Glass Onion - Número 94 by GLASS ONION

Casi sobre el cierre de éste 2021 llegamos con la presente edición de nuestra querida revista y como suele suceder, es tiempo de agradecimientos. Pero no como una mera formalidad, sino como un momento de reflexión sobre todo lo vivido es éstos últimos 12 meses. Es verdad que no fuimos lo regulares que solíamos ser, pero las situaciones cambian y a pesar de todo intentamos entregar lo mejor de nosotros. Y cuando digo “nosotros” hablo de todos los que formamos parte de éste proyecto que ya casi tiene una década. Por eso yo, personalmente, quiero agradecer en primer lugar a Fede, motor incansable de ésta locura, un verdadero multitareas que no solo escribe aquí, sino que se encarga de muchos trabajos que no se ven y que son fundamentales. Además, paradójicamente, también se encarga de lo que más se ve, y es el armado y diseño de la revista. Gracias totales. Por otro lado, sin nombrar a nadie para no cometer el pecado de olvidar a alguien, agradezco a todos y cada uno de los redactores, algunos que están con nosotros desde hace bastante tiempo y otros que se sumaron hace muy poco, quienes nos brindan su inspiración, conocimiento, arduo trabajo de investigación, pero además nos regalan lo más valioso que existe en la vida: su tiempo. ¿Pero de que serviría todo eso si Uds., lectores, no estuvieran allí para leernos? Es un gusto ver como la revista es leída por gente de todo el mundo y crece constantemente. Esperamos estar a la altura y que nos sigan eligiendo en 2022. Hoy no hay venta de los artículos. Solo expresarles nuestros buenos deseos para el año que comienza. Un abrazo contenedor para quienes hayan sufrido en mayor o menor medida los embates del Covid, y un anhelo de esperanza para todos. ¡Felicidades! Martín Castro

Editor Principal

INDICE What’s The New, Mary Jane?

Let It Be Un poco demorada, pero ya entre nosotros la edición aniversario del último disco Beatle. Revisamos y criticamos la edición Deluxe del disco Return To Pepperland

LOVE Todo lo que necesitas es Amor. Nunca mejor expresado. Un espectáculo digno de la dinastía Beatle que bate records desde su comienzo

Conchi Moya Entrevista exclusiva con la escritora española, responsable de “La Luz Interior de George Harrison”. Todo sobre su origen y elaboración Some Other Guy: Wild Life The Days Before: La Previa de Let It Be ¿Qué pasó inmediatamente antes de las sesiones de Get Back/Let It Be? Lee nuestra nota y entérate. Rock Show!: Live At Carnegie Hall 1964 The Family Way: James McCartney Many Years From Now: First Beats Coleccionables Beatles Charts Británicos de los 60’s: Noviembre/Diciembre 1961 Torneo Beatle de Glass Onion: Yellow Submarine / Magical Mystery Tour EP En Sus Propias Palabras: Todos Esos Años 50 Años: Happy Xmas (War Is Over) (Single-EEUU) / Wild Life

Editor: Martín Castro; Coordinación y Diagramación: Federico B.; Redactores: Federico B., Gianfranco Bustamante, Victor Carrillo Gonzáles, Martín Castro, Migo Coiro, Javier Cuenca, 3Ezequiel Gauss, Martín Hojman, Rubén Muñoz, Rocky Racoon, Pablo Roncevich, Exequiel Sagredo Wildner, Claudette Stern, William Velásquez

Federico B.

Se estrenó el documental “Get Back” El largamente anunciado, promocionado, prometido, postergado y por sobre todo esperado documental, “rebuild” si se quiere de “Let It Be”, finalmente llegó a Disney+ el pasado 25 de noviembre.

Jackson nos tiene acostumbrados. Le dedicó una semana entera a ver las 57 horas completas, de a ocho por día y así fue armando un boceto de su idea principal con el tesoro que tenía en su poder.

Todo comenzó hace algunos años, cuando Peter Jackson se encontraba en una reunión en Abbey Road y preguntó por las sesiones en las que se filmó “Let It Be”, aún existían las cintas y especialmente los misteriosos outtakes. Afortunadamente, Peter encontró que todas las cintas aún se encuentran perfectamente resguardadas en los depósitos de Apple Corps, y no solo eso, consiguió autorización para recorrer las 57 hs de video y más de 100 horas de audio y, con ello, hacer su documental, o su trilogía documental, algo a lo que

Luego ya con un equipo formado se encargó de escuchar los audios adicionales, sincronizar, limpiar y corregir todo lo seleccionado usando herramientas de última tecnología, y que permitieron utilizar material que hace 50 años no se hubiese ni pensado. Por ejemplo, se ha podido separar la voz de The Beatles por sobre ruido ambiente general y poder escuchar claramente conversaciones que de otro modo hubiesen sido inaudibles. Toda esta tarea tomó un año entero.

Incluso hubo algunos obstáculos inesperados, como el hecho de que es un documental pensado para Disney+, con material en el que abundan los insultos, cigarrillos y las “malas palabras”, cosas que están totalmente prohibidas en Disney. El material lógicamente no está guiñado, es la vida misma de los muchachos, y estricta política de Disney complicó las cosas para Jackson, quien tuvo largas reuniones con los directivos de Disney para permitir todo el material sin censura excepcionalmente, y finalmente lo logró. Hubiera sido extraño notar los cortes o incluso peor los “beeps”, o peor aún, cigarrillos blurreados por todos lados.

En otro orden de cosas, Peter Jackson también ha dicho en reiteradas ocasiones que este nuevo documental no tiene como objetivo limpiar la imagen de la banda, respecto a aquella visión popularizada de que estas sesiones terminaron de destruir al grupo. Sino que se trata de hacer foco en mostrar todo aquello que no se muestra en la película de 1970, mostrar lo que estaba realmente pasando y no solo los momentos tensos, que por supuesto también los hay y están allí. De todos modos, el documental está totalmente autorizado por Paul, Ringo, Olivia y Yoko, quienes dieron visto bueno sin indicar ninguna directiva. En palabras de Jackson “No hay buenos ni malos. No hay villanos, no hay héroes. Es solo una historia humana… van a ver a cuatro grandes amigos, grandes músicos, quienes se encerraron y crearon esas canciones, y lo van a ver en la pantalla.” Por otro lado, Lindsay-Hogg, director de la cinta original “Let It Be” de 1970, dijo que desea que su visión original sea rescatada y re-lanzada, ya que no la considera una película de separación. Espera (y esperamos) que esa película también sea restaurada y disponible para el público de algún modo, sea en un box set con la nueva o en una edición independiente.

Hacia el 12 de noviembre salió el primer clip promocional entero, y fue un ensayo temprano (muy temprano) de I’ve Got A Feeling, en 1:25. Una semana antes del estreno se realizó la Avant Premiere a la que acudieron entre otros Dhani Harrison, quien dijo que este nuevo documental hubiese hecho muy feliz a George, ya que su padre siempre consideró que la película “Let It Be” dejó una imagen muy triste sobre el final de la banda, asociada a lo negativo. Otro presente fue Zak Starkey, hijo de Ringo, quien afirmó que la banda sigue siendo indestructible. “Recuerden que mi padre es el mejor baterista de Rock N Roll del mundo. La música es genial, y siempre lo será”. Paul también estuvo en el Cineworld Empire de Londres junto a su hija Mary. “Te diré lo que es fabuloso de esto, muestra a los cuatro divirtiéndonos, es muy reafirmante para mí. Esa es una de las cosas importantes acerca de The Beatles, podíamos hacer reír al otro”. Se le consultó también si ver la película le hizo cambiar su visión sobre la separación de 1970 a lo que contestó: “Realmente sí. Y está la prueba en la filmación. Porque definitivamente compré el lado oscuro de la separación de The Beatles y pensé ‘Dios, tengo la culpa!’… es fácil, cuando el clima te lleva por ese camino podés pensar eso. Pero en el fondo de mi mente siempre estuvo la idea de que no fue tan así. Solo necesitaba ver las pruebas.” La primera parte del documental se estrenó el pasado 25 de noviembre, y la segunda y tercera parte los dos días siguientes. ¿El saldo? Una nueva ola de Beatlemanía mundial. ¿El material que encontramos? Increíble en todo sentido, aunque es temática para una nota en sí misma.

Let It Be, Edición 50 Aniversario

Estatua para Brian Epstein

Si bien contamos con un análisis completo en nuestra sección lanzamientos, aquí afinaremos sobre algunos detalles.

Finalmente, Brian Epstein, manager y descubridor de The Beatles tendrá su estatua en Liverpool, así como ya la tienen The Beatles y Cilla Black. The Brian Epstein Legacy Project tiene intenciones de ubicar la estatua en Whitechapel, cerca de donde se encontraba NEMS. La pose elegida para representarlo, será caminando, como aquel día en que fue de su tienda NEMS al Cavern a ver a The Beatles. El trabajo está siendo realizado por Tom Calderbank.

A más de 50 años de su lanzamiento original, con la salida de la edición Super Deluxe y todos sus satélites, el último álbum de canciones originales Beatle, Let It Be, vuelve a subir alto en las listas. En Billboard estadounidense y los charts británicos alcanzó el #5 en su primera semana y llegó hasta el #2 en Australia. Sobre el contenido, se supo poco tiempo después de la salida del álbum que las ediciones de todo el mundo menos Japón contienen mixes erróneos en el disco 4, el que presenta tal cual debía haber sido el Get Back de Glyn Johns. Resulta que Universal Music Japón, recibió el master correcto (no así el resto del mundo), por lo que la edición de dicho país es la única fiel a la mezcla original. Se desconocen los motivos, aunque el audio del resto del mundo tiene mejor calidad de sonido, con los mixes erróneos. Aquí las diferencias más evidentes se dan en velocidad y presencia de algunos instrumentos, y hasta en una diferente toma vocal en For You Blue. Misterios…

Hallado y publicado tema inédito del que participaron George y Ringo, con polémica El nombre de la canción puede ser ‘Rhade Shaam’ o ‘Jai Siya Raam’, según cuál de las dos versiones sea real. Lo que sí es seguro es que en ella participaron George Harrison y Ringo Starr. Se dice que fue grabada en 1969 y estuvo desaparecida por más de 50 años, para ser recuperada en 2020. También que la voz en la canción pertenecía a Suresh Joshi, pero hubo algunos conflictos ya que el maestro sarod Californeano, Aashish Khan, afirma ser él quien grabó la voz y no solo eso, afirma ser el compositor y amenazó a Joshi de acciones legales contra la publicación del material. En el sitio oficial del Liverpool Beatles Museum, al presentar la canción, publicaron: “Suresh Joshi es un periodista internacional que trabajó en el documental ‘East Meets West’ en el estudio cuando George Harrison, en ese entonces un buen amigo, apareció y preguntó que estaba sucediendo allí. Suresh quedó encantado cuando George se ofreció a tocar en la pista y aún más cuando Ringo apareció poco después y se ofreció de igual modo. La cinta maestra estuvo almacenada en el loft de Suresh hasta su encuentro con un emprendedor, Deepak Pathak, el hijo de un viejo amigo. Deepak envió la cinta maestra al productor musical Suraj Shinh, quien restauró la cinta y mezclo la

canción. Todo lo recaudado por el lanzamiento de la canción será destinado a caridad.”. La versión de Khan es diferente: “La canción fue llamada “Jai Siya Raam”. ‘Rhade Shaam’ son solo dos palabras en la letra que escribí. En 1968 estaba de gira en Londres y conocí a Suresh Joshi. Él, junto con otro productor de Pakistán, querían filmar una película y me pidieron componer la música. Sin embargo, no había un contrato entre nosotros. Llamé a mi amigo George y le pedí su ayuda para componer este número de Rock N’ Roll. George inmediatamente aceptó y se presentó con sus amigos incluyendo a Ringo Starr, Eric Clapton, Billy Preston y Klaus Voormann en los estudios Trident de Londres.” (…), “Eramos amigos, y fue George quien pagó el estudio para esta grabación. Sin embargo, la película nunca se filmó y no avanzamos. La canción original, de unos 7 u 8 minutos, si mal no recuerdo incluso incluía coros de Eric y George. George no quería que la pista sea lanzada sin ser mezclada. Desde entonces no hubo contrato entre Joshi y yo, y la película nunca se hizo. Tengo los derechos sobre la composición”. Pese a ambas versiones, todo parece indicar que en realidad la canción no fue grabada en 1968 ni 1969, sino en 1970. Solo basta con mirar el aspecto de Ringo y George en las fotografías para descubrirlo.

Novedades de la biopic de Brian Epstein Se revelaron las primeras imágenes de las filmaciones de Midas Man, el biopic de Brian Epstein. En la primera, podemos ver a Jacob Fortune-Lloyd en el rol de Brian. Fortune-Lloyd declaró que estuvo leyendo mucho sobre la vida de Brian, y que es un gran honor interpretar el papel. También se supo que la actriz Rosie Day interpretará el rol de Cilla Black. Algunos días más tarde llegaron las primeras fotos de The Beatles, que son interpretados por Jonah Lees como John Lennon, Blake Richardson como Paul McCartney, Leo Harvey Elledge como George Harrison y Campbell Wallace como Ringo Starr. El elenco también lo componen Adam Lawrence como Pete Best, Charley Palmer Rothwell como George Martin y Jay Leno como Ed Sullivan.

A Hard Days Night 4K Ultra HD Blu Ray Y si, The Beatles sigue teniendo remasterizaciones sucesivas en todas sus formas. Esta vez lo que se anunció es una nueva edición de la película A Hard Day’s Night, en 4K Ultra HD Blu Ray, como parte de la Criterion Collection. Será una edición de 2 Blu Ray, con audio Mono, Stereo y 5.1 Surround, además de Dolby Vision High Dynamic Range. La restauración fue aprobada personalmente por el director Richard Lester y supervisada por Giles Martin. Bonuses: muchos, incluyendo comentarios de audio, entrevistas, detrás de escenas, fotografías, documentales, artículos varios e incluso el corto “The Running Jumping & Standing Still Film” de Richard Lester que le valió ser llamado para la película Beatle. La fecha de salida es el próximo 18 de enero de 2022.

Paul revela una foto inédita suya en los 50’s Ya conocemos toneladas de fotografías de John, Paul, George y Ringo de antes, durante y después de The Beatles, por eso cuando aparece alguna inédita, más aun cuando es previa a la formación Beatle, es inevitable que sea noticia. Así ocurrió a comienzos de noviembre cuando Paul mostró una foto aun inédita de él en su adolescencia. Más específicamente la foto de su pasaporte. “En esos días te permitían lucir genial en las fotos de tu pasaporte. Ahora te hacen mirar a la cámara y no sonreír ¡porque es un estado totalitario!”. La foto fue presentada por Paul a sus fans presentes en el Royal Festival Hall de Londres, en el marco de la presentación de “The Lyrics”. La presentación del libro fue acompañada de una muestra de 35 objetos personales de la colección de Paul, en la British Library.

