Generando Arte. La Revista. Numero 1 by EmPoderArte (anterior Generando Arte)

Generando Arte

• La revista •

Número 1 • Invierno 2015

Chiharu Shiota • La valla, 100 artistas en la frontera sur • ¿Sabes quién es?¿Sabes quién era? • Lo hace porque te quiere • Déjame hacer otro lugar•

Generando Arte Nº 1 Invierno 2015

Staff

Sumario

Dirección: Concha Mayordomo

El recibidor

36. Marian M. Cañizares

5. Carta de la directora

37. Cristina Recio

El tramo más alto de la

38. Exposiciones individuales

escalera

En la vitrina

6. Chiharu Shiota

40. José Palazón

El patio del recreo

De puertas para fuera

Gallego del Peso, Susana Ribuffo

12. Presentación del número 0

41. Mujeres en el arte

Video reportaje: Cecilia Montagut

de Generando Arte - La Revista

Reflexiones desde mi

Agendas: Prado Toro, Teresa Muñoz

16. Premio Violeta 2014 al

ventana

Editado en Madrid por Generando Arte

compromiso cultural

43. Una invisibilidad no

18. Premios

merecida

Generando Arte

44. Dejad que el sacerdote

La galería

tiemble

19. La valla

46. La estirpe de Herodes

26. ¿Sabes quién es? ¿Sabes

El gimnasio

quién era?

47. Patricia Gadea

28. Lo hace porque te quiere

El sillón de lectura

30. Dejame hacer otro lugar

50. Mujeres de ojos rojos

El cuarto de invitadas

51. Desterradas hijas de Eva

33. La mujer en el arte croata

52. Perfiles de damas

La biblioteca

La sala de reuniones

34. Nuestras favoritas en la

53. Agenda

historia: Hildegarda de Bingen

La buhardilla

El rincón de las confidencias

59. Horóscopo chino

Subdirección: María Jesús Aragoneses, Natacha Mazzitelli Diseño y maquetación: Natacha Mazzitelli 40

Coordinación: Pepa Santamaría, Beatriz Velardiez Fotografía: Adriana Exeni, Ela R que R, Pepa Santamaría, Rosa

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34 3

El recibidor

Carta de la directora

l plantearme la presentación de este segundo número de nuestra revista la palabra gracias sobrevuela a todas las demás, y no quiero dejarlo para cerrar esta carta, quiero que aparezca en primer lugar, y dar las gracias por el interés y la acogida que hemos tenido por parte de las amigas y de los amigos que ya nos conocían y por parte de quienes, precisamente por medio de la revista, nos han ido descubriendo. Desde la publicación del número cero hasta el presente, han sido unos meses de mucha actividad para el colectivo, ya convertido en asociación. Y desde la dicha de darle continuidad a nuestra publicación, quiero en nombre de todas las artistas que formamos Generando Arte hacer partícipe al futuro lector de toda la energía que, desbordada, nos ha hecho organizar y estar presente en muchos eventos. No solamente nuestra actividad es el motivo de esta publicación. Atendemos también al compromiso de mostrar a esas artistas que tienen un reconocido prestigio, y lo hacemos encantadas, en la sección En lo alto de la escalera, en esta ocasión lo ocupa la entrevista realizada a la artista japonesa Chiharu Shiota. Hablamos también de la situación actual de las artistas en otros países, por lo que en este número prestaremos atención a las croatas. Independientemente queremos potenciar el nombre, la vida y la obra de aquellas otras que la historia ha minimizado o directamente invisibilizado; si bien en el número anterior lo hicimos reivindicando la figura y parte de la obra que ha sido atribuida a otros de Sofonisba Anguissola, en esta ocasión, damos un paso más atrás en el tiempo, concretamente a la baja Edad Media, para acercarnos a Hildegarda de Bingen. También seguimos dando a conocer, en primera persona, el

pensamiento y el discurso formal de las artistas del colectivo, así como una pequeña reseña a las exposiciones individuales que se han realizado en este periodo. Las lecturas recomendadas ocuparán su lugar en la sección El sillón de lectura, así como la reflexión sobre la historia en De puertas para afuera y todas aquellas otras secciones que por razones obvias no puedo mencionar una a una. Por último, y como no podría ser de otra forma, no puedo dejar de mencionar que estamos encantadas de poder mostrar la actividad del colectivo que cada vez aborda retos mayores, no sólo con propuestas expositivas en espacios atípicos de extraordinario interés, también por haber podido realizar una programación teórica, acciones y performances siempre con el carácter social que nos identifica.

Al haber coincidido con el 25 de noviembre – día mundial contra la violencia de género – realizamos la exposición titulada ¿Sabes quién es?¿Sabes quién era? en colaboración con siete actrices y dos poetas, que se clausuró con la performance Todos los días son veinticinco de noviembre a cargo de las bailarinas Carmen Cubillo y Violeta Porcel. Coincidiendo en el tiempo, tuvimos la gran suerte de participar en el proyecto Las lágrimas de África de la artista de nuestra asociación Amparo Climent con la exposición La Valla. 100 artistas en la frontera sur, que sirvió para llevar la voz de esos hombre y mujeres que sufren una injusticia extrema, que se completó con la performance a cargo de un grupo de actores de la Parroquia San Carlos Borromeo de Entrevías y una mesa redonda que puso el acento sobre la situación de las mujeres contando con la colaboración de destacadas figuras de ACNUR, UNESCO, Fundación 1º de mayo y el Parlamento europeo. Hemos realizado también encuentros con la prensa y la gala de entrega de premios para conmemorar el primer aniversario de actividad de Generando Arte que resultó muy emotiva por haberse realizado unos días después de los desgraciados sucesos de Charlie Hebdo en el que de entre los fallecidos se contaron cuatro artistas gráficos. Mención especial merece la gala de presentación de Generando Arte – La Revista bajo el amadrinamiento de la actriz Pilar Bardem. Espero que el contenido de este nuevo número os resulte interesante, y podamos seguir contando con vuestra complicidad. Concha Mayordomo Directora 5

Chiharu

Shiota “Nunca utilizo un vestido nuevo, no lleva registro de la memoría” De la forma más dulce que pueda imaginarse, sin hacer aspavientos, Chiharu Shiota es una transgresora de la cultura de hoy. En su obra se elimina la idea actual del objeto como mercancía, para convertirlo en algo que nos identifica, reflejando no solo lo que somos sino también lo que fuimos.

El tramo más alto de la escalera

on motivo de su elección para representar a su país natal, Japón, en la 56ª Edición de la Biennale de Venezia de 2015, la hemos entrevistado en exclusiva para Generando Arte. La Revista. Hemos hablado en un principio de sus obras más significativas, esas que reflejan el tiempo, los sentimientos, la vida, su memoria y la muerte, desde un punto de vista explícitamente femenino y consigue con ello, ser universal. Sus raíces orientales están presentes en su filosofía de vida en comunión con la naturaleza, que, unido a una gran sensibilidad emocional, consigue trasladar a su trabajo un carácter de inmanencia que la define y la identifica. Conocí a Chiharu hace casi un año en la inauguración de una de sus exposiciones en la Galería Nieves Fernández de Madrid donde presentaba su trabajo en vídeo Tierra y sangre y luego la seguí en la instalación Cartas de Agradecimiento que realizó en el Espai D’Art Contemporani de Castelló el pasado otoño. Me ha llamado la atención de esta pieza el uso de las cartas y la colaboración de la gente de Castellón en su proyecto, para el que cedieron diez mil cartas personales. Pero lo que realmente me impresionó fue conocerla personalmente, escuchar sus palabras silenciosas, yendo directamente a la esencia de las cosas, sin malgastar energías superficiales, mostrando su humildad, en contraste con los grandes espacios de hilos que es capaz de crear, del color de la sangre, de la tierra o de la muerte. Generando Arte: Empezaste experimentando con lana en la escuela y acabaste enredando hilos en los principales museos del mundo. ¿Qué tiene el hilo que conduce toda tu obra? Chiharu Shiota: La hebras de hilo conectan y transmiten cosas, son puentes que se tienden en el espacio para poner

GA: Cuando hablas de tus vestidos colgados entre hilos los consideras como una segunda piel y por lo tanto ellos pueden contener más memoria que la propia persona. ¿No es sobrecogedor y fantástico al mismo tiempo? CS: Sí definitivamente, el vestido para mí es como una segunda piel. El cuerpo se conecta directamente con nuestra primera piel, pero la segunda es el vestido que nos ponemos encima. A veces los trajes hablan del que los lleva puestos, explican toda su memoria y las historias almacenadas. Yo nunca utilizo un vestido nuevo, pues no podría iniciar nada, no me interesan los vestidos nuevos porque no llevan historias vividas dentro y por lo tanto carecen de memoria. Al igual que sus antiguos dueños, los vestidos de mi imaginación son como esponjas, absorben memorias, se fortalecen al ser llevados y cambian a lo largo del proceso. Instalación con Tierra y Sangre, 2014 Galería Nieves Fernández, Madrid Hilos de lana rojos

juntas las letras y las palabras escondidas. Yo las uso para establecer conexiones entre todos los puntos del espacio donde se juntan. GA: Los hilos en tu obra atrapan cosas, encierran objetos, personas, crean espacios y líneas, en una imagen que, vista de lejos, tiene aspecto de dibujo etéreo...¿Es un efecto buscado? CS: Las hebras que van de pared a pared, desde el techo hasta el suelo, desde una a otra, se interceptan creando auténticas telas de araña y laberintos impenetrables y al mismo tiempo haciendo imposible la tarea de alcanzar el objeto u objetos que se exhiben entre la maraña de hilos.

GA: En tu obra His Chair apilaste unas 700 ventanas después de la caída del muro de Berlín, las presentaste en forma de cilindro con una silla en el centro... ¿Estableces aquí una relación entre la Historia y lo cotidiano? CS: La ventana se convierte en un testigo silencioso de todo lo que pasó dentro de las casas y en el paisaje urbano que se veía desde ellas, es como si las comparara con ojos vacíos que no pueden ver nunca más, pero que mantienen las huellas del sujeto respecto a lo que se ha visto antes a través de ellas. La dimensión Este-Oeste de la ciudad es aún válida, y se reproduce metafóricamente entre los dos lados del marco de la ventana. Parece que están también coloreadas por la memoria de los Nazis, la Guerra Fría y la muerte, en definitiva. La Gestapo y la Stasi eran dos organizaciones nacionales de policía secreta, pero ambas protegieron a mucha gente que informaba y grababa cintas, que eran ciudadanos corrientes. 7

Habitación del recuerdo, 2009 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa, Japan Ventanas viejas, silla Foto: Sunhi Mang

Después del sueño, 2013 Carré Saint Anne, Montpellier Vestidos, hilos de lana Foto: Pierre Schwartz

En otras palabras, las ventanas de las casas populares de Berlín oriental eran como cámaras de vigilancia operadas indirectamente por el Gobierno. Mis instalaciones de ventanas pueden verse simplemente como un símbolo del día a día de la ciudad de Berlín, pero también ponen en evidencia su historia política. GA: En tu video Tierra y sangre cambias el modo de representación pero mantienes el lenguaje de los sentimientos en primera persona, ¿puedes hacernos alguna reflexión personal sobre este video? CS: En mi proyecto la tierra y la sangre juegan un papel transcendental en la concepción de la relación entre el individuo hecho pedazos y el mundo del que se le ha separado, Utilicé la sangre como elemento pìctórico; en este sentido, 8

todos mis trabajos son pinturas que se mueven imitando a la naturaleza, concienciándome de mi pertenencia a esta tierra. Y me sumergí en la búsqueda de una fusión con los elementos comunes que crean la vida cuando se ponen juntos. Mi complicidad con la tierra como el lugar del origen y de la creación del mundo, al que siempre quise retornar, constituye la base de las prácticas artísticas, con las que me comprometí y una aceptación de las condiciones impuestas en la transición entre la vida y la muerte, en un ciclo que se representa a través de las diferentes estaciones del año. GA: Qué legado te dejó Marina Abramovic en tus años de estudiante? Y ¿qué relación encuentras con otras artistas como Ana Mendieta y Rebecca Horn? ¿Cómo te influyen y qué

otras artistas (si es que las hay) han sido reveladoras para ti? CS: Cuando tenía unos 23 años descubrí el trabajo de Ana Mendieta y me produjo una resonancia tan profunda que empecé a creer que yo era una re-encarnación de ella. Hay un universo dentro de mi y fuera de mí y yo quiero expresar las cosas comunes entre esos dos universos. Cuando empiezo a pensar mucho en mi trabajo y me quedo paralizada, trato de escuchar de nuevo a mi cuerpo y de repente, a veces, puedo ajustar mis pensamientos mirando los trabajos de Ana Mendieta. Las afinidades entre Ana y yo se sitúan en un orden diferente, lo cual no quiere decir, en cualquier caso, que compartamos la mayoría de esas afinidades. Para mí hay un reconocimiento y un movimiento de admiración hacia Mendieta por el coraje con que ella

Cartas de agradecimiento, 2014 Espai D’Art Contemporani de Castellón Hilos de lana, cartas Foto: Wanna Filmmakers

exploró la muerte en el círculo de la sangre que rodeó su vida, su unión con la naturaleza y la aceptación de su final trágico que ha sido cuestionado tantas veces. Ana Mendieta ejerce una gran influencia sobre mí, ella tuvo un desencuentro con la gente con la que vivía y saltó por la ventana. Solo tenía 38 años y en su trabajo jugaba con la muerte todo el rato. Y eso también me interesa sobremanera, esa forma de unificar su cuerpo con el universo… GA: Vas a representar a Japón en la Bienal de Venecia de 2015 ¿Nos puede adelantar algo de lo que vas a hacer? ¿Puedes contarnos algo sobre tus proyectos futuros? CS: Para mi inmediata exposición del 6 de Febrero en el Espacio Cultural Louis Vuitton he estado en París con mi

Muñeca, 2014 Pastel al óleo e hilos de lana sobre papel

equipo para construir la instalación que se llamará Infinity. Es una instalación de hilos que incluye bombillas de luz que se apagan y se encienden cuando el espectador pasea por el lugar. Antes, tendré una gran exposición individual en la Stadtgalerie Saarbrücken, que se inaugurará el 30 de Enero, Se exhibirán esculturas, dibujos, videos, fotografías y también una instalación de hilos con vestidos blancos. Su título es Seven dresses (Siete vestidos). En verano tendré que mostrar tres instalaciones –dos interiores y una exterior- en el SESC Pinheiros, en Sao Paulo. Pero en este momento tengo toda mi concentración puesta en mi exposición individual en el Pabellón de Japón en la Biennale de Venecia de este año. María Jesús Aragoneses

Chiharu Shiota nació en 1972 en Osaka ( Japón), se formó artísticamente en la facultad de Bellas Artes de la Universidad de Kyoto y posteriormente en la Universität der Künste, bajo la dirección de Marina Abramovic, precursora del arte de las performances y de las instalaciones artísticas. Desde el final de sus estudios vive y trabaja en Alemania aunque sus raíces fundamentales siguen siendo japonesas. Pertenece a una generación de mujeres artistas jóvenes que han conseguido reconocimiento internacional y que implícita o explícitamente trabajan el arte conjugado en femenino. 9

AGENDA a corto plazo de Chiharu Shiota

Tira Siete vestidos, 2014 Tira compuesta por 7 fotograbados Fotos: Sunhi Mang

Exposiciones actuales Nov. 29 - Feb. 15 2015 Exposición colectiva Progress and Hygiene (Progreso e Higiene), Zachęta National Gallery of Art, Warsaw / Poland Oct. 9 2014 - Oct. 8 2015 Exposición individual en First House (Primera Casa), Zorlu Center Performing Arts Center, Istanbul / Turkey Sep. 26 - Jan. 11 2015 Colectiva Letters of Thanks (Cartas de agradecimiento), Espai d’art Contemporani Castelló (EACC), Castello / Spain Aug. 30 2014 - Jun. 7 2015 Over the Continents (Sobre los Continentes), Smithsonian Institution Arthur M.Sackler Gallery, Washington, D.C. / USA Apr. 26 2014 - Apr. 2015 Colectiva Qual’at Al Bahrain through ages, Qual’at Al Bahrain, Manama / Bahrain Oct. 4 2013 - 2015 Individual Trace of Memory (Huella de la memoria) The Mattress Factory, Pittsburgh / USA Próximas Exposiciones Jan. 30 2015 - Apr. 5 Individual Seven Dresses (Siete trajes), Stadtgalerie Saarbrücken, Saarbrücken / Germany 10

Feb. 6 2015 - May. 3 Colectiva Infinity (Infinidad), Espace Culturel Louis Vuitton, Paris / France Feb. 12 2015 - Apr. Colectiva, María José Jove Foundation, A Coruña / Spain Mar. 21 2015 - May. 15 Individual Chiharu Shiota : Works on Paper (Trabajos sobre papel), solo show, Hadrien de Montferrand Gallery, Beijing / China May 9 2015 - Nov. 22 Individual The Key in the Hand (La llave en la mano) in the Japan Pavilion, 56th Venice Biennale, Venice / Italy May-Jul, Sep-Nov 2015 Individual, the Japan Foundation, Köln/Germany and Rome/Italy - Traveling Exhibition June 10, 2015 - Individual In the Beginning Was…(En el principio era….), The Sorigue Foundation, Lleida / Spain July 2015 - Sep Individual, Kenji Taki Gallery, Nagoya and Tokyo / Japan Sep. 2015 Individual, São Paulo / Brasil Nov 2015 Colaboración con Zafraan Ensemble, alif::split of the wall - a theatre of consciousness, Radialsystem V, Berlin / Germany Feb. 2016 - Colectiva The Piranesi Effect (El efeto Piranesi), Tel Aviv Museum, Tel Aviv / Israel

Apuntes para una instalación

Amalfy Fuentemayor

“Flores para los muertos” Amalfy Fuentemayor

La obra Hogar, dulce hogar de Amalfy Fuenmayor, está inspirada en la exposición Home Memory presentada por Chiharu Shiota en La Maison Rouge. Foundation Antonie de Galbert en el 2011. Amalfy Fuenmayor, que forma parte del Colectivo Generando Arte, presentó esta obra en la exposición Permitido Indagar, donde cada una de las cincuenta artistas del colectivo entraban en conversación artística con otra artista consagrada y viva, con objeto de homenajearla y así visibilizar el arte de las mujeres en el mundo contemporáneo. Amalfy había elegido a Chiharu Shiota como su artista de referencia. Ella trabaja también el mundo de los sentimientos a través de los objetos de uso cotidiano, cargándolos de significado y poniendo en valor lo femenino. Retomo las palabras de Amalfy para explicar su visión de Chiharu Shiota: “Me he identificado con su trabajo porque comparto el uso del hilo en la realización de las obras y por su condición de artista extranjera que vive entre dos culturas (oriental y occidental) y las fusiona en su expresión artística”. En esta pieza, Amalfy ha recreado en el pequeño espacio de una jaula de pájaro los laberintos intrincados de las piezas de Chiharu, pero ella lo impregna todo de esa alegría latina que le da su tierra de origen, Venezuela, y le busca una salida a esa prisión laberíntica, dejando la jaula abierta por la base. 11

Presentaciรณn de nuestra revista

Ha nacido Generando Arte, La revista, una publicaciรณn feminista, con vocaciรณn de visibilizaciรณn y vindicaciรณn de la mirada femenina en el mundo del arte, recorriendo su historia, su actualidad y la del propio Colectivo. Amadrinada por Pilar Bardem.

