción en la que estaba trabajando y se la enseñó a Brian”, recuerda Taccone. Impresionado, Burton motivó al joven Taccone junto a Compton al acomodarlos en diferentes tocadas hasta que estuvieran listos para ser producidos por él, lo cual fue cinco años después.

Fue así como Taccone, Compton y Burton esculpieron lentamente su álbum debut titulado nuevamente Mondo. El conmovedor y arrogante rock-versus-R&B de Burton brilla a través de “This head I hold”, la cual la banda considera como su canción más acústica.

3 ÁLBUMES

QUE INSPIRARON A ELECTRIC GUEST A HACER MÚSICA

JAMES BLAKE /James Blake

SCOTT WALKER / Scott 4

¿Qué viene para Electric Guest? Compton, quien ha estado experimentando con arreglos de cuerdas, predice que su sonido será más extenso: “Será un extraño sonido que nunca han escuchado”, dice entusiasmado, “Creo que esa es la lección que aprendí de todo esto”.

El universo te lo agradece.

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MICHAEL JACKSON / Thriller

Les presentamos a...

Por BENJAMÍN ESPINOSA Foto ENRIQUE FABELA

De las muchas bandas nuevas que se presentan a diario en la escena musical de nuestro país, surge una propuesta ruidosa y atractiva. El Mañana es una mezcla de guitarras que recorren caminos complicados, un bajo ambiental con olor a dub y reggae y, en medio de todo, unos pequeños detalles vocales que en vez de ser lo principal, complementan ese todo sónico.

El Mañana, cuyo nombre hace alusión a que todos dejamos algo para “el mañana”, no busca proyectar más allá de la diversión que sienten sus integrantes al momento de tocar canciones. La necesidad de estar dentro del gusto del público y su novedosa propuesta de “hacer ruido”, ayudó a estos jóvenes capitalinos a lograr compartir el escenario con Carla Morrison y Maps & Atlases, acumulando experiencias que los han ayudado a pulir detalles sonoros que cada día van siendo menores.

Sin hacer de lado sus participaciones, El Mañana tiene aún la gran ambición de poder hacerse escuchar en grandes recintos o festivales como el Vive Latino, SXSW, o en el show perfecto para ellos, que se ubicaría en Bellas Artes compartiendo escenario con Sonic Youth.

Con poco más de un año de integración, lanzaron en septiembre pasado su primera producción homónima, la cual incluye cinco cortes cuya propuesta ambiental genera esa curiosidad de explorar aun más su sonido.

La parte visual de este debut discográfico tiene como principal representación gráfica las figuras triangulares llevadas al extremo: “Fueron idea de Santiago, un miembro de El Mañana que vive en Alemania. La idea original era que la portada fuera el triángulo del póster que se encuentra dentro de nuestro CD, pero se fue como modificando hasta llevar ese triángulo a lo más abstracto”, nos comentaron.

En el escenario cada integrante se desempeña con gran seguridad y certeza en cada melodía: “Buscamos simplemente divertirnos y proyectar lo que nosotros somos”.

El gran reto al que se deben enfrentar ahora es el conquistar los distintos escenarios nacionales y divertirse como hasta ahora lo han hecho: “No nos ha importado tocar en León o Guadalajara pagando nuestros propios viáticos porque por el momento lo hacemos por el gusto”.

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ya deberÍas

conocer a..

Por ANDRÉS DÍAZ Fotos RODRIGO JARDÓN

Pocas bandas pueden decir que tienen un estilo; Furland lo ha sabido declarar desde sus inicios con el EP A Casa Voy, que con sencillos como “Lámpara de lava”, uno ya podía detectar las estacas que sujetan una carpa sónica de colores: la dulce voz de Sergio, las texturas aterciopeladas de Jacinto, la percusión suave pero concisa de Carlos y los rieles armónicos que Carlos va dejando con el bajo.

De ese feliz inicio han pasado ya siete años y sus integrantes han crecido profesionalmente, dedicándose completa o parcialmente a la música. Algunos se han casado y otros toman la música como modus vivendi, pero lo más importante es que no ha cambiado esa perspectiva inocente y fresca que tienen al momento de crear música.

Historia De La Luz, su producción pasada, es la mejor representación de este auténtico estilo porque es un disco conceptual que comprende canciones que, de entrada, les gustaba a ellos y que por ende logró llegar a más gente por medio de conciertos en los que fueron perfeccionando sus ideas originales. Esto provocó que los invitaran a discos tributo (Caifanes o 31 Minutos) para extender la vida de esta gran etapa de la historia de la banda, cuya clausura fue el sencillo “Faladó Falá”, donde entraron de lleno a terrenos más sicodélicos, aprovechando la gama de colores que venían arrastrando.

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Ahora bien, llegó el momento de quemar los pastizales para comenzar a cosechar de nuevo. Para ello necesitaban ejercitar otra vez el músculo de composición por lo que entraron de nueva cuenta al estudio para grabar un EP con buenas y variadas canciones que comprenden momentos muy diferentes y que no necesariamente tienen un concepto. A diferencia de las otras ocasiones, ahora la labor ha sido en equipo, ya que anteriormente todo recaía en la mente de Sergio y era complementado por el resto.

“Fantasmas” es el primer destello de esta nueva era en donde sigue muy presente el estilo forjado de la banda: “En estas nuevas caciones encontrarán la melancolía que normalmente se encuentran en las canciones de Furland, pero hay momentos más crudos” nos cuenta Sergio.

Si pensaban que estas canciones bastaban para que Furland le pusiera una palomita al 2012, están muy equivocados: “Este EP es una necesidad de juntarnos de nuevo para hacer canciones y un pretexto para agarrar energías para el nuevo disco”.

Para resumir el humor actual en el que se encuentra la banda, sólo basta checar una reveladora actualización que pusieron en su Facebook durante la grabación, el cual dice: “Ya crecimos y ya nos enamoramos y ahora cantamos acerca del amor”.

Ya deberías conocer a...

GUIN Por BERENICE ANDRADE Ilustración REVILOX

Con la salida de Pop Negro, tercer disco del canarión Pablo Díaz-Reixa mejor conocido como El Guincho, su autor comprobó una hipótesis: el mejor síntoma de un artista es cuando pierde fans, no cuando gana.

“Cuando saqué Pop Negro esperaba las peores reacciones, porque cuando sacas el primer disco te marca mucho. Parecía que iba a seguir siendo música de club –como en Alegranza– con loops raros y repetición, y Pop Negro no tuvo nada que ver. Si con tu siguiente disco consigues perder bastantes fans es síntoma de que has hecho algo bueno, de que no te has parado en un sitio, de que no te has clavado en repetirte, de que has conseguido moverte”.

La garantía de ese movimiento la selló una crítica poco favorable por parte de Pitchfork. El Guincho no podía estar más complacido.

Ahora, a casi dos años del lanzamiento de ese disco pierde-fans, Pablo Díaz-Reixa explica en entrevista que el cambio no fue adrede, sino resultado del contexto, variable determinante en la manufactura de su música.

“A mí lo que más me gusta de mi música es el contexto de producción; es crear un espacio poco convencional para mis canciones, o un espacio que sea difícil o excitante.

“Yo creo que mi sonido se ha sofisticado bastante.

Cuando hice Alegranza tenía 21, 22 años, era un periodo muy salvaje en mi vida, estaba pasando por muchas cosas y eso se refleja bastante en el disco.

“Cuando hice Pop Negro vivía con una chica en una casa pequeña. Yo trabajaba de noche y ella por la mañana, y era como raro, porque no podía hacer ruido. Las canciones se alentaron, empecé a tocar más despacio, entonces quizá eso evolucionó en canciones más convencionales en el punto de vista de estructura”.

Y aunque en la transición, la música de El Guincho perdió ese trance hipnótico de las pistas de baile (con todo y sus loops repetidos) y asumió estructuras pop más convencionales, mantuvo intacto su sello canario: las mezclas tropicales, africanas e incluso latinas.

“Yo soy de las Islas Canarias, que están en España pero no tiene mucho que ver con el resto del país porque está cerca de la costa africana. Muchos de nosotros somos hijos de inmigrantes latinoamericanos, tenemos otro pulso, otra manera de vivir, hemos escuchado otras cosas en la radio. Pasa una cosa con la música africana o latina que se escucha en Canarias: se identifica más con las clases bajas, con los barrios, y pareciera que el canario quisiera ser más español y reniega de eso, y a mí me parece vulgar, porque la riqueza de los ritmos viene de ahí. Entonces me pareció interesante colocar todo eso en otro sitio para decir ‘oye, escucha esto que tiene mucho valor’”.

Y mientras experimenta en la producción de otros artistas–como la mismísima Björk, para quien trabajó en Biophilia–, El Guincho se toma su tiempo para preparar un cuarto disco, tal vez el último, porque como ha amenazado antes, cuatro le parece un buen número para concluir este proyecto.

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ESTACIÓN

Por LAUREN HARRIS Fotos MARC LEMOINE

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Tramp, el nombre del más reciente disco de Sharon Van Etten, fue difícil de encontrar. Si su debut de 2009, Because I Was In Love, era una explicación de su corazón roto, el que vino el siguiente año, Epic, era una documentación casi clínica del ser y de las relaciones que forjaron a ese álbum y a su precursor.

