Gentleman_230_Noviembre by Gentleman_Spain

EL VALOR DE LA ELEGANCIA

ESPECIAL REAL ESTATE

DISEÑO + RETIRO EN NORMANDÍA MARK RUFFALO

LA METAMORFOSIS TEMPLOS GASTRO PARA COMER DE CUCHARA

JUNTO A LA CIUDAD + PROYECTOS

PERSEVERAR

EL ÉXITO ES UNO DE ESOS CONCEPTOS que el tiempo y sobre todo la evolución de la sociedad y su forma de relacionarse ha desvirtuado. En ocasiones puede parecer que tras la imagen que nos aportan las redes sociales, todo se basa en impactos, en el reconocimiento casi instantáneo, y ha quedado banalizado en parte el esfuerzo y todo lo que hay detrás de él. Partiendo de la premisa de que esto tampoco es así en este negocio, es solo fachada, porque el éxito no es nada más que la consecuencia de algo bien hecho, de un aprendizaje y, lo que es más importante, de una madurez en la actividad, sea la que sea. Nadie llega a la cima por casualidad, y las excepciones –que en ocasiones pueden parecer muchas– acaban dando la razón a esta afirmación

La portada de esta edición de GENTLEMAN resulta ilustrativa, o a nosotros por lo menos nos lo parece. Mark Ruffalo encarna el esfuerzo –no siempre correspondido, aunque no es su caso– que la inmensa mayoría, si no todos, de los actores y actrices de prestigio han tenido que realizar para conquistar el éxito. Es más, en su caso se podría decir que perseveró

en ello casi hasta la extenuación. Una década de sacrificios y de ganarse la vida fuera del que sería su trabajo y su éxito para convencer al star system de que tenía madera de actor. Muchos fracasan en el intento, pero Ruffalo –el actor hoy venerado y querido–no cejó en su objetivo y logró vencer esa inercia.

Dicho todo ello, también queda claro que el éxito de hoy puede ser el fracaso del mañana y hay que estar siempre prevenido, en continuo avance en nuestra vida y en nuestro trabajo.

Eso es algo que escritores de la talla y fama de Michael Cunningham siempre tienen presente cada vez que se enfrentan a un nuevo libro. Lo que ayer era alabado puede cambiar con la aparición de una obra que crítica y seguidores no entienden o aprecian, algo a lo que los actores en particular –aunque está presente en todas las disciplinas– también están sometidos. Y es que el éxito tiene también algo de examen en su esencia y discurrir, por lo que es obligado perseverar y no dar nada por supuesto.

El mes de noviembre es ya tradición que una parte de nuestros contenidos se centren en el Real Estate, porque el diseño, el buen gusto y las propuestas más actuales en arquitectura siempre han sido parte de GENTLEMAN, porque también son excelentes ejemplos de ese perseverar en un elemento también clave del éxito: la creatividad. Y si a eso le sumamos el principio de la calidad, el resultado camina cercano a lo excepcional.

Hablando de creatividad, nos sentamos a la mesa para descubrir que la cocina de cuchara vuelve a tener su espacio en la gastronomía de autor –ese terminó que definió a la innovación en la cocina, previo a la experiencia que ahora tanto proclamamos–. Esto no es perseverar, es simplemente reafirmar un estilo de vida y de entender nuestra cultura culinaria. Ahí radica su éxito.

Ricardo Balbontín. Director

TE CONOCE COMO NADIE.

El nuevo Clase E se adapta a ti para ofrecerte una experiencia digital totalmente personalizada. Cuanto más lo conduces, mejor te conoce.

CONTENIDOS 11.2024

CON FIRMA: VIVIENDAS

El bullicio de la ciudad o huir del mundanal ruido hacia la naturaleza. Una reflexión sobre la posibilidad, no siempre real, de elegir

Texto Fernando Schwartz

Ilustración: Jacobo Pérez-Enciso

G-MANÍA

Texto Miguel Bertojo

14 FOTOGRAFÍA

EL JARDÍN DE NICK KNIGHT

NOMBRES PROPIOS

18 RICCARDO BRUNO

UNA VIDA DE COLOR

Texto Juan Luis Gallego

Fotografía Jacobo Medrano

20 SILVIO PIETRO ANGORI

DISEÑO QUE HABLA ITALIANO

Texto Ricardo Balbontín

22 DIEGO VILLALBA

ARTE DE ALTA COSTURA

Texto Ricardo Balbontín

Fotografía Jacobo Medrano

ENTREVISTA

24 MICHAEL CUNNINGHAM

LA INFELICIDAD VISTA

POR UN HOMBRE FELIZ

Texto Juan Luis Gallego

Fotografía Kenton Thatcher

MANUFACTURA

28 BLANCPAIN

PERPETUAR EL TIEMPO

Texto Ricardo Balbontín

Fotografía Jacobo Medrano

PORTADA

36 MARK RUFFALO

METAMORFOSIS CREATIVA

Texto Irene Crespo

Fotografía Jason Armond

ESPECIAL REAL ESTATE

42 INTERIORISMO

DONDE HABITA LA LIBERTAD

Texto Marc Heldens

Fotografía Mark Seelen

50 VILLAS

DONDE TODO ES POSIBLE

Texto María Orriols

60 PROMOCIONES

Texto Juan Parra / María Rosa

DISEÑO: ÁLVARO CATALÁN DE OCÓN

TRENZAR EL MUNDO

Texto Mario Canal

Fotografía Jacobo Medrano

CONTENIDOS 11.2024

ESTILO

70 MODA

ELEGANCIA NATURAL

Producción y estilismo Gioia Carozzi / Stefano Spinetta

Fotografía Andrea Varani

78 TOTAL LOOKS

MULTIACTIVO

Estilismo María Larrú

Fotografía Juan Carlos de Marcos

82 EXPERIENCIAS

HACKETT: ESTILO SARTORIAL

Texto Amelia Solana

Fotografía Jacobo Medrano

VIAJES

86 RIVERSIDE LUXURY CRUISES

NAVIDADES EN EL DANUBIO

Texto María Rosa

GASTRONOMÍA

88 SOBERANA CUCHARA

Texto Federico Oldenburg

93 VINOS

MARIDAJE PARA GUISOS

Texto Pilar Molestina

MOTOR

94 SEAT LEÓN

25 AÑOS ELEVANDO EL NIVEL

Texto: Juan Parra

RELOJES

Texto Ricardo Balbontín

96 PATEK PHILIPPE

APUESTA AL CUADRADO

100 ROLEX

ORO PARA SUMERGIR AL REY DE LAS PROFUNDIDADES

103 OMEGA

INSTRUMENTO DE NAVEGACIÓN

104 CARTIER

EXHIBICIÓN DE ARTE

108 ZENITH

ALTA FRECUENCIA ESTELAR

SECCIONES

110 AGENDA NACIONAL E INTERNACIONAL

Texto Luis Ini / Natalia Erice

114 ICONO: GLENN MILLER

Texto Luis Ini

DIRECTOR

Ricardo Balbontín rbalbontin@gentleman-es.com

DIRECTOR ADJUNTO

Juan Luis Gallego jlgallego@gentleman-es.com

DIRECTOR DE ARTE A lberto Torés atores@gentleman-es.com

| COLABORADORES |

Miguel Bertojo, Mario Canal, Gioia Carozzi, Irene Crespo, Natalia Erice, Marc Heldens, Lucía Heredero, Luis Ini, María Larrú, Pilar Molestina, Federico Oldenburg, María Orriols, Juan Parra, María Rosa, Rubín de Celis, Fernando Schwartz, Amelia Solana y Stefano Spinetta.

| ILUSTRACIÓN |

Del Hambre, Jacobo Pérez-Enciso y Fernando Vicente.

| FOTOGRAFÍA |

Nick Knight, Juan Carlos de Marcos, Jacobo Medrano, Massimiliano Polles, Mark Seelen, Kenton Thatcher, Julie Turcas y Andrea Varani.

| AGENCIAS |

Associated Press, Contacto, Corbis, Cordon Press, Getty Images, IFA, The Interview People y Magnum Photos.

| REDACCIÓN Y PUBLICIDAD |

Moreto, 7 - 5º Dcha. 28014 Madrid. España. Tfno.: +34 91 010 20 23. Fax +34 91 429 96 71.

| PUBLICIDAD |

DIRECTORA COMERCIAL

Gemma Martínez 661 237 290 gmartinez@gentleman-es.com

DIRECTORA DE PUBLICIDAD

Carmen Pérez 600 995 214 carmenperez@gentleman-es.com

JEFE DE PUBLICIDAD

Jesús Morte 672 432 462 jmorte@gentleman-es.com

COORDINACIÓN Y ADMINISTRACIÓN

Eva Quintanilla 667 993 365 equintanilla@gentleman-es.com

| IMPRENTA |

Gráficas Jomagar. C/ Moraleja de Enmedio, 16. 28938 Móstoles (Madrid) | DISTRIBUCIÓN |

SGEL. Avenida Valdelaparra, 29. Alcobendas (Madrid).

gentleman® es una marca registrada por milano finanza (milán italia). ladies® es una marca registrada por milano finanza (milán italia). gentleman españa está publicado bajo licencia de class editori todos los derechos reservados

Fotografía de portada: Jason Armond.

EDITA: LUXURY MEDIA SL. DEPÓSITO LEGAL M-39147-2003 / ISSN 1696-7186 la revista gentleman no se hace responsable de las opiniones de sus colaboradores todos los derechos reservados en virtud de lo dispuesto en los artículos 8 y 32.1, párrafo segundo de la ley de propiedad intelectual quedan expresamente prohibidas la reproducción la distribución y la comunicación pública incluida su modalidad de puesta a disposición de la totalidad o parte de los contenidos de esta publicación con fines comerciales en cualquier soporte y por cualquier medio técnico sin la autorización de la empresa editora de la publicación luxury media s l

Departamento de suscripciones: suscripciones@gentleman-es.com Controlada por OJD.

G-MANÍA

FOTOGRAFÍA

| SECCIÓN MIGUEL BERTOJO / MARÍA ROSA

ARQUITECTURA + MODA + ARTE + GADGETS + EXPERIENCIAS + VIAJES + ESTILO + MÚSICA

EL JARDÍN DE NICK KNIGHT

Cuando no está en un plató de moda, el artista fotografía rosas con un móvil para crear imágenes perfectas que ahora expone la Fundación Barrié.

En la página anterior: Sunday 4th June, 2017. Las flores de Knight son un espacio híbrido, un desafío a los límites de la fotografía al evocar emociones afines a la pintura.

Sobre estas líneas: Saturday 3rd July, 2021. El fotógrafo comparte en Instagram tanto el proceso de creación como el producto final.

G - FOTOGRAFÍA

SON TODAS PERFECTAS, incluso con sus pétalos lacios y mustios, apelando a la beldad, la emoción o la memoria. Las rosas más hermosas del mundo quizá crezcan en el jardín de Nick Knight (Londres, 1958), fotógrafo de moda y creador de imágenes (image maker), como él mismo se tilda. La exposición Roses from my garden, hasta el 26 de enero de 2025 en la Fundación Barrié (A Coruña), es la primera en solitario de Knight en España: 50 fotografías de sus nuevas musas, muchas inéditas y de gran formato, que remiten a los clásicos bodegones holandeses del siglo XVII.

Ajeno a su hábitat habitual, los platós de moda, Knight selecciona en soledad con exquisita paciencia sus mejores rosas de té, las dispone en la mesa de su cocina y las fotografía con su iPhone, con la luz natural como única iluminación; las edita en Instagram y las manipula con los filtros de la propia red social. Posteriormente, con un software de IA, rellena los espacios entre píxeles o reenfoca las áreas desdibujadas, transformándolas e impregnándolas de misterio.

Visionario, disruptivo en cuanto a las convenciones en el mundo de la moda o los estándares de belleza tradicionales, según Knight, “es preciso que personas influyentes apoyen medios nuevos y que, además, obtengan resultados brillantes”. Retratista de iconos como David Bowie o Kate Moss, colabora con Chanel, Christian Dior o Louis Vuitton, y ha producido vídeos para Björk o Lady Gaga.

A la izquierda: Sunday 11th October, 2015. El artista ha inmortalizado rosas toda su vida. Rose era el nombre de su madre y su único tatuaje es una rosa.

Abajo: Nick Knight fotografiado por Brit Lloyd. Las imágenes de las obras que ilustran estas páginas han sido cedidas por el artista y la Fundación Barrié.

BEYOND CONVENTIONS

REUS: Santi Pamies | SAN SEBASTIÁN: Larrauri

SANTANDER: Matra | SEVILLA: El Cronómetro | TENERIFE: Ideal | ZARAGOZA: César Sáiz

una selección de tiendas EL CORTE INGLES

RICCARDO BRUNO PRESIDENTE DEL CONSEJO DE ADMINISTRACIÓN DE HARMONT & BLAINE

Una vida de color

La apuesta por el cromatismo de Harmont & Blaine no es sola una cuestión estética: representa una invitación al optimismo y un espíritu alegre y mediterráneo con el que quiere conquistar el mundo.

TEXTO JUAN LUIS GALLEGO FOTOGRAFÍA JACOBO MEDRANO

DICE RICCARDO BRUNO QUE

LA ROPA que llevamos no solo cumple una función, que es también una “forma de comunicarnos”, de “transmitir nuestra identidad”, de “diferenciarnos” e, incluso, de expresar “la forma en que interpretamos la vida”. Por eso, el color es tan importante para Harmont & Blaine, la rma de moda premium fundada en Nápoles (Italia) en 1986 –la del icónico perro salchicha como logo–: porque encierra un marcado mensaje de positividad y optimismo, de estilo de vida vibrante y creativo, mediterráneo e incluso juguetón. Por supuesto, con la calidad y la atención al detalle como aliados indiscutibles. Bruno, napolitano también, es el actual presidente del Consejo de Administración de Harmont & Blaine. Es, sobre todo, un hombre de negocios con una inicial formación como ingeniero electrónico que derivó luego hacia la banca de inversión y las nanzas, sector en el que lleva trabajando 35 años. Experiencia más que su ciente para ver en Harmont & Blaine y en su “alma italiana” un potencial de crecimiento innegable como para decidir subirse al barco como accionista en 2022 a través de un club deal. Con una estrategia clara: expansión de la marca tanto en

producto –con líneas consolidadas de hombre, mujer y niño, hay frentes abiertos en el horizonte como los accesorios, la piel y los productos de cuero– como en mercados: actualmente, Harmont & Blaine está presente en 54 países, con Italia como principal mercado y España como segundo –aunque con una cuota que espera triplicar en los próximos cinco años–, junto a otros emergentes como México, América del Sur o Florida, en principio tan cercanos a ese colorido optimismo que transmite la marca.

Por cierto, y hablando de nuevas líneas de producto: Riccardo Bruno ha viajado a Madrid para presentar –en la agship de la calle Serrano, de poco más de un año de vida– la nueva colección cápsula My Dog & I, con jerséis de cuello redondo y cuello alto de lana y cachemir tanto para el hombre y la mujer como para el perro, al n y al cabo, protagonista del icónico logo de la marca. Explica Bruno que el lanzamiento de una colección tan particular es también una forma de crear comunidad, de atraer hacia Harmont & Blaine a ese creciente número de hombres y mujeres que aman a las mascotas. Y también, como explicó en la presentación de la colección Paolo Montefusco, fundador

y CEO de Harmont & Blaine, “porque la protección del medio ambiente y de los animales es un tema muy importante para la marca, que implica un compromiso constante y diario”.

Riccardo Bruno explica que el smart casual que tan bien representa Harmont & Blaine ha ido ganando terreno en todo el mundo hasta dejar la elegancia clásica para ocasiones especiales; y añade que el color es el instrumento para diferenciarse, para aparcar los formales grises y azules que nos igualaban y encontrar vías de expresión e identidad diferente. Y no hay límite de edad para ello: “Puede variar el estilo, pero no el color”. De hecho, entre los clientes de la marca son actualmente mayoría quienes rondan los 40 años o incluso los superan, hasta el punto de que atraer a los más jóvenes es otro de los objetivos estratégicos de la marca, con las herramientas digitales como principal cauce de comunicación con ellos. No les será difícil: en un mundo no siempre alentador como el que vivimos, el color puede ser la mejor forma de ver la vida.

En la página siguiente, Riccardo Bruno, en la tienda de Harmont & Blaine de la calle Serrano de Madrid.

SILVIO PIETRO ANGORI CEO DE PININFARINA

Diseño que habla italiano, por supuesto

El verdadero alcance y valor de una firma de diseño de automóviles se halla en sus productos, pero por encima de ello hay una filosofía, una forma de entender la creatividad. Esta es la historia de Pininfarina.

TEXTO RICARDO BALBONTIN

MENCIONAR EL NOMBRE DE PININFARINA traslada la imaginación de cualquier a cionado a los automóviles a diseños de leyenda. Incluso aquellos menos avezados en la temática automovilística caen rendidos ante sus creaciones cuando descubren su origen: italiano, por supuesto. Un reconocimiento que, por supuesto, no desmiente su CEO Silvio Pietro Angori: “Cuando se habla de coches, de diseño, sin duda Pininfarina está, si no el primero, entre los tres principales nombres que nos vienen a la cabeza. Y cuando se habla de diseño de automóviles italianos, seguro que se piensa de forma especial en nosotros. Y creo que ese es uno de los elementos más importantes que nos motiva cada día: que tenemos una herencia tan importante que nos desafía y obliga a hacerlo mejor porque no podemos detener el progreso”.