Falleció Maureen Cleave A los 87 años falleció Maureen Cleave, quien fuera la reportera favorita de The Beatles. Y también fue la reportera a la que John le dijo su famosa frase acerca de que The Beatles era “más popular que Jesús”. Estando en la profesión y el momento exacto, Maureen vivió muy de cerca la explosión de las bandas británicas, y se hizo especialmente amiga de The Beatles, a quienes entrevistó numerosas veces y consideraba muy divertidos. Se dicen más cosas acerca de Maureen, como que colaboró con una línea de la canción A Hard Day’s Night o que Norwegian Wood estaba inspirada en ella, pero nada de eso fue jamás confirmado.

Paul y Foo Fighters Nuevo capítulo en la amistad entre Paul McCartney y Dave Grohl, líder de Foo Fighters y ex Nirvana. Esta vez Paul realizó la inducción de Foo Fighters al Rock N’ Roll Hall Of Fame, y un rato después se subió al escenario para acompañar el cierre del show, realizando juntos un cover de Get Back. En la misma ceremonia que se llevó a cabo el pasado 30 de octubre en el Rocket Mortage Fieldhouse, fueron inducidos LL Cool J, Jay-Z, Carole King, Tina Turner y The GoGos.

Rock Around The Clock Ringo Starr lanzó video exclusivo para su cover de “Rock Around the Clock” en el cual participó su incondicional cuñado Joe Walsh. La canción, original de Bill Haley And His Comets, es parte de su último EP "Change The World", y fue filmado en el estudio Roccabella de Ringo.

Revelaciones de Paul: A Day In The Life y la separación Beatle Y no, no nos referimos al bridge en medio de la canción que siempre lo fue. Sorpresivamente Paul reveló que A day In The Life fue una creación más suya de lo que se cree. Hasta ahora siempre se supo que John había escrito la música y gran parte de la letra, y que le faltaba unirlos, y ahí estaba Paul con un pedacito que no sabía dónde usar, se alinearon las ideas y de todo ello salió el track perfecto. Pero ahora, casi 55 años después Paul reveló en su nuevo libro “The Lyrics” que la canción fue creada por él, en homenaje a su amigo Tara Browne, heredero de la cervecería Guiness quien había fallecido en una accidente de tránsito. Por otro lado, en una entrevista a fines de los 70’s, John dijo que cuando él (John) escribió “A Day In The Life” tenía a Tara Browne en mente y el mismísimo Paul en su biografía de 1997 “Many Years From Now” no se la autoatribuyó e incluso dijo que pese a lo que John dijo nada tenía que ver con Browne, sino a un político drogado imaginario.

Paul no firma más autógrafos Paul se decidió a no firmar más nada. “Siempre me pareció un poco raro ¿Podrías escribir tu nombre aquí por favor? ¿Por qué? Ambos sabemos quién soy”. En la misma línea dijo que no entiende porque alguien querría una selfie de mala calidad junto a él, y que en cambio prefiere charlar un rato.

Por otro lado, la historia oficial Beatle siempre atribuyó que fue Paul quien separó a la banda, pero ahora Paul afirma que no fue él, sino John. “Yo no provoqué la separación, ese fue nuestro Johnny”. Continuó afirmando que él quería seguir con la banda con la que creó muy buen material por ocho años y que, si no fuese por la decisión de John de irse, podrían haber seguido juntos muchos años más. “El punto es que John estaba empezando una nueva vida con Yoko”. En otro punto de la entrevista, sobre su culpabilidad en la separación afirmó “Tuve que vivir con eso porque es lo que la gente vio. Todo lo que puedo hacer, es decir no. La separación era inevitable. John solo quería meterse en una bolsa y meterse en una cama por una semana en Amsterdam por la paz. Y no podés discutir con eso”. Todo es una confusión...

Juego de Yellow Submarine Algo bastante habitual es que en el mundo de los videojuegos surjan los llamados HackRom, que son ajustes que fans le hacen a juegos originales para modificar aspectos de un juego, sea visual o en contenido. Lo que aquí nos trae es mod del juego Super Mario Bros. 2 de la Nintendo de 8 bits, más conocida por aquí como “Family Game”, que se viralizó en las últimas semanas, en el cual se recrean varias escenas de la película Yellow Submarine en forma de niveles, que podremos recorrer como John, Paul, George o Ringo en sus trajes de Sgt. Pepper. Creado por Nesdraug y con soundtrack armado por Shauing, la experiencia está realizada con mucho amor al detalle, y está plagada de guiños que valen doble para quien vio la película y conoce el mundo Beatle. Incluso las pistas sonoras son canciones de The Beatles para cada momento de la película, en 8 bits. Imperdible! https://www.youtube.com/watch?v=N1RgND_eXjU

Paul recrea Abbey Road (Again) Una vez más, pudimos ver a Paul cruzando Abbey Road camino a EMI, como lo hizo hace ya 52 años. Paul, quien ha declarado abiertamente que, pese a tener autos de lujo sigue eligiendo viajar en tren y colectivos, fue descubierto rápidamente mientras se dirigía a pie al estudio y saludado por los transeúntes que no dudaron en fotografiar.

El pasado mes de octubre finalmente vio la luz, con más de un año de demora, la edición 50 aniversario del último trabajo cronológico de The Beatles, Let It Be. La pandemia de Covid 19 hizo que todos los planes se alteren, pero al fin y al cabo ya pudimos disfrutar de ésta mega edición, tal y como vienen siendo las publicaciones donde se festeja el medio siglo de vida de los últimos álbumes de la banda. Una tradición que se inició con Pepper en 2017, siguió con el White Album en 2018 y luego con Abbey Road en 2019. ¿Con qué nos encontramos en ésta ocasión? Principalmente con el álbum original de 1970 remezclado por Giles Martin, que como viene

siendo habitual, se encargó de mejorar muchísimo el sonido y limpiar las mezclas originales. Por supuesto que en éste caso había una situación bastante morbosa: es sabido que Paul siempre odió el trabajo que Phil Spector había hecho con su canción The Long And Winding Road. De hecho en 2003 se “tomó revancha” y editó su propia versión de éste disco, al que tituló Let It Be… Naked. ¿Pero que iba a suceder ahora? Si bien se trata de una remezcla y de por sí esto otorga la libertad de manejar los niveles a gusto, también hay que ser conscientes de que se está trabajando con material casi sagrado. Giles Martin se encargó de aclarar todo para no dejar lugar a suspicacias.

“Hablé con Paul y le dije: ‘Sé que no te gusta el arreglo, pero ¿Qué piensas al respecto?’ Él me dijo: ‘No se puede cambiar la historia. Pero realmente no me gusta el arpa. ¿Podrías bajarla un poquito?’”

Y este ejemplo es un caso testigo de lo que en general es ésta nueva mezcla, tal y como vienen siendo todas las anteriores, incluidas las de All Things Must Pass de George y Plastic Ono Band de John. La pureza y contundencia de cada sonido hace que (utilizando una expresión que Honestamente, el trabajo de Giles es excelente. vengo expresando hasta el hartazgo) pareciera Supo equilibrar las cosas, haciendo sobresalir la que se hubiese grabado hoy. instrumentación Beatle y sobre todo la voz de McCartney (que en la versión original estaban El segundo disco de la edición Super Deluxe, bastante enterradas en la mezcla) y a la vez llamado Apple Sessions, recoge tomas hacer que la parte orquestal se luzca. alternativas de todas las canciones del álbum, salvo Dig It, aunque se encuentra su canción “prima hermana”, Can You Dig It?

Además hay varios diálogos y un ligero retorno al pasado con una improvisación espontanea de Fancy My Chances With You (una canción de la era Quarry Men) y una regresión por parte de Paul a Please Please Me, dándole un carácter totalmente distinto desde el piano. El disco 3 es Rehearsals And Apple Jams y es donde, a mi parecer, se encuentra lo más jugoso del box set: dos canciones, de John y George, que formarían parte de su carrera solista; un segmento de canciones que irían a parar a Abbey Road, una canción cantada por Billy Preston, y una que aparece en una de las escenas más famosas de la película original. Si todavía no lo escucharon, vayan y descubran éstas joyas.

Sorpresivamente el disco 4 contiene lo que podría haber sido un disco oficial de The Beatles, llamado en ése punto Get Back. Se trata de las mezclas que Glyn Johns realizó en mayo de 1969 y que fueron vetadas por la banda, aunque luego de la publicación de la caja aniversario surgió una controversia: se dijo que las verdaderas mezclas del ’69 de Johns fueron utilizadas solo para los discos editados en Japón, y que el contenido de lo editado en el resto del mundo pertenecería a otros trabajos de Johns, donde habría ediciones de los tracks e incluso algunas tomas vocales distintas. Todo esto se presume que pertenece a la segunda versión de su Get Back, presentado en enero de 1970 y nuevamente rechazado.

El disco 5 es solo una excusa para completar las remezclas del material disponible, ya que cuando Johns presentó su segunda alternativa para el disco, quitó Teddy Boy e incluyó Across The Universe y la recientemente grabada I Me Mine. Es por ello que aparecen aquí, en este EP que se completa con las remezclas 2021 del single Don’t Let Me Down y la versión del sencillo de Let It Be. Y con eso tenemos todo lo que concierne a la era Get Back/Let It Be… o no? Casi…

A mi entender hay una gran omisión, y es You Know My Name (Look Up The Number), que si bien no formó parte de las sesiones del proyecto, fue editada como lado B del single Let It Be. Con ese criterio se podría decir que Across The Universe y I Me Mine tampoco se grabaron en aquel enero del ’69. Además, si no se editó ahora, ¿Cuándo se hará? ¿Qué otra edición justificará su inclusión? Otra critica que puedo hacer a ésta caja es la cantidad (a veces excesiva) de versiones de una misma canción, sobre todo cuando en casos como el de Get Back o For You

Blue, realmente no hay grandes diferencias entre una toma y otra que justifiquen su inclusión, más aun conociendo la cantidad de material disponible, con infinidad de covers y recuerdo de canciones propias del pasado que los muchachos tocaron en esas 20 sesiones. Una lástima y una oportunidad desaprovechada. De lo que no nos podemos quejar es de la excelente calidad del material, que muchos ya conocíamos de varios bootlegs, y que ahora podemos disfrutar en su total magnitud. Y todo esto esperando la frutilla del postre que serán las 6 horas del documental de Peter Jackson que está a la vuelta de la esquina.

El Bootleg del mes: “Return To Pepperland – The Unreleased 1987 Album” (o “Pizza And Fairly Tales”) – Paul McCartney A mediados de 1986, McCartney había puesto todas sus fichas al lanzamiento de su última producción “Press To Play”, de la mano del productor estrella en ese momento (Hugh Paghdam, responsable de producciones para artistas de la talla de Phil Collins o The Police).

“Macca” venia ya del año anterior buscando aggiornar su música a los nuevos sonidos dominantes por aquellos años, y el single del tema de la película “Spies Like Us” lo mostró con una sonoridad más potente y despojada que en sus anteriores trabajos. También hay que recordar que su carrera por aquellos tiempos había sufrido dos percances que lo convencieron de que era el momento de pegar un golpe de timón; en efecto, la película vapuleada por la crítica y con poca respuesta del público “Give My Regards To Broad Street”

(a pesar del enorme éxito del tema “No More Lonely Nights” y que a decir verdad, la película tiene pasajes más que interesantes sobre todo en el aspecto musical), y la decepcionante actuación en el cierre de Live Aid frente a millones de personas (algunos dicen que por culpa de Queen, que dejó los micrófonos silenciados, otros culpan a la organización del evento por no estar a la altura). Todo estaba dado para que sea un gran álbum y colocara a Paul nuevamente en la posición donde un artista de su trayectoria tenía que estar frente al público, pero… nada de eso sucedió. Pese a tener algunos momentos gloriosos (temas como Footprints, Angry, However Absurd, Stranglehold no dejan de ser interesantes), buenos videoclips acorde a la época (Press actualmente sigue siendo uno de los favoritos para los seguidores de Paul), un productor de primera, invitados de lujo (Collins y Pete Towsend en “Angry” por ejemplo) e incluso buena recepción en la prensa, el disco no terminó funcionando. Quizá haya sido la falta de un tema hitero o la elección de los singles, o que faltaba una unidad, lo cierto es que terminó siendo uno de los peores números en cuanto a ventas en la carrera de McCartney. Y un signo de preocupación para el futuro…. “Return To Pepperland” es el testimonio sonoro principalmente de dos periodos de sesiones con David Foster (1984) y Phil Ramone (1986/1987) y algunos demos, en un lapso que hay entre el fracaso de “Press To 25

Play” y el regreso a la música más “orgánica” de “Flowers In The Dirt” (1989), donde podemos ver a Paul buscando nuevamente un sonido que lo represente, aunque también encontramos grabaciones hechas con anterioridad a ese período. El disco comienza con “Lindiana”, un tema bien al estilo McCartney, con piano al principio y luego toques bien pop de mediados de los 80’, con sintetizadores predominantes por momentos; fue grabada en 1984 en unas sesiones conducidas por el productor David Foster, con una extraña letra que pareciera

referirse a algún servicio de atención al cliente de una empresa. Una verdadera lástima que siga inédita hasta ahora, habrá que ver si no figura en algún próximo “Archive Collection”. El siguiente track es “I Love This House”, también proveniente de las mismas sesiones, pero esta vez, si fue editado como parte del single “Young Boy” del disco Flaming Pie (1997) dentro de las secciones “Oobu Joobu”; se trata de una canción también con todo el sonido ochentoso, con la batería bien al frente y teclados presentes, aunque lo destacable es la colaboración una vez más de David Gilmour en guitarra. Ciertamente, un tema destinado a ser cara “b” de un single…

Cierra la trilogía de las sesiones de Foster una temprana versión de “We Got Married”, que recién haría su aparición oficial cinco años después. Salvo algunos detalles de producción y arreglos, es una versión muy cercana a la que terminó en el disco, más extensa, a la que le falta la parte final vocal y el solo de trompeta (que luego en vivo lo recreaba magistralmente “Wix” Wickens). Una lástima que no haya formado parte del “Achive Collection”. Luego vienen dos temas producto de las sesiones con el productor Phil Ramone y la banda de Billy Joel en Nueva York, apenas terminado “Press To Play” en agosto de 1986.