“Quería encontrar un título que fuera fuerte, corto y directo, al mismo tiempo que transitorio”, explica Van Etten, sentada en una cafetería en Brooklyn en una tarde de invierno.“Pero no quería que fuera una palabra débil. Vi ‘tramp’ (vagabundo o prostituta en inglés) en Dictionary.com, y pensé, ‘¡Mierda!’”, dice mientras sus ojos cafés se agrandan llenos de triunfo al recordar cómo se llamaría su tercer disco. “Cuando te refieres a una mujer, es denigrante. Pero el significado original es vagabundo”.

Van Etten quería evocar algo pasajero, relacionado al éxito que tuvo con su segundo álbum; Epic estuvo en los primeros puestos de varias listas de ventas y la mandó a recorrer el mundo. Fue el hermoso dolor en él lo que llamó la atención de Aaron Dessner de The National, quien produjo Tramp a unas cuadras de donde está sentada en estos momentos. Durante la gira de Epic, Van Etten se enteró de que Justin Vernon de Bon Iver y Dessner habían hecho un cover de su tema “Love more”, un retrato de una relación abusiva en la que estuvo.

De niña, la nativa de Nueva Jersey quería cantar en Broadway y formaba parte de musicales escolares hasta que estudió música en la Middle Tennessee State University. Fue ahí donde inició la relación que inspiró “Love more” y muchas otras canciones. Durante los años de esa relación, su pareja le prohibía tocar música, por lo que empezó a escaparse en las noches para tocar en bares.

Cuando dejó Tennessee, regresó al sótano de sus padres llena de heridas emocionales, pero con un catálogo entero de canciones que formarían parte de sus tres álbumes. Lentamente, ante la catarsis de tocar frente a extraños, Van Etten empezó a canalizar sus emociones en lo que sería su primera placa. “Me emborrachaba con whisky y tocaba despechadas canciones de country”, dice Van Etten, riéndose de sí misma. “Quería hacer música con la cual la gente pudiera llorar”. Lentamente, recobró la seguridad en sí misma, se mudó a Nueva York y trabajó en Ba Da Bing Records como publicista hasta que decidió hacer su propia música.

Poco después, Ba Da Bing lanzó Epic.

Ahora Tramp marca el periodo de tiempo después de sus discos anteriores. “Tuve un disco herido, después uno curador. Este es el que tiene más seguridad. En él me estoy permitiendo estar enojada, sin culpas. Estoy muy orgullosa de él. Es una gran meta para mí y representará este momento por siempre. Los últimos dos años me han ayudado a encontrarme a mí misma, y creo que eso es lo que es este disco”.

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la ciudad melómana Texto y fotos CAMILA JURADO

Londres es sin duda el destino ideal para cualquier melómano que quiera satisfacer su gusto musical.

Aparte de la intensa vida cultural que ofrece, es uno de los lugares con mayor diversidad de eventos musicales en el mundo. En un día cualquiera PJ Harvey puede estar presentando su último disco en el Royal Albert Hall mientras que Erik Truffaz canta en el Jazz Café. La variedad de eventos en esta ciudad es infinita y tratar de elegir puede llegar a ser una tarea abrumadora, pero si vas a Londres hay ciertos lugares que no te puedes perder.

Empecemos con Camden Town, la cuna del rock alternativo de la capital inglesa. Camden es hogar de pubs antiquísimos del siglo XVIII como The World’s End, en donde tomarte una pint de cerveza es casi una obligación. También es hogar de pubs legendarios como The Dublin Castle, lugar que vio

nacer a bandas como Blur, Madness y Travis y en donde se dice que era común encontrarse con Amy Winehouse recargada sobre la barra compartiendo tragos con los clientes. En Camden también está uno de los mercados callejeros más variados de Londres, perfecto para comprar la playera de los Beatles que te encargó tu mejor amigo, pero también en donde seguro puedes encontrar todo tipo de viniles y discos para tu colección.

Hablando de viniles, si lo tuyo es recopilar joyas de la música entonces Rough Trade en Notting Hill es la mejor opción. Recientemente abrieron una sucursal más grande en Shoreditch, el nuevo territorio de la escena indie al este de Londres.

Esta parte de la ciudad era una zona industrial donde estaba la famosa fábrica de cerveza The Old Truman Brewerym que con el tiempo sus bodegas

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han sido convertidas en galerías de arte contemporáneo y tiendas vintage. Las calles de Shoreditch ahora son el lienzo principal de artistas urbanos de la talla de Banksy, Cityzen Kane, el mexicano Pablo Delgado y muchos otros.

Los fines de semana, la calle principal llamada Brick Lane se convierte en el mercado de antigüedades y discos más concurrido por los jóvenes. Shoreditch también se ha vuelto una de las zonas nocturnas más importantes de Londres.

Si lo tuyo es bailar te recomendamos The Hoxton Pony o Cargo donde alternarán los DJs más importantes de la escena electrónica. En cambio si te gusta algo más tranquilo y clásico como el blues y el jazz, Passing Clouds es la opción. Por fuera puede parecer un edificio abandonado pero adentro es como viajar en el tiempo directo a los años treinta, cuando las parejas bailaban al ritmo del swing. En el escenario un cuarteto maravilloso está tocando mientras que la reencarnación de Billie Holliday se apodera del micrófono. Caminar por Shoreditch sin rumbo también puede darte las mejores sorpresas. Te puedes encontrar foros improvisados en donde el aparador de una tienda vintage se convierte en escenario y un personaje multi instrumentista toca covers de Johnny Cash y Bob Dylan mientras le da tragos a su cerveza.

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Muy al norte de la ciudad y alejado de todo está el enigmático Alexandra Palace, en donde el pasado sábado 11 de febrero The Black Keys cerraron exitosamente una larga gira. Este antiguo lugar fue fundado en 1873 como centro de entretenimiento y recreación para el público en general, pero a tan sólo 15 días de ser inaugurado el palacio fue destruido por un incendio. Tiempo después, se convirtió en un centro de transmisiones de la BBC y en 1980 otro incendio lo volvió a destruir. Ahora este lugar “embrujado” se ha convertido en uno de los principales venues para conciertos y eventos privados. El trayecto hasta allá puede ser muy fastidioso, sobretodo cuando el suelo sigue cubierto de nieve, tienes que tomar varios trenes y camiones para llegar.

El dúo compuesto por Dan Auerbach y Patrick Carney estuvo recientemente de gira en Estados Unidos presentando su nuevo material El Camino abriéndole escenario a los Arctic Monkeys. Aquí en Londres la jugada fue distinta.

Band of Skulls se encargó de abrir y The Black Keys logró agotar tres noches seguidas de conciertos. El cariño y la euforia de la gente fue algo indescriptible, cosa especialmente rara en Inglaterra ya que generalmente el público es más reservado. Los bombos estridentes de Patrick y el exquisito riff de guitarra de Dan nos transportaron a todos a algún gran momento del rock-blues de los sesenta. Canciones como “Howlin’ For You” y “Lonely Boy” fueron las más coreadas. La gente brincaba de un lado al otro, ojos cerrados y el corazón a punto de explotar. Dan agradeció múltiples veces al público por su entrega y, junto con su colega, nos regalaron un encore maravilloso con “Everlasting Love” y una gigantesca bola disco que surgió de atrás del escenario adornando todo el palacio con luces de colores.

El regreso a la ciudad fue igual de largo y hasta un poco más frío, pero a todos nos quedó una sonrisa y una sensación de que todo valió la pena.

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Por ANDRÉS DÍAZ Fotos TOM MEDWELL

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PRÓLOGO

Bandas van y vienen pero pocas pueden llegar a tener tal interacción para considerarse como una familia. Este es el caso de un tipo de familia poco peculiar, la cual está conformada por los esposos Thomas y Dee y un tercero llamado Darren. Las conjeturas sobre la complicada relación entre tres personas seguramente empezarán a surgir en sus cabezas. Antes de que comiencen a construir ideas equivocadas en esta historia, les advertimos que no es el caso; más bien es el de la relación de tres personas que juntaron sus voces y habilidades musicales para un fin común, y que los ha llevado a entender que su música no es el centro del universo –como muchas bandas han llegado a creer– sino más bien es una respuesta al complementarse con el mundo externo que habita más allá de la Riviera inglesa.

Darren Bancroft nos narra el funcionamiento de esta comunidad a la que, lejos de ser muy obvio, titularon We Have Band (“Tenemos una banda”) ya que, tomando en cuenta que la finalidad era la hermandad, la música fue consecuencia de ello, y vaya que lo refleja en cómo sus melodías y voces se entrelazan como las ideas que fluyen en una larga y buena plática acompañada de un café (o té, si lo prefieren).

I. LA TRIADA PERFECTA No hay ego en la banda porque nos tenemos mucho respeto cada uno de nosotros. Conozco a algunas bandas independientes en donde hay una mente maestra que deja el esqueleto de las canciones al resto de la banda para que las desarrollen. Eso va muy en contra de nosotros.

Pasamos mucho tiempo juntos, incluso hay veces que cuando tengo un bloqueo mental y quiero terminar una idea u oración que tengo en la cabeza, le pregunto a Dede qué es lo que diría y normalmente tiene la razón.

La banda no podría funcionar sin alguien de nosotros. Eso se debe a que viajamos, comemos y bebemos juntos y nuestras vidas ya están muy unidas. No ha habido en los últimos años un tiempo en el que estemos separados; sólo pasó una vez que hubo una pausa cuando terminamos de grabar el disco y teníamos que esperar a que se editara, ahí me pregunté: “¿ahora qué?”.