Esa es una constante en el devenir de la compañía, “en la que tengo el privilegio de que, durante los últimos 15 o 16 años, he sido el director ejecutivo. La forma en que he interpretado mi tarea –añade– no ha sido solo mirar los resultados nancieros y económicos, sino que tengo dos de-

beres. Uno es una responsabilidad social hacia las personas, no solo los accionistas o los empleados, sino a todos los que participan en la empresa, para asegurarme de que estamos haciendo todo lo posible para satisfacer las necesidades de las personas. Y el segundo es crear un entorno que fomente en gran medida la creatividad; lo fascinante es que las personas con las que trabajo todos los días son realmente especiales, porque tienen mentes creativas. No solo los propios diseñadores –remacha–, también los ingenieros”.

Todos ellos comparten unos valores que identi can la historia y el presente de Pininfarina: “En el pasado nos hemos identi cado con tres objetivos: pureza, elegancia e innovación. Estos tres elementos son la base de nuestra marca, de nuestra losofía. Elegancia, porque cuando ves un coche diseñado por nosotros existe una elegancia intrínseca. La pureza se re ere a las líneas de este diseño. Con solo tres líneas, el diseñador expresará un concepto. Y luego, por último, está la innovación, que es la que nos dirige siempre hacia el futuro. Porque como estaba diciendo antes, el diseño es la armonía

entre el estilo y la tecnología. Porque si solo tienes estilo, no necesitas tener un contenido tecnológico. Y del mismo modo, si se hiciera únicamente ingeniería, no tendría alma, y el alma se obtiene con la combinación de estas dos cosas”.

Físico de formación, Silvio Pietro Angori encontró en el automóvil su camino. Cuando se le pregunta por el diseño que más le ha impactado lo tiene muy claro: “Hay un coche que probablemente no sea muy conocido, el Lancia B24 America, y para mí es uno de los diseños más elegantes que se hayan concebido nunca. Pero no es un coche de lujo, era un coche sencillo”. No puede acabar el encuentro sin mencionar a Paolo Pininfarina, y ahí Silvio Pietro Angori habla del “privilegio durante los últimos 15 años de haber podido trabajar con él. Al principio era, digamos, una relación formal, porque él era un alto ejecutivo, era el presidente de la empresa, pero pasado el tiempo la relación se volvió amistad”.

En la página siguiente Silvio Pietro Angori, en el espacio expositivo de la Colección Pininfarina, en la sede de la compañía, en Turín.

DIEGO VILLALBA ARTISTA

Arte de alta costura

Aprendió los secretos de la moda en la empresa familiar, pero, tras años al frente del taller, la pasión por el dibujo ha sido determinante para emprender un nuevo camino en el que también aspira al éxito.

TEXTO RICARDO BALBONTÍN FOTOGRAFÍA JACOBO MEDRANO

LA PANDEMIA MARCÓ EL INICIO de una transformación en los objetivos vitales de Diego Villalba; eso sí, dejando claro que sus orígenes iban a estar presentes en su primera colección, donde los patrones de la alta costura se convertían en protagonistas de unos lienzos que recorrían la historia de la rma familiar con personalidad propia. Porque Villalba tiene claro que “la alta costura, como el arte, es libertad. Algo común en ambas, como en todo proyecto creativo, es que desde el principio hago lo que me da la gana. Si luego gusta, genial; que no, mala suerte. Creo que hay público para todo”.

El creador de ende que “no me alejo de la costura, de hacer una costura creativa, paso a hacer algo más artístico”. Una transición que se convierte en lógica cuando el artista esgrime las razones: “Siempre he tenido la idea de que si dejaba la moda me dedicaría a pintar, a hacer algo relacionado con el arte”. Una inquietud que se plasmaba en dibujos y pinturas “que siempre es bueno para la moda”, y que se intensi có en los últimos años.

Diego Villalba se de ne como muy creativo, pero también tiene claro que no hay proyecto sin trabajo: “La verdad es que en mi casa he mamado unas ideas,

pero sobre todo la ética del trabajo, de levantarse cada día y trabajar, y de un determinado ideario. En mi etapa en la moda me inspiraba en los 80, eso no me venía por mí, sino por la marca que era ochentera. Uno tiene un pasado y al nal a ora en todo lo que haces”. Y esa constancia sigue presente en su nueva actividad: “Mínimo le echo 8 o 9 horas diarias al dibujo”. Una demostración de que es feliz con lo que hace, “antes lo era y ahora también. Debo decir que tenía un proyecto muy bonito que era, además, muy ambicioso, y ahora tengo este otro que no sé dónde llegará, pero en el que confío. He pasado de vender vestidos a 30.000 euros a empezar desde cero. Es apasionante comenzar un nuevo proyecto, pero sobre todo hay que tener ilusión en lo que haces”. Y también deja una re exión más sobre la razón de dejar la alta costura: “Todos estos o cios se están perdiendo –explica–. Y al no encontrar a las personas que pudieran confeccionar lo que yo quiero, me hizo replantearme el futuro”.

Antiguos clientes y amigos han sido los primeros que han comprado sus obras, y ahora inicia esa segunda parte de su proyecto en el que ha encontrado di cultades “porque el mundo del arte no es fácil.

Aunque no tengo necesidad de ir rápido; tengo mi espacio y sigo teniendo clientes. He vendido el 50% de la colección; he ganado dinero, y me ayuda a avanzar”. Como cualquier artista, Villalba lo que quiere “es emocionar, transmitir, contar una historia que a la vez sea creativa e innovadora. Necesitaré años para llevar a cabo todo este proceso. En esta segunda serie que estoy preparando se irán viendo cosas, y luego en la tercera aparecerán otras…”. Lo que está claro es que tiene un plan, “una estrategia sin fecha. Llego con humildad y sabiendo que necesito tiempo, pero estoy acostumbrado. Para que los clientes supieran que los diseños en la moda eran míos, tarde años, pero luego eran perfectamente reconocidos porque tenían detalles personales que los distinguían. Esos detalles son los que yo tengo que encontrar en el mundo del arte y eso lleva un tiempo”. Eso sí, también tiene claro que “no voy a romper nunca con mi pasado; he sido diseñador de moda y ese componente se seguirá viendo. Pero mi método por ahora será el dibujo”.

En la página siguiente Diego Villalba posa para GENTLEMAN en su estudio. Detrás, los patrones, que han sido parte importante de su primera exposición.

LA INFELICIDAD VISTA POR UN HOMBRE FELIZ

El escritor estadounidense Michael Cunningham (premio Pulitzer por Las horas) retrata en su nueva novela, Día, las frustraciones de la vida urbana contemporánea. Él, sin embargo, no piensa moverse de Nueva York.

TEXTO JUAN LUIS GALLEGO

FOTOGRAFÍA KENTON THATCHER

MICHAEL CUNNINGHAM

(CINCINATTI, EE.UU., 1952) reconoce ser un tipo con suerte. Estudió literatura inglesa con la firme determinación de hacerse escritor y Las horas, su tercera novela, le valió para ganar el premio Pulitzer y granjearse un reconocimiento público que la adaptación cinematográfica del libro –protagonizada por Meryl Streep, Julianne Moore y Nicole Kidman, Oscar para ella incluida, y dirigida por Stephen Daldry– apuntaló. Su última novela –diez años después de la anterior, La reina de las nieves– es Día (editorial Lumen), un retrato de la vida contemporánea en una gran urbe, el Nueva York en el que él mismo vive, que estructurado en tres actos –una mañana de 2019, en pleno confinamiento por la pandemia; una tarde de 2020 y una noche de 2021– indaga con aparente sencillez y certera introspección en sentimientos tan vitales, quizás también comunes, como la soledad, las expectativas frustradas, el vértigo de los años pasados, el peso de la rutina o el desamor.

Una reflexión que suscita la lectura de Día: cuánta gente viviendo una vida que no es la que quiere...

Seguro que hay gente que sí y gente que no, pero como escritor te interesa más la gente que no es feliz; la gente feliz no es un tema muy interesante para una novela. Y otra reflexión: bueno, es la vida real; solo en las redes sociales es perfecta. Exacto. Cosa que puede ser muy difícil para algunos de nosotros, porque nos conectamos a internet y la vida de los demás nos parece más glamurosa, más estupenda, más satisfactoria que la nuestra. Y es fácil, si te tomas esas cosas muy en serio, acabar pensando que tu vida no lo es. Creo que fue Freud quien dijo que si fuéramos siempre felices no nos daríamos cuenta de que lo somos, y creo que es muy importante reconocer esa felicidad. El covid supone en el libro un antes y un después que reconduce la vida de los protagonistas. ¿Es necesaria a veces una crisis que desatasque situaciones? Buena pregunta. Sí, creo que para

En la página siguiente, retrato de Michael Cunningham. Su último libro se titula Día y sale a la venta en España editado por Lumen.

los personajes de esta novela la pandemia les desatasca un poco la situación; cuesta imaginar que la pandemia pueda haber tenido algo bueno, pero hay gente a la que le cambió la vida y para mejor. Usted mismo estaba escribiendo otra novela cuando llegó la pandemia.

Así es, pero cuando llegó la pandemia no veía la manera de continuar una novela ambientada en un mundo contemporáneo en el que no había pandemia. Porque la pandemia estaba en todas partes. Pensé que podría ser bueno para las ventas (seguir con la otra), pero era incapaz de imaginar siquiera no escribir sobre la pandemia. Y entonces el reto consistió en centrarme en los personajes, y no en la pandemia, porque este no es un libro sobre el virus, es un libro sobre personas. No es la primera vez que utiliza esa estructura en tres partes. ¿Es un buen instrumento para contar historias?

Sí, no para todos los libros, pero el número tres tiene algo, es un número mágico: desde la Santísima Trinidad a los tres actos de una obra de teatro pasando por la Física Nuclear, el núcleo y los dos protones que hacen que los átomos se vuelvan inestables… Es una cifra muy interesante, que no para de salir, y que genera mucha confusión, y como escritor a mí la confusión me interesa.

Además de Las horas, su relato Un hogar en el fin del mundo, ha sido adaptado al cine. Su obra ha inspirado también algún corto. ¿Qué cree que hace las obras más cinematográfica?

Depende, a veces es la trama o quizás algún personaje que algún artista de cine quiera interpretar. Pero sí, ese relato se convirtió en una película con Collin Farrell y Robin Wright. Quizás los relatos cortos se presten más a la adaptación cinematográfica, por tener una trama más concentrada, las novelas son más amplias.

Cuando decidió estudiar literatura inglesa, ¿sabía que quería ser escritor?

Sí. Yo sabía que quería escribir, no tenía claro si se me iba a dar lo bastante bien, pero sí, yo he querido escribir desde que era niño.

Hace años, un famoso escritor, jurado de un famoso premio, criticó el nivel de las obras presentadas y dijo tener la impresión de que algunos quieren ser escritores por la vida que les imaginan más que por talento o vocación. ¿Usted por qué quería serlo?

Algunos de nosotros descubrimos que

“ME ENCANTA VIVIR EN UNA CIUDAD. ME PASO DÍAS SOLO EN UN CUARTITO, ESCRIBIENDO UNA FRASE TRAS OTRA, Y CUANDO TERMINO, QUIERO SALIR A UN MUNDO LLENO DE GENTE”

nos interesa profundamente algo; hay niños que tienen claro que quieren ser músicos, como otros quieren ser científicos. Es algo un poco misterioso, pero creo que hay una gran diferencia entre lo que llamamos talento, que algo hay que tener, y esa idea de un interés ilimitado en lo que uno se ha propuesto hacer, sea tocar el violín o resolver el último teorema de Fermat. Para mí, ese interés ha sido siempre intentar asimilar la vida a través del lenguaje. Y no sé por qué, es así.

¿Ser el escritor de Las horas es bueno sin matices o tiene sus servidumbres?

Sí, claro que tiene sus servidumbres. Lo bueno es que eres uno de los pocos escritores cuyo libro recibe un reconocimiento generalizado, pero eso también es lo malo, porque te preocupa haber tocado

techo y puedes pensar que a partir de aquí todo va a ser cuesta abajo.

¿Realmente ha tenido esa sensación de no hacerlo tan bien como se espera?

Lo mejor de ganar un premio como el Pulitzer es que has ganado el Pulitzer, ya no tienes que volver a ganarlo. Tienes más libertad para escribir lo que te apetezca y te preocupa menos lo de ‘¿volveré a tener éxito, volverán a leerme?’. Quizás ninguna de tus siguientes novelas vuelva a tener el mismo éxito, pero ya lo tuviste.

¿Cómo es su rutina como escritor? Al parecer, comienza saliendo de casa. Sí, tengo un despacho en la otra punta de la ciudad y para mí es importante levantarme, vestirme, ponerme en marcha y tener un lugar aparte para escribir. No quiero estar en calzoncillos en la mesa

de la cocina a las tres de la tarde. Soy bastante disciplinado, toda mi familia lo es. Me gusta escribir a primera hora de la mañana, porque parte de lo que hacemos al escribir es crear un mundo imaginario, así que tengo que ir lo más rápido posible del sueño a ese mundo imaginario para mantener la conexión.

Volviendo a algunos de los temas que aborda Día. ¿Siente usted la tentación de escapar de Nueva York y de las servidumbres de la vida en la ciudad para aislarse, como alguno de los personajes, en un bosque o un paraje en Islandia?

La verdad es que no. A mí me encanta vivir en una ciudad; me paso días solo en un cuartito, escribo una frase detrás de otra y, cuando termino, quiero salir a un mundo lleno de gente, no quiero ir a pasear por el

bosque, quiero acordarme de la variedad de la vida humana.

La idea de fracaso también sobrevuela la vida de los personajes de la novela. ¿Qué diría usted que es el fracaso?

Creo que el fracaso es lo que nosotros decidimos que es... Mientras quieras a gente vas a tener éxito por definición. ¿Está un escritor de éxito como usted libre del vértigo que supone echar la vista atrás y repasar lo vivido?

A riesgo de parecer obscenamente petulante, diré que yo he tenido suerte. No es solo cuestión de trabajar duro, sino que hay una parte de suerte. Me gusta mi vida, me siento agradecido por la vida que tengo. Me arrepiento de unas botas de rebaja que no compré hace 20 años, pero aparte de eso estoy satisfecho.

MANUFACTURA

PERPETUAR EL TIEMPO

En Le Brassus, Blancpain conserva los valores de la tradición con una manufactura donde rige la excelencia de la alta relojería. Así se hace el Villeret Quantième Perpétuel.

TEXTO RICARDO BALBONTÍN FOTOGRAFÍA JACOBO MEDRANO

Imagen panorámica del vallée de Joux, donde se encuentra la localidad de Le Brassus y en la que Blancpain tiene su manufactura histórica.

Junto a estas líneas, imagen exterior de la manufactura de Blancpain, en Le Brassus.

En la página anterior, cuatro imágenes que exhiben detalles del trabajo previo y útiles empleados en la decoración que se lleva a cabo en cada una de las piezas, incluida por supuesto la pletina.

LA RELOJERÍA

ES UN EJERCICIO METÓDICO Y CONCIENZUDO que sigue unas pautas rigurosas, como sucede en todo proceso mecánico; un orden que, sin embargo, no pone coto a la creatividad y su resultante: un producto que es perfecto en su funcionamiento y bello en la imagen que proyecta. Y por supuesto, las complicaciones relojeras son el summum creativo.

Visitar la manufactura de Blancpain en Le Brassus (Suiza) es adentrarse en la historia de una marca fundada en 1735 y reconocida como la firma de alta relojería más antigua. Y seguir el proceso de creación de su calendario perpetuo, una experiencia tan especial como aclaratoria de lo que representa fabricar un reloj y el tiempo que ha de invertirse en el mismo.

La pieza elegida es la última versión del Villeret Quantième Perpétuel en caja de oro rojo y que, por primera vez, viste una esfera verde, ese tono que inunda Le

Brassus con sus bosques de abetos. Hay que recordar que el calendario perpetuo cuenta con un mecanismo complejo que ajusta automáticamente la fecha para tener en cuenta las variaciones de los meses y los años, incluidos los bisiestos. De hecho, solo necesitará de un ajuste en febrero de 2100, mes que no será bisiesto debido a una excepción que se produce tres de cada cuatro siglos en el calendario gregoriano.

Pero hasta llegar a esa pieza que encarna la perfección relojera, hay una serie de pasos necesarios; desde que las máquinas de última generación moldean las piezas, hasta que el reloj está dispuesto para llegar a la muñeca del comprador. Este es su discurrir: una vez que se han creado las piezas, y antes de que estas lleguen a las manos del relojero, deben pasar por el departamento de decoración, situado en la última planta del edificio de Le Brassus, donde cada una de ellas adquiere la forma

y la estética que luego se verá en el calibre, porque no es solo la decoración en sus distintas variantes, sino los ángulos perfectos en cada una de ellas, algo que permitirá el perfecto desempeño en ese mecano que es un calibre relojero.

Superado ese trámite para nada menor en el que hay piezas que requieren varias horas de trabajo, el relojero recibirá un kit con las piezas del movimiento junto con una detallada orden –con su referencia específica–, para el ensamblaje de esos componentes que acabarán conformando el calibre 5954, el movimiento del calendario perpetuo de Blancpain. Porque aunque el relojero sea muy hábil y esté acostumbrado a hacerlo, siempre trabaja con este tipo de indicaciones que le ayudan y le muestran dónde poner los aceites, cómo ensamblar los elementos, y lo más importante, hay otra razón: la calidad.

Calidad, esa es la palabra que define el trabajo relojero. Por eso, una vez

ensamblado, el relojero debe verificar la funcionalidad del movimiento y comprobar cómo funciona y cómo se mueven juntos, antes de pasar al siguiente estadio, que no es otro que colocar las agujas y encajar el movimiento en la caja para que pase la prueba definitiva.

