Glass Onion - Número 16

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EDITORIAL:

INDICE

Hola amigos beatlemaniacos, nuevamente en éste espacio para comunicarme con uds y contarles de qué va éste nuevo ejemplar de Glass Onion.

So let me introduce to you

Como ya habrán visto en la tapa, la nota central de éste número gira en torno a una de las Obras Cumbres del cuarteto inglés: el maravilloso Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Aquí te enterarás de todo lo referente a cada una de las canciones, al proyecto en su totalidad y a pormenores que rodearon a la realización del álbum.

Te presentamos a la banda del Sargento Pepper como nunca la habías visto.

Los bajos de Paul

Además te traemos un informe que hecha luz sobre una parte un tanto oscura de la discografía beatle: las versiones en alemán grabadas a comienzos de 1964, más precisamente sobre la versión germana de She Loves You, conocida como Sie Liebt Dich.

Una reseña por todos los instrumentos utilizados por nuestro bajista favorito.

The B Files

Nuestro Disco del Mes está dedicado a Double Fantasy, el último trabajo en vida de John Lennon en colaboración con su esposa Yoko y además encontrarás una crítica sobre el desempeño de Ringo Starr en las películas de la banda.

La historia secreta y develada de una de las grabaciones más oscuras de The Beatles.

Para los amantes de la parte técnica tenemos un recorrido por los bajos utilizados por McCartney en el período beatle y también te contamos la historia detrás de la primer canción firmada por George en ser grabada oficialmente, Don’t Bother Me.

No me molesten!

George aún en los comienzos deja asentado que el estrellato no fue hecho para él.

No es poco, teniendo en cuenta que además encontrarán otras notas que, como es costumbre, dejo para que las descubran uds mismos.

Además…

Martín Editor Principal

Disco del mes: Double Fantasy Nota Ringo: Ringo como actor Lanzamientos It Was Fifty Years Ago This Month: Octubre ‘64 Only A Southern Song: Gustavo Cerati In Their Own Words: Esperanza por el futuro I Read The News Today, Oh Boy

Get Up And Go

Editor: Martín Castro; Coordinación y Diagramación: Federico B.; Redactores: Martín Castro, Federico B., Javier Cuenca, Milo Cuenca, Pilar J. Vázquez 3

De no haber ocurrido el ase sinato de John Lennon en diciembre de 1980, "Double Fantasy" (publicado el 17-11-1980) hubiese quedado igualmente como uno de sus mejores discos, ya que marcó un regreso y muchos cambios respecto de la persona que había dejado de grabar tras "Rock And Roll" en 1975.

En este disco, además de compartirlo íntegramente con Yoko Ono (cosa que no sucedía desde el bello y politizado "Some Time In New York City" de 1972) desde el título del intérprete hasta la alternancia en el tracklist, Lennon vuelve a mirar de frente a viejos amores pero desde la perspectiva de un padre de 40 años que ve crecer a su hijo, le habla de otros intereses a los de su generación y evoca muy dulcemente su pasado musical.

Una parte de los temas fue compuesta en un viaje que John encaró hacia las Islas Bermudas en un pequeño barco de manera solitaria, o sea, sin la compañía de su esposa. La otra fue el resultado de completar en estudio algunos demos grabados en el Dakota durante su período de inactividad pública.

El primer tema fue, además, el primer single editado un mes antes de la publicación del disco. "(Just Like) Starting Over" trae de manera deliberada el estilo de Elvis Presley y Roy Orbison en ese modo dulce de cantar acompañado con su guitarra. Luego llega toda una orquesta con coros bien al estilo de los '50, brillantemente producido por Jack Douglas, productor que venía de la gloria de dos grandes discos de Aerosmith: "Toys In The Attic" y "Rocks". Mirando esos pergaminos, Yoko lo convocó para que se ponga al frente de la cocina del disco. Antes del comienzo de la canción, hay un tañido cristalino de una campana, en contraposición a

la campana fúnebre que abrió "Plastic Ono Band", 10 años antes. Hay muchísima luz acá, sean bienvenidos.

El concepto de este disco, según John y Yoko, fue el de "un diálogo entre dos corazones", por lo tanto quien tiene la palabra es Ono, con "Kiss Kiss Kiss", donde se acerca finalmente al new wave, aunque lo más acertado sería decir que la new wave se acercó a ella. Es un tema que tiene un fuerte ingrediente erótico, ilustrado mediante un orgasmo real grabado por Yoko masturbándose en el estudio. Al fin y al cabo, "Double Fantasy", además de una especie de fresia vista por Lennon en su viaje, es una clara referencia a la vida sexual del matrimonio Lennon..

"Cleanup Time" es un funk hecho y derecho, en la cual John invita a comenzar una nueva etapa absolutamente limpio. Los niños crecen y no está bien andar con las mismas malas costumbres (Santana dixit) de antaño. El original fue un boogie al piano al que John luego le agregó la letra, comenzando por el título, el cual surgió de una conversación telefónica con Douglas.

Como otra muestra de adelanto musical, Yoko entrega "Give Me Something", un breve pero poderoso tema donde hay de todo, hasta vientos.

Acá Lennon se convierte en la bestia rockera oscura que supo ser alguna vez con "I'm Losing You", excelente tema que recuerda a la última etapa de los Fab ("Come Together") y que nació de la angustia que vivió John tras no poder comunicarse con Yoko vía teléfono desde las Islas Bermudas. A este "reclamo" le llega la dura respuesta de Ono, titulada "I'm Moving On" y que se nutre del final del tema de John, por lo cual, además de ser parte del "dialogo", es una continuación del rockazo de Lennon.

La primera parte concluye con el campanilleo nuevamente

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que anuncia el inicio de "Beautiful Boy", la hermosa canción escrita para Sean (y para todos nuestros hijos, hay que decirlo...) y aquí tenemos al Lennon que más nos gusta, el que compone con el corazón ahí, expuesto y sin trucos, mostrando el amor más puro que puede existir. Y eso lo hace un hombre común y menos estrella, lo cual conmueve hasta las lágrimas.

"Watching The Wheels", además de ser el inicio del segundo acto, es un mensaje de Lennon hacia la gente que pensaba que estuvo 5 años sin hacer nada. En una entrevista, John dijo "Hice cosas que otros necesitarían 10 vidas para hacerlas". Cuánta razón en este tema relajado donde, nuevamente, asoma el duende beatle, que estaba muy presente en aquel tiempo, ya no como una carga que llevar sino como una buena época musical para recordar.

Un plácido paseo por el Central Park, o sea, el vecindario de los Lennon, inspiró a Yoko para componer "Yes, I'm Your Angel", una bonita página con mucho del vaudeville que cautivaba también de niño a Paul McCartney. Muchos descubren a la gran artista en Yoko Ono a partir de este disco, que si bien no puede tal vez compararse al genio de John, al menos está a la altura de las circunstancias.

La "Muchachita" creció y se convirtió en una "Mujer". Otro mensaje de Lennon, no solo a su mujer sino a todas las mujeres. La parte beatle está tan marcada que además de que John en las sesiones de grabación la llamaba "el tema Beatle", cuando se conoció "Real Love" era imposible no emparentarla con esta canción clave de Double Fantasy, no solo por la aparente proximidad temporal de su composición, sino por el tratamiento en el sonido.

"Woman", además de contar con esa bella frase al principio "Para la otra mitad del cielo" ("For the other half of the sky ...") supuso el primer single editado tras el fatídico 8 de diciembre.

Como respuesta lógica en este diálogo, Ono ofrece "Beautiful Boys" como contrapartida conceptual a "Beautiful Boy" (en la pluralización del título) y a "Woman" en el mensaje a los Hombres en general, comenzando por los 2 de su vida, John y Sean. Aquí deja por un momento el new wave y el punk de aquel momento para adoptar una solemnidad que la acercaba a antiguos cánticos de su Japón natal.

La manera de cantar de Buddy Holly que tanto le gustaba a John aflora en el tercer tema de su carrera que lleva el nombre de Yoko (recordar "The Ballad Of John & Yoko" de The Beatles y "Oh, Yoko" de Imagine) Dear Yoko tiene otra vez esas chispeantes guitarras funk y una letra feliz. Por esa época, Lennon declaraba a través de un tema que finalmente quedó inédito y que no se escuchó hasta editado "The John Lennon Anthology" (1998) que "La vida comienza a los 40".

Con "Every Man Has A Woman Who Loves Him" y "Hard

Times Are Over" Yoko cierra un álbum brillante de un modo que curiosamente mira al dark. En el primer tema por su proximidad sonora en lo más pop de bandas como Siouxsie And The Banshees y en el último tema, que es un blues que parece extraído de los primeros trabajos de la pareja, sobresale la última línea "Hard Times are over... for a while" (Los tiempos duros han terminado...por ahora).

Con este disco, además de regresar con material discográfico, John planeaba volver a los escenarios con una gira mundial tocando además, temas de The Beatles. No pudo ser. Sin embargo, este disco no solo está allí como penúltimo hito de un gran artista (ya que hubo material para otro trabajo que habría de llegar 4 años más tarde: "Milk And Honey", sino como el testimonio de un artista que nos venía a contar como era vivir la vida de un modo normal, cosa que nosotros ya lo sabemos, pero que John jamás lo había experimentado.

En 2010, como parte de las celebraciones por los 70 años del nacimiento de Lennon, apareció una versión "stripped down" del disco, que en cierto modo utilizaba la técnica que The Beatles (al mando de Paul) habían mostrado en 2003 para su "Let It Be...Naked". Ideal para apreciar los arreglos y el enorme compositor y productor que fue John.

Que aun sigue siendo John.

Javier Cuenca Argentina

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Ringo es el más importante de The Beatles. Punto. ¿Cómo se llega a esa conclusión? Fácil, viendo las películas. Al menos 4 de las 5.

En todas no es protagonista, pero tiene algo que lo hace destacar por entre sus compañeros. En la primer película, "A Hard Day's Night" (1964), si bien hay espacio para que se luzcan los cuatro (la mordacidad de Lennon, el despreocupamiento de Harrison y la musicalidad y "pose sexy" de McCartney, todo direccionado por el guión de Alun Owen) no hay como la sección de Ringo al compás de una versión instrumental de "This Boy". Allí Starkey despliega casualmente un histrionismo que no solo no tenían sus compañeros, sino otras estrellas de la música que también hicieron películas antes y después (Si, Elvis, hablo de vos) Al año siguiente, en "Help", la cosa se movió en torno a una parodia sobre las películas de James Bond, y Ringo Starr es protagonista gracias a su predilección por usar anillos (rings). La historia cuenta que justamente uno de esos anillos es el que busca una secta para poder llevar a cabo un sacrificio ritual y tratan de sacarle el mismo a toda costa, metiendo a Ringo en situaciones divertidas... o al menos eso pretendían.

Si bien Magical Mystery Tour (1967) es un telefilme donde reina el caos y no hay protagonista alguno, Ringo se las arregla para mostrar algo de lo suyo en las secuencias que le tocan junto a su tía de ficción.

