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GARBAGNATE M.RO (LC) - ITALY qualityhotelsanmartino.com
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n.10
2020/07.08 READ ON
glamouraffair.vision RIVISTA BIMESTRALE DI FOTOGRAFIA, ARTE E DESIGN BIMONTHLY REVIEW OF PHOTOGRAPHY, ART AND DESIGN
Registrazione al Tribunale di Milano n° 27 del 14/02/2019 Registration at the Law Court of Milan n° 27 of 14/02/2019
Cover Credits © ALICE ZILBERBERG
Editorial Staff Direttore responsabile | Editor in Chief ALESSIO GILARDI Direttore artistico | Art Director FLAVIO TORRE - satisfystudio photo Direttore digitale | Digital Director STEFANO GILARDI
Contact WEBSITE | www.glamouraffair.vision E-MAIL | info@glamouraffair.vision FACEBOOK | www.facebook.com/glamouraffairpage INSTAGRAM | www.instagram.com/glamouraffair
Publisher QUADRIFOLIUM GROUP Srl P.zza XX Settembre, 40 23900 Lecco - Italy www.quadrifoliumgroup.com info@quadrifoliumgroup.com © 2020 - All rights reserved
Printer G&G srl Via Redipuglia, 20 35131 Padova
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ALICE ZILBERBERG digital paints MARCIN RYCZEK minimalism EWA LOOK collages ANA NOVILLO ASTRADA analog HOUSE IN MESSINES architecture SHIRA BARZILAY doodle poet DOROTHY CIRCUS GALLERY exhibition CRAIG REILLY street THE RECYCLED OFFICE - GUMMO interior design ELISABETTA ROSSI interview SCOTT BALMER illustration ROOM | DARK INDIGO project MARTA GROSSI quarantine SARA MUNARI storytelling DANCE | GAETANO PASTORE gallery #GADDICTED the Instagram selection
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digital paints
Alice Zilberberg è un’artista di fama internazionale, pluripremiata, riconosciuta da curatori, collezionisti e mecenati d’arte in tutto il mondo. Nata a Tallinn, in Estonia, e cresciuta in Israele, attualmente risiede a Toronto, in Canada. Diplomata al corso di fotografia della Ryerson University, ha iniziato la sua pratica artistica dipingendo: una verve rimasta molto presente nelle sue opere digitali. Vincitrice di numerose competizioni prestigiose, i suoi riconoscimenti includono il 1° posto al premio The World Monochrome, in qualità di uno dei migliori fotografi della Magenta Foundation in Canada, e numerosi premi per la fotografia internazionali. Nel 2013 è stata l’artista più giovane fino ad oggi a partecipare all’asta d’arte di Waddington. Il suo lavoro è stato esposto in gallerie in Nord America, Europa e Asia; è stata intervistata e diffusa in pubblicazioni e piattaforme come MTV, Breakfast Television, PHOTO+ Magazine Korea e PhotoEd Magazine. Per oltre un decennio, Zilberberg ha sviluppato una tecnica distintiva per realizzare i suoi dipinti digitali, in cui la fotografia è solo l’inizio dell’opera d’arte finale. Le opere sono composte da molte fotografie e contengono una varietà di elementi tra colore, viraggio, manipolazione e pittura. Viaggia spesso in tutto il mondo per catturare diverse ambientazioni ed elementi per le sue creazioni. I lavori richiedono mesi, con ogni dettaglio curato meticolosamente per la perfezione. Con uno stile poetico di espressione, i significati delle sue immagini si dipanano attraverso la metafora e il simbolismo, mirando ad ispirare lo spettatore nel guardarsi dentro. Negli ultimi cinque anni, il suo repertorio ha esplorato temi relativi alla condizione umana, vale a dire l’identità personale, l’intelligenza emozionale, le relazioni e l’emotività.
Alice Zilberberg is an internationally acclaimed, award-winning artist, recognised by curators, collectors, and art patrons across the globe. Born in Tallinn, Estonia, and raised in Israel, she currently resides in Toronto, Canada. A graduate of Ryerson University’s Photography program, she began her artistic practice by painting: a verve which remains very much present in her digital works. Winner of numerous prestigious competitions, her accolades include 1st place in The World Monochrome awards, ranking as one of Magenta Foundation’s best photographers in Canada, and several of the International Photography awards. In 2013 she was the youngest artist to date to participate in the Waddington’s Art Auction. Her work has been displayed in galleries across North America, Europe, and Asia; she has been interviewed and featured in publications and platforms such as MTV, Breakfast Television, PHOTO+ Magazine Korea, and PhotoEd Magazine. For over a decade, Zilberberg developed her own distinctive technique for creating her digital paintings, where photography is only the beginning of the final artwork. The works are comprised of many photographs, and carry variety of elements such as colour, toning, manipulation, and painting. She often travels across the globe to record different backgrounds and elements for her creations. Works take months to complete, with every detail meticulously inspected for perfection. With a poetic style of expression, the meanings of her images unravel through metaphor and symbolism that aim to inspire the viewer to look inward. For the past five years, her repertoire has explored themes pertaining to the human condition, namely personal identity, emotional intelligence, relationships, and emotionality.
WEBSITES | www.alicezilberberg.com INSTAGRAM | @alicezilberberg FACEBOOK | Alice Zilberberg Artist YOUTUBE | Alice Zilberberg
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ALICE ZILB
BERBERG
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Artwork - Above Water
Oasis - Whenever I’m Alone with You
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Oasis - From This Broken Hill, I Will Sing To You
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Artwork - Under the Sky
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Quiet Land - When it Falls
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Oasis - Take my breath away
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Oasis - You are the sunshine of my life
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Artwork - Begin
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Desert Moon - Black Sunset
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minimalism
MARCIN RYCZEK 14
The Game
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Ascent
A Man Feeding Swans in the Snow
Marcin Ryczek, fotografo originario di Lublino, vive e lavora a Cracovia in Polonia. Le opere di Marcin Ryczek sono state presentate in numerose mostre in Giappone, Stati Uniti, Germania, Cina, Olanda, Romania, India, Inghilterra, Austria, Danimarca, Italia, Serbia, Taiwan e Francia. Sono state pubblicate nelle più grandi riviste, giornali e siti Web del mondo, tra cui The Guardian, The Telegraph, Der Spiegel, Yedioth Ahronoth, La Repubblica, Politiken, “thens Voice e National Geographic. Le sue fotografie sono spesso utilizzate nelle pubblicazioni di noti giornalisti polacchi, tra cui Wojciech Jagielski e Piotr Kodkowski. L’opera più riconoscibile dell’artista, “A Man Feeding Swans in the Snow”, premiata in prestigiosi concorsi internazionali, è stata inclusa nella rinomata collezione della Bibliothèque Nationale de France a Parigi e nella collezione del Museo della Slesia a Katowice. Nel 2013, l’influente portale americano The Huffington Post l’ha riconosciuta come una delle cinque migliori fotografie al mondo. Nel 2017, è apparso sulla copertina del libro di David Gibson “100 Great Street Photographs”, che conferma la sua straordinaria popolarità. Le opere di Marcin Ryczek sono una serie di fotografie minimaliste e simboliche. L’idea principale è la forma minima e il contenuto massimo. Il tema è multidimensionale; si riferisce a libertà, spiritualità e relazioni uomo-natura. Ricercate nel mondo circostante, non trasformato graficamente, le immagini si riferiscono chiaramente a linee rette e forme pure. Nel processo di creazione delle opere di Marcin Ryczek, due fasi (la descrizione e l’attesa) sono le più importanti. La descrizione è un’intensa osservazione della realtà, alla ricerca di qualcosa di speciale e interessante in luoghi apparentemente ordinari. L’attesa, d’altra parte, è la ricerca di un momento in cui si possa catturare l’atmosfera unica di un luogo scelto, un momento in cui accadrà qualcosa che rispecchierebbe la sensibilità dell’autore. Le fotografie sono metaforiche, ambigue e di natura universale, il che stimola l’immaginazione e incoraggia lo spettatore a riflettere e interpretarle a modo suo.