Pero antes de llegar a ello, es importante anotar un detalle que define al calendario perpetuo de Blancpain, y es que sus funcionalidades están aseguradas ante un manipulado incorrecto o movimiento no deseado. O lo que es lo mismo, el cambio en las indicaciones de fecha, mes o de la fase lunar se puede realizar en cualquier momento del día –hay que recordar

En esta página, de izquierda a derecha: Comprobando el correcto funcionamiento con las agujas ya colocadas; control del movimiento automático 5954, que ofrece una reserva de marcha de 72 horas, y vista de la mesa de un relojero.

En la página anterior: En la creación de un reloj como el Villeret Quantième Perpétuel se sigue un meticuloso proceso de control.

que entre las 10 de la noche y las 2 de la madrugada antes no era posible–. La solución de la marca fue un sistema que protege el mecanismo del calendario de posibles daños si el usuario ajusta el reloj mientras están cambiando las indicaciones. Pero hay un segundo avance, registrado en 2005, el que tiene por protagonista a los correctores bajo las asas. Este sistema patentado permite ajustar las indicaciones del calendario con solo presionar un dedo, sin necesidad de una herramienta. Volvamos a la creación de este calendario perpetuo. Una vez que el ensamblaje está terminado, llega la fase de ‘vestir’ (aviage) esa creación mecánica. Es

el momento de introducir el calibre en la caja, un paso en el que se montan el rotor del movimiento, las manecillas horarias y de las distintas funciones y el cristal que protege esfera y fondo de esa caja. Es lo que se conoce como acabado del reloj, actividad en la que se afana otro relojero cualificado de la manufactura. Está trabajando sobre la finalización de la esfera y tiene marcadas unas instrucciones muy precisas de cómo colocar las manecillas correctamente. Este paso es importante para el calendario perpetuo, así que se regula de tal manera que todas las indicaciones de la esfera estén configuradas para que el proceso de cambio

de año se realice de forma instantánea y coordinada.

Hay que detenerse en otro elemento distintivo de Blancpain, el bisel. Su configuración típica con un doble arco es una característica distintiva de la marca. Lo mismo que los rotores, en este caso en forma de panal, que complementan el espectáculo que se percibe en el fondo del reloj y que muestra una parte del calibre. Otro detalle importante: en Blancpain son siempre de oro.

La relojería, y Blancpain por supuesto, ha ido avanzando en la solución de dos de sus grandes inconvenientes: el polvo y el magnetismo. El primero hace tiempo que dejó de ser un problema, pues los espacios

Bajo estas líneas, el producto final. En Blancpain, el calendario perpetuo presenta también una fase lunar a las 6 h, reconocible por su expresión única. A la izquierda, detalle de uno de los salones de la manufactura.

de trabajo cuentan con avances que los convierten en libres de polvo, pero aún así los relojeros extreman las medidas de limpieza de cada reloj porque cualquier mota puede obligar a rehacer los pasos de ensamblado. Respecto del magnetismo, hay que decir que en Blancpain ahora las espirales son de silicio, es decir, amagnéticas, lo que repercute positivamente en la precisión de la marcha del reloj, o lo que es lo mismo, garantiza un correcta cronometría y funcionamiento de las distintas indicaciones del calendario.

Todo este proceso de creación está auspiciado por distintos controles de calidad, que se llevan a acabo a medida que se producen las intervenciones, desde la

decoración al producto final, pasando por las distintas etapas de ensamblado. Pero hay una prueba final y definitiva, la que cada reloj debe pasar en una máquina que simula 4 años de vida del reloj, incluyendo los años bisiestos. Una prueba en la que una señal acústica indicaría que hay algo incorrecto en la creación, y que permite afirmar que el reloj está listo. Cierto es que luego pasará un control de cronometría, pero superar este examen es sinónimo de que se han hecho bien las cosas. El calendario de Blancpain es ya una realidad; desde que empezaron las tareas de decoración habrán transcurrido algo más de dos semanas, una nimiedad en el valor real del tiempo. Perpetuo, por supuesto.

PARTAGÁS LÍNEA MAESTRA

MAESTRO

Vitola de galera: Deleites, cepo 56 x 132 mm + Capa: Colorada, fina, con grasa y brillo + Sabor: Herbáceo, terroso, con ligeras puntas minerales + Aroma: Amaderado, floral, algo tostado + Fortaleza: Fuerte + Tiempo de fumada: 50-60 minutos.

ORIGEN

Vitola de galera: Bondadosos, cepo 46 x 154 mm + Capa: Colorada, fina, sedosa, con grasa y brillo + Sabor: Herbáceo, muy amaderado, terroso y cremoso + Aroma: Floral, con recuerdos a heno, cuero y chocolate + Fortaleza: Fuerte + Tiempo de fumada: 50-60 minutos.

RITO

Vitola de galera: Gustosos, cepo 52 x 168 mm + Capa: Colorada, sedosa, con grasa y brillo + Sabor: Herbáceo, tostado, terroso, con puntas minerales + Aroma: Amaderado, floral, especiado y dulzón + Fortaleza: Fuerte + Tiempo de fumada: 75-85 minutos.

LOS CAMINOS A LA EXCELENCIA

Habanos presenta en España la nueva Línea Maestra de la apreciada marca Partagás, que está disponible en los estancos especializados en tres nuevas vitolas: Maestro, Origen y Rito.

LA MARCA PARTAGÁS ES UNA DE LAS MÁS RECONOCIDAS de Habanos. El distintivo carácter de su ligada, compuesta por tabacos seleccionados procedentes de la zona cubana de Vuelta Abajo, en Pinar del Río, es de una riqueza de matices de sabor y aroma inimitable, especialmente apreciada por los fumadores más expertos que disfrutan de tabacos de mayor carácter y fortaleza. Ahora, las cavas españolas dan la bienvenida a Partagás Línea Maestra, una nueva línea que se conforma de tres nuevas vitolas inéditas en el portafolio de Habanos: Origen, Maestro y Rito, para rendir homenaje al origen único de los cigarros cubanos, al maestro que los crea y al rito que acompaña su disfrute. Cada vitola se presenta en el novedoso formato ‘cabeza tumbada’ como sello distintivo dentro de la marca, y también con doble anilla, una de ellas al pie del habano, con un especial y cuidado diseño. Partagás Maestro (66 €/habano), Partagás Origen (58 €/habano) y Partagás Rito (73 €/habano) están ya disponibles en estuches coleccionables con un habano de cada una de las vitolas de la línea a un precio de 294 €/estuche, y próximamente también lo estarán en cajas de madera de 20 Habanos cada una. Juan Parra

PORTADA

El actor Mark Ruffalo ha sido nominado a los Oscar en cuatro ocasiones, la última por Pobres Criaturas, en la que interpreta un papel de ‘malo’ muy alejado del estereotipo que le ha acompañado durante años.

METAMORFOSIS CREATIVA

Ha sido el más bueno de los buenos en Hollywood, pero Mark Ruffalo se ha cansado de ese papel, o de repetirlo tanto: ahora piensa reaprovechar su estrella para seguir sorprendiendo. Sin dejar de ser él.

TEXTO IRENE CRESPO

FOTOGRAFÍA JASON ARMOND

CASI UNA DÉCADA SE PASÓ

MARK RUFFALO (Kenosha, Wisconsin, 1967) yendo de audición en audición, en su moto de segunda mano, sin conseguir nada. Sobrevivía trabajando como camarero, incluso durante una temporada en el famoso Chateau Marmont de Los Ángeles sirviendo copas a las estrellas del cine que no aspiraba a ser: siempre dice, de manera muy creíble, que nunca tuvo esa ambición, que su aspiración se limitaba a vivir de su trabajo como actor.

Hijo de una peluquera y de un constructor, descubrió la interpretación por casualidad. En el instituto se centró en la lucha libre, pero un día, al pasar por delante de la clase de teatro y ver que hacían casi lo mismo pero con más chicas, cambió de extraescolar. En el primer espectáculo de teatro del colegio, el protagonista falló y la profesora le eligió como sustituto. Ruffalo puso voz de Colombo a su detective y, en cuanto salió a escena, recibió las primeras risas desde la platea. Ahí se dio cuenta. “Dios mío, esto es lo que voy a hacer el resto de mi vida”, recuerda.

Para el final de su adolescencia su familia se mudó a San Diego. “Era un surfista, un skater, estaba en una banda de punk, pero sabía que quería probar suerte con la interpretación”, dice explicando cómo la profesión le salvó de alguna forma. Se plantó en Los Ángeles con 19 años, directo a la escuela de Stella Adler, tuvo la suerte de caerle bien a la secretaria y le matriculó. “No era nada bueno al principio. En mi clase estaba Benicio Del Toro, él sí era bueno, impresionante, no necesitabas más que un segundo para darte cuenta de que nunca ibas a ser como él”. Y así fue… al menos durante esa década sin trabajo. Hasta que, por fin, en el cambio de siglo empezó a despuntar: primero gracias a Ang Lee (Cabalga con el diablo, 1999) y después, sobre todo, con

Puedes contar conmigo (Kenneth Lonergan, 2000). Su carrera despegaba, era uno de esos nuevos nombres con potencial, estaba rodando La última fortaleza con Robert Redford y James Gandolfini, esperaba su primer hijo con su mujer… y de pronto, fundido a negro. Casi literalmente. Ruffalo tuvo un sueño muy vívido: tenía un tumor cerebral. Tan vívido era que acudió al médico y se lo confirmaron. Nació su hijo y diez días después le operaron, se le paralizó toda la parte izquierda de la cara. Tuvo que abandonar Señales, de M. Night Shyamalan, y desapareció.

Caída y auge... hasta la cima

Se concentró en su recuperación; la única secuela que le quedó fue la pérdida de audición del oído izquierdo. Regresó más fuerte que nunca, aceptando casi todo proyecto que pasara por delante, incluso se lanzó a la comedia romántica (Ojalá fuera cierto, Dicen por ahí…). Tras haber enfrentado la muerte cara a cara, era más realista sobre la volatilidad de todo; también más empático y compasivo. Todas esas cualidades que le han granjeado el respeto de la industria hollywoodiense, pero que también le han llevado en los últimos 20 años por una deriva de papeles de buen hombre con contadas excepciones, como el donjuán sin solución de Los chicos están bien (2011), por el que llegó su primera nominación al Oscar, o el adicto al sexo de Amor sin control (2012). Fueron años también de trabajar con grandes directores: David Fincher (Zodiac, 2007), Spike Jonze (Donde viven los monstruos, 2009), Martin Scorsese (Shutter Island, 2010), John Carney (Begin Again, 2013) Fernando Meirelles (A ciegas, 2018)… Y de lanzarse incluso a dirigir (Sympathy for Delicious, 2010). Su carrera seguía la deriva de prestigio y autor clásica y, sin esperarlo, volvió a dar un vuelco.

“AL PRINCIPIO, TUVE UNA RELACIÓN COMPLICADA CON HOLLYWOOD, PERO ME HA DADO MUCHO Y TENGO QUE AGRADECERLE LO QUE ME HA ENSEÑADO”

Joss Whedon le quería para interpretar al Hulk del nuevo siglo, quería esa simpatía y amabilidad que emanan sus poros para encarnar al más irascible de los superhéroes de Marvel en eterna lucha con su propio carácter. Ruffalo se lo pensó un poco, pero no demasiado. Y a pesar del miedo de entrar en un universo cinematográfico millonario, en un circuito de fans y convenciones y disfraces, Ruffalo aceptó y le ha merecido la pena. “Me ha dado la oportunidad de hacer cosas que probablemente jamás habría hecho –admite–. Al principio, tuve una relación complicada con Hollywood, pero tengo que agradecerle lo que me ha enseñado incluso en los momentos más difíciles. Me ha dado mucho, incluso las lecciones más duras. Y si lo comparas con cualquier otra industria del mundo, probablemente sea la menos mala”.

Ser Hulk le ha dado una plataforma desde la que seguir comprometido con causas políticas y sociales. Después de lo que Los chicos están bien hizo por la aprobación del matrimonio gay en California, Ruffalo se montó su propia productora para contar historias que importan, como en Aguas oscuras (2019), y sigue hablando en las alfombras rojas y las redes sociales de temas que le importan. “Hasta ahora no me ha dado ningún problema –asegura–. Como actor, he mejorado. Como artista, estoy más seguro y confiado. Como ciudadano, me he unido más a la gente que hay a mi alrededor. Quizás haya hecho algunos enemigos, pero sé que he hecho muchos más amigos. Hay mucha más gente buena ahí fuera que mala”. Sin embargo, delante de la cámara quiere interpretar más malos. Es una inclinación que le despertó el desagradable

Duncan Wedderburn de Pobres criaturas (2023), un papel para el que no se sentía preparado, pero que su director, Yorgos Lanthimos, vio clarísimo (y que le valió otra nominación al Oscar). De nuevo, jugar con esa bondad innata de Ruffalo mientras hace cosas horribles. Sin darse cuenta, por inercia, le habían encasillado. “Me sentía un poco atrapado y era un sentimiento un poco deprimente”, contaba estos meses. Por eso, en su siguiente película, Mickey 17, de Bong Joon-ho (Parásitos), “es un pirado, un proto-fascista, otro narcisista que puede abrir conversaciones hoy”. Y, por fin, tras un descanso de un año recomendado por sus médicos en el que se ha dedicado a la escultura, regresa recargado, dispuesto a seguir “encontrando cualidades humanas” hasta en los peores villanos y aprovechando este momento “de absoluta libertad creativa”.

Mickey 17 es la nueva película de Mark Ruffalo, una obra de ciencia ficción en la que comparte protagonismo con Robert Pattinson y Toni Collette. Su estreno está previsto en enero de 2025.

VIVIENDAS

El nivel económico, por supuesto, pero también la edad determinan una elección tan vital como entregarse al bullicio de la ciudad o alejarse del ‘mundanal ruido’ con una casa en plena naturaleza.

TEXTO

FERNANDO SCHWARTZ ILUSTRACIÓN JACOBO PÉREZ-ENCISO

HAY POCOS TÍTULOS MÁS SOSOS que el que encabeza este pequeño comentario, sobre todo cuando se piensa en la cantidad de deseos, sacrificios, pasiones, felicidad y ruinas que encierra. La vivienda tiene tanta intensidad en la vida de la gente como el matrimonio, el trabajo o los divorcios. Y ahora que lo pienso, los divorcios suelen multiplicar las viviendas por dos, lo que tiene poca gracia si se hace por mandamiento judicial.

Hubo un tiempo, hace 50 o 60 años, en que se decía que el precio del alquiler no debía exceder el tercio de los ingresos del que alquilaba. Lo aseguraban los americanos, que para estas cosas son muy precisos. Hoy ese tercio ya no tiene validez. Hoy o se alquila o no se alquila y todo depende del dinero de la gente, tercio o no tercio; mi abuela decía con gran firmeza “qué dinero ni qué niño muerto, dinero contante y sonante”. Porque hoy las casas tienen poco que ver con los deseos de la población. El problema de la vivienda es que es escasa, tiene un sobreprecio inalcanzable y es, probablemente, la mayor preocupación en la vida de las personas que no llegan. Que son la mayoría. En todo este asunto hay un intermediario que facilita las cosas. No diré que las abarata pero sí que las facilita: la agencia inmobiliaria, cuyos titulares deben tener la habilidad, el corazón implacable, la paciencia y la ternura indispensables para convencer y negociar a diestro y siniestro. Algunos son tan buenos que se granjean

la amistad de todos y, después de la firma, se van a tomar copas con compradores, vendedores, inquilinos y arrendadores. Es frecuente identificar las preferencias inmobiliarias no solo con el nivel económico de las gentes sino con su edad. Cuanto más joven se es, más urbano se es. El bullicio, la localización del trabajo, la cercanía de museos y teatros, de amigos, de placeres intelectuales colectivos, de paseos (pocos) por los parques del municipio, dictan que se quiera vivir en un entorno de ciudadanía. Calles llenas, atascos, contaminación, malos humores y semáforos son la pátina inevitable bajo la que se esconde el placer de vivir en muchedumbre. Benditos los jóvenes.

Existe otro entorno alejado del ‘mundanal ruido’ que permite pensar, reflexionar, disfrutar sin el sonido inarmónico y ensordecedor de la maquinaria municipal. Son dos estilos de vida bien distintos y, siempre habrá alguien que asegure envidiar la vida de campo de que disfruta usted en su casita de la linde del bosque. También habrá quien, viviendo fuera y lejos de la ciudad, apetezca el pisazo en la calle Serrano en Madrid o en el barrio de Pedralbes en la Barcelona alta. Cada cual (el que puede gracias a un amplio bolsillo, claro) escoge el lugar en el que prefiere vivir, incluso si para ello requiere la asistencia a largo plazo de un banco amigo. Mi vida me ha llevado por muchas casas, desde la primera en el trópico rodeado de arañas malévolas hasta la de

ahora en los límites de la ciudad con una maravillosa vista sobre la bahía al fondo de un bosque de pino mediterráneo. En medio ha habido unas cuantas más, pasando por un magnífico palacete del XVIII en el centro de La Haya y un bellísimo Son en un olivar al borde de una cala mallorquina. Ah, y al menos un apartamento luminoso en el centro de Madrid cuando aún podía vivirse en tan estruendosa capital. La pregunta es: ¿se puede tener casa lo suficientemente lejos de una ciudad para no oírla mientras se acude a ella a diario para trabajar? Bueno, los millonarios con casa en Long Island conmutan a diario con Manhattan en su helicóptero (y, por supuesto, no viajan ‘larga distancia’ si no es en vuelos que llaman no comerciales). Desde luego que hay gente así, pero este artículo no es dedicado a ellos. Porque, al final, uno vive como puede, arriba o abajo de la escala del confort. La mayor parte, abajo, como cuando, en los años 40 y 50, se pagaban 300 o 400 pesetas por alquileres de renta antigua, para desesperación de los dueños de las casas de lóbregos pasillos, grifería de hierro y tuberías de plomo. No valía la pena hacer obras de remodelación para la habitabilidad del edificio. De todos modos, la calefacción era del peor carbón y los ascensores se estropeaban continuamente. Hoy hay aire acondicionado pero los ascensores se siguen estropeando, por más que los vestíbulos sean de mármol y en sus paredes luzcan grabados de escenas de caza.