Pero sin dudas donde Starr es protagonista es en la única que paradójicamente no filmó, ya que en "Yellow Submarine" (1968) aparece la versión animada del personaje que Ringo supo construir: Ringo. Un beatle lacónico, extrañamente gracioso y entrañable que, al estilo de "Help!", se mete en problemas con su curiosidad y su falta de cuidado.

Luego de The Beatles, donde finalizó su carrera justamente con el documental “Let It Be”, Ringo prosiguió con una interesante carrera cinematográfica que ya había comenzado en 1969 con “The Magic Christian”, junto a Peter Sellers y con música de, entre otros, Paul McCartney y llega hasta entrada esta década, con participaciones como invitado especial, cameos, narraciones, etc.

Javier Cuenca Argentina

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Para quienes estamos inmersos en el mundo de la música, es moneda corriente el hecho de que la mayoría de los bajistas hayan arrancado sus incursiones musicales con 6 cuerdas antes que con 4 y Paul McCartney no escapa a ello.

Guitarrista desde sus inicios (con un paso previo y poco memorable como trompetista), él incluso aspiraba a ser el guitarrista líder de la banda a la que recién había ingresado, The Quarrymen, pero cuenta la leyenda que en su primer show junto a ellos, el 18 de octubre de 1957 en el New Clubmoor Hall, en Norris Hill, estaba tan nervioso que su interpretación en la canción instrumental Guitar Boogie de Arthur Smith fue tan desastrosa que él mismo decidió que solo tocaría guitarra rítmica y se enfocaría más en la parte vocal.

Luego vendría la llegada de George a la banda para ocupar el lugar de guitarrista solista y varios cambios que desembocarían en la formación con la que se presentarían en los clubes de Hamburgo a partir del 17 de agosto de 1960: John Lennon en guitarra rítmica (Höfner Club), Paul McCartney también en guitarra rítmica (Rosseti Solid 7), George Harrison en guitarra líder (Resonet Futurama), Stuart Sutcliffe en bajo (Höfner President) y Pete Best en batería (Premier). Pero los cambios continuarían y el más significativo sería el alejamiento de Stu, y con ello, la necesidad de que alguien ocupe en rol de ser el bajista de la banda.

Contra lo que se cree, el traspaso de McCartney de la guitarra al bajo no fue inmediato, así que antes de iniciar el recorrido por los instrumentos que Paul ha tocado a lo largo de los años, creo conveniente contarles como fue que se dio todo en aquellos años iniciales.

A poco de comenzar a tocar en Hamburgo, primero en el Indra y luego en el Kaiserkeller, la banda conoce a dos

personas fundamentales en el desarrollo de su imagen escénica; primero a Klaus Voorman y luego a Astrid Kirchherr, una pareja que pronto se rompería ante el amor naciente entre la fotógrafa alemana y Stuart, quienes comenzaron a pasar mucho tiempo juntos, incluso haciendo que el bajista de The Beatles muchas veces no asistiera a las maratónicas sesiones en los clubes donde actuaba la banda, por lo que en ésas ocasiones Paul tomaba su instrumento.

Desde sus inicios, McCartney había desarrollado la habilidad de tocar instrumentos para diestros en su posición natural de zurdo, es decir, con el orden de las cuerdas invertidas. Razonaba acertadamente que la mayoría de los guitarristas son derechos y que nadie le permitiría cambiarle el orden de las cuerdas si él quería tocar un poco, por lo que aprendió a tocar los acordes al revés.

Así como mencionamos ésta virtud, también debo marcar un defecto y es que Paul se caracterizaba por ser demasiado tacaño a la hora de invertir en buenos instrumentos. Si bien su primera guitarra no era mala y en realidad había sido un regalo de su padre, aquella Zenith fue la última en ser renovada y el cambio fue por la Rosetti Solid 7 antes mencionada, una guitarra barata y muy mala que fue adquirida sólo porque se veía bien. Cuando John compró su primer Rickenbacker a fines de 1960, Paul pasó a utilizar su Höfner Club por un tiempo, pero pronto Lennon vendió la guitarra y Macca debió volver a su anterior instrumento.

Al regreso del primer y traumático viaje a Hamburgo, la banda consiguió un par de actuaciones en Liverpool, pero Stuart aún se encontraba en Alemania con su bajo, por lo que por sugerencia de Pete invitaron al bajista de su anterior banda, The Black Jacks, llamado Chas Newby, para

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que tocara en 4 presentaciones en diciembre de 1960. Él seguía una carrera universitaria, pero estaba de vacaciones y ése fue el único tiempo que tenía libre.

Nuevamente sin bajista, Paul “tomó prestadas” tres cuerdas de un piano y se las ingenió para ponerlas en su Rosetti y con ellas ocupó el puesto hasta que Stuart regresó.

Chas Newby Como dato anecdótico quisiera agregar que cuando la banda regresó a Hamburgo en 1961 la Rosetti sufrió un golpe que la dejó inutilizable y su dueño no tuvo mejor idea que destruirla totalmente.

Recordemos que los sistemas nerviosos de los muchachos en ésos días estaban bastante alterados por las famosas pastillas que la mítica Rose, la encargada de los baños del Kaiserkeller, les suministraba para mantenerlos lúcidos durante toda la noche. Los registros fotográficos de ése período muestran a Paul dedicándose a cantar o a tocar el piano en caso de que hubiera uno disponible.

Al poco tiempo se hizo evidente que Stuart no continuaría con la banda. Sumado a su decisión de continuar su

carrera artística como pintor en Alemania y su reciente compromiso con Astrid, se le agregó el hecho de que se aproximaba la fecha en la que grabarían como banda de acompañamiento de Tony Sheridan para el sello Polydor, y Stu no quería pasar por la vergonzosa situación de no estar a la altura del acontecimiento; una cosa era tocar en aquellos ruidosos night-clubs llenos de marineros ebrios y otra ser grabado profesionalmente.

La banda lo entendió y allí sucedió el conocido debate en el que Lennon dijo: “Alguien va a tener que tocar el bajo y no voy a ser yo”. Después de todo, hacía poco que había comprado su Rickenbacker. George dijo que tampoco lo haría, así que todas las miradas cayeron en Paul, que de todos modos no tenía instrumento y debía comprar uno, así que se dirigió a una tienda de música llamada Steinway Musichaus en Hamburgo y vio el instrumento con el que se lo identificaría por siempre: un bajo Höfner 500/1 modelo violín del año 1961.

Según McCartney, lo eligió por dos motivos: su forma simétrica hacía que no se viera mal al tocarlo al revés (de hecho, muchos instrumentos utilizados por Paul, antes y después, fueron originalmente para diestros pero que él mismo los modificó para utilizarlos como zurdo), y la razón más importante, el precio. Un Fender costaba cerca de 100 libras, pero él podía apenas pagar las 30 libras que le costó

Höfner 500/1 modelo violín del año 1961

Rosetti con tres cuerdas prestadas de un piano…

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el Höfner, un instrumento decente y con un sonido bastante opaco y sin brillo, que lejos de ser un defecto, sumaría al sonido general de la banda en el futuro.

Por un tiempo, la banda tuvo dos bajistas, hasta que la segunda aventura alemana culminó y Stuart se despidió definitivamente de ellos, dejando a The Beatles con su clásica formación de cuarteto.

Paul uso su primer Höfner hasta la grabación del álbum With The Beatles, cuando la compañía alemana le regaló una nueva versión del mismo a fines de 1963, momento en el que la banda ya era un fenómeno nacional y pronto lo sería a nivel mundial. El Höfner 500/1 del 63 pasó a ser su primer alternativa, relegando al del 61 al lugar de resguardo ante cualquier eventualidad.

La principal diferencia entre ambos se encuentra en la posición de sus micrófonos y en el color ligeramente distinto, algo más claro en el modelo nuevo.

Al año siguiente cuando la banda se encontraba en Estados Unidos, el presidente de Rickenbacker, FC Hall, le regaló nuevas guitarras tanto a John como a George, lo que provocó no pocos celos en Paul, por lo que el directivo le acerco un bajo 4000/1 para diestro, pero quería al menos un pequeño pago por él, cosa que McCartney descartó de inmediato. Recordemos su costumbre de usar instrumentos prestados o baratos. Además, no le gustaba como se veía aquel instrumento para derechos tocado a la inversa.

Un año más tarde, durante la gira norteamericana de 1965 la banda se encontraba descansando en la casa del actor Burt Lancaster y Hall reapareció, esta vez con un bajo para zurdo y dispuesto a ofrecérselo gratis, cosa que P aul esta vez no rechazó.

El Rickenbacker 4000/1 sería utilizado en estudio a partir del álbum Rubber Soul, pero en escena seguiría siendo utilizado el Höfner debido a que era mucho más liviano y cómodo. Cuando la banda abandonó las giras en 1966 el bajo alemán entró en un impasse de un par de años y el Rick dominó las sesiones de Pepper, Magical Mystery Tour y buena parte del White Album. En aquél alucinógeno año de 1967 el instrumento sufrió su primera modificación importante, al ser pintado a mano con un diseño psicodélico del mismo modo que George lo había hecho con su Fender Stratocaster apodada “Rocky”.

En el mencionado Album Blanco aparecería un nuevo bajo en la galería de alternativas de Paul. Se trata del Fender Jazz Bass del año 1966 que continuaría usando hasta Abbey Road. Aparentemente éste bajo no formó parte del paquete de guitarras y amplificadores que Fender le obsequió a la banda y que sí incluía un Jazz Bass para diestros que sería utilizado por John y George alternativamente cuando era necesario que ocuparan ése rol mientras Paul estaba ocupado en otros quehaceres.

Rickenbacker 4000/1

Rickenbacker 4000/1, pintado durante Magical Mystery Tour

Fender Jazz Bass

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En enero de 1969 durante las infructuosas sesiones para el proyecto Get back/Let it be, Paul sacó del baúl su primer Höfner (en honor a la verdad, ya lo había hecho el año anterior para la presentación televisiva de Revolution en el David Frost Show) y lo lamentaría, ya que el instrumento fue robado. La misma suerte correrían la Gretsch Tennessee y la segunda Rickenbacker de 12 cuerdas de George, que fueron reportadas como desaparecidas del depósito de Abbey Road en marzo de 1969. Para el resto de las sesiones y el famoso concierto en la azotea de Apple, McCartney usó el segundo 500/1.

Hacia fin de año, cuando se grabó el último álbum de la banda, Abbey Road, la tarea se repartió entre el Jazz Bass y el Rick, que había sido nuevamente modificado en su aspecto, esta vez removiendo toda la pintura y siendo dejado al natural, del mismo modo que hizo John con su Epiphone Casino. Los aportes de John y George se hacían con el Fender VI (bajo de 6 cuerdas) y el Jazz Bass tradicional que poseían, algo que venían haciendo desde el White Album y Let it be.

Hasta aquí el recorrido por los bajos usados por Paul durante los años en que The Beatles existieron como banda. En el próximo número conoceremos los que uso en su posterior carrera solista y junto a Wings.

