Future Magazine - Nº 16

Febrero 2016 - Número 16

Dark Chocolat, negros de piel blanca Nacho Vegas contra la banca mundial Big Mountain, los que nunca se fueron

Los Glosters Palabra de yeyés

Entrevistamos al grupo y presentamos su último EP Cancer Moon, adelantados a su tiempo Algo más que música: Lio, dulce amor solitario La Calle 46: el pop modernista de The Housemartins Lola ¡A Toda Fusión!: David Bowie, reacciones post-mortem Noticias discos cine conciertos modelos libros reportajes

STAFF Edita Future Management C/ Archiduque Carlos, 119-20 46014 Valencia (España) C.I.F. B-98084486 Teléfono: 655 900 232 info.futuremagazine@gmail.com

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su ma rio

noticias nacionales

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noticias internacionales

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Entrevista: los glosters

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discos nacionales 24 ¿te acuerdas? nacional

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lola ¡atf!: bowie test 29 hasta luego, david 35

discos internacionales 38 ¿te acuerdas? internacional

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loladas: santoral 40

reportaje: cancer moon 41 algo más que música 45 copy-paste 47 entrevista: dark chocolat 49 solidarity 53 entrevista: big mountain 55 los discos Ð commandant dj 59

la calle 46: the housemartins 62 libros 68 regreso al cine 69 de entre los muertos 70 de concierto 72 el agente bowie vuelve a casa 73 nacho vegas vs. banca mundial 75 no es lo que parece 76 yo estuve allí 77 de mayor quiero ser… 80 el rincón del loco 82 la mirada de chuck 84 la imagen vista por chelo pons 85 ángeles y demonios 87

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ilegales

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legales han anunciado una nueva gira de conciertos para 2016, donde trasladarán a algunas de las principales salas de conciertos españolas su nuevo formato, que ha tenido una excelente acogida en festivales veraniegos del pasado año. En esta nueva gira, el Tour La Vida Es Fuego, Ilegales recorrerá España en la primavera de 2016 mostrando un repertorio extendido, donde no faltarán clásicos y grandes éxitos junto con algunos temas de su más reciente trabajo de estudio, ‘La Vida Es Fuego’ (La Casa Del Misterio / Pop Up, 2015), publicado en marzo de 2015. A continuación os dejamos con los conciertos de Ilegales en 2016: Sábado, 23 Abril 2016 – MADRID Teatro Barceló.

Apertura: 19.30 horas / Concierto: 20.30 horas. Anticipada: 20€ +gg / Taquilla: 24€ Viernes, 29 Abril 2016 – BARCELONA Sala Apolo Apertura: 20.30 horas / Concierto: 21:30 horas. Anticipada: 18€ +gg / Taquilla: 22€ Sábado, 30 Abril 2016 – CASTELLÓN Sala Opal Apertura: 22.30 horas / Concierto: 23.59 horas. Anticipada: 18€ +gg / Taquilla: 22€ Viernes, 6 Mayo 2016 – SEVILLA Sala Custom Apertura: 21.00 horas / Concierto: 22.00 horas. Anticipada: 18€ +gg / Taquilla: 22€ Sábado, 7 Mayo 2016 – GRANADA Industrial Copera Apertura: 20.30 horas / Concierto: 21.30 horas. Anticipada: 16€ +gg / Taquilla: 20€ Sábado, 14 Mayo 2016 – BILBAO Kafé Antzokia Apertura: 21.30 horas / Concierto: 22.00 horas. Anticipada: 18€ +gg / Taquilla: 22€ Viernes, 20 Mayo 2016 – VITORIA-GASTEIZ Jimmy Jazz Apertura: 21.00 horas / Concierto: 21.30 horas. Anticipada: 18€ +gg / Taquilla: 22€ Sábado, 21 Mayo 2016 – ZARAGOZA Sala Oasis Apertura: 21.00 horas / Concierto: 22.00 horas. Anticipada: 18€ +gg / Taquilla: 22€

sidecars

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ara celebrar sus diez años de carrera, Sidecars han grabado un disco en directo, ‘Contra Las Cuerdas’, que será publicado en CD+DVD el 11 de marzo. “Tras dos meses de ensayos, Sidecars se plantaron en la pista de la madrileña sala But como base para este concierto. Juancho, Gerbass y Ruly, acompañados por sus habituales Matías Sorokin y Martín Laudecina a las guitarras, sumaron a Mauro Mietta a los teclados y a Ramiro Nieto a la percusión, para alcanzar el sonido que tenían en mente.

Como director de orquesta volvieron a contar con Nigel Walker a la producción, pieza clave en este disco, que en un productivo trabajo con el grupo han dado vida a estas canciones con nuevos arreglos y dotándolas de un nuevo espíritu”. Dani Martín, M Clan, Iván Ferreiro, Leiva y César Pop fueron los invitados”, dice la nota de prensa.

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a banda de hard rock Loreley nos confirma su fichaje por la discográfica americana Perris Records, con la cual harán una nueva edición de su reciente álbum ‘Here We Are Again’ (Rock CD Records, 2015), con una nueva portada y un libreto que contendrá 6 páginas. El disco está teniendo una excelente crítica y los medios especializados no están dudando en hacerse eco de ello. Loreley se formaron en Ferney-Voltaire (Francia) en 1982, y desde mediados de la década de los 90 que están afincados en Mislata (Valencia). Sin duda una buena noticia para el rock nacional.

ska-p

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ras poco más de un año desde su último concierto, SKA-P anuncian que publicarán un nuevo CD y DVD en directo grabado en su última actuación en el festival Woodstock Poland, el festival europeo que más público congrego en 2014, con cerca de 500.000 personas, siendo el Festival mas grande de Europa. Lo de Vallecas fueron uno de los platos fuertes del festival y la entrega del público fue total, eligiéndolos, además, como mejor actuación y banda en directo internacional con los votos de los asistentes.

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on esto en mente SKA-P ha decidido editar, tanto en CD como en DVD, esta actuación. Devolviendo, de esta forma, el cariño y la pasión que sus fans les demostraron durante su última gira, compartiendo con ellos este momento único para que todos lo puedan disfrutar. Según nota de prensa: Ayer estuvimos Joxemi y yo (Pulpul) viendo y escuchando el CD-DVD del directo de la banda en el Woodstock 2.014, en Polonia. En Marzo o Abril verá la luz. Queremos hacer la presentación en algún cine. Se podrá escuchar en 5.1, en el cine y en tu casa, claro. Esperamos que os guste tanto como a nosotros. Según se acerque la fecha os daremos más la brasa.

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discos gnomo

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asado en la población de La Eliana (Valencia), Discos Gnomo se ha creado a finales del 2015 para editar discos y cassettes en tiradas limitadas y numeradas, enfocadas principalmente a coleccionistas y seguidores de las bandas Interterror y La Resistencia, pero también para rescatar del baúl de los recuerdos grupos punk, oi y post punk de Valencia de los primeros años 80, así como algún proyecto actual de antiguos componentes de aquellas bandas. Esta 1ª Edición del sello es un homenaje al 32º Aniversario del primer trabajo de Interterror, que ya ha

sido reeditado en ocasiones por el sello Radikal 1977 Records. La citada re-edición se edita por primera vez en picture disc con tirada única de 265 ejemplares, con carpeta específica para este formato en color blanco, 35 unidades con carpeta negra y 10 test pressing con diseño diferente. Díptico a color con las fotos que existen de las sesiones de la grabación del single y el Mlp en Tabalet Estudios en 1982 (fotos hasta ahora inéditas), adhesivo y chapa.

Se puede conseguir en Valencia en las tiendas de discos físicas Discos Harmony y Devil Records, o por email a: discosgnomo@gmail.com

javier ojeda

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ras la publicación del disco ‘Barrio De La Paz Acto 1’, Javier Ojeda se decide a completar el proyecto con la publicación musical de los dos actos restantes, pero con orejas frescas y un nuevo objetivo. Y así, una colección de material propio y ajeno, versiones re-arregladas, incluso re-grabadas, dan nacimiento al cuarto álbum en solitario, ‘Barrio De La Paz Actos 2 & 3’, que por su propia singularidad prescinde en esta ocasión de la preposición “de” en su título final. Muchos colaboradores repiten; las acrobacias pianísticas de Daniel Amat, el bajo sinuoso de Yohany Suárez, las percusiones juguetonas de Bárbaro Pimienta, la batería ajustada de Paco Vílchez y la producción exuberante de Miguel Paredes. Más de 40 músicos invitados, el extraordinario Chucho Valdés, la no menos importante LaMari de Chambao o la bailaora Sara Baras, aquí al taconeo. Pero también están viejos compañeros de los 80 como los vocalistas de La Guardia, La Frontera y 091, junto al resto de componentes de Danza Invisible al completo. Tampoco faltan las nuevas generaciones de músicos malagueños como El Kanka, Irene Lombard o la vocalista de Dry Martina.

Y en los diálogos, ya que se trata de una obra coral, las voces invitadas de Chiquito De La Calzada, Juanma Lara o Salva Reina “Chuky”, entre otros. ‘Barrio De La Paz Actos 2 & 3’ saldrá a la venta el próximo lunes 29 de febrero en las principales plataformas digitales y el viernes 4 de marzo en tiendas.

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fiesta criminal del ¡ruido!

Javier Pérez

26 febrero 2016, 22:30 puertas, 23:00 conciertos 6€ (anticipada) / 8€ (taquilla) Sala Matisse: C/ Ramón De Campoamor 60 (Valencia) ORGANIZAN: -El Club De Amigos Del Crimen -Calafat Producciones

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a Sala Matisse y Calafat Producciones nos pidieron a El Club De Amigos Del Crimen que buscáramos tres bandas con algo en común para montar un mini-Festival a principios de año. Y siendo la Sala Matisse un local donde se puede sonar con todo lujo de decibelios y conocedores como somos del increíble sonido que Paco Morillas sabe sacarle a su equipo, pensamos de forma inmediata que la característica común a eso tres grupos estaría muy bien que fuera la intensidad, la pegada, la contundencia... ¡el ruido! que fueran capaces de desplegar encima del escenario.

Y estas fueron las tres bandas que se apuntaron a nuestra aventura.

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anny Mellow: Cumplen 15 años como banda, y darán la noche del viernes 26 ¡su último concierto! Lo que ocurrirá la Noche Criminal del Ruido será, nunca mejor dicho, irrepetible porque Danny Mellow se despide de los escenarios. Una banda que fue criminal desde sus inicios: la canción ‘Dagobah System’ (incluida en ‘Super Danny Bros’ released March 2, 2007) fue incluida en nuestro primer recopilatorio ‘Radio On – 2006’ y ha sido uno de los temas que más veces ha sonado en nuestra programación musical. Nos invade una profunda tristeza saber que ponen punto final a su carrera pero nos llena de emoción que lo hagan en un concierto criminal.

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os Brackets: Banda gamberra, divertida y ruidosa donde las haya, amigos del programa, tienen disco aún calentito (‘A Propulsión’, released June 10, 2015) y van a tocarlo en nuestra fiesta. Participaron también en uno de nuestros discos recopilatorios: ‘Recopilación El Club De Amigos Del Crimen – 2010’ con ‘Te Invito A Un CinExin’, canción incluida en ‘Bracketsmania’ (released March 21, 2010). Tienen uno de los directos más trepidantes e intensos de la ciudad y los queremos (y no solo por sus gafas de pasta).

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estarosa: Desde Xátiva y La Costera, llega la banda capitaneada por Álvaro Sancristobal.

Como banda, es la más joven de las tres, pero sus miembros acumulan horas de vuelo suficientes como para codearse con las más veteranas: Álvaro (guitarra y voz) creó Farmerbirdie y ha tocado en Sancristobal y en You Not Me, banda esta última tan enorme como fugaz; Alex (bajo) toca en los encumbrados por la crítica especializada Siberian Wolves y Gerard (batería), en The Soda Club. Últimamente les acompaña Toni, de la banda Copo al sintetizador. Tienen un Ep publicado (‘LaMarina’, released January 5, 2015) han sido convocados para la “Gran Final Movistar Vinilo Valencia 7.0” y están ultimando los detalles del que será su próximo y segundo Ep.

fiesta criminal 2016 Javier Pérez

Rafael Berrio (Trío) en dELUXE Banda invitada: La Gran Esperanza Blanca, en acústico Sábado, 6 de febrero de 2016 22:30 puertas, 23:00 artista invitado, 23:30 Rafael Berrio (Trío) dELUXE Pop Club (Poeta Mas y Ros 42, Valencia)

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afael Berrio se cruzó en el camino de El Club De Amigos Del Crimen cuando, al frente de Deriva, fichó con Criminal Records. Por aquel entonces, programa de radio y sello discográfico tenían un mismo director: Álvaro García Vidal, y quien esto firma era tan solo un colaborador del programa. Que Álvaro se interesara por un donostiarra para editar su disco ‘Planes De Fuga’ (Criminal Records se nutría principal, aunque no exclusivamente de bandas locales), solo podía significar una cosa: que el tal Berrio era alguien excepcional.

aparecía Valencia en el listado de plazas por las que pensaba pasar a presentarlo, nos pareció tan tremendamente injusto que iniciamos los trámites para traerlo nosotros. Le presentamos nuestras humildes condiciones y aceptó. Empezaba la cuenta atrás.

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afael Berrio presentará en Valencia, en la Sala dELUXE Pop Club su disco ‘Paradoja’ el próximo día 6 de febrero, en formato trío. Le acompañarán sobre el escenario Joseba B. Lenoir y Fernando Lutxo Neira (guitarra y bajo).

Cisco Fran (amigo y fan de Berrio, también desde los tiempos de Criminal Records) junto a La Gran Esperanza Blanca en formato acústico, serán los encargados de abrir la noche con las canciones de su último largo ‘Tren Fantasma’. e pondrán a la venta tan solo 60 entradas de las cuales 50 están ya a la venta en la misma sala y se reservan solo 10 para la venta en taquilla el mismo día del concierto. Existe también la posibilidad de encargar un ejemplar del disco e incluso de cenar a puerta cerrada con Rafael Berrio y su banda, justo antes del concierto (véanse condiciones completas en http:// clubamigoscrimen.blogspot.com.es/2015/12/ rafael-berrio-fiesta-criminal.html).

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ace ya quince años de todo esto. No hemos dejado de seguirle el rastro y, desde luego, no ha variado un ápice la consideración que de él tenemos. Y me paso al plural porque somos tres los culpables de que Rafael Berrio visite Valencia: El Club de Amigos del Crimen, claro, pero también el programa “el Barrejat” (Radio Klara) y la promotora PitaSound Prom capitaneada por María Carbonell. Cuando nos enteramos de que tenía nuevo disco pero que no

obre ‘Paradoja’ han corrido ríos de tinta. Ha aparecido en infinidad de listas donde se recoge lo mejor de 2015 (baste decir que la revista Ruta 66 lo ha elegido como “mejor disco nacional del año para nuestra redacción”, que es “cuarto mejor disco Nacional para la revista EfeEme”, décimo mejor disco del año para El País (Música inolvidable del año 2015) y que aparece como número uno en blogs musicales especializados como exileshmagazine.com, makma.net, blogs: lavozdegalicia.es, rockmorebyaddisondewitt.blogspot.com.es, woodyjagger.com, etc.).

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otis clay

paul kantner

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tis Clay, un cantante de Mississippi que se convirtió en todo un referente de la escena de soul, blues y gospel en Chicago entre los años 60 y los 80, murió el pasado viernes 8 de enero a los 73 años, confirmó su representante. Clay falleció “inesperadamente de un ataque al corazón”, según precisó la compañía representante del artista, llamada Heart & Soul, en la página web oficial del mismo cantante. Miembro del salón de la fama del blues de Chicago, Clay se formó en el gospel para después interesarse por el rhythm & blues con el que consiguió éxitos como ‘That’s How It Is’, entre otros muchos.

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aul Kantner, fundador de Jefferson Airplane, murió el jueves 28 de enero en su San Francisco natal, tras sufrir un infarto semanas antes. Kantner, de 74 años, surfeó sobre la ola psicodélica, antes de reinventarse, a mediados de los setenta, al frente de una banda más convencional, Jefferson Starship. Para los que buscan continuidad en la epopeya del rock: el 29 de agosto de 1966, los Beatles dieron su último concierto oficial en un estadio de San Francisco. Nadie se lo imaginaba, pero entre su público estaban muchos de los protagonistas de la siguiente revolución musical: el rock psicodélico. Eran chavales como Paul Lorin Kantner, hijos de la clase media que habían pasado por la fiebre del folk antes de descubrir los instrumentos eléctricos con, precisamente, el impacto de los Beatles.

Jefferson Airplane, el grupo fundado con Kantner con el vocalista Marty Balin, sería el primer gran fenómeno del rock de San Francisco: puso banda sonora al Verano Del Amor con ‘Somebody To Love’ y el himno al ácido ‘White Rabbit’, ambas editadas en 1967. De la relevancia del grupo da testimonio el hecho de que tocara en los tres festivales clave de la época: Monterey, Woodstock, Altamont.

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l pasado 19 de enero falleció Dale Griffin, baterista de Mott The Hoople, banda impulsora del glam rock en el Reino Unido a finales de la década de 1960 y principios de la siguiente. Aunque Griffin trabajó la mayor parte de su vida como productor del show de John Peel en la BBC, su legado y el de Mott The Hoople es incuestionable, asunto que se debe en gran parte a una sola canción, a tres minutos y medio de eternidad. En 1972, Mott The Hoople era una banda de culto. Había publicado cuatro álbumes de estudio y había logrado alcanzar la parte baja de las listas de éxito del Reino Unido en alguna ocasión. Empezaban a circular sin embargo rumores sobre su separación. Preocupado, inquieto, uno de sus fans decidió entonces intervenir y lubricar la relación entre la banda y su destino. Les regaló una canción, un tema que pensaba incluir en uno de sus primeros discos,

una colección de canciones que hoy, casi medio siglo después, siguen tarareándose –y sonando en los bares e inspirando a nuevos artistas. El fan no era otro que David Bowie, el regalo –la canción–, ‘All The Young Dudes’ y el disco en que debía figurar y no lo hizo, ‘The Rise And Fall Of Ziggy Stardust’.

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a están a la venta las reediciones de ‘Discovery’, ‘The Killing Fields’ y el disco ‘The 1984 Suite’ de Mike Oldfield. “‘Discovery’ fue el noveno álbum de estudio de Mike Oldfield y fue grabado en Los Alpes suizos a ‘2000 metros de altura con la vista del Lago de Ginebra en los días claros’. Tras el éxito del año anterior con ‘Crises’, fue coproducido por Oldfield junto al baterista Simon Phillips y contó con la impresionantes voces de Maggie Reilly y Barry Palmer. El álbum contiene dos de sus temas favoritos ‘To France’ y el instrumental de más de 10 minutos ‘The Lak’. Remasterizado nuevamente para 2016, el álbum también incluye B-sides, versiones extendidas e instrumentales. “El Cd Deluxe Edition contiene la recién creada ‘1984 Suite’ tanto en el segundo Cd como en el DVD adicional. Esta obra contiene material compuesto en ese año para ‘Discovery’ y ‘The Killing Fields’ y un par de sorpresas – la cara b de ‘Afghan” que se convirtió en ‘The Royal Mile’ y la canción original ‘Poison Arrows’ que muta a ‘Zombies’-. El pack se redondea con un DVD con mezcla 5.1 DTS y Dolby 96/24, así como los tres videos de la época, ‘To France’, ‘Tricks Of The Light’ y ‘Etude’. Esta edición Deluxe contiene un libreto de 16 páginas folleto que incluye una nueva entrevista con Oldfield. Su segunda obra del año 1984 fue ‘The Killing Fields’, la banda sonora de la multipremiada película de Roland Joffe. Fue nominada para un British Academy Film Award y un Globo de Oro y cuenta con las contribuciones de la Orquesta de la Bavarian State Opera y el Coro Tolzer Boys. Entre las 17 canciones sobresale el relajante y peculiar ‘Etude’, basado en una pieza de guitarra de Francisco Tárrega, adaptado por Oldfield. El álbum remasterizado contiene dos bonus tracks, la edición edit de ‘Etude’ para el single y ‘Evacuation’ y un folleto de 12 páginas que también incluye una nueva entrevista con Oldfield. ‘Discovery’ y ‘The Killing Fields’ estarán también disponibles en Vinilo de 180 grs y con tarjeta de descarga. El segundo Cd de la edición Deluxe de ‘Discovery’, ‘1984 Suite’ se editara en vinilo con artes del diseñador Rupert Lloyd de Diablo Pixels”, se lee en la nota de prensa.

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os fanáticos de Kraftwerk tienen motivos para estar contentos. El grupo alemán liderado por Ralf Hütter acaba de confirmar un total de ocho actuaciones seguidas en el Museo Guggenheim de Bilbao. Cada una de ellas, enmarcada dentro del ciclo “Kraftwerk 3-D – The Catalogue 1 2 3 4 5 6 7 8” revisará algunas de las ocho obras maestras editadas por la formación.

Estas serán ‘Autobahn’, ‘Radio-Activity’, ‘Trans Europe Express’, ‘The Man-Machine’, ‘Computer World’, ‘Techno Pop’, ‘The Mix’ y Tour De France’. Todos ellos editados entre 1974 y 2003. Las entradas para estas imperdibles veladas se pondrán a la venta el 9 de febrero a las 10 de la mañana en Ticketmaster y los puntos de venta habituales.

Saldrán a un precio de 70 euros, gastos de distribución no incluidos. Y probablemente volarán rápido ya que el aforo del recinto está limitada a 800 personas / concierto.

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l cantante francés Michel Delpech, que se hizo enormemente popular en su país en los años 1960-70 antes de caer en una profunda depresión que le mantuvo años alejado de los escenarios, murió el pasado 2 de enero a los 69 años de un cáncer. El anuncio de su fallecimiento, en un hospital de Puteaux, en las afueras de París, donde llevaba ingresado un año, provocó una larga cadena de reacciones del mundo de la cultura, pero también de responsables políticos, empezando por el presidente, François Hollande. Michel Delpech ha muerto sin haber envejecido, destacó Hollande en un comunicado. Sus canciones nos conmovían porque hablaban de nosotros. De nuestras emociones, de nuestros momentos difíciles. Tradujo mejor que nadie los años 70. acido el 26 de enero de 1946 en Courbevoie, una ciudad próxima a París, en una familia modesta, saltó a la fama con apenas 18 años, en particular gracias a su disco ‘Chez Laurette’ en 1965. Luego encadenó el éxito con otros que siguieron como ‘Wight Is Wight’, ‘Pour Un Flirt’ (ambos en 1968), ‘Les Divorcés’ en 1973 (en pleno debate sobre la liberalización del divorcio en Francia, que sería objeto de una ley dos años después), ‘Que Marianne Était Jolie’, ‘Le Chasseur’ (en 1974), ‘Quand J’étais Chanteur’ (1975) o ‘Le Loir Et Cher’ (1977).

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olin Vearncombe, mas conocido como Black, falleció el pasado 26 de enero a los 53 años, según un comunicado publicado en su página oficial de Facebook. El cantante se encontraba hospitalizado en estado crítico dos semanas atrás de su fallecimiento a raíz de un accidente de tráfico cerca del aeropuerto de Cork, en Irlanda.

jimmy bain

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nero continúa arrebatándonos músicos, ya que a finales del mes pasado y los 68 años, Jimmy Bain bajista de las bandas Dio y Rainbow, perdió la vida, noticia de la que nos enteramos luego de que Vivian Campbell, guitarrista de Def Leppard y quien tocó junto a Bain en Dio, confirmara su muerte través de Facebook. “Es con el más pesado de los corazones que debo confirmar la noticia del fallecimiento de nuestro querido amigo y compañero de banda en Last In Line, Jimmy Bain. Fue Jimmy quien me dio mi primera gran oportunidad en la industria de la música, y por eso siempre estaré en deuda con él.” Aunque no se dieron detalles sobre la causa de su muerte, se especula que fue debido a una neumonía con la que Bain llevaba luchando desde hace tiempo. De hecho, apenas hace 18 meses había regresado a la actividad luego de un tiempo alejado de la música, donde se encontraba componiendo y grabando material nuevo, aseguró Campbell. immy Bain nació en Escocia, donde comenzó a tocar en la escena local para después mudarse a Londres, donde fue reclutado por el guitarrista de Deep Purple Ritchie Blackemore, para formar Rainbow, junto a Ronnie James Dio. Durante su carrera, también tocó junto a John Cale, Scorpions y Gary Moore, y en 1981, junto con el vocalista de Rainbow, formaron Dio. Lo último en lo que estaba trabajando fue con Last In Line, banda que formó junto a sus ex compañeros de grupo en Dio. De hecho, estaba agendado que la banda tocara junto a Def Leppard en un tour abordo de un crucero llamado Hysteria, del 21 al 25 de enero, y apenas el 18 de este mes Campell había publicado un video donde aparecía la banda ensayando, sin embargo, no se ha confirmado si Bain se encontraba en dicho crucero al momento de su muerte.

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earncombe era conocido especialmente por su gran éxito de la década de los ochenta, ‘Wonderful Life’, aunque también tenía otros éxitos como ‘Sweetest Smile’ o ‘Everything’s Coming Up Roses’ “Colin Vearncombe. 26/5/196226/1/2016. Jamás caminarás solo”, reza la escueta nota colgada en su perfil de la red social. En un mensaje publicado el pasado 24 de enero, aseguraba que su estado de salud se había deteriorado gravemente.

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os británicos P.I.L. banda liderada por John Lydon, aka Johnny Rotten, estará de visita por España el próximo mes de mayo. Public Image Ltd. darán comienzo de hecho a esta gira en nuestro país, con el inicio en la ciudad de Valencia y visitando además Santander y Madrid. Serán un total de 22 fechas, repartidas entre el continente europeo y el Reino Unido, con las que P.I.L. retoman así su actividad en directo tras un año 2015 en el que lograron varios sold outs, en unos conciertos que han sido considerados por la propia banda como los mejores que han ofrecido en toda su carrera. as fechas de esta gira de Public Image Ltd por nuestro país son las siguientes: Viernes 6 de mayo de 2016: Valencia, Noize Club Sábado 7 de mayo de 2016: Santander, Escenario Santander Domingo 8 de mayo de 2016: Madrid, Joy Eslava

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the offspring

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he Offspring han anunciado que han llegado a un acuerdo con Round Hill Music para venderles los masters de su catálogo de Columbia Records y los derechos de publicación de toda su carrera, lo cual incluye sus discos con Epitaph (‘The Offspring’, ‘Ignition’ y ‘Smash’). La cifra pagada sin duda sirve para que los californianos puedan disfrutar de una buena jubilación: 35 millones de dólares. El frontman Dexter Holland ha declarado a Billboard: Sentimos que tener el supervisor adecuado para nuestro catálogo, tantos los masters como los derechos de publicación, es increíblemente importante para nuestro futuro. Round Hill entiende que seguimos actuando y grabando y que la visibilidad de nuestro pasado es crítica para nuestro futuro.

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El grupo tarraconense presenta su nuevo trabajo discográfico, “Palabras”

Los Glosters

el pop yeyé del último guateque Formados en Tarragona en 1997, lo suyo es la reivindicación de la mejor tradición del pop español arraigado en los 60. Su frescura trasciende de lo meramente musical para vivificar unos textos optimistas, desinhibidos y juveniles. Surgidos de la escena mod catalana el grupo lo integran Ramón Cuenca (voz), Puri Pedrola (bajo), Carlos García (guitarra y coros), Evan Dedes (batería) y Héctor Mir (hammond y coros). El escritor Robert Abella les entrevista para FUTURE MAGAZINE para presentar a nuestros lectores ‘Palabras’, su último Ep de vinilo, editado a finales del pasado año por Clifford Records.

Texto: Robert Abella Querol. Fotos: Sansa La primera impresión que me ha dado la primera escucha de las cuatro canciones del Ep ‘Palabras’ ha sido como de reconocible y personal es vuestro sonido. Creo que vuestras canciones son muy fáciles de identificar como vuestras. Nadie más suena así. Y lo habéis conseguido sin extravagancias ni excentricidades. ¿Sois conscientes de ello?

Lo cierto es que ya nos lo han dicho varias veces, para nosotros es un orgullo que te digan que una

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canción tiene “sonido glosters”. Además no ha sido una cosa intencionada, pero sí, con el paso del tiempo te pasa que, al repasar trabajos anteriores, ves como ha habido una evolución que nos ha llevado al sonido que tenemos ahora. Para nosotros es un gustazo.

Perdonadme el símil futbolístico. Cruyff decía que el mejor fútbol era el más sencillo y básico, pero también era el más difícil de conseguir. ¿Se podría aplicar esta máxima al Pop? Creo que vosotros lo habéis conseguido.

Creemos que sí. Para hacer una buena canción, bajo nuestro punto de vista, no hace falta hacer grandes florituras ni estructuras complejas. Nosotros creemos en una buena base rítmica, una melodía pegadiza, letras directas y sobre todo frescura, lo cual no significa que sea sencillo…

Normalmente cuando estamos en el local las canciones que enseguida te llegan, ya casi salen solas y son las que casi siempre acaban formando parte del repertorio.

