Glass Onion - Número 95 by GLASS ONION

Bienvenidos al primer ejemplar de Glass Onion de 2022!!! La onda expansiva de lo que fue la bomba Get Back a finales del año pasado se extendió por demás, y en éste Nro. traemos un análisis por partida de doble de la serie documental de Peter Jackson; una “positiva” y otra “negativa”, intentando reflejar lo que muchos fans pensaron de ésta obra. Además, te contamos todo sobre la edición especial proyectada en selectos cines, a la que tuvimos acceso en la Ciudad de México. Pero no solo de Get Back vive el fan, por lo que les ofrecemos un gran informe sobre la vida y obra de Dhani Harrison, hijo de George; realizamos un review del libro “Las Cartas de John Lennon” de Hunter Davies y analizamos el rol de Yoko Ono en la vida de John y la banda. Tenemos mucho más, como los discos navideños, los coleccionables de Lego o el show de Candlestick Park, pero todo eso lo descubrirán cuando avancen de página en nuestra querida revista…

Martín Castro Editor Principal

INDICE What’s The New, Mary Jane? Coleccionables Beatle: Lego Many Years From Now: Paul McCartney II

GET BACK Alabanzas y críticas, amores y odios, solo una obra monumental como ésta puede lograr todo eso. Entérate de todo aquí mismo! Charts Británicos de los 60’s: Best 1961 & Enero/Febrero 1962 Paperback Writer: Las Cartas de John Lennon

Sentimental Journey Covers de covers! Reconstruimos el álbum de Ringo con versiones de una amplia gama de artistas de todos los tiempos Los Discos Navideños Rock Show!: Live At Candlestick Park

Dhani Harrison La portación de apellido nunca ha sido un peso para el bueno de Dhani, que supo abrirse camino a puro trabajo y esfuerzo

Nunca se han ido Fuimos partícipes de una exclusivísima premier, idéntica a la que asistieron los integrantes de la familia Beatle. Te contamos todo! Yoko Ono: ¿Heroína o Villana? Torneo Beatle de Glass Onion: Abbey Road En Sus Propias Palabras: ¿A quién le importa? 50 Años: All Together Now / Give Ireland Back To The Irish

Editor: Martín Castro; Coordinación y Diagramación: Federico B.; Redactores: Federico B., Gianfranco Bustamante, Victor Carrillo Gonzáles, Martín Castro, Migo Coiro, Javier Cuenca, 3 Martín Hojman, Luis Inngais, Rubén Muñoz, Rocky Racoon, Pablo Roncevich, Exequiel Sagredo Wildner, Claudette Stern

Federico B.

With a Little Help From… Ringo! (x 3!) Aparentemente Ringo está más activo que nunca en cuanto a colaboraciones se refiere ya que las últimas semanas nos hemos enterado nada menos que de tres. Tributo a Johnny Winter Muchos artistas de primer nivel están colaborando para un álbum tributo a Johnny Winter, que será titulado “Brother Johnny” y saldrá a la venta el próximo 15 de abril. El álbum es un proyecto del hermano de Johnny, Edgar Winter, desde el fallecimiento de Johnny en 2014. Entre los artistas que participan, además de Ringo, podemos encontrar a Billy F Gibbons de ZZ Top y a Taylor Hawkins de Foo Fighters y Joe Bonamassa, Joe Walsh, Steve Lukather, Michael McDonald, The Doobie Brothers, Phil X de la formación actual de Bon Jovi y muchos otros.

Earthling, de Eddie Vedder Eddie Vedder, líder de Pearl Jam, editará el 11 de febrero su nuevo trabajo solista titulado Earthling, para el cual cuenta con la presencia de Ringo Starr. No es sorpresa la invitación: Eddie Vedder es un confeso fan de The Beatles y ha versionado canciones tanto en estudio como en conciertos. Earthling, que ya tiene tres sencillos en circulación estará plagado de invitados, entre los cuales figuran también leyendas activas como Stevie Wonder y Elton John.

Colin Hay Por último, llegando a fin de mes nos enteramos que Ringo participó como baterista en el tema que da nombre al nuevo álbum de Colin Hay en solitario, "Now and the Evermore". Colin, quien es también líder de Men At Work, es un viejo conocido de Ringo ya que fue parte de la All Starr Band entre 2003 y 2008, y nuevamente desde 2018 hasta la actualidad. La canción ya fue lanzada como sencillo y puede escucharse en plataformas digitales, en tanto que el álbum tiene fecha de salida hacia el 18 de mayo.

Vuelven los shows de Ringo! Luego del parate en 2020 y 2021 que significó la pandemia, Ringo vuelve a los escenarios para retomar su gira con la All Starr Band. La gira que por el momento es solo por norteamérica, lo llevara para el primer show al Casino Rama de Ontario, Canadá, el 27/5 y de allí sucesivas funciones en Nueva York (tres noches en el Beacon Theatre), Boston, New Jersey, y otras ciudades hasta el cierre el 26/6 en Clearwater, Florida. Recordemos que la actual formación de la All Starr Band cuenta con Steve Lukather (Toto), Colin Hay (Men At Work), Warren Ham (Toto), Gregg Bissonette (David Lee Roth), Hamish Stuart (Average White Band), y Edgar Winter.

Get Back (Rooftop Performance) Tan sorpresa como fue el concierto en la azotea para los desprevenidos transeúntes que caminaban por Savile Row el 29 de enero de 1969, el pasado 27 de enero se anunció con un pequeño video teaser de 12 segundos que el audio de aquel concierto sería lanzado en forma oficial totalmente remasterizado, a plataformas digitales. Incluso, si el servicio tiene la opción, también se encuentra la mezcla Dolby Atmos disponible. Ahora resta saber si el audio eventualmente contará con un lanzamiento en físico.

Tracklist 1- Get Back (Take 1) 2- Get Back (Take 2) 3- Don’t Let Me Down (Take 1) 4- I’ve Got A Feeling (Take 1) 5- One After 909 6- Dig A Pony 7- God Save The Queen 8- I’ve Got A Feeling (Take 2) 9- Don’t Let Me Down (Take 2) 10- Get Back (Take 3)

Get Back, a DVD y BluRay Get Back, el documental sobre las sesiones de enero de 1969 que se estrenó exclusivamente en Disney+, sigue dando que hablar a tres meses de su lanzamiento. La información que ahora llega es sobre los lanzamientos físicos que tendrá el material, en formato DVD y Blu-ray, con fecha de salida original al 8 de febrero, pero finalmente pospuesta temporalmente debido a problemas técnicos con nueva fecha estimada hacia fines de mayo. Aparentemente no contrendrá material adicional, ni bonus de ninguna índole (tampoco el film original de 1970), y será presentado en 3 DVDs: “Disc 1 – The band gathers at Twickenham Film Studios to rehearse for a concert.”, “Disc 2 – Rehearsals continue at Apple Studios and the mood lifts.”, “Disc 3 – The Beatles perform on the roof of the Apple Offices”. Tan solo aparentemente hay una edición deluxe de Bluray que incluye cuatro postales. Además, el fragmento final de una hora cubriendo la parte del concierto en la azotea, podrá verse en salas

cinematográficas IMAX bajo el nombre “The Beatles: Get Back — The Rooftop Concert”. Las funciones tendrán lugar entre el 11 y el 13 de febrero, aunque se anunció también que algunas salas IMAX seleccionadas tendrán una premiere el 30 de enero, a 53 años del concierto original, y contarán con preguntas y respuestas a Peter Jackson, productor, en vivo vía satélite y un poster como souvenir.

Listen, The Snow Is Falling Por primera vez los tema “Listen, The Snow Is Falling” y “Who Has Seen The Wind?” de la Yoko Ono/Plastic Ono Band se encuentran disponibles para ser escuchados en plataformas digitales. El primero de ellos llegó hacia fines de 2021, en sintonía con la temporada navideña, siendo que originalmente el track fue lanzado como BSide de “Happy Xmas (War Is Over)”. El segundo, ya en 2022, fue originalmente el BSide de “Instant Karma!”. Ambas canciones ya están disponibles en todas las plataformas digitales como Spotify e Itunes.

Stella McCartney diseñó ropa para Minnie Mouse La diseñadora Stella McCartney, hija de Paul, diseñó una nueva vestimenta para Minnie Mouse, la eterna novia de Mickey. En lugar de su icónico vestido rojo a lunares amarillos, Stella fue por un conjunto de saco y pantalón en tonos azules, con moños y lunares en azul más oscuro. También cambio el color de su moño originalmente rojo, para que haga juego con la vestimenta. La presentación oficial del diseño tendrá lugar en marzo 2022 en Disneyland Paris, con motivo del 30 aniversario del parque, y en sintonía con el día de la mujer.

Falleció Ronnie Spector El pasado 12 de enero falleció Ronnie Spector, líder de The Ronettes y ex esposa de Phil Spector, luego de una larga lucha contra el cáncer. The Ronettes alcanzó el éxito mundial con el sencillo “Be My Baby” a mediados de 1963 y en 1964 viajaron al Reino Unido, donde fueron recibidas por The Beatles como invitados y nada menos que The Rolling Stones como teloneros de sus shows. Esa gira hizo que la banda se hiciera muy amiga de The Beatles, y Ronnie en especial de John, que con el

tiempo se fue convirtiendo en su protector. En 1966 The Ronettes (aunque sin Ronnie) fueron teloneras de The Beatles. Años más tarde, George le cedió a Ronnie la canción “Try Some, Buy Some” como single debut para su carrera en solitario. 7

Falleció Denis O’Dell, productor de la película “A Hard Days Night” Denis O’Dell, productor cinematográfico, falleció el pasado 30 de diciembre a los 98 años, por causas naturales. Además de haber producido “A Hard Day’s Night”, Denis produjo la película para TV “Magical Mystery Tour” y ha trabajado en películas como “How I Won The War” (de la que participó John Lennon, y se dice que Denis insitó a John a hacerlo), “Robin and Marian” y “Heaven’s Gate”. Un dato más: Denis es

mencionado como “Denis O’Bell” en la letra de “You Know My Name (Look Up The Number)”

Nuevo libro de fotografías de Ringo En los últimos años Ringo ha publicado algunos libros de fotografías, otra de sus pasiones. Este año se publicará uno nuevo, con foco en sus años Beatles bajo el titulo “Lifted: Fab Images and Memories of My Life with The Beatles from Across the Universe”. La fecha de salida es el próximo 14 de febrero, y vendrá en dos distintas ediciones: una edición Collector estándar de 60 dólares

y una Signature Edition, limitada a 500 copias, que estarán autografiadas por Ringo y con una presentación especial, por 495 USD. Todo lo recaudado irá a la Ringo’s Lotus Foundation. A diferencia de los libros anteriores, donde el autor de las fotografías fue él mismo en su totalidad, “Lifted” fue armado durante la cuarentena por el covid-19 combinando fotografías de su autoría, con algunas que llamaron su atención en Internet: “Muchas de las fotografías de este libro las vi en mi teléfono y en mi computadora, y las levanté porque me recordaron momentos fabulosos”. 8

En la última década, diferentes marcas reconocidas han puesto la mira en mercancía basada en los 4 de Liverpool, ya haciéndoles un reconocimiento por todo su trabajo o por el conocimiento de las ganancias que genera tenerlos en sus más representativos productos. LEGO viene a ser uno de los casos, con sus ya casi 100 años de existencia y con cientos

de licencias a su disposición, en 2016 se lanzó al mercado sets inspirados en la película Yellow Submarine, con John, Paul, George y Ringo incluidos; y un par de años después lanzo el retrato de los 4 Beatles juntos, siendo una representación de las 4 fotografías que venían incluidas en el aclamado The White Álbum de 1968, pero ahora formado por pequeñas piezas

de Lego, los fanáticos mas acérrimos y aquellos que solo deseaban un cuadro en su hogar de The Beatles quedaron encantados con estos lanzamientos que mes a mes quedan sin stock por la alta demanda que genera un lanzamiento Beatle. Por ello les presento en esta 4ta edición de Colección Mágica y Misteriosa:

THE BEATLES LEGO SETS Alrededor de The Beatles, siempre ha existido una practica del “Bootleg” que les brinda a los fans aquellos que quieren algo más de lo que les brinda Apple, ya 11

siendo discos en vivo que nunca salieron, el concierto en la azotea “completo”, demos de canciones, versiones alternas y otros productos como los fan mades, que vienen a ser productos hechos por fans para fans, con costos no tan elevados que muchas veces satisfacen aquello que la

convirtiéndose de inmediato en una pieza de colección para todos los Beatlemaniacos, con más 500 piezas armables, este lanzamiento es indispensable para los que amamos esta mítica película animada. THE BEATLES YELLOW SUBMARINE SET Año: 2016 PRECIO: 230 – 240 dólares compañía de la manzana no nos brinda; en aquellos años a falta de modelos de LEGO basados en el cuarteto de Liverpool, los fans se pusieron manos a la obra y nos trajeron grandes presentaciones no oficiales que encajan en cualquier colección Beatle o de la música en general. LEGO, al ver todos estos lanzamientos no oficiales, de inmediato consiguió la licencia y lanzó al mercado en 2016 el popular Yellow Submarine con los 4 de Liverpool y el carismático Jeremy Hillary,

Un par de años posterior a este gran lanzamiento que generó muchas ventas a lo largo del mundo, LEGO, decidió lanzar otro producto relacionado con la popular banda, pero con otro tipo de temática, podría decirse más adulta, que presentaba los retratos de los 4 Beatles como las fotografías que venían incluidas en The White Álbum del 68, pero formadas con piezas pequeñas de LEGO, que juntas conformaban un cuadro largo que encaja perfecto en cualquier sala de estar o dormitorio, convirtiéndose rápidamente en el preferido de cientos de amantes de la banda británica y del rock en general.

GIANFRANCO BUSTAMANTE 13

THE BEATLES RETRATO LEGO SET (2020) PRECIO: 270 – 280 dólares

Get Back…. Sin dudas!! Ya pasó un tiempo al escribir estas líneas, aunque no mucho, pero que nos permite apreciar con cierta perspectiva el lanzamiento de fines de noviembre, del extenso documental a cargo de Peter Jackson que vino a cambiar en cierta forma la opinión respecto a la etapa final del grupo que nos dejaba la película “Let It Be”. El film dirigido por Michael Lindsay Hogg en cierta forma mostraba un ambiente sombrío, con pocas interacciones entre los integrantes del grupo, y con interpretaciones realizadas a duras penas y sin el entusiasmo que uno podía pensar que ponían en su trabajo (como ejemplo, vean casi al principio, la versión de Don’t Let Me Down y Across The Universe).

Ciertamente la tarea del director de aquel entonces no era nada sencilla, tenía que realizar una película que plasmara la idea principal del grupo de volver a tocar sin artilugios de estudio y en forma directa (por eso mismo convocaron a Glyn Johns, un especialista en logar el sonido “crudo” de bandas como The Rolling Stones y The Who), estando los miembros del grupo inmersos en una pelea legal en ciernes y una inminente ruptura. De la misma forma en que la tarea de tuvo que realizar fue más que difícil, lo mismo pasó con Johns que recibió cuatro negativas a las diferentes mezclas de las sesiones de esa época, y que terminó irónicamente en manos del productor más famoso por crear una pared de sonidos con múltiples instrumentos, coros y demás adornos que sepultaban de cuajo la primitiva idea de sonar lo más directo posible.

Ciertamente todo ese proyecto y esa etapa siempre fue en los miembros de The Beatles un momento que preferían olvidar y mantener lo más alejado posible. Recordemos a Harrison en Anthology y las acidas referencias a ese momento como “frio y descontento” en contraposición con las buenas experiencias que había vivido con el grupo de Bob Dylan “The Band” unos meses atrás; McCartney, por su parte, después de haber sufrido la ofensa de haber visto “Spectorizado” The Long And Winding Road, posteriormente grabaría en su carrera varias versiones de ese tema, tratando de exorcizarlo de alguna manera. Recordemos también que una vez que Harrison no pudo ya estar presente para vetar el lanzamiento, Macca se pudo dar el gusto de sacar “Let It Be Naked”, como una especie de reivindicar al espíritu original.

¿Pero… y la película? Veamos, tuvimos en su momento con el VHS versiones de una u otra calidad de A Hard Day’s Night, Help, Magical Mystery Tour; con la llegada del DVD y Blu-ray, incluso ediciones expandidas de esos filmes, pero había uno que no figuraba nunca en los planes de lanzamientos. Hasta que apareció Peter Jackson, y ahí la historia cambió. La elección de Jackson como director por parte de Apple no pudo haber sido más feliz; se trata de una persona con un sistema de trabajo meticuloso y ciclópeo, del cual pueden dar fe los seguidores de la saga de “The Lord Of The Rings”; y también digamos que la situación sanitaria creada por el Covid-19 de alguna forma benefició el proyecto, por cuanto permitió trabajar con más tiempo y modificar la extensión de la idea “original”. Desde el vamos, vemos que Jackson le imprime al documental la idea de mostrar que había una idea rectora, un plan, la de hacer material nuevo en directo, y con una fecha límite. De ahí, a mostrar detalladamente día a día el devenir de los

acontecimientos permite adentrarnos como nunca antes (y me animo a sugerir única vez) dentro de la estructura de trabajo de un grupo (en este caso, el mejor del Siglo XX sin dudas) y mostrar no solo el proceso creativo sino las vivencias casi en tiempo real.