DONDE HABITA LA LIBERTAD

Junto a estas líneas: Exterior del castillo normando Chateau d’Ecrainville, construido a finales del siglo XIX al estilo del siglo XVII. Durante la II Guerra Mundial fue utilizado como hospital y permaneció vacío los siguientes 20 años. Originalmente, se conocía como Chateau de Diane. En la página siguiente: El Gran Salón, ampliado aún más tras tirar dos tabiques y una escalera, por la reforma de RAVAGE. Su decoración demuestra el enfoque ecléctico de temas que conectan diferentes épocas. El mobiliario es obra de RAVAGE.

Diseñadores de moda e interiores, asesores de grandes firmas de lujo, Arnold van Geuns y Clemens Ramecker –reunidos en la marca RAVAGE– han convertido un castillo en Normandía en su refugio de vida y trabajo.

TEXTO MARC HELDENS FOTOGRAFÍA MARK SEELEN

Las impresionantes pinturas murales del Gran Salón son obra del propio Van Geuns. “Los colores monocromáticos –explica–ponen la observación de la naturaleza bajo una luz muy diferente. Aparentemente, son escenas muy decorativas y unidimensionales; sin embargo, aquellos que las miran con más detenimiento descubrirán que se trata de experimentar paisajes intrusivos e ineludibles”.

En esta página, de izquierda a derecha: Un rincón del salón utilizado como librería y detalle de la escalera del hall de entrada, flanqueada por dos grandes jarrones (bautizados como La llegada y La partida), con un tapiz obra de RAVAGE en el fondo y una escultura que representa a Juana de Arco.

En la página anterior: El comedor privado. Tanto las sillas como la mesa como los murales pintados en las paredes e incluso el reloj son obra de Van Geuns, de RAVAGE y de uno de sus antiguos becarios, ahora en Studio Job.

En la página anterior: Dos imágenes del dormitorio principal y una del baño. La bañera es la original del castillo. La mesa de madera de la habitación es antigua; todo lo demás es obra de RAVAGE.

Clemens Ramecker (izquierda) y Arnold van Geuns, más conocidos como RAVAGE –la firma bajo la que ofrecen sus servicios de diseño y consultoría–, son holandeses, aunque desde hace casi medio siglo viven en Francia, primero en París y después en Normandía, los últimos años en esta mansión cercana a la costa.

ESOS CINEMATOGRÁFICOS ACANTILADOS BLANCOS de la costa oeste francesa se encuentran en Normandía, en el departamento de Seine-Maritime, junto a la pequeña ciudad de Etretat. Muy cerca, en una vasta finca de ocho hectáreas, rodeado de verdes colinas, bosques y pueblos pintorescos, se encuentra el Chateau d’Ecrainville, una espectacular edificación del siglo XIX que dos holandeses han convertido en el refugio donde viven y trabajan y también en el escaparate de lo que son capaces de hacer. Ellos son Arnold van Geuns y Clemens Rameckers, unidos empresarialmente bajo la firma RAVAGE y dedicados a múltiples actividades creativas: fundamentalmente, diseñar moda e interiores y ayudar a otros, en especial marcas de lujo aunque también minoristas, a hacerlo, compartiendo su talento para descubrir, cuando no crear, tendencias.

París fue, cómo no, el lugar elegido cuando, después de estudiar en la Arnhem Fashion Academy, renunciaron a dar clases y optaron por “desplegar sus alas creativas”. Y, claro, la capital de la “moda y la alta costura internacional” y su “deliciosa forma de decorar” ha dejado su sello en la forma que tiene RAVAGE de entender el diseño, moviéndose entre las dos culturas de sus creadores: “La holandesa, donde se encuentran nuestras raíces, a menudo muy poco convencionales e inconformistas; y la francesa, nuestro día a día, donde casi todo se debe a la historia y la cultura. Casi se podría decir que RAVAGE es una mezcla creativa de sobriedad holandesa y savoir vivre francés”, resumen.

¿En qué se traduce eso? Pues en una apuesta sin complejos por los excesos que poco tiene que ver con el diseño “severo y serio”, impregnado de

“minimalismo”, imperante en los años 90 y algunos más. “Pero la marea ha cambiado –dicen–. Vivimos una época de libertad, llena de variedad e imaginación”. El recorrido por el Chateau d’Ecrainville lo atestigua: desde las impresionantes pinturas que adornan las paredes del gran salón, hasta la mesa de madera pintada a mano con arabescos blancos y negros, los grandes jarrones que adornan el vestíbulo de entrada o la pequeña capilla, Petite Chapelle, en que convirtieron el anterior pequeño salón. Todo, o prácticamente todo, es obra de RAVAGE, que tiene a Van Geuns como principal alma creativa –de hecho, es el ocupante habitual del estudio-taller situado en el ático– y a Rameckers más centrado en los viajes y la atención a clientes. Pero el lenguaje es único, aunque, como ellos mismo dicen, siempre en progreso. Así es la libertad creativa.

DONDE TODO ES POSIBLE

Vivir en plena naturaleza sin renunciar a los alicientes urbanos se convierte en un auténtico lujo en estas casas de diseño exquisito a pocos kilómetros de la ciudad.

TEXTO MARÍA ORRIOLS

En la página anterior: la vista aérea permite ver cómo la casa se integra en el entorno natural de Cavall Bernal de Matadepera. En esta página: detalle del exterior, habitación con chimenea y grandes ventanales y sala de estar, que se comunica con la cocina abierta.

CON UN PARQUE NACIONAL COMO VECINO

Con una parcela de más de 2.000 m2 a los pies del monte de La Mola, enclavada en el entorno natural de Cavall Bernal de Matadepera, en Barcelona, y a tan solo a cien metros del parque natural de San Llorenç del Munt i l’Obac, esta vivienda es un sueño para todos aquellos que quieran irse a vivir al campo. El diseño inspirado en la Bauhaus se centra en darle todo el protagonismo al entorno natural: así, la casa cuenta con grandes ventanales del suelo al techo que hacen que la vegetación exterior esté omnipresente en cada rincón y, además, se eleva a tres metros de altura dando la sensación de que flota sobre los jardines. Con más de 200 m2 habitables, tiene cocina abierta a la sala de estar, un estudio con galería, dos dormitorios, un baño, un aseo, un vestidor y una amplia bodega, además de terrazas con orientación sur y norte, chimeneas, jacuzzi y piscina de agua salada con sistema de nado a contracorriente.

Matadepera (Barcelona).

Precio: 950.000 €.

Más información: coldwellbanker.es

MINIMALISMO ORIENTAL A LAS AFUERAS DE MADRID

Rodeada por un precioso patio japonés, esta exclusiva vivienda de lujo de dos alturas está ubicada en una extensa parcela de 4.000 m2 dentro de la urbanización Golf de Las Rozas, a menos de 30 km de Madrid. Con espacios amplios, llenos de luz y con impresionantes vistas a la sierra madrileña, la casa cuenta con cinco habitaciones con baño en suite, amplios jardines y áreas exteriores, piscina privada y acceso exclusivo a las instalaciones del club de golf. Cabe destacar el moderno diseño compuesto por tres módulos de hormigón en los que las aristas y el cristal son los protagonistas. En el interior, destaca el amplio salón comedor con paredes de listones de madera, que vuelven a estar presentes en el baño de la habitación principal y zona de la piscina y que siguen la estela del diseño japonés, siendo la única licencia decorativa permitida al margen de los grandes ventanales que dotan de luminosidad a toda la casa.

Sobre estas líneas: detalle de uno de los pasillos forrados con listones de madera y vista exterior, en la que destaca la estructura compuesta por tres cubos.

Abajo: vista aérea de la propiedad.

Las Rozas (Madrid).

Precio. 3.950.000 €.

Más información: coldwellbanker.es

BOLD AT HEART

PURO DISEÑO CON VISTAS A LA BAHÍA

Con vistas a la bahía de Gijón y mucho más allá de los casi 1.500 m2 de parcela con la que cuenta la propiedad, llama la atención el diseño arquitectónico exterior de esta casa donde el juego de volúmenes es parte de su encanto. Al entrar, son sus acabados de alta gama y su gran diseño interior lo que hacen de esta propiedad una vivienda única. Como lo es el techo del salón que junto con el tabique de dicha estancia funciona como una escultura suspendida de madera. Dividida en dos plantas, la casa cuenta con cuatro dormitorios con baños en suite, y parte de la segunda planta, a la que se accede también por ascensor, aparece volada sobre la primera permitiendo que la luz de los amplios ventanales inunde todos los rincones de la vivienda. La joya del jardín es la piscina infinity situada frente al porche y un bonito invernadero con huerto que hará las delicias de todos los que quieren vivir en la naturaleza al cien por cien.

Somió (Asturias).

Precio. 2.800.000 €.

Más información: engelvoelkers.com/es

De arriba abajo y de izquierda a derecha: imagen del salón con tabique y techo de madera; detalle de la sala de estar con la segunda planta volada, y aspecto del exterior de la casa.

A la derecha: el salón, con los ventanales abiertos al jardín.

Abajo: imagen frontal de la casa con el jardín delantero y la piscina a la izquierda.

Finestrat (Alicante).

Precio. 1.490.000 €.

Más información: viva-sothebysrealty.com/es

UNA VILLA ABIERTA A LA NATURALEZA

Caminar por su cuidado jardín dejando atrás la impresionante piscina de 42 metros y llegar a la entrada de dos alturas es suficiente para darte cuenta que esta vivienda es un paraíso para todos aquellos que buscan la tranquilidad. Divida en dos partes, el ala izquierda está dedicada a un amplio salón, comedor y cocina con isla central pensada para todos aquellos que disfrutan del arte de cocinar. Las grandes puertas correderas de vidrio permiten conectar los espacios interiores con los exteriores dejando entrar la luz natural y que los olivos y pinos formen parte de la decoración de la casa. En invierno, la moderna chimenea creará un ambiente acogedor, perfecto para disfrutar de las vistas de la montaña Puig Campana. El ala oeste cuenta con tres dormitorios en suite, pero el principal, el cuarto, con vestidor y un espectacular baño se encuentra aislado y con magníficas vistas en el nivel superior: el refugio más personal.

Las empresas no compiten cada cuatro años sino a diario. Contra sí mismas y contra sus competidores. Y todas ellas compiten contra los impagos. Pero el éxito es un deporte en equipo. Y no hay mejor compañía que el seguro de crédito, su prevención, indemnización y recobro. Allí donde lo necesite. Porque el sello de la tranquilidad también es saberse acompañado en todo momento.

¿Riesgo de impago?

¿Incertidumbre?

Haga como miles de empresas: deﬁéndase.

CLÁSICA POR FUERA, MODERNA POR DENTRO

Dentro de la urbanización Jaizkibel, donde está el centenario Real Golf Club de San Sebastián, se encuentra Villa Jaizubia Golf, una casa de casi 350 m2 con una parcela privada de 4.000 rodeada de vegetación autóctona y a tan solo 15 kilómetros de San Sebastián. El clasicismo del exterior contrasta con el diseño moderno del interior. Dividida en dos plantas, abajo se encuentran las zonas comunes como la cocina, el comedor y el salón principal con chimenea y un gran ventanal con vistas a las Peñas de Aia, además de al jardín y la piscina, que cuenta con un cerramiento de cristal para poder ser usada fuera de temporada. En planta superior, además de otro salón, está el despacho, la suite principal con vestidor y chimenea y otra de las cuatro habitaciones con las que cuenta la casa. Tampoco falta en el jardín una caseta con vestuarios y baños.

Hondarribia (San Sebastián).

Precio. En alquiler. Más información: feelfreerentals.com/es

La casa, con una arquitectura exterior inspirada en el País Vasco, acoge en el interior un diseño moderno como el que refleja la sala de estar y la escalera de ascenso a la segunda planta.

EL LUJO ES ESTO

St. Regis, The Residences, Casares - Costa del Sol crea un nuevo paradigma en el producto residencial de lujo. Residencias extraordinarias, diseñadas y construidas por Caledonian, en la mejor ubicación de la costa y con el servicio y el mantenimiento de la marca hotelera más mítica del mundo: St. Regis.

ST. REGIS, THE RESIDENCES, CASARES - COSTA DEL SOL está ubicado en Finca Cortesín, la urbanización más sofisticada de la costa malagueña, a medio camino entre Marbella y Sotogrande, que cuenta con un hotel, catalogado entre los 50 mejores del mundo; así como el Lanserhof Health Resort (en construcción), posiblemente el mejor de Europa; y con un campo de golf de renombre mundial, sede de la Volvo World Match Play y de la Solheim Cup. Todo ello en un entorno tranquilo de villas privadas de lujo.

El proyecto está diseñado y construido por Caledonian, un referente indiscutible en la creación de viviendas

premium desde 1998. Su construcción es técnica y sostenible, y utiliza materiales de primera calidad, con una arquitectura reconocida mundialmente. El equipo es un auténtico dream team que reúne a algunos de los mejores profesionales del sector: el arquitecto brasileño Marcio Kogan (Studio MK27), el interiorista Lázaro Rosa-Violán, la paisajista Isabel Duprat y el diseño de iluminación obra de María Covarrubias, entre otros.

Pero el elemento más importante y diferenciador es el servicio hotelero que aporta al cliente la firma St. Regis. Reconocida por sus world-class luxury standards y por la excelencia de su

En la página anterior, de arriba abajo: Render de la fachada exterior del proyecto y aspecto del salón, diseñado por el afamado interiorista Lázaro Rosa-Violán. En esta página, de arriba abajo: El Residents Bar y el baño principal, ambos diseñados también por Lázaro Rosa-Violán.

Más información: srrcostadelsol.com

Contacto: srr@caledonian.es. Tfno.: +34 622 111 095

icónico Signature Butler Service, St Regis es parte del grupo Marriott, líder indiscutible en el sector hotelero, así como en el mercado de las Branded Residences.

La combinación de todos estos elementos da como resultado un producto residencial sin precedentes en España. Una experiencia verdaderamente mimada y cuidada hasta el mínimo detalle para que los propietarios puedan vivir sin inconveniencias. Con un sinfín de comodidades y servicios a su disposición para disfrutar plenamente de una propiedad sin una sola preocupación que, además, representa, sin duda, una gran inversión. Juan Parra

RETIRO EN EL PARAÍSO

En un entorno idílico de la isla de Tenerife, en un jardín tropical, se encuentra Abama Resort, que ofrece la oportunidad de adquirir apartamentos y lujosas villas integradas en la naturaleza y con vistas al mar. Un lugar donde vivir es un sueño.

ES EL MOMENTO DE CAMBIAR DE VIDA, y hacerlo en el que es el secreto mejor guardado del sur de Europa, un rincón privilegiado del planeta: Abama Resort, el destino de lujo más exclusivo del archipiélago canario, situado en el sur de Tenerife. La compañía Abama Luxury Residences es la encargada de desarrollar sus proyectos inmobiliarios en este entorno incomparable: un auténtico regalo para quienes buscan un cambio de vida, ya sea teletrabajando desde un lugar de ensueño, eligiendo el sitio perfecto para su hogar o disfrutando de una segunda residencia. Abama cuenta con servicios 5* al alcance de la mano: tiendas, restaurantes, complejos deportivos y hasta un centro de bienestar y belleza, mientras la exuberante naturaleza del entorno

inspira paz y calma absolutas. Más de 400 familias de diversas nacionalidades cuentan ya con propiedades en Abama, aunque el comprador nacional gana peso. Los apartamentos y villas turísticas y privadas, diseñados por reconocidos arquitectos, ofrecen vistas espectaculares al océano Atlántico, La Gomera, a Abama Tenis o Abama Golf, uno de los mejores campos de Europa.

Abama Luxury Residences tiene a la venta dos exclusivas promociones: Los Jardines de Abama, apartamentos de 1, 2 y 3 dormitorios completamente amueblados y listos para entrar a vivir; y Las Villas del Tenis, viviendas de lujo con terraza y un gran espacio exterior, piscina privada, una estética contemporánea y exquisita y muebles de alta gama. abamahotelresort.com

Sobre estas líneas: Uno de los apartamentos de Los Jardines de Abama. Con un diseño moderno que combina comodidad y elegancia, destaca por su exuberante vegetación y amplias terrazas. Precio: desde 615.000 €.

En la página anterior, arriba: Detalle de Plaza Abama, el nuevo espacio comercial del Abama Resort.

En la página anterior, abajo: Una de Las Villas del Tenis, con terraza, piscina privada, vista panorámica al mar y un interiorismo en el que se ha cuidado hasta el último detalle. Precio: desde 2.100.000 €.

TRENZAR EL MUNDO

Álvaro Catalán de Ocón, Premio Nacional de Diseño 2023, encuentra en el intercambio con culturas lejanas y ancestrales la clave de bóveda del mobiliario contemporáneo. Honestidad, sensibilidad y riesgo son algunos rasgos de su trabajo.