Segundo Höfner500/1 Martin Castro Argentina

Primer Höfner500/1, regreso.

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Rickenbaker, vuelto al natural.

Federico B. Argentina

El año más movido de todos, sigue alistando lanzamientos futuros y apariciones sorpresa en materia Beatle. Tanto es así que tenemos un lanzamiento por cada uno de los Fab Four, de una u otra forma. En principio, estaban también agendados dos para este mes, los dos lanzamientos de The Paul McCartney Collection, Wings At The Speed Of Sound y

Venus And Mars, pero fueron aplazados hasta noviembre por problemas de producción. Hablaremos de esas ediciones a su debido momento. Ahora enfoquémonos en los lanzamientos de septiembre, que no fueron pocos, e incluso ya hablamos de los vinilos Mono en la edición del mes pasado!

El complemento para el box set "The Dark Horse Years", finalmente llegó, tras años de espera.

Los 7 álbumes incluidos fueron completamente remasterizados digitalmente desde los masters originales en los estudios Lurssen Mastering de Los Angeles, por Paul Hicks, Gavin Lurssen, y Reuben Cohen. Son presentados en formato digipack de lujo. Dark Horse y Extra Texture no eran reeditados desde 1992.

Además de los discos originales, cada uno de ellos incluye algunos bonus tracks. En algunos casos son canciones ya editadas anteriormente y en otros son inéditos. Así nos encontramos, por ejemplo, en Wonderwall Music, con una toma alternativa del tema Beatle "The Inner Light" y "Almost Shankara", descartada del álbum original y en Dark Horse con una versión acústica inédita. También vale decir que el Single "Bangla Desh", anteriormente podía encontrarse solo en el recopilatorio The Best Of George Harrison de 1976, ahora fue incluido como Bonus Track al final de Living In The Material World.

El box set también incluye un libro con muchas fotos e información acorde al lanzamiento, y un DVD. Sobre el lanzamiento dijo Dhani Harrison: "Estoy tan feliz que lo que empezamos hace una década con

el lanzamiento de The Dark Horse Years ahora este completo con el lanzamiento de sus seis primeros álbumes con The Apple Years. Algunas de esas grabaciones han estado fuera de impresión por mucho tiempo, por eso no puedo esperar para que los amantes de la música lo tengan en sus manos en estas nuevas versiones remasterizadas. Es un gran momento para nosotros, y quisiera agradecer a todos aquellos quienes nos ayudaron de algún modo a lograr esto."

El box set salió a la venta el 22 de septiembre al igual que cada uno de los 6 álbumes por separado.

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El box set incluye: * Wonderwall Music * Electronic Sound * All Things Must Pass * Living In The Material World * Dark Horse * Extra Texture (Read All About It) El material extra incluido en el DVD: George Harrison – The Apple Years Feature (2014) All Things Must Pass (tema extra en la edición de 2001) The Concert for Bangladesh EPK (2005) Give Me Love (Give Me Peace On Earth) (video de Live In Japan, 1991) Miss O’Dell (versión alternativa de la edición deluxe de 2006 de Living In The Material World) Sue Me Sue You Blues (maqueta en versión acústica de la edición deluxe de 2006 de Living In The Material World) Living In The Material World (procedente de la edición deluxe de 2006 de Living In The Material World) Ding Dong, Ding Dong (video promocional original de 1974) Dark Horse (clip promocional original de 1974)

El 9 de septiembre (el mismo día que los lanzamientos de los vinilos mono), salieron a la venta dentro de la serie Icon, de Universal Music, compilaciones de los grandes éxitos de John Lennon y Ringo Starr. El objetivo de esta colección en general es ofrecer en no más de 11 canciones y a un bajo costo una retrospectiva completa de los más grandes éxitos del artista a homenajear. El precio oficial es de 9 dólares.

La versión de John no trae sorpresas: “Imagine,” “Just Like Starting Over,” “Instant Karma (We All Shine On),” “Stand By Me,” “Mind Games,” “Jealous Guy,” “Beautiful Boy (Darling Boy),” “Love,” “Happy Xmas (War Is Over)” y “Give Peace a Chance.”

En el caso de Ringo, incluye sus más altos puntos, y algunos temas poco habituales: “Photograph,” “It Don't Come Easy,” “You're Sixteen (You're Beautiful and You're Mine),” “Oh My My,” “Only You (And You Alone),” “King of Broken Hearts,” “No-No Song,” “Back Off Boogaloo,” “Walk With You,” “It's All Down to (Goodnight Vienna)” y “Yellow Submarine” (live version). Como se puede ver, cierra con una versión en vivo de Yellow Submarine, traída desde "Live at the Greek Theatre 2008".

Según se sabe, la edición de Ringo incluye el logo de Apple y la de John no.

Además de que la de Ringo incluye fades mas largos al final de varias canciones.

Más elementos Beatles para los completistas y compradores ocasionales.

Ya hace dos años que Paul había adelantado que estaba trabajando como "Compositor de Video Juegos", esto es debido a la inclusión de este tema inédito, "Hope", creado exclusivamente para el juego "Destiny" de la compañía Activision.

Finalmente el single, grabado con una orquesta de 120 integrantes y dirigido por Giles Martin, vio la luz el 10 de septiembre, pero aún a la fecha de salida de esta edición, no salió a la venta oficialmente, aunque se rumorea que será a fines de 2014.

Ya a fin de mes, y de manera sorpresiva, salió para descarga digital por iTunes un nuevo EP de... ¿The Beatles?. Pero no, es un EP que incluye un tema por cada Fab, recogido de sus carreas solistas. El mismo se titula simplemente “4”.

Si hilamos fino en el contenido, nos encontramos con canciones que de algún modo se acoplan a los lanzamientos antedichos en esta sección: -> John Lennon - Love (de Plastic Ono Band) -> Paul McCartney - Call Me Back Again (de Venus And Mars) -> George Harrison - Let It Down (de All Things Must Pass) -> Ringo Starr - Walk With You (de Y Not) El mismo se puso a descarga en iTunes gratuitamente desde el 23/9.

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que Jesucristo) el cuarteto de Liverpool decidió dejar los conciertos y concentrarse en los trabajos de estudio que ofrecían en aquellos años unas posibilidades sonoras imposibles de reproducir en directo. Además se unía la reivindicación del control creativo por parte de la banda (sobre todo de Paul) que, como muchos de su generación, querían ayudar a mejorar el mundo.

A Paul McCartney se le ocurrió la idea de Sgt. Pepper mientras volaba de vuelta a Inglaterra luego de unas vacaciones en África en noviembre de 1966, en compañía de Mal Evans. Pensó que habían tenido suficiente fama.

Que sería fantástico tocar como un grupo imaginario, usando un nombre distinto, llevando disfraces, dejando de ser The Beatles por una vez y librarse de sí mismos.

Durante el vuelo, mientras cenaban, Mal preguntó que significaban la S y la P de unos sobrecitos que acompañaban la comida. Paul explicó que era por Salt (Sal) y Pepper (Pimineta). “Salt and Pepper” repitió varias veces hasta que surgió el nombre Sergeant Pepper, por aproximación sonora. El Lonely Hearts Club Band fue agregado para formar un nombre extravagante, muy propio de los sesenta.

„Larga vida a Sgt. Pepper‟… James Fox

The Beatles habían sido picados por el bichito de la experimentación en el estudio de grabación. Su gran sed por las mejoras en el sonido de sus grabaciones, así como sus hazañas imaginativas en la música oriental y las drogas, los llevó a lo que se convirtió en el punto culminante de su carrera creativa hasta ese momento; a saber, el álbum "Revolver". Este lanzamiento que fue aclamado por la crítica, así como su tempranero sencillo "Paperback Writer" respaldado con "Rain", los dejó satisfechos y con ganas para los nuevos límites que se podrían ampliar o romperlos por completo. Es decir, si tenían el tiempo para hacerlo.

"Pasamos más tiempo de grabación ahora, porque preferimos la grabación." Esta cita de George Harrison en 1966 fue con entusiasmo compartido por los cuatro. Tanto es así, que fue en buena parte la razón para que la gira estadounidense de 1966 fuera la última de su carrera.

"Todos estuvimos de acuerdo que tal vez entrar en el estudio de grabación sería algo nuevo para encendernos".

Paul recuerda sobre su actitud acerca de la gira después de su última actuación en el Candlestick Park en San Francisco, el 29 de agosto de 1966.

Ringo lo resume muy bien en esta cita del libro "The Beatles Anthology": "Después de la decisión de no salir de

Grabación e historia del disco.

Antes de empezar a grabar el disco, el grupo había tomado una decisión que cambiaría por completo la dirección de su carrera: no iban a dar conciertos nunca más. Los muchachos dijeron que los gritos de las fans, que sólo los querían por su estética, no les dejaban tocar a gusto y que ni siquiera podían oírse tocar a sí mismos por el ruido que provocaban (prueben escuchar un concierto en directo y comprobarán lo que digo). Lo cierto es que la decisión de dejar los conciertos les daría a The Beatles una ventaja magnífica: A partir de ahora, podrían incorporar nuevas técnicas de estudio en sus álbumes, ya que no se encontrarían con ningún problema al interpretar las canciones en directo. Y, como pueden comprobar a lo largo de este disco, algunas canciones son prácticamente imposibles de interpretar en una actuación en vivo. Sin duda, dejar los conciertos fue una de las mejores decisiones del grupo. Por cierto, una anécdota sobre el ruido de las fans: Al comienzo del disco, cuando suena la primera canción, se incluyeron unos cuantos gritos y risas

gira, no creo que nos importara un comino. Habíamos tenido más diversión en el estudio, como oyes en 'Revolver' y 'Rubber Soul'. Como se fue formando, se fue haciendo más experimental. Estábamos empezando a pasar más tiempo allí, y las canciones se estaban haciendo mejores y más interesantes. En lugar de ser sacados del estudio para volver al camino, ahora podíamos pasar tiempo allí y relajarnos."

Origen de la idea.

Hartos de giras, conciertos multitudinarios en los que solo se podían oír los gritos histéricos de los fans y lo que suponía estar constantemente expuestos a la opinión pública (hacía poco que Lennon tuvo que retractarse de aquello que dijo sobre si los Beatles eran más populares

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más bien como un músico de estudio, porque lo que interesaba era hacer un álbum con cuerdas, metales y partituras. Todo el mundo dice que es un clásico, pero no es el que yo prefiero" mencionó Ringo.

que representaban al público en un directo, fue como una despedida con cierto tono de "desquite" por parte del grupo.

Otro concepto que se manejó fue aportada por Neil Aspinall. Alguién mencionó que un auto de Elvis había sido “enviado de gira” para que los fans puedan verlo. Les pareció una idea brillante. Entonces Neil sugirió que ellos enviaran de gira al propio álbum, y por eso intentaron dar la sensación de un concierto en vivo al inicio.