Jackson tuvo el enorme privilegio (y también la tarea más riesgosa vale decir), de contar con todo el material “bruto” filmado en esos tiempos, y tenía que de ello hacer un documental que tuviera interés para el gran público, y un producto lo más fiel a la idea original, cuestión que pudo lograr con creces pese Es verdaderamente increíble el nivel de al escepticismo que muchos (me incluyo) detalle en la restauración sonora y visual podíamos tener. lograda por el cineasta y su equipo, lo que hace del documental algo visualmente Este documental nos va mostrando atractivo desde el principio, en contraste momentos maravillosos en los que con la atmósfera depresiva y carente de podemos apreciar desde el nacimiento de “ángel” que tenía el film “original”. un clásico casi de la nada (Get Back), canciones del origen de la banda que

duran apenas segundos, temas que durante años se escuchaban con el pésimo sonido de los bootlegs, personajes que circundaban el circulo de allegados (el tratamiento en solfa que se le da a los “inventos” de Alex El Mágico; la reunión con el editor musical Dick James, germen de un conflicto por tema de derechos que llega a nuestros días; las locas ideas del productor y del director en cuanto a las locaciones, que por suerte no se llevaron a cabo (desde ir a tocar a las ruinas de un anfiteatro, un hospicio… todas ideas de las más variadas).

Creo no solamente que este proyecto hará el disfrute de los fanáticos de la banda, sino que también puede ser objeto de estudio por parte de psicólogos y estudiosos del comportamiento humano, en cuanto muestra el desarrollo de las personalidades de los cuatro integrantes sin filtro alguno, y que puede que haga que haya que repensar alguna parte de las ideas que circundaban. De hecho, ya han estado circulando por los portales, artículos donde se analizan de alguna forma ciertas conductas (sobre todo, en el rol de Lennon durante el proyecto, y Harrison con sus idas y vueltas).

No quiero dejar de mencionar un hallazgo de Jackson que ya empieza a tener varios fanáticos, la “conversación del florero”, donde escuchamos a Lennon y McCartney en una charla tomada con un micrófono oculto, donde cada uno pone bien en claro cuáles eran sus posiciones e ideas en la banda, la relación con Harrison y como veían el futuro o no… Algo de lo que no se comenta mucho es la etapa en que se encontraba la banda, venia de lanzar en noviembre de 1968 un disco doble con más de 30 nuevas canciones, y apenas dos meses después se embarcan en un proyecto que consistía 23

en trabajar en el proceso de creación de material nuevo y después presentarlo en vivo; todo una verdadera locura si lo pensamos en nuestros días, en cuanto al caudal creativo que eso implicaba, además de dejar de lado temas en forma embrionaria que luego fueron a parar a Abbey Road. Una de las críticas que por ahí se han escuchado es que resulta ser tedioso por momentos; ok, quizá no sea lo mejor ver toda el documental en tren “maratón”, pero es de esas que hay que ir disfrutando de a poco, quizá un capitulo por día, para poder ver con tranquilidad y perspectiva lo que va a ir pasando y como se va desarrollando todo, incluso, tampoco viene mal rebobinar algunas partes (por ejemplo, en el primer capítulo, ver la actitud de Harrison los instantes previos el día que decide dejar la banda, es un ejercicio más que interesante). 24

Algo que nos queda claro viendo el documental es que al decir de Lennon “con presión funcionaban mejor”, sino, veamos como de una u otra forma se las arreglan para llegar al momento del recital de la terraza con todo material nuevo que ejecutan de manera magistral, a pesar de ser Let It Be uno de los discos que no figura en los favoritos de los fans. ¿Estamos en presencia de uno de los mejores documentales de la historia de la música? Me animo a decir que si, por todo lo que vengo sosteniendo a su favor, además de mostrar a The Beatles como personas de carne y hueso, que reían, fumaban, se aburrían, podían o no estar de acuerdo entre ellos, los diferentes enfoques y participación dentro de una banda… en fin, muchos ingredientes que hacen novedoso el tratamiento, a pesar de ser un material con 50 años de antigüedad!

Gracias a Jackson casi que podemos vivir en carne propia el recital de la terraza como si estuviéramos ahí, y ver la complicidad que todavía tenían los cuatro en escena (ver la parte en que Mal Evans corta las guitarras de Harrison y Lennon es inolvidable, y luego McCartney siguiendo como si nada con el tema, es otro momento de los más logrados).

e incluso sacar nuestras propias conclusiones sobre el rol de cada integrante de la banda.

Otro de los momentos mágicos es lo que sucede cuando Harrison abandona el grupo, ver las reacciones de McCartney, Lennon y Starkey, y la catarsis que sigue luego, es algo completamente fascinante, que era claramente imposible de haber ¿Jackson hizo una versión edulcorada de sido parte del metraje original del filme. Let It Be? ¿Viene a reescribir la historia de la banda en aquellos momentos? Nada Algo similar pasa cuando se lo escucha a más alejado que eso, se trata de una Harrison decir frases proféticas como nueva mirada con una riqueza de material “tengo temas para 10 años de carrera”, notable, que como dijimos cosa que se cumplió, porque hasta su anteriormente, nos permite ver y apreciar disco de 1982 Gone Tropo recurrió a

material de la época beatle; o a Ringo con su sincericido “venimos de un año de malas” al recordar que las tensiones aparecieron en la grabación del White Album; y ciertamente, lo que pudimos ver de Yoko Ono de alguna manera lleva a repensar el rol que tenía en ese momento… salvo la parte que Linda McCartney dice que en una reunión que

habían tenido por el tema de Harrison en su casa Ono había hablado por Lennon. Estoy más que seguro que la gran mayoría de los que lean este articulo coincidirán conmigo que luego de ver el documental fueron a escuchar Let It Be en sus diferentes versiones, para “reeler” ciertos detalles que se podían haber pasado por

alto, o simplemente para poder disfrutar del sonido de la banda; y que el gusto amargo que uno tenía viendo la película original fue dejado de lado en gran parte por la gran cantidad de momentos notables que vimos en el trabajo de Jackson. McCartney frustrado por momentos y luego compenetrado en el trabajo hasta ser casi un workaholic; Lennon extrañamente alejado de ese papel de líder indiscutido que se creía (aunque reconocido por McCartney en su “conversación del florero”) pero estando vigente su alianza creativa con McCartney; Harrison quizá en su momento más creativo como artista viendo como quizá no podía llegar a encajar dentro de la estructura compositiva de la banda fuera del bloque Lennon/McCartney, y Ringo, la mayor parte de las veces prescindente en los 27

momentos de enfrentamientos o discusiones, el documental nos muestra a todos tal cual eran, sin imposturas ni guiones, “auténticos” como querían ellos que sonara su música, así son reflejados. También, pudimos entender como fue el ingreso de Billy Preston al proyecto (ya en el primer capítulo se lo ve a Harrison de a poco tratar de convencer al resto que era necesario el aporte de un músico más, y como si nada, va deslizando el nombre de Preston).

Seamos sinceros… ¿Cuántos momentos como esos tiene el film “original”? No muchos ciertamente, y es ahora con este nuevo documental, donde podemos apreciar –como venimos diciendoverdaderamente el “mundo beatle”. Vale decir, el documental de Jackson vuelve al concepto original del proyecto, e incluso va más allá, mostrándonos facetas desconocidas hasta ahora, por lo cual lo convierte en algo altamente valorable, no generando la sensación de que se trata de un producto netamente comercial ni olvidable, sino todo lo contrario… Además, hay que agradecer a Jackson el acierto de haber impuesto su idea de cambiar la duración original del proyecto de dos horas a las casi ocho del corte final, dividiendo acertadamente en tres episodios el documental y segmentando el día a día para dar una idea casi en tiempo real de todo lo que iba envolviendo el proyecto. El libro que acompaña al lanzamiento resulta ser un complemento similar al del Anthology, el material fotográfico es de excelencia y las transcripciones de los 28

diálogos por ahí hacen que uno encuentre algún detalle que quizá dejo de lado al ver las escenas. Quizá el punto más flojo de todo este proyecto esté en la edición del material extra del box-set y la notable omisión del recital completo de la terraza, suplantado por un EP que no se entiende bien cuál es el motivo de su inclusión.

aunque alguna sorpresa puede haber si se produce el lanzamiento “físico” de Get Back… (estas líneas se están terminando de escribir en la primera semana de enero, y ya se está anunciando el estreno en cines IMAX del concierto de la azotea para el 30 de enero…)

Como dijimos en el título, Get Back, “sin Lamentablemente, lo que podemos decir dudas” está dentro de lo mejor de la con el lanzamiento de este documental, filmografía beatle, imprescindible de es que a nivel fílmico no habría que ver… esperar mayores novedades de aquí en Rocky Raccoon adelante en cuanto a material beatle,

Luego de observar más de dos veces el documental “Beatles Get Back”, elaborado por el director Peter Jackson, me da la impresión que lo ha estructurado de la misma manera que realizara su película “El Señor de los Anillos” y como sospechaba, cada parte

es bien diferenciada; la primera refleja la tensión y termina con la incertidumbre por el futuro del proyecto, la segunda las luces de esperanza por un ambiente más conciliador y llegar al consenso de terminar el proyecto en la azotea con las canciones ensayadas y finalmente la tercera parte, el glorioso concierto en la azotea con doble hasta triple cámara para terminar los créditos con las canciones que no pudieron tocar en el techo. Por ello voy a separar mi artículo en tres partes, que conciernen a las tres fechas en que fue televisada y como referiré puntos que me parecieron interesantes a la bibliografía de los Beatles, indicaré que si el lector no ha visto aún las más de siete horas del mismo, que no lea el artículo, pues voy a hacer spoiler al señalar mis puntos de vista y, si discrepan o no, respeto el de ustedes, pero ésta es la forma en que repercutió en mí el tan esperado documental sobre los Beatles:

Duración 2 horas 26 minutos, 44 segundos

Como lo señalé en el preámbulo, la estructura del documental de Peter Jackson me recordó bastante a la de su película “Lord of the Rings” y como muestra está el inicio donde el director se toma como diez minutos para contar la historia de los Beatles hasta llegar al momento crucial de la primera fecha de la grabación en los estudios Twickenham (los que habrán visto el film “La comunidad del anillo” también se darán cuenta que la película comienza también con una kilométrica introducción para explicar la historia de cómo se origenó el anillo). Luego del tedioso preámbulo

aparecerá otro de los elementos que nos acompañará lo largo de las siguientes siete horas y son los “intertítulos y rótulos”, que aparecerán cada cierto tiempo para explicar alguna de las escenas o nombrar a los personajes que van mostrando durante el transcurso de las horas y su intención quizás sea para entender mejor la hilación de los hechos, pero algunas veces sembrarán las dudas sobre alguna situación, que puede contradecir lo que señalan las biografías oficiales y hasta el documental “Anthology” hecho con el testimonio de los mismos Beatles.

La premisa del film, según el director y de acuerdo a la lectura de los primeros rótulos, se puede reducir en lo siguente: A los Beatles les gustó la experiencia de haber grabado Hey Jude ante los fans y tienen la idea de grabar su nuevo álbum frente a un público presente y que la experiencia se transmitirá como un “especial de televisión”, donde ellos tocarán nuevas canciones en vivo, pero hay ciertos inconvenientes; Ringo Starr tiene que empezar a grabar el film “The Magic Christian” desde el 24 de enero y por ello Dennis O´Dell, que era el presidente de Apple Films (según el rótulo), había alquilado los estudios de filmación de Twickenham desde principios de enero de 1969 y les ofrece a 35

los Beatles la sala uno para sus ensayos y que también allí podrían realizar el especial del tv y que a finales de mes se lo devolverán para empezar a grabar el film. Para el proyecto le piden al director Michael Lindsay- Hogg que filme los ensayos y fijan el día 18 de enero como día de prueba de vestuario y que los días 19 y 20 de enero se filmaría el show ante el público presente que luego se transmitiría por televisión. Con ésta introducción se inicia el film que Jackson divide en intertítulos que señalan cada día de las grabaciones y por ello empezaré a mí parecer con lo más resaltante de los días de ensayos:

Inicio de todo y se ven las imágenes de Mal Evans y otro asistente llamado Kevin Harrington preparando la sala para los ensayos, lo que me llamó la atención es que Jackson pone más atención a los diálogos que a las canciones, pues casi ninguna a lo largo del metraje la pone en su integridad, como si pasó en el film original o el documental Anthology, pero lo destacado de la fecha es que a Jealous Guy la nombran On the road to Marrakesh (ni Child of Nature como decían los bootlegs) y la nueva premisa, según otro rótulo es “deben escribir y ensayar 14 nuevas canciones para tocarlas en vivo en el lapso de dos semanas” y al llegar Paul McCartney recién aparecen el título del documental “The Beatles Get Back Part 1” .

Un dato informativo que proporciona Jackson es que cada personaje que va apareciendo en el film y no es un Beatle, es intertitulado con su respectiva función, por ello vemos a George Martin como productor, Glyn Johns como ingeniero de sonido, el de los mostachos Tony Richmond, director de fotografía, etc. y además lo interesante de esa fecha es que Dennis O’Dell sugiere al Anfiteatro Sabratha de Libia para hacer el show en vivo y ante la negativa de Ringo bromean de llevar a Jimmy Nichols y le preguntan a Paul si se va a afeitar para la fecha de los shows. Otro dato curioso es que mientras ensayan “Two of Us”, al final del texto de la letra de la canción dice “A Quarrymen original”. Esto ya sería materia de otro análisis referente al origen de la composición del tema, donde luego McCartney dijo que su fuente de inspiración fue Linda.

Aparece Paul al piano con Ringo a su lado, llega George y el último en llegar es Lennon acompañado de Yoko Ono que se sentará siempre a su costado. El siguiente rótulo para poner dramatismo al film es “Que como hay una urgencia por grabar nuevo material, los Beatles deben recurrir a algunas de las primeras canciones que compusieran Lennon y McCartney”, y se ponen a ensayar “One after 909”. Un dato interesante es que Mal Evans a lo largo del film es quien va a apuntar la letra de las canciones que van improvisando,

datos que me parecieron interesantes. Primer ensayo de Don´t let me down que dura según el cronómetro 3:40, ensayan Gimme some Truth de Lennon, All Things Must Pass de George, que menciona el talento de Clapton para improvisar en la guitara y la calidad de Billy Preston como tecladista. Para terminar el día el director pone de fondo la canción “I’m so Tired” de John mostrando el cansancio de ese día, con un dormido Lennon.

Lo interesante de esa fecha, aparte del protagonismo de Paul (más que en el film original, por algo es el coproductor junto a Ringo) es la desidia por parte de George a que se lleve a cabo el especial en vivo. Además, presta su consola de 8 pistas valorizada en 10,000 libras para la sala de control y empiezan a ver la necesidad de contar con un pianista y mencionan sí podrían contar con Nicky Hopkins (que había tocado en Revolution).

original y lo que se puede ver es el origen, donde se ve a Harrison hastiado de las sugerencias de Paul tanto a él como Ringo de como tocar “Two of us” y les manifiesta que están contra el tiempo, pues le quedan sólo 12 días y que no quiere humillarlo, pues le parece que para él siempre molesto y que los 3 no lo apoyan. George le contesta (según la edición de Jackson que difiere a la de Lindsay-Hogg) “No me molesta, tocaré lo que quieras que toque o no tocaré nada si Éste día es clave en la Beatlemanía, pues lo prefieres, lo que te complacerá, lo haré, se filma la discusión entre Paul y George pero creo que no conoces bien la canción” que se aprecia editada en el film Let it be y luego McCartney se manda un discurso

melodramático que están contra el tiempo y que cada uno tiene un enfoque distinto de como tocar el tema y por eso sus indicaciones. George insiste en que es su estilo de tocar la guitarra y al final se calman los ánimos y terminan ensayando la canción, es decir un “happy end” que resta importancia a la edición de 1970.

Jackson muestra una epifanía del protagonista McCartney mientras Ringo y George conversan y esperan a Lennon. Paul va haciendo escalas en su bajo (bassman) y nuevamente sale el rótulo rimbombante donde se indica que “en pocos minutos Macca de la nada crea Get Back” (para mi opinión ya lo había estado ensayando antes por su cuenta) luego todos se unen al riff de Paul y se va dando forma a la canción, luego hablan con Lindsay–Hogg de la falta de disciplina del grupo luego de la muerte de Brian Epstein, Harrison es reticente para ensayar sus composiciones, Mal Evans trae un martillo y yunque para ensayar Maxwell´s Silver Hammer, ensayan Across the Universe y cuando improvisan la canción Rock and Roll Music, el sentimentalismo de Jackson lo lleva a intercalar con imágenes del pasado, para los nostálgicos de la beatlemania.