““Beautiful Night” era un tema en el cual Mc Cartney intentó varias versiones hasta que recién en 1997 para Flaming Pie le encontró la vuelta, con el aporte de George Martin, Jeff Lynne y Ringo Starr. La versión de este bootleg es mucho más despojada y directa que la del disco, y podemos encontrar a Macca jugando vocalmente al final; también fue incluida dentro del single “Young Boy” en las secciones Oobu Joobu y en el Archive Collection de Flaming Pie. El segundo tema de las sesiones, Loveliest Thing fue lanzado oficialmente dentro de la reedición en CD de Flowers In The Dirt en 1993, se trata de una balada también, mezclando dos demos (“Loveliest Thing” y “Without Persmission”), con la banda de Joel bien presente y dejando su impronta sonora, que fuera versionada en castellano por el ex Super Ratones Fernando Blanco,

El disco continua con “Squid”, un instrumental grabado a fines de 1986 en su flamante estudio de Hog Hill, donde Macca toca todos los instrumentos, una especie de recreo musical que no va muy lejos por cierto esta vez, y como varios tracks de este bootleg, fue parte del programa Oobo Joobu y luego lanzado con el single de “The World Tonight”; luego sigue, “Big Day”, producto de nuevas sesiones con Phil Ramone, en este caso en 1987; se trata más de un tema cercano a los experimentos de “McCartney II” que a lo que apuntaba por aquella época, no podemos decir mucho más del tema. 27

También de esas mismas sesiones podemos encontrar una embrionaria versión cuasi demo de “This One”, solo al piano; “Love Comes Tumbling Down”, un tema que Ramone recuerda como a medio terminar y que en estudio le encontraron la forma de concluirlo, una balada típica de McCartney que quizá hubiera requerido un poco más de producción para editarla en su momento, pero que quedó pendiente hasta que, como muchas de este bootleg, fueron apareciendo en los singles de Flaming Pie. Como curiosidad tenemos el instrumental “Christian Pop”, grabado en 1981, un ejercicio en sintetizadores con una clara vocación de pieza de música clásica en sus arreglos, que luego fue plasmada nota por nota en 28

“Dance“, “Movement III – Crypt”, del debut clásico de McCartney, Liverpool Oratorio (1991); este “demo” finalmente fue editado en el Archive Collection de “Pipes Of Peace”. Le siguen “Atlantic Ocean”, una improvisación rítmica que fue creciendo en el estudio según Phil Ramone, jugando con loops de percusión y la línea vocal que le da nombre al tema; a continuación, de la misma época, “Love Mix” (en realidad es la evolución del tema “Sun Is Shining” que aparece en un bootleg de 1974 “The Piano Tape”) que parece más que nada un estribillo interminable, aunque pegadizo por cierto. Ambos temas, también terminaron editados en las secciones de “Oobu Joobu” de singles de Flaming Pie.

Casi finalizando el disco aparece el tema que le da el nombre al bootleg “Return To Pepperland”, también producto de las sesiones con Ramone de marzo de 1987, una canción con evidente espíritu “beatle” (quizá imbuida del 20º aniversario de Sgt. Pepper’s que se celebraba por esa época), pero que no llega al nivel que alcanzó Harrison ese mismo año con “When We Was Fab”. Una de las pocas que a la fecha permanece inédita, a la espera de alguna inclusión en la serie de Archive Collection. P.S. Love Me Do (también de las sesiones de Ramone), es la unión de dos temas de los primeros singles de The Beatles (Love Me Do/P.S. I Love You); esta especie de collage sonoro apareció finalmente en una edición expandida en CD para el mercado japonés y su correlato en vivo en el single “Birthday” de 1990. Como curiosidad, es uno de los contados temas en vivo en que Paul no toca ningún instrumento. Antes del cierre del disco nos encontramos una verdadera joya, que resulta inexplicable que no fuese lanzada oficialmente en su época, “The Same Love” (o “Same Love” tal como fuera editada posteriormente en los singles de Flaming Pie y su Archive Collection). Grabada en 1988, con Hamish Stuart, el piano notable de Nicky Hopkins, Geoff Emerick como ingeniero de sonido y McCartney de productor, es uno de esos temas épicos de Paul al estilo de Through Our Love del disco Pipes Of Peace, que van cambiando de climas 29

hasta llegar al final. Realmente una joya, que apareció en las secciones de “Oobu Joobu” de los singles de Flaming Pie, una verdadera lástima para un tema que estaba para más. Cerrando el disco, encontramos una de las últimas colaboraciones con Eric Stewart, “Dont Break The Promise”, un demo en estilo reggae que grabo junto con Hamish Stuart en 1988, y al igual que Same Love, también fue editado en los singles y el Archive Collection de Flaming Pie. Como pudimos ver, no se trata de un disco que podría haber salido en 1987, sino de un compendio de sesiones diferentes con Ramone y Foster, más algún que otro demo, pero que de alguna forma muestran donde quería apuntar McCartney a mediados de los 80’… hasta que se “encontró” con Elvis Costello, pero eso ya es otro tema….

Rocky Raccoon

LA LOCA IDEA DE GEORGE Paul y Ringo eran admiradores del Cirque du Soleil por las mismas razones que cualquiera de nosotros podría serlo, sencillamente disfrutaban de sus espectáculos acompañados de sus respectivas familias. Para George era diferente, no sólo le encantaban sus presentaciones, sino que, debido a la pasión de ambos por las carreras de autos y en especial la Fórmula Uno, se había hecho muy amigo de su fundador, Guy Laliberté. Desde los años 90s George cultivaba la idea de producir un gran show en que participaran los tres Beatles sobreviviente y Yoko Ono reunidos en la sociedad Apple Corps. Ltd. y en el que el Cirque du Soleil utilizara la música de The Beatles. Si bien su propósito era brindar al mundo una obra bella, su infatigable voluntad era lograr, después de tanto tiempo de separación, que los amigos volvieran a trabajar juntos en un propósito común. La idea parecía imposible. Había una historia que marcaba una línea difícil de torcer. The Beatles no aceptaban ningún tipo de asociación y así había sido por treinta años. Cabe recordar que The Beatles (Apple Corp.) funciona con sus actuales cuatro miembros, Olivia, Yoko, Paul y Ringo, de la misma forma en que operaba cuando John y George vivían, como una democracia inversa en la que, si uno de ellos no 33

está de acuerdo con una idea, esta no se lleva a cabo. No existen las decisiones mayoritarias sino sólo las unánimes. Por su parte, Guy Laliberté no toleraba ninguna limitación a la libertad creativa en el Cirque du Soleil. Además, debía ingresar a la sociedad el Hotel Mirage de Las Vegas (MGM Mirage), representada por Bobby Baldwin, que ya había trabajado en algunas ocasiones con el Cirque du Soleil. En dicho hotel se levantaría el teatro especialmente construido para este espectáculo y la empresa MGM Mirage desembolsaría gran parte de la inversión que este demandaba. Por su parte, Apple Music Corp. Ltd proporcionaría la música para crear la banda sonora del espectáculo. Era tan difícil de llevar a puerto una idea como esa, que rayaba en la locura. Pero George era George. Era el hombre que hizo la locura de producir el primer mega evento benéfico en el inolvidable “Concierto para Bangladesh”, que aunaba caracteres intratables, que había dado origen a la World

Music, que se había enfrentado a mano limpia contra un delincuente a costa de varias puñaladas. Era, sin duda y como todos sus amigos lo han descrito, un hombre amable y pacífico, pero que no renunció jamás a la tenacidad y fiereza de un auténtico chico de Liverpool y no era imaginable que las dificultades lo detuvieran. Para el año 2000, después de iniciar conversaciones con Guy Laliberté, había logrado que todos, Yoko, Paul, Ringo, Guy y él estuvieran de acuerdo en llevar a cabo ese sueño. La muerte de George apenas un año después, el 29 de noviembre de 2001, fue un golpe para todos.

Como expresó Guy Laliberté, de pronto dejaron de contar con la energía, fuerza y voluntad de George, pero, al mismo tiempo, todos manifestaron su intención de sacar adelante su sueño, en gran medida como un homenaje a su admirable espíritu. Su viuda, Olivia, ingresó a participar en Apple Corps. en reemplazo de George y, en el ensayo general de la obra dijo que no le cabía duda de que George estaba feliz mirando, trepado en una de las cuerdas de los acróbatas.

LOS CREADORES Y SUS DIFICULTADES Las negociaciones entre Apple Corps. Ltd. y MGM Mirage duraron 3 años. Para cuando ya estaba tomada la decisión de trabajar juntos y antes de esbozarse el contenido del espectáculo, había que decidir cómo se construiría la banda sonora. La idea inicial era buscar una excelente banda que interpretara en vivo los temas de The Beatles y así continuar lo que ya era una marca de fábrica del Cirque du Soleil. Neil Aspinall, CEO de Apple Corps. se negó rotundamente a esa posibilidad, probablemente con el beneplácito de los socios. La música debía ser la original de The Beatles.

están de moda, pero mucho mejor era contratar a George Martin que nunca pasó de moda. Como se vio en los resultados, fue la mejor decisión. Se sumó a él Giles Martin, su hijo, como mano derecha, que ya tenía buena experiencia y había trabajado con éxito con grandes artistas como ingeniero de sonido. The Beatles autorizó a que se usara cualquier grabación que hubiese de ellos entre 1962 y la fecha de su disolución.

Se barajó la idea de contratar a alguno de los grandes ingenieros de sonido que estaban en la cúspide de su popularidad a principios del milenio para realizar las mezclas de sonido, que es la música sobre la cual se desarrollaría la historia representada por los artistas y George y Giles Martin trabajaron más de dos años sobre las cintas de The Beatles, rescatando escenógrafos. sonidos gloriosos, como la impactante batería The Beatles, obviamente, prefirió que fuese de “Tomorrow Never Knows”. George Martin, quién a esas alturas estaba semi retirado, se había deshecho de su estudio y había perdido parte de su capacidad auditiva, pero que conocía la música de The Beatles como nadie. Ringo dijo que no era una mala idea contratar a un director musical de esos que 35

Finalmente, en la selección de las cintas intervino el Director Creativo del show, Dominic Champagne. Este dijo sentirse con el síndrome del impostor, sentado con George Martin eligiendo pistas y música de The Beatles para el show, pero a él le debemos que se incluyera una

Olivia no estuvo de acuerdo en usar esa versión, temía que un teatro se perdiera la esencia de la canción. Pero Dhani Harrison, si lo estuvo. George Martin agregó a la cinta una pequeña orquesta de 15 músicos de cuerdas, dirigida por él mismo. Fue la última vez que dirigió una orquesta de cuerdas y creó una obra maestra para George Harrison. Es difícil contener las emociones cuando entra la voz de George casi al apagarse las cuerdas. Un entusiasmado Ringo estuvo más que contento con que se estiraran los límites de la música que habían creado y Paul manifestaba su alegría de trabajar con gente un poco loca.

de las piezas musicales más emocionantes. Escogió una versión muy simple e íntima casi casera de “While My Guitar Gently Weeps”, que produce un aire nostálgico que no tiene la versión del disco que todos conocemos.

Además del esfuerzo creativo, la increíble habilidad de los artistas y la construcción de escenarios móviles magníficos, los productores debían bailar sobre una cuerda floja con mucha delicadeza. Por una parte, cuidando no molestar a los fanáticos de The Beatles, que podrían considerar una profanación la edición y remezcla de sus temas, por lo que jamás se cruzó la línea de alterar la esencia de la música

original y, por otra parte, debían intentar responder a las peticiones de Olivia, Yoko, Paul y Ringo, todos los cuales deseaban ver tratado con equilibrio el legado musical de The Beatles, desde sus particulares intereses y perspectivas. Cualquier desacuerdo podía significar rehacer lo andado, incluso si se presentaba en el preensayo o en las primeras funciones.

Tras cinco meses de afinar acuerdos, ensayos, construcción de escenarios móviles y de un teatro ovalado en 360 grados, con cinco pasillos de ingreso y una pista que es un hexágono alargado, tan especial que donde se encuentre un espectador, da una agradable sensación de intimidad y cercanía con los artistas, la obra estaba en condiciones de ser presentada.

Los momentos más álgidos se produjeron con los agrios comentarios de Yoko Ono, que parecía odiar todo lo que se hacía con las canciones de John Lennon. Le reprochaba a Dominic Champagne no haber elegido las canciones de John de su mejor época, a pesar de que el espectáculo incluyó más canciones de John que de cualquier otro, y el que supuestamente no se había logrado inspirar por las letras de John. Incluso trató a la representación de “Come Together” directamente de “vulgar”. Yoko Ono explicó que reconocía el enorme trabajo y esfuerzo de Dominic Champagne, pero que ella debía proteger las canciones de su marido.

Se había plasmado la visión de Dominic Champagne. En los créditos se señala como cocreador a Gilles Ste-Croix, uno de los fundadores del Cirque, sin embargo el grueso del trabajo fue de Dominic Champagne.

representativos de la época (Teddy Boys, Enfermeras, Groupies, niños de Liverpool), la madre de John, Julia y como una referencia al paso por la India y la fe de George, también se incluyó a Krishna. Siendo, como hemos dicho, una fantasía todo se relaciona y evoca sucesos de la realidad. Son momentos de magia y gran carga emotiva que nos hacen reír con las conversaciones entre The Beatles, nos estremecen con los bombardeos sobre Liverpool, nos transmite la vorágine del ascenso a la fama y nos hace sentir la tristeza del fin.

Los creadores quisieron transformar la historia de The Beatles en un poema visual y dieron forma a una fantasía en la que participan los más recordados personajes de sus canciones (Eleanor Rigby, Sgt. Pepper, Lady Madonna, Nowhere Man y Walrus, entre otros), grupos

El sonido emerge de miles de parlantes, que eran de última generación a principios de los años 2000 y aún siguen siendo difíciles de superar, adquiridos personalmente por Bobby Baldwin. Cada asiento cuenta con tres parlantes, dos a cada lado del apoyacabeza y uno frontal, perfectamente calibrados de manera que se escuchara como si The Beatles estuviese tocando en vivo.

Giles Martin expresó su gran admiración por su padre y la banda sonora que habían creado. Decía que George Martin estaba viejo y su oído ya no era muy bueno, pero que era el productor musical con la mente más joven que existía, siempre abierto a la creatividad e innovación y con una sensibilidad única. Cuando George Martin dice que una grabación está bien, decía Giles, es porque está bien. Cuando Paul asistió al primer preestreno el 2 de junio de 2006, más en serio que en broma otorgó su bendición diciendo que nunca habían sonado tan bien. En una charla entre Paul McCartney y George Martin capturada mientras conversaban en sus butacas y que se muestra en el documental de Adrian Wills llamado “All Together Now”, Paul, al ver el fabuloso despliegue de artistas, escenografía y vestuario, le comenta a George Martin que le sorprende como canciones creadas con tan poco, un lápiz, un pedazo de papel que a veces era el reverso de una postal,

había podido generar algo tan grande. Hace un recuerdo de la época en que producían canciones en tres horas y los inicios en que el primer disco se grabó en un día. En los siguientes preestrenos se hicieron varios cambios y ajustes a la obra. Cada vez que asistía alguno o algunos de los miembros de Apple Corps. Ltd., Dominic Champagne sufría con la posibilidad que se quisiera introducir algún cambio a la banda sonora y que se volviera a la etapa que conversaciones y correos interminables.

La función de gala se realizó el 30 de junio de 2006 y, como habían sido los mayores deseos de George, por primera vez se vieron juntos a Paul, Ringo, Yoko, Cynthia, Julian, Olivia, Dhani y George Martin, la “familia Beatle”. Ringo, que la veía por primera vez, parecía eufórico, lo aplaudió todo y, según Giles Martin, hacía comentarios, pero era siempre el mismo: “Qué gran banda que fuimos”.

Al término, Paul, Ringo, Yoko, Olivia, Dhani, Cynthia, subieron al escenario mezclándose con los artistas, productores y técnicos en un regocijo caótico. En esa ocasión Paul, desde el escenario, pidió a la multitud de espectadores “Solo un aplauso especial por John y George”. Un año después, el mismo grupo descubrió una placa conmemorativa en memoria de John Lennon y George Harrison en el Hotel Mirage. Para la fecha del preestreno, MGM Mirage había gastado USD 180.000.000 en la producción y la mantención del teatro construido para este espectáculo demandaba USD 5.000.000 por mes.

