CON SELLO PROPIO
ESPECIAL ESTILO
TENDENCIAS + TRAJES A MEDIDA + ACCESORIOS + PERFUMES
TIEMPO DE RETIRO
LOS HOTELES DEL NUEVO LUJO
Un reloj Classique Breguet es todo lo contrario a la obsolescencia programada. Se ha concebido para indicar y atravesar el tiempo con arte.
Hagamos Historia juntos.
UTILIZAMOS CON PROFUSIÓN el término, pero no desvelamos la difcultad de hacerlo realidad. En un mundo que malentendió el efecto de la globalización y que sigue empeñado –hay que matizar que algunos– en entender la inteligencia artifcial como la realidad del futuro –casi única–, hay que decir que por encima de todo debemos procurar que triunfe la personalidad. La individual y la de todo lo que nos rodea; en el fondo, somos individuos que trasladamos a nuestro entorno una forma de ser y de entender nuestra actividad creativa, y por supuesto nuestro aprendizaje, al tiempo que aprendemos a valorar lo que recibimos de otros.
Eso es lo que vivimos durante el II Foro Gastronómico GENTLEMAN. Manifestaciones de una forma de ser y de actuar, de un compromiso con marcar un territorio de expresión propio. De ofrecer, por supuesto, una experiencia diferente, alejada de principios únicamente comerciales. Es la diferencia entre hacer o crear un producto, en ofrecer lo mejor y que además tenga alma..., un mensaje. Esto último solo se consigue cuando se ha fomentado y forjado una personalidad sólida,
cuando cada acto es una demostración que sale del interior y no de un plan de marketing exclusivamente, ni de un postureo por mucho que vaya acompañado de una buena formación.
En GENTLEMAN hemos procurado desde nuestro nacimiento fortalecer el vínculo con la personalidad; buscar sin descanso todo aquello que hace que el estilo de vida se convierta en algo excepcional y, en ocasiones, irrepetible. Y para ello hay que bucear en la personalidad de los protagonistas. En este número que ahora usted empezará a disfrutar, esos detalles se ven fortalecidos con historias que inciden en ese afán de originalidad, de manifesta distinción.
Empecemos por la misma portada, con Vincent Cassel, un actor de los que siempre dejan huella y que cuenta con eso que acabamos describiendo como personalidad arrolladora. Y en la entrevista deja una frase clarifcadora que defne lo que todos entendemos por cultivar nuestra propia personalidad, por nuestro propio desarrollo: “No son los otros lo que te defnen, no hay que escuchar lo que los demás digan, céntrate en tu trabajo, en tu vida, en tus elecciones… Pero es verdad que hoy día ocurre lo contrario, se supone que necesitamos la validación de todos constantemente”.
Y eso es lo que precisamente no debemos hacer, y contra lo que hemos de luchar. Ser como los demás, o hacer lo que nos digan, nos resta no solo mérito, también presencia y nos aleja de cualquier tipo de legado. Cuando alguien o algo abandona el principio de ser una manifestación de tu vida, de lo que es tu verdad y tu realidad, llegará la impostura, lo irreal. Afortunadamente, como verán en las siguientes páginas, cada uno de los argumentos y personajes elegidos se acerca a la realidad correcta, a la que tiene por objeto aportar toques personales, y por haber creado un estilo propio. Sin artifcios.
Ricardo Balbontín. DirectorCada acción cuenta. Únete a nuestro viaje para reducir nuestra huella de carbono.
#ambition2039
G-MANÍA
Texto María Rosa
12 DISEÑO
LA ARTESANÍA COMO ARTE
16 PINTURA
INTERIOR Y EXTERIOR
NOMBRES PROPIOS
18 DIEGO QUIROGA
LA MAGIA DE CREAR COSAS
Texto Juan Luis Gallego
Fotografía Jordi Bardajil
20 EMILIO COLOMINA
JUGAR A GANAR
Texto Paula Polizzotto
Fotografía Jacobo Medrano
22 DREW AARON
LA EXPANSIÓN DEL ARTE
Texto Paula Polizzotto
Fotografía Leonardo Cóndor
ENTREVISTA
24 ANTONIO RESINES DE TODA LA VIDA
Texto Begoña Piña
Fotografía Jacobo Medrano
CON FIRMA
28 COSAS MÍAS
Texto Fernando Schwartz
Ilustración Jacobo Pérez-Enciso
REPORTAJE
30 LA PIPA
RESERVADO PARA CABALLEROS
Texto Rubín de Celis
GRANDES FIRMAS
44 ROLEX: OTRA VISIÓN DEL PLANETA
Texto Ricardo Balbontín
INTERIORISMO: AMAR EL CAOS
Texto Marc Heldens
Fotografía Mark Seelen
50
DIRECTOR
Ricardo Balbontín rbalbontin@gentleman-es.com
DIRECTOR ADJUNTO
Juan Luis Gallego jlgallego@gentleman-es.com
DIRECTOR DE ARTE
A lberto Torés atores@gentleman-es.com
| COLABORADORES |
Irene Crespo, Natalia Erice, Berta Fernández-Abascal, Lucía Heredero, Luis Ini, Pilar Molestina, Federico Oldenburg, Juan Parra, Begoña Piña, Paula Polizzotto, María Rosa, Rubín de Celis, Fernando Schwartz, Stefano Spineta y Amelia Solana.
| ILUSTRACIÓN |
Del Hambre, Jacobo Pérez-Enciso y Fernando Vicente.
| FOTOGRAFÍA |
Paolo Barbi, Jordi Bardajil, Leonardo Cóndor, Marc Heldens, Juan Carlos de Marcos, Jacobo Medrano, Massimiliano Polles y Julie Turcas.
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Associated Press, Contacto, Corbis, Cordon Press, Getty Images, IFA, The Interview People y Magnum Photos.
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Fotografía de portada: Arno Lam
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8 BIS RUE DIEU, PARIS
WHERE IT ALL STARTED.
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| SECCIÓN MARÍA ROSA
La Fundación Loewe selecciona 30 obras, entre un total de 2.700, de la que saldrá el ganador de la sexta edición del Premio a la Artesanía. El fallo: el próximo 16 de mayo.
MÁS DE 2.700 OBRAS DE ARTESANOS DE 117 PAÍSES Y REGIONES han concurrido a la sexta edición del Premio a la Artesanía que concede la Fundación Loewe. De ellas, el jurado ha preseleccionado a 30, representantes de 16 países (una española), que trabajan en una amplia variedad de campos como cerámica, carpintería, textiles, muebles, papel, cestería, vidrio, metal, joyería, cuero y encuadernación. La técnica, la habilidad, la innovación y la visión artística han sido los principales valores tenidos en cuenta para efectuar esta selección.
Las 30 obras serán ahora expuestas (desde el 17 de mayo hasta el 18 de junio de este año) en el estudio Isami Noguchi, de The Noguchi Museum, de Nueva York. Será entonces cuando se dé a conocer el ganador del Premio de Artesanía de la Fundación Loewe, dotado con 50.000 euros. Este reconocimiento fue concebido por el director creativo de Loewe, Jonathan Anderson, y lanzado en 2016 para celebrar la excelencia, el mérito artístico y la innovación en la artesanía moderna, así como su importancia en la cultura actual.
Ai Shikanji (Japón)
Reflection
Finas hebras de hilo, solidificadas en laca y doradas con oro, plata y estaño utilizando la técnica makie.
Aranda\Lasch & Terrol Dew Johnson (Estados Unidos)
Desert Paper 18
Con materiales encontrados en el desierto de Sonora, en Arizona.
Claire Lindner (Francia)
Buisson n°2’
Un guiño a la vajilla en forma de lechuga del siglo XVIII a base de yeso moldeado en hojas.
Dominique Zinkpè (Benin)
The Watchers
Estatuillas de madera talladas con detalle en piezas individuales y colocadas en un marco.
Dong Han (China)
Bronce tallado con ancestrales técnicas chinas para crear una gran pieza de jade.
Eriko Inazaki (Japón Metanoia
Rebirth (Japón) Metanoia
Un año de trabajo para superponer sobre un núcleo de arcilla cientos de diminutas piezas.
Giorgi Danibegashvili (Georgia)
Naked
Papel hecho a mano y fibras de seda conviven en equilibrio en esta pieza inspirada en un árbol.
Healim Shin (Corea del Sur)
As Time Goes Rain Falls — Plane Conjunto de broches a base de enrollar cortes de lona tratados con laca y fijados a un metal.
Inchin Lee (Corea del Sur)
Large Vessel (faceted)
Una vasija que muestra un profundo conocimiento de la arcilla y de sus posibilidades de manipulación.
Jaiik Lee (Corea del Sur)
Transition VII
Tarro creado con láminas de chapa de cobre soldadas y recubiertas de porcelana.
Jana Visser (Sudáfrica)
In the Almost Tejido en tela jacquard, la obra se basa en el paso cíclico de la respiración a través del cuerpo.
Johannes Kuhnen (Australia)
Vessel — Red Centre
Recipiente de metal que combina una placa de aluminio con contrafuertes de titanio.
Kaori Juzu (Dinamarca)
108 points of view
108 pequeñas esculturas de diferentes técnicas convertidas en piezas de joyería.
Keeryong Choi (Gran Bretaña)
Daam Dah 2022
Recipientes de vidrio opaco que reflejan las vivencias del autor entre Corea y Gran Bretaña.
Kenji Honma (Japón)
Contours of Past 2022
Vasija con madera de un ancestral árbol japonés moldeada con técnicas tradicionales y modernas.
Kristin McKirdy (Francia)
Untitled, 2018
Una obra conceptual, deliberadamente ambigüa, con diferentes materiales y acabados.
Kyouhong Lee (Coreal del Sur)
Trace of Time
Utilizando el vidrio como si fuera arcilla, en un trabajo experimental de formas inesperadas.
Lene Bødker (Dinamarca)
Lene Bødker (Dinamarca) Worthy
Piezas de vidrio, con un cuidado control del color, para expresar la relación con la naturaleza.
Luz Moreno Pinart (España)
El Retiro
Finas hebras de papel aunadas, cada nudo representa un momento de la vida de la autora.
Liam Lee (Estados Unidos) Chair 11
La silla como elemento escultórico, en este caso a base de lana y madera de álamo.
Mabel Pena (Argentina) Wetlands
Pieza de joyería a base de bolsas de plástico reciclado para concienciar sobre la sostenibilidad.
Maina Devi (India)
Lehrata-Khet
Una alfombra tejida a mano que recupera una técnica de fabricación de 2.400 años de antiguedad y reemplazada por la industria comercial.
Maki Imoto (Japón) Torus of Powdered Un molde de yeso rellenado con vidrio en polvo, para explorar los límites del vidrio.
Moe Watanabe (Japón) Transfer Surface
Caja hecha a base de corteza de nogal pelada y luego moldeada. Con una única tira.
Nathalie Doyen (Bélgica)
Pays Cabi
Lo que parece una obra textil es en realidad una pieza de gres recubierta como un mosaico.
Prue Venables (Australia)
Black Triangulated Form Vasija de porcelana de Limoges realizada a mano, en un estudio del espacio y el movimiento.
Shinji Nakaba (Japón) Rose Branch
Fragmentos de perla enhebrados en un alambre, como una rama de rosa con espinas de aluminio.
Tanya Aguiñiga (Estados Unidos)
Matriarchal Womb
Algodón, terracota mexicana y pelo sintético en esta reflexión sobre la familia.
Wanbing Huang (China)
The Entrophy Reduction of Hundun
Fibras de ramio en una alegórica referencia al origen del mundo.
Woosun Cheon (Corea del Sur)
Open Vase0622
Níquel y alambre de plata en esta vasija de forma tradicional y estética contemporánea.
La portada, impresa en lienzo, muestra la obra Gran Vía, 1 de agosto, 7:30 horas, 20092015. La contraportada es un detalle del mismo cuadro.
Paisajes se presenta en un estuche expositor que ofrece varias opciones para exhibir la obra. El diseño recrea la ventana desde la que el artista (abajo, a la izquierda) realizó el cuadro reproducido en la portada.
Paisajes, el nuevo libro de artista de la editorial Artika, muestra el universo personal del pintor Antonio López a través de su forma de ver y representar la realidad.
EL PINTOR ANTONIO LÓPEZ, EL GRAN MAESTRO DEL REALISMO, es el protagonista del nuevo libro de la editorial Artika, una obra de arte en sí misma que se lanza ahora en una edición limitada a 2.998 ejemplares. La obra es fruto de un estrecho trabajo de colaboración entre la editorial y el artista, que se ha implicado en cada uno de los procesos de su creación, hasta llegar a firmar, personalmente, todos los ejemplares. Bajo el título de Paisajes, la obra se convierte así en un retrato íntimo en el que López evoca pensamiento, vivencias y emociones,
compartiendo su historia y su inspiración de la mano del arte de su tío y mentor, Antonio López Torres, y de su mujer, María Moreno. En este proceso, el pintor ha explorado en sus archivos en busca de bocetos y dibujos y ha querido compartir las pequeñas historias de las que nacen sus obras maestras. El resultado es una obra viva, estructurada como un diario personal, que recorre toda su trayectoria creativa y vital. En Paisajes están los cuadros, los momentos y los lugares de este pintor convertido en leyenda viva del arte.
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Modelo visualizado: i30 N Line 30 aniversario. La garantía comercial de 5 años sin límite de kilometraje ofrecida por Hyundai Motor España S.L.U a sus clientes finales es sólo aplicable a los vehículos Hyundai vendidos originalmente por la red oficial de Hyundai, según los términos y condiciones del pasaporte de servicio. Más información en la red de concesionarios Hyundai o en www.hyundai.es
DIEGO QUIROGA FUNDADOR Y CEO DEL ESTUDIO DE DISEÑO ÁNIMA DESIGN
En el estudio que dirige este barcelonés, no solo dan forma a ideas: también las desarrollan, fabrican y lanzan. Entre sus más de 3.000 creaciones, hay desde sistemas de riego a motos y violines eléctricos.
TEXTO JUAN LUIS GALLEGO FOTOGRAFÍA JORDI BARDAJILDE ÁNIMA DESIGN, UN INNOVADOR estudio de diseño y desarrollo de producto radicado en Barcelona, han salido más de 3.000 creaciones. Con algunas, como herramientas de bricolaje o cortacésped, probablemente nos hayamos topado más de una vez sin preguntarnos siquiera sobre su autoría. Pero otras, desde un violín a una bicicleta sin radios en las ruedas, una moto eléctrica o un vehículo diseñado para la aventura en terrenos difíciles, son auténticas piezas de exquisito diseño y funcionalidad probada que han granjeado al estudio numerosos premios internacionales y le han situado en el escaparate internacional.
Diego Quiroga, barcelonés de 46 años, es uno de los fundadores y actual CEO de Ánima Design que, conviene aclarar, no es un mero estudio de diseño: cuando un cliente llega con una idea, no solo dan forma al producto, también se encargan de su desarrollo, de la búsqueda de los materiales adecuados, de su fabricación e incluso, si así lo quiere, de su packaging y campaña de marketing. “Somos expertos en un método de diseño que utilizamos tanto para crear un boli como un casco de neurocirugía –explica Quiroga–. Primero, una fase de descubrimiento, para entender el producto, las tendencias del mercado y cómo debería
ser el diseño: luego, una fase de conceptualización, con dibujos en pantalla o papel; lo presentamos al cliente, que elige entre varias propuestas; la pasamos al departamento de ingeniería, que de ne las piezas, los acabados; se hace un prototipo y se lleva a fabricación”. La experiencia aconseja que, si es usted uno de esos clientes, confíe en ellos también el lanzamiento del producto: hay quien eligió por su cuenta la caja y presentación y, ante la escasez de ventas, recurrió de nuevo al estudio: las multiplicaron por 30.
Ánima Design acaba de cumplir los 21 años. Al principio, lograron pequeños contratos con agencias de publicidad, hasta que un día entró por la puerta Casals, una empresa con más de 140 años de experiencia en la fabricación y venta de herramientas con la que empezaron a trabajar. El diseño y acabado de los productos llamó la atención de uno de sus fabricantes chino, así que hacia allí se fueron Quiroga y sus socios, hace ahora 20 años, cuando el país asiático no era aún el paraíso para los negocios en el que se ha convertido. Hoy, a través de ese fabricante, diseñan herramientas para Bosch, Black & Decker y otras grandes rmas del sector.
Fue ese el hito que les hizo subir un escalón, quizás más de uno, en volumen de negocio; el que les posicionó de nitivamen-
te fue Volta, una moto 100% eléctrica, que alcanza los 120 km/h, tiene una autonomía de entre 70 y 100 km y que montan agentes urbanos de ciudades como Barcelona, Valencia y Palma de Mallorca.
El 90% de lo que hacen es por encargo. Pero, a veces, tanto trabajo de investigación y desarrollo les empuja a crear su propio producto, como una bicicleta sin radios para niños que Quiroga ideó pensando en su hijo, de la que está especialmente orgulloso y que estudian ahora si vender ellos mismos o licenciar a una gran marca.
“Una buen estética que funciona mal no sirve para nada –explica–. Para mí, es primordial solucionar primero la funcionalidad y, si funciona bien el producto, ya lo vestirás adecuadamente”. No son los únicos conceptos a tener en cuenta a la hora de crear un producto: siempre, y sobre todo ahora, con materiales y transportes disparados, el coste es otro factor fundamental en el diseño. Y que tenga alma, y de eso en Ánima Design saben mucho.
En la página siguiente, Diego Quiroga en la sede de Ánima Design en Barcelona, Con 28 trabajadores en total, también tiene oficinas en Miami y Shenzhen (China).
Aportar un valor diferencial al mundo del pádel es el objetivo de este emprendedor que une en 360 Pádel Group su pasión por el deporte, la visión empresarial y la tecnología aplicada a la innovación.