Lo resaltante de la fecha es que George mostró su nueva composición “I me mine” que le gustó a Paul, pero al llegar Lennon se burla del tema y dice que es un vals, por lo que se pone a bailar con Yoko mientras los otros la ensayan. A medida que se va desarrollando el film, la opinión y el estado de humor de Lennon parece que es lo que más valora Paul (y se da a lo largo del film por lo que se llega a la conclusión que pese a la desidia de John por el proyecto sigue siendo el líder de los Beatles). El día culmina con las bromas sarcásticas de John, Ringo diciéndole al director que llevan como 18 meses de malas, Paul tocando los primeros acordes de Let it be y con una reunión para acordar donde se realizará el show en vivo, (sugieren la estructura del Around the Beatles) y O’Dell insiste en que se lleve a cabo un anfiteatro en Libia, Africa.

En ésta fecha aparece por primera vez Linda Eastman en la trama a la cuál Tony Richmond le echa flores por su belleza. Cosas a resaltar: ensayos de más canciones, que Ringo no quiere viajar a África, Linda toma fotos del grupo y luego conversa con Yoko, cuando llegó John se burla de todos y esta vez de Paul con su tema Let it be, mientras ensayan Get Back se inserta un rótulo “políticamente correcto” que hace referencia que los Beatles estaban en contra de las políticas de Commonwealth en contra de los refugiados pakistaníes y por eso la ironía de la letra de un par de canciones… tengo mis dudas. Lo gracioso es que Paul fuma puro al mismo estilo de Lindsay-Hogg, que a lo largo del metraje copia muchos de los modismos de su mentor Orson Wells y de quien sospechaba que era su padre biológico, pero eso es otra historia.

Resumiendo la fecha, cada quien hace negocios por su cuenta, como Paul y su reunión con Dick James, quien era el editor de las canciones de los Beatles, luego Harrison les comunica a los otros tres que Neil Aspinall ha convocado para una reunión el día sábado, más ensayos, Glyn Johns instala una consola, más ensayos y aparece Maureen, la esposa de Ringo, ignoran a Harrison y a eso de las once de la mañana, cuando ensayan Get Back, Lennon toma la voz principal de la canción y se incomoda por el desinterés y apatía de Harrison y discuten, y en medio del cruce de palabras Harrison se quiebra y dice: “Creo que voy a dejar a la banda” y un sarcástico Lennon le replica: "¿Cuándo?", a lo cual Harrison agrega: “Ahora”, y que consigan un reemplazo a través del New Musical Express. Luego de ello se marchó, a lo que un Lennon impávido, agresivo y furioso dice lo siguiente: "Si no regresa hasta el martes, vamos a llamar a Eric (Clapton), es igual de bueno y no es un dolor de cabeza." (Rótulo de mi parte: De acuerdo a la autobiografía de Clapton y el último film sobre el guitarrista, confirma que Lennon sí lo llamó y él, respetando a su amigo 41

Harrison, no aceptó la propuesta y por supuesto no lo dicen en el melodrama de Jackson). Luego de almorzar, Harrison se despidió de los pocos que estaban presentes con un escueto “ya nos veremos por los clubes” y nadie intentó detenerlo. Luego va a su casa en Esher, hace sus maletas, se despide de su esposa y en su diario personal menciona que “a la hora del almuerzo dejó a los Beatles”, ellos siguen adelante con los ensayos y los gritos de Yoko y la primera parte culmina con un tierno abrazo de los tres restantes y la incertidumbre sobre el futuro de la continuación del proyecto.

Duración: 2 horas 58 minutos, 14 segundos

Éste capítulo es el más extenso, forzado y a mi parecer monótono del telefilm y cómo ya lo tiene estructurado Jackson, al Igual que en Las Dos Torres, aparece un rótulo que pone dramatismo a la situación: “George abandona al grupo el viernes, se reunieron el domingo sin resolver la situación y en duda el futuro del grupo”… Ohh…

Lo interesante de la jornada según mi punto de vista es el doble discurso de McCartney, que cuando Lennon no estaba presente se puso a charlar con Ringo y el equipo técnico sobre John y Yoko y le da una rabieta porque le informan que él seguía durmiendo y no estaba confirmado si iba a venir a ensayar y Macca, como de costumbre, se pone a divagar y lo premonitorio es que dice “Los Beatles se separaron porque Yoko se sentó en un amplificador” y da a entender que a todos les molesta tenerla en los

ensayos y dice que si John tuviese que elegir entre la banda y Ono, la elegiría a ella y quizás por ello sus lágrimas de impotencia al decir sólo quedamos dos, pues el solícito Ringo estaba a la mano. Su estado de ánimo cambió a una felicidad intensa cuando Lennon llegó a la hora de almuerzo y se da la conversación “chuponeada en un florero” donde hablan de Harrison y donde Paul reconoce ante John que siempre será el líder y de la conversación se nota que John delegó la responsabilidad a McCartney por su carácter trabajólico y la flojera innata de Lennon que se confirma y de la que muchos biógrafos siempre narraron, y deciden retrasar todo para nuevamente reunirse con George a ver si vuelve.

Lo único interesante es que en esa fecha Ringo y Paul tocan el famoso piano boogie que se aprecia en el film de 1970, los visita el actor Peter Sellers, quien iba a co protagonizar con Ringo Starr el film The Magic Christian, además la televisión de Canadá entrevistó a Lennon que parecía que está drogado y agarra de punto a Ringo y se suspenden los ensayos.

Luego aparece un rótulo que señala que “el miércoles 15 se reúnen nuevamente con George y el resultado fue positivo y deciden dejar de lado el especial de televisión y que continuarán las grabaciones en los nuevos estudios de Apple. La mudanza se iniciaría el día 19 pero antes, el día 16 George con Glyn Johns revisan la consola mal hecha de Apple, por lo que le piden ayuda a George Martin para que les presten una consola de 8 pistas de la EMI y la instalen el fin de semana”.

Me pregunto cuáles habrá considerado Jackson los días 10 y 11… Ya están instalados en Apple. Las imágenes están tan restauradas que ni los granos se les ve a los Beatles, se cancela oficialmente el especial de televisión, Glyn Johns con una casaca de cuero, obsequio de Keith Richards, está con el tiempo limitado y ese día Lennon a insistencia de LindsayHogg hace la famosa introducción de los Rolling Stones que aparece en el film “Rock and Roll Circus”, ensayan más canciones y nuevamente sin querer queriendo, como diría el Chavo, en las escenas de Lennon se ve su claro liderazgo, que puede que esté drogado o con sueño. Todos, hasta el equipo técnico, estaban pendientes de sus 44

acciones y por ello se jacta de su facilidad de modificar o crear de la nada sus canciones. La genialidad y sarcasmo de Lennon en una jornada reveladora y el día acaba con un patético y nervioso Ringo que cada vez que las cámaras lo enfocan trata de hacerse el gracioso produciendo el efecto contrario y quizás por ello su poca trascendencia en los Beatles musicalmente y más como un elemento catalizador entre ellos.

Más ensayos, Paul habla del álbum Postcard que le está produciendo a la galesa Mary Hopkin, John echa flores al Fleetwood Mac de Peter Green que es mejor que Canned Heat y el figuretti de Paul canta un tema de ellos, aparece en escena el fotógrafo oficial del proyecto, el joven Ethan Russell. Nuevamente un rótulo que dice “Billy Preston conoció a los Beatles en 1962 y llegó a Londres para realizar unas presentaciones y fue a saludar a los Beatles sin imaginarse que necesitaban a un pianista”. Nada más falso, pues según Harrison en el documental Anthology, fue quien sugirió que al faltar un pianista para la filmación en vivo se contrate Billy Preston, una inexactitud de Jackson para poner el factor sorpresa integracionista del film, bueno para encandilar a los sentimentales.

Lo interesante es que Lennon quedó maravillado con el buen trabajo de Preston, que siguió sus indicaciones y pidió que se quede hasta el final o para siempre con ellos ante un reticente McCartney, ensayan I’ve Got a Feeling, Dont Let me Down y Dig a Pony, luego Peter Brown se acerca a Lennon y el confirma su reunión con Allen Klein para el día viernes.

El diplomático Paul toca la batería, quizás para poner contento a Lennon ante los chillidos de Yoko Ono en un jam, ensayan Get Back, George empieza a usar sus corbatitas, Lennon ironiza que Loretta es una Dragg Queen y fastidia a Paul, al final deciden que el tema tenga tres solos y al escucharlo en sala de control deciden que sea el nuevo single de los Beatles.

Ese día hablan de Preston, quien aún no había llegado a los ensayos. George dice que le va a producir su álbum como solista, hablan que hay que pagarle y John dice que le gustaría que formara parte del grupo, que sea el quinto Beatle, y como siempre McCartney hace sus objeciones reticentes, más ensayos: Lennon canta Jealous Guy pero el intertítulo indica On the road to Marrakesh, John hace lo que quiere en el estudio, McCartney no puede con él y su última broma es llamar Phyllis a Glyn Johns, llega Preston, más ensayos y le preguntan si quiere venir todos los días y él encantado, termina la jornada.

Más ensayos, hablan de su viaje a la India y se muestran filmaciones caseras de su estadía y Harrison dice una gran verdad: “Si fuéramos auténticos no seriamos lo que somos hoy”, Billy no estuvo presente, ensayan For you Blue, luego se reúnen para hablar del proyecto y John irónico dice “Todo éste show es la canción de Paul y que se ha convertido en nuestro número más que el de él” (por supuesto se refiere a la canción Get Back). Ante el rechazo de sus sugerencias Lindsay-Hogg propone que la actuación en vivo sea en la azotea de Apple y su preocupación es ver si puede resistir el peso de los equipos. Luego siguen ensayando, aparece el dealer de John Robert Fraser, Lennon en los ensayos de la canción Let it be se vuelve más pesado e ironiza Mother Mary con Bloody Mary y fastidia a McCartney sobre su supuesto

liderazgo en el manejo del grupo “Sí Paul, tienes que ser estricto, un poco de disciplina, aféitate, córtate el maldito cabello ¡Vive hombre” ¿Hay dudas de quién lideraba realmente a los Beatles? Yo no las tengo. Termina la segunda parte cuando Paul pregunta si van a venir el domingo y aparece el rótulo “Los Beatles deciden hacer su concierto en la azotea el miércoles y faltan 4 días”.

Duración 2 horas 18 minutos, 07 segundos

El tercer y final episodio de la saga Jacksoniana sobre el ocaso de los Beatles como grupo se inicia con el siguiente dramático rótulo “Los Beatles han estado ensayando durante 16 días para un álbum en vivo y quizás para montar un show y que esté listo para fin de mes… el último plan… El concierto en la azotea”.

Se inicia con el bueno de Ringo al piano tocando su canción “Octopus’s Garden” y Harrison le ayuda con algunas notas para mejorarla, George Martin muestra interés en el tema, al igual que John que los acompaña con la batería y la armonía se interrumpe al llegar el trabajólico de Paul junto a Linda y su hija, la pequeña Heather, y empiezan minutos de un episodio de “La familia Ingalls”, al tomar protagonismo en las escenas la niña. Lo gracioso es que su blusa es similar a la de Ringo, Glyn Johns se muestra muy cariñoso con la niña, creo que Paul se percata de ello, bueno… Ensayan la canción Let it be al cual John llama el Gospel de Paul, ensayan la kilométrica Dig it, Linda toma fotos y al escuchar la canción The Long & Winding Road, Paul tiene la duda de agregarle cuerdas y luego la jornada termina. 48

En ese día ensayaron viejos Rock and Roll de juventud, como Shake, Rattle and Roll y Kansas City (nuevamente aparece Heather). Lo interesante es que George ensaya al piano Old Brown Shoe y Billy Preston gentilmente le ayuda con los acordes adecuados y Harrison reconoce que tocar el piano es difícil, más fotos tomadas por Ethan Russell, ensayan Let it be y Winding Road, Lennon vuelve a agarrar de punto a Ringo y lo minimiza y él pensando más en su trabajo se ríe en forma complaciente de sus bromas sin replicarle, mientras tocan Oh Darling John cuenta que ya salió el divorcio de Yoko con una alegría impostada de Paul, luego ensayan Don´t Let me down y para finalizar la jornada ensayan varias veces la canción Get Back y la toma 11 es la que apareció en el álbum Let it be y también queda grabado el tema I´ve Got a Feeling, Lennon se va y se acuerda la hora del ensayo del día siguente para las 11 de la mañana, pero tanto John y Paul llegarían a partir de la 1 y 30 de la tarde y por problemas climáticos se pospone el concierto en la azotea para el día jueves.

Empieza la escena con George cantando Something y John amablemente le ayuda a mejorar la letra, Linda que estuvo presente toma fotos, destaca la guitarra psicodélica de George cuando tocan I´ve Got a Feeling, John Lennon que llegó tarde porque se había entrevistado con

Allen Klein para ver si los representaba como manager y a quien conoció en el Rock and Roll Circus de los Stones y les habla maravillas sobre él… (Luego se arrepentirá), ensayan el tema Old Brown Shoe de Harrison, juegan con un pequeño órgano y graban Don´t Let me Down que es la toma que aparece como lado B del single Get Bet Back y los ensayos se interrumpen porque los cuatro se tienen que reunir con Allen Klein (John fue el promotor de la iniciativa y vería a Klein por segunda oportunidad).

Falta un día para el concierto en la azotea y John dice que no están preparados para tocar 14 canciones y que solo toquen las 7 que están totalmente ensayadas, George Harrison aún está reticente de tocar en la azotea y George Martin tiene una lista optativa de canciones para grabar el álbum y que me parece interesante y son las siguientes: I´ve Got a Feeling, Don´t Let me Down, Get Back, Old Brown shoe, Let it be, Long & Winding road, For you Blue, Two of us, Dig a Pony, Across the Universe, Maxwell Silver Hammer, One after 909, She Came Inthrough the Bathroom Window, Teddy boy, All Things Must Pass & Dig it es decir son 16 canciones y hubiese sido

interesante que hubiese quedado esa selección de temas. Luego aparece Mike McGear o McCartney, que ve los ensayos y toma fotos, ensayan I want you y sale la escena donde John y Paul cantan Two of Us sin cerrar los labios, que tanto gustó a los sentimentales, queda acordado reunirse el jueves a las 11 para el último show y Paul se va a almorzar con su hermano.

Es la fecha acordada para el concierto en la azotea y el rótulo de Jackson da una explicación técnica “Hay 10 cámaras (5 en la azotea, 1 en el edificio de enfrente, 3 en la calle, y una cámara escondida en el vestíbulo), Glyn Johns y George Martin estarán en el sótano para grabar el concierto y el asistente Alan Parsons monitoreará los eventos del concierto en una cámara de circuito cerrado y los

Beatles se reúnen en una sala del piso de abajo decidiendo si tocan o no en la azotea”. Como es de conocimiento general, deciden tocar y el primero en aparecer es Paul, luego Ringo acompañado de su mujer Maureen (una beatlemaniaca desde antes de casarse con Ringo), Billy Preston, George y John & Yoko agarran los instrumentos, Ringo nervioso llama a Evans y comienza la función tocando “Get back” como ensayo y Jackson utiliza la doble y triple cámara, que, en vez de mejorar, malogra el concierto por las voces de la gente que entrevistan en exteriores mientas suenan las canciones. Esto ocurrirá durante todo el concierto, arruinando la experiencia de poder escuchar limpiamente y con mejor sonido las canciones, vuelven a tocar “Get Back”, el siguiente tema es “Don´t Let me Down” y es la que aparece con otro montaje en el film de 1970 donde Lennon cambia una estrofa dejando con la boca abierta a McCartney y mientras la tocan, la pantalla doble muestra a los dos policías (PC), de apellidos Shayler y Daggs, que llegan a las

instalaciones de Saville Row debido a la queja de algunos vecinos. Mientras tocan “I´ve Got a Feeling” los policías le piden al personal administrativo para que bajen el volumen o van a arrestar gente por alterar la paz del vecindario, antes de finalizar el tema aparece un intertítulo que señala que ésta versión aparece en el álbum Let it be, toman un descanso y se muestra nuevamente a lo policía que insiste en que bajen el volumen, que el ruido llega hasta la estación de policía, retoman el

el concierto con “One after 909” que también apareció en el álbum Let it be , luego para cantar “Dig a Pony” Lennon pide a los asistentes a pasarle la letra, los policías al sentirse mecidos llaman a su jefe, Mal Evans trata de calmarlos y cede en apagar los parlantes que estaban en la azotea, mientras los Beatles continúan

tocando “Dig a Pony” un intertítulo señala que también forma parte del álbum Let it be, al acabar, mientras enfocan entrevistas positivas y negativas hacia los Beatles, se escucha por pocos segundos los acordes del tema “God Save the Queen”, Mal Evans lleva a los dos policías a la azotea, mientras vuelven a tocar I´ve Got a Feeling, la gente le pide a los Beatles Rock and Roll y tocan “Don´t Let me down, llega el jefe de policía con un asistente y termina el concierto con otra versión de “Get back” que tiene problemas en el sonido y al finalizar Paul

agradece a Maureen y John brinda su frase que espera que hayan pasado la audición, aparece un rótulo que señala que fue el último concierto de los Beatles, luego bajan todos, hasta los cuatro policías y hasta el dueño de edificio de enfrente que se quejó que habían colocado una cámara en su propiedad de contrabando, ya recuperada la calma, van a la consola y escuchan las grabación del que bajar los equipos, se decide volver al concierto y Jackson edita las imágenes día siguente para grabar los temas como una epifanía, acuerdan grabar los restantes. temas acústicos en el sótano después del almuerzo, pero al final, como se tenían

Jackson decide editar las canciones que aparecen completas en la película de 1970 mientras pasa los créditos finales del film, malogrando nuevamente de poder escucharlas con un mejor sonido que hace 50 años y por ello vemos extractos de Teddy Boy, Two of us, Run for your life, nuevamente Two of us

(versión del álbum Let it be), The Long & Winding road, Let it be (cuya última toma aparece en el álbum Let it be), Jackson trata de edulcorar las escenas mostrando un ambiente de camaradería que es un poco naif para mi gusto y seguro para contentar a los sentimentales. Así terminan más de siete horas.