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Marcin Ryczek, photographer originated from Lublin, lives and works in Cracow in Poland. Marcin Ryczek’s works have been presented at many exhibitions in Japan, USA, Germany, China, Holland, Romania, India, England, Austria, Denmark, Italy, Serbia, Taiwan and France. They have been published in the world’s largest magazines, newspapers and websites, including The Guardian, The Telegraph, Der Spiegel, Yedioth Ahronoth, La Repubblica, Politiken, Athens Voice and National Geographic. His photographs are often used in the publications by well known Polish reporters, including Wojciech Jagielski and Piotr Kodkowski. The most recognizable work of the artist, “A Man Feeding Swans in the Snow”, awarded in prestigious, international competitions, was included in the renowned collection of Bibliothèque Nationale de France in Paris and in the collection of the Silesian Museum in Katowice. In 2013, the influential American portal „The Huffington Post” recognized it as one of the five best photographs in the world. In 2017, it was featured on the cover of David Gibson’s book „100 Great Street Photographs”, which confirms its extraordinary popularity. Marcin Ryczek’s works are a series of minimalistic and symbolistic photographies. Their main idea is the minimum form and maximum content. The theme is multidimensional; it refers to freedom, spirituality and human-nature relations. Found in the surrounding world, not transformed graphically, clear images refer to straight lines and pure forms. In the process of creating Marcin Ryczek’s works, two stages – descrying and waiting – are the most important. Descrying is an intense observation of reality, searching for something special and interesting in seemingly ordinary places. Waiting, on the other hand, is looking for a moment in which one can capture the unique atmosphere of a chosen place, a moment in which something will happen that would reflect the author’s sensitivity. The photographs are metaphorical, ambiguous and universal in nature, which stimulates the imagination and encourages the viewer to reflect and interpret them in its own way.
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The Way
Transition
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Parts
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Out of the Grey
WEBSITE | marcinryczek.com INSTAGRAM | @marcinryczek_photography FACEBOOK | MarcinRyczekPhotography
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The Broken Reflection. Partly handmade, partly digital collage, May 2017.
collages
Ewa Look nasce nel 1981, in Polonia. Artista di collage, realizza ritratti surreali da riviste, libri, manifesti, volantini e qualsiasi altro tipo di carta. Le sue opere si concentrano su colori, aspetti surreali e situazioni umoristiche. A volte Ewa trasforma i suoi collage fatti a mano in animazioni digitali. Ewa Look Born 1981, Poland. Collage artist, she makes surreal portraits from magazines, books, street posters, leaflets and any other type of paper. Her works focus on colours, surreal appearances and humour situations. At times Ewa transfers her handmade collages into digital animations.
WEBSITE | ewalook.com INSTAGRAM | @ewa_look ELLO | ewalook
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Celina. A handmade collage, October 2019
Koska. A handmade collage, March 2020
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Olga. A handmade collage, April-November 2019
King of My Heart. Mixed media; a handmade collage + acrylic, June 2018
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Hyde behind the Green Glasses. Mixed media; a handmade collage + acrylic, May 2018
Geometry Assistant. A handmade collage, February 2018
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analog
ANA NOVILLO ASTRADA 30
Nata a Buenos Aires nel 1981. Ana Novillo Astrada è una fotografa freelance e video editor. Ha vissuto a Barcellona, dove si è specializzata nel cinema documentario. Di ritorno a Buenos Aires, ha completato gli studi di montaggio presso la SICA, l’unione dei professionisti del cinema. Appassionata di ritratti su pellicola, texture e colori, inizia a fotografare nel 2011 e da allora non si è mai fermata. Born in Buenos Aires in 1981, Ana Novillo Astrada is a freelance photographer and video editor. She lived in Barcelona, where she specialized in documentary cinema. Back in Buenos Aires, she completed editing studies at SICA, the union of filmmaking professionals. Passionate about portraits on film, texture and color she starts taking pictures in 2011 and since then never stopped.
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WEBSITE | aninovilloastrada.com E-MAIL | aninovillo@gmail.com INSTAGRAM | @ani.nou
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architecture
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HOUSE IN MESSINES VÃtor Vilhena
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L’Algarve, nel sud del Portogallo, non vive solo sul mare. Prova di ciò è il villaggio di São Bartolomeu de Messines, comune di Silves, situato all’interno dell’Algarve, lontano dal turismo di massa che occupa l’intera costa e privilegiato dalle montagne che circondano l’intera regione. La storia di São Bartolomeu de Messines risale al 1180, originariamente popolato da arabi, quando D. Sancho I conquistò Silves. È in questo remoto villaggio che si trova il nostro progetto. Circondato da valli, montagne e due bacini, la diga di Funcho e la diga di Arade. La “House of Messines” si basa su un edificio esistente, già in rovina, ma con un fantastico orientamento Est-Ovest, e con un ritmo di aperture per la fonte di luce già molto invitante. Il fatto che esistesse una struttura preesistente è l’unica ragione per cui siamo riusciti a far emergere un’opera simile in questo luogo pittoresco. A causa delle diverse restrizioni burocratiche sull’impianto, era obbligatorio “sovrapporre” il progetto alla rovina esistente, estendendo il suo corpo nell’asse longitudinale verso sud. Privilegiando la vista e la luce naturale, il ritmo delle finestre è stato ricreato nella facciata est, aprendosi completamente e lasciando un angolo sospeso a nord del volume. L’interno della casa è un ampio spazio che privilegia la fluidità e la comunicazione nella zona giorno (soggiorno, sala da pranzo e cucina), ma chiude e limita il suo accesso nell’area privata in cui si trovano le camere da letto e l’ingresso di servizio. Come forma di rispetto per l’ambiente circostante, abbiamo scelto di posizionare la piscina sul tetto, in un volume che non tocchi il terreno e completamente sospesa nell’aria. Questa decisione garantisce un accesso totale al tetto come una seconda area sociale della casa, privilegiando le magnifiche viste a 360 °, pur essendo all’interno della piscina.