El patio del recreo

a rueda de prensa tiene lugar en una sede privilegiada, AISGE. Presidida por una madrina de lujo, Pilar Bardem, con la Presidenta del Colectivo Generando Arte (hoy ya Asociación) y Directora de la publicación, Concha Mayordomo, Amparo Climent, Patrona de la Fundación y el Vicepresidente de AISGE, Fernando Marín. La Presidenta Honorífica del Colectivo, Ana M. Pérez del Campo, no puede acudir, pero traslada en un escrito sus felicitaciones por este lanzamiento: “Felicito al Colectivo por la luz que han llevado a cabo en todas sus exposiciones, sembrando con el

arte su repulsa a la injusticia y, al mismo tiempo, fundiendo con la incomparable belleza el discurso artístico al lado de la ética que ampara a la vulnerabilidad más vulnerable”. En dicho evento la Directora de La revista y Presidenta de Generando Arte muestra los contenidos y líneas maestras de una publicación que nace como elemento de denuncia al servicio de una sociedad más justa e igualitaria: - artículos de reflexión como El arte y la Ética (Ana M. Pérez del Campo)., semblanzas de otras artistas como la realizada sobre Yoko Ono (M.J. Aragoneses)., - exposiciones del colectivo como Permitido

Indagar (en la Sala de S. José de Caracciolos de la Universidad de Alcalá de Henares, donde las 50 componentes han escogido a sus 50 artistas preferidas, aunando, implícita o explícitamente,100 visiones del arte femenino contemporáneo)., - se analizan las inquietudes y el quehacer de sus componentes., - se contempla la situación del arte en distintos países, e incluso, se presenta un horóscopo chino... Asimismo habla de Generando Arte, el mayor colectivo de artistas internacionales feministas del mundo, nacido en España en 2014 y formado “...por la suma de necesidades individuales de aunar fuerzas para que el mensaje

sea más contundente y llegue más lejos”. El hecho de estar conformado por tantas mujeres y de tantos lugares, España, Europa, Latinoamérica, hace que “...nuestra visión sea muy plural tanto en el planteamiento como en las disciplinas artísticas”. La revista es el resultado de un año de andadura del Colectivo que ha optado por la manifestación artística para poner de relieve las inquietudes de la sociedad, tratando de ser reflejo de ésta. Proyecto que se inicia a partir de los sueños largamente alimentados por una mente lúcida, Concha Mayordomo, que va, a lo largo de su vida, madurándolo. Tras poner en marcha su proyecto

Un vestido, dos vivencias, se dedica al comisariado de exposiciones, participa en la ejecutiva de MAV y conforma la idea de unir las fuerzas de 50 mujeres como mínimo para que la voz femenina se extienda a través del eco de la propia sororización de éstas, primero en nuestro país y, desde aquí, en el resto del mundo. Los tres pilares que acompañan al Colectivo quedan expuestos en esta presentación, empezando por “dar visibilidad a la mujer en el arte”, recuerda que los datos indicados en la página web de MAV relativos a la situación profesional, económica y social de las mujeres en el sector de las artes visuales en nuestro país es 13

Atristas de Womanhouse 1972 14

escandaloso, que en la última edición de Arco la participación de la mujer artista se limitaba al 4%, ... Continúa exponiendo que se pretende “evidenciar la injusticia y la falta de equidad”, denunciando aquellas situaciones en que las mujeres se encuentran discriminadas por el mero hecho de serlo. Y por último y primordial, en la base de todo ello, investigar, manifestar y contribuir a, paulatinamente, erradicar “la violencia de género”, como ha quedado patente en la obra expositiva Lo hace porque te quiere o ¿Sabes quién es? ¿Sabes quién era? Todo esto permite hacer un análisis de la situación del arte en la España actual. Se ha trabajado y se pretende continuar, en proyectos junto a Universidades, (Carlos III, Alcalá de Henares), Centros de Arte, Museos de Arte Contemporáneo... Al evento acude un amplio

abanico de artistas de diferentes áreas y de la talla de Concha Jerez, Asunción Balaguer, Elisabetta Bagli... Y son numerosos los medios de prensa que asisten y que, posteriormente, se hacen eco del lanzamiento en la web de una publicación de estas dimensiones, con un bagaje tan denso y rico, destinada a ocupar un puesto relevante en la sociedad actual al ser expresión de un grupo profesional de media parte de nuestra sociedad, un 50% largamente mantenido en segunda fila y dispuesto, en el nuevo siglo, a pisar fuerte y dejar huella. ....caminante, no hay camino,se hace camino al andar... se hace camino al andar... “he utilizado el presente histórico dada la permanente vigencia y actualidad de los conceptos contenidos en la presente crónica”

Asuncion Bau 15

Premio Violeta 2014

Otorgado a Generando Arte por las Juventudes Socialistas. Discurso de nuestra presidenta:

uenas noches, Mi nombre es Concha Mayordomo, y soy “la cabeza visible” de un colectivo de cincuenta mujeres artistas que hemos adoptado el nombre de Generando Arte. En primer lugar quiero dar las gracias a las Juventudes Socialistas por haber pensado en nosotras a la hora de otorgar el Premio Violeta al compromiso cultural. También aprovecho para felicitar a los otros premiados, el interesantísimo proyecto SOS VICS del Departamento de Traducción y Lingüística de la Universidad de Vigo y a nuestras compañeras y amigas que han hecho posible esa acción tan importe de El tren de la libertad. Se me ocurren muchas, muchísimas personas y entidades a quien agradecer en este momento, gracias a todos ellos. Pero me voy a permitir una licencia a título personal (o por la parte que me toca) se lo voy a dedicar a mi padre, que fue la única persona que entendió y confió plenamente en mí y en mis proyectos cuando a los cuarenta y ….un poco… decidí 16

presentarme al examen de ingreso en la Facultad de Bellas Artes de la Complutense. Me acompañan María Jesús Ara-

revista y Miren Manterola responsable de la sección norte del colectivo, y todas ellas también artistas visuales. El colectivo Generando Arte se ha

“peregrina” de utilizar el arte como elemento de denuncia. Queremos utilizar un lenguaje diferente para intervenir y denunciar aspectos donde la

goneses, vicepresidenta; Luz Velasco, secretaria general; Asunción Bau que es nuestra tesorera; Pepa Santamaría coordinadora general de nuestra

formado hace menos de un año, con una carga enorme de ilusión, energía y no pocas vicisitudes pero que poco a poco vamos salvando con esa idea

mujer es injustamente tratada por el mero hecho de serlo, por la visibilidad de las mujeres artistas y, sobre todo, y en primer lugar, para denunciar la

violencia machista, y lo hacemos de la manera que mejor sabemos, como ya he dicho desde el arte. Con nuestras acciones y exposiciones también tenemos como objetivo rendir homenaje a aquellas otras artistas que desde los años 60 en Estados Unidos consiguieron hacerse oír, ver, escuchar… y que en su conjunto lograron darle la vuelta a un mundo del arte masculinizado al máximo hasta ese momento. En este sentido hemos trabajado en el proyecto Permitido indagar, en él cada una de nosotras hemos rendido nuestro personal homenaje a otras tantas artistas vivas de reconocido prestigio, por lo que implícita y explícitamente pusimos ante el espectador los nombres y las obras de 100 mujeres artistas. Si bien hemos trabajado sobre las artistas actuales en otro proyecto lo estamos haciendo sobre las ya fallecidas de la llamada Edad de plata y que podrá ser visto el próximo año coincidiendo con el centenario de la creación de la Residencia de señoritas. Y para seguir en esta dinámica y con una gran ración de humildad, actualmente estamos trabajando

El patio del recreo

en otra propuesta donde hablamos de nosotras mismas… somos así, modestas. El colectivo también ha trabajado en la falta de equidad en el ámbito domestico con la exposición Equilibrando la balanza, sobre Mujer y naturaleza, hemos denunciado la situación de las mujeres en la ilegalidad de las fronteras formando parte de la exposición colectiva La valla. 100 artistas en la frontera sur y sobre todo, hemos denunciado la injusticia y la falta de respeto que supone la aprobación del anteproyecto de ley sobre el aborto con la exposición ¡Déjame en paz! Y seguimos y seguimos, el próximo día 5 de diciembre inauguraremos en la Universidad Carlos III de Madrid una exposición sobre el cuidado de los ancianos, que como todo el mundo sabe la sociedad ha decretado que corresponde, en un porcentaje abrumador, a las mujeres, concretamente en las hijas, se titulará Déjame hacer otro lugar y que aprovecho para invitar a visitar a todos los presente. Actualmente estamos trabajando en dos grandes exposiciones, la primera sobre violencia de género, o mejor: sobre violencia machista,

porque esa violencia ejercida hacia las mujeres, los niños y las niñas es un tema extremadamente doloroso que no puede consentirse bajo ningún concepto en el 2014, el segundo proyecto está basado en el descubrimiento de unos hechos de la reciente historia de España, que también nos han dejado… en estado de shock. Me estoy refiriendo al libro de Consuelo García Cid Desterradas hijas de Eva en el que se denuncian las prácticas generalizadas en algunas instituciones sobre Niños robados, con este proyecto queremos ilustrar, a nuestra manera, el libro de García del Cid y podrá verse en la sala de exposicio-

nes del antiguo Correccional de San Fernando de Henares (Madrid) que es uno de lugares donde se producían estas desgraciadas actuaciones y que podrá verse el próximo mes de marzo. Como decía, por parte de Generando Arte tenemos el compromiso de seguir denunciando con todas las fuerzas que seamos capaces, y por este motivo quiero/queremos dedicar este premio especialmente a todos los hombres que nos respetan, nos valoran, nos ponderan, que aborrecen la misoginia y que son la inmensa mayoría de este país. Muchas gracias. Concha Mayordomo 17

Premios Generando Arte El arte como elemento de denuncia.

l arte como un elemento de denuncia, como llamada a la acción ante las injusticias sociales. El arte como un medio de reflexión, para agitarnos, para hacernos conscientes. Eso es lo que promovemos en el Colectivo Generando Arte. El pasado 15 de enero cumplimos un año y lo hemos querido celebrar con la ceremonia de entrega de los Premios Generando Arte en su primera edición. Una ceremonia en la que la denuncia ha estado latente: la denuncia de los acontecimientos de París, la denuncia de la situación que atraviesa la cultura en España, la denuncia de lo que se vive en la Valla de Melilla. Por eso hemos entregado un premio especial a la Comunicación a Fernando Rodríguez Lafuente, director de ABC Cultural. Un galardón con el que queremos resaltar su apoyo a la libertad de información y expresión. “Cuando los cimientos de la libertad de expresión son atacados ferozmente, es el momento de reflexionar sobre la importancia que los medios de comunicación tienen en la sostenibilidad de una sociedad democrática y libre”, afirmó Concha Mayordomo, la presidenta de la 18

asociación, durante la entrega del premio Generando Arte. Por eso hemos elegido al fotógrafo José Palazón como Mejor Personaje Público en la categoría masculina. Por su trabajo en la Valla de Melilla, una denuncia de una situación atroz e inhumana, y su participación en la exposición La Valla. 100 artistas en la Frontera Sur. Y por eso Concha Mayordomo denunció durante su discurso la situación que atraviesa en la

actualidad el mundo de la cultura. Porque vivimos “momentos en los que la cultura en general y el arte en particular aparecen como adornos totalmente prescindibles, casi como un artículo de lujo.” Todas las personas premiadas en esta primera edición de los Premios Generando Arte han sido cuidadosamente seleccionadas, ya sea por su trabajo y su trayectoria en el mundo de la cultura ya sea por el apoyo que durante este primer

año han brindado al colectivo. Entre ellos, se encuentran Concha Jerez como Mejor Artista Visual, el Departamento de Extensión Cultural de la Universidad de Alcalá como Mejor Institución y Pilar Bardem como Mejor Personaje Público en la categoría femenina, además de los anteriormente mencionados Fernando Rodríguez Lafuente y José Palazón. La entrega de los galardones tuvo lugar en la sede madrileña de la

Fundación Artistas Intérpretes Sociedad de Gestión (AISGE). Su presentación corrió a cargo del actor Emilio Gutiérrez Caba, ganador de dos premios Goya a la mejor interpretación masculina de reparto por los filmes La comunidad (2000) y El cielo abierto (2007). Con esta ceremonia el colectivo da partida a un nuevo año que estará marcado por grandes exposiciones. Actualmente estamos trabajando en una exposición sobre violencia de género y otra sobre el caso de los niños robados, de manera conjunta con la Asociación Todos los niños robados también son mis niños y basada en el libro de Consuelo García Cid Las desterradas hijas de Eva. Además, durante 2015 nos uniremos a las conmemoraciones del centenario de la creación de la Residencia de Señoritas y al nacimiento de Teresa de Ávila. El proyecto Las Moradas, un estudio gráfico en el que las participantes del colectivo damos nuestra visión personal sobre su vida y su obra literaria, forma parte del Programa Cultural de los actos del V Centenario del nacimiento de Teresa de Ávila del Ministerio de Cultura.

Beatriz Velardiez

Del 15 de octubre al 14 de noviembre 2014

Exposiciรณn Utopic-Us

La valla

100 artistas en la frontera sur 19

Boza, boza Amparo Climent

uando Amparo Climent me propuso que el Colectivo Generando Arte entrara a formar parte del proyecto Las lágrimas de África en el que con tanto empeño, dedicación y entusiasmo llevaba trabajando me sentí a partes iguales, agradecida y temerosa de no poder aportar más a todo lo que ella ya había proyectado individualmente; pero cuando me presentó su propuesta teórica, sus fantásticas fotografías, los dibujos originales de los africanos… y me contó su experiencia de cuatro viajes a la frontera de Melilla para encontrarse con los que esperan en el monte Gurugú, no tuve ninguna duda: en lo que pudiera aportar, ahí estaría, tanto de forma personal como en nombre de Generando Arte, en mi calidad de presidenta del colectivo. Es cierto que el peligro que conlleva el salto de “la valla” para entrar en territorio español, es un proceso esencialmente masculino, a duras penas ha sido realizado por tan sólo tres mujeres (una de ellas embarazada) Sin embargo otras muchas, la mayoría, lo hacen en pateras o camufladas en vehículos por los pasos fronterizos. Sus historias son aun más conmovedoras que las de sus compañeros, sus travesías

En el límite Antonia Valero

por los territorios hostiles, el desierto, el hambre, la sed, las vejaciones, las humillaciones, las violaciones… forman parte de un conglomerado vital difícilmente soportable de escuchar. Pero la conclusión más terrible es tomar conciencia del lugar donde termina el “final feliz” de tanta penuria, ya que desgraciadamente es difícil que las jóvenes puedan escapar de las redes criminales transfronterizas que compran y venden mujeres de las que abusan y a las que después obligan a prostituirse por toda Europa. Para dar visibilidad a todas aquellas que “la valla” oculta, para esas otras que quedan solas en sus aldeas, para las que emprenden el viaje pero nunca llegan a la frontera, para las que son prostituidas, esclavizadas, para las que nunca podrán regresar, y sobre todo para las que pueden escapar de tanto horror y encontrar una vida mejor, el Colectivo Generando Arte y otros muchos artistas estamos participando en esta exposición. Si bien la invisibilidad de las mujeres fue el arranque de nuestra participación, el tema se amplió, como no podría ser de otra manera, a todas las personas (mujeres, hombres, niñas y niños) a las circunstancias, los elementos, las luces,

Esperanza Rosa Gallego del Peso

los conceptos que mueven conciencias ante la indiferencia de otros muchos y que hablan muy claro sobre la insolencia de los países dominantes ante tantos seres humanos valientes que desafían los peligros en busca de una vida mejor. La exposición La valla. 100 artistas en la frontera sur, representa el grito que demanda justicia de todos y cada uno de los artistas que la formamos de la manera que mejor sabemos hacerlo, con nuestras propuestas plásticas y con nuestros textos. Nuestra intención no es sólo por el compromiso social que declara, ni por llamar la atención en este vergonzoso hecho; también queremos que la exposición tenga una utilidad práctica y directa, destinando los fondos que se consigan de la venta de las obras al mantenimiento de la Escuela de Enseñanzas Artísticas en Mali, la Aldea Cultural Jele Kosobe, que en estos momentos se encuentra al borde de la desaparición por falta de recursos. Gracias a Amparo por habernos permitido participar de este maravilloso proyecto. Concha Mayordomo Co-comisaria de la exposición