Era una apuesta muy alta y arriesgada, más aun tomando en cuenta que este show significaba un cambio muy notorio en la tradición del Cirque du Soleil, tanto por la ausencia de banda en vivo, como por que siendo un espectáculo circense se acercaba mucho a un musical. Con boletos a un valor que fluctúa entre los USD 140 y los USD 240, se requería la asistencia de no menos de 1.500.000 espectadores, solo para salvar lo invertido. Para ello se requerían al menos 300.000 espectadores al año. Considerando que las presentaciones se realizaban y realizan en dos funciones por cinco días a la semana, debían reunirse al menos 1000 espectadores diarios, presupuestando que la obra podría durar en cartelera 5 años.

MI EXPERIENCIA

teatro, que como ya mencioné, fue especialmente construido para este espectáculo en el hotel Mirage.

En noviembre de 2010, junto a mi mujer y mi hijo menor de 27 años viajamos a la costa oeste de los Estados Unidos en un recorrido que Mi interés nacía, desde luego y en primer lugar, contemplaba una estadía en Las Vegas. de mi enorme admiración por The Beatles. Habían excelentes críticas de la obra, pero al Mi único interés en Las Vegas era poder ver el mismo tiempo se señalaba que era atípica para espectáculo “Love” del Cirque du Soleil, de el Cirque du Soleil. modo que, sin exagerar, lo primero que hice al bajar del bus en Las Vegas, aún con las maletas Por supuesto, ya había escuchado en la mano fue comprar las entradas, las que innumerables veces el fantástico disco de la logré en excelente ubicación para el día banda sonora que es una secuencia siguiente, en el que comprobaría que no existen hipnotizante que impide empezar a escucharlo ubicaciones que no sean excelentes en el y no llegar a su fin. Pero, voces agoreras decían

que el espectáculo difícilmente se mantendría sino por unos meses más y como mucho cumpliría los 5 años para los que estaba programado, lo que me empujaba a verlo lo antes posible. Se equivocaron por mucho. Este año “Love” cumplió 15 años de presentaciones. A comienzos de este año, el Cirque du Soleil suspendió la presentación de todos sus espectáculos debido a la pandemia que azota al mundo, lo que le significó una enorme pérdida financiera que le llevó a declararse en bancarrota. Parecía ser el fin del Cirque du Soleil y de “Love”. Sin embargo, la empresa logró sortear con éxito la debacle económica y en el mes de septiembre recién pasado se reanudaron las presentaciones de “Love”, que ya han sumado más de diez millones de espectadores y parece tener vida para mucho tiempo más.

Al intentar describir la obra, la tentación inicial es decir que se trata de un espectáculo alucinante, bellísimo, con una música y sonido increíbles, francamente indescriptibles, lo que explica que, existiendo tantas publicaciones y críticas sobre este show, ninguna hace un “relato” de éste. Es imposible. Son una cuidadosa puesta en escena de momentos, imágenes, colores, movimientos, llevadas a cabo por artistas

extraordinarios que nunca opacan la música, sino que la elevan, de tal manera que no se puede decir que la representación deslumbra más que la música, ni tampoco lo contrario. Hay un equilibrio perfecto. Pero todo ello, siendo cierto, no describe realmente lo más importante de la obra. Está destinada, y lo logra con creces, a despertar nuestras emociones, produce momentos de auténtica y general alegría y, emulando la vida, como dijo Yoko Ono, también nos provoca la tristeza por los momentos duros y todo ello con una poesía construida con música y fantasía. Desde que se ingresa al teatro todo está dispuesto para generar intimidad y la percepción de que somos participantes de la

obra. Es atrapante e inmersiva. Para cuando llega “Within You Without You/ Tomorrow Never Knows”, cerca de la mitad del espectáculo y se cubre a todos los espectadores con una vaporosa tela celeste que se ilumina con diversas luces, todo el publico ya está preparado para participar del juego en forma entusiasta. El mejor comentario de la obra me lo dieron, sin palabras, mi mujer y mi hijo, al verle los rostros alegres y los ojos enrojecidos, cuando se prendieron las luces para abandonar el teatro.

Exequiel Sagredo Wildner

Martín Castro 50

So many years I was searching, So many tears I was wasting, oh Gathering, jaystering, glimmering Glittering, happening, hovering Humouring, hammering, lacquering Lecturing, labouring, lumbering Mirroring Conchi Moya, escritora del maravilloso libro sobre George Harrison, “La Luz Interior”, nos lleva al mundo de George – Desde Madrid, España –. De Granada a Liverpool... un lazo de luz interior hasta George. ¡Cuéntanos un poco de Conchi en Granada y de su primer encuentro con George de Liverpool! Nuestra visita a Granada con “La luz interior de George Harrison” fue con motivo de la presentación del libro en una tienda de discos muy prestigiosa de la ciudad, Discos Marcapasos. Allí compartí espacio con Ramiro Domínguez, editor del libro, que ha confiado en mí para este trabajo y ha creído que podía llevar a buen puerto una empresa tan complicada como es la de escribir sobre la vida del Beatle Fascinante, del Beatle Místico, del Beatle al que llamaban “Tranquilo”, 53

pero que no lo era en absoluto. Antes de Granada hemos tenido otras presentaciones en España. La primera presentación tuvo lugar en Madrid nada más publicar el libro y luego hemos llevado “La luz interior de George Harrison” hasta León con motivo del prestigioso festival León. También hemos estado en Barcelona, en un club bastante conocido en la ciudad, el Barbara Ann. Me gustaría destacar que en todas estas presentaciones hemos contado con música en directo. Diferentes músicos de cada una de estas ciudades nos han acompañado tocando canciones de George Harrison y la verdad es que el resultado

ha sido maravilloso, porque lo que más me gusta de él, aparte del propio George, es evidentemente su música. No podemos olvidar es que es uno de los músicos más influyentes y más importantes del siglo XX.

¿ Cómo empezó esta historia de conocer, adentrarse en la vida de George y escribir este libro? A mí me empezaron a gustar los Beatles siendo una adolescente, a finales de los años 80. No sé muy bien el motivo, pero él se convirtió en mi Beatle preferido y por eso es el Beatle sobre el que más he leído desde siempre. En esos momentos cuando no existía Internet era

aunque luego hayamos ido pudiendo conocer cómo eran realmente. La historia de “La luz interior de George Harrison” comienza el 29 de noviembre de 2019, justo el día de aniversario del adiós de George, con una petición del propio editor Sílex preguntándome si estaba interesada en escribir algo sobre George Harrison. Evidentemente dije que sí porque, aunque me dio cierto respeto asumir una responsabilidad tan grande, no podía decir que no a algo así. Curiosamente, en 2009 yo ya había intentado escribir algo sobre Harrison, pero creo que no era el momento, no estaba preparada realmente para acometer una empresa así.

complicado encontrar información sobre ellos. Buscábamos en revistas, en libros, pero también tenía mucho que ver nuestra propia imaginación. 54

De alguna forma todos los que hemos nacido con anterioridad a la aparición de Internet hemos construido nuestro propio imaginario de cada uno de los Beatles,

Diez años después recibí la propuesta y me lancé. Sobre el proceso, disponía de poco tiempo, porque tanto el editor como yo teníamos claro que el libro debía publicarse en 2021, coincidiendo con el vigésimo aniversario del fallecimiento de George Harrison. Año y

medio es poco tiempo para un trabajo de estas características, pero deseaba tanto hacerlo y hacerlo bien, que me entregué por completo al libro. De alguna manera tuve que hacer todo a la vez: leer, documentarme, escribir y corregir. Ha sido una cosa muy loca, un esfuerzo muy grande. Ha habido momentos maravillosos, pero también momentos difíciles y, aunque nunca pensé en abandonar, sí he tenido momentos de mucho cansancio. Por otra parte, la pandemia ha marcado toda la escritura del libro, que se convirtió en un refugio para mí en los momentos tan complicados que hemos vivido todos. Pasar el confinamiento leyendo sobre George, escribiendo sobre George y escuchando su música ha sido algo muy especial.

La vida de George es increíble, pero no muchos la conocen en profundidad. John y Paul siguen siendo quizá los más conocidos. ¿Qué podrías decirles a aquellos que aún no saben de este Beatle que le llamaban el "Quiet"? George Harrison no tenía nada de tranquilo, era un hombre tremendamente hablador, inquieto, curioso, divertido, apasionado y un gran buscador. Desde luego era un hombre también contradictorio y eso resulta muy interesante a la hora de escribir sobre él. Vivió entre dos mundos completamente opuestos. Por un lado, el mundo espiritual, llegando a convertirse en una personalidad muy destacada dentro de la corriente de los Hare Krishna, a un nivel profundo, porque él ayudó al establecimiento de los Hare Krishna en Reino Unido y a su expansión por todo el mundo, no solo donando grandes cantidades de dinero, sino también difundiendo su doctrina y practicando de

manera muy consciente y profunda sus preceptos religiosos. Por otra parte, George vivía con gran intensidad el mundo material, Living in the material world; fue uno de los principales protagonistas de la explosión pop y rock de los años 60 y 70, formó parte de los Beatles, que fueron la realeza rock sin ninguna duda; fue millonario a una edad muy temprana y también se entregó con sumo gusto a los placeres mundanos. A George le

gustaba mucho la diversión y tenía un sentido del humor muy especial. Toda esa mezcla compone una personalidad contradictoria, que siempre nadó entre dos aguas, pero que a la vez se preocupó de hacerlo de la mejor manera posible. George no se dejaba llevar, sino que tenía un nivel de conciencia muy profundo y entendía que él estaba en este mundo por un propósito, que tenía una misión. Todo esto conforma una personalidad fascinante, que renegó de la fama brutal que había alcanzado el grupo.

Fue un hombre que huía del ego, cuya creatividad se vio de alguna manera ahogada entre dos grandes genios, cómo eran Paul McCartney y John Lennon, algo que reconoció el propio Lennon. Esa personalidad caleidoscópica y llena de ángulos, cómo llegó a decir su amigo el batería Jim Keltner, me dio el título para la segunda parte del libro, “George Harrison desde todos sus ángulos”.

¿Hay algo que te llegó a sorprender de George, que te iluminó o te motivó personalmente, mientras buscabas e investigabas para tu libro? Tal vez su faceta espiritual, de la que solo conocía un poco. Tenía bastante respeto a ese capítulo, porque yo no soy una persona excesivamente espiritual y veía complicado saber reflejarlo correctamente. Sin embargo, una vez que empecé a buscar información y a leer me pareció apasionante. George llegó a ser una personalidad muy relevante dentro de la

corriente de los Hare Krishna y vivió el camino espiritual y la religión de una manera profunda durante toda su existencia. Para él no fue en absoluto una moda, sino que se lo tomó realmente en serio y, como el gran buscador que fue, siempre estuvo buscando y preparándose para esa vida espiritual que le llevaría a encarar de manera por completo consciente su propia muerte. Desde muy joven, siendo millonario, con el mundo a sus pies, George reflexionaba sobre la muerte y se preparó para ese buen morir, ese Art of dying. Explicar todo esto fue un reto

para mí, pero a la vez de alguna manera me iluminó, con esa luz interior de George que ha tenido tanto que ver con el libro, empezando por el título.

George tenía muchos intereses y muchas aristas. Un buscador eterno: ¿Crees que encontró lo que lo hacía feliz o la fama lo abrumó? Efectivamente, George Harrison representa como pocos esa canción escrita por Pete Townshend, “The Seeker”. Fue un eterno buscador, un eterno curioso,

se interesó y profundizó en la espiritualidad y la religión, el cine, la cultura y la música india, la jardinería, la Fórmula 1… La fama lo abrumó y le hizo tremendamente infeliz en muchos momentos de su vida, pero creo que aquellas actividades en las que depositó su atención le ayudaron a canalizar la frustración y la amargura que sintió en ocasiones en su carrera musical. A pesar de algunos momentos de desequilibrio y dudas espirituales, en especial durante el período que coincidió con el final de su matrimonio con Pattie Boyd,

George continuó su camino espiritual que le condujo a una muerte en paz, rodeado de los suyos, sin dejar cuentas pendientes y despidiéndose de todos sus amigos y de toda la gente a la que quería, incluidos Ringo Starr y Paul McCartney, que lo acompañaron poco antes de morir. De esa forma, sí, creo que alcanzó esa plenitud que él siempre estuvo buscando.

Hagamos un recorrido por sus canciones y sus bellas melodías. ¿Podrías compartir una lista de sus canciones que para tí son imprescindibles de escuchar para una persona que no le conoce tanto? ¡Algo así como una Setlist! En el libro ocupa una parte muy importante la música. Tenía muy claro que en un libro sobre George Harrison la música tenía que ser una

parte fundamental, y así los dos primeros capítulos están dedicados a su carrera con los Beatles y su carrera en solitario, con comentarios de todas las canciones que compuso George. Elaboré una playlist en Spotify llamada “La luz interior de George Harrison” y que contine casi nueve horas de música, más de 130 canciones: https://open.spotify.com/pla ylist/2Tab9JUj9sJxDioLui7kuA ?si=bebb81d43bba4c0e

Y si tuviera que escoger algunas canciones, destacaría “Long Long Long”, el tema del “White Album” de los Beatles, una canción que a mí me ilumina, me tranquiliza, me eleva y me conecta, no lo puedo explicar de otra forma. “Within You Without You”, del Sgt. Pepper, una canción muy especial para mí porque me gusta mucho la música india y porque es un gran ejemplo de cómo George asumió plenamente esa cultura que fue para él tan importante, sin ningún tipo de instrumentación occidental, una muestra de cómo él se metía hasta el fondo en lo que despertaba su atención; destaco también su valentía y su atrevimiento en incluir este tipo de música en los discos de los Beatles. De su carrera en solitario me gusta mucho “Run of the Mill”, una canción que creo que es una de las preferidas de su mujer, Olivia Arias; es uno de los temas en los que George reflejó sus sentimientos por la ruptura de los Beatles. 59

También me gusta mucho “Blow Away”, la canción que yo llamo “del amor universal”, llena de encanto. Y para finalizar una tal vez poco conocida, “Miss O’Dell”, juguetona y seductora como era George y llena, literalmente, de risas.

El libro tiene una portada increíble. Cuéntanos quién está detrás y cómo llegaste a este gran y talentoso artista.

La portada es obra de Álvaro Ortega, un artista español de enorme relevancia internacional y con un estilo pop claramente reconocible, lleno de colorido y lleno de detalles, además de reflejar en sus trabajos un sentido del humor muy especial y muy similar al de los Beatles y, en concreto, al de George Harrison. Yo conocí el trabajo de Álvaro gracias a otro libro de Sílex Ediciones, “La Guía The Beatles” de José Luis Gilsanz, para el que hizo una portada maravillosa. Mientras

Si pudieras volver al pasado... imagina: ¿A qué tiempo y año irías para conversar con George?

escribía “La luz interior de George Harrison” yo esperaba secretamente que Ramiro, el editor, propusiera a Álvaro para la portada y, cuando esto sucedió, me dio una gran alegría. Álvaro tuvo la portada clara desde el principio, hablamos un par de veces y me la envió enseguida. Me gustó tanto que no hubo que hacer ningún cambio. Se trata de una recreación de una de las fotos de George tomada para el “White Album” y luego la parte inferior está llena de detalles de la vida y la carrera de George, como los cerditos de “Piggies”; el Mini Cooper pintado por el colectivo The Fool; el sitar, que fue tan 60

importante en un momento determinado de su carrera, dejando incluso un poco abandonada la guitarra; la guitarra pintada, Rocky, que representa a todas las queridas guitarras de George, tema del que me ocupo en uno de los capítulos del libro; las plantas, como el entregado jardinero que fue desde que compró la fabulosa propiedad de Friar Park… En fin, todo un precioso recorrido visual a lo largo de la vida y de la música de George Harrison, una portada con la que me siento tremendamente feliz.