A JUGAR AL PÁDEL hace 25 años, cuando esta disciplina aún no se había convertido en el fenómeno global que es en la actualidad. Tras irrumpir después de la pandemia como uno de los deportes sociales más demandados, el empresario se propuso transformar la manera en la que la tecnología y el pádel se relacionaban; para ello se sirvió de un instinto natural para los negocios y en 2021 creó 360 Pádel Group, la mayor plataforma tecnológica y de comercio deportivo en Europa y uno de los referentes de la industria a nivel mundial. “Nuestro objetivo desde el inicio del proyecto –explica– fue colocar al cliente en el centro de todas las marcas que forman 360 Pádel Group. Lo que ofrecemos es una experiencia de compra basada en una selección de servicios que el cliente no encuentra en otro sitio”.
El éxito del conglomerado se explica por la unión de dos pilares empresariales. El primero, el grupo Pádel Nuestro, una tienda multimarca dedicada a la venta de material deportivo especializado, que cuenta con un consolidado canal online –centro neurálgico del negocio– y otro o ine, encargado de vender principalmente a mayoristas a través de sus 150 franquicias, cerca de mil puntos de venta en todo el mundo y sus tiendas
propias ubicadas en Alicante, Murcia y Madrid. Pádel Nuestro inauguró, además, el pasado año su agship store en la capital: con una super cie de 500 m2, es la tienda especializada en pádel más grande del mundo.
La otra gran pata de 360 Pádel Group es la división Pro Pádel Group, centrada en desarrollar marcas propias como Siux, dedicada a optimizar con su material deportivo, ropa y accesorios el rendimiento de los jugadores profesionales dentro y fuera de la pista.
Dentro del mercado de las palas de pádel existe una carrera por ofrecer un aspecto diferencial, pues cada vez son más las marcas que apuestan por la investigación de nuevos materiales y diseños. “Soy de los que piensa que la pala ya ha llegado a su pico de madurez. Pasa lo mismo con las raquetas de tenis, que son prácticamente iguales desde hace 15 o 20 años. La diferencia la marca ahora la creatividad, que se integra, por ejemplo, añadiendo elementos como medidores que aumenten su velocidad”.
Esta determinación por distinguirse de sus competidores es la causa de que 360 sea su propia referencia dentro del mercado, a veces disperso por la creciente cantidad de productores que venden de forma regional. “Nuestra receta del éxito –añade Colomina– consiste en innovar de forma coherente,
teniendo en mente que una empresa no solo son números; también es creatividad, intuición y relaciones sociales.”
En regiones de Oriente Medio y Estados Unidos, el pádel está creciendo de la misma forma que lo hizo en nuestro país hace unos años, penetrando primero en la capa económica más alta. En países como Italia, España y Argentina, es ya un deporte consolidado culturalmente y democratizado entre sus a cionados. “En España existen en la actualidad muchos más jugadores de pádel que de tenis –añade el empresario–. He llegado a ver pueblos de 20 habitantes con un antiguo frontón convertido en pista de pádel”.
El futuro próximo para 360 Pádel Group pasa por aumentar la sostenibilidad en la producción de sus materiales deportivos. “Estamos investigando para desarrollar una pala biodegradable –adelanta–, que no contenga resina tóxica y que sea ecológicamente e ciente”.
DREW AARON
COLECCIONISTA DE ARTE Y FUNDADOR DE GALLERY RED
Inversor, coleccionista y galerista, el estadounidense asentado en Mallorca Drew Aaron reúne en Gallery RED grandes nombres del arte moderno junto a emergentes autores locales.
DE ARTE Drew Aaron (Filadel a, 1977) se mudó en 2016 a la localidad mallorquina de Alaró, al occidente de Palma, decidió que su nueva casa estaría decorada únicamente por obras de artistas españoles. Tras 20 años viviendo en Nueva York, este fue el primer paso para dejar de nutrir su colección personal exclusivamente de los grandes nombres del arte moderno del siglo XX y comenzar a integrar artistas emergentes repartidos por la Península y el territorio balear.
Estas dos dimensiones del arte, la universal y la regional, las integra desde 2018 en Gallery RED, una de las galerías más importantes del país en términos de inventario, obras vendidas y número de espacios propios en diversos puntos de España. En ella coexisten obras de Warhol, Koons, Basquiat, Hirst o Richter, junto a otras de artistas como la mallorquina Elena Gual o el catalán Iván Montaña, que mantienen sus piezas accesibles al público general, contribuyendo así al proceso de democratización del arte en la sociedad. “En la galería trabajamos con piezas valoradas desde los mil euros hasta algunas que alcanzan los millones –explica Aaron–. La calidad del arte no radica en el precio, si no en el background del artista y en sus experiencias”. Gallery RED representa a unos 30 creadores alrededor del mundo, distribuidos por ciudades como París, Lon-
dres y Bruselas, y regiones de África, Estados Unidos, países escandinavos o Estambul. Drew Aaron vertebra el proceso de compra de una obra sobre tres ideas: la belleza estética, que la obra escogida represente una inversión a largo plazo y que integre los principios plásticos típicamente mediterráneos, como la presencia de azules. “En Gallery RED –dice– exhibimos bellos amaneceres y también obras hechas con plástico reciclado de botellas de agua transportadas por mujeres en Ciudad del Cabo. El n de todos nuestros artistas es comunicar, ya sea la reivindicación de los derechos de la mujer, la importancia del reciclaje o la necesidad de expansión global del arte”.
Que el dinero y el marketing determinan parte del mercado del coleccionismo es para Aaron una cuestión evidente, e incluso necesaria, pues cuando la visibilidad de una obra aumenta también lo hace su valor y reconocimiento. “Cuando destinas tanto capital a comprar y vender obras, es necesario saber que en algún momento esa inversión volverá a ti, a tus hijos o a tus nietos”. Aunque también existe ese otro sector “movido por la pasión, la creatividad y la visión de futuro”; en un punto a medio camino se encuentra el estadounidense con su galería, ubicada en el corazón de Palma y una de las pocas del mundo dirigida por un coleccionista y no por un hombre de negocios.
En la página siguiente: Drew Aaron, en la imagen junto a obras de Warhol, es uno de los coleccionistas de arte menores de 50 años más influyentes del mundo. Su galería es la proveedora de las salas VIP de los aeropuertos privados de Madrid, Mallorca, Ibiza y Barcelona.
Es el actor más popular de este país. Cumple 45 años trabajando y se le acumulan los proyectos: además de cinco películas en el horizonte, estrena ahora la segunda temporada de la serie Sentimos las molestias.
ES DIFÍCIL, QUIZÁS IMPOSIBLE, ENCONTRARSE A ALGUIEN en este país que no conozca a Antonio Resines (Torrelavega, 1954). Más ahora, tras la crítica experiencia que vivió en la pandemia, un trance a las puertas de la muerte que inspiró El covid no pudo con él… y ahora se va a cagar la perra, un cómic de Salva Espín y David G. Galindo en donde reaparece convertido como el sargento Resines, un superhéroe creado genéticamente y mandado al presente para luchar contra ‘la tontería’. Tontería, por cierto, que también combate a veces en Sentimos las molestias (Movistar+), la serie de Juan Cavestany y Álvaro Fernández Armero que ahora estrena su segunda temporada y en la que se pasea con Miguel Rellán: Resines como Rafa Müller, director de orquesta de prestigio; su amigo como Rafael Jiménez, un viejo rockero. Recién pasada la edad de la jubilación, ambos se resisten a ser desechados como si fueran productos caducados de esta sociedad que idolatra la juventud.
Mientras Müller vive experiencias desde las que habla de la vida, el arte, el ego, de dejar atrás la juventud, de la amistad, del amor...,
Resines acaba de reaparecer en el cine con De Caperucita a loba (Chus Gutiérrez) y volverá con El hotel de los líos (Ana Murugarren, 5 de abril), En temporada baja (David Marqués, 14 de abril), Matusalén (David Galán Galindo) y Alimañas (Pep Antón Gómez y Jordi Sánchez). Casi nada.
¿Qué tiene usted de Müller? Es más fácil decir qué no tengo. No tengo la parte de mala leche, de insatisfecho, cabreado con el mundo… Es un tío bastante desagradable, lo que pasa es que le redime que tiene sentido del humor, pero es muy picajoso. Lo que sí tiene de Müller es la edad y la circunstancia vital…
Bueno, no, perdona…
Ah, no, perdón.
La circunstancia vital de éxito, sí (risas), pero la edad, no. Yo tengo 68 y Müller, se habla de 70. No es lo mismo y además me ponen la barba, que avejenta (risas).
Müller no se lleva bien con su edad, ¿usted con la suya?
Razonablemente bien, lo que pasa es que tienes más achaques y a mí, como me pasa de
En la página siguiente, Antonio Resines posa para GENTLEMAN. La fotografía se tomó en Madrid, en el Espacio Atípica.
todo… Me gustaría estar en mejor forma, pesar menos… pero también dices: ¿para qué?, si ya tengo todo hecho. No me llevo mal conmigo mismo y me lo paso bien. Todos mis amigos están jubilados, pero no hacen nada. Yo también estoy jubilado, lo que pasa es que trabajo. Tengo jubilación activa.
Los personajes de la serie se enfrentan mucho por la vanidad y el ego.
Müller lo tiene enorme. Lo que pasa es que es muy buen músico. Ahora decide dejar el día a día porque físicamente no se encuentra bien y se acerca más a Rafa. Porque Rafa siempre ha sido músico, jeta, pero músico. Y ahí es donde se juntan otra vez, por la música, por amigos y porque se tienen cariño.
Usted no parece tener un ego exagerado, pero conocerá a muchos que sí, ¿cómo lleva eso?
mente, si no, no aguantas. De seis de la mañana a siete de la tarde todos los días, y luego estudias.
En una escena Müller dice a Rafa que no pasa nada por tener un poco de miedo. ¿Pasó usted mucho miedo con el Covid? No, durante. Estaba en peligro de muerte permanente y tenía alucinaciones. Me di cuenta de lo mal que había estado cuando salí. Allí intentaba sobrevivir. Hubo un momento en que quería que me pegaran un tiro, no podía más físicamente. Se me ocurrió que me mataran los médicos, pero yo, en las alucinaciones, pensaba que eran de la cúpula militar de ETA y me iban a matar. Uno de los tíos me dijo: “¿Pero cómo te vas a morir con lo bien que lo
“A VECES, LOS DEMÁS TE HACEN PENSAR QUE ERES MEJOR DE LO QUE ERES, PERO YO NO ME CREO DEMASIADO ESAS COSAS. LA GENTE QUE ES EGOMANÍACA ES INSOPORTABLE. Y YO CONOZCO MUCHOS”
Quiero pensar que yo tengo el ego justo y necesario. A veces los demás te hacen pensar que eres mejor de lo que eres, pero yo no me creo demasiado esas cosas. La gente que es muy egomaníaca es insoportable, y yo conozco muchos, no tantos como la gente piensa que hay en nuestro ofcio, pero haberlos, haylos. Y a veces son muy pesados.
Rellán es su amigo. Y en esta temporada hay otros amigos. ¿Cómo es trabajar con ellos y lo contrario, trabajar con quien no cae bien? Cada vez me toca menos de eso segundo. Procuro, en la medida en que tengo cierto mando en plaza, que tampoco tengo tanto, opinar, sin vetar a nadie. Trabajar con amigos, si son buenos, es facilísimo. Rellán es muy bueno, serio, tiene sentido del humor y da gusto, es de los que saca cosas buenas de ti. Y con Manuel Galiana, con el que luego he vuelto a coincidir en Matusalén, donde hace de mi padre y colaba, es uno de los grandes, no entiendo por qué no ha trabajado más. Y Fiorella Faltoyano y alguno más que se me escapa… son amigos. Al personaje le absorbe su profesión y descuida su vida privada. ¿A usted le ha pasado? Hay trabajos muy absorbentes. Por ejemplo, una serie no te deja hacer otra cosa. El ritmo de trabajo es brutal, hay que estar bien física-
pasamos contigo?”. Y ahí algún click me hizo en la cabeza. Creo que a raíz de eso, y de la medicación, claro, empecé a mejorar un poco. Yo ya había escrito una carta a mis padres, que ya estaban muertos, para decirles que igual llegaba un poco tarde, que tenía que coger un autobús… ¡Tenía un lío en la cabeza! Estaba ya pensando en largarme, no aguantaba más. ¿Cambia mucho la vida después de una experiencia así?
Nada, nada. Mi mujer y mi hijo lo pasaron muy mal. Pero yo me concentré en recuperarme. Había una frase que decía mucho Quique San Francisco que era “a problema sin remedio, litro y medio”. Una vez recuperado, pues vamos a aprovechar. No es que te pases todo el día de juerga, pero vives un poco más. Es mejor no darle más vueltas. Lleva 45 años trabajando y con premios importantes. A pesar de ello, ¿se ha sentido alguna vez despreciado por ser actor de comedia?
Sí, absolutamente. Algunos periodistas reconocían el esfuerzo y hablaban de Luna de lobos y Todo por la pasta, y hablamos de 1986. Pero sí, he tenido que demostrar que podía hacer otras cosas, aunque yo tampoco estaba con-
vencido. La gente que me dio la opción es que veía cosas que ni yo me planteaba, por ejemplo, Enrique Urbizu, Julio Sánchez Valdés, Ricardo Franco con La buena estrella. Mucha gente piensa que soy un actor más o menos limitado, cosa que yo pienso también, pero después de aquellas películas entré en la categoría de actor. Y luego está el enfrentamiento entre los del teatro y los del audiovisual. Yo no he hecho nada de teatro nunca.
Pero si la primera entrevista que le hice yo fue por un trabajo en el teatro…
Miles gloriosus. Que la crítica de El País, Haro Tecglen, decía: “Es lo más parecido que he visto a un espectáculo de coros y danzas de la Sección Femenina. Antonio Resines no sabe hacer teatro; de Maribel Verdú, mejor, ni hablamos”. Eso sí, nosotros lo pasamos en grande. En Madrid hicimos una representación y veíamos a Alonso de Santos, el director, medio llorando: “¿Pero qué habéis hecho? lo habéis destrozado”. El teatro marca el prestigio… bueno, ahora menos. Y yo en el teatro no me muevo ya mal, pero no es mi medio. Pero sí el cine y la televisión… Por la calle la gente le para todo el rato, ¿no?
Después del Covid, en diez metros me paraban tres veces y me siguen preguntando si estoy bien. Caigo bien. Y, como me ha pasado paulatinamente, me he acostumbrado. Como diría Jorgito Sanz, con esa chulería, “como me ha pasado toda la vida…”. Pero el reconocimiento del público me vino sobre todo por las series, sobre todo Los Serrano. En esos 45 años, ¿cómo ha cambiado como actor?
La ventaja que tiene esta profesión, y que yo creo que es uno de los factores que ha ayudado al éxito (risas)... ¿Qué éxito?
Bueno, es uno de los actores más conocidos de este país.
Sí, pero la serie que voy a hacer ahora, que dirige Jaime Botella, Serrines, es la historia de un actor que tiene un éxito brutal, pero que ahora lo que quiere es prestigio. Creo que sigue siendo lo mismo para mí, solo que tengo más seguridad. Siempre me he tomado esto como una especie de juego. Me lo sigo pasando bien, si no, no estaría aquí. Serrines son ocho capítulos para Mediaset Amazon.
Aunque es conocido como actor, también ha sido productor. ¿Le interesa ahora más esta faceta?
No. Al revés. El problema de producir es que si te van mal la primera y la segunda, pues… Yo he producido más teatro, pero nunca he tenido un éxito. Ahora lo que voy a hacer es dirigir una película de fcción, con mi señora, Ana Pérez-Lorente. Un guion escrito por ella. Se llama La obra y no es sobre el Opus Dei, y entre paréntesis León, porque no sabíamos si La obra estaba registrada ya o no (risas). Es la historia de un actor al que le empiezan a ir mal las cosas, que soy yo. Y fíjate qué reparto, con el burro delante para que no se espante: Antonio Resines, Ana Belén, María Barranco, Loles León, Carlos Areces, Santiago Segura, el Gran Wyoming, Jorge Sanz…
Ya no pregunto si es comedia. Es comedia, efectivamente. Es una historia de amor.
Pues vamos a hablar del amor: ¿qué pasa con el amor pasados los sesenta? Bueno, yo me he casado con 66. A mí me parece que es igual. El cuerpo más ajado, pero yo estoy encantado. Ahora es todo más razonable, vienes ya estudiado, que para los exámenes es muy bueno y como esto es un examen. Es todo más tranquilo… bueno, no, depende de con quién estés liado, porque mi señora no para.
Han hecho juntos un libro, una película documental (Historias de nuestro cine), ahora van a codirigir otra… Todo lo ha hecho ella. El libro, de pe a pa, menos los pies de foto, que son muy buenos y son míos. La película, yo era el conductor, pero la que la ha montado ha sido ella. Y el guion de La obra (León), un día dijo que lo había escrito, yo no me había enterado de nada. Y me viene con el reparto ya hecho.
Y, supongo, que disfrutará mucho estos trabajos con ella, ¿no?
No, no, me da pavor, menudas broncas me echaba por la noche cuando hicimos la película. Y tenía razón. Lo que haremos será planifcar antes entera la película y ensayar. ¡Qué bien!, sí, lo que pasa es que luego las noches son horrorosas (risas). Eso tiene una película: ¿qué pasa cuando vuelves a casa?
Desde gemelos hasta estilográficas, alfileres de corbata o encendedores, uno acumula a lo largo de la vida pequeños objetos que van conformando nuestro entorno personal y nos mantienen unidos a la elegancia.