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os conocemos desde críos, algo básico para lograr nuestro propio sonido»

Os veo como un claro ejemplo de “quien la sigue la consigue”. Después de veinte años “en la carretera”, como dice una de vuestras canciones, os veo tan en forma, o más, como el primer día que os vi sobre un escenario (por cierto en mi pub, en el Groovy de la Sénia), con una formación sólida, un sonido propio, un productor que sabe extraer lo mejor de vuestro sonido, una discográfica que confía en vosotros y un público fiel. Vayamos por partes. Supongo que el hecho de continuar siendo, básicamente, los mismos miembros de siempre ha resultado vital para conseguir ese sonido inconfundiblemente vuestro.

Efectivamente, pocas son las bandas que siguen con sus miembros desde el principio, y esto ha sido básico para lograr nuestro propio sonido. También nos mantenemos en forma porque aún tenemos la misma ilusión que la del primer día; seguimos teniendo ese gusanillo a la hora de subir a un escenario. Creemos que somos un reflejo de que los sueños se consiguen a base de trabajo esfuerzo e ilusión que teníamos el día que emprendimos hace ya muchos años la aventura de formar una banda de rock’n’roll.

Es así, efectivamente, creemos que es esencial el mantener la formación sólida y estable, todos nos conocemos desde siempre y eso se nota en

el día a día de la banda. En otro símil futbolístico somos como un equipo, cada uno sabe lo que tiene que hacer en los conciertos, conocemos nuestros límites, en general que cada uno tiene su rol dentro del grupo. ¿Qué papel le dais a vuestra amistad en ser un grupo tan personal?

Somos como una familia, nos conocemos de críos y un día cambiamos el balón por unos instrumentos, dejamos de soñar a ser futbolistas a ser una banda de rock. Como en toda familia hay buenos y malos momentos, pero siempre acabamos riendo año a año… Y ahí seguimos, y la familia ha ido creciendo… El seguir siendo amigos tiene un papel fundamental.

Como ya hemos dicho, el tener confianza el uno con el otro, el hablar sin tapujos... Es muy importante. Por ejemplo, podemos quedar un día para ensayar y pasarnos todo el tiempo hablando de nuestras cosas como si estuviésemos en la terraza de un bar y al final sólo tocas dos o tres temas, pero o siempre ¿eh? (se ríen).

«J

uan Zarppa nos entendió perfectamente y se implicó desde el primer día»

Como todos los grupos, empezasteis siendo una interpretación de vuestras influencias. Muchos grupos han evolucionado recurriendo a otras nuevas. A vosotros siempre os he visto evolucionar mejorando lo anterior a base de madurar vuestra música, algo que constatamos en cada disco nuevo que sacáis: mejor instrumentación (en vuestro nuevo Ep creo que la guitarra luce como nunca), letras más punzantes y un ritmo más apropiado a cada canción. ¿La principal influencia que tenéis sois vosotros mismos, sois los miembros del grupo quienes os influenciáis mutuamente?

Bueno hay muchas influencias que convergen hacia el mismo punto, la música que siempre hemos escuchado que es muy variada y básica-

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mente nosotros que ya tenemos una forma propia de trabajar y de elaborar los temas, siempre hemos sido y seguimos siendo fieles a nuestra manera, nos dejamos aconsejar pero no manipular, y lo han intentado… Y desde ya hace unos años trabajamos con Miguel (Se refieren a su productor, Miguel Zanón, propietario de los estudios La Cocina de Juan Zarppa), que ha ayudado mucho a acabar de madurar la banda hasta el punto donde se encuentra ahora mismo, con este nuevo trabajo.

Vuestro sonido en disco sufrió un cambio drástico para bien cuando os pusisteis en manos de Juan Zarppa. ¿Estáis de acuerdo? ¿Vuestra relación es tan duradera porque os entiende o porque os deja hacer?

Totalmente de acuerdo; básicamente creemos que es una relación muy buena, ya que Miguel es un gran tipo y un gran profesional, que desde el primer día entendió a la banda perfectamente, sabiendo en cada momento que era lo me-

Vitola de puro pop Pablo Martínez Vaquero Mi curiosidad por estos yeyés tarraconenses se debió a que su nombre fue la primera referencia que editó Flor y Nata Records, el venerable sello del amigo Ernest Casals, que entre 1982 y 1983 había lanzado algunos de mis vinilos más preciados (Telegrama, Brighton 64, Sprays…) y que en 2005 “resucitó” como disquera precisamente con su primer Ep, ‘Escucha’. El evidente vinculo con la “mod thing” y, especialmente, su regusto vintage al más puro estilo del mejor yeyé ibérico de los años sesenta, me cautivaron. Sí, lo reconozco, soy uno de esos tipos que gracias a ellos enriqueció su vocabulario con un nuevo término que desconocía, “gloster”. ¿A quién se le puede ocurrir llamar a su banda con el nombre de una novísima raza de canario diminuto, lograda por una tal Mrs. Rogerson en

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jor, implicándose mucho con cada proyecto que hemos realizado. Trabajar con él es muy sencillo; da mucha confianza y mucha tranquilidad, y lo hace respetando siempre nuestra forma de hacer las cosas, y eso se acaba reflejando en el estudio y en directo.

Siempre se ha hablado de conceptos como “música pop” o “portavoces generacionales” como si fuesen patrimonio de los adolescentes.

En cambio, vosotros y gran parte de vuestro público demostráis que tomarse las cosas con vitalidad no tiene porqué tener nada qué ver con la juventud. En ‘La Fiesta Terminó’, homenajeando a una persona con la que compartisteis mucho, demostráis cómo es de estrecha la relación con vuestro público de siempre. ¿Os gusta que vuestro público sienta que habláis de ellos? ¿Lo buscáis o simplemente surge?

En muchos de nuestros temas, hablamos de vivencias propias y de la gente que suele rodear a la banda… En parte es un pequeño homenaje

Gloucestershire? ¿Se referirían, quizá, al primer avión de reacción en volar en el Reino Unido? Mi diccionario echaba tanto humo que tuve que enredarme vía protocolos TCP/IP para saciar la (mortal) curiosidad. Y la verdad es que, entre duda y consulta, oyéndolos, acabé creyendo atisbar a impolutos conjuntos músico-vocales como Los Gritos, Los Brincos; siempre añejos como el coñac.

Pero aquellos chavales también tenían “coña” sin tilde que valga, expresada tanto por unas vivificantes músicas como por otros tantos textos desenfados, valiendo las redundancias. Y es que en realidad todo vale para Los Glosters: el beat, el yé-yé carpetovetonizado en yeyé, el pop luminoso… Y todo eso y más sin desdeñar aquello que Fernando Muñiz acuñó un día como spanish bizarro. Obviamente se convirtieron en Flor De Pasión, literal, como no podía ser de otra forma. Si versionaban ‘La Chica Ideal’ no podían fallarme, y si además me habían logrado inquietar con

ese nombre tan desconocido y a la vez tan… pop, supe que no me equivocaría.

Entonces apareció Ricky Gil (otra vez los B-64) y me confirmó la buena nueva: «Són collonuts i molt divertits». Él mismo acabaría haciendo coros, dos años después, en uno de los temas de esa maravilla de álbum que es ‘La Boîte’ (2007), donde también -mira tú- en los créditos de ilustres colaboradores figuraban nombres tan amistosos y respetables como los de Miqui Puig, Alex Cooper, Igu Allnighter, Gabi Alegret (¡de Los Salvajes!) y… el mismísimo Juan De Pablos. Y además de la garantía de tal elenco, estos premeditados domingueros de café, copa y puro tocaban bien. ¿Qué puedo decir de aquella ‘Sha La La, Fin De Semana’? Que aún no entiendo porqué no fue superventas aun siendo un hit en nuestro submundo, igual que Puri, su bajista, fue “chica del mes” en Riot Press.

Ahora toca saborear ‘Palabras’ y tengo miedo… ¿Volveré a recaer en mi droga favorita? Pop puro y sin cortar.

PALABRAS (Clifford-081EP) está publicado por CLIFFORD RECORDS en vinilo de 7”,″ acompañado de un cupón de descarga digital [MP3 320 kbps] el interior.

Puedes conseguirlo por 6 € (más gastos de envío), enviando tus datos al correo electrónico: los5glosters@yahoo.es o a través de: cliffordrecords.es/tienda/clifford-records/los-glosters-palabras/

que hacemos a aquellas personas que a lo largo de los años nos han acompañado con su amistad en uno u otro momento. Siempre hemos sido un grupo que al acabar nuestros conciertos baja y se relaciona con el público que nos ha venido a ver; es algo que nos gusta. Aparte, desde hace muchos años, vamos asistiendo a fiestas y festivales de la escena mod y conociendo gente de todos los rincones de la península.

Y seguimos con fútbol… Este verano la Unión Deportiva Salou os pidió que actualizarais su himno. Supongo que después de haber escuchado vuestro divertido ‘Nàstic De Tarragona’. ¿Sois conscientes del potencial que tenéis en construir estribillos que calan en el subconsciente del oyente?

Pues sí, a raíz de escuchar la canción del Nàstic, Salva (Director del E.F.B.U.D. Salou) nos propuso modernizar el Himno del equipo, y como querían algo que los animara desde el minuto cero le dimos ese toque ‘surfero’ en plan Ramones o los Beach Boys… Para ello tuvimos que jugar respetando la letra de la época. Además hicieron coros los jugadores del equipo de Fútbol Base que, por cierto, se lo pasaron pipa. ¿Podéis avanzarnos alguno de vuestros próximos proyectos u objetivos?

Nuestros próximos proyectos más inmediatos son empezar a rodar nuestro nuevo trabajo ‘Palabras’ y realizar conciertos. Estamos acabando de perfilar el repertorio del directo de este año y ya empezando a componer y trabajar nuevos temas con el objetivo de plasmar en un nuevo trabajo.

Sin prisas pero sin pausas.

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*

PALABRAS por Alex Magicpop S

i tuviera que destacar un solo grupo de nuestra escena estatal con inspiración y actitud “sixties” capaz de reinventarse con suma elegancia y palpable entusiasmo, manteniendo al mismo tiempo un estilo propio altamente reconocible, me decantaría sin lugar a dudas por los tarraconenses Los Glosters. Su nuevo trabajo es un Ep que lleva por nombre ‘Palabras’, título de una de las cuatro canciones originales pensadas y materializadas en la más pura esencia “glosteriana” con detalles y matices nuevos que las convierten en altamente cautivadoras. Los temas fueron aderezados, entre finales de mayo y primeros de junio de 2015, en el ya esencial estudio de La Cocina de Juan Zarppa y sale al mercado discográfico este mismo año, editado por la no menos insustituible discográfica almeriense Clifford Records. Juan Zarppa aporta no solo su destreza técnica en la grabación y mezcla, sino que también suma, una vez más, su habilidad con la guitarra. Por lo que respecta al fascinante artwork obra de Isaac Negrié, quien también repite colaboración y lo hace con una estupenda portada y contraportada en la que impacta el contraste de unas sinuosas flechas de colores sobre el blanco y negro de unas fotos de la banda tomadas por Ray Molinari durante una actuación en la sala Hangar 05 el 21 de febrero de 2015, más la presencia de una singular scooter propiedad del mencionado diseñador.

DE TARRAGONA AL MUNDO

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omo bien sabrás, Los Glosters se crean en la ciudad de Tarragona en 1997, a partir de la disolución de un grupo anterior, Els Pirats. Están formados actualmente por Puri Pedrola (bajo), Evan Dedes (batería y voces), Héctor Mir (órgano y voces), Ramón Cuenca (voz) y Carlos García (guitarra y voces).

Después de algunos conciertos y recopilatorios más un Ep inicial ‘Uh La La’, en 2002 sacan su primer trabajo de título homónimo con Animal Records. La discográfica Flor y Nata edita sus siguientes discos.

El Ep ‘Escucha!’ sale en 2005, año en que inician una fructífera relación musical con los estudios de La Cocina de Juan Zarppa en Tarragona. De allí saldría

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otro Ep titulado ‘Octubre’ a primeros de 2006. El año siguiente, 2007, celebran su primera década con un álbum titulado ‘La Boîte’, que Flor y Nata convierte en un Cd de temas nuevos y selección de grandes éxitos. El año 2008 actuaban en Liverpool dentro del prestigioso festival IPO y en el 2009 presentan ‘Canciones’. A finales de 2011, presentaban un 10” editado por Clifford Records con el título de ‘Discos Olvidados’. Dos años después, la mencionada discográfica almeriense les saca otro Ep con el nombre genérico de ‘Gritos’ (2013).

POP FASCINANTE

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a cara a se abre con ‘Impar’, contando los segundos para empezar a bailar y entrar en acción.

Una bonita melodía, una voz enérgica, un ritmo frenético, guiños “stonianos” un solo de textura ácida, y una secuencia de buen R&B confluyen en el primero de los cortes.

Le sigue ‘Mi Droga Favorita’ con un aire más “rocker” y ochentero mezclado con una melodía pop que te encantará.

Ya en su cara b nos deleitan con ‘Palabras’, sensacional tema inspirado en la estructura creativa y pop de Paul Weller. Otro momento sonoro de potentes guitarras envueltas por ese persuasivo órgano sobre una metódica sección rítmica. De nuevo, la guitarra aporta un pasaje solista cuyo contraste con la línea beat predominante enriquece la canción de forma fascinante.

HOMENAJE A YVETTE

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ierra el Ep ‘La Fiesta Terminó’ y lo hace con una combinación excelente de riffs más una letra en la que se rinde un homenaje a Yvette, una conocida DJ tarraconense. Un tema con referencias a algunos de sus éxitos de su flamante trayectoria que sirve de punto y final a un magnífico Ep a cargo de unos Glosters fieles a su pasado pero, a su vez, muy capaces de crecer aportando nuevas canciones:“palabras” que les convierten en una “droga favorita” para los amantes del buen rock and roll dispuestos a que la fiesta nunca termine.

Los Disparos Cinco Balas Clifford Records, 2015 Vicente Ribas

Segunda y jugosa entrega del cuarteto mod madrileño Los Disparos, de nuevo con cuatro canciones que vienen en formato vinilo (7”) y de la mano, nuevamente, del sello almeriense Clifford Records.

4 pildorazos de power pop ensamblados con brillantes y contundentes riffs de guitarras y contagiosas melodías, por estos chicos, de nada principiantes, y que poco a poco parece que se hacen un hueco entre las bandas del mod revival. Sus ‘Cinco Balas’, tema con el que quieren promocionar el vinilo, recuerda acertadamente a los primeros compases de sus paisanos Mamá, allá por los primerísimos años 80; sin duda un acierto.

Una canción que no deja atrás a los otros tres temas que completan el vinilo, historias cotidianas repletas de new wave: ‘Las Calles De Tu Ciudad’, ‘Quiere Que La Lleve A Bailar’ y ‘Luego Estás Tú’. Quizá, por poner un ligero pero, la portada del vinilo, igualita que su antecesor trabajo únicamente cambiando colores, debería haberse currado un poco más.

Aún así chapeau por este trabajo y Los Disparos. Muy recomendado, seas mod… o no.!!

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Rafa En Su Pecera Basado En Hechos Imaginarios Autoeditado, 2015 José Zamora Linares

El gran guitarrista, cantante y compositor valenciano Rafa Porcar lanzó, a finales de 2015, su segundo Cd, llamado ‘Basado En Hechos Imaginarios’.

Un disco repleto de la ironía y el humor del que el músico hace gala en cada una de sus composiciones para hablarnos, desde su particular punto de vista, sobre la realidad que nos rodea a cada uno de nosotros. Letras que, como siempre, te hacen sonreír por muy crudo que sea el tema tratado en realidad. Rafa cuenta con la colaboración de los músicos de Liberty Balance Band y el disco se ha grabado en los estudios Music Rooms de Xirivella (Valencia), teniendo como técnico de sonido al gran Carlos Ortigosa. 4 temas nuevos que desprenden interés y madurez.

En cuanto a la música que envuelve cada tema, he de decir que, si bien en su anterior Ep, ‘De Wisconsin Al Cielo’ estaba bien elaborado, en esta ocasión, Rafa Porcar ha puesto toda la carne en el asador. El resultado es un disco lleno de blues y rock totalmente recomendado.

muerdo viento sur Kasba Music, 2016 Lola Villajos Roldán

En cinco años ha desvirgado las almas sedientas de metáforas, ha desgarrado con su potencial pasión, corazones, crece y crece un poeta que se está convirtiendo en pandemia.

Ahora nos presenta su tercer trabajo: ‘Viento Sur’ (Kasba Music, 2016), el álbum ha sido grabado y producido junto a Carlos Manzanares en El Tercero Estudios. 11 joyas, 12 si contamos la remezcla que te llevará a saborear a la Chavela Vargas con aspecto de hombre. Os presento al Nuevo Juglar, es de Murcia con un tronío fuera de lo habitual, él tiene la llave de los cantautores del XXI, se llama Paskual Cantero, conocido artísticamente como: Muerdo. Músicos de primer orden: Jordi Mestres, Daniel Tejedor y Samuel Vidal, junto a nuevas incorporaciones como el percusionista argentino Martín Bruhn., Dj Panko… para dar vida a las metáforas del alma del libre poeta desde la canción de autor, a géneros tan diversos como el reggae, el son, el funk, la chacarera, el hip hop o el ska. Muy recomendado.

Julio Rospir De Molinos y Gigantes Gaser Discos, 2016 Geles Piquer

Tras ‘En La Ciudad De Nadie’ llega ‘De Molinos y Gigantes’, el segundo trabajo del madrileño Julio Rospir. Diez nuevos temas de corte intimista y envolvente que desgarran fuerza con el buen hacer de Julio, los cuales evoca una notabilidad principalmente en las letras, siendo éste uno de sus fuertes. Historias cotidianas en pequeños cortes sonoros donde destacaríamos ‘Robinson’, ‘Robarte El Corazón’, ‘Hoy’, ‘Capitán’, ‘Ahora Que Se Puede’ u ‘Horas De Oficina’, todas ellas ejecutadas magistralmente.

Los otros temas del Cd son ‘De Molinos y Gigantes’, ‘Quemando las Horas’, ‘La Pared’ y ‘Lejos’. El disco se ha grabado en los estudios La Casa Del Reloj, en Leganés (Madrid), bajo la producción musical de Carlos Nieto y en donde contemplamos las colaboraciones de Sofía García Muñoz (violonchelo) y David Arcos (batería).

En definitiva, ‘De Molinos y Gigantes’ es un muy buen disco para aquellos amantes de la música de autor, con ciertos matices pop. Recomendado.

Ópera Magna Del Amor y Otros Demonios: Acto II Autoeditado, 2015 José Zamora Linares

Después del fantástico Ep ‘Del Amor y Otros Demonios’, publicado en 2014, los chicos de Ópera Magna vuelven a la carga con la segunda parte de esta inquietante obra. Segunda, por cierto, de la trilogía que tienen previsto deleitarnos.

Son cinco temas, sí. ¡Pero que cinco temas más grandes! Si tienes este disco en las manos, tienes una joya llena de buenísimas composiciones, de esas que consiguen hacerte la boca agua al escuchar heavy metal hecho en Valencia al estilo de la música clásica más influyente. El estilo sinfónico siempre ha sido el sonido por excelencia de los valencianos, pero en esta obra se multiplica esta vertiente. A la espera del tercer acto, te quedas con ganas de que dure solamente 30 minutos, y la espera ansiosa a que llegue el final de su obra con su tercera parte. Producción exquisita hecha en Fireworks Estudios por Enrique Mompó y Fernando Asensi. Sólo puedo decir que si Mozart levantara la cabeza, sería teclista de Ópera Magna.

V.V.A.A. Benicàssim.Pop (Vol 3): Fiber Moments Lemong Songs, 2016 Javier Pérez

El tercer y –todavía– último volumen de la colección de discos temáticos lanzada desde Benicàssim lleva por subtítulo ‘Fiber Moments’ y pone su foco de atención en el festival que puso el nombre de esta localidad castellonense en el calendario internacional de festivales.

(Para los dos anteriores véase Future Magazine #6, marzo 2015, página 19). Repite la excelencia del continente –se presenta en formato cd-libro–, y del contenido, donde doce bandas de la plataforma Benicàssim.Pop han llevado a su terreno doce temas que protagonizaron otros tantos momentos especiales o significativos vividos por periodistas en pasadas ediciones del FIB. Así por ejemplo, Julio Ruiz, de Radio 3, eligió el tema ‘The Ocean’ de Richard Hawley, y fue Junior Mackenzie quien lo ha hecho –magistralmente, añadimos– suyo; Montefuji reinterpretan, a petición de Carlos Pérez De Ziriza (El País) ‘Mi Dios Mentira’ de los ya desaparecidos Manta Ray, y Miss Black Emotion hacen lo propio con el tema que eligió Eduardo Guillot (Rockdelux) de Primal Scream, ‘Jailbird’. Notable.

Santos El Sueño Del Mamut Blind Records, 2015 Rosa Ruiz

Recomendado por grupos de la escena independiente de este país como Sidonie o Izal, no es de extrañar, ya que dos de los componentes, en concreto, Santos Berrocal (cuyo nombre se adjudica la banda) y Fluren, son los productores de gran parte de la “nueva ola” indie nacional como Love Of Lesbian, Supersubmarina o los mencionados anteriormente.

Junto a cuatro músicos más forman una banda que publican éste su segundo álbum. Hay que decir que es un disco que necesita de varias escuchas para llegar a entender, porque tiene un carácter muy personal, íntimo y sensible. Un estilo pop melodioso que se asemeja al género de canción melódica popular de los años 60 y 70, con destacada cualidad vocal, bien orquestada y estructurada con sonidos más actuales, ejemplo de ellos son las canciones ‘En Calma’ o ‘El Castigador’, y alguna canción más, con apoyo más firme de guitarras como ‘Tiempos Extraños’. Cuentan con la colaboración de Quique González para interpretar ‘Ni Héroes Ni Insectos’.

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¿te acuerdas? telegrama chica del metro / jugando sucio flor y nata records, 1982 Paula Marchal Luque

No es frecuente que un grupo, con el paso tan efímero de dos años por el panorama musical y un single editado, continúe siendo catalogado por gran parte de la prensa especializada como una de las bandas de referencia de la escena pop estatal. El grupo (de Badalona) irrumpe en el suburbio musical barcelonés en 1980 claramente influenciado por el revival mod y el power-pop, destacando rápidamente como la banda mod más representativa de la ciudad. En ello tuvo mucho que ver la figura de su manager, Ernest Casals, quien, a tenor de la impasibilidad de las discográficas, acordó con Lluís Segarra Moreno

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(reconocido locutor radiofónico y co-fundador del precursor fanzine Radio Caroline) la creación de uno de los primeros sellos independientes españoles y el primero en Cataluña, Flor y Nata Records, que se inauguró con su 7”.

Eran Berto Rodríguez (voz y bajo), José Belmonte (guitarra solista), Juan Antonio (guitarra rítmica) y Jordi Miró a la batería. A grandes rasgos, la cara a del vinilo, la mítica ‘Chica Del Metro’, transmite la talla de unos Vapors en la composición, la melodía popera de Secret Affair y los intervalos rítmicos propios de The Jam. Y ya de cosecha propia, una perfecta sincronización de guitarras evocadoras de esa rara conjunción entre melodía y energía que tanto se agradece. Y todo sin olvidar la voz versátil de Berto ajustada a cada momento del mensaje narrativo o, la batería dominando redobles precisos y rápidos. La cara b, ‘Jugando Sucio’, no deja de ser otra cara a, destaca por su potente eficacia instrumental capaz de dibujar distintos estados de ánimo acorde con la letra. Un tema agridulce que Telegrama dedicó a “la basca mod de Barcelona”. El diseño de

la portada fue un regalo de Manolo García (entonces en Los Rápidos) y la foto, es de Lidia Delgado, de Ediciones 1. El disco se grabó el 3 de febrero de 1982, de un tirón y tanto la producción como los arreglos, corrieron a cargo del propio grupo. En tiempo récord, agotó dos ediciones sucesivas de 1000 ejemplares. En mayo de ese mismo año se les grabó un ya legendario video-clip de ‘Chica Del Metro’ para el programa de TVE “Pista Libre” (incluído en el Lp ‘Locos Por La Música’, editado con motivo de esa emisión). Un disco y una banda siempre a reivindicar.

1988 AUDIO PROFESIONAL Nº42 BLANCO Y NEGRO Nº3595 DISCO MARKET Nº1 EL GRAN MUSICAL Nº295 EL PEQUEÑO PAIS Nº368 POPULAR 1 Nº183 ROCK DE LUX Nº37 ROCK DE LUX Nº43 VALE Nº446 1989 BOOGIE Nº18 DUNIA Nº18 EL GRAN MUSICAL Nº0 ESPECIAL EL GRAN MUSICAL Nº307 EL GRAN MUSICAL Nº309

EL PAIS SEMANAL Nº646 LECTURAS Nº1949 MAN nº25 POPCORN Nº23 POPULAR 1 Nº118 ESPECIAL POPULAR 1 Nº188 POPULAR 1 Nº189 POPULAR 1 Nº190 POPULAR 1 Nº194 POPULAR 1 Nº197 PRIMERA LINEA Nº45 ROCK DE LUX Nº51 ROCK DE LUX Nº52 ROCK DE LUX Nº58 RPM EXTRA SOUND Nº2 SUPLEMENTO SEMANAL Nº93 TIEMPO Nº389 TOP ROCK Nº1

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Lola: ¡A Toda Fusión!

por Lola Villajos Roldán

BowieTest:

Reacciones post-mortem E

l inesperado fallecimiento del Duque Blanco nos ha dejado desolados. A modo de homenaje póstumo, hemos recabado en exclusiva algunas impresiones sobre la impronta que el artista londinense ha dejado en el panorama de la crítica musical española y en algunos de los músicos que más le veneraban.

Preguntamos: 1 - ¿Qué ha significado en tu vida personal y artística David Bowie?

2 – Innovador, profundidad intelectual, peculiar voz… ¿Qué más adjetivos añadirías?

3 - De todas las facetas de su camaleónica vida artística, ¿cuál te marcó más?

Jesús Ordovás (Periodista y escritor) 1 - Me enganché al Glam Rock cuando vivía en Londres -en los primeros años 70- y escuchaba por la radio a Marc Bolan, Roxy Music y David Bowie. Cuando Bowie emprendió su Odisea Espacial me uní a su tripulación y desde entonces le he acompañado en todas sus viajes. En esa aventura aprendí a vivir y a vestir con más glamour y elegancia.

2 - Su sentido del humor, siempre presente, como se puede ver en sus relaciones con Iggy Pop, Lou Reed o Brian Eno. Su genialidad, inventiva camaleónica, creatividad y personalidad le permitieron vadear temporales y salir airoso de todas las crisis, excepto del cáncer.

3 - Su primera etapa es mi preferida. Aunque en todos sus discos y giras hay canciones memorables.

Carlos Segarra (Líder de Los Rebeldes) 1 - Yo conocí la música de David Bowie en el contexto del Glam Rock. A partir de los 10 años (nací en el 61) me empezaron a gustar grupos como T. Rex, Slade, The Sweet, Suzie Quatro, etc… y compré un par de singles de Bowie de esa época: ‘Rebel Rebel’ y ‘Jean Jeanie’. Más adelante le “redescubrí” gracias a una versión de ‘John I’m Only Dancing’ por un grupo británico de rockabilly llamado de Pole Cats.

2 y 3 - Nunca he sido un gran fan pero siempre he apreciado su música.

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Jaime Urrutia (Ex Gabinete Caligari) 1, 2 y 3 – ‘La Ascensión y Caída De Ziggy Stardust y Las Arañas de Marte’, traducción al castellano del título completo del disco de David Bowie, popularmente conocido como ‘Ziggy Stardust’, debe de ser uno de los discos que más he escuchado en mi vida, de arriba abajo, y uno de mis favoritos de siempre. Lo compré hacia 1979 y vaya si hice una buena inversión (un Lp costaba 400 pesetas en la época, 2,40 euros hoy), pues me causó tanto impacto que no dejé de ponérmelo en el tocadiscos una y otra vez mientras practicaba los acordes de sus canciones con una guitarra, algo que hacía con otros muchos discos que me gustaban especialmente y que me daría mucha soltura para manejarme como guitarrista y compositor. ‘Ziggy Stardust’ es un álbum conceptual, es decir, planificado y concebido con todas sus canciones contribuyendo a un tema general o, como en su caso, a una historia, siendo esta el concepto del disco.

Es algo que empezó a estar de moda a mediados de los años 60 con el aumento de las ventas y la paulatina aceptación de los discos de larga duración, junto a la aparición y uso de las drogas psicodélicas por parte de artistas y grupos, que vieron la posibilidad de explayarse e investigar más profundamente en sus composiciones. Así que el término «álbum conceptual» pasó a estar asociado con la idea de ser un disco más creativo o digno de atención que el resto. Se considera a David Bowie como uno de los artistas más importantes de la historia de la música pop y rock. Cantante y compositor, productor discográfico, arreglista y actor, su poder de innovación ha sido decisivo en la creación musical de autores posteriores y en la modernidad cultural desde hace cuatro décadas, con una extensa obra dotada de una gran profundidad intelectual.

José Manuel Díez (Duende Josele, El Desván Del Duende) 1 - Descubrí a Bowie por el ‘Under Pressure’ de Queen, a mediados de los ochenta. Su voz me impactó desde la primera frase.