Me encantaría viajar a Hamburgo, en 1960, durante el primer viaje de los Beatles y ver allí a ese joven George Harrison de 17 años viviendo con sus tres amigos en el barrio más peligroso de Hamburgo, donde vivieron tantas cosas tan tremendas y donde aprendieron tanto de la vida y de la música, a base de tocar durante horas y horas y horas todos los días de la semana, algo tremendamente importante para su carrera posterior. Además de verles a ellos, me encantaría ver a Klaus Voormann, Astrid Kirchherr y Jürgen Vollmer, sus tres amigos alemanes que tanto tuvieron que ver en su estética, en sus primeras y míticas fotos y posteriormente como amigos de George, especialmente Astrid y Klaus, durante toda su vida.

También me gustaría asomarme a Apple Corps, el mítico edificio de Savile Row, y ver lo que sucedía por allí. O haber podido acompañarles a Rishikesh, su último viaje juntos, su último momento de felicidad como amigos, ajenos al negocio tan enorme que les rodeaba y ajenos a los intereses, simplemente disfrutando de la apasionante experiencia de sumergirse en la espiritualidad india. Poder presenciar la gira por Norteamérica de 1974, una gira que he intentado reivindicar con el libro. Igual que me hubiera gustado estar

en ese concierto por Bangladesh, probablemente el momento cumbre de su carrera en solitario, su momento de más popularidad, un concierto solidario para apoyar a personas que lo estaban pasando realmente mal. Resulta curioso ver cómo George se desembarazó de ese liderazgo que tanto le molestaba y lo compartió entre todos los enormes músicos de los que se rodeó para ese concierto. Eso solo podía hacerlo un ser como George Harrison.

Les invito a leer este increíble libro. Tiene capítulos fascinantes dedicados a cada interés de George, desde su estilo, sus amadas guitarras (increíble capítulo), sus discos y canciones hasta su luz interior y búsqueda por ser un hombre lleno de luz. Y lo logró. Has sido Conchi, una inspiración para mí. El libro está en un lugar muy especial en mi Biblioteca Beatles: Éxito y mucha más escritura… aquí estaremos esperando tus creaciones. Claudette Stern – Chile 61

Entrevista por: Claudette Stern

En diciembre de 2021 alcanzamos al 50 aniversario del álbum debut de Wings, aquel que Paul McCartney junto con Linda McCartney, Denny Laine y Denny Seiwell grabaron en una semana, con intenciones de conseguir un sonido lo más fresco posible. A decir verdad, no hay demasiados covers de las canciones de este “oscuro” álbum en la carrera de Macca, pero podemos encontrar a artistas como Kenny Rogers, Patrick Zabe y The Fevers. Enjoy! Para escuchar la lista en Youtube: https://www.youtube.com/playlist?list=PLLuiPVcTSpdA90_8zfGvJ-HDWu-Ak73iE

Mumbo Twin Freaks (2005) El tema que abre el álbum de Wings Wild Life, “Mumbo”, fue versionado por algunos artistas, pero tomaré uno que 64

llega de primera mano, desde el álbum colaborativo entre Paul McCartney y el DJ Freelance Hellraiser, bajo el nombre de “Twin Freaks”. La colaboración entre los artistas surgió un año atrás, durante la gira “’04 Summer Tour”, cuando el DJ preparó una mezcla de canciones que abriría los conciertos acompañados de imágenes de archivo. El track como así todo álbum es un gran mashup de canciones, por lo que, si bien cada track lleva un nombre, el mismo esta compuesto de

fragmentos de toda la obra de Paul mezclados. https://www.youtube.com/w atch?v=9Qmsw6cUfFc

Como la idea de esta sección es que sean covers posteriores a las ediciones Beatle, tomaremos el sencillo de 1990, que también fue título del álbum de Kenny Rogers, ícono de la música country estadounidense.

Bip Bop

Love Is Strange

Patrick Zabe (1972)

Kenny Rogers (1990)

Muy cerca del lanzamiento de Wings, el cantante francés Patrick Zabe, dueño de muchos éxitos europeos de comienzos de los 70’s, lanzó como sencillo un cover del extraño “Bip Bop”. Fue originalmente el lado B de su sencillo “Un Peu D'Amour, Beaucoup De Haine”, aunque cobró trascendencia y fue incluido en algunos recopilatorios posteriores de éxitos. Tiene también un cover de Obladi Oblada. https://www.youtube.com/w atch?v=jPixVJz0egU

Esta canción originalmente intentada como primer sencillo de Wings era en realidad un cover de un clásico, escrito por Ethel Smith y grabado originalmente por Mickey y Sylvia, además de haber sido grabada por Bo Diddley y Buddy Holly entre muchos otros… hasta llegar en 1972 al álbum debut de Wings.

El sencillo Love Is Strange alcanzó el #23 de las listas Country de su país. Esta versión de Kenny fue a dúo con Dolly Parton, otra leyenda del country. https://youtu.be/4kIc7ARl4HE

Wild Life Flying Horses (2009) Flying Horses es una banda tributo a Paul McCartney & Wings, oriunda de Japón. En 2009 durante un show en Osaka versionaron el tema que da nombre al primer álbum de Wings “Wild Life”, que aquí presentamos. Como banda tributo a Wings tienen muchísimas canciones versionadas desde los clásicos hasta profundos Deep Cuts, incluyendo más temas de Wild Life como “Bip Bop”, “Mumbo” y “Tomorrow”. https://youtu.be/qtsEMnoCxDs

Some People Never Knows We All Together (1972)

I Am Your Singer

La banda de rock melódico peruana We All Together, de mucha popularidad en la primera mitad de los 70’s por su influencia Beatle y de Paul McCartney, lanzó en su álbum debut homónimo y como segundo sencillo este cover, titulado en español como “Algunas Personas Nunca Saben”. Su primer sencillo de aquel trabajo fue “Carry On Till Tomorrow” (Llévalo Hacia El Futuro), cover de Badfinger. Debido a su gran influencia Beatle y más aun de McCartney, cuentan con más covers como “Band On The Run”, y “When I’m Sixty Four” entre otros.

En 2013 la revista Mojo dentro de sus famosos CDs de covers adicionales lanzó uno llamado “Songs In The Key of Paul”, donde diversos artistas homenajearon las canciones de Paul McCartney. Y desde ese álbum llega este cover de “I Am Your Singer”, tema que en Wild Life corre por voz de Linda Eastman, y aquí lo interpretó Kelley Stoltz, cantautor estadounidense.

https://youtu.be/ WmN7gYTsfdg 66

Kelley Stoltz (2013)

https://www.youtube.com/watch? v=MYMjXXdZ3AU

Bip Bop Link Miguel Daguerre (2019) El músico y productor musical chileno Miguel Daguerre realizó un muy buen cover de este cortísimo tema “Bip Bop Link”, una suerte de reprise del tema que abre el disco a la vez que funciona de puente sonoro entre “I Am Your Singer” y “Tomorrow”. Miguel tiene muchos trabajos grabados y compartidos en su Soundcloud y YouTube desde hace más de 13 años, además de haber sido parte de “Solo de Piano” y del tributo Beatle “Get Back Chile”. https://www.youtube.com/w atch?v=AMOp4jcDmsU

Tomorrow

The Fevers (1972)

Minus 5 (2001) Siguiendo con los covers de bandas o artistas de todo el mundo, llegamos a este cover de Tomorrow por la banda brasileña The Fevers, de mucho éxito en su país de origen en los 60’s y 70’s, y que siguió vigente por más de 40 años, y aún sus miembros continúan su legado por separado. El tema fue incluido en su álbum homónimo de 1972 (aunque muchos de sus álbumes están titulados “The Fevers”), cerrando el álbum, bajo el nombre traducido de Sozinho. https://www.youtube.com/w atch?v=aJ_ick9OEuc

Federico B. 67

Dear Friend

La banda de pop rock Minus 5, oriunda de Portland, Estados Unidos (y en la que colabora Peter Buck de R.E.M.), participó en el álbum tributo a Paul “Listen To What The Man Said, Popular Artistas Pay Tribute To The Music Of Paul McCartney”, del que participaron bandas como They Might Be Giants y Semisonic, entre otras. Minus 5 también tiene covers de “Power To The People” y “My Mummy’s Dead”, de John. https://youtu.be/QCBsVGFuY0A Mumbo Link Wings (1972) Ante la falta de otro tipo de cover de esta pequeña pieza instrumental que cierra Wild Life, dejaremos el Rough Mix de Mumbo que aparece en la edición Deluxe de 2018, por Wings. https://youtu.be/V-HhpBFq13w

¿QUÉ HACÍAN LOS BEATLES ANTES DEL INICIO DEL RODAJE DE “LET IT BE”? En éstos últimos meses del año en curso los Beatles han vuelto a ser noticia en el ámbito musical, sobre todo en el período que comprende su etapa antes de su disolución y esto se debe a que el 15 de octubre del 2021 salió a la venta el álbum Let It Be (50th Anniversary), que en su Edición Especial (Super Deluxe) contiene 57 canciones que están divididos en 5CD + 1Blu-ray (con nuevas mezclas en estéreo del álbum hechas por Giles Martin) más un libro de tapa dura de 105 páginas con prólogo de Paul McCartney y que contiene la cronología de las sesiones de la grabación de lo que sería el álbum, más fotos inéditas, un vinilo masterizado de 180 gramos, una nueva mezcla estéreo del Let It Be original con sus 12 pistas, 27 tomas descartadas inéditas de improvisaciones en el estudio de grabación, la mezcla de las 14 pistas remasterizadas del LP inédito Get Back que produjo Glyn Johns, 4 pistas de Let It Be (EP) y mezclas inéditas de "Across The Universe" y "I Me Mine" (Glyn Johns) "Don't Let Me Down" y "Let It Be" (Giles Martin y Sam Okell), además de otras ediciones en Let It Be Edición Especial (Deluxe): 26 pistas, Let It Be Edición Especial (Estándar): 12 pistas, DELUXE [2CD en digipak con un booklet de 40 páginas] y Standard. 70

Y para seguir con la fiebre de Let It Be, el documental “The Beatles: Get back" del director neozelandés Peter Jackson (el mismo del Señor De Los Anillos) ha sido estrenado en tres episodios de más de dos horas de duración los días 25, 26 y 27 de noviembre de 2021 a través de Disney +.

En el presente artículo me centraré con lo que pasó con cada uno de los Beatles entre los meses después de la selección de las canciones del Álbum Blanco por parte de John, Paul y George Martin (16 y 17 de octubre de 1968) y la primera sesión de las grabaciones en los estudios de Twickenham (2 de enero de 1969). Aquí la cronología de lo que hicieron cada uno de los Beatles y ellos como agrupación:

RINGO STARR En lo que respecta a las actividades del baterista de los Beatles, el 14 de octubre de 1968 al no ser requerida su presencia para la mezcla y secuencia final del que sería el “White Album”, Ringo se va de vacaciones con su esposa Maureen a Cerdeña.

El 19 de noviembre Ringo, Maureen y sus hijos se mudaron de su residencia de Sunny Heights, situada en la campiña de Weybridge a su nueva residencia en “Brookfields”, cerca de Elstead. El 17 de diciembre se estrenó en la ciudad de Nueva York la película Candy donde actuó Ringo Starr, quien recibió buenas críticas por su personaje.

JOHN LENNON Luego de la selección del material para el “White Album”, el 18 de octubre John Lennon y Yoko Ono fueron arrestados en el departamento que Ringo Starr les había alquilado y que estaba situado en 34 Montagu Square, en Londres, por la brigada antidroga a cargo del sargento Norman Pilcher, quién encontró 219 granos de resina de cannabis (ver artículo al respecto en la edición N° 91 de Glass Onion) y al día siguiente la pareja se presentó ante el Tribunal de Magistrados de Marylebone, Londres, para conocer los cargos en su contra, pero fueron liberados bajo fianza y el caso se aplazó hasta el 28 de noviembre del mismo año. Cuando la pareja salió de los tribunales fueron fotografiados por la prensa y una de esas tomas fue utilizada por Lennon para la contraportada del álbum “Life With The Lions”.

El 4 de noviembre Yoko Ono fue internada de emergencia en el Queen´s Charlotte Hospital por problemas en su embarazo, pero perdería a su hijo el 21 de ese mismo mes. El 28 de octubre Cynthia Lennon solicitó ante el juzgado una petición de divorcio de John Lennon y el 8 de noviembre el Tribunal de Londres oficializaba el divorcio de John y Cynthia. Cuando John admitió el adulterio se resuelve que Cynthia obtenga la custodia de Julian. El 11 de noviembre de 1968 el sello de los Beatles “Apple Records” publicó en USA el álbum experimental “Unfinished Music No.1: Two Virgins”, donde ambos salen desnudos en la portada y que fue un escándalo internacional. Dos semanas después se editaría en UK con la misma controvertida carátula. El 28 de noviembre se celebró en juicio en el Tribunal de Primera Instancia de Marylebone, donde John se declaró culpable de la acusación de posesión no autorizada de resina de cannabis y les impusieron una multa de 150 libras y pagar 20 guineas por las costas del juicio. Además, fueron declarados inocentes del delito de obstrucción al registro de la vivienda.

A inicios de diciembre John y Yoko empiezan la filmación del documental “Rape” para la televisión austriaca y recién se estrenaría el 31 de marzo de 1969. El 10 de diciembre se puso a la venta la mansión de Kenwood, que era la residencia de John y Cynthia y que se encontraba en George´s Hill en Weybridge, cerca de la campiña inglesa. El 11 de diciembre John Lennon, su hijo Julian y Yoko Ono asistieron a los estudios Wembley para participar en el rodaje del proyecto de los Rolling Stones llamado “Rock and Roll Circus” que fue dirigido por Michael Lindsay Hogg (el mismo de Let It Be). Lennon cantó el tema Yer Blues acompañado por Keith Richards, Eric Clapton y Mitch Mitchell, todo un supergrupo al que John llamó “The Dirty Mac”. El film se encarpetó hasta 1997. Ese mismo día John y Yoko fueron al centro de Londres para participar en el programa “Night Ride” de la BBC Radio para hablar sobre el álbum Two Virgins. El 18 de diciembre en un happening vanguardista navideño llamado Alchemical Wedding llevado a cabo en el Royal Albert, John y Yoko aparecen en escena dentro de un gran saco blanco ante la sorpresa general. El 23 de diciembre se llevó a cabo la primera fiesta navideña en el nuevo local de Apple en Savile Row, donde John y Yoko se disfrazan de Papa y Mama Noel, y entregaron regalos a los niños asistentes y es cuando 73

unos integrantes de los Ángeles del Infierno invitados por un ausente Harrison se presentan a las oficinas y provocaron un incidente al golpear a Alan Smith, un miembro del equipo de prensa de Apple, debido a que pensaba que les estaban mezquinando la cena navideña.