HACE DÉCADAS YO ERA POSEEDOR DE UNA BELLÍSIMA presilla para corbatas que había pertenecido al rey Alfonso XIII y que había llegado a mis manos por razones que ahora no son del caso, pero todas honorables. Era un diminuto rectángulo en oro bordeado de pequeñísimos rubíes y diamantes con, en el centro, un “AXIII”, engarzado en las mismas piedras preciosas. Apenas mediría dos centímetros de lado, pero era tan espectacular que solo lo usaba en las escasas ocasiones en que se requería elegancia extrema. Bueno, pues en una tarde aciaga en la que estábamos ausentes, entró en casa un ladroncillo colombiano y nos desvalijó, llevándose también, por supuesto, el alfler de corbata, unos gemelos a juego y una botonadura de piedras de luna –moon gems–para el esmoquin. Imagino que ahora lo lleva en la pechera un millonario venezolano o colombiano para lucirlo en antros de mala nota. Así son las cosas: duele, incluso cuando, como es nuestro caso, no tenemos apego a las posesiones superfuas.
Todo esto viene a que es inevitable, a poco que se tenga algo de gusto y cierta constancia, ir coleccionando a lo largo de la vida signos distintivos de la propia personalidad. Algunos son simple cursilería o directamente una horterada: un compañero de clase en el bachillerato tenía un encendedor con un tigre rampante de varios colores impreso en los costados. Nos lo prestaba a los amigos para que pudiéramos impresionar a las chicas en los guateques. Teníamos 17 años.
A lo largo de mi vida he ido atesorando pequeños detalles, caros o baratos, que explican mi personalidad y mis preferencias. Nos pasa a todos, ¿no? Nada es terriblemente importante, son pequeñas manías las más de las veces, a menos que se trate de una pequeña colección de obras de maestros impresionistas (mínimo, tres), pero el conjunto de los discretos tesoros personales ilustra lo que somos, cómo somos o en lo que nos hemos convertido. También lo desvelan las cosas que hemos ido descartando con el paso de los años (décadas, en mi caso), dejándolas caer por la borda de nuestros hartazgos o desilusiones.
Pronto descarté las pipas porque me quemaban la lengua, y los tirantes porque, siendo yo delgado, me retrepaban las camisas y el efecto es horrible. Los tirantes, para los gordos: encajan bien y, con buena voluntad, disimulan lo que los franceses llaman el embonpoint, la curva de la felicidad.
Los encendedores, por poner un ejemplo revelador, ilustran lo superfuo de las preferencias y, al mismo tiempo, su esencia. Para un fumador, un cigarrillo es un cigarrillo y lo enciende con cualquier cosa: lo importante es fumárselo y no el método con que se prende. Un mechero BIC es probablemente mucho más efcaz (e indiferente cuando se pierde) que un Dupont de oro o laca o un Dunhill de mecha. Cuando yo fumaba, tenía un Cartier de laca verde y un Dupont guilloché: uno se perdió (seguramente, a manos del ladrón colombiano) y el otro está guardado en un cajón, envuelto en terciopelo. No sirve ya
de nada, pero sigue siendo una posesión preciada.
Lo mismo ocurre con las plumas, instrumento esencial de trabajo para un escritor. Hoy, la mayor parte de ellos desarrolla sus historias ante una pantalla de ordenador. También puede por comodidad y baratura escribir con un bolígrafo o un lápiz. Sin embargo, me parece que la dignidad de la literatura exige un homenaje continuado, un respeto a las formas, un reconocimiento de lo delicada que es la creación de un sentimiento, de una risa, de una tragedia, de un paisaje, y su traslación a un papel. Escribo este artículo con una pluma Montblanc moldeada en negro en honor de Antoine de Saint Exupéry, el autor de El Principito. Tengo otra en loor de Cervantes y otra más en alabanza de Victor Hugo y otra celebrando a Rudyard Kipling. Me podría bastar una sola, pero entonces ¿cómo las cargaría con distintas tintas (incluida una roja que huele a esencia de rosa)?
Me da, en efecto, la sensación de que, durante toda mi vida, las cosas pequeñas que han ido conmigo, los gemelos (hasta unos comprados en un mercadillo de Vietnam), las corbatas (que ya no uso y he confnado a un cajón), los reducidos carnets con tapas de cuero que me han acompañado en mil viajes, una lupa o pequeñas cajas de plata para guardar tonterías, todas conforman mi entorno personal y me vigilan con severidad para impedir que me aparte del refnamiento apacible. La elegancia de los objetos personales es eso.
Un hobby más que un vicio –pues el humo no se traga, se saborea– y, sobre todo, un gesto de distinción que concede automáticamente una pátina de gentleman. A continuación, historia e historias de la pipa.
TEXTO RUBÍN DE CELIS
Es difícil encontrar una imagen del escritor belga Georges Simenon (1903-1989), creador del comisario Maigret, sin una pipa en los labios. Esta fotografía, tomada en 1967, son pipas colocadas sobre el escritorio del novelista en su casa de Épalinges, en Suiza.
AL AÑO SIGUIENTE DE PUBLICAR UNA FÁBULA que, pese a no contarse entre sus grandes novelas, se haría en 1955 con el Pulitzer y el National Book Award, William Faulkner se embarcó en un viaje estival a Japón organizado por el Departamento de Estado de los Estados Unidos. Iba a participar en un encuentro sobre literatura norteamericana celebrado en un idílico resort en plenos Alpes Japoneses, la cadena montañosa que divide cual espina dorsal la gran isla de Honshū. 500 estudiantes, profesores y funcionarios estatales, críticos y periodistas nipones ansiaban escuchar al autor de El ruido y la furia y ¡Absalón, Absalón!, quien, lejos de sentirse lost in translation, encontró el calor húmedo de Nagano muy parecido al de su Mississippi natal y disfrutó tanto visitando milenarios templos budistas como iniciándose en el sake, siempre con su pipa en la boca. Tan complacido quedó el público con su visita que un grupo de estudiantes le haría un regalo antes de partir, un kimono tradicional de color gris con una única modifcación nada japonesa: un compartimentado bolsillo interior dispuesto para albergar la cuantiosa impedimenta del fumador de pipa. Ninguno de sus biógrafos precisa si Faulkner llegó a vestirlo alguna vez y, en cambio, tanto sus marcas fetiche –Dunhill, Comoy’s, Ben Wade y Sasieni– como sus mezclas de tabacos preferidas –Dunhill’s 965 y Balkan Sobranie por encima de todas– están sobradamente documentadas. ¿Por qué? Aquellos jóvenes lo sabían: no hay fdelidad como la del fumador de pipa.
se fuma con ritmo mecánico a menudo inconsciente, la pipa es desde hace siglos símbolo de sosiego y refexión, ya que, oponiéndose a la febril cotidianidad, abre paréntesis de serena introspección entre volutas de un humo que no se traga, sino que se saborea. Se trata indudablemente de un placer para los sentidos, principalmente el gusto y el olfato, pero también la vista y el tacto, y por eso se considera más un hobby que un vicio.
Otro escritor y afcionado, William M. Tackeray, lo resume inmejorablemente: “La pipa extrae la sabiduría de los labios del flósofo y calla la boca del necio; genera un estilo de conversación contemplativo,
SEGÚN EL ESCRITOR Y AFICIONADO A FUMAR EN PIPA WILLIAM M. THACKERAY, “LA PIPA EXTRAE LA SABIDURÍA DE LOS LABIOS DEL FILÓSOFO Y CALLA LA BOCA DEL NECIO”
juicioso, benévolo y sin afectación”. Lástima que queden hoy tan pocos practicantes.
A diferencia del cigarrillo, prácticamente vetado por consenso en nuestros días, que
Un poco de historia Como Giorgio Savinelli, tercera generación al frente de la azienda que lleva su apellido, señala en su tratado Arte y placer de fumar en pipa, “la aparición de este pequeño tesoro se remonta al descubrimiento del fuego. (...) Cuando el hombre comprendió que podía encenderlo y apagarlo con facilidad, comenzó a utilizarlo para satisfacer sus más variadas necesidades”, incluida la que nos ocupa. Los expertos, con el antropólogo Johannes Wilbert a la cabeza, coinciden en señalar la cultura olmeca –que apareció entre 3.000 y 1.500 años antes de Cristo– como el origen
de la práctica casi tal como la conocemos en la actualidad. Mucho antes, en la Edad de Piedra, el hombre había aprendido a aspirar el humo que salía de pequeños braseros excavados en la tierra –en los que ardían hojas secas de higo, tilo, menta o fresno, así como pétalos de magnolia y rosa, y por supuesto cannabis y otros psicotrópicos– utilizando una simple caña hueca. El descubrimiento de los metales signifcó la producción de nuevos utensilios, hechos en bronce y hierro, pero estos se calentaban tanto que era imposible sostenerlos en la mano sin quemarse, de forma que empezó a experimentarse con materiales alternativos, como la arcilla o la cerámica, en pipas frágiles y rudimentarias de las que se han encontrado algunos ejem-
plares en excavaciones arqueológicas a lo largo y ancho de Europa, las más antiguas datadas en torno al año 400 a.C.
En su primer viaje a América, Colón observó que los indígenas fumaban las hojas de una planta desconocida –que utilizaban en sus ceremonias mágico-religiosas– valiéndose de una caña curva llamada tobago, nombre con el que los españoles bautizarían dicha planta. En 1510, Francisco Hernández de Toledo trajo su semilla a España, y, 50 años después, el diplomático Jean Nicot –al que la especie debe el nombre genérico de ‘nicotina’– la introdujo en Francia. En 1585 Francis Drake haría lo mismo en las Islas Británicas, y poco después otro controvertido navegante, Walter Raleigh, puso de
moda la costumbre de fumar tabaco en pipa en la corte isabelina. A la muerte de la Reina Virgen, Jaime I –que condenaba frmemente el tabaco, combate al dedicó su ensayo A Counterblast to Tobacco– la sucedió en el trono. Su reinado es recordado sobre todo por los confictos religiosos que obligaron a miles de sus súbditos católicos a exiliarse en Francia y Holanda, algunos de los cuales, fabricantes de pipas, continuarían ejerciendo el ofcio en sus países de acogida, convirtiendo el fumar en hábito generalizado e impulsando sendas industrias nacionales. Y ya lo advirtió Quevedo: “Ninguna cosa despierta tanto el bullicio del pueblo como la novedad”. De modo que los nuevos productos se difundieron rápidamente por el resto de
Europa y Rusia, acabaron llegando a China y Japón y más tarde a la costa occidental de África, desde donde se expandirían por todo el continente.
Pero no sería hasta el siglo XIX cuando el gesto estético de fumar en pipa, adoptado por dandis y bohemios, se convirtiera en un calculado signo de distinción. El estilo propio del dandismo encumbra la actitud como auténtica obra de arte, y podría sintetizarse en un preciso y ensayado repertorio de gestos, entre ellos el de fumar, convertidos de pronto en ademanes de una áspera elegancia. Así, Baudelaire, epígono de la corriente en la Francia del Segundo Imperio, se refere a la práctica de fumar, y a la pipa en concreto,
en varios de sus poemas, en los que canta a los placeres humanos, convertidos en una suerte de barómetro espiritual. “Yo acuno su alma –escribe en unos de ellos– y la enlazo/ en el azul, movible lazo/que sube de mi boca ardiente/y es como un elixir potente/ que hechiza su alma y que mitiga/de su espíritu la fatiga”. Y toda una generación de jóvenes artistas bohemios encontrará en esos paraísos artifciales un terreno tan propicio para la ensoñación creativa como para la rebeldía libertaria. Su amigo Téophile Gautier, miembro como Baudelaire del fugaz y selecto club des hashischins, describe a un fumador del mismo: “En la mano, un tubo de madera de cerezo provisto de un
hongo de porcelana que ardía y chisporroteaba (…) y él aspiraba por una pequeña boquilla de ámbar amarillento el humo que al instante se extendía por la habitación con un vago olor a perfume oriental”.
Esto sí es una pipa
Antes de entrar en disquisiciones sobre formas, materiales y acabados, toda pipa es, por defnición –siguiendo a Arthur Machen y su singularísimo Anatomía del tabaco–, “un instrumento por medio del cual se inhala el humo del tabaco” consistente en un tubo o cánula que une la cazoleta donde se coloca y quema el tabaco y la boquilla, o pisadientes, a través de la cual ese humo llegará a nuestra boca. Parece simple, pero no debemos olvidar que la simplicidad es siempre el primer paso de la naturaleza y el último del arte.
A lo largo de la historia se han fabricado pipas de muy diversos tamaños y formas con una gran variedad de materiales, como la madera, la espuma de mar, la arcilla, la porcelana, el ámbar, la plata, la ebonita, la baquelita, el aluminio y el metacrilato. Tras el descubrimiento de América y la llegada del tabaco a Europa, la búsqueda de un material ideal apuntó inicialmente a la arcilla, que hizo su aparición en Inglaterra a mediados del siglo XVII. Tenía a favor su bajo coste y en contra una gran fragilidad. En el XVIII se produjeron las primeras pipas de porcelana, bellas, pero igualmente delicadas, y en 1720 se descubrió la espuma de mar, o sepiolita, una arcilla blanca compuesta de silicato de magnesio hidratado que se extrae de algunas minas de Asia Menor. Fácil de trabajar, pronto los artesanos centroeuropeos sorprendieron con formas tan diversas como artísticas; pero, como todo lo escaso, su precio es hoy prohibitivo. En la segunda mitad del siglo XIX se conoció la cepa de brezo, una excrecencia entre la raíz y el tronco del
En la página anterior, el escritor estadounidense William Faulkner (18971962), frente a su máquina de escribir, fumando en pipa. La imagen fue tomada en Hollywood a principios de la década de 1940.
1. ChacomxTom Eltang ‘Anton’ Una singular half-bent de fisionomía tan sinuosa como equilibrada y acabado en tono melocotón de viña diseñada por el maestro danés Tom Eltang para la maison francesa, que en 2025 se convertirá en bicentenaria.
2. Savinelli Punto Oro Gold 803KS
Una versión quintaesencial del formato lumberman –o canadiense– con detalles italianizantes perteneciente a la gama premium de la firma milanesa; el acabado sandblasted saca el máximo partido de las preciosas vetas de la madera.
3. Peterson ‘Aran’ Smooth Nickel Mounted XL02
P-Lip
Ligeramente más grande que la típica apple curva, su caño robusto y cazoleta voluptuosa, la cerrada transición entre ambos y una curvatura acentuada, dibujan el perfil paradigmático de las más reconocibles pipas de la campiña irlandesa.
4. Dunhill Ring Grain 5103
La billiard recta es una de las formas clásicas más icónicas, y shell briar la gama más popular de la mítica firma del punto blanco; con su rica paleta de complejos y profundos tonos oscuros y una textura bellísima, un acierto seguro.
arbusto que crece en regiones áridas del Mediterráneo. Sus virtudes son evidentes: se trata de una madera ligera y porosa, de gran resistencia al calor y que no aporta ningún sabor al tabaco, a las que hay que sumar la belleza del dibujo de sus vetas. Lógicamente, es el material más utilizado hoy en día. En cuanto a las formas, debemos en primer lugar distinguir entre pipas rectas y curvas, para señalar después que, si bien los modelos clásicos rondan la veintena en cada una de esas divisiones, desde la mitad del siglo pasado el trabajo de los maestros artesanos ha multiplicado la gama de formatos marcados bajo la denominación feehand (hecha a mano) casi hasta el infnito. No es el
lugar ni la ocasión para presentar una taxonomía completa, pero sí explicaremos que en ella se encuentran formas dictadas por su similitud con la naturaleza, como la apple –pues su cazoleta redondeada recuerda a la manzana–, la calabash –asociada por el cine a Sherlock Holmes, cuando en realidad fuma una pipa de cerezo– o la volcano –imaginen por qué–; otras que se conectan geográfcamente con sus lugares de origen, como la dublin, la liverpool, la rhodesian o la canadian; las que señalan la ocupación de quienes solían utilizarlas, como la churchwarden –cuya larga boquilla es ideal para fumar sentado con un libro en la mano como los celadores de la Iglesia Anglicana– o la lumberman, e incluso
la prince –diseñada por el mismísimo Príncipe de Gales, luego brevemente Eduardo VII de Inglaterra–; y hasta parecidos razonables defnitivos, como en los casos de la bulldog, la brandy o la chimney.
Lo esencial es que, a la hora de decantarnos por un modelo, y más si se trata de nuestra primera pipa, elijamos un tamaño adecuado y una forma que no solo nos resulte atractiva, sino cómoda, y que facilite hacernos con la técnica básica indispensable para convertirnos en miembros del club. Parafraseando a Cabrera Infante, insigne tabacóflo, concluiremos solemnes: la de la pipa es un arte que es artesanía, una artesanía que hace arte. Disfruten del humo.
Junto a estas líneas: Ubicado en el barrio de Chelsea, entre las galerías de arte de Manhattan, Hussein Jarouche encuentra en este ‘apartamento de bolsillo’ un espacio donde revelar su espíritu despreocupado y su fascinación por el coleccionismo.
En la página siguiente: El diseñador compró el loft en 2011 y lo reformó totalmente. “Siempre que vengo cambio, quito o añado algo. Tengo la costumbre de transformar constantemente los lugares donde vivo. Es como una especie de terapia donde confluyen desde lámparas retro hasta un patchwork de placas de hojalata”.
El diseñador Houssein Jarouche utiliza el arte como antídoto del aburrimiento. Su loft situado en Manhattan, poblado de objetos de diseño y piezas vintage, es prueba de ello.
TEXTO MARC HELDENS FOTOGRAFÍA MARK SEELEN
Objetos de segunda mano y piezas de inspiración pop art decoran este loft reflejo de la afición de Houssein Jarouche por la mezcla de estilos artísticos. El techo está revestido por decenas de tejas de latón recogidas una a una.
En la página anterior, la cocina presenta una encimera de metal de cuatro metros de largo, y del techo cuelgan 12 lámparas diseñadas en diferentes estilos, desde el industrial hasta el art nouveau.