2 - Yo el adjetivo que creo que más le podría definir como artista es “Inesperado”. Toda su carrera tuvo una evolución, unos giros, unos procesos sonoros y de imagen inesperados. Nadie sabía cuál sería el nuevo sonido, el nuevo look o el nuevo concepto de Bowie.

3 - Personalmente, es un artista del que me queda mucho más por descubrir y aprender. Y se le echará mucho de menos. Nos enseñó a todos los que nos dedicamos a la música que debemos ser inconformistas y fieles sobre todo a nosotros mismos.

Anita Kuruba (Canteca De Macao) 1 - Conocí a David Bowie como el enigmático Rey de los Gobblins, en Dentro Del Laberinto. Una película que a día de hoy todavía me fascina. Me sé buena parte de los diálogos, jaja. Para mí, la esencia de David Bowie impregna toda la atmósfera y me encanta.

2 - Transgresor, valiente, sensible... artista.

3 - Para mí tiene un valor sobre todo como icono.

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Patricia Godes (Periodista y escritora) 1 - Los adolescentes de los 70 habíamos crecido al calor de las crueles parodias sobre la sociedad española de los tebeos de Bruguera y el futuro se nos aparecía tan aburrido y rastrero como el mundo de don Pío y Doña Benita, con sus pelotas de oficina, su obsesión por las vecinas, los “haigas” y los abriguitos de piel. Un artista como Bowie ofrecía en cambio un mundo de fantasía alternativo a la mediocre sociedad adulta a la que sin remedio nos encaminábamos. Un mundo donde todo era raro, diferente y excitante y donde se vivía a ritmo de una música maravillosa.

2 - Liberado.

3 - Continúo con lo de antes: el Bowie que a mí más me ha interesado es el de sus seis primeros álbumes y creo que lo que hizo que me gustase y siga encontrándole diferente y único es la frescura, valentía y descaro con que dejaba fluir su lado femenino. Me parece además que sigue siendo muy feminista el hecho de que tuviera tanto éxito un cantante, un músico como Bowie entonces que alardea sin complejo de sus gestos y maneras femeninos y que lleva vestidos y maquillajes de mujer.

Fernando Martín (Periodista y músico, Ex Desperados)

Sara Íñiguez (Líder de Rubia) 1 - Teniendo en cuenta que nací en el 73, mi vida ha estado siempre, como la de cualquier adolescente occidental,

1 - Para mi Bowie fue un punto de inflexión desde lo

marcada por la presencia de David. La primera canción que

terrestre -aquello a lo que alcanzábamos con la mano,

recuerdo es ‘Blue Jean’. Después fui formándome personal-

pero que no era ni la punta del iceberg- hasta lo espa-

mente en la música y retomé toda su carrera desde el princi-

cial. Aquello con lo que soñábamos, pero que ni nos ha-

pio. En realidad nos hemos pegado este susto con la muerte

bíamos atrevido a imaginar y el caso es que estaba ahí,

de Bowie porque de alguna manera él ha sido una presencia

a nuestro alcance. Ya que, como un día me dijo Diego

constante y todos creíamos que el siempre iba a estar ahí

A. Manrique, nunca podríamos ser rockeros de primera

sacando nuevos discos.

generación: Beatles, Stones, Kinks… Bowie nos permitió

2 - No se qué puedo decir que no se haya dicho ya. Era al-

soñar con los poderes de la reencarnación, el disfraz, la

guien cuya máxima era nunca copiar su disco anterior, nun-

impostura, la representación y el mito de la caverna pa-

ca apalancarse en un estilo... y de esa manera enseñarnos a

sado al rock’n’roll. No todo va a ser original y auténtico,

todos hasta qué punto es el artista (y nunca el público) el que

oiga.

manda. El que dirige. ¿Hasta qué punto se puede ser creati-

2 - Bowie no es sustantivo, sino “adjetivable” al 100%.

vo e innovador? Ha tocado el techo. En mi mundo ideal, los

Esa fue su gran aportación como artista. Por eso le cua-

artistas son así. Seres estelares. Hechos de otra materia. En

dran todos los adjetivos que se utilizan para circunscri-

realidad, todos tenemos la capacidad de ser como él. Por-

birlo. Tarea ímproba, porque él siempre se escapaba a

que aunque se empeñen en educarnos en el rebaño, todos

los círculos de presión con otro inesperado cambio de

somos diferentes. El asunto es tener, y aunque suene repeti-

dirección artística.

tivo, los arrestos de sacar tu individualidad, pulirla y ponerla

3 - Yo soy, inevitablemente, hijo de ‘Ziggy Stardust’,

en un altar. Bowie no ha muerto. La muerte no existe. Su

aunque los vaivenes estilísticos de Bowie me atraen y

figura se queda en el planeta, como parte importante de él,

me llevan en volandas hasta la época de ‘Let’s Dance’,

igual que los mares o las montañas. Su espíritu volverá a dar

más o menos. A partir de ahí su búsqueda se volvió di-

mas arte. No es tan fácil parar.

fusa. Le costó asimilar que ya había otros usando su dis-

3 - Mi faceta favorita es del 65 al 73. Si elijo una canción, ‘I

fraz de camaleón.

Dig Everything’.

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Dando forma a las lágrimas por Bowie

L

a muerte de David Bowie también inspiró rápidamente diversos tributos y homenajes, como el celebrado en León horas después de darse a conocer su deceso, mientras que en Valencia aún sonaban los ecos que músi-

cos como Adolfo Barberá o José Luis Macías le habían tributado hace unos meses, sin imaginarse lo que ocurriría el pasado 11 de enero. El periodista de TVE (y colaborador de esta revista) Pablo Martínez Vaquero publicó inmediatamente en su Facebook un sentido poema o letra de canción tras enterarse de la triste noticia para expresar su conmoción. El músico malagueño Ricardo Texidó hizo lo propio encerrándose en su estudio para dedicarle una maravillosa canción Asimismo, la escritora Julia Navas Moreno, ilustre colaboradora de Future Magazine, también le dedico unas sentidas palabras a un hombre que marcó gran parte de la banda sonora de su vida.

“Wherever You Are” (A Bowie) “El Día Que Murió David Bowie” El día que murió David Bowie acepté que la vida iba en serio, que jamás regresaría a Berlín, allí donde te juré amor eterno.

El día que murió David Bowie tú llorabas, triste, ante el espejo, mientras yo aprendía a habitar en mansiones grises y frías.

El día que murió David Bowie yo esperaba no estar ya por aquí, deseando sentirte aun sombría, quebrantando la ley de los sanos.

El día que murió David Bowie comprendí que sólo eras un deseo, que ya no habría caminos angostos, para escondernos y robar el tiempo.

Un secreto nunca visto, derrotada la mirada.

El abismo de la vida condenada hacia la nada.

Jamás volveremos a hablar de polvo y rosas.

Adiós, ahora sí, siglo XX. [Pablo Martínez Vaquero, 11/01/2016]

THE THIN WHITE DUKE IS STILL WITH US THE IS WATCHING US UP FROM THE STARS THE THIN WHITE DUKE WILL ALWAYS LAST SUDDENLY YOU’RE FLIRTING WITH THE DEATH TOO SOON TO DIE BUT YOU WON’T REST CAUSE YOU ARE LOVE ALL OVER SPREAD SUDDENLY THE WORDS TURN INTO TEARS TEARS THAT WE CRY & NOW WE FEAR CAUSE OUR DADDY IS GONE GONE WITH THE WIND...

SUDDENLY THE TEARS TURN INTO BLOOD YOU SHINE SO BRIGHT FROM HEAVENS ABOVE YOU’VE TURNED INTO THE BIGGEST STAR SUDDENLY YOU’RE DANCING WITH THE DEATH NO, I WON’T CRY I’LL DANCE INSTEAD I’LL DANCE WITH YOU AGAIN &AGAIN...

CAUSE WHEREVER YOU ARE YOU ARE THE STAR...

CAPRICORN MAN YOU WERE GONE WITH THE WIND YOU WERE GONE WITH THE WILDEST WIND IN WINTER YOU WERE LOST IN THE STARS BUT YOU’VE FOUND THE LIGHT AS USUAL CAUSE YOU ARE THE STAR CAUSE WHEREVER YOU ARE YOU THE STAR...

El Hombre De Las Estrellas.

Eres el Rey del Glam, el Odiseo del espacio exterior, “el hombre que vendió al mundo” para hacerlo más bello con su música. “Control Tierra a Mayor Tom…”; no hay fulgor más brillante que el de tu estrella. “Haré un número en el extremo del arco iris” cada once de enero para recordarte. “Deseas y deseas y vuelves a desear” que sea un sueño; que el próximo año nos regales nuevas canciones; que nos sigas sorprendiendo. “¿Hay vida en Marte?”. No, definitivamente, no… porque allí no suenan acordes y “John” no podría bailar ni solo, ni acompañado. Y ese planeta rojo es hostil a las arañas. Fue “un sueño ocasional” hecho realidad cuando te escuchamos de viva voz; de carne y hueso y materia desconocida en “los recuerdos de un festival libre” un 12 de septiembre en Gijón, en la hierba húmeda; libre como tu dulce fiereza ondeando. Porque, “salvaje es el viento” y “te amaré hasta el martes”. Amaré tus canciones todos los días que me queden como las he amado siempre. “Hay una tierra feliz” donde sólo viven los niños, los que nos alimentamos de sueños, de quimeras realizables pero abortadas por los hombres grises una y otra vez. Llamemos a “todos los locos”; pidamos “cambios”. Tú, nunca dejaste de hacerlo… “Ziggy, polvo estelar”, toca la guitarra de nuevo mientras rogamos: “por favor, señor sepulturero”, no sé moleste en cavar un triste lecho de tierra; “el hombre risueño”, “el hombre del karma”, el “suicida del rock and roll”, el Duque, no lo ocupará nunca. Él, David Robert Jones, DAVID BOWIE, era “el hombre de las estrellas”.

(Londres, 8 de enero de 1947 - Nueva York, 10 de enero de 2016). [Julia Navas Moreno].

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Domingo J. Casas (Fotógrafo)

África Egido (Periodista)

1 - David Bowie, siempre fue un adelantado a su tiempo.

1 - La ruptura con ciertos patrones asociados a la cultura

Iba muy por delante de las tendencias musicales o artís-

pop, y a lo que todos (o casi todos) decían que signi-

ticas, incluso el marcaba esas tendencias. Sabia extraer

ficaba ser una “rockstar”. La libertad. El arte global, el

de cada corriente musical lo mejor, lo más puro u origi-

arte que salta de la literatura a la música, de la música al

nal y hacerlo propio como ningún otro artista ha sabido

cine, del cine a la moda...

hacer. Me gustaban mucho sus videos y sobretodo la

2 - Él fue la descarga para revitalizar una cultura pop

clase y originalidad de las sesiones de fotos que sacaba

que respiraba con dificultad, y lo hizo desafiando cier-

en sus discos. Incluso a veces polémicas. Trabajaba con

tos cánones. Fue, como diría Nietzsche (en “Así Habló

los mejores fotógrafos y eso se notaba. Hubo tres prin-

Zaratustra”), uno “de los que escriben nuevos valores en

cipales: Masayoshi Sukita, Brian Dufy y David Bailey.

nuevas tablas”. Destacaría su magnetismo, su carácter

2 y 3 - Gran intérprete. Se tomaba muy en serio cual-

rompedor, su fuerza, su espíritu innovador, observador

quier proyecto en el que se embarcaba. A veces hubo

y el valor que implica crear desde donde él lo hizo.

intentos fallidos como su proyecto Tin Machine, pero se

3 - Precisamente su espíritu camaleónico. Esa unión de

levantaba y emprendía otros desafíos rápidamente. Un

profundidad y estética. Ese empeño en que la música

genio, pero de carne y hueso. Siempre le recordaré en

estuviese unida a otras artes. Esa construcción constan-

color, nunca en blanco y negro. En sus conciertos siem-

te de un universo propio, y la continua confrontación

pre buscaba la complicidad con nosotros los fotógrafos.

entre la ciencia ficción y la realidad.

Reyes Torío (Cantante, ex Dinamita Pa Los Pollos, Líder de Dinamita Pa The Mokers, D.j.)

1 - David Bowie para mí fue antes que un flechazo

Beatriz Alonso Aranzábal (Cineasta, escritora, psicóloga y ex teclista de Los Monaguillosh)

musical, un flechazo físico que me dejó sin aliento.

1 - David Bowie me empezó a interesar a finales de los

La primera foto que vi suya me cambió de niña con

años 70, cuando escuché ‘Heroes’. Tenía 13 o 14 años y

amores platónicos a adolescente con impulso sexual.

ese tema me marcó. Más tarde el video de ‘Ashes To

Así de fuerte. Es una pulsión que me ha seguido pro-

Ashes’, me transportó a esa atmósfera surrealista crea-

vocando hasta los sesenta años.

da por la estética y la música del genial artista.

2 - Esa esencia de british style pero transgresora, de

2 y 3 - Me gusta el Bowie elegante y el de cazadora de

extravagancia llena de clase... Adoro todo de él.

cuero negra. El que mira con esa intensidad exclusiva

3 - Su voz, sus canciones inmensas y su elegancia es-

de sus ojos.

tratosférica. Bowie cambio el rock del blanco y negro al color.

Carles Estrada (Líder de Los Negativos) 1 - Seré honesto. A mí, de Bowie, me gustan solamente sus primeros discos y especialmente ‘The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars’. Sin embargo, siempre he sentido una gran admiración por su inconformismo, por esa búsqueda incansable en pos de lo nuevo. Y luego, claro está, su voz. Creo que es uno de mis cantantes favoritos.

2 - Diría “camaleónico” pero está ya tan gastado que quizás habría que optar por rebautizar a esos bichos como Bowies.

3 - Mira - diría la gente - ese animal es un Bowie. ‘Life On Mars’ y ‘Changes’ son dos canciones a las que vuelvo a menudo, siempre que necesito creer que esto de la música sí que sirve para algo.

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REACCIONES EN LAS REDES SOCIALES

Por Rosa Ruiz

Desde el mismo momento en que se supo, a través del anuncio emitido por su hijo Duncan por medio de un tweet, en las redes sociales se sucedieron millones de mensajes de condolencias y recuerdo a la figura de David Bowie, icono de la cultura pop de varias generaciones. Personas anónimas, artistas y personajes conocidos que tanto en Facebook como en Twitter, éste último con la limitación de los 140 caracteres no han podido expresar toda la admiración y lo que les ha aportado a sus vidas conocer su obra.

El primero de ellos, el más intenso, íntimo y personal mensaje venia de su hijo el director de cine Duncan Jones acompañando una tierna foto familiar.

Casi al mismo tiempo desde la cuenta oficial del propio artista se explicaba con más detalle los últimos momentos y las causas de su muerte.

Sin olvidarnos de los muchos artistas británicos, cuna de tantos talentos como él, amigos como The Rolling Stones o Y por último artistas españoles que Paul MCartney, y bandas como Duran también quisieron sumarse a este Durán o Pet Shop Boys quisieron también merecido homenaje, como Santiago recordarle.

Auserón, Amaral o Mayor Tom (cantante madrileño que debe su nombre artístico al personaje creado por Bowie para la canción Space Oddity) #RIP.

Muchos artistas que compartieron con él escenario y su pasión por la música, que quisieron mostrar su afecto y gratitud, como el caso de Madonna, recordándolo como “el artista que cambió mi vida”, o Iggy Pop ”era la luz de mi vida”, y actores y personalidades como Russell Crowe o David Cameron.

Fran Elías (Ex Modas Clandestinas / Líder de The Travelin Zoo) 1 - Creo que mi primer contacto con él tuvo lugar a los trece o catorce años, tras publicar ‘Heroes’. Para un pre-adolescente de provincias que empezaba a forjar su educación musical, fue un shock descubrir a aquel tipo que no sólo me fascinaba en lo sonoro, sino que además desafiaba las referencias estéticas y sexuales a las que yo estaba habituado. Aun así, debo ser sincero: por aquel entonces yo ya había decidido instalar en la cúspide de mi Olimpo a los Beatles, y era imposible desalojarlos de allí, pero Bowie se las ingenió perfectamente para ocupar su lugar entre los elegidos. A partir de entonces, del mismo modo que los Beatles me enseñaban lo que ya se había hecho, Bowie me mostraba lo que estaba por venir.

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2 - No sé si existe una palabra concreta para definir lo que más me atrae de él, que es su capacidad de ser siempre diferente, sin perder su identidad y sin dejar de ser él mismo. Esa continua transformación, que en cualquier otro hubiera resultado ridícula pero que él consigue que sea algo completamente natural. Con lo que nunca he estado demasiado de acuerdo es con la definición de camaleón, en el sentido de que el camaleón adopta su disfraz a fin de pasar desapercibido, mientras que el efecto que Bowie perseguía era exactamente el contrario.

3 - Aun pareciéndome un gran compositor, creo que como intérprete es donde realmente llevaba su talento hasta el límite, ya fuera en concierto o en los videoclips que tanto cuidaba. Incluso creo que no resulta descabellado pensar que hayamos asistido a su gran última actuación, en una especie de homenaje al personaje de Joe Gideon, coreografiando su propia muerte en ‘All That Jazz’.

hasta luego, david por Ricardo Texidó Medina

D

avid Bowie, el marciano que bajó a la tierra para salvarnos la vida, para cambiarnos, para enseñarnos sus

mil caras y abrirnos nuevos caminos, para raptarnos en su nave espacial y abducirnos por siempre, para animarnos a transgredir o al menos a comprender lo diferente, lo “raro”,

BOWIE EN MÍ

E

n mi caso en particular, gracias a la tradición cultural y musical que había en mi familia por mi abuelo pe-

riodista, crítico de arte y por mi tía, programadora de ra-

para enamorar a ellas y a ellos, para hacer de nuestra vida

dio en la voz de Andalucía, conocí y comprendí a Bowie

algo más mágico, más creativo y sobre todo para quitarnos

sin demasiados aspavientos. En cierta manera Bowie por

los tapujos y la mojigatería en la que vivíamos en aquellos

supuesto siendo una especie de extraterrestre ambiguo y

años todavía grises y un tanto encorsetados por las cir-

transexual, con ese look tan llamativo y tan mal entendido

cunstancias de la historia. Él, que ha preparado y narrado,

en la época sobre todo en la España de los años 70, en mí

como solo un visionario, cenit del arte moderno puede ha-

ha sido un detonante para atreverme tanto a dedicarme

cer, su propia muerte, la cual nos la sirve en bandeja de

de lleno a la música como a trasgredir, vistiéndome, pin-

plata para que como nunca en la vida muramos a través

tándome y teniendo unas digamos unas líneas estéticas

de su sufrimiento, agonía y final. Un ‘Blackstar’ (la canción)

que estaban cercanas a la que él había marcado y que ya

con tintes armónicos del flamenco. Como si la soleá más

habían influido en la época al Glam, el Punk, la New Wave,

lúgubre y tenebrosa fuera lo más parecido a su sufrimien-

los New Romantics. En todas estas tribus y tendencias ar-

to. Por que se nos ha muerto nuestro gran amigo músico

tísticas, David Bowie ha dejado huella y nos ha marcado

con los ojos de diferente color, como le conté a mi hijo de

estética y musicalmente. Digamos que soy un hijo (bastar-

cuatro años cuando al verme en el desayuno con cara tris-

do por supuesto) de Bowie y un coetáneo contemporáneo

te y gesto apesadumbrado, me preguntó qué me pasaba.

de todos estos grupos anglosajones de los años finales de los 70 principios de los 80 que es donde yo empecé con el

ADALID DEL PROGRESO

A

proyecto Danza Invisible, a componer canciones a escri-

sí como Elvis en la América y posteriormente en el

bir letras y a vestirme con una estética pues que en cierta

mundo de los años 40-50, se convierte en un revulsi-

manera pues se salía de los cánones del pozo del rock de

vo para su generación y realmente cambia socialmente la

la época en España y que tomaban formas anglosajonas

actitud vital e incluso yo diría que sociológica en aquellos

por lo tanto a pesar de que hay personas que piensan que

años tras la Guerra Mundial y se convierte en el baluarte

lo anglosajón nos es ajeno yo creo que en este mundo la

de poder divertirse y ser un poco más atrevido y salvajes.

cultura, nunca mejor dicho en el mundo de la música es

También, como hicieron The Beatles, marcando un antes

global, es de todos, es internacional e interconectado,

y un después ya que cambiaron la forma de expresarse de

nada es ajeno y gracias al rock en especial tenemos esa

comunicarse musicalmente y también hicieron un apor-

capacidad de conexión que la música como una lengua

te sociológico y creativo a la cultura internacional mun-

común y hace que nos una porque a veces hemos tenido

dial, David Bowie lo consideraría a estos niveles como un

esto de esa canción que cantábamos en inglés sin saber lo

nuevo adalid del progreso bien entendido, del cambio de

que decía la letra y, poco a poco, esto nos ha hecho apren-

la creatividad y la investigación a ultranza, de llamar la

der inglés como es mi caso, o al menos traducir para com-

atención pero con arte y con una capacidad de aglutinar

prender las letras de las canciones de los grandes grupos

diferentes artes y estilos del Kabuki japonés al bodevil de

o solistas y por supuesto acceder a los ritmos y los sonidos

teatrillo o del mimo callejero al travestismo ambiguo, que

más innovadores que llegaban de las islas británicas o de

no plumífero, disfrazado de alienígena sin sexo o con to-

allende los mares. Me gustaba descubrir cómo se inves-

dos, cargado de la influencia literaria de Burroughs, del a

tigaba en el estudio grabación para conseguir ambientes

generación Beatnick, de los clásicos… para crear su propia

cósmicos y especiales, guitarras con efectos sintéticos o

manera de expresión a través de la creación de musicales,

super distorsionadas, teclados de colores y tonalidades

su sueño de adolescente cual era crearlos para Broadway…

imposibles, voces de ultratumba, voces del espacio, voces

aquí Bowie encuentra su propio yo, interpretando a Ziggy

susurrantes… pero a la vez esas letras que nos evocaban

Stardust entre otros, a sí mismo convirtiéndose en el actor

mundos oníricos o inmundos, que nos llevaban de turismo

de sus propias obras, de sus propios musicales. ‘Diamond

a Berlín, New York o Londres sin movernos de nuestro dor-

Dogs’ y ‘Aladdin Sane’ (A lad insane, refiriéndose a su vida

mitorio, que nos sacaban de lo cotidiano y nos ayudaban

y su loca existencia).

a salir de la rutina y el aburrimiento. Por lo tanto si uno

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se sitúa en la Andalucía ya que soy nacido en Córdoba

partir de aquí decide quitarse la máscara de tractor de

aunque criado en Málaga, en la Málaga de los años 70,

mimo dejar de disfrazarse y ya considera que llegó el

y en la situación que se vivía entonces, pues os podéis

momento de ser el David Bowie digamos más terrenal,

imaginar la influencia que ha podido tener Bowie y to-

un ser humano ejemplar en su actitud hasta las últimas

das las nuevas tendencias el glam rock, la new wave y

consecuencias, nunca mejor dicho, ya que su obra pós-

el vestirse y pintarse (siendo hombre) lleno de influen-

tuma o casi póstuma, la obra que vamos a disfrutar y

cias tan extrañas como extranjeras y que a mí me han

que estamos disfrutando a partir de su muerte ha sido

marcado totalmente. Si se ven fotos mías de mi primera

un planteamiento con un análisis quirúrgico de cómo él

época pues voy pintado con unos pelos levantados ali-

se iba extinguiendo y dándose cuenta de su final que-

sado ya que tenía el pelo rizado y con ropas de las mas

ría dejarnos no una obra más. Sino una obra profunda,

estrambóticas, pantalones de plástico rojo que me re-

una obra que nos tocará lo más intrínseco de nuestros

galó Montse de Las Chinas y chaquetas de cuero blan-

sentimientos y no precisamente fácil ni con concesio-

cas, rojas, negras, gabardinas mods, complementos del

nes comerciales para dejar una herencia sustanciosa a

post punk y nos hacia atrevernos a vestirnos así porque

su familia y allegados… ni siquiera mensajes proféticos,

teníamos unos referentes, y quizá ese referente más

ni de salvación, sino de la tristeza y el profundo dolor

importante y padre de los referentes de todo este cam-

que es abandonar este mundo a pesar de que él disfru-

bio y transgresión en las nuevas alternativas musicales

tó de una gran vida, como comenta Tony Visconti, de

y estéticas fue David Bowie, y aunque tengamos todos

una vida llena de arte, de amistad, de amor y de lo más

a hablar en pasado por su fallecimiento él está presente

importante quizás que es poder hacer toda tu vida lo

y lo estará por los siglos de los siglos en la cultura y en

que te gusta, lo que te llena y este ha sido su mayor don

los libros de historia, los libros de música. Influencia que

y la mejor herencia que podemos tener, además de su

va a continuar teniendo y quizás aún

sentido del humor y sonrisa hasta en

más a partir de su muerte, en artistas

los últimos años cuando ya conocía

grupos solistas y tendencias musica-

su irreversible enfermedad y mien-

les presentes y futuras.

tras luchaba contra ella, incluso en las

“TROVADOR GALÁCTICO”

A

últimas fotos sonríe, y no sabemos si se reía de la muerte o nos manda-

djetivos a David Bowie es como

ba un cierto mensaje de positividad

poner adjetivos a Picasso o a

dentro de las tinieblas interiores en

Leonardo da Vinci, al menos en mi

las que se movía actuando hasta casi

modesta opinión. Es tan amplio en

el último aliento ante sus músicos y

su en su forma de expresión que po-

colaboradores como si no estuviera a

demos estar horas poniéndole adje-

las puertas de la muerte. En definitiva

tivos. Así, bote pronto, escribí sobre

para mí y, creo que para la mayoría

él hace poco y lo llame “trovador ga-

de los músicos, compositores y gen-

láctico”, porque en su primera época

te del rock Bowie se convirtió en un

mezcla el estilo de cantautores folks

gurú, en un guía espiritual y artística

a la antigua usanza pero con un to-

donde podíamos sentirnos arropados

que de misterio con un look de chico

como si de un padre brujo y sabio se

soñador que, o viene de otro planeta, o se propone lle-

tratara. Nos ha abierto la mente y mostrado caminos

varnos a las estrellas a través de su obra catapulta y em-

que antes eran tabú. Nos ha seguido demostrando con-

blemática, ‘Space Oddity’ dónde nuestra mente conec-

forme se hacía mayor que a pesar del paso del tiempo,

ta con la suya a través del espacio a su galaxia musical

el hacernos mayores no tiene que implicar hacernos

donde nos saca de lo cotidiano y del terruño para llevar-

aburridos y repetitivos ni seguir con las fórmulas que en

nos a las más altas cimas del universo y su contempla-

un principio funcionaron. Aunque ha procurado que su

ción. Otro adjetivo para su segunda época podía ser la

trabajo tenga un trascendencia comercial para que lle-

de marciano transformista y rey de la ambigüedad. Ya

gue a la gente y poder vivir bien de ello, siempre ha sido

pasando a los 80 donde él considera que ya empieza

tan innovador como valiente para cambiar de formas,

hacer canciones para sí mismo y no para un personaje

de sonidos, de estructuras y de estéticas que le funcio-

ya que antes creaba sus personajes y los interpretaba. A

naron y que crearon digamos, universo Bowie del que

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podía haber estrujado más, pero Bowie rompía y em-

Dogs’ y ‘Aladdin Sane’ son obras maestras y, una

pezaba de nuevo y esto es una de sus virtudes. Hay

época que también más me ha marcado de toda la

otros grupos y otros cantantes que también hay que

discografía de David Bowie, pero claro, a su vez he

comprender, los hacen, digamos, repetición, un poco

bailado y pinchado muchísimo sus discos de los 80…

de lo mismo con unas variaciones, pero si hay algo

‘Let´s Dance’, ‘Modern Love’, ‘Tonight’, ‘Blue Jean’,

que es constante en Bowie es la no repetición, la va-

‘China Girl’… difícil es decantarse solo por una sola

riación, la investigación y el intentar siempre ser van-

etapa pero como ya dije, la mayor influencia por el

guardia, estar en vanguardia y rodearse de los músi-

momento en que me pilló (adolescencia) puede que

cos, artistas y gente que le pueden

sea la trilogía Berlín. Bowie en el

aportar y que pueden tener una

fondo es un artista renacentista

simbiosis o una permutación de

pero que a su vez, en su manera

información y de conocimiento

de expresarse es revolucionario.

como para poder seguir recreando

Estudia y se prepara a nivel cul-

su arte y haciendo crecer su creati-

tural artístico creativo para crear

vidad. Aunque estemos afectados

formas de expresión que se sal-

por su muerte somos unos privile-

gan de lo común, que se salgan

giados que hemos tenido la suerte

de lo habitual y de lo convencio-

de ser alumnos, fans, y contempo-

nal, esta es una de sus mayores

ráneos de tan innovador y variado

virtudes y lo que le convierte en

artista y este es su mejor regalo y

un artista único y yo creo que es

herencia.

irrepetible en la historia de la mú-

MUCHOS BOWIES EN UNO

E

sica moderna. Y trayendo a colación y para terminar, un fragmento de la carta que tuve el honor y el placer

s bastante complicado quedarse con una de sus

de escuchar en el Memorial Tributo a David Bowie

etapas. En mi caso, ya que soy un fanático bas-

que hicimos en el Ateneo de Málaga, escrita por mi

tante incondicional y no soy un crítico, digamos que

amigo y escritor Alfredo Taján, dónde dice así de ma-

estoy buscando los tres pies al

nera ciertamente premonitoria

gato, ya que ha hecho tanta varie-

“Con el paso del tiempo, David

dad y ha mostrado tantas formas

Bowie, el delicioso embaucador

diferentes de expresar sus ideas y

será incluso capaz de interpretar

de crear sonidos diferentes, que

como ninguna megastar lo ha he-

es complicado quedarse con una,

cho, ni lo hará, para ocupar este

lo que pasa es que quizá a nivel

sitio misterioso dónde respiran

contemporáneo en el momento

las sorpresas y además los núme-

en que yo estoy trabajando, em-

ros 1, la tragicomedia de su propia

pezando con la música con mis 17,

muerte vamos a esperar aconte-

18, 19, años, lo que más me influyó

cimientos todo es imprevisible en

fue la época con Brian Eno, la trilo-

‘Ziggy Stardust’”. Esto lo escribió

gía Berlín. Digamos que esos dis-

mi amigo en 1989. Por mi parte,

cos casi es de lo que mas he escu-

la misma mañana de su falleci-

chado en su preciso momento o poco después y los

miento. cuando roto por dentro no tenía otra forma

que más me han influido, lo que pasa que después

de canalizar mi dolor como en otras ocasiones, como

he ido retomando discos más antiguos como ‘Hunky

si de un familiar o amigo muy querido te abandonara,

Dory’, que es casi para mi la obra maestra a nivel lírico

tuve que coger mi guitarra acústica y dedicarle una

y musical. Pero con el paso del tiempo y recuperando

canción de despedida, con una agridulce sensación.

discos ya muy escuchados pero volviendo a traerlos

Hasta luego, David.

al presente, desde luego ‘Ziggy Stardust’, ‘Diamond

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Threshold European Journey

‘Ground Control’, ‘Unforgiven’, ‘Long Way Home’, ‘Part Of The Chaos’, ‘Mission Profile’ o ‘Pilot In Nuclear Blast Records, 2015 The Sky Of Dreams’, entre otros, no faltan en este trabajo de la José Zamora Linares banda británica.

