Glass Oonion - Número 52 by GLASS ONION

Hola amigos beatlefans. Nuevamente estoy aquí para contarles un poco de que va el nuevo ejemplar de Glass Onion, correspondiente al mes de Octubre de 2017. Nuestra nota central está dedicada al famoso medley de Abbey Road, que abarca casi todo el Lado B del último álbum grabado por The Beatles. Un detallado recorrido por las sesiones de grabación que dieron por resultado uno de los momentos cumbres de la banda y de la música grabada en general. También te traemos la novedad del reciente lanzamiento de Ringo Starr, su álbum Give More Love, el cual ya veníamos saboreando con algunas canciones que ha ido liberando en los últimos meses. Te contamos la relación de la marca Vox con The Beatles, lo que dio inicio a una comunión entre la banda y los amplificadores, marcada a fuego desde el inicio. Rescatamos una sección clásica de nuestra revista dedicada a las mujeres del entorno Beatle. En esta ocasión te contamos todo sobre Astrid Kirchherr, la fotógrafa alemana que dejó un fantástico legado de la banda en sus días formativos en Hamburgo. Nuestro disco del mes es Run Devil Run, de Paul, que trajo el viejo y querido rock and roll de los 50’s para celebrar el final del milenio pasado, junto a otras estrellas de la talla de David Gilmour e Ian Paice. El resto lo descubrirán a medida que avancen en la lectura de Glass Onion, la revista Beatle en habla hispana!

Martín Castro Editor Principal 2

INDICE Vox

Los amplificadores más identificados con The Beatles. La historia de cómo comenzó una relación que duró casi una década. Lanzamientos: Ringo Starr - Give More Love

Somewhere In England Tras ser rechazado por su sello (y la muerte de John mediante), a George se le solicitó “alegrar” su disco. Enterate de cómo sucedió.

Abbey Road Medley Desde You Never Give Me Your Money hasta The End los muchachos de Liverpool dan una lección de cómo pasar a la inmortalidad. Paso a paso para que pueda hacerlo usted mismo. Disco Del Mes: Run Devil Run

Astrid Kirchherr Mucho más que la novia alemana de Stu, Astrid fue una de las Beatlegirls que más influyó en los muchachos. Su vida y obra en nuestra nota. Produced By: Nigel Godrich // Hugh Padgham ¿Quién es quién? (Parte 4) It Was 50 Years Ago Today: Octubre ‘67 What’s The New, Mary Jane? Own Words: Electricidad

Editor: Martín Castro; Coordinación y Diagramación: Federico B.; Redactores: Stella Accardi, Federico B., Martín Castro, Octavio Cavalli, Migo Coiro, Javier Cuenca, Miguel Antonio De La Riva, Maria Dellavalle, Jimena Forte, Luis Enrique Inngais, Isadora Katz, Lucio Lira, Guillermo Gibbon, Gonzalo Leitón, Maximiliano Seijas, Pilar J Vázquez 3

La imagen de los tempranos Beatles puede ser tomada como una instantánea de, digamos, 1964. Los cuatro con el cabello bastante crecido (para la época), con su famoso corte Mop Top, los clásicos trajes oscuros y sus infaltables botas. Ahora bien,

llevados a un escenario y pese a que aún desde los inicios han utilizado una gran variedad de instrumentos, sin dudas que la mayoría de la gente se inclinaría por la formación que tenía a John con su Rickenbacker 325, Paul con su bajo Höfner

500/1, George con su Gretsch Country Gentleman y Ringo con su batería Ludwig. Pero la fotografía no estaría completa sin algo esencial para el sonido final de la banda: sus amplificadores Vox. dirigieron a Hessy’s, una de las casas de instrumentos musicales más importantes de Liverpool, para comprarlos. Además al tener estos amplificadores haciendo juego adquirían una imagen mucho más profesional, dejando atrás los destartalados equipos con los que venían batallando desde hacía años y que les habían jugado en contra tanto en las audiciones para Decca como para EMI.

La fábrica y las oficinas de Vox estaban ubicadas en Dartford, Kent, al sudeste de Londres. Vox era la marca utilizada por la compañía fundada por Tom Jennings llamada Jennings Musical Industries (JMI), que a principios de los años 50 comenzó a distribuir amplificadores. Esta división, ya que también existía la Jennings Organ Company, estaba a cargo del Ingeniero de diseño Dick Denney. Los amplificadores Vox a principios de los 60’s ya gozaban de una buena reputación. Eran de dimensiones reducidas pero con un sonido fuerte y claro, pero además eran utilizados por la banda top del momento: The Shadows. Pese a que The Beatles eran bastante críticos con la banda que solía acompañar a Cliff Richard, reconocían que Vox era una gran marca y que a ellos les serviría mucho tener un par de sus amplis, por lo que a fines de julio de 1962 John, George y Brian Epstein se 5

Los recibos de la casa de instrumentos musicales Hessy’s de Liverpool datan la compra de los Vox el 27 de julio de 1962 y Brian Epstein firmó junto con cada guitarrista comprometiéndose en el pago semanal a la tienda. John adquirió un Vox AC15 con un par de parlantes Goodmans Alnico de 12 pulgadas, mientras que George recibió un AC30 Twin con dos parlantes Celestion T530, también de 12 pulgadas. Es probable que fuesen los únicos disponibles en ese momento y por eso el guitarrista principal recibió el que de mayor potencia. Lo que es importante destacar es que los primeros Vox que tuvieron fueron los denominados “fawn”, que son aquellos recubiertos por vinil de color claro, en oposición a los más conocidos en color oscuro. Aquella misma noche los Vox hicieron su debut en el Tower Ballroom, en New Brighton, en un concierto organizado por

John y su Vox AC15 “Fawn”

Vox “Fawn” 6

Brian Epstein y que era encabezado por Joe Brown & His Bruvvers, quien por ese entonces tenía un éxito con su canción A Picture Of You, que a su vez había sido interpretada por The Beatles en su segunda aparición en la BBC. De esa noche también se desprende la anécdota de una foto que por mucho tiempo tuvo confundidos a fans e historiadores, donde se ve a George con una guitarra Gibson ES-335. Luego se supo que esa guitarra era de Brown y que George la tomó prestada cuando se le presentó la oportunidad para fotografiarse con ella, antes de que su dueño lo notara.

Jennings y obtener algún tipo de acuerdo. Un tiempo después, a principios de 1963, el manager de The Beatles se presentó en la tienda de instrumentos musicales de Jennings en Charing Cross Road, en el centro de Londres, y fue atendido por Reg Clark, el encargado del lugar. La propuesta de Epstein fue clara, y algo pretenciosa si se tiene en cuenta la situación de la banda en ese momento, que aunque habían tenido un Top 20 con Love Me Do, prácticamente eran unos desconocidos en Londres y a nivel nacional. Brian le dijo a Clark que sus muchachos serían muy grandes y que por ello querían los mejores amplificadores, y que estaban dispuestos a ceder su imagen para publicidad y a nunca usar otros amplificadores que no sean Vox, a cambio claro está que la firma

Brian recibió el consejo de parte de Bernard Michaelson, el encargado de Hessy’s, para que tratara de hablar directamente con Tom 7

proveyera a la banda con un par de sus AC30. Brian además enfatizó que The Beatles serían tan importantes que el valor de los amplificadores sería saldado cientos de veces con el valor publicitario que la banda les garantizaría. Contra cualquier pronóstico, Reg Clark quedó impresionado y se comunicó con el Coffin de Paul dueño de la firma: “Entonces llamé a Tom Jennings, el dueño de Vox, y le conté de esta conversación. Recuerdo las palabras exactas de Tom muy bien. Él dijo ‘¿Quién se cree que somos, una maldita sociedad filantrópica?’. Pero de todos modos decidí por mi cuenta hacer el trato con

Epstein… porque en verdad Tom nunca dijo que no”. El acuerdo se hizo efectivo de inmediato y JMI saldó la deuda que la banda tenía con Hessy’s, pero pronto retuvo los amplis “flawn” y en cambio obsequió a la banda unos nuevos Vox AC30, idénticos. En este caso se trató de los más conocidos “black cover” Vox AC30 Twin, equipados con dos parlantes Celestion T530 de 12 pulgadas. Con ellos se grabó el álbum Please Please Me y desde allí comenzó el rápido ascenso de The Beatles y de Vox, que gracias a la intuición de Clark recibió publicidad millonaria en forma gratuita durante toda la década, ya que Epstein, fiel a su palabra, jamás puso reparos en que la compañía utilice la imagen de la banda para promocionar sus productos.