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Algarve, in the South of Portugal does not only live by the sea. Proof of this is the village of São Bartolomeu de Messines, municipality of Silves - located in the interior of the Algarve, far from the mass tourism that occupies the whole coast, and privileged by the mountains that surround the whole region. The history of São Bartolomeu de Messines refers to 1180, originally populated by Arabs, when D. Sancho I conquered Silves. It is in this remote village that our project is located. Surrounded by valleys, mountains and two reservoirs, the dam of Funcho and the dam of Arade. The “House of Messines”, is based on an existing building, already in ruins, but with a fantastic orientation East-West, and with a rhythm of openings for light source already very inviting. The fact that there was a built structure was the only reason we were able to emerge such a work in this picturesque place. Due to the diverse bureaucratic restrictions of implantation, it was mandatory to “overlay” the project to the existing ruin, extending its body in the longitudinal axis towards South. Privileging the views and natural light, the rhythm of windows were recreated in the East facade, opening completely and leaving a hovering corner when the volume folds to north. The interior of the house is a large space that prioritizes fluidity and communication in the social area (living room, dining room and kitchen), but closes and limits its access in the private area where the bedrooms are located as well as the service entrance. As a form of respect for the surroundings, we chose to locate the pool on the rooftop, in a volume which doesn’t touch the ground, and is completely suspended in the air. This decision guarantees a total access to the rooftop as a second social area of the house, privileging the magnificent 360º views, even being inside the pool.
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PROJECT NAME: Casa em Messines / House in Messines Location: São Bartolomeu de Messines Completed: 2018 Built area (sqm): 300 OFFICE: Vítor Vilhena Arquitectura Architects: Vítor Vilhena, Fábio Plácido Guimarães, Nuno Gonçalves, João Simões website: www.vitorvilhena.com e-mail: geral@vitorvilhena.com Instagram: @vitorvilhena_architecture Facebook: Vitor Vilhena Architecture PHOTOGRAPHY: Fernando Guerra Photographer website: www.ultimasreportagens.com VIDEO: João Guimarães website: www.joaoguimaraes.net
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SHIRA BARZILAY
doodle poet
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L’artista internazionale Shira Barzilay, nota anche nei social media come Koketit, è conosciuta soprattutto per i suoi disegni astratti con un sensuale tocco femminile. Con oltre 200k follower che seguono l’account Instagram @Koketit, Shira adorna le immagini che la ispirano quotidianamente con i suoi tratti distintivi, utilizzando il mondo digitale come una tela per farsi “apprezzare” e ammirare da tutti. Il suo forte background nella moda, unito alla profonda passione per l’arte, ha sviluppato la sua prospettiva unica, manifestandosi attraverso creazioni artistiche e collaborazioni creative, spesso creando ritratti al momento su iPad Pro per ospiti di alto profilo ed eventi, oltre a gestire da sola installazioni artistiche di animazione dal vivo. Il suo stile distintivo e la sua visione innovativa hanno catturato l’immaginazione di marchi come Chanel, Anthropologie, Facebook, H&M, SunCoo Paris, Soda Stream e Amazon, solo per citarne alcuni. I suoi lavori sono spesso presenti in pubblicazioni di riviste sia online che offline, più recentemente in Harper’s Bazaar.
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International artist Shira Barzilay, also known as social media sensation Koketit, is best know for her abstract line drawings with a sensual feminine twist. With more than 205 loyal fans following the @Koketit Instagram account, Shira adorns the images which inspire her daily with her own signature strokes, utilizing the digital world as a canvas for all to ‘like’ and admire. Her strong fashion background coupled with a deep passion for art has cultivated her unique perspective, manifesting itself across volumes of art and creative collaborations, She may often be found creating on-the-spot iPad Pro-powered portraits of attending guests at high-profile functions and events, as well as single-handedly orchestrating live animation art installations. Her signature style and innovative vision have captured the imagination of brands such as Chanel, Anthropologie, Facebook, H&M, SunCoo Paris, Soda Stream and Amazon, to name just a few. Her works are frequently featured in both on and offline magazine publications, most recently in Harper’s Bazaar.
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www.koketit.com
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INSTAGRAM | @koketit FACEBOOK | Koketit YOUTUBE | KOKETIT
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exhibition
HOUSE OF THE RISING LIGHTS Dorothy Circus Gallery - Rome
La Dorothy Circus Gallery è particolarmente orgogliosa di presentare al suo pubblico House of the Rising Lights, mostra collettiva che inaugura in data 30 luglio 2020 presso la Dorothy Circus Gallery di Roma e di Londra. La mostra sarà visitabile fino al 15 settembre 2020 solo su appuntamento. Ulteriore capitolo della programmazione espositiva 2020 Mirrored Souls: The Year of Love, dedicata all’indagine del sentimento Amore in tutte le sue declinazioni - dall’affetto genitoriale all’amore per il partner - House of the Rising Lights si manifesta ad oggi nel desiderio di approfondire ulteriormente la ricerca curatoriale della galleria rispetto all’arte asiatica contemporanea. Tale movimento, capace di declinazioni artistiche e di medium ampie e variegate tanto quanto la vastità dell’area geografica dalla quale ha origine, entra ormai di diritto tra i leading trends dell’arte contemporanea e viene veicolato in quest’occasione alla Dorothy Circus Gallery attraverso le opere di quasi 40 artisti provenienti da Giappone, Cina, Sud Corea, Singapore, Vietnam e Taiwan. Per l’occasione l’attenzione viene inevitabilmente posta sull’immensità dell’arte asiatica, dalla Cina al Giappone, le cui sfumature e i cui ricercati dettagli riflettono lo spirito di questa tendenza ad onorare le proprie origini, mantenendo un profondo rispetto e attaccamento per le proprie millenarie tradizioni, connaturato al tempo stesso con le più avanguardistiche e contemporanee tendenze a livello globale. La profonda spiritualità veicolata da questi artisti, capaci di rappresentare i più pop e surreali tra i soggetti - sempre legati ad un mondo soffuso ed onirico che ricorda le rimembranze infantili - si collega infatti alle primigenie origini delle loro culture, generando il risultato della grande visione avanguardista della loro arte, il cui numero di influenze è incalcolabile. Menzione d’onore, anche in questo caso così particolare, meritano il Rinascimento Italiano, il Surrealismo Europeo, l’Espressionismo tedesco - se si vuole guardare all’Europa - ma anche tutto l’universo creativo autoctono legato all’iconografia del Manga e dell’Anime, i cui linguaggi e la cui attenzione per la fase tardo-adolescenziale, ben si commutano con l’attenzione ai temi dell’infanzia e del Sogno da sempre veicolati attraverso la curatela della galleria. Esposti per l’occasione molti artisti da tempo legati alla Dorothy Circus Gallery, come ad esempio Jeffrey Chong Wang, Kazuki Takamatsu, Fuco Ueda, Chishi Morimura, Andrew Hem, Koh Kisung, Yosuke Ueno così come talenti inediti per nostro pubblico, quali Moe Nakamura, Junko Mizuno, Masakatsu Sashie, Yoko D’Holbachie e Qimmyshimmy. Nello specifico, gli artisti partecipanti provenienti dal Giappone sono Yosuke Ueno, Fuco Ueda, Kazuhiro Hori, Kazuki Takamatsu, Naoto Hattori, Masakatsu Sashie, Moe Nakamura, Junko Mizuno, Chishi Morimura, Yuu Kawashima, Aya Kakeda, Maki Hino, Ai Haibara, Tomomi Yoshizawa, Yoko D’Holbachie, Tada Koiichiro, Mayuka Yamamoto, Maruyama Junna, Emi Katsuta, Atsuko Goto, Naoaki Funayama, Miho Hirano, Mitsuko Kuroki, Karin Iwabuchi, Tokuhiro Kawai e Tomoko Hokyo; in mostra siamo orgogliosi di presentare anche Tran Nguyen (Vietnam), Koh Kisung (Sud Corea), Kwon Kyung-yup (Sud Corea), Andrew Hem (Cambogia | USA), Leegan Koo (Sud Corea | USA), Qimmyshimmy (Singapore), Cheng Cheng Yi (Cina) , Ahoy (Australia | Cina), Sunpei Mao (Taiwan), Jang Koal (Sud Corea), Messy Desk (Cina) , So Youn Lee (Sud Corea) , Jeffrey Chong Wang (Cina | Canada), Afarin Sajedi (Iran) e Ziqian Qian (China).