Nos encontramos ante quince La banda inglesa de metal temas llenos de calidez y progresivo regresa con lo que virtuosismo que demuestran es su tercer disco en directo de que la banda sigue estando en su trayectoria como formación. plena forma. Dicho esto, y en los ‘European Journey’, como el tiempos que corren, se echa de mismo nombre indica, está menos el formato en DVD, ya que, grabado durante los conciertos últimamente, cualquier compacto de la última gira europea “For en directo que se precie, además The Journey” que el grupo realizó del disco, suele llevar su copia entre 2015 y 2016 y repasa, en video, o al menos así nos han fonográficamente, toda su carrera. acostumbrado. Al menos formato ‘Slipstream’, ‘The Hours’, ‘Liberty digipack y doble Cd. Complacency Dependency’,

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loladas: santoral por Lola Villajos Roldán

Me pongo el velo a la vieja usanza y hoy nos adentramos en la vida de la patrona de las mujeres, Santa Agueda, se conmemora su santo el 5 de febrero.

Santa Águeda, patrona de las madres lactantes, las enfermeras y las mujeres en general. Es por ello que se le invoca contra el cáncer de mama, enfermedades de los senos, partos difíciles, problemas con la lactancia. Agueda significa: “la buena, la virtuosa”. Viene de la lengua griega.

Nació en Palermo o Catania (Italia) alrededor del año 230. Sus padres eran nobles. Cuando creció, llamó la atención del gobernador Romano de Sicilia, Quintianus, más malo que la quina. En tiempos de persecuciones contra los cristianos, decretadas por el emperador Decio, el procónsul de Sicilia, llamado Quintianus, le tiraba los tejos a la bella joven Águeda, pero ella ya tenía claro que “nasti de nasti”, porque había ofrecido su virginidad a Jesucristo.

Como el procónsul no pudo disuadirla y hacerla renegar de su Fe, en venganza, la envía a una casa de esas que hay por las carreteras y tienen que lucecillas, vamos una casa de putas. La mujer que administraba el puticlub se llamada: Afrodisia, tampoco pudo lograr que Águeda dejara atrás toda su entrega y pureza que había consagrado al Señor. Nada ni nadie logra hacerla quebrantar su juramento sagrado de virginidad y de pureza. Ahí tienes a Águeda con la cerradura de alta seguridad, Al malo del procónsul, se le puso más mala hostia aún y en venganza, mandó que le cortaran las tetas y ella dijo: “Cruel tirano ¿no te da vergüenza torturar en una mujer, el mismo seno con el que de niño te alimentaste?”. Éste hijo de puta no conocía la vergüenza, y después de cortar los senos fue arrojada sobre brasas ardientes al rojo vivo y

revolcada en la ciudad de Catania, Sicilia (Italia).

Mientras su cuerpo virgen se quemaba, ella repetía exclamando con asombrosa valentía: “Gracias por la paciencia que me has concedido para sufrir.

Recibe ahora en tus brazos mi alma”.

Agueda, lanzó un gran grito de alegría al expirar, dando gracias a Dios. Se cuenta que en ese

mismo instante un terremoto sacude Catania. Cuentan los que creen que el volcán Etna hizo erupción un año después de la muerte de la Santa en el 252 y los pobladores de Catania pidieron su intervención logrando detener la lava a las puertas de la ciudad.

Desde entonces es patrona de Catania y de toda Sicilia y de los alrededores del volcán e invocada para prevenir los daños del fuego, rayos y volcanes. Se le invoca para la protección contra sismos.

La iconografía religiosa la representa con la palma del

martirio y llevando los pechos sobre una bandeja.

Pd. Curiosidad. ¿Por qué al buscar una imagen de la Santa en Google entre ellas me salió Falete…?

Por otra parte, es tradición en varios lugares de España que las mujeres tomen el poder el 5 de febrero. Véase ¿por qué mandan las mujeres en Segovia?

La localidad segoviana de Zamarramala --barrio agregado de la capital-- celebra desde el 5 de febrero la fiesta de Las Águedas, una de las festividades tradicionales más antiguas de España de la que se tiene constancia desde 1227 en la que se recuerda la intervención decisiva de las mujeres en la reconquista del Alcázar de Segovia, que fue recuperado por los segovianos mientras estas entretenían a las tropas musulmanas que defendían la fortaleza.

Hoy en día afortunadamente las mujeres vamos ganando escalones y aunque queda mucho por escalar. Como sigan así las cosas y se vaya radicalizando el sistema en vez de conseguir la igualdad para todos, se terminará por dar la vuelta a la tortilla y tendrán que hacer la fiesta de los Águedos y “les cortaran los cojones”, porque algunas mujeres por intereses económicos que los amparan los gobiernos, no quieren ya ni compartir los hijos con el propio progenitor.

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cancer moon

L

adelantados a su tiempo

os bilbaínos Cancer Moon fueron el puente entre los decadentes grupos de la Movida y el incipiente indie que empezaba a gestarse en la España de finales de los ochenta. Utilizando el inglés como vehículo de expresión sobre una base ruidista y experimentadora, fueron los mejores entre sus coetáneos, y compartieron con muchos de ellos la mala fortuna de haberse quedado en tierra de nadie en una escena musical desfasada y conservadora.

José Rodríguez

L

a banda nace tras el encuentro de Josetxo Anitua y Jon Zamarripa en octubre de 1988 en un concierto de Sonic Youth en la sala The End de Vitoria. Ambos ya tenían experiencia en grupos: Jon había estado en Los Raros y Primitivos, Josetxo en La Logia, Jugos De Otros y La Tercera En Discordia.

Deciden ponerle a su proyecto Cancer Moon, en honor a una canción de los Quicksilver Messenguer Service ‘Maiden Of The Cancer Moon’. Tras meses de ensayos deciden grabar una maqueta en el taller de grabación que Josetxo tiene en su casa. Esto sucedería en el año 89 y el nombre de la demo sería ‘12 Stereo Surgery Mistakes’. Doce errores de cirugía en estéreo marcados por el dulce encanto de las grabaciones escasas de medios y la ilusión de los nuevos proyectos. Fue grabada por un cuatro pistas con Josetxo a la voz, Jon a las guitarras y Jesús Suinaga a la batería (procedente de La Tercera En Discordia).

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L

a maqueta empieza a circular y hay dos discográficas que se empiezan a interesar por ellos: Polar Records de Barcelona e Imposible Records de Madrid. Al final es Polar, subsello de Max Music, quien gana la partida. Con ellos editan el ansiado Lp en febrero de 1990. No sabemos si porque 1989 fue el año chino de la serpiente o porque la serpiente era una temática muy recurrente en los textos de Josetxo, ‘Hunted By The Snake’ (Cazados por la Serpiente), fue el título elegido de su primer trabajo.

Producido por Jaime Gonzalo y ayudados por Eduardo Bazterra que se encarga del bajo, el disco recoge prácticamente todos los cortes de la maqueta, salvo tres que se quedan fuera. Marcados por una autoexigencia extrema en el estudio, el sonido se depura y el ruidismo que les caracterizaba se suaviza, por lo que la banda cree que han perdido la personalidad en pro de un sonido más comercial. Aún así es un disco guitarrero, en el cual predomina la oscuridad en sus melodías, pero en

el que se deja entrever la combinación entre electricidad y ritmos más primarios. Como dicen algunos críticos: “rock infeccioso y visceral, macerado en el alcohol del noise rock, garaje-punk, psicodelia bastarda y blues abisal”. Como curiosidad, en la edición Cd del álbum se incluye un bonus track, la versión de ‘I Need Somebody’ de The Stooges que más tarde saldría en single con la reedición del álbum.

da abandona su crudeza anterior y se decanta por “armonía, color y cierta violencia psicológica” como ellos mismo dijeron en entrevistas posteriores. Pero el peso de haberlo grabado tan rápido hace mella en la producción y el propio Josetxo manifiesta que: “podría haber sido mucho mejor. La producción es prácticamente inexistente. El sonido no es malo, sino

E

l Lp es alabado por la crítica pero no tiene muchas ventas, en gran parte debido a que el sello, especializado en música electrónica, no sabe qué hacer con un disco de rock y el grupo no tiene el respaldo que necesita para ser más conocido. Polar Records, decepcionado por las escasas ventas, deciden interrumpir la distribución y cancelar el contrato a pesar de tener firmado un segundo disco con ellos.

La demanda judicial por impago de royalties deja al grupo paralizado un año y medio, que sólo se ve interrumpido cuando incluyen dos cortes en el recopilatorio ‘The Worst Around’ (Romilar-D, 1990): ‘Cruella Devil’ -versión diferente a la incluida en el largo- y ‘Fame Of Glory’, uno de los descartes de la maqueta que no se incluyeron en su primer disco. Otro descarte del disco, ‘Look Out’ sería incluido en el 7” compartido entre otros con Los Bichos y La Secta, y que el fanzine Beatnick Fly entregó con su número 0, ‘Beatnick Fly’ (Munster / Bar Muga, 1991).

D

ebido al futuro incierto que se cernía sobre el grupo, Jesús Suinaga decide dejar la banda. Solos, sin discográfica y tras negociaciones fallidas con Ouihuka y Romilar-D, el grupo decide apostar por la oferta de Munster, que les lanza su segundo trabajo: ‘Flock, Colibrí, Oil’ (Munster, 1992).

Fue grabado en solo cuatro días en Le Chalet Studios de Burdeos, en abril, con Arturo García a la batería, Alfonso Arana a la guitarra rítmica y Álvaro Irizar al bajo. Igual que ocurrió con el anterior disco, en su versión Cd incluyen dos versiones no incluidas en el vinilo: ‘Human Jukebox’ (The Scientists) y ‘Girl#’ (Suicide). Esta vez la ban-

poco uniforme”. Eso sí, las canciones muestran la importancia de las nuevas influencias del grupo en su estilo, que ya no se decanta por las guitarras como base de la canción, ahora confluyen matices diferentes y space rock, entre tintes más psicodélicos.

Y

es que al grupo nunca le gustaron las etiquetas. En una entrevista en Rockdelux en el 91, Josetxo decía sobre su estilo: “somos unos melómanos empedernidos, nos gusta todo tipo de música y definirse por algo sería despreciar otros gustos (...) ¿Noise? Sí, nos gusta, pero en la misma medida que nos pueden gustar otras músicas... desde los 50 hasta los 90”.

E

l disco permanece parado meses y sale a la venta con una promoción escasa. El sello no está contento con el resultado y surgen las tensiones con el grupo.

Al final la relación se reconduce pero dejando claro que el grupo debe buscar otra discográfica inmediatamente. A pesar de esto, el grupo no para su actividad y al año siguiente, en el 93, incluyen ‘Lurker’ en ‘Navidades Furiosas’ (La Fábrica Magnética, 1993), recopilatorio en el que coinciden con El Inquilino Comunista, Surfin’ Bichos y Los Planetas. Y además graban una segunda maqueta, ‘TV Tape’ (1994), un cassette experimental doméstico, que recuerda sus inicios y que distribuye Munster como último favor hacia el grupo. Entonces surge la posibilidad de grabar para Radiation, sello independiente que alberga a grupos como El Inquilino Comunista. Su entrada en Radiation coincide con el estallido del indie español, ante el que se sienten desubicados: “Para mí lo que le falta esas bandas es el sentido de saber por qué hacen lo que hacen. Yo creo que no lo saben. Los grupos de fuera tienen un montón de referencias anteriores que esta gente desprecia”, argumentaba Josetxo. Con el nuevo sello lanzan ‘Moor Room’ (Radiation, 1994), disco nacional del año para la Rockdelux (ex aequo con ‘Un Soplo En El Corazón’ de Family) y la Mondosonoro, que recibió elogios del propio John Peel en su programa de radio en la BBC. Un disco que destaca no sólo por el sonido, con una producción a la altura de las circunstancias, sino también por unas letras llenas de matices y metáforas, de surrealismo y de realidad.

U

na gran colección de canciones que consiguen aunar la sensibilidad y la intensidad. Contaron con Arturo García y Charlie Solano como músicos de apoyo y tal como contaba el grupo era un disco de “connotaciones extrañas, algo musgoso y un poco sucio”. La experiencia de todos estos años grabando y tocando en directo les había curtido y ya habían encontrado el camino, su personalidad, estaban maduros

43

para empezar a crecer y les esperaba, tal vez, un brillante futuro, pero este álbum fue el broche de oro que marcó su final. La indiferencia general y la falta de perspectivas discográficas pesaron más que la ilusión de seguir adelante.

A

ntes de acabar el año y cesar totalmente su actividad editan, a través del sello independiente de Getxo, Goo Records, un 7” titulado ‘Cancer Moon’ con las canciones ‘I´m Head Down’ y ‘Wolf Of Cool’.

Radiation había cerrado y Goo Records, que había surgido en 1993 como una prolongación del fanzine Neurótica, les ofreció editar un single, a lo que ellos aceptaron sin dudar, tal vez como un último estertor antes de desaparecer.

J

osetxo, tras diez años sin subirse a un escenario, salvo su colaboración con distintas formaciones -como por ejemplo en el tema ‘Cuchillito y Tenedor’ del disco ‘Sí’ (Austrohúngaro, 2001) de Chico y Chica-, lo haría el 13 de mayo del 2005 con motivo del vigésimo aniversario de la revista Ruta 66, eso sí, con la presencia de sus amigos de Atom Rhumba. El di-

44

recto quedaría grabado en el disco compartido, Anitua-Rhumba, ‘Live! Kafe Antzokia’ (Noiz Pop, 2006), en el que a lo largo de siete cortes, Anitua repasa esas canciones que de una u otra forma marcaron su vida, ‘Lonely Avenue’ de Doc Pomus, ‘Pain & Love’ de T-Rex, ‘Lady Godiva´s Operation’ de la Veltet Underground, ‘Maria Bethânia’ de Caetano Veloso, ‘These Conga Drums’ de Jonathan Richman, ‘I Can Only Give You Everything’ de Them y ‘Theme De Yo Yo’ de Art Esemble Of Chicago. Animado por su vuelta a los escenarios, pone en marcha la banda Josetxo Grieta, junto a Iñigo Eguillor de Gringo y el prolífico Mattin.

E

n el 2008 colaboró en el Ep de Single, ‘Pianístico’ (Elefant, 2008), cantando con Teresa Iturrioz la experimental ‘Los Muebles’. Su vinculación con Teresa e Ibon ya venía de lejos, desde Le Mans, con los que colaboró en la última canción de su último Lp ‘Aquí Vivía Yo’ (Elefant, 1998), la preciosa ‘Sic Transit Gloria Mundi’. El 22 de abril de 2008 Josetxo Anitua fallecía dejando un legado musical incomprendido en su momento pero fundamental para las siguientes generaciones de músicos.

algo más que música por Vicente Ribas

Lio

Dulce amor solitario

W

anda María Ribeiro Furtado Tavares de Vasconcelos (Lio), nació en Mangualde, Portugal, el 17

de junio de 1962. Cuando su padre fue llamado a filas para luchar en el ejército portugués, la familia se tras-

‘Chauffeur’.

P

ero todos estos últimos “éxitos” mencionados, y otros que vendrían después (se editaron seis álbu-

mes más hasta el 2009), no tuvieron nada que ver con

ladó a Mozambique. Sus padres se divorciaron y, en

el boom europeo de su álbum de debut ‘Lio’ en 1980,

1968, Lio se trasladó con su madre y su nuevo padrastro

en donde se encontraban dos de los tres sencillos lan-

a Bruselas, Bélgica, donde su hermana, la actriz Helena

zados, ‘Le Banana Split’, (en España ‘Banana Split’) emi-

Noguerra, nació. En su adolescencia estaba decidida a

tida en 1979 aunque en España llegó ya en 1981, y por

ser cantante, y ella se sintió alentada por el cantautor

su puesto ‘Amoureux Solitaires’, un mega-éxito entre

Jacques Duvall (Eric Verwilghen), un amigo de la fami-

el público hispano. Además, este trabajo iba acompa-

lia. Tomó su nombre artístico, Lio, de un

ñado con una imagen en toda regla de

personaje de los cómics Barbarella por

la nueva Lolita francófona, con actua-

Jean-Claude Forest.

ciones (playbacks y directos), portadas,

E

entrevistas, etc… al más puro estilo pi-

n 1979, junto con el compositor Jay

cantón: picardías y transparencias era

Alanski, ella y Duvall comenzaron

por norma general su “ligera” puesta

a trabajar con Marc Moulin y Dan Lac-

en escena. Una cara guapa que canta-

ksman del trío Telex. ‘Le Banana Split’,

ba canciones pegadizas en los prime-

que vendió más de 1 millón de copias, y

rísimos años 80 había que potenciarlo

‘Amoureux Solitaires’, una canción origi-

desde los despachos, y así se hizo.

nalmente grabada por la banda de punk rock Stinky Toys. Ambas canciones subieron a la cima de muchas listas de popu-

Y

a en 1988, después de que Lio diera a luz a una hija con Esteban, rea-

laridad en Francia y Bélgica, y Moulin y

nudó su carrera como actriz, protago-

Lacksman también produjeron su primer

nizando Itinéraire D’un Enfant Gâte, de

álbum homónimo. En 1982, el dúo de mú-

Claude Lelouch. La asociación Lio-Este-

sica estadounidense Ron y Russell Mael,

ban produjo otro álbum, ‘Can Can’, gra-

de Sparks, trabajaron con ella en el álbum

bado en Los Ángeles y Río de Janeiro.

‘Suite Sixtine’, en la que algunas de sus

Ella también diseñó una colección de

canciones anteriores fueron traducidas

moda para la cadena de tiendas Eu-

al inglés. Su segundo álbum, ‘Amour Tou-

ropean Prisunic. Lio apareció en tres

jours’, fue producido por Alain Chamfort y

películas entre 1990 y 1991, Chambre

1983. El mismo año, apareció por primera

à Parte, Sans Un Cri, y Après L’amour.

vez en la pantalla en el filme de Chantal

Nuestra protagonista ha protagonizado

Akerman, ‘Golden Eighties’. En 1985 conoció al director

casi una treintena de películas, hasta el 2013, entre pa-

ejecutivo de la compañía y el productor Michel Este-

peles protagonistas y cameos, pero prácticamente sin

ban, de ZE Records. Ella continuó teniendo éxitos en

ninguna repercusión lejos de la burbuja francófona y

Europa, incluyendo ‘Les Brunes Comptent Pas Pour Des

centroeuropea. Y entre disco y disco, película y película,

Prunes’, y viajó a Los Angeles con Esteban para grabar

Lio también estaba en el ojo del huracán de fotógrafos

su próximo álbum, ‘Pop Model’. Varios de los temas fue-

hambrientos y publicaciones de la prensa rosa/eróti-

ron co-producidos por John Cale, ex miembro de la Vel-

ca; entre otras y como nota más llamativa llegó a posar

vet Underground, y el álbum obtuvo los éxitos ‘Fallait

desnuda para el 25 Aniversario de la prestigiosa revista

Pas Commencer’, ‘Je Casse Tout Ce Que Je Touche’, y

Lui, portada incluida.

46

copy-paste

el arte del plagio en la industria musical por José Luis Hoyos

david bowie: el honesto imitador

D

avid Bowie, medio siglo dedicado profesionalmente a la música. Publicó 25 discos de estudio, además de bandas sonoras, álbumes en directo, recopilatorios, y proyectos paralelos, como Tin Machine. Más de 200 canciones originales en las que la sombra del plagio apenas mancha su expediente. Algo, sin duda, meritorio.

E

s recurrente el comentario sobre el parecido entre los estribillos de ‘Starman’ y ‘Somewhere Over The Raimbow’ (de la película El Mago De Oz). Sin duda, ambas melodías son prácticamente idénticas, con una reconocible subida de una octava entre la primera y la segunda nota, pero las similitudes terminan ahí.

A

Bowie se le ha tachado a menudo de “ecléctico”, de “camaleónico” o, simplemente, de “impostor”, debido a sus muchos alter egos y personalidades artísticas. En su largo camino por la música probó y transformó cuantos estilos surgían a su paso, e incluso inventó algunos otros. Pero siempre desde la originalidad y la autenticidad. Es cierto que sabía incorporar los giros y matices de otros coetáneos. La influencia de los Rolling es patente en el tema que da título al álbum ‘Diamond Dogs’, al igual que Bolan y sus T-Rex sobrevuelan algunos pasajes de ‘Aladdin Sane (Drive In Saturday)’.

C

uando Bowie quería hacer un homenaje, simplemente grababa una versión. Muchos de sus discos incluyen “covers” de sus artistas favoritos: Beach Boys, Beatles, Iggy Pop, Tom Verlaine,

48

o los propios Stones. Prueba de su afición por versionar a los grandes maestros es el Lp de 1973, ‘Pin Ups’, colección de gran interés por la originalidad de las revisiones de clásicos de Pink Floyd, Kinks o The Who. Genuino y humilde, rindiendo pleitesía a los grandes nombres de la música.

E

n la otra cara de la moneda, muchos han plagiado descaradamente a Bowie. El caso más famoso sería el de Vanilla Ice, que se apropió de la línea de bajo de ‘Under Pressure’ para su hit mundial ‘Ice Ice Baby’. El rapero tejano tardó años en admitir que había utilizado el tema compuesto por Queen y Bowie de una forma indebida. Otros que han confesado un aprovechamiento de las creaciones del Delgado Duque Blanco son Killers o Blur.

En nuestro país Amaral arrastra la sospecha de plagiar ‘Rebel Rebel’ en su single ‘Toda La Noche En La Calle’.

P

ero a Bowie le han copiado otras facetas, más allá de lo meramente musical. Su estética, su peinado, su estudiada androginia en los 70, su forma de cantar, sus poses en el escenario, su provocación. Lady Gaga es quizá el mejor ejemplo, pero hay muchos más: Madonna, Bret Anderson, Gary Numan, Tokio Hotel, Marilyn Manson, y un largo etcétera. Ahora que el legendario cantante ha muerto, los émulos baratos de su talento se van a multiplicar, al igual que los inesperados fans que ya empiezan a poblar las redes sociales con mensajes de duelo arrebatados. Los mismos que se ponen una camiseta de Ramones para ir a la FNAC a comprar lo último de Taylor Swift.

Somos ya muchos, los simpatizantes de la masa social progresista de este país que asistimos perplejos a la postura contraria a la Custodia Compartida que mantienen los Partidos Políticos afines a la izquierda (PSOE, PODEMOS e IU).

No comprendemos cómo, desde posiciones políticas que reivindican la igualdad entre hombres y mujeres, la solidaridad, la fraternidad y otros muchos valores de la izquierda, puede sostenerse que en el marco de una separación de pareja, la Custodia Compartida no es la opción más deseable. ¿Qué culpa tiene un niño de que sus padres se separen? ¿Debe por eso convertirse una parte de la pareja en un visitador al que el niño ve cuando lo dicta una sentencia? ¿Es que acaso papá, por el mero hecho de ser hombre, no puede y debe ocuparse de su hijo igual que mamá?

Entendemos que ser hombre o mujer no condiciona la capacidad de transmitir cariño, ternura, entrega o compromiso con el cuidado y la educación de los hijos.

Con la postura que estas formaciones políticas sostienen, somos muchos los que nos quedamos huérfanos políticamente, viendo como se apoya un modelo legislativo que separa a hijos de sus papas y a nietos de sus abuelos paternos. Un modelo producto de una sociedad patriarcal contra la que dicen luchar estos partidos, que trata a la mujer como un ser desvalido, en lugar de alinearse con las posturas de las formaciones progresistas europeas.

Desde aquí queremos reivindicar que se permita a los padres separados cumplir

con sus obligaciones como padres, participando de igual a igual en la educación y cuidado de sus hijos. ¿Hay acaso mejor forma de promover la igualdad?

Sintiéndonos participes de las tradicionales reivindicaciones de la lucha de la mujer trabajadora por la superación de las desigualdades de genero, lamentamos profundamente que estas formaciones políticas se hayan echado en los brazos de un pensamiento, desnaturalizado y sectario, que tacha a los hombres de potenciales maltratadores si osan pedir la Custodia Compartida para sus hijos.

Por lo tanto y como primera que no única medida, exigimos a los partidos políticos de Izquierda que a día de hoy sostienen posturas contrarias a la Custodia Compartida, que rectifiquen y evolucionen como ya la sociedad lo está haciendo por delante de ellos. De lo contrario serán otros los que ocupen su lugar.

MADRID 11-11-2015 Contactarnos en: ccompartidaizquierda@gmail.com http://compartidaporlaizquierda.blogspot.com.es/ https://www.facebook.com/groups/407475526115489/

A pie de escenario

dark chocolat Negros de piel blanca U

n sugerente nombre para una banda española que se nutre de las raíces de la música negra. No os engañéis, el blanco de sus pieles es puramente accidental. El latido que subyace en ese palpitar pertenece a corazones casi negros. Desde la Meseta y con base en Ávila, Dark Chocolat es un grupo dispuesto a oscurecer las almas del público en los lugares más recónditos de la Península. Siempre acuden a la llamada del blues; lo suyo no es sólo música, es un estado emocional que expresan y contagian en cada una de sus apariciones sobre las tablas.

Julia Navas Moreno

Dark Chocolat se agrupa en el 2012 con integrantes

gen?

de distintos grupos que deciden aunar fuerzas y entu-

Conocí a Coke en mi Restaurante hace ocho años. Vino

siasmo para versionar temas de Blues, Soul y Rhytm &

un día a comer, conectamos bien y a los postres ya es-

Blues. Desde Ponferrada, Talavera De La Reina o Mom-

tábamos hablamos de música, de nuestra pasión común

beltrán (Ávila) emergen José M. Balbuena con su mara-

por la batería o por artistas como Stevie Wonder… Fue

villoso Hammond; Jesús Jiménez “Chechu”, prestando

muy fácil; nos hicimos amigos, me invitó a visitar su es-

su voz; Antonio Llorente a la guitarra y steels; Jorge Pé-

tudio y hasta ahora.

rez Montes a la batería y Manuel Almeida De Ocampo al bajo. Éste último, el miembro más veterano, nos contará la historia y los entresijos de la banda y los suyos

¿En qué grupos habíais estado anteriormente?

Coke estuvo en Vesania, una banda de psicodelia en-

propios en el mundo de la música.

tre 1992 y 1996. Toño tocaba la guitarra en Looking For,

¿Cómo os conocisteis teniendo en cuenta vuestra dis-

con Roberto Higueruela y Chechu formaron La Niche

tinta procedencia en cuanto a grupos y a lugar de ori-

entre 1996 y 2011, tremenda banda de rock a la que se

50

banda grunge de la misma época. Después, ellos dos,

unió Josito Balbuena, ya en la última etapa.

ción, tener un buen groove, algo a lo que normalmente se llega con más experiencia.

A pesar de ser de distinta generación, sentisteis que teníais un lugar común en cuanto a gustos musicales.

Para que no nos tachen de “racistas” ¿qué te parece si

¿Qué grupos o solistas son vuestros preferidos?

me hablas de autores blancos imprescindibles?