II. TERNION Cada persona que conocemos nos ha dicho una cosa diferente del disco y eso nos ha ayudado a entender qué fue lo que hicimos. Pasó mucho tiempo del disco pasado a este, y por lo mismo tratamos de hacer algo diferente y probarnos a nosotros mismos que podíamos hacer algo más complejo y distinto. Creo que lo hemos logrado.

En este disco fue la primera vez que hubo canciones más personales, como en el caso de “What’s mine, What’s yours” que habla de la relación entre Dede y Thomas, en donde me dieron la base de la canción y yo terminé haciendo las voces y la canción en general. También pasó en la canción “Preassure on”, con la que cerramos el disco, que trata sobre los problemas de insomnio que atravesó Dede.

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III. SIN GUIONES ESTABLECIDOS Nosotros no improvisamos para componer canciones por la naturaleza electrónica del proyecto. Cuando nos ves en vivo, la guitarra y el bajo son los que dominan. Lo que hacemos es dejar que el beat o base rítmica nos dicte qué hacer… posiblemente para nosotros eso significa improvisar.

En este nuevo disco decidimos incluir la canción “Ternion aside” –de 26 minutos de duración– en donde retomamos piezas de los primeros cinco tracks y las mezclamos. Thomas, que hace la programación en la banda, lo que hizo fue deshacer todo y volverlo a armar. Nos encantó hacer eso porque fue como hacer un álbum nuevo y más porque se percibe nuestro sentir cuando estamos en vivo.

IV. LO QUE ES MÍO, ES TUYO Lo más emocionante de realizar la colaboración para un video es que te das cuenta de las habilidades necesarias que se requiere y que nosotros no tenemos, ya que posiblemente nosotros tenemos la idea o la pasión de hacer algo, pero no somos capaces de hacerlo. Lo que nos gusta de la gente que admiramos –como Björk– es que exploran profundamente para ver hasta dónde puede llegar una colaboración artística. Me molesta mucho ver videos que no expanden la idea que tuvieron originalmente en el estudio, se me hace un desperdicio que la gente no lo aproveche.

Cuando estábamos buscando a alguien que hiciera el video para “Where are you people?”, segundo sencillo de Ternion, muchos nos llegaban con ideas muy literales de la letra de la canción. Por lo mismo que estamos muy conectados con ella, no nos gustaban esas ideas. Con el video “You came out” nos dimos cuenta de eso, porque la idea visual dista mucho de lo que decía la letra.

V. DESNUDOS No pensamos las canciones en forma acústica. Es muy extraño sacar la guitarra acústica para componer, más bien pensamos en los beats o en las programaciones y después en el bajo, batería y voces. Sentimos que estamos construyendo un muro en donde cada uno aporta algo como si fuera un ladrillo. En esta gira comenzaremos a experimentar con algo acústico porque mucha gente nos lo está pidiendo; incluso ya lo hicimos en la tienda de Rough Trade en Londres. Posiblemente al final de los conciertos las pongamos.

VI. EL TRAJE PRESTADO Thomas y Dede escucharon “West end girls” de Pet Shop Boys por casualidad y les sorprendió a tal grado que decidieron hacerlo porque sería muy cool. También coincidió que nos pidieron un cóver para una recopilación en España.

Recientemente hicimos los cóvers de “Still life” de los Horrors y “Within and without” de Washed Out como lados B del sencillo “Where are you people?”, así como “Let’s dance” de David Bowie, los cuales hicimos porque lo queríamos hacer y no por encargo.

Es interesante recrear las canciones porque las quieres tratar bien sin insultarlas al cambiarlas mucho. La verdad es que no las pensamos mucho: las empezamos y si sentimos que va bien nos vamos sobre ella; si no nos va gustando, paramos en ese momento.

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VII. EL MUNDO AFUERA DE LA ISLA Es muy poderoso darte cuenta de que el mundo es un lugar gigante, porque eres consciente de que el sonido de la ciudad de Londres no es nada comparado con lo que el resto de la humanidad hace. Nos afectó conocer gente de otras partes del mundo porque al compartir tu visión de la vida, la complementas.

Yo soy el que más se ha fijado que nos han mandado mensajes por nuestras redes sociales de gente de México y Japón.

Es curioso que si alguien pega en el Reino Unido es muy fácil que tenga una gira en Alemania, Francia o el resto de Europa. Pero en Estados Unidos, Japón o México son lugares en donde pasaríamos desapercibidos por estar tan lejos, por eso nos da gusto que alguien esté tocando nuestras puertas y sería muy grosero no abrírselas. ¡Es como si nos llegara una invitación a una fiesta y no fuéramos!

EPÍLOGO No hay más que decir. La banda que han leído en estos últimos minutos estará muy pronto en nuestro país. Pero para estar preparados a este encuentro es necesario que escuchen y se metan en Ternion, una producción que como buen producto cultural hará que sus cabezas se sincronicen con la de tres mentes vibrando al unísono.

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EL REINO AMARILLO La música de

Los Simpson Por COLIN STUTZ

Al hablar de música con Matt Groening, el creador de Los Simpson, lo encontraremos aferrado a sus ideas. Es decir, él sabe lo que le gusta. “La mayor parte del rock and roll es como los cereales para el desayuno”, dice.

“Está bien, me encanta, pero no es tan buena comida como cualquier otra cosa”.

Con la edad los gustos de Groening se han vuelto más conservadores a favor de “la música de viejos”, como el jazz y lo excéntrico. “Escucho música que llevaría a la mayoría de la gente fuera de la habitación”, dice.

“Lo que la mayoría de la gente escucha involuntariamente no tiene ningún interés para mí”. Examinando su colección de discos de vinilo y CD’s que llenan los estantes y paredes caídas en una habitación del primer piso de su oficina de Santa Mónica, en estos días está a favor de rarezas extranjeras y curiosidades al azar. A medida que busca en una caja de 45’s, cada uno comprado por 10 centavos años atrás, toma uno que él nunca había escuchado. En la bolsa hay una estampa japonesa de un cielo azul y el paisaje de montaña; sólo deja tocando a la banda de la postguerra durante unos segundos antes de sacar la aguja. “Terrible”, anuncia simplemente, y devuelve el disco a la bolsa.

A los 57 años, el corpulento nativo de Portland, Oregon, se viste de manera cómoda con una camisa de manga corta y pantalones vaqueros, con los ojos amables mirando desde detrás de sus gafas redondas. Mientras habla, tú escuchas, por supuesto. Este hombre forjó tu propia existencia. Pero en su compañía, tan centrado como es posible que trates de estar, es difícil evitar que tu mente divague. Cuando dice “cereales”, tú piensas en Krusty-O; cuando habla de los festivales All Tomorrow’s Parties que curó en 2003 y 2010, tu mente piensa en Homero y Hullabalooza con su acto de hombre bala. Y cuando él dice cuán excitante era el punk cuando empezó a escribir sobre la música en 1978, aunque trates, no puedes dejar de recordar a los Ramones tocando “Happy birthday” al Sr. Burns antes de decirle al avaro “y que pronto te vayas al infierno”. Los chistes, las canciones, el sentimentalismo, todo está tan profundamente arraigado en la parte posterior de tu mente, no se puede escapar de Los Simpson.

Por cierto, añade Groening, “Los Simpson se suponía que eran la contracultura. El problema es, ¿cómo se hace la contracultura sin alienar a los niños en los suburbios que carecen de librerías? ¿Cómo se mete uno en su mente?”

Hoy en día, Los Simpson no se siente como contracultura. Recientemente celebraron su episodio 500 en la cadena Fox, y después de 23 temporadas al aire y 18 años en la programación, Los Simpson vale más de mil millones de dólares. Es la comedia animada que ha sido vista el mayor tiempo en más de 100 países y traducida a más de 50 idiomas. Los rostros de los personajes se han unido a juegos de mesa, Pop Tarts y los sellos postales. Los Simpson ha lanzado seis álbumes, una película, tienen su propio paseo en Universal Studios y ha inspirado a un sinfín de piezas de mercancía piratas y oficiales, colecciones privadas y rellenos sanitarios de todo el mundo. Es como una empresa enorme, con enorme influencia; parece que lo único que no ha sido satirizado es porque todavía no se inventa. Así que si Los Simpson no se siente como contracultura en el año 2012, es porque no lo es. Es cultura. Es casi como si la lujuria insaciable de Homero por las donas, la áspera preocupación maternal de Marge, las travesuras de Bart, los solos desamparados de saxofón de Lisa y la succión del chupón de Maggie, siempre han estado aquí. Más que nuestra televisión, Los Simpson ha llegado a definir nuestra identidad cultural. Esta es la primera y más importante de las familias divertidas de Estados Unidos. Y para muchos de nosotros, en estos 23 años, desde los chistes a las canciones, han dado forma a nuestras realidades, gustos cómicos y sensibilidades comunes más que otra persona o franquicia.

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En el corazón de la comedia de Los Simpson –desde iconos de cultura pop hasta canciones de Broadway, y canciones que nunca olvidarás– está la pasión por la música de Groening. Desde que debutó en 1987 como un corto de animación en The Tracey Ullman Show, Los Simpson ha tenido más de 85 músicos invitados, desde 50 Cent hasta Red Hot Chili Peppers, Metallica, Bette Midler, U2, Coldplay, Elvis Costello, Elton John y tres The Beatles. Aerosmith tocó en la taberna de Moe en la tercera temporada, Johnny Cash interpretó el coyote guía de Homero en la octava temporada y The White Stripes amenazaron con golpear a Bart en la temporada 18. Al final de la última temporada, Lady Gaga visita la ciudad natal de Los Simpson, Springfield, después de que se declaró la ciudad más deprimida de América; se hace amiga de Lisa, la persona más deprimida de la ciudad, con la esperanza de levantarle el ánimo. El episodio termina con un dueto.