La galerĂa

Obras de arriba a abajo y de izquierda a derecha: Cristina Recio, Asuncion Bau, Natacha Mazzitelli, Myriam de Miguel, Luz Velasco, Susana García, Prado Toro, Ela Rabasco, Beatriz Velardiez, Susana Ribuffo, María Jesús Aragoneses, Pepa Santamaría

ice el Diccionario de la Real Academia Española que desolar es “Causar a alguien una aflicción extrema”. Hoy he subido de nuevo al Monte Gurugú en Marruecos, de donde salieron, hace apenas dos días, los hombres que fueron apaleados salvajemente por la policía marroquí, en la valla de Melilla en territorio español. Lo primero que han dicho esos hombres negros, algunos ya amigos, con una tristeza infinita es: Nous sommes prisonniers de la désolation, y esas pocas palabras que expresan un sentimiento profundo se han mezclado con el espectáculo dantesco del poblado destruido y quemado por las fuerzas marroquíes, en donde malviven desde hace meses. Hombres jóvenes con el cuerpo y el alma rota, que sólo desean poder trabajar en algún lugar para espantar de sus vidas, y de las vidas de sus familias: la guerra, la hambruna, las enfermedades… y tantas y tantas miserias que ninguno de los habitantes del llamado primer mundo podríamos soportar. No son nuestros enemigos, son personas que han tenido que emigrar de sus países, atravesando África en un viaje desesperado y lleno de peligro. Por eso desde mi modesta pero firme convicción de que todavía nos queda el valor de la solidaridad, hago una llamada a todos los amigos, gentes de bien, gobiernos, cristianos, musulmanes, agnósticos, azules y rojos, hombres y mujeres… para que nos rebelemos del silencio, de la indiferencia, de la deshumanización, de la comodidad de creer a las gentes sin escrúpulos, que nos intentan convencer de que esas “hordas de negros famélicos” quieren arrebatarnos incluso… nuestras propias miserias. Amparo Climent Monte Gurugú, Abril-2014

La galerĂa

Participantes Alberto Omiste Almudena Mora Alondra Badano Amparo Climent Amparo Soto Ana Fernández Asperilla Ana María Pérez del Campo Ana Núñez Ana Criales Ángel Agrela Ángel Aragonés Ángel Santiago Plata Ángela Ríos Vicente Ángeles Saura Angelina Gatell Antonia Valero Antonio Ruiz Asunción Bau Balbino Ferrero Beatriz Díaz Beatriz Velardiez Blanca González Blanca Serrano Carlos Álvarez Carlos Berzosa Carlos Olalla Carlota Cuesta Carmen Isasi Carmen Otero Chiqui Lima Concha Gay Concha Mayordomo Cristina Maristany Cristina Recio Daniel Dvrán David Becerra 24

Dolores Fernández Eduardo Jover Ela Rabasco Elda Ruiz Arangüena Eva Iglesias Evangelina Esparza Fernando de Quirós Fernando G. Arévalo Francisco Olmo Guillermo Enfermo Héctor Melgares Hugo Atman Irene Báñez Irene Blasco Isabel Bettina Joaquín Vida Arredondo Johanna Speidel Jorge Bosso José Palazón Juan Carlos Mestre Juan Ríos Vicente Juan Trías Vejarano Juana Andueza Laura Amigo Luis García Montero Luz Olier Luz Velasco Manuel Calvo Manuel Ruano Marcos Ana Marga Algora María Cifuentes María García del Salto María Jesús Aragoneses María Rosa de Madariaga María Teresa Abadía

Marian M. Cañizares Mario Doblado Mariví Ibarrola Marta Fenollar Miguel A. Pérez Martínez Miriam Garlo Myriam de Miguel Natacha Mazzitelli Natha Piña Nelson Villasana Paloma Rodera Patricia Fridman Paula Sánchez Paz Santos Pepa Santamaría Pilar Aymerich Pilar Bardem Pilar V. de Foronda Prado Toro Raquel Abad Raúl Melgares Roberto López Rosa Gallego del Peso Rosa Guerrero Rosa Virgili Abelló Sergi Cámara Sergio María Díaz Silvia Martínez Silvia Martínez Cano Susana García Susana Ribuffo Teresa Ribuffo Vicente Gisbert Víctor Clavijo Virginia Garrosa Xoán San Martín

Obras de arriba a abajo y de izquierda a derecha: Marian M. Cañizares Rosa Virgili Pilar V. de Foronda Patricia Fridman Paloma Rodera Natha Piña Silvia Martínez Cano Marga Algora

Actividades en el marco “La valla. 100 artistas en la frontera sur” Inauguración

Miércoles 15 octubre 19,30h. Sede Utopic_us. C/ Duque de Rivas, 5 Metro: Tirso de Molina, Sol, La Latina Actuación musical de Macu Sanz y Edith Salazar. Y la proyección audiovisual La valla

Mesa redonda

Miércoles 22 octubre 19h. Fundación Abogados de Atocha. C/ Sebastián Herrera, 12-14 Metro: Embajadores La valla. El compromiso de los artistas y activistas en la Frontera Sur José Palazón. Director de la Asociación Pro Derecho de la Infancia, PRODEIN Melilla Amparo Climent. Artista multidisciplinar.

Impulsora y co-comisaria del proyecto: “La valla. 100 artistas en la frontera sur” Patricia Fernández. Abogada. Javier Bauluz. Periodista gráfico. Premio Pulitzer. Fundador y director de Periodismo Humano.

Charla-debate

Jueves 30 octubre 19,30h. Sede Utopic_us. C/ Colegiata, 9 Metro: Tirso de Molina, Sol, La Latina Activistas en la valla de Melilla Presentación del Informe de Vulneraciones de derechos humanos en frontera sur. Melilla. Informe de la Comisión de observadoras y observadores de Derechos Humanos que visitó Melilla del 3 al 6 de julio. Irene Ruano. GAC y la Coordinadora estatal para la prevención y denuncia de la tortura

Christian Orgaz. Sociólogo, investigador en la UCM. Miembro de la Campaña Estatal por el Cierre de los CIE. Patricia Orejudo. Comisión CIE Ferrocarril Clandestino.

Charla-coloquio

Dia 4 de noviembre 19h. Fundación AISGE. C/ Ruíz de Alarcón,11. Metro: Banco de España. La valla. El camino, la impotencia y el sufrimiento de las mujeres en la Frontera sur Pilar Bardem. Actriz. Presidenta de AISGE. Matilde Fernández. Vicepresidenta de ACNUR España y diputada en la Asamblea de Madrid. Luz Modroño. Presidenta de UNESCO en la Comunidad de Madrid. Concha Mayordomo. Artista plástica.

co-comisaria de la exposión “La valla. 100 artistas en la frontera sur”. Presidenta de Generando Arte. Ana Fernández Asperilla. Historiadora. Directora del Centro de Documentación de las Migraciones, Fundación 1º de Mayo. Contaremos con la presencia de una mujer subsahariana que narrará su experiencia vital.

Clausura exposición

Viernes 14 noviembre 19,30h. Sede Utopic_us. C/ Colegiata, 9 Metro: Tirso de Molina, Sol, La Latina. Performance a cargo del grupo de teatro de la parroquia de San Carlos Borromeo, Ubuntu, dirigido por Carlos Olalla. Libro oral del viaje desde África a Europa, narrado por sus protagonistas.

¿Sabes quién es? ¿Sabes quién era? Exposición PSM - Partido Socialista de Madrid Palacio de la Prensa, Plaza del Callao, Madrid del 1 de octubre al 30 de octubre 2014

María Jesús Abad • María Jesús Aragoneses Ana Esther Balboa • Sara Beiztegi Carmen Chacón • Amparo Climent Martina Dasnoy • Mareta Espinosa Pilar V. de Foronda • Rosa Gallego Emma García Castellano • Marta Linaza Ana Marcos • Silvia Martínez Concha Mayordomo • Natacha Mazzitelli Jasmina Merkus • Cecilia Montagut Rosario Naranjo • Pilar Pérez Camarero Susana Ribuffo • Montse Rodríguez Herrero Antonia Valero • Luz Velasco

“Rojos” Silvia Martinez

on este título la exposición colectiva de mujeres artistas quiere hacer una llamada de atención al espectador sobre su relación con los maltratadores y con las maltratadas. Si bien las estadísticas que manejan las entidades que se ocupan de este tema tienen algunos datos determinantes, no contemplan el perfil del maltratador físico ni psicológico, ya que puede darse en individuos de todas las clases sociales, religiones, edades, etc…, por lo que, no obedeciendo a ninguna de las características que pueden ser más representativas en cada entorno, no se descarta que lo

puedan ser los que se dirigen en cualquier lugar de España a visitar una exposición, realizar alguna gestión en la ciudad, o esos otros que con su mejor sonrisa atienden al publico en cualquier establecimiento comercial… ¿Sabes quién es? Por el contrario, ¿sabes quién era? es un pequeño tributo a las víctimas (mujeres, niñas y niños) que con demasiada frecuencia sacuden nuestras conciencias en las noticias de prensa, radio y televisión. El silencio, la incomprensión, el miedo o la coacción son circunstancias que determinan el aislamiento y el desconocimiento que sobre estas victimas ejercen los maltratadores y que en muchos casos es posible evitar. La propuesta es una muestra representativa de 24 cuadros

que se han realizado expresamente para esta exposición que llega en su última itinerancia a esta histórica sala, todas las artistas han trabajado en idéntico formato 100 x 100 cm por lo que han tenido el mismo espacio de expresión, han utilizado diferentes técnicas y han tenido plena autonomía para realizar su trabajo de forma personal ya que, a criterio de la comisaria, su curriculum avala su trayectoria de sensibilización contra la Violencia Machista. Participan también en esta muestra la poeta italiana Elisabetta Bagli que ha escrito para esta muestra una poesía para muchos de los cuadros y que el día de la inauguración serán leídas por las actrices Amparo Climent, Marta Guardincerri, Jezabel Martínez, Alexandra Nicod,

María José del Valle, Carla Antonelli y Ana Goya. El artista multidisciplinar Antonino Nieto también se une al acto de inauguración con su poemarío Monólogo floral, en 11 bendiciones y 2 sanctus, escrito expresamente para esta ocasión y que él mismo interpretará. Como acto de clausura de la exposición la bailarina Violeta Porcel Cubillo realizó la Performance Todos los días son veinticinco de noviembre que contará con la colaboración de la gran bailarina de danza española Carmen Cubillo con la música del compositor Miguel Pezzetta. Concha Mayordomo 27

Lo hace por que te quiere

Exposición

VALEY Centro Cultural de Castrillón del 6 de noviembre al 15 de Diciembre 2014

María Jesús Abad Tejerina • M. Jesús Aragoneses Martxe Arana • Ana Balboa • Sara Beiztegi Boca Lima • Gracia Bondía • Carmelo Canales Marián M. Cañizares • Amparo Climent • Carmen Chacón Martina Dasnoy • Adriana Davidova • Daniel Dvran Ra Dvran Mareta Espinosa • Pilar V. de Foronda Rosa Gallego del Peso • Miriam Garlo Virginia Garrosa • Marisa González Mariví Ibarrola • Marta Linaza • Miren Manterola Ana Marcos • Concha Mayordomo • Natacha Mazzitelli Benjamín Mejía • Jasmina Merkus • Cecilia Montagut Beth Moyses • Rosario Naranjo • Paloma Navares Marina Núñez • Alberto Omiste • Carmen Otero Ouka Leele • Miguel Ángel Pérez Ada Pérez • Roberta Requena Susana Ribuffo • Teresa Ribuffo • Montse Rodríguez Cleusa Rossetto • Ivonne Ruiz Marisa • M. Ruiz-Zorrilla Belén Serrano • Manuel Sousa • Prado Toro • Laura Torrado Luz Velasco • Antonio Vigo • Elena Zanca “Gritos silenciosos” Natacha Mazzitelli 28

on el título de “Lo hace porque te quiere”, un nutrido grupo de artistas visuales -hombres y mujeres, de diferentes países, diferentes mundos artísticos, con gran reconocimiento internacional, procedentes de la docencia universitaria, recién licenciados/as y estudiantes de Bellas Artes- dan la réplica a esa afirmación que justifica la violencia machista. Todos ellos han entregado una obra para esta muestra utilizando un formato único de 33 x 33 cm. ¿Cómo se justifica el maltrato en el ámbito doméstico? ¿Cómo viven los niños y los adolescentes las diferencias sexistas? ¿Cómo se ocultan las heridas? Son estos algunos de los temas que se plantean en esta exposición. ¿Cómo es posible que declaraciones machistas de personajes públicos sean justificados? ¿Cómo es posible también que en la España actual se produzcan determinadas declaraciones de personas con relevancia política y queden impunes? Al margen de otros importantes comentarios, los artistas con sus obras han puesto especial énfasis en el mensaje que pone de manifiesto que, argumentando la crisis económica y sus recortes, una parte de la clase política ha dejado de representar tanto a las mujeres vilipendiadas, como a los hombres que aborrecen la misoginia. Concha Mayordomo Comisaria de la exposición

Déjame hacer otro lugar Exposición Sala de Exposiciones de la Biblioteca Carmen Martín Gaite. C/ Madrid 135 Campus de Getafe.

del 2 de diciembre al 15 de Diciembre 2014 Instituto Universitario de Estudios de Género Universidad Carlos III de Madrid IV Seminario “Cuidados, envejecimiento y género. Conexión de proyectos y perspectivas de futuro”

Adriana Exeni • Amalfi Fuenmayor Asunción Bau • Carmen Chacón Cecilia Montagut • Concha Mayordomo Ela Rabasco • Jasmina Merkus Jezabel Martinez • Fabra Luz Velasco María Jesús Abad María • Jesús Aragoneses Marisa M. Ruiz-Zorrilla • Myriam De Miguel Natacha Mazzitelli • Natha Piña Paloma Rodera • Pepa Santamaría Pilar V. de Foronda • Prado Toro Rosa Gallego del Peso • Silvia Martínez Cano “Sana, sana, culito de rana” Myriam de Miguel

Susana Ribuffo

esde el colectivo Generando Arte, una vez más, nos unimos para colaborar con nuestras obras y apoyar a las jornadas que tienen lugar en la Universidad Carlos III. Con ello tenemos la intención de concienciar a la sociedad del grave problema que supone el envejecimiento de la población y todos los efectos que de esto se derivan; la dependencia de estas personas y la de sus cuidadores o cuidadoras, haciéndolo desde nuestras diferentes obras plásticas. Dichas obras enfatizarán aspectos psicosociológicos, generacionales y de género. Teniendo en cuenta , como se ha demostrado a lo largo

de la historia, que las mujeres eran y siguen siendo, en una gran mayoría, las que cuidaban y cuidan de los mayores, trataremos de exponer este hecho en su justa medida, ya que las encuestas nos dicen que las poblaciones envejecen cada vez más y la longevidad no siempre es sinónimo de buena salud. Por eso queremos dejar constancia de nuestro reconocimiento hacia estas mujeres-cuidadoras que siempre han estado en el más absoluto de los anonimatos. Por lo tanto, el colectivo Generando Arte, creyendo que existe al respecto un grave problema social y aprovechando la Clausura del Seminario sobre el proyecto CM:

LEDYEVA (Cuidadores/as de Mayores: situación actual ante la Ley de Dependencia y eva luación de programas destinados a cuidadores/as), piensa que es una buena oportunidad para participar con obras que pongan de relieve estas situaciones. Para ello, Generando Arte participará con veintidós obras de 33 x 33 cm y con otras dos obras de María Jesús García Valera y Pedro Vergara que muy amablemente han aceptado nuestra invitación. Luz Velasco Comisaria de la exposición 31

El cuarto de invitadas

La mujer en el arte croata

os primeros documentos que testifican la existencia de mujeres artistas en Croacia datan de los siglos XV y XVI, del Renacimiento. Sin embargo, habrá que esperar hasta a finales del siglo XIX para que las primeras artistas croatas reciban una educación artística formal. De entre ellas, merece destacarse a Nastja Rojc, una de las primeras pintoras croatas que tuvo educación académica. Fundó en Zagreb, en el año 1927, el Klub hrvatskih umjetnica (Club de las artistas plásticas croatas), que fue la primera asociación profesional de las mujeres artistas en Croacia. En el periodo de los años veinte hasta los años cuarenta del siglo XX, las artistas croatas desarrollan un estilo propio, con influencias de las vanguardias europeas. Durante la Segunda Guerra Mundial y en los años inmediatos de posguerra se impone el modelo artístico soviético del realismo socialista. Después de la ruptura de Tito con Stalin y la Unión Soviética en el año 1948, se produce el retorno a una mayor libertad artística. La historia del arte contemporáneo croata de los 50 y 60 se configura en torno al movimiento Nove Tendencije (Nuevas Tendencias) y a varios grupos e iniciativas artísticas, de diferentes enfoques estéticos, formales, conceptuales y ideológicos; tales como EXAT51, Gorgona, Grupa šestorice autora (Grupo de los seis autores), y el espació Podroom, etc. Promovieron la Abstracción Geométrica y otras formas más radicales de la expresión artística relacionadas con el Existencialismo, el Neo-Dadaísmo y el arte basado en procesos y tendencias conceptuales. Estos grupos rara vez incluían a mujeres artistas. El trabajo de Ljerka Šibenik en el movimiento de las Nuevas Tendencias combinó una propuesta muy interesante en su aplicación de los colores brillantes y las formas espirales. Otras artistas participaron en el movimiento de las Nuevas Tendencias, pero más tarde desaparecieron de la escena artística. Entre los años 1966 y 1974 , la escena de las artes visuales en Croacia se expande para incluir los nuevos medios de comunicación visuales, el arte minimalista, el arte pop y las formas

geométricas propias de las Nuevas Tendencias, enriquecidas por la nueva generación de artistas, impulsada por los ideales revolucionarios de 1968 y su ímpetu por cambiar el mundo. Utilizaron los medios de comunicación como un medio para expresar sus puntos de vista. En Croacia, el movimiento fue conocido como Nova umjetnička praska, (Nuevas practicas artísticas). Una de las más influyentes artistas de esta corriente artística, es Vlasta Delimar que empieza su actividad artística en los años 70 rechazando la educación formal, como insuficiente, conservadora y anticuada. Delimar, rompiendo con los principios del trabajo artístico establecido, organiza acciones artísticas, happenings y performances en los que examina la situación de la mujer como un ser social y creativo. Es decir, la mujer en sus múltiples papeles como ama de casa, madre, artista, amante; ampliando el alcance de su propia sensibilidad y sensualidad. La artista Sanja Iveković aborda en su trabajo directamente los temas feministas, cuestionando y alterando la codificación hegemónica de género y la representación de las mujeres en los medios de comunicación. Afirma, a través de su obra, la construcción de la idea de la mujer como sujeto político. Mientras que la obra de Sanja Iveković se basa principalmente en un enfoque constructivista del cuestionamiento feminista de la realidad sociopolítica,

el trabajo de Vlasta Delimar trata, ante todo, la exposición de los tabúes relacionados con el cuerpo y la sexualidad femenina. Andrea Kulunčić pertenece al grupo de artistas que comienza su actividad artística en los años noventa. Su trabajo Index Zene (Índice de la Mujer) es un proyecto artístico-cientifico, en el que se ha hecho una encuesta a las mujeres de la ciudad de Split preguntándoles cómo se sienten. Los carteles diseñados por la artista son colgados como anuncios en el mobiliario urbano. Simulaban la portada de una revista femenina ofreciendo tres opciones: me siento contenta, me siento discriminada y me siento maltratada y anunciaban un numero gratuito de teléfono en el que realizar la encuesta anónima. La segunda parte del proyecto consistía en mostrar los resultados de la encuesta diariamente en el escaparate de la galería Salon Galić de la ciudad. La artista ha repetido este trabajo en varias ciudades europeas. La década de los años noventa en Croacia, marcada por la guerra (1991-1995), fue un periodo de legitimización del nacionalismo y patriotismo. De un claro renacimiento de la división de los roles masculinos y femeninos dentro de la sociedad, el hombre como el defensor - un agente activo- y la mujer como cuidadora, la que espera la vuelta del guerrero- un agente pasivo. El periodo socialista en la ex Yugoslavia (1945 -1992) se caracterizó por la igualdad entre géneros. Después de la Segunda Guerra Mundial, las mujeres obtuvieron el derecho al voto y el derecho al aborto. Se reconoció oficialmente su contribución en la lucha contra el fascismo, y se consideraron participantes igualitarias en la construcción de una nueva sociedad. Sin embargo, la guerra de los años noventa nos trae un nueva realidad en la que se produce un claro retroceso en los derechos y libertades de la mujer en la sociedad croata. Desde mediados de la década de los noventa hasta hoy, la generación más joven de artistas, como Renata Poljak, Sandra Sterle y Neli Ružić crean obras que critican la representación de los roles tradicionales de la mujer en la nueva constelación del patriarcado legitimado. Jasmina Merkus 33