Unos meses después Vox Además tenía la caja con salió a la caza de otro los 2 parlantes Tannoy de Beatle. Paul McCartney. 15 pulgadas separada del Hasta ése momento Paul cabezal, que tenía los venía usando un controles en la parte amplificador hecho a mano posterior del mismo. bautizado como Coffin y Con el crecimiento de The que había sido una Beatles y la fama mundial creación de Adrian Barber, que obtuvieron, Vox el guitarrista de The Big Three, VOX AC30 incrementó sus ventas de forma una banda de Liverpool que a desmedida. Cada prototipo creado principios de los 60 disputaba la popularidad por sus ingenieros fue enviado con con The Beatles. Barber tenía conocimientos urgencia a los muchachos y nunca dejaron de de electrónica, y como en aquellos días no proveerles amplificadores, además de otros existía un amplificador de bajo propiamente elementos. No fue hasta finales de la década, dicho, confeccionó uno para el bajista de su con Brian fallecido, que los Fab comenzaron a banda, Johnny Gustafson. Poco tiempo utilizar otras marcas. Pero el empujón que le después comenzó a realizar otros, encargados dieron a Vox sigue haciendo avanzar a la por bandas locales. Uno de ellos fue pedido firma aún en nuestros días. por McCartney. Pero era tiempo de jubilar al viejo Coffin y Jennings le acercó al zurdo bajista la última creación de Vox: el amplificador de bajo T60 “black cover”, que hacía juego con los AC30 de Lennon y Harrison. Este era un prototipo creado por Alan Harding y Doug McDonald, y se trataba de un amplificador transistorizado, a diferencia de los valvulares de guitarra.

Martín Castro

The Shadows - VOX

VOX T60 9

El pasado 15 de septiembre llegó el nuevo disco de estudio de Ringo Starr, por Universal Music en los formatos CD y Digital primero, y el 22 de septiembre en Vinilo. Como nos tiene acostumbrados desde hace tiempo, el disco está plagado de estrellas de la música invitadas en cada uno de sus tracks. De arranque ya tenemos la primera: Paul McCartney colabora junto a Steve Lukather, Joe Walsh y Edgar Winter en la rockerisima “We’re On The Road Again”; los dos primeros también coescribieron y grabaron “Show Me The Way”. En “Laughable” tenemos presentes a Peter Frampton y Richard Page… y así podemos seguir, ya que van apareciendo estrellas de la talla de Gregg Bissonette, Richard Marx, Glen Ballard, Dave Stewart, Gary Nicholson, Don Was, y muchos más. Originalmente la intención del álbum es que fuese un disco country grabado en Nashville, en sintonía con lo que fue su segundo trabajo solista “Beaucoups Of Blues”, pero debido a problemas de agenda sumado a ideas que surgían terminó grabado otro disco convencional con sus colaboradores frecuentes. De esa primera intención Country surge el tema “So Wrong For So Long”, primer tema escrito y grabado de estas sesiones. Como siempre, y como el mismo lo reconoce: “Yo no quiero escribir un libro, porque cuento todo en mis canciones.”, esto se sigue cumpliendo. Por ejemplo, en “Electricity”

Tracklist: 1. "We're on the Road Again" (Starkey/ Lukather) 2. ”Laughable" (Starkey / Frampton) 3. "Show Me the Way" (Starkey/Lukather) 4. "Speed of Sound" (Starkey/Marx) 5. "Standing Still" (Starkey/Burr) 6. "King of the Kingdom" (Starkey/Parks) 7. "Electricity" (Starkey/Ballard) 8. "So Wrong for So Long" (Starkey/Stewart) 9. "Shake It Up" (Starkey/Nicholson) 10. "Give More Love" (Starkey/Nicholson) 11. "Back Off Boogaloo" (Starkey) 12. "Don't Pass Me By" (featuring Vandaveer) (Starkey) 13. "You Can't Fight Lightning" (featuring Alberta Cross) (Starkey) 14. "Photograph" (featuring Vandaveer) (Starkey/ Harrison)

está dedicada (y lo menciona) a Johnny Guitar, guitarrista de Rory Storm And The Hurricanes.

Además de los 10 temas “base”, el disco en edición Deluxe incluye cuatro bonus tracks, que son nada menos que re-versiones de clásicos del catálogo de Ringo. La primera es “Back Off Boogaloo”, que está basada en el boceto original del sencillo de 1972 que recientemente Ringo recuperó tras una mudanza. Le siguen tres son colaboraciones con los artistas que versionaron las respectivas canciones para su evento de cumpleaños de 2016, y de las que Ritchie quedó encantado y pidió registrarlas en estudio: “You Can’t Fight Lightning” junto a Alberta Cross; y Photograph y Don’t Pass Me By (con final sorpresa!) junto a Vandaveer. Federico B.

Podemos ver el tracklist que Harrison había decidido era el siguiente:

"Hong Kong Blues" (Carmichael) – 2:53 "Writing's on the Wall" – 3:58 "Flying Hour" (Harrison, Mick Ralphs) – 4:04 "Lay His Head" – 3:43 "Unconsciousness Rules" – 3:36 "Sat Singing" – 4:28 "Life Itself" – 4:24 "Tears of the World" – 4:00 "Baltimore Oriole" (Carmichael) – 3:57 "Save the World" – 4:56

Entre 1979 y 1982 George Harrison vivió tiempos bellos, exitosos, tumultuosos y llenos de frustraciones. Su disco homónimo editado en 1979 había recibido buenas críticas por parte de los medios especializados y buenas ventas que lo habían llevado a un disco de oro en los Estados Unidos. Un poco más de un año después, en 1980, Harrison comenzó las grabaciones de lo que sería su noveno disco de estudio, las cuales se extendieron hasta septiembre del mismo año, siempre en su estudio personal en su casa en Friar Park. George presentó su versión final del disco y sorpresivamente Warner Bros (distribuidora del disco por intermedio de la discográfica del ex Beatle llamada Dark Horse) rechazó el disco considerándolo poco comercial y muy “apagado”. También de manera sorpresiva, conociendo su carácter y experiencia, Harrison aceptó modificar el disco y las sesiones comenzaron en noviembre de 1980. 14

Los directivos de Warner rechazaron cuatro canciones: Flying Hour, Lay His Head, Sat Singing y Tears Of The World pero también solicitaron que se modifique el arte de tapa. La idea original de Harrison era una foto suya donde su pelo fuera unido a un mapa del Reino Unido. De esta manera, una sesión de fotos nueva que incluía una pequeña broma de George donde la tapa mostraba un lugar “difícil” de ubicar como Inglaterra pero que en la contratapa Harrison se muestra alejándose de un mural de un museo con una sonrisa cómplice. Las regrabaciones de noviembre del nuevo Somewhere in England se suspendieron momentáneamente para que Ringo Starr grabara algunas nuevas canciones bajo la producción de George. Los planes de grabación incluían tres canciones; un cover llamado You Belong To Me y dos canciones del Beatle silencioso, Wrack My Brain y All Those Years Ago. Pero…

…El asesinato de John Lennon a principios de diciembre de 1980 modificó para siempre la vida de George Harrison. Según se rumorea, Harrison recibió la noticia en Londres y solo pudo atinar a acostarse y dormir. Luego toda la información al recibió mediante los noticieros que cubrían el asunto. La relación entre John y George no estaba en su mejor momento después de que Lennon en una entrevista con Playboy mostró su descontento sobre la autobiografía de Harrison, llamada I Me Mine, afirmando que casi no era nombrado y que con eso intentaba borrar toda la influencia que tuvo en su vida. Respecto a esto George explicó en una entrevista que John “se enojó porque no puse que él escribió una línea de Taxman” y agregó que “de la misma manera yo no puse que di dos frases de Come Together y tres líneas de Eleanor Rigby” para después concluir de forma contundente diciendo que “tanto Paul como John se han enojado conmigo, pero viendo las cosas, yo tengo mucho más para enojarme con ellos”. Harrison, quién ya estaba bastante preocupado por los acosadores, intensificó su seguridad y comenzó un largo proceso de aislamiento. La muerte de John Lennon produjo el reencuentro de George Harrison y Paul McCartney después de más de 10 años. Paul, Linda Eastman y Denny Laine (integrante de Wings) grabaron voces para el single que sirvió como un homenaje para Lennon. Ese single fue All Those Years Ago que Harrison “pidió” de regreso a Ringo para modificar la letra y grabar su voz. Editado en mayo de 1981 All Those Years Ago llegó al puesto 13 en el Reino Unido y en número 2 en los Estados Unidos transformándose en el single más exitoso para George Harrison desde Give Me Love (Give Me Peace On Earth) en 1973. En el single y disco se presentaba una nota de agradecimiento para George Martin y Geoff Emerick, productor e ingeniero de sonido de manera respectiva de The Beatles. 15

Ahora volvamos a las regrabaciones de noviembre de 1980. Los directivos de Warner pidieron un disco más alegre y en parte lo tuvieron. La lista definitiva de canciones que salió a la venta es la siguiente:

"Blood from a Clone" – 4:03 "Unconsciousness Rules" – 3:05 "Life Itself" – 4:25 "All Those Years Ago" – 3:45 "Baltimore Oriole" (Carmichael) – 3:57 "Teardrops" – 4:07 "That Which I Have Lost" – 3:47 "Writing's on the Wall" – 3:59 "Hong Kong Blues" (Carmichael) – 2:55 "Save the World" – 4:54 Las nuevas canciones, además de la mencionada All Those Years Ago, fueron Blood From a Clone, Teardrops y That Which I Have Lost. Pero Harrison, fiel a su estilo, utilizó Blood From A Clone como una crítica a Warner y al sistema general musical. Esto haría mella en George Harrison quien realmente sintió querer dejar el negocio de la música para siempre y para su próximo disco, Gone Troppo, editado en 1982, no haría ningún evento publicitario ni tampoco concedió entrevistas.