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Afarin Sajedi, 2020. Acrylic on canvas, 64x54 cm
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Leegan Koo, Doctor’s Office, 2020. Oil on canvas, 40,5x51 cm
Kazuhiro Hori, Strawberry Field, 2020. Acrylic on canvas, 45x45 cm
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Atsuko Goto, The Dreamer’s Devotion, 2020
Aya Kakeda, Micro-chan World, 2015. Acrylic and silver pigment, diam. 20,5 cm (framed size 45,5cmx45,5 cm)
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Dorothy Circus Gallery is proud to present House of the Rising Light, a group exhibition featuring 42 Asian artists and opening on 30 July 2020 at DCG Rome and London. The show will be opened to the public by appointment only until 15th September 2020. The show is part of the gallery’s exhibition program 2020 Mirrored Souls: The Year of Love, dedicated to the theme of Love in all its nuances, whether maternal, paternal, romantic or universal. “House of the Rising Light” thus wants to also further deepen the curatorial research of the gallery within Contemporary Asian Art. This movement - capable of artistic declinations and medium as wide and varied as the vastness of the geographical area from which it originates - by now it is one of the leading trends of contemporary art and is conveyed on this occasion at the Dorothy Circus Gallery through the works of almost 40 artists from Japan, China, South Korea, Singapore, Vietnam and Taiwan. For the occasion the attention is inevitably placed on the immensity of Asian Art, from China to Japan, which nuances and refined details reflect the spirit of this tendency to honour their origins, maintaining a deep respect and attachment to their millennial traditions and finally combining at the same time with the most avantgarde and contemporary trends at the global level. The deep spirituality conveyed by these artists, who are able to represent the most pop and surreal subjects always linked to a suffused and dreamlike world that recalls childhood memories - is in fact connected to the early origins of their cultures, generating the result of the great avant-garde vision of their art, whose number of influences is incalculable. Mention of honour, also in this case so particular, deserve the Italian Renaissance, the European Surrealism, the German Expressionism - if you want to look at all Europe. However, also the entire creative universe autochthonous related to the iconography of Manga and Anime, whose languages and attention to the late-adolescence phase, wells witch with the attention to the themes of childhood and Dream always conveyed through the curatorship of the gallery. Exhibited for the occasion many artists from time related to the Dorothy Circus Gallery, such as Jeffrey Chong Wang, Kazuki Takamatsu, Fuco Ueda, Chishi Morimura, Andrew Hem, Koh Kisung, Yosuke Ueno. As well as new talents for our audience, who are Moe Nakamura, Junko Mizuno, Masakatsu Sashie, Yoko D’Holbachie e Qimmyshimmy. Specifically, the participating artists from Japan are Yosuke Ueno, Fuco Ueda, Kazuhiro Hori, Kazuki Takamatsu, Naoto Hattori, Masakatsu Sashie, Moe Nakamura, Junko Mizuno, Chishi Morimura, Yuu Kawashima, Aya Kakeda, Maki Hino, Ai Haibara, Tomomi Yoshizawa, Yoko D’Holbachie, Tada Koiichiro, Mayuka Yamamoto, Maruyama Junna, Emi Katsuta, Atsuko Goto, Naoaki Funayama, Miho Hirano, Mitsuko Kuroki, Karin Iwabuchi, Tokuhiro Kawai and Tomoko Hokyo; on show we are proud to present also Tran Nguyen (Vietnam), Koh Kisung (South Korea), Kwon Kyungyup (South Korea), Andrew Hem (Cambodia | US), Leegan Koo (South Korea | US), Qimmyshimmy (Singapore), Cheng Cheng Yi (China) , Ahoy (Australia | China), Sunpei Mao (Taiwan), Jang Koal (South Korea), Messy Desk (China) , So Youn Lee (South Korea), Jeffrey Chong Wang (China | Canada), Afarin Sajedi (Iran) and Ziqian Qian (China).
Dorothy Circus Gallery Via dei Pettinari 76, Rome - Italy www.dorothycircusgallery.com
INSTAGRAM | @dorothycircus FACEBOOK | Dorothy Circus Gallery
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Tokuhiro Kawai, Unicorns and a Girl (Dynamism and stillness), 2020. Tempera and oil on panel, 53,5x46 cm
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GIARC YLLIER 64
street
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Craig Reilly è uno street photographer di Londra e Olympus Ambassador. Dopo aver iniziato a fotografare le strade nel 2015, Craig ha affinato le sue capacità percorrendo molte miglia per le strade di Londra e di molte altre città europee. È co-fondatore del Street Photography International Collective (SPi), curando il suo account Instagram come la più grande piattaforma di street photography dedicata al mondo. Con oltre 1 milione di follower, conta 16 milioni di visite al mese e ha oltre 6 milioni di immagini nel suo pool di lavori inviati. Fotografo esposto e pubblicato a livello internazionale, il suo lavoro è stato presentato su Time Out London, Digital Photographer, lAmateur Photographer, la rivista Olympus, la Bureau of Arts and Culture, la mostra fotografica del Regno Unito presso il NEC di Birmingham; così come in molti siti Web tra cui Fubiz, Creative Boom e Mirror Lessons. È stato anche vincitore del negozio del Magnum Photos swap shop 2017.