Todo lo del sello Stax, la Motown, Booker T & the MG’s,

The Allman Brothers Band, Clapton, Bob Dylan, Bonnie

Otis clay, Rufus Thomas, Al Green, Ann Pebbles, Syl Jo-

Raitt, Johnny Otis, John Mayall, Johnny Winter, Peter

hnson, Otis Redding, Paul Penna, Jimi Hendrix, The All-

Green…

mann Brothers Band, Taj Majal… ¿Qué tal vuestra relación con los grupos Como he dicho antes, hacéis versiones

de vuestro mismo estilo?

temas de Blues, Soul y R&B ¿Hay una-

Excelente…. tenemos una muy buena

nimidad a la hora de elegir canciones y

relación con todas las bandas de blues

estilos?

y soul con las que hemos coincidido. Y

Hay unanimidad si intentamos olvidar-

muy buena amistad con algunos mú-

nos del blues cabezón. A la hora de po-

sicos del circuito desde hace años. So-

nernos a hacer versiones nos gustan,

mos buenos chicos.

sobre todo, temas melodías más souleras al estilo de Bobby “Blue” Bland, Little

Quizás porque es una industria que

Milton… Si vamos en esa dirección nunca hay conflictos.

mueve más dinero ¿No creéis que hay más rivalidad en el mundo del rock y del pop, con egos más exacerbados?

¿Qué preferís, el Blues de Chicago como Willy Dixon,

Más que de egos sería mejor hablar de “gilipollez agu-

Muddy Watters o el Blues más “suave” de Aaron T. Bone

da”, y de eso hay en músicos de todos los estilos.

Walker?

Nos gustan los dos, pero te olvidas del blues de Texas:

Ha colaborado con vosotros Aurora García (Freedonia,

Johnny Winter, Clarence “Gatemouth” Brown, Fred-

Aurora & the Betrayers), ¿Cómo fue la experiencia?

die King. Albert Collins, Stevie Ray Vauhn, The Fabu-

Más que una colaboración fue una invitación a cantar

lous Thunderbirds, además de otro tipo de blues, el de

con nosotros, Aurora es nuestra amiga y había venido

Nueva Orleáns, muy mezclado con Dixie ,Soul y Funk.,

a ver nuestro concierto. No podíamos desaprovechar la

como The Meters, Allain Toussaint, Fats Domino.

oportunidad de disfrutar de su magnífica voz cantando

«E

n el blues no hay lugar para la renovación, pero debe respetarse»

con nosotros.

Siempre ha habido grandes voces femeninas como Bessie Smith, Victoria Spivey, Ida Cox, Sister Rosseta

¿Creéis que hay lugar para la renovación o estas mú-

Tharpe, Shemekia Copeland… Pero… ¿Es el Blues y el

sicas son la manifestación de una época

R&B una música de hombres, principalmente’?

concreta y ya sólo cabe volver a los clá-

¡Rotundamente no! Ahí están Etta Ja-

sicos?

mes, Big Mama Thorton, Ruth Brown,

No es que no haya lugar para la renova-

Aretha Franklyn, Barbara Lynn, Mavis

ción, pero hay que tratarlo con respeto.

Staples, Sugarpie de Santo, Bonnie Rai-

Respetamos a los que quieren reinventar

tt… La lista sería inacabable.

el Blues al estilo Bonamasa, pero son… auténtico un coñazo (risas).

¿Habéis contado con más colaboraciones?

Totalmente de acuerdo, Manuel. ¿Por

Sí, nos gusta invitar a nuestros cole-

qué al Blues se llega casi siempre en una

gas músicos a subir al escenario, Pere

etapa de madurez?

Mallén, Los Bárez Bros, Edu Manazas,

No siempre ocurre así, hay bandas que empiezan a to-

David Salvador, Jo Pro, Martín García Duque, Gerardo

car blues desde jovencitos, pero creo que con la madu-

Núñez,…. han subido a tocar con nosotros en varias oca-

rez se aprecian matices que de joven no tienen tanta

siones. También ocurre que nos inviten a nosotros a su-

importancia como el buen sonido, el tocar para la can-

bir al escenario en conciertos de otros artistas amigos.

51

Empezasteis haciendo instrumentales y luego se sumó una voz genuina, con matices negros y no impostada, como la de Chechu ¿Cómo tuvo lugar su incorporación y cómo cambió la dinámica del grupo?

Era inevitable que acabáramos juntos.

Cuando comenzamos a montar el repertorio Chechu, pasaba por una época de excesivo trabajo, solo venía a los conciertos a hacernos el sonido, ya que es un técnico excelente, pero siempre acababa cantando un par de temas. El proceso de ir cambiando instrumentales por temas cantados fue rodando solo, una voz como la de Chechu no se escucha todos los días y su incorporación paulatina nos hizo crecer como banda y nos unió más con el público.

Siempre he dicho que no hay un directo más cálido que el de un concierto de Blues, donde la comunión músicos – público es total.

En otros estilos, como el rock, soul, pop, hay un parapeto invisible y claro entre el escenario y el resto. ¿Cuál ha sido vuestra experiencia? ¿Confirma ésta teoría?

Al tocar en locales más pequeños la cerca-

El luthier de Mombeltrán

H

ombre polifacético y creativo, inquieto -además de un excelente músico- Manuel ha trabajado como Jefe de Cocina en numerosos restaurantes deleitando a los paladares más exigentes. Pero ahora está entregado a su labor como Luthier, restaurando y fabricando instrumentos como baterías, guitarras y bajos, creando, y devolviendo a la vida, piezas realmente bellas. Podemos ver su magnífica labor a través de su página del facebook “De Ocampo Drums Vintage & Custom”. Desde pequeño siempre le gustó transformar — no conocía la palabra “customizar”—, sus bicis, motos… y sus instrumentos. Pero el salto definitivo se produjo hace unos diez años, cuando volvió a tocar otra vez la batería después de más de quince sin poder hacerlo. Compró y recuperó material vintage y la cosa fue a más: trabajos para otros, restauraciones complicadas, pedidos especiales… Hasta el momento actual, en el que dice que no cesa de aprender y de disfrutar con lo que hace. Odia la monotonía de las cosas repetidas y cree un poco de creatividad e imaginación dignifica los objetos. «Nunca me gustó ir a una fiesta y encontrar a alguien con una camisa cómo la mía», dice a modo de analogía. Uno de los aspectos más importantes de de su trabajo es dotar un sonido original en sus creaciones: «Sería absurdo construir instrumentos bonitos si luego su sonido no nos dice algo especial»,

nía con el público es mayor y facilita esa comunión, pero depende mucho del grupo y de la actitud del público…. Lo que nosotros buscamos es que haya intensidad, Sonar lo más natural posible, con lo mínimo de PA y con los instrumentos sonando directamente, imagino que como en Chicago en los 50’s y 60’s.

Un estudio con pianistas de jazz ha desvelado que improvisar un “solo” triste activa el módulo cerebral del placer. Siempre he sentido que para escribir el estado de autocomplacencia y felicidad no es el más inspirador.

Para la música, sobre todo el soul, el blues, ¿es también necesario un sentimiento de tristeza, de insatisfacción?

Como ya no componemos no nos afectan tanto los resultados de ese estudio. Nosotros versionamos con la intención de que los temas sean de calidad y estén bien interpretados, buscando esa unión lúdica y mágica con el público. Bien es cierto que no sólo a la hora de componer sino también a la hora de tocar los estados de tristeza o melancolía ayudan a veces a sacar lo mejor.

52

puntualiza. «Sobre todo en mi serie de baterías a las que denomino “Retrosound”, con la combinación de aros de madera sólidos, de una sola capa, y los parches de piel se consigue un sonido orgánico y natural, sin armónicos indeseados, muy parecido a las baterías de los años 40’s y primeros 50’s», subraya. Compro bastantes piezas por Internet, buscando recambios de de máquinas con 50 o 60 años de antigüedad, aunque hay veces que no le queda más remedio que echarle ganas y hacérselo él mismo. Por sus manos han pasado una guitarra que perteneció a Antonio Vega, una Ludwig de Fernando Arbex, una Meazzi que perteneció al batería de Adriano Celentano: «Hace unos días, uno de los mejores y más prolíficos baterías de este país, probó mi último set y me envió un mensaje diciéndome que era “una puta maravilla”. Algo que me hace pensar que, afortunadamente, estoy en el camino correcto».

No nos cabe duda.

do, invitaba a que en cualquier momento aparecieran un En el 2014 cerrasteis con gran éxito el VII Festival de Blues

par de locos que dijeran que tocaban juntos y rápidamen-

de Talavera. ¿Cuál es el ambiente que se respira en estos

te se había organizado una “jam” al sumarse alguno de los

festivales?

músicos que siempre había entre la clientela, o yo mismo,

Magnífico Festival que va creciendo poco a poco. Siempre

que me unía a la fiesta dejando la barra al mando de algún

hay buen ambiente en los Festivales, la gente va a disfru-

amigo… Así pasó, ruina total. Pero nos divertimos como

tar y todas las experiencias suelen ser muy agradables.

si no hubiera mañana. Pudimos disfrutar de más de cien directos en dos años, Un lujazo en un pueblo de menos de

¿En qué tipo de sala os gusta tocar?

2.000 habitantes. Músicos de toda la península, además

Pequeña y con los mínimos requerimientos de sonido.

de ingleses, suecos, americanos, y bandas tan divertidas

Batería a pelo, o casi, y cada instrumento sonando por su

como Andy Phillips, Gerardo Smith Solo, The Tofee Ham-

amplificador.

mers, Los Potros, Beat In, Jon Landis Fans, Los Despiadados, Los Estragos, Snap, Frank & Frurther, Los Imposibles,

¿Creéis que hay un buen circuito para hacer giras y darse

Lobos Negros, entre otros muchos, nos hicieron pasar

a conocer sin dejarse la piel y los ahorros en el intento?

unos años inolvidables.

No, Hay un circuito humilde en manos de emprendedores románticos (y que duren mucho) que son los que mantie-

Tú eres batería, principalmente… ¿Cómo es que has aca-

nen viva la pasión por este género. Pero los cachés son

bado de bajista en el grupo?

muy bajos y no merece la pena ir a determinados sitios

Porque no me quedó otro remedio. Cuando me invitaron

porque te cuesta caro.

a entrar en la banda la batería y la guitarra ya estaban adjudicadas, por lo tanto cuando iba a verles al local, si

«V

iví con intensidad la nueva ola y el punk porque estaba en el sitio y el momento adecuado»

queríamos tocar un rato juntos no había otra solución coger un precioso Telecaster Bass que había en el local. Me costó trabajármelo, yo había tocado el bajo cuando era muy joven y fue divertido volver al instrumento 32 años después. Los chicos me quieren mucho, me sentí muy

Manuel, una pregunta a modo particular ¿Cómo un músi-

afortunado cuando Toño me dijo: “Manuel, vamos a hacer

co que vive intensamente los años de la movida estando

una banda, esto suena muy bien, busca un nombre y elige

en contacto con gente como Trastos, Ejecutivos Agresi-

un repertorio”.

vos, Derribos Arias, Toti Árboles, Rafa Balmaseda, José Bat-

¿Qué ha significado para ti

taglio, Los Inquietos, etcétera,

haber entrado en Dark Cho-

llega a los ritmos del Blues?

colat?

Tuve la suerte de poder vivir

Un placer supremo. Es la ban-

con intensidad la mueva ola y

da con la que más he disfru-

el punk; estaba en el sitio y el

tado en toda mi vida. Tocar la

momento adecuado. Esas ex-

música que más te gusta con

periencias me enriquecieron

unos tremendos musicazos

como músico y persona y me

que además, son los mejores

marcaron de por vida. Pero la

amigos posibles es un lujazo

música negra estaba por lle-

que no está pagado. Y aquí no

gar. Y llegó, estaba escrito, soy

hay egos ni gilipolleces.

negro y estoy orgulloso de ello, sólo que no me di cuenta hasta mediados de los 80’s, cuando empecé a investigar

¿Qué proyectos tenéis para este año?

los ritmos negros que más me gustan, el blues y el soul; ya

Seguir tocando, tocar más, tocar en sitios nuevos…

no hubo vuelta atrás.

Me gustaría que nos dejases un contacto para los que Tuviste un local en Mombeltrán donde desfilaron muchos

estén interesados en teneros sobre un escenario y hacer

grupos. ¿Cómo recuerdas aquella experiencia?

disfrutar al público de una buena sesión de Soul, Blues y

“El Bar de Jonny”, sí, un tremendo local en una época ma-

R&B.

ravillosa. Fue bonito mientras duró. El escenario, con su

Lo más fácil, contactar por FB. [darkchocolatband] o por

back-line completito, de calidad y con un excelente soni-

correo electrónico: malindrummer@gmail.com.

53

solidarity por Irene Sánchez - Conciertos Solidarios

nutricocina: un proyecto de nur al ali Nutricocina surge a raíz de la tesis doctoral que actualmente está siendo elaborada por Nur Al Ali. El motivo por el cual Nur decidió lanzar este proyecto fue según nos cuenta ella misma: “a día de hoy el problema de la mala alimentación infantil es un hecho real y provoca datos alarmantes como que de cada 10 niños españoles 3 de ellos sean obesos, o que las enfermedades cardiovasculares sean la primera causa de muerte en todo el mundo”. En la actualidad existen muchas enfermedades relacionadas con la mala alimentación como el sobrepeso, la obesidad, los trastornos de la conducta alimentaria o las enfermedades cardiovasculares. La edad infantil es la edad idónea donde inculcar los pilares de la alimentación saludable para conseguir que los niños adquieran unos buenos hábitos alimentarios. Por ello, surge este programa preventivo con el objetivo de cambiar los gustos a los más pequeños.

I

nternacionalmente ha florecido un método de educación alimentaria que aún no se ha aplicado en España: la educación nutricional culinaria, constatado como uno de los mejores métodos para conseguir inculcar hábitos alimentarios saludables. Cuando los niños experimentan con los alimentos y son capaces de realizar preparaciones culinarias por sí mismos, van adquiriendo conocimientos y habilidades que duran toda la vida. El objetivo de Nutricocina es inculcar estos valores a niños de 3 a 12 años de edad, a través de una forma eficaz y divertida.

E

l programa educativo nutricional culinario de Nutricocina tiene varios objetivos: • Inculcar los hábitos alimentarios saludables en niños de 3 a 12 años de edad a través de trabajar las creencias alimentarias de los niños.

• Dotar a los niños de 3 a 12 años de edad de la habilidad culinaria, una habilidad imprescindible en la vida.

• Prevenir enfermedades relacionadas con malos hábitos de alimentación como son la obesi-

54

dad, el sobrepeso, los trastornos de la conducta alimentaria, etc. tanto en la edad infantil como en la edad adulta.

• Fomentar distintos valores: el trabajo en equipo, la paciencia, la higiene, la creatividad, la generosidad, etc.

• Promocionar la salud.

E

n el año académico 2014/2015 se instauró Nutricocina en el CEIP Daniel Vázquez Díaz de Madrid, como una actividad extraescolar y como un proyecto piloto en el cual se investigó la eficacia del método. Los primeros resultados de este método indican que los niños participantes en el programa Nutricocina: • Mejoran su adherencia a la dieta mediterránea.

• Disminuyen el miedo a probar alimentos nuevos.

• Mejoran sus conocimientos en materia de nutrición.

• Mejoran sus creencias en alimentación.

• Mejoran sus habilidades culinarias.

• Mejoran sus preferencias alimentarias.

Entrevista a Nur Al Ali ¿Qué ha supuesto para su proyecto el reconocimiento por parte de la Universidad Europea otorgándole uno de sus premios en la VII Edición de los Premios Jóvenes Emprendedores Sociales?

El haber recibido el Premio Jóvenes Emprendedores Sociales ha supuesto un gran reconocimiento a nivel nacional, en cuanto a un proyecto de emprendimiento social, y un reconocimiento a todo el trabajo realizado. Además, supone la incorporación a una gran red de emprendedores y una gran oportunidad de poder seguir formándome en aspectos necesarios en cuanto a gestión de proyectos. ¿Qué consejo daría a los padres que están desesperados porque sus hijos no comen bien?

Lo primero de todo es dar ejemplo, es muy importante que los padres se sienten en la mesa con sus hijos y que tomen todos los alimentos. Los niños normalmente imitan los hábitos de sus padres, por eso es muy importante que los padres den buen ejemplo en cuanto a los hábitos alimentarios. Asimismo, cuando un niño hace referencia a que cierto alimento no le gusta, lo mejor que se puede hacer es no dar importancia al asunto y seguir incluyendo ese alimento pero variando en la preparación culinaria.

Desde mi punto de vista, no hay un alimento que

no guste, sino un plato que no gusta, podemos involucrar al niño y pedirle que cocine un plato con ese alimento que no le gusta. ¿Debería incluirse la educación alimentaria en los colegios? ¿Cuál sería su programa ideal para esa nueva asignatura?

La educación alimentaria debería ser una materia obligaría en los colegios. Si desde que los niños son pequeños les inculcamos la importancia de comer de forma sana, conseguiremos prevenir muchas enfermedades tanto en la edad infantil así como en la edad adulta. Después de haber estado un año académico trabajando con los niños del Colegio de Educación Infantil y Primaria Daniel Vázquez Díaz (Madrid) se han conseguido cambios muy grandes en los hábitos alimenta-

rios. Así, por ejemplo, al comienzo del año académico, había una alumna que no tomaba ensalada y al finalizar el curso esa misma niña no sólo tomaba ensalada sino que era la encargada de preparar las ensaladas en su casa. Y este cambio se ha conseguido en un año académico, si este método se mantuviese durante los 9 años que los niños están en el colegio, podríamos conseguir cambios muchos más grandes.

CONTACTO: http://www.nutricocina.es/

55

big mountain Los que nunca se fueron

Más de 20 años han pasado desde la época en que estuvieron en la cresta de la ola, parados en el tope de todos los rankings, pero cuando la pasión es grande no se abandona y aunque nunca se fueron, hoy Big Mountain vuelve con más fuerza que nunca.

Gabriel Cámpora Por eso estuve dialogando con Joaquín “Quino”

Pacifico Sur, Australia, Fiji, etc. Y de concentrarnos en

McWhinney, quién nos pone al tanto del pasado, pre-

promover este disco que es el primer disco después de

sente y futuro de esta gran banda de reggae.

mucho tiempo, y estoy muy entusiasmado en conectar con la gente que nos ha apoyado en el pasado y tam-

Quino, gracias por aceptar esta entrevista. Escucho tu

bién ganar nuevos amigos.

banda desde que aparecieron a nivel mundial a principios de los 90 y realmente estoy feliz de que sigan

Han pasado más de 20 años y varios discos, la mayoría

activos. Me gustaría que me cuentes cuáles son los

de ellos, al menos en mi opinión, llenos de canciones

proyectos que tiene Big Mountain para este 2016 que

maravillosas, de esas que uno no se cansa de escuchar.

recientemente acaba de comenzar.

¿Qué es lo que ves cuando miras hacia atrás en la his-

Primero quiero decir gracias por la oportunidad y

toria de la banda?

por ayudar a Big Mountain con sus nuevos retos. En

La industria de la música puede ser muy rara, soy un

este año 2016 acabamos de lanzar un disco, a través

artista muy sensible y para mi entrar en la industria

de iTunes (aclaración: también lo pueden encontrar

de la música ha sido duro, cuando era más joven real-

en Spotify), es el primer disco de Big Mountain en

mente me resultaba difícil mantener mi energía, y creo

más de 11 años, se llama ‘Perfect Summer’ y también

que realmente no era algo que disfrutara mucho, pasé

tenemos un nuevo sencillo, grabamos la canción de

mucho tiempo con muchas inseguridades sobre mi ta-

The Beatles ‘Here Comes The Sun’ y bueno, también

lento y sobre lo que estaba pasando, este va a ser el

estamos enfocados en tocar, viajar y salir de gira.

primer disco que no estamos grabando para una dis-

Hace unos años que no estábamos muy activos, hoy

quera grande y no me gustó la relación con las disque-

en día tenemos planes de ir a África, Europa, islas del

ras mayores y por eso yo creo que después de unos

56

10 años de trabajo aproximadamente, yo ya tenía que

teníamos antes y además está tan fragmentada la es-

descansar. Entonces alrededor de 2005 cambié mucho

cena que es difícil para la gente concentrarse en algo,

mi vida, a partir de esos años me concentré mucho

quieren hacer todo y no puedes hacer todo, debes es-

más en grabar música de corazón y fue muy diverti-

coger algo, un movimiento que sea importante para ti

do porque estaba grabando música sin la influencia de

si realmente quieres hacer un buen trabajo.

una disquera, y grabé un disco que se llama “Quinazo”, es como un disco solista, como parte de esta nueva

Cuando uno habla de Big Mountain, es imposible no

etapa de mi vida y en él hablaba mucho de la cultura

recordar aquella versión de ‘Baby, I Love Your Way’

indígena y de los problemas en la frontera entre EEUU

que sonó en absolutamente todas las radios, pero me

y México, y para mi eso era medicina. Realmente creo

gustaría que me cuentes cuáles son las canciones a las

que después de los años con las grandes disqueras

que más cariño les tienes o que más satisfacciones te

quedó un poco dañado mi corazón y necesitaba des-

han dado de toda la discografía de la banda.

cansar, porque además me encanta la música reggae

Los discos que me gustan más de Big Mountain son,

y es parte de mi vida, pero forma parte de una esce-

pues de los viejitos, ‘Resistance’ me gustó mucho, me

na muy política y eso complica las cosas y puede ser

gusta escuchar ese disco y de los más nuevos creo

duro para alguien que está realmente tratando de dar

que ‘New Day’, que contiene canciones como ‘Tierra

un mensaje.

Indígena’, ‘Mama’, ‘New Day’, ‘Vibes Up Strong’, una canción que canta mi her-

¿Cómo ves la escena del reggae a nivel

mano James, ese fue uno de los últimos

mundial? Creo que se está dando una

discos en que llegamos realmente muy

especie de resurgir del género, hay más

cerca de lo que esperábamos.

bandas que nunca, muchas de ellas de gran calidad. ¿Crees que es una especie

Te considero un músico comprometido,

de moda pasajera o será que el reggae

en tus letras se refleja la postura que to-

finalmente ha llegado para quedarse?

mas frente a diferentes causas, pero sé

Me gusta ver a toda la gente interpretar

que tu compromiso va más allá de lo que

reggae dentro de su comunidad y en su

escribes y cantas. Recientemente me en-

idioma, diciendo las cosas que son im-

teré de que estuviste haciendo visitas a

portantes para ellos, es muy bonito y

jóvenes internos del llamado “Centro de

creo que el movimiento del reggae debe

diagnóstico para adolescentes” de Ense-

seguir en esa dirección, creo que el re-

nada, Baja California. ¿Qué nos puedes

ggae es una medicina y una manera de interpretar

contar de dicha experiencia?

nuestras pasiones, nuestros problemas, etc.

Siempre he tratado de ser activo en mi comunidad,

Lo que es muy diferente del movimiento actual es que

porque podemos intentar cambiar todo el mundo pero

en el pasado el reggae era como parte de un océano

primero hay que meter energía donde tu vives y ser

formado por muchos movimientos diferentes relacio-

un ejemplo con la gente que tocas. Cuando estoy en

nados a cosas que estaban pasando en ese momento,

el escenario yo puedo hablar y hablar, pero eso real-

cosas que estaban cambiando, como por ejemplo el

mente no cambia las mentes y no da esperanza e ins-

movimiento de liberación africano-americano, el mo-

piración a la gente de la misma manera que cuando

vimiento Chicano mexicano-americano, los campesi-

te ven haciendo cosas. Es difícil encontrar tiempo para

nos de los EEUU que la mayoría eran mexicanos tam-

ayudar a nuestra comunidad pero nuestra Tierra Madre

bién estaban luchando y progresando mucho, esto fue

nos necesita ahorita, nuestros pueblos nos necesitan

en la época de la Guerra Fría, entonces en ese tiempo

y ya no hay tiempo de descansar, de ignorar la situa-

los músicos de reggae eran mucho más serios, mucho

ción. Yo creo que posiblemente estemos viviendo una

más filosóficos, mucho más espirituales, leían mucho,

de las últimas generaciones de la raza humana, pero

incluso para ser música de reggae tenías que leer la

hablando específicamente de los que estaban ahí en la

Biblia, el Corán, Kebra Nagast, y también cuestiones

“cárcel”, eran jóvenes, son niños, y no he regresado, te-

relacionadas al comunismo y el capitalismo y demás, y

nía pensado regresar en diciembre pero no me dieron

eso es lo que no veo hoy.

el permiso, todavía estoy esperando el permiso para

Entre los músicos jóvenes a veces encuentro a alguien

entrar otra vez.

que me recuerda a esos tiempos pero realmente en la

Las cárceles del mundo están llenas de jóvenes que es-

mayoría no veo esa pasión, no veo esa intensidad que

tán ahí por cosas políticas y eso tenemos que cambiar-

57

lo y mandar ese mensaje a todo el mundo.

turaleza. ¿A qué se debe? ¿Big Mountain es una banda comprometida también con las cuestiones ambienta-

Hijo de madre mexicana, varias de tus letras como

les y la ecología?

‘Border Town’ o ‘Tierra Indígena’, tratan sobre las pro-

El medio ambiente es muy importante para Big Moun-

blemáticas de los mexicanos en general y principal-

tain, nuestra Madre Tierra, podemos ver en el cielo a

mente sobre los pueblos nativos. ¿Cómo ves la situa-

todas esas estrellas por la noche y tener sueños de lle-

ción actual de dichas personas?

gar a otros planetas o saber quién es

Yo crecí en San Diego, pegado con

Dios, pero estamos caminando en la

la frontera entre los EEUU y México

Tierra, nuestros cuerpos son tierra,

y experimenté todo ese ambiente,

nuestra comida viene de la Tierra,

de lo que pasa con territorios in-

nuestro aire viene de la Tierra, en-

ternacionales. La Nación, qué es la

tonces no sé por qué la raza humana

Nación? Es un país? Es una cultura,

trata tan mal a su Madre Tierra. Esta-

es gente? O es un grupo de políticos

mos muy activos en Ensenada (Baja

pendejos que están controlados por

California) tratando de crear una co-

industrias y compañías y complejos

munidad ecológica, una comunidad

industriales-militares…

que no genere tanta basura y cosas

realmente

yo no sé, yo no tengo ni un hueso patriótico para los

tóxicas. Estamos en los primeros pasos del proyecto,

EEUU, tengo un poquito más de sentimiento para Mé-

compramos un terrenito, gracias a Dios, y veremos qué

xico, para mi México es el ejemplo de dos razas cho-

pasa, yo ya no quiero vivir en una casa tóxica, yo ya no

cando fuerte y las dos razas han sobrevivido a todo,

quiero vivir con cemento, creo que podemos hacerlo,

los indígenas en México son fuertes todavía, después

podemos regresar a la Tierra pero tiene que ser algo

de 500 años, después de la conquista, todavía estamos

delicado, hay que cuidar nuestros pasos, nuestros re-

comiendo frijoles, calabaza, chía y maíz, pero yo estoy

cursos.

Nuestra raza ha estado miles de años

feliz en México, me gusta la cultura mexicana y no quiero vivir en los

viviendo en esta Tierra, pero estas úl-

EEUU, quiero a mi gente, quiero a mi

timas generación son las que van a

barrio, estoy muy orgulloso del ba-

decidir todo, estamos viviendo tiem-

rrio en el que crecí, pero los EEUU

pos críticos, hay que cambiar la men-

está muy feo ahorita, y los mexica-

te, no podemos seguir generando

nos, los chicanos, los inmigrantes

tanta basura, no podemos seguir con

están jodidos, están viviendo una

tantos químicos tóxicos, entonces el

vida injusta, con miedo, es muy di-

ejemplo empieza con nosotros, cada

fícil para un latino realmente saber

uno de nosotros tiene que realmen-

cuál es su lugar en la sociedad de los

te ver lo que puede hacer, investigar,

EEUU.

hay muchas cosas pasando por todo el mundo, hay

No tengo esperanza realmente para la comunidad de

muchas cosas bonitas que está haciendo mucha gente

los EEUU, es algo muy feo, está muy comercial, está

sobre cómo vivir la vida sin dañar el medio ambiente.

muy metida en dinero, cosas materiales, y ya me cansé de ese lugar.