Maximiliano Seijas

El lado B de “Abbey Road” se compone en su mayor parte de un medley de varias canciones, de hecho, algunas veces se considera que es una sola canción, a la que muchas personas nombran como “los mejores 16 minutos de toda la música grabada”. Desde “You Never Give Me Your Money”, hasta “The End”, la banda logró finalizar la grabación de su último álbum con una gran canción (o una serie de canciones) de proporciones épicas. Los orígenes de este concepto del medley están en las sesiones del álbum fallido, “Get Back”, algo que no debería sorprendernos debido a que en primer lugar en los mismos ensayos de las sesiones de “Get Back” a veces se tocaban varias canciones juntas (tanto originales como covers), al estilo medley. Otra cosa que pudo haber influido en esto es el hecho de que las mezclas preliminares del álbum, hechas por Glyn Johns (posteriormente rechazadas), precisamente presentaban las canciones de manera continua (Desde “909” hasta “I’ve Got a Feeling”), y por último: básicamente la mayoría de las canciones del medley de

“Abbey Road” son canciones sobrantes que no tuvieron cabida en el álbum “Get Back” ni en su posterior encarnación “Let It Be”. Por lo cual la esencia de las sesiones “Get Back” (“volver a las raíces rockeras de la banda”) se encuentran presentes en el lado B de “Abbey Road”. La inmensidad de la tarea de unir todas las piezas del rompecabezas que fue la grabación del medley me obliga a cambiar un poco el formato de la nota, adoptando un orden cronológico y no tanto un orden de canción por canción. 6 de Mayo de 1969 Grabación: Se grabaron 36 tomas de “You Never Give Me Your Money”, de la cual, solo se grabó la pista base (Paul en piano y en voz, George y John en guitarra, Ringo en batería). Mezcla: La toma 30 fue considerada la mejor y se le realizó una mezcla en estéreo. Las sesiones no se retomarían hasta dentro de dos meses

(Ringo), Piano, Voces, (Paul), Bajo (George). John había quedado cuidando de Yoko. A final de la sesión, no se tiene registrada mezcla alguna. 3 de Julio de 1969

1 de Julio de 1969 Grabación: La banda (menos John, que no se presentó por haber sufrido un accidente en Escocia), decidió reunirse para seguir trabajando la primera canción del Medley, sin embargo, lo único que se logró fue que Paul volviese a grabar su voz. Mezcla: Llegados a este punto se realizó una mezcla estéreo de la canción, que circula en bootlegs, sin embargo, la versión que circula aparece en mono y no en estéreo. 2 de Julio de 1969 Grabación: Dos canciones fueron grabadas en esta sesión, “Her Majesty” y “Golden Slumbers/Carry That Weight”, en ese orden. En la primera solo se grabaron tres tomas, con Paul en la guitarra y en la voz, de la cual la toma 3 resultó ser la mejor, sin embargo, no se le consideró hacerle algún cambio o sobregrabación a esta canción. Por lo que prácticamente había sido terminada. Después, se grabó “Golden Slumbers/Carry That Weight” en quince tomas, de hecho, podemos ver a George, Paul, Ringo y George Martin discutiendo la primera toma de esta canción en el material extra del Anthology. La canción en este punto consistía en Batería, 18

Grabación: Se siguió trabajando en “Golden Slumbers/Carry That Weight”, pero llegados a este punto, no hay consenso entre las personas que han analizado las sesiones de grabación; se dice que hubo una pequeña edición, en donde la toma 15 y 13 fueron editadas para formar una sola toma (otras fuentes dicen que fueron las tomas 13 y 14). Después, se procedió a sobregrabar más instrumentos sobre esta edición: Batería, guitarras, y voces tanto para “Golden Slumbers” como para “Carry That Weight”. Al igual que en la fecha anterior, no se tiene registrada mezcla alguna. John se reintegraría a la banda el 9 de Julio. 11 de Julio de 1969 Grabación: A “You Never Give Me Your Money” se le fue sobregrabada una pista de bajo. Dentro de cuatro días surgiría la primera mezcla.

hubo modificación alguna a la canción sino hasta dentro de casi un mes. 24 de Julio de 1969 Grabación: Ahora era el turno de grabar la segunda parte del medley: “Here Comes The Sun King” (después cambiada a “Sun King” para evitar confusión con la canción de George grabada unos días antes). En una sesión vespertina la banda grabó esta canción junto con “Mean Mr. Mustard”. Se necesitaron de 35 intentos para poder tener una pista base sobre la cual trabajar. Dicha pista base consistía en bajo, batería y dos guitarras. También en esta sesión Paul trabajó en “Come And Get It”, con todos los instrumentos tocados por él. Esta canción terminaría siendo grabada por Badfinger el 2 de agosto, con Paul produciendo y participando en la sesión. 15 de Julio de 1969 Grabación: La banda siguió trabajando con “Money”. En esta fecha se le agregaron más voces, campanas y percusión a la canción. Mezcla: Hubo seis intentos de mezclar esta canción en estéreo, sin embargo, ninguna de estos intentos ha salido a la luz. 23 de Julio de 1969 Grabación: En esta sesión se decidió iniciar a grabar “Ending”, que era el título provisional de “The End”. Se grabó la instrumentación usual: guitarras, bajo y lo más importante de la canción: La batería. Un piano se sobregrabó en otra pista después de grabar los instrumentos base. La mejor toma de la canción, la toma séptima, duró 1 minuto y 23 segundos. Era necesario hacer una edición para que cobrara forma, sin embargo, no 19

También en este día se grabaron de manera espontánea e informal las canciones “Ain’t She Sweet”, y “Be-Bop-A-Lula” entre intento e intento de “Sun King”. “Ain’t She Sweet” aparece en el Anthology 3. Mezcla: La única mezcla que se tiene registrada de esta sesión es la de “Come And Get It”, pero no se tiene ninguna registrada de “Sun King/Mean Mr Mustard”

28 de Julio de 1969 Grabación: En esta sesión se grabaron varios overdubs en “Polythene Pam/She Came In Through The Bathroom Window”, guitarras y pianos (acústicos y eléctricos), voces y percusión, muchos de estos overdubs no se usaron en la mezcla final. Sin embargo, al necesitar de aún más elementos, era necesario reducir (léase: mezclar) a otra cinta parte del contenido de esta toma 39 y sus overdubs para liberar espacio de grabación para sesiones posteriores. De nuevo, no se tiene ninguna mezcla registrada de esta canción para este día. 29 de Julio de 1969 Grabación: Ahora era turno de grabar voces para “Sun King/Mean Mr. Mustard”. También se grabó otra pista de órgano, y percusión (bongos y pandereta). Mezclas preliminares no se harían sino hasta el día siguiente. 25 de Julio de 1969 Grabación: En este día se grabó la tercera parte del medley: “Polythene Pam/She Came In Through The Bathroom Window”. La pista base esta canción no fue perfeccionada sino hasta en la toma número 39. De nuevo, la pista base consistió en guitarras (George en eléctrica y John en acústica de 12 cuerdas), bajo, baterías y voces, sin embargo, estos últimos tres elementos fueron regrabados al final de la sesión. Al parecer, fueron grabados como overdubs, lo que significa que las grabaciones originales no fueron borradas del todo. En esta fecha también se grabaron overdubs para “Sun King/Mean Mr. Mustard”: voces, piano y órgano. No se tiene registrada mezcla alguna. 20

30 de Julio de 1969 Grabación: Por mucho, esta es una de las sesiones más laboriosas de todo el álbum, al punto de tener que usar dos estudios para poder avanzar en la producción. Al iniciar la sesión, era necesario reducir las ocho pistas de “You Never Give Me Your Money” para

liberar espacio, fueron necesarios seis intentos de reducir la toma 30 a una nueva cinta, al resultado se le denominó toma 40, después de esto, fueron sobregrabadas más voces, sin embargo, esta acción sería lamentada un día después, ya que Paul volvería a trabajar sobre la toma 30. Los esfuerzos se dirigieron después a terminar con la grabación de “Polythene Pam/She Came In Through The Bathroom Window”, se sobregrabaron percusiones, voces y guitarras. También se sobregrabaron voces en “Golden Slumbers/Carry That Weight” Mezcla: Por el lado de las mezclas, esta sesión es importante ya que es la primera vez que se juntan todas las canciones con el fin de tener una versión preliminar. El primer paso fue mezclar todas estas canciones en estéreo, sin embargo, se hizo de una forma muy cruda, al enfocarse más en ver cómo sonaban las partes en su conjunto que en ver cómo sonaba la mezcla en estéreo. Las mezclas estéreo de las canciones individuales fueron después unidas copiando y pegando trozos de cinta, se duró aproximadamente cinco horas en poder hacer una edición satisfactoria del medley. Una versión mono de esta mezcla preliminar (titulada “A Huge Melody”) circula en bootlegs, con algunas diferencias a la versión oficial del medley (especialmente en “The End”, “Sun King” y “Polythene Pam”). Esta versión del medley incluía “Her Majesty” entre “Mean Mr. Mustard” y “Polythene Pam”, sin embargo, Paul decidió eliminarla de entre esas dos canciones, pero los ingenieros de estudio de Abbey Road, en vez de desechar esta canción, la pusieron al final de 21

la cinta. Esto se vio reflejado en un disco de acetato (hecho para que Paul escuchara como quedaba la canción sin “Her Majesty”), y cuando Paul escuchó esta canción después de “The End” y algunos segundos de silencio, le gustó tanto la presentación que decidió conservarla para la versión final del medley. La producción ya estaba casi terminada, sin embargo, aún eran necesarios algunos arreglos.