“Mi opinión es ir a lo icónico o excéntrico”, dice Groening sobre los invitados del show. “Me encanta cuando tenemos artistas que son iconos de la época.

Cualquier cosa que piense de su música, creo que son de interés histórico”.

“Me sorprende lo divertidos que son los invitados”, continúa. “Es divertido ver a Mick Jagger echándose a reír cuando Dan Castellaneta como Homero no quiere probar los micrófonos y le pide a Mick Jagger hacerlo.

Se siente como que nadie le ha dicho a Mick Jagger eso en las últimas décadas”.

“Eso es definitivamente un punto culminante en la carrera de cualquiera, que se les invite a un episodio de Los Simpson”, dice James Iha, ex guitarrista y 30 . F I L T E R

cofundador de The Smashing Pumpkins, quien hizo una aparición con el resto de su banda junto a Sonic Youth, Peter Frampton y Cypress Hill en el episodio “Homerpalooza”, en el que Homero se une a la gira de un festival de rock como monstruo de feria. “En ese momento, nuestro grupo estaba recibiendo una gran cantidad de oportunidades y definitivamente ésta se destacó como algo que realmente teníamos que hacer”.

“Creo que muchos de los músicos son niños de corazón”, dice Mike Mills de R.E.M., quien apareció en un programa de la temporada 13, cuando su grupo fue engañado para tocar en el garaje de Homero. “En una caricatura, aun en una dirigida para adultos, apela a un mundo de fantasía y los músicos tienden a vivir en esas condiciones de todos modos”.

“Esto se extendió mucho más allá de Estados Unidos desde el principio. Yo crecí con ellos cada noche; toda la familia decía, ‘¡Préndele! ¡Préndele!’ Y saltaba delante de la televisión mientras lo veías”, dice Glen Hansard del dúo folk The Swell Season, que apareció en Los Simpson en 2009, dos años después de que el nativo de Dublín y su socio Checa MarkétaIrglová, ganaran un Oscar por la Mejor Canción para la película Once. “Es tan popular como la Coca-Cola.

Se trata de la cultura americana. Se trata de Estados Unidos. Es más grande que Mickey Mouse... Nunca vas a entender como americano lo surrealista que fue para un irlandés y una niña checa participar en algo que se traduce en nuestros dos idiomas y por lo tanto muchas, muchas lenguas, muchas otras. Fue una experiencia tan maravillosa y extraña... En cierto modo, es más grande que ganar el premio de la Academia”.

Los Simpson

“Esto se extendió mucho más allá de Estados Unidos desde el principio. Yo crecí con ellos cada noche; toda la familia decía, ‘¡Préndele! ¡Préndele!’ Y saltaba delante de la televisión mientras lo veías”, dice Glen Hansard del dúo folk The Swell Season, que apareció en Los Simpson en 2009, dos años después de que el nativo de Dublín y su socio Checa MarkétaIrglová, ganaran un Oscar por la Mejor Canción para la película Once. “Es tan popular como la Coca-Cola. Se trata de la cultura americana. Se trata de Estados Unidos. Es más grande que Mickey Mouse... Nunca vas a entender como americano lo surrealista que fue para un irlandés y una niña checa participar en algo que se traduce en nuestros dos idiomas y por lo tanto muchas, muchas lenguas, muchas otras. Fue una experiencia tan maravillosa y extraña... En cierto modo, es más grande que ganar el premio de la Academia”.

De todos sus invitados musicales y colaboraciones, tal vez la canción más popular de Los Simpson llegó como regalo del mismísimo rey del pop. A finales de 1990, a la mitad de su segunda temporada, Los Simpson ya se habían establecido como un fenómeno, y por sugerencia de David Geffen, fundador de Geffen Records, se decidió aprovechar la industria de la música. Lanzaron The Simpsons Sing The Blues, un álbum de larga duración de los materiales originales, cóvers cantados por el elenco y los invitados destacados como BB King, DJ Jazzy Jeff, Dr. John, Buster Poindexter, Joe Walsh de los Eagles, Juan Sebastian de La Lovin ‘Spoonful y de la sección de viento de Tower of Power. Impulsada por la canción de apertura, “Do The Bartman”, coescrita e interpretada por Michael Jackson con Nancy Cartwright como Bart, The Simpsons Sing The Blues vendió más de un millón de

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copias en su primera semana y en tres meses fue certificado triple platino.

“Fue una oportunidad para hacer más con Los Simpson que no implicaba la animación, que es increíblemente lento y caro”, dice Groening. “Fue fascinante trabajar con Michael Jackson. Llamó a la oficina a las 11 de la noche. Yo estaba en mi escritorio y mi teléfono sonó, y era una voz aguda diciendo: ‘Hola, soy Michael Jackson’. Por supuesto, pensé que era alguien jugando una broma. Tuve mis dudas durante aproximadamente un minuto y me sentí mal al final, porque finalmente me di cuenta que realmente era Michael Jackson y que seguro esto le pasaba seguido...

Para visitarlo en su estudio en Ventura Boulevard, donde él estaba grabando, se requiere una cantidad increíble de cosas de seguridad y todas esas tonterías ridículas, claro, sólo para sentarse en una habitación y hablar con él. Y entonces él hizo un buen trabajo”.

Cartwright recuerda a Jackson en la primera reunión en las sesiones de grabación. Sabiendo que era un gran fanático de Bart Simpson, le dio un muñeco de peluche de Bart como un regalo. Jackson estaba extremadamente emocionado, Cartwright dice: “Fue como si nunca hubiera recibido un regalo antes.

“Qué experiencia tan surrealista de estar allí en el estudio, dirigido por Michael Jackson”, continúa y de su rap añade: “Creo que para una mujer blanca de unos 40 años, lo hice bastante bien”.

Al año siguiente, Jackson colaboró de nuevo con Los Simpson, en el episodio “Papá está loco” en el que Homero es enviado a una institución mental y se hace

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amigo de un gran hombre que dijo ser llamado Leon Jackson Kompowsky. Jackson interpretó el propio personaje y escribió la canción de cierre memorable, “Happy birthday Lisa”, pero por razones que el personal de la serie todavía no entiende muy bien, tenía un sonido semejante a cantar la melodía en el aire. “Ese tipo era un misterio envuelto en un enigma envuelto en un montón de cirugía plástica”, dice el productor de Los Simpson, Al Jean, quien coescribió ese episodio. “Nunca supe si era legal o sólo una especie de pequeña broma que le estaba jugando a la gente.

“Los Simpson, en el transcurso del último par de décadas, se ha convertido en un foro de diferentes tipos de humor y diferentes tipos de chistes”, dice Groening, que explica la incorporación de numerosos musicales a la serie. “No hay una sola manera de aproximarse a algo cómicamente que no lo hayamos intentado. Vamos arriba, vamos abajo, hacemos payasadas, hacemos alusiones literarias, hacemos observaciones satíricas muy sutiles, parodias, chistes, juegos de palabras en silencio, la comedia y homenajes a las personas que admiramos de Pixar y a Félix el Gato. Las canciones salen de talentosos escritores y productores. A veces, hemos tenido gente en el personal que están orientados musicalmente y, a veces, no tenemos gente y disminuyen las canciones”.

Dos de los más aclamados escritores musicalmente inclinados son Jeff Martin y Ken Keeler. En la segunda temporada, nuevos en el equipo de guionistas, Martin escribió la canción tema de Ciudad Capital, cantado

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por Tony Bennett, cuando Los Simpson dejan Springfield para seguir la carrera de Homero como la mascota del equipo. Este fue el primer verdadero número musical y músico invitado en la historia del programa y esto estableció el papel de Martin en el equipo de escritores de los años que siguieron. A partir de ahí, el uso de canciones originales floreció. La obra de Martin de las temporadas dos a cuatro, incluye las canciones de la interpretación musical del teatro de la comunidad de Springfield con “Un tranvía llamado Marge”, la canción de Lisa de huelga durante la protesta de Homero contra el plan dental del señor Burns, y el cuarteto peluquero de Homero en “Los Borbotones”; el hit “Baby on board”, con la ayuda de la armonización de The Dapper Dans de Disneyland. “Yo he ido a Disneyland y he conocido la versión actual de los Dapper Dans”, dice Martin, “les pregunté si alguna vez alguien les pide cantar ‘Baby on board’. Me dijeron que diario.

“Yo diría que todas mis fantasías de ser un compositor fueron excedidas”, continúa. “Y a veces me siento un poco avergonzado. Hay gente con mucho talento que ha estudiado y trabajado y que nunca lograron que se escucharan sus canciones o nunca pudieron conseguir que su canción fuera grabada por una orquesta o cantada por Tony Bennett”.

“En 1990, eran sin precedentes los números musicales en un programa de televisión, pero fue raro”, dice Keeler, quien trabajó en la serie durante las temporadas siete, ocho y nueve. Entre otros, Keeler escribió la letra de la canción de “You’re checkin’ in”, musical de

1: AL JEAN, GEORGE HARRISON, MATT GROENING Y MIKE REISS, 11/1992; 2: THE SMASHING PUMPKINS CON EL STAFF DE LOS SIMPSONS, 2/1996; 3: MIKE SCULLY, ELVIS COSTELLO Y HANK AZARIA, 12/2001; 4: TOM PETTY GRABANDO PARA EL EPISODIO “CÓMO PASÉ MIS VACACIONES DE VERANO” DE LA TEMPORADA 14, 12/2001; 5 : GLEN HANSARD Y MARKÉTA IRGLOVÁ DE THE SWELL SEASON, 10/2008. TODAS LAS FOTOS CORTESÍA DE BONITA PIETILA.