PAUL MCCARTNEY El 25 de octubre el single “Quelli Erano Giorno” y Turn! Turn! Turn! de Mary Hopkin que fue producido por Paul se publicó en Italia como Apple 2. El 31 de octubre Linda Eastman se muda a Londres y se instala en la casa de Paul junto a su hija Heather, a quien inscribe en una escuela privada de la zona. A la prensa les dicen que ella está realizando un reportaje fotográfico, pero al poco tiempo se vuelve oficial la convivencia. Ese mismo día se transmitió el documental sobre música pop llamado “All My Loving” (el título es una composición de Paul) de Tony Palmer para la televisión de la BBC. El 5 de noviembre Paul y Linda se fueron en automóvil a Escocia para vacacionar en la granja de McCartney. El 6 de noviembre ingresa a los charts de Uk la canción

I´m The Urban Spaceman del grupo Bonzo Dog Doo-Dah Band, que fue producida por Paul en el mes de octubre con el pseudónimo de Apollo C. Vermouth y la canción llegó hasta el puesto quinto y recién sería publicado en USA el 18 de diciembre de ese mismo año. El 20 de noviembre el periodista Tony McArthur entrevistó a Paul en su residencia situada en Cavendish Avenue situado en St. John´s Wood para el especial de dos horas llamado “The Beatles” de Radio Luxemburgo. El 22 de noviembre (el mismo día que se publica The White Album) se edita en UK el single Atlantis de Donovan Leitch donde Paul tocó la pandereta y hace los coros y el tema llegó hasta el puesto 23 de los charts y mejor suerte tuvo en USA donde fue publicado al año siguente y llegó hasta el puesto séptimo de los charts el 5 de abril de 1969. El 30 de noviembre la publicación New Musical Express informó que el single de los Beatles Hey Jude, compuesta por Paul, se acercaba a los seis millones de ejemplares vendidos.

informal les había invitado a través de una postal a su residencia en ese lugar. Al día siguiente llegó al aeropuerto de Faro en un jet privado que había alquilado y por el tumulto que ocasionó tuvo que brindar una improvisada conferencia de prensa. El 1 de diciembre de 1969 Paul, Linda y Heather regresaron a UK luego de pasar sus vacaciones en Portugal.

El 6 de diciembre el álbum homónimo del cantautor estadounidense James Taylor es publicado en UK bajo el sello Apple y Paul tocó el bajo en la canción “Carolina On My Mind”. El 7 de diciembre un corresponsal en USA de la publicación Disc and Music Echo dio la noticia que Paul había estado saliendo con la fotógrafa neoyorquina Linda Eastman, madre de una niña. El 11 de diciembre Paul, Linda y su hija Heather tomaron un vuelo a Praia de Luz en el Algarve de Portugal para encontrarse con el periodista Hunter Davies (quien fue el autor de la primera biografía oficial de los Beatles hasta mediados de 1968) debido a que de manera 75

GEORGE HARRISON El 16 de octubre George tomó un vuelo rumbo a Los Ángeles para seguir con la producción del álbum de su paisano de Liverpool, el músico Jackie Lomax que saldría en el sello Apple, por lo que no participó en la selección de temas y mezcla final de lo que sería el “White Album”. El 1 de noviembre se publicó en UK su álbum Wonderwall Music (Original Soundtrack Album), que era instrumental, además de ser compuesto y producido por el mismo George y que tiene el mérito de haber sido el primer álbum solista publicado por un Beatle (sin contar The Family Way de Paul, 1966 que contaba con la participación de George Martin) y recién el 2 de diciembre se publicó en USA.

En el mes de noviembre, George Harrison pasó cerca de siete semanas en Los Ángeles produciendo el álbum de Jackie Lomax llamado Is This What You Want? en los estudios Sound Recorders y entre los músicos de sesión que participaron en el álbum se encontraban el baterista Hal Blaine, el tecladista Larry Knechtel y el bajista Joe Osborn. El 9 de noviembre George y su compañía editora Harrisongs, toman la decisión de no renovar su contrato de edición musical con Northern Songs Ltd. El 15 de noviembre George realizó una inesperada y corta aparición en un sketch del programa “The Smothers Brothers Comedy Hour” de los hermanos Smothers, con presencia de público, y que fue transmitida 2 días más tarde. El 4 de diciembre George envió una nota al personal de Apple señalando que había invitado a un grupo de los Hells Angels (Ángeles del Infierno) de California para que se alojaran en el mismo local del 3 de Savile Row en Londres. Indicó además que estarían en Londres la siguente semana, que eran cerca de 12 personas, pero eran muy formales y de buen comportamiento y que les prestaran toda la ayuda posible (hay que indicar que solo llegaron 2 de éstos personajes y que fueron los que causaron los incidentes navideños del 23 de diciembre).

Y durante los meses de noviembre y diciembre George y su esposa visitaron a Bob Dylan que estaba en Nashville grabando su ya clásico álbum “Nashville Skyline”. George luego pasó dos semanas en la casa Dylan en Woodstock y celebró el Día de Acción de Gracias con su familia, asistió también a uno de los conciertos de despedida del grupo Cream y recibió un disco de oro en las instalaciones del sello Capitol, USA, en nombre de los Beatles por las millonarias ventas del single “Hey Jude”.

LOS BEATLES En cuanto a los Beatles como conjunto, el 29 de octubre el ingeniero de sonido de la EMI, Geoff Emerick, realizó la primera mezcla en estéreo de la canción “All You Need Is Love”, que sólo había salido antes en mono y además se mezclan también en Stereo las canciones Hey Bulldog, All Together Now y Only A Northern Song, que al final formaron parte de la banda sonora de la película animada “Yellow Submarine”.

En el mismo mes de noviembre se edita en Italia el álbum “Una sensazionale intervista die Beatles & Tre dischi Apple” que tiene una duración de un poco más de siete minutos dividido en dos partes, también producido por Kenny Everett, que incluye rarezas como micro entrevistas, chistes, imitaciones, improvisaciones y extractos de canciones. Luego se publicaría en UK como “A Sensational Interview With The Beatles”.

En el mes de noviembre es grabado el sexto disco navideño de los Beatles, pero fue la primera vez que lo realizan en forma separada (los cuatro estaban en diferentes locaciones) bajo la producción de Kenny Everett y su título fue The Beatles Sixth Christmas Record – Christmas 1968.

El 6 de noviembre el single “With A Little Help From My Friends” (compuesto por Lennon y McCartney) interpretado por Joe Cocker llega al número 1 de los charts de UK. El 15 de noviembre se publica el single Maybe Tomorrow de The Iveys bajo el sello Apple. El 22 de noviembre se publica el álbum doble The Beatles, más conocido como el Álbum Blanco por su ya célebre portada realizada por el artista Richard Hamilton. El disco sería número 1 (desde el 7 de diciembre) durante nueve semanas y 24 en los charts de UK, el 25 de noviembre sería publicado recién en USA. El 24 el grupo Grapefruit, que había sido la primera agrupación que había fichado por Apple, decidieron abandonar el sello sin grabar ningún disco y su manager Terry Doran manifestó que tomaron la decisión debido a que no confiaban en el desempeño de la compañía. El 4 de diciembre entra a los charts de UK el single OB-LADI -OB-LA-DA (tema compuesto por Paul McCartney) de Marmalade que sería #1 el 4 de enero de 1969. El 6 de diciembre la RIAA, a menos de dos semanas de su publicación, certifica como Disco de Oro al álbum “The Beatles”. El 20 de diciembre se distribuyó al club de fans el flexi disc navideño de los Beatles. El 23 de diciembre se llevó a cabo la primera fiesta navideña en el nuevo local de Apple en Savile Row.

COROLARIO Como señalaron los mismos Beatles en el documental “Anthology”, fue Paul McCartney quien tuvo la idea del proyecto que en un inicio se iba a llamar “Get Back” (mientras ellos estaban vacacionando en emprendimientos personales él lo planificó) y que iba a consistir en un programa para la televisión de una hora de duración que iba a consistir en realizar un concierto en vivo con nuevas canciones y con público presente bajo la dirección del director Michael Lindsay Hogg que había realizado varios videos promocionales de los Beatles. También McCartney había decidido que participarían en el proyecto tanto el productor George Martin como el ingeniero de sonido Glyn Johns, que serían los encargados de supervisar el sonido de los ensayos para el concierto final y además contrató a Ethan A. Russell para que realizara las fotografías exclusivas de los Beatles durante los ensayos. Así, un jueves 2 de enero de 1969 a las 9 y 30 de la mañana en los fríos estudios de grabación Twickenham en el centro de Londres se iniciaron los ensayos y el rodaje del proyecto “Get Back”. Contaron con la ayuda técnica de los asistentes personales de los Beatles Mal Evans y Kevin Harrington, que se ocuparon de llevar al set el equipo de los Fab Four, pero con el paso de los días el proyecto al final se

estancó. Fue un mes difícil, donde McCartney se mostró impositivo y dominante con un malhumorado Harrison que se sentía menospreciado tanto como compositor y músico, mientas que John Lennon estaba enchufado con la heroína y además no se separaba para nada de Yoko Ono, y un aburrido Ringo Starr fue también fue presa del desplante de sus compañeros. Pero pese a todo ensayaron ese día varios temas: como “Don´t Let Me Down” y “Everybody Had A Hard Year” luego llamada “I’ve Got A Feeling” e iniciaron los esbozos de “Two Of Us” y la canción de George “All Things Must Pass”, el tema de John “Child Of Nature” que luego sería Jealous Guy, “Revolution”, “I Shall Be Released” y “The Mighty Quinn” de Dylan y viejos Rock and Rolls de Chuck Berry y Buddy Holly. Los demás días no serían muy creativos, sobre todo los primeros diez días en Twickenham, que tuvo su punto de quiebre con la renuncia de Harrison. Luego, el 15 de enero, se mudan de locación y se trasladan al sótano de las oficinas de Apple en Savile Row, llega Billy Preston de la mano de un reincorporado George para bajar la tensión y se ponen más creativos con un apoteósico final en un concierto en la azotea.

Victor Carrillo Gonzales

El 12 de febrero de 1964 los Beatles actuaron por primera vez en el Carnegie Hall de Nueva York en dos funciones una a las 19:45 y otra a las 23:15. Venían de tocar en Washington el día anterior, llegando a Nueva York, un taxi los llevo al Hotel Plaza.

Las entradas para los dos conciertos salieron a la venta el 27 de enero agotándose el día siguiente. Era tanta la demanda que se colocaron asientos en el escenario (atrás y al lado izquierdo y derecho) A las afueras del recinto el día del concierto se aglomeraron fans y también Anti-Beatles que exigían que regresarán a los barrios pobres de Inglaterra.

A las 6:00 de la tarde los Beatles salieron del Hotel Plaza hacia el Carnegie Hall. Después de afeitarse, bañarse y cambiarse de ropa, los Beatles tuvieron que salir por la cocina para escapar de los fans. A cada una de las presentaciones asistieron aproximadamente 2900 fans. La primera presentación se retrasó 45 minutos y duró aproximadamente 34 minutos, la segunda presentación se programó a las 8:30 de la noche y se retrasó hasta las 11:15 de la noche. John dira tiempo después: “Carnegie Hall fue terrible! La acústica era terrible y tenían a toda esta gente sentada en el escenario con nosotros y todo era tan a lo niños de Rockefeller en el backstage y todo se salió de control. No fue un show de rock, fue una especie de circo donde nosotros estábamos en jaulas. Éramos tocados y nos hablaban y nos conocían y nos conversaban, tras y sobre el escenario. Éramos como unos animales “.

Detrás de escena les otorgaron un disco de oro de parte de Swan Records gracias a las ventas de un millón de copias de “She Loves You. George Martin los acompañó porque era su intención grabar la presentación, tenía el

permiso de Capitol, pero al final no se lo permitió la Asociación Nacional de Músicos.

Rubén Alexander Muñoz Gutiérrez

James Louis McCartney nació en Londres, Inglaterra, el 12 de septiembre de 1977. Fue nombrado combinando los nombres de su abuelo paterno, Jim McCartney y su padre (cuyo nombre completo es James Paul McCartney), y Louise por la madre de su madre, Linda, heredera de Louis Eastman Linder. Pasó los primeros dos años y medio de su vida viajando junto con sus hermanas mayores (su media hermana Heather, hija de Linda de una relación anterior, adoptada formalmente por Paul, y sus hermanas Mary y Stella) y sus padres en las giras de Wings. En 1980, el matrimonio McCartney relegó las giras para establecerse con sus hijos, que asistieron a la secundaria pública del estado, el Thomas Peacocke Community College en Rye, East Sussex. En 1989 James, junto con Mary y Stella, de nuevo se unió a sus padres en su gira mundial continuando su educación con un tutor en el camino. 86

En 1998, año del fallecimiento de su madre Linda, se graduó en el Bexhill College, cerca de su casa de East Sussex, donde prosiguió sus estudios de arte. Después de la muerte de Linda, se peleó fuertemente con su padre debido a no aceptar a su nueva madrastra, Heather Mills, y tuvo serios problemas con el alcohol y las drogas, llegando incluso a consumir ketamina, lo que le llevó a cortar lazos con sus hermanas también. Según él: “Cuando tenía 20 años, mi madre murió y me descarrilé un poco. Tuve mi período un poco oscuro. Me metí mucho en Nirvana, un poco de Marilyn Manson, estas bandas pesadas. También estaba un poco perdido y estaba bebiendo y consumiendo un poco de drogas. Fue un momento difícil. Papá estaba casado con Heather y no nos llevábamos bien. No tengo ningún problema con Heather ahora porque es

la madre de Beatrice, pero en ese momento fue difícil. Realmente no me agradaba. Tenía mis propios problemas". Durante sus días oscuros, James vivía en Brighton, y trabajaba de mozo en un pub. Con respecto a su problema con las drogas decía: “No es tan importante ... pero lo es al mismo tiempo. Fue mi error. No fue un problema, creo que fue solo una vez, no fue tan malo. Toda la familia estaba preocupada por mí, pero llegó un punto en el que dejaron que me arreglara por mi cuenta”.