era usual, no se tiene registrada mezcla alguna. 5 de Agosto de 1969 Grabación: El único problema que tenía el medley en este punto era que a Paul no le convencía del todo la transición de “You Never Give Me Your Money” a “Sun King”. En esta fecha, Paul, junto con los técnicos e ingenieros de Abbey Road, compilaron varias cintas de efectos de sonido de insectos y campanas que pudieran servir como efectos de transición entre las dos canciones. En total, hubo cinco intentos de grabación (o mejor dicho, de arreglo) de dichos sonidos. En este día también se grabaron el primer juego de voces de “The End”. En los días subsecuentes, algunas canciones (“Because”, “Come Together”, “Maxwell’s Silver Hammer”), recibieron sus mezclas finales, por lo que era necesario darse prisa para terminar con la producción del medley.

31 de Julio de 1969 Grabación: Paul consideró que los overdubs que había hecho en la toma 40 de “You Never Give Me Your Money” no eran del todo satisfactorios, y en vez de regrabarlos, decidió volver a la versión original, a la toma 30 y trabajar sobre ella. En esta sesión se regrabó el bajo y se grabó un overdub de piano eléctrico en la segunda parte de la canción. Para “Golden Slumbers” se sobregrabó batería, guitarra, percusiones y voces. Como

Edición: En algún punto entre el 23 de Julio y el 5 de Agosto, “The End”, que duraba alrededor de un minuto de duración, fue editado para expandir la duración de la pieza a 2:41. Después de esta edición se sobregrabaron las voces y la guitarra. 7 de Agosto de 1969 Grabación: En esta sesión se grabó el segundo juego de voces para “The End” y un overdub de guitarra eléctrica. También se produjo la mezcla final de “Come Together”. ¡“Abbey Road” ya estaba tomando forma! 8 de Agosto de 1969

Grabación: Esta fecha es memorable ya que en la mañana de este día es cuando se tomó la foto de la portada del álbum “Abbey Road”, que pasó a ser una de las portadas más icónicas de la música rock. En la tarde se trabajó añadiendo más secciones de batería y bajo en “The End” y haciendo modificaciones de último momento en otras canciones. Oficialmente la grabación del medley había concluido (por ahora) y era momento de iniciar las mezclas. 13 de Agosto de 1969 Mezcla: Después de mucho trabajar en la canción había llegado el momento de producir la mezcla estéreo final de “You Never Give Me Your Money”. Ocho intentos bastaron para generar una mezcla satisfactoria, que pasó a ser la RS23 (el cuarto intento en ese día)

Sun”, “Something”, como para “The End” y “Golden Slumbers/Carry That Weight”. Y digo de manera magistral por que George Martin y los Beatles se las arreglaron para conducir a la orquesta en el estudio 1 de EMI, y en el estudio 2 se supervisó la grabación y producción mediante cámaras y walkietalkies. Algo poco convencional en ese entonces. 18 y 19 de Agosto de 1969 14 de Agosto de 1696 Mezcla: Esta resultó ser otra laboriosa sesión de mezcla ya que se produjeron muchas de las mezclas finales estéreo de las primeras canciones del medley. “Sun King/Mean Mr. Mustard” (4 intentos, RS20-RS23, siendo la mejor mezcla el RS22), “Polythene Pam/She Came In Through The Bathroom Window” (doce intentos, RS20-RS32, la mejor mezcla estéreo resultó ser la última). El momento esperado había llegado y era necesario armar todas las piezas del rompecabezas. Se necesitaron tres cintas y doce horas de trabajo para perfeccionar el arreglo del medley, que por fin había sido terminada su primera parte. Grabación: En esta fecha, Kenny Everett, amigo de los Beatles, le realizó una entrevista a John en los estudios de EMI mientras estaban mezclando las canciones. John da uno que otro avance del álbum en el que se encuentran trabajando. 15 de Agosto de 1969 Grabación: En esta sesión se grabó de manera magistral todos los aportes orquestales a Abbey Road, tanto para “Here Comes The 26

Grabación: Se grabó en esta ocasión, como último detalle, un piano para “The End”. Con esto se finaliza la grabación del medley. Mezcla: En estas dos sesiones se mezclaron “Golden Slumbers/Carry That Weight” (18 de agosto, dos intentos, RS2 fue elegido para su aparición en el álbum) y “The End” (18 y 19 de agosto, nueve intentos, del cual el último fue elegido como el mejor).

25 de Agosto de 1969 Edición y recopilación: La cinta maestra se volvió a compilar para incluir las nuevas mezclas que se hicieron cuatro días antes. Una edición de muy último momento sucedió antes de finalizar oficialmente con la producción del álbum: La duración de “The End” fue cortada de 2:41 a 2:04. Se hizo una copia de seguridad de la cinta maestra y con esto, se concluyó la producción del último álbum de The Beatles. Con esto se cierra un ciclo y The Beatles, en septiembre de 1969 están virtualmente separados, dejando una obra maestra que durará por generaciones. Solo queda esperar que sorpresas habrá para la edición del 50 aniversario de Abbey Road.

Miguel Antonio De La Riva Por fin habían concluido las sesiones de Abbey Road. El día después, es decir, el 20 de agosto, la banda se reunió para elegir el orden de las canciones. Era esa la última vez que los cuatro Beatles estuvieron juntos en un estudio. Después de esto, se compilaron las mezclas finales en la cinta maestra, que sería usada para hacer el LP. 21 de Agosto de 1969 Mezcla: Esta vez eran necesarios hacer cambios de último momento en la cinta maestra, entre ellos están volver a mezclar la transición entre “You Never Give Me Your Money” y “Sun King”. También se decidió hacer una nueva mezcla estéreo de “The End”. 27

No hay mejores días, dicen, que aquellos días de la infancia o la adolescencia, donde el escape estaba allí, en tu habitación, rodeado de las cosas que te protegen, que te dan identidad. Y cada vez que, uno ya adulto, ve las cosas no tan claras, trata de ir a ese lugar (There's a place / where I can go...) De algún modo es lo que le sucedió a Paul McCartney a principios de 1999 cuando decidió empezar a salir del lógico parate acaecido por la muerte de Linda en abril de 1998 y llamó a unos amigos para juntarse en Abbey Road y tocar algunas de esas canciones que 40 años atrás lo habían impulsado para formar una banda de rock’n’roll. Los amigos no eran, por supuesto, ningunos improvisados: David Gilmour (Pink Floyd) en guitarra y coros, Ian Paice (Deep Purple) y Dave Mattacks (Jetro Tull, Camel) en batería, Mick Green (The Pirates) en la otra guitarra, Pete Wingfield (B.B. King, Alan Parsons) y Geraint Watkins (Van Morrison, Status Quo). ¿Qué puede salir mal? Vamos al disco. "Blue Jean Bop", de Gene Vincent, comienza solo con la voz de Paul y el sonido del bajo. La voz, y esto será una constante en el disco, con mucha reverb, al estilo de las grabaciones de - por ejemplo - Sun Records. 31

Luego el tema trae todos los instrumentos y el primer solo a cargo de Gilmour. Gran comienzo. "She Said Yeah", previamente versionado por los mismísimos Stones, es el segundo tema y la bata de Paice marca el ritmo irresistible del mejor rock and roll... Pero ya comienza "All Shook Up" y nos olvidamos por completo del elegante cover de Billy Joel al escuchar la versión SALVAJE de Paul & Cía. Estos dos temas fueron en su momento popularizados por un tal Elvis... "Run Devil Run", uno de los tres temas compuesto por Macca para este disco, nos muestra la gran habilidad que Paul tiene para componer en un - digamos - modo

antiguo del género, muy cercano a Chuck Berry. El sonido es absolutamente maravilloso y el zurdo nos dice que está absolutamente vigente. Luego de este tema viene el bellísimo y oscuro "No Other Baby", bajando la intensidad y cediendo el protagonismo al viejo Höfner Violín y la voz aullándole a la Luna por su gran amor perdido. El momento conmovedor prosigue con "Lonesome Town", tema de Baker Night, grabado en 1958 por Ricky Nelson, que eligió porque tanto él como Linda lo escuchaban en su adolescencia (llore, llore tranquilo... a todos nos pasó) Pero justamente Paul nos dice "Trata de no llorar" - "Try Not To Cry"- en el segundo de los temas nuevos y, a diferencia del tematítulo, suena más contemporáneo dentro del estilo McCartney. "Movie Magg" está tocada al estilo inconfundible de su creador Carl Perkins, quien la grabó originalmente en 1955 y hasta podemos imaginarnos a Paul tocando arriba de un caballito, casi como el Woody de Toy Story! Si nombrábamos antes a Chuck Berry (Según John Lennon, uno de los nombres 32