Hildegard von Bingen S

El hombre Universal, Fol. 9, Liber divinorum operum I, 2. 34

e sabe que el único refugio para desarrollar las capacidades intelectuales de las mujeres ha sido durante siglos la iglesia. Es allí donde las grandes pensadoras abstraídas de toda realidad patriarcal pudieron expresar su naturaleza sabia. Mucho nos ha costado rendir homenaje a estas mujeres por el simple hecho de pertenecer a esta institución polémica, sin embargo son numerosos los estudios realizados a santos, clérigos y pensadores hombres. Se han escrito miles de artículos sobre San Juan de la Cruz, he estudiado a San Agustín, reflexionado junto a Santo Tomás de Aquino, disfrutado con Beato Angélico y soñado con las iluminaciones del Beato de Liébana. Ya es tiempo de separar a estas mujeres de dicha institución, estudiar su obra y descubrir con ellas los matices de su época. Hildegard, procedente de una familia de 10 hermanos, fue entregada a la iglesia como diezmo a la edad de 8 años donde desarrolló todo su trabajo hasta su muerte. Nació en Alemania a principios del siglo XI, su nacimiento coincidió con la primera cruzada en 1098. Con 6 años comenzó a tener visiones que continuaron durante toda su vida. A los 15 años profesó como monja y en 1136 fue elegida abadesa de su comunidad. En el año 1141 comenzó a escribir su obra principal Scivias, (Scire vías Domini ó vías lucís = Conoce los Caminos), obra que tardó 10 años en completar (1141-1151). Este manuscrito consta de 26 visiones con 10 iluminaciones de página entera, así cómo varias capitulares historiadas y decorativas. Hildegard tenía dudas sobre escribir lo que percibía, consultó entonces con San Bernardo de Clavaral y no solo recibió su aceptación sino que el Papa Eugenio III dio su aprobación después de un informe favorable de la comisión de teólogos.

La biblioteca

“La mujer es semejante a la Casa de la Sabiduría” (Hildegard von Bingen, Liber vite meritorum, I, 82) (2)

El papa dictaminó: “Sus obras son conformes a la fe y en todo semejantes a los antiguos profetas” y escribió a Hildegard instándola a continuar su trabajo y animando y autorizando la publicación de sus obras. Con esta aceptación su fama se acrecentó y logró fundar el primer monasterio de monjas autónomo en Rupertsberg, cerca de Bingen. Por supuesto este hecho fue cuestionado por los monjes de Disibodenberg, ya que sus rentas iban a disminuir, pero Hildegard continuó su trabajo y logró que en 1150 el arzobispo consagrara el monasterio. Pero ¿qué diferencia a esta mujer de sus contemporáneos masculinos? En las 10 imágenes que ilustran Scivias, podemos observar que nos va dejando huellas sobre su entrega absoluta, cada estampa sugiere su identidad, es ella la que aparece en una esquina de alguna de sus obras como si de su firma se tratase. En este tipo de actos revela que no solo ilustra sino que se acerca al espectador de una manera sensible identificando la visión como parte de su vida, no nos deja fuera, nos acompaña, y nos entrega su experiencia. A partir del año 1150 comienza su obra musical, se conocen 70 obras recopiladas en la Symphonia armoniae celestium revelationum, (Sinfonía de la armonía de revelaciones divinas) la mayoría editadas recientemente, así como un auto sacramental cantado, titulado “Ordo virtutum” (1150?). Escribió luego una obra sobre medicina: Liber subtilitatum diversarum naturarum creaturarum (Libro sobre las propiedades naturales de las cosas creadas) y entre 1158 y

Nuestras favoritas en la historia

1163 la Liber Vitae Meritorum, y entre 1163 y 1173-74 la Liber Divinorum Operum, considerados junto con el Scivias como las obras teológicas más importantes de Hildegard. A la edad de 80 años tuvo su mayor conflicto con las autoridades eclesiásticas. Hildegard permitió la sepultura de un noble excomulgado en el cementerio de Rupertsberg, este noble se había reconciliado con la iglesia pero las autoridades eclesiásticas no lo registraron. Hildegard se negó a alejarlo de tierra sagrada alegando su reconciliación final con Dios. Fueron meses duros y de muchas presiones contra su comunidad para que cediera, pero ella siguió creyendo en su posición. Finalmente, casi un año después, al conocer los detalles el arzobispo levantó los castigos. Meses después falleció el 17 de septiembre de 1179. Dice Sor Juana Inés de la Cruz: “Ninguna hay proporcionada a estilo tan singular: ninguna puede alcanzar; pero, pues ninguna alcanza, sirva solo de alabanza el no poder alabar.” Celebremos hoy a Hildegard, su magnífica obra y su inmenso talento. Natacha Mazzitelli

Protestificatio de Scivias, Fol. 1, Facsímil de Eibingen del códice de Ruperstberg. 35

El rincón de las confidencias Nosotras

Marian M. Cañizares

The Fairy ring

“Amarillo y negro, rosa y blanco nieve, formas de todos estos colores, hombres, mujeres y niños, salpicaban por espacio de un segundo el horizonte” (En Virginia Woolf, 2009, pag 143)

l trazo abre la puerta entre dos mundos, el mundo de lo conocido por nuestros sentidos, de “lo real”, y el mundo de las incógnitas, del cual surgen estas en forma de líneas, colores, formas y emociones que se plasman en una superficie que hace de intersección entre ambos espacios: un papel en blanco. Elementos que flotan, avanzan o se entrelazan de forma sinuosa, colores emocionales que se agitan libres 36

Lucy con concertinas en el ñame

en mi mente para ir a reposar suavemente en la superficie del papel; líneas curvas modeladoras de mi horizonte expresivo. Mi mano, mi lápiz metamorfoseados en diferentes realidades compartidas provenientes de un “interespacio”, y que son atrapadas, documentadas, soñadas, vividas y habitadas a través de mis dibujos. Derivo en el mundo de las incógnitas, donde hallo senderos que me permiten atravesarlo pero apreciando tan solo vistas parciales, fragmentadas, marcadas por ese instante de lucidez que me permite acceder a él al escuchar al sol por entre las siluetas del bosque, al ver el amanecer en el filo de una hoja, al escudriñar el dolor en el borde de una piedra, al rellenar de

colores el hueco del rocío, al percibir el aroma del viento ululando entre las nubes, al observar el mar salpicado de blancos suspiros… Observo…observo…observo un tiempo distinto al socialmente establecido por la mirada, el necesario para provocar la comunicación, para crear ese breve punto de desequilibrio que me permite el intercambio con el “ello” habitante en el mundo de las incógnitas, pudiendo penetrar en una parte de su naturaleza, la que ellos desean mostrarme. Una especie de “situacionismo campestre” configurado por “momentos del tiempo” atrapados en una fracción de segundo que me permiten visionar esa parte oculta e inaccesible de todo aquello que me rodea.

Vida en movimiento

Los objetos-habitantes-inciertos derivan por la superficie blanca del papel dejando la huella de su paso, de su caminar, de su deriva emocional-temporal mediante colores, formas, líneas y /o ausencias. Plasmo las Incógnitas en las Intersecciones bajo las premisas de igualdad y respeto a los derechos humanos, con ausencia de sexismo en las mismas, con el uso de elementos que provocan un equilibrio igualitario dentro del sistema patriarcal/ esclavista que habito. La creación es mi viaje mental positivo donde la luz emerge entre las líneas de mis dibujos. Marian M Cañizares

Nosotras

Cristina Recio

Meditacionres 13

parta de ti lo que crees saber, desinfórmate, desprejuíciate, no hagas caso, haz oídos sordos a mensajes cerrados e invítate a entrar en mi pintura reflexiva para sentir nada más la naturaleza del ser humano, la que puedes haber domesticado u ocultado para mejor controlar a lo desconocido: esa puerta cerrada con llave al misterio de la vida. Ven, coge y sujeta firme la mano del desconocimiento, de la duda espinosa y la interrogación con mayúsculas, y enciende una luz a tu aprendizaje, al sentimiento más oculto, a la experiencia que se desmarca de la ley que ordena por decreto la senda que hemos de elegir. Sigue la huella escrita por el pincel, sus colores, su significativo

trazado que construye ese lenguaje que pudiste dejar atrás con actitud impasible. Recupera tu instinto, olvida creencias y condicionamientos. Observa, aquí no hay exhibicionismos ni pedanterías, uso y abuso de fantoches de diseño. Tampoco arte sujeto a trucos inertes, ni a idea política (la que sea), del todo vale por agarrarme al tren de lo contemporáneo. Sobrados estamos de artistas pretenciosos carentes de tripas y alma que justifican sus trabajos artísticos con paparruchas y teorías finolis, es decir, bla, bla, bla; decepcionantes rasgos descriptivos de un arte que perdió su origen y contenido abandonado al abismo del arte estrambótico. En mi trabajo sólo hay pintura y creadora. Lucha y goce entre

Fatiga de filias y fóbias

ambos. Doloroso y punzante análisis consigo mismo. Expresión creada para el placer y deleite personal, tal y como se nos muestra la Belleza sin más, libre de falsos arreglos y machaconas ideas. Evocar con palabras en calidad de autora de mis pinturas para este número 1 de La Revista Generando Arte supone conducir al que lee y observa alguna de mis obras en estas páginas, en la dirección desafiante del arte como cura y conocimiento, es decir, yo utilizo la acción pictórica como acto representativo de un deseo de cambio y búsqueda de lo extraño, dirigiendo estos pasos hacia una benéfica transformación interior, propia. La mejor forma de ver mis trabajos

Meditacionres 32

pictóricos es a través de la respuesta activa ante él, sé y exprésate con él… conocimiento mutuo, desarrollo propio… No quiero concluir sin agradecer con estas líneas a La Revista Generando Arte y a su dirección que haya querido que pueda presentar en ésta mi línea de trabajo plástico, una expresión nació que hace décadas de la Escuela de Nueva York con el expresionismo abstracto y que a día de hoy yo sigo revisando como entendimiento básico de la experiencia estética y comunicación psicológica con uno mismo. Gracias por contar conmigo en este número. Cristina Recio 37

Nosotras

Exposiciones individuales de nuestras artistas

Natacha Mazzitelli Alice Tipos Infames Calle San Joaquín 3, Madrid

Desde el 12 de diciembre 2014 hasta el 8 de enero 2015

La Culpa es de Natacha Natacha hace cosas muy raras. Son muy fuertes. Seguramente una señora con visón y pelo de peluquería diría que son feas. Pero las señoras estas no nos interesan para nada. Que se vayan a la mierda. Natacha es nieta lejana de Mary Shelley y el Marqués de Sade. Un polvo imposible que hizo posible las neuronas de esta artista/ artistón verbenero. Natacha te cuenta cuentos, pero son muy oscuros y tienen

mucho grano. La Lolita de Nabokov tenía granos, también. Natacha no busca la belleza. Busca el morbo. Busca arrearte una hostia. Busca contarte cosas que nos joden. Natacha denuncia y lo hace a mordiscos, sin perspectiva, ni lógica, ni explicaciones. Seguramente es sucia, pero bueno todo lo que nos lo rodea lo es y a lo sucio, con lo sucio.

A mi me da que Natacha estará en los museos – dando por el culo, claro y como tiene que ser -. A mi me da que si David Lynch conociera la obra de Natacha, la invitaría a bailar a submundo. A mi me da que Marina Abramovich tiene la nariz tan grande como Natacha el talento. Manolo Moreno Comisario

Pilar V. de Foronda Mujeres espirales Galería Javier Román

Calle San Juan de Letrán, 10 Málaga Desde el 28 de noviembre hasta el 18 de diciembre 2014. Las espirales son para el disfrute. Quieren llevar un momento de relajación, un guiño, un espacio sobre el optimismo, dar un soplo de aire fresco sobre tu oído, dejarte sentir que en medio de este caos hay un espacio donde detener el tiempo y dejarse ir…por un ratito. Son un guiño, un espacio sobre el optimismo. 38

Se le puede buscar un mensaje oculto pero no lo tienen. Solo pretende provocar una sensación de atrape del tiempo para que te detengas sobre esa emoción. La que se esconde y quiere viajar hacía el vértice. Esa emoción que, precisamente, te ha hecho detenerte a contemplar. Podría decirte que va íntimamente ligada

al ciclo de la vida. Podría decirte que intenta hacerte ref lexionar sobre el paso del tiempo, sobre cómo estamos hechos, sobre el quién somos de dónde venimos y adonde vamos… pero no lo haré. Sólo aspiro a que sonrías, y que detengas tu tiempo por unos instantes. También a que indagues por esa emoción que te impide detenerte...

Nosotras

María Jesús Aragoneses Líneas divisorias Fundación AISGE, Madrid. Desde el 2 al 17 de octubre de 2014 “La idea que me llevó a preparar este proyecto partía de un sentimiento de empatía hacía los movimientos migratorios y las fronteras u obstáculos que tienen que afrontar las personas que deciden dar ese paso para cambiar sus vidas. El muro de Berlín, derribado en 1989,

Susana García Ungo-Erica Landfors Hilos de memória

Biblioteca Central Alicante. Desde 12 de diciembre al 28 de febrero

Hilos de memoria es una muestra de instalaciones, algunas obras bidimensionales y esculturas en pequeño formato de Erica Landfors y Susana García Ungo. El proyecto se ha elaborado expresamente para la Biblioteca Central de Gandía teniendo en cuenta las características del espacio

Rosa Virgili Abelló La máquina de las reflexiones CERAP, Riudoms, Tarragona. Desde el 3 al 31 de octubre de 2014 En esta exposición muestro obra realizada en 2012 y 2014. Presento un trabajo fundamentalmente

introspectivo. No entiendo la creación que no hace una mirada interior, que no ofrece emoción y sólo plasma una imagen objetiva copiando la realidad sin interpretarla. Es por ello que os presento ‘La máquina de las

parecía un triunfo de la comunidad internacional, al permitir romper una barrera entre dos mundos y todos lo vivimos como una victoria. Sin embargo, desde entonces no solo se ha retrocedido en la idea del mundo global, sino que han surgido más barreras, muros, alambradas o vallas que impiden el paso de las personas, que no de los capitales, que se mueven alegremente por los mercados internacionales. La muestra que

se presenta recoge un conjunto de interpretaciones plásticas de los muros o barreras que existen, y que están tristemente de actualidad en algunas de ellas, como la valla de Melilla. El conjunto de líneas divisorias que se presentan hace alusión igualmente a las barreras sociales que provocan división y crean enfermedades del tejido social como la exclusión y la xenofobia.

expositivo. El textil es el hilo conductor de la muestra que nos invita a reflexionar sobre el autoconocimiento y los condicionamientos sociales que conforman nuestra identidad. La lentitud artesanal del trabajo efectuado por ambas artistas puede ser interpretada como una reivindicación de la valoración del poco reconocido e invisibilizado trabajo realizado a lo largo de la historia por las mujeres. La naturaleza es la proveedora de materiales

y principal fuente de inspiración de Erica Landfors. Sus piezas están hechas de materiales orgánicos y/o textiles en los que se entrevén los temas relacionados con sus propios procesos de autoconocimiento y condición de mujer. La indagación que Susana García Ungo hace de valores como la lentitud, la ternura o la belleza está necesariamente ligada tanto a la reflexión y autocuestionamiento personal como a la denuncia social.

reflexiones’ y que está dentro de cada uno de nosotros. Os presento muros de pensamientos ilustrados. He querido representar alegorías de muros que van acumulando vivencias y que representan la intensidad de la vida. Cabe destacar una constante en mis obras: la horizontalidad de la composición y que no es una casualidad. Mis inicios pictóricos a los seis años, estuvieron ligados a un pintor impresionista y paisajista básicamente.