Sobre estas líneas las estanterías y mesas de hierro distribuidas por el apartamento acogen todo tipo de artilugios, herramientas de trabajo o libros, muchos de Andy Warhol. “En esta pequeña casa me siento relacionado con la energía de la ciudad y me permite llevar nuevos conceptos artísticos a Brasil”, dice el diseñador.
APARTAMENTO situado en el centro de Manhattan, en Nueva York, está decorado con seis ciervos disecados y una alfombra de lobo blanco. Estas son solo algunas de las peculiaridades que alberga este loft decorado para espolear la creatividad de su propietario, el diseñador, artista y galerista Houssein Jarouche, un brasileño de origen libanés que vuela a Nueva York cuatro veces al año para recorrer los mercadillos y tiendas de interiorismo moderno ubicados en los distritos de Brooklyn y Williamsburg. Muchos de los objetos que aquí encuentra los traslada a su residencia habitual en São Paulo (Brasil), de 300 m², concebida casi como una galería de arte; el resto, permanece en esta casa, favoreciendo su compromiso
En la página anterior, el salón de estar, bañado por la luz natural.
En esta página, a la izda., las lámparas vintage del diseñador John Derian contrastan con el mobiliario de la cocina revestido con cintas aislantes estampadas y de colores vibrantes.
con un estilo de vida más sencillo que el que practica en la ciudad brasileña. Un total de 87 m², 40 de ellos aprovechables, recogen el dormitorio, la cocina y la sala de estar en un mismo ambiente. La dualidad estética se aprecia nada más entrar, con sus paredes de casi cuatro metros de altura pintadas en gris antracita, que contrastan con las formas suaves de las lámparas y la geometría formada por la cinta aislante que cubre elementos funcionales como la nevera. “La idea de usar las cintas era hacer ‘desaparecer’ la cocina en el ambiente”, comenta el diseñador. Jarouche integró este material de inspiración industrial por su adaptabilidad a cualquier superficie y, con el tiempo, acabó convirtiéndose en una metáfora sobre la mezcla
Sobre estas líneas: Houssein Jarouche trabaja y reside en São Paulo, Brasil. Las obras de arte que habitan su casa en Manhattan representan el multiculturalismo de la ciudad brasileña. A los 14 años, Jarouche se trasladó al Líbano durante cinco años para estudiar árabe e islam, una experiencia que influyó en su relación con el coleccionismo de arte y objetos.
de culturas en su trabajo, así como una herramienta para dinamizar sus composiciones pop y geométricas. Todo el mobiliario del apartamento es fruto de la experimentación con su propia producción artística como director creativo de MICASA, una de las mayores referencias en interiorismo y arquitectura de São Paulo. “En las últimas décadas las relaciones políticas han frenado el carácter creativo de la gente de Brasil. Comprar en Nueva York me parece una manera natural y democrática de renovar mi colección”. A pesar del limitado espacio del apartamento, Jarouche fue capaz de crear un ‘total’ ordenado dentro de lo que puede aparentar caos. “Se dice que el tiempo cambia las cosas, pero es uno mismo quien tiene que transformarlas”.
GRANDES
La expedición al completo recorriendo uno de los tramos del Lungwevungu.
Rolex ha convertido la Iniciativa Perpetual Planet en un escenario por el que desfilan nuevos aventureros con conciencia social y respeto por la naturaleza y sus recursos. Uno de ellos es Steve Boyes, con su Expedición Great Spine of Africa.
Vista cenital del campamento. Semanas antes de la expedición, un equipo exploró estos lugares para comprobar el acceso por carretera y la seguridad.
En la otra página, arriba: A medida que el río Lungwevungu se ensancha, los rápidos se hacen más fuertes y hay que encontrar las líneas navegables para pasar con seguridad.
Debajo, Steve Boyes y el equipo de expedición celebran la llegada a la orilla el último día de la expedición a Lungwevungu, donde el río cruza la frontera de Angola con Zambia y se une al río Zambeze.
A la derecha: Steve Boyes recoge datos sobre la calidad del agua, uno de los aspectos importantes de esta expedición.
STEVE BOYES ES UN ORNITÓLOGO y biólogo conservacionista sudafricano que forma parte de la Iniciativa Perpetual Planet de Rolex, que además preside el Wild Bird Trust y es explorador de National Geographic y Senior TED Fellow. Ha dedicado su vida a preservar los grandes espacios naturales de África y las especies que dependen de ellos. El último proyecto –y primera Expedición Great Spine of Africa– ha servido para documentar y proteger un afluente del Zambeze. El plan obliga a en surcar miles de kilómetros de ríos nunca antes documentados científicamente, y que el equipo expedicionario cifra en más de 40.000 km. De estas expediciones se extraerán datos cruciales que permitan proteger a las personas, la flora y la fauna que dependen de los grandes ríos de África.
La primera expedición Great Spine of Africa dio comienzo a mediados de 2022 y en ella se han explorado las remotas zonas montañosas de Angola. Boyes y su equipo creen que este afluente del Zambeze podría ser en realidad donde esta realmente el nacimiento del río. La serie de expediciones Great Spine of Africa recibe su nombre de una placa tectónica, conocida como la Placa Africana, que define las divisorias entre las cuencas hidrográficas de los mayores ríos de África: Okavango, Zambeze, Congo, Nilo, Chad y Níger. Y la Torre de Agua Okavango-Zambeze es el mayor ejemplo de ‘torre de agua’ boscosa de la Tierra. Esta primera expedición tuvo una duración de un mes y recorrió 900 kilómetros desde ese nacimiento no estudiado
del río Zambeze en Angola. Lo hizo a lo largo del río Lungwevungu y finalizó en la frontera entre Angola y Zambia. El equipo recorrió el curso del río a bordo de canoas tradicionales conocidas como mekoro, y reunió un buen número de datos con los que el equipo espera poder crear un estudio de la salud y los ecosistemas del río.
De hecho, se han recopilado datos de referencia sobre biodiversidad, amenazas, hábitats, hidrología y salud del ecosistema. Utilizando imágenes aéreas se han registrado transectos del río y los bosques que atraviesa, se han geoetiquetado avistamientos de aves y animales salvajes mientras el equipo navegaba por rápidos, canales poblados por grandes cocodrilos e hipopótamos y llanuras aluviales.
A lo largo de estos 900 kilómetros recorridos, los investigadores registraron además distintos asentamientos humanos y recogieron muestras de ADN ambiental del agua y de los peces e invertebrados acuáticos que lo pueblan. El agua se analizó a través de mediciones de la estructura del río, su caudal y su calidad. Una investigación muy exhaustiva que ha arrojado interesantes resultados. Esta evaluación de los cambios acaecidos a lo largo del tiempo será esencial para que los investigadores trabajen con los distintos gobiernos en la promulgación de cambios de políticas en la protección de estas aguas. Además de salvaguardar la naturaleza salvaje y su fauna, “trabajar para salvar los ríos representará una seguridad a largo plazo frente a los efectos del calentamiento global para los más de 400 millones de personas
que viven en las principales cuencas fluviales de África y para los más de dos tercios de todos los africanos que dependen de los servicios ecológicos que prestan estos grandes drenajes”, relata Steve Boyes. El equipo de la expedición planea actualmente la siguiente fase de su proyecto: las navegaciones autopropulsadas de los ríos Congo y Nilo y sus principales afluentes. Un paso más en el camino que Steve Boyes inició hace ya más de una década.
Una actividad que no pasó desapercibida para Rolex y su Iniciativa Perpetual Planet, el proyecto en el que la marca concentra su conocimiento y filosofía vital. Durante casi un siglo, Rolex ha apoyado a exploradores pioneros que han desafiado los límites. La compañía ha evolucionado a lo largo de ese tiempo y ha pasado a abogar por la exploración en aras del descubrimiento a proteger el planeta.
Así es como en 2019 la firma relojera puso en marcha la Iniciativa Perpetual Planet, que inicialmente se centró en respaldar –mediante los Premios Rolex a la Iniciativa– a individuos que contribuyen a un mundo mejor. Pero no solo: también se ocupa de salvaguardar los océanos como parte de una asociación establecida con Mission Blue; y, por supuesto, de comprender el cambio climático a través de su consolidada alianza con la National Geographic Society. Actualmente, la Iniciativa Perpetual Planet está centrada en un número creciente de colaboraciones como la que protagoniza Steve Boyes. Y promete aumentar.
Inclasificable, interesante, misterioso. El actor francés Vincent Cassel se ha labrado una exitosa carrera de riesgo en riesgo. ¿Su última aventura? Interpretar a Athos en Los tres mosqueteros: D’Artagnan.
TEXTO IRENE CRESPO FOTOGRAFÍA ARNO LAM
Vincent Cassel estrena el 14 de abril en España la película Los tres mosqueteros: D’Artagnan, dirigida por Martin Bourboulon y en la que comparte cartel con Eva Green.
En la foto, lleva chaqueta, jersey y pantalones de PRADA; sneakers, de BERLUTI; reloj de AUDEMARS PIGUET y gafas de MAISON BONNET.
VINCENT CASSEL (PARÍS, 1966) CRECIÓ EN SETS DE RODAJES y entre bambalinas en el teatro. Siguiendo y observando a su padre, Jean-Pierre Cassel. Así que no tuvo dudas, en realidad casi no vio opciones, tal como lo cuenta él, cuando empezó a pensar en su futuro. “En el momento en el que quise tomar el control de mi vida, lo más fácil era proyectarme en un escenario, ni siquiera en películas; cuando empecé era el teatro”, recuerda. E incluso el circo. Dando la espalda a la educación y entorno privilegiados en los que había crecido, empezó trabajando con colegas, sin necesidad de dinero ni muchos recursos, solo sus ganas y energía. La misma actitud que vertió en la primera película que le lanzó como actor y aún marca su carrera: El odio (La Haine), de Mathieu Kassovitz (1995). Una película de la que no le importa seguir hablando porque sabe que aún es importante y lo será; que fue, como tantas otras después (Irreversible, Promesas del Este), una elección no sencilla. Cassel puede hoy mirar atrás y ver diversidad, valentía, riesgo, cero comodidad en sus personajes tanto dentro de las fronteras francesas como en títulos en Estados Unidos (Cisne negro, Jason Bourne).
En estos meses, de hecho, hace gala esa casi obsesión por evitar las etiquetas, estrenando muy seguidas la comedia Astérix y Obélix y el reino medio; la serie Liaison y la película que llega ahora (14 de abril), Los tres mosqueteros: D’Artagnan, primera parte de un díptico de capa y espada que adapta de nuevo la novela de Alejandro Dumas. En ella, Cassel es Athos. Coincidencias de la vida y del cine, su padre fue D’Artagnan en la versión de Abel Gance, Cyrano y D’Artagnan (1964), y formó parte de una de las más populares, la de Richard Lester (1973), un rodaje en el que el pequeño Cassel estuvo y empezó a ver de qué iba esto de la interpreta-
ción que ahora es su vida. Aunque sin tomárselo demasiado en serio. Si quizás por sus elecciones de personajes y proyectos, Cassel como actor impone, en persona su simpatía y cercanía desarman. No tiene las preguntas preparadas, no sigue un guion promocional. Es sincero. Se relaja en su sala de estar al otro lado de la pantalla, vía Zoom, y se pone más intenso de lo que planeaba porque, en realidad, lo que le gusta es la vida fácil y feliz.
Otra adaptación de Los tres mosqueteros. ¿Pensó eso cuando le llegó la propuesta? No, porque no había ninguna hecha por franceses en los últimos 75 años. Y lo interesante es que se ha invertido mucho dinero y esfuerzo en una gran producción de esta magnitud. Una película de época necesita mucho dinero o parece cutre.
Es Athos, ¿puede que sea el personaje más amable que ha interpretado?
No sé qué signifca ser amable, creo que es solo una forma de esconder la complejidad del alma humana. De joven yo tenía un disfraz de mosquetero y supongo que mi favorito era D’Artagnan, pero ahora me siento más cercano a Athos, tiene un pasado terrible que le persigue, carga ese drama sobre sus hombros, la culpa… Hay mucha emoción en el personaje. No sé si amable, pero es honesto y eso ya es una gran cualidad. Honor, orgullo, amistad, valentía, lealtad… son algunos de los valores que representan Los tres mosqueteros. ¿Son aún importantes hoy?
Sí, vivimos en una era tan complicada… Pero amistad y hermandad deberían ser recordados porque estamos cada vez más separados, diferenciados, ya sea por orientación sexual, género, color de la piel, religión… Todo son etiquetas y todos nos vamos aislando. Todo lo que nos una, hay que ponerlo en valor y recordarlo.
En estos tiempos que tanto se habla de nuevas masculinidades, ¿cómo sería un mosquetero actual?
No sé qué signifca eso que llaman nueva masculinidad. Si implica ser más femenino, creo que hay algo equivocado. No creo que exista una única nueva masculinidad. Creo que si hablamos, por ejemplo, de hombres que ocupan más espacio en la familia, eso es maravilloso. Como padre estoy más presente que lo que mi padre estuvo en su tiempo. Si ser un hombre actual es quejarse más o llorar más o no tener responsabilidad sobre tu familia, no creo que sea lo correcto, creo que esa nueva masculinidad es una estafa. A Athos le dicen en la película: “El mejor legado que un caballero puede dejar es su ejemplo”. El legado o ser un ejemplo, ¿son conceptos que le importan?
de El odio, el centro de la película es casi una comedia italiana neorrealista de los 60. Para mí, eso es el mejor cine porque es divertida, social, bonita, profunda, triste… Y cuando la rodamos, lo pasamos muy bien. Y El odio es ya parte de su legado. Sí, es cierto, y también Irreversible. Con las dos me pasó que, cuando las rodamos, dije que se estudiarían en las escuelas de cine en el futuro. Y así es. Se hicieron con valentía, tienen un objetivo, un sentido. Y a la vez prometo que fueron divertidas de hacer. Tienes que divertirte o no merece la pena. ¿Alguna vez ha dejado de pasárselo bien en este trabajo?
Tenemos que empezar por defnir bien qué es este trabajo. Mi trabajo es actuar entre “acción” y “corten”, y estar en proyectos interesantes. Esa parte aún me gusta. ¿Lo demás?
“MI TRABAJO ES ACTUAR ENTRE ‘ACCIÓN’ Y ‘CORTEN’. ESA PARTE AÚN ME GUSTA. ¿LO DEMÁS? TODO ESO DE HACER DE ACTOR EN LA VIDA REAL… ESO ES TRABAJO EN EL MAL SENTIDO” Todo eso de hacer de actor en la vida real… Eso es trabajo en el mal sentido. Ha sido imagen de varias marcas de moda y belleza –ahora de Prada–. ¿Esa parte del trabajo es divertida?
No, para nada [se ríe]. No estoy aquí para dejar nada después de mí. No hay blancos y negros. Lo que intento hacer con mis personajes es buscar los grises, las sombras, las luces, lo que no es evidente. La gente se empeña en decir que solo interpreto villanos. No, solo hago tipos reales. Y en mi opinión coincide que la mayoría de los malos en las películas son una representación más realista de cómo la gente actúa en la vida, tienen problemas, fantasmas, un lado oscuro. Yo no intento juzgar lo que hacen mis personajes, solo entenderlos. Y si de verdad lo intentas, puedes entender hasta al peor tipo mundo.
¿Actuar es una terapia?
No, para nada, no lo elevo a ese nivel porque entonces es demasiado serio, lo que intento es pasarlo bien. Si te pones demasiado serio o dramático, no sale nada auténtico.
Pero empezó en películas importantes, serias e intensas, como El odio, que se estudia en escuelas de cine y sociología. No estoy de acuerdo. Si miras la estructura
Bueno, es una mezcla entre narcisismo y mucha libertad. Siempre lo digo: es mejor hacer una buena campaña que una mala película. ¿Cree que su aspecto físico ha tenido impacto, para bien o para mal, en su carrera? Creo que debes tener claro lo que tienes y lo que no tienes, y usarlo lo mejor que puedes. Se pierde tiempo y energía intentando ser algo que no eres. Por ejemplo, yo tengo las piernas muy delgadas, parezco un gallo; pues recuerdo ver los dibujos de Astérix y Obélix cuando era pequeño y ver que Julio César era fuerte de cuerpo y delgado de piernas. ¿Qué le dije a la diseñadora de vestuario de la película? Necesito mi falda más corta, porque es más ridículo y le da más sentido al personaje. Tenemos que crear desde lo que tenemos y olvidar lo que no tienes. No
puedes fngirlo. Mucha gente usa maquillaje, prótesis. Para mí es más importante lo que te quitas que lo que te pones.
¿Cuándo se dio cuenta de qué tenía? Es algo que vas aprendiendo. Ser actor me ayudó mucho a construir mi identidad. Tienes que confar en tus elecciones, son una representación de lo que sientes. Pero no lo comprendes enseguida, necesitas tiempo. Cuando eres más joven, eres complejo y estás acomplejado también. Hasta que un día te das cuenta de que la mejor versión de ti solo saldrá cuando te aceptes a ti mismo tal y como eres. A mí me atrae gente como Jean Paul Belmondo, para mí era una de las personas más carismáticas del mundo, y no
sería el más guapo. Seas como seas, si no te sientes cómodo, será un hándicap. La única forma es aceptar quién eres. Mira Javier Bardem. Es uno de mis actores favoritos, porque no le importa lo que piensen de él. Tiene ese algo muy masculino, no intenta ser un chico bonito. También le pasa a Robert De Niro, Benicio del Toro…
Pero al estar tan expuestos, será difícil abstraerse de lo que digan los demás. No son los otros lo que te defnen, no hay que escuchar lo que los demás digan, céntrate en tu trabajo, en tu vida, en tus elecciones… Pero es verdad que hoy día ocurre lo contrario, se supone que necesitamos la validación de todos constantemente.