A mi parecer, el documental, a pesar de mis críticas es muy valioso por su labor acuciosa de reconstrucción de más de 60 horas de filmaciones y como 150 horas de audio que resumen los 22 días que duró el proceso de grabación de lo que sería finalmente el álbum Let it be (en la película el metraje no está en un debido orden cronológico) y muestra a los fans, al público en general y a las nuevas generaciones como se desarrollaba el proceso de creación de las canciones de los Beatles y como los músicos pasan horas y horas en un estudio de grabación para lograr el producto final, que será el álbum o single que el público adquirirá.

Para los beatlemaníacos, los diálogos que se dan a lo largo de la película son una rica fuente de información que satisface nuestras dudas, pues pese a que Jackson ha querido plasmar lo más positivo de ellos, algunos hemos podido confirmar que Lennon nunca perdió el liderazgo de la banda, que quizás utilizó a Yoko como pretexto para exacerbar los ánimos de sus compañeros, pues se nota su inicial apatía de no tener mucho interés en el proyecto. También pasaba por un periodo de adicción y quizás por ello delegó a McCartney la conducción musical de la banda. Respecto a Paul, es un trabajólico, vive y respira por la música y por ello fue el idóneo de reemplazar al fallecido Epstein para disciplinar a los otros en lo

musical, se muestra su acostumbrado manejo del doble discurso, sobre todo cuando Lennon no estaba presente, hablaba a sus espaldas, pero cuando se encontraba en las grabaciones siempre buscaba su aprobación como si fuera un acto reflejo, se comprueba que Harrison llevaba un resentimiento acumulado a lo largo de los años debido a que los otros dos no le daban la debida importancia como músico y compositor, como si se la daban otros músicos y por ello se guardó las canciones que había compuesto para un próximo disco como solista y por último Ringo, que se ve un músico profesional, que no se hace problemas para acatar las indicaciones de los demás, 58

que se ve una persona sumamente nerviosa pero cumplidor en su labor como baterista y quizás estaba más preocupado en la película que iba a filmar que en el proyecto musical de Paul, y a lo largo del film es presa constante de las bromas pesadas de John. Por ello éste film, pese a su edición que muestra más los aspectos positivos de los Beatles, no puede dejar de mostrar a cuatro jóvenes que aún no llegaban a los 30 años pero que en menos de una década crearon los parámetros de la música rock que rigen hasta nuestros días.

Tal como hicimos finalizado 1960, acá va un pequeño panorama de lo que nos dejó 1961. Aquí la lista con lo más destacado de 1961: https://open.spotify.com/playlist/1v5jXYpTk9n3GBNv w8OxKo?si=fd35c164f46044a7

CANCIONES/SENCILLOS Pasaron por las listas 348 canciones en total, solo 3 más que en 1960, por 193 intérpretes. Hubo 23 canciones diferentes en el #1, por un total de 17 artistas diferentes. Quien más #1 tuvo en 1961 fue Elvis Presley, con 4: “Are You Lonesome Tonight?”, “His Latest Flame/Little Sister”, “Surrender” y “Wooden Heart” (de 6 canciones con su nombre que pasaron durante el año en total, y una de ellas #1 en 1960!). Con

dos #1 aparecen Helen Shapiro (“You Don't Know” y “Walking Back To Happiness”) y The Everly Brothers (“Walk Right Back/Ebony Eyes” y “Temptation”). El resto, todos con un solo #1: Cliff Richard, Danny Williams, Del Shannon, Eden Kane, Floyd Cramer, Frankie Vaughan, Highwaymen, John Leyton, Johnny Tillotson, Marcels, Petula Clark, Shirley Bassey, Temperance Seven y The Shadows. Luego, le di un peso a cada canción considerando la cantidad de semanas en el #1, y en posiciones inferiores. La suma de toda la cuenta nos da estas canciones como las más importantes del año 1961:

Algunas consideraciones a sumar es que en el #12 aparece el primer No #1 de la lista “Halfway To Paradise” de Billy Fury, cuya máxima posición fue #3. Por otro lado, en el #16 aparece otro tema con 3 semanas en el #1 que es “Tower Of Srength” de Frankie Vaughan, que lamentablemente perdió mucho peso por haber estado las 8 últimas semanas del año y perdió representatividad en el anual. La canción con más semanas en el #1 fue “Wooden Heart” de Elvis. 62

Ahora las canciones con más presencias en las listas en todo el año fueron: Las canciones con más presencias durante el año :

Si miramos con el ojo más afilado las presencias anuales de cada interprete durante 1961 vemos que hay dos que estuvieron en alguna de las 50 posiciones semanales en todas y cada una de las listas del año, sin importar su posición: Elvis Presley y The Shadows estuvieron presentes en los 54 listados. Le siguen de cerca Cliff Richard (51), Connie Francis (50) y Bobby Vee (50). Intérprete por cantidad de semanas del año en el #1:

Curioso el caso de “A Scottish Soldier” de Andy Stewart que estuvo presente en 41 de las 54 listas de 1961, pero su máxima posición fue #19.

INTERPRETES Los artistas con más canciones en las listas (sin importar posición) durante 1961 fueron: Con 6 apariciones Connie Francis (“Baby's First Christmas”, “Breaking In A Brand New Broken Heart”, “Many Tears Ago”, “My Heart Has A Mind Of Its Own”, “Together”, “Where The Boys Are/Baby Roo” (#5)), Duane Eddy (“Caravan”, “Drivin' Home”, “Kommotion”, “Pepe” (#2), “Ring Of Fire” y “Theme From Dixie”) y Elvis Presley: “Are You Lonesome Tonight?” (#1), “His Latest Flame/Little Sisters” (#1), “It's Now Or Never” (#1 1960), “Surrender” (#1), “Wild In The Country/I Feel So Bad” (#4) y “Wooden Heart” (#1). Abajo con 5 canciones aparecen: Adam Faith, Billy Fury, Bobby Darin, Bobby Vee, Cliff Richard, The Everly Brothers y The Shadows.

Y por último una ponderación respecto a los artistas y sus presencias nos da que los artistas más representativos del año son:

SELLOS 27 sellos discográficos tuvieron al menos un ingreso en las listas durante 1961, el top 5 de presencias fue para:

London apoyándose fuerte en las presencias de Duane Eddy, Roy Orbison, Bobby Darin y Bobby Vee cuenta con 68 singles rankeados.

Columbia aparece en el Segundo lugar con menos artistas pero con sencillos bastante más exitosos y 49 presencias, incluyendo las de Cliff Richard, The Shadows, Shirley Bassey, Russ Conway y Mr. Acker Bilk. El podio lo cierra Decca, apoyado por los sencillos de Billy Fury, Anthony Newley y Mark Wynter. Si cambiamos el enfoque y vemos los sellos que han resultado más exitosos según la ponderación de sus ingresos: El gráfico de abajo nos muestra esa diferencia. En Rojo se representa la suma ponderada de los ingresos por cada sello contra la línea celeste interna que representa la cantidad de sencillos diferentes que el sello ha logrado durante 1961.

Columbia y London invierten sus posiciones y en suma total superan al que aparece en tercer lugar RCA, que si bien está bastante lejos en cantidad de Lanzamientos, se hace muy fuerte con los sencillos de Elvis Presley y suma otro tanto con los de Neil Sedaka y Floyd Cramer.

Si solo nos quedamos con los #1, la primera posición queda compartida entre Columbia (2 de Helen Shapiro, y 1 de Cliff Richard, The Shadows y Shirley Bassey) y RCA (4 de Elvis Presley y 1 de Floyd Cramer). Atrás vendrían con 2 #1 HMV, London y Warner Brothers.

#1 - Danny Williams - MOON RIVER 27/12/1961 – 10/01/1962 / [HMV]

Danny Williams, de quien ya hablamos en la edición anterior, fue #1 los últimos días de 1961 y durante los primeros de 1962. Recordemos que fue un cantante pop inglés, nacido en Sudáfrica y que este cover de Moon River fue su tercer sencillo. También, que Danny fue uno de los artistas que acompañó a Helen Shapiro en su tour británico de comienzos de 1963, del que también formó parte The Beatles. Respecto a Moon River, fue escrita por Henry Mancini y Johnny Mercer especialmente para la película Breakfast at Tiffany's, y ganó un Oscar a mejor canción original.

#2 - Mr. Acker Bilk - STRANGER ON THE SHORE 11/01/1962 – 31/01/1962 / [Columbia]

Es una canción instrumental donde el protagonismo lo toma el clarinete, por parte de su autor Acker Bilk, clarinetista de gran trayectoria británico. Originalmente fue compuesto para la hija de Acker Bilk, Jenny, pero se volvió popular luego de ser la cortina principal de la serie de TV de la BBC “Stranger On The Shore”, de ahí el nombre. Un dato no menor es que todo el acompañamiento de cuerdas corrió por parte de Leon Young String Chorale, quienes comparten crédito en la grabación. Su lado B fue “Take My Lips”. Pero hay más, ya que la canción cuyo pico lo alcanzó en este enero estando 3 semanas en el #2, se mantuvo en las listas durante todo el año, estando aun en el #9 hacia julio y bajando muy lentamente: llegó a salir recién en diciembre. Tantos meses consecutivos en las listas le valieron ser el sencillo más vendido del año 1962, a su vez que se encuentra en el puesto #58 de los sencillos más vendidos de la historia británica de todos los tiempos. Del otro lado del océano, en Estados Unidos tuvo el privilegio de ser el primer sencillo británico en alcanzar el #1 del Billboard. Mirando hacia atrás, Acker Bilk tuvo algunos grandes éxitos empezando por un #5 británico en 1960 con “Summer Set”. A futuro, tuvo una larga trayectoria con algunos intermitentes accesos a las listas sin ningún top #10, pero no será hasta 1976 donde obtuvo un #5 con “Aria”. Sin dudas, uno de los temas del año y recién estamos en enero.

#3 – Sandy Nelson – LET THERE BE DRUMS 04/01/1962 – 10/01/1962 & 18/01/1962 – 25/01/1962 / [London]

Otro instrumental tenemos aquí de la mano del percusionista Sandy Nelson estadounidense, acompañado por el guitarrista Richard Polodor, dos músicos de gran renombre en los 60’s (Polodor sería incluso un importante productor de bandas como Iron Butterfly, Alice Cooper

Steppenwolf,

entre

otros).

instrumental es un verdadero clásico, considerado

dentro

de los primeros ejemplos de la Surf Music. Alcanzó el #7 en EEUU, el #3 en el Reino Unido (en dos semanas no consecutivas) y el #1 en Australia. Sandy ya había tenido un #9 en 1959 con “Teen Beat”, y solo ingresará a las listas dos veces más, ambas en 1962, pero lejos, con un #30 en marzo “Drums Are My Beat” y un #39, “Drummin’ Up A Storm””. 66

#2 – Kenny Ball And His Jazzmen – MIDNIGHT IN MOSCOW 04/01/1962 – 10/01/1962 / [Pye Jazz]

Tercer instrumental consecutivo en los puestos más altos del mes. Es una canción con historia. Fue compuesta en 1955 por Vasili SoloviovSedói, con letras de Mijaíl Matusovski bajo el nombre Leningrádskie Vecherá (Noches de Leningrado), pero tuvo que ser renombrada rápidamente a Podmoskóvnye Vecherá (Noches en la óblast de Moscú) por requerimiento del ministerio de cultura soviético. Fue grabada por primera vez por Vladimir Troshin para un documental acerca

competiciones atléticas en Moscú, y gracias a ello la canción se volvió muy popular en las radios soviéticas. Vale decir que esta versión original tiene letra. En 1957 la canción ganó un importante premio de canción internacional y se lanzó alrededor del mundo. La versión que aquí llega es instrumental por Kenny Ball And His Jazzmen quienes la reinterpretaron bajo el nombre “Midnight In Moscow” en 1961, y alcanzó el #2 a ambos lados del atlántico. Si bien Kenny Ball alcanzó algún Top #10 más, este #2 fue el mejor posicionado de su carrera.

#3 – Neil Sedaka – HAPPY BIRTHDAY, SWEET SIXTEEN 01/02/1962 – 07/02/1962 / [RCA]

Tema que anduvo bien en enero, pero su semana al #3 fue en Febrero. Neil Sedaka es un legendario pianista, productor y cantautor estadounidense. Para 1961 ya había ingresado varias veces en los charts británicos, con dos #8, dos #9 y un #3 en noviembre de 1959 con el clásico “Oh Carol”. En febrero de 1962 emparda aquella posición con su nuevo sencillo “Happy Birthday, Sweet Sixteen”, compuesta y cantada por él, y con letra de Howard Greenfield. Hubo algo de polémica alrededor, debido a que se acusó a Sedaka que la canción presentaba similitudes con “Take Good Care Of My Baby”, éxito de Bobby Vee en 1961 y a “One Fine Day” de The Chiffons. Su lado B fue “Don’t Lead Me On”. Si bien Sedaka tuvo varios ingresos más a las listas británicas, este fue su último Top #3. 67

#1 – Cliff Richard – THE YOUNG ONES 11/01/1962 – 21/02/1962 / [Columbia]

Acá si arrancó el 1962 con el primer #1 del año para el eterno Cliff Richard y The Shadows, quien se adueña la posición el 11 y no la suelta por todo el mes. Y no es una canción menor, ya que fue grabada para dar título y canción original a la película homónima, protagonisada por Cliff. Si bien Cliff ya había actuado en dos películas previamente, esta fue la primera en la que él era realmente el protagónico, y aportaba numerosas canciones con su voz al soundtrack. Volviendo la canción, fue

escrita

por

Sid Tepper y Roy Bennet, dupla que le aportó 21 canciones a Cliff, aunque es más recordada por haber aportado 43 a Elvis Presley (más que ningún otro). La canción, cuyo lado B fue “We Said Yeah” (cierre del soundtrack), entró directamente y sin escala al #1 británico, habiendo vendido 500.000 copias en preventa. También vale decir que la canción fue #1 en varios países como España, Dinamarca, Holanda, Nueva Zelanda y Australia, entre otros.

#1 – Elvis Presley – CAN’T HELP FALLING IN LOVE 22/02/1962 – 28/02/1962… / [RCA]

Siempre aparece! Primera aparición en el #1 de Elvis Presley en 1962. Su sencillo número 39 en entrar a las listas británicas, así como décimo #1. Pero hablaremos más sobre este clásico instantáneo en la próxima edición.

#2 – Chubby Checker– LET’S TWIST AGAIN 01/02/1962 – 14/02/1962 / [COLUMBIA]

Otro clásico instantáneo que no pudo llegar al #1, pero que aún es extremadamente conocido. Let’s Twist Again fue escrito por Kal Mann (letrista de “Teddy Bear” de Elvis Presley) y Dave Appell. Fue escrita como secuela para el hit doble #1 (en Estados Unidos) que había tenido pocos meses antes Checker con “The Twist”. Si bien no alcanzó el #1 en su país, llegó al #8, pero si mejoró mucho en el Reino Unido, donde el “The Twist” original había alcanzado el #14 y su secuela casi llega al #1, pero se quedó en el #2 debajo del imbatible Cliff Richard. La canción recibió el Grammy a la mejor grabación de Rock N Roll de 1962. Su B-Side fue “Everything's Gonna' Be All Right”. La carrera de Chubby luego del éxito masivo de sus Twist no continuó igual, aunque editó sencillos casi ininterrumpidamente hasta 1982. En Estados unidos consiguió algunos éxitos más, pero no así en el Reino Unido, donde si bien entró un puñado de veces su máximo logro fue un #19 con “Dancin’ Party” en agosto de 1962. Entre sus singles subsiguientes hubo muchos Twist más como “Twistin’ USA”, “Slow Twistin”, “La Paloma Twist”, “Teach Me To Twist” y “Twist It Up”. Al día de hoy, “The Twist” sigue siendo de los sencillos #1 más populares de la historia, desde su salida en 1960. Otros Ex #1: #2 -> #23 -> OUT Frankie Vaughan - Tower Of Strenght [Philips]: El Máximo hit de diciembre de 1961 fue Tower Of Strenght, y último #1 de Vaughan. Bajó del #2 al #23 en enero y salió del todo en febrero. #16 -> #28 -> OUT Helen Shapiro - Walking Back To Happiness [Columbia]: El último #1 de Helen Shapiro también se retiró de las listas. Cayó diez posiciones en enero y salió definitivamente en la segunda semana de febrero #13 -> #39 -> OUT Elvis Presley - (Marie's the Name) His Latest Flame / Little Sister [RCA]: El doble A side de Elvis, su último #1 de 1961, cayó 26 posiciones en enero, y directamente no aparece en febrero.