propios del Rock And Roll) una de sus composiciones hace su aparición aquí y es "Brown Eyed Handsome Man", con Chris Hall como invitado especial en el acordeón. Como casi todos los temas de este disco, invita de por sí al baile y así se lo ve a Paul en el video clip de este track. "What It Is" es el tercero y último de los estrenos de Paul y es un tema que McCartney comenzó a escribir unos meses antes de la muerte de Linda. "Coquette", un foxtrot perteneciente a Carmen Lombardo y Johnny Green, pero popularizado por Fats Domino, artista que bien ha influenciado a Paul, pero en vez de encarar un sonido de 1928, la banda se siente cómoda entre los acordes estirados de David Gilmour, Amo y Señor de la guitarra que tiene una oportunidad que pocas veces tuvo en los discos de Pink Floyd: rockear. Hablando de Rock (je), Elvis Aaron Presley vuelve a asomar el jopo en "I Got Stung" el lado B del single "One Night" de 1958 , pero obviamente la relectura es más intensa. En este sentido, este disco puede compararse (lo digo

nuevamente: en ese sentido, el de la intensidad con respecto a los covers) con "Rock 'N' Roll" de John Lennon más que con "CHOBA B CCCP" del propio Paul. ¿Por qué digo esto? Porque Lennon al momento de registrar sus covers lo hizo con su impronta y el disco de Paul de 1987 se ciñe demasiado al sonido original de aquellos viejos rock. Solo eso.

La mejor intro del disco corresponde a "Honey Hush", temazo del blusero Big Joe Turner aparecido en 1953. Tal es así que fue el primer tema de la presentación en vivo de este disco, en diciembre de 1999 nada menos que en el Cavern de Liverpool.

Y Paul llega a unos registros cercanos a los utilizados en "Oh Darling" para "Shake A Hand", grabada por otro ídolo de McCartney llamado Little Richard en 1958. Aplausos para el piano. Y el final llega bien arriba con "Party". Originalmente lanzado como "Let's Have A Party" en 1957 por Elvis para "Loving You", la segunda de sus películas y la primera en colores (¿Habrán ido John y Paul a verla juntos?). Aquí hay una curiosidad: La primer línea de la canción "Some people like to rock / Some people like to roll" fue dicha en cámara por Ringo Starr y Marc Bolan (TRex) en 1972, en el filme de este último "Born To Boogie". Hay un bonus track que salió en la edición japonesa del CD (cuando no) y en el single "No Other Baby" que es "Fabulous" (otra de Elvis) y que más tarde salió como single descargable en iTunes. Run Devil Run salió en todos los formatos (LP, CD, Cassette) y en una edición especial que consistía de una pequeña valijita con los discos simples de vinilo en sobres, como en los 50 / 60. La tapa mostraba un almacén de Atlanta que aún existe y que vende, por decirlo de algún modo, "fluidos contra la mala onda". Suponemos que quizás Paul compró alguno de estos, pero con el poder de estas viejas canciones tocadas por estos viejos brujos alcanza y sobra para ahuyentar a cualquier diablo que ande dando vueltas por ahí.

Javier Cuenca 34

Nacida el 20 de mayo de 1938 en Hamburgo, Alemania; hija de un ejecutivo de la sección alemana de Ford Motor Company, tras la muerte de su padre es criada por su madre Nielsa Kirchherr, en el suburbio de Altona, en Hamburgo.

Hamburgo para estudiar diseño de modas. Al mismo tiempo demostró su talento para la fotografía en blanco y negro, tanto es así que su profesor Reinhard Wolf lo reconoció y le ofreció trabajo una vez que se recibiera. Trabajó para él desde 1959 hasta 1963.

Después de su graduación, Kirchherr se matriculó en el Meisterschule für Mode, Textil, Graphik und Werbung -una escuela de arte de

Astrid se hizo conocida por su relación con The Beatles, iniciada en 1960 cuando conoció a Stuart Sutcliffe en la discoteca Kaiserkeller de Hamburgo, cuando el grupo se hacía llamar The Silver Beatles. El amor entre Stuart y Astrid significó el alejamiento de él del grupo; decidió quedarse en Alemania, estudiar arte y en noviembre de 1960 la pareja formalizó la relación; Sutcliffe escribió a su familia contándoles su compromiso, en tanto Kirchherr viajo en 1961 a Liverpool para conocerlos. SSutcliffe comenzó a sufrir fuertes dolores de cabeza y pese a ser atendido por diversos médicos, ninguno pudo encontrar la causa de los mismos; el 10 de abril de 1962 Sutcliffe fue llevado al hospital y Kirchherr lo acompañó en la ambulancia, pero murió antes de llegar. Tres días después, The Beatles volvían a Alemania en su tercera gira;

Kirchherr fue a recibirlos al Aeropuerto, con la pésima noticia de la muerte de Stu. En 1964 Kirchherr comenzó a trabajar para la Revista Stern; en tanto sacó las foto del rodaje de A Hard Day's Night para dicha revista. Con el pasar del tiempo, Astrid solo era contratada para fotografiar a The Beatles. Se la reconocía por sus primeras fotos del grupo, en tanto que sus siguientes trabajos fueron un tanto desprestigiados; en 1967 decidió dejar la fotografía. Ese mismo año se casa con el por entonces baterista del grupo Gibson Kemp, divorciándose 7 años después. En 1968, participó en la producción fotográfica del disco Wonderwall Music de George Harrison; el LP incluyó una foto en blanco y negro de Harrison sacada por ella.

“Baby's in Black” Tras la muerte de Stuart, Astrid quedó triste y desolada, Baby's in Black fue dedicada a ella por parte del grupo , la misma habla de lo angustiada que se sintió Astrid después sufrir la perdida de Stu. 39

Astrid fue conocida como la creadora del corte de pelo “mop top” de The Beatles. Sin embargo, ella lo negó y declaró a la BBC Radio Merseyside:

En 1994, sale a la luz la película Backbeat, en la cual se ven reflejados los primeros años de The Beatles en Hamburgo y la relación entre Lennon y Sutcliffe, y este último con Astrid; ella tuvo cierta cercanía con el film, teniendo en cuenta que fue fuente de consulta para el mismo, a lo que manifestó, el cierto parecido del actor Stephen Dorff, quien interpretó a Stuart.

"Todos mis amigos en la escuela de arte usaban este tipo de... lo que ustedes llaman corte de pelo Beatle. Mi novio de entonces, Klaus Voormann, tenían este corte y a Stuart le gustó muchísimo. Él fue el primero que realmente tuvo el valor de quitarse el Brylcreem de su cabello y pedirme que se lo cortara".

Astrid vive actualmente en Hamburgo, desde 1990, tiene una local de fotográfica K&K en Hamburgo, con fotografías personalizadas, libros y obras de arte; a su vez realiza convenciones y eventos relacionados con The Beatles en la ciudad. En julio de 2001, Astrid estuvo presente en Liverpool durante la inauguración de una exposición de su trabajo en la galería de arte de Mathew Street. El trabajo de Kirchherr fue exhibido en lugares como Hamburgo, Bremen, Londres, Liverpool, Nueva York, Washington D.C., Tokio, Viena y en el Salón de la Fama del Rock. 40

Jimena Forte

Desde su impecable trabajo a través de los discos de Radiohead, R.E.M., Natalie Imbruglia, Air, Travis y U2, George Martin fue quien le prestó atención y lo recomendó a Paul McCartney para su nuevo álbum. El modus operandi del nuevo productor fue ir con toda la franqueza hacia el artista y descartar aquellos temas que no lo convencían, cosa que jamás había sucedido en la carrera de Paul, ni siquiera con The Beatles. Así y todo, los dos lograron que "Chaos And Creation In The Backyard" (editado en septiembre de 2005) fuera uno de los grandes discos de Paul McCartney solista, colocándose rápidamente a la altura de sus discos clásicos como "Band On The Run", "Tug Of War" o "Flaming Pie", sino que está considerado también a la par de sus trabajos junto a Lennon, Harrison y Starr.