James fue a rehabilitación en Arizona pero se fue poco después. James admite: “Pasé mucho tiempo sin ver a papá. Hablábamos por teléfono, pero pasamos mucho tiempo sin vernos. Fue triste para los dos". En 1999 hizo una aparición pública en un desfile de modas organizado por su hermana Stella, siendo el primer contacto con la prensa, luego de años de cultivar el bajo perfil. Inicialmente incursionó en la música de la mano de su padre. En “Flaming Pie” (1997)

toca la guitarra eléctrica en la canción “Heaven on a Sunday”; se trenza en un diálogo de guitarras con Paul, James con fraseos estilo David Gilmour y Macca con acústica. Sobre ese tema Paul decía: “James se está volviendo realmente bueno en la guitarra. Pensé que sería bueno tocar con él, así que intercambiamos frases de guitarra en el tema. Yo toqué la acústica y lo dejé tocar la parte eléctrica. Fue hermoso hacerlo”. En realidad esa no fue su primera incursión en las grabaciones de su padre ya que se lo puede escuchar a James hablando al comienzo de “Talk more Talk” de “Press to Play” (1986). En “Driving Rain” (2001) coescribió las canciones “Spinning on An Axis” y “Back In The Sunshine Again” con su padre, y tocó percusión en la primera y la guitarra en la segunda. Sobre la composición Paul diría “El sol se estaba poniendo y estábamos hablando con James sobre que el sol en realidad no se va, sino nosotros damos la vuelta y nos alejamos de él. Teníamos un tecladito y James tocaba un riff en él mientras yo rapeaba encima, medio en broma. De ahí salió la canción”. En “Back in the Sunshine AGain”, James compuso el riff principal y el puente. También tocó la guitarra en el tema “The Light Comes from Within” grabado el 18 de marzo de 1998, y editado en octubre del mismo año en el álbum póstumo de Linda “Wide Prairie” (también editado como simple en enero de 1999) 88

En 2005, fue visto acompañando a su padre durante su gira por América. Sus primeros pasos en vivo los hizo bajo el nombre de Light (Luz) con un puñado de presentaciones en Inglaterra, sobre lo que James declaraba: “No fue un intento de ocultar mi identidad, me inclinaba más bien a tener un nombre para una banda que fuera a la vez un nombre rocanrolero y espiritual. ‘¡Aquí está Light!’ Si algún día llegara a tocar en el estadio de Wembley, eso es lo que tenía en mente. Supongo que la “luz” es un tema común a través de la religión y la espiritualidad. Los hindúes adoran a la luz y es algo visto como espiritual y divino”. James McCartney hizo su debut en vivo actuando bajo su propio nombre en los EE.UU. el 14 de noviembre 2009 en el Fairfield Arte & Convention Center, durante el David Lynch Festival de Paz Mundial y Meditación en Iowa, USA, compartiendo cartel con Donovan y Laura Dawn.

En una nota a medios de la ciudad decía “He estado tocando y escribiendo música desde que tenía nueve años. Conocí a mi banda hace aproximadamente un año. El productor David Kahne nos presentó y actualmente estoy grabando un álbum. La banda está formada por mí, de 32 años, a la guitarra, piano y voz; Brian Johnson, de 28 años, a la batería; Steven Bayley, 32, guitarra, teclados y armonías; y Charles Turner, 27, en bajo y armonías. La

música está inspirada en los Beatles, Nirvana, The Cure, PJ Harvey, Radiohead y toda la buena música. Es básicamente rock 'n' roll, de sonido limpio y vocal. Mi papá me enseñó a tocar la guitarra cuando tenía nueve años. Toco una Fender Stratocaster, que Carl Perkins me regaló en los años setenta, y una Gibson Les Paul roja que me regaló mi papá. Brian y Charlie solían estar en los Dead 60 y Steve solía estar en The Open” En 2010 lanzó su primer EP como intérprete y compositor solista. “Available Light” incluye cuatro canciones originales compuestas por James así como un cover del clásico de Neil Young “Old Man”. Es el resultado de un trabajo intermitente en el estudio durante más de dos años. Tocó la mayoría de los instrumentos, incluidos el bajo, la guitarra, mandolina y piano, además de cantar. El EP fue producido por David Kahne (productor de 90

Bangles, Fishbone, The Outfield, The B´52s, Tonny Bennet y el mismo Paul) y Paul McCartney. Se grabó en Hog Hill Mill Studios en Sussex, Abbey Road Studios en Londres y SeeSquared Studios y Avatar Studios en Nueva York. Hubo dos fases principales para las grabaciones. Inicialmente, las grabaciones se hicieron con James tocando la mayoría de los instrumentos, con Shawn Pelton en la batería y Steven Isserlis en el violonchelo. James armó una banda a mitad de esas sesiones, que incluía a dos miembros de The Dead 60s — Charlie Turner al bajo y Bryan Johnson a la batería— y Steve Bayley a la guitarra y los teclados (ver más arriba) Después de muchos ensayos y un par de giras por el Reino Unido, la banda fue a Abbey Road para volver a grabar algunas de las pistas, junto con varias canciones que no habían sido grabadas previamente. Los temas tienen un sonido power pop crudo, con preponderancia de las guitarras. La voz de James suena débil, con aparente falta de confianza.

Sobre el EP James declaró que “Las letras se refieren a la espiritualidad, el amor, la familia, tratar de arreglar la propia vida y muchas otras cosas. He escrito las canciones durante un período de diez años". Sobre el papel de Paul, James dijo “Su papel como coproductor fue simplemente dirigirme y aportar algunas ideas sobre los instrumentos que deberíamos usar, o estimularme a cantar un poco mejor o hacer otra toma. También el arreglo o estructura del tema y las mezclas, todo el proceso”. Con respecto al tema “Angel”: “me inspiré estando sentado en lo alto de las escaleras de mi casa en el norte de Londres tratando de escribir sobre cuándo conoceré por primera vez a mi verdadero amor". El productor David Kahne decía: “No diría que James busca un sonido y una sensación en particular. No es como un ‘Esto es lo que quiero’. Él es un músico talentoso que puede tocar el bajo y la guitarra con la mano derecha

y con la mano izquierda; puede tocar el bajo de su papá con cualquier mano. Y tiene un rango vocal impresionante, al menos tres octavas y media. Toca la guitarra muy bien y sin esfuerzo, con mucha seguridad, ya que sus manos son tan seguras, y su manera de tocar el piano es elegante y fuerte. Él escribe la canción, siente algo cuando escribe y, cuando la toca, lo hace de la forma en que lo sintió. Entonces, en la producción, el punto era asegurarse de que estuviera lo más desarrollado posible, sin aplastar o pisar el sentido original y la sensación de lo que había tocado. Es muy fácil en el estudio pasar por alto las intenciones originales”. James presentó su primer EP en su primer tour por el Reino Unido en febrero y marzo de 2010. Iniciándose en Liverpool y finalizando en Cardiff.

mostrara una progresión, y en un sentido profundo, tanto espiritual como musical". El EP está compuesto por 6 temas todos de su autoría y realmente mostrando una mejora con respecto a su trabajo anterior, desplegando melodías más fuertes. Es más contemplativo, como en "Jesus Be My Friend", más acústico, con un aire de tristeza en "Wings of a Lightest Weight", inspirada en su madre, Linda. Completan el EP "Else and Else But Dead" tiene un tema moderno con un impresionante trabajo de James en la guitarra; la balada "Fallen Angel", "I Only Want to Be Alone”, y "The Sound of My Voice".

Luego de la gira, James editó un nuevo EP: “Close at Hand”, en agosto de 2011. Nuevamente con la producción de David Kahne y Paul. Sobre el mismo, McCartney hijo dijo: "hay solo una cosa que hacer con las altas expectativas, y es alcanzarlas. Quería que lo que siguiera “Available Light” fuera algo que 92

Más tarde los dos EP se combinaron y editaron como “The Complete EP Collection” en 2011. Dos años después, en junio de 2013, James McCartney lanzó su primer larga duración: “Me”. Una obra madura de 12 temas, todos compuestos por James, cargada de baladas y pop elegante reflexivo con algunas pinceladas de psicodelia y folk. Fue grabado en los estudios Abbey Road, Hog Mill, Select, Avatar y Nevo, y fue producido y mezclado, otra vez, por David Kahne con ayuda de Paul. James McCartney dijo sobre el álbum: "Se trata de tener tanta emoción como sea posible para mí, musical y líricamente. Catártico, sincero y verdadero”. El hijo de Paul toca piano, bajo, guitarra y batería, y además participan músicos hasta el momento desconocidos como Tobias Humble en batería, Oliver McKiernan en bajo, Hugh Longcroft Neal en guitarra y teclados, Jay Ledger en guitarra, con el aporte de Shawn Pelton (baterista que había

ya grabado con artistas de la talla de Hall and Oates, Bruce Springsteen y David Byrne) y de papá Paul en guitarra y coros en “Thinking About Rock & Roll”. Con respecto al disco, James decía que para él “es puro rock and roll, aunque suene a cliché. Es como una evolución de mis discos anterior. Si tenemos en cuenta ‘pop’ como sinónimo de música popular, no diría que mi música es demasiado popular, así que prefiero llamarla más bien rock and roll”.

Lo presentó en Inglaterra y giró por primera vez en Estados Unidos, donde tuvo una aparición en el show de David Letterman. El 8 de noviembre de 2014 se presentó en el Personal Fest en GEBA San Martin, compartiendo cartel con Arctic Monkeys, The Hives y Echo & the Bunnymen. La crítica del diario “Página 12” fue lapidaria: “James McCartney, hijo de Paul, a diferencia del resto de los vástagos beatle, dejó entrever que la música no es lo suyo. Si bien apenas tiene un álbum solista, Me (2013), el cantautor de 37 años dio señales claras de que no coincide con

la veta pop de su padre (del que no hizo ningún cover) al ofrecer una propuesta rockera, bien noventosa, que se diluyó entre alaridos discordantes. Imposible de creer..” En noviembre de 2014 fue editado “The Art of McCartney”, un álbum tributo a Paul con

versiones de sus temas por músicos como Billy Joel, Kiss y otros, publicado por la compañía discográfica Arctic Poppy. En el mismo, James participa junto a The Cure en la versión de «Hello, Goodbye» en teclados y coros. Un segundo álbum, “The Blackberry Train”, apareció en 2016. Para este nuevo trabajo discográfico, James contó con el productor de “In Utero” Steve Albini (productor además de Cheap Trick y The Pixies) en un intento de replicar el rock pesado de tres acordes de sus héroes Nirvana. La voz de James suena más potente y aguda que en discos anteriores. Albini les da espacio y peso a las canciones de James, incorporando en ellas un sonido más sucio y roquero. El último tercio del disco es un poco más delicado, pero en general, la pesadez y fuerza del álbum contrasta muy bien con la voz de James y lo convierte en un satisfactorio disco pop de guitarras. En este disco no hay rastros de papá Paul. Además de

la producción de Steve Albini, contó con los arreglos de Youth (Martin Glover - productor musical y miembro fundador del grupo musical Killing Joke y también miembro de The Fireman junto a Paul McCartney). Otros músicos que participaron son Stephen Howard en bajo, Jay Sharrock en batería, Jeff Wootton en guitarra. James tocó guitarra, bajo y teclados además de las voces, y como invitado especial, Dhani Harrison tocó la guitarra en el tema “Too Hard” James diría sobre el álbum: “Trabajar con Steve (Albini) fue brillante, una gran experiencia. Todo ha sido una evolución. Este conjunto de canciones definitivamente tiene una veta más dura, pero es una continuación del último álbum. Lo principal para mí es no conformarme ni comprometerme. La música que aparece en ese álbum está cerca de la

música con la que crecí. Me formó como persona y como artista. Tengo una gran afinidad por la música rock, así que, aunque fue una elección consciente y creativa para el álbum, creo que será una evolución más permanente. Es probable que el estilo se impregne en mis futuros lanzamientos".

Durante 2017 se embarcó en la gira Marshmallow Maiden Tour por Inglaterra y Estados Unidos, luego de la cual no tuvo más apariciones públicas. EL rumor de formar una banda con los otros hijos de los Beatles (Sean, Dhani y Zak) sigue circulando. El tiempo dirá qué lugar tiene reservado James dentro de la música. Si podrá deshacerse del peso de su apellido y tener fuerza y entidad propia o sólo habrá sido un hijo de padres famosos con posibilidad de acceder a juguetes caros

Martín Hojman

FUENTES: “The Driving Rain Interview”. www.paulmccartney.com – nov2001 “James McCartney & Light at David Lynch Weekend in Fairfield” – The Iowa Source – Nov2009 “Paul McCartney's son hits the road” – The Independent, Glasgow – Feb2010 “James McCartney Realeasing Available Light: 5 questions for David Kahne, coproducer and mixer – Septiembre2010 https://sonicscoop.com/2010/09/19/james-mccartneyreleasing-available-light-5-questions-for-david-kanhe-coproducer-mixer/ “James McCartney tras los pasos de Paul” – BBC News – Abril2012 – https://www.bbc.com/mundo/noticias/2012/04/120403_james _mccartney_cavern_jgc “Review of James McCartney's complete EP collection” - Gillian Gaar – Nov2012 – Goldmine – The Music Collector´s Magazine “Paul McCartney's son James on drugs, his love for mum Linda and how he healed the rift with his father”- Dailyrecord.co.uk Jun 2013 “James McCartney talks about his new album ‘The Blackberry Train’ and the therapeutic relief music gives him” - Jun 2014, 2016 by Chelsea Pfeiffer – Little Village, Iowa City “James McCartney: Casting his Own Shadow” BY Cate Reynolds Marzo 2017 Whats Up? Media https://whatsupmag.com/culture/james-mccartney-castingshadow/

El coleccionismo Beatle no tiene límites, los fanáticos desde siempre hemos amado los artículos raros y escasos con temática de nuestra banda favorita de toda la vida, aquellos que despiertan esa alegría y a la vez ganas de obtener estas joyas que se esconden a lo largo del mundo. Conseguir esa edición u objeto en buenas condiciones no tiene precio, más que la satisfacción de tener aquello que tanto buscamos, desde cartas, pasando por discos en mono de la época, hasta los nunca pasado de moda coches Hot Wheels, que han generado olas de personas en busca de los modelos más escasos o completar una serie limitada de ejemplares. Por

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esto, en los años 2017 y 2019, la reconocida marca de autos de juguete en colaboración con The Beatles, lanzaron al mercado una serie de modelos de autos con temática de los álbumes del cuarteto de Liverpool, siendo 5 modelos por cada edición, desde A hard day’s night en un “Dairy Delivery” hasta Abbey Road en un “Volkswagen T1 Panel Bus” entre otros, siendo un deleite para aquellos fans que les encanta coleccionarlos todos. Por ello, les presento la segunda parte de “Colección mágica y misteriosa”, en donde hablaremos estas dos series de modelos de Hot Wheels que rompieron el mercado del coleccionismo Beatle.

En esta primera edición del 2017, podemos encontrar 5 modelos de autos, con diferentes álbumes de los “Fab Four”, entre ellos tenemos A hard day’s night de 1964, Rubber Soul de 1965, Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band de 1967, Magical Mystery Tour también de 1967 y The Beatles (Álbum Blanco) de 1968.

Marca: Mattel || Modelo de coche: Dairy Delivery Álbum: A Hard Day’s Night Estado: Excel. || Precio: $25.5

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Marca: Mattel || Modelo de coche: Ford Transit Supervan Álbum: Rubber Soul Estado: Excelente || Precio: $27.5

Marca: Mattel || Modelo de coche: “67 Austin Mini Van Álbum: Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band Estado: Excelente || Precio: $30.5

Marca: Mattel || Modelo de coche: Hiway Hauler Álbum: The Beatles (Album Blanco) Estado: Excelente || Precio: $28.5

Y como no podía faltar, la colección de estos 5 autos completa para aquellos que esto de rebuscar debajo de cada piedra en busca de una joya a buen precio y prefieren pagar por todo junto, este pack Hot Wheels Beatle está entre los $110 y $150 por adquirir esta edición.