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Craig Reilly is a London based street photographer and Olympus Ambassador. Having originally started photographing the streets in 2015, Craig has honed his skills by covering many miles on the streets of London and many other European cities. He is a co-founder of the Street Photography International Collective (SPi), curating its Instagram account to be the largest dedicated street photography platform in the world. With over 1 Million followers, it gains 16 million visits a month, and has over 6 million images in its pool of submitted work. An internationally exhibited and published photographer, his work has been featured in Time Out London, Digital Photographer magazine, Amateur Photographer magazine, Olympus magazine, Bureau of Arts and Culture magazine, the UK photography show at the NEC, Birmingham; as well as many websites including Fubiz, Creative Boom, and Mirror Lessons. He was also a winner of the Magnum Photos swap shop 2017.
WEBSITE | craigreillyphotography.com INSTAGRAM | @craig__reilly FACEBOOK | craigreillyphotography
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interior design
Giudizio della giuria The Great Indoors / concentrate&collaborate: “Temporalità e sostenibilità sono concetti difficili da conciliare. Questa è un’osservazione che vale certamente per l’interno e solleva un’importante domanda per il futuro, dato che molti interni non durano più di cinque anni. Questo progetto per un ufficio temporaneo sembra aver formulato una risposta alla richiesta di identità e alla domanda di sostenibilità. Con questa semplice manovra, mediante la quale tutti i singoli elementi sono collegati dal colore nero e da un semplice sistema di suddivisione in zone, i29 Interior Architects formula una risposta intrigante a questa domanda e presenta un caso di studio eccezionale ”.
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THE RECYCLED OFFICE - GUMMO
Jury rapport The Great Indoors / concentrate&collaborate: “Temporality and sustainability are concepts difficult to reconcile. This is an observation that certainly holds true for the interior, and raises an important question for the future, given that many interiors do not last longer than five years. This design for a temporary office seems to have formulated an answer to the call for identity and the demand for sustainability. With this simple manoeuvre, by which all individual elements are connected by the colour black and a simple zoning system, i29 Interior Architects formulates an intriguing answer to this demand, and presents an outstanding case study�.
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WEBSITE | i29.nl INSTAGRAM | @i29architects FACEBOOK | i29 interior architects
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Awards for this project Winner - The Great Indoors Award 2009 Nomination - LAi Award 2009 Nomination - Dutch Design Awards 2009
Project Design Client Floor area Completion Location Photography Construction
The recycled office - Gummo i29 interior architects Gummo 450 m2 March 2010 Amsterdam, NL i29 interior architects Kooijmans Interieurbouw
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interview
ELISABETTA ROSSI
Interview by Alessandra Scarci
Elisabetta Rossi modella vicentina, classe 94, bellezza disarmante, vitalità contagiosa e due impianti cocleari alle orecchie con un interruttore del suono ON/OFF. Elisabetta è una vera forza della natura e siamo felici di averla come nostra ospite. Elisabetta Rossi, model from Vicenza, born in 1994, stunning beauty, contagious vitality and two cochlear implants in the ears with an ON/OFF sound switch. Elisabetta is a true force of nature and we are happy to have her as our guest.
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Photo & Stylist: Alberto Buzzanca
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Photo & Stylist: Peter MĂźller
Alessandra Scarci: Ciao Elisabetta e un caloroso benvenuto da GlamourAffair. Come hai trasformato la tua diversità in un punto di forza? Elisabetta Rossi: Ciao a tutti e grazie per l’invito, è per me un piacere essere qui con voi! Devo tutto ai miei impianti cocleari, ovvero due orecchi bionici, e al Dott. Riccardo D’Eredità, medico e uomo per me speciale. Trasformare la diversità in un punto di forza è difficile per ciascuno di noi e lo è stato anche per me. Inizialmente provavo invidia per chi riusciva a sentire, a parlare spontaneamente, senza dover interpretare la mimica facciale. Io invece avevo sempre il torcicollo! - sorride. I nuovi modelli di apparecchi acustici erano per me insopportabili e non miglioravano affatto l’udito. Così, senza pensarci due volte, a 17 anni ho deciso di affrontare due interventi a distanza di un mese. Oltre alla paura delle persone che mi vogliono bene e la paura per me stessa, ho dovuto affrontare un’anestesia totale e 4 ore in sala operatoria. Come ne sono uscita? Da vincitrice. Posso dire che ho finalmente i 5 sensi e mi sento autonoma e indipendente. Ora per esempio, posso viaggiare senza dover chiedere disperatamente a qualcuno cosa fare. Uno dei vantaggi di cui godo grazie ai miei orecchi bionici è avere un interruttore ON e OFF del suono, utilissimo soprattutto dopo una giornata pesante, quando ho bisogno di staccare la spina! Alessandra Scarci: Hi Elisabetta and a warm welcome from GlamourAffair. How did you turn your diversity into a strength? Hello everyone and thanks for the invitation, it is a pleasure for me to be here with you! I owe everything to my cochlear implants, or two bionic ears, and to Dr. Riccardo D’Eredità, doctor and man for me special. Elisabetta Rossi: Turning diversity into a strength is difficult for each of us and it has been difficult for me too. Initially I felt envy for those who could hear, to speak spontaneously, without having to interpret facial expressions. I, on the other hand, always had a stiff neck! - he smiles. The new hearing aid models were unbearable for me and did not improve hearing at all. So, without thinking twice, at 17 years old I decided to face two interventions after one month. In addition to the fear of people who love me and the fear for myself, I had to face total anesthesia and 4 hours in the operating room. How did I get out of it? As a winner. I can say that I finally have 5 senses and I feel autonomous and independent. Now for example, I can travel without having to ask someone desperately what to do. One of the advantages that I enjoy thanks to my bionic ears is having an ON and OFF sound switch, very useful especially after a heavy day, when I need to unplug! AS: A che età hai scoperto di avere l’udito danneggiato e come hai affrontato questa situazione? ER: Ero molto piccola quindi ho dei ricordi sfocati. All’età di tre anni e mezzo iniziai a non rispondere alle domande dei miei genitori ed insegnanti e iniziai a pronunciare male le parole, storpiandole. Non sono nata con un problema all’udito, la mia è una sordità acquisita quindi ho potuto sentire per i primi anni della mia vita. Successivamente, dopo diverse visite mediche e accertamenti, i medici hanno scoperto la mia sordità, le cui cause rimangono, purtroppo, ancora ignote. Ho portato per un lungo periodo gli apparecchi acustici e ho fatto molta logopedia. AS: At what age did you discover that your hearing was damaged and how did you deal with this situation? ER: I was very young so I have fuzzy memories. At the age of three and a half I started not to answer the questions of my parents and teachers and I began to mispronounce the words, distorting them. I wasn’t born with a hearing problem, mine is an acquired deafness so I was able to hear for the first years of my life. Subsequently, after several medical examinations and tests, the doctors discovered my deafness, the causes of which, unfortunately, still remain unknown. I wore hearing aids for a long time and did a lot of speech therapy.