TEXTO MARIO CANAL

FOTOGRAFÍA JACOBO MEDRANO

EN LA ZONA MADRILEÑA DE MARQUÉS DE VADILLO, en una antigua imprenta de cuatro pisos atravesados por un hueco que ilumina todas las plantas, tiene su estudio Álvaro Catalán de Ocón (1975). Aunque el espacio posee ese carácter espectacular que aporta lo industrial y sea también acogedor, el diseñador prefiere trabajar lejos de aquí: en África, en Sudamérica, en Asia, en Oceanía. En contacto con comunidades indígenas que colaboran en la creación de sus piezas: “Es lo que realmente me da la vida y me engancha –reconoce–. Pasar un mes, un mes y medio, dos meses con un grupo aborigen en Australia es otro nivel de experiencia. Y lo mismo con comunidades colombianas, chilenas o etíopes, de Ghana, Japón, Tailandia...”.

A principios de 2010, ya se había hecho un sitio en la escena nacional e internacional. Sus obras eran audaces en la técnica; precisas en la estética, y empáticas desde un punto de vista afectivo. En muchas ocasiones, el cuestionamiento del propio ejercicio del diseño era el núcleo del que crecían las piezas, como la mesa Prima –en referencia a la familiaridad que tiene con la obra Cugino del italiano Enzo Mari–, que centra su atención en el soporte de tres patas que sostiene la plancha circular de cristal, transformando una cuestión técnica en ornamento. O la mesita accesoria Rayuela, que al igual que Prima busca la economía de medios maximizando su potencia visual. En este caso, mediante la repetición de un módulo que, combinado con otros idénticos,

En la página siguiente, Álvaro Catalán de Ocón en su estudio madrileño bajo una lámpara PET Lamp Gurunsi, realizada con una comunidad indígena de Ghana.

genera diversas formas de construir un patrón geométrico y el propio mueble.

A pesar del reconocimiento que obtenía por su trabajo, el sector estaba aún muy afectado en aquellos años por la crisis de 2008. Salir del estudio, experimentar y buscar nuevas fronteras fue la manera en la que Catalán de Ocón afrontó un periodo de incertidumbre. Volver a los orígenes del diseño se convirtió en el punto de partida que abrió un mundo de posibilidades que aún sigue explorando. Y en el que la preocupación medioambiental, tan ligada a lo ancestral y vernáculo, aportaba una solución creativa a un reto global.

“Nuestra intención era responder a los residuos plásticos que había en muchas zonas selváticas colombianas –explica el diseñador–. Como ahí no hay industria

del reciclaje, decidimos reutilizar las botellas de plástico, hacer upcycling, ya que reciclarlas requiere energía, infraestructuras y maquinarias. La artesanía en Colombia es muy potente y muy personal, y trabajamos con un grupo de artesanos desplazados por la guerrilla en el Amazonas”. El resultado de aquella aventura fue la PET Lamp. Una pieza superventas que el año pasado celebró su décimo aniversario y cuya solución formal es muy sencilla: la tulipa crece entretejida de la boca de una botella de refresco, fabricadas habitualmente con plástico PET. De ahí su nombre.

Si las primeras comunidades con la que colaboró Catalán de Ocón fueron los esperara-siapidara y los gumbianos, después continuó con los chimbarongo en Chile, los abisinios de Etiopía,

Sobre estas líneas, diversos módulos que sirven para crear la mesita-taburete Rayuela sobre los estantes en los que descansan elementos de otras piezas, como la mesa Riad. En la página anterior, una lámpara PET Lamp realizada con la colaboración de la comunidad aborigen australiana raminging, sobre una serie de mesas Alhambra.

Junto a estas líneas, las tulipas individuales de la PET Lamp realizadas en Etiopía, de nombre Abisinia.

La PET Lamp luminaria nació como medio de enfrentar el problema de la contaminación por los residuos que generan las botellas de refresco elaboradas con material plástico PET. En colaboración con comunidades indígenas de todo el mundo, Álvaro Catalán de Ocón rescata técnicas y saberes artesanales en riesgo de desaparecer.

los raminging de Australia y los pikul de Tailandia, entre otros.

Cada cultura aporta su saber ancestral, la técnica y estética que le son propias, introduciendo una dimensión antropológica a las piezas. La intersección de lo industrial y lo artesanal genera en el diseño una síntesis que se ha convertido en marca de la casa. En un sentido más poético, la luz de estas lámparas nos recuerda la existencia del otro, o de quienes fuimos.

En la colaboración que realizó con los aborígenes de Australia, en lugar de tulipas individuales desarrolló una sola pieza tejida de gran tamaño que está iluminada desde abajo, ya sin botellas PET. La forma extendida, como una alfombra, inspiró los trabajos más recientes de Catalán de Ocón, piezas murales sin función prácti-

ca. Los Tapices Frafra parten de imágenes aéreas de poblados del norte de Ghana, realizadas por dron y reinterpretadas por los propios artesanos que las habitan.

“Es un trabajo colaborativo. No pretendemos que sea algo únicamente nuestro, damos un margen de creatividad muy grande”, explica Catalán de Ocón sobre su alianza con comunidades indígenas. “Nosotros lanzamos la idea y sugerimos quizás formas de hacerlo y ellos encuentran la forma específica de resolverlo desde la técnica. Nosotros no sabemos tejer, pero tenemos una perspectiva amplia del tejido. Siempre digo que el diseñador no es experto en nada”.

Atravesados por la naturaleza, los diseños de Catalán de Ocón van más allá de la simple aplicación de estrategias

artesanales al diseño. Plastic Rivers, otra de sus series más populares, son alfombras de hilo de plástico obtenido en la India, cerca del río Ganges. “La idea era que el objeto hablase del material del que está hecho. El 80-90% del plástico en los océanos viene de diez o veinte ríos. Entonces, queríamos registrar cuatro de ellos y que fuese como un documento objetivo”. El tacto de estas alfombras es sorprendentemente suave, parece que los dedos fluyen sobre una corriente de seda. El mapa del río sobre el que se camina, obtenido de Google Earth, recuerda la dimensión tecnológica en la que nuestra sociedad occidental se mueve. También la distancia que nos aleja de la naturaleza a la que Catalán de Ocón regresa una y otra vez en busca de inspiración.

AVENTURA EN LA CIUDAD

Blauer demuestra su capacidad para crear prendas de alto rendimiento y estilo contemporáneo con la cazadora Bike Akron, de elegante inspiración motera.

ESENCIA DE LA MODA MOTERA CON UN TOQUE SOFISTICADO, la cazadora Bike Multibolsillos Akron de Blauer es una prenda icónica que fusiona estilo y deportividad. Fabricada en piel de alta calidad, de corte ajustado, incluye detalles de diseño, como las franjas en blanco y rojo en las mangas, que aportan un aire deportivo en contraste con el negro profundo. El acabado acolchado y los múltiples bolsillos con cremallera no solo proporcionan una estética moderna, sino también una gran practicidad para el hombre contemporáneo que valora tanto el diseño como la comodidad. Para quienes quieren destacar con un look atrevido y refinado, la Biker Akron de Blauer ofrece una protección ligera para las temporadas de entretiempo que combina espíritu aventurero con elegancia urbana. Otra muestra de la maestría de Blauer para crear prendas duraderas y de alto rendimiento (769 €). María Rosa

MODA

En esta página: Abrigo cruzado de lana con botones con logo; pantalón con cierre de cordón y botas, todo de DOLCE&GABBANA, y paraguas con mango de ciervo, de FRANCESCO MAGLIA.

En la página siguiente:

Izquierda: Abrigo cruzado de lana y seda de color cámel y con placas doradas en los bolsillos, de LOUIS VUITTON, y jersey de cuello alto de lana, de HERNO.

Derecha: Chaquetón de lana color burdeos con botones efecto usado, de L.B.M. 1911, y jersey de cuello alto de lana y cachemir, de FILIPPO DE LAURENTIS.

ELEGANCIA NATURAL

Abrigos cruzados con botones en contraste, gabardinas de piel con costuras vistas o chaquetones con interior técnico, con la cálida lana o la suave alpaca como aliados. El invierno se viste de estilo.

PRODUCCIÓN Y ESTILISMO GIOIA CAROZZI / STEFANO SPINETTA

FOTOGRAFÍA ANDREA VARANI

En la página anterior:

Abrigo cruzado de alpaca a rayas burdeos y azules, de BELVEST; jersey con cremallera de lana gris, de SVEVO; pantalones negros de pinzas, de GABRIELE PASINI, y mocasines de ante, de SEBAGO.

Sobre estas líneas:

En primer plano: Abrigo de lana con cuello mao, de MANZONI 24; jersey de lana trenzada y pantalones, de BOGLIOLI, y guantes de cuero, de BOTTEGA VENETA.

Izquierda: Abrigo cruzado de pata de gallo, de TAGLIATORE; suéter de lana con cuello redondo, de CAINS MOORE, y pantalón de lana con ajuste de cordón, de PIACENZA 1733.

En la página anterior:

Izquierda: Chaquetón de cuero marrón oscuro; suéter de lana gris con cuello de pico y pantalón negro con pinzas, todo de BOTTEGA VENETA; botines de piel, de TOD’S; y paraguas con mango de ciervo, de FRANCESCO MAGLIA.

Derecha: Abrigo de lana de botonadura sencilla; jersey de cuello alto de lana; pantalones de lana con pinzas y bufanda de lana, todo de PIOMBO IN OVS; botas, de TESTONI, y paraguas con mango de castaño, de FRANCESCO MAGLIA.

Sobre estas líneas: Abrigo de lana tipo loden con cuello de piel, de FENDI.

Sobre estas líneas:

Chaquetón oversize de lana con interior técnico; pantalón de lana verde y jersey con cuello de pico y diseño geométrico con inserciones de piel, todo de HERMÈS; calcetines de lana, de GALLO, y zapatos con cordones, de DOUCAL’S.

En la página siguiente:

Abrigo de lana técnica, de K-WAY; jersey de cuello redondo, de MONCLER GRENOBLE; pantalones de terciopleo a rayas, de BRUNELLO CUCINELLI; botas de goma, de LE CHAMEAU, y bolso, de VALEXTRA.

MULTIACTIVO

En la ciudad, en el campo, en el trabajo o para momentos más relajados. Construimos con las marcas de El Corte Ingles cuatro looks para cubrir cualquier momento del día.

ESTILISMO MARÍA LARRÚ

FOTOGRAFÍA JUAN CARLOS DE

MARCOS

En la página anterior: Abrigo en color cámel; camisa blanca; pantalón; pañuelo en seda estampada; bufanda de color gris con estampado, y mocasines de piel con antifaz, todo de EMIDIO TUCCI. Chaqueta con cierre de cremallera, de DUSTIN.

Sobre estas líneas: Chaqueta acolchada con cuello de pana, de LLOYD’S. Chaqueta en color beis con cremallera; camisa estampada a cuadros; pantalón de pana color marrón; sombrero con ala media y cinta en piel; zapatos náuticos en piel con suela de goma, y cinturón de piel, todo de EMIDIO TUCCI.

TOTAL LOOKS

Parka con capucha en color azul; traje de chaqueta y pantalón; camisa en color azul; tirantes; zapatos de piel con doble hebilla, y corbata con estampado de minitopos, todo de EMIDIO TUCCI.

Cazadora en estampado espiguilla; pantalón en denim con cinco bolsillos; gorra en estampado a cuadros; bufanda en color azul estampado; cinturón en piel de color negro, y zapatos de piel con cordones, todo de EMIDIO TUCCI. Camisa en color cámel, de DUSTIN.

UNA CLASE DE ESTILO

La boutique de Hackett London en Madrid se convirtió en una masterclass sartorial donde, además, se pudo comprobar la calidad y variedad de posibilidades que brinda el servicio de tailoring de la firma. Por supuesto, inconfundiblemente British.

EL ESTILO SIEMPRE ES UN EJERCICIO PERSONAL , de manera especial cuando este sigue pautas sartoriales. Hackett London es desde su nacimiento como marca un representante fiel del estilo British, pero con su propia personalidad, y lo que es más importante, hizo accesible la moda nacida en Londres. Hace unos días, un grupo de amigos de Gentleman pudo comprobar de primera mano que Hackett London es algo más que una marca de ropa; la boutique de la firma en Jorge Juan, 7 (Madrid) fue el escenario elegido para mostrar otra de sus especialidades: el servicio de sastrería a medida. A ritmo de banda de jazz y con los consejos del equipo del servicio de tailoring de la boutique como plato fuerte de la velada, los asistentes pudieron descubrir la calidad de los tejidos empleados, la variedad de opciones que ofrece Hackett London en la confección de las prendas –desde una chaqueta a un traje o un chaqué,

A la izquierda: Desde la revista Gentleman quisimos que algunos de nuestros amigos y lectores experimentaran de primera mano el trabajo que realiza el departamento de tailoring de Hackett London. La experiencia no defraudó. Debajo, un chaqué creado por este departamento donde, como dicen, todo es posible.

Fotografía: Jacobo Medrano

De izquierda a derecha y de arriba abajo: Hackett London ofrece una variedad de productos que permite vestir al gentleman tanto para el día a día como en aquellos momentos más especiales. La sastrería es la indicada para ello y en Hackett London han reunido un equipo profesional de primer orden que, además, trabaja con los mejores tejidos y complementos. En realidad, la experiencia es todo un ejercicio de personalización en el que se puede elegir todo, hasta la botonadura que se quiere poner al traje.

EXPERIENCIAS

Sobre estas líneas:

Los futbolistas Juan Iglesias y Luis Milla siguen atentos la presentación del equipo de tailoring de Hackett London. Arriba, a la derecha, Iglesias hizo de improvisado modelo para explicar el proceso de confección de un traje de la firma británica.

pasando por la camisa y ofreciendo multitud de complementos– y sin perder un ápice de la personalidad de la firma. Al finalizar la presentación, los invitados pudieron comprobar la personalidad de otro de los protagonistas, el whisky Laphroaig, un Islay de carácter único y representante de una región que siempre ha destacado por su personalidad diferente. Como dicen en la marca: “Desde la turba distintiva que nos da nuestro carácter ahumado único, hasta la convicción de nuestra gente, hacen que Laphroaig sea inconfundible”. La cata estuvo acompañada por el servicio de catering de Ménage à Tres, que también sorprendió por su propuesta. Fue el complemento perfecto para una velada que dejó claro que en cuestiones de estilo manda la personalidad… la diferenciación. Y de eso, Hackett London sabe mucho.

Bajo estas líneas, a la izquierda: Edson Elguer y Gonzalo Hurtado conversan una vez finalizada la presentación. A su lado, Ghassan Elgeadi, con Juan Pajares y Carmen Pérez.

A la derecha, arriba y abajo: La firma de whisky Laphroaig ofreció una cata de sus productos; fue el complemento perfecto para una velada marcada por el estilo.

Fotografía: Jacobo Medrano

LA ELEGANCIA DEL ESPÍRITU DEPORTIVO

La 5ª generación del Huawei Watch GT renueva y mejora las prestaciones tecnológicas del smartwatch y mantiene la glamurosa sofisticación de sus diseños.

LOS SMARTWATCHES DE LA SERIE GT DE HUAWEI reúnen estética, con un diseño cuidado y un nivel elevado de artesanía y tecnología de materiales, y rendimiento, con prestaciones de última generación y una batería que dura hasta dos semanas. Llega ahora la 5ª generación, compatible con Android e iOS, y disponible en edición Pro o Estándar. Fabricados con aleación de titanio de calidad aerospacial y cerámica de nanocristales, los nuevos Huawei Watch GT 5 Series ofrecen un seguimiento de la salud y forma física con un sensor actualizado y algoritmos mejorados e incoporan un sistema de posicionamiento más preciso y optimizado, lo que permite, por ejemplo, una experiencia de carrera y ciclismo totalmente nueva. Tanto si se trata de una sesión de fitness como de una salida de ocio, este smartwatch es un compañero elegante y versátil preparado para cualquier actividad cotidiana. J. Parra

Arriba, a la izquierda: Huawei Watch GT 5 Pro 46mm modelo Tarnish Titanium con correa negra de fluoroelastómero (379 €).

Arriba a la derecha: Huawei Watch GT 5 Pro 42mm White Ceramic con Correa Blanca Cerámica y Dorada (599 €).

Sobre estas líneas: Huawei Watch GT 5 Pro 46 mm Titanium con Correa Titanio (499 €).

VIAJES

En esta página: Imagen del Riverside Mozart, el crucero fluvial más grande que navega por los ríos de Europa y que surcará el Danubio estas Navidades descubriendo mercadillos y tradiciones en grandes capitales y pequeñas localidades con encanto.

En la otra página: La alta calidad y la variada oferta gastronómica a bordo es una de las señas de identidad de Riverside.

NAVIDADES EN EL DANUBIO

Especializada en lujosos cruceros fluviales por Europa, Riverside Luxury Cruises propone itinerarios para pasar las fiestas descubriendo mercadillos navideños y delicias locales.