Federico B. 69

En marzo de 2012 el sello Weindenfield & Nocolson, lanzó en Gran Bretaña el libro “The John Lennon Letters”, editadas por Hunter Davies.

Un año más tarde y haciéndolo coincidir con el aniversario número 50 del primer disco de The Beatles, el sello Libros Cúpula, de Barcelona, puso a la venta la versión en español que es la que me sirve de base para este comentario. En lo formal, es una magnífica edición de tapas duras, empaste de excelencia y de casi cuatrocientas páginas. El autor de la edición original en inglés es el veterano periodista y escritor británico Hunter Davies, coetáneo de The Beatles y hoy con 86 años y una actividad profesional que no decae. Su extensa obra de por sí sería suficiente para concluir que un producto de su pluma tiene que ser excelente. Pero, en lo que se refiere a The Beatles, se agrega a sus capacidades literarias y prolijidad, el haber sido no sólo un espectador privilegiado de la trayectoria del grupo y la vida de sus integrantes, sino de haber mantenido una

estrecha relación con ellos, especialmente con John y con su viuda Yoko Ono. Davies conocía a profundidad y muy estrechamente a The Beatles, lo que le había granjeado la oportunidad única de escribir y publicar la legendaria biografía autorizada en 1968, tras pasar 18 meses con ellos, entrevistándolos y recopilando material. Si no hubiese sido así, un libro como éste jamás hubiese visto la luz, tanto por el enorme esfuerzo que demandó la tarea de recopilación de las 285 cartas que se consignan en él, algunas de ellas pertenecientes al propio

Davies. Había comenzado a reunir estas cartas desde algunos años antes de poder conversar con Yoko Ono, en octubre de 2010, acerca de la posibilidad de editar un libro sobre ellas y solicitarle su apoyo. En lo personal, estimo que en el libro “Las Cartas de John Lennon” si bien no se atribuye su autoría a Davies, sino que se le señala como “encargado de la edición”, pues, obviamente las cartas son autoría de John Lennon, los textos de Davis, mediante los cuales nos aclara los motivos de cada carta, quienes eran sus destinatarios, y, en cada capítulo, describe el contexto general en que fueron escritas,

El propio traductor nos da cuenta de una dificultad en su labor mediante una nota en la página 139 de la edición en español en la que expresa: “A partir del sonido de las palabras, Lennon compone unos párrafos sin sentido y de traducción prácticamente imposible” (la nota estaría perfecta si hubiese omitido incluir la palabra “prácticamente”). Entonces, no es de extrañar que para este monumental trabajo de traducción no se cite al o los traductores, me imagino que a petición de ellos mismos.

proveen de un entorno que logra transformar una recopilación de cartas en una pieza fascinante. Para la edición en español de “Las Cartas de John Lennon”, sin duda él o los traductores hicieron el mejor trabajo posible para un cometido imposible: traducir a John Lennon, quien detestaba que siquiera se intentara hacer una “interpretación” de las letras de sus canciones.

Probablemente no quisieron arriesgarse a sufrir las críticas despiadadas que afectaron a algunos entusiastas traductores al español de los cuentos contenidos en el libro de Lennon “In His Own Write & A Spaniard in the Works” (Por mi parte leí una buena traducción del cuento “Frank sin moscas” y otra horrible, del mismo cuento, en la que el traductor intenta “enmendar” las palabras “erróneas” de John, lo que no ocurre con la traducción de “Las Cartas de John Lennon”). Hay algunas erratas, que no se salvaron, que probablemente se produjeron por la premura en lanzar el libro para la fecha determinada, pero son muy pocas, casi todas irrelevantes. Un ejemplo lo encontramos en la página 131, en el segundo párrafo que dice: “Yoko y Ono no estuvieron realmente juntos hasta…”. Parece una de las humoradas de John.

Dejemos lo formal. ¿A quiénes está dirigido este libro? ¡Por supuesto, para mí! Es un libro precisamente dirigido a fanáticos de The Beatles, aun cuando Lennon no sea su ídolo mayor. Eso es claro, si bien Davies nos aporta contexto y emoción, se requiere tener algún conocimiento no sólo de la música, sino quienes fueron, la trayectoria e influencia de The Beatles y sus integrantes en la cultura de los años 60s y 70s.

Cumplido ese requisito, ¿Por qué leerlo? Porque es indispensable e inimaginablemente entretenido. Absolutamente apasionante. Nos permite aproximarnos en forma más auténtica aún que la docuserie “Get Back” a la intimidad de John Lennon. Se nos presenta su espontaneidad, sin la incomodidad de saberse filmado, en un período de tiempo que abarca gran parte de su vida. Nos muestra el genio innato de este creador de palabras y sonidos. Nos permite apreciar mordacidad hilarante y hasta cruel, pero siempre brillante, que ya se manifestaba a los

John, a pesar de ser un mal estudiante, era un ávido lector que siendo apenas un niño ya leía a Lewis Carroll. Lo fue toda su vida y un escritor compulsivo. Fue un representante genuino de la cultura epistolar que existió antes de los computadores y los celulares. Para quienes tienen ese gusto por la literatura, la información y las epístolas seguramente les debe parecer ofensivo que a algunos les parezca criticable el confeso gusto de Lennon por el dormitorio y el “no hacer nada”. Esa aparente flojera formó la mente que produjo algunas (muchas, en realidad) de las canciones más extraordinarias de la historia, con una lírica que no tiene parangón.

11 años, en su revista autoeditada en forma manual llamada “Daily Howl” y siempre emerge de sus cartas. En una de 1967 que dirige a un estudiante de ese entonces de su antiguo instituto Quarry Bank, Stephen Bayley, rechazando cualquier mención idealizada de esa época y su importancia, les manda un “hola” a sus antiguos profesores, “incluso a Pobjoy, que consiguió que entrara a la escuela de bellas artes para que pudiera fracasar también allí. Nunca se lo agradeceré bastante”, señala.

Así lo recuerdan quienes lo conocieron. Escribía cartas todo el tiempo, en el papel que tuviese a mano, por cualquier motivo que despertara su interés, desde dar un momento de felicidad a un fan, felicitar a sus amigos, enfrascarse en duras discusiones con periodistas, defender a brazo partido y sin ambages a quienes quería, siempre con una honestidad sorprendente respecto de lo que él pensaba y creía. Parece ser que no conocía la mesura al expresar sus sentimientos en cartas. Cuando avizoraba una injusticia respecto de Yoko, respondía con ataque feroces, fuese que se tratase de críticos profesionales o simples “groupies” (cartas 137 a 141, 143), en tales

casos logra que su mordacidad destile veneno. Un magnífico ejemplo es su carta 138, en la que explica porqué no dice nada al comentario aparecido en el Syracuse Post Standard de un tal Mario Rosso. Genial desde el destinatario, pues la dirige al sujeto en el Siglo XIX y le espeta: “Si en su mediocre e insignificante ataque hubiera dicho algo del siglo XX, le hubiera contestado. No lo hizo. ¿Por qué no le da su trabajo a un escritor?” En la literatura “Beatle” hay infinidad de referencias a la carta de respuesta a Linda McCartney, conocida como “La Rabia de John” de 1971, que en el libro se reproduce íntegramente entre las páginas 207 a 209, que no se sabe si en definitiva fue despachada y menos recibida por su destinataria, pues Linda jamás quiso referirse a ella y menos lo ha hecho Paul.

Por otra parte, cuando se trataba de defender su obra o apoyar Yoko Ono tampoco se limitaba en nada, sea mandando cartas a todos quienes pudieran apoyar la obra de Yoko, expresando cada vez que pudo sus talentos artísticos, aclarando que su calidad de artista es muy anterior a la relación que se entablo entre ellos. A una desconocida le señala: “Yoko ya era una artista antes incluso de que tu fueras una groupie.” (pág. 203). Si alguien hacía alguna mención desatinada respecto al aspecto o físico de Yoko, la mujer que amaba y que confesaba encontrar “bellísima”, (una perfecta combinación de él y de su madre, según sus palabras) les contestaba

como se merecían y aprovechaba de ensalzar a Yoko. Dice: “…ella ¡nunca!, absolutamente nunca lleva zuecos (o algo parecido a zuecos) en sus divinos y bonitos piececitos…” (carta 139). En lo que era defender su propia obra, en mi opinión los mejores ejemplos son la respetuosa pero categórica carta dirigida a George Martin, aclarando su íntegra autoría de Please ,Please Me y la larga carta a Paul (148 ), una curiosa mezcla de rabia, cariño, nostalgia y expectativas.

Mucho más sanguínea es la carta abierta que dirigió a John Hoyland el 10 de enero de 1969, en respuesta a un artículo que éste último había publicado en el periódico radical inglés Black Dwarf, criticando la letra de la canción “Revolution”. En esta carta Lennon, entre sarcasmo e ironía, da cuenta de una madura reflexión política, con una post data digna de una canción: “Tú lo destruyes. Y yo construiré a su alrededor”. Tras ella, Lennon y Hoyland fueron muy buenos amigos. Una pequeña muestra de la profusión epistolar de Lennon son las tres cartas (de quizá muchas más) que se lograron encontrar por Davies publicadas entre las páginas 193 y 196 del libro, que fueron escritas en el vuelo de casi 8 horas entre Londres y New York de 14 de septiembre de 1971 que lo llevaría a Estados Unidos para nunca más volver a Inglaterra.

Por otra parte, el libro nos da una perspectiva a veces detallada sobre aspectos no muy tratados de la vida de John y creo que cada lector podrá descubrir en ellas algo interesante y que le era desconocido o de lo que se tenía una idea equivocada, normalmente por la cobertura que se dio en la prensa.

Las cartas nos revelan un sujeto amable, muy generoso, pero que no se reprimía en lanzar Estas tratan temas tan diversos como contestar duras frases cuando sentía que debía aclarar una invitación a una velada musical en favor del algo o debía negar una petición de apariencia Frente de Liberación de la Música de Inglaterra, amable, muchas veces contradictorio y entregándoles su apoyo. Otra es una excelente confundido, lo que nunca tuvo problemas en y aplastante, pero muy respetuosa, respuesta a reconocer, sensible y consciente. Su carácter un artículo que acusaba a The Beatles de haber emerge en casi todas sus cartas. El “casi” es copiado a la música negra y otra, con un porque hay muchas que son simples notas de divertido dibujo del avión en que iban dando saludos. tumbos, coordinando un encuentro con su ahora amigo John Hoyland. Así como se da el tiempo para contestar a una carta, negando la petición de un tipo que le pide dinero para viajar por el mundo “porque usted 81

lo tiene y yo no”, cuyo destino natural, para casi cualquier persona hubiese sido mandarla directamente y sin más trámite al basurero, no tuvo problemas en prestarle 20.000 libras a su amigo Pete Shotton para que abriera un supermercado en 1965, sin ningún respaldo. A quienes le reprocharon esa “locura”, John se limitaba a contestar “Pete habría hecho lo mismo por mi” (pág. 105). Para mí, fue una revelación francamente emocionante la relación que logró construir con su padre que se relata en la parte seis del libro titulada “Reaparece Freddie, 1967-68” y se menciona también en la página 170 dentro de la parte diez “El drama de Apple – 1969”. Me cambió mucho la idea que me había formado, producto de la prensa e incluso de la propia biografía autorizada del mismo Davies. Yo pensaba que la relación entre padre e hijo había sido prácticamente inexistente desde aquel famoso día de su niñez en que, a los cinco años, debió elegir con cual de sus padres quedarse. Pensaba que siempre hubo rencores enquistados y justificados en el corazón de 82

John. Sin embargo, las cartas que le envía a él y su esposa Pauline, nos muestran que no sólo superó el rencor, sino que entre ellos se construyó una buena relación sin reproches. John parece cambiar mucho en las cartas de 1971 en adelante. Sin perder su esencia atacando, defendiendo, alabando, reprochandocuriosamente John parece menos explosivo a pesar de que algunas las escribe en lo peor del “fin de semana perdido”, sumido en las juergas, el alcohol y las drogas. Sus cartas son más reflexivas. Es notorio es esfuerzo de mesura y prolijidad que despliega en la carta al músico Todd Rundgren de 30 de septiembre de 1974, quién había calificado a John como un “completo idiota” en una entrevista al Melody Maker.

Algunas cartas de éste período son muy bellas. Las cartas a Mater de diciembre de 1974 y principios de 1975, muestran su cariño por la familia y dan cuenta de su generosidad. (pás 273, 274, 278). Las cartas familiares son las más largas y afectuosas. Las del capítulo final “Double Fantasy”, son perfectamente estructuradas, nos muestran a Lennon en equilibrio, contento con su vida y lleno de proyectos que lo motivaban, de modo que es imposible no sentir un apretujón en el corazón al ver su dedicatoria a Paul Goresh en un ejemplar de su libro “A Spaniard in the Works” y su autógrafo, dedicado “con cariño” a una técnica en sonido llamada Ribeah, ambas de 8 de diciembre de 1980.

Hace bastantes años tomé este libro, lo leí y como otros quedó guardado en mi estantería, quedando como “material de consultas”. Con ocasión de escribir este comentario volví a releerlo y me despertó la misma avidez que en su primera lectura y nuevamente me dije que me sentía muy representado por el comentario de Yoko Ono al libro que se incorpora como su prefacio y que concluye con la frase: “Hunter, hiciste bien”.

Exequiel Sagredo Wildner

Este mes es el turno de recorrer en forma de covers los tracks elegidos por Ringo (y su familia) para su álbum debut en solitario, que constó enteramente de selecciones de clásicos y estándares del Jazz, en la voz de Ritchie. Para el álbum de covers aquí reconstruido, elegimos, como siempre en estos casos donde los temas son covers, versiones de las canciones que fueron grabadas posteriormente a la versión de Ringo. Tendremos artistas como Amy Winehouse, Rod Stewart y Michel Bublé, entre otros. Para escuchar la lista en Youtube: https://www.youtube.com/playlist?list=PLLuiPVcTSpdAwb_-jQG-gPf4TavNG1jOH

Para escuchar la lista (casi) completa en Spotify: https://open.spotify.com/playlist/3Xr3gphKliseHDlGZy880g?si=4c5002782481421b

Sentimental Journey Amy Winehouse (2000) Original de Les Brown, Bud Green y Benjamin Homer, y grabada por primera vez por la Les Brown and His Orchestra con Doris Day en vocales en 1945, fue versionada por Ringo en 1970 y previamente por estrellas como Ella Fitzgerald y Booker T. La cantante británica Amy Winehouse grabó un demo de esta canción entre el año 2000 y 2001, y permaneció inédito hasta el año 2014, cuando póstumamente fue hecho público por los padres de la cantante. https://www.youtube.com/watch?v=xdPY_kL1aH0

Night And Day Everything But The Girl (1983) Original de Cole Porter, fue interpretada en vivo en 1932 para el musical Gay Divorce y ese mismo año llegaría su primera grabación, por Fred Astaire junto a la Leo Reissman Orchestra. Fue versionada cientos de veces, incluyendo la de Ringo, y anteriormente por

figuras como Fred Astaire, Frank Sinatra y Bing Crosby. Pero como siempre la idea es presentar covers posteriores a los Beatles, la aquí elegida pertenece al dúo Everything But The Girl, quienes lo publicaron previo a la salida de su álbum debut “Eden”, como sencillo, en 1983 y alcanzó el Whispering Grass puesto 92 en los charts (Don’t Tell The Trees) británicos. W. Davies y Don Estelle (1975) https://youtu.be/r4QiRP9p7vs

Escrita por Doris y Fred Fisher, fue grabada originalmente por Erskine Hawkins en 1940 y con los años por artistas de la talla de Duke Ellington y The Platters. Cinco años después de Ringo, la grabaron los actores cómicos Windsor Davies y Don Estelle, y alcanzó el puesto número 1 en los charts británicos tres semanas. https://youtu.be/qoUYSCnFChk

Bye Bye Blackbird Rod Stewart (2010) Escrita por Ray Henderson y Mort Dixon en 1926, obtuvo su primera grabación por la Sam Lanin Dance Orchestra en 1926. Con el correr de los años fue grabada por artistas de la talla de Dean Martin, Peggy Lee, Miles Davis, Sammy Davis Jr, John Coltrane y Joe Cocker, hasta llegar en 1970 a la versión de Ringo. El cover aquí elegido es el que realizaría Rod Stewart, dentro de su serie de álbumes de standards norteamericanos, en este caso el volumen 5: “Fly Me to the Moon... The Great American Songbook Volume V”, editado en 2010, y como tema Bonus en la edición limitada, y posteriormente en el “The Best Of”. De Rod podemos decir que estandares de este 89

disco de Ringo también tiene covers de Night And Day y Stardust, y tiene covers Beatle varios como All You Need Is Love, Sgt Pepper’s, Get Back e In My Life. Y para este caso haremos también una mención notable contamos también con la versión de otro Beatle, Paul McCartney, quien en su álbum de covers (casi completamente) Kisses On The Bottom de 2012, incluye su rendición de Bye Bye Blackbird, como tema 11 de la edición estándar, y además de incluirla en vivo hacia el final de la edición Deluxe. La versión de Paul va por otra arista y le da un aire romántico, muy diferente del originall. https://www.youtube.com/w atch?v=vpCFAqtt5F8