Nunca he perdido sus técnicas y enseñanzas y por eso ha perdurado esta clara alusión a la estructura del paisaje. Decir que cada pieza es una historia con principio y final. Es un fotograma de un momento determinado, una instantánea de una emoción, de un sentimiento. En cada obra hay que leer atentamente el título porque es el hilo conductor que nos adentra por la maraña de colores y formas. 39

En la vitrina

José Palazón José Palazón es el presidente de la PRO.DE.IN. Melilla (Pro Derechos de la Infancia) y activista de DDHH. Nació en 1955 en Cartagena (Murcia) estudió empresariales y dirige una academia en Melilla, ciudad en la que reside desde los catorce años. Desde la asociación que dirige, ayuda a los menores indocumentados, inmigrantes de cualquier origen, mujeres maltratadas y defiende todo tipo de causas que, sin su presencia, estarían perdidas.

n esta sección hablaremos de obras que, por diferentes motivos, se considera que merecen una atención especial. En esta ocasión destacamos la fotografía realizada en el 2014 por José Palazón para la exposición La Valla. 100 Artistas en la Frontera Sur que forma parte del proyecto Las lágrimas de África de Amparo Climent, una de las artistas más comprometidas del colectivo Generando Arte. Palazón también es autor de aquella otra fotografía que dio la vuelta al mundo, en la que varias personas perfectamente ataviadas juegan al golf indiferentes a otros tantos inmigrantes que se encuentran encaramados en la valla a la espera del momento oportuno de realizar el salto. Hablar de la categoría artística de “Farola” sabe a poco, muy poco, porque es indudable su calidad, el mensaje, el símbolo utilizado y la implicación personal 40

del autor que, con esta obra, pone negro sobre blanco, en sentido literal, los tristes sucesos que ocurren en la frontera con África. La fotografía muestra la figura de un joven en la frontera/valla de Melilla que espera pacientemente acontecimientos mientras no se resigna a abandonar su apuesta de futuro representada por una farola, el final de la historia es tristemente conocido. No cabe duda de que estamos ante una obra excelente en su forma y en su fondo, pero hay mucho más, hay un transfondo social que no puede dejar indiferente a nadie. La obra titulada “Farola” llevaba a modo de cartela el siguiente texto explicativo: “la frontera es un lugar donde las personas dejan de serlo porque se les despoja de todos los derechos” Concha Mayordomo

“Farola”, 2014

De puertas para fuera

Mujeres en el Arte La otra mitad de la Historia. Ni más, ni menos

¿Qué pasa si abrimos un libro de Historia del Arte? ¿Qué ocurre si visitamos un museo? ¿Dónde están nuestras mujeres? Con los comprometidos proyectos de “Mujeres en el Arte” les damos luz a todas las artistas que fueron relegadas a la sombra por la antaño sociedad patriarcal.

o es sexismo, no es hembrismo, se trata de igualdad. No… no es una fiebre secundaria como acostumbramos a escuchar incesantemente las y los que trabajamos con solidez y afecto hacia el alentador rumbo de la paridad para vosotros y nosotras. No… no se encierra un interés mediático ni ideológico en esta labor de investigación, de rigor histórico, de reconocimiento, de énfasis, de aproximación, de divulgación… La única doctrina válida en “Las Mujeres en el Arte” es la ecuanimidad; el único credo legítimo es que las mujeres somos la otra mitad de la Historia… Ni más, ni menos… Y es que sí… Sí es un compromiso ético; una crónica paritaria, afortunada, pacífica e imparcial. Sí… sí es un hecho desinteresado y versado. La desigualdad es políticamente incorrecta, pero lamentablemente aún es arriesgado el enunciado: “Género”. No es radicalismo porque es lo preciso, no es fanatismo porque es lo justo, no es relativo porque es lo objetivo.

“Mujeres de vanguardia en el Reina Sofía. ” Fotocollage. Rocío Penco Valenzuela.

Está claro que vosotros y nosotras ya estamos preparados para “Las Mujeres en el Arte”.

Tremebundo, complejo, fatigoso es llegar a las autoras sin encabezamientos que escondan un trasfondo profundamente

misógino e interesado. No caigamos más en desgracias ni en epígrafes que tras el nombre femenino enrejen un machismo ególatra; no persistamos en el incesante abuso y uso para “descubrir” a las mujeres artistas como: “hijas de…”, “hermanas de...”, “mujeres de…”, “amantes de…”, “madres de…”. No, no nos obstinemos en incansables discursos ajumados de lastimerías ante las impertérritas artistas que meritan un esperanzador Título Propio. La Historia se merece una consideración por y para ellas. No más “olvidadas”, ni “reclusiones psiquiátricas”, no más “mujeres que lloran”, ni “musas dolientes”, ni “mujeres que “imitan a sus maestros”… El Arte es una demanda real, necesaria y accesible y el público su máximo significado. Todos incluimos en nuestras agendas de ocio las visitas a los museos, donde también estamos las mujeres. Sólo así es posible la equidad y la visibilidad; únicamente gracias a la divulgación se llega a la concienciación e importancia de “Las Mujeres en el Arte”. En este sentido 41

podemos informarnos con publicaciones, blogs,talleres y rutas expositivas. En esta dirección podemos descubrir con exposiciones y museos. Sólo así es como recibiremos la motivación para dirigir la mirada, por un momento y para siempre, hacia ellas. Y es que las mujeres no tenemos más siglos que perder. ¿Sabíais que en La Edad de Plata española nuestras artistas gozaron de gran reconocimiento? Nuevas Evas secularizadas, cosmopolitas, emancipadas y modernas como Delhy Tejero o Pitti Bartolozzi; surrealistas imprescindibles como Remedios Varo o Leonora Carrington; cartelistas comprometidas que emplearon el arte como instrumento reivindicativo como Manuela Ballester. Ángeles Santos, con su connatural talento artístico, pintó “Un mundo” cualquiera pero importante, soñador y adolescente; un mundo de dado considerado como uno de los mejores cuadros del siglo XX. Maruja Mallo, otra putrefacta más junto con Dalí, Buñuel y Lorca; enseñó a los pueblos recónditos de España a través del Museo Circulante. Y así sumamos y seguimos… Norah Borges, Julia Minguillón, Menchu Gal… Es una suerte que todas y todos podamos instruirnos a través de esta revista. Generando Arte. La Revista es la primera publicación feminista internacional, cuatrimestral y gratuita del colectivo Gene42

“Mujeres de vanguardia en el Reina Sofía.” Fotocollage. Rocío Penco Valenzuela.

“Las Mujeres en el Arte importan y mucho.” rando Arte, dirigida por nuestra querida artista Concha Mayordomo. El nº 0 de la presente fue presentado el pasado septiembre en AISGE, con la participación de su madrina Pilar Bardem; Fernando Marín y Amparo Climent. Seguimos con el nº 1, para visibilizar y defender la mirada femenina en el mundo del arte; revisando su historia, su actualidad y la del colectivo.

¿Sabíais que en España hubo una “Residencia de Señoritas”, fundada por María de Maeztu, como núcleo de modernización en el que forjar a las intelectuales, entre 1915 y 1936? De este liceo del pensamiento brotarían historiadoras del arte capaces de cambiar la Historia como María Kusche. Esta especialista en la retratística del Renacimiento, demostró una polémica

y sólida atribución: la dudosa autoría de “La dama del armiño” no sería del Greco sino de la italiana Sofonisba Anguissola. …No se pude olvidar lo que no se recuerda, lo que no se conoce… ¿Sabíais que Gerda Taro “se inventó a Robert Capa” con fines comerciales? ¿O que Dora Maar legó a Pablo Picasso su mejor herencia: el retrato fotográfico de la metamorfosis de “El Guernica”? Heroínas del arte como Rose Valland, que se jugaron la vida para la restitución de cerca de 60.000 obras de arte robadas por los nazis, durante la ocupación de Francia en la “Segunda GuerraMundial”. Cuando comenzamos a andar en La Fundación Entredós con el Proyecto de “Mujeres el Arte”, sabíamos que haríamos camino. Hoy es una realidad porque estos pequeños talleres encumbran a nuestras extraordinarias artistas. Y así seguimos y seguiremos, motivando, integrando y descubriendo con La Mujer representada, con Fotógrafas de guerra: la cámara valiente, con Mujeres de vanguardia en el Reina Sofía, con Las artistas del Renacimiento, con Las mecenas del arte: coleccionismo simétrico… Esto no es un sueño, es la Historia del Arte. Esto es el pasado, esto es el presente, esto es el futuro… Se puede y se hace; se quiere y se debe porque… Las Mujeres en el Arte importan y mucho. Rocío Penco Valenzuela

Reflexiones desde mi ventana

Una invisibilidad no merecida

uanto más analizo la presencia femenina en el arte, más me sorprendo -e indigno - ante su ausencia. La preeminencia de la masculinidad sobre la feminidad ha estado presente a lo largo de la historia en todas las facetas sociales. También en el arte. Hasta bien entrado el siglo XX, e incluso ahora, las mujeres nos hemos encontrado con grandes trabas no a la hora de desarrollar nuestro arte (que también) sino, sobre todo, a la hora de transmitirlo. Muchas artistas han tenido que esconder su condición femenina. Algunas firmaban sus obras con iniciales, como Lee Krasner, de cuyo trabajo su mentor, Hans Hoffman, afirmó que “era tan bueno que nunca imaginarías que lo ha pintado una mujer.” Otras adoptaban un pseudónimo bajo el que ocultar su nombre, como Grace Hartigan, quien al principio de su carrera firmaba como George. O tenían que ingeniárselas de cualquier manera, como Marietta Robustti, hija de Tintoretto, que se disfrazaba de hombre para acudir a los grandes salones. O Rosa Bonheur, considerada hoy una de las mejores pintoras del siglo XIX, y a quien su padre, Raimundo Bonheur, obligaba a vestir con trajes masculinos para poder pintar del natural sus cuadros de animales que le dieron la fama. Y siempre tenían que contar con el apoyo y legitimación de una figura masculina. A principios del siglo XX comenzó a cambiar la concepción social de la mujer y la escena artística se hizo eco de ello. La instalación del museo Thyssen Bornemisza, titulada La mujer moderna en el París de 1900, recoge algunas obras de su colección permanente para dar testimonio de la transformación en el papel de la mujer. Los artistas parisinos de la época fueron testigos de esta transformación y narraron la génesis de la emancipación femenina. Representaron a la mujer en un territorio de esta cosmopolita ciudad que hasta hacía poco había pertenecido al hombre: las calles, los teatros, los cafés y las

tiendas comenzaron a inundarse de su presencia. Émile Zola lo describió en su Paraíso de las damas. Las mujeres se introdujeron en la vida nocturna. Y pintores como Édouard Vuillard o Edgar Degas así lo retrataron, reflejando la imagen de la mujer como trabajadora, creadora y consumidora y cuestionando su papel como mero objeto decorativo.

Comenzaron a adquirir derechos sociales y económicos, revelándose contra el modelo imperante de la mujer que marcaba la sociedad victoriana. Surgieron mujeres que se reconocían artistas y comenzaron a ser admiradas por su arte. Se formaron las primeras sociedades de mujeres artistas que luchaban contra la discriminación en el mundo del arte y, sobre todo, en organismos oficiales como academias y museos. El impresionismo comenzó a abrir sus puertas a las mujeres artistas. Pero ¿acaso no lo hicieron porque en realidad su trabajo era de tal calidad que no tuvieron otra opción? Berthe Morisot fue la primera pintora que se unió al impresionismo pero su espléndida obra ha sido ignorada y relegada a un segundo plano. Incluso hoy en día casi se la conoce más como cuñada de Manet. El impresionismo no fue más que el comienzo. Un punto de partida para una revolución que dura hasta hoy y que sigue necesitando de colectivos y asociaciones que luchen por la presencia de la mujer en el arte. La necesidad de cambiar el pa-

norama artístico y el protagonismo indiscutible que éste otorga al hombre se hace patente incluso en pleno siglo XXI. Los informes de la Asociación de Mujeres en las Artes Visuales (MAV) arrojan datos escalofriantes. Sólo hay un 13% de autoría femenina en las colecciones de arte, en cambio un 52% tiene autoría masculina. En el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, sólo un 3,8% de las obras expuestas pertenecen a mujeres, una cifra muy parecida a la del Museo Nacional de Arte Reina Sofía (del 4%). En la feria de arte contemporáneo internacional ARCO, la participación de artistas femeninas ha disminuido desde el 7% del año 2010 a un poco más del 4% en 2013, una cifra que supone el regreso a los porcentajes de la primera edición de ARCO, en 1982. En el 2014, sólo había 68 artistas españolas, un 4,8% de los 1400 creadores expuestos. Contando a las extranjeras, la presencia femenina asciende a un 23%, una cifra algo más elevada pero todavía insuficiente. Los artistas varones han sido y son los mejor representados en cualquier colección de los museos de arte contemporáneo españoles. Son datos que no se corresponden con la realidad. En las escuelas de Bellas Artes seis de cada diez estudiantes son mujeres. Sin embargo siete de cada diez premios artísticos son para los hombres y ellos están mayoritariamente presentes tanto en los jurados (con un 60%) como en los cargos directivos de museos (un 80% de hombres ocupan puestos de dirección). Un documental de las Guerrilla Girls y la galería Tate Modern nos hace reflexionar sobre esta situación. “¿Tienen las mujeres que desnudarse para entrar en el arte?”, dice uno de los carteles más famosos de este colectivo, inspirado en el conocido cuadro de Ingres La grande Odalisque y realizado en 1989. Una reflexión que todas (y todos) deberíamos hacer para comprender qué sucede en el panorama artístico. Beatriz Velardiez 43

Dejad que el sacerdote tiemble Una reflexión sobre la representación artística de la violencia de género a propósito de la muestra Lo hace porque te quiere, colectiva que estos días se expone en el Valey de Castrillón Centro Cultural de Castrillón

figenia fue sacrificada en Áulide y Polixena en Troya, al menos así lo narra la tragedia griega del siglo V a.C. Será Eurípides, en particular, quien ofrezca la máxima expresión artística del sacrificio femenino cuya violencia nunca es mostrada directamente en escena pero sí narrada con detalle. ¡Sorprendente que una civilización como la griega a la que le resultaba ajeno el sacrificio humano abra y cierre sus relatos mito-poéticos con rituales en los que el cuerpo del animal objeto de sacrificio es sustituido por el de una mujer! Pero en los orígenes de nuestra tradición no sólo los mortales ejecutan violencia sobre los cuerpos de las mujeres sino que también los dioses disponen de estos con arbitrariedad y arrogancia. Perséfone, Dafne, Dánae, Antíope... serán raptadas o violadas por Zeus y Apolo quienes actúan sin señal de culpabilidad porque ser escogida por un dios, aún contra propia voluntad, se entiende como privilegio para la mujer elegida. Daniele Cerrato, en su extraordinario artículo sobre la violencia en 44

Las fotografías superiores que ilustran la información pertenecen a la exposición Lo hace porque te quiere y son obra, de izquierda a derecha y de arriba abajo, de Marina Núñez, Sara Beiztegi, Ana Marcos, Beth Moyses, Montse Rodríguez y Laura Torrado el mito, describe cómo la agresión contra los cuerpos femeninos “viene despojada de su atrocidad, haciendo posible lo que parece impensable, que un acto extremo de violen-

cia pueda ser un beneficio para la victima” . “El pasado y presente de las mujeres queda inextricablemente entrelazado por la violencia de género”, estas declaraciones

pertenecen a la artista norteamericana Nancy Spero quien, entre los años 1974 y 1976, decidió llevar a cabo una revisión de la historia de la violencia sufrida por las mujeres a través de la más perversa de sus manifestaciones: la tortura. Spero convertirá en protagonistas de Torture of Women a todas las mujeres presentes en los informes elaborados por Amnistía Internacional a finales de 1972. Al entonces presente, la artista sumará también el tiempo histórico en alternancia con el mitológico planteando así cómo el agravio hacia el cuerpo de las mujeres es una constante en la historia. A juicio de la propia artista, el principal problema que debió enfrentar en Torture of Women, fue cómo hacer visible la obscenidad de la tortura sin dejar que la obra en sí se volviera obscena. Lo resolverá utilizando el texto como recurso estético: cajas de grafías en cuyo interior aparece confinada una figura, marcos realizados con caracteres mecanografiados que albergan citas, fragmentos de texto que flotan en el vacío.... Al margen de las propiedades estéticas de

Reflexiones desde mi ventana

Nancy Spero

la grafía, Spero también utiliza la palabra con el fin de comunicar información. De hecho, los textos son una explicación explícita de los métodos de tortura relatados a través de informes, experiencias, definiciones y reflexiones analíticas. Explicit Explanation, palabras estampadas a mano en grandes letras amarillas e inspiradas en las explanatio que en el códice del Beato de Liébana acompañan a las aterradoras secuencias, storiae, del Juicio Final. Violencia de género es el nombre que, desgraciadamente, sigue convirtiendo a Torture of Women en una crítica de actualidad. Violencia que en el siglo XXI sigue sin requerir más disculpa que la diferencia sexual, ni más escenario que el hogar, ni más explicación que la política sexual. Pero somos muchas las mujeres y hombres

que ya no nos conformamos con la mera visibilización del problema y exigimos una “Explicación explícita” de por qué setecientas mujeres han sido asesinadas en España a lo largo de la última década. Algunas eran mujeres cultas, otras no habían traspasado las puertas de la Universidad; algunas eran mujeres inmigrantes sin red social de apoyo en España, otras empresarias; algunas eran mujeres con discapacidad (se estima que más de un 14%), otras candidatas de partidos políticos y estudiantes; algunas vivían en el ámbito rural, otras en grandes ciudades; algunas tenían menos de diecisiete años, otras eran octogenarias... Nada tenían en común estas mujeres salvo un dato: todas fueron asesinadas por hombres con los que mantenían o habían mantenido una relación sentimental.

Lo hace porque te quiere, de nuevo el ancestral argumento que como en la tradición mito-poética despoja a la violencia de su atrocidad. Lo hace porque te quiere, máxima por la que muchas mujeres se vieron obligadas a iniciar el viaje nocturno, peligroso e incierto de la violencia. Lo hace porque te quiere, título de la muestra que se expone en el Valey Centro Cultural de Castrillón y afán de cincuenta y tres artistas, hombres y mujeres, por desvelar las razones de la violencia de género. Paloma Navares, Marina Núñez, Ouka Leele o Mariví Ibarrola, entre otros y otras, apelan a los medios de

miliar, la publicidad, la penitencia, la expiación, el silencio, la tradición, los prejuicios... como piezas, todas ellas de 33 x33 cm., del complejo puzzle de la violencia de género. Y, como contrapunto, el colectivo Generando Arte que en su empeño por desentrañar las ya ancestrales relaciones entre violencia de género y poder podría hacer bandera del siguiente pasaje de Hélene Cixous: “Dejad que tiemble el sacerdote, vamos a enseñarles nuestros sexos; peor para ellos si se desmoronan al descubrir que las mujeres no son hombres, o que la madre no tiene”.