RIVERSIDE LUXURY CRUISES es una prestigiosa compañía que organiza cruceros fluviales en Europa, con el lujo como seña de identidad y la exquisita atención al cliente como bandera. Ahora, desde el 21 de noviembre hasta el 3 de enero, pone en marcha Riverside Mozart, con una selección de itinerarios navideños por el Danubio, de diferente duración para adaptarse a los deseos de cada viajero y con paradas en grandes capitales como Viena, Budapest y Bratislava, pero también en pequeñas localidades con un encanto especial como las austriacas Krems y Linz. Uno de los itinerarios más especiales se extiende del 22 de diciembre al 2 de enero y recorre ciudades como Krems, la puerta de entrada a la región

de Wachau; Linz, cuna de la famosa tarta de Linz; la imponente abadía benedictina de Melk o la monumental Budapest, mientras el viajero descubre mercados navideños y degusta las deliciosas especialidades de la época. La Nochebuena se celebra en la ciudad natal de Mozart, Salzburgo; la Navidad, en una tradicional granja alemana en Passau, con música y celebraciones; y la aventura culmina con la Nochevieja en Bratislava o el Año Nuevo en la icónica Viena. El Riverside Mozart, el crucero fluvial más grande que navega por los ríos de Europa, está equipado para brindar una experiencia excepcional. Su personal ofrece una atención casi personalizada, con un miembro de la

tripulación por cada dos pasajeros, lo que asegura un nivel de hospitalidad digno de un hotel de lujo, así como servicio de mayordomo para cada suite

A bordo, los pasajeros disfrutan de una oferta culinaria de alto nivel, que va desde platos europeos inspirados en los Habsburgo hasta creaciones modernas de la cocina mediterránea. Los restaurantes a bordo, como el exclusivo Waterside, ofrecen tanto comidas informales como cenas elegantes. Además, la Sala Vintage permite disfrutar de una cena especial acompañada de un maridaje de vinos cuidadosamente seleccionado. El Riverside Mozart oferta también actividades únicas como paseos en bicicleta por las ciudades y vuelos en globo. María Rosa

En esta página, uno de los cocineros de La Cocina de Frente guisando en los fogones del establecimiento. En la página siguiente, aspecto del comedor del restaurante, referente del cocido en Madrid. Ibiza, 40 Madrid lacocinadefrente.com

SOBERANA CUCHARA

En pleno otoño, las temperaturas templadas, la luz de unas jornadas cada vez más breves y una naturaleza en plena mutación reaniman cada año el interés por los guisos ancestrales, que en España ofrecen un amplio repertorio.

TEXTO FEDERICO OLDENBURG

GASTRONOMÍA

De izquierda a derecha y de arriba abajo: Verdinas con setas de temporada, en Casa de Comidas, el nuevo restaurante de Rafa Zafra NH Collection Madrid Eurobuilding Padre Damian, 23 casadecomidas-restaurante.com

Detalle del restaurante Adobo, de Enrique Valentí, en Barcelona Carrer del Milanesat, 19 Sarrià-Sant Gervasi, Barcelona adobo.es

Comedor de Marcela Brasa y Vinos, en León Pl. de S. Marcelo, 9 León marcelabrasayvinos.com

COMO BIEN SABEMOS, LA GASTRONOMÍA EVOLUCIONA al compás de los tiempos. Pero también es cierto que en España la ancestral pasión por los guisos de toda la vida –también llamados ‘platos de cuchara’– permanece incólume. Tal es así que ni siquiera los gourmets más recalcitrantes, o los foodies guiados por las últimas tendencias gastro, aquellos que acostumbran a afrontar sin remilgos menús de tropecientos bocados de sabores inauditos y estética minimalista, son capaces de resistirse al placer infinito que depara un buen cocido, una

NI SIQUIERA LOS GOURMETS MÁS RECALCITRANTES SON CAPACES DE RESISTIRSE AL PLACER INFINITO QUE DEPARA UN BUEN COCIDO, UNA SUCULENTA FABADA O UNOS UNTUOSOS CALLOS

de sus mejores intérpretes en la Taberna Pedraza. Su cocinera y propietaria, Carmen Carro, lo sirve en tres vuelcos, elaborado con suma precisión, con los mejores ingredientes y cuidadosamente desengrasado. Otro cocido de referencia en la capital es el de La Cocina de Frente, que aquí tiene su propia liturgia: el servicio comienza con una croqueta de ropa vieja, seguida por una sopa de fideos y sus encurtidos, una ropavieja de verduras y huevo frito, el vuelco de las carnes con tres tipos de tocino, morcillo de ternera, jamoncitos de pollo de corral, chorizo y morcilla, y el tuétano con tartar de apio como broche final.

Aunque quizás el cocido más original de la ciudad sea el que sirve en Treze el cocinero

suculenta fabada o unos untuosos callos. Ni qué decir del resto de los mortales, que regresamos una y otra vez a las viejas casas de comidas en busca de sensaciones perdidas, como Proust a su magdalena.

Por suerte, y a pesar de que tantos temían que la hipnótica atracción de la vanguardia, con su frondoso bagaje de nuevas técnicas culinarias y largo catálogo de extravagancias, acabaría por dar carpetazo a las recetas de la abuela, lo cierto es que hoy la cocina tradicional está más viva que nunca. Prueba de ello son los innumerables locales de nueva generación que se abocan con entusiasmo a recuperar los platos emblemáticos de la cultura tabernaria. Valga este recorrido por suculentos platos de cuchara que en este otoño se ofrecen en restaurantes de la geografía española para dar fe de la vigencia y diversidad de una especialidad culinaria que continúa teniendo tanto apego.

Empezando por Madrid, donde la oferta es amplísima. El tradicional cocido, rey de la cuchara en la capital, tiene uno

Saúl Sanz, elaborado con carnes de caza. Una receta que solo se ofrece en temporada cinegética, ya que sustituye el tradicional morcillo y las carnes de pollo o gallina por jarrete de jabalí, ciervo, perdiz y faisán; y los embutidos de cerdo, por chorizo y morcilla de ciervo.

Más allá del cocido, en esta temporada el nuevo Tragabuches de Dani García ha introducido en su carta la sección Abuelas en la Cocina, para poner en valor recetas de la gastronomía andaluza de toda la vida. Así, tanto en los locales de Madrid como en Marbella de este restaurante se pueden probar platos de cuchara, como la Verdinas con almejas en salsa verde o las Alubias con choco en amarillo.

También en Madrid, otro chef de renombre que recupera la cuchara para su último proyecto en la ciudad es Rafa Zafra, que en su Casa de Comidas prepara unas Verdinas con setas de temporada de inspiración tradicional.

Por supuesto que también hay buenos callos en Madrid, pero para viajar un poco fuera en esta ocasión recomendaremos

GASTRONOMÍA

los que sirven en Marcela Brasa y Vinos, notable establecimiento en la ciudad de León, que despliega su oferta en una taberna-bar de vinos más informal en la planta calle y restaurante gastronómico en la planta superior.

Del interior hacia la costa

Por su parte, en Daroca de Rioja, los hermanos Echapresto continúan afianzando en Venta Moncalvillo una propuesta asentada en el respeto al entorno y la memoria, que incorpora las técnicas culinarias de vanguardia y ha merecido el respaldo de dos estrellas Michelin. Pero no pierde sintonía con los sabores tradicionales, como el de unas Alubias con perdiz, plato de cuchara revisado por Ignacio Echapresto. El Cap i pota, estofado elaborado a base de morro y manitas de ternera, muy popular en toda Cataluña, tiene en Adobo, el restaurante barcelonés de Enrique

Comedor de Venta Moncalvillo, con vistas al jardín y huerto del restaurante.

Ctra. Medrano, 6 Daroca de Rioja, La Rioja ventamoncalvillo.com

OTRAS DIRECCIONES

Taberna Pedraza Calle de Recoletos, 4 Madrid tabernapedraza.com

Treze Restaurante

General Pardiñas, 34 Madrid trezerestaurante.com

Tragabuches Ortega y Gasset, 40 Madrid

Ana de Austria, 2 Marbella, Málaga grupodanigarcia.com

Askua Restaurante

Carrer de Felip Maria Garín, 4 Valencia askuarestaurante.com

La Milla 29602 Marbella, Málaga lamillamarbella.com

Valentí, una de sus versiones más suculentas, con un descarado toque picante.

También en Valencia se atreve con una Cap i pota, amén de otros sabrosos guisos, el chef David Vázquez, para marcar su impronta como propietario en la nueva etapa de Askua, un referente del buen comer en la capital del Turia.

Por fin, volviendo a Marbella, otro restaurante que siempre hay que tener en cuenta y este otoño hace un guiño a los platos de cuchara es La Milla. Siempre con los productos marineros como eje, el establecimiento que dirigen el chef Luis Miguel Menor y su socio César Morales ha incorporado a su carta de temporada novedades como las Alubias con guiso de choco y calamarito a la brasa, la Cazuela de fideos con setas y almejas o los Garbanzos del puchero salteados con calamar. Los sabores del otoño también se disfrutan frente al azul del Mediterráneo.

MARIDAJE PARA GUISOS

El secreto de la alianza de los platos de cuchara con algunas vinos es el tiempo y el carácter que comparten. Fuego lento, variedad y una forma pausada de llegar a un resultado final sustancioso y opulento.

TEXTO PILAR MOLESTINA

BESTIZO 2023

Emilio Moro

DO Bierzo

Cata La variedad mencía es la protagonista de la incursión de esta bodega de la Ribera del Duero en territorio berciano. Al final, se impone el saber hacer de tintos y este 2023 se muestra pletórico de frescura con mucha presencia de fruta y envolventes recuerdos especiados. Imposible encontrarle mejor pareja que un guiso de cuchara o un suculento estofado tradicional.

CONDE

DE SAN CRISTÓBAL RESERVA ESPECIAL 2018

Conde de San Cristóbal

DO Ribera del Duero

Cata El discreto toque graso de este tinto, que resulta fresco y con tonos especiados, puede constituir la mejor pareja de mesa para un plato de cuchara con cantidad de ingredientes y que resulta suntuoso. Un vino intenso, complejo, con muy buen paso de boca, fluido y de buena acidez. Elegante y rotundo.

VINOS

FUENTELÚN RESERVA 2018

Cruz de Alba

DO Ribera del Duero

Cata Los datos se recogen rápido en este tempranillo de vides de 35 años sobre suelos de arenisca a una altitud de 700 m y elaborado bajo preceptos biodinámicos; las sensaciones completan el cuadro de un tinto equilibrado, con cierto poderío, carnoso y amplio. Un complemento perfecto para un plato de legumbres en su versión más ligera.

GRAN RODMA 2021

Finca Rodma

DO Ribera del Duero

Cata Exclusivo, escaso y de personalidad marcada por un tempranillo de altitud de dos pequeñas parcelas que dan fruto para esta etiqueta solo cuando sus características son excepcionales. Un vino untuoso, de equilibrada armonía y muchos registros balsámicos enmarcados en vagos recuerdos de madera noble. Para un guiso de cuchara de aromas profundos.

HABLA Nº 32 2021

Habla

VT Tierra de Extremadura

Cata De personalidad marcada, donde las notas varietales reconocibles de la syrah son una invitación a intensas sensaciones golosas y frutales. Se presenta también envuelto en matices ligeros de la madera donde ha llevado a cabo su crianza y que le aportan tanicidad y complejidad. Acompañarlo de una caldereta tradicional le permite ganar enteros.

MONTE REAL RESERVA

2019 (90 ANIVERSARIO)

Bodegas Riojanas

DOCa Rioja

Cata Tempranillo de casta perfectamente identificable, con aromas de frutos rojos y negros y tonos balsámicos que acompañan una boca amplia, sabrosa que se confirma a lo largo de toda la degustación hasta su persistencia final. Armonioso, con cuerpo y bastante redondo, es un tinto que mantiene la frescura y lo convierte en el mejor aliado de recetas caseras.

MONTECILLO GRAN

RESERVA 2017

Bodegas Montecillo

DOCa Rioja

Cata Una buena interpretación de clasicismo riojano que solo aparece en cosechas especiales. De tono rojo rubí, boca untuosa y estructurada donde la fruta cobra importancia y con un post gusto largo que acompaña platos donde el protagonismo de las carnes da pie a guisos sabrosos y llenos de matices.

PAGO DEL CIELO 2019

Familia Torres

DO Ribera del Duero

Cata Un tinto de aromas y sabores que hablan de su origen y de las características de los suelos de las dos parcelas de donde proviene la tinto fino con la que está elaborado. Es un vino concentrado y con bastantes matices atractivos. El mayor acierto en la mesa es escoltarlo con un guiso de productos sencillos y sabores auténticos.

SCALA DEI HERETGE 2021

Scala Dei

DOQ Priorat

Cata Como su nombre indica, un hereje elaborado con cariñena entre las típicas garnachas de la zona. Responde a una vieja tradición de esta bodega que cumple 50 años de su refundación. Tradición y autenticidad van de la mano en este tinto de viñas viejas que crecen en laderas de pizarra de carácter único. Complejo, redondo, atractivo, largo y envolvente.

FICHA TÉCNICA

SEAT León e-Hybrid Sportstourer.

Chasis: Familiar + Motorización: híbrido enchufable, con 1.5 TSI y una batería de 19,7kWH + Potencia: 204 CV + Autonomía eléctrica: hasta 133 km.

El nuevo SEAT León está disponible con carrocería 5 puertas y familiar Sportstourer, e introduce novedades en digitalización y nuevos motores.

El León convierte a SEAT en Campeona de España de Energías Alternativas 2024. Y lo ha hecho en la categoría de vehículos híbridos enchufables, gracias a la versión e-Hybrid del SEAT León (bajo estas líneas), que en este EcoRally ha demostrado ser el más eficiente y dinámico.

25 AÑOS ELEVANDO EL NIVEL

SEAT renueva el emblemático León nacido en 1999 con la nueva generación de motores híbridos enchufables y mejoras en la digitalización y el infoentretenimiento.

EL SEAT LEÓN LLEGÓ AL MERCADO EN 1999. Y, en su 25 aniversario, sigue siendo un modelo esencial en la estrategia de la marca. De hecho, SEAT ha decidido introducir en el renovado León mejoras en motorización y tecnología. Así, en el primer aspecto, son dos los motores nuevos que recibe: un 1.5 TSI de 115 CV y un híbrido enchufable perteneciente a la nueva generación e-Hybrid con 204 CV que ahora alcanza los 133 km de autonomía en modo puramente eléctrico. De esta forma, la amplia gama de motorizaciones del León queda configurada por cuatro tecnologías diferentes –gasolina, diésel, Mild Hybrid, con etiqueta ECO, e híbrido enchufa-

ble, con etiqueta Cero emisiones– con un total de siete opciones a elegir con potencias que van de 115 a 204 CV. En el exterior, el SEAT León recibe mejoras tecnológicas con los nuevos faros Matrix LED, disponibles por primera vez en este modelo y que permiten circular con las largas en todo momento generando sombras dinámicas para no deslumbrar al resto de vehículos. Los cambios en el interior, por su parte, están enfocados a la digitalización, con una nueva interfaz hombre-máquina que se ha implementado en el Digital Cockpit de 10,25 pulgadas tras el volante, así como en el sistema de infoentretenimiento con pantallas de 10,4 y 12,9 pulgadas.

Estos cambios están presentes tanto en la variante de cinco puertas como en la familiar Sportstourer. Precisamente un SEAT León Sportstourer, con motorización e-Hybrid de 204 CV, ha permitido a la marca proclamarse campeona de España de Energías Alternativas 2024 en la categoría de vehículos híbridos enchufables. Los equipos SEAT, formados por periodistas especializados, han logrado tres victorias y dos podios; la marca, además, no solo ha ganado el título de mejor fabricante del campeonato, sino también el de escuderías. Una demostración de que un modelo familiar como el Sportstourer puede ser también eficiente y dinámico. J. Parra

APUESTA AL CUADRADO

Patek Philippe ha lanzado una nueva colección que se decanta por el reloj de forma y con un nombre llamativo: Cubitus. Nace con tres creaciones que anticipan por dónde discurrirá una línea que está definida por el sport chic

TEXTO RICARDO BALBONTÍN

UN NOMBRE QUE NO SE OLVIDA, CUBITUS, Y UN DISEÑO CUADRADO inédito en el universo Patek Philippe para dar vida a una nueva colección, que se declina inicialmente en tres versiones (Gran Fecha, Día y Fases de la Luna Instantáneos, Ref. 5822P-001 de platino, la Ref 5821/1AR-001 que combina acero y oro rosa con una esfera azul sol y la Ref. 5821/1A-001 de acero). Cubitus y su geometría inédita hay que situarlo en el sport-elegant, pero sobre todo hay que entenderlo con esa filosofía personalísima que siempre procura la manufactura ginebrina, no solo en la mecánica sino también en el ámbito del diseño con el desarrollo de un estilo estético propio. Así nacieron los Calatrava en 1932, o los Golden Ellipse en 1968. Si repasamos la lista de

En la página anterior: El diamante en forma de baguette es también una novedad en este reloj de platino creado por Patek Philippe. Debajo, detalle de los acabados del calibre de la Ref. 5822P-001.

En esta página, uno de los elementos novedosos de la colección Cubitus y de su reloj con complicación en la gran ventana de la fecha.

best-sellers, el Nautilus (1976), acabó convertido en el reloj iconográfico de la elegancia deportiva. En 1993 llegaba el Gondolo, y cuatro años después los Aquanaut. La visión femenina del Twenty~4 debutaba en el año 1999, y esa es en puridad la última colección –dentro de esa colección en 2018 llegaba el Twenty~4 Automático–.

Pero vamos al nuevo diseño. El Museo Patek Philippe, en Ginebra, alberga algunos modelos creados en la manufactura con la caja de forma cuadrangular, de manera especial en los años del art déco. Pero para esta nueva

colección Cubitus, Patek Philippe ha desarrollado una estética marcada por un bisel de ángulos redondeados –es decir, combina el cuadrado, el círculo y el octógono–. La nueva caja Cubitus se distingue también por sus asas y por su construcción en dos piezas (fondo/ carrura + bisel). El diámetro de 45 mm se combina con un perfil muy fino (9,6 mm en la pieza con complicaciones y 8,3 en los tres agujas) que le permite un perfecto ajuste y comodidad en la muñeca.