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La moda masculina recupera al clásico gentleman de chaqueta y corbata de los años 30 del siglo pasado. El confort y el volumen conviven en trajes de tres piezas, cintura alta y cortes rectos.
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El actor británico Michael Caine acaba de llegar a los 90 años convertido en un icono del cine, pero también de la más reconocible elegancia británica.
SU TIMBRE DE VOZ NASAL Y
MARCADO ACENTO COCKNEY, su imagen de perfecto gentleman son inimitables. Y en el cine, ya se sabe, no hay nada mejor para hacerse un nombre que tener algo que los demás no puedan copiar. Aunque dejó de residir en el Reino Unido por motivos fscales entre 1979 y 1987, nunca ha perdido esa iconicidad británica otrora característica de compatriotas compañeros de profesión como David Niven o Peter O’Toole. ¿Siempre correcto? ¿Elegante? ¿Decoroso? ¿Arrogante? Sin duda, y por encima de todo inglés. Tanto como el pudding de Yorkshire o el cricket, del que es fanático, por cierto. “Creo que lo que es británico en mí –confesaba en cierta ocasión– son mis sentimientos y mi conciencia de los otros y de sus circunstancias. Nosotros no nos entrometemos. Si tenemos el corazón roto, no
de Oliver Twist, Maurice se convirtió en Michael Caine cuando, al ser aceptado en una audición, le preguntaron su nombre para redactar el contrato. Desde la cabina telefónica en la que recibía la buena nueva se veía la marquesina de un cine, enfrente, en el que se proyectaba El motín del Caine, con Humphrey Bogart, no solo su actor favorito sino su inspiración para convertirse en profesional. El resto, como suele decirse, es historia.
En aquellos primeros años, a la espera de la esquiva fama, compartió piso con un amigo, colega de profesión, Terence Stamp, hasta que ambos fueron forzados a abandonar su residencia por impago. En los años 60 su fama se cimentó rápidamente con grandes éxitos comerciales como Zulú, Ipcress, Alfe –que le supuso sus primeras nominaciones al Oscar al mejor actor y al BAFTA–, Un
EL ACTOR IMPROVISÓ EL NOMBRE CON EL QUE HA PASADO A LA POSTERIDAD POR LA PELÍCULA EL MOTÍN DEL CAINE, DE SU ADMIRADO BOGART
nos gritamos a la cara en un mar de lágrimas, nos vamos a casa a llorar en paz.”
Hace no demasiado tiempo, en 2016, Maurice Joseph Micklewhite Jr. (pues ese es el nombre con el que fue bautizado) decidió cambiárselo legalmente, como señaló en una entrevista, para evitar los retrasos en los aeropuertos cuando tu nombre y el que pone en tu pasaporte no coinciden y todo el mundo conoce tu cara. Los agentes de aduanas se empeñaban en llamarle Michael Caine. Haber aparecido en la nada despreciable cifra de más de 160 películas y, sobre todo, recibir nominaciones al Oscar en al menos una ocasión a lo largo de cinco décadas consecutivas, entre los 60 y el cambio de milenio, han hecho de él el último de los clásicos.
Los baches en el camino a la gloria Nacido hace 90 años –los ha cumplido el pasado 14 de marzo– en el populoso Rotherhithe londinense, que tan sombríamente describe Dickens en el capítulo fnal
trabajo en Italia, Funeral en Berlín o La batalla de Inglaterra, que convirtieron su rostro, habitualmente enmarcado por unas gruesas gafas de pasta negras, en tan popular como icónico. Durante las dos décadas siguientes su carrera se cimentaría sobre títulos como Asesino implacable, La huella –con una nueva nominación al Oscar–, El hombre que pudo reinar, Ha llegado el águila, Un puente lejano, Evasión o victoria, Educando a Rita –su papel favorito de todos cuantos ha interpretado y que signifcó una nueva nominación–, Lío en Río y Hannah y sus hermanas. De la mano de Allen obtuvo, ¡al fn!, un Oscar al mejor actor de reparto que no pudo recoger personalmente al encontrarse rodando, paradójicamente, Tiburón, la venganza, uno de los peores flmes de toda su carrera. De ella, con su particular y característico humor mordaz, dijo: “Jamás la he visto, pero desde cualquier punto de vista es terrible. Sin embargo, lo que sí he visto es la casa que ayudó a construir y es maravillosa.”
Su fortuna, la lista de la compra y un Rolls De ese éxito da cuenta una anécdota reveladora: antes de autoexiliarse del Reino Unido, instalado en uno de los barrios pijos londinenses, el actor se encaprichó de uno de los signos materiales que Gran Bretaña ha dado al éxito, la gloria y el triunfo social: un Rolls-Royce. Así, una buena mañana, con el más elegante de sus atuendos, entró en un célebre concesionario de Berkeley Square con una lista de la compra escrita a mano con unas escuetas necesidades: “Leche, pan, el periódico, tabaco, Rolls-Royce.” La broma –el humor británico tiene fama de no ser fácil– no le salió bien y muy educadamente se le pidió que saliese del local para no volver nunca. Eso sí, no lejos de allí, en Mayfair, no tuvo problemas para adquirir un Silver Shadow Drophead Coupe –el modelo más popular de la marca– que había sido propiedad de Sir Terence Rattigan. A comienzos de los 80, Caine, trabajando indistintamente en el Reino Unido y en Hollywood, donde se instaló, y cuyo caché no había dejado de crecer, pasó a engrosar las flas del prestigioso y selecto club de actores en cobrar un millón de dólares por película. Eso sí, a menudo con el coste de participar en aberraciones como El enjambre, Más allá del Poseidón o Atraco a falda armada. Una estimación de sus ingresos personales en el negocio del cine arroja un total de 3,2 billones de dólares ganados con sus películas hasta 2016. Al borde de los 60 años, la última década del siglo pasado le vio regresar a la pequeña pantalla y aceptar así un nuevo rol, cada vez más apartado de los papeles protagonistas. Pero no disminuyó su ritmo de trabajo y la realidad es que ese papel secundario le granjearía un nuevo Oscar (al mejor actor de reparto), por Las reglas de la casa de la sidra, y su quinta nominación (en esta ocasión a mejor actor principal) gracias a su papel como Tomas Fowler en El americano impasible.
“My name is Michael Caine” Celebrado popularmente –su voz apareció en un célebre hit de Madness que alcanzó el top 10 en el Reino Unido– tanto como entre la profesión, frmemente instalado en
el imaginario colectivo e icono masculino capaz de trascender la industria del cine, la Reina Isabel II le concedió el título de Caballero del Imperio Británico por su contribución al cine británico en 2000. Hoy, las generaciones más jóvenes le conocen sobre todo por su papel de Alfred Pennyworth, el fel criado de Batman, en la trilogía del caballero oscuro dirigida por Christopher Nolan, realizador con el que ha colaborado también en El truco fnal, Origen, Interstellar, Dunkerque y Tenet.
Hace menos de un par de años, en octubre de 2021, un malentendido a propósito de unas declaraciones suyas propagó el rumor de su retirada de la interpretación. Jugando con su frase más célebre (“Not a lot of people know that”), el propio actor lo negó inmediatamente en sus redes sociales: “No me he retirado y no mucha gente lo sabe.” Como todo sabemos, la retirada es la más difícil de las decisiones militares, así que esperemos nuevas victorias.
Michael Caine, fotografiado en 2018. Hace algo más de un año, desmintió los rumores que anunciaban su retirada de la interpretación. La leyenda continúa.
Amaderados, frutales, acuáticos, cítricos o ambarinos. La maravillosa alquimia que hace posible la creación de un perfume demuestra sus infinitas posibilidades.
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Descubrimos los talleres de sastrería de Emidio Tucci en El Corte Inglés, donde aplican los procesos y técnicas de confección artesanales como si de un ritual se tratara.
En la página anterior, aspecto de la nueva tienda de Emidio Tucci en El Corte Inglés de Serrano, 47 (Madrid). En esta página, detalles de la sastrería, donde se dan cita desde altos ejecutivos hasta actores, músicos y deportistas.
De izda. a dcha. y de arriba abajo: Americana estructurada en lana ligera; mocasines de piel para traje; camisas y complementos expuestos en la zona pret-a-porter; y un amplio abanico de corbatas estampadas elaboradas en seda.
LA SASTRERÍA ARTESANAL es la nueva alta costura del hombre: la personalización y el trabajo realizado a mano gana cada día más adeptos entre el público masculino, que concede al traje hecho a medida el valor de objeto de lujo. Dentro de este oficio dedicado al tiempo y a la importancia de los gestos, los talleres de sastrería de Emidio Tucci, ubicados en El Corte Inglés de la calle Serrano, 47, en Madrid, proyectan la individualidad estética del hombre en una experiencia que combina la propia confección de las prendas con la atención y el cuidado personal del cliente.
El espacio fue renovado hace apenas cuatro meses y se divide entre las zonas de prêt-à-porter, una pequeña barbería, integrada en la última renovación, y la sastrería. En esta última es donde la magia tiene lugar, gracias a un proceso de confección realizado íntegramente de forma artesanal, a caballo entre este taller, donde se elaboran las chaquetas, pantalones y chalecos, y la camisería ubicada en la zona de Atocha.
El primer paso tras llegar el cliente consiste en tomar las medidas, unas 15 aproximadamente, entre el talle, el ancho y el largo de la chaqueta, que idealmente se extiende hasta los nudillos de la mano. El sastre se encarga además de reunir información
Sobre estas líneas: Barbería Muro Man, ubicada en la tienda de Emidio Tucci en El Corte Inglés. Se trata de un pequeño y exclusivo espacio dedicado al cuidado del cliente, que recupera el valor de la elegancia y la tradición.
acerca del cliente, como sus gustos personales, estilo de vida o el uso que dará al traje, pues su confección varía dependiendo de si su intención es usarlo durante el día, por la noche o puntualmente para un evento. “A diferencia de las mujeres, que compran movidas por estímulos que cambian con frecuencia, los hombres son prácticos y buscan soluciones”, explica el sastre de Emidio Tucci de El Corte Inglés. En la calidad de las telas y el acabado de la prenda se observa el factor diferencial que el cliente de sastrería busca. La elección de tejidos se realiza a partir de un selecto muestrario compuesto por textiles nacionales e importados, con el propósito de dar vida a diseños que nadie más posea. “Un sastre es un personal shopper elevado a la excelencia. Nuestra misión consiste en replicar lo que el cliente imagina, porque muchas veces viene con la idea en la cabeza, pero no sabe explicarlo. Nosotros lo orientamos según sus preferencias, la forma del cuerpo y las tendencias de la temporada”. Por supuesto, hasta el más mínimo detalle puede ser personalizado, desde cuellos o bajos especiales, hasta un bolsillo relojero, el número de frunces del puño o un forro de seda con las iniciales del propietario bordadas.
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Sus famosas aguas termales mineromedicinales siguen ahora, y desde 1776, ofreciendo a sus visitantes múltiples bondades. Pero además, este lugar ha sabido adaptarse a las necesidades de la vida actual. Un balneario en plena naturaleza y a solo ocho kilómetros de Oviedo enfocado al wellness, el bienestar y el deporte. Destaca su programa detox de adelgazamiento, guiado por médicos y nutricionistas, que incluye actividad física y todo tipo de tratamientos de belleza que pretende dar ese primer empujón necesario y cambiar el chip para comenzar a llevar una vida sana y equilibrada.
Las Caldas, Oviedo (Asturias).
Tfno.: (34) 971 92 87 14. hotellascaldas.com
Paraíso del Bajo Aragón, joya escondida de la España vaciada y con el sello de calidad Small Luxury Hotels. Aquí esperan rutas en bici, un exclusivo spa y espacios naturales para un picnic gastronómico. Una masía del siglo XVIII que perteneció al Marqués de Santa Coloma se ha convertido en un edificio biosostenible dentro de una finca de 200 hectáreas que invita a la desconexión entre pinares, viñedos, olivares y almendrales. Esta apuesta nos recuerda que el silencio es el verdadero lujo de la vida moderna, y se refuerza con un restaurante donde solo se cocinan productos de proximidad.
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Tfno.: (+34) 978 87 06 00. torredelmarques.com
El icónico roadster Mazda MX-5 llega en 2023 con nuevos acabados y colores, más modelos y categorías y mejoras en el confort y el rendimiento.
TRES DÉCADAS Y 1,1 MILLONES DE UNIDADES VENDIDAS contemplan al Mazda MX-5, uno de los roadsters más reconocibles, una leyenda que, aunque fiel a su filosofía original, ha sabido evolucionar a lo largo de los años. La cuarta generación que llega ahora es una buena prueba: el nuevo Mazda MX-5 2023 ofrece una mayor variedad de acabados y una nueva estructura de categorías. Así, los clientes pueden elegir entre la categoría de acceso PrimeLine; una categoría media Exclusive-Line, que añade, por ejemplo, tapicería de cuero negro y cámara de visión trasera; y la categoría deportiva de alta gama Homura, que incorpora elementos deportivos como asientos Recaro, entre otras mejoras en frenos, amortiguadores y llantas según la motorización. Pero, además, Mazda ha introducido dos nuevos modelos de edición especial, Kazari y Kizuna, que se identifican por sus exclusivas combinaciones de colores: mientas el Kazari ofrece una tapicería de piel de color terracota y techo de lona marrón o rígido en negro, el Kizuna combina una tapicería de piel blanca con un techo de lona azul o un techo rígido en negro. Respecto al motor, el de 1.5 litros Skyactiv-G de 132 CV está disponible para toda la gama; mientras que los modelos de edición especial RF de motor 2.0 litros desarrollan 184 CV y se pueden combinar con transmisión automática. mazda.es J. L. Gallego
Por dentro, el conductor y el pasajero se sientan en una posición más baja que en las generaciones anteriores del MX-5. La visibilidad es excelente y los ajustes de los asientos y los tiradores de las puertas son muy cómodos de manejar.
Mazda ha sustituido el color de carrocería Polymetal Grey por un nuevo tono Zircon Sand, como el que luce el vehículo de las fotografías, un ejemplo del nuevo modelo especial Kazari.
De izquierda a derecha y de arriba abajo: Fachada del Kimpton Vividora Hotel, situado en el triángulo que forman el Portal del Ángel, Las Ramblas y la Plaça Catalunya de Barcelona; una imagen del vestíbulo; y la Terraza de Vivi, con inmejorables vistas y una carta de tapas y vermús.
Con una decoración contemporánea y obras de arte locales, el hotel Kimpton Vividora ofrece en Barcelona un lujo diferenciado y una variada gastronomía.
Tfno.: +34 936 42 54 00 kimptonvividorahotel.com
“OFRECER LUJO SIN LA ACTITUD PROPIA DEL LUJO”. La frase resume la filosofía de Kimpton Vividora, un hotel de 5 estrellas situado en el Barrio Gótico de Barcelona, al que se asoma desde su privilegiado mirador ubicado en la azotea, con vistas a la Catedral, Santa Maria del Pi y Montjuic. Perteneciente a la cadena de hoteles de lujo americana Kimpton, nacida en San Francisco en 1981 y pionera del concepto de hotel boutique, consta de 156 habitaciones de un estilo cosmopolita inspirado en los apartamentos de lujo de Barcelona con detalles contemporáneos y obras de arte locales. 10 de ellas son suites, con muebles hechos a medida y terrazas privadas. Una paleta de colores de tonos cálidos y neutros jugando con azules que conectan con el mar Mediterráneo, maderas naturales y mármoles elegantes completan su decoración. El hotel ofrece tres propuestas gastronómicas bien diferencias: GOT Cofee & Cocktails, que ofrece desde desayunos a cócteles; restaurante Fauna, con una propuesta mediterránea de raíces catalanas, y Terraza de Vivi, con una carta de tapas y vermuts para disfrutar de la azotea. Gimnasio, bicis para recorrer la ciudad y un espacio wellness con tratamientos elevan la experiencia Kimpton a otra dimensión.
Juan ParraCon SEAT Flex, el modelo SEAT Ibiza está disponible desde solo 230 € al mes, con garantía y mantenimiento incluidos: a 60 meses, sin entrada, con una cuota final de 8.414 euros (y con un TIN reducido del 7,5 %). En la imagen, algunos de los vehículos de la gama SEAT.
SEAT Flex permite al cliente adquirir cualquier coche de la casa, por el tiempo y el kilometraje de su elección, y decidir luego si lo devuelve, lo cambia o se lo queda.
ELIJA EL COCHE QUE QUIERA POR EL TIEMPO QUE QUIERA; PAGUE UNA MENSUALIDAD Y, cuando acabe el contrato, decida qué hacer: devolver directamente el vehículo, cambiarlo por otro con la misma modalidad o quedárselo. Así, sin mucha más letra pequeña, funciona SEAT Flex, el nuevo modelo de adquisición de coches de SEAT, que revoluciona la forma de venta para adaptarse a los nuevos modos de vida de sus clientes. SEAT Flex ofrece cualquier modelo de la amplia y renovada gama de SEAT con una competitiva cuota mensual, con o sin entrada a elegir, y con garantía y mantenimiento incluidos. El cliente elige la duración del contrato, desde un mínimo de 12 meses hasta un máximo de 60, así como un kilometraje anual, de entre 10.000 y 40.000 km. Y, cuando ese contrato concluya, este modelo de propiedad flexible le permitirá decidir qué hacer con el vehículo: devolverlo, cambiarlo o quedárselo. Porque la vida de las personas cambia, SEAT Flex se presenta así como una opción ágil y moderna. seat.es Juan Parra
Con una potencia demostrada en retos imposibles, el nuevo Range Rover Sport ofrece la elegancia y la sofisticación que definen a la marca, junto a la última tecnología y nuevas y eficientes motorizaciones híbridas.