Nancy Spero

comunicación, a los micromachismos, a la educación, a la crisis de identidad, al amor romántico, a las mentiras, la institución fa-

Susana Carro Fernández Publicado en: Suplemento semanal de asturias24 el 11 de noviembre de 2014 45

La estirpe de Herodes

ada año se celebraba el día de los “niños inocentes” a los que mandó matar el “cruel” Herodes ante su temor a ser destronado, a perder el poder. Toda la historia de los seres humanos está repleta de vidas inocentes sacrificadas para que otros puedan mantenerse en sus privilegiados estatus... Hoy día lo vemos a diario. Se repiten imágenes de pequeños desahuciados de sus casas y de sus derechos más elementales, en estados sociales que masacran cruelmente su inocencia. Cuentan que los Magos, que buscaban al pequeño Jesús, fueron interrogados y engañados para poder obtener informaciones beneficiosas al poder. Tenían que volver a palacio, pero parece ser que, para entonces, Jesús ya se encontraba en viaje hacia Egipto, bebé inmigrante huyendo de una muerte segura, como tantos otros bebés de hoy. Sí, hoy, siglo XXI, muchos otros pequeños huyen de sus lugares de origen, de las injusticias que perpetran Herodes modernos codiciosos y psicópatas, liberales, populares y sociolistos que, lejos de protegerles, les niegan el derecho a la vida. Sus padres, en travesías de miles de kilómetros de penalidades extremas, buscan en lugares lejanos otros países de acogida. A ellos, ningún ángel les tocará la cítara 46

Princesa, 2014 Concha Mayordomo

en un descanso del camino, ni las palmeras extenderán sus hojas para cobijarles bajo su sombra. A veces, sí, algunos de estos inocentes se encuentran con ángeles que, móviles

en mano, redes sociales en plena comunicación, cámaras testimoniales, denuncias constantes y con todo el amor que les cabe en su inmenso corazón, les ayudan en el peregrinaje. Y de tanto acompañar su paso,

olvidaron lo que eran para hacerse humanos. Casi a diario vemos a Marías con niños en brazos, huyendo del dolor para caer en manos de los depredadores de derechos elementales, en un canto al desprecio por la vida y el sufrimiento de los inocentes. Las cifras y las estadísticas desbordan mi capacidad de comprensión. De nada sirven cartas de derechos y declaraciones firmadas por las Naciones, cuando en tantos lugares ser niño es un infierno: hambrientos, sin acceso a la educación, esclavos, soldados, robados, violados, sin vacunas ni tratamiento, etc. Ha empezado ya un nuevo año y seguro que en él seguiremos encontrándonos con travesías donde pequeños y mayores emigran en busca de nuestro abrazo, pero nuestros “Herodes” seguirán diciendo, como se dice en México en este día: “inocente palomita, que te dejaste engañar”, cual si de la típica broma se tratase. A no ser que nosotros lo impidamos... Hubo un tiempo en el que el nacimiento de un niño era una bendición, en la actualidad es una reserva de sufrimiento. Me pregunto: ¿Seré yo una impenitente “inocente” por seguir creyendo que podremos vencer a Herodes? Marián del Toro

En el gimnasio

Patricia Gadea Con motivo de la primera retrospectiva dedicada a Patricia Gadea en el Museo de Arte Contemporáneo Reina Sofía, he tenido la ocasión de conocer a una de las artistas de la movida de los años 80 a quien el arte balanceó por la cuerda floja. (1960-2006). Unida sentimentalmente al artista Juan Ugalde, tuve la oportunidad de conversar con él acerca de la obra y vida de Patricia Gadea acompañados de un café en una tarde otoñal. aunque su desaparición joven fue la consecuencia de una búsqueda más allá del arte. Juan, en la obra de Patricia hay una clara abundancia de lo autobiográfico. ¿Cuál sería la nota común a destacar desde tu punto de vista? JU: Claro, evidentemente pero tampoco es que cuente su vida propia como en las novelas, sino que ella cuenta la vida vista desde su perspectiva.

Patricia fue un destacado personaje durante la década de los ochenta y noventa en la pintura española, ya que se desliza en un periodo de cambio cultural y deseado cambio político en el desarrollo y consolidación de la nueva democracia. Relacionada con los artistas de nueva figuración en la movida madrileña, su obra se presenta acompañada de elementos como el cómic, imágenes que provienen de la publicidad gráfica que son utilizados junto a personajes de la cultura popular para efectuar su crítica particular e ironizar sobre el lenguaje y la imagen. Su estancia en Nueva York supone un punto de inflexión en su carrera. En esta ciudad, Gadea forma el colectivo Estrujenbank junto al también pintor Juan Ugalde y al poeta Dionisio Cañas. GA: Quisiera dejar constancia de que desconocía su obra artística, mientras que la de Juan Ugalde me era más familiar. Siendo compañeros de una misma época, pensaba en ella como la silenciada, como la invisibilizada, sin embargo fue grato descubrir que en esta ocasión ella era quien dominaba la “escena artística”,

GA: Sus obras son muy irónicas. Pero, ¿a qué se debía esa ironía? JU: Nosotros formamos un grupo de cuatro amigos, empezábamos a trabajar juntos y la característica común de todos era la ironía. Esto fue un poco el arranque, y hemos estado trabajando veintitantos años o casi treinta. Siempre ha mantenido su línea irónica. ¿Por qué? No se……

Diosas-rameras-esclavas

GA: ¿Esta ironía era su forma de ver la vida o respondía a algo más profundo, como un escudo protector a la hora de reivindicar sus inquietudes? JU: Nuestra obra comenzaba en los ochenta, momento de la movida madrileña, y ahí 47

estábamos inmersos. En esa época había una ironía general, aunque luego lo nuestro fue evolucionando hacia lo político, hacia la realidad, siempre mantuvimos esa ironía pero nunca me puse a pensar si había un porqué.

GA: ¿Se encontró con las mismas oportunidades para hombres y para mujeres, o esta concepción de la capital estadounidense fue simplemente un bulo que nos hicieron creer? JU: Aquello es igual. Estaban las Guerrillas

GA: Patricia vivió en Nueva York entre el año 1986 y el 1989. ¿ Qué es lo que le hizo dar el paso y la decisión de irse para allá? JU: Fuimos con una beca, cada uno, que nos concedió el Comité Hispano Americano. En ese momento estaban dando becas a licenciados, esto obedecía a un acuerdo entre España y Estados Unidos, pero hubo un año en que decidieron otorgarla a artistas que empezaban. Entonces la solicitamos los dos, realmente la solicitamos un grupo de amigos y la verdad es que nos la concedieron a todos los que estábamos empezando a exponer en Madrid. Entre ellos estaban Juan Uslé, Leiro, Llamazares, éramos un poco los que estábamos en ese momento en Madrid. Deberíamos tener en torno a treinta años. En concreto Patricia llevaba unos cinco o seis años exponiendo, esto fue en el 86. Ya había una cierta trayectoria. GA: ¿Qué supuso para ella esta experiencia en su carrera?. JU: Fue un cambio total, fue una experiencia muy intensa y muy importante para nosotros. 48

en el año 87 y la verdad es que nos interesó muchísimo el tema de este grupo artístico, porque era masivo y muy potente. Sobre todo la artista Bárbara Kruger. Nos llamó mucho la atención esta manera de reivindicar y sobre todo ese desfalco de artistas

El ritmo del mundo

Girls con sus carteles donde reivindicaban la existencia de muchos artistas masculinos en museos y ninguna mujer… Esto sería

masculinos. Siendo nula la presencia femenina museística. A otros niveles nos encantó la sociedad

americana con su capitalismo salvaje en el mundo del arte. Sin embargo la parte dura de la sociedad americana también nos conmocionó, no había seguros médicos, abusos laborales, etc... GA: ¿Cuáles fueron las razones o motivos que le hicieron volver a su país? JU: Bueno, volvimos porque nos echaron, nos habían dado un visado de tres años, la beca duró diez meses, no nos la quisieron renovar, porque preferían que fuese gente nueva, con lo cual el visado nos obligó a volver, si no nos hubiéramos quedado. Pero era difícil quedarse, era muy costoso. GA: ¿Se cumplieron sus expectativas o se sintió defraudada?, ¿con qué dificultades se encontró?. Y en qué sentido se reflejó esto en su obra. JU: No habíamos conseguido galería, te podías quedar de forma ilegal, pero como habíamos firmado un papel de que volveríamos en tres años nos encontrábamos en una situación más complicada de lo normal. Arreglarlo suponía más de un millón de pesetas. Lo hizo Juan Uslé que había conseguido galería. Nosotros habíamos conseguido vender pero en el estudio, proyectos que no cuajaron, también estábamos en el arte más joven y era más complicado. La vuelta fue un horror. Estábamos en plena locura Expo 92, olimpiadas, un aterrizaje fuerte. En Nueva York ya habíamos hecho el grupo

Strujenbank y ya nos pusimos con el tema. Una vuelta dura y a nivel económico etapa delicada, nos separamos, tuvimos a nuestro hijo Dionisio, un momento muy duro.

llegados de Nueva York. Complicado no sólo para ella. Renunciar no se… las pasamos canutas recién llegados de NY, pero ella siempre trabajó . A ella le fue siempre mejor que a mi, pero ya en el 96 se dejó llevar por el mundo de la heroína. ¡Qué duro…! Si la verdad que si, en torno al año 2000 estuvo

GA: ¿El adherirse al grupo Strujenbank podría deberse a una estrategia para verse reforzada o visibilizada? JU: Ella tuvo un momento fuerte en el arte, pero ya sabes que como en todo se cambia, y en el arte también. El grupo lo hicimos como forma de activismo político , éramos artistas conocidos y una manera de “dar caña”. Eso duró cuatro años más o menos, yo creo que no pensaba en ser más o menos visible. Lo que yo si entiendo es que en el mundo del arte español si desapareces del mapa de repente, desapareces del todo. GA: ¿La referencia que hace Patricia a los cómics y dibujos animados, hace referencia a su infancia, ¿son reflejo de algún tipo de infancia especial? JU: No, eso si que fue como una estrategia para salir del realismo que imperaba en nuestra época, nos interesaba el Pop, el color, la obra de Luis Gordillo, la nueva figuración, empezamos a conocer artistas más mayores y empezamos a usar el cómics. Fue como una fórmula para salir de lo rutinario, otro estilo. Nos interesaban mucho ciertos lenguajes y la mezcla de ambos, realismos con cómics, texturas, dripping,

mucho, ya que apenas contaba con espacio para trabajar, pero yo no sabría decirte si son mejores o peores. Desde luego la etapa en la que ella era mas conocida era en los ochenta, empezamos a la vez pero ella tuvo mucho más éxito que yo , tanto a nivel prensa, crítica. El tema de ser mujer tuvo

“su obra se presenta acompañada de elementos como el cómic, imágenes que provienen de la publicidad gráfica”

Serie circo

mezclas y cócteles. Mortadelo y Filemón, los Picapiedra, Patricia era muy de color, se cambiaba a menudo el color del pelo. Ropas de colores…. GA: ¿Cómo mujer artista crees que Patricia tuvo que renunciar a muchas cosas? JU:Bueno… hubo un problema de drogas. Empezamos en el arte a salto de mata, nos propusimos llegar en el arte, pero la crisis del 92 para el arte fue tremenda, y nos pilló recién

en un centro de rehabilitación, dos años, en Palencia y ya se quedó allí a vivir. Allí intentó un montón de cosas. Ciudad dura y pequeña, llena de centros de desintoxicación, que realmente la hacían moverse por los mismos círculos. Pero bueno estuvo dando clases a niños, a mayores, clases particulares..En realidad no acababa de funcionarle nada, y allí en Palencia desconectada del mundo del arte se sumió en una depresión. GA: Según la crítica especializada , fue en su ultima etapa, donde creó los mejores dibujos, no se si se referirán a el estado de madurez alcanzado o que fuese una forma de sacar aquello que le atormentaba. JU: Si, en esta exposición que le dedica el Museo Reina Sofía de Arte Contemporáneo vamos a poder ver todo un recorrido de todas las etapas de Patricia, además hay bastantes dibujos inéditos. La verdad es que en su última época dibujó

también su importancia en los 80 porque era una novedad, era muy extravagante, con una fuerte personalidad. Hubo un momento en que salía en prensa constantemente, le llamaban para entrevistas, para exposiciones. Entre el 84 y 86 fue un no parar hasta que nos fuimos. Patricia era uno de los referentes de la movida. GA: ¿A nivel más personal, mantuvieron una relación cercana durante su estancia en Palencia? JU: Si, estuve pendiente de sus necesidades en el centro de rehabilitación, y junto a nuestro hijo Dionisio viajábamos cada dos semanas para que pudieran disfrutar ambos. Junto a sus amigos insistíamos en que abandonara Palencia, para que cambiara… pero la depresión en la que ya estaba inmersa frenaba sus ganas. Luz Velasco 49

El sillón de lectura

Mujeres de ojos rojos Del arte feminista al arte femenino

“L

a modernidad configura la razón como imparcial y universal; la puesta en escena tiene lugar en el espacio de la ética, la actuación está protagonizada por la neutralidad y es su mano la que ejecuta la eliminación de cualquier interés, deseo o pasión. En el discurso moral moderno, ser imparcial implica que los sentimientos no afecten a los propios juicios,

que sea eliminada la alteridad en el sentido de experiencia sensual, que desaparezca el deseo que nos ata a lo concreto de las cosas y a nuestra relación con ellas”, con esta reflexión del filósofo galés Alasdair MacIntyre comienza el capítulo I de Femme Maison, titulado Del concepto moderno de la razón a la dicotomía público-privado, situándonos en un libro inevitable para comprender el arte de género desde la primeras obras del carácter feminista. Me estoy refiriendo a la obra de Susana Carro, Mujeres de ojos rojos. Del arte feminista al arte femenino. Desde la misoginia romántica, hasta la iconografía vaginal, desde la mística de la feminidad, hasta el activismo feminista, Carro hace un repaso completo de las artistas y de los movimientos que irrumpieron en el mundo masculinizando del arte, donde hasta esos momentos las mujeres sólo aparecían como sujetos pasivos, ejemplarizantes en su lectura unas, y complacientes a los ojos del espectador otras.

Con la conquista del voto femenino en Estados Unidos, comenzó un camino que empezó a tomar forma artística en 1946 cuando Louise Bourgeoise realizó la serie autobiográfica Femme Maison, en la que ya dejó testimonio de que “lo privado” es también “lo público” aún partiendo de “lo doméstico”, desde entonces se produjo el gran salto y la aparición del arte feminista en el escenario reivindicativo, pero desde una posición tan racional que resultó imparable. En la década de los sesenta y especialmente de los setenta las obras de las estadounidenses, Judy Chicago, Martha Rosler, Miriam Schapiro, Nancy Spero, Suzanne Lacy o Leslie Labowitz, entre otras, aportaron una visión de la creación artística inédita de indudable calidad, aportando nuevas formas de expresión en las que adoptaron como propios medios innovadores, el Body Art, el Video Art y las Performances, y todo ello sin renunciar

a las obras artesanales tradicionalmente atribuidas a las mujeres, como Judy Chicago lo hizo en su Dinner Party con el bordado, la cerámica o la porcelana, o Miriam Schapiro con sus maniquíes, tejidos, hilos y patrones. Cuenta la autora que una parte importante de la aceptación de esta nueva forma de arte se debió en parte a los trabajos de las docentes que pusieron especial énfasis en su estudio y reflexión. Sirve de ejemplo el proyecto que Judy Chicago en 1970 propuso a sus alumnas de la Universidad Californiana de Fresno y que dio forma a Womanhouse, una de las

propuestas más interesantes, que aún hoy sigue representado un referente del arte feminista. Mujeres de ojos rojos. Del arte feminista al arte femenino aparece como una lectura imprescindible, no sólo para conocer la forma de creación del feminismo y la visibilidad de las artistas, también supone una reflexión sobre los estilos y movimientos que conlleva y la necesidad imperiosa de la mujer de hacerse escuchar, respetar y poner en valor sus vivencias para formar parte de la historia del arte contemporáneo. Concha Mayordomo

Susana Carro Doctora en Filosofía por la Universidad de Oviedo con la tesis Del arte feminista al arte femenino. Tiene en su haber tres obras publicadas: Educación para la igualdad de oportunidades (Ediciones FMB, 2001). Tras las huellas de el segundo sexo en el pensamiento feminista contemporáneo (KRK Ediciones, 2002) y Mujeres de ojos rojos (Editorial Trea, 2010). En el presente desarrolla su actividad profesional como docente en el Instituto de Enseñanza Secundaria de Candás, Asturias. 50