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“MARGE SIEMPRE OCUPARÁ UN LUGAR EN MI CORAZÓN (NO LE DIGAN A MISS PEGGY)” RINGO STARR

Broadway, cuando Los Simpson visitan la ciudad de Nueva York, así como para la canción “Pusimos la primavera en Springfield” de la octava temporada, ambos ganadores de los premios Emmy para la Mejor Música Original y letras.

“Dick Van Dyke solía hacer números musicales, pero por lo general no se relacionaban con la trama”, dice Keeler. “En una comedia de situación normal, moderna y ordinaria, sería difícil tener un número musical que tiene algo que ver con la trama, porque se sentiría como: ‘Yo no he venido a ver un musical’. Pero de alguna manera en formato de dibujos animados era posible”.

La diversión de los números musicales no es sólo para los escritores y estrellas, los miembros del reparto suelen llevar las canciones ellos mismos. “Hemos revisado la idea de los números musicales aparecidos de la nada y es algo muy cómico, la animación puede encajar ahí de manera frívola y conmovedora”, dice Hank Azaria, que interpreta a Apu, Moe Szyslak y el Jefe Gorgory, entre otros. “Ciertamente lo hicieron con los Looney Tunes, así como con muchos otros dibujos animados, pero ha sido traído de vuelta en un contexto moderno, con Los Simpson. Como: ‘¿Qué pasaría si estos personajes cantaran en una forma real? ¿Qué absurdo podría ser eso?’. Y entonces la gente se ha familiarizado con eso y ha hecho cosas muy divertidas, grandes cosas como Family Guy y South Park,

obviamente. Alguien, probablemente lo habría hecho si Los Simpson no lo hubiera hecho, pero al igual que un montón de cosas, lo hicimos primero y pienso que realmente hicimos crecer la música”.

Y no importa lo divertido que las canciones y el tema puedan parecer, desde musicales sobre El Planeta de los Simios, a cancioncillas sobre armarios de piel de animales, a los litigios de parodias de una cierta querida niñera británica, el grado de seriedad con la que los compositores y escritores crean cada tema, no es un asunto de risa.

“Siempre tomaron las canciones tan en serio como el diálogo escrito”, dice Yeardley Smith, quien hace la voz de Lisa, la más musical de Los Simpson. “E incluso si se burlaban del hecho de que estaban escribiendo una canción de mierda, uno sabía que ellos sabían que se estaban burlando de una canción de mierda y ésa era la broma. Ellos nunca pensaron que había algo imposible musicalmente o que no había nada que no podíamos hacer. Es muy halagador que su equipo tiene mucha confianza en uno, porque ciertamente tenemos mucha confianza en ellos”.

“Tuvimos la habilidad de convertir el show en un musical”, dice Martin. “Ya es este mundo fantástico donde las cosas son posibles y creo que podríamos hacerlo de una manera en la cual una comedia normal no lo haría. Y una vez que nos dimos cuenta de que podíamos hacerlo, pusimos una canción en cada episodio. Van al Monte Splash y era un “Hey, vamos a hacer una canción”. O cuando 33 . F I L T E R

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“FUE GRACIOSO VER A MICK JAGGER REIRSE CUANDO DAN CATELLANETA COMO HOMERO NO QUERÍA PROBAR LOS MICROFONOS Y LE DIJO A MICK JAGGER QUE LO HICIERA” MATT GROENING

Conan O’Brien escribió el episodio del monorriel: ‘Bueno, esto es algo así como “el hombre música”, así que vamos a hacer un número’. Yo diría que la animación hace que todo sea posible, y por lo tanto un género es la música. Y ya que siempre tenemos el show con una orquesta de estudio completo, a veces realmente podemos hacer algo especial”.

Eslogans, gemidos, gruñidos y quejas de lado, el sonido real de Los Simpson es la orquesta de 35 personas que ha sido utilizada en casi todos los episodios. A lo largo de los capítulos de drama, comedia, jazz, melodías de espectáculos, de la vieja escuela, secuencias de acción, música de películas, temas de noticias de televisión y jingles comerciales, la música de la serie ha estado ahí para guiarnos.

“Hemos establecido el ritmo y abierto el camino para la música acústica en la televisión con una orquesta de este tamaño, esto rara vez se ve”, dice el compositor de la serie, Alf Clausen, quien ha estado en Los Simpson desde su segunda temporada. En una semana, Clausen compone la música de un episodio y cierra con una sesión de grabación de tres horas y media en la que los músicos leen todos los arreglos. Por lo general, un episodio tiene unas 35 tracks de música, muchos más que una comedia normal y ligeramente por encima del promedio de un dibujo animado, de acuerdo a Clausen.

Antes de unirse a la serie en 1990, costó un poco de trabajo convencer a Clausen para que aceptara tan sólo una entrevista. Él acababa de estar cuatro años en la comedia Moonlighting de ABC y de la serie de ciencia ficción familiar, ALF, y se consideraba a sí mismo como un hombre del drama. Hacer la música de una caricatura es muy difícil, pensó él, las escenas cambian tan rápido que la composición a ese ritmo es muy difícil. Cuando se reunió con los creadores y productores de Los Simpson, recuerda que Groening le preguntó si le gustaría hacer animación. Clausen le dije que no. “Creo que [Groening] quedó anonadado, y me preguntó por qué”, dice Clausen. “Él dijo, ‘nosotros vemos a nuestro programa no como una caricatura, sino como un drama donde los personajes se dibujan y nos gustaría que las canciones fueran de esa manera... No queremos un dibujo animado como de Warner Brothers [o] dibujos animados de Disney, queremos hacer nuestras propias cosas y quiero marcar la emoción del show todo el tiempo’. Así que le dije, ‘OK, vamos a probar uno y ver cómo va’.

Ellos me dieron mi primer episodio, me gustó lo que hice y he sido el compositor de Los Simpson desde entonces”.

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De todos los shows en la televisión, Los Simpson es uno de los pocos que utiliza una orquesta completa y la diferencia es evidente. Groening lo quería de esta manera desde el principio. De vuelta en su oficina, en medio de los juguetes de Los Simpson, libros y objetos de recuerdo y un póster firmado con la leyenda: “Gracias por hacerme reír”, de su héroe personal e influencia musical, Frank Zappa, Groening explica: “Me encanta el sonido de una orquesta completa en la televisión, películas en clásicos dibujos animados de Warner Brothers, con Stalling, Scott Bradley con MGM, Hoyt Curtin, con Hanna-Barbera, todo eso era genial. Y yo creía que la animación en Los Simpson, por lo menos al principio, era inestable e inconsistente, y que si teníamos una orquesta completa de fondo, le daría un sentido de propósito y al público, una sensación de confianza, que tenían que prestar atención a lo que estaba pasando.

Como resultado, el compositor Danny Elfman fue contratado para hacer el tema emblemático de la serie. Groening había sido un fan de Elfman desde que comenzó a tocar con su banda, The Mystic Knights of the Oingo Boingo, y que había quedado particularmente impresionado por la música de Elfman para la película Pee-wee’s Big Adventure.

“No pudo haber sido más sencillo”, dijo Elfman a FILTER Magazine en el 2010. “Me reuní con Matt, me mostró un dibujo a lápiz de la apertura de los títulos de Los Simpson. Tenía ese tipo de energía de la vieja escuela de los años sesenta. Le di mi reacción visceral, que este debía ser como el tema de Hanna-Barbera que nunca fue. Así que le dije, ‘si quieres algo retro, yo soy el hombre, porque eso es lo que mis instintos me dicen, pero si quieres algo moderno yo no soy el tipo’. En realidad, en términos generales, no podía soportar la música contemporánea de shows de televisión y le dije eso. Y así dijo: ‘No, no, muy bien, ¡vamos a hacerlo!’.

Groening recuerda dar a Elfman una cinta de su soundtrack favotiro: Los Supersónicos de Curtin; el trabajo de Nino Rota con las películas de Federico Fellini; algunas canciones de Juan García Esquivel y el tema de Fred Steiner: The Bullwinkle Show. “Lo que yo siempre había amado”, dice Groening, “fueron los grandes y exuberantes temas de los programas de televisión de las décadas de 1950 y 1960.

En las décadas de 1970 y 1980, las cosas se pusieron mucho más sutiles. Los temas eran en general más sensibles, y yo quería volver a la locura”.

Desde entonces, el instantáneamente reconocible tema de Los Simpson ha sido votado por los lectores de TV Guide, como el tema más molesto cada vez registrado, que se

Los Simpson

ha atascado en la cabeza de mucha gente y ha sido tocado por casi la misma cantidad de orquestas de secundaria. “Me encanta”, dice Groening. “Me encanta la forma en que es un tema muy complicado y hay mucho en él. Como composición, tiene el tema principal muy familiar, pero hay todo tipo de cosas que suceden en la composición... Recuerdo que en la sesión de grabación, Jim Brooks, el brillante director y productor ejecutivo de Los Simpson, dijo: ‘Este es el tema de los leminos marchando hacia la muerte’.