Volviendo a lo musical, sé que en más de una opor-

Y hablando de eso, siempre ha sido importante para mi

tunidad han participado del festival Sunsplash, en

dar mi mensaje a la gente mexicana-americana, por-

Jamaica. ¿Cómo fue la experiencia de ser invitados a

que esos problemas que experimentan, los problemas

participar del festival más emblemático del reggae y

de identidad, cómo funcionar en un mundo capitalista,

el hecho de tocar en el país de origen de dicho género

cómo funcionar en un mundo racista y los complejos

musical?

que tienen los mexicanos relacionados a la cultura que

Sunsplash… uy hace tanto tiempo! (Risas), estamos ha-

perdieron entre los dos países, y contra eso he tratado

blando 22 años después! Fue un sueño! Fue una expe-

de batallar con todo mi corazón.

riencia atemorizante! Yo recuerdo que había un rumor de que a la gente de Jamaica no le gustaba Steel Pulse,

El arte de tapa de varios de sus discos mantiene un es-

creo que ellos tocaron como en el 92 o algo así y que

tilo claramente basado en representaciones de la na-

habían tirado botellas al escenario porque no les había

58

gustado la presentación de Steele Pulse. Entonces noso-

do en eso ya, después de muchos años en los que las

tros, claro, pensábamos “hijole”, si a la gente de Jamaica

giras no eran tan importantes, yo estaba concentrado en

no le gustaba Steele Pulse, qué van a hacer con nosotros,

otras cosas y hacer giras es mucho trabajo, y yo nun-

verdad? Entonces yo estaba muy nervioso, tratando de

ca realmente estudié “Business” y cuando estás en gira

concentrarme en nuestra presentación, pero al mismo

eso es lo que estás haciendo, estás… bueno, yo soy un

tiempo siempre con los ojos al público esperando la pri-

líder, de un negocio y eso no me gusta! (Risas). No es-

mera botella, eso fue en el 94 y también tocamos en el

toy preparado, no tengo la inspiración de hacer dinero

95 que ya fue mucho más calmado, porque además en

de esa manera, pero bueno, si quieres hacer gira tienes

el 94 fue la primera vez que fui a Jamaica en mi vida y

que tener todo eso organizado. Pero bueno, tengo un

Jamaica es un lugar muy profundo, es una cultura muy

buen manager que me ha ayudado con todo esto del

profunda, es uno de esos lugares del mundo que te va a

renacimiento de Big Mountain y estamos esperando las

enseñar mucho, mucho. Para mi la cultura de Jamaica

invitaciones latinoamericanas. Yo recuerdo que una vez

me dio unos lentes que uso para ver y discriminar las

fuimos a Argentina, tocamos en Mar Del Plata, pero si, el

cosas de este mundo, y me han servido muy bien, doy

corazón latinoamericano y los intelectuales de Latinoa-

muchas gracias, porque las cosas que me ha enseñado

mérica me han influido mucho y han influido mucho en

la cultura de Jamaica todavía me están ayudando. Hay

la música de Big Mountain, mi primer héroe era el Che

muchos movimientos que son nomás espirituales, me

Guevara y yo quiero regresar a la tierra del Che lo más

entiendes? Yo creo que hay un balance al que el espíritu

pronto posible.

tiene que llegar en este mundo, tenemos que estar metidos en las cosas que pasan en la calle y al mismo tiem-

¿Qué sueño le queda por cumplir a Quino y a Big Moun-

po tenemos que buscar adentro y también cuidar nues-

tain?

tro cuerpo, claro, con las cosas que comemos y las cosas

Queremos seguir e inspirar. Más que nada tratar de ins-

que consumimos y todo ese concepto yo lo aprendí de

pirar el nuevo Che, la nueva Frida. Tengo algunos nuevos

la cultura de Jamaica y de la gente de Jamaica.

integrantes en el grupo, jóvenes chamacos, muy buena onda y los jóvenes tienen todo el futuro en sus manos.

Me gustaría que me cuentes cuáles son los artistas que

Hay que seguir descubriendo, investigando, cosas políti-

más te han influido como cantante y compositor, tanto

cas, el capitalismo no es el fin (espero que no sea el fin),

dentro como fuera del reggae.

hay que romper este sistema, tenemos que encontrar

Siempre me ha gustado la música Pop, la música román-

una manera de acabar con el sistema que está sofocan-

tica, el amor por la música romántica me nació viendo

do el mundo. Para salvar este mundo yo creo que toda

las presentaciones de mis tíos, mis tíos son músicos, mi

la gente tiene que estar metida en cosas que ayuden a

abuelito tocó violín, entonces desde niño muy chico, pa-

la calidad de vida humana y de todas las vidas de esta

saba mucho tiempo con ellos y ellos tocaban más que

Tierra, entonces más que nada queremos animar a los

nada, lo que yo recuerdo, música mexicana, corridos,

jóvenes a que organicen su vida para encontrar un tra-

baladas, rancheras, entonces siempre ha sido algo muy

bajo que realmente ayude al mundo.

importante para mi la música mexicana. También me encantan los grupos grandes de Inglaterra, el rock. Pero yo creo que espiritualmente, no sé si conoces, artistas como Jorge Ben Jor de Brasil, artistas como los Tribalistas, Marisa Monte, música brasilera me ha influido mucho, africana, artistas como David Byrne, Talking Heads, me ayudan mucho porque nos estamos metiendo y experimentando con más música poli-rítmica y yo creo

Un disco: Tribalistas (Disco homónimo).

Un libro: Paulo Freire – La Pedagogía del oprimido.

Una comida: La comida que me gusta preparar en la casa es arroz integral con lechuga, betabel, zanahorias y un aderezo que hago a base de aceite de oliva, tahini, ajo y tofu. Es algo que como casi todos los días.

que ese es el futuro de Big Mountain, en esa dirección.

Una bebida: Kombucha, una bebida fermentada a base de un hongo, es una bebida pro-biótica.

¿Hay planes de recorrer Latinoamérica con la banda en

Una ciudad: Timbuktú, en la república de Mali. Tiene una arquitectura muy bonita y una historia increíble.

algún momento? El hecho de cantar algunas canciones en español ha ayudado mucho a que tengan una buena llegada con el público de habla hispana.

Pues si, claro, Latinoamérica es muy, muy importante para Big Mountain, y estoy muy entusiasmado con llegar y conectar con el público allá. Nos estamos concentran-

Un lugar que te quede por conocer: África e India son los lugares que me gustaría conocer, por su cultura y tantas cosas que me interesan como el yoga y la cultura espiritual.

Alguien con quien quisieras cantar: Jorge Ben Jor, un artista de samba, uno de mis héroes en la música, que me ha ayudado mucho con la música de Big Mountain.

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que juega el grupo, no irse a lo fácil e intentar recuperar un prestigio, que ya andaba bastante ajado, todo hay que decirlo, a fuerza de talento y honestidad. Un esfuerzo que merece nuestro aprobado.

Suede Night Thoughts Warner Music, 2016

El séptimo trabajo de los británicos Suede sigue la línea ascendente de su predecesor ‘Blodsports’ y al igual que aquél suena a ratos brillante y con al menos media docena de canciones de corte digno y reseñables. La épica exuberante que Brett Anderson y compañía tanto explotaron al comienzo de su carrera vuelve a estallar en este álbum, más cercano a sus primeros discos que al fabuloso ‘Dog Man Star’ que les encumbró en pleno apogeo del Brit-Pop en 1994, claro que ya no está Bernard Butler con ellos y eso se nota. El disco en general es denso, con la presencia de teclados épicos, lleno de guitarras distorsionadas en primer plano y se nota que el grupo trata de fusionar sus dos facetas musicales, la comercial y la intimista, cosa que logran en varios momentos destacables, la contundente ‘Outsiders’, el corte Pop de ‘No Tomorrow’ y ‘Like Kids’ que nos parecen hits potenciales o la apoteosis de ‘I Can’t Give Her What She Wants’ y ‘The Fur & The Feather’ que cierra el disco.

Una obra pensada para escuchar de un tirón ya que las canciones están enlazadas entre sí, una circunstancia tal vez atrevida en los tiempos que corren, donde casi nadie se para a degustar de forma tranquila un disco completo. Pero esta es una de las bazas con las

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david bowie blackstar iso/sony, 2016

David Bowie se ha marchado del planeta Tierra a lo grande, no podía ser menos viniendo de él.

Ha logrado que el alumbramiento de este disco se convirtiera en la noticia más esperada de los últimos meses, incluso antes de que nadie lo hubiera escuchado ni, por supuesto, sospecháramos que era una despedida a modo de un testamento que presagiaba su fallecimiento.

Bowie es venerado, como solo se venera a los dioses, respetado por la crítica, compañeros de profesión y público a base de cimentar una carrera irrefutable y por negarse a mirar hacia atrás, alejándose de la vulgaridad en su búsqueda de lo imposible. Siempre fue un esteta y con los años su bagaje cultural se ha enriquecido, alejado de modas y corsés, sobre todo en la última etapa fuera de los focos y de ese continuo examen crítico desde su crisis cardiaca de 2004. Un silencio mediático solo roto por la edición de ‘The Next Day’ en 2013,

un álbum con el que finiquitaba el trabajo con los músicos de su última banda saldando, de alguna manera, cuentas pendientes.

‘Blackstar’ es otra cosa, un disco cuyo enigma comienza en el mismo título, una estrella negra de cinco puntas, una clave que nos introduce en una obra que funde angustia y melancolía fruto de un visionario del show business que se sabe cercano a la senectud y tal vez la muerte. Hay quién compara esta obra a ‘Station To Station’ de 1976, otro álbum rompedor en su momento con el que podría compartir cierto espíritu de desamparo y de abstracción vanguardista, también supongo que por abrirlo igualmente con una larga pieza que ronda los 10 minutos. Pero no es el caso, aquí Bowie firma alianza con un grupo de jazz para grabar algo que no es ni rock, ni pop ni jazz, apuntando vestigios de algo diferente que hubiera podido llevarle por nuevos e ignotos caminos musicales. Tan solo la presencia de su cómplice y productor Tony Visconti le une al pasado común, porque los arreglos de atmósferas inquietantes sin guitarras y plenos de arrebatados solos de saxo de Donny McCaslin son otra cosa, incluso la interpretación vocal que asume se acerca más que nunca al estilo melodramático de su admirado Scott Walker. Además, el misterio continúa en unas letras con mensajes crípticos acentuados por desasosegantes vídeos como los que ilustran ‘Lazarus’ y la propia ‘Blackstar’. En el último estertor y fiel a su iconoclasta personalidad, David Bowie vuelve a reinventarse regalándonos un disco complejo, de difícil asimilación, que tardaremos tiempo en digerir. Lo ha vuelto a hacer, rizar el rizo sincronizando lanzamiento de nuevo disco, cumpleaños y defunción es una lección magistral que cierra una carrera irrepetible. Genio y figura hasta la sepultura.

Savages Adore Life

Villagers Where Have You Been All My Life

Matador / Popstock!, 2016

Domino, 2016

Nuevo asalto de Savages a los estudios, una banda femenina que debutó hace un par de años con ‘Silence Yourself’, un guiño arty de post-punk deudor de Siouxie And The Banshees y PJ Harvey, un disco lleno de declaraciones desafiantes sobre sus ideales independientes que causó un buen revuelo. Las chicas nos entregan ahora una nueva tanda de trallazos abrasivos bajo el título ‘Adore Life’. Canciones ruidosas y malsanas en la mejor tradición de un estilo que destacó por su incorrección e imagen provocativa. El difícil reto que supone una segunda obra, cuando la primera ha llamado la atención, es un tópico habitual que puede afianzar o cargarse una prometedora carrera, pero aquí se resuelve con notable. Estas cuatro chicas de imagen adusta, negro riguroso y con unos directos volcánicos y sin concesiones teatrales al respetable siguen en su línea de ataque frontal y suenan tan audaces como en su debut pero con una precisión instrumental ascendente que impone. La manida temática de los avatares del amor que sorprendentemente abarca todas las letras, deja de ser dulce y relamida en manos de Savages, convirtiéndose en desesperados gritos de ansiedad y sexo instintivo, arrogantes retos de posesión y dominio sobre comer y ser comido pero sin excesiva acritud, es más, al final todas las historias se resuelven con un innegable cariz de ternura o una fina ironía. La cantante Jehnny Bet comenta que las canciones tienen una responsabilidad social y que creer que no tienen un impacto en el público es ser muy pobre de espíritu. Deduzco que tras la intimidante y andrógina imagen que refleja la banda se esconde un corazón latente y no tan rocoso como nos quieren hacer creer. Esa ira instrumental con la que adornan los temas de forma obsesiva en plan torbellino no es más que un medio aceptable para trillar sus propias contradicciones vitales. Ahora bien, ponte a escuchar ‘The Answer’ que abre el disco y te pondrá los pelos de punta. Un chute de adrenalina trasladable al resto de las canciones que vienen luego. Avisados quedáis.

Muchos artistas recurren a la opción de regrabar una selección de sus mejores canciones porque atraviesan periodos de sequía compositiva, por nostalgia de recuperar momentos brillantes que se perdieron o por cerrar definitivamente el expediente haciendo caja.

Pero no es el caso Conor J. O’Brien que aprovechó el final de la gira de presentación de su último disco ‘Darling Arithmetic’ el pasado verano para, junto con su banda, volver a grabar parte de su repertorio tal y como lo interpretan ahora en directo con unos arreglos suaves y orgánicos de Folk-Rock. Canciones vestidas por acústicas, teclados, contrabajo y batería con escobillas que en su mayoría difieren de los originales que habíamos escuchado anteriormente, sobre todo los que incluían pistas electrónicas. La mitad de este nuevo disco recrea obviamente nuevas relecturas del ‘Darling Arithmetic’, pero merece la pena volver a escuchar la maravillosa ‘Careen’ con un arreglo excepcional y casi mágico. También la recuperada ‘Memoir’ que ya había versionado Charlotte Gainsbourg o ‘My Lighthouse’, ‘That Day’ y ‘The Soul Serene’ que cobran una nueva dimensión.

Grabado en un solo día y en directo, constituye un bonito recuerdo para los seguidores de Villagers que hayan disfrutado de alguno de sus conciertos, e imagino que también un disfrute para Conor O’Brien por si no tuviera posibilidad de reunir a los mismos músicos en el futuro.

El disco se cierra con una versión de ‘Wichita Lineman’ de Jimmy Webb, un clásico que fue popularizado por Glenn Campbell allá por 1968.

61

La Calle 46: the housemartins por Manel Ramodne

pop modernista del pueblo y para el pueblo

H

oy en día por desgracia están algo olvidados, sobretodo,

ser unos adocenados músicos nuevos ricos, tan burgueses,

por las generaciones más jovenes. Para algunos son

frívolos y estúpidos como la oligarquia capitalista de la que

recordados únicamente como la banda donde se inició

tanto despotricaban. Quizás por ello, decidieron dejarlo pronto.

en la música Mr. Norman Cook, el personaje del grupo que hay

También las diferencias musicales tuvieron su importancia. El

detrás de exitosos proyectos de música electrónica de baile

hecho de acceder al mainstream no quita que desgraciadamente

como Freak Power y sobretodo, Fatboy Slim. A pesar de todo, The

después de años de fama, de tocar en directo sin parar y ganar

Housemartins eran una gran banda pop de muy grato recuerdo

dinero, su abrupta y repentina disolución en 1988 haya empañado

para todos los amantes de la mejor música de los 80. Tuvieron

en parte su recuerdo. Con todo, su legado discográfico y

una vida breve, menos de 5 años, de finales del 83 al 88. En esos

las carreras posteriores de su cantante, Paul Heaton, en The

años tan sólo editaron dos discos grandes, pero eso sí, un buen

Beautiful South, y su segundo bajista, Norman Cook en Freak

puñado de singles, 9, hasta que algunos de sus miembros, una

Power y Fatboy Slim, no hacen sino que corroborar la valía de

vez en la cima, quizás asquedados ante el panorama que les que

esta gran apuesta musical.

suponía convertirse en una banda de radiofórmula, decidieron acabar de repente con el proyecto Housemartins y montarse otros proyectos personales.

N

o estamos hablando de una banda de culto, ya sea mod o no, sólo conocida por una excelsa minoria de melómanos.

¿Los Housemartins, banda mod?

N

o es por entrar en polémicas tontas. La crítica los consideró en su momento sólo un grupo indie de pop inglés o de

jangle pop. Y todavía lo hace. Ellos tampoco se pusieron la

Fueron desde el principio una banda exitosa, sobretodo en UK

etiqueta encima ni se declararon mods. Además toca recordar

y otros paises de Europa, también España, donde sus singles

que los mods de su época, la segunda mitad de los 80, (ojo,

vendieron mucho, sonaron con profusión en la radio y sus

muchos venian de ser los protagonistas del Revival mod 79-83),

divertidos videoclips les hicieron muy conocidos. En EEUU, en

en general, desdeñaron cruelmente de The Housemartins. Por

cambio, fueron una banda de culto. Allí o no se los tomaron muy

diversas razones: una, los consideraban unos como mucho unos

en serio o los tenian como la típica banda británica de pop made

mods tardios, de pueblo (eran de Hull, para ellos un pueblucho

in UK.

de paletos) y poppies blanditos, ñoños, de plástico. En resumen,

Las características más genuinas del grupo fueron una, sus letras

sin un estilo musical y una manera de vestir demasiado retro

comprometidas (eran un grupo de ideología socialista marxista)

60, ni cuidada ni elegante. Y es que en parte tenian razón. The

y dos, su peculiar sentido del humor, típicamente británico, lleno

Housemartins no eran unos mods de piedra picada, ni tampoco

de sarcasmo y parodia social. Quizá ese éxito tan arrollador y

unos músicos guapitos prefabricados ni unos enfermos de las

tan rápido les enfrentó moralmente a sus profundas ideas de

modas. Tampoco buscaban ser unos meros clones de nadie ni

socialismo laborista, les dió miedo a acabar como otros músicos

de los modelos modernistas de los 60 por mucho que amaran

de “izquierda”, coetaneos o anteriores a ellos, que pasaron

la música de esos años. Ellos, inteligentemente, desdeñaron

de vender la revolución y la utopía de los parias de la tierra a

encabezar la tribu urbana ni apuntarse a la moda del momento,

63

prefirieron ir a la suya. Quizá por ello no entran candidatura en el reino mod. Como pasa con en sus letras ni la temáticas típicas del Revival The Buzzcocks que son unos mods punks, o mod y sus preocupaciones de jovencito pavo

Madness que son unos mods pop-skatalíticos,

real mod, ni las nostalgias retro del 60s Swinging

pues The Housemartins son unos mods poppies y

London, las noches de anfetas o las batallas en la encantadores, como The Times, Los Flechazos o playas de Brighton o Margate. La siguiente razón Squire. Adelante, pues, The Housemartins. era el marcado toque político de algunas de las mejores letras de su cancionero, además de sus declaraciones comprometidas y manifestaciones públicas. Eran socialistas convencidos, marxistas, aunque mezclaran su laborismo con un ambiguo

Estilo

T

he Housemartins fueron, según mi opinión, una especie de artefacto pop del vagón de

toque sui generis de cristianismo anglicano (de cola del Revival Mod inglés del 79, que llegó tarde indudable raíz pagana, rural y popular británica) y provinía del profundo ser del espíritu obrerista que les hizo sospechosos para los más puristas

británico. Su estilo se puede calificar en general

de la izquierda. Esto les separaba de buena parte

de Jangle-Pop costumbrista, alegre, popular y

del grueso del modernismo, de entrada apolítico, juvenil cargado con el típico humor sarcástico, individualista y/o escapista.

paródico y algo absurdo de los ingleses. Sobretodo

Y una última razón, quizá la más trivial, pero en los primeros años. En el segundo Lp mezclaron seguro la más obvia. Hacian música pop (“indie”,

su humor habitual con toques más“serios”. Su

la llamaban los listos de los periodistas musicales

socialismo laborista, omnipresente en sus letras

ingleses, cajón de sastre donde igual cabian The iniciales se fue “cristianizando” ligeramente, más Housemartins, The Church o Pixies), para todos de una manera fetichista y pagana que real, en el los públicos. Todo ello, lógicamente, tambien segundo disco. les alejaba de los mods, cuyo sibaritismo esnob,

No cabe duda que eran musicalmente mucho

espíritu gremial y orgullo de secta privilegiada más suaves y poppies que el grueso de bandas y rechazo a todo lo masivo, a todo lo vulgar, del anfetamínico Revival Mod (a veces cercanas al comercial, “mainstream” es conocido de todos.

punk como los primeros The Jam o The Chords).

Nuestros chicos gustaban de hacer bonitas

R

ecordemos que en la segunda mitad de los 80,

canciones de 3 minutos, de guitarras suaves y

después del declive de las bandas del Revival bajo juguetón, piano, harmónica y coros, todo

Mod 79 en 1982-83 la escena mod superviviente en una onda muy The Beatles pero modernizado. se

diversificó

en

diversas

tendencias.

Los Otros temas más lentos debian mucho al soul,

nuevos conjuntos o propuestas musicales más al gospel, al doo-woop. repletas de melodias o menos “modernistas” que nacerian a partir cuidadas con perenne mensaje de izquierdas, del 84-85 vascularon entre continuar con el pero, eso sí, dirigidas al gran publico, a todos; pop

(o

powerpop)

anterior,

muchas

veces Heaton, su cantante, cerebro, líder y compositor

modernizándolo con nuevos hallazgos soul, funk, principal, además de admitir unas influencias jazzsoul, jazzfunk de hammond-grooves, techno, sesenteras obvias, a saber, The Beatles, The Kinks, (Orange Juice, Makin’ Time, The Style Council,

The Who, Small Faces, Bob Dylan, Donovan, The

James Taylor Quartet y a finales de década las Byrds, R&B y soul negro, gospel y doo-wop. Con bandas del Acid jazz, Paul Weller en solitario y en todo Heaton decía que lo que le motivó a formar los 90 el Brit-pop con Blur, The Charlatans, Oasis, la banda fueron la irrupción del punk del 77 con Ocean Colour Scene...), meterse de lleno en la la rabia de The Sex Pistols, con la música, estilo y subcultura del baile estiloso y sin fin del Northern actitud de los The Jam, cosa que se nota bastante, Soul, atacar con ska-pop tipo Madness o similares

y el mensaje social y político revolucionario de las

o introducirse de lleno en la culto retro sesentera,

canciones de The Clash.

para reencontrar las raices del movimiento en el R&B, el Freakbeat y el Garage más o menos psicodélico (The Prisoners, Solarfrares, Grahan Day And The Gaolers, The Mighty Caesars/

E

ran unos jovencitos ingleses de provincias de clase trabajadora que se lanzaron a

hacer pop al margen de las multis en los años

Headcoats/Billy Childish, The Clique...)

duros del thatcherismo en su pais. No vendian

En resumen y para huir de debates tontos

imagen ni eran unos modernillos de peluquería y

sobre etiquetas, aunque no eran una banda

maquinitas. Por ello cabe deducir que se hicieron

modernista “estrico sensu” tenian las suficientes

famosos únicamente por la calidad de su música.

características

Su pop era una mezcla de arreglos preciosistas

64

mods

para

ser

admitida

su

de guitarra y bajo (con coros bonitos, y en el segundo Lp metieron

pasado medieval, universidad y puerto de mar. Aunque para

más arreglos de de piano y a veces vientos), que construian temas

muchos británicos Hull es una de las ciudades mas aburridas de

de 3 minutos superpegadizos, de innegable base 6T, muy en la

la nación; existe el dicho “Hull is dull” (en español “Hull es soso”)

linea The Beatles-The Kinks, mezclados con una fuerte influencia

para denigrarla. De allí surgieron además de los Housemartins otras

del gospel y del soul americano negro con un cierto toque de folk

bandas interesantes en los 80 como The Gargoyles, Everything But

hippy bucólico. Singles como ‘Happy Hour’, ‘Five Get Over Excited’

The Girl o Red Guitars.

o ‘Me And The Farmer’ presentaban su cara más afilada, acelerada y alegre. Otros, en cambio, como ‘Build’, ‘Bow Down’, ‘Think For A Minute’ o su versión superventas del ya de por si famoso ‘Caravan Of Love’ de los Isley Brothers, darán su imagen más suave, baladista,

L

a banda la fundaron a finales del año 1983 Paul Heaton, vocalista/ harmónica/guitarra/piano y un amigo suyo, el también

guitarrista Stan Cullimore, en un principio como dúo callejero. Este

un poco tristona y melancólica.

sería el corazón estable del grupo a lo largo de toda su vida como tal. Heaton

Look peculiar

se anunciaba como P.D. Heaton. Como dúo graban una demo en cassette

N

o se pusieron la bandera de ninguna

compartida con el músico Ingo Dewsnap

moda, sólo eran una estupenda

de la oscura banda postpunk Les Zega

banda de pop pluscuamperfecto, que

Fleurs. Esta llama la atención de la

muchos, mods o no, recordamos aún

compañía independiente Go! Discs que

con cariño. Su look era peculiar: llevaron

los ficha de inmediato. Con contrato en

siempre el pelo muy corto, como el

mano deciden ampliar la formación para

cortado en la mili o al cepillo, un aire

llegar a ser un cuarteto pop. Comienzan

que recordaba el lejano estilo “working

las entradas constantes de personal,

class” de los “suedeheads” y los primeros

en el bajo y sobretodo en la batería:

“skinheads” de finales de los 60. En sus

Ted Key al bajo (ex-The Gargoyles) y el

primeros años del 83 al 86 aún lucian una

batería Justin Patrick (prestado de otro

imagen más mod, a veces con trajes de

grupo llamado Udomsuksa). Este último

2 botones, polos Lacoste o Fred Perry,

permanecerá en el grupo muy poco

cardigans, chalecos de lana, camisas sencillas de obrero, a veces

tiempo siendo subtituido por Chris Land, que tambien durará unos

tirantes, zapatos baratos, pantalones de tergal. A partir del 86 y la

meses. El primer batería oficial de la banda sería Hugh Whitaker,

entrada de un nuevo batería, Dave Hemmingway, se decantaron

el carismático y feote ex batera de The Gargoyles, que aporreó los

por un look más sport, casual hooligan, consistente en jeans

tambores en la primera etapa del combo y con el que grabaran los

azules, zapatillas de deporte, polos, sudaderas y chubasqueros

primeros 7” y su primer Lp.

coloridos. Aún recuerdo las discusiones en los 80 con amiguetes al malinterpretarlos por su look como un grupo “neo pijo”. En la segunda mitad de los 80 si no eras mod clásico de parka y traje, garajero a lo Fuzztones, heavy, skinhead, rocker, punkie o siniestro,

D

ebutan en directo en octubre del 84 en la Universidad de Hull.

Con esta formación se estrenan en la edición discográfica con

un primer single para Go! Discs llamado ‘Flag Day’ y el tema ‘Stand

eras indefectiblemente, un “pijo”. Que le vamos a hacer, siempre

At Easy’ en la cara b. Esta canción de temática política es una balada

hay gente simplista.

relajada muy soulie. Característica importante del grupo: mezclar

Su cantante, frontman e ideólogo Paul Heaton era un tipo

crítica política y letras comprometidas sobre las duras condiciones

peculiar, inteligente, ciertamente culto, aunque no muy agraciado

de vida de los obreros con melodias dulces.

físicamente (parecía mayor a la edad que tenía realmente) gozaba

Después de editar este sencillo el bajista Ted Key deciden largarse.

de una muy buena voz soul, blanca, un don único para hacer

Eso sí, después de dejar grabado un segundo single, ‘Sheep’, con

melodias sencillas pero superefectivas y buena prosa socialista.

el tema ‘Drop Down Dead’ en la cara b. ‘Sheep’ es una canción algo

En definitiva un compositor y un letrista magnífico. Su compañero

más acelerada que la anterior, de lleno en la linea de Jangle Pop que

de batallas compositivas será Stan Cullimore, el otro guitarrista, el

grupos como The Smiths o Aztec Camera tambien practicaban por

guapito del grupo, con gafitas de intelectual y pinta de empollón

esos años. Cabe decir, a pesar de lo que dijeran algunos periodistas

de colegio de pago. Cullimore no le iba a la zaga a Heaton en la

tontos que el estilo de The Housemartins es bastante diferente al

maestría para escribir canciones redondas de pop perfecto. La

de éstas bandas inglesas u otras de estilo semejante que surgieron

mayoría de las canciones del grupo son de ambos.

en EEUU y Australia. Las retóricas seudo-poéticas, epatantes,

Música popular, del pueblo y para el pueblo

P

artificiales, intelectualistas y engoladas de tipos como Morrissey o Roddy Frame no tenían nada que ver con la sencillez y claridad de las letras de Paul Heaton. Lo tomas o lo dejas, cada uno tiene su

rovenian de la ciudad de Hull, (llamada oficialmente Kington

estilo. The Smiths no eran The Housemartins.

upon Hull), capital del condado histórico del East Riding de

Para substituir a Key al bajo entra en la formación un tipo peculiar,

Yorkshire, localidad de la costa nordeste de Gran Bretaña con

muy alto y rubio, llamado Norman Cook, proviniente de Bromley

65

en el condado de Kent. Con esta formación ya fijada, Heaton,

al menos no se lo tomaron con tanto humor. Peor para ellos.

Cullimore, Cook y Whitaker, graban dos sesiones de radio para el

Como curiosidad cabe decir que la reedición en formato Cd

programa de la BBC de John Peel y un tercer single, ‘Happy Hour’,

del disco incluyen 4 temas extras que estaban en caras b de sus

que supondrá su auténtico estallido comercial y la mejor carta de

maxis. Dos temazos, un instrumental ‘The Mighty Ship’, que es la

presentación para su primer Lp, ‘London 0 Hull 4’, y sus actuaciones

sublimación pop de los The Jam del ‘Town Called Malice’, con una

en vivo. La canción se ayudó de un estupendo, divertido y jocoso

harmónica enfebrecida, el doo-woop angelical ‘He Ain’t Heavy’,

videoclip hecho con muñecos de plastilina animados que figuraban

‘He’s My Brother’ y 2 versiones soul interesantes: el clásico ‘People

a los miembros del grupo parodiando el típico grupo de ejecutivos

Get Ready’ de Curtis Mayfield And The Impressions y ‘I’ll Be Your

o señoritos ingleses, muy tontorrones ellos, en la conocida UK como

Shelter’ de Lloyd Chambers.

“hora feliz”, el momento del dia en el que suelen ir muchos británicos a emborracharse a los pubs con bebidas alcohólicas a mitad de precio. El 7” de ‘Happy Hour’ fue un éxito rotundo, llegó al nº 3 en las listas británicas y definitivamente les convirtió en una banda hiper conocida. Un gran tema pop que se convirtió en un clásico de su repertorio y en sus directos.