I’m A Fool To Care Boz Scaggs (2015) Fue originalmente escrita y grabada por Ted Daffan’s Texans en 1940, y grabada por artistas como Gene Autry, Les Paul, Frank Ifield y Fats Domino, hasta llegar a la versión de Ringo en 1970. En 2015 llegó este cover de I’m A Fool To Care, en la voz de Boz Scaggs, quien fuese parte de la Steve Miller Band. El mismo da nombre a su álbum de ese mismo año. https:// youtu.beo-dt4VY2Qs

Stardust Bob Dylan (2017) Stardust es una canción popular cuya música fue compuesta por Hoagy Carmichael en 1927 y su letra en 1929 por Mitchell Parish. Durante el siglo XX obtuvo más de 1500 versiones, incluyendo a Louis Armstyrong (1931), Nat King Cole (1956), John Coltrane (1958). Bing Crosby (1931), Tommy Dorsey & Frank Sinatra (1940) y un largo etcétera. En

1970 llegó la versión de Ringo, con arreglos de Paul McCartney. El cover aquí presente llegó en 2017, y de la mano del poeta y nobel literario Bob Dylan, incluido en su álbum Triplicate, el primero triple de su carrera, y que está compuesto totalmente por covers de temas clásicos estadounidenses. Bob tiene en su haber dos covers Beatle (Something y Things We Said Today), además de haber colaborado con el Concert For Bangladesh de George y haber sido parte de los Traveling Wilburys. Y un dato adicional: en Triplicate también versionó el tema Sentimental Journey. https://youtu.be/QXCN31OcNh8

Blue, Turning Grey Over You Catherine Russell (2016) Standard de Jazz. Fue compuesto en 1929 por Fats Waller con letra de Andy Razaf, aunque recién grabado, por el mismo Fats, en 1937. Fue grabado entre otros por Louis Armstrong, Harry James, Maxine Sullivan y Billie Holiday, hasta que en 1970 lo hiciera Ringo. En 2016 la vocalista estadounidense Catherine Russell (hija de Luis Russell, director musical de Louis Armstrong) y quien trabajase con David Bowie en la primer mitad de los 00’s, realizó su cover de Blue, Turning Grey Over You, incluido en su trabajo “Harlem on My Mind”. https://youtu.be./qekIYIrO3Is

Dream Michael Buble (2007)

Love Is a Many Splendoured Thing Barry Manilow (2006) Esta canción, al igual que muchas de las del disco, es un gran clásico. En este caso fue escrito por Sammy Fain y Paul Francis Webster, y grabado por primera vez para la película de igual nombre estrenada en 1955. En un principio era solo melodía sin letra, pero se le agregó posteriormente para que sea posible competir para el Oscar, el cual lo ganó, a Mejor Canción Original. Fue grabada por numerosos artistas: La primera versión fue por Don Cornell, en 1955, pero ese mismo año salió su versión más popular, de la mano de The Four Aces. Luego siguieron entre otros, Bing Crosby Nat King Cole, Roy Hamilton, Paul 91

A veces conocido como “Dream (When You're Feeling Blue)” fue compuesta íntegramente por Johnny Mercer, en 1944, para su programa radial. Pero la primera versión grabada Anka, Shirley Bassey Jeff Lynne ocurriría al año siguiente, y Andy Williams. Pero la cuando The Pier Pipers la versión posterior a la de Ringo grabó y se convirtió en un gran de 1970 que aquí presentamos Hit. Con el correr de los años la corresponde al cantautor grabaron artistas como Fred estadounidense Barry Astaire, Andy Williams, Frank Manilow, lanzada en 2006 para Sinatra, Roy Orbison, Ringo y su álbum “The Greatest Songs otros. Aquí presentamos la of the Fifties”, en el que versión de Michel Bublé homenajea canciones que grabada en 2007 para su fueron populares durante su trabajo “Call Me Irresponsible” juventud. Barry Manilow tiene y siendo el tema de cierre. en su catálogo covers Beatle Pero como dato adicional, como And I love Her Y The Long curiosamente Bublé ya lo And Winding Road. había grabado en 2002 para su trabajo debut (no comercial) https://youtu.be/7GLamMQ3x6o titulado justamente Dream. Como datos extra, de este mismo trabajo Michael versionó Stardust y You Always Hurt The One You Love.

https://www.youtube.com/w atch?v=S4qWcWiSx0w

You Always Hurt the One You Love Shakin’ Stevens (1977) Es un standard pop escrito por Allan Roberts y música de Doris Fisher. La primera versión grabada pertenece a Mills Brothers y fue un gran éxito número 1 de Billboard. Antes de 1970 fue versionado

por artistas como Spike Jones que lo parodió, Fats Domino, Peggy Lee, Paul Anka y Connie Francis entre otros. Aquí presentamos la versión de Shakin’ Stevens, músico galés quien fuese el mayor vendedor de singles en el Reino Unido en la década del 80’s. En 1977, en su trabajo “The Tracks Years!” Have I Told You Lately incluyó este cover de You That I Love You? Always Hurt The One You Love. Michael Hurley (2005) https://youtu.be/oTUOXwIW mPE

La canción fue escrita por Scott Wiseman para la película musical “Sing, Neighbor, Sing”, en 1944, donde fue interpretada por Lulu Belle And Scotty, y el primer gran hit de la música country en el área del Pop. A partir de allí fue versionada varias veces por artistas como Red Foley, Bing Crosby, Elvis Presley y Kitty Wells, entre muchos otros. Aquí presentamos la versión de Michael Hurley, músico y pintor, referente del folk de los 60’s. La grabación de este tema (con el nombre acortado a “Have I Told You Lately”) sucede en 2005 y es incluida en su trabajo “Down In Dublin”. https://youtu.be/ om6EeG1qSxA

Let the Rest of the World Go By Willie Nelson y Leon Russell (1979) Let The Rest Of The World Go By es un standard de la música pop, compuesto en 1919 por Ernest R. Ball (música) y J. Keirn Brennan (Letra). La primera grabación llegó en 1919, de la mano de Henrry Burr y Albert Cambell y con los años fue versionada por Tom Lord, Frank Fontaine, Johnny nash, Mitch Miller y muchos otros. La versión que aquí traemos pertenece al músico country y leyenda Willie Nelson, quien lleva a la actualidad más de 50 discos de estudio más otros tantos en vivo. “Let The Rest Of The World Go By”, fue incluido en el álbum “One For The Road”, grabado en conjunto con Leon Russell. 93

Fuera de este álbum Willie Nelson versionó varias de estas canciones como You Always Hurt The One That YoU Love, Sentimental Journey, Night And Day, Let The Rest Of The World Go By, I’m A Fool To Care y Stardust. Del lado Beatle, Willie tiene covers de Something, One After 909, Yesterday y You’ve Got To Hide Your Love Away e Imagine de Lennon. Otro dato curioso es que el álbum “One For The Road” también contiene un cover de Stormy Weather, un tema grabado por Ringo para su segundo álbum “Beaucoups

Of Blues” pero que quedo afuera del corte final. Del lado de Leon Russell no nos olvidemos que participó del Concert For Bangladesh de George Harrison, y que tiene covers de I’ve Just Seen A Face de The Beatles y Beware Of Darkness de George Harrison. https://youtu.be/guGNiOkXTz4

Federico B.

Los discos navideños son el pan de cada diciembre para la música; cientos y cientos de grupos y artistas lanzan unos pequeños discos o Eps, que mayormente gustan a los fans, siendo redituables en la mayoría de casos y sobre todo llenando de alegría a su comprador, escuchando que su artista favorito canta algún villancico, ya que son canciones alegres acordes con la época del año, la Navidad. The Beatles no serían la excepción en este ámbito de presentarles un detalle navideño a sus millones de fans, claro que estuvieran suscritos a “The official Beatles fan club”, llevándoles discos navideños desde 1963 96

hasta 1969, con pequeñas charlas, saludos y una canción navideña, que, a pesar de las discusiones en los últimos años, The Beatles no dejaron de brindar un especial a su club de fans a fin de año. Es un tesoro para los coleccionistas encontrar estas primeras ediciones de época en buen estado, ya que no eran para todo el mundo e Inglaterra era la más beneficiada, poseyendo mucha más cantidad de estos ejemplares, siendo escasos en muchas partes del mundo, con cientos de copias, encontrar un original de época podría ser el pico del coleccionismo Beatle para muchos.

La idea de un álbum navideño surge en 1963, con The Beatles participando en concierto navideño como grupo principal donde interpretaban 9 canciones de su repertorio habitual de conciertos, de ahí que no tocaron ningún tema con aquella temática, siendo idea

Tony Barrow lanzar un disco navideño a “The official Beatles fan club”, con un contenido de agradecimientos, cortas charlas, desearles una Feliz Navidad y un próspero Año Nuevo, lo cual se repitió año tras año.

The Beatles Christmas Record (1963) Duración: 5:03 (Precio: 110 - 200 Dólares) Another Beatles Christmas Record (1964) Duración: 4:03 (Precio: 220 – 300 Dólares) The Beatles Third Christmas Record (1965) Duración: 6:23 (Precio: 300–350 Dólares) Pantomime “Everywhere Its Christmas” (1966) Duración: 7:04 (Precio: 400 – 450 Dólares)

The Beatles Fifth Christmas Record “Christmas Time (Is Here Again)” (1967) Duración: 6:08 (Precio: 400 – 420 Dólares) The Beatles Sixth Christmas Record “Happy Christmas” (1968) Duración: 7:48 (350 – 400)

The Beatles Seventh Christmas Record (1969) Duración: 6:42 (Precio: 500 – 520 Dólares) The Beatles Christmas Album (1970, Recopilación) Duración: 43:58 (Precio: 200 - 250 Dólares)

En 2017, Apple sacó a la venta un nuevo compilado de todos los álbumes de The Beatles desde 1963 a 1969, para aquellos que quieran las colección completa en un solo lugar, teniendo de todas las fotos que venían originalmente, con el agregado de que los vinilos serán de colores teniendo mejor aspecto a la vista, aunque el sonido sigue siendo el mismo, recordando que mucho de este material

lo realizaban al final de las sesiones como algo extra y rápido en los primeros años, improvisando y entre risas, pasando por mandar cada uno su parte por separado juntándolos al final de su carrera; Apple nos brindó esta edición con todo el contenido para disfrutarlo en familia en Navidad. Con un costo de entre 150 y 200 dólares por esta gran complicación.

Gianfranco Bustamante 100

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Durante la última gira los Beatles habían tenido una serie de inconvenientes y dificultades que venían de unas declaraciones de John Lennon a la periodista Maureen Cleave del Evening Standard acerca de que Lennon había dicho

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que "Los Beatles eran más populares que Jesús". El comentario pasó desapercibido en Inglaterra, pero al otro lado del Atlántico no corrieron con la misma suerte y comenzaron a haber demasiadas dificultades y hostilidades por parte de los

medios de comunicación norteamericanos, que incluían quema de discos y boicot de los conciertos del grupo por parte del Ku Klux Klan. La banda inglesa llegó a Estados Unidos a la ciudad de Chicago el 11 de agosto de 1966 y John tuvo que pedir disculpas por sus comentarios. Con todo este ambiente hostil decidieron no continuar presentándose en vivo pues ya estaban fastidiados, sobretodo Lennon y Harrison; McCartney tuvo que darles la razón pues las giras se habían vuelto peligrosas para su propia integridad física. El 29 de agosto de 1966 los Beatles darían su último concierto en Candlestick Park en San Francisco, California. Esta presentación marcó el final de un período de cuatro años dominado por giras que incluyeron cerca de 1,400 apariciones en conciertos a nivel internacional. 105

El estadio tenía capacidad para 40 mil personas pero solo se vendieron 25 mil entradas, dejando vacías grandes secciones del estadio, con un costo de entre 4.50 y 6.50 dólares. El avión de los Beatles aterrizó en el aeropuerto de San Francisco a las 5:30 de la tarde donde fueron recibidos por elementos de la policía y varios miembros de la prensa.

Un autobús los llevo directamente al estadio casa de los Gigantes de San Francisco; ya adentro, la banda fue directamente a los vestidores donde estaba la prensa y una que otra celebridad local. Paul McCartney le pidió a su oficial de prensa Tony Barrow que grabara el concierto en casete, usando una grabadora portátil. Barrow olvido voltear el casete por lo que la grabación se cortó en la última canción del show.

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Después de que terminaran su actuación las Ronettes, a las 9:27 de la noche los Beatles salieron de los vestidores, cruzaron el gran campo de béisbol y llegaron al escenario que estaba prácticamente adentro de una jaula. El cuarteto de Liverpool subió al escenario y tocaron 11 canciones las cuales fueron: “Rock And Roll Music”, “She’s A Woman”, “If I Needed Someone”, “Day Tripper”, ‘”Baby’s In

Black”, “I Feel Fine”, “Yesterday”, “I Wanna Be Your Man”, “Nowhere Man”, “Paperback Writer”, “Long Tall Sally”. John, Paul, George y Ringo sabían que iba a ser el último concierto así que tomaron varias fotos del público y de ellos mismos. En el documental Anthology, Ringo menciona que “se habló mucho de

Candlestick Park de que eso tenía que terminar. En ese concierto en San Francisco parecía que esta podría ser la última vez, pero nunca me sentí 100% seguro hasta que volvimos a Londres, John quería renunciar más que los demás, dijo que ya había tenido suficiente”. Candlestick Park fue el cierre para las giras de Los Beatles, como grupo jamás volverían a tocar frente a un público con boleto pagado.

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Rubén Alexander Muñoz Gutiérrez

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Dhani Harrison (Windsor, Berkshire, Inglaterra, 1 de agosto de 1978) es el hijo único de George Harrison y Olivia Trinidad Arias. El origen de su nombre procede de dos notas de la escala musical india, "dha" y "ni". En hindi, Dhani también significa "rico" en un sentido tanto monetario como espiritual.

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La pareja crió a Dhani en la propiedad de George en Friar Park en Henley-on-Thames, donde creció rodeado de música y autos, pasando también prolongadas temporadas en Nahiku, Hawái, donde en 1981, el Beatle compró un predio de 63 hectáreas.

Desarrolló sus estudios en la escuela primaria Badgemore en Henley-on-Thames, posteriormente en Dolphin School, Berkshire y en Shiplake College. Durante su infancia tuvo que soportar cierto acoso escolar al ser hijo de un Beatle: “Mi papá me decía que mantenga la cabeza gacha y no discuta con nadie”, recuerda Dhani. En su época adolescente, se inscribió en una escuela militar en un esfuerzo por fastidiar a su padre pacifista. “Rebelarse en mi familia era ir a una escuela semimilitar”, explicó Dhani. “Solía enojarlo verme caminando con un uniforme de la Fuerza Aérea”. En esa época empezó a desarrollar sus gustos musicales “Escuchaba a Iron Maiden y AC/DC y en esos momentos mi papá no se acercaba; pero él sabía lo que estaba haciendo, sólo estaba absorbiendo la música. Así que simplemente no interfería. Descubrí la música electrónica cuando era adolescente y todavía me encantan Prodigy y Massive Attack. La música que escucho en mi cabeza suena entre Jimi Hendrix y Massive Attack. Realmente no es como mi papá, pero siempre habrá similitudes porque tenemos las mismas cuerdas vocales y aprendí a tocar la guitarra como él me enseñó”.

ADN, supongo. Tocar música siempre se ha sentido muy natural. Sabes, intentas hacer otras cosas, y aprendes lecciones de esa manera, pero, eventualmente, bueno... si tu papá es plomero, te conviertes en plomero. Es el negocio familiar, y sentí que me estaba haciendo cargo del negocio familiar”.

Tras graduarse en la Brown University de Estados Unidos en noviembre de 2002, donde estudió diseño industrial, Harrison consiguió un empleo en McLaren Automotive como diseñador. Poco tiempo después, desechó la idea y se dedicó a la música de tiempo completo. “Hice todo lo que pude para no ser músico. Fui a la universidad (Brown), trabajé como diseñador, competí en deporte olímpico (remo)… y terminé siendo músico. Está en el

Su iniciación tuvo lugar junto a The Traveling Wilburys: aparece en los créditos de dos canciones inéditas de The Traveling Wilburys publicadas posteriormente en “The Traveling Wilburys Collection”, bajo el seudónimo de Ayrton Wilbury como tributo al piloto Ayrton Senna. Participa en el álbum póstumo de su padre, Brainwashed, a partir de noviembre de 2001. Tras la muerte de su padre a causa de un cáncer el 29 de noviembre de 2001, Dhani lo

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finalizó, en colaboración con Jeff Lynne. “Cuando se trata de alguien tan cercano, es realmente difícil”, dijo Dhani al medio de la experiencia. “Hubo días en que Jeff y yo dejábamos el estudio con un nudo en la garganta”. El álbum fue publicado en 2002 y el 29 de noviembre de ese año, un año después de la muerte de su padre, participó tocando la guitarra acústica en un concierto homenaje celebrado en el Royal Albert Hall de Londres junto a artistas como Billy Preston, Ravi Shankar, Jeff Lynne, Tom Petty, Ringo Starr, Jim Keltner, Paul McCartney, Eric Clapton, Sam Brown y miembros de los Monty Python. Mientras tanto, compuso la música del corto de 90 segundos de duración “Now You Don't Know What To Think”, que fue aclamado por la crítica inglesa.