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En la segunda edición que Hot Wheels lanzaron al mercado en 2019, nos mostraron 5 álbumes diferentes entre los que tenemos: WIth The Beatles de 1963, Help! de 1965, Revolver de 1966, la banda sonora de Yellow Submarine y Abbey Road de 1969

Marca: Mattel || Modelo de coche: Quick D-Livert Álbum: With The Beatles Estado: Excelente || Precio: $24

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Marca: Mattel || Modelo de coche: Custom GMC Panel Van Álbum: Help! Estado: Excelente || Precio: $29

Marca: Mattel || Modelo de coche: Combat Medic Álbum: Revolver Estado: Excelente || Precio: $30.5

Marca: Mattel || Modelo de coche: Deco Delivery Álbum: Yellow Submarine Estado: Excelente || Precio: $27

Claramente la segunda edición tendría su pack completa a la venta para no tenernos rebuscando y rebuscando los alrededores de los lugares de coleccionismo. Esta segunda edición completa la tenemos entre los $200 y $250 por toda edición junta.

Marca: Mattel || Modelo: Volkswagen T1 Panel Bus Álbum: Abbey Road || Estado: Excelente || Precio: $32.5

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Pero no podían dejar la oportunidad de hacer al famoso e icónico submarino amarrillo como un auto coleccionable, por ello, hicieron especialmente una edición del Yellow Submarine en un precio que oscila entre los $200 y $300 dependiendo del estado de este último, aunque vale la pena la inversión por esta pequeña joya.

Gianfranco Bustamante 105

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Elvis Presley 108

Helen Shapiro Walking Back To Happiness 19/10/1961 – 08/11/1961 / [Columbia]

La prodigiosa voz de la jovencísima Helen Shapiro vuelve a alcanzar el #1, durante la segunda quincena de octubre de 1961 y las dos primeras semanas de noviembre. A partir de allí comenzó su camino de retirada, hasta llegar a febrero de 1962. Fue escrita por John Schroeder y Mike Hawker, dupla responsable de otros grandes éxitos de Shapiro. Su lado B fue “Kiss ‘N’ Run”. Hay dos cosas interesantes a mencionar sobre este sencillo: es el segundo #1 de Helen, y a su vez el último de su carrera, aunque todavía queda algún éxito más por venir. La segunda es que es la única aparición de Helen en el Billboard Hot #100 norteamericano, con un modesto #100.

Elvis Presley (Marie's the Name) His Latest Flame / Little Sister 09/11/1961 – 06/12/1961 / [RCA]

El gran éxito de noviembre de 1961 fue nuevamente traído por Elvis “El Rey” Presley. His Latest Flame fue escrito por Doc Pomus y Mort Shuman, y grabado muy poco antes de la versión de Elvis por Del Shannon, para su álbum debut “Runaway With Del Shannon”. En El Reino Unido cuando se publicó llegó rápidamente al #1, al igual que en Canadá, no así en Estados Unidos, donde alcanzó al #4 y rápidamente bajó de las listas. Por otro lado, no nos olvidemos que fue un Doble A-Side, y del otro lado estaba Little Sister, que también llegó al #1. Un dato curioso sobre este último track es que Elvis grabó en 1970 el Rockumental Elvis: “That's The Way It Is”, y allí incluyó un medley con Little Sister y Get Back, de The Beatles. Ya hacia el mes de diciembre, la canción arrancó en el #1 y fue cayendo lentamente hasta el puesto #13, algo típico de las canciones de Elvis.

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Cliff Richard When The Girl In Your Arms Is The Girl In Your Heart 02/11/1961 – 15/11/1961 / [Columbia] Este tema de título larguísimo estuvo casi todo noviembre de 1961 entre el#3 y el #4. Fue escrito por la dupla Sid Tepper y Roy Bennett, quienes contribuyeron con varios de los éxitos de Cliff. Fue un #1 o Top #3 en muchos países del mundo, pero curiosamente no fue publicado en Estados Unidos, donde un cover de la canción por Connie Francis fue un gran éxito. Cliff aún nunca había logrado entrar al esquivo mercado norteamericano y el dejar pasar esta oportunidad provocó su enojo, y decidió cambiar en EEUU de EMI a BigTop.

John Leyton Wild Wind 26/10/1961 – 09/11/1961 / [Top Rank] El segundo sencillo de la carrera musical del actor y cantante John Leyton siguió en línea con el primero. Su primer sencillo “Johnny Remember Me” fue #1 durante cuatro semanas no consecutivas entre septiembre y octubre de 1961. Mientras éste aún se encontraba bajando en las listas, Leyton se alzó con un #2 furioso con “Wild Wind”, #2 en las dos primeras semanas de noviembre para luego bajar rápidamente hasta salir completamente a comienzos de diciembre. Corta estadía, pero un buen puesto. Ambas canciones fueron escritas por Geoff Goddard. Fue el último Top #10 de Leyton, quien con su tercer sencillo (también en 1961) alcanzó el #15 (“Son This Is She”) y en 1962 alcanzó un #14 con “Lonely City”. Continuó publicando sencillos hasta 1964.

Jimmy Dean Big Bad John 23/11/1961 – 30/11/1961 / [Philips]

Escrita y grabada originalmente por Jimmy Dean en 1961. Fue lanzada originalmente en septiembre de 1961 en Estados Unidos, y llegó al #1 de Billboard. En el Reino Unido escaló al #2, aunque también giró por las posiciones #3 y #4 varias semanas. Además, vale decir que esta canción le valió a Dean un Grammy a la mejor canción Country de 1961. La canción cuenta la historia de Big John, un minero que un día queda atrapado en una mina junto a sus compañeros, pero luego de lograr que todos los demás escapen, y traten de salvarlo a él, la mina se derrumba y muere…. O eso se creía ya que a “Big Bad John” le siguieron tres secuelas, todas escritas por Dean y lanzadas los meses siguientes. La primera “My Big John” fue lanzada en octubre de 1961 y desde el punto de vista de la esposa que lo va a buscar a la mina y se entera que murió. Fue cantada por Dottie West. En la siguiente “The Cajun Queen” se relatan los esfuerzos de ella por salvarlo ¡y lo logra!, y viven felices por siempre llegando a tener 110 nietos. Por último, en junio de 1962 se publicó “Little Bitty Big John” donde uno de sus hijos descubre los actos heroicos de Big John. Volviendo a Jimmy tuvo una carrera muy prolífica en los 60’s y 70’s, logrando múltiples ingresos al Billboard #100. Pero del lado británico, solo ingresó una vez más, en 1962, con “Little Black Book” (#33).

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Frankie Vaughan Tower Of Strenght 07/12/1961 – 27/12/1961 / [Philips]

Si hubo un hit que marcó el mes de diciembre de 1961, ese fue Tower Of Strenght, por Frankie Vaughan, el prolífico cantor y actor oriundo de Liverpool. Una rápida cuenta nos da que Tower Of Strenght fue el sencillo 45º de la carrera de Vaughan en el Reino Unido, que comenzó en 1950 con “The Old Piano Roll Blues”, teniendo en cuenta que en 1952 comenzaron los charts, en 1954 entraría por primera vez con “Istanbul (Not Constantinople)”. Luego de varios sencillos, el sexto en rankear fue su primer #1 “The Garden Of Eden” en 1957. Y su segundo #1 (el 21º en ingresar a las listas) es este cover de “Tower Of Strenght”, escrito por el legendario Burt Bacharach (Autor de clásicos como “I Say A Little Prayer” de Aretha Franklin y “Arthur's Theme (Best That You Can Do)” de Christopher Cross, entre un larguísimo etcétera) y Bob Hilliard y originalmente interpretado por Gene McDaniels, en 1961. Tan solo dos meses después llegaría el cover de Vaughan y rápidamente alcanzaría el #1. Si bien continuó ingresando a los charts en múltiples oportunidades en la década del 60, fue su último #1 e incluso su último Top #3.

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Danny Williams Moon River 27/12/1961 – 31/12/1961… / [HMV]

Danny fue un cantante pop inglés, nacido en Sudáfrica. Este cover de Moon River fue su tercer sencillo. Luego de haber ingresado a comienzos de noviembre, fue subiendo lentamente hasta alcanzar el #1 en la última semana de diciembre. Danny consiguió un #8 en 1962, y algunos ingresos bajos, pero no mucho más. Vale decir que Danny fue uno de los artistas que acompañó a Helen Shapiro en su tour británico de comienzos de 1963, del que también formó parte un creciente grupo llamado The Beatles. Respecto a Moon River, fue escrita por Henry Mancini y Johnny Mercer especialmente para la película Breakfast at Tiffany's, en octubre de 1961, canción que le valió a Mancini el premio Oscar a mejor canción original de ese año.

Bobby Vee Take Good Care Of My Baby 14/12/1961 – 27/12/1961… / [London] La canción fue escrita por la famosa dupla de Carole King y Gerry Goffin para Vee. Curiosamente luego de ser presentada la canción a Vee, su productor Snuff Garrett le preguntó a Carole si podía agregarle un verso a modo de introducción, pedido al que accedió. Si bien no llegó al #1, se mantuvo todo el mes de diciembre entre el #3 y #5, además de que si alcanzó el #1 en su Billboard Hot 100 de su país, Estados Unidos. También vale decir que, si bien ya había alcanzado en el Reino Unido dos #4, esta canción le otorgó su máxima posición británica, #3, puesto que repetiría una vez más, más adelante

Otros Ex #1: #3 -> OUT - Highwaymen – Michael: Este sencillo folk que estuvo una semana en el #1 durante octubre, comenzó su retirada de las listas bajando del #3 al #31 en noviembre y rápidamente al #50 para desaparecer la segunda de diciembre. #10 -> OUT The Shadows - Kon-Tiki: El tercer #1 de The Shadows, el “Kon-Tiki”, cayó del #10 al #37 en noviembre e inmediatamente salió. #18 -> OUT Helen Shapiro – You Don’t Know: El primer #1 de Helen Shapiro, “You Don’t Know”, continuó bajando durante todo noviembre, cerrando el mes en el #48 y saliendo ni bien entrado diciembre, mientras “Walking Back To Happiness” arrancó el mes #1. #23 -> OUT Shirley Bassey – Reach For The Stars/Climb Ev'ry Mountain: El segundo (y último) #1 de Shirley Bassey comenzó el mes en el #23, y hasta llego a salir de las listas a mitad de noviembre. Aunque volvió a ingresar hacia el final y cerró el mes en la última posición, #50 y desapareció ni bien comenzado diciembre. #17 -> OUT - John Leyton - Johnny Remember Me: El gran éxito del mes de septiembre, no llegó a completar su estadía en noviembre, cayó abruptamente del #17 al “28 y #32 para ya desaparecer en la cuarta semana. Fue el último #1 de Leyton, aunque pronto volverá a aparecer en esta sección.

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Federico B.

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Durante parte de octubre y el mes de noviembre continuamos con los torneos en Facebook para encontrar la mejor canción Beatle (según votación de nuestros lectores) de cada álbum. Esta vez no fueron precisamente álbumes los escrutados. En primer lugar, tomamos en nuestro orden cronológico el álbum Yellow Submarine, pero lo acotamos solo a las canciones Beatle que eran nuevas de ese lanzamiento: es decir, le quitamos “Yellow Submarine” (parte de Revolver) y “All You Need Is Love” (sencillo de 1967), además de todo el score musical de George Martin. Solo nos quedamos con las cuatro canciones inéditas: “Hey Bulldog”, “Only A Northern Song”, “It’s All Too Much” y “All Together Now”. Las cuatro fueron presentadas en un solo round, todas contra 117

todas, y la única premisa era que si ninguna alcanzaba el 50% de los votos, habría una suerte de “Ballotage” entre las dos que obtuvieron el mayor porcentaje. Pero no fue necesario, ya que con el 63% de los votos, “Hey Bulldog” se alzó como la mejor de las cuatro, dejando en segundo lugar lejos con el 17% a “It’s All Too Much” y tercera con el 14 a “Only A Northern Song”. Nada más que agregar. Poco después decidimos volver un poco para atrás y hacer otro pequeño torneo sobre el EP doble Magical Mystery Tour, que lo habíamos salteado en su momento. La metodología elegida fue la siguiente: las 3 canciones del EP 1 fueron a votación en un grupo y las 3 del EP 2 en otro. Del EP 1 resulto ganadora “I Am The Walrus” con el 70% de los votos

y en segundo lugar “Your Mother Should Know” con el 17%. En el EP 2 la ganadora fue “The Fool On The Hill” con el 71% y segunda quedó “Blue Jay Way” con el 23%. En la instancia de semifinal, se enfrentaron mano a mano la primera del Grupo A contra la segunda del B, y viceversa. “I Am The Walrus” aplastó a “Blue Jay Way” con un 91% de votos, y “The Fool On The Hill” se impuso ante “Your Mother Should Know” con un 62,5%. La final quedó conformada por el mejor de su respectivo lado, y como venía siendo la tendencia, “I Am The Walrus” se coronó como el mejor con 85% de los votos contra “The Fool On The Hill”. El tercer lugar simbólico quedó para “Your Mother Should Know”, por votos acumulados.

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TODOS ESOS AÑOS Estoy gritando todo sobre el amor Mientras ellos te trataban como un perro Cuando eras el único que lo hizo tan claro Todos esos años Estoy hablando todo sobre cómo dar Ellos no actuaron con mucha honestidad Pero indicaste el camino hacia la verdad cuando dijiste Todo lo que necesitas es amor Viviendo con lo bueno y lo malo Siempre te admiré Ahora quedamos fríos y tristes Por alguien que es el mejor amigo del diablo Alguien que ofendió a todos Estamos viviendo un mal sueño Se han olvidado de la humanidad Y fuiste el único al que pusieron contra la pared Todos esos años Fuiste el único que lo imaginó todo Todos esos años En lo profundo de la noche oscura Enviaré una plegaria para vos Ahora en el mundo de la luz Donde el espíritu es libre de mentiras Y todo lo demás que despreciamos Ellos olvidaron todo sobre Dios Él es la única razón por la que existimos Sin embargo, fuiste el único al que consideraron raro Todos esos años Lo dijiste todo, aunque no muchos tenían oídos Todos esos años Tenías control de nuestras sonrisas y nuestras lágrimas Todos esos años

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Diciembre 1971 (Hace 50 años) El 1 de diciembre en Estados Unidos se publica el sencillo “Happy Xmas (War Is Over) por John & Yoko / Plastic Ono Band. Su lado B sería “Listen, The Snow Is Falling” Yoko/Plastic Ono Band. Llegaría al #9 en los charts Navideños. En el Reino Unido, no sería publicado hasta las navidades de 1972.

Diciembre 1971 (Hace 50 años) El 7 de diciembre se publicaba en el Reino Unido el álbum debut de Wings, la banda liderada por Paul McCartney, junto a Linda McCartney, Denny Laine y el baterista de sesión Denny Seiwell. Debido a las ventas moderadas, no contó con sencillo de difusión. Alcanzó el #11 en las listas británicas.

los esperamos en…

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GLASS ONION 95