El sillón de lectura

Desterradas hijas de Eva

o podía imaginar cuando vivía muy cerca de Peñagrande, allá por los años 80, que aquella maternidad para chicas dementes y perdidas, -que los vecinos decían que era-, pudiera formar parte de esa maraña del fascismo que había ido creciendo a lo largo de la larga noche de los años de Franco y mucho más allá de su muerte. Una de esas chicas vino un día a mi casa a buscar trabajo como cuidadora de niños cuando yo acababa de tener a mi hijo pequeño y bus-

caba niñera, porque entonces las mujeres trabajadoras solo teníamos un par de meses de baja después del parto. Era el año 1982 y acababan de ganar las elecciones los socialistas. Cuando se enteraron mis vecinas de que iba a contratarla, vinieron a casa a recomendarme que no lo hiciera, pues seguramente la muchacha estaba trastornada y poco menos que raptaría a mi niño o cosas parecidas. Mi instinto maternal de protección a mi bebé me llevó a rechazar su oferta de trabajo sin más dilaciones y sin investigar qué había detrás de esas chicas que vivían en aquel centro tan diabólico (sin saber si era manicomio, maternidad o correccional). Cuando he leído el libro de Consuelo García del Cid he hecho un viaje a aquellos años, me ha hecho llorar por esas chicas que fueron maltratadas y he comprendido cómo se puede generar un pensamiento colectivo de rechazo entre la gente que vive en los alrededores. Nadie sabía lo que albergaban esos

centros, aquellos que los veían no se explicaban qué hacían allí esas chicas, a quienes automáticamente se les suponía perversión o incapacidad. Desde el Preventorio del Dr. Murillo en Guadarrama, que surgió para prevenir enfermedades como la tuberculosis en 1940, donde se practicaba el maltrato a las menores internas en nombre de la disciplina férrea, hasta los centros del Patronato de Protección a la Mujer, (el COC, Centro de Observación y Clasificación de Arturo Soria, la Maternidad de la Almudena en Peñagrande, el Reformatorio de San Fernando, el de la máxima dureza) se describen en el libro las atrocidades cometidas a través de los testimonios de las propias internas y se aporta documentación, fotografías y datos sobre los gestores de los centros. El método que aplicaban para someter a las niñas me recuerda al modelo diseñado en Alemania cuando crearon el campo de trabajo de Dachau para los subver-

sivos, comunistas y degenerados de la sociedad de Baviera cuando el partido nazi ganó las elecciones. Se trataba de crear una conciencia de castigo para la autoinculpación de la persona y al mismo tiempo se sometía el cuerpo, rebajando la dosis de alimento en cantidades desproporcionadas con la cantidad de trabajo que tenían que realizar. Esta combinación minaba la moral y la capacidad física de los que estaban allí, de tal forma que solo respondían a estímulos primarios y solo les quedaba aceptar sus condiciones para no morir. Las religiosas de las órdenes que regentaban los centros del Patronato ponían en practica estos métodos quizás sin saber que eran el brazo ejecutor de la ideología dominante para los que no se amoldaban al patrón de normales. El trabajo de Consuelo al desvelar todas las atrocidades cometidas en esos centros mediante este libro es encomiable, y tiene un gran mérito como trabajo periodístico, como

material de investigación y como ejercicio de memoria histórica para hacer justicia con las víctimas. Revisamos de nuevo este libro al salir su tercera edición, porque es un capítulo real de la historia del fascismo en este país que nadie había escrito ni reconocido y que Consuelo García del Cid ha tenido la valentía de desvelar y lo hacemos en un momento en que heridas del periodo del franquismo no se quieren poner de manifiesto, y se silencian para no remover los desatinos cometidos contra los más débiles, en este caso mujeres jóvenes que no entraban en el patrón habitual del comportamiento de la época. Leer el libro nos adentra en un panorama devastador que afecta a la sensibilidad de las personas; como ella misma apunta en una entrevista sobre el libro aparecida en el diario Público recientemente: “….no es solo un libro, es ya una causa, nadie se queda indiferente.” María Jesús Aragoneses 51

El sillón de lectura

Perfiles de Damas

rofili di Donne, es el título que da testimonio al libro de la escritora Elisa Mancini, Italia (Nápoles, 1934), residente en España – (Madrid), que tras una exhaustiva investigación por parte de la autora, unido a su labor y empeño en torno a desvelar la creación de la mujer, (publicado en italiano en el Consulado de Italia en Madrid y próximamente se presentará en español), con el apoyo desde estas páginas de Generando Arte y su Directora 52

Concha Mayordomo, tengo el placer de destacar su gran investigación de referente femenino, en el que conviven, dejando argumento más que justificado, una gran parte de las artes. Elisa Mancini, escritora y pintora, fundó y preside la “Asociación Española” del Museo Nacional de la Mujer en las Artes en Washington, que alberga la más importante colección sobre la creatividad de la mujer. Siempre unida a su pasión por el arte y lo femenino (conexo en sus creaciones) manifiesta a la vez, la importancia del impulso que precisa la mujer. Perfiles de Damas, compuesto por más de un centenar de artistas con distintas disciplinas, representa a quien sin ser olvidadas marcaron un antes y un después a nivel internacional en la historia. Nombres como Tamara de Lempicka, María Blanchard, Maruja Mallo, Silvia Patz y numerosas más,

Concha Mayordomo, Elisa Mancini, María Jesús Aragoneses y Rosa Gallego del Peso

que cimentaron grandes logros. A Mancini le interesa el pasado, unirlo con el presente y dar vida a sus personajes, retomar cualidades, sensibilidad, creación, esfuerzo y superación en un mundo que parecía no pertenecerlas, como si estuviera dirigido por fuerzas extrañas. Es aquí la belleza espiritual creadora de Mancini y su senti-

mentalismo lo que nos envuelve en su narrativa sincera, de una evidente realidad. A medida que desvela al lector la importancia que tienen sus protagonistas en la sociedad, une fuerzas, siendo precursora y levantando su voz para dar impulso a futuras generaciones. Publicaciones entre otras: antología poética Proezioni. Nove-

las: Amnesia, Patrie d’amore, Seduta sulla luna, Portati dal vento, Cuento infantil: La guerra delle pulci, Picchio, Pirulo e Pachitín. Diálogo irreal obtuvo el premio internacional Domenico Aliquò en la sección de inéditos. (VII Concurso Internacional) Sus poesías logran despertar los sentidos, a la vez que el pincel acaricia sus lienzos llenos de pasión, amor, color, equilibrio, composición, universo femenino que adquiere forma en Mancini, donde explora ante todo un imperecedero mundo de sentimientos. Elisa Mancini, un apoyo sustantivo a nivel internacional en pleno siglo XXI en favor y defensa del arte y la mujer. ¡Que se hace realidad!. Rosa Gallego del Peso Delegada de la Asociación Española de Pintores y Escultores – Madrid Centro

La sala de reuniones

agenda Nacional Ouka Lele inédita Lugar: Fundación María Forcada de Tudela (Navarra) Fecha: del 1 de noviembre 2014 al 25 de enero 2015 Horario: miércoles, jueves y viernes de 17,30 a 20,30 h sábado de 11,00h a 14,00h y de 17,30h a 20,30h Web: www.fundacionmariaforcada.es

Fotografía Ouka Lele

Fue una de los protagonistas principales de la “Movida Madrileña” de comienzos de la década de 1980. De formación autodidacta, destacan sus características fotografías en blanco y negro coloreadas y sus grabados. Según sus propias palabras, Ouka Leele entiende la fotografía como «poesía visual, una forma de hablar sin usar palabras». En cuanto a la exposición, lo que tienen en

común las obras que componen la muestra es su carácter inédito; todo lo demás es variedad, tanto en las técnicas –cámara analógica, digital, de teléfono móvil o tratamiento con Photoshop– como en los temas o las fechas. En Ouka Leele. Inédita, comisariada por el cineasta Rafael Gordon, se nos da la oportunidad de ver a una Ouka menos conocida. Un repaso sentimental y artístico a una de las fotógrafas más importantes y transgresoras de nuestro país. Un recorrido que refleja el dominio técnico y la constante creatividad desde sus primeras fotografías en blanco y negro hasta las imágenes digitales. La presencia de obras realizadas en distintos momentos de su carrera hace posible que se aprecie la progresiva consolidación de su lenguaje, y la percepción del conjunto de las obras pretende transmitir la idea de “una comedia humana en 64 fotografías”, en palabras del comisario de la exposición, quien también explica que estamos ante un “viaje interior, hondo y pleno de dolorido sentir”. Retratos, autorretratos y escenas que son verdaderos poemas

visuales integran una exposición ecléctica y cargada de referencias a mundos externos Entrevias Ofelia García Lugar: Galeria Rafael Pérez Hernando (Madrid) Fecha: del 20 de noviembre 2014 al 17 de enero 2015 Horario: lunes a viernes de 10 a 14 y de 17h a 20,30h sábado de 11,00h a 14,00h Web: www.rphart.net

Fotografía de Ofelia García

Ofelia García, artista precoz, que comenzó a exponer a los once años y a los veinte desapareció durante seis lustros de las salas de exposiciones para volver ante el ojo público como otro yo artístico. O sea, una artista llamada Ofelia García que nada tiene que ver con la niña y la adolescente. Una artista

nueva que nace en la madurez, la memoria y la experiencia. En medio, un viaje probablemente arrebatador e íntimo pudo tener lugar y algo hizo salir a las obras de la madrileña de su panteón de silencio. Entrevias recoge obras en las que la artista trata aquellas cuestiones que le han interesado a lo largo de su carrera, como son el viaje y su conexión con el tiempo. La artista madrileña vuelve a incidir en ciertos temas que han ido evolucionando en su trabajo, “lo que ha ido variando es mi posición, mi punto de vista y la forma de abordar esos temas”, esta evolución ha venido marcada por el propio proceso de trabajo que es el que le ha conducido hasta la serie Entrevias. La lógica interna de la obra de la artista le ha dirigido hacia una mayor abstracción en un proceso de introspección, simplificación y síntesis. Dentro de esas estructuras sencillas se van creando recorridos que se expanden más allá de los límites del cuadro. En cuanto al orden técnico, la artista ha incluido en esta exposición una serie de imágenes generadas e

intervenidas digitalmente, en las que ha procurado trasladar al ordenador su concepción de la realidad, “al igual que hago cuando pinto manualmente sobre las fotografías”, afirma. La danza fenicia de la arena Sigalit Landau Lugar: Museo de arte contemporáneo, MACBA (Barcelona) Fecha: del 21 de noviembre 2014 al 15 de febrero 2015 Horario: lunes, miércoles, jueves y viernes, de 11h a 19,30h martes no festivos cerrado Sábados de 10h a 21h Domingos y festivos, de 10h a 15h Web: http://www.macba.cat

Sigalit Landau

Sigalit Landau nació y se crió en Israel, es conocida por sus performances que exploran las tierras de Israel, trabaja tanto con video, como instalación, escultura y 53

agenda Nacional dibujo. Actualmente vive y trabaja en Tel-Aviv. El paso del siglo XX al siglo XXI ha dejado marcas profundas en la configuración del mundo y es en este contexto de cambio de era, a mediados de la década de 1990 donde se inicia el trabajo de Sigalit Landau. En la exposición la danza fenicia de la arena aborda la gestión de símbolos, imágenes y narraciones propias de su condición histórica, personal y cultural. Extrae su título de la presencia casi constante de la arena, la playa y el mar, como topos de ejecución de los rituales performativos que constituyen el núcleo de la obra videográfica de Landau. Esta exposición se centra, por primera vez, en este medio, en el que Landau hace escultura con cuerpos vivos y objetos que interactúan entre sí. Las esculturas en vídeo de Landau condensan un tiempo en el que las acciones parecen no tener ni principio ni fin. No son narrativas sino descriptivas: narran la ausencia de progreso y mejora, describen la necesidad del otro, ya sea en el juego, en la supervivencia o en el conflicto. 54

Coup de soleil Cuqui Guillén Lugar: Centro Cultural Las Cigarreras (Alicante) Fecha: del 07 de noviembre 2014 al 04 de enero 2015 Horario: De martes a sábado de 10h a 21,00h y domingos y festivos de 10h a 14h Cerrado domingos tarde y lunes Web: www.cigarreras.es Licenciada en Bellas Artes, Valencia. Cuqui Guillén y Carmen Roig trabajaron juntas como Equipo Límite desde 1988 hasta el 2002, en que dejaron de producir obra. Actualmente continúan participando en exposiciones mostrando el trabajo de esos 14 años. Desde el 2002 Cuqui Guillén sigue realizando su obra pictórica individualmente. En esta optimista, colorista y vitalista exposición, la artista valenciana presenta 49 obras en las que la imagen de la mujer tiene especial relevancia y con una clara influencia del pop art y los primeros carteles publicitarios. A través de estos trabajos nos adentra en su personal universo. Estas imágenes evocan momentos

Cuqui Guillén

pasados a través de formas y objetos que formaban parte de la cotidianeidad. La muestra está estructurada en cinco partes: Begin the begin (2004-2007), con 11 obras; Senza fine (2008-11), con 10 obras; Give me more (2014), con siete obras; La colección de dibujos, con seis obras; y La colección de bocetos, con 11 obras. The Krazyhouse Rineke Dijkstra Fotografía Rineke Dijkstra

Lugar: Museo Guggenheim Bilbao Fecha: del 13 de noviembre 2014 al 01 de marzo 2015 Horario: De martes a domingos de 10:00h a 20:00h Lunes cerrados Web: www.guggenheim-bilbao.es

Rineke Dijkstra, fotógrafa holandesa, centrada en la figura humana, su obra la podemos encontrar en los grandes museos del mundo, en cuanto a su exposición The Krazyhouse es una videoinstalación multicanal compuesta por cuatro proyecciones en las que cinco adolescentes bailan frente a la cámara ante un fondo blanco y al son de la música que ellos mismos han seleccionado. Rineke Dijkstra conoció a los jóvenes en una famosa discoteca de Liverpool llamada The Krazyhouse y los grabó en un estudio improvisado en el propio recinto. Los planos en tres cuartos de estos adolescentes se alternan con primeros planos de sus rostros de tal manera que podemos observar con detalle su expresión. Los cinco protagonistas contrastan no solamente por las músicas que han elegido (pop, heavy metal o tecno), sino también por su apariencia y su manera de moverse frente a la cámara. En esta pieza la artista holandesa pretende dirigir la acción de los jóvenes constriñéndolos en un espacio reducido en el que no pueden desplazarse. Dijkstra los sitúa frente

a la cámara y ante un fondo blanco, iluminados por una luz brillante; al mismo tiempo, les deja libertad para expresarse y moverse al ritmo de una música con la que conectan en un momento determinado y hace que cada adolescente muestre su personalidad, su subjetividad frente al observador. Desde su estreno en la Tate Liverpool en 2010, The Krazyhouse ha obtenido el favor de la crítica internacional y ha realizado una extensa itinerancia, habiéndose expuesto en París, Nueva York, Frankfurt, San Francisco y Washington D.C. Retrospectiva de la obra de Carol Rama Lugar: Museo de Arte Contemporaneo de Barcelona (MACBA) Fecha: del 31 de octubre 2014 al 22 de febrero 2015 Horario: lunes, miércoles, jueves y viernes, de 11h a 19,30h martes no festivos, cerrados sábados de 10h a 21h domingos y festivos, de 10h a 15h Web: www.macba.cat La obra de Rama, que se extiende a lo largo de siete décadas

agenda Nacional (1936-2006), constituye un contra-archivo que permite reconstruir los movimientos de vanguardia del siglo XX. Esta artista inventa el sensurrealismo, el arte visceral-concreto, el porno brut, la abstracción orgánica. Actualmente se la considera una artista imprescindible para entender las mutaciones de la representación en el siglo XX y el trabajo posterior de artistas como Cindy Sherman, Kara Walker, Sue Williams, Kiki Smith y Elly Strik. Rama es una artista difícilmente clasificable, que cuestiona su condición de mujer y desarrolla un lenguaje muy personal. Su trabajo conjuga la sensualidad, el fetichismo y el placer con el dolor, el miedo, la angustia o la rabia, todo ello marcado por la memoria de sus circunstancias personales y familiares. Esta muestra quiere recuperar un trabajo poco conocido y ponerlo en relación con el de otras artistas. Tal y como ella misma escribía en 1996: “Yo pinto por instinto y por pasión, y por ira y por

Caron Rama

violencia y por tristeza, y por un cierto fetichismo, y por una dicha y melancolía a la vez, y por rabia especialmente”. Pero esta muestra tiene como objetivo no solo dar visibilidad al trabajo de Rama, sino también cuestionar los relatos dominantes de la historiografía del arte con un trabajo que obliga a desmantelar narrativas y reformular conceptos. Es Capital Cristina Lucas

Cristina Lucas

Lugar: Centro Gallego de Arte Contemporáneo (CGAC, Santiago de Compostela) Horario: lunes a sabados de 11h a 20h, domingo cerrado Fecha: del 17 de octubre 2014 al 22 de febrero 2015 Web: www.cgac.org Cristina Lucas, se licenció en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid. Completó sus estudios en California y en la Rijksakademie de Amsterdam. Ha expuesto en Tel Aviv, en Moscú, en Buenos Aires o en Singapur, así como en decenas de museos españoles. Feminista e inconformista, entiende el arte como una forma de reflexionar sobre el mundo desde un punto de vista estético. Es Capital, el último trabajo de Cristina Lucas, se exhibe en el Centro Gallego de Arte Contemporáneo (CGAC, Santiago de Compostela). Esta exposición analiza a través de cuatro proyectos algunas de las principales incógnitas, paradojas y retos del sistema capitalista.