Considerado uno de los productores más influyentes del mundo, podría decirse que a mediados de la década de los '80 era la estrella indiscutida dentro del estudio de grabación. Tal es así que varios de los discos exitosos de esos años (Invisible Touch de Genesis, Synchronicity de los Police, álbumes de Collins solista, Hall & Oates) tienen su marca sonora de voces con reverb, muchos teclados y el característico "Noise Gate" de la batería que estrenó en un disco de Peter Gabriel con Collins como batero, y fue así como Paul McCartney lo buscó para su nuevo disco, donde pretendía un cambio que lo diferenciara de lo anterior (Pipes Of Peace, de 1983, producido por George Martin). El resultado, Press To Play, editado en 1986, no fue el esperado. Un sonido que a Paul no le quedaba cómodo. Demasiado moderno y por momentos casi artificial, aún contando con el propio Phil Collins y Pete Townshend, además de Carlos Alomar, guitarrista de David Bowie, que dos años antes estuvo sobregrabando en el proyecto póstumo de Lennon "Milk And Honey". Fue así como al año siguiente Paul se puso a trabajar en lo que recién en 1989 fue conocido como "Flowers In The Dirt" Javier Cuenca

1. Sri Yukteswar Gigi (Gurú) 2. Aleister Crowley (Ocultista) 3. Mae West (Actriz) 4. Lenny Bruce (Cómico) 5. Karlheinz Stockhausen (Compositor) 6. W.C. Fields (Cómico) 7. Carl Gustav Jung (Psicólogo) 8. Edgar Allen Poe (Escritor) 9. Fred Astaire (Actor) 10. Richard Merkin (Artista) 11. The Varga Girl (De Alberto Vargas) 12. *Leo Gorcey (Actor – Dejado fuera) 13. Huntz Hall (Actor) 14. Simon Rodia (Creador de Watts Towers) 15. Bob Dylan (Músico) 16. Aubrey Beardsley (Ilustrador) 17. Sir Robert Peel (Político) 18. Aldous Huxley (Escritor) 19. Dylan Thomas (Poeta) 20. Terry Southern (Escritor) 21. Dion (di Mucci)(Cantante) 22. Tony Curtiss (Actor) 23. Wallace Berman (Artista) 24. Tommy Handley (Cómico) 25. Marilyn Monroe (Actriz) 26. William Burroughs (Escritor) 27. Sri Mahavatara Babaji(Gurú) 28. Stan Laurel (Cómico) 29. Richard Lindner (Artista) 30. Oliver Hardy (Cómico) 31. Karl Marx (Filósofo/Socialista) 32. H.G. Wells (Escritor) 33. Sri Paramahansa Yogananda (Gurú) 34. Anónimo (Maniguí de cera) 35. Stuart Sutcliffe (Artista/ExBeatle)

36. Anónimo (Maniguí de cera) 37. Max Miller (Cómico) 38. The Pretty Girl (por George Petty) 39. Marlon Brando (Actor) 40. Tom Mix (Actor) 41. Oscar Wilde (Escritor) 42. Tyrone Power (Actor) 43. Larry Bell (Artista) 44. Dr. David Livingston (Misionero) 45. Johnny Weissmuller (Nadador/Actor) 46. Stephen Crane (Escritor) 47. Issy Bonn (Cómico) 48. George Bernard Shaw (Escritor)

49. H.C. Westermann (Escultor) 50. Albert Stubbins (Futbolista) 51. Sri lahiri Mahasaya (Gurú) 52. Lewis Carrol (Escritor) 53. T.E. Lawrence (Soldado) 54. Sonny Liston (Boxeador) 55. The Pretty Girl (por George Petty) 56. Figura de cera de George Harrison 57. Figura de cera de John Lennon 58. Shirley Temple (Niña actriz) 59. Figura de cera de Ringo Starr 60. Figura de cera de Paul McCartney

61. Albert Einstein (Físico) 62. John Lennon, con un corno francés 63. Ringo Starr, sosteniendo una trompeta 64. Paul McCartney, con un cor anglais 65. George Harrison, sosteniendo una flauta 66. Bobby Breen (Cantante) 67. Marlene Dietrich (Actriz) 68. Mahatma Ghandi (Dejado fuera) 69. Legionario de la Orden de los Búfalos 70. Diana Dors (Actriz) 71. Shirley Temple (Niña actriz) 72. Muñeca de trapo - por Jann Haworth 73. Muñeca con la figura de Shirley Temple 74. Candelero mexicano 75. Aparato de televisión 76. Figura de piedra de una chica 77. Figura de piedra 78. Estatua de la casa de John Lennon 79. Trofeo 80. Muñeca India de cuatro brazos 81. Bombo, diseñado por Joe Ephgrave 82. Hookah (Pipa de tabaco de agua) 83. Serpiente de terciopelo 84. Figura de piedra japonesa 85. Figura de piedra de Snow White 86. Enano de jardín 87. Tuba

Cuarta entrega de mini biografías. Esta vez es el turno de los siguientes siete, del 26 al 32 de la lista. Ellos son William Burroughs, Sri Mahavatara Babaji, Stan Laurel, Richard Lindner, Oliver Hardy, Karl Marx y H.G Wells.

Federico B. 44

William fue un escritor y artista estadounidense, uno de los referentes de la movida Beat y postmodernista. Nació en 1914 en una familia adinerada dueña de Burroughs Corporation. De chico vivió en St. Louis, finalizó sus estudios 1932 y comenzó a estudiar artes en Harvard. Hacia fines de los años 30’s viajó hacia Europa a conocer movimientos homosexuales en ciudades como Austria y Hungría. En 1939 escribió su corto “The Finger” inspirado en una situación real en la que se cortó parte del dedo meñique para impresionar a un hombre del que se enamoró. En 1944 se muda junto a Joan Vollmer y Jack Keruoac, y con éste último escribió la novela “And the Hippos Were Boiled in Their Tanks” en 1945. William y Joan se fueron haciendo muy amigos y tuvieron un hijo. En México en 1953 estando borrachos, Williams mató a Joan y fue declarado culpable de homicidio. Este fue el punto de inflexión en su obra. En Tanger en 1954 comienza a escribir la novela no lineal “Naked Lunch”, finalmente publicada en 1959. Luego vendrían The Soft Machine (1961), The Ticket That Exploded (1962) y Nova Express (1964), en todas usando la técnica de cut-up (técnica literaria en la cual un texto es recortado al azar y reordenado para crear un nuevo texto. Uso la literatura como una puerta de escape a sus adicciones. Para 1969 publicó The Last Words of Dutch Schultz y la novela tradicional The Wild Boys (1971). Durante los 60’s también se unió a la Iglesia de la Cinesiología. En los 80’s escribió la trilogía Cities of the Red Night (1981); The Place of Dead Roads (1983); and The Western Lands (1987). Para 1983 fue inducido en la American Academy and Institute of Arts and Letters luego de varios intentos de Allen Ginsberg. Durante toda su obra plasmó mucha autoreferencia, adicciones, sátira y sexualidad. En los 80’s también se dedicó a la pintura, inventando una técnica utilizando sprays sobre superficies blancas. Falleció en 1997.

Mahāvatār Bābājī es como se conoce a un Santo y Yogui, según varios de sus discípulos que afirman haberlo conocido entre 1861 y 1935, incluyendo el libro “Autobiography of a Yogi” de Paramahansa Yogananda y Sri Yukteswar Giri en su libro “La Ciencia Sagrada”. Se desconocen datos biográficos de Mahavatara por propia decisión personal, ya que nunca reveló fecha de nacimiento, lugar ni su verdadero nombre, aunque se dice que vivió durante siglos en el Himalaya y su nombre seria Nagaraj y tendría una hermana llamada Mataji. El término mahā-avatara significa “gran avatar” que es una forma de decir “Totalmente Iluminado”, y “Baba Yi” es “Padre Venerado”. El primer encuentro lo tuvo Lahiri Mahasaya en el monte Ranikhet, cuando Mahavatara lo llamó, le enseñó las técnicas de meditación de kriyā yoga y le pidió que lo enseñe a otros. Algunos de sus discípulos también afirman haberlo encontrado. En Allahabad, Yukteswar Giri, discípulo de Lahiri, lo encontró y dice que era realmente parecido a su maestro. Otro discípulo, Pranabananda Giri, afirma que logró saber que Mahavatara en 1894 dijo tener más de 500 años. Según Paramahansa Yogananda, Babaji lo visitó poco antes de que viaje a América para decirle “Sos a quién he elegido para que difundas el mensaje del Kriya Yoga en el Oeste”. Según el libro de Yogananda, el rol de Babaji es: “El Magavatar está en constante comunión con Cristo; juntos envían vibraciones de redención y han planeado la técnica de salvación espiritual para esta era. El trabajo de esos dos maestros completamente iluminados uno con el cuerpo y el otro sin él es inspirar a las naciones a abandonar guerras suicidas, odio racial, sectarianismo religioso y el boomerang maligno del materialismo”. Además de aparecer en la portada del Sgt. Pepper, aparece en la del álbum Dark Horse de George Harrison.