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Aunque Dhani temía quedarse atrapado en la sombra de su padre, siguió adelante en la música. En una nota del diario inglés The Guardian en 2003 declaraba: "Solo quiero poder hacer música sin que todo el asunto de ser “el hijo de George” me caiga encima, lo que todos en mi posición tienen que atravesar". Entre los años 2003 y 2004 fue pareja de la actriz y cantante estadounidense Zooey Deschanel. En marzo de 2006, Dhani apareció en el “Podcast Video Variety Show Lynchlandde” del músico Liam Lynch, interpretando una canción que aparecería posteriormente en un álbum de Lynch. Asimismo, colaboró junto a Jakob Dylan en el tema de John Lennon “Gimme Some Truth”, publicado en el álbum Instant Karma: The Amnesty Internacional Campaign to Save Darfur. “Estuve en el Albert Hall, pude tocar en el Salón de la Fama con Prince. Así que he hecho ese tipo de cosas durante mucho tiempo. No fue hasta después de que terminamos de trabajar en Brainwashed, el álbum de mi padre después de su muerte, que fue como 'Esa fase de mi vida ha terminado ahora, ahora podemos seguir con nuestra música, con nuestra banda'”.

no usar el apellido ilustre de Dhani: "Quería que fuera una entidad sin rostro, porque no quería ser 'Dhani Harrison and the Uncles', o lo que sea. Había demasiadas críticas en torno al nombre 'Harrison' en ese momento. Empecé la banda así que podría enviar a cualquiera a una reunión, y cuando se les preguntara quiénes eran, simplemente podrían decir 'El nuevo número 2'". Previamente, ese nombre había sido utilizado para su firma de diseño gráfico, la cual desarrolló el diseño y la dirección artística de los proyectos póstumos de George Harrison, entre los cuales se encuentran Brainwashed, Concert for George, The Dark Horse Years 1976-1992 y las reediciones de The Concert for Bangla Desh y Living in the Material World.

En 2006, formó Thenewno2 donde tocaba guitarra y voz principal, y Oliver Hecks tocando la batería y sintetizadores, luego se unieron Nick Fyffe y Paul Hicks (hijo del guitarrista de The Hollies, Tony). El nombre de la banda fue tomado de la serie de televisión clásica de culto británica “The Prisoner”, con la idea de

“Yo era un gran fanático de Massive Attack y siempre me encantó cómo en cada álbum tenías una o dos cantantes diferentes, como a Shara Nelson y Tracy Thorne o Martina Topley Bird en un solo disco. Debido a que es confuso, a la gente le toma más tiempo entenderlo, pero una vez que lo hacen, ven la música tal

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como es, y es más fácil que la vean sin que todo el asunto de Harrison sea el asunto. La gente escucha a una chica vocalista y a un chico vocalista y “esperá, ¿era ese Ben Harper?" Supongo que tal vez esa fue una táctica de distracción que estaba usando al principio para protegerme de ser "Dhani Harrison and the Dannies", pero también funcionó musicalmente, ya que en realidad me divierto mucho tocando música con diferentes personas”. Inicialmente, en 2007 publicaron el videoclip del tema” Choose What You're Watching” en su página web oficial y posteriormente ese año la banda lanzó su EP debut, EP001 (con la vocalista Amanda Butterworth) “You Are Here”, el debut de larga duración de la banda, llegó en 2008. Grabado y mezclado por Paul Hicks, es un álbum con espíritu de experimentación, mezclando ritmos rápidos y 114

sintetizadores con influencias del trip-hop inglés y electrónica, con temas como "Crazy Tuesday", que se acercan un poco más al pop. "Comencé con algunos demos y Oli tenía los de él. Trabajé con todo eso en mi computadora, y una vez que junté todo y lo puse en una misma frecuencia nos juntamos y grabamos algunas cosas. Después, con Paul Hicks hicimos la producción trabajando en la consistencia del sonido”. Como músicos adicionales en la grabación estuvieron Nick Fyffe en bajo (luego sería miembro permanente), Josh Lopez y Marc Mann en guitarra rítmica, Tom Hammons en cello y Bryony Atkinson en coros. En febrero de 2009, el programa de TV Late Night with Conan O'Brien eligió a Thenewno2 para ser uno de los invitados musicales finales del programa, lo que marcó el debut televisivo de la banda en Estados Unidos. En ese año también realizaron su primera gira por Estados Unidos y tocaron en el festival Coachella,

siendo calificados por la revista Spin como una de las "mejores actuaciones de debut del festival". Después de concluir una gira por Estados Unidos, la banda se tomó un descanso y Harrison se centró en su proyecto paralelo, Fistful of Mercy, con Ben Harper y Joseph Arthur (un cantautor estadounidense descubierto a mediados de los ´90 por Peter Gabriel) Inicialmente, Arthur le pidió a Harper que lo acompañara en el estudio, y éste último sugirió incluir a Dhani. La banda se reunió en el estudio Carriage House en Los Ángeles, donde los tres compositores se reunieron en febrero de 2010 para tres días de escritura y grabación. El trío trabajó a un ritmo acelerado,

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compartiendo tareas vocales y manejando la mayoría de los instrumentos ellos mismos antes de reclutar al baterista de sesión Jim Keltner para sobregrabar la percusión. También la violinista Jessy Greene participó en las grabaciones. El disco fue llamado "As I Call You Down" y estaba compuesto por canciones con armonías de tres partes y un sonido folk y casual. Fue editado por Hot Records en octubre de 2010 y NPR lo nombró "Uno de los mejores proyectos paralelos de 2010". Varios anuncios sobre la posibilidad de un nuevo álbum fueron realizados, pero aún no hubo nuevas grabaciones de la banda.

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En 2012, Thenewno2 volvió con un segundo larga duración: Thefearofmissingout, nombre que alude a aflicción psicológica de la era de Internet del mismo nombre. De pop alternativo ambiental con toques electrónicos, encuentra a la banda expandida a un sexteto con Harrison, Jonathan Sadoff, Jeremy Faccone, Paul Hicks, Aaron Older y Frank Zummo. Grabado en Los Ángeles y Londres, y producido por Harrison y Paul Hicks, Thefearofmissingout utiliza elementos de dubstep, trip-hop, indie rock y electro-pop, y cuenta con apariciones especiales de Ben Harper, Throunn Antonia, Holly Marilyn, y RZA de Wu-Tang Clan. El álbum recibió críticas

generalmente positivas. Greg Kot del “Chicago Tribune” describió su música como "apropiadamente inquieta e inquieta, una colmena de sonido que casi subliminalmente se fusiona en canciones". En junio de ese año contrajo matrimonio con Sólveig "Sóla" Káradottir, tras tres años de relación, y también con Thenewno2 tocó en el Lollapalooza, y la revista Rolling Stone incluyó a la banda como uno de los diez "Actos imperdibles" en ese festival. Al año siguiente, la banda compuso la música de la película “Beautiful Creatures”. En este proyecto, sólo participaron Jonathan Sadoff y Paul Hicks, además de Dhani, y en su mayoría fue grabada en los estudios de Abbey Road con una orquesta de 54 músicos. La banda de sonido de una película mainstream fue un gran desafío para Harrison. “Bueno, tenemos a Jon Sadoff en la banda: ha compuesto como 10 películas él solo. Y luego Paul Hicks, remasterizó los álbumes de The Beatles, y es un editor increíble. Yo mismo he crecido alrededor del cine. Michael Kamen era un amigo mío muy, muy cercano, una especie de padrino. Así que sé cuánto trabajo implica. Tienes que saber lo que estás haciendo. Creo que, por eso, y por la historia de producción de la banda, los cineastas se dieron cuenta de que tenían todo un equipo de productores, mezcladores y compositores en lugar de solo una banda. Empezamos a escribir de inmediato”. Sobre el mismo cuenta Dhani Harrison: “Cada uno de nosotros elegimos personajes en la 117

película y encabezamos un tema y luego jugábamos con el tema del otro. Y para cuando termina la película, hay una orquesta de 80 músicos con un conjunto completo de rock y electrónica. Llega a ser tan grande como se vuelve la historia. El concepto detrás de la partitura es que comienza lento y luego crece y crece y crece. Durante la grabación, entregamos el 75-80 por ciento de la partitura y luego nos fuimos de gira con Jane's Addiction. A la vuelta la concluimos”. En la banda de sonido participa Ben Harper como invitado.

A principios de 2017, Dhani se unió a la actuación de clausura en la Inducción al Salón de la Fama del Rock & Roll 2017. Junto con Pearl Jam, Geddy Lee y Alex Lifeson de Rush, Neil Schon y Jonathan Cain de Journey, y el guitarrista de Yes, Trevor Rabin, interpretó “Rockin’ In the Free World” de Neil Young. También colaboró en el álbum de UNKLE, The Road: Part 1.

En 2014, continúa trabajando nuevamente en música para películas junto a con Paul Hicks. Esta vez en “Learning to Drive”, una comediadrama sobre la relación entre una escritora de Manhattan con un matrimonio fallido y su instructor de manejo nativo de la India protagonizada por Patricia Clarkson y Ben Kingsley. La banda de sonido es esencialmente una mezcla de estilos instrumentales indios rítmicos y guitarra ambiental/sintetizador. La partitura constituye 16 de las 17 pistas de la banda sonora, unidas por una canción: "Aye Naujawan Hai Sab Kuchh Yahan" del equipo de compositores Kalyanji-Anandji de la película Apradh de 1972 (la misma fue sampleada en el éxito de Black Eyed Peas de 2005 "Don't Phunk with My Heart"). En noviembre de 2016, se anunció que Harrison había decidido presentar el divorcio por "diferencias irreconciliables". 118

En octubre, Harrison lanzó su disco debut con su propio nombre: IN///PARALLEL. Con un ritmo casi cinematográfico de pop oscuro y atractivo, sus melodías circulares y crecientes de bajo y batería combinada con música electrónica, loops de batería y sintetizadores, parece más dirigido a mantener un estado de ánimo que las canciones en sí, lo que le da a IN///PARALLEL un atractivo particular. En un comunicado de prensa Dhani decía que solo había ganado la confianza para grabar con su propio nombre después de trabajar en otros proyectos, incluida su banda de rock alternativo thenewno2 y una variedad de trabajos de música para cine y televisión: “Mi regalo del universo es que realmente disfruto cambiar, y es por eso que ahora estoy feliz de ser Dhani Harrison. Con todo lo que lográs, obtenés la libertad de hacer otra cosa en tu vida; como un videojuego, donde desbloqueas diferentes niveles, poderes y armas. Tuve que pasar por el proceso y desbloqueé muchas cosas diferentes en mí mismo, lo que me permite ser quien soy ahora. El disco trata sobre el autodescubrimiento, el amor propio, la autocuración. No puedes ser amado hasta que aprendes a amarte a ti mismo. No puedes ayudar a los demás hasta que aprendas a

ayudarte a ti mismo”. El álbum cuenta con participaciones del baterista de Jane´s Addiction, Stephen Perkins y músicos importantes de sesión, incluyendo su ladero de siempre Paul Hicks. Davide Rosside con antecedentes de haber realizado las grabaciones de cuerdas con artistas como Coldplay, The Killers, Regina Spektor, colaboró en la composición de algunos temas y arregló las cuerdas del disco.

Addiction Perry Farrell, Kind Heaven y como compositor en dos temas, y en sintetizadores y voz The Road: Part II (Lost Highway) de UNKLE. También un cameo en la película Star Wars: Episode IX - The Rise of Skywalker, y como asesor musical en la película “Yesterday”, que imagina un mundo sin las canciones de los Beatles: “Me ocupo de la aprobación de las pistas y esas cosas, y realmente me gusta la idea de la historia”.

Lo presentó en su primera gira como cabeza de cartel por Estados Unidos, que comenzó el 6 de noviembre en Knitting Factory de la ciudad de Nueva York y concluyó el 30 de noviembre en El Rey Theatre de Los Ángeles.

El nuevo decenio lo encontró de lleno en la producción ejecutiva, con Paul Hicks (otra vez) de la edición expandida de “All Things Must Pass”.

Luego de esa gira, de muy buenas críticas por la prensa especializada, en 2019 participó como guitarrista en el disco del ex Jane´s

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En 2021 participa junto con David Gilmour en el tema “Blues for the End of Time” del disco “Pianola, Piano & Friends” de Jools Holland. Y además junto con Fender diseñaron una

edición especial de ukeleles para su venta, el “Dhani Harrison Signature”. Dhani demostró en el tiempo ser un músico inquieto, con un bagaje de trabajos importantes a lo largo de 2 décadas. Cultiva el perfil bajo y trata de ser valorizado por su trabajo más que por su apellido. De todas maneras, no deja de cuidar el legado paterno remasterizando el trabajo de George. Vale la pena prestarle atención y escuchar su trabajo. Esperemos en el futuro más producción musical de un artista absolutamente recomendable.

BIBLIOGRAFIA https://es.mediamass.net/famosos/dhaniharrison/mejor-sueldo.html https://www.ernieball.com/stringtheory/dhaniharrison https://mubi.com/es/cast/dhani-harrison https://www.spin.com/images/dhani-harrisonthenewno2 https://www.npr.org/2010/12/16/131705861/the-5best-side-projects-of-2010 https://www.rollingstone.com/music/music-lists/10must-see-acts-at-lollapalooza-2-161476/ https://www.chicagotribune.com/ct-xpm-2012-0730-chi-the-new-no-2-album-review-the-fear-ofmissing-out-reviewed-20120730-story.html https://www.hollywoodreporter.com/news/musicnews/dhani-harrison-scoring-beautiful-creatures421934/ https://www.elle.com/culture/music/news/a22716/ dhani-harrison-beautiful-creatures-score-interview/ https://ew.com/article/2013/02/22/interview-dhaniharrison-talks-beautiful-creatures-the-rza-and-abbeyroad/ http://filmmusicreporter.com/2014/07/24/learningto-drive-to-feature-music-by-dhani-harrison-paulhicks/ https://pitchfork.com/news/dhani-harrisonannounces-debut-solo-album-inparallel-shares-newsong-listen/ https://www.rollingstone.com/music/musicfeatures/george-harrison-all-things-must-passreissue-dhani-harrison-1178125/

Martín Hojman 120

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Siendo el 21 de diciembre del 2020 se nos presentó el primer avance sobre el documental de Get Back en el que estaba trabajando Peter Jackson, con una duración de casi seis minutos, que nos permitió ver una prueba del gran trabajo que nos daría posteriormente, e iniciaron las grandes expectativas sobre dicho documental. El 13 de octubre 2021 recibimos el

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primer tráiler oficial y con eso la cuenta regresiva para la premier del documental por el sistema de streaming del ratoncito. El 16 de noviembre del 2021 se celebró la premier en Londres con alfombra roja y hasta con la presencia de Paul McCartney y su hija Mary entre otros invitados; dos días después en Los Ángeles sería la premier con la presencia de

Julian, Sean, Stella y Olivia. ¿Pero qué vieron en pantalla, las casi 8 horas de documental? imposible, lo que vieron fue un corte especial de 100 minutos. Y es lo que quiero compartir con ustedes. Cuando uno ve las alfombras rojas y este tipo de premieres se ve muy atractivo poder asistir a algún evento de esta magnitud, siendo de The Beatles con mayor razón, por lo cual el jueves 25 de noviembre, al ser México uno de los pocos países considerados, se celebró la premier de 100 minutos de Get Back. La invitación llegó por Ricardo Calderón, fan, coleccionista, guía líder de los viajes a Liverpool, presidente del Club Todos Juntos Ahora, embajador honorario de Liverpool, pero sobre todo gran amigo. La invitación estaba hecha para presentarse por la noche en el Lunario que está a un costado del Auditorio Nacional (recinto de conciertos y en donde se ha presentado todas las ocasiones Ringo Starr en la CDMX).