Proyecciones de vídeo, fotografías en cajas de luz o trabajos en papel conforman esta visión diferente del capitalismo. Además, para realizar esta muestra se ha contado con la colaboración de 68 entidades y entrevistados. La primera de las piezas se titula Plusvalía y documenta la investigación de la artista para conocer el precio actual del manuscrito de El Capital que escribió Karl Marx a finales del siglo XIX. En él, Marx populariza el término plusvalía, que define como la ganancia que obtiene el capitalista de la fuerza de trabajo: “sin este beneficio no habría sociedad capitalista”. Montaña de oro son dos fotografías de la totalidad de oro que hay almacenado en el Banco de España. En este trabajo está presente la relación entre el valor de uso y el valor de cambio en una sociedad regida por las normas del capitalismo financiero, ya que mientras imperó el patrón oro, este metal fijaba el valor de la unidad monetaria de un país. La serie de

entrevistas Capitalismo filosófico es una búsqueda por comprender la relación existente entre los conceptos filosóficos con los que comercian las empresas y su actividad comercial. ¿Qué es la Muerte para una empresa funeraria? ¿Qué es la Belleza para una clínica de cirugía estética? ¿Qué es la Verdad para una notaría?.Por último, en El superbien común, Lucas analiza una de las principales paradojas del sistema capitalista: la escasez de recursos y la incapacidad de nuestro planeta para generar riqueza suficiente, si bien todos sus habitantes aspiran a un modelo de vida basado en el consumo ilimitado de bienes y servicios. El Paisaje y el Lugar Carmen Laffón Lugar: Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC, Sevilla) Fecha: del 9 de octubre 2014 al 08 de febrero 2015 Horario: lunes a sábados de 11h a 20h, lunes cerrado 55

agenda Nacional Web: http://www.cgac.org

Carmen Laffón Vista de la viña II

Carmen Laffón ingresa en la Escuela de Bellas Artes de Sevilla, a los 15 años de edad. Tras cursar estudios en esta institución durante tres años se traslada a Madrid, en cuya Escuela de Bellas Artes finaliza su carrera. En 1998 es nombrada académica de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. El 16 de enero del 2000 pronunció el discurso de ingreso titulado Visión de un paisaje que versó sobre su relación con Sanlúcar de Barrameda y el Coto de Doñana. Carmen Laffón es Hija Predilecta de Andalucía y está en posesión del Premio Nacional de Artes Plásticas y 56

de la Medalla de Oro al Mérito a las Bellas Artes, entre otras distinciones. La exposición ‘El paisaje y el lugar’, se repasa a través de 120 obras la visión que el río Guadalquivir proyecta en Andalucía. Trabajos de todas las fechas, algunos incluso inéditos realizados este año, componen la exposición más importante realizada en Andalucía sobre la pintora y la más amplia desde la retrospectiva que se hizo en 1992 en el Museo Reina Sofía. La exposición reúne obras de diversas instituciones tales como el Patronato de la Alhambra y el Generalife, la Universidad de Sevilla o el CAAC, así como numerosas colecciones privadas y de la propia artista. En esta muestra se pueden contemplar obras de Laffón de diferentes técnicas. Así se presentan óleos sobre lienzo, dibujos de carbón sobre papel, pastel y óleo sobre papel y esculturas en hierro pintado, hierro, escayola, madera y aluminio, bronce pintado y témpera y carbón sobre madera. La selección de obras compone

un recorrido inaudito por la ribera del río Guadalquivir, paisajes del encuentro inesperado en La Cartuja sevillana, de la vitalidad de las márgenes del río en Bonanza, de la luz sobre el Coto desde Sanlúcar de Barrameda, de la inminencia del mar en La Jara… Un recorrido que finaliza como un regreso a La Cartuja, enclave donde se enmarca el CAAC. De su vida y su relación con Sevilla y Sanlúcar de Barrameda, Carmen Laffón dice: “El Guadalquivir es el río de Sevilla, mi ciudad de nacimiento, que me lleva a Sanlúcar de Barrameda, mi otra ciudad, donde comencé a pintar y a soñar”. “Retrospectiva de la obra de Túlia Saldanha” (Macedo de Cavaleiros, 1930-1988) Lugar: Museo Vostell Malpartida (Malpartida de Cáceres) Fecha: desde el 21 de noviembre 2014 hasta el 29 de marzo de 2015 Horario: de 9:30 a 13:30 y de 16:00 a 18:30 (De martes a domingo) lunes: cerrado

Tulia Saldanha Sissimetria-mater

Web: http://museovostell.gobex. es/index.htm Túlia Saldanha desarrolló entre el final de la década de los 60 y los 80, un trabajo artístico atípico, conceptual y con un gran contenido experimental. Sin formación artística previa, se incorporó al Círculo de Artes Plásticas de Coimbra coincidiendo con un momento de importantes transformaciones socio-culturales donde los artistas se abrían a la experimentación creativa y a la no-jerarquización

de los medios de expresión plástica, elevando los procesos de producción artística y social al status de obra de arte y estrechando las relaciones entre las experiencias del arte y la vida. Túlia Saldanha trabajó con una gran diversidad de medios –instalación, environment, performance, pintura y dibujo– creando una obra muy singular imposible de desligarse de su persona, en un continuo vaivén entre la práctica individual y la práctica colectiva. La exposición que ahora itinera en el Museo Vostell Malpartida recupera el legado de una de las primeras artistas portuguesas que trabajaron en las disciplinas de la performance y la instalación, resultando además un magnífico ejercicio de contextualización y justicia histórica muy acertado por parte del museo extremeño. Con la muestra se enfatiza así en la importancia que tuvo Wolf Vostell en la formación y desarrollo artístico de Túlia Saldanha y en otros artistas portugueses de su generación.

agenda Internacional Alice Neel Lugar: Galería Xavier Hufkens, Bruselas (Bélgica) Fecha: Del 26 de febrero al 4 de abril de 2015 Web: www.xavierhufkens.com

Alice Neel

La exposición monográfica dedicada a la obra de la subversiva pintora estadounidense Alice Neel (Pennsylvania, 28 de enero de 1900 – 13 de octubre de 1984) muestra cuadros pintados a lo largo de toda su carrera artística junto a una selección de dibujos. Es la primera vez que el trabajo de esta artista es mostrado en Bélgica. Neel fue una pionera entre las mujeres artistas y todo un icono para el movimiento feminista. Fue una pintora con una fuerte conciencia social e ideología de izquierdas cuyo singular estilo, fresco, vital, atrevido, incluso grotesco, no puede ser encorsetado en categorizaciones. Ella se definía como una “coleccionista de almas”, destacando la profundidad psicológica e intensidad emocional captada en sus obras rebosantes

de verdad. Pintaba del natural tanto retratos de gente que encontraba por la calle como de personas conocida, de vecinos, de inmigrantes que vivían al margen de la sociedad, de otros artistas coetáneos como Frank O’Hara, Andy Warhol y young Robert Smithson, de galeristas o comisarios de arte, de poetas, de escritores, de diferentes personalidades políticas –incluyendo el movimiento activista negro y el movimiento feminista, o de su propia familia. Neel es conocida por pintar personas gay y travestis antes de que la homosexualidad fuera legalizada. También pintó mujeres embarazadas y desnudos tanto masculinos como femeninos, en los que reivindicó su punto de vista femenino ante las convenciones del erotismo y la sexualidad, así como paisajes, escenas urbanas y bodegones, sin dejarse arrastrar por las cambiantes corrientes de moda del momento, aunque simpatizaba con el espíritu expresionista del norte de Europa y Escandinavia y los pintores tenebristas españoles, y abrazó la vanguardia cubana. Diane Arbus Lugar: Kirkcaldy Galleries.War Memorial Gardens.

Fecha: del 14 de Febrero al 31 de Mayo de 2015. Web: www.kirkcaldygalleries.org.uk

Diane Arbus Gemelas Identicas.

Diane Arbus (Nueva York, 19231971) es una de las fotógrafas más importantes del siglo XX. Una fotógrafa inusual, como dirían algunos, cuyo estilo fotográfico, caracterizado por una honestidad brutal, atrevida y directa, sacude y perturba al espectador, al que no deja indiferente en sus diversas reacciones. Esta exposición monográfica muestra una selección de 20 fotografías - tomadas de “Artist Rooms”, una colección de arte moderno y contemporáneo adquirido por la Tate y la Gallería Nacional de Scotland- que subrayan como Arbus reta a ver más allá de la superficie externa, hasta la complejidad subjetiva individual de cada sujeto mostrado en tanto que ser humano, reflejando no sólo la complejidad de la naturaleza

humana sino también los cambios sociales, políticos y económicos que tienen lugar en Estados Unidos entre 1950 y 1970. Su obra, no exenta de críticas y de gran influencia en la obra de otros artistas y fotógrafos contemporáneos, fue desarrollada en una época en la que imperaba el fotoperiodismo, sin embargo ella decide documentar otro tipo de poética de la vida cotidiana, otro tipo de belleza: la belleza convulsa de lo grotesco. Más que el impacto estético, a pesar de la exhaustividad con que capta el claroscuro, Arbus crea un íntimo álbum social de retratos en blanco y negro, donde explora la extraordinaria variedad de emociones y apariencias física que encuentra en las vidas de diferentes personas, normalmente marginados sociales. Esa simpatía hacía la rareza humana, lo anormal, en tanto que alejado de la norma, o lo monstruoso la llevan a desvelar el trauma de una realidad oculta que habita en seres estrafalarios y dramáticos (borrachos, vagos, travestis, prostitutas, fenómenos de circo, gemelos, enanos, gigantes, locos, etc), cuestionando así los paradigmas de belleza, identidad y normalidad, haciendo de lo extraño

algo familiar y de lo ordinario algo extraordinario. Doris Salcedo Lugar: Museo de Arte Contemporáneo de Chicago (Chicago) Fecha: del 21 de Febrero al 24 de Mayo de 2015 Web: www.mcachicago.org Esta exposición, comisariada por Julie Rodrigues Widholm y Madeleine Grynsztejn, constituye la primera retrospectiva de la escultora colombiana Doris Salcedo (Bogotá, 1958), una de las artistas latinoamericanas de mayor reconocimiento en la esfera internacional, que vive y trabaja actualmente en su ciudad natal. Su obra, generadora de debates y polémica, empezó a ser conocida en 1990 por fusionar el posminimalismo con las preocupaciones sociopolíticas, muchas de ellas vinculadas al conflicto colombiano. Por medio de sus intervenciones artísticas trata de representar lo irrepresentable, de dar voz a aquello que no encuentra palabras que lo expliquen: el dolor, la desolación, el horror, la injusticia….La artista pone en jaque desde su obra a las organizaciones 57

agenda Internacional Doris Salcedo Sin título, 1998 Fotografía de David Heald.

políticas que estructuran el poder, denuncia el abuso de este, la opresión y sometimiento que genera la violencia y sus consecuencias sobre las víctimas. El racismo, la inmigración, la inclusión, las desigualdades sociales o la memoria, histórica son un común denominador en su obra, pensada tanto para espacio museístico como para el espacio público, con una gran carga simbólica, expresiva y emocional. La exposición recoge el trabajo que la artista ha venido realizado en sus 25 años de carrera, poniendo de relieve la unidad formal, temática y conceptual que rige toda su obra, desde sus primeros trabajos, hechos a partir de muebles de hospital envueltos en piel traslúcida de animal y camisas blancas clavadas en barras de metal - Salcedo recrea la instalación tal como fue mostrada en su origen en Bogotá en 1990- hasta piezas que no han sido expuestas juntas desde 1998, como sus esculturas hechas a partir de puertas, 58

mesas, armarios, sillas, etc, rellenadas con cemento. También se exponen otras instalaciones como Casa Viuda (1992-1995) con piezas de mobiliario y objetos domésticos, de hogares humildes, que esconden el recuerdo de las víctimas de la violencia colombiana, a veces evocando partes del cuerpo humano, tras su apariencia de monumento. La serie Atrabiliarios (1991-1996) alude al genocidio a través de parejas de zapatos sepultados en las paredes del museo, cubriéndolo con piel translúcida de animal; o Plegaria Muda (2008–10), una gran instalación en la que apila mesas de cuyos huecos crece hierba. Louise Bourgeois. Structures of existence: the cells. Lugar: Galería Hause der Kunst, Munich (Alemania) Fecha: Del 27 de enero al 26 de julio de 2015 Web: www.hausderkunst.de/ Es una exposición itinerante que podrá verse también en el Museo de Arte Contemporáneo Garage de Moscow (Russia) de septiembre de 2015 hasta enero de 2016, y que tendremos

Louise Bourgeois, Red Room –Child1994 (detalle).Foto de Marcus Leith

la oportunidad de disfrutar en España, en el Guggenheim de Bilbao, a partir de marzo de 2016. Louise Bourgeois (Paris 1911Nueva York 2010) es considerada una de las artistas más influyentes del siglo XX. En su larga carrera artística, desarrollada a lo largo de siete décadas, creó un cuerpo de trabajo único y diverso, con una amplia gama de formas, técnicas, materiales y escalas. En 1940 fue pionera del uso de instalaciones medioambientales, y en los 70 y 80 dialogaba con sus esculturas en una especie de teatro y performance. Su obra se mueve en el discurso crítico que abarca el psicoanálisis, o el existencialismo –como ella misma afirmaba- y el feminismo, teorías que forman parte de su lenguaje artístico. Esta muestra, comisariada por Julienne Lorz, es la primera que se centra específicamente en la serie denominada Cells , innovadores espacios arquitectónicoesculturales que preocuparon a la artista durante los últimos 20 años

de su vida. Se presenta la mayor selección de estas voluminosas piezas a lo largo de la carrera artísticas de Bourgeois, desde 1930 hasta 2009, junto con importantes obras de décadas anteriores que le llevan a desarrollar este tipo de trabajo, a través del cual siguió explorando las constantes temáticas que siempre le han preocupado: memoria, trauma, relaciones, sexualidad, ansiedad… así como el reto de combinar los roles de ser madre y artista. En las Cells, la arquitectura aparece como una metodología poética para trabajar la memoria y alcanzar el conocimiento de sí misma, como una manera de reconstruir hechos pasados y de construirse una nueva vida, su propia unidad familiar en el presente. Constituyen un personal microcosmos psicológico, una peculiar forma de supervivencia y huída caracterizadas por una enigmática atmósfera de resonancias emocionales en las que se desarrollan escenas casi teatrales pobladas de objetos cotidianos diversos, como piezas de ropa o muebles, cargados de un misterioso simbolismo y a través de los cuales se van construyendo relaciones espaciales y personales junto a

singulares esculturas de la artista. El conjunto parece crear una especie de barrera protectora entre el mundo interior de Bourgeois, atormentado por los traumas de su infancia, y el mundo exterior que constituye el espacio expositivo. La propia artista afirmó que sus Cells concentran diferentes tipos de dolor: el físico, el emocional y psicológico, y el mental e intelectual. También tratan la integración y la desintegración, del placer voyeurista, del miedo a mirar y ser mirado. Pueden atraer o causar repulsión, son atrevidas y provocativas, en algunas el espectador es invitado a entrar, en otras simplemente puede mirar desde el exterior. Paralelamente a esta exposición se desarrolla otra exposición monográfica sobre la artista I Have Been to Hell and Back (he estado en el infierno y he vuelto), que podrá visitarse en el Moderna Musset de Estocolmo (Suecia), desde el 14 de febrero al 17 de mayo de 2015, comisariada por Iris Müller-Westermann y centrada en mostrar la variedad de materiales y técnicas que usaba la artista como medio de expresión.

La buhardilla

Horóscopo chino Invierno 2015

Rata

(1912 • 24 • 36 • 48 • 60 • 72 • 84 • 96 • 2008 • 2020…) Día: lunes Suerte: 4 Salud: no se pase con el ejercicio. o pásese. en el exceso está la virtud Dinero: lo justo para no ir tirando. no se corte Amor: está usted en cuarentena

Gato

(1915 • 27 • 39 • 51 • 63 • 75 • 87 • 99 • 2011 • 2023…)

Día: martes Suerte: 5 Salud: continúe con su dieta. si se olvidó de respirar, no desespere: está aprendiendo a gozar Dinero: arriesgue Amor: juégueselo. no tiene nada que perder

Buey

(1913 • 25 • 37 • 49 • 61 • 73 • 85 • 92 • 2009 • 2021…) Día: miércoles Suerte: 7 Salud: cuide su garganta. Y su alegría. en esos manantiales desnúdese al dente Dinero: no desperdicie la oportunidad que le ofrecen: haga vino con ella Amor: llama a su puerta. escúchelo

Dragón

(1916 • 28 • 40 • 52 • 64 • 88 • 2000 • 2012 • 2024…) Día: domingo Suerte: 3 Salud: pequeñas complicaciones que le harán más fuerte Dinero: aguante. Olvide su nombre. arenas movedizas lo consagrarán fiesta grande, ilimitada: sin recortes Amor: pero ¿aún se quieren?

Tigre

(1914 • 26 • 38 • 50 • 62 • 74 • 86 • 98 • 2010 • 2022…) Día: sábado Suerte: 9 Salud: sin sobresaltos. continúe de árbol en árbol Dinero: lo está consiguiendo. escúchese! Amor: cambios radicales. lleva el mar en sus bolsillos

Serpiente

(1917 • 29 • 41 • 53 • 65 • 77 • 89 • 2001 • 2013 • 2025…) Día: jueves Suerte: el 1 y el 5 Salud: cuidado con las alergias. hacen de usted un ser en evolución vertiginosa Dinero: un poco esquivo. pronto será usted su rica mascota favorita Amor: no se arrastren mas y cómanse a besos 59

Horóscopo chino Predicciones: Antonina Love • Ilustraciones: Patricia Fridman

Caballo

(1918 • 30 • 42 • 54 • 66 • 78 • 90 • 2002 • 2014 • 2026…)

Día: viernes Suerte: 9 Salud: relájese. no tiene por qué preocuparse: es usted la guinda y el pastel Dinero: no le cogerá en los bolsillos. Amor: pida peras al olmo. ganará

Gallo

(1921 • 33 • 45 • 57 • 69 • 81 • 93 • 2005 • 2017 • 2029…) Día: viernes Suerte: 2 Salud: no le pasa nada. está como un roble. Sople y disolverá cualquier tormenta Dinero: mejoran sus negocios. duerma a pierna suelta Amor: semana completita: discusiones, reconciliaciones… mucho sexo: lo propio para no perderse 60

Cabra

(1919 • 31 • 43 • 55 • 67 • 79 • 91 • 2003 • 2015 • 2027…)

Día: toda la semana, incluidas las noches Suerte: 7, los números primos y todos los múltiplos Salud: óptima Dinero: abaníquese: el dinero sueña con usted Amor: defiéndalo o mejor descórchelo: se aman

Perro

(1922 • 34 • 58 • 70 • 82 • 94 • 2006 • 2018 • 2030…) Día: lunes, martes, miércoles, jueves, viernes, sábado… Suerte: 5, 7, 9… Salud: suelte el freno. disfrútese Dinero: manténgase al trote. no tiene bolsillos suficientes para tanto Amor: eustedes lo inventaron. agítense en él. cumplan sus sueños. es lo suyo

Mono

(1920 • 32 • 44 • 56 • 68 • 80 • 92 • 2004 • 2016 • 2028…) Día: lunes Suerte: 44 Salud: no duerma tanto y disfrute Dinero: con un poco de carmín y menos comas no se olvidará de usted Amor: quien fue a Sevilla no perdió la silla: encontró la aguja y el pajar

Jabalí

(1923 • 35 • 47 • 59 • 71 • 83 • 95 • 2007 • 2019 • 2031…) Día: jueves Suerte: 6 y 3 Salud: pletórica. La palabra su lente favorita Dinero: es su estación. acomódese en ella. fúmese el corazón de la obediencia Amor: qué le quiere… continúa en racha

Colectivo Generando Arte Presidenta de Honor: Ana María Pérez del Campo Presidenta: Concha Mayordomo Vicepresidenta: María Jesús Aragoneses Secretaria: Luz Velasco Tesorera: Asunción Bau Vocales: Cecilia Montagut, Marián M. Cañizares, Natacha Mazzitelli, Pilar V. de Foronda, Sara Beiztegi y Susana Ribuffo