Pero, por supuesto, la decisión de no salir más de gira también acarreó que muchos medios dijeran que The Beatles eran un grupo acabado. La frase "¿Dónde están The Beatles?" fue un eco constante en todos los periódicos y revistas musicales, que creían que la falta de actividad del grupo suponía su fin. Nada más lejos de la realidad. Lo cierto es que los cuatro integrantes estaban creando su obra maestra.

Pareciera que todas las canciones mantienen una especie de interconexión entre ellas pero todo fue cuestión del azar como lo mencionaría Lennon en un comentario: "Dicen que es el primer álbum conceptual. Yo no lo veo así.

Mr. Kite y toda mi contribución no tenían nada que ver con esa idea de la banda del Sgt. Pepper. Pero funciona y da la apariencia de conexión. Sgt. Pepper, Billy Shears, la repetición… eso es todo. El resto de los temas podrían haber estado en cualquier otro álbum. A Day In The Life, Mr. Kite podrían haber ido en cualquier otro álbum". Hasta aquí llegó la idea de fundir las canciones. Esto demuestra el grado de improvisación con el que se llevaba a cabo la producción del nuevo álbum. La marihuana había hecho aparición en sus vidas e incluso algunos de ellos ya habían tenido algún coqueteo con el ácido y la cocaína.

Es por esto que se nota claramente el estilo psicodélico, pero con un sonido mucho más elaborado que cualquier otro disco del género. Además usaron todo tipo de instrumentos muy inusuales en una banda de rock: Violines, orquestas, ruidos de animales, sonidos invertidos... Todo un espectáculo.

Una obra maestra del pop que incluía instrumentos nunca antes oídos y que rompía con la imagen de grupo de rock a lo Buddy Holly, con tres guitarras y una batería.

Había una orquesta de 41 músicos, secciones de viento, instrumentos indios y otros inventados sobre la marcha, además de todo tipo de efectos sonoros; todo ello administrado de forma magistral por el productor George Martin y el ingeniero Geoff Emerick (uno de los grandes olvidados en la mayoría de la reseñas de este álbum) ya que se grabó en un equipo de sólo cuatro pistas, un lujo para 1967. Sin embargo hubo quien no compartió esa idea: "Con 'Sgt Pepper' me

sentí

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Los temas que conforman el álbum (por demás conocidos) están presentados de forma cronológica, según como fueron grabados.

Para mantener el tempo, le pidieron a Mal Evans que contara cada uno de los 24 compases que decidieron dejar libres y en el disco se le oye, de pie al otro lado del piano, contando 'one, two, three, four...'. Mal puso un despertador que sonaría al final, que también se oye en el disco. Lo tuvieron que dejar porque no pudieron borrarlo.

Cuando Paul le dijo a Martin que para llenar los pasajes de transición necesitaban una orquesta sinfónica, éste se negó en rotundo, aunque ante la insistencia de McCartney finalmente se convocaron 41 músicos. La idea era que se 'descontrolaran' y según Lennon, aquello tenía que terminar sonando "como si fuera el fin del mundo". Para lograr el efecto de una sinfónica de 90 integrantes se grabó a los músicos 2 veces, pero sin decírselos, si no EMI hubiese estado obligada a pagarles doble. Se les dijo que primero harían un ensayo y luego la toma final.

Por último, esto se combinaría con un poderoso acorde hecho en varios pianos a la vez tocado por Lennon, Starr, McCartney, Evans y Martin (y enviado cuatro veces); que se alargó durante 40 segundos completos (de hecho, debido a que el sonido se iba apagando, se subió el volumen de la grabación cada vez más, por lo que se pueden oír los ruidos del propio estudio).

Por último dejaré una última anécdota que podía escucharse en el acetato que lanzaron: Los 15 últimos segundos estaban rellenados con una frecuencia de 15 kilohercios, una especie de broma ya que no es audible por el oído humano (según Lennon, lo hizo " para molestar a sus perros"). Seguidamente, aparece un extraño bucle de risas y voces incomprensibles llamado "Inner Groove".

When I’m Sixty Four.

Según John, era un tema de Paul en los tiempos del Cavern. "Le ayudé con algo de la letra, como lo de los

nietos encima de la rodilla y a Vera, Chuck y Dave. Era una de tantas medias canciones que teníamos todos, y ésta siempre había tenido mucho éxito. Solíamos cantarla con el piano cuando nos quedábamos sin luz o se averiaban los amplificadores”. De hecho, de actuaciones celebradas por The Beatles en 1962, existen listados de canciones interpretadas por ellos que incluyen 'When I'm Sixty-four'.

Paul terminó la letra el año que su padre cumplió los 64.

Una de las curiosidades de este tema es que se optó por cambiar la velocidad de la voz de Macca para que al subir la canción un tono se pudiera igualar a la voz más juvenil que tenía en sus primeros días con la banda.

En un principio estaba destinada a cara B de 'Strawberry Fields Forever' o de 'Penny Lane', pero finalmente decidieron publicar un solo single con los dos primeros temas. Si hubiese aparecido como cara B del single, no se habría incluido en el LP y en lugar de él en 'Sgt. Pepper' se habría incluido 'Strawberry Fields', con lo que el álbum, si cabe, hubiera sido más redondo.

A Day In The Life.

Todo comenzó cuando John leyó en el periódico Daily Mail sobre un accidente de tránsito en donde resultó muerto un joven aristócrata llamado Tara Browne (nieto del cervecero Edward Cecil Guinness) que luego de esquivar un Volkswagen impactaría su Lotus contra un camión. Esta historia fue incorporada a la canción en la que estaba trabajando John Lennon: "En la página siguiente del

periódico había un artículo sobre 4.000 agujeros en las calles de Blackburn, Lancashire. También lo incorporé al tema, pero cuando fuimos a grabar, a esa línea todavía le faltaba una palabra. Yo sabía que tenía que ser algo como 'Ahora saben cuántos agujeros hacen falta para...algo...el Albert Hall'. En realidad la frase tampoco tenía ningún sentido pero me empeñé en encontrar la dichosa palabra, hasta que llegó mi amigo Terry Doran y me dijo 'llenar, John, 'llenar' ''.

Paul McCartney, sin embargo no dejó escapar la oportunidad de incluir el 'gran efecto' que dejara a todos (incluido Brian Wilson) sin palabras. " Pensé: ¡Ésta es la

canción! De todas maneras era una canción muy loca, con montones de referencias psicodélicas y lo de 'I'd love to turn you on'. Traté de venderle una idea a John: 'Tomamos quince compases, o cualquier cantidad arbitraria y luego probaremos algo nuevo"

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Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band.

Sirve de presentación al 'concierto' que va a celebrar la 'Banda del Club de Corazones Solitarios del Sargento Pimienta'. El tema fue compuesto y cantado por McCartney con un estilo rockero clásico, con guitarras eléctricas y su fuerte voz. En él dan la bienvenida al público y presentan el primer número: a Billy Shears que se encarga de cantar el siguiente tema. Sin duda alguna, lo más interesante de la canción es el puente final que hace con "With a Little Help from My Friends". La intensidad de la canción, acompañado de aplausos constantes, aumenta cada vez más para acabar dando paso a una dulce balada cantada por Ringo Starr.

Good Morning, Good Morning.

Este tema fue inspirado en un anuncio de Cornflakes. El anuncio original decía así: "Good morning, good morning, The best to you each morning, Sunshine Breakfast, Kellogg's Corn Flakes, Crisp and full of fun". La frase de la canción "It's time for tea and meet the wife" se refería a una serie de TV, 'Meet the Wife' muy popular en Gran Bretaña. La canción "Good Morning Good Morning" fue un perfecto toque de rock más "duro" para el disco. Con una guitarra más potente que en el resto de las canciones y unos bronces para crear un ambiente ruidoso. Los efectos de animales al final de la canción no fueron puestos al azar. John indicó que cada animal que apareciese tendría que ser capaz de asustar o devorar al anterior...

Fixing A Hole.

Según McCartney: "Esta canción sólo trata del agujero en la

carretera donde se mete la lluvia; es una vieja analogía; el agujero en tu constitución, que deja entrar la lluvia e impide que tu mente vague libremente. Cada uno se puede imaginar lo que quiera, pero cuando la escribí quería decir que si hay alguna grieta o si la habitación le falta color, pues voy a pintarla". También hay referencias a los fans que pasaban noche y día frente a su casa, no dejándole llevar una vida normal. El aspecto más característico de la canción es la presencia de ecos, tanto en las voces como en los instrumentos, que le dan un aire especial.

Según Lennon: "En realidad no me dio ningún trabajo. En

Being For The Benefit Of Mr Kite.

ese momento necesitábamos una nueva canción para Sgt. Pepper, así que lo hice. La intención era representar un circo, una canción que pareciera tener 'atmósfera de carnaval'. Es una melodía corta, pero se nota una gran complejidad y experimentación en su composición. Es uno de esos extraños experimentos que tan bien encajan en este disco".

A John se le ocurrió la idea cuando a mitad de un rodaje del clip para 'Strawberry Fields', hicieron una pausa y se fue con George a un restaurante. En el camino vio una tienda de antigüedades y entró a echar un vistazo. Al rato salió con un viejo cartel bajo el brazo que anunciaba un circo del siglo XIX. Él decía que todo estaba ahí, los Henderson, Pablo Franques, Henry el Caballo, los aros, el fuego…

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ojo: “Ya me he dado cuenta, ¿eh? ...L-S-D', y era entonces

cuando todos los periódicos hablaban de LSD, pero nosotros nunca le dimos ese sentido... Se compuso pensando en Alicia en el país de las Maravillas, con una barca en el río, deslizándose suavemente corriente abajo y con grandes flores de celofán sobre la cabeza. De vez en cuando, aquello se interrumpía y aparecía 'Lucy in the Sky with Diamonds' llenando el cielo. Esta Lucy era Dios, la gran figura, el conejo blanco...". A pesar de todas las

Lovely Rita.

Surgió tras un pequeño incidente que le ocurrió a McCartney.

Uno de los días que salía de los estudios para volver a casa, se encontró con una agente municipal que le había dejado una multa en su coche, aparcado en Abbey Road, por rebasar el tiempo permitido.

Sin enfadarse, se lo tomó con buen humor y aceptó el castigo. Unos días más tarde, en casa de su padre, comentaba el tema con su familia. "Estaba aporreando el

explicaciones, la BBC prohibió la emisión de la canción.

Getting Better.

Paul estaba paseando a su perra Martha a comienzos de la primavera de 1967, cuando salió el sol y pensó 'It's getting better' ('Está mejorando' o 'la cosa mejora'), lo que le recordó que Jimmy Nicol (el baterísta que sustituyó a Ringo, enfermo, en parte de la primera gira mundial en 1964) solía decir mucho la frase. Cuando llegó Lennon aquel día para seguir componiendo material para Sgt. Pepper, Paul le sugirió que compusieran una canción llamada así. Trabajaron en ella durante doce horas, parando una vez para comer rápidamente. “Sólo recuerdo

piano en Liverpool cuando alguien me dijo que en América a las agentes de vigilar los parquímetros se les llamaba coloquialmente 'meter maids' (doncellas del parquímetro) y aquello me encantó. Siempre me gusto la palabra 'maid'.