EL NUEVO RANGE ROVER SPORT ES
EL RANGE ROVER más potente jamás fabricado. No es una frase hecha. Es una realidad demostrada en diferentes pruebas, como el desafío extremo Spillway Challenge, en Islandia, en el que fue capaz de subir por el rebosadero de una prensa enfrentándose a torrentes de agua de 750 toneladas. Pero el nuevo Range Rover Sport es mucho más que potencia: también ofrece la elegancia y la sofisticación que caracterizan a la marca junto a un diseño moderno y minimalista y unos detalles deportivos que le confieren un aspecto robusto e impresionante.
La innovación es otra de las señas de identidad del nuevo Range Rover Sport, que reúne las últimas tecnologías al servicio de la conducción para ofrecer una experiencia todoterreno inigualable. Por ejemplo, el sistema de reparto de par en curva (Torque Vectoring), que proporciona una respuesta precisa y controlada en cada giro; o el sistema Dynamic Launch, que optimiza el comportamiento del
cambio de marchas y proporciona el máximo par para aumentar la aceleración en línea recta del vehículo.
Además, para garantizar la máxima comodidad y conectividad en su interior, el nuevo Range Rover Sport cuenta con tecnologías como el sistema de cancelación activa de los ruidos no deseados; la integración con Amazon Alexa para reproducir música o consultar el tiempo por voz o el sistema Pivi Pro, que incluye una pantalla táctil de 13,1 pulgadas.
El nuevo Range Rover Sport está disponible en tres motorizaciones. Por un lado, con motor de gasolina V8, de 4,4 litros y 530 CV, que permite acelerar de 0 a 100 km/h en 4,5 segundos. Por su parte, el modelo híbrido enchufable combina un motor de gasolina de 3.0 litros y seis cilindros con un motor eléctrico de 105 kW. Y por último, los motores microhíbridos recogen, almacenan y redistribuyen la energía que se pierde durante la desaceleración, sistema que combinan con un motor diésel de seis cilindros.
FICHA TÉCNICA Nuevo Range Rover Sport (híbrido enchufable, con motor P510e).
Motorización: gasolina de 3.0 litros y eléctrico de 105 kW + Potencia total: 440 CV + Velocidad máxima: 242 km/h + Autonomía eléctrica máxima: 113 km + Aceleración de 0 a 100 km/h: 5,4 segundos + Precio: desde 104.816 €.
Superar las expectativas de los clientes es el reto que sustenta la filosofía de Catering Spain. Sobre estas líneas y abajo, dos imágenes, en muy diferentes formatos, de sus trabajos.
La empresa Catering Spain revoluciona el mundo de los encuentros gastronómicos con una experiencia 360º centrada en el invitado.
LOS ENCUENTROS GASTRONÓMICOS, BIEN EN TORNO A UNA MESA O A UN COCKTAIL DE PIE, SE HAN CONVERTIDO en pilares de las relaciones sociales; con fórmulas, a veces, demasiado recurrentes que pueden caer en la monotonía. La filosofía de la empresa Catering Spain es completamente diferente: su objetivo es convertir cada cita, cada presentación, es una experiencia de ocio que despierte los sentidos y merezca ser recordada. Para ello, apuesta por una experiencia 360º que consiste no solo en diseñar una gastronomía de calidad, personalizada y con productos saludables, sino en lograr que los invitados vivan sensaciones que no olviden: con una acertada elección del lugar (como los museos Lázaro Galdiano o Sorolla, ambos en Madrid); una decoración a la altura y una iluminación y ambiente adecuados. Y, junto a ello, ofrecer algún apunte innovador que sorprenda a los invitados: un cóctel musical, plantas aormáticas, un reto inmersivo... Por todo ello, Eva Sierra, CEO de Catering Spain describe su empresa como la más innovadora del mundo del catering. spain-xperience.com
Cruceros en barcos primorosamente diseñados que ofrecen una variada oferta de ocio, la mejor gastronomía y relax, mucho relax. Eso es Celebrity Cruises.
CELEBRITY CRUISES ES UN COMPLEJO de lujo y relax en el mar para navegar en los mejores lugares del mundo hacia los mejores lugares del mundo. El viajero puede visitar hasta ocho destinos en una misma travesía; cenar en un restaurante diferente cada noche; descansar en espacios de diseño y encontrar el bienestar mar adentro. En su flota de 15 barcos, destacan los tres de su revolucionaria serie EDGE, llamados Edge, Apex y Beyond, a la que se incorporará en diciembre de 2023 el Celebrity Ascent. En estos barcos, un mundialmente reconocido equipo de diseño –en el que se encuentra la premiada diseñadora Kelly Hoppen CBE; el célebre diseñador Nate Berkus; la elogiada firma de diseño Jouin Manku, y el innovador arquitecto Tom Wright– ha conseguido crear una nueva dimensión de cruceros.
Uno de ellos, además, el Celebrity Edge navegará muy cerca de nuestras costas este año, con varias salidas programadas con embarque y desembarque en Barcelona. A bordo de este auténtico hotel flotante de lujo, los huéspedes se sentirán plenamente conectados con el mar y con los destinos que visite mientras disfrutan de espacios como los camarotes Edge con Infinite Verandas® y la terraza en la cubierta de la piscina.
Si reserva antes del 2 de mayo con Viajes El Corte Inglés (por solo 50 € y sin gastos de cancelación), obtendrá descuentos para disfrutar, por ejemplo, de un crucero de 7 noches por el Mediterráneo, desembarcando en Barcelona, de mayo a septiembre, desde solo 999 € (tasas incluidas).
El Foro Gastronómico GENTLEMAN celebra su segunda edición en el Hotel Princesa Plaza de Madrid con algunos de los principales protagonistas del sector y vuelve a premiar creativas propuestas culinarias. Estas páginas resumen una jornada para saborear.
Fue uno de los protagonistas de la jornada. Ron Zacapa, un exquisito destilado elaborado en Guatemala a partir de la primera prensa de caña de azúcar y un cuidado proceso de destilación, volvió a demostrar su capacidad para maridar con las propuestas gastronómicas más variadas. Así, manjares como ostras, ibéricos o quesos, entre otros, estuvieron acompañados por los cócteles de ron Zacapa, como un mojito deluxe, Zacapa con Ginger Ale o un innovador Zagroni. Además, en las experiencias dirigidas los asistentes pudieron saborear los exquisitos matices de Zacapa XO, resultado de la mezcla exclusiva de rones reservas añejados entre 10 y 25 años por el sistema solera.
Arriba, barra de Ron Zacapa en la que un grupo de bartenders elaboraba innovadores cócteles. Sobre estas líneas, botellas de Zacapa nº 23 y Zacapa XO.
A la derecha, imágenes del corner de Ostras
Daniel Sorlut, empresa francesa con reconocimiento internacional que abastece a prestigiosos chefs de todo el mundo.
El arte de abrir ostras centró una de las experiencias dirigidas, con un exposición didáctica y amena.
La enología es, sin duda, uno de los pilares sobre los que se asienta toda propuesta culinaria. Por ello, fue para GENTLEMAN un honor contar en esta segunda edición del Foro Gastronómico con la presencia de Bodegas Izadi, una apuesta innovadora y enfocada a la elaboración de los vinos de calidad desde su implantación, en 1987, en el corazón de la Rioja Alavesa, en la localidad de Villabuena. De hecho, es la vinculación a la gastronomía, así como el apego a la tierra y la calidad de sus productos, uno de los principios que sustentan la filosofía de Izadi. La bodega acudió al evento con algunos de sus vinos más representativos, como Larrosa Rosé, Izadi Selección, tanto blanco como tinto, y El Regalo.
A la derecha, el director general de bodegas Izadi, Lalo Antón, dirige ante los asistentes una cata de los vinos representados. Junto a estas líneas, uno de ellos: Larrosa Blanca, un fresco y untuoso blanco elaborado 100% con garnacha.
Junto a estas líneas: Aspecto del salón del Hotel Princesa Plaza de Madrid; presentación de Hyundai, uno de los patrocinadores del evento, y Federico Oldenburg, periodista experto en gastronomía.
Junto a estas líneas: la asociación Grandes Pagos del Olivar, que agrupa a siete productores de AOVE: Abbae de Queiles (Navarra); Aubocassa (Mallorca); Casas de Hualdo (Toledo); Castillo de Canena (Jaén); Marqués de Griñón (Toledo); Marqués de Valdueza (Badajoz) y Masía El Atlet (Alicante).
Uno de los objetivos del Foro Gastronómico GENTLEMAN tiene una doble vertiente: por un lado, servir de escaparate para productores aliados con la calidad y la innovación, también la sostenibilidad, para mostrar su trabajo; por otro, permitir a los aficionados a la gastronomía acercarse a productos de gran calidad no siempre conocidos por el gran público. Como el año pasado, también este damos sobradamente por cumplido el objetivo gracias a la presencia de Bodegas Izadi, Ron Zacapa, Bodegas Vallformosa, Ostras Daniel Sorlut, Dehesa de los Llanos, Grandes Pagos del Olivar, Ibéricos 959, Dehesa el Milagro, Nespresso y chocolates Pacari. Pero nada hubiera sido posible sin la colaboración del Hotel Princesa Plaza Madrid y su espléndido equipo.
Sobre estas líneas: Dehesa de Los Llanos acudió con una selección de sus quesos: de media curación, curado y gran reserva.
Abajo a la izquierda: Desde pollos rellenos, hasta salsas o pibiles de Dehesa El Milagro.
Abajo a la derecha: La cocina del Hotel Princesa Plaza Madrid aportó toda su profesionalidad y maestría para elaborar arroces, fideuás y el catering que acompañó la entrega de premios.
Sobre estas líneas: imagen de las algunas de variadas y sabrosas propuestas de chocolates Pacari. A la derecha: un momento de la cata de cavas Vallformosa, que permitió a los asistentes comprobar la excelencia de sus productos y los diferentes matices de cada etiqueta.
Junto a estas líneas: Un cortador de jamón de Ibéricos 959, una de las delicias que acompañaron el evento.
A la derecha: Botella de Vallformosa 150 Gran Reserva, un auténtico cava premium de esta bodega asentada en el Penedès, sinónimo de calidad y experiencia.
Con más de 150 años de historia, Bodegas Vallformosa se ha convertido en un referente de calidad, presente en más de 50 países. Con una curiosa fórmula, pues no tiene finca propia, sino un bien mucho más preciado: más de 500 viticultores con los que ha establecido una gran alianza que le permite controlar la calidad de sus productos. Aunque también elaboran vino, el 85% de su producción es de cava, agrupado en tres marcas: Vallformosa, Mistinguett y Gran Barón, reconocidas con más de 30 medallas de oro en concursos nacionales e internacionales. Al Foro GENTLEMAN acudieron con algunos de los más exquisitos, como Gala de Vallformosa Brut Nature Reserva y 150 Gran Reserva, un cava premium elaborado a base de Xarel.lo.
Bajo estas lineas: Expuesto en la entrada del Hotel Princesa Plaza, el modelo IONIQ 5 de Hyundai, un SUV compacto 100% eléctrico con una autonomía de 481 km y sistema de carga súper rápida.
Arriba, de izquierda a derecha, Francisco Morales (en representación del chef Paco Morales); los chefs Juan D’Onofrio y Gabriel Sodré el sumiller Carlos Echapresto; y el también chef Ricard Camarena, en una foto de familia tras la entrega de los premios. A la derecha, las piezas entregadas a los premiados.
Diseño del ilustrador y artista Jacobo PérezEnciso, colaborador habitual de GENTLEMAN, una exclusiva pieza de arte reconoció a los premiados en tres categorías: Paco Morales (restaurante Noor, Córdoba), premio a la Innovación; Ricard Camarena (restaurante Ricard Camarena, Valencia), premio a la Sostenibilidad; Gabriel Sodré y Juan D’Onofrio (restaurante Chispa Bistró, Madrid), premio a la Proyección; y Carlos Echapresto (restaurante Venta Moncalvillo, Daroca de Rioja), premio al mejor sumiller.
Hyundai fue uno de los patrocinadores del II Foro Gastronómico GENTLEMAN. No es casual. La firma de automóviles surcoreana tiene en la apuesta por la sostenibilidad –un valor en alza en toda propuesta culinaria o enológica– una de sus señas de identidad. Dos de sus más innovadores modelos –que flanquearon la llegada de los invitados al Hotel Princesa Plaza de Madrid– lo demuestran: ambos son 100% eléctrico. El IONIQ 6 (a la izquierda) es una berlina con un diseño aerodinámico pronunciado que contribuye a garantizar una privilegiada autonomía de 614 kilómetros. El IONIQ 5 (a la derecha) es un SUV compacto, de personal e imponente diseño y máximo rendimiento.
Un beach club de sabor mexicano, Playa Padre; un espacio para toda la familia frente al mar, Nido Estepona; y el templo de la música, Momento. El ocio en el sur lleva la firma del Grupo Mosh.
Sobre estas líneas, imágenes de Momento: música electrónica, cocina nikkei y cócteles.
Urb. Villa Parra Palomeras, 68. Marbella. Tfno.: (+34) 653 67 76 44. momentomarbella.com
En la página siguiente, arriba, Nido Estepona. Urb. The Edge Chiringuito Costa Natura. Autovía del Mediterráneo, km 151. Estepona. Tfno.: (+34) 616 50 87 22. nidoplayaestepona.com
En la página siguiente, abajo, Playa Padre, un beach club en un pequeño paraíso. Calle Playa del Cable. Marbella. Tfno.: (+34) 650 82 22 26. playapadre.com
ALTA GASTRONOMÍA A PIE DE PLAYA Y UN TEMPLO DE LA MÚSICA con una creativa oferta culinaria y de cócteles. Desde su fundación en 2016, el Grupo Mosh no ha dejado de mostrar su capacidad para ofrecer cautivadoras propuestas de entretenimiento en la siempre apetecible Costa del Sol. Las tres que aquí reseñamos abren ahora sus puertas para disfrutar del buen tiempo y su privilegiada situación. La primera es Playa Padre, un beach club en la playa del Cable, en Marbella, junto a palmeras tropicales, arena dorada y aguas cristalinas que conjuga en su cocina el estilo mediterráneo con los sabores mexicanos. También es un beach club Nido Estepona, con un concepto poco frecuente en el sector: integrar al público familiar para disfrutar, frente al mar, de una cocina mediterránea inspirada en el kilómetro cero. Por último, en Momento se sirven recetas nikkei y cócteles de autor mientras despliegan su música los mejores artistas de la escena electrónica internacional; en el corazón de Marbella, con un ambiente envolvente y espectacular interiorismo.
1. RON BRUGAL
La marca dominicana presenta Andrés Brugal, una edición limitada –solo 25 botellas llegarán a España– creada por Jassil Villanueva, maestra ronera de quinta generación. Esta nueva expresión mezcla por primera vez una barrica de bourbon de primer llenado y una de jerez oloroso con dos reservas familiares de doble envejecimiento. brugal-rum.com
2. J. HOPENSTAND
La firma de marroquinería J.Hopenstand tiene una colección, denominada Art to wear, de cinturones con hebillas inspiradas en la obra de grandes artistas. Uno de ellos es Whisper, realizado en colaboración con el escultor catalán Jaume Plensa. Cada edición se limita a 20 unidades. art.jhopenstand.ch
3. LUNWERG EDITORES
Audrey Hepburn, Elegancia Natural es la nueva biografía ilustrada por Megan Hess en conmemoración del 30 aniversario del fallecimiento de la actriz. Está editado por Lunwerg y es un homenaje a su vida y trayectoria como musa de diseñadores y fotógrafos, así como a su posterior legado como embajadora de la ONU. planeta.es
4. DS DESIGN STUDIO
Elegancia y comodidad se unen en este bolso de viaje elaborado en piel plena flor lisa. Es obra de DS Design Studio, la boutique de accesorios de viaje de DS Automobiles. Dispone de amplios compartimentos y bandolera para llevar al hombre o cruzada. lifestyle.dsautomobiles.es
5. POINT
Origin es la última colección de Mario Ruiz para Point, la firma valenciana de mobiliario exterior de diseño. Este sillón está elaborado en aluminio, es 100% reciclable y está tapizado en un tejido resistente a la exposición solar. point1920.com
6. EL JARDÍN DEL RITZ
Moët & Chandon y Mandarin Oriental Ritz
Madrid reciben la primavera en El Jardín del Ritz, un espacio donde disfrutar de la naturaleza y una exquisita gastronomía a cargo del chef Quique Dacosta, en la que confluyen influencias asiáticas, peruanas y mediterráneas. mandarinoriental.com
LUJO Y ARTESANÍA CONVIVEN EN ESTA SELECCIÓN DE PROPUESTAS DISEÑADAS PARA SORPRENDER.
Ahora que las temperaturas acompañan, seleccionamos cuatro Habanos, de fortaleza y tiempo de fumada diferentes, para saborear al aire libre y sin prisas.
LLEGA LA PRIMAVERA, Y CON ELLA EL BUEN tiempo, que nos permite volver a disfrutar de nuestros Habanos preferidos en espacios abiertos. Proponemos cuatro vitolas: dos más pequeñas y de fortaleza entre suave y media, y dos de dimensiones más grandes y con fortaleza desde media a fuerte.
1. H. UPMANN HALF CORONA (90 mm x cepo 44). Exquisito sabor, con inicios suaves y aromáticos seguidos de puntas terrosas, notas de madera y frutos secos y un final dulzón. Tiempo de fumada: 25/30 minutos.
2. ROMEO Y JULIETA ROMEO NO. 1 TUBO (140 mm x cepo 40). Rico y sabroso, deja recuerdos florales, tostados, a cacao y vainilla. Su presentación en tubo resulta muy cómoda para transportarlo con seguridad a cualquier sitio. Tiempo de fumada: 40/45 minutos.