Stan Laurel nació como Arthur Stanley Jefferson en Lancashire, el 16 de junio 1890 y se volvería mundialmente famoso por ser el “flaco” del dúo de comedia “El Gordo y El Flaco” (Laurel and Hardy). Sus padres también eran actores, siendo su padre dueño del Metropole Theatre de Glasgow, Escocia, donde Stan comenzó a trabajar. A los 16 años hizo su debut teatral haciendo un show de sketches de pantomimas music hall, tomando cosas de su ídolo Dan Leno. En 1910 se suma a la tropa teatral de Fred Karno, en la que también participaba Charlie Chaplin. Todo el grupo realizó una gira por Estados Unidos a mediados del 10’s. Por aquellos años también colaboró con Alice Cooke, Baldwin Cooke y Oliver Hardy por primera vez. Para 1918 cambió su apellido artístico de Jefferson a Laurel. En 1917 filmó su primer película, junto a Mae Dahlberg, titulada Nuts in May. La dupla repetiría en 1922. Para 1924 le fue ofrecido un contrato por Joe Rock por 12 películas, las cuales fueron filmadas entre 1924 y 1925, desde Mandarin Mix-Up (1924) a Half a Man (1925). En 1926 intenta despegarse de la actuación y dedicarse a dirigir films, y lo logra firmando para el estudio Hal Roach. Allí se reencuentra con Oliver Hardy (con quien ya había trabajado en dos ocasiones), a quien tuvo que suplantar temporalmente, pero se hicieron muy buenos amigos, y notaron que tenían mucha química. Comenzaron grabando Putting Pants on Philip (1927) como equipo y continuaron hasta 1940 para Roach. Comenzaron como comedias mudas, pero en 1929 transicionaron a habladas. En 1932 ganaron el Academy Award for Best Short Subject por su three-reel “The Music Box”. Para 1941 firmaron con 20th Century Fox y filmaron 10 películas en 5 años, incluyendo The Bullfighters y Jitterbugs. Continuaron trabajando en equipo hasta la muerte de Hardy en 1956 de la que nunca se pudo recuperar. En 1961 le fue otorgado el Lifetime Achievement Academy Award por su labor en comedia. Falleció en 1965. 47

Richard Lindner fue un pintor germano-americano. Nació en Hamburgo, Alemania, el 11 de noviembre de 1901 y era de descendencia judía. En 1905 su familia se mudó a Nuremberg, donde la madre poseía una tienda de corsets. Estudió en el Kunstgewerbeschule (Arts and Crafts School). Desde 1924 vivió en Munich y estudió en el Kunstakademie. En 1928 se volvió director de arte de una firma publicitaria, como director artístico de la firma editorial Knorr & Hirth. En 1933, tras el ascenso Nazi se mudó a París donde se comenzó a ganar la vida como artista comercial. En 1941 se mudó a Estados Unidos y trabajó como ilustrador de libros, además de mantener contacto con otros inmigrantes alemanes como Albert Einstein, Marlene Dietrich y Saul Steinberg. Por este entonces comenzó formalmente su carrera artística, pintando imágenes de figuras robóticas, amazonas, héroes y heroínas. Su obra mezclaba la cultura Pop con rasgos de cubismo y expresionismo, generalmente sus figuras femeninas son corpulentas y con rasgos robóticos, con pechos, nalgas y labios exagerados y sus personajes en general portando máscaras o antifaces. Su trabajo editorial continuó, con ilustraciones para Vogue, Vanity Fair y Fortune. En 1948 lograría formalizar su ciudadanía estadounidense. En 1952 comienza a trabajar como maestro en el Pratt Institute de Brooklyn donde continuo hasta 1965. Entre 1962 y 1965 se volvió un suceso internacional con exposiciones por París, Londres y otros puntos de Europa. En 1954 realizó su primera muestra de pinturas en la Betty Parsons Gallery. Hacia 1965 se vuelve Profesor en la Hochschule für bildende Künste en Hamburgo, Alemania. Sus pinturas por este entonces solían contener simbolismo sexual y de roles de género. En 1972 fue parte de la Academia Americana de Artes y Letras y siendo premiado por ella. Falleció en 1978.

Norvell Hardy, nació en 1892 en Harlem, USA, y fue un actor y cómico, especialmente recordado por su rol de “Gordo” en “El Gordo y el Flaco” (Laurel And Hardy). Asistió a la escuela militar de Georgia y luego al Young Harris College. Si bien no le daba mucha importancia a sus estudios, si se lo daba a la música y el teatro. Por ese entonces se unió a un grupo de teatro y luego, motivado por su madre, viajó a Atlanta a aprender canto. Comenzó a trabajar cantando, adoptando también el nombre “Oliver” y su apodo “Babe”. En 1910 trabajó en un cine en Milledgeville, y notó que él podría hacerlo mejor que los actores que veía. En 1913 viajo a Florida, donde se filmaban muchas películas y al año siguiente pudo participar de “Outwitting Dad”. Debido a su contextura física, no podía realizar todo tipo de roles, se limitaba a roles de villano o pesado. Sin embargo su carrera continuó creciendo, y para 1920 ya había realizado más de 100 películas. En 1925 realizó el papel del Hombre de Hojalata en una versión del Mago de Oz. Para 1927 comenzó a compartir cartel con Stan Laurel en el dúo humorístico Laurel and Hardy, realizando decenas de cortos y películas durante 25 años, incluyendo The Battle of the Century (1927), Brats (1930) y A Chump at Oxford (1940). En 1949, por su lado, participó de The Fighting Kentuckian y en 1950 de Riding High. En 1951 se filmó la última película de Laurel and Hardy “Atoll K” (Utopia), no sin varios problemas de salud durante el rodaje. Entonces realizaron algunas apariciones televisivas junto a Laurel, como en Face the Music (1953), This Is Your Life (1954, donde reconoció ser Fracmason) y This Is Music Hall (1955) última aparición juntos. Ese mismo año intentaron empezar una serie televisiva pero fue pospuesta debido a problemas de salud: Oliver sufrió un ataque al corazón del que no pudo recuperarse, perdió mucho peso e incluso el habla por meses. Finalmente entró en estado de coma y nunca pudo despertar. Falleció en 1957.

Karl Marx nació descendiente de judíos en Prusia en 1818 y fue un influyente filósofo, economista, periodista, intelectual y comunista. Actualmente se lo considera uno de los arquitectos de la ciencia social moderna y fue elegido como “el mayor pensador del milenio”. Estudió en la Universidad de Bonn y en la Humboldt de Berlín, donde se interesó en las ideas filosóficas de los hegelianos. Hacia 1843 escribía para periódicos radicales, en especial en la Gaceta Renana, donde influía con sus ideas sobre el socialismo y criticaba a los gobiernos de Europa, liberales y socialistas. El periódico fue clausurado y se mudó a Paris. En 1844 escribió “Manuscritos económicos y filosóficos”, una obra que explica su concepto del trabajo alienado. En 1845 en Bruselas se convirtió en una figura importante de la Liga de los Comunistas. En 1848 apoyó la revolución de Paris y el establecimiento de la segunda República Francesa. Regresó a Colonia para expandir su revolución y fundó el periódico “La Nueva Gaceta renana”, donde volcaba noticias de toda Europa con su propia visión marxista. Perseguido, huyo a Londres donde fundó otra sede de La Liga, además de ayudar a la revolución. Habiendo sido víctima de la primera gran crisis del capitalismo y de las revoluciones, se propuso desarrollar una teoría económica capaz de aportar explicaciones a la crisis, pero a la vez de interpelar al proletariado a participar en ella activamente para producir un cambio revolucionario. Durante la década de 1850 se enfocó en entender sobre economía política y capitalismo, y en la siguiente escribió “Las Teorías de la Plusvalía”, y “El Capital”, una obra que analiza el proceso de producción capitalista. En sus teorías, entre otras cosas, afirma que las sociedades avanzan a través de la dialéctica de la lucha de clases y que el capitalismo es una "dictadura de la burguesía". En 1871 escribió “La guerra civil en Francia”. Falleció en 1883. Su lápida lleva grabado "¡Proletarios de todos los países, uníos!". 50

Herbert George Wells, nació en Bromley, Inglaterra en 1866 y fue uno de los novelistas de ciencia ficción más reconocidos de todos los tiempos. Fue el tercer hijo de una familia humilde. En 1874 sufrió un accidente en el que se fracturó una pierna y para matar el tiempo comenzó a leer libros de la biblioteca de su padre, lo cual lo motivó a querer crear sus propias historias. En 1881 empieza a trabajar en una empresa textil, experiencia que utilizaría más adelante en algunas de sus obras. En 1883 ingresa a la escuela de gramática Midhurst y al año siguiente ingresa becado a estudiar Biología en el Royal College of Science de Londres. En esa época ingresa a un club llamado The Science School Journal, donde sale publicada su novela “The Chronic Argonauts”, más conocida como La Máquina Del Tiempo, en la que el inventor de la máquina puede viajar hacia el pasado o el futuro moviendo una palanca y se dirige al año 802701. Con el paso de los años llegó a completar más de cien obras, incluyendo The Island Of Doctor Moreau (1896), The Invisible Man (1897), The War of the Worlds (1898) y The First Men in the Moon (1901) y Ann Veronica (1909) entre muchos otros. Wells era abiertamente de Izquierda, y un tópico bastante frecuente en su obra es la lucha de clases. También escribió ensayos, como El perfil de la historia (1919) o La conspiración abierta (1922) y libros de historia como Breve Historia Del Mundo Y Esquema De La Historia Universal, donde narra la historia del mundo desde la creación hasta la caída de la Alemania Nazi en sus últimos años, donde también critico a líderes mundiales en 42 to 44 (1944) y a la humanidad en El Destino Del Homo Sapiens (1945). En su vida privada era fanático de las miniaturas militares y ha escrito dos juegos de guerra: “Floor Games” (1911) y “Little Wars” (1913) Falleció en Londres en 1946.