Otra particularidad: el contraste entre los acabados –satinado vertical y pulidos– habla de audacia pero también de horas trabajo; de hecho, estos acabados requieren unas 55 operaciones manuales por reloj. El brazalete metálico integrado que equipa a dos de los tres Cubitus iniciales sigue estas mismas pautas decorativas. Mientras, para acentuar el toque deportivo, las esferas, rotores y micro-rotores cuentan con un relieve horizontal para remarcar el carácter de la nueva colección.

Sin duda, la estrella inicial de esta colección es el Cubitus Gran Fecha, Día y Fases de la Luna Instantáneos, un modelo dotado de una nueva

En la otra página, Patek Philippe ha creado una nueva colección que, a pesar de su generoso tamaño (45 mm), se adapta perfectamente a la muñeca gracias a su mínimo grosor.

En esta página, imagen del calibre del Cubitus Gran Fecha, Día y Fases de la Luna Instantáneos, y detalle de la pulsera de esta creación.

complicación y un movimiento con seis solicitudes de patentes. Para ello, la manufactura ha desarrollado un movimiento, el calibre 240 PS CI J LU de cuerda automática, que ofrece una mejora en la gestión de la energía para las indicaciones y sus saltos simultáneos en 18 milisegundos. Otro detalle es la perfecta alineación de las cifras de la gran fecha (a las 12 h), así como la posibilidad de corregir todas las indicaciones en cualquier momento del día. Las indicaciones coaxiales del día y de las fases de la Luna a las 7 h se completan con un segundero pequeño asimétrico a las 4.30 h. Como todos los modelos Patek Philippe de platino, también este reloj está decorado con un diamante, en este caso, por primera vez, de talla baguette, engastado sobre el bisel a las 6 h.

Y de las dos creaciones con segundero central e indicación de la fecha, hay que decir que hay también una novedad, la que marca la Ref. 5821/1AR-001, que opta por una estética bicolor de oro rosa y acero. Un ejemplo más de que Cubitus ha llegado para sorprender, y además destinada a un público que también quiere ser inédito.

ORO PARA SUMERGIR AL REY DE LAS

PROFUNDIDADES

El Oyster Perpetual Deepsea es una de la creaciones más espectaculares de Rolex; ahora aparece en escena en una inédita caja de oro amarillo.

EL DEEPSEA DE ROLEX siempre ha dejado imágenes impactantes por sus capacidades en la inmersión, pero quizás nunca lo habíamos imaginado así, vestido de oro amarillo. Porque es la primera vez que el Rolex Oyster Perpetual Deepsea se presenta en este acabado, acompañado de un bisel Cerachrom graduado de 60 minutos insertado en cerámica azul, así como una esfera lacada azul con el nombre Deepsea en amarillo empolvado. Esta nueva versión también incorpora el anillo de compresión de alto rendimiento del sistema Ringlock. Esta arquitectura de caja patentada y desarrollada por Rolex es un sistema que consta de tres elementos superpuestos: un cristal de zafiro grueso y ligeramente abombado con revestimiento antirreflejos de 5,5 mm de grosor, y el fondo de la caja de titanio se sujeta firmemente al anillo de compresión mediante un anillo atornillado; en este caso, ha sido fabricado en cerámica azul, una primicia en este componente. La caja Oyster del Deepsea también está equipada con la válvula de escape de helio, patentada en 1967. Esta válvula de seguridad protege los relojes diver de Rolex creados para grandes

El fondo de la caja es de titanio y está enroscado para garantizar la estanqueidad, que hay que recordar que llega hasta los 3.900 metros de profundidad.

El oro amarillo aparece por primera vez en el Deepsea, y lo hace acompañado de un bisel Cerachrom azul, así como de una esfera lacada azul.

A la izquierda: El brazalete cuenta con el sistema de extensión para poder ser utilizado con el traje de neopreno.

Junto a estas lineas, arriba: Desde 2023, la masa oscilante del calibre 3235 está equipada con un rodamiento de bolas.

profundidades, permitiendo que el exceso de presión acumulado en el interior de la caja escape durante la fase de descompresión del submarinista en una cámara hiperbárica sin comprometer la estanqueidad del reloj. El Deepsea siempre ha sido un ejemplo de robustez y fiabilidad, y el primer elemento que lo atestigua es que su caja Oyster, de 44 mm, es sumergible hasta 3.900 metros (12.800 pies) de profundidad. La caja central de esta nueva versión está hecha de un bloque macizo de oro amarillo de 18 quilates cuyo fondo, bordeado de finas estrías, está herméticamente atornillado con una herramienta especial que solo permite a los relojeros de Rolex acceder al movimiento. La corona Triplock, dotada de un triple sistema de estanqueidad y protegida por un protector de corona integrado, se atornilla firmemente a la caja.

En el interior se halla el calibre 3235, un movimiento que fue lanzado en 2015 e introducido en el modelo en 2018. De carga automática, ofrece un elevado rendimiento en términos de precisión, reserva de marcha, comodidad y fiabilidad. El calibre 3235 incorpora el escape patentado Chronergy, que combina alta eficiencia energética y fiabilidad. Fabricado en níquel-fósforo, es resistente a los campos magnéticos. El movimiento también está equipado con una espiral Parachrom azul, fabricada con una aleación paramagnética. La espiral ofrece estabilidad frente a las variaciones de temperatura, así como resistencia a los golpes. Esto último también está garantizado con el oscilador montado sobre amortiguadores Paraflex, diseñados y patentados por Rolex. La reserva de marcha de este movimiento es de 70 horas.

INSTRUMENTO DE NAVEGACIÓN

Omega ha creado un Seamaster analógico y digital que se convierte en el mejor compañero de travesías náuticas. Así es el Seamaster Regatta 46,75 mm.

LA RECIENTE VICTORIA DEL EMIRATES

TEAM NEW ZEALAND en la 37ª Louis Vuitton America’s Cup es un motivo de satisfacción para Omega, patrocinador del equipo además de cronometrador oficial de la competición. Pero la firma relojera ha dejado otros legados alrededor de esta prueba, uno de ellos el Seamaster Regatta 46,75 mm, un reloj muy técnico pensando en los navegantes y que cuenta con indicadores analógicos y digitales. Con una caja realizada en titanio grado 5, el Seamaster Regatta cuenta con una variada gama de funciones: indicador de fase lunar, cronógrafo, cuaderno de bitácora, medidor de temperatura, acelerómetro, tres alarmas y, por supuesto, una función de regatas. Todas ellas fáciles de ver y oír, pero, lo que es más importante, de manejar gracias a los pulsadores recubiertos de caucho, uno rojo y tres azules, con los que activar las distintas funciones. R. B.

El volumen y la forma del edificio original han sido preservados, así como el uso de la cal en las fachadas, típico de la región.

A la derecha, un pozo central atraviesa las plantas y proporciona la iluminación natural indispensable para los artesanos.

EXHIBICIÓN DE ARTE

La Maison des Métiers d’Art de Cartier cumple diez años en los que ha recuperado los oficios, aplicando con inteligencia los principios de la tradición y el compromiso de la innovación.

TEXTO RICARDO BALBONTÍN

LA TRADICIÓN Y LA INNOVACIÓN unidas en una misma construcción. Los avances relojeros sometidos a la pátina de los métiers d’Art… y dentro de un proceso que, al igual que en el resto de la relojería, cuenta con un control de calidad final que garantiza la perfección de cada acabado, pero no solo porque en cada paso que se da siempre habrá un autocontrol para garantizar la buena marcha de cada creación Cartier.

Inaugurada en 2014 y situada junto a la Manufactura de La Chauxde-Fond, la Maison des Métiers d’Art, con certificación LEED Platino, es el

resultado de una visión audaz de Cartier, que decidió reunir los oficios artesanales para que interactúen entre sí en una búsqueda de innovación continua. Preservar, compartir e innovar: estas son las misiones de este lugar único, donde las técnicas ancestrales, a menudo transmitidas oralmente, son redescubiertas, reinterpretadas y adaptadas a la técnica moderna, pero que sobre todo preserva este patrimonio técnico y cultural. En la Maison des Métiers d’Art, los oficios se dividen en tres grandes familias: el arte del fuego (esmaltado y fragmentación del oro),

el arte del metal (granulación etrusca, filigrana y metal flameado) y el arte de la composición (mosaicos y marquetería de madera, paja, flores, madera y oro, paja y oro, etc.). Una lista a la que hay que añadir a los joyeros y los engastadores. Eso sí, todos tienen una limitación: adaptar su pericia a la escala en miniatura de una caja de reloj. En la Maison des Métiers d’Art trabajan un total de 70 personas, de las que 45 son artesanos y 15 son técnicos e ingenieros. Y desarrollan todo su conocimiento alrededor de estas técnicas ancestrales en una atmósfera única que distribuye los 1.500 m2 de

superficie en varias plantas marcadas, como buen escenario creativo relojero, por la luz natural. Todo comenzó en 2011, cuando Cartier adquirió una antigua granja con la ambición de transformarla en un centro de innovación creativa, apoyándose en su patrimonio y savoir-faire.

La restauración fue obra del arquitecto Stéphane Horni (Gabinete A&A Atelier d’Architecture) y Gilles Tissot, especialista en la renovación de estas granjas. Lo que hicieron fue reconstruir el interior del edificio utilizando elementos recuperados (revestimientos de madera, suelo de

piedra, puertas, chimenea, etc.) y sin variar la forma del edificio original. Eso sí, se realizaron una serie de ajustes, entre otras razones por la necesidad de aportar más luz interior.

Cada oficio tiene reservado su espacio creativo, pero si realmente se quiere conocer el proceso general que se sigue en esta Maison de Métiers d’Art, basta acercarse a su gabinete de curiosidades, un espacio con el estilo Cartier en el que se hallan los elementos que inspiran estas producciones excepcionales de la firma alrededor de la artesanía de alta calidad. Son cinco pasos, que

A la izquierda, estudio del Crash Tigrée de 2022. Sobre el bisel, las rayas se crean mediante esmalte champlevé. Están separadas mediante líneas de diamantes engastados. Arriba, los oficios pueden dividirse en tres familias: arte del fuego, arte del metal y arte de la composición.

En la otra página, distintas muestras de la capacidad creativa de Cartier cuando se habla de métiers d’Art.

comienzan con la materia que será la base de la creación; un segundo paso habla de su transformación y después llega la inspiración, en buena parte fruto de los viajes y el conocimiento de lugares del mundo que han sido fuente de creación en Cartier. Después hay un cuarto aspecto referido a los conceptos innovativos en los que trabaja Cartier para ofrecer propuestas singulares. Y por último, el producto –ejemplificado en el Révélation d’une Panthère, un diseño donde la cabeza del animal aparece y desaparece con el movimiento de la muñeca, trazado por cuentas de oro móviles–.

El espectáculo en Cartier está asegurado y ha dejado su impronta en distintos oficios, como lo demuestra con el esmaltado, el ‘arte del fuego’ en sus múltiples variedades (champlevé o excavado, grisalla, grisalla con pasta de oro o esmalte fenestrado) y donde la tradición se aplica atendiendo a las innovaciones recientes.

Pero si vamos al tratamiento del metal también hay todo un arte heredados detrás. Por ejemplo, para el granulado etrusco, el maestro artesano fabrica a mano cuentas de oro de diferentes tamaños. Estas se colocan posteriormente una a

una en motivos en contrarrelieve y a continuación se sueldan por fusión con láser. La esfera de un reloj necesita entre 2.000 y 3.000 pases bajo la llama. Otra técnica llamativa es la de la filigrana; donde hilos de oro o plata son fijados entre ellos mediante fusión para crear una rejilla calada con el motivo deseado. El reto aquí no solo es el tamaño, sino hacerlo con materiales de joyería como el oro, el platino y los diamantes.

Del esmalte a la marquetería –otra de esas experiencias creativas que en Cartier toman carta de naturaleza y donde puede ser necesario colocar

hasta 400 teselas en la esfera– para llegar al engaste, donde por supuesto aplica todos su savoir-faire en estas piezas joya inimitables. Pero no solo eso, la innovación y el futuro están presentes en la Maison Métiers d’Art. De hecho, se trabaja en torno a tecnologías como los microfluidos o el magnetismo, y a innovaciones como la impresión 3D en oro o el láser. Además, se colabora con centros de formación de Francia y Suiza en torno al engaste, la joyería y la relojería. Es el caso de la escuela de esmaltado del campus Richemont y del Institut Horlogerie Cartier (IHC).

ALTA FRECUENCIA ESTELAR

La estética vanguardista del Defy Skyline se alía con las virtudes del calibre El Primero para ofrecer un cronógrafo de primer nivel en la precisión. Es la esencia con la que siempre juega Zenith.

TEXTO RICARDO BALBONTÍN

En la página anterior: El Defy Skyline Chronograph lleva en su interior el calibre El Primero, con su frecuencia de 5 Hz (36.000 alt/h). Luce un rotor en forma de estrella.

Junto a estas líneas: Los pulsadores del crono siguen las marcadas líneas de la caja, mientras la corona a rosca está blasonada con el emblema de la estrella y garantiza la estanqueidad a 100 metros.

EL DEFY SKYLINE HA OCUPADO un espacio propio en la oferta de Zenith, y ha creado su propio mensaje de relojería contemporánea. Ahora, completa con el Defy Skyline Chronograph y se convierte en la última versión del calibre de cronógrafo automático de alta frecuencia El Primero, con indicación de las décimas de segundo.

La colección Defy siempre se ha adaptado a la perfección al calibre de cronógrafo automático El Primero y en este nuevo Defy Skyline Chronograph eleva la funcionalidad con esa estética que caracteriza a esta visión vanguardista del universo Zenith. La caja de acero de 42 mm, geométrica y facetada, es una reinterpretación contemporánea de la caja octagonal de los primeros modelos Defy. Comparte

el ADN de robustez y durabilidad con sus predecesores, pero tanto la estética como sus proporciones son más actuales.

La esfera del Defy Skyline Chronograph puede ser plateada, azul o negra metalizada y combina el distintivo motivo de cielo estrellado con estrellas de cuatro puntas con la tradicional configuración de esfera de El Primero. Los tres contadores muestran los segundos y minutos del cronógrafo y un segundero constante. La ventanilla de la fecha, a juego con el color de la esfera, está situada a las 4.30 horas. Otra característica destacada de la creación es su mecanismo de cambio rápido de correa integrado en la caja, lo que permite su cambio sin necesidad de herramienta.

AGENDA

NACIONAL

PROPUESTAS CULTURALES EN TODOS LOS RINCONES DEL PAÍS

Grandes nombres como Sorolla, Picasso, también Ai Weiwei o Hilma Af Klint, conviven con juguetes, amenco y expediciones.

BILBAO

HILMA AF KLINT

Hasta el 2 de enero. Guggenheim.

La artista sueca Hilma af Klint (1862–1944) dejó estipulado que su trabajo no debía exponerse hasta pasadas dos décadas de su fallecimiento. De hecho, su obra fue presentada por primera vez al público en 1986, más de 20 años después de su muerte. Considerada por muchos pionera del denominado artes abstracto –por delante de nombres como Kandinsky o Mondrian–, desde finales de la década del diez y principios de la del veinte del siglo pasado, Hilma produjo un corpus de casi 200 obras, conocidas como las Pinturas para el templo. Piezas muy influenciadas por las corrientes científicas y espirituales del momento, en la que surge cierta moderada visión esotérica. guggenheim-bilbao.eus

CÓRDOBA

POSADA DEL PO-

TRO - CENTRO FLAMENCO FOSFORITO Permanente.

En un edificio que representa una vivienda popular andaluza de los siglos XIV y XV, conocida como corrales, se encuentra este particular museo centrado en la figura del cantaor Antonio Fernández Díaz (1932), Fosforito de nombre artístico. Entre las diversas salas, hay algunas dedicadas a temas específicos, como la Sala de la Guitarra, en la que se destaca su historia, el particular mundo de los lutieres que la crean y, por supuesto, reseñas biográficas de figuras como Paco de Lucía, Manolo Sanlúcar o Sabicas, entre otros. centro amencofosforito.cordoba.es

LEÓN

AI WEIWEI.

DON QUIXOTE

Desde el 9 de noviembre al 18 de mayo. MUSAC.

Varios trabajos del artista chino Ai Weiwei (1957) se despliegan en esta muestra, todos ellos realizados en las dos últimas

décadas, y con las habituales referencias en su trayectoria: la crisis de los refugiados, la política internacional o el impacto de la inteligencia artificial en el futuro del desarrollo de la humanidad. Destaca una serie de cuadros célebres realizados con bloques Lego. También se expone una selección de instalaciones y obras monumentales, entre ellos, un candelabro de más de ocho metros de altura realizado con 2.000 piezas de cristal negro de Murano. musac.es

MADRID

SETENTA GRANDES MAESTROS DE LA COLECCIÓN PÉREZ SIMÓN

Hasta el 12 de enero. Centro Centro Rubens, el Greco, Murillo, Van Dyck, Canaletto, Tiepolo, Goya, Turner, Van Gogh, Cézanne, Pissarro, Gauguin, Monet, Renoir, Sorolla, Zuloaga, Munch, De Lempicka, Léger, Rothko, Magritte: estas son algunas de las firmas que convoca esta exposición basada en uno de los acervos artísticos privados más importantes del mundo. El empresario y coleccionista Juan Antonio Pérez Simón, nacido en Asturias aunque emigrado con sus padres a México a los cinco años, ha construido una tremenda colección de 4.000 piezas de arte centrocentro.org

SOROLLA, CIEN AÑOS DE MODERNIDAD

Hasta el 16 de febrero. Galería de las Colecciones Reales.