Así que de ahí salió 'Rita Meter Maid' y luego 'Lovely Rita Meter Maid'. Imaginaba una historia de amor con una de ellas. 'Examíname el parquímetro' y cosas así. Me intenté imaginar qué tipo de persona tenía que ser yo para enamorarme de una 'meter maid'; quizá un tímido oficinista que le pregunta: '¿Puedo preguntarle discretamente cuándo está Ud. libre para tomar el té conmigo?' ".

que dije 'It's getting better all the time' y John aportó el verso legendario 'It couldn't get much worse', (No podría ponerse mucho peor), que encontré muy bueno. Iba contra el espíritu de la canción, que era super-optimista. Típico de John.” Acerca de los versos de ser cruel y pegar a una mujer, John confesó en 1980: "Solía ser cruel con mi mujer, y, físicamente, con cualquier mujer. Les pegaba. No sabía cómo expresarme y entonces les pegaba". Presentaron la

Los sonidos extraños que se oyen en el tema tras las frases 'and the bag across her shoulder/made her look a little like a military man' están producidos con unos peines envueltos con papel higiénico. The Beatles podían permitirse el lujo de pasarse una hora de su tiempo de grabación consiguiendo los peines y el papel higiénico adecuado. Envolvían el peine con el papel higiénico entonces John, George y Paul soplaban a través de ellos consiguiendo el sonido similar a una orquesta de kazoos.

El piano de 'saloon' lo tocó George Martin.

canción a George y Ringo y grabaron parte de la instrumentación la noche siguiente.

"Llegó después de una estancia en la India", recordaba Harrison "durante la que me quedé hechizado por el país y

su música. Me traje un montón de instrumentos. Fue escrita en casa de Klaus Voorman, en Hampstead, una noche después de cenar. La canción vino a mí cuando estaba tocando un armonio de pedales. También pasé muchas horas con Ravi Shankar intentando aprender a sentarme y a sostener el sitar y cómo tocarlo. 'Within You Without You' la escribí basándome en una composición de Ravi muy larga, en varias partes, con una progresión en cada una. Yo hice una mini versión usando sonidos similares a los que había descubierto en su pieza. La grabé en tres partes y luego las uní". En la grabación no intervino

Lucy In The Sky With Diamonds.

Lennon siempre defendió que este tema está basado en un dibujo hecho por su hijo Julian. Incluso Pete Shotton, un amigo de la infancia de John recuerda: " Yo estaba allí el día

que Julian llegó a casa del colegio con una pintura al pastel en la que aparecía el rostro de su compañera de clase Lucy O'Donnell con un explosivo fondo de estrellas multicolores. Impresionado por la obra de su hijo, Lennon le preguntó cómo la había titulado. 'Es Lucy en el cielo con diamantes, papá', contestó Julian... Aunque por supuesto, John tomaba mucho ácido cuando compuso la canción, el juego de palabras con LSD fue pura coincidencia". Paul

ningún otro Beatle. George Martin trabajó estrechamente con George en las partituras de la orquesta de cuerdas, y él invitó a algunos amigos de la Asociación India de Músicos para que trajeran los instrumentos necesarios. Ahí Martin escuchó por primera vez la 'dilruba', un violín hindú, que se toca utilizando numerosas técnicas de arrastre. “Eso

McCartney recuerda que la gente venía y decía guiñando el

significaba

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que,

al

escribir

las

partituras

de

los

instrumentistas de cuerda, tenía que hacerles tocar de forma muy parecida a la de los músicos hindúes, curvando cuerdas y ligando notas”.

cinco notas adyacentes", según George Martin. Al parecer,

She's Leaving Home.

harías si cantara desafinado? ¿Me arrojarías tomates maduros?", ya que Ringo no estaba muy acostumbrado a

al principio Ringo no quería cantarla, pero el resto del grupo acabó animándolo. Eso sí, puso como condición que se cambiara el principio de la canción, que decía "¿Qué

Fue de nuevo una colaboración de Lennon y McCartney.

Partió de una idea de Paul, que leyó una historia en el periódico sobre una chica que escapó de su casa. John contribuyó con parte de la letra. Era una historia del Daily Mirror: la chica, Melanie de diecisiete años, se había escapado de casa y el padre decía: “Se lo dimos todo, no sé por qué se ha marchado de casa”. Pero no le habrían dado tanto, por lo menos no lo que ella necesitaba cuando se marchó. La parte sobre el sacrificio que hacen los padres proviene de la propia infancia de Lennon. Las palabras salieron espontáneamente ya que John citaba a su tía Mimi. 'She's leaving home' fue el primer tema de The Beatles en el que ninguno de ellos tocó un instrumento y la primera vez que una mujer tomaba parte en una grabación de su música: Sheila Bromberg al arpa. También fue el primer tema en el que los arreglos de cuerda no están realizados por George Martin. Cuando Paul se lo pidió, Martin estaba ocupado en otro proyecto y McCartney no pudo esperar y se lo encargó a Mike Leander. "George estaba muy ocupado, y yo estaba loco

cantar y no quería que los fans le tiraran tomates de verdad (una muestra del humor de Ringo). Habian pasado años tocando bajo lluvia de caramelos por un comentario desafortunado de George al inicio de la Beatlemanía.

Sgt. Pepper's (reprise).

Lonely

Hearts

Club

Band

Con la vuelta de la 'Banda de los Corazones Solitarios' despidiéndose con 'Sgt Pepper's lonely hearts club band (reprise)' del público, acaba el 'concierto'. Es una versión rápida y más vertiginosa de la primera pista del disco.

Portada.

The Beatles sabían que estaban ante su obra más ambiciosa y revolucionaria. Había que acompañarlo, por tanto de una cubierta a su altura. Para ello se pusieron en contacto con el artista Peter Blake a través del marchante de arte Robert Fraser, gran amigo de Paul. Éste diseñó unos fondos y la escenografía y el fotógrafo Michael Cooper captó la imagen.

Peter Blake: "Paul me explicó que el concepto era una

por seguir; estaba inspirado. Creo que le costó mucho perdonarme por aquello". El compositor Ned Rorem describió 'She's leaving home' como "al mismo nivel que cualquier canción compuesta por Schubert".

banda como las que tocan en un parque. De modo que la foto de la portada debía ser una imagen de ellos ataviados como una banda municipal, al final de su concierto en el parque, en un estrado, con un arriate de flores al lado y rodeados por multitud de personas. Creo que mi aportación principal fue decidir que si disponíamos a la multitud de una forma

With A Little Help From My Friends.

Fue especialmente compuesto para Ringo. "Paul compuso

el tema con mucha inteligencia, teniendo en cuenta el limitado estilo de canción de Ringo. La melodía está basada en

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determinada, las personas que la formaran podrían ser cualesquiera."

Evans se había pasado tres horas dando brillo a los instrumentos que portan The Beatles en la imagen.

Cuando Blake les pidió a los miembros del grupo que escogieran personajes para la escena del parque, George quería gurús. Ringo, sin especial interés por la idea, delegó en sus compañeros. Los demás sugirieron nombres cuyo sonido les gustaba, como Aldous Huxley, H.G. Wells, Johnny Weissmuller... John sugirió tres que fueron rechazados: Hitler, por razones obvias; Jesucristo, que fue vetado a causa de la recientes polémicas declaraciones de John en las que comparaba la popularidad de los Beatles con la de Cristo; y Gandhi, que los responsables de EMI retiraron por considerar que podía ofender en India.

Mae West se negó a aparecer preguntando; "¿Qué pinto yo en la banda de un club de corazones solitarios?". Sólo aceptó tras recibir una carta de los cuatro Beatles, diciéndole lo mucho que deseaban contar con ella para la portada. Leo Gorcery, de los Bowery Boys, fue el único que pidió honorarios (500 libras), a lo que EMI se negó. Fue descartado. Casi la mitad de las caras famosas no fueron localizadas para obtener el permiso, pero la portada se imprimió según lo previsto.

Peter Blake: "Las figuras que hay detrás de The Beatles sólo

Recepción del público y la crítica.

El disco fue un éxito total. Ha pasado ya a la historia como un referente de su género y de su época. Respecto a las ventas, a la primera semana de aparecer en el mercado vendió más de 250.000 copias, más de un millón de pedidos adelantados en EEUU cuando se publicó allí el 2 de junio de 1967. Fue un disco de diamante, subió a las primeras posiciones de Reino Unido y Estados Unidos y se mantuvo allí durante 27 y 15 semanas respectivamente.

Está claro que los fans del grupo acogieron calurosamente este trabajo.

El 'Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band' fue el primero en muchos campos. Se le recuerda normalmente como el primer álbum conceptual. Aunque esta idea se fue desvaneciendo a medida que el LP avanzaba, el juntar todas las canciones, el grabar el surco interior del disco con sonidos extraños, la canción que daba el título al LP junto con el Reprise y Billy Shears, y los disfraces, consiguieron dar esa impresión. El 'Pepper' también fue el primer álbum con la totalidad de las letras impresas y que tuvo unas tapas desplegables, recortables en el interior, y debido a razones de marketing no se incluyeron recuerdos 'Pepper' como lápices y chapas.

Tan pronto como el LP salió, se convirtió en un mito. La gente se quedaba en casa a escucharlo horas sin fin. Se encontraron mensajes ocultos en las canciones. Drogas (que los Fab consumían en cantidades considerables en aquella época), política e incluso mensajes visionarios, fueron encontrados por gentes que buscaban respuestas.

Los críticos lo admiraron desde el momento de su publicación y los músicos de todo el mundo lo copiaban días después de su lanzamiento.

Es perfecto en su equilibrio musical, impresionante en su concepción, psicodélico y sin embargo melódico y clásico. Un sólo concepto con grandes partes separadas. Pero The Beatles tal vez lo hubieran hecho divino, incluyendo 'Strawberry Fields' y 'Penny Lane' en el mismo, tal y como se pretendía.

tenían 60 cm de fondo, y delante había una fila con las figuras de cera. Los beatles reales estaban sobre una plataforma de 120 cm de fondo, con el bombo delante, y más adelante estaba el arriate de flores, asentado en ángulo, quizá de tres metros de fondo. Por tanto, desde el frente hasta el fondo había una distancia de 4,5 metros."