A lo largo de la serie, el tema ha sido grabada por Yo La Tengo, Sonic Youth, Los Lobos, Green Day, Tito Puente, NRBQ, Fall Out Boy y algunos de los grupos más excéntricos elegidos por Groening, tales como el trío de culto inglés, The Tiger Lillies, y la banda de polka, Texas Valiente; estas versiones suelen aparecer en los créditos finales. James McNew, bajista de Yo La Tengo, recuerda demos de varias versiones, incluyendo una versión de jazz de alto concepto inspirado por John Coltrane y otra de Davie Allan & The Arrows Biker antes de su sicodélica “Tomorrow never knows” fuera aprobada. Yo La Tengo a veces toca su versión durante los conciertos los domingos por la noche, como un homenaje a la experiencia. “A finales de los años noventa ese programa era mi universo”, dice McNew. “Esa línea entre la fantasía y la realidad recibió una paliza salvaje. Fue muy raro. Era increíble, pero nada de eso parecía real. Pero fue real. Tengo pruebas”.

“De vez en cuando un espectáculo en el cual todas las piezas encajan de una forma realmente mágica, aparece, y Los Simpson es uno de esos casos”, dice Smith. “Y cuando esto sucede, todo el mundo trata de recrearlo, pero no se puede. Hay una cualidad amorfa. Hay un poco de la magia que sucede cuando uno consigue un poco de ayuda y el universo dice, ‘Sí, eso está bien, vamos a darle un poco más’. Y estamos desde hace 23 años”.

EN PORTADA

“Todavía estamos haciéndolo”, dice Groening, recostado en una silla en su oficina, rodeado de la multitud de recuerdos (prueba de su creación). “Todavía estamos haciendo nuevos episodios y no ha habido suficiente material generado que los animadores y escritores pueden recordarle al resto de nosotros las bromas que hicimos hace una década que habíamos olvidado. Hemos hecho tantos episodios ahora que he olvidado algunos y cómo sucedieron las cosas. Así que cuando veo las repeticiones soy capaz de verlos como un fan, porque me había olvidado de los chistes. No siempre, pero algunos de ellos. Y hay ciertas cosas que rebotan en mi cabeza que no puedo sacar”. “¡Mis ojos! Las gafas, no hacen nada”, dice con una sonrisa, citando escenas de Los Simpson. “’Cromulent’... ‘Yo saludo a los nuevos amos insectos...”

Viendo a este creador felizmente recordando todo esto, tus pensamientos vagan a un episodio de la primera temporada de la serie, “La depresión de Lisa”, donde la hija mayor de Los Simpson aprende a tocar blues y que las primeras escenas en la clase de banda en la que el profesor, el Sr. Largo, le impide tocar jazz en medio de una canción emblemática.

“Lisa, no hay espacio para la locura del bebop en ‘Mi País’”.

“Pero, Sr. Largo, de eso es lo que trata ‘Mi País’”, Lisa llora. “¿Qué?”

“Estoy llorando por la familia sin hogar que está en su carro, el agricultor de Iowa, cuya tierra ha sido arrebatada por burócratas insensibles, el minero de West Virginia tosiendo”...

“Eso está muy bien, pero Lisa, ninguna de esas personas desagradables va a estar en el recital de la próxima semana”.

Y te acuerdas de lo que te trajo aquí en primer 35 . F I lugar.

LTER

Por ESAMIPAU!

Parecería que hoy todo se maneja bajo el lema de “con dinero baila el perro” y que cada vez son menos los que realizan proyectos por mera pasión y amor a su arte. Afortunadamente hay algunos que aún creen que existe la retribución que alimenta más al alma que a la cartera al no estar dispuestos a traicionar sus principios ni sus ideales.

Cuando una profesión está en el punto medio entre lo artístico y lo práctico –como el diseño gráfico– es muy fácil errar el camino o la per36 . F I L T E R

cepción de qué es lo que genera satisfacción; la inducida por el dinero normalmente es la ganadora aunque ésta comprometa la necesidad de creación del diseñador. Pero entonces ¿cómo lograr saciar las ganas de expresarse sin tener que vagar por el mundo pidiendo una moneda?

Jorge Alderete es un diseñador gráfico que no ha dejado que las carencias detengan el camino que busca recorrer:“Cuando empecé ni siquiera me planteé que me iba a dedicar a esto.”

El think tank del Dr. Alderete (su alias) es una acogedora materialización de sus pasiones: la música, el diseño y su propio trabajo, mismos que le valieron de excusa para buscar cómo unirlas. Llegó a la conclusión que dedicarse a diseñar portadas de discos no es un camino fácil, y menos ahora que el entorno de la industria musical está en crisis: “Es aquí donde entra el trabajo del diseñador.”

Uno de sus primeros trabajos fue una portada para Lost Acapulco: “Me acerqué a ellos porque me gustaba su música, nunca fue buscando un trabajo. Después me planteé qué discos quería diseñar y me di cuenta que en México no existía una disquera que editara la música que a mí me gustaría escuchar”. En lugar de permitir que ese fuera el final del camino, Alderete le dio la vuelta a la situación y se “inventó” un cliente. ¿Cómo? Abrió la disquera Isotonic Records con uno de los miembros de Lost Acapulco para editar los álbumes que ellos querían y así desarrollar sus artes.

Desde entonces el Dr. Alderete ha abierto una tienda/galería/foro para tocadas acústicas de nombre Vértigo Galería (justo a unos metros del Multiforo Alicia); sus diseños han llegado a portadas como la de La Luz del Ritmo de Los Fabulosos Cadillacs, el cartel del Vive Latino de este año y exposiciones en algunos museos.

En lugar de apantallarse por el falso glamour y esnobismo que podría provocar el reconocimiento público, o dejarse vencer por una negativa, él prefiere guiarse por sus pasiones para seguir adelante y pavimentarse su propio camino. “Creo que al haber nacido y estudiado en Latinoamérica estamos acostumbrados a que nos digan (con sus claras excepciones) ‘aquí no se puede hacer eso. Eso sucede en Inglaterra, en Estados Unidos pero aquí no porque nuestra realidad es otra’, pero a lo largo de mi carrera me he dado cuenta que eso es mentira.”

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TRIBUTO

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Por KEN SCRUDATO Fotos ARCHIVOS DE CALE

1967. Los hippies representaban de manera decisiva y visible la reacción contracultural de todos los males de los crímenes de guerra e injusticias, por medio de la experimentación liberal de las drogas, la ideología de amor y paz y, de manera más fuerte, la música politizada del rock. Sin embargo, en 2012, es el legado cultural de bichos raros y narcisistas conocido como La Fábrica, que surgió de un pequeño enclave en Nueva York, el que prevalece.

The Velvet Underground era la banda que representaba oficialmente el lado musical de La Fábrica. Hasta hoy se mantienen como una de las bandas de rock más influyentes de la historia. Lou Reed, el rudo pero artístico judío de Brooklyn; Sterling Morrison, el virtuoso de la guitarra sin pretensiones de Long Island; Moe Tucker, una magnífica y estelar baterista; y, finalmente, John Cale, el hijo apuesto pero radical de un minero de carbón de Gales, en el bajo y la viola; juntos arrastraron el rock violentamente a la corriente de la vanguardia.

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TRIBUTO

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Cale se separó de su humilde y extraña infancia, aliándose con la nueva corriente artística de Londres mientras estudiaba música en el Goldsmiths College en los años sesenta. Cuando Cale decidió escaparse hacia Nueva York, trajo consigo los conocimientos de una educación de música clásica. Su vida cambiaría para siempre cuando en una fiesta se encontró con un ejecutivo de Pickwick Records, que más tarde le presentaría a un joven compositor intratable pero romántico llamado Lou Reed.

Para ubicarnos en el contexto adecuado, recordemos lo relativamente tranquilo que aún era el rock en ese momento. Tenía a expositores como The Doors y Hendrix quienes rompían con la clásica estructura del género, pero en su mayor parte seguía un conjunto de reglas estructurales. The Velvet Underground estaba a punto de introducir el hermoso caos, con Cale como el principal agitador sonoro, al hacer música contagiosa, antagónica, auditivamente penetradora y de alguna manera también seductora.

Ellos fueron rápidamente “adoptados” por Andy Warhol y la multitud de La Fábrica. Él propuso a la fría y hermosa modelo de Berlín, Nico, como vocalista, que dio a lugar al acontecimiento casi anárquico y cinematográfico llamado The Exploding Plastic Inevitable (con The Velvet Underground tocando frente a las proyecciones de las películas de Warhol) que generó un fervor entre los que lo entendían, al mismo tiempo que inspiraba una especie de terror en los que eran demasiado cuadrados para entenderlo. “No teníamos ni idea de la gran influencia que sería Andy en nuestro trabajo, porque con él de nuestro lado, mucha gente no tuvo otro remedio más que callar porque era el enfant terrible del arte en Nueva York”.

Luego grabaron dos de los álbumes más revolucionarios e importantes (en términos de impacto inmediato y duradero) de todos los tiempos: el sorprendente debut de The Velvet Underground & Nico, y el perverso y ruidoso White Light/White Heat.

Cale se convirtió en el último niño pobre en casa de ricos: el muchacho de clase trabajadora del campo de Gales que ahora se codeaba con la élite de la moda y arte de Nueva York. Incluso se casó con con la diseñadora del proto punk Betsey Johnson a pesar de que no duró mucho. Pero Cale finalmente se hartó de la relación conflictiva con Reed y decidió irse por su cuenta.

No perdió el tiempo y se convirtió en el hombre renacentista que siempre había estado destinado a ser. Es difícil comprender el alcance de su influencia, teniendo en cuenta que produjo el debut homónimo de The Stooges en 1969, y más tarde, en 1975, la obra maestra de Patti Smith, titulada Horses; ambos sentaron las bases imperativas para la explosión del punk.