3. MONTECRISTO WIDE EDMUNDO (125 mm x cepo 54). La cuarta vitola y la de mayor cepo dentro de la Línea Edmundo, regala una fumada intensa con notas de pimienta blanca, clavo, madera y algunas puntas terrosas, acompañadas de recuerdos a café, canela y melaza. Tiempo de fumada: 55/60 minutos.
4 RAMÓN ALLONES ALLONES SPECIALLY SELECTED (124 mm x cepo 50). Uno de los cigarros cubanos más apreciados por los aficionados que saben bien lo que fuman: un habano con carácter, con marcadas notas especiadas y un postgusto dulzón con notas de fruta madura y caramelo. Tiempo de fumada: 45/50 minutos J. Parra
Junto a estas líneas y en la otra página: estos tres nuevos Calatrava llaman la atención por su esfera, donde unos ligeros toques de color más el diseño de su zona central les aportan una estética muy contemporánea.
El Calatrava es el epitomé del reloj clásico, pero en esta ocasión Patek Philippe ha dado un toque contemporáneo a su creación. Y no defrauda.
TIENE PATEK PHILIPPE UN IDILIO CON LA BELLEZA, al tiempo que siempre es fiel a esa personalidad que ha atesorado con el paso de los años. La línea Calatrava, la del reloj clásico por antonomasia, refleja ese espíritu... y, como demuestra con estos tres nuevos calatravas, también puede convertirse en un ejercicio de estilo actual, en un producto de tintes contemporáneos. Eso sí, sin perder de vista sus atributos. Porque si algo define al Calatrava son sus líneas puras. La colección siempre ha sido entendida como la quintaesencia del reloj de pulsera redondo y es uno de los más hermosos ejemplos del inconfundible estilo que atesora Patek Philippe. Si hubiera que definir lo que es la elegancia, seguramente el Calatrava ocuparía un lugar preponderante; y lo que es más
importante: seduce a cada nueva generación gracias a su perfección atemporal y su sobriedad extrema. Ahora, el Calatrava de Patek Philippe amplía su colección con tres nuevos relojes de oro blanco marcados por un estilo moderno y muy gráfico que ‘rompen’ sutilmente con ese carácter sobrio que se le presupone. Las esferas, todas ellas declinadas en color negro ébano, se distinguen por su geometría totalmente simétrica, realzada con tres tipos de acabado. El centro muestra un motivo ‘carbono’ en relieve que aporta ese toque actual.
Este diseño tan dinámico se realza con toques de amarillo (Ref. 6007G-001), rojo (Ref. 6007G010) o azul cielo (Ref. 6007G-011) estratégicamente colocados en los contadores y las agujas de los
segundos, así como en las costuras y el forro de las correas de piel de becerro negra con motivo ‘carbono’ en relieve.
En el corazón de la caja de oro blanco totalmente pulida late el calibre 26-330 SC de carga automática que, además de horas, minutos y segundero central, ofrece el añadido de una ventanilla de fecha a las 3 horas y la función de parada del segundero. Un calibre con 27 mm de diámetro y un ajustado grosor de 3,3 mm para los 212 componentes que lo integran –30 de ellos, rubíes–. Late a una frecuencia de 28.800 alternancias por hora (4 Hz) y ofrece una autonomía de marcha de 45 horas (con un mínimo de 35 horas). Además de la masa oscilante de oro de 21 quilates, este calibre cuenta con el Sello Patek Philippe.
Louis Vuitton realiza una nueva incursión en la complejidad de la mecánica autómata. Lo hace con esa libertad creativa que caracteriza al trabajo de La Fabrique du Temps. El resultado es el Tambour Ópera Autómata.
Arriba: el calibre del Tambour Ópera Autómata es el LV 525, en el que se conjugan un total de 426 componentes.
A la derecha, montaje del movimiento. La hora solo aparece en la esfera mediante un mecanismo de horas saltantes y minutos retrógrados que ocupa un espacio reducido para dejar el protagonismo al autómata.
UNA DE
DE LA RELOJERÍA de Louis Vuitton es que siempre le han gustado los retos. Quizás por eso, en su porfolio entró un arte relojero destinado a los escogidos, el de los autómatas. Y vuelve a incidir sobre ello con la aparición del Tambour Ópera Autómata. Inspirado en el Bian Lian de la Ópera de Sichuan, la profusa decoración de este reloj representa a una máscara tradicional que cobra vida y cambia de expresión a demanda. Un espectáculo artístico impulsado por un movimiento concebido, desarrollado y ensamblado íntegramente en La Fabrique du Temps Louis Vuitton. Primero, fue el Tambour Carpe Diem, que ganó el Premio a la Audacia en el Grand Prix ginebrino de 2021; ahora el viaje tiene como destino China, la tierra de Bian Lian. Hay que recordar cómo durante la actuación, los intérpretes llegan a colocarse hasta 20 máscaras diferentes, revelando una amplia gama de expresiones.
Para trasladar este misterioso juego de caras a un reloj, Louis Vuitton ha recurrido a la ayuda de grandes artesanos contemporáneos.
Michel Navas y Enrico Barbasini, maestros relojeros de La Fabrique du Temps, crearon el movimiento, mientras que la esmaltadora Anita Porchet y el grabador Dick Steenman decoraron el reloj. “Queríamos que el Tambour Ópera Autómata reflejara la impactante estética y los expresivos
movimientos de Bian Lian”, explica Michel Navas. En el desarrollo de esta creación, objeto de varias patentes, se han invertido más de dos años. Al igual que en el Tambour Carpe Diem, la hora solo aparece en la esfera mediante un mecanismo de horas saltantes y minutos retrógrados que ocupa un espacio más reducido para dejar todo el protagonismo al autómata. De ello se encarga el calibre LV 525, con un total de 426 componentes.
En cuanto al mecanismo autómata, sus cinco animaciones crean un espectáculo relojero único e inolvidable de 16 segundos, accionado por este calibre. Al accionar el pulsador a las 2 horas, la cabeza del dragón de oro rosa grabado se eleva para revelar las horas saltantes inscritas en la frente del Bian Lian de esmalte cloisonné, mientras que su cola indica los minutos retrógrados. La expresión de la máscara cambia radicalmente: sus cejas se fruncen,
Junto a estas líneas: realizado en esmalte cloisonné blanco, rojo y negro, el antifaz es obra de la esmaltadora Anita Porchet. Por otro lado, el abanico adquiere la profundidad gracias all esmalte champlevé. El esmaltado de la esfera y la corona llevó más de siete días. En la página anterior: los detalles del grabado son obra de Dick Steenman; entre ellos, el expresivo dragón de oro rosa con sus ojos de rubí y escamas grabadas.
su párpado se cierra sobre su ojo izquierdo y la pupila de su ojo derecho se retrae para revelar una flor puntiaguda Monogram. Mientras, pasa de la alegría a la tristeza a través del movimiento de su barbilla.
En esta creación, Louis Vuitton ha combinado símbolos tradicionales chinos con elementos de diseño emblemáticos de la marca, como el motivo de lona y las flores del Monograma esmaltadas en la esfera. El dragón imperial, criatura mítica asociada a los antiguos emperadores chinos, representa la fuerza, el poder y la nobleza. El abanico que lleva a su lado es signo de sabiduría y autoridad. En cuanto a las nubes, simbolizan la buena suerte, y se cree que la calabaza protege de los malos espíritus. Como último elemento, el número 4 de la mala suerte asiática en la indicación de la hora se sustituye por una flor Monogram de cuatro pétalos. Un detalle más: Louis Vuitton ha reproducido la forma de la máscara china en el reverso del movimiento.
Blancpain ofrece su segundo acto en el 70 aniversario de su Fifty Fathoms, y lo hace con un reloj destinado a los buzos más experimentados. Así es el Tech Gombessa.
EL ACTO 2 DEL AÑO DEL FIFTY FATHOMS de Blancpain –cumple 70 años– es un inesperado instrumento denominado Tech Gombessa que permite por primera vez medir tiempos de inmersión de hasta 3 horas, a la vez que conmemora los 10 años de Gombessa, una iniciativa que Blancpain ayudó a crear como socio del proyecto desde su inicio.
Cinco años de trabajo han sido necesarios en el desarrollo de un reloj que responde a la necesidad de un instrumento útil para largas inmersiones, una idea que lanzó el buzo, fotógrafo y biólogo submarino Laurent Ballesta.
Hay un elemento clave en este propósito del Fifty Fathoms Tech Gombessa: el bisel giratorio unidireccional. Cuenta con una escala graduada de 3 horas que está unida al movimiento de una aguja especial que da una vuelta completa en ese tiempo. Un dispositivo que representa una primicia mundial y que ha sido objeto de patente. El siguiente paso que se dio fue lograr un diseño diferencial, y para ello se optó por un inserto de bisel de cerámica negra abombado e inclinado hacia la esfera, donde para mejorar la legibilidad en plena oscuridad la esfera se decantó por el negro absoluto, capaz de
captar el 97% de la luz. Para la caja se eligió el titanio más puro que existe, el de grado 23, que la marca ha ido introduciendo paulatinamente en sus colecciones. Este material se distingue por su resistencia y propiedades antialergénicas, además de su ligereza, lo que hace que el reloj sea cómodo a pesar de sus 47 mm de diámetro; eso y las asas centrales fijadas desde el interior de la carrura, que integran la correa que también por primera vez introduce Blancpain. Estanco hasta 300 metros, en el fondo de la caja la parte inferior de la carrura es biselada y las muescas que lo atornillan han sido revisadas.
Es un año especial para TAG Heuer y su legendario Carrera. Lo celebrará por todo lo alto, con creaciones como este Chronograph Glassbox, que ha sido rediseñado y mejorado. Y en el que se incluye un tourbillon.
rediseñados y mejorados. Con sus 39 mm de diámetro, ofrecen una ergonomía mejorada y el indudable guiño al Carrera inicial.
UNA CARRERA BRILLANTE convertida en leyenda. TAG Heuer tiene desde hace 60 años un excelente ejemplo que responde al nombre de Carrera y que Jack Heuer, su impulsor, supo convertir en una historia de éxito y, lo que es más importante, con un futuro indudable. Es el que muestran estos dos nuevos Carrera Chronograph Glassbox, que han sido rediseñados y mejorados. Con sus 39 mm de diámetro, una ergonomía mejorada y el indudable guiño al Carrera inicial a través de su cristal de hesalita abombado –ahora, de zafiro–, que ha sido rediseñado para tener una curva que fluye sobre la escala taquimétrica. Del mismo modo, el reborde y los
índices también se han curvado, contribuyendo a una mejor legibilidad del reloj. Mención aparte merecen los nuevos pulsadores, que han sido moldeados y posicionados para que sean lo más eficientes posible.
En el fondo, el Carrera sigue siendo un reloj muy refinado, diseñado para un fin y definido en parte por su función. De estos dos nuevos modelos, uno de ellos luce la característica esfera azul con una elegante correa de piel de becerro azul; mientras, el otro apuesta por la esfera ‘panda invertida’, negra y plateada, convertido en recopilación de grandes éxitos de algunos de los Carrera más codiciados de la década de 1960, como la referencia 3147 ‘Dato
A la izquierda, Ryan Gosling, embajador de TAG Heuer, luce uno de los Carrera Chronograph Glassbox. En la otra página, el nuevo tourbillon creado por TAG Heuer para su Carrera Chronograph.
12’, el primer Carrera con funciones de cronógrafo y calendario, o la referencia 2447 NS, quizás el Carrera más raro de los creados a lo largo de su longeva y exitosa historia, y muy limitada en el tiempo. Se presenta con una correa de piel de becerro negra perforada.
En el interior de estos Carrera Chronograph Glassbox se encuentra una versión evolucionada del calibre de cronógrafo automático de la casa, el Heuer 02. Denominado TH20-00 y visible desde el fondo de la caja, este movimiento de nueva generación cuenta ahora con una masa oscilante de cuerda bidireccional, mientras que las versiones anteriores solo cargaban el muelle real del movimiento si el rotor se movía en sentido contrario a las agujas del reloj. Esta evolución, supervisada por Carole Forestier, directora de Movimientos de TAG Heuer, es más significativa de lo que pueda parecer; en el uso cotidiano, proporciona una cuerda más rápida y fiable, asegurando que el rendimiento del reloj se acerque a la reserva de marcha máxima de 80 horas, al tiempo que ofrece una precisión óptima durante más tiempo. El TH2000 también cuenta con acabados elevados, ajustándose así a la visión de TAG Heuer de crear relojes y movimientos técnicos y, al mismo tiempo, elegantes. Se une de esta forma a los calibres TAG Heuer TH30 y TH50.
Los dos relojes ofrecen sendas interpretaciones de la misma filosofía, porque los Carrera Glassbox son atemporales a la vez que modernos, precisos y elegantes, y con una mecánica de primer nivel que ofrece una garantía de cinco años. Un paso más de los que TAG Heuer y el Carrera darán a lo largo de este año.
A estos Glassbox se le añade un Carrera Chronograph Tourbillon que sigue los mismos principios de diseño, solo que su esfera se complementa con una abertura a las 6 horas que revela la jaula del órgano regulador. Esta nueva creación está equipada con el movimiento tourbillon TH20-09. De carga automática con rotor bidireccional, cuenta con el certificado de cronómetro añadido a sus facultades como cronógrafo. Un movimiento de desarrollo interno que ofrece una reserva de marcha de 65 horas. Al igual que el TH20-00, este nuevo calibre ha sido ideado por la directora de Movimientos de TAG Heuer, Carole Forestier, y desarrollado por el equipo técnico de la firma; como elemento añadido, decir que ofrece una garantía de cinco años. Esto se complementa con una creación que en su conjunto destaca por su elegante y atemporal paleta de colores: acero inoxidable para la caja de 42 mm, la inconfundible esfera azul con acabado cepillado circular y una correa de piel de becerro azul. Para rematar el espectáculo, el fondo de la caja de zafiro muestra en toda su expresión el calibre TH20-09.
Sobre estas líneas: La versión con caja de acero muestra un color dominante, el marrón chocolate que, además de la esfera, viste al brazalete. El fondo de la caja está abierto para mostrar el calibre FC-718. En la otra página, el Highlife Worldtimer Manufacture en su versión con caja de oro rosa.
HAN PASADO 35 AÑOS DESDE que un par de animosos empresarios (el matrimonio Stas) se introdujo en la relojería con la idea de hacer llegar la calidad Swiss Made al gran público y con el mejor precio posible. Así nació Frederique Constant que, desde entonces, no ha dejado de crecer. Para celebrar esa primera juventud relojera, la firma presenta dos Highlife Worldtimer Manufacture: el primero en oro rosa y limitado a 35 piezas; el segundo en acero, no limitado y con esfera chocolate. Con un diámetro de 41 mm, cada versión se entrega, además, con una o dos correas intercambiables adicionales.
La colección Highlife, la elegida para estas ediciones, se ha consolidado en tan solo tres años como la punta de lanza de la oferta de Frederique Constant. Elegante y
contemporánea, Highlife resume el estilo de la manufactura. Como lo muestran estas versiones aniversario. La primera, en oro rosa, hará las delicias de los coleccionistas con su caja multifaceta, donde se juega con los reflejos brillantes del metal precioso, que aparece satinado en la caja mientras el bisel y la corona han sido pulidos. Para esta edición, Frederique Constant ha elegido una esfera azul petróleo donde destaca todavía más el dibujo de la Tierra, así como un efecto rayo de sol aplicado sobre el disco de fecha a las 6 horas. Su longitud está perfectamente proporcionada para despejar el doble disco del Worldtimer: el primero (externo) indica las 24 ciudades de referencia de los husos horarios; el segundo (interno) muestra la hora en cada uno de ellos, con una distinción
muy intuitiva entre el horario nocturno (fondo azul) y el diurno (fondo blanco).
La segunda referencia incorpora todas las características anteriores, con tres notables excepciones. En primer lugar, su caja es de acero; después, su color dominante, un marrón chocolate, viste al brazalete y a la indicación worldtimer, declinada en una versión ligeramente más clara en el centro de la esfera.
En lo que respecta a su motor, incorporan el calibre automático manufactura FC-718, dotado de 38 horas de autonomía. Todas sus indicaciones se ajustan mediante la corona, gracias a un ingenioso sistema de tres muescas: primero, dando cuerda al reloj; en segundo lugar, estableciendo la fecha (arriba) y la ciudad de referencia (abajo); y en tercer lugar, ajustando la hora central.
Sobre estas líneas: Daniel Arsham posa junto a uno de los famosos y característicos tornillos Hublot creados para este trabajo. En la otra página, vista de la instalación temporal ideada por el artista.
Daniel Arsham y Hublot celebraron su unión con la realización por parte del artista de una obra efímera en la que representaba su concepto del tiempo. No será la última.
HUBLOT TIENE COMO PRINCIPIO activo distinguirse no solo con sus productos; también con sus asociaciones. Una de ellas tiene que ver con el mundo del arte. De hecho, en 2021 la empresa celebró diez años de Hublot Loves Art, donde han ido integrándose distintos artistas. Daniel Arsham es el último en hacerlo.
Conocido por sus impactantes trabajos –en campos como el cine, la pintura, la escultura y las instalaciones y el cine–, a lo largo de su obra ha explorado el concepto del tiempo, en particular a través de su serie Connecting Time y su emblemático Hourglass. Para celebrar la nueva colaboración, Arsham creó un reloj solar temporal de 20 metros en Zermatt, a la sombra del Cervino, el pico más famoso de los Alpes suizos. La instalación efímera, titulada Light & Time, fusionaba las raíces de la relojería con la artesanía del land art, y ofrecía un funcionamiento real basado
en la sombra proyectada por un obelisco de cuarzo a medida que el sol se mueve a lo largo del día, y donde se habían integrando elementos como los característicos tornillos del bisel del Big Bang.