Octubre ‘67 El 1 de octubre de 1967, pese a que el film ya se encontraba en proceso de edición, The Beatles vuelven a filmar en West Malling Air Station para el proyecto Magical Mystery Tour. El día 3 fallece el músico folk estadounidense Woody Guthrie. El 4 de octubre John Lennon y George Harrison asisten al programa de televisión The Frost Programme, conducido por David Frost, para ser entrevistados mayormente sobre Meditación Trascendental. El 6 se terminó de grabar Blue Jay Way en los EMI Studios, con el agregado de una pandereta y un cello, tocado por el sesionísta Peter Willison. El 9 de octubre Ernesto “Che” Guevara, médico y guerrillero argentino, es asesinado en Bolivia por miembros de la CIA y el Ejército boliviano. El día 11 de octubre los Bee Gees llegan al puesto Nro 1 del chart inglés con su canción Massachusetts. El 12 se grabó en los EMI Studios la composición de John Lennon y Paul McCartney titulada Shirley’s Wild Accordion, que tenía a Shirley Evans en acordeón y su entonces marido Reg Wale en percusión. Paul tocó maracas y Ringo batería, aunque no es considerada una canción de The Beatles. Además John Lennon fue acreditado como productor de la sesión. Esta canción quedó fuera del film. El 16 de octubre 39 personas, incluida la cantante folk Joan Báez, fueron arrestadas en California por bloquear la entrada de un centro de reclutamiento militar. El 17 se estrena el musical Hair en el circuito off-Broadway, mientras en Londres, en la New London Synagogue ubicada en el Nro 33 de Abbey Road, se realiza un servicio religioso en memoria de Brian Epstein. Los 4 Beatles asisten. El 18 sale de prensa el primer ejemplar de la revista Rolling Stone, con John Lennon en la portada. Ese mismo día se estrena The Jungle Book, el último film animado en ser supervisado por Walt Disney. Además en Londres, los 4 Beatles y

sus mujeres asisten al estreno de How I Won The War, el film de Richard Lester donde actuó Lennon. El 19 se trabajó en Hello Goodbye, el futuro single de The Beatles. El día 20 de octubre se dio a conocer un trozo de película conocido como el Patterson-Gimlin Film, que se grabó en Bluff Creek, California, y que muestra una criatura caminando e incluso mirando a cámara y que ha sido catalogada como Pie Grande o el Sasquatch. Aún se discute su veracidad. Ese día en EMI se trabajó en The Fool On The Hill y Hello Goodbye. El 21 marcharon en Washington cerca de 70 mil personas en protesta por la Guerra de Vietnam. El día 25 el Parlamento Británico aprobó la Ley de Aborto. En EMI siguieron los trabajos en Hello Goodbye. El 27 de octubre el criminal Jack McVitie es asesinado por los gemelos Kray, mientras en Estados Unidos nacía el músico Scott Weiland. El 28 de octubre nacía la actriz Julia Roberts, famosa entre otras películas por su participación junto a Richard Gere en Pretty Woman. El 29 se volvió a filmar para Magical Mystery Tour. Esta vez solo participó Ringo. El 30 de octubre Paul McCartney junto a Mal Evans y el camarógrafo Aubrey Dewar volaron a Francia para filmar la secuencia de The Fool On The Hill, que se llevó a cabo el día siguiente, el 31, en unas colinas de Niza.

Pilar J. Vázquez 54

Federico B.

Nuevo álbum de Ringo Starr: Give More Love, ya a la venta Ringo sigue regalándonos nueva música, y esta vez se despachó con su nuevo trabajo, Give More Love. Si bien la mayor parte de la información puede ser encontrada en nuestra sección Lanzamientos, diremos por aquí que el álbum consta de 10 tracks nuevos, y 4 reversiones de clásicos como “Don’t Pass Me By”, y “Back Off Boogaloo” en su versión deluxe, e incluye colaboraciones con Paul McCartney, Joe Walsh, Steve Lukather, Peter Frampton y Edgar Winter. El álbum fue lanzado oficialmente el 15 de septiembre.

Salen a subasta dos Demos: Beatle y Harrison Un demo inédito de “What Goes On” grabado en 1963 sale a subasta. En el mismo puede escucharse a John en guitarra acústica y cantando la letra principal con algunas diferencias a la que se pudo escuchar finalmente en Rubber Soul, además de Paul armonizando y tocando algunas notas de piano. La subasta, a través de Ebay, tiene fecha límite el 1 de octubre, y puede escucharse allí un fragmento. Un demo inédito de “What Goes On” grabado en 1963 sale a subasta. En el mismo puede escucharse a John en guitarra acústica y cantando la letra principal con algunas diferencias a la que se pudo escuchar finalmente en Rubber Soul, además de Paul armonizando y tocando algunas notas de piano. La subasta, a través de Ebay, tiene fecha límite el 1 de octubre, y puede escucharse allí un fragmento. 56

Paul retoma el One On One Tour Después de un parate de poco más de mes y medio, Paul volvió a los escenarios en el marco del One On One tour por Estados Unidos. Esta vez las fechas fueron en New Jersey y New York. Si bien el esqueleto del setlist fue el que viene tocando desde que comenzó la gira, hubo algunas perlitas durante los recitales. La ubicación que tenía fija Temporary Secretary parece haberse convertido en un lugar sorpresa en cada noche, y fueron sonando desde el regreso el 11 de septiembre sucesivamente: “Temporary Secretary” en el 11/9, “Listen To What The Man Said” el 12, “All My Loving” el 15,19 y 23, “Got To Get You Into My Life” el 17, “Drive My Car” el 21. “I've Just Seen A Face” apareció varias veces en lugar de “We Can Work It Out”, y “A Day In The Life” reemplazando a “The Fool On The Hill”. En la zona de los Encores, “Day Tripper” y “I Saw Her Standing There” reaparecieron reemplazando a “Birthday” en dos ocasiones cada una, además de que “Helter Skelter” hizo lo propio ocupando el lugar de “Hi Hi Hi”. Entre los highlights de las diferentes noches, en la fecha del 15 de septiembre en Madison Square Garden, invitó a subir al escenario durante los bises a Bruce Springsteen y juntos interpretaron “I Saw Her Standing There”… dos veces!. En la fecha del 19 de septiembre, saludó a Jimmy Fallon quien cumplía años y se encontraba entre la audiencia, y le fue dedicado Birthday, además de la entonación del clásico Happy Birthday. El 26 el invitado fue Billy Joel, quien subió al escenario durante los bises para interpretar Get Back y Birthday junto a Paul.

Yoko Ono demandó a una marca de limonadas “John Lemon” La pequeña marca del este de Londres fue demandada en marzo pasado por Yoko Ono por el uso indebido de la marca “John Lemon” (Registrada por él en 2014), que claramente hace referencia a John Lennon. Yoko tomó acciones legales intentando detener las ventas de la bebida, diciendo que infringe la marca registrada John Lennon y el legado del nombre de su esposo. Por su lado, la compañía Tower Harnlets, que distribuye el producto en el Reino Unido, dijo que el nombre no está vinculado de forma alguna a John Lennon “Están tratando de encontrar un caso debido a la similitud entre los nombres, pero son dos nombres distintos, dos marcas distintas”. Abogados del lado de Yoko han dicho que la marca, aunque lo niegue, ha utilizado imágenes de John Lennon y otras referencias dentro de sus redes sociales para el Mercado Europeo. Finalmente, estos últimos días se supo que el fabricante decidió evitar el costoso proceso judicial y por el cual la bebida pasará a llamarse a partir de este momento “On Lemon” y deberá deshacerse de todo el stock pendiente de “John Lemon” antes del 31 de octubre próximo.

Nuevo single, álbum y tour de Dhani Dhani Harrison y Annie Lennox interpretaron Isn’t It A Pity

Harrison

El pasado 18 de septiembre se le entregó a Annie Lennox el premio George Harrison Global Citizen Award, por sus esfuerzos humanitarios. Luego de un discurso, Annie invite a Dhani al escenario y juntos interpretaron Isn’t It A Pity, el clásico de George incluido en All Things Must Pass. El premio fue entregado por Olivia. Entre otras cosas, en su discurso Annie dijo que “La belleza y el poder de la música de George Harrison continua inspirando a millones de personas, con su mensaje social, político y universal por un mundo más sustentable y pacífico”.

Dhani presentó el primer sencillo, el psicodélico “Admiral Of Upside Down” de lo que será su primer trabajo solista: IN///PARALLEL. El álbum saldrá a la venta el próximo 6 de octubre. En lo que respecta al tour, comenzará el 6 de noviembre en New York y recorrerá varias ciudades de Estados Unidos.

Electricidad

Hace no mucho tiempo atrás en Liverpool Tocando cada show mientras trabajaba en la fábrica La música era lo central, estaba en lo mío Persiguiendo mi propio sueño con Rory and The Hurricanes Antes de convertirse en el guardián del avión Y con el nombre de Johnny Guitar. Electricidad viniendo de sus dedos Cada vez que él toca, todos permanecían Electricidad, y todavía lo recuerdo hasta hoy Nadie olvidará el modo en el que él tocaba Electricidad. Como resultó bien Desde aquí hasta Hollywood Tocando lo mismo Supongo que hay cosas que no cambian Desde el principio Cada noche le di mi corazón Tratando de hacerlo bien Como sé que podría El gangster del amor Está sonriendo desde arriba Así que tocamos esta para Johnny Guitar.