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Photo: Lorenzo Taliani - Make up: Barbara Corso AS: Ti sei laureata all’Accademia delle Belle Arti di Venezia. Quanto è importante il ruolo dell’arte nella tua vita? ER: L’arte per me è tutto. Non si tratta solo di tecnica, propensione al disegno, bisogna essere in grado di trasmettere emozioni. E non è così scontato! Vi mostro una tela disegnata nel Natale del 2011, all’età di 17 anni, dopo aver ottenuto i due impianti cocleari. Intitola “Felicità infinita”. AS: You graduated from the Academy of Fine Arts in Venice. How important is the role of art in your life? ER: For me, art is everything. It’s not just about technique, propensity for drawing, need to be able to convey emotions. And it is not so obvious! I show you a canvas drawn on Christmas 2011, at the age of 17, after obtaining the two cochlear implants. It is titled “Infinite Happiness”. AS: Come è nata la passione per la moda e quando hai capito di voler intraprendere la carriera di modella? Quale progetto è stato il più importante per te? ER: Ho sempre avuto una forte passione sia per la moda che per la fotografia. Sin da piccola amavo farmi fotografare insieme ad amici, parenti e ho avuto la fortuna di crescere fra “appassionate di cucito” – la famiglia di mamma- da cui ogni carnevale venivo trasformata in uno dei cagnolini de “La carica dei 101”, Biancaneve e altre meravigliose principesse. Diventare modella è stato un puro caso, stavo attraversando un periodo buio e non credevo in me stessa. Un noto fotografo padovano mi ha accettata come “modella per un giorno” e da lì è iniziato tutto! Per me ogni shooting e ogni brand sono unici e speciali quindi porto ogni progetto nel cuore. Mi sono sempre divertita su ogni set.. un lavoro che non sembra un lavoro!
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AS: How did your passion for fashion come about and when did you understand you wanted to pursue a modeling career? Which project was the most important for you? ER: I have always had a strong passion for both fashion and photography. Since I was a child I loved being photographed together with friends, relatives and I was lucky enough to grow up among “sewing enthusiasts” - the mother’s family - from which every carnival was transformed into one of the dogs of “101 Dalmatians”, Snow White and other wonderful princesses. Becoming a model was a pure accident, I was going through a dark period and I had not believed in myself. A well-known Paduan photographer accepted me as a “model for a day” and it all started from there! For me, every shooting and every brand is unique and special so I carry every project in my heart. I’ve always had fun on every set .. a job that doesn’t seem like a job! AS: Qual è il tuo sogno nel cassetto e quali sono i tuoi progetti futuri? ER: Ho tanti sogni nel cassetto, il più grande è quello di avere i processori nuovi per gli impianti cocleari, quelli attuali purtroppo tra un po’ andranno in pensione. Inizialmente pensavo che avrei lavorato nel settore del graphic design invece le cose sono cambiate. Chi mai avrebbe pensato che sarei diventata modella?! Cerco di vivere nel presente, senza pensare troppo al futuro. La vita è così bella e imprevedibile da doverla vivere senza mai smettere di sorridere! AS: What is your dream in the drawer and what are your future plans? ER: I have many dreams in the drawer, the biggest one is to have new processors for cochlear implants, unfortunately the current ones will retire soon. Initially I thought I would work in the graphic design sector but things have changed. Who would have thought that I would become a model?! I try to live in the present, without thinking too much about the future. Life is so beautiful and unpredictable that you have to live it without ever smiling!
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Photo & Stylist: Alberto Buzzanca
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Photo & Stylist: Alberto Buzzanca
AS: In una società fatta di apparenze e pregiudizi ciò che “esce dal coro” viene emarginato. Ti sei mai sentita esclusa nelle situazioni sociale o professionali? Se sì, come hai affrontato questi momenti difficili? ER: Faccio un po’ fatica a rispondere a questa domanda, perché sono sempre stata una persona molto vivace e intraprendente. Naturalmente mi sono sentita esclusa quando portavo gli apparecchi acustici, sentivo poco e parlavo malissimo. Gli anni più difficili sono stati quelli dell’adolescenza, mi sentivo inferiore e provavo invidia verso l’essere umano “perfetto” con 5 sensi completi. Questo è accaduto fino ai 17 anni, poi, dopo aver ottenuto i due impianti cocleari, sono rinata, mi sono sentita finalmente “umana” e non ho più avuto rapporti sociali e professionali complicati. Amo essere circondata da amici e partecipare alle feste, insomma non passo mai inosservata! AS: In a society made up of appearances and prejudices what “comes out of the chorus” is marginalized. Have you ever felt excluded in social or professional situations? If so, how did you deal with these difficult moments? ER: I find it hard to answer this question, because I have always been a very lively and enterprising person. Of course I felt left out when I wore hearing aids, I heard little and spoke very badly. The most difficult years were those of adolescence, I felt inferior and I felt envy towards the “perfect” human being with 5 complete senses. This happened until the age of 17, then, after obtaining the two cochlear implants, I was reborn, I finally felt “human” and I no longer had complicated social and professional relationships. I love being surrounded by friends and attending parties, in short, I never go unnoticed! AS: Sui social hai molto seguito, chi ti stima, chi apprezza la tua spontaneità e chi condivide con te una esperienza di vita simile. Quanto è importante per te il rapporto con i tuoi followers e quanto conta essere un esempio di coraggio e positività? ER: Sui social cerco sempre di essere me stessa condividendo momenti in cui sono con il morale un po’ a terra e altri di pura felicità. Amo leggere le storie di coraggio che ricevo dai miei amici virtuali, non mi piace molto chiamarli followers. Il messaggio fondamentale che trasmetto principalmente è che non bisogna abbattersi se non ci si sente all’altezza. Chi potrebbe determinarlo? I limiti sono solo mentali, possiamo realizzare qualsiasi sogno! Non ho paura di essere me stessa, nonostante le mie insicurezze. Bisogna avere il coraggio di mostrarsi e amarsi per ciò che si è, siamo tutti meravigliosi a modo nostro! AS: On social media you have a lot of followers, those who respect you, those who appreciate your spontaneity and those who share a similar life experience with you. How important is the relationship with your followers for you and how important is being an example of courage and positivity? ER: On social networks I always try to be myself by sharing moments in which I am with a little grounded morale and others of pure happiness. I love reading the stories of courage that I get from my virtual friends, I don’t really like calling them followers. The fundamental message that I mainly convey is that you don’t have to break down if you don’t feel up to it. Who could determine it? The limits are only mental, we can make any dream come true! I am not afraid of being myself, despite my insecurities. We must have the courage to show ourselves and love each other for what we are, we are all wonderful in our own way!