Blake tardó dos semanas en construir el collage. La sesión fotográfica duró tres horas y tuvo lugar en el estudio fotográfico del fotógrafo Michael Cooper, en Chelsea. Mal

Milo Cuenca Ecuador

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Sri Yukteswar Gigi (guru) Aleister Crowley (dabbler in sex, drugs and magic) Mae West (actress) Lenny Bruce (comic) Karlheinz Stockhausen (composer) W.C. Fields (comic) Carl Gustav Jung (psychologist) Edgar Allen Poe (writer) Fred Astaire (actor) Richard Merkin (artist) The Varga Girl (by artist Alberto Vargas) *Leo Gorcey (Painted out because he requested a fee) Huntz Hall (actor one of the Bowery Boys) Simon Rodia (creator of Watts Towers) Bob Dylan (musician) Aubrey Beardsley (illustrator) Sir Robert Peel (politician) Aldous Huxley (writer) Dylan Thomas (poet) Terry Southern (writer) Dion (di Mucci)(singer) Tony Curtiss (actor) Wallace Berman (artist) Tommy Handley (comic) Marilyn Monroe (actress) William Burroughs (writer) Sri Mahavatara Babaji(guru) Stan Laurel (comic)

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Richard Lindner (artist) Oliver Hardy (comic) Karl Marx (philosopher/socialist) H.G. Wells (writer) Sri Paramahansa Yogananda (guru) Anonymous (wax hairdresser's dummy) Stuart Sutcliffe (artist/former Beatle) Anonymous (wax hairdresser's dummy) Max Miller (comic) The Pretty Girl (by artist George Petty) Marlon Brando (actor) Tom Mix (actor) Oscar Wilde (writer) Tyrone Power (actor) Larry Bell (artist) Dr. David Livingston (missionary/explorer) Johnny Weissmuller (swimmer/actor) Stephen Crane (writer) Issy Bonn (comic) George Bernard Shaw (writer) H.C. Westermann (sculptor) Albert Stubbins (soccer player) Sri lahiri Mahasaya (guru) Lewis Carrol (writer) T.E. Lawrence (soldier, aka Lawrence of Arabia) Sonny Liston (boxer) The Pretty Girl (by artist George Petty) Wax model of George Harrison Wax model of John Lennon Shirley Temple (child actress)

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Wax model of Ringo Starr Wax model of Paul McCartney Albert Einstein (physicist) John Lennnon, holding a french horn Ringo Starr, holding a trumpet Paul McCartney, holding a cor anglais George Harrison, holding a flute Bobby Breen (singer) Marlene Dietrich (actress) Mohandas Ghandi (painted out at the request of EMI) Legionaire from the order of the Buffalos Diana Dors (actress) Shirley Temple (child actress) Cloth grandmother-figure by Jann Haworth Cloth figure of Shirley Temple by Haworth Mexican candlestick Television set Stone figure of girl Stone figure Statue from John Lennon's house Trophy Four-armed Indian Doll Drum skin, designed by Joe Ephgrave Hookah (water tobacco-pipe) Velvet snake Japanese stone figure Stone figure of Snow White Garden gnome Tuba

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Octubre 1964 Octubre de 1964 fue un mes bastante intenso. El primer día Japón inauguró el Shinkansen, un sistema de trenes de alta velocidad que unió a Tokio con Osaka.

El 2 de octubre The Kinks lanza su homónimo álbum debut y ése mismo día The Beatles ensayan para su presentación en la edición británica del show estadounidense Shindig! El día 3 se grabó su actuación en el Grand Ville Studio en presencia de miembros del Fan Club de Londres y se transmitió en USA el día 7.

El 5 de octubre 23 hombres y 31 mujeres logran atravesar el Muro de Berlín por un túnel debajo del mismo. El 6 The Beatles graban Eight Days a Week en los estudios EMI y vuelven dos días más tarde para grabar She‟s a Woman. Ese día, el 8, Ringo logra pasar su examen para conducir.

El 9 de octubre el Presidente de los Estados Unidos, Lyndon B. Johnson da un discurso en el Jung Hotel, en New Orleans, como parte de su campaña de re-elección.

Ese mismo día, en el cual John Lennon cumplía 24 años, The Beatles comenzaban su gira británica en Bradford. La gira se extendería hasta el 10 de noviembre en Bristol, con un total de 27 fechas. El set list era el siguiente: Twist And Shout, Money (That's What I Want), Can't Buy Me Love, Things We Said Today, I'm Happy Just To Dance With You, I Should Have Known Better, If I Fell, I Wanna Be Your Man, A Hard Day's Night y Long Tall Sally.

Las bandas soporte fueron The Rustiks, Sounds Incorporated, Michael Hastam, The Remo Four, Tommy Quickly y Mary Wells, y el presentador fue Bob Bain. The Beatles recibieron 850 libras por cada show.

El 10 de octubre se inauguraron los Juegos Olímpicos de Tokio.

Yoshinori Sakai, que fue quién se encargó de portar la Llama Olímpica, había nacido el 6 de agosto de 1945 en Hiroshima, el día que la bomba atómica explotó en dicha ciudad.

El 12 de octubre fue un día muy especial para la ex Unión Soviética; por un lado lograba poner en órbita el Voskhod 1, la primera nave con una tripulación de más de una persona y sin usar trajes espaciales. Por otro lado, ése día renunciaba Nikita Jrushchov a la presidencia del país.

Mientras, en los Estados Unidos se abría la Decimosexta Convención de la Sociedad de Ingenieros de Audio en New York.

En una de las conferencias el Dr Robert Moog hizo demostraciones con un prototipo del sintetizador que llevaría su apellido.

El día 14 The Beatles graban su presentación en el programa de televisión Scene at 6:30. Dicho programa sería visto el 16 del mismo mes, mientras que Martin Luther King se convierte en la persona más joven en recibir el Premio Nobel de la Paz. Un día más tarde en el Reino Unido, el Partido Laborista gana las elecciones y termina con 13 años de gobierno Conservador.

Harold Wilson (si, el “Mister Wilson” de Taxman) reemplaza al entonces Primer Ministro Alec Douglas-Home. En los Estados

Unidos, los St Louis Cardinals le ganan 7-5 a los New York Yankees en el juego 7 y se adjudican la Serie Mundial. Además ése día fallece el compositor Cole Porter.

El 16 China se suma a la carrera atómica, haciendo explotar una bomba en Sinkiang.

En medio de su tour británico, el 18 The Beatles se hacen un tiempo para entrar al estudio y continuar grabando Eight Days a Week. Además trabajan en la canción principal de su futuro simple, I Feel Fine, y en varias canciones más para su siguiente álbum: Kansas City/Hey-Hey-Hey-Hey!, Mr Moonlight, I‟ll Follow The Sun, Everybody‟s Trying To Be My baby, Rock And Roll Music y Words Of Love.

El 20 de octubre muere Herbert Hoover, el Trigésimo Primer Presidente de los Estados Unidos.

El 21 se realiza la premiere de la película My Fair Lady, basada en el musical de Broadway. La película está protagonizada por Audrey Hepburn y Rex Harrison.

El día 22 nace el jugador de básquetbol croata Drazen Petróvich, mientras que el filósofo francés Jean-Paul Sartre gana el Premio Nobel de Literatura, pese a que había anticipado que se negaría a aceptarlo. También el 22 los Estados Unidos detonan un dispositivo nuclear de 5.3 Kiloton en Tatum Salt Dome, a 34 km de Mississippi.

Al día siguiente, el 23, nace Robert Trujillo, músico estadounidense de bandas como Suicidal Tendencies y Metallica.

El 24 de octubre, el protectorado británico de Rodesia del Norte (Zambia) se independiza del Reino Unido, En España nace la cantautora Rosana Arbelo.

El 25 The Rolling Stones hacen su debut en el Ed Sullivan Show, pero serían baneados por varios años debido a la escandalosa reacción de la audiencia.

El 26 The Beatles vuelven a los Estudios EMI para unas sesiones de mezcla del material que venían acumulando y para grabar dos canciones más, Honey Don‟t y What You‟re Doing, que ya había sido intentada antes pero que no había resultado satisfactoria. Para finalizar el día grabaron material para Another Beatles Christmas Record, el disco de Navidad que se les entregaba a los miembros del Fan Club.

El 28 la banda es entrevistada por Jean Shepherd para la revista Playboy. La entrevista se realizó en una habitación del Torquay Hotel y fue publicada en la edición de febrero de 1965 de la revista.

El 29 de octubre Tanganika y Zanzibar se unen para formar una nueva república, que se denominaría Tanzania.

El día 31 nace el futbolista holandés Marco van Basten, mientras The Beatles cerraban el mes presentándose en el Gaumont Cinema, en Ipswich.

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Martin Castro Argentina

Un día de los tempranos años '60, en Buenos Aires, un niño llamado Gustavo Cerati vio a cuatro flequilludos en la tele cantando "All My Loving". Quedó tan impactado que al día siguiente dibujó en el pizarrón la escena a sus compañeros. A partir de ahí quiso ser John y jugaba a ser Lennon agarrando una escoba y poniéndose a cantar "Twist And Shout". Luego durante su adolescencia, formó varias bandas en las cuales hacía algún que otro cover de los Fab Four. Incluso en 1982 formó un trío que en sus primeras presentaciones hacía una versión en castellano de "I Saw Her Standing There". La banda era Soda Stereo, que cuando conquistó con su música a Latinoamérica, a fuerza de canciones, peinados y gritos histéricos de las fans, todo el mundo recordó a los sixties y se acuñó un término que se utilizó solo esa vez: Sodamanía.

Cuando Soda llegó a lo más alto, Gustavo no olvidó aquel amor por la música beatle. Y así fue como en una gira completa se dio el gusto de interpretar 2 temas mezclados de Abbey Road: "I Want You (She's so heavy)" y "The End".

Más adelante fueron a mezclar su último disco a Londres y ese disco (Sueño Stereo) incluía una suite de temas enganchados al final, tal como Abbey Road, tal como The Beatles.

Igualmente grabar en el mismo estudio que los de Liverpool fue una deuda que Gustavo saldó recién en su segundo disco solista, dos años después de la disolución de Soda.

Allí grabó las cuerdas de un tema, teniendo como orquesta la London

Session Orchestra, conducidos por Gavin Wright y de ingeniero a Peter Cobbin... habituales colaboradores de Sir Paul McCartney.

Años más tarde grabó un tema de John solista para un compilado homenaje al legado beatle.

Siempre cerca de su pasión original...

Hace unos días Gustavo Cerati falleció, tras cuatro años de permanecer en coma. Y la tristeza del adiós me recordó a la despedida de George Harrison, quien sabíamos que se iba a marchar, pero cuando llega la hora de partir es tan triste... y al poco tiempo la tristeza se despeja y el músico se vuelve inmortal. Por sus canciones. Ni más ni menos.

Por vos Hombre Alado. Vuela lejos. En el cielo. Con Diamantes.

Javier Cuenca Argentina

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Martin Castro Argentina

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Para cualquiera que se haya interesado un poco más que el común de la gente en la música de The Beatles y se haya informado, es algo normal saber que las cintas originales de She loves you ya no existen. En cambio, si existen las de la mayoría de las otras canciones.

No hay una explicación clara de por qué las cintas de ésa sesión “fueron destruidas” como dice Mark Lewishon en su libro The Beatles Recording Sessions, pero dejemos éste interrogante para más adelante.

Ahora bien, al escuchar la canción del lado B, I‟ll get you, podemos deducir que se hicieron sobregrabaciones debido a la presencia de la armónica de Lennon aún en partes donde él mismo está cantando. La incógnita es cómo se sobregrabó ésa armónica si se supone que ambos canales estaban ocupados, uno con la pista instrumental y otro con las voces.