“Visité la fábrica de Hublot y empecé a pensar en lo que podría ser una instalación que tratara sobre el tiempo. Y siempre me han fascinado los relojes de sol”, dice Arsham. Y añade: “Llevo años observando a Hublot y los proyectos que ha apoyado en el arte contemporáneo, y admirando su audaz visión de la relojería, el diseño y la artesanía. Me encanta cómo combina ideas, influencias y materiales para crear formas únicas. Unirme a Hublot es muy especial”. La asociación, además, se produce cuando se cumplen 20 años desde que Arsham recibió el Gelman Trust Fellowship Award y ganó el GNMH; ahora es uno de los artistas contemporáneos más influyentes.
Kokoschka en el Guggenheim es una de las grandes propuestas de una agenda que incluye a Palazuelo y, cómo no, a Picasso.
dedicada a su obra en España, dará la posibilidad de apreciar su arte y de cómo influenció a contemporáneos como Gustav Klimt y Egon Schiele. guggenheim-bilbao.eus
propia artista– surgen los temas de interés. En este caso, se trata de la máscara y el disfraz, motivo lúdico cuando toca carnaval en el calendario, aunque muchas veces asumido como lugar de ocultamiento en la vida cotidiana. La artista también homenajea a figuras del espectáculo de finales del siglo XIX y principios del XX. camaraoscura.net
Hasta el 28 de mayo. MNAC.
Con la excusa de la cesión del artista mallorquín Ferran García Sevilla (1949) de un conjunto de obras suyas al museo, creadas entre 1966 y 1974, se realiza esta exposición que en una primera parte las despliega. Pueden verse objetos, materiales pobres y fotografías, con un enfoque muchas veces significado hacia el campo de la crítica a las llamadas estructuras simbólicas del autoritarismo, en especial del franquismo. Otra segunda parte se desarrolla en Hospitalet, en el Centro de Arte
Tecla Sala, con Cosmos-caos, una retrospectiva de la obra del artista. museunacional.cat
BILBAO OSKAR
Hasta el 3 de septiembre. Museo Guggenheim.
El artista austríaco Oskar Kokoschka (1886-1980) es presentado en esta retrospectiva que pone en relieve su impronta expresionista –“soy un expresionista porque no sé hacer otra cosa que expresar la vida”, dijo algún vez–, pero también como hijo de su tiempo, combatiendo al nazismo, primero, y ayudando a la reconstrucción cultural de Europa, después. Exhibida como la primera gran retrospectiva
Hasta el 9 de junio. Museo de Bellas Artes. Esta exhibición pretende ahondar en el influjo del mundo floral en la cultura japonesa a través de 26 estampas originales. Se trata del trabajo de una veintena de artistas de los períodos Edo (1615-1868), Meiji (1868-1912) y Taisho (1912-1926). Estructurada en torno a los ciclos estacionales (otoño-invierno-primaveraverano), aparecen aquí flores representativas, como la del ciruelo y del cerezo, las glicinias, los lirios, las peonías, clavelinas, crisantemos y camelias. La muestra se completa con tres obras de la artista contemporánea de origen japonés, afincada en Córdoba, Hisae Yanase. museosdeandalucia.es
Hasta el 20 de mayo. Camara Oscura. La artista canaria Cristina Toledo (Las Palmas de Gran Canaria, 1986) presenta Mascarada, exposición individual cuyo germen se encuentra en la fotografía, ya a partir de alguna de ellas previamente seleccionadas –sostiene la
Hasta el 7 de mayo. Museo Ico. El artista madrileño Pablo Palazuelo (1915-2007), que puede ser catalogado indistintamente de pintor, escultor y grabador, es presentado en esta exhibición estructurada en distintas etapas de su carrera: desde la etapa formativa y sus primeras influencias hasta diseños de mobiliario domésticos o grandes obras concebidas para la escala urbana, pasando por otras focalizadas en laberintos, tránsitos y vidrieras. En concreto, se trata de 12 obras y 12 proyectos entre dibujos, croquis, acuarelas, maquetas y esculturas. fundacionico.es
Hasta el 23 de julio. Canal de Isabel II. Esta muestra se centra en la obra de la fotógrafa catalana Joana Biarnés (1935-2018), en especial tomando registro de un
certamen célebre en la capital española de los años 60 y 70. Guapa con Gafas era un evento que coincidía con las fiestas de San Isidro, y en el que las participantes, como su nombre indica, llevaban accesorios visuales. Así, aparecen no sólo las tendencias, sino también la atmósfera y la estética de la época. El más de un centenar de fotografías presentadas ahonda en la evolución de la moda y de la sociedad, y trae calles, barrios y gentes del Madrid de entonces. comunidad.madrid
Hasta el 11 de junio. Museo Centro Gaiás. Un ecléctico elenco de media centena de personalidades es referido en esta exposición titulada Detrás del espejo. Aparecen desde Albert Einstein, Miles Davis y Ernest Hemingway a Luis Buñuel, Federico García Lorca y Julio Cortázar, pasando por Mike Oldfield, Isabel Coixet y Alejandro Amenábar. La cadena común es cómo la realidad gallega fue para ellos motivo de interés, incluso como pudo haberlos inspirado. Documentos, cartas, fotografías, carteles, manuscritos, una veintena de audiovisuales y objetos componen el núcleo de esta propuesta. cidadedacultura.gal
Teatre Lliure, del 12 al 23 de abril.
La novela homónima de Cristina Morales fue reconocida con el Premio Nacional de Narrativa 2019 y lo sigue siendo gracias a la versión teatral que firma Alberto San Juan. Tildada de artefacto explosivo, es la historia de cuatro mujeres con discapacidad sometidas a tutela por los servicios públicos del bienestar, los cuales dictaminan la esterilización forzosa de una de ellas. Como explica San Juan, de fondo late un sistema que determina qué es la vida, quién puede vivirla y cómo. teatrelliure.com
MADRID
AZUL. GIOGIA,
Teatros del Canal, 12 y 13 de abril.
Desde Italia nos llega este soplo de vida creado por el poeta de la escena Daniele Finzi Pasca, que vuelca su experiencia como director en la historia de cuatro amigos unidos por su pasión por el fútbol, que los reúne cada domingo desde hace años. Una historia emotiva, aderezada con música en directo, que recapitula vidas desde la perspectiva de la madurez, con interpretaciones como la del célebre actor Stefano Accorsi. teatroscanal.com
Hasta el 31 de diciembre. Museo Picasso.
Como modo de conmemorar el cincuentenario del fallecimiento de Pablo Picasso (1881-1973), el museo procede a la sexta transformación de las salas del Palacio de Buenavista desde que abriera sus puertas en el año 2003. Así, se muestran durante este año un total de 120 obras, que conforman una narración que comienza por los años de formación y transcurre por los momentos más representativos de la trayectoria del artista. Hay pinturas, dibujos, obras gráficas, esculturas, cerámicas, un tapiz y una plancha de linóleo. museopicassomalaga.org
Hasta el 11 de junio. CaixaForum. Un repaso por la historia del cómic, desde el pionero The Yellow Kid, de Richard Felton Outcault, al surrealista Little Nemo in Slumberland, de Winsor McCay, pasando por Terry and the Pirates, de Milton Cani ; Tintín, de Hergé; Flash Gordon, de Alex Raymond, o The Spirit, de Will Eisner, entre otros. La muestra analiza los procesos de producción del cómic, desde la conceptualización y el dibujo hasta la impresión final de la obra. caixaforum.org
Teatros del Canal, 14 y 15 de abril
La novela biográfica de Virginia Wolf brinda un material excepcional a la magistral compañía Schaubühne de Berlín y a la directora Katie Mitchell, que traen a escena al ambiguo personaje inspirado en la novia de Wolf, Vita Sackville-West. Orlando vive cuatro siglos de historia humana británica y europea, y en su calidad de héroeheroína rompe tabúes que han lastrado la sexualidad femenina. Con un sorprendente lenguaje escénico, incluye actores que intervienen a través de vídeos en directo. teatroscanal.com
VALENCIA
Teatre Talía, del 12 al 16 de abril
Bajo este título se halla una ficción basada en la historia de personajes reales que rodearon la muerte del torero en 1947. Mujeres valientes, creativas y de gran carácter que permanecían a la sombra de figuras masculinas doblemente ensalzadas en el mundo taurino, tan aplaudido durante el franquismo. Sorprende conocer las identidades de estas mujeres inmersas en la oscuridad a la que le relegó aquel periodo histórico en esta obra de Alicia Montesquiu, dirigida por Gabriel Olivares. teatretalia.es
Textoen la moda es el evidente propósito de esta exhibición. Cerca de 50 objetos exploran la influencia de la egiptomanía en la moda, yuxtaponiendo moda contemporánea y joyas de todo el mundo con obras de arte y decoración de la colección del propio museo. Tras el descubrimiento en 1922 de la tumba del rey Tutankamón, el mundo de la moda tomó nota de su impacto en el imaginario social, empresas de relojes y joyas como Cartier, entre ellas, por ejemplo. clevelandart.org
AUSTIN
Hasta el 16 de julio. Harry Ransom Center.
Raras pinturas conceptuales, diseños de decorados, storyboards, guiones, fotogramas de películas, correspondencia... Estos son algunos de los objetos que propone esta muestra, focalizada en la creación cinematográfica y en lo que podríamos llamar la preproducción, todo lo que se realiza antes del momento de colocar actores frente a las cámaras. Algunas de las películas referidas son Rebelde sin causa, Toro salvaje, Top Gun, Apolo 13 y Lawrence de Arabia, y
algunos directores, como Alfred Hitchcock, Martin Scorsese y Stephen Spielberg. hrc.utexas.edu
Hasta agosto. Fundación Proa. Uno de los grandes mitos de la conquista de América fue El Dorado, ciudad legendaria hecha de oro ubicada en algún lugar del norte de Sudamérica. Cuarenta artistas latinoamericanos, desde el vídeo a las instalaciones, pasando por la performance y otras disciplinas, han sido seleccionados para dar una visión de aquel episodio legendario. Los experimentos con la papa de Víctor Grippo o la propuesta de pago de la deuda externa con maíz de Marta Minujín, incluso las obras doradas del germano-mejicano Mathias Goeritz, están entre los trabajos expuestos. proa.org
Hasta 12 de junio. Instituto de Arte. Más de 30 pinturas, dibujos, fotografías, objetos efímeros y surrealistas, impresos y libros conforman esta exposición del artista catalán Salvador Dalí (1904-1989), la primera que se le dedica en este museo. Las obras expuestas están mayormente datadas en la década del 30 del siglo pasado, cuando el hombre que hizo de su apellido un adjetivo –mérito que le cabe a un puñado de mortales, como por ejemplo Picasso o Fellini–entró de lleno en el surrealismo. Una de sus marcas por esos años fueron las obras con ilusiones visuales, idea que da título a la muestra. artic.edu
Hasta el 28 de enero. Museo de Arte. La influencia que el arte del antiguo Egipto ha ejercido
Hasta el 14 de enero. Museo de Arte Moderno. En la década de los ochenta del siglo pasado surgieron en Suecia y en la región nórdica varias artistas femeninas destacadas. Algunas de ellas son el centro de esta exposición, con obras de, entre otras, Cecilia Edefalk, Tuija Lindström, Ingrid Orfali y Cindy Sherman. Dos características de la década mencionada fueron los altibajos financieros y el miedo al SIDA, pero también el surgimiento de una escena artística alternativa y el fin de la guerra fría. Todos estos elementos están presentes en esta muestra. modernamuseet.se
Hasta el 24 de septiembre. TATE. La propuesta es ejercer una nueva inmersión –apropiado
uso en este caso de esta palabra tan en boga en el mundo del espectáculo del arte actual– para recorrer obras del pintor inglés Joseph Mallord William Turner (17751851), al que cierto simplismo define como “especializado en paisajes” –muchos con el mar como protagonista; de ahí la reflexión inicial–. Pero con justicia puede ser mencionado como uno de los antecedentes del impresionismo que surgiría especialmente en Francia poco después de su muerte. En esta oportunidad, obras suyas son arropadas por un entorno sonoro –sí– inmersivo creado por el artista y músico Lamin Fofana. tate.org.uk
de extracción social baja, se han valido de los elementos con los que contaban, objetos que los rodeaban, y que utilizaron para transformarlos y darles un sentido expresivo. De esto modo, muchas de las 65 piezas de la muestra surgen a partir de arcilla, raíces, objetos desechados y madera flotante con los que los artistas proponen explorar cuestiones globales como la sexualidad, el significado del lugar y la desigualdad económica. royalacademy.org.uk
Avedon (1923-2004) se realiza esta exhibición en que se presenta obra de su llamada etapa muralista. Hacia finales de la pasada década de los 70, Avedon se propuso dedicarse a la cámara fija y a poner delante de su lente personalidades que iban más allá del mundo de la moda que frecuentaba hasta entonces. Así, por ejemplo, uno de sus preferidos fueron los miembros de la Factory de Andy Warhol, responsables de la guerra de Vietnam y manifestantes contra esa guerra. metmuseum.org
ROMA
Hasta el 18 de junio. Royal Academy of Arts. Una de las particularidades de las obras expuestas es que sus creadores, generalmente
Hasta el 9 de mayo. Saatchi Gallery. Presentada como la muestra de grafiti y arte callejero más completa que se ha inaugurado en el Reino Unido, ocupa las tres plantas de la galería. Más de 100 artistas internacionales despliegan obra, con instalaciones a gran escala, objetos efímeros originales y moda. Cada uno de los capítulos de la exposición explora momentos de la historia de este movimiento artístico, desde la aparición del punk al nacimiento del hip-hop –que cumple 50 años este mismo año– y la fuerte influencia de la cultura callejera en la moda y el cine. saatchigallery.com
Hasta el 1 de octubre. MET. Para celebrar el centenario del nacimiento del fotógrafo estadounidense Richard
Hasta el 30 de abril. Museo Nacional de las Artes del Siglo XXI.
Hablar de Bob Dylan (1941) es hacerlo de uno de los grandes artistas del siglo XX: como músico y poeta su influencia es vasta y contundente. Sin embargo, sus inquietudes han demostrado ir más allá de la música, que es lo quiere graficar esta muestra, la primera exposición monográfica europea que explora su extensa obra visual. Óleos, acrílicos, acuarelas, dibujos a tinta, pastel y carboncillo, hasta una serie de esculturas de hierro, todo
temáticamente dividido bajo estos títulos: Primeras obras, El camino trillado, Mondo scripto, Revisionista, Dibujado en blanco, Nueva Orleans, Enfoque profundo y Trabajos en hierro. nochesdelbotanico.com
Hasta el 5 de agosto. Centro de fotografía creativa. Linda McCartney (1941-1998) se hizo famosa acompañando en los escenarios a su marido, el beatle Paul. Sin embargo, ya antes de conocerlo tenía una muy bien ganada posición como fotógrafa, de hecho, fue la primera mujer en firmar una portada de la revista Rolling Stone. Esta exposición, realizada en su ciudad natal, está comisariada por miembros de su propia familia. cp.arizona.edu
Hasta el 18 de junio. Palacio Ducal
El artista veneciano Vittore Carpaccio (c. 1460/66 - c. 1525/26) es presentado en esta casi retrospectiva que recorre sus trabajos hasta los realizados ya en la madurez creativa. Su obra fue redescubierta y valorizada por los historiadores del arte entre finales del siglo XIX y la primera mitad del siglo XX. palazzoducale. visitmuve.it
Las calles. Londres Richard Avedon Nueva York Bob Dylan Roma Turner LiverpoolLos cuatro miembros de The Beatles, acompañados por el productor George Martin, reciben el disco de plata por los primeros 250.000 ejemplares vendidos de Please Please Me. La imagen es del 5 de abril de 1963.
PLEASE PLEASE ME
SE CUMPLEN 60 AÑOS DEL LANZAMIENTO en el Reino Unido de Please Please Me, el primer álbum de The Beatles, y no es una temeridad asegurar que la música, su mundo, su percepción, no volvió a ser la misma después de eso. Ya es leyenda que John, Paul, George y Ringo, bajo la tutela del productor George Martin, grabaron el que sería su álbum debut en una misma jornada, el 11 de febrero de 1963, según el canon Beatle en 9 horas y 45 minutos, un lapso desde el cual iniciar un arco interesante hacia las más de 400 horas de grabación en un periodo de 129 días que les insumió, en 1967, Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band.
De las 14 canciones que conformaron el corte final del LP, cuatro ya habían visto la luz en formato de dos singles a finales del año anterior, con Love Me Do y Please Please Me ocupando respectivamente la cara A, el último un éxito rotundo, el primero de la banda, que provocó la materialización del larga duración. Es notable, también, que del total
de las canciones del álbum ocho estaban firmadas por la que se convertiría en la tal vez más exitosa dupla musical de la historia: Lennon-McCartney (aunque aquí aparecen con las firmas invertidas). Hasta entonces, las formaciones musicales no solían interpretar temas propios. Hay que buscar el origen de esta pulsión del dúo dinámico en uno de sus héroes musicales, Buddy Holly, muerto prematuramente unos años antes, pero que había dejado su impronta pionera como autor y productor de sus propias canciones.
Célebre es también la portada, una foto de los Fab Four asomados a la barandilla del patio interior de las oficinas londinenses de EMI. Descomunal fue el éxito de ventas de Please Please Me. En mayo de 1963 alcanzó el número 1, puesto que sostendría durante 30 semanas. En EE. UU., troceado en dos álbumes, aparecería en 1964, justo a tiempo para pavimentar allí el ingreso de la Beatlemanía a través del televisivo Ed Sullivan Show; el resto, como se dice, es historia.
Luis Ini
A Fifty Fathoms is for eternity.
Launched in 1953, the Fifty Fathoms is the first modern diver’s watch. Created by a diver and chosen by pioneers, it played a vital role in the development of scuba diving. It is the catalyst of our commitment to ocean conservation.