INSTAGRAM: @elisabettarossi_er | @alessandra.scarci
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Creature
illustration
SCOTT BALMER Scott è un illustratore professionista che attualmente risiede in Scozia, nel Regno Unito. Si ritiene “una persona che risolve i problemi della natura visiva” da quando si è laureato alla Dundee’s Duncan of Jordanstone School of Art & Design. Ha realizzato opere d’arte per numerosi clienti e gallerie di tutto il mondo, tra cui illustrazioni per aziende come Google, The New York Times, Huginn & Muninn, Saatchi e Saatchi per citarne alcuni e ha esposto le sue opere in gallerie con sede in Francia, LA , Londra e New York. Scott is a professional illustrator who currently resides in Scotland, United Kingdom. He sees himself as a person who solves problems of the visual nature and has being doing so since graduating from Dundee’s Duncan of Jordanstone School of Art & Design. He has produced artwork for numerous clients and galleries from around the world including making illustrations for companies such as Google, The New York Times, Huginn & Muninn, Saatchi & Saatchi to name a few and has exhibited his work in galleries based in France, LA, London and New York.
WEBSITE | scottbalmer.co.uk VECTORS WEBSITE | scottbalmervectors.co.uk INSTAGRAM | @scott_balmer TWITTER | scott_balmer
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Mind Blowing Ideas
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Back on the Outside
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Snooping
Robot learning
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project
Room
EMOTION, LIGHT AND BODY “We’re not the first, I hope we’re not the last ‘Cause I know we’re all heading for that adult crash The time is so little, the time belongs to us Why is everybody in such a fucking rush...?”
DARK INDIGO 94
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DARK INDIGO Disident, Fashion/portrait photographer, Digital artist, Retro gamer and manga reader from Rijeka.
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INSTAGRAM | photographer: @dark_indigox - Model: @miastrcic
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Photo Credits: Francis Barion
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Marta Grossi WASH YOUR HANDS AND KEEP CREATIVE Sono Marta Grossi, lavoro come creative director e artista, e ho vissuto tanti anni in Asia, per la precisione a Hong Kong. Sono rientrata in Italia da due anni, e volevo condividere la storia della mia quarantena creativa. La creatività è sempre stata una terapia per me, non solo la mia professione. I’m Marta Grossi, I work as creative director and artist, and I have lived many years in Asia, to be precise in Hong Kong. I have been back in Italy for two years, and I have shared the story of my creative quarantine. Creativity has always been a therapy for me, not just my profession.
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Il giorno 8 marzo 2020, mi sono ritrovata in quarantena a Milano, dove ero precedentemente arrivata per un periodo temporaneo e per dei progetti di lavoro. Ora sono qui da sola, - in una casa che non è neanche la mia - e impossibilitata a tornare dalla mia famiglia. Lavorare come creative director e artista mi ispira continuamente a utilizzare la creatività per rimanere sana, fisicamente e mentalmente. Una forma di terapia e il modo migliore che conosco per reagire all’ansia della pandemia globale che sta affliggendo il nostro mondo. In questo momento, più di ogni altra cosa, dobbiamo rimanere positivi e cercare di trovare la bellezza anche nei posti più inaspettati. Qualche settimana fa pensavo alla percezione delle cose, a quante volte durante il giorno ci ricordano di lavarci le mani, da quando abbiamo conosciuto il virus. I lavandini di tutto il mondo sono diventati dei compagni silenziosi, che incontriamo ogni giorno - e sotto queste tragiche circostanze - un semplice elemento di arredo, cambia il suo aspetto davanti ai nostri occhi. Da quando siamo tutti rinchiusi dentro, uso la mia immaginazione per vedere la primavera, i fiori, la natura e gli elementi organici che escono dal lavandino e circondano la mia quarantena. Il lavandino di questo appartamento è diventato la mia tela temporanea. All’inizio per pura necessità, quando ho cominciato a finire i fogli e i supporti per dipingere. Ogni giorno dipingo con gli acquerelli un nuovo soggetto, e dopo 24 ore lascio che l’acqua distrugga l’opera. Questo mi ricorda che la vita è bella anche nel brutto, nella paura e nell’incertezza. Uso il mio iPhone per registrare alcuni video del processo, e poi li pubblico a rovescio, per rivedere come l’acqua trasforma i colori e le forme. Questo è il messaggio che voglio comunicare e condividere: di vedere le stesse cose con occhi diversi. Di essere forti e di apprezzare le piccole cose. Sono con voi, siamo insieme. La creatività non si fermerà mai. Love, Marta
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On March 8th, 2020 I found myself quarantined in Milan, where I previously came for a temporary time and working projects. Now I am locked here alone - in a home that is not mine - and unable to come back to my family. Working as creative director and artist is pushing me to use my creativity to stay mentally and physically healthy. A form of therapy and the best way I have to cope with anxiety and the global pandemic that is affecting our world. Now more than ever we need to stay positive and to find beauty even in the unexpected places. Few weeks ago I thought about the perception of things, about how many times we are reminded to wash our hands since we met the corona virus. The sinks of all the world are now becoming silent companions, we look out every day - and under this tragic circumstances - a simple piece of furniture is changing in front of our eyes. Since we are all locked inside, I use my imagination to see spring, flowers, nature and organic elements popping out of and surround my quarantine. The sink of this apartment is now my temporary canvas, at first it started as a necessity because I finished all of my drawing papers. Every day I paint with watercolors a new subject and after 24 hours I let the water destroy the art piece, and that reminds me that life is beautiful even in the ugly, scary and the unknown. I use my iPhone to record some short videos, and then I play them reverse to see how the effect of the water is affecting the colors. This is the message I want to give and share: to see the same things with different eyes. To be strong and to appreciate simple little things. I am with you, we are all in this together. Creativity will never stop. Love, Marta
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Photo Credits: Francis Barion
Marta Grossi
Creative Director | Artist | Dreamer WEBSITE | martagrossi.com E-MAIL | grossi.marta@gmail.com INSTAGRAM | @martabunny
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SARA NON
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DITELO
MUNARI A
MIA
MADRE
storytelling
Mi presento e vi racconto la mia storia. Mi chiamo Sara Munari e sono nata nel 1930 a Milano, in Italia. L’anno seguente i miei genitori emigrarono a New York. Quasi per caso, a 18 anni, inizio a lavorare per l’Ente spaziale Americano, che allora si chiamava Naca (National Advisory Committee for Aeronautics) formata nel 1915 e nata per supervisionare e gestire gli studi scientifici legati al ‘volo’. Nel 1958 fondiamo la Nasa (National Aeronautics and Space Administration) l’agenzia governativa civile responsabile del programma spaziale degli Stati Uniti d’America e della ricerca aerospaziale. Nel 1959 creo un settore personale la RASA (Rational Aeronautics and Space Administration e acronimo del mio nome) che si occupa solo di avvenimenti considerati realmente accaduti perché scientificamente provati (da qui Rational). Io sono quello che viene definito ‘membro occulto’ quindi il mio nome non è mai potuto comparire per ragioni di sicurezza, così come il settore RASA. Dopo innumerevoli studi, tenuti nascosti fino ad oggi, posso dire di aver scoperto la vita su un altro Pianeta. Il nome che ho dato al pianeta è Musa 23. Gli abitanti sono umanoidi e io mi sono confrontata sempre e solo con uno di loro, l’ho chiamato x23. Sono stata su musa 23 in diverse occasioni. Ho 88 anni, ho piena facoltà di intendere e di volere. Qui ci sono i miei studi e le mie scoperte. Dopo quello che vi mostrerò non avrete più dubbi. Finalmente posso raccontare tutto.