Hay dos alternativas: una es que hayan realizado un “bounce down”, que es un procedimiento donde lo grabado en las dos pistas originales se transfiere a una nueva cinta, ocupando sólo un canal y dejando uno libre para agregar más voces o instrumentos, pero es poco probable que George Martin haya hecho esto, porque al realizar ésta premezcla estaría renunciando a futuras modificaciones y además agregaría un innecesario soplido propio del traspaso de una cinta a otra.

La otra forma de agregar más elementos a la canción es utilizando una nueva grabadora; mientras se reproduce la primera se graba en la segunda y luego se sincronizan ambas para la mezcla. Este es un procedimiento que ya había sido utilizado por la banda en la grabación de su anterior single, con From me to you y Thank you girl, así que es probable que haya sido la forma elegida para agregar no sólo la armónica si no también las palmas del comienzo de la canción.

Si imaginamos que ésta forma de trabajo era habitual en aquél entonces, no sería extraño que lo hayan empleado también en She loves you. Si bien no es algo confirmado y definitivo, al escuchar con mucha atención ésta canción, tengo la impresión de que la guitarra de George suena algo despegada de la base. No tiene el sonido ambiente del resto de los instrumentos y eso me hace pensar que es posible que haya sido grabada en forma separada, con el mismo método que menciono más arriba. Hay que recordar que en los primeros tiempos muchas de las tomas debían repetirse debido a imperfecciones en la parte de Harrison, no por ser mal músico, si no por que como en éste caso, debía aprender y crear sus partes en escaso tiempo. Es probable que el mismo día de la sesión haya sido la primera vez que George escuchaba ésta canción, recién escrita por Lennon y McCartney, y sólo contaban

Vayamos al 1 de julio de 1963 en los estudios EMI (no se llamaron Abbey Road hasta mucho después), más precisamente en la sala 2, donde la banda grabó la mayor parte de su material discográfico.

Sentados en la sala de control, el productor George Martin, el ingeniero de grabación Norman Smith y el ayudante Geoff Emerick aguardaban la llegada de la banda para la sesión pactada para las 14:30. Cuando finalizaron a las 22:00 (con un descanso de 17:30 a 19:00) la banda había grabado completamente las caras A y B de su próximo single, She loves you y I‟ll get you, aunque ésta última en ése momento llevaba el título provisorio de Get you in the end. Al no existir documentación de ésa sesión hoy se desconoce la cantidad de tomas que se hicieron de cada canción, ni cuantas fueron completas, ni cuantas sobregrabaciones se hicieron. Sólo tenemos las versiones finales y nuestras deducciones. Lo que sí sabemos es que a ésta altura la banda grababa en máquinas de dos pistas y recién pasaría a cuatro al momento de registrar I want to hold your hand.

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con un par de horas para dejarla lista. Por eso tal vez se hayan decidido por tratar de obtener rápidamente la pista base de batería, guitarra rítmica y bajo, para que luego George agregue sus partes solistas con mayor tranquilidad.

Sea esto cierto o no, según el mismo Lewishon, en la sesión del 4 de julio sólo se trabajó en la sala de control y se realizó una edición entre varias tomas de la canción y luego se realizaron las mezclas mono de ambos títulos.

Con esto damos por sentado que hubo varias tomas de cada canción y que al menos en I‟ll get you hubo sobregrabaciones.

Ya vamos despejando algunas dudas.

Lo que no podemos resolver es por qué no se realizaron mezclas stereo, cuando si se hicieron de todas sus grabaciones anteriores, excepto Love me do y P.S. I love you.

Si bien es conocido el desinterés tanto de la banda como del productor en éste formato, era frecuente que se realizara una mezcla stereo para posibles usos en el futuro. ¿Entonces por qué no se hicieron? Entrando en el campo de las especulaciones podemos arriesgar dos posibilidades (o más); que la grabación de She loves you haya sido difícil y por éste motivo la versión final es un rejunte de varías tomas, algo que se aprecia en todas las ediciones de la canción publicadas hasta la remasterización de 2009, donde se logró disimular bastante los abruptos cambios de sonido e intensidad. Quizás el hecho de haber tenido que trabajar tanto en la edición de una versión mono haya desganado al productor a la hora de ponerse a realizar una mezcla stereo y podría haber considerado que no había prisa para hacerla.

Otra posibilidad puede haber sido simplemente falta de tiempo. Si pensamos que She loves you se escribió sólo cinco días antes de entrar a grabarla y se mezclo a toda prisa tres días después, para ser llevada a masterizar y luego a la producción de los discos para ser distribuida y puesta a la venta el 23 de agosto, no es raro pensar que la urgencia y la presión de Parlophone (había recibido pedidos anticipados por medio millón de copias aún antes de que la canción fuese escrita) haya hecho que Martin se abocara sólo a la mezcla mono y que la mezcla stereo se haya dejado para otro momento más relajado. Lo cierto es que a partir de éste single, el más vendedor de la historia en Inglaterra por muchos años, ya no hubo momentos de relax.

Nos adelantamos un poco en el tiempo y nos encontramos en Paris, en enero de 1964, donde la banda debía cumplir con una serie de actuaciones en el Teatro Olimpia ante un público que a menudo ha sido descripto como algo frío, con mayoría de fans masculinos, algo extraño en los conciertos de The Beatles. Recordemos que en ése momento la banda era, sin discusiones, el número artístico más importante en el Reino Unido y comenzaba a expandirse al resto de Europa, pero la gran explosión se daría al mes siguiente cuando pisarían por primera vez suelo estadounidense y lo conquistarían para siempre.

Tal vez por sentir que aún tenían logros por concretar, Brian Epstein y George Martin hayan considerado la petición de la filial alemana de EMI, Electrola Gesellschaft, de grabar versiones en alemán de sus dos canciones más exitosas, aquellas que aparecieron en las caras A de sus dos últimos simples. Nos referimos por supuesto a She loves you y I want to hold your hand. Según los germanos, las ventas serían mucho mayores si la banda cantaba en su idioma, ya que además era frecuente que los artistas regrabaran sus hits para una audiencia en particular, adaptando sus letras a la lengua que correspondiese.

A los muchachos, como era de esperarse, no les hacía ninguna gracia hacer este tipo de concesiones, al punto de no presentarse a la sesión del 29 de enero en los EMI Pathe & Marconi Studios a la hora señalada y hacerlo sólo cuando un enfurecido George Martin se presentó en el Hotel George V, donde se alojaban, y prácticamente los obligó a cumplir con su tarea.

Para realizar la traducción y ayudar con la pronunciación de John y Paul se contrató a Camillo Felgen, un músico, letrista y conductor de radio y televisión que fue

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contactado por el productor alemán Otto Demmler y partió rápidamente a la capital francesa para dicha sesión.

Nuevamente basándonos en la crónica de Lewishon sobre los trabajos en estudio de la banda vemos que unos días antes en Inglaterra, Norman Smith realizó una copia de la pista instrumental de I want to hold your hand para ser llevada a Paris. Sobre ésta pista Lennon y McCartney grabaron sus voces, con una notable presencia de la voz de Paul por sobre la de su compañero, con la clara intención de darle mayor relevancia a la mejor pronunciación del bajista, algo que ya se sabía desde los días de Hamburgo, cuando era notorio que Paul y Pete eran quienes mejor se manejaban con el alemán. Se hicieron 11 tomas y el master final fue el resultado de la edición de las tomas 5 y 7.

En éste punto nos encontramos con otro de los grandes misterios de la historia beatle. Según la historia oficial, las cintas originales de She loves ya no existían y por ello la banda tuvo que realizar una grabación completamente nueva de la canción, tanto de la parte instrumental como, obviamente, de las voces cantando en alemán. Los registros indican que se hicieron 14 tomas, las primeras 13 dicen que las utilizaron para grabar sus instrumentos y que la toma 14 es la única de pista vocal.

Al escuchar las dos versiones, la original en inglés y ésta nueva en alemán, uno nota que suenan bastante diferentes una de otra e incluso la remake tiene un tempo ligeramente más rápido y en consecuencia la duración es

menor, por lo que no hay motivo para dudar de que la versión oficial de lo que pasó es cierta ¿O lo hay?

Analicemos un poco los datos: para grabar sólo las voces de Komm gib mir deine hand fueron necesarias 11 tomas, muy probablemente debido a errores de pronunciación de alguno de los muchachos. ¿Es posible que Sie liebt dich que, sin ser un conocedor del idioma germano, a priori parece tener una letra algo más complicada haya sido grabada en una sola toma? El sentido común nos dice que no y con ello ya empezamos a dudar de la veracidad de los datos que se nos presentan.

Otro análisis que podemos hacer es si realmente necesitaban 13 tomas para grabar la parte instrumental de una canción que venían tocando incansablemente desde hacía 5 meses y que además, al estar tan desinteresados en el proyecto, hubiesen querido despachar rápidamente, sin prestarle demasiada atención a los detalles.

Para terminar de echar por tierra la teoría de la única toma vocal, debemos ir al final de la serie documental Anthology en VHS o DVD. En la secuencia de títulos del último volumen se escuchan fragmentos de tomas de estudio de diferentes canciones y épocas de la banda. Una de ellas es una toma falsa de Sie liebt dich. Definitivamente hubo más tomas en el intento de grabar las voces, aunque con esto sólo refutamos la afirmación de qué contenía cada toma.

Va a haber una sorpresa aún mayor.

Al permitirnos dudar de lo que nos han venido contando por años uno podría imaginar que posiblemente se hayan utilizado 2 o 3 tomas para grabar los instrumentos y el resto para perfeccionar las voces. Sería lo lógico.

Pero ¿qué pasa si vamos un poco más allá y consideramos la posibilidad de que, al igual con Komm gib mir deine hand, sólo se hayan hecho tomas vocales?

En primera instancia iría en contra de la afirmación de que las cintas originales de She loves you fueron destruidas, pero nadie puede culparnos de no creer ésa historia cuando está visto que no todo lo que se dice es cierto. La cuestión es cómo probarlo y la respuesta se puede encontrar con la tecnología actual.

Al comenzar a investigar este tema, tomé las dos versiones y las cargué en un reproductor multipista. Para los que no lo saben, se trata de un programa que puede ejecutar varios archivos de

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audio simultáneamente y trabajar sobre ellos de diferentes maneras. En fin, un estudio de grabación virtual.

Como ya dijimos antes, Sie liebt dich es ligeramente más rápida y por ende, más corta, así que me di a la tarea de cambiar la velocidad de la canción, ralentándola digitalmente en algo más de un 1% hasta que ambas coincidieron y el resultado es francamente sorprendente.

Si ponemos atención en los instrumentos y no en las voces que obviamente son distintas, podemos ver como quedan sincronizados a la perfección, en tempo y en duración, aunque con algunas fluctuaciones mínimas que pueden ser atribuidas a diferencias en las mezclas y la masterización.