‘London 0 Hull 4’. 1986. El primer disco grande.

Banda revelación en Gran Bretaña

‘The People Who Grinned Themselves To Death’. 1987. El segundo disco y definitivo

C

omo ya hemos dicho el éxito del primer disco los hizo banda revelación del 1986. Así pues, al grupo no les faltaron bolos,

actuaciones televisivas en la BBC, Top Of The Pops, y atención mediática en la prensa musical inglesa y en los tabloides londinenses.

Las criticas de su disco y singles fueron en general buenas y su fama crecía. El difícil segundo disco sería cosa de poco tiempo. A finales

A

l poco de editar el single sacaron el esperado primer Lp oficial,

de ese año editan un tema que habian grabado en abril del 86 para

‘London 0 Hull 4’. Un discazo que llegó al numero 3 en listas UK.

una Peel Session. Este será el que se convierta en su mayor éxito. La

La portada mostraba una imagen muy jazzie, parecida a los diseños

versión cantada “a cappella” de un tema de 1985, de soul 80s algo

de Fred Lyon para el mítico sello de jazz Blue Note en la que vemos

edulcorado y ñoño de Isley-Jasper-Isley (la mitad de los míticos

una imagen en verde del cantante, Paul Heaton, en el estudio

Isley Brothers, pero no los de R&B 60s, sino los del 3+3 setentero), el

levantando el brazo y vestido de blanco con el famoso cárdigan de

famoso ‘Caravan Of Love’. Les llevará al número 1 en listas de ventas

nudos. El disco contenía 12 temas,

en Gran Bretaña en las navidades

incluidos los 3 singles previos. En

del 86. Muchos viejos fans del grupo

este largo había un poco de todas

refunfuñaron y odiaron a muerte la

las facetas del grupo: arrebatos a

canción, que veian como un pastel

los The Clash, a lo primeros The Jam

gospel que sería por desgracia carne

en ‘We’re Not Deep’, temazos de

de radiofórmula.

R&B puro, duro, bailable y mod, con

En esa época grabaron e hicieron

una letra brutal como ‘Freedom’, un

algun bolo de música “a capella” y

tema que es una especie de mezcla

gospel, esporádicamente, como en

de The Police con Billy Bragg como

broma, con una alter ego band, con

‘Anxious’,

el nombre de The Fish City Five,

un

tema

instrumental

de powerpop clashista, ‘Reverend Revenge’, canciones del estilo de los mejores The Jam y Elvis Costello como ‘Sitting On A Fence’ y ‘Over There’, medios tiempos relajados como ‘Think For A Minute’, baladones soul casi de jazz vocal a lo Nina Simone o Ella Fitzgerald como ‘Lean On Me’.

E

nombre sugerido por John Peel.

E

l cambio de año vino acompañado de la salida del batería Hugh Whitaker y la entrada de Dave Hemingway, fornido batera amigo

personal de Heaton. En 1987, con nuevo batería y muchas ganas se meten en estudio y sacan su segundo Lp, de nombre larguísismo y significado de tonos épicos, ‘The People Who Grinned Themselves

s un gran disco con grandes canciones, letras comprometidas

To Death’, que traducido al castellano significa algo así como “Las

sobre el resentimiento obrero contra la explotación y la lucha

personas, (o el pueblo, people en inglés puede ser personas y

de los más desfavorecidos por sobrevivir dia a dia. El ejemplo de lo

pueblo) que sonreía/n a la muerte”.

que era el puro sonido The Housemartins seria la canción ‘We`re

Otra vez 12 canciones estupendas, mismo estilo, pildorazos directos

Not Deep’, que además es una declaración de principios. El éxito

de pop alegre y simpático, pero con un tono algo más serio y

arrollador del disco y la sensación creada alrededor del grupo hizo

maduro en algunos pasajes del Lp. Tres singles muy exitosos y

que fueran premiados con el premio BPI a la mejor banda revelación

super pegadizos se editaron de este trabajo: ‘Five Get Over Excited’,

novel británica de 1986.

el famoso tema conocido por todos como su tonadilla repetitiva

El título del disco creó cierta controversia en Gran Bretaña: ‘London

“fun fun fun”, la irresistible y chachonda ‘Me And The Farmer’ y

0 Hull 4’ era una broma paródica en forma de resultado futbolístico

‘Build’, un baladón melancólico que parece obra de los mejores

que servia de analogía del orgullo local de los chicos de una

Lennon y McCartney. Otros temas muy interesantes y míticos de

pequeña ciudad de provincias, Hull, contra Londres, la rica, enorme

este magnifico disco además de estos tres señalados antes son,

y todopoderosa capital del estado. Algunos no lo entendieron así o

según mi gusto, la que abre el disco, homónima al título del mismo,

66

magnifica, ‘The People Who Grinned Thelselves To Death’, un personal y artística. La fama y el éxito inusitado alcanzado por brutal alegato antimonárquico, ‘Bow Down’, temazo de pop mod,

Cook como Fatboy Slim en los 90 dan a su pasado musical en The

todo un homenaje al soul a la Motown (o Northern soul para los Housemartins un significado nuevo. No es este el tipo de música más integristas) con arreglos de viento incluidos, la melancólica que más atrae al que esto os escribe pero os ha de reconococer y preciosa balada ‘The Light Is Always Green’ (que para mi se

con toda sinceridad que algunos de los discos de Fatboy Slim, en

merienda a todas las babosadas de Morrissey).

especial ‘You’ve Come A Long Way’, me parece estupendo. Deja a

Tambien hay momentos en el disco duros y acelerados, como Me The Chemical Brothers y a otros popes de la música electrónica de And The Farmer’ o otros que recuerdan a los del primer Lp como baile moderna a la altura del betún. en ‘The World’s On Fire’, con letras de lucha y conciencia social, un Paul P.D. Heaton, el líder y cantante, se llevó al bataca Dave instrumental marca de la casa lleno de hammond, ‘Pirate Aggro’,

Hemmingway y a un roadie de los “martins” a su nuevo proyecto

y un tema acústico y triste llamado ‘Johannesburg’, dedicado

de pop adulto, The Beautiful South, al que añadiría otros músicos

a la lucha de los sudafricanos negros contra el Apartheid. Disco

entre ellos una mujer. Musicalmente más cercanos al pop de su

estupendo y adictivo. Para mi el mejor de los dos. La portada de

banda anterior, aunque sin la jovialidad ni el gancho anterior, sólo

por sí ya era rompedora: instantánea en blanco y negro de un

consiguirian algunos éxitos puntuales en su pais, Gran Bretaña,

chico joven de clase obrera, de pelo muy corto y chaqueta vaquera a finales de los 80 y primeros 90. Luego desaparecieron del tomada por atrás, desde su espalda. En España el disco fue todo panorama musical sin dejar rastro. un superventas y los hizo famosísimos entre la chavalería española

H

de ese año 1987.

acía el final de 1988 se editó la primera

Ruptura repentina de la banda y nuevos proyectos en marcha

recopilación

oficial

de

todos sus singles, alguna cara b y rarezas de The Housemartins

llamada

‘Now, That’s What I Call

D

espues

de

el

People...’

‘The

editado

Quite Good’ (“Ahora esto es

el

lo que yo llamo realmente

grupo se embarcó en una

bueno”). Luego se editarian

largo tour y en la campaña

un montón más, ya en

promocional que los llevó

formato

por medio mundo. Y en la

un

cresta de la ola, cuando lo

grupo y un consumismo

más lógico hubiera sido

nostálgico del público que

meterse en el estudio a

no paraba: ‘The Best Of

componer

The Housemartins’ (1989)

y

grabar

un

Cd,

recuerdo

para

nutrir

hacía

el

nuevo, tercer Lp, saltó la noticia: verano del 88, The Housemartins y ‘Idem’ (2004), ‘Soup, The Best Of The Beautiful South And The anuncian oficialmente su disolución, justificando que ellos solo

Housemartins’ (2007), ‘Happy Hour-The Collection’ (2011). Cabe

intentaron estar juntos tres años. El shock para los fans fue destacar entre todo este superfluo material post-mortem del tremendo. Dejó huerfanos a miles de chavales enganchados a sus grupo la edición del disco ‘Live At The BBC’ (2006), interesante Cd 2 discos. La realidad es que las diferencias entre Heaton y Cook,

con buen sonido con todas las tomas en directo de sus diversas

musicales y de carácter eran notorias.

sesiones para el programa de John Peel en la BBC, un par de temas

A

de un live suyo en el festival de Glastonbury el 29 de noviembre del

demas del vértigo lógico al que antes me he referido que 86 y casi un bolo entero, 6 temas, de un concierto en Nottingham la fama, el éxito rápido y el dinero caido del cielo, podía

crear en las conciencias de unos chavales de izquierdas de Hull, la realidad era que además había un conflicto artístico y musical soterrado y latente, en el interior del grupo. Paul Heaton quería

el 30 de septiembre del 87.

A

modo de anécdota curiosa de la vida cabe comentar que el batería original del grupo Hugh Whitaker, el feote, acabó

hacer música y llevar al grupo a una linea más cercana al jazz- en 1993 en la cárcel por atacar con arma de fuego a un socio de pop sofisticado y maduro, como quedará demostrado luego en negocios. su trabajo en The Beautiful South. Norman Cook, el bajista, en Hace poco hubo una reunión puntual del grupo para una entrevista cambio, estaba interesado por el funk y la música electrónica de

televisiva de tono nostalgico. Heaton dejó bien claro que el grupo

baile como el House o el Big Beat y quería llevar al grupo a ese no se reuniría nunca. terreno. Su trabajo posterior como productor, autor de música

Por este mes ya hay bastante, ahora tocar disfrutar a vosotros de

tecno y DJ en proyectos como Beats International, Freak Power la música eterna de este gran grupo de pop, The Housemartins. y sobretodo en Fatboy Slim, dan buena muestra de su inquietud

Que os aproveche.

67

libros Colele: Memorias De Un Baterista Rebelde José Antonio Sanchís Tormo Pasión Por Los Libros, 2015 José Zamora Linares

La pluma de José Antonio Sanchís se pone al servicio de la historia de Colele, el batería valenciano más reconocido a todos los niveles en cuanto a música se refiere.

En este libro se hace un recorrido a través de la historia de Colele (Desde su infancia hasta el día de hoy). Y sí, también conoceréis, como no, su etapa con Bruno Lomas. Como se conocieron, las giras, la grabación de lo que fue el primer Lp en directo español y alguna que otra anécdota divertida. ¿Os acordáis de aquel programa de televisión llamado Si Yo Fuera Presidente de Fernando García Tola, en el que siempre salía una orquesta? Esa Orquesta era Orxateta i Fartons y ese batería era, ni más ni menos que Colele.

Todo esto y mucho más lo encontraréis en este libro que, además, está lleno de ilustraciones y fotografías que no tienen desperdicio alguno.

El Rock And Roll De Los Prodigios Teo Serrano Editorial Milenio, 2015 Ricky Rodríguez

Primera novela de Teo Serrano, músico, escritor, pensador, filósofo y sobre todo ROCKER. En ella nos propone un viaje a través del tiempo y el espacio en el que nos traslada a las calles de la Barcelona de finales de los 70 y primeros de los 80’s, en las que un grupo de jóvenes deciden vestirse de cuero y apostar por el rock and roll. No lo tuvieron fácil, iban a contracorriente y se tuvieron que enfrentar a todo y a todos. Para colmo los protagonistas de la historia no eran unos rockers a la sazón, su amor por los sonidos punks les granjeaba la enemistad del sector más purista y reaccionario de su escena.

Si con esta descripción no basta, aclararé que Teo Serrano era el bajista y fundador de Intocables, la salvaje banda que acompañaba a Loquillo (con los que grabó sus dos primeros discos; ‘Los Tiempos Están Cambiando’ y ‘Autopista’), pura historia del rock patrio.

69

regreso al cine por Vicente Ribas

dentro del laberinto D

entro Del Laberinto (Labyrinth, 1986) es una comedia fantástica estadounidense dirigida por Jim Henson, fallecido en mayo de 1990, y conocido por ser el creador de los populares Los Teleñecos.

Hay dos notables excepciones en el reparto que está en su mayoría conformado por títeres y seres fantásticos: la guapa Jennifer Connelly (Sarah), siendo este su cuarto filme, y el músico y recientemente fallecido David Bowie (Jareth, El Rey De Los Goblins), que además escribió e interpretó algunas de las canciones incluidas en el largo. La película contó con el respaldo y la producción ejecutiva de George Lucas.

Muchas de las características y personajes en la película están basados en diseños hechos por Brian Froud, quien ya había colaborado previamente con Jim Henson en Cristal Oscuro (1982).

Cabe mencionar que el hijo pequeño de Froud, Toby Froud, interpreta a Toby, el hermanito menor de Sarah. na noche el padre y la madrastra de Sarah, una adolescente con una imaginación desbordante, se preparan para salir a una reunión. Para ello, la joven, inconforme, debe quedarse a cargo de su medio hermano Toby para cuidarlo. La chica, enfadada por tener que lidiar con el pequeño quien no deja de llorar, en un arrebato pide (casi inadvertidamente) al Rey De Los Goblins, Jareth, un personaje de su libro de fantasía favorito llamado Laberinto, que se lleve consigo a su hermano, diciendo las palabras: Ojalá viniesen los Goblins y se te llevasen… Sin prever que daría resultado su deseo se cumpliría. A continuación El Rey Jareth se muestra ante ella diciéndole que para recuperar a su hermano cuenta con 13 horas en cuyo transcurso debe resolver su laberinto y llegar hasta su castillo, si es que quiere evitar que Toby se convierta en un duende. urante su aventura, el rey intentará impedir que Sarah llegue a su meta, poniéndola a prueba con juegos mentales, acertijos difíciles e innumerables trampas a lo largo del laberinto, que constantemente cambia. En tanto, durante

U

D 70

su recorrido, irá conociendo nuevos amigos, entre ellos un enano un tanto irritable llamado Hoggle, un monstruo lanudo de nombre Ludo (que posee la habilidad de comunicarse con las rocas y piedras) y un singular y muy valiente caballero andante de largos bigotes que se presenta como Sir Didymus y junto a éste, su fiel perro Ambrosius, quienes le ayudarán a lograr su objetivo. Al final, una vez que se enfrenta con el rey para recuperar a su hermano, Sarah se encontrará ante una encrucijada en la que debe decidir si sigue soñando en cuentos de hadas o aceptar la realidad de que va dejando de ser una niña.

Como trasfondo en esta película se aprecia que El Rey Jareth está locamente enamorado de Sarah, y que, a pesar de su naturaleza perversa, él realmente desea que la chica permanezca a su lado llegando incluso a ofrecerle un mundo ideal para ella a cambio de dejarse manejar por el. os creadores reconocen influencias de obras como Alicia En El País De Las Maravillas, El Mago De Oz, y algunos trabajos de ilustradores como Maurice Sendak y Maurits Cornelis Escher. Algunos de los titiriteros que trabajaron en el proyecto se fueron posteriormente a trabajar en estudios de animación por ordenador. a banda sonora incluye temas instrumentales de Trevor Jones, entre los cuales se incluyen ‘Into The Labyrinth’, ‘Sarah, Hallucination’, ‘Goblin Battle’, ‘Thirteen O’Clock’ y ‘Home At Last’, y cinco canciones de David Bowie: ‘Magic Dance’, ‘Chilly Down’, ‘As The World Falls Down’, ‘Within You’, y ‘Underground’. irva el Regreso Al Cine de este mes como un homenaje a David Bowie, a unos de los grandes músicos que ha dado la historia y que tristemente se nos fue hace escasamente un mes. Al margen de sus discos, también nos dejó casi una treintena de filmes, entre cameos, reparto principal o voces en off, y esta película en concreto, es una de las más recordadas, quizá junto a Feliz Navidad Mr. Lawrence, de las que protagonizó el músico londinense. Mr. David Robert Jones, D.E.P.

L

L

S

De entre los muertos por Fernando Arellano

Hace unos días, mirando los perfiles de whatsapp, me llamó la atención la foto de perfil de una amiga, pese al pequeño tamaño, me pareció la foto de Allen Toussaint, el músico de New Orleans. Le mandé un mensaje preguntándole si iba a asistir a su concierto en el Teatro Lara de Madrid – sabía que tocaba allí, aunque no controlaba la fecha – tal y como había supuesto. El motivo del perfil era ese, ya que en cuestión de un rato tendría lugar el evento; le deseé que lo disfrutase plenamente. Al día siguiente, mientras desayunaba, en esas bandas con textos continuos que aparecen en los noticiarios de televisión, creí leer que hablaba de la muerte del músico, al principio, pensé que había leído mal y que en realidad daba el dato del concierto, pero desgraciadamente, no era así, Allen Toussaint había fallecido la noche anterior de un infarto en un taxi que le llevaba al hotel después de la actuación. La llamé para comentarle la noticia y de paso para que me diese detalles del concierto, aún no conocía la noticia y, naturalmente, pude notar su estado de ánimo al conocerla: (Saludos, Dido).

C

uando pasan sucesos como este, uno echa mano de su fichero vital. Inconscientemente, repasa la cada vez más amplia lista de músicos fallecidos, cosa que hice, lo que me ha llevado a poner por escrito unas cuantas reflexiones al respecto.

y XXI, las Vírgenes Vestales, les damos nuestras vidas a cambio de sus muertes, no perdonamos la mediocridad, son niños mimados, como lo son los reos en su última comida. A un político no le perdonamos la corrupción ni las debilidades sexuales, en cambio, hay que ver como nos ponen las salidas de tono de los verdaderos chicos malos Nos hemos parado alguna vez a pensar en del rock. En el fondo, todo es lo mismo, sentimos qué reside el poder de fascinación que nos satisfacción por el artista atormentado. Por hace colocar a los artistas, especialmente a ejemplo, hace unos años leí unas declaraciones de los músicos, y más especialmente a los de rock y Ian Anderson donde venía a decir que la muerte estilos afines en una especie de pedestal virtual de Jimi Hendrix a él personalmente le parecía una estupidez, y que morir dentro de nuestros víctima de las drogas pensamientos?

Creo y el alcohol a una edad sinceramente que tan temprana era propio la respuesta está de un idiota. Aquello dentro de la misma provocó una avalancha forma de ser del ser de críticas feroces humano, me refiero a contra el bueno de Ian, comportamientos que a poco uno analice la trascienden de épocas idiosincrasia del rock y ámbitos. Me explico: universal, distingue esa suerte de embrujo entre el obrero y el colectivo está tatuada genio incomprendido. en lo más ancestral de Bruce es un obrero del nosotros mismos. rock como lo es Mark Allen Toussaint Knopfler, de acuerdo, l artista, quiero decir el artista con mayúsculas, el que va pueden vender más discos que nadie y llenar más allá de planteamientos mercantilistas estadios, ser llanos, accesibles y entrañables, pero o de niveles de fama, al conectar con su público les falta malditismo, o al menos malditismo bien debe sugerirle ESO, que la persona que le admira, vendido – está el caso de Billy Joel, paradójico tenga al mismo tiempo una especie de sensación en ese sentido - jugar con la muerte para pasar de liviandad de que aquello es efímero, por tanto, al Olimpo de los verdaderos dioses, preparo el espectacular y en cierto modo, exclusivo. Pienso, escudo, o mejor, me escondo detrás del de Ian, que si hay una palabra que aglutine lo anterior para esquivar los ladrillazos. es la palabra épica, eso que nos hace ponernos delante de la tele para ver una etapa de montaña olviendo al tema – si es que lo hay – la muerte en el Tour, a ver un combate de boxeo o pagar de Toussaint me llevó a la de otros dos un dineral por una entrada de toros solo para músicos ilustres que murieron en España ver al torero jugar con la muerte de cerca, a más hace relativamente pocos años. Se trata de Gary audacia del torero, más fascinación y más mito. Moore y de Alvin Lee, dos genios de la guitarra.

En realidad son los gladiadores de los siglos XX El primero murió en Estepona y el segundo en

¿

E

V

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en forma de cementerio donde se encuentran las figuras de rockeros muertos. Recuerdo por allí a Marc Bolan o Freddy Mercury entre otros muchos, pese a lo cutre que pueda parecer lo del museo, la cosa les funciona y en ciudades como Londres hay excursiones que te llevan a visitar la cabina de Ziggy Stardust o el paso de cebra de Abbey Road.

Volviendo al culto a la muerte, ¿se imagina alguien llegando con una excursión a visitar el apartamento de Gary Moore en Estepona o el quirófano de Alvin? Prácticamente toda nuestra fascinación por la memorabilia a nivel patrio, se reduce a ir a ver la calle AC/DC en Leganés, naturalmente, hablo de recursos a explotar, que buena falta nos hacen.

Gary Moore

Marbella, respectivamente en 2011 y 2013, las dos noticias apenas tuvieron relevancia en la prensa general, el pobre Gary, al menos tuvo una muerta por infarto, con sobredosis de alcohol, una muerte rockera como muy de leyenda, el pobre – y digo pobre en sentido no figurado – ya que al parecer vendió prácticamente todo lo que tenía para tener un retiro digno en la Costa del Sol donde hacía bolos por poco dinero y llevaba una vida más bien modesta. Murió durante una operación quirúrgica rutinaria, y estas dos muertes – poco espaciadas en el tiempo y en el espacio – me llevan a pensar que la costa sur de España no solo es refugio de mafiosos rusos y evasores de capitales, sino que también lo es de músicos veteranos que se van instalando de forma anónima al amparo del famoso turismo sanitario (léase antes de los recortes sanitarios). No, no me refiero a cortes de bisturí.

A

ntes, los aficionados al género, al rememorar los decesos por excesos de los muertos ilustres, les idealizábamos en escenarios llenos de glamour, decadente quizás, pero glamour, básicamente situados en territorio americano, inglés o como mucho en París, una especie de apeadero de cercanías de ese tren sin retorno. Más, claro, los tiempos cambian, el mundo se hace más grande, las giras se universalizan, los músicos envejecen y eso lleva a que siembren la superficie terrestre de hitos fúnebres, me da que pensar, si eso, con todos los respetos – es ironía – no banalizará la cuestión, ya que, según unos cánones estéticos de dominio común, no es lo mismo morir en Estepona, en un apartahotel que se llame por ejemplo “Sol y Mar“, llevando una camisa y unas bermudas de turista jubilado – solo nos faltaba un muerto ilustre en Benidorm – que hacerlo en el Chelsea Hotel o uno de esos hospitales emblemáticos para millonarios de Los Ángeles o New York, para los que se los pueden pagar. Los que habéis visitado el Museo de Cera de Madame Tussaud, en Picadilly Circus, el dedicado al rock – las entradas son carísimas, pero las figuras están muy conseguidas, no como en otros museos similares, donde ninguna se parece al original – recordareis que contiene un espacio ambientado

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T

odo esto puede parecer un poco delirante y morboso – y lo es – tampoco es cuestión de clasificar a los finados ilustres en rankings letales del tipo: “por consumo de drogas y alcohol”, los más, “accidentes de tráfico en vehículos varios”: Buddy Holly o el propio Bolan, una mezcla de senectud, sexo y alcohol, como John Entwistle – eso es morir decentemente y lo demás, tonterías – o como Lennon o Gaye, a tiro limpio, sus méritos sé que residen en lo que hicieron en vida, y no en los condicionamientos de sus muertes en cualquier caso. Marbella le debe una estatua a Alvin y otra a Gary en Estepona en alguna de sus plazas o calles, como la que tiene Phil Lynott en Dublín.

Marbellíes, no seáis tacaños, al final, esas cosas – y especialmente en vuestra zona - se financiarán solas.

Q

ue este modesto artículo sea un homenaje respetuoso a todos los muertos ilustres del rock and roll, y en especial a los tres que vinieron a ver su última luz del Sol a España, acogemos vuestros espíritus si es que vagan por aquí. ¡Larga muerte al blues!

Alvin Lee

deconcierto fernando alfaro & joaquín pascual musichall (barcelona, 19-12-2015) José Liñán Navarro

I

ntensa noche la vivida en la sala MusicHall de Barcelona. Un cartel doble con las cabezas visibles de los añorados Surfin’ Bichos. Para no perdérselo.

E

mpezó la velada Joaquín Pascual presentando su nuevo disco ‘Una Nueva Psicodelia’. Para ello contó con la colaboración de la Orquesta Deschatarrada. Y la verdad es que su concierto estuvo lleno de intensidad. Una psicodelia bien tratada. Ritmos electrónicos y música de sintetizador en los cuales Pascual pasa del pop al sonido western si que en ningún instante chirríe y el concierto resulte homogéneo. Temas como ‘Me Lleva El Aire’, ‘El Secuestro De J.P.’ y otros hechizantes, convergieron con los antiguos ‘La Perspectiva’ y ‘Ritmo Caliente’.

U

n preámbulo agradable para la llegada de Fernando Alfaro a los mandos de ‘Saint-Malo’. Y la verdad es que no decepcionó en ningún momento.

Le ha salido un disco luminoso y redondo que cobra especial belleza en directo. Si empieza el concierto con ‘Extintor De Infiernos’, sabes perfectamente que no vas a salir indemne de una noche mágica.

Repasó gran parte de su nuevo trabajo. ‘Tempus Fugit’, ‘Ascensor De Herodes’, ‘Arrancando Las Vías’, ‘Se Aniquila Piso’, y como no, ‘Velero’ y ‘Saariselkä Stroll’, se fueron sucediendo entre otras. Temas que sonaron contundentes a veces, incluso punks, y melódicos. Es enorme cuando juega con las palabras y las frases y construye canciones de alto nivel lírico.

Pero es que además Alfaro abusó de repertorio, Nos regaló temas de Surfin’ (‘Mi Hermano Carnal’, ‘Rifle De Repetición’, ‘Comida China y Subfusiles’). De su etapa como Chucho (‘El Detonador’, ‘Magic’, ‘La Mente Del Monstruo’), y al final nos obsequió junto a Joaquín Pascual con ‘Fuerte’. Para que nos vayamos a dormir con la mejor de nuestras sonrisas.

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El agente Bowie vuelve a casa

Entrevista con David Bowie, crononauta

José Luis Hoyos

Londres, 10 de enero de 2516. David Bowie, afamado artista y viajero en el tiempo Clase-Uno, ha regresado a nuestra era tras una larga estancia en los siglos XX y XXI. Hoy tenemos la oportunidad de conocer sus primeras impresiones sobre este increíble viaje al pasado.

Bienvenido, David. ¿Cómo te encuentras?

Aún un poco desorientado, pero bien, estoy muy bien. Ha sido un salto muy largo y es un poco difícil acostumbrarse.

Me imagino. ¿Ha sido divertido?

La verdad, me lo he pasado en grande, de principio a fin. ¿Qué es lo que más te ha impactado de esta experiencia?

Sinceramente, que ya haya acabado… Ha sido un largo viaje, lleno de emoción, muy intenso. Justo cuando empezaba a aclimatarme he tenido que regresar.

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¿Por qué elegiste esa época? No parece la decisión más cómoda, precisamente.

Justo por eso escogí el siglo XX. Aterricé en plena posguerra, en un Londres con todas sus heridas aún abiertas. La población, sin embargo, demostraba una confianza en el futuro totalmente impropia.

Conocí a muchos luchadores, gente muy valiente.

He descubierto un sufrimiento supremo, dificultades insuperables vividas a diario por muchos millones de personas. Bajo esas circunstancias sólo querían pasarlo bien, escuchar buena música y ver buenas películas.

Bueno, tú tuviste algo que ver con todo eso…

La verdad, ha sido muy divertido. Hay pocas épocas en la historia (y yo ya he conocido varias) tan cargadas de talento y variedad como el XX. He aprendido infinitamente, y he podido desarrollarme como artista de un modo que no hubiera podido imaginar. ¿Pensabas tener tanto éxito?

En absoluto. Ha sido un maravilloso experimento cuyos resultados han sorprendido a todos, a mí en

primer lugar. Algunas de las canciones que publiqué en aquellos años iban a ser escritas cinco siglos después. ¡Pero todos las entendieron a la primera, convirtiéndose en grandes éxitos!

Ponme algún ejemplo…

‘Station To Station’, ‘Ashes To Ashes’, ‘Sound And Vision’, ‘Loving The Alien’… Pero la mayoría las compuse en aquellos años. Me ha alegrado saber que ‘Life On Mars’ o ‘Heroes’ siguen poniéndose en la radio en nuestros días.

Yo mismo las escribí hace más de 500 años.

Y nunca nadie sospechó de dónde venías…

Creo que no. Y eso que dejé muchas pistas. Fue arriesgado participar en la película The Man Who Fell To Earth.

Y luego está lo de Ziggy… ¡Utilizaste un personaje de cómic del siglo XXIII para aquel disco!

Bueno, fue una pequeña travesura. El público del siglo XX no podía saber quién era Ziggy Stardust. Al poco tiempo me arrepentí. En el fondo estaba utilizando una creación por la que no había pagado derechos de autor…

Ese autor aún no había nacido.

Correcto. Aún así, tuve que “matar” a Ziggy cuando mejor estaba funcionando. Fue una especie de dilema moral.

Háblanos de tus últimos años.

Eso ha sido lo más doloroso. Realmente he sido muy feliz en aquel tiempo. Dejo grandes cosas allí. Muchos amigos. Pero conocía la fecha de regreso, la conocía incluso antes de aterrizar en 1947. Tuve mucho tiempo para hacerme a la idea. ¿Confesaste a alguien tu pequeño secreto?