En su naciente trabajo de solista abarcaba desde su debut Vintage Violence, hasta la pieza instrumental (con la Royal Philharmonic Orchestra) The Academy In Peril y Paris 1919 , en donde revivió algunos de los caos sonoros de sus días en VU fundiéndose con sus inclinaciones clásicas.

A mediados de los setenta, Cale se encontró en la cima de su creatividad lanzando tres grandes álbumes –Fear, Slow Dazzle y Helen of Troy– que vendrían a definir el rango de su visión musical donde el hilo común fue la estética de una atmósfera general oscura y melancólica, lo que sugería una psique más inestable.

1: CALE Y EDDIE SEDWICK (ADAM RITCHIE) 2: CALE EN CBGB (HUGH BROWN) 40 . F I L T E R

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4

Concluyó los años setenta con la grabación del agresivo y polémico Sabotage/Live en el templo del punk de Nueva York: CBGB’s. Pero a pesar de una generación de New Wave y bandas góticas que claramente obstaculizaban la carrera de Cale, pasó la mayor parte de los años ochenta en gira por Europa y lanzando discos sólidos pero no espectaculares como solista. También, en un extraño giro, produjo el primer álbum de los Happy Mondays que tuvo un brillante e inesperado debut.

La muerte de Andy Warhol en 1987 juntó a Cale y Reed por primera vez en muchos años. Lo que siguió fue tan inimaginable como inevitable. Cale recuerda: “Murió Andy y hubo una reunión después de la ceremonia en San Patricio. Julian Schnabel y yo estábamos hablando sobre hacer un réquiem en su honor. Lou también estaba allí, y no habíamos hablado en años. Me estremeció que la gente estuviera más interesada en ver a Lou y a mí juntos en el escenario”.

El resultado fue Songs For Drella (un apodo de Warhol que surge de la combinación de “Drácula” y “Cenicienta”), un elogio de amor con fascinantes presentaciones en vivo para acompañar el álbum. Cale y Reed pronto se separaron de nuevo, pero los rumores de una reunión de The Velvet Underground surgieron en el velorio. La agrupación, en efecto, se reunió en 1992.

Cale seriamente reflexiona: “No creo que fuera realmente un éxito desde el punto de vista de The Velvet Underground. Creo que pudimos haber ido y hecho lo que quisiéramos. Nos quedamos atrapados haciendo las cosas que sabíamos, y quizás habría sido mejor reemplazar esos conocimientos con nuevas técnicas. Pero Lou dejó en claro que él no estaba interesado en hacer eso”.

La carrera de Cale desde entonces ha sido tan variada e implacable como uno podría esperar de un genio inquieto. Produjo el último álbum de Siouxsie and the Banshees en 1995, ha colaborado con artistas como Bob Neuwirth, Zazou Hector, Patti Smith y James Murphy de LCD Soundsystem (hizo el cóver a la canción “All My Friends” como el lado B), musicalizó varias películas francesas y dio a conocer un par de excelentes álbumes en solitario: HoboSapiens y blackAcetate.

En el 2011 lanzó el moderno e impecable EP Extra Playful, que fascina por su funk por aquí, gótico por allá y con tintes de sonidos experimentales cargado de perfectos ganchos pop con canciones como “Catastrofuk” y “Hey Ray”, que podrían estar cómodamente al lado de cualquier hit hipster actual.

Cale también está trabajando en un álbum que saldrá a finales del 2012. Además, habla de Black Lips, James Blake y Panda Bear cuando se le pregunta acerca de regresar a la silla del productor. Es el implacable ritmo de su inexorable carrera que impide precisamente ese regreso: “Después de una gira mundial, ir al estudio con alguien desconocido me deja pensando que los 15 minutos de fama de Andy ahora se reducen a tres segundos”.

3: CALE Y BRIAN ENO, WORDS FOR THE DYING, 1989 4: CALE Y LOU REED, SONGS FOR DRELLA, 1990 (ARCHIVO DE CALE)

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Para ver el resto de los lugares en donde nos encontrarás visita: www.filtermexico.com

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REVIEWS

MIIKE SNOW Happy To You Rino

86%

Mientras que su debut homónimo sonaba como el pequeño proyecto de un gran equipo de producción pop, su más reciente lanzamiento es una extraña y nueva forma de triunfo. Es sorprendente que en la primera canción (“Enter the joker’s lair”) haya surgido de la misma banda por sus bellos y relajantes efectos de sintetizador acuático muy del estilo de Vampire Weekend. A pesar de esto, el aura del disco no da señales de aburrimiento o plagio, sino de confort y confianza, los cuales brillan a través de las canciones.

Así como su debut, las habilidades de producción y maestría musical están a tope.

La producción suena tan rica que no es de sorprenderse que dos miembros de este trío hayan creado una de las gemas más sucias y a la vez brillantes de la diadema pop con “Toxic” de Britney Spears. Esta cualidad surge con la canción “Devil’s work”, con deliciosos tonos bajos que contrarrestan las brillantes notas de alto registro con trompetas admirables y de buen gusto. Las canciones, en particular ésta, se mueven de una forma fluida y energética que es difícil de ignorar.

“Paddling out”, canción con la que cierra el álbum, es una especie de último “¡viva!” en donde celebran su próxima aventura, o quizás sólo sea el baile que aparece cuando salen los créditos. Después, tanto la canción como el disco, terminan con un mudo tartamudeo y la extraña sensación como si despertaras de un sueño.

El sonido comercial que Miike Snow adquirió en el debut parece haber desaparecido, pero más bien fue sustituido por el deseo de experimentar como lo hicieron alguna vez George Michael y Paul Simon, sin negar las influencias actuales de Joker, Zomby o Flying Lotus.

Ciertamente la experimentación aural y libertad de bandas populares como Animal Collective han marcado este milenio, y bandas como Miike Snow pueden en estos momentos cosechar esos frutos al dejar que su creatividad florezca al montar una ola que nunca pareciera romperse.

Hay algo desconocido sobre estas canciones que seguramente algo pasó entre el debut y este disco.

De hecho Pontus Winnberg, una de las mentes de este proyecto, dijo que “antes de este disco la banda era sólo una idea. Es el tiempo de que ahora seamos una banda”. Esto es evidente en cada escucha de Happy To You, el cual está empapado de nueva coherencia, grandiosidad y ambición que ensombrece su álbum debut. Seguramente se inspiraron en el concepto de crear el soundtrack de “el nacimiento de un nuevo mundo” en un año especialmente dedicado a las profecías mayas. Al escuchar este disco, uno está forzado a reflexionar sobre las posibilidades que vengan a continuación.

LOREN AUDA POIN 43 . F I L T E R

REVIEWS

DE CARICATURA

¿Cómo se podría comparar el clima actual de la música con los chicos frígidos del ayer? Desde las caricaturas del sábado por la mañana hasta Los Simpsons medimos algunos de los actos animados que han dejado una marca musical –desde las más banales hasta los inolvidables clásicos.

100%

Los Borbotones Bigger Than Jesus (c. 1986)

91%

The Crescendolls (Daft Punk) Interstella 5555: The 5tory of the 5ecret 5tar 5ystem / (2003)

87%

The BEATLES

Yellow Submarine (1969)

85%

Gorillaz

Demon Days (2005)

82%

Dethklok

The Dethalbum (2007)

73%

Josie and The Pussycats Josie and The Pussycats (1970)

Nein%

Jem and the Holograms Onkel Ben Berichtet Aus Amerika (1970)

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REVIEWS

AIR Le Voyage Dans La Lune EMI 91%

SLEIGH BELLS Reign of Terror Sony Music 87%

Air apareció justo en el momento en que la sociedad y el tiempo los necesitaba: su sexy y despreocupada personalidad internacional encajó perfecto en una generación que degusta cocteles sofisticados en un impecable y lustro mobiliario. Ahora, para contextualizarse en 2012, es difícil entender por qué abandonan el presente por la Bella Época al repasar la clásica película francesa como motivación para su fascinante nuevo proyecto.

El Viaje a la Luna es una película silente en blanco y negro de 14 minutos de duración. La creación de Georges Méliès es considerada como una obra maestra de los orígenes de la ciencia ficción, inspirada en los textos de Julio Verne y H.G. Wells. Se acercaron a Air para crear la música de la película para que la proyectaran en el Festival Cannes en 2011.

Tal fue la responsabilidad que decidieron expandirlo a un álbum entero.

Fue así como Nicolas Godin y Jean-Benoît Dunckel hicieron un viaje a la luna –aunque técnicamente lo habían hecho en su debut Moon Safari– y generosamente nos invitaron al recorrido. Curiosamente, las restricciones de hacer un soundtrack resultaron en un trabajo más variado y libre. Un poco de “John Barry conoce a Pink Floyd” abre el viaje, seguido de “Seven stars”, algo así como un pop soñador entonado por la invitada Victoria Legrand de Beach House. (Algo parecido sucede con “Who am I now” que cuenta con el talento vocal de Au Revoir Simone).

A partir de aquí, El Viaje es tan emocionante y lleno de sorpresas como un viaje al centro de la Tierra podría ofrecer. “Sonic armada” es una canción instrumental extraña y progresiva; “Decollage” es un giro romántico al estilo de las piezas de Chopin en piano, luego se introduce a “Cosmic trip” con una visión futurística y ambiental que se tenía en los sesenta.