Lo que no deja dudas de que se trata de la misma pista instrumental es que hay fills de batería exactamente iguales, con la misma intensidad en determinados golpes, lo mismo que con los fraseos solistas de la guitarra de George. Si seguimos el bajo, notarán que Paul casi constantemente lleva un patrón de notas que altera esporádicamente y en ambas versiones lo hace exactamente en el mismo lugar. Serían demasiadas coincidencias que todos hayan tocado exactamente lo mismo que tocaron medio año antes, porque es común para cualquier músico que su ejecución vaya variando al pasar el tiempo y sabemos fehacientemente que The Beatles no escapaban a ello.

Pero lo que no deja ninguna duda es que ambas coincidan tan bien al ser igualadas en velocidad. Sería humanamente imposible que dos tomas coincidan de ésa manera y menos si una en teoría se grabó más rápido y proporcionalmente es igual a la otra. Damas y Caballeros, otro mito cae. Sie liebt dich se grabó sobre la pista original de She loves you y, si la cinta original fue destruida, pasó después del 29 de enero de 1964 o bien se realizó una mezcla stereo junto con la mono y nunca quedó registrada, de la cual podría haberse extraído la base instrumental.

tenemos varias opciones. Una, puramente técnica podría ser que las máquinas de Abbey Road y las de Path & Marconi corrieran a velocidades ligeramente diferentes y al ser grabadas las nuevas voces, se haya hecho sobre una pista un poco más veloz. También está la posibilidad de que haya sido algo deliberado. No olvidemos que las máquinas reproductoras de la cinta de grabación poseían un control con el cual podían variar la velocidad y ellos ya lo habían utilizado en Misery, cuando George Martin redujo el tempo de la canción para grabar la parte de piano.

Un par de cosas aún nos quedan por averiguar, pero lamentablemente ya no nos pueden ayudar nuestras deducciones. ¿Cuándo se destruyeron realmente las cintas de la sesión de She loves you y I‟ll get you y por qué? ¿Por qué ni siquiera hay registros escritos de lo que sucedió ése día cuando era una práctica habitual hacerlo? ¿Por qué se inventó la historia de la grabación desde cero de Sie liebt dich?

Quizás la única persona que pueda responder a estos interrogantes sea el mismísimo George Martin, aunque muchas veces ha quedado demostrado que su memoria le juega malas pasadas. De todos modos, si algún día alguien tiene la fortuna de conocerlo, ya sabe que debería preguntarle.

Pero aún quedan interrogantes, como por ejemplo por qué se decidió que la versión alemana fuera más rápida. Nuevamente,

Para complementar con ésta nota, mirá el video en el Facebook de la revista o en el siguiente link:

http://www.youtube.com/watch?v=DW 4-rfLGyuI

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El lugar de George Harrison en la banda puede que haya sido el más difícil de ocupar de todos. Estaba a la sombra de dos tremendos cantantes como Lennon y McCartney, quienes además parecía que tenían la habilidad de escribir sólo hits casi sin esfuerzo. Uno podría decir que Ringo también sufría esa desventaja, pero su caso es distinto; él nunca quiso competir con sus compañeros. En cambio George tenía ganas de crecer como artista y lentamente fue abriéndose paso entre los talentos de John y Paul.

Lo que nos interesa ahora es su rol como compositor, y que mejor manera de empezar con esto que por el principio.

Generalmente se ha dicho que Don‟t bother me es la primera canción de Harrison, aunque esto no sea del todo cierto. Aun dejando de lado las prematuras composiciones del período Quarrymen, cuyos créditos compositivos son algo confusos, tenemos a Cry for a shadow, el tema instrumental, entre homenaje y burla a The Shadows, que grabaron en las sesiones para Polydor junto a Tony Sheridan. En honor a la verdad, los créditos son para Harrison/Lennon.

Entonces sí podría aceptarse que Don‟t bother me es su primer canción en solitario y para la discografía oficial inglesa de The Beatles.

Pensando que la banda tenía muy claro que quería que todos sus integrantes cantaran, podemos notar que previo a su contratación por parte de Parlophone, George cantaba

muchas canciones en los shows en vivo, todos covers obviamente, así que cuando llegó el momento de grabar el primer álbum tuvieron que apelar a Chains, una de esas canciones que versionaban, y a Do you want to know a secret?, una canción de Lennon que luego sería cedida a Billy J. Kramer and the Dakotas. Como podemos ver, material que no era precisamente considerado como fuerte.

Tanto Lennon como McCartney sabían de la importancia de grabar material propio porque representaba un ingreso de dinero extra en concepto de derechos de autor y escribir para sus compañeros lejos de ser una carga, era un proceso bastante lucrativo. Como ya dije, John escribió Do you want to know a secret? para George en el primer disco y junto a Paul escribieron I wanna be your man (en principio cedida a The Rolling Stones) para Ringo en el segundo.

No se puede decir que George haya querido sumarse también al área compositiva de la banda con intenciones de terminar con ésta práctica de sus compañeros porque de hecho en A hard day‟s night volvió a cantar una canción de Lennon, pero lo cierto es que para el álbum With The Beatles compuso la canción sobre la que estamos hablando.

En agosto de 1963 la banda estaba girando por Inglaterra y del 21 al 24 de ése mes se presentó en Bournemonth.

Estando allí, George sufrió una recaída y pasó gran parte del tiempo en la cama del hotel, recuperándose de una gripe. Sin nada que hacer decidió que intentaría escribir una canción, más que nada como un ejercicio para ver si

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Martin Castro Argentina

podía hacerlo. Es sabido que en aquél entonces Harrison no se sentía en condiciones de hacerlo y era lógico sentirse intimidado compartiendo banda con una de las duplas compositiva más grande del siglo. Además, pese a su edad, tenía una madurez asombrosa. Cualquiera en su posición hubiese tratado de aprovechar el momento, pero por aquél entonces él declaraba: “No quiero que The Beatles graben

ése entonces buscaban desesperadamente la forma de hacer sentirse identificados a la mayor parte del público, incluso a los fans masculinos con She loves you.

Muchas veces el propio Harrison ha manifestado que no la consideraba una buena canción y no somos quienes para contradecirlo, pero por lo expuesto me atrevo a decir que fue la piedra fundamental sobre la que se erigió toda una discografía.

cualquier basura sólo por el hecho de que está mi nombre allí”.

Sin embargo, Don‟t bother me fue considerada lo suficientemente buena como para ser incluida en el sucesor de Please please me y se grabó en dos sesiones, los días 11 y 12 de septiembre en los estudios de EMI. Siempre se dijo que la canción presenta un contraste con su tono algo sombrío con las alegres canciones de John y Paul, y puede ser cierto, pero por sobre todas las cosas representa bastante bien la personalidad de Harrison y su futuro compositivo. Encontramos en ella una secuencia de acordes poco convencional, un sonido de guitarra algo diferente al resto, una letra para nada condescendiente y una atmósfera bastante densa.

Para aquellos con conocimientos musicales no es extraño percibir que los acordes menores reflejen tristeza o solemnidad, algo que predomina en la canción y que sería recurrente en la carrera posterior del guitarrista. Además, como he mencionado, la letra con su “no me molestes” muestra el germen del hastío que sería mucho más profundo en el futuro de George con todas las implicancias de la fama y la adoración pública. Sumado al hecho de ser la primer letra que muestra rechazo hacia la chica en cuestión, algo impensado para sus compañeros que por

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Esperanza por el futuro Algunos esperan por el futuro Algunos esperan la llamada Para decir que los días por venir Serán los mejores de todos Construiremos puentes hasta el cielo Una luz celestial que nos envuelve a ti y a mí.

Desde fuera de la oscuridad Nuestro futuro vendrá Si dejamos el pasado atrás Volaremos más allá del sol Estaremos juntos compartiendo la carga Veremos con asombro como nuestras vidas se desarrollan.

La esperanza por el futuro Llegará muy pronto ¿Cuánta podemos conseguir?

La esperanza por el futuro Nos pertenecerá Si creemos, si creemos La esperanza brilla más en la oscuridad Donde nunca se ha visto Iluminando lugares aun no descubiertos Donde nadie ha estado Alguna esperanza para el futuro Algunos esperan la llamada Para decir que nuestro destino Será el mejor de todos Construiremos puentes hasta el cielo Y una luz celestial que nos envuelve a ti y a mí.

La esperanza por el futuro

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Pilar J. Vázquez Argentina

Homenajes a George Harrison "George Fest: A Night to Celebrate the Music of George Harrison" es el festival para rendirle homenaje al guitarrista en el Teatro Rey de Los Ángeles.

El evento se realizó el 28 de setiembre y contó con la presencia de distintas figuras entre las que encontramos a integrantes de The Flaming Lips, The Killers, The Strokes, Brian Wilson y muchos más. También será parte del homenaje Dhani Harrison, el hijo de George.

Además, se informó que todo lo recaudado durante este festival, será donado a Sweet Relief, una organización que ayuda a músicos con problemas económicos y de salud.

Por otra parte, la cantante y compositora Norah Jones cerró la semana de tributos a George Harrison organizada por Conan O'Brien en su programa con una versión de Behind That Locked Door.

También participaron de los homenajes Paul Simon,‟Weird Al‟ Yankovic, Dhani Harrison y Beck, quien hizo una impresionante entrega de Wah-Wah.

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The Art of McCartney Grandes artistas repasan la gran obra de Paul McCartney. Bob Dylan, Brian Wilson, Billy Joel, Jeff Lynne, Willie Nelson, Roger Daltrey, Jamie Cullum y Corinne Bailey Rae son algunos de los músicos que estarán en este trabajo. El primer adelanto fue una versión de The Cure del tema Hello, Goodbye que grabó junto a James McCartney, hijo del homenajeado.

The Art of McCartney saldrá a la venta el próximo 18 de noviembre y estará disponible en una variedad de formatos.

Ringo Starr vende una de sus mansiones El baterista había comprado el inmueble en Cranleigh llamado Rydinghurst en 1999 por 2 millones de libras. Se trata de una propiedad de 200 acres que Ringo espera vender ahora por unos 20 millones.

Ringo declaró al Sunday Times: “Pasamos 15 años en

Rydinghurst y siempre tendremos maravillosos recuerdos de nuestro tiempo aquí. Es una bella casa, pero ahora no tenemos el tiempo que quisiéramos para pasar en ella. Con tantos asuntos en USA y nuestra familia en Inglaterra, dividimos nuestro tiempo entre Los Angeles y Londres”.

Paul McCartney lanza videoclip de Call Me Back Again A través de su cuenta de Twitter, Paul ha lanzado un video clip de ésta canción, que forma parte del recientemente lanzado EP llamado 4, con canciones en solitario de cada uno de los integrantes de The Beatles.

La canción originalmente formó parte del álbum de Wings de 1975 llamado Venus and Mars, que está pronto a reeditarse como parte de la Paul McCartney Archive Collection.

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Y en el próximo número…

My Sweet Lord Y mucho mas!!

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