Creo que Brian Eno lo habría entendido perfectamente, incluso me habría acompañado a hacer una visita a nuestro siglo. Pero, ya sabes: está terminantemente prohibido. Así que tuve que ser discreto, lo cual es muy difícil cuando eres una de las personas más famosas del mundo… ¿Volverías alguna vez?

Ahora quiero descansar un poco y volver a ser yo mismo.

Continuar con los proyectos artísticos que he dejado en pausa durante estas décadas y que pienso retomar de inmediato. Si pudiera volvería mañana mismo a 2016.

Quién sabe. Tal vez pueda hacerles una última visita y sorprenderles, una vez más.

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nacho vegas

contra la banca mundial

Esto iba a ser en un principio la crónica de un concierto de Nacho Vegas. Concretamente el enmarcado dentro del Festival del Mil.leni y que se celebró en el Palau de la Música en Barcelona. Dicho festival es patrocinado por el Banc de Sabadell. Pero una serie de hechos acontecidos en la noche de autos hace que me replantee y convierta la crónica en artículo.

José Liñán Navarro

L

a cosa comienza de la manera siguiente. Más de cuarenta minutos de retraso en el acceso a las localidades. Algo inusual en los eventos acontecidos en el Palau. Tras acceder finalmente a mi localidad, sale el director del festival a pedir disculpas.

Problemas técnicos que han puesto en peligro la celebración del concierto. La gente aplaude agradeciendo la explicación. La explicación, o más bien la verdad, llegaría a mí una hora y media más tarde ya en camerinos, y de la mano del propio Vegas.

S

e retira el tipo, sale el Coro Altu de la Lleva y la banda. Sale Nacho. Y se inicia el espectáculo. En una pantalla se proyecta un vídeo. Una parodia original y en toda regla del anuncio del Banc Sabadell, de las conversaciones que tienen gente famosa entre ellos. Aparece Nacho Vegas y la también cantante Fee Reega. Un ataque visceral y a la par ingenioso al sector bancario. Todo ello viene aderezado y complementado por datos reales.

Una frase demoledora al acabar la parodia. “No te quedes en casa, te la podemos quitar”. Otra frase aún más demoledora si cabe, “Ha habido abusos por parte de la sociedad en contra de los bancos”, dicha por Josep Oliu. Ni más ni menos el presidente del propio Banc de Sabadell. La cosa continúa con la entrada de miembros

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de la PAH, con unas pancartas reclamando una serie de medidas, mientras suenan los acordes de “Canción para la PAH”. Todo ello respaldado y aclamado por el público que abarrota el Palau.

“H

emos estado a punto de suspender” me comenta Nacho ya en camerinos. Así que la verdad fue la siguiente. Durante la prueba de sonido, alguien de la organización ve la proyección del vídeo y suena la voz de alarma. Imagino las frases que pasan por la mente de ellos ¿Cómo pretende este tipo pasar este vídeo? ¿Nosotros que le vamos a pagar una pasta? Así que le comentan a Nacho que el vídeo no puede pasarse. Que no hay concierto. Y ahí es donde considero debemos buscar el quid de la cuestión. O el meollo de este artículo. O lo que pretendo explicar en él.

Podemos hablar sobre el posicionamiento político o social de un artista, independientemente de su obra. Yo nunca fui muy partidario de ello, la verdad. Uno puede crear música, literatura o cualquier otro tipo de arte, y tener un público muy variado, desde un punto de vista ideológico. Y ese mismo posicionamiento puede lastrar al artista, ya que puede crear una especie de boicot de determinado tipo de público. Es decir, tú creas una obra y quieres que llegue al máximo de gente posible. Pero si te posicionas públicamente a favor de determinada ideología por ejemplo, corres el riesgo de que una parte de tu público no lo entienda y te deje de lado. Pero Nacho Vegas, no ha engañado nunca a nadie. Está comprometido con una causa y una ideología, y entonces hace un ejercicio de honestidad brutal, como diría Andrés Calamaro. “Les he dicho que si no había vídeo no había concierto”. Un órdago en toda regla al sistema. A partir de ahí el vértigo. Llamadas. Negociaciones de alto nivel. Y finalmente Nacho se sale con la suya. Perdón. Nacho no. Todos nos salimos con la nuestra. Porque lo que

nos muestra este artista en este caso concreto, es que la honestidad no debe estar en venta ni alquiler. Que se puede luchar contra el sistema, y si es necesario desde dentro de él. Que no porque alguien ponga el dinero tiene derecho a meter la nariz en la obra o espectáculo del artista contratado por ejemplo. Eso tiene un nombre y es censura.

P

ara finalizar el artículo, permitirme reflexionar sobre algo que lleva años pasando en el mundo de cultura y parece que hemos pasado por alto. De un tiempo a esta parte grandes marcas de bebidas, del sector bancario y multinacional, patrocinan eventos tales, como grandes festivales, giras de conciertos etc… No lo hacen gratis claro. Ellos buscan nuestro dinero y nosotros buscamos ver a nuestros artistas favoritos y pasarlo bien, claro. No sé si deberíamos pensar un poco más en este hecho. ¿Nos estamos vendiendo al sistema? ¿Es necesario? Deberíamos ser capaces como sociedad, de crear eventos culturales o de cualquier tipo sin tener el amparo de esas grandes marcas y empresas. Difícil es, ya lo sé. Pero no creo que sea imposible. Porque tras ese disfraz lo único que pretenden es controlarlo todo. Si, ya lo sé también.

Con lo bien que lo pasamos que más daría un poco de manga ancha. Y claro, así nos luce el pelo.

no es lo que parece por José Zamora Linares

un beso y una flor

E

sta sección me vino a la cabeza, de la misma forma que otras muchas locuras lo hacen, haciéndome una pregunta que siempre empieza con las mismas palabras: ¿Qué pasaría si...?

La pregunta era: ¿Qué pasaría si la gente escuchara de verdad las letras de las canciones que les gustan? Mi primera respuesta fue que muchos de esos temas que bailáis y cantáis alegremente, dejarían de gustaros. Por eso, en un principio, esta sección se iba a llamar: «TE GUSTA PORQUE NO ESCUCHAS». Pero, me dí cuenta de que llamar a esto así, limitaría mucho las letras que entrarían aquí. Ya que, hay canciones que, después de entenderlas, seguirán gustándote, aunque sepas de que hablan realmente. Por eso, definitivamente, esta sección, si os gusta, se llamará: «No Es Lo Que Parece».

alumbre mi camino. / Me voy pero te juro que mañana volveré”.

B

ien. La persona que está cantando, da pistas de que esa persona que se ha ido, parece ser, que hace un viaje muy largo. Larguísimo. Pero que no pasa nada, porque él seguirá con su vida dentro de un tiempo no demasiado extenso, simbolizado por la palabra «MAÑANA».

El mazazo viene ahora. En el estribillo que muchos siguen cantando en días de alegría y alboroto, muy alegres ellos porque, en realidad, no tienen ni idea de lo que están cantando, bailando y riendo. Dice Así:

“

Al partir un beso y una flor, / un te quiero una caricia y un adiós. / Es ligero equipaje para tan largo viaje, / las penas pesan en el corazón”.

L

a primera canción que vamos a redescubrir es enormemente muy conocida. Se trata de ‘Un Beso y Una Flor’, compuesta en 1972 por el tándem José Luis Armenteros / Pablo Herrero, e interpretada y popularizada por Nino Bravo. La letra dice así:

“

Dejaré mis tierras por ti, / dejaré mis campos y me iré / lejos de aquí. / Cruzaré llorando el jardín / y con tus recuerdos partiré / lejos de aquí”.

E

n esta estrofa, vemos a una persona que está muy triste y decide irse de donde está porque le recuerda a alguien que se ha ido también.

“

De día viviré pensando en tu sonrisa, / de noche las estrellas me acompañarán. / Serás como una luz que

¡¡Anda!!, si está muerto.

“

Más allá del mar habrá un lugar / donde el sol cada mañana brille más”.

Se despide de un MUERTO.

“

Forjaran mi destino las piedras del camino, / lo que no es querido siem-

pre quedará”.

E

stá cantando a un MUERTO, y le promete al muerto que nunca lo olvidará.

En definitiva. Yo dejé de divertirme y reírme con mis amigos que la cantaban de borrachera. ¿Vosotros? Seguís cantándola, bailándola y riéndoos con esta maravillosa obra de arte hecha música?

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YO ESTUVE ALLÍ Fernando Arellano

david bowie Estadio Vicente Calderón (Madrid, 06-07-1987)

¿Y si fuese mentira? Es lo primero que pensé cuando me llegó la noticia de la muerte de Bowie.

Lo malo es que fue vía radio y televisión, medios en principio fiables, ya que no es la primera vez que corren rumores en internet sobre fallecimientos de artistas, por ejemplo Brian Johnson, que luego resultan ser tan falsos como un billete de 300 euros.

Una vez constatada la noticia, la he puse en el grupo de whatsapp de la revista – tuve ese triste honor – y casi inmediatamente, algunos colaboradores se prestaron a escribir sobre ello, como yo mismo.

Suerte tuve de asistir a su primer concierto en España, y quiero hacer girar la colaboración sobre este hecho puntual, entiendo que una opinión de primera mano siempre es interesante, han pasado casi treinta años, pero tengo un recuerdo más o menos diáfano de aquel día. Fue un lunes, en concreto el 6 de julio de 1987, ¿el precio? 3.000 pesetas, hubo una buena entrada en el Calderón – estadio de mis amores – pero no se llenó del todo, y al día siguiente tocó en Barcelona. Reseño lo del lunes, por que recuerdo que Bowie, en una visita posterior algunos años después comentó a los medios que volvía a Madrid de nuevo en lunes, eso significaba que el museo del Prado estaba cerrado, y que, de nuevo, se quedaba sin visita al mismo. No sé si volvió de incógnito alguna vez, quiero imaginarme que si, sé que a lo largo de su vida invirtió su dinero en obras de arte, y que poseía una colección magnífica, él amaba las vanguardias, siempre fue un hombre que olfateaba el futuro, para confirmarlo, ahí está su teoría, que dice algo así como: “A partir de ahora – refiriéndose al advenimiento de internet y la posibilidad de piratear contenidos – los artistas que quieran obtener beneficios económicos tendrán que estar constantemente de gira” ¿os suena?

Alrededor del concierto hubo un gran despliegue de

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medios, poco a poco iban cayendo por Madrid las grandes figuras del rock, el Mundial del 82 marcó un punto de inflexión en ese sentido, con el concierto de los Stones, y ese verano en concreto pasaron por la ciudad grandes artistas como Genesis, Bruce Springsteen, Tina Turner y U2, dotando a la ciudad de un aire más cosmopolita y alejándola de la marginación de “el rock internacional empieza en los Pirineos”. Bonito hubiese sido ver a un Bowie más profundo, confieso que prefiero ese más oscuro, de aire de cabaret berlinés, enigmático, caigo, en que al irse con el Lou Reed del “Berlín” ha muerto casi del todo esa etapa tan emblemática.

El calor mandaba en el ambiente, recuerdo la expectación del público asistente, la cosa tenía cierto aire glamoroso. Al rato de llegar, se sentaron a mi lado Marta Chávarri y el Marqués de Griñón, entonces una pareja en primera línea del mundo rosa, aparte de eso, a mis pies, en el césped había unos tipos que, indudablemente llamaban la atención de cualquiera, un grupo de jóvenes con unos trajes estrafalarios para la época, con aspecto sofisticado y que llevaban en las manos unos abanicos con los que hacían unos movimientos muy peculiares. Lo habéis adivinado, algún tiempo después empezaron a aparecer por todas partes, eran los Locomia… imagino que habrían acudido desde Ibiza a adorar al icono de la ambigüedad… y de paso a promocionarse… digamos que todo era un poco al estilo “starlite” marbellí.

Los teloneros del concierto fueron de lujo, entonces se me antojó un programa de lo más ecléctico, ya que abrieron Aviador Dro y después tocaron los Stranglers, si lo medito ahora, tampoco creo que fuese una combinación forzada, primero por que David tocaba todos los palos, y también, por que en realidad, si veo a los Dro tocando el lado más “industrial” del Sr. Jones, asimismo, los Stranglers, con su imagen oscura y su rollo postpunk no desentonaban en absoluto.

Y llegó el gran momento de la noche. Se hizo la oscuridad, aquella araña de película de Serie B empezó a destellar, los asistentes, tampoco teníamos información detallada del espectáculo – no como ahora, que asiste uno con conocimiento de todos los detalles – en un ángulo del escenario apareció un tipo rarísimo, con pinta de haberse escapado de la Guerra De Las Galaxias; un pelo en forma de clavos, una especie de gafas de culo de vaso y una guitarra en las manos, a base de riffs cortos e incisivos alternados con silencios tensaba la espera.

Era Carlos Alomar, y doy fe de que lo consiguió. Al momento empezó a escucharse la voz de Bowie con esa conversación que abre el álbum ‘Never Let Me Down’. La araña empezó a segregar hilo de seda, y en esos hilos bajaban enroscados los músicos, que al tocar el suelo del escenario, empezaban a tocar. En uno de ellos llegó nada menos que Peter Frampton, y por último, bajo una gran ovación, el ídolo con ese peinado perfecto y metido en un traje rojo, sentado en un sillón con el auricular en la mano, abajo le esperaban la banda y un grupo de bailarines magníficos con una coreografía en plan Madonna. Por allí desfilaron los temas del disco nombrado, los éxitos más comerciales del ‘Let´s Dance’, que eran los que habían llenado masivamente el Calderón.

Unos cuantos temas del ‘Scary Monsters’, como ‘Up Hill The Backwards’, muy bien llevado por los bailarines y que constituyó uno de los momentos más frescos del concierto. Y por supuesto, no faltaron algunos de los temas más clásicos, como ‘Starman’, ‘Heroes’ o ‘Rebel, Rebel’, en definitiva, un espectáculo muy ochentero, sin espacio para la improvisación, todo medido al milímetro donde no cabían bises espontáneos pero que tampoco decepcionó a nadie; era el Bowie de entonces, un dandy sofisticado y elegante rodeado de lujo cool.

Al acabar el concierto, recuerdo que me quedé viendo como se desmontaba el escenario, más que nada por que no tenía hotel, pues confieso que el precio de la entrada se había comido mi presupuesto del mes para conciertos: os aconsejo que nunca os quedéis al desmontaje del escenario, rompe parte de la magia, la araña se desinfló y se quedó tristona, pero yo me llevé el placer de haber visto el primer concierto de un grande del arte, que nos ha dejado para siempre. Buen viaje a las estrellas, Sr. Jones.

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de mayor quiero ser… por José Luis Hoyos

david bowie David Bowie tenía un ojo de cada color debido a un puñetazo que le propinó su colega George Underwood. Fantasee durante años con que a mí me ocurriera algo igual, que algún buen amigo fuera capaz de arrearme y causarme una heterocromía artificial. Pero para que te pase eso tienes que ser David Bowie.

Durante décadas me imaginé siendo un artista total, un actor, un mimo, un pintor, un cantante versátil, único. Tal vez un poeta cósmico llegado del espacio exterior. Tener mi propia aeronave, ser un astronauta solitario y glamuroso.

Desee ser un elegante y culto gentleman, ser tendencia en la moda, elegir mi vestuario con audacia e inteligencia, innovando pero siendo siempre fiel a mí mismo. Refinado, nunca snob ni exagerado. Cuidadosamente peinado, pulcramente desaliñado si se daba el caso. Participar en obras sociales con discreción, sin imposturas.

Sin dobleces. Pero no me llamo David, ni me apellido Bowie.

Traté de ser vanguardista.

De crear nuevos estilos. De anticiparme al futuro. Inventar el punk, imaginar la era cibernética, convertirme en marciano y venir a la Tierra. Dirigir mis propios videoclips, producir mis propios discos, regalar temas de éxito a otros artistas menos dotados.

Ser el compositor más influyente del siglo. Lo intenté en vano: para eso tienes que haber sido Bowie.

Me hubiera gustado crear los himnos que, cerca de medio siglo después, se siguen escuchando. Que los grupos coetáneos de mis hijos se pegaran por actuar conmigo, por cantar conmigo, por estar conmigo. Diseñar espectáculos inverosímiles, con muchos figurantes, con mucha tramoya, conciertos

dramáticos, escenificados, visiones luego inspiradoras de los circos del sol modernos. Necesitas ser Bowie para conseguirlo.

Que mi nombre fuera sinónimo de glam. De freak autosuficiente. De ambigüedad y de cambio, de sutileza y arrogancia.

Ser el primer artista en compartir su música en internet. Ser uno de los primeros inversores en nuevas tecnologías.

Una leyenda del rock 2.0, más moderno que los adolescentes del siglo XXI. Un diletante que sobrevivió a la guerra fría, a la bomba, a las sospechas, a las maledicencias, a las copias baratas de su figura.

Hacer creer al mundo que me he retirado, que ya no valgo para nada, para luego volver por sorpresa y convertirme en número uno. Quisiera poder teatralizar mi propia muerte, guionizarla y llevarla a escena, escribirla en música y llevarla a un disco, otro más, el último, el más inaccesible, el más arcano, quizá uno de los mejores.

No perder nunca ese sentido del humor, ni siquiera cuando me esté muriendo. La única forma de lograr todo esto, siquiera la mitad, tan solo una cuarta parte, sería poder ser David Robert Jones, y luego David Bowie.

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el rincón del loco por Salvador Pérez Cuñat

D

e siempre ha sido de agradecer el trato que un artista como Loquillo ha tenido con sus seguidores, sus fans. Porque no solo los enemigos, también los amigos nos dan la fuerza para seguir adelante. En cada concierto, en cada presentación de un nuevo trabajo, la firma de un disco, un libro... en cualquiera de estos hábitats los fans arropan a su ídolo y es que existe una simbiosis totalmente necesaria.

E

n los albores del tiempo podemos encontrar lo que fue el primer Club de Fans del Loco. Tras escribir una carta a la dirección “Club de Fans de Loquillo - C/ Trafalgar, 39 - 8º Barcelona 08010”, recibías en casa una postal promocional del sello Cúspide con el Loco sosteniendo un bajo en actitud keep on rocking. Hoy en día podemos encontrar ese legendario bajo en el MUSEO LOQUILLO (ver fotos).

S

urgieron desde entonces infinidad de pequeños Clubes de Fans no oficiales a nivel nacional, pero no es hasta 1988 que se oficializa un nuevo club reconocido por la banda. Incluso la discográfica del momento, Hispavox, publicó en el disco ‘Morir En Primavera’, la dirección del club y el nombre de su presidenta “Club de Fans - Nuria Maeztu. C/ Fontflorida, 64 Barcelona 08004”.

U

n nuevo salto en el tiempo nos lleva hasta 1998. Es entonces cuando el grupo decide llevar las riendas del asunto y coordinar personalmente el Club de Fans. “El Clan Del Loco - Apdo. de correos 165 Madrid 28660”. Entre los años 1999 y 2000 se editan los dos únicos números del fanzine del club, dos piezas de coleccionista muy valoradas en la actualidad (ver revista Future Magazine nº15).

P

ero todo esto se diluyó en el tiempo, hasta que en 2014 una valiente fan decidió revivir la idea de crear un club de fans del Loco. Su presi-

denta Paula Fontán nos ha concedido una exclusiva entrevista que reproducimos a continuación: ¿Cómo y cuándo llega Loquillo a tu vida?

Loquillo llega a mi vida allá por el año 1989, cuando me compré el primer cassette, un directo de Loquillo que constaba de dos cintas, y se llamaba ‘A Por Ellos Que Son Pocos y Cobardes’. En Octubre de este año, 89, Loquillo vino a dar un concierto a Santiago, en la discoteca Clangor que todos conocemos, concierto en el que yo intenté colarme, pero me fue imposible, tenía 16 años. Desde entonces sigo a Loquillo, hace ya... unos cuántos años. ¿Cómo surge la idea de crear el Club de Fans?

Pues la idea del Club de Fans surge, ¡cómo no!, en un concierto, hace un año y medio. Yo no suelo sacar fotos ni videos en los conciertos, pero vi que mucha gente sí lo hacía, y me pregunté: ¿A dónde irán a parar esas fotos? Se me ocurrió hacer un fan club, para compartir fotos, videos, novedades y todo tipo de informaciones sobre el Loco, y ahí empezó todo.

Háblanos del blog y de la página de Facebook.

Empecé con la página de Facebook, una comunidad, Loquillo Fan Club, como una página para compartir información, fotos, videos, etc. de Loquillo, y poco a poco la gente fue sumándose a la página y aportando cosas. Entre todos, paso a paso, hemos conseguido llegar hasta aquí. De hecho ahora ya tengo a varios fotógrafos profesionales, Víctor, Julio, Miguel, que envío a los conciertos para que me hagan los reportajes fotográficos.

El blog, Loquillo FAN CLUB, surgió hablando con mi amigo Jon, a raíz de la página de Facebook.

La idea era plasmar en un blog, gran parte de las informaciones que iba recibiendo a través del Facebook, para no perderla y además de contar con una información actualizada de conciertos, archi-

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vos de conciertos, discografía, libros, noticias... En el blog, la información de conciertos está siempre actualizada, y con varias aportaciones de Jon y Martín, estoy completando la discografía, con todo tipo de rarezas. En cuanto tenga toda la información recopilada y organizada, será la página más completa que podamos encontrar sobre la figura de Loquillo. https://loquillofanclub.wordpress.com/ https://www.facebook.com/loquillofanclub/ ¿Qué ofrece el club?

Como ya te he dicho, la finalidad de Loquillo Fan Club, el cómo empezó todo, fue compartiendo.

Pero ahora es mucho más que todo eso. El Fan Club nos ofrece la oportunidad de hablar, comentar, proponer y conocer a gente que tiene la misma pasión, el mismo entusiasmo cada vez que va a un concierto, gente con Rock and Roll Actitud y el privilegio de tener a gente tan diversa y de tantos lugares, me permite tener información de primera mano, muchas veces información exclusiva sobre el Loco, pudiendo así anticiparme a la confirmación oficial. Hacemos reportajes de los eventos que protagoniza el Loco, como presentaciones de libros, catas de vinos, etc.

De lo que más orgullosa estoy, es de haber conseguido que allá a dónde voy, todo el mundo conoce el Fan Club, ahora ya formamos una gran piña y quedamos para ir a los conciertos en “primera fila”. Este año vamos a hacer una “quedada” a nivel nacional, está pendiente el lugar, puesto que dependemos de la gira del nuevo disco del Loco. Ya os daré contada información sobre este evento.

También haremos “quedadas” en las sedes oficiales del Loco, en Barcelona, el 99% Moto Bar, de Jordi Bou, en Lasarte, el Mendi Kafé Rock, de Jon Mendia, y en Valencia, el Nueve Tragos Café Rock, de Andrés Albert.

Y para terminar, ¿qué le parece al Loco?

Al Loco le gusta y apoya a Loquillo Fan Club, y estoy haciendo trámites para que lo oficialice de alguna forma. Loquillo lee la página siempre que puede, está al tanto de las informaciones y las comenta con su banda. Además se hizo una foto con nuestra camiseta, todo un honor para Loquillo Fan Club.

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La Llama (Valencia, 2014)

Enfrentados (Nueva York, 2007)

Melendi (Valencia, 2012) Reencuadre (Valencia, 2012)

Entre 2 Tierras (Nueva York, 2007)

Huracán (Valencia, 2014)

Pignoise (Valencia, 2012)

Rafa (Valencia, 2013)

la mirada de chuck fotografías de Ana Sánchez

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La imagen vista por Chelo Pons

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n la nueva sección en la que me estreno como colaboradora en la revista, comenzaremos con la imagen de Tania Grau Pérez, modelo amateur que con solo 16 años tiene más que claro a lo que le gustaría dedicarse. Ya desde la infancia comenzó siendo fotografiada en su primera sesión por José Luis Montón, y ahora intenta continuar su periplo como modelo de fotografía realizando varias sesiones fotográficas en diversos ámbitos. No siendo fácil ni por edad ni por situación geográfica no piensa dejar de luchar para conseguirlo.

Texto: Chelo Pons. Fotos: Javier Osuna

Tania, te agradecemos desde Future Magazine, y yo en concreto, que seas la primera modelo a la que he podido entrevistar y te deseamos desde aquí mucha suerte en el afán de conseguir lo que deseas, no dejes de luchar por ello, porque para conseguir un sueño, lo importante es lucharlo, el esfuerzo y, sobre todo, tener el ímpetu y la seguridad de que lo alcanzarás.

Con estas pequeñas premisas espero que puedas llegar a tu destino final y que podamos volver a entrevistarte cuando seas esa gran modelo que deseas, con estas líneas nos gustaría conocerte mejor y poder llegar a ponernos en tu piel para poder entender esa pasión que tienes y como poder llegar o intentar llegar a ella.

Parece que tienes muy claro que está es la vida y la profesión a la que te quieres dedicar, ¿qué es lo que

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te impulsó a tomar esta decisión?

Mi familia sobre todo fue aquella la que siempre me buscaba un casting para poder empezar en esto, siempre me apoyaban diciéndome; “quien lo sigue lo consigue”, y ahí fue cuando me presenté a un casting en mi ciudad natal, Valencia. No quedé seleccionada pero con mucho ánimo no me di por vencida y con la ayuda de mis padres conseguí hacer mi primera sesión de fotos con tan solo 12 años, con José Luis Montón, que me ayudó muchísimo y me dio buenos consejos para seguir en lo que más deseaba. A raíz de esto yo ya estaba cada vez más ilusionaba y veía en televisión o revistas modelos y era mi gran sueño, y es por lo que lucho cada día. ¿Actualmente como compaginas tu afición al mundo de la imagen fotográfica y tus estudios?

No estoy en un nivel nada fácil y obviamente tengo

que estudiar bastante, pero siempre intento sacarle partido a todo y encontrar algún hueco para la fotografía. Las sesiones de fotos las suelo hacer los fines de semana que es cuando tengo tiempo, aunque actualmente estoy en un mes de exámenes intensos y tengo más de 4 sesiones a la espera de encontrar un hueco, que no parece nada fácil. ¿Cómo te promocionas para darte a conocer dentro de este mundo?

Tengo un Facebook creado solamente para este tema donde me podréis encontrar como: Tania Grau Pérez Modelo, también estoy metida en una página de fotógrafos y modelos donde se publican fotos de tales, y cuando hago alguna sesión de fotos mi fotógrafo o yo misma subimos alguna fotografía.

Las sesiones fotográficas al principio sobre todo corren de tu cuenta, quiero decir con esto que tienes que hacer una inversión económica y a partir de aquí darte a conocer. ¿Trabajas actualmente en algo eventual para poder financiarte o ya has conseguido algún tipo de promoción?

No, no trabajo en nada. Algunas sesiones de las que he hecho son en TFCD para así poder ampliar mi book, y en cambio otras son mis padres los que me ayudan.

¿Qué tipo de sesiones son tus favoritas? ¿Te sientes mas segura en alguna de ellas en concreto? Me gustaría que nos contases si es a la pasarela dónde te gustaría llegar y si has tenido ya la oportunidad de poder ir de la mano de alguien que te guíe dentro de este mundo.

Mi favorita es de moda y los retratos, pero me encantaría hacer una sesión de boudoir, pero como he dicho antes no encuentro hueco ahora mismo para nada. Y sí, he estado en pasarela y ha sido una experiencia única aunque no fuese de las elegidas. El pasado jueves 21 de enero me presenté a otro casting.

Y bueno, Javier Osuna en la sesión fotográfica que hicimos me ayudó muchísimo, me dio buenos consejos y me enseño nuevas ideas.

Y por último. Al ser menor de edad, aunque ya comenzaste tu pequeña andadura desde la infancia, ¿qué opinan tus padres de esta profesión?

Mis padres súper contentos con todo esto, es más, cuando me ven algún fin de semana sin hacer nada me dicen que por que no voy a hacer lo que más me gusta, jejeje. Y bueno, en general súper alegres conmigo y de que su hija este poquito a poquito logrando lo que más le gusta. Ellos también en su juventud eran también de hacerse muchas fotos, mi padre incluso quería también llegar a ser modelo, ósea, muy bien con todo esto.

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Ángeles y Demonios

La erótica del

ROCK

Modelo: Ainhoa Ribas Piquer Fotógrafo: Rubén Estellés (Escorzo Fotografía) Ayudante: Txua Ruiz Maquillaje: Claudia Rodríguez Texto: Lola Villajos Roldán 88

Os presento a una mujer que se ha metido una pantera en el cuerpo. El encanto natural fascina, una mujer elegante y glamurosa, que naci贸 para ser una rockstar.

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Ella tiene un glamour romรกntico con toque rockero. Tiene un atractivo especial y con mirada inteligente.

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Dura cuando lo tiene que ser y la vida se lo imponga. Intelectual y colegiala porque ella es una seductora sabia.

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El glamour se debe ir aprendiendo día a día y ella lo sabe. Es la picardía y la inocencia en el cuerpo de una mujer.

Tiene una atracción sexual intrínseca nada buscada.

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Ella no intenta provocar a nadie, nació con el Don de la provocación, esa rebeldía que le hace decir: Me como el mundo a golpe de seducción y glamour. Un hechizo oculto y mágico que le hace ser diferente al resto.

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