Con el objetivo confeso de clausurar las conmemoraciones por el centenario de la muerte del artista valenciano Joaquín Sorolla (1863-1923), esta exposición propone 77 pinturas que abarcan distintas etapas de su vida creativa y también la recurrencia a sus temas preferidos. Un punto interesante es que varias obras emblemáticas proceden del Museo Sorolla, también en Madrid pero ahora temporalmente cerrado por obras. Otro aspecto destacado es que algunas de las piezas rara vez o nunca –un cuadro en concreto no se veía desde 1890– han sido expuestas al público español. galeriadelascoleccionesreales.es

MÁLAGA

JOEL MEYEROWITZ: EUROPA 1966-1967

Hasta el 15 de diciembre. Museo Picasso.

El fotógrafo estadounidense Joel Meyerowitz (1938) es celebrado en esta exposición que presenta su registro, con poco menos de 30 años de edad, de un viaje por carretera por rincones del continente europeo. La información refiere que fueron más de 30.000 km a través de diez países en los que hizo unas 25.000 fotografías. Durante esa tournée, recaló seis meses en Málaga, en los que trabó amistad con el mundo flamenco, del que, por supuesto, también dejó constancia en nada menos que 8.500 fotografías. Parte de todo

TEXTO LUIS INI

Ai Weiwei. Córdoba

Sorolla. Madrid

Joel Meyerowitz. Málaga

Hilma Af Klint. Bilbao

ese material es expuesto en esta ocasión. museopicassomalaga.org

SEVILLA

LA MAR DE JUGUETES. HISTORIA DEL JUGUETE MARÍTIMO ESPAÑOL (18801990)

Hasta enero. Museo de Artes y Costumbres Populares.

Las piezas expuestas pertenecen a la colección Quiroga-Monte, de más de 1.500 ejemplares, centrada en el juguete español durante más de un siglo. En este caso, se trata de una selección de esa colección focalizada en distintas embarcaciones de juguete y piezas relacionadas con el mar y la playa. La muestra, que suma paneles informativos y fotografías de niños con juguetes de época, acerca también los diferentes materiales de la industria, desde la hojalata al plástico, junto a sus procedimientos técnicos, como la metalografía o el moldeado, por ejemplo. museosdeandalucia.es

VALENCIA NOBOSUDRU, EL DEVENIR ICONO DE UNA MUJER MANGBETU

Hasta el 8 de diciembre. IVAM. Entre 1924 y 1925, del norte al sur África, se realizó la travesía conocida como Crucero Negro, organizada por la automotriz francesa Citroën. Una de las imágenes icónicas que ha perdurado de esa experiencia es el perfil de una mujer africana. Hoy se sabe que se trataba de Nobosudru, tomada como un símbolo étnico del continente,

aunque en realidad su tocado era un marcador de estatus tribal. La exposición se acerca a la expedición a través de su película y los carteles que la publicitaban, libros científicos y de divulgación que reprodujeron la imagen mencionada, además de publicidades, revistas de moda, joyas y bisutería. ivam.es

PICASSO Y LA MODELO. EL PERFIL DE JACQUELINE

Hasta el 2 de marzo. Fundación Bancaja.

Jacqueline Roque fue la segunda y última esposa del artista andaluz Pablo Picasso (18811973); también, con dos décadas, la protagonista de la relación sentimental más duradera de las siete que se le conoció al pintor. Esta exposición se centra en esa unión a partir de cuadros, obra gráfica, dibujos y libros ilustrados en el que el tema principal o circundante es la presencia de Jacqueline como musa. Son 250 obras acompañadas, además, de fotografías que muestran a Picasso en su entorno creativo y familiar durante los 20 años de vínculo entre ambos, con especial relevancia de las residencias y talleres que compartieron en Cannes y Mougins. fundacionbancaja.es

CLÁSICOS CONTEMPORÁNEOS

Texto Natalia Erice

CASTING LEAR

Teatro Lliure, del 13 de noviembre al 1 de diciembre.

Procedente del Teatro La Abadía, desembarca en Barcelona Andrea Jiménez con una propuesta que ha puesto de acuerdo a crítica y público logrando un éxito clamoroso. Con un formato rompedor, la dramaturga e intérprete fusiona experiencia personal con la tragedia de Shakespeare. En el papel de Cordelia se acompaña de un actor distinto en cada función en esta obra que discurre entre ficción y realidad, teatro y performance. Una apuesta terapéutica y catártica. teatrelliure.com

Teatro Arriaga, del 26 de noviembre al 1 de diciembre.. 1

Si Momix ya nos arrebató con sus trabajos precedentes, Botánica, Alquimia y Opus Cactus, no dejará de hacerlo con su fantástica y libre adaptación de Alicia en el País de las Maravillas. En esta ocasión la compañía estadounidense de bailarines-ilusionistas, fundada y dirigida por Moses Pendleton, nos invita a colarnos en la madriguera del conejo blanco para adentrarnos en un universo excéntrico, delirante y mágico. Lewis Carroll se quitaría el sombrero. teatroarriaga.eus BILBAO ALICE

MADRID NADA

Teatro María Guerrero, del 8 de noviembre al 22 de diciembre.

Brilla en la cartelera otoñal el título de Carmen Laforet a la batuta de un joven talento como el de Beatriz Jaén, discípula del maestro Alfredo Sanzol que dio que hablar con Breve historia del ferrocarril español. Trabaja al alimón con Joan Yago, autor de aquel original texto y de esta versión de la novela protagonizada por la primera 'chica rara' de nuestra literatura. En la posguerra, Andrea se muda a Barcelona para estudiar y ser independiente en una sociedad desencantada y opresiva. dramatico.mcu.es

MADRID 12 & 14

Teatros del Canal, 9 y 10 de noviembre.

La prestigiosa compañía china Tao Dance Theater visita el 42 Festival de Otoño de Madrid con su nuevo proyecto de las Numerical Series. Fiel a su exitosa trayectoria, el coreógrafo Tao Ye ofrece un espectáculo asombroso de danza contemporánea con el minimalismo, la abstracción y la precisión como ejes. Solo la esencia más despojada tiene cabida en este mundo desnudo marcado por el ritmo hipnótico del metrónomo. Tras más de 40 países y más de 100 festivales, llega a España. teatroscanal.com

BARCELONA

Colores del mundo. Valencia

Picasso. Valencia

Juguetes. Sevilla

AGENDA

INTERNACIONAL

LA CULTURA COMO EXCUSA PARA VIAJAR POR EL MUNDO

Referencias históricas como la edad de bronce, las rutas de la sede o el espionaje convertidas en arte junto a Rothko o Roberto Matta.

Bronce asiático. Ámsterdam

ÁMSTERDAM

BRONCE ASIÁTICO.

4.000 AÑOS DE BELLEZA

Hasta el 12 de enero. Rijksmuseum. La Edad de Bronce es un periodo histórico que abarca aproximadamente entre el 3300 y el 1200 antes de nuestra era. Está exposición se centra en obras que van desde una antigüedad de cuatro milenios hasta la actualidad, procedentes de India, China, Indonesia, Japón, Tailandia, Vietnam, Pakistán, Nepal y Corea. Se trata de 75 piezas que involucran desde objetos cotidianos, pasando por representaciones de dioses, como Shiva y Buda, hasta barriles de vino y armas. rijksmuseum.nl

BERLÍN

MUSEO ALEMÁN DEL ESPIONAJE Permanente.

Si alguna vez hubo una ciudad a la que el imaginario popular

Espionaje. Berlín

remite directamente si se habla de espionaje esa es Berlín, en especial en los años en que el Muro la dividía. Este museo, además de adentrarse en el submundo del sigilo, el secretismo y la traición durante esos época, propone una historia que se remonta a la noche de los tiempos. Se exponen más de un millar de piezas, entre ellas, una técnica de cifrado inventada por Julio César, y métodos de los servicios secretos utilizados por Napoleón, en la Primera y Segunda Guerra Mundial, y en la Guerra Fría. deutsches-spionagemuseum.de

CIUDAD DE MÉXICO DIÁLOGOS DE

VANGUARDIA

Hasta al 12 de enero. MUNAL. Nueve obras, pertenecientes a la Colección Pearlman, se presentarán por primera vez en el país mexicano. Entre las firmas que se destacan aparecen

Cézanne, Pisarro, Modigliani, Manet, Degas, Toulouse-Lautrec, y en especial Van Gogh, con una pieza que estuvo mucho tiempo perdida, La diligencia de Tarascón (1888) –en la imagen superior–. Todas aparecen confrontadas con otras de la creación local. Los trabajos proceden del acervo reunido por el empresario estadounidense Henry Pearlman (1895–1974) en las tres últimas décadas de su vida, mayormente centrados en el Impresionismo y postimpresionismo. munal.mx

Rutas de la seda. Londres

LONDRES

RUTAS DE LA SEDA

Hasta el 23 de febrero. Museo Británico.

Las conexiones entre Occidente y Oriente, especialmente a través de sus rutas comerciales, son milenarias. Lo que hoy se conoce como 'las rutas de la seda' era un entramado que conectaba comunidades de Asia, África y Europa, desde Asia Oriental hasta Gran Bretaña y desde Escandinavia hasta Madagascar. Está exposición se focaliza en un periodo concreto, que va desde aproximadamente el año 500 hasta el 1000 de nuestra era. Se presentan objetos de muchas regiones y culturas junto con los de la colección del propio museo Británico, desde cerámicas chinas de la dinastía

Tang hasta granates indios, además de historias de personajes relevantes. britishmuseum.org

NUEVA YORK MUSEO DE BROADWAY Permanente.

There’s No Business Like Show Business (cuya traducción es No hay negocio como el del espectáculo) es una famosa canción procedente de una comedia musical de la década de los años 40 del siglo pasado, luego devenida ella misma en leitmotiv y título de una película. La frase es toda una declaración de intenciones para describir este museo, cuya historiografía arranca en 1732, con la primera actuación documentada en Nueva York. Aparecen aquí, por ejemplo, las estrellas más famosas que han cimentado su fama, y también el detrás de bambalinas, es decir, cómo se monta una obra. themuseumo roadway.com

PARÍS

CÉLINE LAGUARDE

Hasta el 12 de enero. Museo de Orsay. La fotógrafa francesa Céline Laguarde (1873-1961) fue una pionera de la imagen impresa. Sin embargo, este reconocimiento es relativamente reciente, en especial a partir del descubrimiento progresivo de su colección personal. Más de 130 impresio-

Céline Laguarde. París

Vanguardia. Ciudad de México Broadway. Nueva York

nes originales son presentadas, en las que destacan retratos y estudios de figuras y paisajes, planteadas a partir del marco estético del pictorialismo, una ambición de colocar a la fotografía dentro de las bellas artes. Desde la curadoría se asegura que se trata de la primera exposición dedicada a una artista fotógrafa francesa activa antes de la Primera Guerra Mundial. musee-orsay.

FIGURAS DEL LOCO

Hasta el 3 de febrero. Museo del Louvre.

De la Edad Media a los románticos es el subtítulo de esta exposición que reúne más de 300 obras, entre esculturas y objetos de arte (marfiles, cajas, pequeños bronces), además de medallas e iluminaciones, dibujos, grabados, pinturas sobre tabla y tapices. Se propone un recorrido cronológico y a la vez temático, pues la figura del loco ha ido evolucionando a lo largo del tiempo, desde, por ejemplo, en el siglo XIV, el tonto de la corte, con su verba chispeante y el ya clásico del gorro con cascabeles, al loco de las pinturas de El Bosco y de Bruegel. louvre.

RÓTERDAM DIVA

Hasta el 2 de marzo. Kunsthal. En una de sus varias acepciones, la palabra que da título a esta muestra refiere a una persona que goza de fama superlativa, aunque se puede coincidir que el uso común la ha cargado de un sentido más denso. La idea tal vez pueda

entenderse con facilidad si se le adscriben nombres como, por ejemplo, Maria Callas, Josephine Baker, Marilyn Monroe, Tina Turner, Cher o Elton John. Más de 60 estilismos y diseños de vestuario de diseñadores de fama mundial, lucidos por estas y otras personalidades, son presentados en esta exhibición. kunsthal.nl

SAN FRANCISCO

THE BEAT MUSEUM Permanente.

Surgida en la década de los 50 del siglo pasado, sin la Beat Generation (la generación golpeada) no habría habido el movimiento hippie y, peor aún, tal vez, como se desprende del nombre, tampoco The Beatles. La influencia de jóvenes poetas y escritores de la posguerra, entre cuyos nombres sobresalen Jack Kerouac, Allen Ginsberg o William S. Burroughs, es vasta. Contestación a las normas sociales, experimentación con las drogas y la sexualidad, el viaje interior pero también el exterior por las rutas del país: todo eso y más puede descubrirse en este pequeño pero muy interesante museo que se dice dedicado a preservar la memoria y las obras del movimiento y que celebra también eventos. kerouac.com

SANTIAGO DE CHILE MIRADAS SOBRE EL WALLMAPU

Hasta el 29 de diciembre. MNBA.

Según ciertas miradas, Wallmapu es el nombre dado al territorio que los mapuches habitaron históricamente en América del Sur, una extensión que comprende tanto el centro de Argentina como el de Chile. Se presentan imágenes y documentos que refieren a distintos aspectos de esa cultura aborigen y su vida cotidiana, también a los conflictos y marginaciones de las que han sido históricamente víctimas. Hay también representaciones escultóricas sobre su tipología, como también ilustraciones realizadas por artistas viajeros, cronistas y colonizadores en el siglo XIX. La exposición es parte del programa de exhibiciones con las que se conmemoran los 50 años del golpe de Estado en Chile. mnba.gob.cl

ST IVES

MARK ROTHKO: LOS MURALES DE SEAGRAM

Hasta el 5 de enero. Tate St Ives. El artista letón-estadounidense Marcus Rothkowitz (1903- 1970), más conocido como Mark Rothko, es uno de los personajes clave del llamado expresionismo abstracto, movimiento que tuvo su momento de auge entre las décadas del 40 y 50 del siglo pasado. Está exposición presenta cinco de los nueve murales de una serie que Rothko donó a la Tate Gallery, que tiene 'sucursal' en esta pequeña localidad

costera inglesa. Realizados originalmente como encargo para decorar el restaurante Four Seasons en el edificio neoyorquino Seagram, de ahí su nombre, Rothko cambió de decisión sobre el destino final de las obras durante una visita a Cornualles, donde se encuentra St. Ives, en la que compartió tiempo y conversaciones con artistas allí afincados. Las obras, con predominio del granate, rojo oscuro y negro, son presentadas, como pretendía el artista, en un único espacio con poca luz. tate.org.uk

ROBERTO MATTA

Hasta el 23 de marzo. Ca’ Pesaro. El artista chileno afincado en Italia Roberto Matta (de nombre completo Roberto Sebastián Antonio Matta Echaurren, 19112002) es uno de los nombres más injustamente olvidados del siglo pasado. Referido como “el último surrealista”, antes de dedicarse al arte formó parte del taller de Le Corbusier en París; de hecho, inició estudios de Arquitectura. Es relevante citar que solo ha recibido una exposición importante en este siglo, en Hamburgo en 2012-2013, tras una gran retrospectiva de 1985 en el Centro Pompidou. Se presentan pinturas, dibujos y esculturas con puntos de contacto con la arquitectura, la ciencia, la literatura, la lingüística, las matemáticas, el humor, el erotismo y también la política, muy presente en su obra, en defensa de los valores democráticos. capesaro.visitmuve.it

Beat Generation. San Francisco

VENECIA

El loco. París

Divas. Róterdam

Wallmapu. Nueva York

Roberto Matta. Venecia

ICONOS

Trombonista, Glenn Miller (Clarinda, EE.UU., 1904 - Canal de la Mancha, Reino Unido, 1944) dirigió una de las big bands más populares de los años 30 y 40 del siglo pasado.

GLENN MILLER

LA LEYENDA DEL SWING

15 DE DICIEMBRE DE 1944. CANAL DE LA MANCHA. NOCHE. Un pequeño avión monomotor intenta cruzar desde Londres hacia París. Junto a otro oficial y a un joven piloto va como tripulante de último momento el mayor del ejército estadounidense Alton Glenn Miller, conocido artísticamente sin su primer nombre. El mayor, exitoso músico en la vida civil previa a la guerra, tiene urgencia por supervisar personalmente todo lo relacionado con las presentaciones de la banda militar que dirige y ha formado a pedido del comandante Dwight Eisenhower, y que, con sus actuaciones ante las tropas aliadas, es considerada –inmediatamente después de recibir carta desde casa–

“el mayor generador de moral en el teatro de operaciones europeo”. Ese avión nunca llegará a destino. Sus tripulantes jamás volverán a ser vistos, lo que no impidió, más bien alentó, el surgimiento de leyendas sobre el destino final de Miller: desde un derribo provocado por fuego amigo británico o desfalleciente víctima de un cáncer de pulmón en un hospital galo –propalada por su propio hermano–, hasta algunas alocadas, como la que lo coloca sufriendo un ataque cardíaco en un burdel francés o ejecutando un viaje secreto para pactar la rendición de los nazis. Sin embargo, está confirmado que la nave, una avioneta, en rigor, cayó al mar producto de varias fallas provocadas por

volar a baja altura bajo frío extremo: congelamiento de los conductos de combustible, sobrecalentamiento de motor, entre otras.

No es excesivo decir que Glenn Miller –trombonista desde los 12 años–es uno de los nombres más célebres de lo que se conoce como la era del swing, una etapa del jazz que prevaleció a finales de la segunda mitad de la década del 30 del siglo pasado y durante la contienda bélica.

In the Mood, Moonlight Serenade, Chattanooga Choo Choo, Pennsylvania 6-5000, A String of Pearls, American Patrol, Tuxedo Junction, entre otras: un puñado de éxitos inoxidables que logró con su banda lo siguen justificando. Luis Ini