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La invitación era para estar presentes a las 6:45 PM ya que el registro sería a las 7:00 PM. Llegué con mi otro gran amigo Mike Carrera (muchos lo conocerán por sus reseñas internacionales y revisiones sobre los lanzamientos de material

formamos para poder ingresar con orden y distancia, teniendo en cuenta el respeto a los lineamientos sanitarios establecido por la autoridades y el recinto, y una vez que ingresabas pasabas por una alfombra roja con un fondo como en Londres y Los Ángeles, enunciando Get Back, The Beatles en los colores oficiales del lanzamiento, es una gran emisión poder asistir y ver todo con tanto color, y con la fotógrafa oficial tomando fotos a cada persona que ingresaba. Beatle). Ya nos esperaban para realizar nuestro registro en donde las señoritas nos colocaban una pulsera de color para poder realizar nuestro ingreso (y que más tarde serviría en el catering), te proporcionaban un “boletín de prensa” que mostraba datos curiosos sobre Get Back, nos

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Se contaba con varios fondos para tomarte las fotos que gustaras antes de ingresar al salón donde se realizaría la proyección. Todos buscábamos nuestra mejor foto que permitiera poder documentar la asistencia a este gran

evento y cabe indicar que este evento los invitados estábamos mezclados entre prensa de varios medios, “youtubers”, fans e invitados varios, entre ellos ganadores de la estación de radio, posiblemente más de 100 personas. Una vez que concluimos con nuestras fotos de inicio recorrimos un pasillo que nos llevaría al recinto de la proyección. En el trayecto se contaba con pantalla que proyectaba Get Back y la estación de Radio que formaba parte del evento, antes de ingresar al salón se contaba con un espacio donde se nos ofrecieron dulces, palomitas (estas con calcas de Get Back), agua y cerveza Guinness (como dato curioso se cuenta que era la cerveza favorita de Tony Sheridan), el color de la pulsera que nos colocaron en un

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inicio daba el derecho a recibir una o dos cervezas, el agua era libre y el consumo de los dulces la gente fue prudente y tomaba en poca cantidad, al menos fue mi caso, nos instalaron en unas pequeñas mesas donde teníamos que compartir con cuatro personas incluyéndonos, en las mesas estaban colocados unos banderines con la leyenda Get Back y el nombre de la banda.

los 64,000 pesos, con el tema, si, adivinaron, The Beatles. Hay que tener en consideración y darle la valía del triunfo, en una época donde no existía el internet público, ni los tratados de libre comercio para poder tener libros o revistas, es un hombre con un gran conocimiento. Nos dio la bienvenida a este gran evento haciendo una referencia con la película Let It Be y el gran acontecimiento que sería Get Back, así como lo fue en su momento el lanzamiento de las Antologías en un fin de semana semejante, e inició la proyección de los 100 minutos, que es un extracto principalmente del capítulo 3 del documental con la ventaja de incluir de Peter Jackson entre partes del video la explicación de lo que veríamos, incluyendo lo que todos queríamos ver, el concierto de la azotea y sus 42 minutos.

Una vez que ya estábamos instalados esperamos para el inicio que se realizó a las 8 de la noche, pudiendo saludar a amigos fans que no veíamos por mucho tiempo por la pandemia, ver artistas que son fans y estaban invitados. Teníamos la indicación de que no se podía tomar video, ni fotografías durante la proyección. Nuestro maestro de ceremonias fue Manuel Guerrero, locutor de radio del programa más longevo de música de The Beatles en México, así como el ganador de un programa de preguntas a los 13 o 14 años a principio de los 70´s llamado el Gran premio de 126

Las emociones no se hicieron esperar, desde asombrarnos como estaba el material original y el gran trabajo de restauración en audio y video que nos estaban presentando, ya que se hace una transición de imagen entre una versión y

pudimos para darles un hogar Beatle que lo otra que te deja con la boca abierta, el ir viendo pudiera recibir y el avance de esta proyección le vas dando valía así fue, al menos al documental, partes de la historia que no de mi parte pude conocías, como la instalación de micrófonos obtener dos que registro la charla de John y Paul, ver los adicionales que estados de ánimos que pasaba en la banda, pude regalar a dos pero ya con un contexto que te da más visión y personas no una simple pelea burda y de descontento de diferentes (Rafaela todos contra todos. A estas alturas todos los y Jesús) y que estoy fans ya hemos visto el documental y saben de seguro valoran el presente aunque sea un qué hablo, hasta ver el concierto y esa mezcla papel. Me pude hacer también del setlist de la con las entrevistas con las personas en la calle banda, solo como recuerdo del evento. le dan un gran sabor, ver el concierto hasta en seis cámaras fue algo inimaginable que Lo antes expuesto no es con ningún afán podríamos ver y con una gran calidad. protagónico ni micho menos, es solamente Todo lo que sucede en la azotea y la policía con querer detener el “escándalo” que se presentaba en la zona, es de mucha emoción. Concluyó el documental entre aplausos de los asistentes, nuevamente nuestro maestro de ceremonia Manuel Guerrero tomó el micrófono proporcionando pequeños datos, como que el documental le llevó su realización cuatro años, las personas que estaban presentes en la azotea y para concluir el evento se llevó a cabo un concierto con una banda tributo caracterizados como en Get Back, en un escenario representando la azotea. Una vez que concluyó el concierto, volvimos a poder saludar a los amigos, tomarnos fotos, y algo para nosotros como fans, ver que varios de los asistentes estaban dejando los banderines, motivo por el cual nos dimos a la tarea de recolectar los que 127

compartirles la emoción que pude vivir y ser parte de este evento que nosotros como fans valoramos enormemente. No pidamos que regresen…nunca se han ido. Luis Inngais

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Al ser la banda más grande y reconocida de la historia de la música, The Beatles posee cientos y cientos de teorías, mitos y especulaciones alocadas, fantasiosas, algo divertidas y sobre todo imaginativas tanto de sus fans, la prensa, medios especializados y

también de aquellos que solo desean generar confusión en los sectores de personas no tan sabidos del tema Beatle, llegando a crear diversas teorías con argumentos rebuscados con tal de generar algo de sentido en ellas. Muchas de estas creencias populares que se trasmitían de persona en persona por allá de los años 60s y 70s, hasta la modernidad en foros, grupos y los tantos medios de comunicación que se tienen, expandiendo estas creencias a cualquiera que le interese en saber un poco más del cuarteto de Liverpool, aunque de vez en cuando es divertido y entretenido leer algo nuevo y alocado que en el fondo sabemos que las cosas no fueron de esa manera; Por ello en esta ocasión les presento. Teorías, mitos, leyendas alrededor de The Beatles: Yoko Ono, separó a The Beatles? En este artículo haremos mención de los puntos clave de la relación Lennon-Ono con el resto de The Beatles para llegar a la conclusión si Yoko Ono separo a los Fab Four o no.

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Como sabemos, Lennon y Yoko se conocieron en la galería de arte indica en 1966, cuando el líder The Beatles tomó el lugar de Paul McCartney, que no pudo asistir aquel día por un inconveniente presentado. Un Lennon descantado asistió a aquella galería, donde vio una escalera que, al subir por ella, viendo por una lupa se leía la palabra “yes”, la cual trasmitió a Lennon el deseo de seguir indagando en el lugar, conociendo así a la que sería su esposa en el futuro. Yoko llega por primera vez a los estudios Abbey Road en las grabaciones de “The fool on the hill” el 25 de setiembre de 1967, no obstante su presencia ya más constante como pareja sentimental, musical y artística se produce en las grabaciones de “The White Album”, aunque cabe resaltar que las esposas de los otros Beatles de vez en cuando se aparecían por los estudios pero de una manera

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discreta, sin involucrarse en dar algún aporte o mención, como Ono usualmente realizaba en su presencia; Geoff Emerick, ingeniero de sonido de The Beatles, cuenta en su libro como Lennon puso un día en la cabina de control a Yoko como si fuera la jefa de control del sonido de John, Emerick cuenta textualmente “Durante las siguientes horas, Ono

otro “aporte” a los otros 3, lo cual generaba una incomodidad a Harrison, reflejado claramente en su rostro al indicarle como tocar su propia guitarra, también para empezar a “cantar” a su fiel estilo con gritos sin sentido que los otros miembros del cuarteto de Liverpool trataban de entender, siguiendo un ritmo para darle una pizca de sentido a los gritos de Ono, viéndose reflejado en el último documental sobre el periodo Get Back; Siendo este y otros factores los que hicieron que Harrison abandonara el grupo por un breve lapso de tiempo.

simplemente se sentó en silencio en la sala de control, tuvo que haber sido más incómodo para ella que para ninguno de nosotros, Yoko había sido puesta en una situación incómoda junto a la ventana, de modo que Martin y yo teníamos que mirarla para poder mirar y comunicarnos con los otros, por ello Yoko siempre pensaba que la estábamos observando”. En las sesiones del llamado álbum “Get Back”, los 4 Beatles iniciaron estas grabaciones con miras a un especial de televisión con un show al final del mismo, En “Twickenham Studios”, se vivió un ambiente tenso debido a que el único Beatle con motivación aun en el grupo era Paul, Lennon se mostraba neutro y muchas veces siguiendo la corriente a Paul, complaciendo cada uno de sus arreglos. A todo esto estaba a su costado derecho siempre su amada Yoko que en relativas ocasiones cogía el micrófono para dar uno que 132

Después de congelar las grabaciones del llamado finalmente álbum “Let It be”, Paul en un último intento de juntarse con sus 3 compañeros de toda la vida, en conjunto con George Martin, realizarían el aclamado Abbey Road, un trabajo que según palabras de McCartney hacia Martin todos estaban comprometidos a trabajar de la mejor manera, siendo el último trabajo que juntaría a los 4 grandiosos. Abbey Road, no estuvo exento de problemas y discusiones. John y Paul tenían sus egos bien marcados desde hace años atrás, con un Harrison ya sabiendo que su aporte al disco seria 2 o 3 temas (los cuales terminaron siendo Here comes the sun y Something) con su siempre apoyo rítmico y vocal en las bases de los temas de McCartney y Lennon que estaban acostumbrados a adueñarse del disco. En todo esto entra Yoko, que tuvo un accidente de auto junto con John, lo cual impidió que Lennon estuviera el primer día de

grabación. Esto generó algo de tensión en los que estaban presentes en el estudio de grabación por de nuevo encontrarse en esa situación. Aparecieron en los estudios, Geoff Emerick se sorprendió, ya que llegó algo pesado, que al inicio creyó que se trataba del piano blanco de John, siendo algo natural que el músico lleve sus propios instrumentos para sentirse más cómodo, pero no, era una cama para Ono que se ubicó en el estudio principal mientras los demás grababan. Lennon ordenó que se pusiera un micrófono cerca de la cama de “mother” (de esta manera John llamaba a Yoko), para que ella pudiera dar indicaciones si así lo deseaba, incomodando más todos los presentes; molestando más a George Harrison comiéndose sus “biscuits”, que ya a ese punto

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ninguno podía coger la comida del otro por la relación ya sumamente gastada que tenían los 4 Beatles

A pesar de todo esto, resultó algo ventajoso tener a Yoko en una cama lejos de los micrófonos principales y claro, de los 4, teniendo así algo más de comodidad al momento de grabar lo que sería su despedida sin saberlo. En recientes entrevistas que se le realizaron a Paul McCartney, se le preguntó en el programa de radio de Howard Stern sobre quién separó a The Beatles, a lo cual el ex Beatle respondió así: Howard: ¿Quién los separó? Paul: John lo hizo Howard: ¿Fue John? Y él trató de echarte la culpa solo a ti Paul: No, no creo que nadie trato de echarle la culpa a nadie, solo pareció que así fue, es una larga historia, pero hubo una reunión donde estuvo John y dijo “Hey, muchachos, me voy del grupo” Howard: Claro, él estaba con Yoko… Paul: El encontró a Yoko y John amaba a las mujeres fuertes, su madre había sido una mujer fuerte, su tía que lo crió era una mujer fuerte, y bendita sea, pero su primera mujer no lo era; Ella una vez me dijo “todo lo que quiero es a un hombre que arreglara las tuberías en

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pantuflas, que se quede en casa” y yo pensé “oh, ese no es John” Howard: Estaba con el hombre equivocado Paul: Luego conoció a Yoko y aunque pensábamos que era intrusiva, se sentaba en las sesiones de grabación y nunca habíamos tenido algo así; Pero mirando en retrospectiva, el tipo estaba completamente enamorado de ella y tú solo puedes respetar aquello y así lo hicimos, y hoy también. Por ello, se entiende que Lennon estaba perdidamente enamorado de Ono, estando casi pegado a ella debido a la falta de su madre en su infancia, teniendo en Yoko una figura maternal que siempre quiso estar cerca de él, aunque ello alejara a la gente que lo rodeaba; ¿Entonces… Yoko Ono separó a The Beatles?

La respuesta más sencilla y fácil tirándole un dardo de frente es un sí, pero mirando en retrospectiva, los 4 Beatles ya acarreaban conflictos desde hace años atrás, desde la inclusión y desecho de las canciones de Harrison en los álbumes, pasando por Ringo sintiéndose el miembro que sobraba, John y Paul con sus grandes egos circulando en todo el estudio, dejando de componer juntos, incluso queriendo que sus canciones aparezcan en lados diferentes del vinilo, por esto y otros conflictos entendemos que Yoko fue un motivo importante, pero no fue el determinante de la ruptura de la banda más grande de la historia. En palabras textuales de Ono “Ellos 4 eran personas sumamente fuertes, no podrías romperlos aunque quisieras”, dando a entender que la decisión final fue de ellos; ella fue un factor sí, pero no fue la gota que derramo el vaso.

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Gianfranco Bustamante

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Durante los últimos días de diciembre de 2021 y todo enero de 2022 en nuestro Facebook oficial realizamos el torneo en busca de la mejor canción de Abbey Road. Las canciones fueron divididas, como de costumbre, en primera instancia por cara del disco. Y luego en mitades de ser posible. En la Cara A fue fácil, pero en la Cara B, con 11 canciones, hubo que dividir en 3 grupos. Por lo que el total de zonas fue 5, de las cuales pasó el primero y segundo.

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En el Grupo A, “Something” vapuleó a su doble A Side “Come Together”, 77% a 16%. El Grupo B, mucho más parejo, nos dejó como ganador a “Oh! Darling” con 43% y segundo a “I Want You (She’s So Heavy)” con 35%. El Grupo C fue para “Here Comes The Sun”, el D para “She Came In Through The Bathroom Window” y el E, donde competía el cierre del álbum, dejo a “Golden Slumbers” como ganador.

Las 5 primeras y 5 segundas se ordenaron de mejor ganador a peor por porcentajes de votos en su zona. Así quedó como mejor primero Something (77%) y peor primero “Oh! Darling” (43%). Lo mismo se hizo con los segundos, quedando como mejor segundo “I Want You (She’s So Heavy) (35%) y peor segundo “Come Together” (16%). Con las dos listas se organizaron equitativamente en tres grupos, dos de 3 y uno de 4. Y pasarán a semifinales el ganador de cada grupo y el mejor segundo. En el primer cuarto de final nuevamente fue para “Something” con un 77% de votos, quedando segundo “Because” con 13%. El segundo cuarto fue para “Here Comes The Sun”, con 64%, quedando segundo “Come Together” (17%). El tercero fue para “I Want You (She’s So Heavy)”, con 49% de votos, y su escolta fue “Golden Slumbers” con 39%. Por lo tanto, clasificó como mejor segundo “Golden Slumbers”. Las semifinales se organizaron con el mejor primero vs el mejor segundo. Y los otros dos primeros entre sí (tratando en lo posible evitar cruces que ya se hicieron antes).

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Por lo tanto, quedo el mejor primero “Something” vs. El mejor segundo “Golden Slumbers”, que significó una nueva paliza de “Something”, que se sigue superando en cantidad de votos, con un imponente 80%. En la segunda semifinal, también hubo resultado abultado, ya que “Here Comes The Sun” duplicó en votos a “I Want You (She’s So Heavy)”. En esta instancia ya podemos decir que el tercer lugar en cantidad total de votos fue para “I Want You (She’s So Heavy)” con 51 acumulados.

Y llegamos a la final, 100% Harrisoneana. Ya habíamos tenido final 100% Maccarteana como en Revolver, con “For No One” vs. “Here There And Everywhere”, o 100% Lennoneana como en Rubber Soul, con “In My Life” vs “Nowhere Man”. Esta vez fue George. Y comenzado el mes de febrero tenemos la final. “Something” vs. “Here Comes The Sun”.

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Empezó algo reñida, e incluso en un momento estuvo 15 a 14 a favor de “Something”, pero desde este momento comenzó a cortarse, para finalizar 30 a 21. Por lo que el mejor tema de Abbey Road para nuestros lectores es “Something”, en segundo lugar “Here Comes The Sun” y tercero “I Want You (She’s So Heavy)”.

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¿A Quién Le Importa? ¿Alguna vez te lastimaron Las palabras que la gente dice Y las cosas que hacen Cuando te están molestando? ¿Alguna vez estuviste triste Por los juegos que juegan Cuando te hacen sentir Como una vieja rueda oxidada? Eso quedó bajo la lluvia ¿A quién le importa lo que digan los idiotas? ¿A quién le importa lo que hagan los idiotas? ¿A quién le importa el dolor en tu corazón? ¿Quién se preocupa por vos? Yo lo hago. Porque vales mucho más De eso podes estar seguro No hay necesidad de esconder El amor que llevas dentro ¿Alguna vez te perdiste En el corazón de una multitud Y la gente alrededor Te empujaba hacia abajo? ¿Te estás volviendo loco Y estás gritando fuerte Y te preguntas quién Va a reconocerte? Sos un fantasma en la oscuridad ¿A quién le importa lo que digan los idiotas? ¿A quién le importa lo que hagan los idiotas? ¿A quién le importa el dolor en tu corazón? ¿Quién se preocupa por vos? Yo lo hago.

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FEBRERO 1972

(Hace 50 años)

El 5 de febrero de 1972 se lanzaba la mayoria de los paises de Europa el sencillo "All Together Now"/"Hey Bulldog". Alcanzó el #16 en Holanda. La fotografía aquí adjunta corresponde a la edición de Francia.

El 25 de febrero de 1972 se lanzaba el primer sencillo de Wings "Give Ireland Back To The Irish". Alcanzó el #16 en el Reino Unido, el 21 en el Billboard Estadounidense y el #1 en Irlanda. Su Lado B, fue una versión instrumental del mismo.