En cierta forma, encaja a la perfección que los messieurs de Versalles, hogar del Rey Sol y de los sueños más pomposos, se encontrarán de nuevo viajando a la Luna – un viaje sólo para los más ridículos soñadores. KEN SCRUDATO

Los buenos siempre son difíciles de tener. Gracias a la gran seguridad que rodeó las copias del nuevo disco de Sleigh Bells, la prensa tuvo acceso a escuchar el disco únicamente en la oficina de su publicista; el resultado de reseñar el disco después de sólo una escuchada es encontrarme sufriendo de abstenerme de dar opinión. Su debut Treats tuvo grandes críticas y éxito comercial (bueno, “grandes” para los sicóticos amantes del metal-conoce al-pop) por lo que dormirse en sus laureles hubiera dado una buena escuchada. Decir que han subido un escalón con Reign Of Terror es quedarse corto, ya que el disco es magnífico.

Es ruidoso y emocionante porque lleva el sello del dúo a una mezcla de metal de los ochenta con grupos de chicas de los cincuenta y rock para arenas de los setenta llevado a una saturación ruidosa.

Los grandes discos normalmente tienen buenas aperturas (“Welcome to the jungle,” “Rock ’n’ Roll star,” et al.) y al primer minuto que arranca el disco sale lo mejor de ellos. “True shred guitar” es como sonaría la multitud de un festival en 1979 en donde los aplausos y coros musicalizan a la banda llegando al escenario; una batería –mejor que cualquiera que Def Leppard pudo haber hecho– da paso a los monstruosos riffs de Derek Miller mientras Alexis Krauss llega al centro del escenario mostrando la evolución vocal que ha tenido.

Combinando todo esto con la lírica oscura –las palabras y frases más usadas son “muerte”, “infierno”, “sangre”, “lárgate”, “perdido”, “demonios”, “adiós”, “espantoso”, “vivo o muerto” y “fin”– marca los 36 minutos de Reign Of Terror como un rock and roll brillante y probablemente un clásico moderno instantáneo. ADAM POLLOCK

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REVIEWS

GRIMES Visions Secretly Canadian 84%

PORCELAIN RAFT Strange Weekend 4AD 86%

ANDREW BIRD Break It Yourself Mom + Pop 90%

TENNIS Young & Old Fat Possum 84%

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En una reciente entrevista, Claire Boucher de Grimes citaba que los sampleos creados por Panda Bear fueron los que cambiaron radicalmente su forma de estructurar y hacer música, los cuales la artista los ha definido como “post-internet”. Es curiosa esta afirmación considerando que Animal Collective tuvo que haber dominado la música avant-garde desde hace una década. Aun así tenemos el ácido corrosivo de Boucher mientras esquía en montañas sangradas de Montreal inspirada en el K-pop, Janet Jackson así como Outkast y Aphex Twin. ¿Una mezcla curiosa? Sin duda. Aún así no podemos negar que tracks como “Genesis” y “Oblivion” son joyas genuinas del pop actual. Las visiones se rehúsan a descansar en sus laureles al rebotar en cavernas cristalinas en canciones como “Vowels = space and time” para adentrarse en valles digitales en “Skin”. A pesar de ser muy viajado y loco, ¿podrá Grimes tener éxito? 98¾ por ciento seguros de que lo hará. KYLE MacKINNEL Después de gastar más de 20 años archivando sus tendencias musicales experimentales, Mauro Remiddi parece haber encontrado exitosamente su nicho bajo el disfraz de Porcelain Raft. Luego de varios lanzamientos independientes y un EP, el cantautor de origen italiano ha cultivado un muy buen álbum debut, el cual está lleno de un bello y mareador pop de recámara. Grabado en más de dos meses en un sótano de Brooklyn, el disco sangra en loops etéreos con melodías submarinas con efectos flotantes, los cuales establecen un efecto de conciencia suspendida como si el paciente en un hospital luchara desesperadamente para salir de un coma. Así como hay una sensación de confort al arrullarte, también hay cierta inquietud y un sentimiento de escape. Mientras algunos encuentran las atmósferas espaciales algo delicadas (como en “Unless you speak from your heart”), Remiddi es capaz de llevarte por viajes sicodélicos y aún más lejos.

MIKE HILLEARY Esta última producción supera las dos expectativas que cualquiera de sus discos debe tener: es muy él (violines, silbidos, su voz conmovedora y su locución muy atenta) y tampoco suena a algo que haya hecho antes. La producción está casi desnuda comparada con sus últimos dos álbumes, reflejando el proceso de grabación de la banda en vivo en una consola de ocho canales. Aparte de que se siente que la banda se divierte improvisando, este disco es el más cohesivo que ha hecho; hay una perfecta colocación de pequeñas y cortas pistas a lo largo de las canciones que retroceden, fluyen, construyen y se sueltan de la forma más adecuada. En una primera escucha se nota una consistencia temática –agua y muerte– pero el disco no es macabro ni nostálgico. De hecho es alegre y es ahí – exactamente– en donde radica su belleza. JEFFREY BROWN

Cape Dory, el álbum debut del trío conformado por dos esposos y un baterista, fue aclamado como una ráfaga de verano en medio del invierno. Narraba un viaje en barco a través de la costa Oeste que pudo haberse titulado “Smiley Happy Hipsters Holding Hands”. Su siguiente producción, Young & Old, no sufre ese destino gracias a su poderosa producción marcada por Patrick Carney, baterista de The Black Keys. Él permitió a la banda conservar su dulzura innata mientras su destreza revestía su brillante sonido. Traen una percusión pesada en canciones como “My better self”, las cuales permiten que la delicada voz de Alaina Moore te arrulle. Pequeños detalles como el órgano en “Traveling” llevan a este disco de ser “divertido pero igual” a algo que “debes escuchar”. ERIN HALL

I CAN CHASE DRAGONS! Expansión Independiente 84%

ANDREA BALENCY TRIO Lover EP Independiente 84%

TECHNICOLOR FABRICS Ideas Independiente 78%

Este proyecto es encabezado por Julio Gudiño, vocalista de The Plastics Revolution. Al escucharlo inmediatamente nos vienen a la cabeza grupos como El Guincho, Panda Bear (Animal Collective) y Helado Negro, o la parte experimental de Los Amparitos o Grimes, mostrando una faceta más electrónica de la banda que lo vio nacer. Afortunadamente esta banda dio ese pequeño pero necesario paso al ser tocada en algunas estaciones de radio gracias a la canción “Cuantas caras”. Otras canciones altamente recomendables de este EP son “O’Donojú”, “Escoge tu animal” y “Republique”. Este disco da un muy buen twist a lo que la escena independiente mexicana está ofreciendo.

ANDRÉS DÍAZ

El suplicio de la melancolía y la mala experiencia que por momentos pueda significar vivir, termina por desvanecerse al escuchar la exquisita voz de Andrea Balency, quien está logrando el reconocimiento como una de las mejores propuestas en la escena. Con este segundo EP, la belleza de la música y los detalles de composición permiten entender más la trascendencia de este proyecto. El piano, los ligeros acompañamientos de la batería, algunos arreglos de cuerdas y la vocalización, crean atmósferas surrealistas que explotan en hilos de belleza al final del camino. Resaltan “El Desorden”, “Lover”, así como el lado B “Mout”, el gran remix de Dapuntobeat a la ya conocida “Peteprê” y el cóver a “Lycra Mistral” original de El Guincho. MILTON BARBOZA

Otra de las gratas sorpresas que nos hemos encontrado en Guadalajara es esta agrupación, quien luego de su primer álbum y algunos EP’s llega con toda la experiencia necesaria para darnos una buena segunda producción, la cual estuvo supervisada por Castillo de Jumbo. Desde el primer track “Nunca nada” se nota un entusiasmo por hacer las cosas diferentes, ya que ahora decidieron cantar en español para llegarle a más personas, y vaya que lo lograrán si saben moverse por su bien elaborado rock suave. ‘Fénix’, sencillo del disco, recuerda un poco a Siddhartha (quien ya trabajó con ellos anteriormente). A pesar de que en momentos recorren los mismos caminos, Technicolor Fabrics se perfila para ser una propuesta que sin problemas puede llegar a terrenos más comerciales.

ANDRÉS DÍAZ

No todo el rock que sale de Argentina es Babasónicos, bueno, aunque en este caso dos de sus integrantes (Diego Tuñón y Diego Uma) estuvieron a cargo de la producción del tercer álbum de una de las mejores propuestas de este país.

Banda de Turistas se dio la tarea de hacer un disco que reflejara toda la experiencia que han adquirido al tocar en vivo durante su gira pasada. Ya tiene una buena gama de rock y electrónico (“Arriba del Tigre”) en donde a veces conviven a la perfección (“Cada Día”). Canciones como “Amigos” pintan para BANDA DE TURISTAS ser de las que te aprenderás de memoria y cantarás cuando estés de buenas.

Ya Sony Music/Pop Art ANDRÉS DÍAZ 72%

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ENDNOTE

Hace poco menos de un año cuando Emir Kusturica vino a tocar a México, Sonido Gallo Negro tuvo la suerte de tocar en la fiesta después de su show, motivo por el cual conocieron a la banda. Meses más tarde nos llegó la invitación formal para participar en el Festival de Küstendorf, el cual es un festival de cine y música que organiza Kusturica anualmente en una villa en los Balcanes de Serbia.

El cartel lo realicé con motivo de la primera gira de Sonido Gallo Negro por Europa. Fue una experiencia realmente nueva para mí ya que también se trataba de mi primera gira como parte de una banda.

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