Let me introduce myself and tell you my story. My name is Sara Munari and I was born in 1930 in Milan, Italy. The following year my parents migrated to New York. When I was 18 and, sort of accidentally, I started working for the American Space Agency, whose name at the time was NACA (National Advisory Committee for Aeronautics). Founded in 1915, Naca was set up to manage and supervise the scientific studies related to “aeronautics”. In 1958, my team at NACA founded NASA (National Aeronautics and Space Administration) the government agency responsible for the US space program and aerospace research. In 1959 I established a dedicated unit internally identified as RASA (standing for Rational Aeronautics and Space Administration, and my name’s acronym as well) in charge of supervising files of unusual phenomena with scientific evidence of their existance (characteristic which ultimately inspired the name of the unit “Rational”). I am a so called “shadow agent” and, as such, my name, along with the existence of the RASA, never appeared in any file of the Agency After several studies I personally coWWnducted, until today undisclosed and categorised as secret files, I can finally make public the discovery of the life on another planet, which I named MUSA 23. The inhabitants are humanoids and I have always had contacts only with one of them: I called him X23. I have been on Musa 23 several times. I’m 88 years old and I’m fully capable of consent. After what you are going to read and see in this document, you will have no doubt about their existance. Finally I can make public all my findings.
Se il genere umano non avesse ambiziosamente progettato nel suo percorso, o non avesse sperato in eventi irrealizzabili o ancora non avesse provato a tradurre in realtà sogni fantascientifici, saremmo ancora coi piedi a terra, senza mai aver provato nemmeno a volare. Jules Verne, ha lanciato una bella sfida, collocando, nel romanzo “Viaggio al centro della Terra”, all’interno di un vulcano (Snæfellsjökull) in Islanda, il passaggio che conduce appunto, al centro della Terra. L’Islanda è luogo dove ho scattato tutte le immagini del mio lavoro. Sappiamo poco di quello che c’è sulla terra, figuriamoci di ciò che ne sta al di fuori. Intravediamo, attraverso la scienza, come il nostro pianeta, sia in una periferia della galassia, di una dei miliardi di quelle presenti nel nostro universo. Forse una civiltà di qualche centinaia o milioni di anni superiore alla nostra, ha già risolto l’incognita dei viaggi in pianeti lontani, anche se a noi potrebbe sembrare fantasioso, un po’ come per una formica percorrere il tragitto Milano-Roma. Cosa giustifica l’intolleranza o il fastidio di molti, quando si parla di extraterrestri o di ufo?
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If mankind had not ambitiously planned in its path, or had not hoped for unachievable events or had not yet tried to translate science fiction dreams into reality, we would still be standing on the ground, without ever having tried to fly. Jules Verne, has launched a beautiful challenge, placing, in the novel “Journey to the center of the Earth”, inside a volcano (Snæfellsjökull) in Iceland, the passage that leads precisely to the center of the Earth. Iceland is the place where I took all the pictures of my work. We know little about what is on earth, let alone what lies outside. We glimpse, through science, like our planet, both in a periphery of the galaxy, in one of the billions of those present in our universe. Perhaps a civilization a few hundred or millions of years older than ours has already solved the unknown of travel to distant planets, even if it might seem imaginative to us, a bit like an ant traveling the Milan-Rome route. What justifies the intolerance or annoyance of many when it comes to extraterrestrials or UFOs?
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Se la rivoluzione copernicana ha allontanato l’uomo dal centro dell’universo, una “rivoluzione” in questo senso porterebbe la nostra civiltà necessariamente in rapporto ad altre. Non posso essere certa dell’esistenza di civiltà extraterrestri, né effettivamente convinta di possibili visite nell’antichità, sul nostro satellite e sulla Terra, da parte di esseri alieni. Ma vi racconto cosa mi è successo… In questo filone possibilista si colloca “Non ditelo a mia madre”. Mi accosto al termine “rivoluzione” anche per una scelta del tutto personale, quindi un tumulto interiore, di indagare le relazioni fra differenti arti visive e proporre una realtà impossibile avvicinandola al racconto dell’essere umano. Il lavoro è stato pensato per ritrovare mio padre che, malato di Alzheimer, vive con noi, ma in un mondo tutto suo, parallelo, non tangibile né comprensibile. Per ritrovarlo ho provato a sbarcare su un altro pianeta, per rendermi conto di doverlo lasciare andare… Tutti gli oggetti presenti nelle fotografie, scattate tutte in Islanda, sono presenti nelle immagini e non sono stati aggiunti con programmi di fotoritocco, volevo non usare Photoshop per dimostrare che fosse possibile raccontare qualsiasi storia, anche impossibile.
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If the Copernican revolution moved man away from the center of the universe, a “revolution” in this sense would bring our civilization, necessarily in relation to others. I cannot be sure of the existence of extraterrestrial civilizations, nor actually convinced of possible visits to antiquity, on our satellite and on Earth, by alien beings. But I’ll tell you what happened to me ... In this possibility, we find “Don’t tell my mother”. I approach the term “revolution” also for a completely personal choice, therefore an inner turmoil, to investigate the relationships between different visual arts and propose an impossible reality by bringing it closer to the story of the human being. The work was designed to find my father who, with Alzheimer’s disease, lives with us, but in a world of his own, parallel, not tangible or comprehensible. To find it I tried to land on another planet, to realize that I had to let it go ... All the objects in the photographs, all taken in Iceland, are present in the images and have not been added with photo editing programs, I wanted not to use Photoshop to demonstrate that it was possible to tell any story, even impossible.
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WEBSITES | saramunari.it - musafotografia.it INSTAGRAM | @munari.sara - @fotografiamusa
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Titolo: Non ditelo a mia madre Autore: Sara Munari Anno produzione: 2017 Numero opere: 73 elementi Numero stampe fotografiche: 50 Numero stampe documenti: 23 Realizzazione foto e video: Sara Munari Durata video: 12 minuti 20 secondi Musica video: “Infinite Wonder” By Kevin Macleod (Public Domain) Traduzioni inglese: Anna Brenna
Title: Don’t tell it to my mother Author: Sara Munari Year: 2017 Number of photographs: 73 elements Number of photographic prints: 50 Number of documents prints: 23 Photo and video production: Sara Munari Video duration: 12 minutes 20’’ Video Music: “Infinite Wonder” By Kevin Macleod (Public Domain) English translations: Anna Brenna
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GAETANO PASTORE
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Photo: GAETANO PASTORE (@frppas) Models: SOFIA MACINANTI (@s_o.fi.a) | SIRIA RENZI (@siria_renzi) Location: Palazzo della Civiltà italiana (Palazzo Fendi), EUR - Roma
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#GAddicted THE GLAMOURAFFAIR INSTAGRAM SELECTION
PHOTO @matteobevilacquaph MODEL @_surigreta
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